Σπίτι › Σύστημα πέδησης › Η δραματουργία ως είδος λογοτεχνίας. Επικά είδη λογοτεχνίας

Η δραματουργία ως είδος λογοτεχνίας. Επικά είδη λογοτεχνίας

Δράμα(δρᾶμα - πράξη, πράξη) - ένα από τα τρία είδη λογοτεχνίας, μαζί με το έπος και το στίχο, ανήκει ταυτόχρονα σε δύο είδη τέχνης: τη λογοτεχνία και το θέατρο.

Το δράμα, που προορίζεται να παιχτεί στη σκηνή, διαφέρει τυπικά από την επική και τη λυρική ποίηση στο ότι το κείμενο σε αυτό παρουσιάζεται με τη μορφή αντιγράφων χαρακτήρων και παρατηρήσεων του συγγραφέα και, κατά κανόνα, χωρίζεται σε πράξεις και φαινόμενα. Οποιοδήποτε λογοτεχνικό έργο χτισμένο σε διαλογική μορφή, συμπεριλαμβανομένης της κωμωδίας, της τραγωδίας, του δράματος (ως είδος), της φάρσας, του βοντβίλ κ.λπ., αναφέρεται στο δράμα με τον ένα ή τον άλλο τρόπο.

Από την αρχαιότητα υπήρχε σε λαογραφική ή λογοτεχνική μορφή σε διάφορους λαούς. ανεξάρτητα ο ένας από τον άλλο, οι αρχαίοι Έλληνες, οι αρχαίοι Ινδοί, οι Κινέζοι, οι Ιάπωνες και οι Ινδιάνοι της Αμερικής δημιούργησαν τις δικές τους δραματικές παραδόσεις.

Κυριολεκτικά μεταφρασμένο από τα αρχαία ελληνικά, το δράμα σημαίνει «δράση».

Είδη δράματος (δραματικά είδη)

τραγωδία
εγκληματικό δράμα
δράμα σε στίχο
μελόδραμα
ιερόδραμα
μυστήριο
κωμωδία
βαριετέ

Ιστορία του δράματος

Τα βασικά στοιχεία του δράματος - στην πρωτόγονη ποίηση, στην οποία τα στοιχεία του στίχου, του έπους και του δράματος που προέκυψαν αργότερα συγχωνεύτηκαν σε σχέση με τη μουσική και τις μιμικές κινήσεις. Νωρίτερα απ' ό,τι μεταξύ άλλων λαών, το δράμα ως ειδικό είδος ποίησης διαμορφώθηκε μεταξύ των Ινδουιστών και των Ελλήνων.

Το ελληνικό δράμα, που αναπτύσσει σοβαρές θρησκευτικές και μυθολογικές πλοκές (τραγωδία) και διασκεδαστικά αντλημένα από τη σύγχρονη ζωή (κωμωδία), φτάνει σε υψηλή τελειότητα και τον 16ο αιώνα αποτελεί πρότυπο για το ευρωπαϊκό δράμα, που μέχρι τότε επεξεργαζόταν άτεχνα θρησκευτικές και αφηγηματικές κοσμικές πλοκές. (μυστήρια, σχολικά δράματα και ιντερμέδια, fastnachtspiel, sottises).

Οι Γάλλοι θεατρικοί συγγραφείς, μιμούμενοι τους Έλληνες, τήρησαν αυστηρά ορισμένες διατάξεις που θεωρήθηκαν αμετάβλητες για την αισθητική αξιοπρέπεια του δράματος, όπως: η ενότητα χρόνου και τόπου. η διάρκεια του επεισοδίου που απεικονίζεται στη σκηνή δεν πρέπει να υπερβαίνει τη μία ημέρα. η δράση πρέπει να λάβει χώρα στον ίδιο χώρο· το δράμα θα πρέπει να εξελίσσεται σωστά σε 3-5 πράξεις, από την πλοκή (ανακάλυψη της αρχικής θέσης και των χαρακτήρων των χαρακτήρων) μέχρι τις μεσαίες αντιξοότητες (αλλαγές σε θέσεις και σχέσεις) μέχρι το τέλος (συνήθως μια καταστροφή). ο αριθμός των ηθοποιών είναι πολύ περιορισμένος (συνήθως 3 έως 5). Αυτοί είναι αποκλειστικά οι ανώτατοι εκπρόσωποι της κοινωνίας (βασιλείς, βασίλισσες, πρίγκιπες και πριγκίπισσες) και οι στενότεροι υπηρέτες τους, έμπιστοι, που παρουσιάζονται στη σκηνή για την ευκολία διεξαγωγής διαλόγου και διατύπωσης παρατηρήσεων. Αυτά είναι τα κύρια χαρακτηριστικά του γαλλικού κλασικού δράματος (Κορνέιγ, Ρασίν).

Η αυστηρότητα των απαιτήσεων του κλασικού στυλ ήταν ήδη λιγότερο σεβαστή στις κωμωδίες (Molière, Lope de Vega, Beaumarchais), οι οποίες σταδιακά πέρασαν από τη συμβατικότητα στην απεικόνιση της συνηθισμένης ζωής (είδος). Το έργο του Σαίξπηρ, απαλλαγμένο από κλασικές συμβάσεις, άνοιξε νέους δρόμους για το δράμα. Το τέλος του 18ου και το πρώτο μισό του 19ου αιώνα σημαδεύτηκαν από την εμφάνιση ρομαντικών και εθνικών δραμάτων: Lessing, Schiller, Goethe, Hugo, Kleist, Grabbe.

Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, ο ρεαλισμός επικράτησε στο ευρωπαϊκό δράμα (Dumas son, Ogier, Sardou, Paleron, Ibsen, Zuderman, Schnitzler, Hauptmann, Beyerlein).

Στο τελευταίο τέταρτο του 19ου αιώνα, υπό την επίδραση του Ίψεν και του Μάτερλινκ, ο συμβολισμός άρχισε να κυριαρχεί στην ευρωπαϊκή σκηνή (Hauptmann, Przybyszewski, Bar, D'Annunzio, Hofmannsthal).

