Bertolt Brecht: Biografie, Privatleben, Familie, Kreativität und beste Bücher. Biografie von Brecht Berthold Die bekanntesten Stücke
Jedem Theaterinteressierten, auch wenn er noch kein anspruchsvoller Theaterbesucher ist, ist der Name ein Begriff Berthold Brecht. Er nimmt einen ehrenvollen Platz unter den herausragenden Theaterfiguren ein, und sein Einfluss auf das europäische Theater kann mit dem Einfluss von verglichen werden K. Stanislawski Und W. Nemirowitsch-Dantschenko ins Russische. Theaterstücke Berthold Brecht sind überall platziert, und Russland ist keine Ausnahme.
Berthold Brecht. Quelle: http://www.lifo.gr/team/selides/55321
Was ist „episches Theater“?
Berthold Brecht- nicht nur Dramatiker, Schriftsteller, Dichter, sondern auch Begründer der Theatertheorie - "episches Theater". Ich selbst Brecht gegen das System psychologisch» Theater, dessen Gründer ist K. Stanislavsky. Grundprinzip "episches Theater" war eine Kombination aus Drama und Epos, die dem allgemein akzeptierten Verständnis von theatralischer Handlung widersprach, basierte, nach Meinung von Brecht, nur auf die Ideen von Aristoteles. Für Aristoteles waren diese beiden Konzepte auf derselben Bühne unvereinbar; Das Drama sollte den Zuschauer vollständig in die Realität der Aufführung eintauchen lassen, starke Emotionen hervorrufen und ihn die Ereignisse zusammen mit den Schauspielern intensiv erleben lassen, die sich an die Rolle gewöhnen und sich, um psychologische Authentizität zu erreichen, isolieren sollten auf der Bühne aus dem Publikum (in dem gem Stanislawski Dabei half ihnen die bedingte „vierte Wand“, die die Akteure abtrennte Auditorium). Schließlich war für das psychologische Theater eine vollständige und detaillierte Restaurierung des Gefolges erforderlich.
Brecht im Gegenteil, er glaubte, dass ein solcher Ansatz die Aufmerksamkeit stärker nur auf die Handlung lenkt und vom Wesentlichen ablenkt. Ziel " Episches Theater„- den Betrachter zu zwingen, zu abstrahieren und zu beginnen, das Geschehen auf der Bühne kritisch zu bewerten und zu analysieren. Lion Feuchtwanger schrieb:
„Der springende Punkt ist nach Brecht, dass der Zuschauer nicht mehr auf das ‚was‘ achtet, sondern nur noch auf das ‚wie‘ … Der springende Punkt ist nach Brecht, dass die Person im Zuschauerraum nur noch das Geschehen betrachtet auf der Bühne, bestrebt so viel wie möglich zu lernen und mehr zu hören. Der Zuschauer muss den Lauf des Lebens beobachten, die entsprechenden Schlüsse aus der Beobachtung ziehen, sie ablehnen oder zustimmen – er muss interessiert werden, aber, Gott bewahre, darf nicht emotional werden. Er muss den Mechanismus der Ereignisse genauso behandeln wie den Mechanismus eines Kraftfahrzeugs.
Entfremdungseffekt
Für "episches Theater" war wichtig“ Entfremdungseffekt". Ich selbst Berthold Brecht sagte, es sei notwendig „ein Ereignis oder eine Figur einfach all dessen zu berauben, was selbstverständlich ist, offensichtlich bekannt ist und Überraschung und Neugier auf dieses Ereignis weckt“, die die Fähigkeit des Zuschauers bilden sollten, die Handlung kritisch wahrzunehmen.
Schauspieler
Brecht verzichtete auf das Prinzip, dass sich der Schauspieler so weit wie möglich an die Rolle gewöhnen sollte, außerdem wurde der Schauspieler aufgefordert, seine eigene Position in Bezug auf seine Figur zum Ausdruck zu bringen. In seinem Bericht (1939) Brecht argumentierte diese Position wie folgt:
„Wenn auf der Grundlage von Empathie ein Kontakt zwischen Bühne und Publikum hergestellt wurde, konnte der Zuschauer genau so viel sehen, wie der Held, in den er sich hineinversetzte, sah. Und in Bezug auf bestimmte Situationen auf der Bühne konnte er solche Gefühle erleben, dass sich die „Stimmung“ auf der Bühne auflöste.
Szene
Dementsprechend musste die Gestaltung der Szene für die Idee funktionieren; Brecht weigerte sich, das Gefolge originalgetreu nachzubilden, und betrachtete die Bühne als Werkzeug. Nun war der Künstler gefragt minimalistischer Rationalismus, musste die Szenerie bedingt sein und dem Betrachter die dargestellte Wirklichkeit nur allgemein darstellen. Bildschirme wurden verwendet, um Titel und Wochenschauen zu zeigen, was auch das „Eintauchen“ in das Stück verhinderte; manchmal wurde die Kulisse direkt vor den Augen des Publikums verändert, ohne den Vorhang zu senken, wodurch die Bühnenillusion bewusst zerstört wurde.
Musik
Umsetzung des „Verfremdungseffekts“ Brecht auch in seinen Auftritten verwendet Musikalische Nummern- im "epischen Theater" ergänzte die Musik das Schauspiel und erfüllte die gleiche Funktion - Ausdruck einer kritischen Haltung gegenüber dem Geschehen auf der Bühne. Zunächst einmal zu diesem Zweck zongs. Diese musikalischen Einschübe schienen absichtlich aus der Handlung herauszufallen, wurden fehl am Platz eingesetzt, aber diese Technik betonte die Widersprüchlichkeit nur mit der Form, nicht mit dem Inhalt.
Einfluss auf das heutige russische Theater
Wie bereits erwähnt, spielt Berthold Brecht sind immer noch bei Regisseuren aller Couleur beliebt, und die Moskauer Theater bieten heute eine große Auswahl und ermöglichen es Ihnen, das gesamte Spektrum des Talents des Dramatikers zu sehen.
Also, im Mai 2016, die Premiere des Stücks "Mutter Courage" im Theater Workshop von Peter Fomenko. Das Stück basiert auf „Mutter Courage und ihre Kinder“, die Brecht am Vorabend des Zweiten Weltkriegs zu schreiben begann, war so als Mahnung gedacht. Der Dramatiker beendete seine Arbeit jedoch im Herbst 1939, als der Krieg bereits begonnen hatte. Später Brecht werde schreiben:
„Schriftsteller können nicht so schnell schreiben, wie Regierungen Kriege entfesseln: Um zu komponieren, muss man schließlich denken ... „Mutter Courage und ihre Kinder“ - spät“
Inspirationsquellen beim Schreiben eines Theaterstücks Brecht serviert zwei Werke - die Geschichte " Eine ausführliche und erstaunliche Biographie des notorischen Lügners und Vagabunden Courage“, geschrieben 1670 G. von Grimmelshausen, ein Teilnehmer am Dreißigjährigen Krieg, und „ Geschichten von Fähnrich Stol» J. L. Runeberg. Die Heldin des Stücks, eine Kantine, nutzt den Krieg, um reich zu werden, und hat keine Gefühle gegenüber diesem Ereignis. Mut kümmert sich um seine Kinder, die im Gegenteil die besten menschlichen Eigenschaften darstellen, die sich unter den Bedingungen des Krieges ändern und alle drei zum Tode verurteilen. " Milf Mut„ verkörperte nicht nur die Ideen des „epischen Theaters“, sondern wurde auch zur ersten Inszenierung des Theaters „ Berliner Ensemble» (1949), erstellt Brecht.
Produktion des Stücks „Mutter Courage“ im Fomenko-Theater. Fotoquelle: http://fomenko.theatre.ru/performance/courage/
IN Theater sie. Majakowski die Uraufführung des Stücks fand im April 2016 statt "Kaukasischer Kreidekreis" Von Spiel mit dem gleichen Namen Brecht. Das Stück wurde 1945 in Amerika geschrieben. Ernst Schumacher, Biograf Berthold Brecht, schlug vor, dass der Dramatiker mit der Wahl Georgiens als Schauplatz gleichsam die Rolle der Sowjetunion im Zweiten Weltkrieg würdigte. Es gibt ein Zitat im Epigraph des Stücks:
"Schlechte Zeiten machen die Menschheit zu einer Gefahr für den Menschen"
Das Stück basiert auf dem biblischen Gleichnis vom König Solomon und zwei Mütter, die sich darüber streiten, wessen Kind (auch, laut Biographen, am Brecht vom Spiel beeinflusst Kreidekreis» Klabunda, auf der wiederum basierte Chinesische Legende). Die Handlung spielt vor dem Hintergrund des Zweiten Weltkriegs. In dieser Arbeit Brecht wirft die Frage auf, was ist eine gute Tat wert?
Wie die Forscher anmerken, ist dieses Stück ein Beispiel für die „richtige“ Kombination von Epos und Drama für das „epische Theater“.
Inszenierung des Theaterstücks „Kaukasischer Kreidekreis“ am Majakowski-Theater. Fotoquelle: http://www.wingwave.ru/theatre/theaterphoto.html
Vielleicht das berühmteste in Russland Produktion von „Der gute Mann von Sezuan“(« Guter Mann aus Sichuan"") - Inszenierung Juri Ljubimow 1964 im Theater auf Taganka, mit der die Blütezeit des Theaters begann. Bis heute ist das Interesse von Regisseuren und Zuschauern an dem Stück, der Aufführung, nicht verschwunden Lyubimova noch auf der Bühne Puschkin-Theater Sie können die Version sehen Juri Butusow. Dieses Stück gilt als eines der markantesten Beispiele für „ Episches Theater". Wie Georgia in Kaukasischer Kreidekreis“, China ist hier eine Art, sehr fern bedingtes Märchenland. Und in dieser bedingten Welt entfaltet sich die Handlung – die Götter steigen vom Himmel herab auf der Suche nach einem guten Menschen. Dies ist ein Stück über Freundlichkeit. Brecht glaubten, dass dies eine angeborene Eigenschaft ist und sich auf eine bestimmte Reihe von Eigenschaften bezieht, die nur symbolisch ausgedrückt werden können. Dieses Stück ist eine Parabel, und der Autor stellt dem Betrachter hier Fragen, was ist Freundlichkeit im Leben, wie wird sie verkörpert und kann sie absolut sein, oder gibt es eine Dualität der menschlichen Natur?
Inszenierung von Brechts Stück „Der freundliche Mann aus Sichuan“ 1964 am Taganka-Theater. Fotoquelle: http://tagankateatr.ru/repertuar/sezuan64
Eines der berühmtesten Theaterstücke Brecht, « Dreigroschenoper“, eingestellt im Jahr 2009 Kirill Serebrennikow im nach Tschechow benannten Moskauer Kunsttheater. Der Regisseur betonte, dass er eine Zong – eine Oper – inszeniere und die Aufführung zwei Jahre lang vorbereitet habe. Dies ist eine Geschichte über einen Banditen namens Makki- ein Messer, die Handlung spielt im viktorianischen England. Bettler, Polizisten, Banditen und Prostituierte nehmen an der Aktion teil. In den Worten von Brecht, in dem Stück porträtierte er die bürgerliche Gesellschaft. Basierend auf der Ballade Oper Oper der Bettler» Johannes Schwul. Brecht er sagte, dass der Komponist am Schreiben seines Stücks beteiligt war Kurt Weil. Forscher W. Hecht Er verglich diese beiden Werke und schrieb:
„Schwuler richtete verhüllte Kritik an offensichtlichen Ausschreitungen, Brecht unterwarf explizite Kritik verkleideten Ausschreitungen. Gay erklärte Hässlichkeit mit menschlichen Lastern, Brecht dagegen Laster mit gesellschaftlichen Zuständen.
Besonderheit " Die Dreigroschenoper in ihrer Musikalität. Zongs aus der Aufführung wurden unglaublich beliebt, und 1929 wurde sogar eine Sammlung in Berlin veröffentlicht und später von vielen Weltstars der Musikindustrie aufgeführt.
Inszenierung des Stücks „Tekhgroshova Opera“ im Moskauer Art Theatre, benannt nach A.P. Tschechow. Fotoquelle: https://m.lenta.ru/photo/2009/06/12/opera
Berthold Brecht stand am Anfang eines völlig neuen Theaters, in dem das Hauptziel des Autors und der Schauspieler darin besteht, nicht die Emotionen des Zuschauers zu beeinflussen, sondern seinen Verstand: den Zuschauer dazu zu zwingen, kein Teilnehmer zu sein und sich aufrichtig in das Geschehen einzufühlen der an die Realität der Bühnenhandlung glaubt, sondern ein ruhiger Betrachter, der den Unterschied zwischen Realität und Illusion der Realität klar versteht. Der Zuschauer des Schauspieltheaters weint mit dem Weinenden und lacht mit dem Lachenden, während der Zuschauer des epischen Theaters Brecht
Brecht, Bertolt (Brecht), (1898-1956), einer der populärsten deutschen Dramatiker, Dichter, Kunsttheoretiker, Regisseur. Geboren am 10. Februar 1898 in Augsburg in der Familie eines Fabrikdirektors. Er studierte an der Medizinischen Fakultät der Universität München. Bereits in seiner Gymnasialzeit begann er sich mit der Geschichte der Antike und der Literatur zu beschäftigen. Autor eine große Anzahl Stücke, die auf den Bühnen vieler Theater in Deutschland und der Welt erfolgreich aufgeführt wurden: „Baal“, „Trommelschlag in der Nacht“ (1922), „Was ist dieser Soldat, was ist das“ (1927), „Die Dreigroschenoper“ (1928), „Ja reden und nein sagen“ (1930), „Horaz und die Kurie“ (1934) und viele andere mehr. Er entwickelte die Theorie des „epischen Theaters“. emigrierte; 1933-47 lebte er in der Schweiz, Dänemark, Schweden, Finnland, USA Im Exil schuf er einen Zyklus realistischer Szenen „Angst und Verzweiflung im Dritten Reich“ (1938), das Drama „Die Gewehre der Teresa Carrar“ (1937 ), das Parabeldrama „Der gute Mann von Cezuan“ (1940), „Die Karriere des Arturo Hui“ (1941), „Der kaukasische Kreidekreis“ (1944), die historischen Dramen „Mutter Courage und ihre Kinder“ (1939 ), „Das Leben des Galileo“ (1939) ua 1948 kehrte er in seine Heimat zurück und organisierte ein Theater im Berliner Berliner Ensemble. Brecht starb am 14. August 1956 in Berlin.
Brecht Bertolt (1898/1956) - deutscher Schriftsteller, Regisseur. Die meisten Stücke Brechts sind von einem humanistischen, antifaschistischen Geist erfüllt. Viele seiner Werke sind in die Schatzkammer der Weltkultur eingegangen: Die Dreigroschenoper, Mutter Courage und ihre Kinder, Das Leben des Galileo, Der gute Mann von Cezuan usw.
Gurjewa T. N. Neues literarisches Wörterbuch / T.N. Guriev. - Rostov n / a, Phoenix, 2009, p. 38.
Bertolt Brecht (1898-1956) wurde in Augsburg als Sohn eines Fabrikdirektors geboren, studierte am Gymnasium, praktizierte Medizin in München und wurde als Krankenpfleger zum Militär eingezogen. Die Lieder und Gedichte der jungen Ordonnanz erregten Aufmerksamkeit mit Hass auf den Krieg, auf das preußische Militär, auf den deutschen Imperialismus. In den Revolutionstagen im November 1918 wurde Brecht in den Augsburger Soldatenrat gewählt, was von der Autorität eines noch jungen Dichters zeugte.
Schon in Brechts frühesten Gedichten finden wir eine Kombination aus einprägsamen Slogans, die zum sofortigen Einprägen bestimmt sind, und einer komplexen Bildsprache, die Assoziationen an die klassische deutsche Literatur weckt. Diese Assoziationen sind keine Imitationen, sondern ein unerwartetes Umdenken alter Situationen und Techniken. Brecht scheint sie ins moderne Leben zu rücken, lässt einen neu auf sie blicken, „entfremdet“. So tastet Brecht schon in den frühesten Texten nach seinem berühmten dramatischen Kunstgriff der „Verfremdung“. In dem Gedicht "Die Legende vom toten Soldaten" ähneln satirische Techniken den Techniken der Romantik: Ein Soldat, der gegen den Feind in den Kampf zieht, ist längst nur noch ein Gespenst, die Leute, die ihn verabschieden, sind Spießer, die ihn verabschieden Deutsche Literatur zeichnet seit langem in Form von Tieren. Und gleichzeitig ist Brechts Gedicht aktuell – es enthält Intonationen, Bilder und Hass auf die Zeit des Ersten Weltkriegs. Brecht stigmatisiert deutschen Militarismus und Krieg in dem Gedicht „Die Ballade von einer Mutter und einem Soldaten“ von 1924; Der Dichter versteht, dass die Weimarer Republik weit davon entfernt ist, den militanten Pangermanismus auszurotten.
In den Jahren der Weimarer Republik poetische Welt Brecht erweitert. Die Realität zeigt sich in den schärfsten Klassenerschütterungen. Aber Brecht begnügt sich nicht damit, Bilder der Unterdrückung zu rekonstruieren. Seine Gedichte haben stets einen revolutionären Appell: „The Song of the United Front“, „The Faded Glory of New York, the Giant City“, „The Song of the Class Enemy“. Diese Gedichte zeigen deutlich, wie Brecht Ende der 1920er Jahre zu einer kommunistischen Weltanschauung kommt, wie seine spontane jugendliche Rebellion zum proletarischen Revolutionismus heranwächst.
Brechts Lyrik ist sehr breit gefächert, der Dichter kann das wahre Bild des deutschen Lebens in seiner ganzen historischen und psychologischen Konkretheit einfangen, aber er kann auch ein Meditationsgedicht schaffen, bei dem die poetische Wirkung nicht durch Beschreibung, sondern durch Genauigkeit erreicht wird und Tiefe des philosophischen Denkens, kombiniert mit einer exquisiten, keineswegs weit hergeholten Allegorie. Poesie ist für Brecht vor allem die Genauigkeit philosophischen und staatsbürgerlichen Denkens. Brecht betrachtete sogar philosophische Abhandlungen oder Absätze proletarischer Zeitungen voller bürgerlichem Pathos als Poesie (zum Beispiel ist der Stil des Gedichts „Botschaft an den Genossen Dimitrov, der in Leipzig gegen das Faschistentribunal kämpfte“ ein Versuch, die Sprache der Poesie zu bringen und Zeitungen zusammen). Aber diese Experimente überzeugten Brecht schließlich davon, dass die Kunst in einer Sprache, die weit vom Alltag entfernt ist, über den Alltag sprechen sollte. In diesem Sinne hat der Lyriker Brecht dem Dramatiker Brecht geholfen.
In den 1920er Jahren wandte sich Brecht dem Theater zu. In München wird er Regisseur, dann Dramatiker am Stadttheater. 1924 zog Brecht nach Berlin, wo er am Theater arbeitete. Er wirkt gleichzeitig als Dramatiker und als Theoretiker – als Theaterreformer. Bereits in diesen Jahren nahm Brechts Ästhetik, sein innovativer Blick auf die Aufgaben der Dramaturgie und des Theaters, in ihren entscheidenden Zügen Gestalt an. Seine theoretischen Ansichten zur Kunst äußerte Brecht in den 1920er Jahren in einzelnen Artikeln und Reden, die später in den Sammlungen Gegen den Theateralltag und Auf dem Weg zum modernen Theater zusammengefasst wurden. Später, in den 1930er Jahren, systematisierte Brecht seine Theatertheorie, verfeinerte und entwickelte sie in den Abhandlungen „Über das nicht-aristotelische Drama“, „Neue Prinzipien des Schauspiels“, „Das kleine Organon für das Theater“, „Der Kupferkauf“ und einigen anderen.
Brecht nennt seine Ästhetik und Dramaturgie „episches“, „nicht-aristotelisches“ Theater; mit dieser Benennung unterstreicht er seine Ablehnung des laut Aristoteles wichtigsten Prinzips der antiken Tragödie, das später mehr oder weniger von der gesamten Theatertradition der Welt übernommen wurde. Der Dramatiker wendet sich gegen die aristotelische Katharsis-Lehre. Katharsis ist eine außergewöhnliche, höchste emotionale Spannung. Diese Seite der Katharsis hat Brecht erkannt und für sein Theater festgehalten; emotionale Stärke, Pathos, offene Manifestation von Leidenschaften sehen wir in seinen Stücken. Aber die Läuterung der Gefühle in der Katharsis, so Brecht, führe zur Versöhnung mit der Tragödie, der Horror des Lebens sei theatralisch und damit anziehend geworden, der Zuschauer habe gar nichts dagegen, so etwas zu erleben. Brecht versuchte ständig, die Legenden über die Schönheit des Leidens und der Geduld zu zerstreuen. Im Leben von Galileo schreibt er, dass die Hungrigen kein Recht haben, Hunger zu ertragen, dass „Hungern“ einfach nicht essen und keine Geduld zeigen, was dem Himmel gefällt. Brecht wollte, dass die Tragödie zum Nachdenken darüber anregt, wie Tragödien verhindert werden können. Daher betrachte er Shakespeares Manko, dass bei den Aufführungen seiner Tragödien beispielsweise „eine Diskussion über das Verhalten von König Lear“ undenkbar sei und Lears Trauer unvermeidlich zu sein scheine: „So war es schon immer, es ist natürlich ."
Die vom antiken Drama erzeugte Idee der Katharsis war eng mit dem Konzept der fatalen Vorherbestimmung des menschlichen Schicksals verbunden. Dramatiker enthüllten durch die Kraft ihres Talents alle Motivationen menschlichen Verhaltens, in Momenten der Katharsis beleuchteten sie wie ein Blitz alle Gründe für menschliches Handeln, und die Kraft dieser Gründe erwies sich als absolut. Deshalb nannte Brecht das aristotelische Theater fatalistisch.
Brecht sah einen Widerspruch zwischen dem Prinzip der Reinkarnation im Theater, dem Prinzip der Auflösung des Autors in den Figuren und der Notwendigkeit einer direkten, agitatorischen und visuellen Identifizierung des philosophischen und politische Stellung Schriftsteller. Selbst in den erfolgreichsten und tendenziösesten besten Sinn Wörter in traditionellen Dramen wurde die Position des Autors laut Brecht mit den Figuren der Vernunft verbunden. So auch in den Dramen Schillers, den Brecht wegen seines Bürgertums und seines ethischen Pathos hoch schätzte. Der Dramatiker glaubte zu Recht, dass die Charaktere der Charaktere keine „Sprachrohre von Ideen“ sein sollten, dass dies die künstlerische Wirksamkeit des Stücks mindert: „… auf der Bühne eines realistischen Theaters ist nur Platz für lebendige Menschen, Menschen in Fleisch und Blut, mit all ihren Widersprüchen, Leidenschaften und Taten. Die Bühne ist kein Herbarium oder Museum, in dem ausgestopfte Bildnisse ausgestellt werden ... "
Brecht findet seine eigene Lösung für diese kontroverse Frage: Die theatralische Aufführung, die Bühnenhandlung stimmt nicht mit der Handlung des Stücks überein. Die Handlung, die Geschichte der Charaktere wird unterbrochen von direkten Autorenkommentaren, lyrischen Abschweifungen und manchmal sogar einer Demonstration von physikalischen Experimenten, dem Lesen von Zeitungen und einem eigenartigen, immer aktuellen Entertainer. Brecht bricht die Illusion einer kontinuierlichen Entwicklung des Theatergeschehens, zerstört den Zauber gewissenhafter Realitätswiedergabe. Das Theater ist echte Kreativität, die weit über bloße Plausibilität hinausgeht. Kreativität für Brecht und das Spiel von Schauspielern, denen nur "natürliches Verhalten in den gebotenen Umständen" völlig unzureichend ist. Bei der Entwicklung seiner Ästhetik bedient sich Brecht vergessener Traditionen des alltäglichen psychologischen Theaters des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts, er führt Chöre und Zongs des zeitgenössischen politischen Kabaretts, lyrische Abschweifungen, die für Gedichte charakteristisch sind, und philosophische Abhandlungen ein. Brecht erlaubt eine Änderung des Kommentaranfangs, wenn er seine Stücke wieder aufnimmt: Er hat manchmal zwei Versionen von Zongs und Chören für dieselbe Handlung (z. B. sind die Zongs in den Inszenierungen der Dreigroschenoper von 1928 und 1946 unterschiedlich).
Brecht hielt die Kunst der Verkleidung für unverzichtbar, aber für einen Schauspieler völlig unzureichend. Viel wichtiger war ihm die Fähigkeit, seine Persönlichkeit auf der Bühne zu zeigen und zu demonstrieren - sowohl zivil als auch kreativ. Im Spiel muss sich die Reinkarnation unbedingt abwechseln, kombiniert mit der Demonstration künstlerischer Daten (Rezitationen, Plastiken, Gesang), die gerade wegen ihrer Originalität interessant sind, und vor allem mit der Demonstration der persönlichen Staatsbürgerschaft des Schauspielers, seines Menschen Glaubensbekenntnis.
Brecht glaubte, dass der Mensch auch unter schwierigsten Umständen die Fähigkeit zur freien Wahl und verantwortlichen Entscheidung behält. Diese Überzeugung des Dramatikers drückte den Glauben an den Menschen aus, eine tiefe Überzeugung, dass die bürgerliche Gesellschaft mit all der Macht ihres verderblichen Einflusses die Menschheit nicht im Geiste ihrer Prinzipien umgestalten kann. Brecht schreibt, die Aufgabe des "epischen Theaters" sei es, den Zuschauer zu zwingen, "die Illusion aufzugeben, dass alle an der Stelle des dargestellten Helden gleich handeln würden". Der Dramatiker versteht die Dialektik der Gesellschaftsentwicklung zutiefst und zerschmettert damit die mit dem Positivismus verbundene Vulgärsoziologie auf vernichtende Weise. Brecht wählt immer komplexe, "nicht ideale" Wege, um die kapitalistische Gesellschaft zu entlarven. "Politisch primitiv", so der Dramatiker, sei auf der Bühne nicht akzeptabel. Brecht wollte, dass Leben und Handeln der Figuren in den Stücken aus dem Leben einer Eigentumsgesellschaft stets den Eindruck von Unnatürlichkeit erwecken. Er stellt die Theateraufführung vor eine sehr schwierige Aufgabe: Er vergleicht den Betrachter mit einem Wasserbauer, der „gleichzeitig den Fluss sowohl in seinem tatsächlichen als auch in dem imaginären Verlauf sehen kann, an dem er entlang des Abhangs fließen könnte des Plateaus und der Wasserstand waren unterschiedlich“ .
Brecht glaubte, dass eine wahre Abbildung der Wirklichkeit sich nicht nur auf die Reproduktion der gesellschaftlichen Lebensumstände beschränkt, dass es universelle Kategorien gibt, die der gesellschaftliche Determinismus nicht vollständig erklären kann (die Liebe der Heldin des „Kaukasischen Kreidekreises“ Gruscha zu einem Wehrlosen verlassenes Kind, Shen De's unwiderstehlicher Impuls zum Guten). Ihre Darstellung ist in Form eines Mythos, eines Symbols, im Genre der Parabelspiele oder Parabelspiele möglich. Aber in Sachen sozialpsychologischen Realismus ist Brechts Dramaturgie mit den größten Errungenschaften des Welttheaters gleichzusetzen. Der Dramatiker beachtete sorgfältig das Grundgesetz des Realismus des 19. Jahrhunderts. - historische Konkretheit sozialer und psychologischer Motivationen. Das Verständnis der qualitativen Vielfalt der Welt war für ihn immer eine vorrangige Aufgabe. „Wir müssen nach einer immer genaueren Beschreibung der Wirklichkeit streben, und das ist ein ästhetisch immer feineres und wirksameres Beschreibungsverständnis“, fasste Brecht seinen Weg als Dramatiker zusammen.
Brechts Innovation zeigte sich auch darin, dass es ihm gelang, traditionelle, vermittelte Methoden der Enthüllung ästhetischer Inhalte (Figuren, Konflikte, Handlung) mit einem abstrakt-reflexiven Ansatz zu einem unauflöslichen harmonischen Ganzen zu verschmelzen. Was verleiht der scheinbar widersprüchlichen Kombination von Handlung und Kommentar eine erstaunliche künstlerische Integrität? Das berühmte Brechtsche Prinzip der „Verfremdung“ – es durchdringt nicht nur den Kommentar selbst, sondern die gesamte Handlung. Brechts „Verfremdung“ ist sowohl ein Instrument der Logik als auch der Poesie selbst, voller Überraschungen und Brillanz.
Brecht macht die „Entfremdung“ zum wichtigsten Prinzip philosophischer Welterkenntnis, zur wichtigsten Bedingung realistischer Kreativität. Brecht glaubte, dass der Determinismus für die Wahrheit der Kunst nicht ausreiche, dass die historische Konkretheit und sozialpsychologische Vollständigkeit der Umwelt – der „Falstaffsche Hintergrund“ – für das „epische Theater“ nicht ausreiche. Brecht verbindet die Lösung des Problems des Realismus mit dem Begriff des Fetischismus in Marx' Kapital. In Anlehnung an Marx glaubt er, dass in der bürgerlichen Gesellschaft das Weltbild oft in einer „verhexten“, „versteckten“ Form erscheint, dass den Menschen für jede historische Stufe eine eigene objektive „Sichtbarkeit der Dinge“ aufgezwungen wird. Dieser „objektive Schein“ verbirgt die Wahrheit in der Regel undurchdringlicher als Demagogie, Lüge oder Ignoranz. Das höchste Ziel und der höchste Erfolg des Künstlers ist laut Brecht die „Verfremdung“, d.h. nicht nur die Laster und subjektiven Wahnvorstellungen einzelner Menschen aufzudecken, sondern auch einen Durchbruch über die objektive Sichtbarkeit hinaus zu echten, nur auftauchenden, nur erahnten heutigen Gesetzen.
„Objektive Erscheinung“, wie Brecht es verstand, kann sich in eine Kraft verwandeln, die „die gesamte Struktur der Alltagssprache und des Bewusstseins unterwirft“. Darin scheint Brecht mit den Existentialisten zusammenzufallen. Heidegger und Jaspers beispielsweise betrachteten den gesamten Alltag bürgerlicher Werte, einschließlich Alltagssprache, „Gerücht“, „Klatsch“. Aber Brecht, der wie die Existentialisten erkennt, dass Positivismus und Pantheismus nur „Gerücht“, „objektiver Schein“ sind, entlarvt den Existentialismus als ein neues „Gerücht“, als einen neuen „objektiven Schein“. Die Gewöhnung an die Rolle, an die Gegebenheiten bricht nicht durch die „objektive Erscheinung“ und dient daher weniger dem Realismus als der „Verfremdung“. Brecht stimmte nicht zu, dass Gewöhnung und Reinkarnation der Weg zur Wahrheit sind. KS Stanislawski, der dies behauptete, war seiner Meinung nach "ungeduldig". Denn das Leben unterscheidet nicht zwischen Wahrheit und "objektivem Schein".
Brechts Stücke der ersten Schaffensperiode - Experimente, Suchen und erste künstlerische Siege. Schon „Baal“ – Brechts erstes Stück – besticht durch eine kühne und ungewöhnliche Inszenierung von Menschen und künstlerische Probleme. in der Poetik u stilistische Merkmale„Baal“ steht dem Expressionismus nahe. Brecht hält die Dramaturgie von G. Kaiser für „entscheidend“, „veränderte die Situation in Europäisches Theater". Doch Brecht verfremdet sofort das expressionistische Verständnis des Dichters und der Poesie als ekstatisches Medium. Ohne die expressionistische Poetik der Grundprinzipien abzulehnen, lehnt er die pessimistische Interpretation dieser Grundprinzipien ab. In dem Stück enthüllt er die Absurdität, die Poesie auf Ekstase, auf Katharsis zu reduzieren, zeigt die Perversion eines Menschen auf dem Weg ekstatischer, enthemmter Emotionen.