Δείτε περισσότερα Origin Drama

Δράμα στη Ρωσία

Η Δράμα μεταφέρθηκε στη Ρωσία από τη Δύση στα τέλη του 17ου αιώνα. Η ανεξάρτητη δραματική λογοτεχνία εμφανίζεται μόλις στα τέλη του 18ου αιώνα. Μέχρι το πρώτο τέταρτο του 19ου αιώνα, η κλασική σκηνοθεσία επικρατούσε στο δράμα, τόσο στην τραγωδία όσο και στην κωμωδία και την κωμωδία όπερας. καλύτεροι συγγραφείς: Lomonosov, Knyaznin, Ozerov; Η προσπάθεια του Ι. Λούκιν να τραβήξει την προσοχή των θεατρικών συγγραφέων στην απεικόνιση της ρωσικής ζωής και εθίμων παρέμεινε μάταιη: όλα τα έργα τους είναι άψυχα, παρατημένα και ξένα στη ρωσική πραγματικότητα, εκτός από τα περίφημα "Undergrowth" και "The Brigadier" Fonvizin. The Yabeda" Kapnist και μερικές κωμωδίες του I. A. Krylov .

Στις αρχές του 19ου αιώνα, ο Shakhovskoy, ο Khmelnitsky, ο Zagoskin έγιναν μιμητές του ελαφρού γαλλικού δράματος και κωμωδίας και ο Dollmaker ήταν εκπρόσωπος του στιλβωμένου πατριωτικού δράματος. Η κωμωδία Woe from Wit του Griboedov, ο μετέπειτα Γενικός Επιθεωρητής του Gogol, Marriage, έγινε η βάση του ρωσικού καθημερινού δράματος. Μετά τον Γκόγκολ, ακόμη και σε βοντβίλ (D. Lensky, F. Koni,

Τα δραματικά έργα (άλλη γρ. δράση), όπως τα επικά, αναδημιουργούν τη σειρά των γεγονότων, τις πράξεις των ανθρώπων και τις σχέσεις τους. Όπως ο συγγραφέας ενός επικού έργου, ο θεατρικός συγγραφέας υπόκειται στον «νόμο της ανάπτυξης της δράσης». Όμως δεν υπάρχει λεπτομερής αφηγηματική-περιγραφική εικόνα στο δράμα.

Στην πραγματικότητα, ο λόγος του συγγραφέα εδώ είναι βοηθητικός και επεισοδιακός. Τέτοιοι είναι οι κατάλογοι των ηθοποιών, που μερικές φορές συνοδεύονται από σύντομα χαρακτηριστικά, προσδιορισμό του χρόνου και του τόπου δράσης. περιγραφές της σκηνικής κατάστασης στην αρχή των πράξεων και των επεισοδίων, καθώς και σχόλια σε μεμονωμένα αντίγραφα των χαρακτήρων και ενδείξεις των κινήσεών τους, των χειρονομιών, των εκφράσεων του προσώπου, των επιτονισμών (παρατηρήσεις).

Όλα αυτά αποτελούν ένα παράπλευρο κείμενο ενός δραματικού έργου, το κύριο κείμενό του είναι μια αλυσίδα από δηλώσεις χαρακτήρων, αντίγραφα και μονολόγους τους.

Εξ ου και κάποιες περιορισμένες καλλιτεχνικές δυνατότητες του δράματος. Ο συγγραφέας-δραματουργός χρησιμοποιεί μόνο ένα μέρος των εικαστικών μέσων που έχει στη διάθεσή του ο δημιουργός ενός μυθιστορήματος ή έπους, διηγήματος ή διηγήματος. Και οι χαρακτήρες των χαρακτήρων αποκαλύπτονται στο δράμα με λιγότερη ελευθερία και πληρότητα από ότι στο έπος. «Αντιλαμβάνομαι το δράμα», σημείωσε ο Τ. Μαν, «ως την τέχνη της σιλουέτας και αισθάνομαι μόνο τον εν λόγω άνθρωπο ως μια ογκώδη, ολοκληρωμένη, πραγματική και πλαστική εικόνα».

Ταυτόχρονα, οι θεατρικοί συγγραφείς, σε αντίθεση με τους συγγραφείς επικών έργων, αναγκάζονται να περιοριστούν στην ποσότητα του λεκτικού κειμένου που ανταποκρίνεται στις απαιτήσεις της θεατρικής τέχνης. Ο χρόνος της δράσης που απεικονίζεται στο δράμα πρέπει να εντάσσεται στο αυστηρό πλαίσιο του σκηνικού χρόνου.

Και η παράσταση με τις γνωστές στο νέο ευρωπαϊκό θέατρο μορφές δεν διαρκεί, όπως γνωρίζετε, όχι περισσότερο από τρεις ή τέσσερις ώρες. Και αυτό απαιτεί ένα κατάλληλο μέγεθος του δραματικού κειμένου.

Ο χρόνος των γεγονότων που αναπαράγει ο θεατρικός συγγραφέας κατά τη διάρκεια του σκηνικού επεισοδίου δεν συμπιέζεται ή τεντώνεται. οι χαρακτήρες του δράματος ανταλλάσσουν παρατηρήσεις χωρίς αξιοσημείωτα χρονικά διαστήματα, και οι δηλώσεις τους, όπως σημειώνει ο Κ.Σ. Στανισλάφσκι, συνθέστε μια σταθερή, συνεχή γραμμή.

Αν με τη βοήθεια της αφήγησης η δράση αποτυπώνεται ως κάτι παρελθόν, τότε η αλυσίδα των διαλόγων και των μονολόγων στο δράμα δημιουργεί την ψευδαίσθηση του παρόντος. Η ζωή εδώ μιλάει σαν από το πρόσωπό της: ανάμεσα σε αυτό που απεικονίζεται και στον αναγνώστη δεν υπάρχει ενδιάμεσος-αφηγητής.

Η δράση αναδημιουργείται στο δράμα με μέγιστη αμεσότητα. Κυλάει σαν μπροστά στα μάτια του αναγνώστη. «Όλες οι μορφές αφήγησης», έγραψε ο F. Schiller, «μεταφέρουν το παρόν στο παρελθόν. όλα τα δραματικά κάνουν το παρελθόν παρόν».

Το δράμα είναι σκηνικό. Και το θέατρο είναι μια δημόσια, μαζική τέχνη. Η παράσταση επηρεάζει άμεσα πολλούς ανθρώπους, σαν να συγχωνεύεται σε ένα ως απάντηση σε αυτό που συμβαίνει πριν από αυτούς.

Ο σκοπός του δράματος, σύμφωνα με τον Πούσκιν, είναι να ενεργήσει πάνω στο πλήθος, να απασχολήσει την περιέργειά του» και για το σκοπό αυτό να αποτυπώσει την «αλήθεια των παθών»: «Το δράμα γεννήθηκε στην πλατεία και αποτελούσε τη διασκέδαση των ανθρώπων. Ο κόσμος, όπως τα παιδιά, απαιτεί ψυχαγωγία, δράση. Το δράμα του παρουσιάζει ασυνήθιστα, παράξενα περιστατικά. Οι άνθρωποι θέλουν δυνατά συναισθήματα. Το γέλιο, ο οίκτος και η φρίκη είναι οι τρεις χορδές της φαντασίας μας, που συγκλονίζονται από τη δραματική τέχνη.