Das Grundprinzip, die Substanz des Lebens ist Glück. Sie ist, so Brecht, in den Schlangenringen eines mächtigen, aber nicht tödlichen, ihr eigentlich fremden Bösen, in der Gewalt des Zwanges. Brechts Welt - und das muss das Theater nachbilden - scheint ständig auf Messers Schneide zu balancieren. Er ist entweder in der Macht der „objektiven Sichtbarkeit“, sie nährt seine Trauer, schafft eine Sprache der Verzweiflung, „Klatsch“, findet dann Unterstützung im Verständnis der Evolution. In Brechts Theater sind Emotionen beweglich, ambivalent, Tränen lösen sich im Lachen auf, und versteckte, unzerstörbare Traurigkeit mischt sich in die hellsten Bilder.
Der Dramatiker macht seinen Baal zum Brennpunkt, zum Brennpunkt der philosophischen und psychologischen Strömungen der Zeit. Denn die expressionistische Weltwahrnehmung als Schrecken und die existentialistische Vorstellung menschlicher Existenz als absolute Einsamkeit erschienen fast zeitgleich, fast zeitgleich entstanden die Theaterstücke der Expressionisten Hasenclever, Kaiser, Werfel und die ersten philosophischen Werke der Existentialisten Heidegger und Jaspers . Gleichzeitig zeigt Brecht, dass das Baal-Lied ein Dope ist, der den Kopf der Zuhörer umhüllt, den geistigen Horizont Europas. Brecht schildert das Leben des Baal so, dass dem Publikum klar wird, dass die wahnhafte Phantasmagorie seiner Existenz nicht Leben genannt werden kann.
„Was ist das für ein Soldat, was ist das für eins“ ist ein anschauliches Beispiel für ein innovatives Theaterstück in all seinen künstlerischen Komponenten. Brecht bedient sich darin nicht der von der Tradition geweihten Techniken. Er schafft ein Gleichnis; Die zentrale Szene des Stücks ist ein Zong, der den Aphorismus „Was ist dieser Soldat, was ist das?“ widerlegt, Brecht „verfremdet“ das Gerücht von der „Austauschbarkeit der Menschen“, spricht von der Einzigartigkeit jedes Menschen und der Relativität der Umwelt Druck auf ihn. Dies ist eine tiefe Vorahnung der historischen Schuld des deutschen Laien, der geneigt ist, seine Unterstützung des Faschismus als unvermeidlich, als natürliche Reaktion auf das Scheitern der Weimarer Republik zu interpretieren. Brecht findet neue Energie für die Bewegung des Dramas anstelle der Illusion von sich entwickelnden Charakteren und natürlich fließendem Leben. Der Dramatiker und die Schauspieler scheinen mit den Figuren zu experimentieren, die Handlung ist hier eine Kette von Experimenten, die Zeilen sind weniger die Kommunikation der Figuren als eine Demonstration ihres wahrscheinlichen Verhaltens und dann die "Verfremdung" dieses Verhaltens .
Brechts weitere Suche war geprägt von der Entstehung der Stücke „Die Dreigroschenoper“ (1928), „Die heilige Johanna im Schlachthof“ (1932) und „Mutter“ nach Gorkis Roman (1932).
Brecht nahm die Komödie als Grundlage für die Handlung seiner „Oper“. Englischer Dramatiker 18. Jahrhundert Gaias Oper der Bettler. Aber die von Brecht dargestellte Welt der Abenteurer, Banditen, Prostituierten und Bettler hat nicht nur englische Spezifika. Die Struktur des Stücks ist facettenreich, die Schärfe der Handlungskonflikte erinnert an die Krisenstimmung in Deutschland während der Weimarer Republik. Dieses Stück wird von Brecht in den Kompositionstechniken des "epischen Theaters" getragen. Unmittelbar ästhetische Inhalte, die in den Charakteren und der Handlung enthalten sind, werden darin mit Zongs kombiniert, die einen theoretischen Kommentar tragen und den Betrachter zu intensiver Denkarbeit anregen. 1933 emigrierte Brecht aus dem faschistischen Deutschland, lebte in Österreich, dann in der Schweiz, Frankreich, Dänemark, Finnland und seit 1941 in den USA. Nach dem Zweiten Weltkrieg wurde er in den Vereinigten Staaten von der Un-American Activities Commission strafrechtlich verfolgt.
Die Gedichte der frühen 1930er Jahre sollten Hitlersche Demagogie zerstreuen; Der Dichter fand und stellte Widersprüche in faschistischen Versprechungen zur Schau, die für den Laien manchmal nicht wahrnehmbar waren. Und hier half Brecht sein Prinzip der "Entfremdung".] Üblich im Hitlerstaat, gewohnheitsmäßig, angenehm für das Ohr eines Deutschen - unter Brechts Feder begann es zweifelhaft, absurd und dann ungeheuerlich auszusehen. 1933-1934. der Dichter erschafft „Hitlers Gesänge“. Die hohe Form der Ode, die musikalische Intonation des Werkes verstärken nur die satirische Wirkung, die in den Aphorismen der Choräle enthalten ist. In vielen Gedichten betont Brecht, dass der konsequente Kampf gegen den Faschismus nicht nur die Zerstörung des NS-Staates, sondern auch die Revolution des Proletariats ist (Gedichte „Alles oder Niemand“, „Lied gegen den Krieg“, „Auflösung der Kommunarden“ , „Großer Oktober“).
1934 veröffentlichte Brecht sein bedeutendstes Prosawerk, Der Dreigroschenroman. Auf den ersten Blick mag es scheinen, als habe der Autor nur eine Prosaversion der Dreigroschenoper geschaffen. Allerdings ist The Threepenny Romance ein völlig eigenständiges Werk. Brecht spezifiziert den Zeitpunkt der Handlung hier viel genauer. Alle Ereignisse des Romans stehen im Zusammenhang mit dem Anglo-Buren-Krieg von 1899-1902. Die aus dem Stück bekannten Charaktere – der Bandit Makhit, das Oberhaupt des „Bettelimperiums“ Peacham, der Polizist Brown, Polly, Peachams Tochter und andere – werden verwandelt. Wir sehen sie als Geschäftsleute mit imperialistischem Scharfsinn und Zynismus. Brecht tritt in diesem Roman als echter „Doktor der Sozialwissenschaften“ auf. Es zeigt den Mechanismus hinter den Backstage-Verbindungen von Finanzabenteurern (wie Cox) und der Regierung. Der Autor schildert die äußere, offene Seite der Ereignisse - die Entsendung von Schiffen mit Rekruten nach Südafrika, patriotische Demonstrationen, ein respektables Gericht und die wachsame Polizei Englands. Dann zeichnet er den wahren und entscheidenden Lauf der Ereignisse im Land. Kaufleute für Profit schicken Soldaten in "schwimmenden Särgen", die auf den Grund gehen; Patriotismus wird durch angeheuerte Bettler aufgeblasen; vor Gericht spielt der Bandit Makhit-Messer ruhig den beleidigten "ehrlichen Kaufmann"; den räuber und den polizeipräsidenten verbindet eine rührende freundschaft und leisten sich gegenseitig viele dienste auf kosten der gesellschaft.
Brechts Roman stellt die Klassenschichtung der Gesellschaft, den Klassenantagonismus und die Dynamik des Kampfes dar. Die faschistischen Verbrechen der 1930er Jahre seien laut Brecht nicht neu, die englische Bourgeoisie zu Beginn des Jahrhunderts habe die demagogischen Methoden der Nazis in vielerlei Hinsicht vorweggenommen. Und wenn ein kleiner Kaufmann, der wie ein Faschist Hehlerei verkauft, den Kommunisten, die sich der Versklavung der Buren widersetzen, Verrat, mangelnden Patriotismus vorwirft, dann ist das bei Brecht kein Anachronismus, kein Antihistorismus. Im Gegenteil, es ist ein tiefer Einblick in bestimmte wiederkehrende Muster. Dabei geht es Brecht nicht um die exakte Wiedergabe des historischen Lebens und der Atmosphäre. Wichtiger ist ihm die Bedeutung der historischen Episode. Der Anglo-Burenkrieg und der Faschismus sind für den Künstler das tobende Element des Eigentums. Viele Episoden von The Threepenny Romance erinnern an eine Welt von Dickens. Brecht fängt auf subtile Weise das nationale Flair des englischen Lebens und die spezifischen Intonationen der englischen Literatur ein: ein komplexes Kaleidoskop von Bildern, angespannte Dynamik, einen detektivischen Ton in der Darstellung von Konflikten und Kämpfen und die englische Natur sozialer Tragödien.
Im Exil, im Kampf gegen den Faschismus, blühte Brechts dramatisches Werk auf. Es war außerordentlich reich an Inhalt und abwechslungsreich in der Form. Zu den berühmtesten Stücken der Emigration - "Mutter Courage und ihre Kinder" (1939). Je schärfer und tragischer der Konflikt, desto kritischer sollte laut Brecht der Mensch denken. Unter den Bedingungen der 30er Jahre klang Mutter Courage natürlich als Protest gegen die demagogische Kriegspropaganda der Nazis und richtete sich an den Teil der deutschen Bevölkerung, der dieser Demagogie erlag. Der Krieg wird im Stück als ein der menschlichen Existenz organisch feindliches Element dargestellt.
Das Wesen des „epischen Theaters“ wird im Zusammenhang mit „Mutter Courage“ besonders deutlich. Theoretischer Kommentar verbindet sich im Stück mit realistischer Manier, gnadenlos in seiner Konsequenz. Brecht glaubt, dass der Realismus die zuverlässigste Art der Einflussnahme ist. Deshalb zeigt sich in „Mutter Courage“ das „echte“ Gesicht des Lebens auch in kleinen Details so konsequent und nachhaltig. Aber man sollte die Dualität dieses Stücks im Auge behalten - den ästhetischen Inhalt der Charaktere, d.h. eine Reproduktion des Lebens, in der sich Gut und Böse ungeachtet unserer Wünsche mischen, und die Stimme von Brecht selbst, die mit einem solchen Bild nicht zufrieden ist und versucht, das Gute zu bejahen. Brechts Position wird in den Zongs unmittelbar sichtbar. Darüber hinaus bietet der Dramatiker, wie sich aus Brechts Regieanweisungen zum Stück ergibt, den Theatern reichlich Möglichkeiten, die Gedanken des Autors mit Hilfe verschiedener „Verfremdungen“ (Fotografien, Filmprojektionen, direkte Ansprache von Schauspielern an das Publikum) zu demonstrieren.
Die Charaktere der Charaktere in „Mutter Courage“ werden in all ihrer komplexen Widersprüchlichkeit dargestellt. Am interessantesten ist das Bild von Anna Firling mit dem Spitznamen Mutter Courage. Die Vielseitigkeit dieses Charakters verursacht eine Vielzahl von Gefühlen des Publikums. Die Heldin lockt mit nüchternem Lebensverständnis. Aber sie ist ein Produkt des kaufmännischen, grausamen und zynischen Geistes des Dreißigjährigen Krieges. Dem Mut sind die Ursachen dieses Krieges gleichgültig. Je nach Schicksalsschlägen hisst sie entweder ein lutherisches oder ein katholisches Banner über ihrem Van. Mut zieht in der Hoffnung auf große Gewinne in den Krieg.
Der Konflikt zwischen praktischer Weisheit und ethischen Impulsen, der Brecht begeistert, durchdringt das ganze Stück mit der Leidenschaft des Streits und der Energie der Predigt. Nach dem Bild von Catherine zeichnete der Dramatiker den Antipoden von Mutter Courage. Weder Drohungen noch Versprechungen noch der Tod zwangen Katrin, die Entscheidung aufzugeben, die ihr der Wunsch diktierte, den Menschen zumindest irgendwie zu helfen. Dem redseligen Courage stellt sich die stumme Katrin entgegen, die stille Tat des Mädchens streicht gleichsam alle langatmigen Argumente ihrer Mutter durch.
Brechts Realismus manifestiert sich im Stück nicht nur in der Darstellung der Hauptfiguren und im Historismus des Konflikts, sondern auch in der Lebensauthentizität episodischer Personen, in Shakespeares Vielfarbigkeit, die an den „Falstaff-Hintergrund“ erinnert. Jeder Charakter, hineingezogen in den dramatischen Konflikt des Stücks, lebt sein eigenes Leben, wir raten über sein Schicksal, über die Vergangenheit und zukünftiges Leben und als ob wir jede Stimme im disharmonischen Chor des Krieges hören würden.
Neben der Aufdeckung des Konflikts durch ein Aufeinanderprallen der Figuren ergänzt Brecht das Lebensbild im Stück mit Zongs, die den Konflikt direkt nachvollziehen. Der bedeutendste Zong ist das Lied der großen Demut. Das ist eine komplexe Art der „Entfremdung“, wenn der Autor wie im Namen seiner Heldin handelt, ihre falschen Positionen zuspitzt und damit mit ihr argumentiert und den Leser dazu anregt, an der Weisheit der „großen Demut“ zu zweifeln. Auf die zynische Ironie von Mutter Courage antwortet Brecht mit seiner eigenen Ironie. Und Brechts Ironie führt den Betrachter, der bereits der Philosophie des Annehmens des Lebens, wie es ist, verfallen ist, zu einem völlig anderen Weltbild, zu einem Verständnis für die Verwundbarkeit und Fatalität von Kompromissen. Das Lied über die Demut ist eine Art fremdes Gegenmittel, das uns die wahre Weisheit von Brecht verstehen lässt, die ihr entgegengesetzt ist. Das gesamte Stück, das die praktische, kompromittierende „Weisheit“ der Heldin kritisiert, ist eine ständige Auseinandersetzung mit dem „Lied der großen Demut“. Mutter Courage sieht in dem Stück nicht klar, nachdem sie den Schock überstanden hat, erfährt sie "über ihre Natur nicht mehr als ein Versuchskaninchen über die Gesetze der Biologie". Das tragische (persönliche und historische) Erlebnis bereicherte zwar den Betrachter, lehrte Mutter Courage aber nichts und bereicherte sie nicht im Geringsten. Die Katharsis, die sie erlebte, erwies sich als völlig fruchtlos. So argumentiert Brecht, dass die Wahrnehmung der Tragödie der Realität nur auf der Ebene der emotionalen Reaktionen an sich noch kein Weltwissen ist, es unterscheidet sich nicht wesentlich von völliger Unwissenheit.
Das Stück "Das Leben von Galileo" hat zwei Ausgaben: die erste - 1938-1939, die letzte - 1945-1946. Der „epische Anfang“ bildet die innere verborgene Basis des „Lebens des Galileo“. Der Realismus des Stücks ist tiefer als traditionell. Das ganze Drama ist durchdrungen von Brechts Beharren darauf, alle Phänomene des Lebens theoretisch zu erfassen und nichts zu akzeptieren, sich auf Glauben und allgemein anerkannte Normen zu verlassen. Der Wunsch, alles darzustellen, was einer Erklärung bedarf, der Wunsch, vertraute Meinungen loszuwerden, manifestiert sich sehr deutlich im Stück.
Im "Leben des Galileo" - Brechts außergewöhnliche Sensibilität für die schmerzhaften Antagonismen des 20. Jahrhunderts, als der menschliche Verstand im theoretischen Denken ungeahnte Höhen erreichte, aber die Verwendung wissenschaftlicher Entdeckungen für das Böse nicht verhindern konnte. Die Idee des Stücks geht auf die Zeit zurück, als die ersten Berichte über die Experimente deutscher Wissenschaftler auf dem Gebiet der Kernphysik in der Presse erschienen. Aber es ist kein Zufall, dass Brecht sich nicht der Moderne zuwandte, sondern einem Wendepunkt in der Geschichte der Menschheit, als die Grundlagen des alten Weltbildes zusammenbrachen. Damals - an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert. - wissenschaftliche Entdeckungen wurden zum ersten Mal, wie Brecht sagt, Eigentum von Straßen, Plätzen und Basaren. Aber nach der Abdankung Galileis wurde die Wissenschaft, so Brechts tiefe Überzeugung, Eigentum nur eines einzigen Wissenschaftlers. Physik und Astronomie könnten die Menschheit von der Last alter Dogmen befreien, die Denken und Initiative fesseln. Aber Galilei selbst beraubte seine Entdeckung der philosophischen Argumentation und damit, so Brecht, der Menschheit nicht nur das wissenschaftliche astronomische System, sondern auch die weitreichenden theoretischen Schlussfolgerungen aus diesem System, die die grundlegenden Fragen der Ideologie berührten.
Brecht verurteilt Galileo entgegen der Tradition scharf, weil es dieser Wissenschaftler war, der im Gegensatz zu Kopernikus und Bruno, der einen unwiderlegbaren und für jeden Menschen offensichtlichen Beweis für die Richtigkeit des heliozentrischen Systems in seinen Händen hatte, Angst vor Folter hatte und den einzigen ablehnte richtiger Unterricht. Bruno starb für eine Hypothese, und Galileo verleugnete die Wahrheit.
Brecht „verfremdet“ die Vorstellung vom Kapitalismus als Epoche beispielloser Entwicklung der Wissenschaft. Er glaubt, dass der wissenschaftliche Fortschritt nur einen Kanal entlang geeilt ist und alle anderen Zweige versiegt sind. Über den Atombombenabwurf auf Hiroshima schrieb Brecht in seinen Bemerkungen zum Drama: "... es war ein Sieg, aber es war auch eine Schande - ein verbotener Trick." Bei der Erschaffung von Galileo träumte Brecht von der Harmonie von Wissenschaft und Fortschritt. Dieser Subtext steckt hinter all den grandiosen Dissonanzen des Stückes; Hinter der scheinbar zerfallenen Persönlichkeit Galileis steht Brechts Traum von einer idealen, im Prozess des wissenschaftlichen Denkens „konstruierten“ Persönlichkeit. Brecht zeigt, dass die Entwicklung der Wissenschaft in der bürgerlichen Welt ein Akkumulationsprozess von dem Menschen entfremdetem Wissen ist. Das Stück zeigt auch, dass ein anderer Prozess – „die Akkumulation einer Kultur des forschenden Handelns in den Individuen selbst“ – unterbrochen wurde, dass am Ende der Renaissance die Massen des Volkes von diesem wichtigsten „Prozess der Akkumulation des Forschens“ ausgeschlossen wurden Kultur" durch die Kräfte der Reaktion: "Die Wissenschaft verließ die Plätze für das Schweigen der Ämter" .
Die Figur des Galileo im Stück ist ein Wendepunkt in der Wissenschaftsgeschichte. In seiner Person zerstört der Druck totalitärer und bürgerlich-utilitaristischer Tendenzen sowohl einen echten Wissenschaftler als auch einen lebendigen Perfektionsprozess der gesamten Menschheit.
Brechts bemerkenswertes Können zeigt sich nicht nur im innovativen und komplexen Verständnis des Problems der Wissenschaft, nicht nur in der brillanten Wiedergabe des intellektuellen Lebens der Figuren, sondern auch in der Schaffung kraftvoller und facettenreicher Charaktere, in der Offenlegung ihrer Emotionalität Leben. Die Monologe der Figuren in The Life of Galileo erinnern an den „poetischen Wortschatz“ von Shakespeares Figuren. Alle Helden des Dramas tragen etwas Renaissance in sich.
Die Theater-Parabel „The Good Man from Sezuan“ (1941) widmet sich der Bestätigung der ewigen und angeborenen Eigenschaft eines Menschen – Freundlichkeit. Die Hauptfigur des Stücks, Shen De, scheint Güte auszustrahlen, und diese Ausstrahlung wird nicht durch äußere Impulse verursacht, sie ist immanent. Der Dramatiker Brecht beerbt damit die humanistische Tradition der Aufklärung. Wir sehen Brechts Verbindung zur Märchentradition und zur Volkssage. Shen De ähnelt Cinderella, und die Götter, die das Mädchen für ihre Freundlichkeit belohnen, sind eine Bettelfee aus demselben Märchen. Aber Brecht interpretiert traditionelles Material auf innovative Weise.
Brecht glaubt, dass Freundlichkeit nicht immer mit einem sagenhaften Triumph belohnt wird. Der Dramatiker bringt gesellschaftliche Umstände in Märchen und Gleichnis ein. China, das im Gleichnis dargestellt wird, ist auf den ersten Blick ohne Authentizität, es ist einfach "ein bestimmtes Königreich, ein bestimmter Staat". Aber dieser Staat ist kapitalistisch. Und die Lebensumstände von Shen De sind die Lebensumstände am Ende einer bürgerlichen Stadt. Brecht zeigt, dass an diesem Tag die Feengesetze, die Aschenputtel belohnten, aufhören zu wirken. Das bürgerliche Klima ist für die Besten ruinös menschliche Qualitäten das entstand lange vor dem Kapitalismus; Brecht sieht in der bürgerlichen Ethik einen tiefgreifenden Rückschritt. Ebenso katastrophal für Shen De ist die Liebe.
Shen De verkörpert die ideale Verhaltensnorm im Stück. Shoi Yes dagegen orientiert sich nur an nüchtern verstandenen Eigeninteressen. Shen De stimmt vielen Gedanken und Handlungen von Shoi Da zu, sie sah, dass sie nur in der Form von Shoi Da wirklich existieren konnte. Die Notwendigkeit, ihren Sohn in einer Welt verhärteter und abscheulicher Menschen zu beschützen, die einander gleichgültig sind, gibt ihr Shoi Da Recht. Als sie sieht, wie der Junge in der Mülltonne nach Essbarem sucht, schwört sie, dass sie die Zukunft ihres Sohnes auch im brutalsten Kampf sichern wird.
Die beiden Auftritte der Hauptfigur sind eine helle Bühnen-„Entfremdung“, eine klare Demonstration des Dualismus der menschlichen Seele. Das ist aber auch eine Verurteilung des Dualismus, denn der Kampf zwischen Gut und Böse im Menschen ist, so Brecht, nur ein Produkt „schlechter Zeiten“. Der Dramatiker beweist eindeutig, dass das Böse im Prinzip ein Fremdkörper im Menschen ist, dass der böse Shoi Da nur eine Schutzmaske ist und nicht das wahre Gesicht der Heldin. Shen De wird nie wirklich böse, kann seine spirituelle Reinheit und Sanftheit nicht korrodieren.
Der Inhalt des Gleichnisses führt den Leser nicht nur auf die Idee der schädlichen Atmosphäre der bürgerlichen Welt. Diese Idee, so Brecht, reiche für das neue Theater nicht mehr aus. Der Dramatiker regt zum Nachdenken über Möglichkeiten an, das Böse zu überwinden. Die Götter und Shen De neigen dazu, im Spiel Kompromisse einzugehen, als könnten sie die Trägheit des Denkens ihrer Umgebung nicht überwinden. Es ist merkwürdig, dass die Götter Shen De im Wesentlichen dasselbe Rezept empfehlen, das Makhit in The Threepenny Romance gespielt hat, indem er Lagerhäuser ausraubte und Waren zu einem billigen Preis an arme Ladenbesitzer verkaufte und sie so vor dem Hunger bewahrte. Aber das Handlungsende des Gleichnisses stimmt nicht mit dem Kommentar des Dramatikers überein. Der Epilog vertieft und beleuchtet auf neue Weise die Problematik des Stücks, beweist die profunde Wirksamkeit des „epischen Theaters“. Der Leser und der Zuschauer erweisen sich als viel wachsamer als die Götter und Shen De, die nicht verstanden haben, warum große Freundlichkeit sie stört. Der Dramatiker scheint im Finale eine Entscheidung vorzuschlagen: Selbstlos zu leben ist gut, aber nicht genug; Das Wichtigste für die Menschen ist, intelligent zu leben. Und das bedeutet den Aufbau einer vernünftigen Welt, einer Welt ohne Ausbeutung, einer Welt des Sozialismus.
Der Kaukasische Kreidekreis (1945) ist auch eines von Brechts berühmtesten Parabelstücken. Beiden Stücken gemeinsam ist das Pathos ethischer Suche, der Wunsch, einen Menschen zu finden, in dem sich geistige Größe und Freundlichkeit am vollsten offenbaren würden. Wenn Brecht in „Der gute Mann“ von Sezuan auf tragische Weise die Unmöglichkeit darstellte, das ethische Ideal in der alltäglichen Atmosphäre einer besitzergreifenden Welt zu verkörpern, dann offenbarte er in „Der kaukasische Kreidekreis“ eine heroische Situation, die von Menschen verlangt, kompromisslos der moralischen Pflicht zu folgen.
Alles scheint in dem Stück klassisch traditionell zu sein: Die Handlung ist nicht neu (Brecht selbst hatte sie bereits in der Kurzgeschichte Der Augsburger Kreidekreis verwendet). Grushe Vakhnadze weckt sowohl in seinem Wesen als auch in seinem Aussehen absichtliche Assoziationen sowohl mit der Sixtinischen Madonna als auch mit den Heldinnen von Märchen und Liedern. Aber dieses Stück ist innovativ, und seine Originalität ist eng mit dem Hauptprinzip von Brechts Realismus verbunden - der "Verfremdung". Wut, Neid, Eigeninteresse, Konformismus machen das Unbewegliche aus Lebensumfeld, ihr Fleisch. Doch für Brecht ist das nur Schein. Der Monolith des Bösen ist im Spiel äußerst zerbrechlich. Alles Leben scheint von Strömen menschlichen Lichts durchdrungen zu sein. Das Element des Lichts in der Tatsache der Existenz menschlicher Verstand und ethische Grundsätze.
In den an philosophischen und emotionalen Intonationen reichen Texten des Kreises, im Wechsel von lebhaften, plastischen Dialogen und Gesangsintermezzos, in der Weichheit und inneren Leichtigkeit der Bilder spüren wir Goethes Tradition deutlich. Grushe trägt wie Gretchen den Charme ewiger Weiblichkeit in sich. Wundervolle Person und die Schönheit der Welt scheinen zueinander hingezogen zu sein. Je reicher und umfassender die Begabung eines Menschen ist, je schöner die Welt für ihn ist, desto bedeutsamer, glühender, unermesslich wertvoller wird investiert in die Anziehungskraft anderer Menschen auf ihn. Viele äußere Hindernisse stehen den Gefühlen von Grusha und Simon im Wege, aber sie sind unbedeutend im Vergleich zu der Kraft, die einen Menschen für sein menschliches Talent belohnt.
Erst nach seiner Rückkehr aus dem Exil 1948 konnte Brecht seine Heimat zurückerobern und seinen Traum von einem Innovativen praktisch verwirklichen Schauspiel Theater. Er beteiligt sich aktiv an der Wiederbelebung der demokratischen deutschen Kultur. Die Literatur der DDR erhielt mit Brecht sofort einen großen Schriftsteller. Seine Arbeit war nicht ohne Schwierigkeiten. Seine Auseinandersetzung mit dem „aristotelischen“ Theater, sein Konzept des Realismus als „Entfremdung“ stieß sowohl in der Öffentlichkeit als auch in der dogmatischen Kritik auf Unverständnis. Aber Brecht schrieb in diesen Jahren, er betrachte den literarischen Kampf als »ein gutes Zeichen, ein Zeichen der Bewegung und Entwicklung«.
In der Kontroverse erscheint ein Stück, das den Weg des Dramatikers vervollständigt - "Tage der Kommune" (1949). Das Theaterteam des Berliner Ensembles unter der Leitung von Brecht beschloss, eine seiner ersten Aufführungen der Pariser Kommune zu widmen. Die verfügbaren Stücke entsprachen jedoch laut Brecht nicht den Anforderungen des „epischen Theaters“. Brecht selbst entwirft ein Stück für sein Theater. In Die Tage der Kommune bedient sich der Autor der Traditionen des klassischen historischen Dramas in seinen besten Beispielen (freier Wechsel und Sättigung kontrastierender Episoden, leuchtende Alltagsmalerei, enzyklopädischer „Falstaffs Hintergrund“). "Tage der Kommune" ist ein Drama offener politischer Leidenschaften, es wird dominiert von einer Atmosphäre der Debatte, einer Volksversammlung, seine Helden sind Redner und Tribünen, seine Handlung sprengt die engen Grenzen einer Theateraufführung. Brecht stützte sich dabei auf die Erfahrung von Romain Rolland, seinem „Theater der Revolution“, insbesondere Robespierre. Und zugleich ist „Tage der Kommune“ ein einzigartiges, „episches“, Brechtsches Werk. Das Stück verbindet organisch den historischen Hintergrund, die psychologische Authentizität der Charaktere, die soziale Dynamik und die "epische" Geschichte, eine tiefgründige "Vorlesung" über die Tage der heroischen Pariser Kommune; es ist sowohl eine lebendige Wiedergabe der Geschichte als auch ihre wissenschaftliche Analyse.
Brechts Text ist zunächst eine Live-Performance, er braucht Theaterblut, Bühnenfleisch. Er braucht nicht nur Schauspielschauspieler, sondern Persönlichkeiten mit einem Funken von Maid of Orleans, Grusha Vakhnadze oder Azdak. Man kann einwenden, dass jeder klassische Dramatiker Persönlichkeiten braucht. Aber in Brechts Aufführungen sind solche Persönlichkeiten zu Hause; es stellt sich heraus, dass die Welt für sie erschaffen wurde, von ihnen erschaffen wurde. Es ist das Theater, das die Wirklichkeit dieser Welt schaffen soll und kann. Wirklichkeit! Die Lösung dafür - das hat Brecht vor allem beschäftigt. Realität, nicht Realismus. Der Künstler-Philosoph bekennt sich zu einem einfachen, aber alles andere als offensichtlichen Gedanken. Reden über Realismus ist unmöglich ohne vorheriges Reden über die Realität. Brecht wusste, wie alle Theaterfiguren, dass die Bühne keine Lügen duldet, beleuchtet sie gnadenlos wie ein Suchscheinwerfer. Kälte darf sich nicht als Brennen, Leere als Inhalt, Bedeutungslosigkeit als Bedeutung verkleiden. Brecht führte diesen Gedanken ein wenig fort, er wollte, dass das Theater, die Bühne, sich nicht durch konventionelle Vorstellungen von Realismus als Realität verkleiden lässt. Damit Realismus im Verständnis von Einschränkungen jeglicher Art nicht von allen als Realität wahrgenommen wird.
Anmerkungen
Brechts frühe Stücke: Baal (1918), Drums in the Night (1922), The Life of Edward II of England (1924), In the Jungle of Cities (1924), This Soldier and That Soldier (1927).
Ebenso die Stücke: „Rundköpfe und Spitzköpfe“ (1936), „Die Karriere des Arthur Wie“ (1941) usw.
Ausländische Literatur XX Jahrhundert. Herausgegeben von L. G. Andreev. Lehrbuch für Universitäten
Nachgedruckt von http://infolio.asf.ru/Philol/Andreev/10.html
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Weltkrieg 1939-1945 . (Zeittafel).
Eugen Berthold Friedrich Brecht wurde am 10. Februar 1898 in Augsburg als Sohn einer Fabrikantenfamilie geboren. Er absolvierte eine öffentliche Schule und ein echtes Gymnasium in seiner Heimatstadt und wurde zu den erfolgreichsten, aber unzuverlässigsten Schülern gezählt. 1914 veröffentlichte Brecht sein erstes Gedicht in einer Lokalzeitung, was seinen Vater überhaupt nicht erfreute. Aber der jüngere Bruder Walter hat Berthold immer bewundert und ihm in vielerlei Hinsicht nachgeahmt.