Το δραματικό είδος της λογοτεχνίας είναι ιδιαίτερα στενά συνδεδεμένο με τη σφαίρα του γέλιου, γιατί το θέατρο εδραιώθηκε και αναπτύχθηκε σε στενή σύνδεση με μαζικές γιορτές, σε μια ατμόσφαιρα παιχνιδιού και διασκέδασης. «Το είδος των κόμικς είναι καθολικό για την αρχαιότητα», παρατήρησε ο O. M. Freidenberg.

Το ίδιο ισχύει για το θέατρο και το δράμα άλλων χωρών και εποχών. Ο Τ. Μαν είχε δίκιο όταν αποκάλεσε το «ένστικτο του κωμικού» «θεμελιώδη αρχή κάθε δραματικής ικανότητας».

Δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι το δράμα στρέφεται προς μια εξωτερικά θεαματική παρουσίαση αυτού που απεικονίζεται. Οι εικόνες της αποδεικνύονται υπερβολικές, πιασάρικες, θεατρικές και λαμπερές. «Το θέατρο απαιτεί υπερβολικές ευρείες γραμμές τόσο στη φωνή, στην απαγγελία όσο και στις χειρονομίες», έγραψε ο N. Boileau. Και αυτή η ιδιότητα της σκηνικής τέχνης αφήνει πάντα το στίγμα της στη συμπεριφορά των ηρώων των δραματικών έργων.

«Πώς έπαιζε στο θέατρο», σχολιάζει ο Μπούμπνοφ (Στο κάτω μέρος του Γκόρκι) τον ξέφρενο κύμα του απελπισμένου Κλες, ο οποίος, με μια απροσδόκητη εισβολή στη γενική συζήτηση, της έδωσε θεατρικό αποτέλεσμα.

Σημαντικές (ως χαρακτηριστικό του δραματικού είδους λογοτεχνίας) είναι οι μομφές του Τολστόι κατά του W. Shakespeare για την αφθονία της υπερβολής, εξαιτίας της οποίας, λες, «παραβιάζεται η δυνατότητα καλλιτεχνικής εντύπωσης». «Από τις πρώτες λέξεις», έγραψε για την τραγωδία «Βασιλιάς Ληρ», «μπορεί κανείς να δει μια υπερβολή: μια υπερβολή των γεγονότων, μια υπερβολή των συναισθημάτων και μια υπερβολή των εκφράσεων».

Ο Λ. Τολστόι έκανε λάθος στην αξιολόγηση του έργου του Σαίξπηρ, αλλά η ιδέα της δέσμευσης του μεγάλου Άγγλου θεατρικού συγγραφέα στη θεατρική υπερβολή είναι απολύτως δικαιολογημένη. Όσα ειπώθηκαν για τον «Βασιλιά Ληρ» με όχι λιγότερο λόγο μπορούν να αποδοθούν σε αρχαίες κωμωδίες και τραγωδίες, δραματικά έργα του κλασικισμού, στα έργα του Φ. Σίλερ και του Β. Ουγκώ κ.λπ.

Τον 19ο-20ό αιώνα, όταν η επιθυμία για κοσμική αυθεντικότητα κυριαρχούσε στη λογοτεχνία, οι συμβάσεις που ενυπάρχουν στο δράμα έγιναν λιγότερο εμφανείς, συχνά μειώνονταν στο ελάχιστο. Στην αφετηρία αυτού του φαινομένου βρίσκεται το λεγόμενο «μικροαστικό δράμα» του 18ου αιώνα, δημιουργοί και θεωρητικοί του οποίου ήταν οι D. Diderot και G.E. Lessing.

Έργα των μεγαλύτερων Ρώσων θεατρικών συγγραφέων του 19ου αιώνα. και αρχές 20ου αιώνα - Α.Ν. Ostrovsky, A.P. Τσέχοφ και Μ. Γκόρκι - διακρίνονται από την αξιοπιστία των αναδημιουργημένων μορφών ζωής. Αλλά ακόμη και όταν οι θεατρικοί συγγραφείς έβαλαν το βλέμμα τους στην αληθοφάνεια, η πλοκή, η ψυχολογική και στην πραγματικότητα λεκτική υπερβολή εξακολουθούσε να είναι.

Οι θεατρικές συμβάσεις έγιναν αισθητές ακόμη και στη δραματουργία του Τσέχοφ, που ήταν το μέγιστο όριο της «ομοιότητας ζωής». Ας ρίξουμε μια ματιά στην τελευταία σκηνή του The Three Sisters. Μια νεαρή γυναίκα χώρισε με ένα αγαπημένο του πρόσωπο πριν από δέκα ή δεκαπέντε λεπτά, πιθανότατα για πάντα. Άλλο πέντε λεπτά πριν έμαθε για τον θάνατο του αρραβωνιαστικού της. Και τώρα, μαζί με τη μεγαλύτερη, τρίτη αδερφή, συνοψίζουν τα ηθικά και φιλοσοφικά αποτελέσματα του παρελθόντος, σκεπτόμενοι υπό τους ήχους μιας στρατιωτικής πορείας για τη μοίρα της γενιάς τους, για το μέλλον της ανθρωπότητας.

Είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς ότι αυτό συμβαίνει στην πραγματικότητα. Αλλά δεν παρατηρούμε το απίθανο του τέλους του The Three Sisters, γιατί έχουμε συνηθίσει το γεγονός ότι το δράμα αλλάζει σημαντικά τις μορφές της ζωής των ανθρώπων.

Τα προαναφερθέντα πείθουν για τη δικαιοσύνη της κρίσης του A. S. Pushkin (από το ήδη αναφερόμενο άρθρο του) ότι «η ίδια η ουσία της δραματικής τέχνης αποκλείει την αληθοφάνεια». «Διαβάζοντας ένα ποίημα, ένα μυθιστόρημα, μπορούμε συχνά να ξεχνάμε τον εαυτό μας και να πιστεύουμε ότι το περιστατικό που περιγράφεται δεν είναι μυθοπλασία, αλλά αλήθεια.

Σε μια ωδή, σε μια ελεγεία, μπορούμε να σκεφτούμε ότι ο ποιητής απεικόνισε τα πραγματικά του συναισθήματα, σε πραγματικές συνθήκες. Πού είναι όμως η αξιοπιστία σε ένα κτίριο χωρισμένη σε δύο μέρη, εκ των οποίων το ένα είναι γεμάτο με θεατές που έχουν συμφωνήσει.