1917 wurde Brecht Medizinstudent an der Universität München. Er interessierte sich jedoch viel mehr für Theater als für Medizin. Besonders begeistert war er von den Stücken des 19. deutschen Dramatikers Georg Buchner und des zeitgenössischen Dramatikers Wedekind.
1918 wird Brecht zum Wehrdienst eingezogen, kommt aber wegen Nierenproblemen nicht an die Front, sondern bleibt als Krankenpfleger in Augsburg. Er lebte unehelich mit seiner Freundin Bea, die ihm einen Sohn, Frank, gebar. Zu dieser Zeit schrieb Berthold sein erstes Theaterstück „Baal“ und danach das zweite – „Trommeln in der Nacht“. Parallel dazu arbeitete er als Theaterkritiker.
Bruder Walter machte ihn mit der Leiterin des Wilden Theaters, Truda Gerstenberg, bekannt. "Wild Theatre" war eine Varieté-Show, in der die meisten Schauspieler jung waren, die es liebten, das Publikum auf der Bühne und im Leben zu schockieren. Brecht sang seine Lieder mit einer Gitarre in einer harschen, harschen, knarrenden Stimme, wobei er jedes Wort klar aussprach – im Grunde war es eine melodische Deklamation. Die Handlung von Brechts Liedern schockierte die Zuhörer viel mehr als das Verhalten seiner Kollegen im "Grausamen Theater" - es waren Geschichten über Kindermörder, Kinder, die ihre Eltern töteten, über moralischen Verfall und Tod. Brecht hat keine Laster gegeißelt, er hat einfach Tatsachen aufgezeigt, den Alltag der heutigen deutschen Gesellschaft beschrieben.
Brecht ging ins Theater, in den Zirkus, ins Kino, hörte Popkonzerte. Ich traf mich mit Schauspielern, Regisseuren, Dramatikern, hörte ihren Geschichten und Streitigkeiten aufmerksam zu. Nachdem er den alten Clown Valentine kennengelernt hatte, schrieb Brecht kurze Possen für ihn und trat sogar mit ihm auf der Bühne auf.
„Viele verlassen uns, und wir behalten sie nicht,
Wir haben ihnen alles erzählt, und es war nichts mehr zwischen ihnen und uns, und unsere Gesichter waren hart im Moment des Abschieds.
Aber wir haben nicht das Wichtigste gesagt, wir haben das Notwendige übersehen.
Oh, warum sagen wir nicht das Wichtigste, weil es so einfach wäre, denn wenn wir nicht sprechen, verurteilen wir uns selbst zu einem Fluch!
Diese Worte waren so leicht, sie versteckten sich dort, dicht hinter den Zähnen, sie fielen vor Lachen, und deshalb ersticken wir mit geschlossenen Kehlen.
Gestern ist meine Mutter gestorben, am Abend des 1. Mai!
Jetzt können Sie es nicht mehr mit Ihren Nägeln abkratzen ... "
Vater ärgerte sich immer mehr über Bertholds Arbeit, aber er versuchte, sich zurückzuhalten und die Dinge nicht zu ordnen. Seine einzige Forderung war, „Baal“ unter einem Pseudonym zu drucken, damit der Name Brecht nicht beschmutzt werde. Bertholds Verbindung mit seiner nächsten Leidenschaft Marianna Tsof hat den Vater nicht erfreut - junge Leute lebten ohne zu heiraten.
Feuchtwanger, mit dem Brecht freundschaftlich verbunden war, charakterisierte ihn als „einen etwas düsteren, lässig gekleideten Menschen mit ausgeprägten Neigungen zu Politik und Kunst, einen Mann von unbeugsamem Willen, einen Fanatiker“. Brecht wurde in Feuchtwangers Erfolg zum Prototyp des kommunistischen Ingenieurs Kaspar Pröckl.
Im Januar 1921 veröffentlichte die Augsburger Zeitung die letzte Rezension von Brecht, der bald dauerhaft nach München zog und regelmäßig Berlin besuchte, um den Baal und den Paukenschlag zu drucken. Zu dieser Zeit änderte Berthold auf Anraten seines Freundes Bronnen den letzten Buchstaben seines Namens, wonach sein Name wie Bertolt klang.
Am 29. September 1922 fand im Kammertheater München die Uraufführung der Trommeln statt. Im Flur hingen Plakate: „Jeder ist für sich das Beste“, „Die eigene Haut ist das Teuerste“, „So romantisch gibt es nichts anzustarren!“ Der Mond, der über der Bühne hing, wurde jedes Mal vor dem Erscheinen des Protagonisten lila. Im Allgemeinen war die Leistung erfolgreich, die Bewertungen waren ebenfalls positiv.
Im November 1922 heirateten Brecht und Marianne. Im März 1923 wurde Brechts Tochter Hannah geboren.
Premieren folgten eine nach der anderen. Im Dezember zeigte „Drums“ das Deutsche Theater in Berlin. Die Zeitungskritiken waren gemischt, aber der junge Dramatiker wurde mit dem Kleist-Preis ausgezeichnet.
Brechts neues Stück Im Dickicht wurde am Münchner Residenztheater von dem jungen Regisseur Erich Engel inszeniert, die Szenerie von Caspar Neher gestaltet. Bertolt arbeitete mehr als einmal mit beiden zusammen.
Das Münchner Kammertheater lud Brecht ein, für die Spielzeit 1923/24 Regie zu führen. Zuerst wollte er setzen moderne Ausführung Macbeth, entschied sich dann aber für Marlowes historisches Drama The Life of Edward II, King of England. Gemeinsam mit Feuchtwanger überarbeiteten sie den Text. In dieser Zeit nahm die Brechtsche Arbeitsweise im Theater Gestalt an. Er ist fast despotisch, fordert aber gleichzeitig Unabhängigkeit von jedem Darsteller, hört sich aufmerksam die schärfsten Einwände und Bemerkungen an, wenn sie nur vernünftig sind. In Leipzig wurde derweil der Baal inszeniert.
Der berühmte Regisseur Max Reinhardt lud Brecht zum hauptamtlichen Dramatikerposten ein, 1924 zog er endgültig nach Berlin. Er hat eine neue Freundin - eine junge Schauspielerin Reinhardt Lena Weigel. 1925 brachte sie Brechts Sohn Stefan zur Welt.
Kipenheuers Verlag schloss mit ihm einen Vertrag über eine Sammlung von Balladen und Liedern „Pocket Collection“, die 1926 in einer Auflage von 25 Exemplaren erschien.
Brecht entwickelte ein militärisches Thema und schuf die Komödie "Was ist dieser Soldat, was ist das?". Seine Hauptfigur, Lader Galey Gay, verließ für zehn Minuten das Haus, um Fisch für das Abendessen zu kaufen, geriet aber in die Gesellschaft von Soldaten und wurde an einem Tag zu einem anderen Menschen, einem Supersoldaten - einem unersättlichen Vielfraß und einem dummen furchtlosen Krieger . Das Theater der Gefühle stand Brecht nicht nahe, und er setzte seine Linie fort: Er brauchte eine klare, vernünftige Sicht auf die Welt und als Folge ein Theater der Ideen, ein Theater der Vernunft.
Brecht war sehr fasziniert von Segre Eisensteins Montageprinzipien. Mehrmals sah er sich "The Battleship Potemkin" an und verstand die Merkmale seiner Zusammensetzung.
Den Prolog zur Wiener Baal-Inszenierung hat der lebende Klassiker Hugo von Hofmannsthal geschrieben. Brecht interessierte sich unterdessen für Amerika und konzipierte eine Theaterstückserie „Humanity Enter the Big Cities“, die den Aufstieg des Kapitalismus zeigen sollte. In dieser Zeit formulierte er die Grundprinzipien des „epischen Theaters“.
Brecht war der Erste unter all seinen Freunden, der sich ein Auto kaufte. Zu dieser Zeit half er einem anderen berühmten Regisseur – Piskator – bei der Inszenierung von Haseks Roman „Die Abenteuer des braven Soldaten Schweik“, einem seiner Lieblingswerke.
Brecht schrieb immer noch Lieder, oft komponierte er die Melodien selbst. Er hatte einen eigenartigen Geschmack, zum Beispiel mochte er Beethovens Geigen und Symphonien nicht. Der Komponist Kurt Weill mit dem Spitznamen „Verdi für die Armen“ interessierte sich für Brechts Zongs. Gemeinsam komponierten sie „Songspiel Mahagonny“. Im Sommer 1927 wurde die Oper bei den Festspielen in Baden-Baden unter der Regie von Brecht aufgeführt. Zum Erfolg der Oper trug maßgeblich die brillante Darstellung der Rolle durch Weills Ehefrau Lotta Leni bei, die als vorbildliche Interpretin von Weill-Brechts Werken galt. „Mahagoni“ wurde noch im selben Jahr an die Rundfunkanstalten Stuttgart und Frankfurt am Main übertragen.
1928 wurde "Was ist das für ein Soldat, was ist das?" veröffentlicht. Brecht ließ sich scheiden und heiratete erneut – mit Lena Weigel. Brecht hielt Weigel für die ideale Darstellerin des von ihm geschaffenen Theaters – kritisch, beweglich, fleißig, obwohl sie selbst gerne von sich sagte, sie sei eine einfache Frau, eine ungebildete Komödiantin aus der Wiener Umgegend.
1922 wurde Bracht mit der Diagnose „extreme Mangelernährung“ in die Charité in Berlin eingeliefert, wo er unentgeltlich behandelt und ernährt wurde. Etwas erholt versuchte der junge Dramatiker, Bronnens Stück „Parizid“ am „Jungen Theater“ von Moritz Seeler zu inszenieren. Bereits am ersten Tag präsentierte er den Schauspielern nicht nur den groben Plan, sondern auch die genaueste Entwicklung jeder Rolle. Zunächst forderte er von ihnen Sinnhaftigkeit. Aber Brecht war zu hart und kompromisslos in seiner Arbeit. Infolgedessen wurde die bereits angekündigte Aufführung abgesagt.
Anfang 1928 feierte London das zweihundertjährige Bestehen von John Gays Beggar's Opera, einem urkomischen und bösen Parodiestück, das der große Satiriker Swift liebte. Darauf basierend schuf Brecht die Dreigroschenoper (der Titel wurde von Feuchtwanger vorgeschlagen), und Kurt Weill schrieb die Musik. Die Generalprobe dauerte bis fünf Uhr morgens, alle waren nervös, fast niemand glaubte an den Erfolg der Veranstaltung, Overlays folgten Overlays, aber die Premiere war fulminant, und eine Woche später sang ganz Berlin Mackeys Couplets, Brecht und Weill wurden zu Berühmtheiten. In Berlin wurde das Dreigroschencafe eröffnet - dort waren ständig nur Melodien aus der Oper zu hören.
Die Geschichte der Produktion der Dreigroschenoper in Russland ist kurios. berühmter Regisseur Alexander Tairov sah in Berlin die Dreigroschenoper und einigte sich mit Brecht auf eine russische Produktion. Es stellte sich jedoch heraus, dass das Moskauer Theater der Satire es auch gerne inszenieren würde. Der Rechtsstreit begann. Infolgedessen gewann Tairov und inszenierte 1930 eine Aufführung mit dem Titel "The Beggar's Opera". Kritik zerschmetterte die Aufführung, auch Lunacharsky war damit unzufrieden.
Brecht war überzeugt, dass hungrige, verarmte Genies ebenso ein Mythos seien wie edle Banditen. Er arbeitete hart und wollte viel verdienen, aber er weigerte sich, Prinzipien zu opfern. Als die Nero-Filmgesellschaft mit Brecht und Weil einen Vertrag zur Verfilmung der Oper unterzeichnete, legte Brecht ein Drehbuch vor, in dem gesellschaftspolitische Motive verstärkt und das Ende geändert wurden: Mackey wurde Direktor der Bank, und seine gesamte Bande wurde Mitglied Die Tafel. Die Firma kündigte den Vertrag und drehte den Film nach einem Drehbuch nahe am Text der Oper. Brecht klagte, lehnte ein lukratives Friedensabkommen ab, verlor einen ruinösen Prozess, und die Dreigroschenoper wurde gegen seinen Willen veröffentlicht.
1929 wurde bei den Festspielen in Baden-Baden Brecht und Weills „Bildungshörspiel“ Lindberghs Flug aufgeführt. Danach wurde es noch mehrmals im Rundfunk ausgestrahlt und von dem führenden deutschen Dirigenten Otto Klemperer in Konzerten aufgeführt. Bei den gleichen Festspielen wurde Brechts dramatisches Oratorium - Hindemiths "Badisches Erziehungsspiel über die Zustimmung" aufgeführt. Vier Piloten sind abgestürzt, sie sind bedroht
tödliche Gefahr. Brauchen sie Hilfe? Die Piloten und der Chor dachten in Rezitativen und Zongs laut darüber nach.
Brecht glaubte nicht an Kreativität und Inspiration. Er war überzeugt, dass Kunst vernünftige Ausdauer, Arbeit, Wille, Wissen, Können und Erfahrung ist.
Am 9. März 1930 wurde Brechts Oper zu Weills Musik „Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny“ an der Oper Leipzig uraufgeführt. Bei den Aufführungen waren bewundernde und empörte Rufe zu hören, manchmal rangen die Zuschauer Hand in Hand. Die Nazis in Oldenburg, wo sie "Mahagoni" aufstellen wollten, forderten offiziell ein Verbot "des gemeinen sittenlosen Spektakels". Aber auch die deutschen Kommunisten hielten Brechts Stücke für zu grotesk.
Brecht las die Bücher von Marx und Lenin, besuchte Kurse an der MARCH, einer marxistischen Arbeitsschule. Auf die Frage der Zeitschrift „Die Dame“, welches Buch ihn jedoch am stärksten und nachhaltigsten beeindruckt habe, schrieb Brecht kurz: „Du wirst lachen – die Bibel.“
1931 wurde in Frankreich der 500. Geburtstag von Jeanne d'Arc gefeiert. Brecht schreibt die Antwort - "Heiliger Johannes vom Schlachthof". Joanna Dark in Brechts Drama ist eine Leutnantin der Heilsarmee in Chicago, ein ehrliches, freundliches Mädchen, vernünftig, aber naiv, stirbt, erkennt die Sinnlosigkeit friedlichen Protests und ruft die Massen zur Revolte auf. Auch hier wurde Brecht von links und rechts kritisiert und ihm unverblümte Propaganda vorgeworfen.
Für das Komödientheater bereitete Brecht eine Inszenierung von Gorkis „Mutter“ vor. Er überarbeitete den Inhalt des Stücks erheblich und brachte es näher an die aktuelle Situation heran. Vlasova wurde von Elena Weigel, Brechts Frau, gespielt.
Die unterdrückte Russin wirkte sachlich, witzig, einfühlsam und kühn mutig. Die Polizei verbot die Aufführung in einem großen Club im Arbeiterviertel Moabit mit dem Hinweis auf den "schlechten Zustand der Bühne", doch die Schauspieler erkämpften sich die Erlaubnis, das Stück einfach ohne Kostüme zu lesen. Die Lesung wurde mehrmals von der Polizei unterbrochen, und das Stück wurde nie beendet.
Im Sommer 1932 kam Brecht auf Einladung der Gesellschaft für kulturelle Beziehungen mit dem Ausland nach Moskau, wo er in Fabriken, Theater und Versammlungen gebracht wurde. Es wurde vom Dramatiker Sergej Tretjakow, Mitglied der literarischen Gemeinschaft "Linke Front", betreut. Wenig später erhielt Brecht Gegenbesuch: Lunatscharski und seine Frau besuchten ihn in Berlin.