Ο σημαντικότερος ρόλος στα δραματικά έργα ανήκει στις συμβάσεις της αυτοαποκάλυψης του λόγου των χαρακτήρων, των οποίων οι διάλογοι και οι μονόλογοι, συχνά κορεσμένοι με αφορισμούς και αξίματα, αποδεικνύονται πολύ πιο εκτενείς και αποτελεσματικοί από εκείνες τις παρατηρήσεις που θα μπορούσαν να εκφερθούν σε ένα παρόμοια κατάσταση ζωής.

Τα αντίγραφα «κατά μέρος» είναι συμβατικά, τα οποία, όπως λες, δεν υπάρχουν για άλλους χαρακτήρες στη σκηνή, αλλά ακούγονται ξεκάθαρα στο κοινό, καθώς και μονόλογοι που εκφέρονται από τους χαρακτήρες μόνοι, μόνοι με τον εαυτό τους, που είναι μια καθαρά σκηνή. τεχνική για την ανάδειξη του εσωτερικού λόγου (υπάρχουν πολλοί τέτοιοι μονόλογοι όπως στις αρχαίες τραγωδίες και στη δραματουργία της σύγχρονης εποχής).

Ο θεατρικός συγγραφέας, στήνοντας ένα είδος πειράματος, δείχνει πώς θα εκφραζόταν ένας άνθρωπος αν εξέφραζε τις διαθέσεις του με μέγιστη πληρότητα και φωτεινότητα στα προφορικά λόγια. Και ο λόγος σε ένα δραματικό έργο παίρνει συχνά μια ομοιότητα με τον καλλιτεχνικό λυρικό ή ρητορικό λόγο: οι χαρακτήρες εδώ τείνουν να εκφράζονται ως αυτοσχεδιαστές-ποιητές ή δεξιοτέχνες του δημόσιου λόγου.

Επομένως, ο Χέγκελ είχε εν μέρει δίκιο, θεωρώντας το δράμα ως σύνθεση της επικής αρχής (γεγονός) και του λυρικού (έκφραση λόγου).

Το δράμα έχει, λες, δύο ζωές στην τέχνη: θεατρική και λογοτεχνική. Αποτελώντας τη δραματική βάση των παραστάσεων, που υπάρχει στη σύνθεσή τους, το δραματικό έργο γίνεται αντιληπτό και από το αναγνωστικό κοινό.

Όμως αυτό δεν συνέβαινε πάντα. Η χειραφέτηση του δράματος από τη σκηνή πραγματοποιήθηκε σταδιακά - σε αρκετούς αιώνες και τελείωσε σχετικά πρόσφατα: τον 18ο-19ο αιώνα. Τα παγκοσμίου φήμης παραδείγματα του δράματος (από την αρχαιότητα έως τον 17ο αιώνα) την εποχή της δημιουργίας τους ουσιαστικά δεν αναγνωρίστηκαν ως λογοτεχνικά έργα: υπήρχαν μόνο ως μέρος των παραστατικών τεχνών.

Ούτε ο W. Shakespeare ούτε ο J. B. Molière έγιναν αντιληπτοί από τους συγχρόνους τους ως συγγραφείς. Καθοριστικό ρόλο στην ενίσχυση της ιδέας του δράματος ως έργου που προορίζεται όχι μόνο για σκηνική παραγωγή, αλλά και για ανάγνωση, έπαιξε η «ανακάλυψη» στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα του Σαίξπηρ ως μεγάλου δραματικού ποιητή.

Τον 19ο αιώνα (ειδικά στο πρώτο μισό του) τα λογοτεχνικά πλεονεκτήματα του δράματος τοποθετούνταν συχνά πάνω από τα σκηνικά. Έτσι, ο Γκαίτε πίστευε ότι «τα έργα του Σαίξπηρ δεν είναι για σωματικά μάτια» και ο Γκριμπογιέντοφ αποκάλεσε «παιδική» την επιθυμία του να ακούσει τους στίχους του «Αλίμονο από εξυπνάδα» από τη σκηνή.

Το λεγόμενο Lesedrama (δράμα για ανάγνωση), που δημιουργήθηκε με επίκεντρο κυρίως την αντίληψη στην ανάγνωση, έχει γίνει ευρέως διαδεδομένο. Τέτοια είναι ο Φάουστ του Γκαίτε, τα δραματικά έργα του Βύρωνα, οι μικρές τραγωδίες του Πούσκιν, τα δράματα του Τουργκένιεφ, για τα οποία ο συγγραφέας παρατήρησε: «Τα έργα μου, μη ικανοποιητικά στη σκηνή, μπορεί να έχουν κάποιο ενδιαφέρον στην ανάγνωση».

Δεν υπάρχουν θεμελιώδεις διαφορές μεταξύ του Lesedrama και του έργου, το οποίο ο συγγραφέας προσανατολίζεται στη σκηνική παραγωγή. Τα δράματα που δημιουργούνται για ανάγνωση είναι συχνά δυνητικά σκηνικά δράματα. Και το θέατρο (συμπεριλαμβανομένου του σύγχρονου) πεισματικά αναζητά και ενίοτε βρίσκει τα κλειδιά τους, απόδειξη των οποίων είναι οι επιτυχημένες παραγωγές του «Ένας μήνας στη χώρα» του Τουργκένιεφ (πρώτα απ 'όλα, αυτή είναι η περίφημη προεπαναστατική παράσταση του Θέατρο Τέχνης) και πολυάριθμες (αν και μακριά από πάντα επιτυχημένες) σκηνικές αναγνώσεις τις μικρές τραγωδίες του Πούσκιν τον 20ο αιώνα.

Η παλιά αλήθεια παραμένει σε ισχύ: το πιο σημαντικό, ο κύριος σκοπός του δράματος είναι η σκηνή. «Μόνο όταν παίζεται στη σκηνή», σημείωσε ο Α. Ν. Οστρόφσκι, «η δραματική μυθοπλασία του συγγραφέα παίρνει μια εντελώς ολοκληρωμένη μορφή και παράγει ακριβώς την ηθική δράση που ο συγγραφέας έθεσε ως στόχο να επιτύχει».

Η δημιουργία μιας παράστασης βασισμένης σε ένα δραματικό έργο συνδέεται με τη δημιουργική του ολοκλήρωση: οι ηθοποιοί δημιουργούν επιτονικά-πλαστικά σχέδια των ρόλων που υποδύονται, ο καλλιτέχνης σχεδιάζει τον σκηνικό χώρο, ο σκηνοθέτης αναπτύσσει τις σκηνές. Από αυτή την άποψη, η έννοια του έργου αλλάζει κάπως (περισσότερη προσοχή δίνεται σε ορισμένες πτυχές του, λιγότερη προσοχή σε άλλες), συχνά συγκεκριμενοποιείται και εμπλουτίζεται: η σκηνική παραγωγή εισάγει νέες σημασιολογικές αποχρώσεις στο δράμα.

Ταυτόχρονα, η αρχή της πιστής ανάγνωσης της λογοτεχνίας είναι πρωταρχικής σημασίας για το θέατρο. Ο σκηνοθέτης και οι ηθοποιοί καλούνται να μεταφέρουν το σκηνοθετημένο έργο στο κοινό με τη μέγιστη δυνατή πληρότητα. Η πιστότητα της σκηνικής ανάγνωσης λαμβάνει χώρα εκεί όπου ο σκηνοθέτης και οι ηθοποιοί κατανοούν βαθιά το δραματικό έργο στο κύριο περιεχόμενο, το είδος και τα χαρακτηριστικά του στυλ.

Οι σκηνικές παραγωγές (καθώς και οι κινηματογραφικές διασκευές) είναι νόμιμες μόνο στις περιπτώσεις όπου υπάρχει συμφωνία (έστω και σχετική) μεταξύ του σκηνοθέτη και των ηθοποιών και του κύκλου ιδεών του συγγραφέα θεατρικού συγγραφέα, όταν οι σκηνικές φιγούρες προσέχουν προσεκτικά το νόημα του το σκηνικό έργο, στα χαρακτηριστικά του είδους του, στα χαρακτηριστικά του ύφους του και στο ίδιο το κείμενο.

Στην κλασική αισθητική του 18ου-19ου αιώνα, ιδιαίτερα από τον Χέγκελ και τον Μπελίνσκι, το δράμα (κυρίως το είδος της τραγωδίας) θεωρήθηκε ως η υψηλότερη μορφή λογοτεχνικής δημιουργικότητας: ως η «στεφάνη της ποίησης».

Μια ολόκληρη σειρά καλλιτεχνικών εποχών στην πραγματικότητα εκδηλώθηκε κυρίως στη δραματική τέχνη. Ο Αισχύλος και ο Σοφοκλής στην ακμή του αρχαίου πολιτισμού, ο Μολιέρος, ο Ρακίνος και ο Κορνέιγ την εποχή του κλασικισμού δεν είχαν όμοιο μεταξύ των συγγραφέων των επικών έργων.

Σημαντικό από αυτή την άποψη είναι το έργο του Γκαίτε. Για τον μεγάλο Γερμανό συγγραφέα όλα τα λογοτεχνικά είδη ήταν διαθέσιμα, αλλά έστεψε τη ζωή του στην τέχνη με τη δημιουργία ενός δραματικού έργου - του αθάνατου Φάουστ.

Στους περασμένους αιώνες (μέχρι τον 18ο αιώνα), το δράμα όχι μόνο συναγωνίστηκε επιτυχώς το έπος, αλλά συχνά έγινε η κορυφαία μορφή καλλιτεχνικής αναπαραγωγής της ζωής στο χώρο και το χρόνο.

Αυτό οφείλεται σε διάφορους λόγους. Πρώτον, η θεατρική τέχνη έπαιξε τεράστιο ρόλο, προσιτή (σε αντίθεση με τα χειρόγραφα και έντυπα βιβλία) στα ευρύτερα στρώματα της κοινωνίας. Δεύτερον, οι ιδιότητες των δραματικών έργων (η απεικόνιση χαρακτήρων με έντονα χαρακτηριστικά, η αναπαραγωγή ανθρώπινων παθών, η έλξη στο πάθος και το γκροτέσκο) στην «προρεαλιστική» εποχή αντιστοιχούσαν πλήρως στις γενικές λογοτεχνικές και γενικές καλλιτεχνικές τάσεις.

Και παρόλο που στους XIX-XX αιώνες. το κοινωνικο-ψυχολογικό μυθιστόρημα, ένα είδος επικής λογοτεχνίας, κινήθηκε στο προσκήνιο της λογοτεχνίας· τα δραματικά έργα εξακολουθούν να έχουν τιμητική θέση.

V.E. Khalizev Θεωρία της Λογοτεχνίας. 1999

Τραγωδία(από τον Γρ. Τράγο - τράγος και ωδή - τραγούδι) - ένα από τα είδη του δράματος, που βασίζεται στην ασυμβίβαστη σύγκρουση μιας ασυνήθιστης προσωπικότητας με ανυπέρβλητες εξωτερικές συνθήκες. Συνήθως ο ήρωας πεθαίνει (Ρωμαίος και Ιουλιέτα, Άμλετ του Σαίξπηρ). Η τραγωδία προέρχεται από την αρχαία Ελλάδα, το όνομα προέρχεται από μια λαϊκή παράσταση προς τιμήν του θεού της οινοποιίας Διόνυσου. Έγιναν χοροί, τραγούδια και παραμύθια για τα βάσανά του, στο τέλος των οποίων θυσιάστηκε ένας τράγος.

Κωμωδία(από το γρ. comoidia. Comos - ένα χαρούμενο πλήθος και ωδή - ένα τραγούδι) - ένα είδος δραματικής βούλησης, που απεικονίζει το κόμικ στην κοινωνική ζωή, τη συμπεριφορά και τον χαρακτήρα των ανθρώπων. Διάκριση μεταξύ κωμωδίας καταστάσεων (ίντριγκα) και κωμωδίας χαρακτήρων.

Δράμα -είδος δραματουργίας, ενδιάμεσο μεταξύ τραγωδίας και κωμωδίας (Καταιγίδα του Α. Οστρόφσκι, Κλεμμένη ευτυχία του Ι. Φράνκο). Τα δράματα απεικονίζουν κυρίως την ιδιωτική ζωή ενός ανθρώπου και την οξεία σύγκρουσή του με την κοινωνία. Ταυτόχρονα, συχνά δίνεται έμφαση στις καθολικές ανθρώπινες αντιφάσεις που ενσωματώνονται στη συμπεριφορά και τις πράξεις συγκεκριμένων χαρακτήρων.

Μυστήριο(από γρ. μυστήριο - μυστήριο, θρησκευτική λειτουργία, ιεροτελεστία) - είδος μαζικού θρησκευτικού θεάτρου του ύστερου Μεσαίωνα (XIV-XV αιώνες), κοινό στις χώρες της Δυτικής Nvrotta.