Am 28. Februar 1933 verließen Brecht, seine Frau und sein Sohn Licht, um keinen Verdacht zu erregen, nach Prag, ihre zweijährige Tochter Barbara wurde zu ihrem Großvater nach Augsburg geschickt. Lilya Brik und ihr Mann, der sowjetische Diplomat Primakow, ließen sich in Brechts Wohnung nieder. Von Prag aus setzten die Brechts in die Schweiz an den Luganersee über, wo es ihnen heimlich gelang, Barbara zu transportieren.
Am 10. Mai wurden Brechts Bücher zusammen mit denen anderer "Untergräber des deutschen Geistes" - Marx, Kautsky, Heinrich Mann, Kestner, Freud, Remarque - öffentlich angezündet.
Das Leben in der Schweiz war zu teuer, und Brecht hatte keine feste Einnahmequelle. Die dänische Schriftstellerin Karin Michaelis, eine Freundin von Brecht und Weigel, lud sie zu sich ein. Zu dieser Zeit traf Kurt Weill in Paris den Choreografen Georges Balanchine und schlug vor, ein Ballett zu schaffen, das auf Brechts Liedern "Die sieben Todsünden der Kleinbürger" basiert. Brecht reiste nach Paris, besuchte die Proben, aber die Produktion und die London-Tournee verliefen ohne großen Erfolg.
Brecht kehrte zu seinem Lieblingsthema zurück und schrieb den Dreigroschenroman. Das Bild des Banditen Mackey ist im Roman viel härter gelöst als im Stück, wo er nicht ohne besonderen Charme ist. Brecht schrieb Gedichte und Prosa für Emigranten- und Untergrundpublikationen.
Im Frühjahr 1935 kam Brecht erneut nach Moskau. An dem ihm zu Ehren arrangierten Abend war der Saal brechend voll. Brecht las Gedichte. Seine Freunde sangen Zongs aus der Dreigroschenoper, zeigten Szenen aus Theaterstücken. In Moskau sah der Dramatiker das chinesische Theater von Mei Lan-fang, das ihn stark beeindruckte.
Im Juni wurde Brecht wegen staatsfeindlicher Aktivitäten angeklagt und seine Staatsbürgerschaft aberkannt.
Das Civic Repertory Theatre in New York inszenierte Mother. Brecht reiste extra nach New York: Es ist die erste professionelle Produktion seit drei Jahren. Leider lehnte der Regisseur Brechts "neues Theater" ab und inszenierte eine traditionelle realistische Aufführung.
Brecht schrieb die Keynote „The Alienation Effect in Chinese darstellende Künste". Er suchte nach den Grundlagen eines neuen epischen, „nicht-aristotelischen“ Theaters und stützte sich dabei auf die Erfahrung der antiken Kunst der Chinesen und seine persönlichen Beobachtungen Alltagsleben und Kirmesclowns. Dann komponierte der Dramatiker, inspiriert durch den Krieg in Spanien, ein kurzes Stück, The Rifles of Teresa Carrar. Der Inhalt war einfach und treffend: Die Witwe eines andalusischen Fischers will nicht, dass ihre beiden Söhne am Bürgerkrieg teilnehmen, doch als der älteste Sohn, der friedlich in der Bucht fischt, von Maschinengewehrschützen von einem faschistischen Schiff aus erschossen wird, Sie zieht mit ihrem Bruder und ihrem jüngeren Sohn in die Schlacht. Das Stück wurde in Paris von emigrierten Schauspielern und in Kopenhagen von einer Amateur-Arbeitstruppe aufgeführt. In beiden Produktionen wurde Teresa Carrar von Elena Weigel gespielt.
Seit Juli 1936 erscheint in Moskau die monatlich erscheinende deutsche Zeitschrift Das Worth. Zu den Herausgebern gehörten Bredel, Brecht und Feuchtwanger. Brecht veröffentlichte in dieser Zeitschrift Gedichte, Artikel, Auszüge aus Theaterstücken. In Kopenhagen wurde derweil Brechts Stück Rundköpfe und Spitzköpfe auf Dänisch aufgeführt und das Ballett Die sieben Todsünden des Kleinbürgers. Der König selbst war bei der Premiere des Balletts, aber schon nach den ersten Szenen ging er laut empört. Die Dreigroschenoper wurde in Prag, in New York, in Paris aufgeführt.
Fasziniert von China, schrieb Brecht den Roman TUI, ein Buch mit Kurzgeschichten und Essays Das Buch der Wandlungen, Gedichte über Laotse und die Erstfassung des Theaterstücks Der gute Mann von Sezuan. Nach dem deutschen Einmarsch in die Tschechoslowakei und der Unterzeichnung eines Friedensvertrages mit Dänemark zog der umsichtige Brecht nach Schweden. Dort wird er gezwungen, unter dem Pseudonym John Kent Kurzstücke für Arbeitsbühnen in Schweden und Dänemark zu schreiben.
Im Herbst 1939 schuf Brecht in kurzer Zeit in wenigen Wochen die berühmte „Mutter Courage“ für das Stockholmer Theater und seine Prima Naima Vifstrand. Brecht schaltete die Tochter der Hauptfigur stumm, damit Weigel, der kein Schwedisch sprach, sie spielen konnte. Aber die Inszenierung fand nie statt.
Brechts Wanderschaft in Europa ging weiter. Als Schweden im April 1940 unsicher wurde, zogen er und seine Familie nach Finnland. Dort stellte er die „Anthology of War“ zusammen: Er wählte Fotografien aus Zeitungen und Zeitschriften aus und verfasste dazu jeweils einen poetischen Kommentar.
Zusammen mit seiner alten Freundin Hella Vuolioki hat Bertolt für den finnischen Theaterwettbewerb die Komödie „Herr Puntila und sein Diener Matti“ inszeniert. Protagonist- ein Gutsbesitzer, der nur dann freundlich und gewissenhaft wird, wenn er betrunken ist. Brechts Freunde waren begeistert, aber die Jury ignorierte das Stück. Dann überarbeitete Brecht „Mutter Courage“ für das schwedische Theater in Helsinki und schrieb „Die Karriere des Arturo Ui“ – er wartete auf ein amerikanisches Visum und wollte nicht mit leeren Händen in die Staaten gehen. Das Stück reproduzierte metaphorisch die Ereignisse, die in Deutschland stattfanden, und seine Figuren sprachen in Versen, die Schillers Räuber, Goethes Faust, Richard III., Julius Cäsar und Shakespeares Macbeth parodierten. Wie üblich erstellte er parallel dazu Kommentare zum Stück.
Im Mai erhielt Brecht ein Visum, weigerte sich aber auszureisen. Seiner Mitarbeiterin Margaret Steffin stellten die Amerikaner kein Visum aus, weil sie krank sei. Brechts Freunde waren in Panik. Schließlich gelang es Steffin, ein Besuchervisum zu bekommen, und sie reiste zusammen mit der Familie Brecht über die Sowjetunion in die Vereinigten Staaten.
Die Nachricht vom Beginn des Krieges zwischen Nazideutschland und der Sowjetunion traf Brecht auf der Straße, im Meer. Er kam in Kalifornien an und ließ sich näher an Hollywood im Feriendorf Santa Monica nieder, kommunizierte mit Feuchtwanger und Heinrich Mann und verfolgte den Verlauf der Feindseligkeiten. Brecht mochte Amerika nicht, er fühlte sich wie ein Fremder, niemand hatte es eilig, seine Stücke aufzuführen. Zusammen mit dem französischen Schriftsteller Vladimir Pozner und seinem Freund schrieb Brecht ein Drehbuch über den französischen Widerstand, Silent Witness, dann ein weiteres Drehbuch, And the Executioners Die, darüber, wie tschechische Antifaschisten den Nazi-Gouverneur in der Tschechischen Republik, das Gestapo-Mitglied, zerstörten Heydrich. Das erste Szenario wurde verworfen, das zweite grundlegend überarbeitet. Nur Studententheater erklärten sich bereit, Brechts Stücke zu spielen.
1942 veranstalteten Freunde in einem der großen Konzertsäle New Yorks einen Brecht-Abend. Bei der Vorbereitung auf diesen Abend lernte Brecht den Komponisten Paul Dessau kennen. Dessau schrieb später die Musik zu „Mutter Courage“ und mehrere Lieder. Er konzipierte mit Brecht die Opern „Die Wanderungen des Glücksgottes“ und „Das Verhör des Lukullus“.
Brecht arbeitete gleichzeitig an zwei Theaterstücken: der Komödie „Schweik im Zweiten Weltkrieg“ und dem gemeinsam mit Feuchtwanger geschriebenen Drama „Die Träume der Simone Machar“. Im Herbst 1943 begann er Verhandlungen mit Broadway-Theatern über das Stück The Chalk Circle. Es basierte auf einem biblischen Gleichnis darüber, wie König Salomo den Prozess zweier Frauen regelte, von denen jede versicherte, dass sie die Mutter des Kindes sei, das vor ihm stehe. Brecht schrieb das Stück („Kaukasischer Kreidekreis“), aber den Theatern gefiel es nicht.
Der Theaterregisseur Lozi schlug Brecht vor, Galileo mit dem berühmten Schauspieler Charles Loughton zu inszenieren. Von Dezember 1944 bis Ende 1945 arbeiteten Brecht und Loughton an dem Stück. Nach der Explosion der Atombombe wurde es besonders relevant, weil es um die Verantwortung eines Wissenschaftlers ging. Die Aufführung fand am 31. Juli 1947 in einem kleinen Theater in Beaverly Hills statt, war aber kein Erfolg.
Der McCarthyismus blühte in Amerika auf. Im September 1947 erhielt Brecht eine Vorladung zum Verhör vor dem Congressional Un-American Activities Committee. Brecht mikroverfilmte seine Manuskripte und überließ seinem Sohn Stefan die Archivierung. Stefan war zu diesem Zeitpunkt amerikanischer Staatsbürger, diente in der amerikanischen Armee und wurde demobilisiert. Aus Angst vor Strafverfolgung erschien Brecht dennoch zum Verhör, verhielt sich betont höflich und seriös, brachte die Kommission mit seiner Langeweile zur Weißglut und wurde als Sonderling erkannt. Wenige Tage später flog Brecht mit Frau und Tochter nach Paris.
Von Paris ging es in die Schweiz in die Stadt Herrliberg. Das Stadttheater Chur bot Brecht an, seine Adaption der Antigone zu inszenieren, und Elena Weigel wurde für die Hauptrolle eingeladen. Wie immer war das Leben im Hause Brechts in vollem Gange: Freunde und Bekannte versammelten sich, die neuesten kulturellen Ereignisse wurden besprochen. Ein häufiger Gast war der größte Schweizer Dramatiker Max Frisch, der Brecht ironischerweise einen marxistischen Pfarrer nannte. Das Theater Zürich inszenierte „Puntila und Matti“, Brecht war einer der Regisseure.
Brecht träumte davon, nach Deutschland zurückzukehren, aber das war nicht so einfach: Das Land war wie Berlin in Zonen eingeteilt, und niemand wollte ihn dort wirklich sehen. Brecht und Weigel (geboren in Wien) stellten einen förmlichen Antrag auf österreichische Staatsbürgerschaft. Dem Antrag wurde erst nach anderthalb Jahren stattgegeben, aber sie stellten schnell einen Passierschein aus, um über österreichisches Gebiet nach Deutschland zu reisen: Die Sowjetverwaltung lud Brecht ein, "Mutter Courage" in Berlin zu inszenieren.
Wenige Tage nach seiner Ankunft wurde Brecht im Kulturbundklub feierlich geehrt. An der Festtafel saß er zwischen dem Präsidenten der Republik, Wilhelm Pick, und dem Vertreter der sowjetischen Führung, Oberst Tyulpanov. Brecht kommentierte wie folgt:
„Ich hätte nicht gedacht, dass ich Todesanzeigen für mich selbst und Reden über meinem Sarg anhören müsste.
Am 11. Januar 1949 wurde Mutter Courage am Staatstheater uraufgeführt. Und bereits am 12. November 1949 eröffnete das Berliner Ensemble – Brecht-Theater mit einer Inszenierung von „Herr Puntila und sein Diener Matti“. Darin arbeiteten Schauspieler aus Ost- und Westberlin. Bereits im Sommer 1950 war das Berliner Ensemble auf Tournee im Westen: in Braunschweig, Dortmund, Düsseldorf. Brecht brachte mehrere Aufführungen hintereinander heraus: Die Hauslehrerin von Jakob Lenz, Die Mutter nach seinem Theaterstück, Der Biberpelz von Gerhart Hauptmann. Nach und nach entwickelte sich das Berliner Ensemble zum führenden deutschsprachigen Theater. Brecht wurde nach München eingeladen, um Mutter Courage zu inszenieren.
Brecht und Dessau arbeiteten an der Oper Das Verhör des Lucullus, die im April 1951 uraufgeführt werden sollte. Bei einer der letzten Proben kamen Mitarbeiter der Kunstkommission und des Unterrichtsministeriums und putzten Brecht ab. Es gab Vorwürfe des Pazifismus, der Dekadenz, des Formalismus und der Missachtung des nationalen klassischen Erbes. Brecht war gezwungen, den Titel des Stücks zu ändern – nicht „Verhör“, sondern „Die Verurteilung des Lukullus“, das Genre in „Musikdrama“ zu ändern, neue Figuren einzuführen und den Text teilweise zu ändern.
Am 7. Oktober 1951 wurde die Biennale der DDR von der Verleihung des Nationalen geprägt staatliche Auszeichnungen Verdiente Wissenschafts- und Kulturschaffende. Unter den Empfängern war Bertolt Brecht. Seine Bücher wurden wieder veröffentlicht, und Bücher über seine Arbeit erschienen. Brechts Stücke wurden in Berlin aufgeführt, in Leipzig, in Rostock, in Dresden, überall wurden seine Lieder gesungen.
Das Leben und Wirken in der DDR hinderte Brecht nicht daran, ein Schweizer Bankkonto und einen langfristigen Vertrag mit einem Verlag in Frankfurt am Main zu haben.
1952 veröffentlichte das Berliner Ensemble „Der Prozess der Jeanne d’Arc in Rouen 1431“ von Anna Zegers, Goethes „Prafaust“, Kleists „Zerbrochener Krug“ und Pogodins „Kremlin Chimes“. Sie wurden von jungen Regisseuren inszeniert, Brecht betreute ihre Arbeit. Im Mai 1953 wurde Brecht zum Vorsitzenden des Vereinigten PEN-Clubs, einer gemeinsamen Organisation von Schriftstellern aus der DDR und der BRD, gewählt und galt vielen bereits als bedeutender Schriftsteller.
Im März 1954 zog das Berliner Ensemble in einen Neubau, Molieres Don Giovanni kam heraus, Brecht vergrößerte die Truppe, lud eine Reihe von Schauspielern aus anderen Theatern und Städten ein. Im Juli ging das Theater auf seine erste Auslandstournee. In Paris zeigte er beim Internationalen Theaterfestival "Mutter Courage" und erhielt den ersten Preis.
„Mutter Courage“ wurde in Frankreich, Italien, England und den USA aufgeführt; „Die Dreigroschenoper“ – in Frankreich und Italien; Teresa Carrar Rifles in Polen und der Tschechoslowakei; "Das Leben von Galileo" - in Kanada, USA, Italien; "Verhör von Lucullus" - in Italien; "Guter Mann" - in Österreich, Frankreich, Polen, Schweden, England; "Puntila" - in Polen, der Tschechoslowakei, Finnland. Brecht wurde ein weltberühmter Dramatiker.
Aber Brecht selbst ging es immer schlechter, er wurde mit akuter Angina pectoris ins Krankenhaus eingeliefert, schwere Herzprobleme wurden entdeckt. Der Zustand war schwierig. Brecht schrieb ein Testament, markierte den Bestattungsort, lehnte eine prunkvolle Zeremonie ab und bestimmte die Erben – seine Kinder. Die älteste Tochter Hanna lebte in West-Berlin, die jüngste spielte im Berliner Ensemble, der Sohn Stefan blieb in Amerika, studierte Philosophie. Der älteste Sohn starb im Krieg.