Παράπλευρη παρουσίαση(από το λατ. intermedius - τι είναι στη μέση) - ένα μικρό κωμικό έργο ή σκηνή που παιζόταν ανάμεσα στις δράσεις του κύριου δράματος. Στη σύγχρονη ποπ αρτ υπάρχει ως ανεξάρτητο είδος.

Βαριετέ(από το γαλλικό vaudeville) ένα ελαφρύ κωμικό έργο στο οποίο η δραματική δράση συνδυάζεται με μουσική και χορό.

Μελόδραμα -ένα παιχνίδι με αιχμηρή ίντριγκα, υπερβολική συναισθηματικότητα και ηθική και διδακτική τάση. Χαρακτηριστικό για το μελόδραμα είναι το «happy end», ο θρίαμβος των καλούδια. Το είδος του μελοδράματος ήταν δημοφιλές τον 18ο και 19ο αιώνα και αργότερα απέκτησε αρνητική φήμη.

Φάρσα(από το λατινικό farcio αρχίζω, γεμίζω) είναι μια δυτικοευρωπαϊκή λαϊκή κωμωδία του 14ου-16ου αιώνα, που προέρχεται από αστεία τελετουργικά παιχνίδια και ιντερμέδια. Η φάρσα χαρακτηρίζεται από τα κύρια χαρακτηριστικά των λαϊκών αναπαραστάσεων μαζικού χαρακτήρα, σατυρικού προσανατολισμού, αγενούς χιούμορ. Στη σύγχρονη εποχή, αυτό το είδος έχει μπει στο ρεπερτόριο των μικρών θεάτρων.

Όπως σημειώθηκε, οι μέθοδοι λογοτεχνικής αναπαράστασης συχνά αναμειγνύονται σε επιμέρους τύπους και είδη. Αυτή η σύγχυση είναι δύο ειδών: σε ορισμένες περιπτώσεις υπάρχει ένα είδος διάσπασης, όταν διατηρούνται τα κύρια γενικά χαρακτηριστικά. σε άλλες οι γενικές αρχές είναι ισορροπημένες και το έργο δεν μπορεί να αποδοθεί ούτε στο έπος, ούτε στον κλήρο, ούτε στο δράμα, με αποτέλεσμα να ονομάζονται παρακείμενα ή μικτά σχήματα. Τις περισσότερες φορές, η επική και η λυρική αναμειγνύονται.

Μπαλάντα(από την Provence ballar - στον χορό) - ένα μικρό ποιητικό έργο με μια αιχμηρή δραματική πλοκή αγάπης, θρυλικό-ιστορικό, ηρωικό-πατριωτικό ή παραμυθένιο περιεχόμενο. Η εικόνα των γεγονότων συνδυάζεται σε αυτό με ένα έντονο συγγραφικό συναίσθημα, το έπος συνδυάζεται με τους στίχους. Το είδος διαδόθηκε ευρέως στην εποχή του ρομαντισμού (Β. Ζουκόφσκι, Α. Πούσκιν, Μ. Λέρμοντοφ, Τ. Σεφτσένκο κ.ά.).

Λυρικό επικό ποίημα- ένα ποιητικό έργο στο οποίο, σύμφωνα με τον Β. Μαγιακόφσκι, ο ποιητής μιλά για τον χρόνο και για τον εαυτό του (ποιήματα των Β. Μαγιακόφσκι, Α. Τβαρντόφσκι, Σ. Γιεσένιν κ.λπ.).

δραματικό ποίημα- έργο γραμμένο σε διαλογική μορφή, αλλά δεν προορίζεται για ανέβασμα στη σκηνή. Παραδείγματα αυτού του είδους: «Φάουστ» του Γκαίτε, «Κάιν» του Βύρωνα, «Στις Κατακόμβες» του Λ. Ουκράινκα κ.α.

Εξ ου και κάποιες περιορισμένες καλλιτεχνικές δυνατότητες του δράματος. Ο συγγραφέας-δραματουργός χρησιμοποιεί μόνο ένα μέρος των εικαστικών μέσων που έχει στη διάθεσή του ο δημιουργός ενός μυθιστορήματος ή έπους, διηγήματος ή διηγήματος. Και οι χαρακτήρες των χαρακτήρων αποκαλύπτονται στο δράμα με λιγότερη ελευθερία και πληρότητα από ότι στο έπος. «Αντιλαμβάνομαι το δράμα», σημείωσε ο Τ. Μαν, «ως την τέχνη της σιλουέτας και αισθάνομαι μόνο το αφηγημένο πρόσωπο ως μια ογκώδη, ολοκληρωμένη, πραγματική και πλαστική εικόνα».

Το δράμα είναι σκηνικό. Το θέατρο είναι μια δημόσια, μαζική τέχνη. Η παράσταση επηρεάζει άμεσα πολλούς ανθρώπους, σαν να συγχωνεύεται σε ένα ως απάντηση σε αυτό που συμβαίνει πριν από αυτούς.

Το δραματικό είδος της λογοτεχνίας είναι ιδιαίτερα στενά συνδεδεμένο με τη σφαίρα του γέλιου, γιατί το θέατρο εδραιώθηκε και αναπτύχθηκε σε στενή σύνδεση με μαζικές γιορτές, σε μια ατμόσφαιρα παιχνιδιού και διασκέδασης. «Το είδος των κόμικς είναι παγκόσμιο για την αρχαιότητα», σημείωσε ο O. M. Freidenberg.

«Πώς έπαιζε στο θέατρο», σχολιάζει ο Μπούμπνοφ (Στο κάτω μέρος του Γκόρκι) τη φρενήρη ταραχή του απελπισμένου Κλες, ο οποίος, με μια απροσδόκητη εισβολή στη γενική συζήτηση, της έδωσε θεατρικό αποτέλεσμα.

Δεν υπάρχουν θεμελιώδεις διαφορές μεταξύ του Lesedrama και του έργου, το οποίο ο συγγραφέας προσανατολίζεται στη σκηνική παραγωγή. Τα δράματα που δημιουργούνται για ανάγνωση είναι συχνά δυνητικά σκηνικά δράματα. Και το θέατρο (συμπεριλαμβανομένου του σύγχρονου) πεισματικά αναζητά και ενίοτε βρίσκει τα κλειδιά τους, απόδειξη των οποίων είναι οι επιτυχημένες παραγωγές του «Ένας μήνας στη χώρα» του Τουργκένιεφ (πρώτα απ 'όλα, αυτή είναι η περίφημη προεπαναστατική παράσταση του Θέατρο Τέχνης) και πολυάριθμες (αν και όχι πάντα επιτυχημένες) σκηνικές αναγνώσεις τις μικρές τραγωδίες του Πούσκιν τον 20ο αιώνα.

Η δημιουργία μιας παράστασης βασισμένης σε ένα δραματικό έργο συνδέεται με τη δημιουργική του ολοκλήρωση: οι ηθοποιοί δημιουργούν επιτονικά-πλαστικά σχέδια των ρόλων που υποδύονται, ο καλλιτέχνης σχεδιάζει τον σκηνικό χώρο, ο σκηνοθέτης αναπτύσσει τις σκηνές. Από αυτή την άποψη, η έννοια του έργου αλλάζει κάπως (περισσότερη προσοχή δίνεται σε κάποιες πλευρές του, λιγότερη προσοχή σε άλλες), συχνά συγκεκριμενοποιείται και εμπλουτίζεται: η σκηνική παραγωγή εισάγει νέες σημασιολογικές αποχρώσεις στο δράμα.

Σημαντικό από αυτή την άποψη είναι το έργο του Γκαίτε. Όλα τα λογοτεχνικά είδη ήταν διαθέσιμα στον μεγάλο Γερμανό συγγραφέα, αλλά έστεψε τη ζωή του στην τέχνη με τη δημιουργία ενός δραματικού έργου - του αθάνατου Φάουστ.

V.E. Khalizev Θεωρία της Λογοτεχνίας. 1999

Το δράμα (άλλο ελληνικό δράμα - δράση) είναι ένα είδος λογοτεχνίας που αντανακλά τη ζωή σε δράσεις που λαμβάνουν χώρα στο παρόν.

Τα δραματικά έργα προορίζονται να σκηνοθετηθούν, αυτό καθορίζει τα ιδιαίτερα χαρακτηριστικά του δράματος:

1) η απουσία αφηγηματικής-περιγραφικής εικόνας.

3) το κύριο κείμενο του δραματικού έργου παρουσιάζεται με τη μορφή αντιγράφων των χαρακτήρων (μονόλογος και διάλογος).

4) το δράμα ως είδος λογοτεχνίας δεν έχει τέτοια ποικιλία καλλιτεχνικών και εικαστικών μέσων όπως το έπος: ο λόγος και η πράξη είναι τα κύρια μέσα δημιουργίας της εικόνας ενός ήρωα.

5) ο όγκος του κειμένου και η διάρκεια της δράσης περιορίζεται από το σκηνικό πλαίσιο.

6) οι απαιτήσεις των τεχνών του θεάματος υπαγόρευσαν ένα τέτοιο χαρακτηριστικό του δράματος ως ένα είδος υπερβολής (υπερβολισμός): "υπερβολή των γεγονότων, υπερβολή των συναισθημάτων και υπερβολή των εκφράσεων" (L.N. Tolstoy) - με άλλα λόγια, η θεατρική προβολή, αυξημένη εκφραστικότητα? ο θεατής του έργου αισθάνεται την αιρεσιμότητα αυτού που συμβαίνει, που πολύ καλά είπε ο Α.Σ. Πούσκιν: «Η ίδια η ουσία της δραματικής τέχνης αποκλείει την αληθοφάνεια... όταν διαβάζουμε ένα ποίημα, ένα μυθιστόρημα, μπορούμε συχνά να ξεχνάμε τον εαυτό μας και να πιστεύουμε ότι το περιστατικό που περιγράφεται δεν είναι φαντασία, αλλά αλήθεια. Σε μια ωδή, σε μια ελεγεία, μπορούμε να σκεφτούμε ότι ο ποιητής απεικόνισε τα πραγματικά του συναισθήματα, σε πραγματικές συνθήκες. Πού είναι όμως η αξιοπιστία σε ένα κτίριο χωρισμένη σε δύο μέρη, εκ των οποίων το ένα είναι γεμάτο με θεατές που έχουν συμφωνήσει κ.λπ.

Το δράμα (αρχαία ελληνικά δρᾶμα - πράξη, δράση) - ένα από τα τρία είδη λογοτεχνίας, μαζί με το έπος και το στίχο, ανήκει ταυτόχρονα σε δύο είδη τέχνης: τη λογοτεχνία και το θέατρο. Το δράμα, που προορίζεται να παιχτεί στη σκηνή, διαφέρει τυπικά από την επική και τη λυρική ποίηση στο ότι το κείμενο σε αυτό παρουσιάζεται με τη μορφή αντιγράφων χαρακτήρων και παρατηρήσεων του συγγραφέα και, κατά κανόνα, χωρίζεται σε πράξεις και φαινόμενα. Οποιοδήποτε λογοτεχνικό έργο χτισμένο σε διαλογική μορφή, συμπεριλαμβανομένης της κωμωδίας, της τραγωδίας, του δράματος (ως είδος), της φάρσας, του βοντβίλ κ.λπ., αναφέρεται στο δράμα με τον ένα ή τον άλλο τρόπο.

Κυριολεκτικά μεταφρασμένο από τα αρχαία ελληνικά, το δράμα σημαίνει «δράση».

Δραματικά είδηδράμα τραγωδίας (είδος) δράμα για ανάγνωση (παιχνίδι για ανάγνωση)

Μελόδραμα ιερόδραμα μυστηρίου κωμωδία βοντβίλ φάρσα zaju

Ιστορία του δράματοςΤα βασικά στοιχεία του δράματος - στην πρωτόγονη ποίηση, στην οποία τα στοιχεία του στίχου, του έπους και του δράματος που προέκυψαν αργότερα συγχωνεύτηκαν σε σχέση με τη μουσική και τις μιμικές κινήσεις. Νωρίτερα απ' ό,τι μεταξύ άλλων λαών, το δράμα ως ειδικό είδος ποίησης διαμορφώθηκε μεταξύ των Ινδουιστών και των Ελλήνων.

Διονυσιακούς χορούς

Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, ο ρεαλισμός κυριαρχεί στο ευρωπαϊκό δράμα (Dumas son, Ogier, Sardou, Paleron, Ibsen, Suderman, Schnitzler, Hauptmann, Beyerlein).