Im Mai 1955 flog Brecht nach Moskau, wo ihm im Kreml der Internationale Lenin-Friedenspreis verliehen wurde. Er sah sich mehrere Aufführungen in Moskauer Theatern an, erfuhr, dass eine Sammlung seiner Gedichte und Prosa im Verlag für ausländische Literatur in Druck gegeben worden war und eine einbändige Sammlung ausgewählter Dramen in Art.
Ende 1955 wandte sich Brecht erneut Galileo zu. Er probte eifrig, in weniger als drei Monaten hielt er neunundfünfzig Proben ab. Doch die Grippe, die sich zu einer Lungenentzündung entwickelte, unterbrach die Arbeit. Die Ärzte erlaubten ihm nicht, auf Tournee nach London zu gehen.
Ich brauche keinen Grabstein, aber
Wenn du es für mich brauchst
Ich möchte, dass es sagt:
„Er hat Vorschläge gemacht. Wir
Sie haben sie akzeptiert."
Und würde eine solche Inschrift ehren
Wir alle.
Über Bertolt Brecht wurde gedreht Fernsehübertragung aus der Geniuses and Villains-Reihe.
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Der Text wurde von Inna Rozova vorbereitet
deutscher Dramatiker, Theaterdirektor, Dichter, eine der hellsten Theaterfiguren des 20. Jahrhunderts.
Eugen Bertolt Friedrich Brecht/ Eugen Berthold Friedrich Brecht wurde am 10. Februar 1898 im bayerischen Augsburg in der Familie eines Papierfabrikangestellten geboren. Sein Vater war Katholik, seine Mutter Protestantin.
In der Schule lernte Bertolt kennen von Caspar Neher/ Caspar Neher, mit dem er zeitlebens befreundet war und zusammenarbeitete.
1916 Berthold Brecht begann Artikel für Zeitungen zu schreiben. 1917 schrieb er sich für ein Medizinstudium an der Universität München ein, interessierte sich aber mehr für ein Schauspielstudium. Im Herbst 1918 wurde er zum Militär eingezogen und einen Monat vor Kriegsende als Krankenpfleger in eine Klinik seiner Heimatstadt geschickt.
1918 Brecht schrieb sein erstes Theaterstück Baal“, 1919 war der zweite fertig -“ Trommeln in der Nacht". Es wurde 1922 in München aufgestellt.
Mit Unterstützung des renommierten Kritikers Herbert Ihering entdeckte das bayerische Publikum das Werk des jungen Dramatikers, der mit dem renommierten Kleist-Literaturpreis ausgezeichnet wurde.
1923 Berthold Brecht versuchte sich an der Kamera und schrieb das Drehbuch für den Kurzfilm " Geheimnisse des Friseursalons". Das Experimentalband fand kein Publikum und erlangte erst viel später Kultstatus. Im selben Jahr wurde Brechts drittes Theaterstück in München aufgeführt - " In mehr Städten».
1924 arbeitete Brecht mit Lion Feuchtwanger/ Lion Feuchtwanger über Adaption“ Eduard II» Christoph Marlow/Christopher Marlowe. Das Stück bildete die Grundlage für die ersten Erfahrungen mit dem "epischen Theater" - der Regiedebüt von Brecht.
Im gleichen Jahr Berthold Brecht zog nach Berlin, wo er eine Stelle als Dramaturgassistent am Deutschen Theater erhielt und dort ohne großen Erfolg eine Neufassung seines dritten Stücks inszenierte.
Mitte der 20er Jahre Brecht veröffentlichte eine Sammlung von Kurzgeschichten und begann sich für den Marxismus zu interessieren. 1926 erschien das Theaterstück „ Mann ist Mann". 1927 trat er der Theatergruppe bei Erwin Piscator/ Erwin Piscator. Dann inszenierte er eine Aufführung basierend auf seinem Stück "" unter Beteiligung des Komponisten Kurt Weil/ Kurt Weill u Caspar Neher verantwortlich für den visuellen Teil. Dasselbe Team arbeitete an Brechts erstem großen Hit, dem Musikstück „ Dreigroschenoper“, das fest in das Repertoire der Welttheater eingetreten ist.
1931 schrieb Brecht das Stück Saint Jeanne des Schlachthofs“, die zu Lebzeiten des Autors nie aufgeführt wurde. Aber dieses Jahr, Aufstieg und Fall von Mahagonny war ein Erfolg in Berlin.
1932, mit dem Aufstieg der Nazis Brecht verließ Deutschland, ging zuerst nach Wien, dann in die Schweiz, dann nach Dänemark. Dort verbrachte er 6 Jahre, schrieb " Dreigroschenromantik», « Angst und Verzweiflung im Dritten Reich», « Leben von Galileo», « Mutter Courage und ihre Kinder».
Mit dem Ausbruch des Zweiten Weltkriegs Berthold Brecht, dessen Name von den Nazis auf die schwarze Liste gesetzt wurde, zog er ohne Aufenthaltserlaubnis in Schweden zunächst nach Finnland und von dort in die USA. In Hollywood schrieb er das Drehbuch für den Antikriegsfilm „ Auch Henker sterben!“, die von seinem Landsmann gestellt wurde Fritz Lang/Fritz Lang. Gleichzeitig ist das Stück „ Träume von Simone Machar».
1947 Brecht, den die amerikanischen Behörden im Verdacht hatten, Verbindungen zu den Kommunisten zu haben, kehrte nach Europa zurück - nach Zürich. 1948 wurde Brecht angeboten, in Ost-Berlin ein eigenes Theater zu eröffnen – so entstand die „ Berliner Ensemble". Die allererste Aufführung, Mutter Courage und ihre Kinder“, brachte dem Theater Erfolg - Brecht ständig zu Tourneen durch Europa eingeladen.
Persönliches Leben von Bertolt Brecht / Berthold Brecht
1917 begann Brecht sich zu verabreden Paula Bahnhalter/ Paula Banholzer, 1919 wurde ihr Sohn Frank geboren. Er starb 1943 in Deutschland.
1922 Berthold Brecht eine Wienerin geheiratet Opernsänger Marianne Zoff/ Marianne Zoff. 1923 wurde ihre gemeinsame Tochter Hannah geboren, unter deren Namen sie als Schauspielerin berühmt wurde Hanna Hiob/Hanne Hiob.
1927 ließ sich das Paar aufgrund von Bertolts Verbindungen zu seinem Assistenten scheiden. Elisabeth Hauptmann/ Elisabeth Hauptmann und Schauspielerin Helena Weigel/ Helene Weigel, die 1924 seinen Sohn Stefan zur Welt brachte.
1930 heirateten Brecht und Weigel, im selben Jahr wurde ihre Tochter Barbara geboren, die ebenfalls Schauspielerin wurde.
Schlüsselstücke von Bertolt Brecht / Berthold Brecht
- Turandot, or the Whitewash Congress / Turandot oder Kongreß der Weißwäscher (1954)
- Arturo Uis Karriere, die nicht gewesen sein könnte / Der aufhaltsame Aufstieg des Arturo Ui (1941)
- Herr Puntila und sein Diener Matti / Herr Puntila und sein Knecht Matti (1940)
- Leben von Galileo / Leben des Galilei (1939)
- Mutter Courage und ihre Kinder / Mutter Courage und ihre Kinder (1939)
- Angst und Verzweiflung im Dritten Reich / Furcht und Elend des Dritten Reiches (1938)
- St. Johanna der Schlachthöfe / Die heilige Johanna der Schlachthöfe (1931)
- Die Dreigroschenoper / Die Dreigroschenoper (1928)
- Mann ist Mann / Mann ist Mann (1926)
- Trommeln in der Nacht / Trommeln in der Nacht (1920)
- Baal / Baal (1918)
Brecht Bertolt
Vollständiger Name Eugen Berthold Friedrich Brecht (geb. 1908 - gest. 1956)
Hervorragender deutscher Dramatiker, Schriftsteller, Regisseur, Theaterfigur, Kritiker. In seinem Namen erzogen theatralischer Begriff"Brechtianisch" bedeutet - rational, brillant ätzend in seiner Analyse menschlicher Beziehungen. Laut Forschern verdankt er einen Großteil seines dramatischen Erfolgs dem Talent und der Hingabe der Frauen, die ihn liebten.
Brechts Genialität gehört zweifellos nicht nur seiner Heimat Deutschland an, deren geistige Situation der späten zwanziger Jahre er in seinen schonungslosen Stücken zum Ausdruck brachte. Sie gehört dem ganzen 20. Jahrhundert an, weil es Brecht, vielleicht wie keinem anderen Künstler, gelang, mit grenzenloser Offenheit alle Illusionen, die für die Menschheit verführerisch und rettend sind, abzuschütteln und die Mechanik des Menschen aufzuzeigen Soziale Beziehungen in all ihrer unverhüllten Nacktheit, ihrem Zynismus und ihrer Offenheit, die keine Scham kennt. Wenn vor dem XX Jahrhundert. Die Menschheit folgte dem Prinzen von Helsingör bei der Entscheidung der Frage: "Sein oder Nichtsein?" - dann stellte Brecht in seinen berühmten Stücken mit aller Offenheit eine andere Frage: "Wie überlebt man im Kampf des Lebens?"
Der herausragende Theaterreformer schuf das System des "epischen Theaters" mit seiner "Verfremdung", ironischem Pathos, spöttischen und aggressiven Balladen, in denen sich die verklingende Melodie der menschlichen Seele und das für die Welt unsichtbare Schluchzen verbergen. Als in den späten 1950er Jahren Brecht brachte sein „Berliner Ensemble“ auf Tournee nach Moskau, es war ein gewaltiger ästhetischer Schock. Helena Weigel - Mutter Courage, die mit schamloser, heiserer Stimme weiter um ein paar Cent feilschte, nachdem all ihre Kinder vom Krieg weggenommen wurden -, erinnerte sich das Publikum noch lange.
Und doch wurde Brecht zu einer der wichtigsten Persönlichkeiten, die die geistige Atmosphäre seiner Zeit bestimmten, nicht weil er ein neues Theatersystem entdeckte. Und weil er sich mit trotziger Offenheit entschied, einem Menschen den rettenden Schleier traditioneller Psychologie, Moral, psychologischer Konflikte zu entziehen, riss er all diese „humanistischen“ Schnüre gnadenlos auf und öffnete wie ein Chirurg in einer Person und menschlichen Beziehungen, sogar lyrischen, intim, ihre „beliebte Mechanik“.
Brecht hat die Menschheit kühn von allen Illusionen über sich selbst befreit. Als hohe Wahrheiten im Preis fielen, reduzierte er stark im Preis und hohe Genres: schrieb "Dreigroschen"-Opern, Opern von Bettlern. Seine Welt- und Menschenphilosophie sowie seine Theaterästhetik waren eklatant arm. Brecht scheute sich nicht davor, einem Menschen sein Porträt ohne Mystik, Psychologie und seelische Gewohnheitswärme zu zeigen; wie absichtlich in sich selbst und in seinen Zuschauern spirituelle Traurigkeit und Kummer übertönt. Mit distanzierter, fast herzloser Kälte demonstrierte er in seinen Stücken eine Art Weltlumpenismus. Daher wurde er zu Recht mit dem Titel "verdammter Dichter" gekrönt.
Bertolt Brecht wurde am 10. Februar 1898 in Augsburg in die Familie eines Papierfabrikanten geboren. Nach dem Abitur an einer Realschule studierte er Philosophie und Medizin an der Universität München, nahm am Ersten Weltkrieg teil. In seiner Studienzeit schrieb er die Stücke „Baal“ und „Trommeln in der Nacht“.
Wieland Herzfelde, Gründer des berühmten Malik-Verlags, bemerkte einmal: „Berthold Brecht war eine Art Wegbereiter der sexuellen Revolution. Und sogar, wie man jetzt sieht, einer seiner Propheten. Dieser Wahrheitssucher zog allen Freuden des Lebens zwei Begierden vor - die Wollust eines neuen Gedankens und die Wollust der Liebe ... "
Unter den Hobbys von Brechts Jugend ist vor allem die Tochter der Augsburger Ärztin Paula Binholz zu nennen, die
1919 wurde sein Sohn Frank geboren. Wenig später eroberte eine dunkelhäutige Augsburger Medizinstudentin Heddy Kuhn sein Herz. 1920 stellte Brechts Geliebte Dora Mannheim ihn ihrer Freundin Elisabeth Hauptmann vor, halb Engländerin, halb Deutsche, die später seine Geliebte wurde. Brecht sah damals aus wie ein junger Wolf, dünn und witzig, kahl rasiert und im Ledermantel für Fotografen posiert. In seinen Zähnen die unveränderliche Zigarre des Siegers, um ihn herum ein Gefolge von Bewunderern. Er war befreundet mit Filmemachern, Choreografen, Musikern.
Im Januar 1922 betrat Brecht zum ersten Mal das richtige Theater, nicht als Zuschauer, sondern als Regisseur. Er beginnt, beendet aber die Arbeit an dem Theaterstück seines Freundes A. Bronnen „Paricide“. Aber er gibt diese Idee nicht auf, er beschließt, das expressionistische Schauspiel auf seine Weise zu inszenieren, unterdrückt Pathos und Deklaration, fordert einen klaren Sinn in der Aussprache jedes Wortes, jeder Bemerkung.
Ende September fand die Uraufführung von Brecht als Regisseur statt, gefolgt vom ersten Drama von Brecht als Dramatiker. In München, am Kammertheater, inszenierte Regisseur Falkenberg „Drums“. Erfolg und Anerkennung, um die sich der junge Schriftsteller so bemüht hat, kommen in ihrer ganzen Pracht. Das Drama „Trommeln in der Nacht“ gewann den Kleist-Preis, sein Autor wurde Dramatiker des Kammertheaters und landete im Haus der berühmter Autor Lion Feuchtwanger. Hier gewann Brecht die bayerische Schriftstellerin Marie-Louise Fleisser, die später seine Freundin und zuverlässige Mitarbeiterin wurde.
Im November desselben Jahres musste Berthold die Münchner Opernsängerin Marianne Zoff zwangsverheiraten, nachdem sie von ihm zweimal schwanger wurde. Es stimmt, die Ehe war nur von kurzer Dauer. Ihre Tochter Hanne Hiob wurde später Darstellerin von Rollen in den Stücken ihres Vaters. In dieser Zeit lernte der aufstrebende Dramatiker die Schauspielerin Carola Neher kennen, die nach einiger Zeit seine Geliebte wurde.
Im Herbst 1924 zog Berthold nach Berlin, nachdem er von M. Reinhardt eine Stelle als Dramatiker am Deutschen Theater erhalten hatte. Hier lernte er Helena Weigel kennen, seine spätere Frau, die ihm einen Sohn, Stefan, gebar. Um 1926 wurde Brecht freischaffender Künstler, las Marx und Lenin und war schließlich davon überzeugt, dass das Hauptziel und der Sinn seiner Arbeit der Kampf für die sozialistische Revolution sein sollte. Die Erfahrung des Ersten Weltkriegs machte den Schriftsteller zu einem Kriegsgegner und zu einem der Gründe für seine Konversion zum Marxismus.
Im folgenden Jahr erschien Brechts erster Gedichtband sowie eine Kurzfassung des Theaterstücks Mahagonny Songspiel, sein erstes Werk in Zusammenarbeit mit dem begabten Komponisten Kurt Weill. Ihr nächstes, bedeutendstes Werk - The Threepenny Opera (eine freie Adaption des Stücks "The Beggar's Opera" des englischen Dramatikers John Gay) - wurde mit großem Erfolg am 31. August 1928 in Berlin und dann in ganz Deutschland gezeigt. Von diesem Moment an bis zur Machtübernahme der Nazis schrieb Brecht fünf Musicals, sogenannte „Studienstücke“, zur Musik von K. Weill, P. Hindemith und X. Eisler.
1930 schuf er eine neue Oper, The Rise and Fall of the City of Mahagonny, in der er die Motive früherer Stücke entwickelte. Dort wird, noch offener als in der Dreigroschenoper, die bürgerliche Moral auf geradlinige, ja vereinfachende Weise verspottet, zusammen mit der romantischen Idealisierung Amerikas. Die Musik stammt von Brechts langjährigem Weggefährten Kurt Weill. Gleich bei der ersten Produktion an der Oper Leipzig, die am 9. März stattfand, brach ein Skandal aus. Ein Teil des Publikums pfiff, zischte, stampfte mit den Füßen, aber die Mehrheit applaudierte. An mehreren Stellen kam es zu Kämpfen, und die Pfeifer wurden aus der Halle geführt. Skandale wiederholten sich bei jeder Aufführung in Leipzig und später auch in anderen Städten. Und schon im Januar 1933 kam es auf den Straßen deutscher Städte täglich zu blutigen Gefechten. Sturmtruppen griffen, oft mit direkter Unterstützung der Polizei, Arbeiterdemonstrationen und Streikposten an. Und das hing nicht mehr mit Brechts Theater zusammen, sondern war die Reaktion des „Zuschauers“ auf die Aktionen des politischen Theaters.
Zu diesem Zeitpunkt wurde Brecht aus dem Krankenhaus entlassen, wo er lange Zeit von einer schweren Grippe mit Komplikationen festgehalten wurde. In einer Atmosphäre des allgemeinen Chaos konnte sich der Dramatiker nicht sicher fühlen. Helena Weigel, inzwischen Brechts zweite Frau und Hauptdarstellerin von Brechts Aufführungen, packte schnell ihre Sachen, und am 28. Februar 1933, dem Tag nach dem Reichstagsbrand, brachen sie mit ihrem Sohn nach Prag auf. Die frisch geborene Tochter wurde vorerst nach Augsburg geschickt.
Brecht ließ sich mit seiner Familie in Dänemark nieder und erhielt bereits 1935 die deutsche Staatsbürgerschaft. Abseits seiner Heimat schrieb der Dramatiker Gedichte und Skizzen für Anti-Nazi-Bewegungen, und zwar von 1938 bis 1941. schuf vier seiner größten Stücke – „Das Leben des Galileo“, „Mutter Courage und ihre Kinder“, „Der gute Mann von Cezuan“ und „Herr Puntila und sein Diener Matti“.
1939 die Zweite Weltkrieg. Eine Welle der Empörung und des Unwillens, dem deutschen Diktator zu gehorchen, fegte durch Europa. Antifaschistische Kongresse in Spanien und Paris verurteilten den Krieg und versuchten, die über den nationalistischen Aufruf wütende Menge zu warnen. Die Reichen sehnten sich nach den Vorteilen des Krieges, sie waren bereit, einer fanatischen Armee zu gehorchen, die ihnen echtes Geld bringen würde, die Armen zogen mit nur einem Ziel in die Schlacht - um sich in anderen Ländern Reichtum zu stehlen, sie wurden die Könige des Lebens, die ganze Welt gehorchte ihnen. An der Spitze einer solchen Bewegung zu stehen, sich die Kehle aufzureißen, der dummen Masse etwas beweisen zu wollen – dieser Weg war nichts für den Philosophen Brecht.
Abseits vom Lärm des öffentlichen Lebens begann Brecht an der Formulierung der Grundlagen des „epischen Theaters“ zu arbeiten. Brecht sprach sich gegen das äußere Drama aus, gegen das Bedürfnis, mit seinen Figuren zu sympathisieren, identifizierte "schlecht" und "gut" in ihren persönlichen Eigenschaften und wandte sich auch gegen andere traditionelle Merkmale von Drama und Theater. Er war dagegen, sich an den Schauspieler im Bild zu "gewöhnen", in dem er sich mit der Figur identifiziert; gegen den selbstlosen Glauben des Zuschauers an die Wahrhaftigkeit dessen, was auf der Bühne passiert; gegen die "vierte Wand", wenn die Schauspieler so tun, als gäbe es keinen Zuschauerraum; gegen Tränen der Zärtlichkeit, Freude, Sympathie. Insofern war Brechts System das Gegenteil von Stanislawskis System. Das wichtigste Wort hier war das Wort „Bedeutung“. Der Betrachter soll über das Dargestellte nachdenken, versuchen, es zu begreifen, Schlüsse für sich, für die Gesellschaft ziehen. Dabei soll ihm das Theater mit Hilfe geeigneter „Verfremdungsmethoden“ helfen. Ein Merkmal von Brechts Ästhetik war, dass seine Aufführungen vom Publikum die Beherrschung der „Kunst des Zuschauerseins“ verlangten. Da in den Inszenierungen seines Theaters das Hauptaugenmerk auf die Beziehungen der Figuren gelegt wurde, richtete sich das Publikum nicht auf den Ausgang der Aufführung, sondern auf den gesamten Handlungsablauf.
1940 fielen die Nazis in Dänemark ein, und der antifaschistische Schriftsteller musste nach Schweden und dann nach Finnland ausreisen. Und im folgenden Jahr fand sich Brecht auf der Durchreise durch die UdSSR in Kalifornien wieder. Trotz seines hartnäckigen Rufs als "rabid marxist" gelang es ihm, mehrere seiner Stücke in den Vereinigten Staaten zu inszenieren und sogar für Hollywood zu arbeiten. Hier schrieb er The Caucasian Chalk Circle und zwei weitere Theaterstücke und arbeitete auch an der englischen Version von Galileo.
1947 musste der Dramatiker auf die gegen ihn erhobenen Anklagen der Untersuchungskommission für unamerikanische Umtriebe reagieren und Amerika dann vollständig verlassen. Ende des Jahres landete er in Zürich, wo er sein Hauptfach kreierte theoretische Arbeit The Short Theatrical Organon, dessen Titel an den Titel von Francis Bacons berühmter Abhandlung The New Organon erinnert. Darin skizzierte Brecht seine Ansichten zur Kunst im Allgemeinen und zum Theater als Kunstgattung im Besonderen. Außerdem schrieb er das letzte vollendete Theaterstück Days of the Commune.
Im Oktober 1948 zog der Dramatiker in den sowjetischen Sektor Berlins, und bereits im Januar des Folgejahres kam es in seiner Inszenierung mit seiner Frau Helena Weigel in der Titelrolle zur Uraufführung von „Mutter Courage“. Dann gründeten die beiden ihre eigene Truppe „Berliner Ensemble“, die dieser Schöpfer des „epischen Theaters“ und der große Lyriker bis zu seinem Tod leitete. Etwa zwölf Stücke hat Brecht für sein Theater adaptiert oder inszeniert. Im März 1954 erhielt die Gruppe den Status eines Staatstheaters.
In letzter Zeit erscheinen immer häufiger Veröffentlichungen, aus denen hervorgeht, dass der große deutsche Dramatiker fast nichts selbst schrieb, sondern die Talente seiner Sekretärinnen nutzte, die auch seine Geliebten waren. Zu diesem Schluss kam unter anderem der seriöseste Erforscher des Werks und der Biographie Bertolt Brechts, der amerikanische Professor John Fuegi. Mehr als dreißig Jahre widmete er seiner Lebensaufgabe, woraufhin er ein in Paris erschienenes Buch über Brecht mit 848 Seiten veröffentlichte.
Während der Arbeit an seinem Buch interviewte er Hunderte von Menschen in der DDR und der Sowjetunion, die Brecht gut kannten. Er sprach mit der Witwe des Dramatikers und seinen Assistenten, studierte Tausende von Dokumenten, darunter auch Archive in Berlin, die lange unter Verschluss waren. Außerdem erhielt Fuegi Zugang zu Brechts Manuskripten und bisher unbekannten Materialien, die dort aufbewahrt werden Harvard Universität. Die handschriftlichen Fassungen der meisten Werke des großen deutschen Schriftstellers und Dramatikers sind nicht von seiner Hand geschrieben.
Es stellte sich heraus, dass Berthold sie seinen Geliebten diktiert hatte. Sie alle bereiteten ihm Essen zu, wuschen und bügelten und ... schrieben Theaterstücke für ihn, ganz zu schweigen davon, dass Brecht seine Leidenschaften als persönliche Sekretäre nutzte. Für all das bezahlte der Dramatiker sie mit Sex. Sein Motto war: "Ein bisschen Sex für einen guten Text." Darüber hinaus wurde das in den 1930er Jahren bekannt. Der zukünftige feurige Antifaschist und treue Leninist verurteilte nicht nur die Nazis nicht, sondern riet seinem Bruder auch, der Nationalsozialistischen Partei beizutreten.
Jahrelange Recherchen ließen den amerikanischen Professor zu dem Schluss kommen, dass die Autorin von The Song of Alabama eine von Brechts Literatursekretärinnen ist – die Tochter einer westfälischen Ärztin, der Studentin Elizabeth Hauptmann. Sie verfügte über hervorragende Kenntnisse der englischen Literatur, und Brecht benutzte sie oft als Goldgrube, um das Thema seiner Werke auszuwählen. Es war Elizabeth, die die Autorin der ersten Entwürfe von The Threepenny Opera, The Rise and Fall of the City of Mahagonny war. Die Dramatikerin brauchte nur zu überarbeiten, was sie geschrieben hatte. Laut Elisabeth Hauptmann war sie es, die Brecht mit japanischen und chinesischen klassischen Werken bekannt machte, die der Dramatiker später in seinen Schriften verwendete.
Schauspielerin Helena Weigel war zunächst Geliebte, dann Ehefrau von Brecht. Helena, die sich mit den endlosen Liebesaffären ihres Mannes abgefunden hatte, kaufte sich eine Schreibmaschine, tippte seine Werke selbst und redigierte die Texte nebenbei.
Berthold lernte die Schriftstellerin und Schauspielerin Ruth Berlau 1933 in Dänemark kennen. Seinetwegen ließ sich der „Rising Star“ des Royal Theatre von ihrem Mann scheiden und ging mit dem antifaschistischen Schriftsteller nach Amerika ins Exil. Brechts Biographen gehen davon aus, dass Ruth das Stück Der kaukasische Kreidekreis und Simone Machars Träume geschrieben hat. Jedenfalls bezeugte er selbst eine literarische Zusammenarbeit mit einer schönen Skandinavierin. In einem seiner Briefe an Berlau heißt es: "Wir sind zwei Dramatiker, die in gemeinsamer schöpferischer Arbeit Werke schreiben."
Und schließlich ist eine weitere Liebe Bertholds die Tochter eines Maurers aus dem Berliner Umland, Margaret Steffin. Es gibt Spekulationen, dass sie die Stücke The Good Man of Sezuan und The Roundheads and the Sharpheads geschrieben hat. Auf dem Rücken Titelseiten sechs Brecht-Stücke: „Das Leben des Galilei“, „Die Karriere des Arturo Ui“, „Angst und Verzweiflung“, „Horaz und Curatii“, „Die Gewehre der Teresa Carrar“ und „Das Verhör des Lucullus“ im Kleingedruckten getippt: "In Zusammenarbeit mit M. Steffin." Außerdem, so der deutsche Literaturwissenschaftler Hans Bunte, lässt sich das, was Margaret zu „Der Dreigroschenroman“ und „Die Fälle des Julius Cäsar“ beitrug, nicht von dem trennen, was Brecht geschrieben hat.
Kennengelernt hatte sich Margarethe Steffin 1930 auf dem Weg eines Dramatiker-Anfängers. Die Tochter eines Berliner Proletariers beherrschte sechs Fremdsprachen, hatte eine angeborene Musikalität, unbestrittene künstlerische und schriftstellerische Begabung – mit anderen Worten, sie war durchaus imstande, ihr Talent in ein bedeutendes Werk umzusetzen einer Kunst, die dazu bestimmt gewesen wäre, länger zu leben als ihr Schöpfer.
Ihr Leben und kreative Weise Steffin hat sich selbst gewählt, sie hat sich ganz bewusst entschieden, freiwillig auf den Anteil des Schöpfers verzichtet und das Schicksal von Brechts Co-Autorin für sich bestimmt. Sie war Stenographin, Sachbearbeiterin, Referentin... Nur zwei Leute aus seinem Umfeld nannte Berthold seine Lehrer: Feuchtwanger und Steffin. Die zerbrechliche, blonde, bescheidene Frau engagierte sich zunächst in der linken Jugendbewegung, trat dann der Kommunistischen Partei Deutschlands bei. Ihre Zusammenarbeit mit Bertolt Brecht dauerte fast zehn Jahre.
Rätsel und ein Ausgangspunkt Die Beziehung zwischen den namenlosen Co-Autoren und dem herausragenden deutschen Dramatiker steckt im Wort „Liebe“. Dieselbe Steffin liebte Brecht, und ihr treuer, buchstäblich bis ins Grab literarischer Dienst an ihm war vermutlich in vielerlei Hinsicht nur ein Ausdruck ihrer Liebe. Sie schrieb: „Ich liebte die Liebe. Aber Liebe ist nicht wie: „Werden wir bald einen Jungen machen?“ Als ich darüber nachdachte, hasste ich so ein Durcheinander. Wenn Liebe keine Freude bringt. In vier Jahren habe ich nur einmal eine ähnlich leidenschaftliche Freude, ein ähnliches Vergnügen empfunden. Aber was es war, wusste ich nicht. Immerhin blitzte es in einem Traum auf und ist mir daher nie passiert. Und jetzt sind wir hier. Liebe ich dich, ich weiß es selbst nicht. Ich möchte jedoch jede Nacht bei dir bleiben. Sobald du mich berührst, will ich mich schon hinlegen. Dem widerstehen weder Scham noch Rückblick. Alles verdeckt das andere…“
Waren Brechts Frauen seine Opfer? Ein Kollege des Dramatikers, der Schriftsteller Leon Feuchtwanger, charakterisierte ihn folgendermaßen: „Berthold gab sein Talent uneigennützig und großzügig – mehr als er verlangte.“ Der Schöpfer des "epischen Theaters" verlangte volle Hingabe. Was ist mit Frauen? Frauen haben sich ihm sehr gerne hingegeben.
Brecht war schon immer eine umstrittene Figur, besonders im geteilten Deutschland den letzten Jahren sein Leben. Im Juni 1953, nach den Unruhen in Ost-Berlin, wurde ihm Regimetreue vorgeworfen, viele westdeutsche Theater boykottierten seine Stücke. 1954 erhielt der weltberühmte Dramatiker, der nie Kommunist wurde, den internationalen Lenin-Preis „Für die Festigung des Friedens unter den Völkern“.
Bertolt Brecht starb am 14. August 1956 in Ost-Berlin. Er wurde neben dem Grab von Hegel beigesetzt.
In unseren Theatern spielt Brecht heute nur noch selten. Es hat keine Mode. In der Tat die Prinzipien Theatersystem, sein "episches Theater" in seiner reinsten Form hat auf unserem Theaterboden nie Wurzeln geschlagen und konnte es auch nicht. In Ljubimows berühmtem „Der gute Mann aus Sezuan“, aus dem 1963 die legendäre Taganka begann, mischte sich laut den Kritikern jener Jahre „ein Tropfen russisches Tsvetaev-Blut mit Brechts Didaktik und gnadenlosen Formeln“. Die Taganka-Schauspieler dort sangen Marina Tsvetaevas Gedichte unnachahmlich herzlich zur Gitarre und verletzten die Reinheit des Systems ...
Wie dem auch sei, aber durch sein hundertjähriges Bestehen steigt Brecht wieder im Preis. Die verlorene Generation mit all den großen Depressionen, an denen das 20. Jahrhundert nicht gespart hat, braucht nicht weniger als den Glauben an das Gute und Wunder Brechts Nüchternheit des Denkens, unvoreingenommen von allen, auch den schönsten und humanistischsten Ideen und Parolen.