Ο σχεδιασμός ενός δραματικού έργουΣε αντίθεση με άλλα έργα πεζογραφίας και ποίησης, τα δραματικά έργα έχουν μια αυστηρά καθορισμένη δομή. Ένα δραματικό έργο αποτελείται από εναλλασσόμενα μπλοκ κειμένου, το καθένα με το δικό του σκοπό και τονίζεται με τυπογραφία, ώστε να διακρίνονται εύκολα μεταξύ τους. Το δραματικό κείμενο μπορεί να περιλαμβάνει τα ακόλουθα μπλοκ:

Η λίστα των χαρακτήρων βρίσκεται συνήθως πριν από το κύριο κείμενο του έργου. Σε αυτό, εάν είναι απαραίτητο, δίνεται μια σύντομη περιγραφή του ήρωα (ηλικία, χαρακτηριστικά εμφάνισης κ.λπ.)

Εξωτερικές παρατηρήσεις - περιγραφή της δράσης, της κατάστασης, της εμφάνισης και της αναχώρησης των χαρακτήρων. Συχνά πληκτρολογείται είτε σε μειωμένο μέγεθος, είτε με την ίδια γραμματοσειρά με τα αντίγραφα, αλλά σε μεγαλύτερη μορφή. Στην εξωτερική παρατήρηση μπορούν να δοθούν τα ονόματα των ηρώων και αν ο ήρωας εμφανίζεται για πρώτη φορά, το όνομά του επισημαίνεται επιπλέον. Παράδειγμα:

Το δωμάτιο, που λέγεται ακόμα το νηπιαγωγείο. Μια από τις πόρτες οδηγεί στο δωμάτιο της Άννας. Αυγή, σύντομα θα ανατείλει ο ήλιος. Είναι ήδη Μάιος, οι κερασιές ανθίζουν, αλλά κάνει κρύο στον κήπο, είναι ματινέ. Τα παράθυρα στο δωμάτιο είναι κλειστά.

Μπείτε ο Ντουνιάσα με ένα κερί και ο Λοπάχιν με ένα βιβλίο στο χέρι.

Ρεπλίκες είναι οι λέξεις που λέγονται από τους χαρακτήρες. Πριν από τις παρατηρήσεις πρέπει να αναγράφεται το όνομα του ηθοποιού και μπορεί να περιλαμβάνουν εσωτερικές παρατηρήσεις. Παράδειγμα:

Dunyasha. Νόμιζα ότι έφυγες. (Ακούει.) Εδώ, φαίνεται, είναι ήδη στο δρόμο τους.

ΛΟΠΑΧΙΝ (ακούει). Όχι... πάρε αποσκευές, τότε ναι...

Οι εσωτερικές παρατηρήσεις, σε αντίθεση με τις εξωτερικές παρατηρήσεις, περιγράφουν εν συντομία τις ενέργειες που συμβαίνουν κατά την προφορά ενός αντίγραφου από τον ήρωα ή τα χαρακτηριστικά της προφοράς. Εάν συμβεί κάποια σύνθετη ενέργεια κατά την εκφώνηση ενός σύνθημα, θα πρέπει να περιγραφεί χρησιμοποιώντας ένα εξωτερικό σύνθημα, ενώ υποδεικνύεται είτε στην ίδια την παρατήρηση είτε στο σύνθημα με τη βοήθεια μιας εσωτερικής παρατήρησης ότι ο ηθοποιός συνεχίζει να μιλάει κατά τη διάρκεια της δράσης. Μια εσωτερική σημείωση αναφέρεται μόνο σε μια συγκεκριμένη γραμμή ενός συγκεκριμένου ηθοποιού. Διαχωρίζεται από το αντίγραφο με αγκύλες, μπορεί να πληκτρολογηθεί με πλάγιους χαρακτήρες.

Οι πιο συνηθισμένοι είναι δύο τρόποι σχεδιασμού δραματικών έργων: το βιβλίο και ο κινηματογράφος. Εάν σε μορφή βιβλίου μπορούν να χρησιμοποιηθούν διαφορετικά στυλ γραμματοσειράς, διαφορετικά μεγέθη κ.λπ. για διαχωρισμό τμημάτων ενός δραματικού έργου, τότε στα κινηματογραφικά σενάρια είναι σύνηθες να χρησιμοποιείται μόνο μια γραμματοσειρά γραφομηχανής σε μονοδιάστημα και για να διαχωριστούν μέρη ενός έργου, η χρήση padding, ορίζεται σε διαφορετική μορφή, ορίζεται με όλα τα κεφαλαία, εκφόρτιση κ.λπ. - δηλαδή μόνο εκείνα τα μέσα που είναι διαθέσιμα σε μια γραφομηχανή. Αυτό επέτρεψε στα σενάρια να τροποποιηθούν πολλές φορές καθώς παράγονταν, διατηρώντας παράλληλα την αναγνωσιμότητα. .

Δράμα στη Ρωσία

Η Δράμα μεταφέρθηκε στη Ρωσία από τη Δύση στα τέλη του 17ου αιώνα. Η ανεξάρτητη δραματική λογοτεχνία εμφανίζεται μόλις στα τέλη του 18ου αιώνα. Μέχρι το πρώτο τέταρτο του 19ου αιώνα, η κλασική σκηνοθεσία επικρατούσε στο δράμα, τόσο στην τραγωδία όσο και στην κωμωδία και την κωμωδία όπερας. καλύτεροι συγγραφείς: Lomonosov, Knyaznin, Ozerov; Η προσπάθεια του Ι. Λούκιν να επιστήσει την προσοχή των θεατρικών συγγραφέων στην απεικόνιση της ρωσικής ζωής και εθίμων παρέμεινε μάταιη: όλα τα έργα τους είναι άψυχα, παρατημένα και ξένα στη ρωσική πραγματικότητα, εκτός από το περίφημο "Undergrowth" και "Foreman" Fonvizin, "Yabeda". «Ο Kapnist και μερικές κωμωδίες του I. A. Krylov .

Ο Οστρόφσκι έδωσε μια σειρά από αξιόλογα ιστορικά χρονικά και καθημερινές κωμωδίες. Μετά από αυτόν, το ρωσικό δράμα στάθηκε σε στέρεο έδαφος. οι πιο εξέχοντες θεατρικοί συγγραφείς: A. Sukhovo-Kobylin, I. S. Turgenev, A. Potekhin, A. Palm, V. Dyachenko, I. Chernyshev, V. Krylov, N. Ya. Solovyov, N. Chaev, gr. Α. Τολστόι, γ. L. Tolstoy, D. Averkiev, P. Boborykin, Prince Sumbatov, Novezhin, N. Gnedich, Shpazhinsky, Evt. Karpov, V. Tikhonov, I. Shcheglov, Vl. Nemirovich-Danchenko, A. Chekhov, M. Gorky, L. Andreev κ.ά.

Δημοφιλή στην κατηγορία: