रोमांटिकतावाद रोमांटिक स्कूल के कलाकार। रूमानियत क्या है? रूमानियत का युग

1.1 रूमानियत की मुख्य विशेषताएं

स्वच्छंदतावाद - (फ्रांसीसी रोमांसवाद, मध्यकालीन फ्रेंच रोमांटिक - उपन्यास से) - कला में एक दिशा, 18 वीं -19 वीं शताब्दी के मोड़ पर सामान्य साहित्यिक आंदोलन के भीतर गठित। जर्मनी में। यह यूरोप और अमेरिका के सभी देशों में व्यापक हो गया है। रूमानियत का उच्चतम शिखर 19 वीं शताब्दी की पहली तिमाही में पड़ता है।

फ्रांसीसी शब्द रोमैंटिसमे स्पेनिश रोमांस (मध्य युग में, स्पेनिश रोमांस को ऐसा कहा जाता था, और फिर शिष्ट रोमांस), अंग्रेजी रोमांटिक, जो 18 वीं शताब्दी में बदल गया था, वापस चला जाता है। रोमांटिक में और फिर अर्थ "अजीब", "शानदार", "सुरम्य"। XIX सदी की शुरुआत में। रूमानियत क्लासिकवाद के विपरीत एक नई दिशा का पदनाम बन जाती है।

एंटीथिसिस "क्लासिकिज़्म" - "रोमांटिकिज़्म" में प्रवेश करते हुए, दिशा ने नियमों से रोमांटिक स्वतंत्रता के लिए नियमों की क्लासिकिस्ट आवश्यकता के विरोध को ग्रहण किया। रूमानियत की कलात्मक प्रणाली का केंद्र व्यक्ति है, और इसका मुख्य संघर्ष व्यक्तियों और समाज के बीच है। रूमानियत के विकास के लिए निर्णायक शर्त फ्रांसीसी क्रांति की घटनाएँ थीं। रूमानियतवाद का उद्भव ज्ञान-विरोधी आंदोलन से जुड़ा है, जिसके कारण सभ्यता, सामाजिक, औद्योगिक, राजनीतिक और वैज्ञानिक प्रगति में निराशा है, जिसके परिणामस्वरूप व्यक्ति के नए विरोधाभास और विरोधाभास, स्तर और आध्यात्मिक तबाही हुई।

प्रबुद्धता ने नए समाज को सबसे "स्वाभाविक" और "उचित" के रूप में प्रचारित किया। यूरोप के सर्वश्रेष्ठ दिमागों ने भविष्य के इस समाज की पुष्टि और पूर्वाभास किया, लेकिन वास्तविकता "कारण" के नियंत्रण से परे निकली, भविष्य - अप्रत्याशित, तर्कहीन और आधुनिक सामाजिक व्यवस्था ने मनुष्य की प्रकृति और उसके लिए खतरा पैदा करना शुरू कर दिया। व्यक्तिगत स्वतंत्रता। इस समाज की अस्वीकृति, आध्यात्मिकता और स्वार्थ की कमी का विरोध पहले से ही भावुकता और पूर्व-स्वच्छंदतावाद में परिलक्षित होता है। स्वच्छंदतावाद इस अस्वीकृति को सबसे तीक्ष्णता से व्यक्त करता है। स्वच्छंदतावाद ने भी मौखिक स्तर पर ज्ञानोदय का विरोध किया: रोमांटिक कार्यों की भाषा, प्राकृतिक होने का प्रयास, "सरल", सभी पाठकों के लिए सुलभ, अपने महान, "उदात्त" विषयों के साथ क्लासिक्स के विपरीत कुछ था, विशिष्ट, उदाहरण के लिए, शास्त्रीय त्रासदी के लिए।

बाद के पश्चिमी यूरोपीय प्रेमकथाओं में, समाज के संबंध में निराशावाद लौकिक अनुपात प्राप्त करता है, "सदी की बीमारी" बन जाता है। कई रोमांटिक कार्यों के नायकों को निराशा, निराशा के मूड की विशेषता है, जो एक सार्वभौमिक चरित्र प्राप्त करते हैं। पूर्णता हमेशा के लिए खो गई है, दुनिया पर बुराई का शासन है, प्राचीन अराजकता फिर से जीवित हो रही है। "भयानक दुनिया" का विषय, सभी रोमांटिक साहित्य की विशेषता, तथाकथित "ब्लैक जॉनर" (पूर्व-रोमांटिक "गॉथिक उपन्यास" में - ए। रेडक्लिफ, सी। मटुरिन, "में सबसे स्पष्ट रूप से सन्निहित था। रॉक का नाटक", या "रॉक की त्रासदी", - जेड वर्नर, जी। क्लेस्ट, एफ। ग्रिलपजर), साथ ही बायरन, सी। ब्रेंटानो, ईटीए हॉफमैन, ई। पो और एन। हॉथोर्न के कार्यों में।

इसी समय, रूमानियत उन विचारों पर आधारित है जो "भयानक दुनिया" को चुनौती देते हैं - मुख्य रूप से स्वतंत्रता के विचार। रूमानियत की निराशा वास्तविकता में निराशा है, लेकिन प्रगति और सभ्यता इसके केवल एक पक्ष हैं। इस पक्ष की अस्वीकृति, सभ्यता की संभावनाओं में विश्वास की कमी एक और मार्ग प्रदान करती है, आदर्श का मार्ग, शाश्वत का, निरपेक्ष का। इस मार्ग को सभी अंतर्विरोधों का समाधान करना चाहिए, जीवन को पूरी तरह से बदल देना चाहिए। यह पूर्णता का मार्ग है, "लक्ष्य के लिए, जिसकी व्याख्या दृश्य के दूसरी ओर मांगी जानी चाहिए" (ए। डी विग्नी)। कुछ प्रेमकथाओं के लिए, दुनिया पर अतुलनीय और रहस्यमयी ताकतें हावी हैं, जिनका पालन किया जाना चाहिए और भाग्य को बदलने की कोशिश नहीं करनी चाहिए (चैटयूब्रियंड, वी.ए. ज़ुकोवस्की)। दूसरों के लिए, "वैश्विक बुराई" ने विरोध को उकसाया, बदला लेने की मांग की, संघर्ष (प्रारंभिक ए.एस. पुश्किन)। सामान्य बात यह थी कि वे सभी मनुष्य में एक ही इकाई को देखते थे, जिसका कार्य साधारण समस्याओं को हल करने तक सीमित नहीं है। इसके विपरीत, रोजमर्रा की जिंदगी को नकारे बिना, रोमांटिक लोगों ने अपनी धार्मिक और काव्यात्मक भावनाओं पर भरोसा करते हुए, प्रकृति की ओर मुड़ते हुए, मानव अस्तित्व के रहस्य को जानने की कोशिश की।

एक रोमांटिक नायक एक जटिल, भावुक व्यक्ति है, जिसकी आंतरिक दुनिया असामान्य रूप से गहरी, अंतहीन है; यह विरोधाभासों से भरा एक संपूर्ण ब्रह्मांड है। स्वच्छंदतावादी उच्च और निम्न दोनों तरह के सभी जुनूनों में रुचि रखते थे, जो एक दूसरे के विरोधी थे। उच्च जुनून - अपनी सभी अभिव्यक्तियों में प्यार, कम - लालच, महत्वाकांक्षा, ईर्ष्या। रोमांस की नीच भौतिक प्रथा आत्मा के जीवन, विशेष रूप से धर्म, कला और दर्शन के विरोध में थी। आत्मा के गुप्त आंदोलनों में मजबूत और ज्वलंत भावनाओं, सभी उपभोग करने वाले जुनून में रुचि रोमांटिकतावाद की विशेषता है।

आप रोमांस के बारे में एक विशेष प्रकार के व्यक्तित्व के रूप में बात कर सकते हैं - मजबूत जुनून और उच्च आकांक्षाओं वाला व्यक्ति, रोजमर्रा की दुनिया के साथ असंगत। इस प्रकृति के साथ असाधारण परिस्थितियां आती हैं। फंतासी, लोक संगीत, कविता, किंवदंतियाँ रोमांटिक लोगों के लिए आकर्षक हो जाती हैं - वह सब कुछ जो डेढ़ सदी तक मामूली विधाओं के रूप में माना जाता था, ध्यान देने योग्य नहीं। स्वच्छंदतावाद की विशेषता स्वतंत्रता के दावे, व्यक्ति की संप्रभुता, व्यक्ति पर बढ़ा हुआ ध्यान, मनुष्य में अद्वितीय, व्यक्ति का पंथ है। किसी व्यक्ति के आत्म-मूल्य में विश्वास इतिहास के भाग्य के विरोध में बदल जाता है। अक्सर एक रोमांटिक काम का नायक एक कलाकार बन जाता है जो रचनात्मक रूप से वास्तविकता को समझने में सक्षम होता है। क्लासिक "प्रकृति की नकल" वास्तविकता को बदलने वाले कलाकार की रचनात्मक ऊर्जा का विरोध करती है। यह अनुभवजन्य रूप से कथित वास्तविकता की तुलना में अपनी खुद की, विशेष दुनिया, अधिक सुंदर और वास्तविक बनाता है। यह रचनात्मकता है जो अस्तित्व का अर्थ है, यह ब्रह्मांड के उच्चतम मूल्य का प्रतिनिधित्व करती है। रोमैंटिक्स ने कलाकार की रचनात्मक स्वतंत्रता, उसकी कल्पना का पूरी तरह से बचाव किया, यह विश्वास करते हुए कि कलाकार की प्रतिभा नियमों का पालन नहीं करती है, बल्कि उन्हें बनाती है।

रोमान्टिक्स विभिन्न ऐतिहासिक युगों में बदल गए, वे अपनी मौलिकता से आकर्षित हुए, विदेशी और रहस्यमय देशों और परिस्थितियों से आकर्षित हुए। इतिहास में रुचि रूमानियत की कलात्मक प्रणाली की स्थायी विजय में से एक बन गई। उन्होंने खुद को ऐतिहासिक उपन्यास की शैली के निर्माण में व्यक्त किया, जिसके संस्थापक डब्ल्यू स्कॉट हैं, और सामान्य तौर पर उपन्यास, जिसने विचाराधीन युग में एक अग्रणी स्थान हासिल किया। रोमैंटिक्स सटीक और सटीक रूप से ऐतिहासिक विवरण, पृष्ठभूमि, किसी विशेष युग के रंग को पुन: पेश करते हैं, लेकिन रोमांटिक चरित्र इतिहास के बाहर दिए गए हैं, वे, एक नियम के रूप में, परिस्थितियों से ऊपर हैं और उन पर निर्भर नहीं हैं। साथ ही, रोमांटिक लोगों ने उपन्यास को इतिहास को समझने के साधन के रूप में माना, और इतिहास से वे मनोविज्ञान के रहस्यों में प्रवेश करने के लिए गए, और तदनुसार, आधुनिकता। इतिहास में रुचि फ्रांसीसी रोमांटिक स्कूल (ओ। थिएरी, एफ। गुइज़ोट, एफ। ओ। मेयुनियर) के इतिहासकारों के कार्यों में भी परिलक्षित हुई।

यह स्वच्छंदतावाद के युग में है कि मध्य युग की संस्कृति की खोज होती है, और पुरातनता के लिए प्रशंसा, पिछले युग की विशेषता, XVIII - शुरुआत के अंत में भी कमजोर नहीं होती है। 19 वीं सदी राष्ट्रीय, ऐतिहासिक, व्यक्तिगत विशेषताओं की विविधता का भी एक दार्शनिक अर्थ था: एक ही दुनिया के धन में इन व्यक्तिगत विशेषताओं की समग्रता होती है, और प्रत्येक व्यक्ति के इतिहास का अलग-अलग अध्ययन शब्दों में इसका पता लगाना संभव बनाता है। बर्क की, एक के बाद एक नई पीढ़ियों के माध्यम से निर्बाध जीवन।

स्वच्छंदतावाद के युग को साहित्य के उत्कर्ष से चिह्नित किया गया था, जिसकी एक विशिष्ट विशेषता सामाजिक और राजनीतिक समस्याओं के लिए एक जुनून था। चल रही ऐतिहासिक घटनाओं में मनुष्य की भूमिका को समझने की कोशिश करते हुए, रोमांटिक लेखकों ने सटीकता, संक्षिप्तता और विश्वसनीयता की ओर रुख किया। साथ ही, उनके कार्यों की कार्रवाई अक्सर एक यूरोपीय के लिए असामान्य वातावरण में प्रकट होती है - उदाहरण के लिए, पूर्व और अमेरिका में, या रूसियों के लिए, काकेशस में या क्रीमिया में। इस प्रकार, रोमांटिक कवि मुख्य रूप से गीतकार कवि और प्रकृति के कवि हैं, और इसलिए उनके काम में (हालांकि, कई गद्य लेखकों की तरह) एक महत्वपूर्ण स्थान पर परिदृश्य का कब्जा है - सबसे पहले, समुद्र, पहाड़, आकाश, तूफानी तत्व जिसके साथ नायक के जटिल रिश्ते जुड़े हैं। प्रकृति एक रोमांटिक नायक के भावुक स्वभाव के समान हो सकती है, लेकिन यह उसका विरोध भी कर सकती है, एक शत्रुतापूर्ण शक्ति बन सकती है जिससे वह लड़ने के लिए मजबूर हो जाता है।

दूर देशों और लोगों की प्रकृति, जीवन, जीवन और रीति-रिवाजों के असामान्य और ज्वलंत चित्रों ने भी रोमांटिकता को प्रेरित किया। वे उन विशेषताओं की तलाश में थे जो राष्ट्रीय भावना के मूलभूत आधार का निर्माण करती हैं। राष्ट्रीय पहचान मुख्य रूप से मौखिक लोक कला में प्रकट होती है। इसलिए लोककथाओं में रुचि, लोककथाओं का प्रसंस्करण, लोक कलाओं के आधार पर अपने स्वयं के कार्यों का निर्माण।

ऐतिहासिक उपन्यास, काल्पनिक कहानी, गेय-महाकाव्य कविता, गाथागीत की शैलियों का विकास प्रेमकथाओं की योग्यता है। उनका नवाचार भी गीतों में प्रकट हुआ, विशेष रूप से, शब्द के पोलीसिम के उपयोग में, साहचर्य के विकास, रूपक, छंद, मीटर और लय के क्षेत्र में खोज।

स्वच्छंदतावाद को जेनेरा और शैलियों के संश्लेषण, उनके अंतर्संबंध की विशेषता है। रोमांटिक कला प्रणाली कला, दर्शन और धर्म के संश्लेषण पर आधारित थी। उदाहरण के लिए, हर्डर जैसे विचारक के लिए, भाषाई अनुसंधान, दार्शनिक सिद्धांत और यात्रा नोट्स संस्कृति के क्रांतिकारी नवीनीकरण के तरीकों की खोज के रूप में कार्य करते हैं। रूमानियत की अधिकांश उपलब्धि उन्नीसवीं सदी के यथार्थवाद से विरासत में मिली थी। - फंतासी, भड़काऊ, उच्च और निम्न, दुखद और हास्य का मिश्रण, "व्यक्तिपरक आदमी" की खोज।

रूमानियत के युग में, न केवल साहित्य फलता-फूलता है, बल्कि कई विज्ञान भी: समाजशास्त्र, इतिहास, राजनीति विज्ञान, रसायन विज्ञान, जीव विज्ञान, विकासवादी सिद्धांत, दर्शन (हेगेल, डी। ह्यूम, आई। कांट, फिच्टे, प्राकृतिक दर्शन, का सार) जो इस तथ्य पर निर्भर करता है कि प्रकृति - भगवान के वस्त्रों में से एक है, "देवता का जीवित वस्त्र")।

स्वच्छंदतावाद यूरोप और अमेरिका में एक सांस्कृतिक घटना है। विभिन्न देशों में, उनके भाग्य की अपनी विशेषताएं थीं।

1.2 रूस में स्वच्छंदतावाद

19 वीं शताब्दी के दूसरे दशक की शुरुआत तक, रूमानियत रूसी कला में एक महत्वपूर्ण स्थान रखती है, कमोबेश पूरी तरह से इसकी राष्ट्रीय पहचान को प्रकट करती है। इस मौलिकता को किसी विशेषता या सुविधाओं के योग तक कम करना अत्यंत जोखिम भरा है; हमारे सामने जो कुछ है वह प्रक्रिया की दिशा है, साथ ही साथ इसकी गति, इसकी मजबूरी - अगर हम रूसी रूमानियत की तुलना यूरोपीय साहित्य के पुराने "रोमांटिकवाद" से करते हैं।

18वीं शताब्दी के अंतिम दशक में - हम पहले ही रूसी रूमानियत के प्रागितिहास में इस जबरन विकास को देख चुके हैं। - 19 वीं शताब्दी के पहले वर्षों में, जब क्लासिकिज़्म की प्रवृत्तियों के साथ पूर्व-रोमांटिक और भावुक प्रवृत्तियों का असामान्य रूप से घनिष्ठ संबंध था।

कारण की अधिकता, संवेदनशीलता की अतिवृद्धि, प्रकृति की पंथ और प्राकृतिक मनुष्य, एलिगियाक उदासी और महाकाव्यवाद को व्यवस्थावाद और तर्कसंगतता के तत्वों के साथ जोड़ा गया था, जो विशेष रूप से काव्य के क्षेत्र में स्पष्ट थे। शैलियों और शैलियों को सुव्यवस्थित किया गया था (मुख्य रूप से करमज़िन और उनके अनुयायियों के प्रयासों से), इसकी "हार्मोनिक सटीकता" के लिए भाषण की अत्यधिक रूपक और अलंकरण के खिलाफ संघर्ष था (पुश्किन द्वारा ज़ुकोवस्की द्वारा स्थापित स्कूल की विशिष्ट विशेषता की परिभाषा) और बटयुशकोव)।

विकास की गति ने रूसी रूमानियत के अधिक परिपक्व चरण पर अपनी छाप छोड़ी। कलात्मक विकास का घनत्व भी इस तथ्य की व्याख्या करता है कि रूसी रूमानियत में स्पष्ट कालानुक्रमिक चरणों को पहचानना मुश्किल है। साहित्यिक इतिहासकार रूसी रूमानियत को निम्नलिखित अवधियों में विभाजित करते हैं: प्रारंभिक काल (1801 - 1815), परिपक्वता की अवधि (1816 - 1825) और इसके अक्टूबर के बाद के विकास की अवधि। यह एक अनुकरणीय योजना है, क्योंकि। इन अवधियों में से कम से कम दो (पहला और तीसरा) गुणात्मक रूप से विषम हैं और कम से कम उन सिद्धांतों की सापेक्ष एकता नहीं है जो प्रतिष्ठित हैं, उदाहरण के लिए, जर्मनी में जेना और हीडलबर्ग रोमांटिकवाद की अवधि।

पश्चिमी यूरोप में रोमांटिक आंदोलन - विशेष रूप से जर्मन साहित्य में - संपूर्णता और संपूर्णता के संकेत के तहत शुरू हुआ। सब कुछ जो अलग हो गया था, संश्लेषण के लिए प्रयासरत था: प्राकृतिक दर्शन में, और समाजशास्त्र में, और ज्ञान के सिद्धांत में, और मनोविज्ञान में - व्यक्तिगत और सामाजिक, और निश्चित रूप से, कलात्मक विचार में, जिसने इन सभी आवेगों को एकजुट किया और, जैसा कि यह था , उन्हें नया जीवन दिया..

मनुष्य ने प्रकृति के साथ विलय करने की कोशिश की; व्यक्तित्व, व्यक्ति - पूरे के साथ, लोगों के साथ; सहज ज्ञान - तार्किक के साथ; मानव आत्मा के अवचेतन तत्व - प्रतिबिंब और कारण के उच्चतम क्षेत्रों के साथ। यद्यपि विपरीत क्षणों का अनुपात कभी-कभी विरोधाभासी लग रहा था, लेकिन एकीकरण की प्रवृत्ति ने उज्ज्वल, प्रमुख स्वर के प्रावधान के साथ रोमांटिकतावाद, बहु रंगीन और मोटल के एक विशेष भावनात्मक स्पेक्ट्रम को जन्म दिया।

केवल धीरे-धीरे तत्वों की संघर्ष प्रकृति उनके एंटीनोमी में बढ़ी; वांछित संश्लेषण का विचार अलगाव और टकराव के विचार में भंग हो गया, आशावादी प्रमुख मूड ने निराशा और निराशावाद की भावना को जन्म दिया।

रूसी रूमानियत प्रक्रिया के दोनों चरणों से परिचित है - प्रारंभिक और अंतिम दोनों; हालाँकि, ऐसा करने में, उन्होंने आम आंदोलन को मजबूर कर दिया। प्रारंभिक रूपों के फलने-फूलने से पहले अंतिम रूप प्रकट हुए; बीच वाले उखड़ गए या गिर गए। पश्चिमी यूरोपीय साहित्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ, रूसी रूमानियत एक ही समय में कम और अधिक रोमांटिक दोनों दिखती थी: यह समृद्धि, शाखाओं में बंटी, समग्र चित्र की चौड़ाई में उनसे नीच थी, लेकिन कुछ अंतिम परिणामों की निश्चितता से आगे निकल गई।

रूमानियत के गठन को प्रभावित करने वाला सबसे महत्वपूर्ण सामाजिक-राजनीतिक कारक डीसेम्ब्रिज्म है। कलात्मक सृजन के विमान में डिसमब्रिस्ट विचारधारा का अपवर्तन एक अत्यंत जटिल और लंबी प्रक्रिया है। हालांकि, हमें इस तथ्य पर ध्यान नहीं देना चाहिए कि इसने सटीक रूप से कलात्मक अभिव्यक्ति प्राप्त की; कि डिसमब्रिस्ट आवेगों को काफी ठोस साहित्यिक रूपों में पहना गया था।

अक्सर, "साहित्यिक डिसम्ब्रिज्म" को कलात्मक रचनात्मकता के बाहर एक निश्चित अनिवार्यता के साथ पहचाना जाता था, जब सभी कलात्मक साधन एक अतिरिक्त लक्ष्य के अधीन होते हैं, जो बदले में, डीसेम्ब्रिस्ट विचारधारा से उपजा होता है। यह लक्ष्य, यह "कार्य" कथित रूप से "शब्दांश या शैली के संकेतों के संकेत" द्वारा समतल या धकेल दिया गया था। वास्तव में, सब कुछ बहुत अधिक जटिल था।

इस समय के गीतों में रूसी रूमानियत की विशिष्ट प्रकृति स्पष्ट रूप से दिखाई देती है, अर्थात। दुनिया के गीतात्मक संबंध में, लेखक की स्थिति के मुख्य स्वर और परिप्रेक्ष्य में, जिसे आमतौर पर "लेखक की छवि" कहा जाता है। आइए हम रूसी कविता को इस दृष्टिकोण से देखें, ताकि इसकी विविधता और एकता का कम से कम एक सरसरी विचार बनाया जा सके।

रूसी रोमांटिक कविता ने "लेखक की छवियों" की एक विस्तृत श्रृंखला का खुलासा किया है, कभी-कभी, कभी-कभी, इसके विपरीत, एक-दूसरे के साथ विरोधाभासी और विपरीत। लेकिन हमेशा "लेखक की छवि" भावनाओं, मनोदशाओं, विचारों या रोजमर्रा और जीवनी संबंधी विवरणों का एक ऐसा संघनन है (लेखक के अलगाव की रेखा के "स्क्रैप्स", कविता में अधिक पूरी तरह से प्रतिनिधित्व करते हैं, गीतात्मक कार्य में शामिल होते हैं) , जो विरोध से लेकर पर्यावरण तक का अनुसरण करता है। व्यक्ति और संपूर्ण के बीच का संबंध टूट गया है। टकराव और असामंजस्य की भावना लेखक की उपस्थिति पर तब भी हावी होती है जब वह अपने आप में स्पष्ट रूप से स्पष्ट और संपूर्ण प्रतीत होता है।

पूर्व-रोमांटिकवाद मूल रूप से गीतों में संघर्ष को व्यक्त करने के दो रूपों को जानता था, जिन्हें गेय विरोध कहा जा सकता है - एलिगियाक और एपिक्यूरियन रूप। रोमांटिक कविता ने उन्हें अधिक जटिल, गहरी और व्यक्तिगत रूप से अलग-अलग श्रृंखला में विकसित किया है।

लेकिन, उपर्युक्त रूप अपने आप में कितने भी महत्वपूर्ण क्यों न हों, वे निश्चित रूप से रूसी रूमानियत के सभी धन को समाप्त नहीं करते हैं।

दृश्य कलाओं में स्वच्छंदतावाद काफी हद तक दार्शनिकों और लेखकों के विचारों पर आधारित था। चित्रकला में, कला के अन्य रूपों की तरह, रोमांटिक हर चीज से आकर्षित थे जो असामान्य, अज्ञात थी, चाहे वह उनके विदेशी रीति-रिवाजों और वेशभूषा (डेलाक्रोइक्स) के साथ दूर के देश हों, रहस्यमय दृष्टि की दुनिया (ब्लेक, फ्रेडरिक, प्री-राफेलाइट्स) और जादुई सपने (रनगे) या उदास गहराई अवचेतन (गोया, फुसली)। कई कलाकारों के लिए प्रेरणा का स्रोत अतीत की कलात्मक विरासत थी: प्राचीन पूर्व, मध्य युग और प्रोटो-पुनर्जागरण (Nazarenes, Pre-Raphaelites)।

क्लासिकवाद के विपरीत, जिसने मन की स्पष्ट शक्ति को महिमामंडित किया, रोमांटिक लोगों ने भावुक, तूफानी भावनाओं को गाया जो पूरे व्यक्ति को पकड़ लेते हैं। नए रुझानों के लिए शुरुआती प्रतिक्रियाएं पोर्ट्रेट और लैंडस्केप थीं, जो रोमांटिक पेंटिंग की पसंदीदा शैली बन रही हैं।

उमंग का समय चित्र शैली उज्ज्वल मानव व्यक्तित्व, उसकी आध्यात्मिक दुनिया की सुंदरता और समृद्धि में प्रेमकथाओं की रुचि से जुड़ा था। छवि की कामुक प्लास्टिसिटी में, शारीरिक सुंदरता में रुचि पर एक रोमांटिक चित्र में मानव आत्मा का जीवन प्रबल होता है।

एक रोमांटिक चित्र (डेलैक्रिक्स, गेरीकॉल्ट, रनगे, गोया) में प्रत्येक व्यक्ति की विशिष्टता हमेशा प्रकट होती है, गतिशीलता, आंतरिक जीवन की तीव्र धड़कन, विद्रोही जुनून से अवगत कराया जाता है।

रोमैंटिक्स एक टूटी हुई आत्मा की त्रासदी में भी रुचि रखते हैं: मानसिक रूप से बीमार लोग अक्सर काम के नायक बन जाते हैं (जेरिकॉल्ट "पागल, जुए के आदी", "बच्चों के चोर", "पागल, खुद को एक कमांडर की कल्पना करते हुए")।

प्राकृतिक दृश्य रोमांटिक लोगों द्वारा ब्रह्मांड की आत्मा के अवतार के रूप में कल्पना की गई; प्रकृति, मानव आत्मा की तरह, गतिशीलता, निरंतर परिवर्तनशीलता में प्रकट होती है। रोमांटिक नायकों की भावनाओं के भ्रम के अनुरूप सहज, पुनर्गठित, शक्तिशाली, कभी-बदलने वाली प्रकृति की छवियों द्वारा क्लासिकवाद की विशेषता वाले आदेशित और परिष्कृत परिदृश्य को बदल दिया गया था। रोमैंटिक्स विशेष रूप से तूफान, गरज, ज्वालामुखी विस्फोट, भूकंप, जलपोतों को लिखना पसंद करते थे जो दर्शकों पर एक मजबूत भावनात्मक प्रभाव डाल सकते थे (गेरिकॉल्ट, फ्रेडरिक, टर्नर)।

रात का काव्यीकरण, रूमानियत की विशेषता - एक अजीब, असली दुनिया जो अपने कानूनों के अनुसार रहती है - "रात शैली" के उत्कर्ष का कारण बनी, जो रोमांटिक पेंटिंग में पसंदीदा बन रही है, खासकर जर्मन कलाकारों के बीच।

दृश्य कलाओं में उन पहले देशों में से एक जिनमें रूमानियत का विकास हुआ थाजर्मनी .

रोमांटिक परिदृश्य की शैली के विकास पर ध्यान देने योग्य प्रभाव रचनात्मकता का थाकैस्पर डेविड फ्रेडरिक (1774-1840)। उनकी कलात्मक विरासत में पहाड़ की चोटियों, जंगलों, समुद्र, समुद्र तट, साथ ही पुराने गिरिजाघरों के खंडहरों, परित्यक्त अभय, मठों ("पहाड़ों में क्रॉस", "कैथेड्रल", "ओक के पेड़ों के बीच अभय) का चित्रण है। ”)। उन्हें आमतौर पर दुनिया में किसी व्यक्ति के दुखद नुकसान की चेतना से अपरिवर्तनीय उदासी की भावना होती है।

कलाकार प्रकृति की उन अवस्थाओं से प्यार करता था जो उसकी रोमांटिक धारणा के अनुरूप हैं: सुबह-सुबह, शाम का सूर्यास्त, चंद्रोदय ("चंद्रमा पर विचार करने वाले दो", "मठवासी कब्रिस्तान", "इंद्रधनुष के साथ लैंडस्केप", "समुद्र के ऊपर चंद्रोदय", " रूजेन द्वीप पर चाक चट्टानें", "एक सेलबोट पर", "हार्बर एट नाइट")।

उनके कामों के निरंतर पात्र प्रकृति के चिंतन में डूबे एकाकी सपने देखने वाले हैं। विशाल दूरियों और अंतहीन ऊंचाइयों को देखते हुए, वे ब्रह्मांड के शाश्वत रहस्यों में शामिल हो जाते हैं, वे सपनों की खूबसूरत दुनिया में चले जाते हैं। फ्रेडरिक इस अद्भुत दुनिया को जादुई रूप से चमकती रोशनी की मदद से बताता है।- दीप्तिमान सौर या रहस्यमय चंद्र।

फ्रेडरिक के काम की उनके समकालीनों ने प्रशंसा की, जिसमें आई।डब्ल्यू. गोएथे और डब्ल्यू. ए. ज़ुकोवस्की, जिनके लिए रूस द्वारा उनके कई चित्रों का अधिग्रहण किया गया था।

पेंटर, ग्राफिक कलाकार, कवि और कला सिद्धांतकारफिलिप ओटो रनगे (1777-1810), मुख्य रूप से खुद को चित्र शैली के लिए समर्पित किया। अपने कामों में, उन्होंने आम लोगों की छवियों का काव्यात्मक चित्रण किया, अक्सर उनके प्रियजन ("हम में से तीन" - एक दुल्हन और भाई के साथ एक स्व-चित्र, संरक्षित नहीं किया गया है; "हुलजेनबेक परिवार के बच्चे", "चित्र का चित्र") कलाकार के माता-पिता", "स्व-चित्र")। रंज की गहरी धार्मिकता को "तिबरियास झील के तट पर मसीह" और "मिस्र में उड़ान पर आराम" (समाप्त नहीं) के रूप में इस तरह के चित्रों में व्यक्त किया गया था। कलाकार ने सैद्धांतिक ग्रंथ "द कलर स्फीयर" में कला पर अपने प्रतिबिंबों को अभिव्यक्त किया।

जर्मन कला में धार्मिक और नैतिक नींव को पुनर्जीवित करने की इच्छा कलाकारों की रचनात्मक गतिविधि से जुड़ी है नाजरीन स्कूल (एफ ओवरबेक, वॉन कार्ल्सफेल्ड,एल. वोगेल, आई. गॉटिंगर, जे. सटर,पी। वॉन कॉर्नेलियस)। एक प्रकार के धार्मिक भाईचारे ("यूनियन ऑफ सेंट ल्यूक") में एकजुट होने के बाद, "नाज़रीन" एक मठवासी समुदाय के मॉडल पर रोम में रहते थे और धार्मिक विषयों पर चित्र बनाते थे। उन्होंने इतालवी और जर्मन चित्रकला को अपनी रचनात्मक खोजों के लिए एक मॉडल के रूप में माना।XIV - XVसदियों (पेरुगिनो, प्रारंभिक राफेल, ए।ड्यूरर, एच। होल्बिन द यंगर, एल।क्रैंक)। पेंटिंग "द ट्रायम्फ ऑफ रिलिजन इन आर्ट" में ओवरबेक सीधे राफेल के "एथेनियन स्कूल" और "द हॉर्समेन ऑफ द एपोकैलिप्स" में कॉर्नेलियस की नकल करता है - ड्यूरर की इसी नाम की नक्काशी।

ब्रदरहुड के सदस्यों ने कलाकार के मुख्य गुणों को आध्यात्मिक शुद्धता और ईमानदारी से विश्वास माना, यह विश्वास करते हुए कि "केवल बाइबिल ने राफेल को एक प्रतिभाशाली बना दिया।" एक परित्यक्त मठ की कोशिकाओं में एकांत जीवन व्यतीत करते हुए, उन्होंने अपनी कला सेवा को आध्यात्मिक सेवा की श्रेणी में उन्नत किया।

"नाज़रीन" ने बड़े स्मारकीय रूपों की ओर रुख किया, नव पुनर्जीवित फ्रेस्को तकनीक की मदद से उच्च आदर्शों को मूर्त रूप देने की कोशिश की। कुछ चित्रों को उनके द्वारा एक साथ निष्पादित किया गया था।

1820 और 30 के दशक में, विभिन्न कला अकादमियों में प्रमुख स्थान प्राप्त करते हुए, बिरादरी के सदस्य पूरे जर्मनी में फैल गए। अपने कलात्मक सिद्धांतों को बदले बिना, केवल ओवरबेक अपनी मृत्यु तक इटली में रहे। "नाज़रीन" की सर्वश्रेष्ठ परंपराओं को लंबे समय तक ऐतिहासिक चित्रकला में संरक्षित किया गया है। उनकी वैचारिक और नैतिक खोज का अंग्रेजी प्री-राफेलाइट्स पर प्रभाव पड़ा, साथ ही शविंड और स्पिट्जवेग जैसे उस्तादों के काम पर भी।

मोरिट्ज़ शविंड (1804-1871), ऑस्ट्रियाई जन्म से, म्यूनिख में काम किया। चित्रफलक कार्यों में, वह मुख्य रूप से अपने निवासियों के साथ प्राचीन जर्मन प्रांतीय शहरों की उपस्थिति और जीवन को दर्शाता है। यह अपने पात्रों के लिए प्यार के साथ, महान कविता और गीतकारिता के साथ किया जाता है।

कार्ल स्पिट्जवेग (1808-1885) - म्यूनिख चित्रकार, ग्राफिक कलाकार, शानदार ड्राफ्ट्समैन, कार्टूनिस्ट, बिना भावुकता के भी नहीं, लेकिन बड़े हास्य के साथ शहरी जीवन ("गरीब कवि", "मॉर्निंग कॉफ़ी") के बारे में बताते हैं।

Schwind और Spitzweg आम तौर पर Biedermeier के नाम से जानी जाने वाली जर्मन संस्कृति में एक प्रवृत्ति से जुड़े हैं।बाइडेर्मियर - यह युग की सबसे लोकप्रिय शैलियों में से एक है (मुख्य रूप से रोजमर्रा की जिंदगी के क्षेत्र में, बल्कि कला में भी) . उन्होंने बर्गर, गली के औसत आदमी को आगे कर दिया। Biedermeier पेंटिंग का केंद्रीय विषय एक व्यक्ति का दैनिक जीवन था, जो उसके घर और परिवार के निकट संबंध में बहता था। Biedermeier की रुचि अतीत में नहीं, बल्कि वर्तमान में, महान में नहीं, बल्कि छोटे में, पेंटिंग में यथार्थवादी प्रवृत्ति के निर्माण में योगदान करती है।

फ्रेंच रोमांटिक स्कूल

पेंटिंग में रूमानियत का सबसे सुसंगत स्कूल फ्रांस में विकसित हुआ। यह क्लासिकवाद के विरोध के रूप में उभरा, एक ठंडे, तर्कसंगत अकादमिकता में गिरावट आई, और ऐसे महान स्वामी सामने आए जिन्होंने पूरे 19वीं शताब्दी के लिए फ्रांसीसी स्कूल के प्रभावशाली प्रभाव को निर्धारित किया।

फ्रांसीसी रोमांटिक कलाकारों ने "धुंधली रोजमर्रा की जिंदगी" से दूर नाटक और करुणा, आंतरिक तनाव से भरे भूखंडों की ओर रुख किया। उन्हें मूर्त रूप देने में, उन्होंने सचित्र और अभिव्यंजक साधनों में सुधार किया:

फ्रांसीसी चित्रकला में रूमानियत की पहली शानदार सफलताएँ नाम के साथ जुड़ी हुई हैंथियोडोरा गेरिकॉल्ट (1791-1824), जो पहले दूसरों की तुलना में दुनिया के संघर्ष की विशुद्ध रूप से रोमांटिक भावना व्यक्त करने में सक्षम थे। पहले से ही अपने पहले कामों में, हमारे समय की नाटकीय घटनाओं को दिखाने की इच्छा देखी जा सकती है। इसलिए, उदाहरण के लिए, पेंटिंग "द ऑफिसर ऑफ़ द माउंटेड राइफलमेन गोइंग ऑन द अटैक" और "द वुंड क्यूरासियर" ने नेपोलियन युग के रोमांस को दर्शाया।

गेरिकॉल्ट की पेंटिंग "द रफ़ ऑफ़ द मेडुसा", जो आधुनिक जीवन की हालिया घटना को समर्पित है - शिपिंग कंपनी की गलती के कारण एक यात्री जहाज की मौत, एक बड़ी प्रतिध्वनि थी। . गेरिकॉल्ट ने एक विशाल 7 × 5 मीटर कैनवास बनाया जिसमें उस क्षण का चित्रण किया गया जब मृत्यु के कगार पर लोगों ने क्षितिज पर एक बचत जहाज देखा। कठोर, उदास रंग योजना, विकर्ण रचना द्वारा अत्यधिक तनाव पर जोर दिया जाता है। यह पेंटिंग आधुनिक समय के गैरीकॉल्ट फ़्रांस का प्रतीक बन गई है, जिसने जहाज़ की तबाही से भागे हुए लोगों की तरह आशा और निराशा दोनों का अनुभव किया।

उनकी आखिरी बड़ी पेंटिंग का विषय - "रेस एट एप्सम" - इंग्लैंड में पाया गया कलाकार। इसमें पक्षियों की तरह उड़ने वाले घोड़ों को दर्शाया गया है (गेरिकॉल्ट की पसंदीदा छवि, जो एक किशोर के रूप में एक उत्कृष्ट सवार बन गया)। एक निश्चित तकनीक द्वारा तेजी की छाप को बढ़ाया जाता है: घोड़ों और जॉकी को बहुत सावधानी से लिखा जाता है, और पृष्ठभूमि चौड़ी होती है।

गैरीकॉल्ट की मृत्यु के बाद (वह जीवन और प्रतिभा के प्रमुख में दुखद रूप से मर गया), उसका युवा मित्र फ्रांसीसी प्रेमकथाओं का मान्यता प्राप्त प्रमुख बन गया।यूजीन डेलाक्रोइक्स (1798-1863)। Delacroix व्यापक रूप से उपहार में दिया गया था, जिसमें संगीत और साहित्यिक प्रतिभा थी। उनकी डायरी, कलाकारों के बारे में लेख युग के सबसे दिलचस्प दस्तावेज हैं। रंग के नियमों के उनके सैद्धांतिक अध्ययन का भविष्य के प्रभाववादियों और विशेष रूप से डब्ल्यू वान गॉग पर बहुत प्रभाव पड़ा।

डेलैक्रिक्स की पहली पेंटिंग, जिसने उन्हें प्रसिद्धि दिलाई, वह थी "डांटे एंड वर्जिल" ("डेंट्स बोट"), जो "डिवाइन कॉमेडी" के कथानक पर लिखी गई थी। उसने अपने समकालीनों को भावुक पथ, उदास रंग की शक्ति के साथ मारा।

कलाकार के काम का शिखर "फ्रीडम ऑन द बैरिकेड्स" ("फ्रीडम लीडिंग द पीपल") था। एक वास्तविक तथ्य की विश्वसनीयता (चित्र फ्रांस में 1830 की जुलाई क्रांति के बीच में बनाया गया था) यहां स्वतंत्रता के एक रोमांटिक सपने और छवियों के प्रतीकवाद के साथ विलीन हो जाता है। एक खूबसूरत युवती क्रांतिकारी फ्रांस का प्रतीक बन जाती है।

आधुनिक घटनाओं की प्रतिक्रिया तुर्की शासन के साथ ग्रीक लोगों के संघर्ष को समर्पित पहले की पेंटिंग "नरसंहार ऑन चियोस" थी। .

मोरक्को का दौरा करने के बाद, Delacroix ने अरब पूर्व की विदेशी दुनिया की खोज की, जिसके लिए उन्होंने कई पेंटिंग और रेखाचित्र समर्पित किए। "अल्जीरिया की महिला" में मुस्लिम हरम की दुनिया को पहली बार यूरोपीय दर्शकों के सामने पेश किया गया था।

कलाकार ने रचनात्मक बुद्धिजीवियों के प्रतिनिधियों के चित्रों की एक श्रृंखला भी बनाई, जिनमें से कई उनके दोस्त थे (एन। पगनिनी, एफ। चोपिन, जी। बर्लियोज़, आदि के चित्र)

अपने रचनात्मक कार्य की बाद की अवधि में, Delacroix ने ऐतिहासिक विषयों की ओर रुख किया, एक मुरलीवादी (चेंबर ऑफ डेप्युटी, सीनेट में भित्ति चित्र) के रूप में काम किया, और एक ग्राफिक कलाकार (शेक्सपियर, गोएथे, बायरन के कार्यों के लिए चित्र) के रूप में काम किया।

रूमानियत के युग के अंग्रेजी चित्रकारों के नाम - आर। बेनिंगटन, जे। कॉन्स्टेबल, डब्ल्यू। टर्नर - परिदृश्य शैली से जुड़े हैं। इस क्षेत्र में, उन्होंने वास्तव में एक नया पृष्ठ खोला: देशी प्रकृति ने अपने काम में इतना व्यापक और प्रेमपूर्ण प्रतिबिंब पाया कि उस समय कोई अन्य देश नहीं जानता था।

जॉन कांस्टेबल (1776-1837) यूरोपीय परिदृश्य के इतिहास में सबसे पहले में से एक ने प्रकृति से पूरी तरह से रेखाचित्रों को चित्रित करना शुरू किया, जो प्रकृति के प्रत्यक्ष अवलोकन की ओर मुड़ गया। उनके चित्रों के उद्देश्य सरल हैं: गाँव, खेत, चर्च, नदी की एक पट्टी या समुद्र तट: हेकार्ट, डेटम वैली, बिशप गार्डन से सैलिसबरी कैथेड्रल। कॉन्स्टेबल के कार्यों ने फ्रांस में यथार्थवादी परिदृश्य के विकास के लिए एक प्रेरणा के रूप में कार्य किया।

विलियम टर्नर (1775-1851) - समुद्री चित्रकार . वह तूफानी समुद्र, बहाव, आंधी, बाढ़, बवंडर से आकर्षित हुआ: "जहाज की अंतिम यात्रा" साहसी "," पियाज़ेटा पर आंधी। बोल्ड रंगवादी खोज, दुर्लभ प्रकाश प्रभाव कभी-कभी उनके चित्रों को चमकदार फैंटमसेगोरिक चश्मे में बदल देते हैं: "द फायर ऑफ़ द लंदन पार्लियामेंट", "स्नोस्टॉर्म। जहाज बंदरगाह छोड़ देता है और उथले पानी से टकराकर संकट के संकेत देता है। .

टर्नर के पास रेल पर चलने वाले स्टीम लोकोमोटिव की पहली पेंटिंग छवि है - औद्योगीकरण का प्रतीक। रेन, स्टीम एंड स्पीड में, एक स्टीम लोकोमोटिव टेम्स के साथ एक धूमिल बारिश की धुंध के माध्यम से दौड़ता है। सभी भौतिक वस्तुएं एक मृगतृष्णा छवि में विलीन हो जाती हैं, जो गति की भावना को पूरी तरह से व्यक्त करती है।

टर्नर के प्रकाश और रंग प्रभावों के अनूठे अध्ययन ने फ्रांसीसी प्रभाववादी चित्रकारों की खोजों को कई तरह से प्रत्याशित किया।

1848 में इंग्लैंड में उठीपूर्व-राफेलाइट भाईचारा (लैटिन प्रे से - "पहले" और राफेल), जो एकजुट कलाकार हैं जो समकालीन समाज और अकादमिक स्कूल की कला को स्वीकार नहीं करते हैं। उन्होंने मध्य युग और प्रारंभिक पुनर्जागरण (इसलिए नाम) की कला में अपना आदर्श देखा। ब्रदरहुड के प्रमुख सदस्य -विलियम होल्मन हंट, जॉन एवरेट मिलिस, डांटे गेब्रियल रॉसेटी। अपने शुरुआती कार्यों में, इन कलाकारों ने हस्ताक्षर के बजाय संक्षिप्त नाम RV का उपयोग किया। .

प्री-राफेलाइट्स के रोमांस के साथ, पुरातनता का प्रेम जुड़ा हुआ था। वे बाइबिल के विषयों ("द लाइट ऑफ द वर्ल्ड" और "द अनफेथफुल शेफर्ड" द्वारा डब्ल्यू.एच. हंट; "द चाइल्डहुड ऑफ मैरी" और "द एनाउंसमेंट" डी. जी. रॉसेटी द्वारा), मध्य युग के इतिहास से भूखंड और नाटकों की ओर मुड़ गए। डब्ल्यू शेक्सपियर (मिलिस द्वारा "ओफेलिया")।

मानव आकृतियों और वस्तुओं को उनके प्राकृतिक आकार में चित्रित करने के लिए, प्री-राफेलाइट्स ने कैनवस के आकार में वृद्धि की, जीवन से परिदृश्य रेखाचित्र बनाए गए। उनके चित्रों के पात्र वास्तविक लोगों के बीच प्रोटोटाइप थे। उदाहरण के लिए, डी. जी. रॉसेटी ने अपनी प्रिय एलिज़ाबेथ सिद्दल को अपने लगभग सभी कार्यों में चित्रित किया, एक मध्यकालीन शूरवीर की तरह, अपनी असामयिक मृत्यु के बाद भी अपने प्रिय के प्रति वफादार रहने के लिए ("ब्लू सिल्क ड्रेस", 1866)।

प्री-राफेलाइट्स के विचारक थेजॉन रस्किन (1819-1900) - अंग्रेजी लेखक, कला समीक्षक और कला सिद्धांतकार, "मॉडर्न आर्टिस्ट" पुस्तकों की प्रसिद्ध श्रृंखला के लेखक।

प्री-राफेलाइट्स के काम ने कई कलाकारों को महत्वपूर्ण रूप से प्रभावित किया और साहित्य (डब्ल्यू। पेटर, ओ। वाइल्ड) और ललित कलाओं (ओ। बेर्ड्सले, जी। मोरो, आदि) में प्रतीकवाद का अग्रदूत बन गया।

उपनाम "नाज़रीन" शायद गलील के नाज़रेथ शहर के नाम से आया है, जहाँ ईसा मसीह का जन्म हुआ था। एक अन्य संस्करण के अनुसार, यह नाज़ीरों के प्राचीन यहूदी धार्मिक समुदाय के नाम के साथ सादृश्य द्वारा उत्पन्न हुआ। यह भी संभव है कि समूह का नाम हेयरस्टाइल के पारंपरिक नाम "अल्ला नज़रेना" से आया हो, जो मध्य युग में आम था और ए। ड्यूरर के स्व-चित्र से जाना जाता था: लंबे बाल पहनने का तरीका, बालों में विभाजित मध्य, ओवरबेक द्वारा पुनः शुरू किया गया था।

बाइडेर्मियर(जर्मन "बहादुर मेयर", फिलिस्तीन) - जर्मन कवि लुडविग आइक्रोड्ट के कविता संग्रह से एक काल्पनिक चरित्र का उपनाम। Eichrodt ने एक वास्तविक व्यक्ति की पैरोडी बनाई - सैमुअल फ्रेडरिक सॉटर, एक पुराने शिक्षक जिन्होंने भोली कविता लिखी। Eichrodt, अपने कैरिकेचर में, Biedermeier की सोच की पलिश्ती आदिमता पर जोर दिया, जो युग का एक प्रकार का पैरोडिक प्रतीक बन गया।काले, भूरे और हरे रंग के व्यापक स्ट्रोक तूफान के प्रकोप को व्यक्त करते हैं। देखने वालों की टकटकी किसी भँवर के केंद्र में लगती है, जहाज लहरों और हवा का खिलौना लगता है।

XIX सदी की शुरुआत रूस में सांस्कृतिक और आध्यात्मिक उथल-पुथल का समय है. यदि रूस आर्थिक और सामाजिक-राजनीतिक विकास में उन्नत यूरोपीय राज्यों से पिछड़ गया, तो सांस्कृतिक उपलब्धियों में न केवल उनके साथ कदम से कदम मिलाकर चला, बल्कि अक्सर उनसे आगे निकल गया। 19वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में रूसी संस्कृति का विकास पिछली बार के परिवर्तनों पर आधारित था। पूंजीवादी संबंधों के तत्वों के अर्थव्यवस्था में प्रवेश ने साक्षर और शिक्षित लोगों की आवश्यकता को बढ़ा दिया। शहर मुख्य सांस्कृतिक केंद्र बन गए।

नए सामाजिक स्तर सामाजिक प्रक्रियाओं में खींचे गए। संस्कृति रूसी लोगों की बढ़ती राष्ट्रीय आत्म-चेतना की पृष्ठभूमि के खिलाफ विकसित हुई और इस संबंध में, एक स्पष्ट राष्ट्रीय चरित्र था। साहित्य, रंगमंच, संगीत, दृश्य कलाओं पर महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा 1812 का देशभक्ति युद्धजिसने एक अभूतपूर्व डिग्री तक रूसी लोगों की राष्ट्रीय आत्म-चेतना के विकास, इसके समेकन को गति दी। रूस के अन्य लोगों के रूसी लोगों के साथ एक संबंध था।

19वीं शताब्दी की शुरुआत को रूसी चित्रकला का स्वर्ण युग कहा जाता है। यह तब था जब रूसी कलाकार कौशल के स्तर तक पहुंच गए थे, जिन्होंने अपने काम को यूरोपीय कला के सर्वोत्तम उदाहरणों के साथ सममूल्य पर रखा था।

19 वीं शताब्दी की रूसी पेंटिंग के तीन नाम खुले - किप्रेंस्की , ट्रोपिनिन , वेनेत्सियानोव. सभी का एक अलग मूल है: एक नाजायज ज़मींदार, एक सर्फ़ और एक व्यापारी का वंशज। हर किसी की अपनी रचनात्मक आकांक्षा होती है - एक रोमांटिक, एक यथार्थवादी और एक "ग्रामीण गीतकार"।

ऐतिहासिक चित्रकला के अपने शुरुआती जुनून के बावजूद, किप्रेंस्की को मुख्य रूप से एक उत्कृष्ट चित्रकार के रूप में जाना जाता है। हम कह सकते हैं कि XIX सदी की शुरुआत में। वह पहले रूसी चित्रकार बने। 18 वीं शताब्दी में प्रसिद्ध हुए पुराने स्वामी अब उनका मुकाबला नहीं कर सकते थे: 1808 में रोकोतोव की मृत्यु हो गई, लेवित्स्की, जो 14 साल तक जीवित रहे, अब आंखों की बीमारी के कारण चित्रित नहीं हुए, और बोरोविकोवस्की, जो कुछ नहीं जीते थे Decembrists के विद्रोह के महीनों पहले, बहुत कम काम किया।

किप्रेंस्की अपने समय का एक कलात्मक इतिहासकार बनने के लिए काफी भाग्यशाली था। "इतिहास में चेहरे" को उनके चित्र माना जा सकता है, जो उन ऐतिहासिक घटनाओं में कई प्रतिभागियों को चित्रित करते हैं, जिनमें से वह एक समकालीन थे: 1812 के युद्ध के नायक, डीसमब्रिस्ट आंदोलन के प्रतिनिधि। पेंसिल ड्राइंग की तकनीक काम आई, जिसके प्रशिक्षण पर कला अकादमी में गंभीरता से ध्यान दिया गया। किप्रेंस्की ने, संक्षेप में, एक नई शैली बनाई - एक सचित्र चित्र।

किप्रेंस्की ने रूसी संस्कृति के आंकड़ों के कई चित्र बनाए, और निश्चित रूप से, उनमें से सबसे प्रसिद्ध पुश्किन का है। इसे कमीशन किया गया था डेलविगा 1827 में, कवि का एक गीत मित्र। समकालीनों ने मूल के साथ चित्र की अद्भुत समानता का उल्लेख किया। उसी वर्ष चित्रित ट्रोपिनिन द्वारा पुश्किन के चित्र में निहित रोजमर्रा की विशेषताओं से कलाकार द्वारा कवि की छवि को मुक्त किया गया है। अलेक्जेंडर सर्गेइविच को प्रेरणा के क्षण में कलाकार द्वारा कब्जा कर लिया गया था, जब उन्हें एक काव्य संग्रह द्वारा दौरा किया गया था।

इटली की अपनी दूसरी यात्रा के दौरान मृत्यु ने कलाकार को पीछे छोड़ दिया। हाल के वर्षों में, प्रसिद्ध चित्रकार के साथ बहुत कुछ ठीक नहीं हुआ है। रचनात्मक मंदी शुरू हुई। उनकी मृत्यु के कुछ समय पहले, उनके जीवन को एक दुखद घटना ने देख लिया था: समकालीनों के अनुसार, कलाकार पर हत्या का झूठा आरोप लगाया गया था और वह घर छोड़ने से डरता था। यहां तक ​​कि अपने इतालवी छात्र से शादी करने से भी उनके आखिरी दिन नहीं चमके।

कुछ रूसी चित्रकार जो एक विदेशी भूमि में मर गए शोक व्यक्त किया। कुछ लोगों में से जो वास्तव में समझ गए थे कि राष्ट्रीय संस्कृति ने किस तरह के गुरु को खो दिया था, वह कलाकार अलेक्जेंडर इवानोव थे, जो उस समय इटली में थे। उन दुखद दिनों में, उन्होंने लिखा: किप्रेंस्की "यूरोप में रूसी नाम ज्ञात करने वाले पहले व्यक्ति थे।"

ट्रोपिनिन ने रूसी कला के इतिहास में एक उत्कृष्ट चित्रकार के रूप में प्रवेश किया। उन्होंने कहा: "एक व्यक्ति का चित्र उसके करीबी लोगों की याद में चित्रित किया गया है, जो उससे प्यार करते हैं।" समकालीनों के अनुसार, ट्रोपिनिन ने लगभग 3,000 चित्रों को चित्रित किया। क्या ऐसा है कहना मुश्किल है। कलाकार के बारे में पुस्तकों में से एक में, ट्रोपिनिन द्वारा चित्रित 212 सटीक पहचाने गए चेहरों की एक सूची है। उनके पास "पोर्ट्रेट ऑफ़ एन अननोन (अज्ञात)" नामक कई रचनाएँ भी हैं। ट्रोपिनिन को राज्य के गणमान्य व्यक्तियों, रईसों, योद्धाओं, व्यापारियों, क्षुद्र अधिकारियों, सर्फ़ों, बुद्धिजीवियों और रूसी संस्कृति के लोगों द्वारा प्रस्तुत किया गया था। उनमें से: इतिहासकार करमज़िन, लेखक ज़ागोस्किन, कला समीक्षक ओडोएव्स्की, चित्रकार ब्रायुल्लोव और ऐवाज़ोव्स्की, मूर्तिकार विटाली, वास्तुकार गिलार्डी, संगीतकार एल्यबयेव, अभिनेता शेचपिन और मो-चलोव, नाटककार सुखोवो-कोबिलिन।

ट्रोपिनिन के सर्वश्रेष्ठ कार्यों में से एक उनके बेटे का चित्र है. मुझे कहना होगा कि XIX सदी की रूसी कला की "खोजों" में से एक। एक बच्चे का चित्र था। मध्य युग में, बच्चे को एक छोटे वयस्क के रूप में देखा जाता था जो अभी बड़ा नहीं हुआ था। बच्चों को ऐसे कपड़े भी पहनाए गए जो वयस्कों से अलग नहीं थे: 18 वीं शताब्दी के मध्य में। लड़कियों ने फिजमा के साथ टाइट कोर्सेट और चौड़ी स्कर्ट पहनी थी। केवल XIX सदी की शुरुआत में। उन्होंने एक बच्चे में एक बच्चा देखा। ऐसा करने वाले पहले कलाकार थे। ट्रोपिनिन के चित्र में बहुत सरलता और स्वाभाविकता है। लड़का पोज नहीं दे रहा है। किसी चीज में रुचि रखते हुए, वह एक पल के लिए घूमा: उसका मुंह खुला हुआ था, उसकी आंखें चमक रही थीं। बच्चे का रूप आश्चर्यजनक रूप से आकर्षक और काव्यात्मक है। सुनहरे उलझे हुए बाल, खुला, बचकाना मोटा चेहरा, बुद्धिमान आँखों का जीवंत रूप। कोई भी महसूस कर सकता है कि कलाकार ने अपने बेटे के चित्र को किस प्यार से चित्रित किया है।

ट्रोपिनिन ने दो बार सेल्फ-पोर्ट्रेट लिखे। बाद में, दिनांक 1846 में, कलाकार 70 वर्ष का है। उन्होंने खुद को एक पैलेट और हाथों में ब्रश के साथ चित्रित किया, एक मस्तबल पर झुक कर - चित्रकारों द्वारा इस्तेमाल की जाने वाली एक विशेष छड़ी। उसके पीछे क्रेमलिन का राजसी चित्रमाला है। अपने छोटे वर्षों में, ट्रोपिनिन के पास वीर शक्ति और अच्छी आत्माएँ थीं। स्व-चित्र को देखते हुए, उन्होंने बुढ़ापे में भी अपने शरीर की ताकत बरकरार रखी। चश्मे के साथ गोल चेहरा अच्छे स्वभाव को दर्शाता है। कलाकार की 10 साल बाद मृत्यु हो गई, लेकिन उसकी छवि उसके वंशजों की याद में बनी रही - एक महान, दयालु व्यक्ति जिसने अपनी प्रतिभा से रूसी कला को समृद्ध किया।

वेनेत्सियानोव ने रूसी चित्रकला में किसान विषय की खोज की। वह अपने कैनवस पर अपनी मूल प्रकृति की सुंदरता दिखाने वाले रूसी कलाकारों में पहले थे। कला अकादमी में परिदृश्य शैली का समर्थन नहीं किया गया था। उन्होंने महत्व के स्थान पर कब्जा कर लिया, और भी अधिक घृणित - हर रोज पीछे छोड़ दिया। इतालवी या काल्पनिक परिदृश्य को प्राथमिकता देते हुए केवल कुछ स्वामी प्रकृति को चित्रित करते हैं।

वेनेत्सियानोव के कई कार्यों में, प्रकृति और मनुष्य अविभाज्य हैं। वे जमीन, उसके उपहारों के साथ एक किसान के रूप में निकटता से जुड़े हुए हैं। उनकी सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ - "हेमकिंग", "कृषि योग्य भूमि पर। वसंत", "फसल पर। गर्मी" - कलाकार 20 के दशक में बनाता है। यह उनकी रचनात्मकता का चरम था। रूसी कला में कोई भी किसान जीवन और किसानों के काम को इतने प्यार से और इतने काव्यात्मक रूप से दिखाने में सक्षम नहीं है जितना कि वेनेत्सियानोव। पेंटिंग "कृषि योग्य भूमि पर। वसंत" में एक महिला एक खेत में काम कर रही है। यह कठिन, थका देने वाला काम वेनेत्सियानोव के कैनवास पर उदात्त दिखता है: एक सुंदर सुंदरी और कोकसनिक में एक किसान महिला। एक सुंदर चेहरे और लचीले शरीर के साथ, वह एक प्राचीन देवी के समान है। लगाम से दो आज्ञाकारी घोड़ों को एक हैरो तक ले जाते हुए, वह नहीं चलती है, लेकिन मैदान पर मंडराती दिखती है। चारों ओर जीवन शांति से, शांति से, शांति से बहता है। दुर्लभ पेड़ हरे हो जाते हैं, सफेद बादल आकाश में तैरते हैं, मैदान अंतहीन लगता है, जिसके किनारे पर एक बच्चा अपनी माँ की प्रतीक्षा कर रहा है।

पेंटिंग "इन द हार्वेस्ट। समर" पिछले वाले को जारी रखती है। फसल पक चुकी है, खेत सुनहरी ठूंठ के बाल हैं - यह फसल काटने का समय है। अग्रभूमि में, दरांती को एक तरफ रखकर, एक किसान महिला एक बच्चे को स्तनपान करा रही है। आकाश, मैदान, उस पर काम करने वाले लोग कलाकार के लिए अविभाज्य हैं। लेकिन फिर भी, उनके ध्यान का मुख्य विषय हमेशा एक व्यक्ति होता है।

वेनेत्सियानोवकिसानों के चित्रों की एक पूरी गैलरी बनाई। यह रूसी चित्रकला के लिए नया था। XVIII सदी में। लोगों के लोग, और इससे भी अधिक सर्फ़, कलाकारों के लिए बहुत कम रुचि रखते थे। कला इतिहासकारों के अनुसार, वेनेत्सियानोव रूसी चित्रकला के इतिहास में "रूसी लोक प्रकार को पकड़ने और फिर से बनाने" के लिए पहला था। "रिपर्स", "गर्ल विद कॉर्नफ्लॉवर", "गर्ल विद ए बछड़ा", "स्लीपिंग शेफर्ड" वेनेत्सियानोव द्वारा अमर किसानों की अद्भुत छवियां हैं। कलाकार के काम में एक विशेष स्थान पर किसान बच्चों के चित्रों का कब्जा था। "ज़खरका" कितना अच्छा है - एक बड़ी आंखों वाला, नाक-भौं सिकोड़ने वाला, बड़े होंठों वाला लड़का जिसके कंधे पर कुल्हाड़ी है! ज़खरका एक ऊर्जावान किसान स्वभाव का व्यक्ति प्रतीत होता है, जो बचपन से काम करने का आदी है।

एलेक्सी गवरिलोविच ने न केवल एक कलाकार के रूप में, बल्कि एक उत्कृष्ट शिक्षक के रूप में भी खुद की एक अच्छी याद छोड़ी। सेंट पीटर्सबर्ग की अपनी एक यात्रा के दौरान, उन्होंने एक नौसिखिए कलाकार को एक छात्र के रूप में लिया, फिर दूसरा, तीसरा ... इस प्रकार, एक संपूर्ण कला विद्यालय उत्पन्न हुआ, जिसने वेनिस के नाम से कला के इतिहास में प्रवेश किया। एक सदी के एक चौथाई के लिए, लगभग 70 प्रतिभाशाली युवा पुरुष इससे गुजरे हैं। वेनेत्सियानोव ने सर्फ़ कलाकारों को कैद से छुड़ाने की कोशिश की और अगर यह काम नहीं करता तो बहुत चिंतित था। उनके छात्रों में सबसे प्रतिभाशाली - ग्रिगोरी सोरोका - को अपने ज़मींदार से कभी आज़ादी नहीं मिली। वह गुलामी के उन्मूलन को देखने के लिए जीवित था, लेकिन पूर्व मालिक की सर्वशक्तिमानता से निराश होकर उसने आत्महत्या कर ली।

वेनेत्सियानोव के कई छात्र पूरे वेतन पर उसके घर में रहते थे। उन्होंने विनीशियन पेंटिंग के रहस्यों को समझा: परिप्रेक्ष्य के नियमों का दृढ़ पालन, प्रकृति पर पूरा ध्यान। उनके शिष्यों में कई प्रतिभाशाली स्वामी थे जिन्होंने रूसी कला में ध्यान देने योग्य छाप छोड़ी: ग्रिगोरी सोरोका, अलेक्सी टायरानोव, अलेक्जेंडर अलेक्सेव, निकिफोर क्रायलोव। "विनीशियन" - प्यार से अपने पालतू जानवरों को बुलाते हैं।

इस प्रकार, यह तर्क दिया जा सकता है कि 19वीं शताब्दी के पहले तीसरे में रूस के सांस्कृतिक विकास में तेजी से वृद्धि हुई और इस समय को रूसी चित्रकला का स्वर्ण युग कहा जाता है।

रूसी कलाकार कौशल के उस स्तर तक पहुँच गए हैं जो उनके कार्यों को यूरोपीय कला के सर्वोत्तम उदाहरणों के बराबर रखता है।

लोगों के पराक्रम का महिमामंडन, उनके आध्यात्मिक जागरण का विचार, सामंती रूस की विपत्तियों की निंदा - ये 19 वीं शताब्दी की ललित कलाओं के मुख्य विषय हैं।

चित्रांकन में, रूमानियत की विशेषताएं - मानव व्यक्तित्व की स्वतंत्रता, उसकी व्यक्तित्व, भावनाओं को व्यक्त करने की स्वतंत्रता - विशेष रूप से विशिष्ट हैं।

रूसी संस्कृति के आंकड़ों के कई चित्र, बच्चों के चित्र बनाए गए हैं। किसान विषय, परिदृश्य, जो देशी प्रकृति की सुंदरता को दर्शाता है, फैशन में आता है।

परीक्षा सार

विषय: "कला में एक प्रवृत्ति के रूप में स्वच्छंदतावाद"।

प्रदर्शन किया छात्र 11 "बी" कक्षा माध्यमिक विद्यालय संख्या 3

बोइप्रव अन्ना

विश्व कला शिक्षक

संस्कृति बुत्सु टी.एन.

ब्रेस्ट, 2002

1. परिचय

2. स्वच्छंदतावाद के कारण

3. रूमानियत की मुख्य विशेषताएं

4. रोमांटिक नायक

5. रूस में स्वच्छंदतावाद

ए) साहित्य

बी) पेंटिंग

ग) संगीत

6. पश्चिमी यूरोपीय रूमानियत

एक पेंटिंग

बी) संगीत

सात निष्कर्ष

8. संदर्भ

1 परिचय

यदि आप रूसी भाषा के व्याख्यात्मक शब्दकोश में देखते हैं, तो आप "रोमांटिकवाद" शब्द के कई अर्थ पा सकते हैं: 1. 19 वीं शताब्दी की पहली तिमाही के साहित्य और कला में एक प्रवृत्ति, अतीत के आदर्शीकरण की विशेषता, अलगाव वास्तविकता से, व्यक्तित्व और मनुष्य का पंथ। 2. साहित्य और कला में एक दिशा, आशावाद से ओतप्रोत और ज्वलंत छवियों में मनुष्य के उच्च उद्देश्य को दिखाने की इच्छा। 3. वास्तविकता, स्वप्निल चिंतन के आदर्शीकरण से प्रभावित मन की स्थिति।

जैसा कि परिभाषा से देखा जा सकता है, रूमानियत एक ऐसी घटना है जो न केवल कला में, बल्कि लोगों के व्यवहार, कपड़े, जीवन शैली, मनोविज्ञान में भी प्रकट होती है और जीवन में महत्वपूर्ण क्षणों में घटित होती है, इसलिए रूमानियत का विषय आज भी प्रासंगिक है। . हम सदी के मोड़ पर जी रहे हैं, हम एक संक्रमणकालीन अवस्था में हैं। इस संबंध में, समाज में भविष्य में अविश्वास है, आदर्शों में अविश्वास है, अपने स्वयं के अनुभवों की दुनिया में आसपास की वास्तविकता से बचने की इच्छा है और साथ ही इसे समझने की इच्छा है। यह ऐसी विशेषताएं हैं जो रोमांटिक कला की विशेषता हैं। यही कारण है कि मैंने शोध के लिए "रोमांटिकवाद कला में एक प्रवृत्ति के रूप में" विषय चुना।

रूमानियत विभिन्न प्रकार की कलाओं की एक बहुत बड़ी परत है। मेरे काम का उद्देश्य विभिन्न देशों में रूमानियत के उद्भव और कारणों का पता लगाना है, साहित्य, चित्रकला और संगीत जैसे कला रूपों में रूमानियत के विकास की जांच करना और उनकी तुलना करना है। मेरे लिए मुख्य कार्य रूमानियत की मुख्य विशेषताओं को उजागर करना था, सभी प्रकार की कलाओं की विशेषता, यह निर्धारित करना कि कला में अन्य प्रवृत्तियों के विकास पर रूमानियत का क्या प्रभाव था।

विषय विकसित करते समय, मैंने कला पर पाठ्यपुस्तकों का उपयोग किया, जैसे कि फिलिमोनोवा, वोरोटनिकोव और अन्य लेखक, विश्वकोश प्रकाशन, रोमांटिकतावाद के युग के विभिन्न लेखकों को समर्पित मोनोग्राफ, ऐसे लेखकों की जीवनी सामग्री जैसे कि अमिन्स्काया, अत्सर्किना, नेक्रासोवा और अन्य।

2. स्वच्छंदतावाद की उत्पत्ति के कारण

हम आधुनिकता के जितने करीब होते हैं, एक या दूसरी शैली के प्रभुत्व का समय उतना ही कम होता जाता है। 19वीं सदी के 18वीं-1तीसरी के अंत की समयावधि। रोमांटिकतावाद का युग माना जाता है (फ्रेंच रोमांटिक से; कुछ रहस्यमय, अजीब, अवास्तविक)

नई शैली के उद्भव को किसने प्रभावित किया?

ये तीन मुख्य घटनाएँ हैं: महान फ्रांसीसी क्रांति, नेपोलियन युद्ध, यूरोप में राष्ट्रीय मुक्ति आंदोलन का उदय।

पेरिस की गड़गड़ाहट पूरे यूरोप में गूंज उठी। "स्वतंत्रता, समानता, बंधुत्व!" का नारा सभी यूरोपीय लोगों के लिए एक जबरदस्त आकर्षण था। बुर्जुआ समाजों के गठन के साथ, श्रमिक वर्ग ने सामंती व्यवस्था के खिलाफ एक स्वतंत्र शक्ति के रूप में कार्य करना शुरू कर दिया। 19वीं शताब्दी के ऐतिहासिक विकास का आधार तीन वर्गों - कुलीन वर्ग, बुर्जुआ वर्ग और सर्वहारा वर्ग के विरोधी संघर्ष ने बनाया।

नेपोलियन के भाग्य और 2 दशकों, 1796-1815 तक यूरोपीय इतिहास में उसकी भूमिका ने समकालीनों के दिमाग पर कब्जा कर लिया। "विचारों का शासक" - ए.एस. ने उसके बारे में बात की। पुश्किन।

फ्रांस के लिए, ये महानता और गौरव के वर्ष थे, हालांकि हजारों फ्रांसीसी लोगों के जीवन की कीमत पर। इटली ने नेपोलियन को अपने मुक्तिदाता के रूप में देखा। डंडे को उससे बहुत उम्मीदें थीं।

नेपोलियन ने फ्रांसीसी पूंजीपति वर्ग के हितों में अभिनय करने वाले एक विजेता के रूप में कार्य किया। यूरोपीय सम्राटों के लिए, वह न केवल एक सैन्य विरोधी था, बल्कि पूंजीपति वर्ग की विदेशी दुनिया का प्रतिनिधि भी था। वे उससे घृणा करते थे। नेपोलियन के युद्धों की शुरुआत में, उनकी "महान सेना" में क्रांति में कई प्रत्यक्ष भागीदार थे।

स्वयं नेपोलियन का व्यक्तित्व भी अद्भुत था। युवक लेर्मोंटोव ने नेपोलियन की मृत्यु की 10 वीं वर्षगांठ पर प्रतिक्रिया दी:

वह दुनिया के लिए अजनबी है। उसके बारे में सब कुछ एक रहस्य था।

उत्कर्ष का दिन - और घंटे का पतन!

इस रहस्य ने विशेष रूप से प्रेमकथाओं का ध्यान आकर्षित किया।

नेपोलियन युद्धों और राष्ट्रीय आत्म-चेतना की परिपक्वता के संबंध में, इस अवधि को राष्ट्रीय मुक्ति आंदोलन के उदय की विशेषता है। जर्मनी, ऑस्ट्रिया, स्पेन ने नेपोलियन के कब्जे के खिलाफ लड़ाई लड़ी, इटली - ऑस्ट्रियाई जुए के खिलाफ, ग्रीस - तुर्की के खिलाफ, पोलैंड में उन्होंने रूसी tsarism, आयरलैंड के खिलाफ - अंग्रेजों के खिलाफ लड़ाई लड़ी।

एक पीढ़ी की आंखों के सामने आश्चर्यजनक परिवर्तन हुए।

फ्रांस ने सबसे अधिक उबाल लिया: फ्रांसीसी क्रांति की अशांत पांचवीं वर्षगांठ, रोबेस्पिएरे का उदय और पतन, नेपोलियन अभियान, नेपोलियन का पहला पदत्याग, एल्बा द्वीप ("सौ दिन") से उसकी वापसी और अंतिम

वाटरलू में हार, बहाली शासन की उदास 15 वीं वर्षगांठ, 1860 की जुलाई क्रांति, पेरिस में 1848 की फरवरी क्रांति, जिसने अन्य देशों में क्रांतिकारी लहर पैदा की।

इंग्लैंड में, XIX सदी के उत्तरार्ध में औद्योगिक क्रांति के परिणामस्वरूप। मशीन उत्पादन और पूंजीवादी संबंध स्थापित किए गए। 1832 के संसदीय सुधार ने पूंजीपति वर्ग के लिए राज्य सत्ता का रास्ता साफ कर दिया।

जर्मनी और ऑस्ट्रिया की भूमि में, सामंती शासकों ने सत्ता बरकरार रखी। नेपोलियन के पतन के बाद, उन्होंने विपक्षियों के साथ कठोरता से पेश आया। लेकिन जर्मन धरती पर भी, 1831 में इंग्लैंड से लाया गया स्टीम लोकोमोटिव बुर्जुआ प्रगति का एक कारक बन गया।

औद्योगिक क्रांतियों, राजनीतिक क्रांतियों ने यूरोप का चेहरा बदल दिया। जर्मन विद्वानों मार्क्स और एंगेल्स ने 1848 में लिखा था, "अपने वर्ग वर्चस्व के सौ साल से भी कम समय में, बुर्जुआ वर्ग ने पिछली सभी पीढ़ियों की तुलना में अधिक असंख्य और भव्य उत्पादक शक्तियों का निर्माण किया।"

इस प्रकार, महान फ्रांसीसी क्रांति (1789-1794) ने एक विशेष मील का पत्थर चिह्नित किया जो नए युग को प्रबुद्धता के युग से अलग करता है। केवल राज्य के रूप ही नहीं, समाज की सामाजिक संरचना, वर्गों का संरेखण भी बदल गया। सदियों से प्रकाशित विचारों की पूरी व्यवस्था हिल गई थी। ज्ञानियों ने वैचारिक रूप से क्रांति की तैयारी की। लेकिन वे इसके सभी परिणामों का पूर्वाभास नहीं कर सके। "कारण का साम्राज्य" नहीं हुआ। क्रांति, जिसने व्यक्ति की स्वतंत्रता की घोषणा की, ने बुर्जुआ व्यवस्था, अधिग्रहण और स्वार्थ की भावना को जन्म दिया। यह कलात्मक संस्कृति के विकास का ऐतिहासिक आधार था, जिसने एक नई दिशा - रूमानियत को आगे बढ़ाया।

3. स्वच्छंदतावाद की मुख्य विशेषताएं

कलात्मक संस्कृति में एक विधि और दिशा के रूप में स्वच्छंदतावाद एक जटिल और विवादास्पद घटना थी। प्रत्येक देश में उनकी उज्ज्वल राष्ट्रीय अभिव्यक्ति थी। साहित्य, संगीत, चित्रकला और रंगमंच में ऐसी विशेषताओं को खोजना आसान नहीं है जो चेटेयूब्रियंड और डेलैक्रिक्स, मिकीविक्ज़ और चोपिन, लेर्मोंटोव और किप्रेंस्की को एकजुट करती हैं।

स्वच्छंदतावादियों ने समाज में विभिन्न सामाजिक और राजनीतिक पदों पर कब्जा कर लिया। उन सभी ने बुर्जुआ क्रांति के परिणामों के खिलाफ विद्रोह किया, लेकिन उन्होंने अलग-अलग तरीकों से विद्रोह किया, क्योंकि प्रत्येक का अपना आदर्श था। लेकिन सभी कई चेहरों और विविधताओं के साथ, रूमानियत में स्थिर विशेषताएं हैं।

आधुनिक काल में निराशा ने एक विशेष को जन्म दिया अतीत में रुचि: पूर्व-बुर्जुआ सामाजिक संरचनाओं के लिए, पितृसत्तात्मक पुरातनता के लिए। कई रोमैंटिक्स को इस विचार की विशेषता थी कि दक्षिण और पूर्व के देशों - इटली, स्पेन, ग्रीस, तुर्की के सुरम्य विदेशीवाद - उबाऊ बुर्जुआ रोजमर्रा की जिंदगी के लिए एक काव्यात्मक विपरीत है। इन देशों में, जो तब भी सभ्यता से बहुत कम प्रभावित थे, रोमांटिक उज्ज्वल, मजबूत पात्रों, एक मूल, रंगीन जीवन शैली की तलाश में थे। राष्ट्रीय अतीत में रुचि ने बहुत सारे ऐतिहासिक कार्यों को जन्म दिया।

किसी तरह होने के गद्य से ऊपर उठने के प्रयास में, व्यक्ति की विविध क्षमताओं को मुक्त करने के लिए, अंततः रचनात्मकता में आत्म-साक्षात्कार करने के लिए, रोमांटिक लोगों ने कला की औपचारिकता और इसके लिए सीधे और विवेकपूर्ण दृष्टिकोण का विरोध किया, क्लासिकवाद की विशेषता। वे सब कहा से आए थे प्रबुद्धता का खंडन और क्लासिकिज़्म के तर्कसंगत कैनन,जो कलाकार की रचनात्मक पहल को रोकता है और अगर शास्त्रीयवाद सब कुछ एक सीधी रेखा में, अच्छे और बुरे में, काले और सफेद में विभाजित करता है, तो रूमानियत एक सीधी रेखा में कुछ भी विभाजित नहीं करती है। श्रेण्यवाद एक प्रणाली है, लेकिन रूमानियत नहीं है। स्वच्छंदतावाद ने आधुनिक समय की उन्नति को क्लासिकवाद से भावुकता तक उन्नत किया, जो विशाल दुनिया के साथ सद्भाव में एक व्यक्ति के आंतरिक जीवन को दर्शाता है। और रूमानियत आंतरिक दुनिया के सामंजस्य का विरोध करती है। यह रूमानियत के साथ है कि वास्तविक मनोविज्ञान प्रकट होने लगता है।

रूमानियत का मुख्य कार्य था आंतरिक दुनिया की छवि, आध्यात्मिक जीवन, और यह कहानियों, रहस्यवाद आदि की सामग्री पर किया जा सकता है। इस आंतरिक जीवन के विरोधाभास को, इसकी अतार्किकता को दिखाना आवश्यक था।

रोमांटिक लोगों ने अपनी कल्पना में अनाकर्षक वास्तविकता को बदल दिया या अपने अनुभवों की दुनिया में चले गए। स्वप्न और वास्तविकता के बीच की खाई, वस्तुगत वास्तविकता के लिए सुंदर कल्पना का विरोध, पूरे रोमांटिक आंदोलन के केंद्र में है।

रूमानियत पहली बार कला की भाषा की समस्या पैदा करती है। “कला प्रकृति से बहुत अलग तरह की भाषा है; लेकिन इसमें वही चमत्कारी शक्ति भी शामिल है जो गुप्त रूप से और अतुलनीय रूप से मानव आत्मा को प्रभावित करती है ”(वेकेनरोडर और टाईक)। एक कलाकार प्रकृति की भाषा का दुभाषिया है, आत्मा और लोगों की दुनिया के बीच एक मध्यस्थ है। “कलाकारों के लिए धन्यवाद, मानवता एक संपूर्ण व्यक्तित्व के रूप में उभरती है। आधुनिकता के माध्यम से कलाकार अतीत की दुनिया को भविष्य की दुनिया से जोड़ते हैं। वे सर्वोच्च आध्यात्मिक अंग हैं जिनमें उनकी बाहरी मानवता की महत्वपूर्ण शक्तियाँ एक दूसरे से मिलती हैं, और जहाँ आंतरिक मानवता स्वयं को सबसे पहले प्रकट करती है ”(एफ। श्लेगल)।

हालाँकि, रूमानियत एक सजातीय प्रवृत्ति नहीं थी: इसका वैचारिक विकास अलग-अलग दिशाओं में हुआ। रूमानी लोगों में प्रतिक्रियावादी लेखक, पुराने शासन के अनुयायी थे, जिन्होंने सामंती राजशाही और ईसाई धर्म के बारे में गाया था। दूसरी ओर, प्रगतिशील दृष्टिकोण वाले रोमांटिक लोगों ने सामंती और सभी प्रकार के उत्पीड़न के खिलाफ लोकतांत्रिक विरोध व्यक्त किया, बेहतर भविष्य के लिए लोगों के क्रांतिकारी आवेग को मूर्त रूप दिया।

स्वच्छंदतावाद ने विश्व कलात्मक संस्कृति में एक पूरे युग को छोड़ दिया, इसके प्रतिनिधि थे: साहित्य में वी। स्कॉट, जे। बायरन, शेली, वी। ह्यूगो, ए। मिकीविक्ज़, और अन्य; ई. डेलाक्रोइक्स, टी. गेरिकॉल्ट, एफ. रनगे, जे. कांस्टेबल, डब्ल्यू. टर्नर, ओ. किप्रेंस्की और अन्य की ललित कलाओं में; F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin और अन्य के संगीत में। उन्होंने नई शैलियों की खोज और विकास किया, मानव व्यक्तित्व के भाग्य पर ध्यान दिया, प्रकट किया अच्छाई और बुराई की द्वंद्वात्मकता, मानव जुनून आदि को कुशलता से प्रकट किया।

कला रूपों ने कमोबेश अपने महत्व में बराबरी की और कला के शानदार कार्यों का निर्माण किया, हालांकि प्रेमकथाओं ने कला की सीढ़ी में संगीत को प्राथमिकता दी।

4. रोमांटिक हीरो

रोमांटिक हीरो कौन है और वह कैसा है?

यह एक व्यक्तिवादी है। एक सुपरमैन जो दो अवस्थाओं से गुजरा है: वास्तविकता से टकराने से पहले, वह एक 'गुलाबी' अवस्था में रहता है, वह उपलब्धि की इच्छा, दुनिया को बदलने की इच्छा से ग्रस्त है; वास्तविकता से टकराने के बाद, वह इस दुनिया को अश्लील और उबाऊ दोनों मानता रहता है, लेकिन वह संशयवादी, निराशावादी नहीं बनता। एक स्पष्ट समझ के साथ कि कुछ भी नहीं बदला जा सकता है, उपलब्धि की इच्छा खतरे की इच्छा में बदल जाती है।

रोमांटिक हर छोटी चीज को, हर ठोस तथ्य को, हर एक चीज को शाश्वत, स्थायी मूल्य दे सकते हैं। जोसेफ डी मैस्ट्रे ने इसे "प्रोविडेंस के मार्ग", जर्मेन डी स्टेल - "अमर ब्रह्मांड का फलदायी बोसोम" कहा है। इतिहास को समर्पित एक पुस्तक "ईसाई धर्म की प्रतिभा" में चेटेउब्रिंड, सीधे ऐतिहासिक समय की शुरुआत के रूप में भगवान को इंगित करता है। समाज एक अटूट बंधन के रूप में प्रकट होता है, "जीवन का वह धागा जो हमें हमारे पूर्वजों से जोड़ता है और जिसे हमें अपने वंशजों तक पहुंचाना चाहिए।" प्रकृति की सुंदरता के माध्यम से, गहरी भावनाओं के माध्यम से, केवल एक व्यक्ति का दिल, उसका दिमाग नहीं, निर्माता की आवाज को समझ और सुन सकता है। प्रकृति दिव्य है, यह सद्भाव और रचनात्मक शक्तियों का एक स्रोत है, इसके रूपकों को अक्सर रोमांटिक लोगों द्वारा राजनीतिक शब्दावली में स्थानांतरित किया जाता है। रोमांटिक लोगों के लिए, पेड़ परिवार, सहज विकास, मूल भूमि के रस की धारणा, राष्ट्रीय एकता का प्रतीक बन जाता है। किसी व्यक्ति का स्वभाव जितना अधिक मासूम और संवेदनशील होता है, उसे ईश्वर की आवाज उतनी ही आसानी से सुनाई देती है। एक बच्चा, एक महिला, एक महान युवा दूसरों की तुलना में अधिक बार आत्मा की अमरता और अनन्त जीवन के मूल्य को देखते हैं। रोमांटिक लोगों की आनंद की प्यास मृत्यु के बाद ईश्वर के राज्य की आदर्शवादी इच्छा तक सीमित नहीं है।

भगवान के लिए रहस्यमय प्रेम के अलावा, एक व्यक्ति को वास्तविक, सांसारिक प्रेम की आवश्यकता होती है। अपने जुनून की वस्तु को प्राप्त करने में असमर्थ, रोमांटिक नायक एक शाश्वत शहीद बन गया, जो बाद के जीवन में अपने प्रिय के साथ मिलने की प्रतीक्षा करने के लिए बर्बाद हो गया, "महान प्रेम के लिए अमरता के योग्य है जब यह एक व्यक्ति के जीवन की कीमत है।"

व्यक्ति के विकास और शिक्षा की समस्या प्रेमकथाओं के काम में एक विशेष स्थान रखती है। बचपन कानूनों से रहित है, इसके क्षणिक आवेग सार्वजनिक नैतिकता का उल्लंघन करते हैं, बचकाने खेल के अपने नियमों का पालन करते हैं। एक वयस्क में, इसी तरह की प्रतिक्रियाएं मृत्यु की ओर ले जाती हैं, आत्मा की निंदा करती हैं। स्वर्गीय राज्य की खोज में, एक व्यक्ति को कर्तव्य और नैतिकता के नियमों को समझना चाहिए, तभी वह अनंत जीवन की आशा कर सकता है। चूँकि कर्तव्य शाश्वत जीवन प्राप्त करने की इच्छा से रोमांटिक लोगों के लिए निर्धारित होता है, कर्तव्य की पूर्ति इसकी सबसे गहरी और सबसे शक्तिशाली अभिव्यक्ति में व्यक्तिगत खुशी देती है। नैतिक कर्तव्य में गहरी भावनाओं और उदात्त हितों का कर्तव्य जोड़ा जाता है। विभिन्न लिंगों के गुणों को मिलाए बिना, रोमांटिक लोग पुरुषों और महिलाओं के आध्यात्मिक विकास की समानता की वकालत करते हैं। उसी तरह, ईश्वर और उनकी संस्थाओं के प्रति प्रेम नागरिक कर्तव्य को निर्धारित करता है। व्यक्तिगत प्रयास, पूरे देश के, पूरी मानव जाति के, पूरे विश्व के, सामान्य कारण में अपनी पूर्णता पाता है।

हर संस्कृति का अपना रोमांटिक हीरो होता है, लेकिन बायरन ने अपनी कृति चारल्ड हेरोल्ड में रोमांटिक हीरो का विशिष्ट प्रतिनिधित्व दिया। उन्होंने अपने नायक का मुखौटा लगाया (वे कहते हैं कि नायक और लेखक के बीच कोई दूरी नहीं है) और रोमांटिक कैनन का पालन करने में कामयाब रहे।

सभी रोमांटिक कार्यों की विशेषता विशेषताएं हैं:

सबसे पहले, हर रोमांटिक काम में नायक और लेखक के बीच कोई दूरी नहीं होती है।

दूसरे, नायक का लेखक न्याय नहीं करता है, लेकिन भले ही उसके बारे में कुछ बुरा कहा जाए, साजिश इस तरह से बनाई गई है कि नायक को दोष नहीं देना है। रोमांटिक काम में कथानक आमतौर पर रोमांटिक होता है। रोमांटिक भी प्रकृति के साथ एक विशेष संबंध बनाते हैं, उन्हें तूफान, आंधी, प्रलय पसंद हैं।

5. रूस में स्वच्छंदतावाद।

रूस में स्वच्छंदतावाद एक अलग ऐतिहासिक सेटिंग और एक अलग सांस्कृतिक परंपरा के पक्ष में पश्चिमी यूरोपीय से अलग था। फ्रांसीसी क्रांति को इसकी घटना के कारणों में से एक के रूप में नहीं गिना जा सकता है, लोगों के एक बहुत ही संकीर्ण दायरे में इसके पाठ्यक्रम में परिवर्तन की कोई उम्मीद थी। और क्रांति के परिणाम पूरी तरह निराशाजनक थे। उन्नीसवीं सदी की शुरुआत में रूस में पूंजीवाद का सवाल। खड़ा नहीं हुआ। इसलिए ऐसा कोई कारण नहीं था। असली कारण 1812 का देशभक्तिपूर्ण युद्ध था, जिसमें लोगों की पहल की सारी शक्ति प्रकट हुई थी। लेकिन युद्ध के बाद लोगों को वसीयत नहीं मिली। वास्तविकता से असंतुष्ट सबसे अच्छा बड़प्पन दिसंबर 1825 में सीनेट स्क्वायर में गया। इस अधिनियम ने रचनात्मक बुद्धिजीवियों पर भी अपनी छाप छोड़ी। युद्ध के बाद के अशांत वर्ष वह वातावरण बन गए जिसमें रूसी रूमानियत का गठन हुआ।

स्वच्छंदतावाद, और, इसके अलावा, हमारा, रूसी, विकसित और हमारे मूल रूपों में ढाला गया, रूमानियत एक साधारण साहित्यिक नहीं थी, बल्कि एक जीवन घटना थी, नैतिक विकास का एक संपूर्ण युग, एक ऐसा युग जिसका अपना विशेष रंग था, एक विशेष प्रदर्शन किया जीवन में दृष्टिकोण ... पश्चिमी जीवन और पश्चिमी साहित्य से, रोमांटिक प्रवृत्ति को बाहर से आने दें, यह रूसी प्रकृति में मिट्टी को अपनी धारणा के लिए तैयार पाया, और इसलिए कवि और आलोचक अपोलोन ग्रिगोरिएव के रूप में पूरी तरह से मूल घटनाओं में परिलक्षित हुआ मूल्यांकन किया गया - यह एक अनूठी सांस्कृतिक घटना है, और इसका लक्षण वर्णन रूमानियत की आवश्यक जटिलता को दर्शाता है, जिसके आंत्र से युवा गोगोल निकले और जिनके साथ वे न केवल अपने लेखन करियर की शुरुआत में, बल्कि जीवन भर जुड़े रहे।

Apollon Grigoriev ने उस समय के गद्य सहित साहित्य और जीवन पर रोमांटिक स्कूल के प्रभाव की प्रकृति को सटीक रूप से निर्धारित किया: एक साधारण प्रभाव या उधार नहीं, बल्कि एक विशिष्ट और शक्तिशाली जीवन और साहित्यिक प्रवृत्ति जिसने युवा रूसी साहित्य में पूरी तरह से मूल घटनाएँ दीं।

ए) साहित्य

रूसी रूमानियतवाद को आमतौर पर कई अवधियों में विभाजित किया जाता है: प्रारंभिक (1801-1815), परिपक्व (1815-1825) और डेस्मब्रिस्ट के बाद के विकास की अवधि। हालाँकि, प्रारंभिक अवधि के संबंध में, इस योजना की पारंपरिकता हड़ताली है। रूसी रूमानियत की सुबह के लिए ज़ुकोवस्की और बत्युशकोव के नाम जुड़े हुए हैं, ऐसे कवि जिनके काम और विश्वदृष्टि को साथ-साथ रखना और एक ही अवधि के भीतर तुलना करना मुश्किल है, उनके लक्ष्य, आकांक्षाएं और स्वभाव इतने अलग हैं। दोनों कवियों की कविताओं में, अतीत का दबंग प्रभाव, भावुकता का युग अभी भी महसूस किया जाता है, लेकिन अगर ज़ुकोवस्की अभी भी इसमें गहराई से निहित है, तो बत्युशकोव नए रुझानों के बहुत करीब है।

बेलिंस्की ने ठीक ही कहा कि ज़ुकोवस्की के काम की विशेषता "अपूर्ण आशाओं के बारे में शिकायतें हैं जिनका कोई नाम नहीं था, खोई हुई खुशी के लिए दुःख, जो भगवान जानता है कि इसमें क्या शामिल है।" वास्तव में, ज़ुकोवस्की के व्यक्ति में, रूमानियत अभी भी अपना पहला डरपोक कदम उठा रही थी, भावुक और उदासीन लालसा को श्रद्धांजलि दे रही थी, एक अस्पष्ट, दिल की बमुश्किल बोधगम्य तड़प, एक शब्द में, भावनाओं के उस जटिल सेट के लिए जो रूसी आलोचना में थी "मध्य युग के रोमांटिकतावाद" कहा जाता है।

बटयुशकोव की कविता में एक पूरी तरह से अलग माहौल है: होने का आनंद, स्पष्ट कामुकता, आनंद के लिए एक भजन।

ज़ुकोवस्की को रूसी सौंदर्यवादी मानवतावाद का एक प्रमुख प्रतिनिधि माना जाता है। मजबूत जुनून के लिए विदेशी, आत्मसंतुष्ट और नम्र ज़ुकोवस्की रूसो और जर्मन प्रेमकथाओं के विचारों के ध्यान देने योग्य प्रभाव के तहत था। उनका अनुसरण करते हुए, उन्होंने धर्म, नैतिकता और सामाजिक संबंधों में सौंदर्य पक्ष को बहुत महत्व दिया। कला ने ज़ुकोवस्की से एक धार्मिक अर्थ प्राप्त किया, उन्होंने कला में उच्च सत्य के "रहस्योद्घाटन" को देखने की मांग की, यह उनके लिए "पवित्र" था। जर्मन रूमानियतवादियों के लिए कविता और धर्म की पहचान करना विशिष्ट है। हम ज़ुकोवस्की में वही पाते हैं, जिन्होंने लिखा था: "पृथ्वी के पवित्र सपनों में कविता ईश्वर है।" जर्मन रूमानियतवाद में, वह विशेष रूप से "आत्मा के रात पक्ष", प्रकृति और मनुष्य में "अकथनीय" से परे हर चीज के आकर्षण के करीब था। ज़ुकोवस्की की कविता में प्रकृति रहस्य से घिरी हुई है, उसके परिदृश्य भूतिया और लगभग असत्य हैं, जैसे पानी में प्रतिबिंब:

अगरबत्ती पौधों की शीतलता में कैसे विलीन हो जाती है!

जेट्स के छींटे के किनारे पर सन्नाटा कितना प्यारा है!

पानी पर मार्शमॉलो की हवा कितनी शांत है

और लचीला विलो स्पंदन!

ज़ुकोवस्की की संवेदनशील, कोमल और स्वप्निल आत्मा "इस रहस्यमय प्रकाश" की दहलीज पर मीठी जमने लगती है। कवि, बेलिंस्की की उपयुक्त अभिव्यक्ति में, "अपने दुख से प्यार करता है और उसे प्यार करता है," लेकिन यह पीड़ा उसके दिल को क्रूर घावों से नहीं चुभती है, यहां तक ​​​​कि पीड़ा और दुख में भी उसका आंतरिक जीवन शांत और निर्मल है। इसलिए, जब बत्युशकोव को एक संदेश में, "आनंद और आनंद का पुत्र," वह एपिक्यूरियन कवि को "संग्रह के सापेक्ष" कहते हैं, तो इस रिश्ते पर विश्वास करना मुश्किल है। बल्कि, हम गुणी ज़ुकोवस्की पर विश्वास करते हैं, जो सांसारिक सुखों के गायक को सलाह देते हैं: "अस्थिरता को अस्वीकार करें, सपने घातक हैं!"

बटयुशकोव ज़ुकोवस्की के विपरीत सब कुछ में एक आकृति है। वह मजबूत जुनून का व्यक्ति था, और उसका रचनात्मक जीवन उसके भौतिक अस्तित्व से 35 साल पहले छोटा हो गया था: एक बहुत ही युवा व्यक्ति के रूप में, वह पागलपन की खाई में गिर गया। उन्होंने खुद को खुशी और दुख दोनों के लिए समान बल और जुनून के साथ समर्पित किया: जीवन में, साथ ही अपनी काव्य समझ में, वह - ज़ुकोवस्की के विपरीत - "सुनहरे मतलब" के लिए विदेशी था। हालाँकि उनकी कविता में शुद्ध मित्रता की प्रशंसा, एक "विनम्र कोने" की खुशी की भी विशेषता है, लेकिन उनका आदर्श किसी भी तरह से विनम्र और शांत नहीं है, क्योंकि बातुशकोव भावुक सुखों और जीवन के नशे के आनंद के बिना इसकी कल्पना नहीं कर सकते। कई बार, कवि कामुक खुशियों से इतना दूर हो जाता है कि वह विज्ञान के दमनकारी ज्ञान को लापरवाही से अस्वीकार करने के लिए तैयार हो जाता है:

क्या यह दुख की सच्चाइयों में है

ग्लॉमी स्टॉइक्स और बोरिंग ऋषि,

अंतिम संस्कार की पोशाक में बैठे,

मलबे और ताबूतों के बीच

क्या हम अपने जीवन की मिठास पाएंगे?

उनसे मुझे आनंद दिखाई देता है

यह कांटों की झाड़ियों से तितली की तरह उड़ती है।

उनके लिए प्रकृति के आकर्षण में कोई आकर्षण नहीं है,

युवतियां उनके लिए नहीं गाती हैं, गोल नृत्यों में परस्पर जुड़ती हैं;

उनके लिए, अंधे के लिए के रूप में,

आनंद के बिना वसंत और फूलों के बिना गर्मी।

उनकी कविताओं में वास्तविक त्रासदी शायद ही कभी सुनाई देती है। केवल अपने रचनात्मक जीवन के अंत में, जब उन्होंने मानसिक बीमारी के लक्षण दिखाना शुरू किया, उनकी अंतिम कविताओं में से एक श्रुतलेख के तहत दर्ज की गई थी, जिसमें सांसारिक अस्तित्व की निरर्थकता के उद्देश्य स्पष्ट रूप से सुनाई देते हैं:

क्या आपको याद है कि आपने क्या कहा था

भूरे बालों वाले मलिकिसिदक, जीवन को अलविदा कह रहे हैं?

मनुष्य एक गुलाम पैदा हुआ था

कब्र में दास की नाईं लेटेगा,

और मौत शायद ही उसे बताएगी

वह अद्भुत आँसुओं की घाटी से क्यों चला,

सहा, रोया, सहा,

रूस में, उन्नीसवीं शताब्दी के बीसवें दशक में एक साहित्यिक प्रवृत्ति के रूप में रोमांटिकतावाद विकसित हुआ। इसके मूल कवि, गद्य लेखक, लेखक थे और उन्होंने रूसी रूमानियत का निर्माण किया, जो अपने राष्ट्रीय, मूल चरित्र में "पश्चिमी यूरोपीय" से भिन्न था। उन्नीसवीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध के कवियों द्वारा रूसी रूमानियत का विकास किया गया था, और प्रत्येक कवि कुछ नया लेकर आया था। रूसी रूमानियत व्यापक रूप से विकसित हुई, विशिष्ट विशेषताओं को प्राप्त किया और साहित्य में एक स्वतंत्र प्रवृत्ति बन गई। "रुस्लान और ल्यूडमिला" में ए.एस. पुश्किन की पंक्तियाँ हैं: "एक रूसी आत्मा है, वहाँ रूस की गंध आती है।" रूसी रूमानियत के बारे में भी यही कहा जा सकता है। रोमांटिक कार्यों के नायक "उच्च" और सुंदर के लिए प्रयास करने वाली काव्य आत्माएं हैं। लेकिन एक शत्रुतापूर्ण दुनिया है जो आपको स्वतंत्रता महसूस करने की अनुमति नहीं देती है, जो इन आत्माओं को समझ से बाहर कर देती है। यह दुनिया खुरदरी है, इसलिए काव्य आत्मा दूसरे की ओर भागती है, जहाँ एक आदर्श होता है, वह "शाश्वत" के लिए प्रयास करता है। स्वच्छंदतावाद इसी संघर्ष पर आधारित है। लेकिन कवियों ने इस स्थिति पर अलग तरह से प्रतिक्रिया व्यक्त की। ज़ुकोवस्की, पुश्किन, लेर्मोंटोव, एक बात से आगे बढ़ते हुए, अपने नायकों और उनके आसपास की दुनिया के बीच अलग-अलग तरीकों से संबंध बनाते हैं, इसलिए उनके नायकों के पास आदर्श के लिए अलग-अलग रास्ते थे।

वास्तविकता भयानक, असभ्य, दिलेर और स्वार्थी है, इसमें कवि, उसके नायकों की भावनाओं, सपनों और इच्छाओं के लिए कोई जगह नहीं है। "सच्चा" और शाश्वत - दूसरी दुनिया में। इसलिए दो दुनियाओं की अवधारणा, कवि एक आदर्श की तलाश में इन दुनियाओं में से एक के लिए प्रयास करता है।

ज़ुकोवस्की की स्थिति उस व्यक्ति की स्थिति नहीं थी जिसने बाहरी दुनिया के साथ संघर्ष में प्रवेश किया, जिसने उसे चुनौती दी। यह प्रकृति के साथ एकता का मार्ग था, प्रकृति के साथ सद्भाव का मार्ग, एक शाश्वत और सुंदर दुनिया में। ज़ुकोवस्की, कई शोधकर्ताओं (यू.वी. मान सहित) की राय में, द इनएक्सप्रेसिबल में एकता की इस प्रक्रिया के बारे में अपनी समझ व्यक्त करता है। एकता आत्मा की उड़ान है। आपके चारों ओर की सुंदरता आपकी आत्मा को भर देती है, यह आप में है, और आप इसमें हैं, आत्मा उड़ती है, न तो समय और न ही स्थान मौजूद है, लेकिन आप प्रकृति में मौजूद हैं, और इस समय आप रहते हैं, आप इस सुंदरता के बारे में गाना चाहते हैं , लेकिन आपके राज्य को व्यक्त करने के लिए कोई शब्द नहीं हैं, केवल सद्भाव की भावना है। आप अपने आस-पास के लोगों से परेशान नहीं हैं, अभिमानी आत्माएं, आपके लिए और अधिक खुला है, आप स्वतंत्र हैं।

पुश्किन और लेर्मोंटोव ने रूमानियत की इस समस्या से अलग तरीके से संपर्क किया। इसमें कोई संदेह नहीं है कि ज़ुकोवस्की द्वारा पुश्किन पर लगाए गए प्रभाव बाद के काम में परिलक्षित नहीं हो सकते थे। पुष्किन के शुरुआती काम को "नागरिक" रोमांटिकतावाद की विशेषता है। "द सिंगर इन द कैंप ऑफ़ रशियन वारियर्स" ज़ुकोवस्की और ग्रिबॉयडोव के कार्यों के प्रभाव में, पुश्किन "लिबर्टी", "टू चादेव" के लिए एक ओड लिखते हैं। बाद में, वह कहता है:

"मेरे दोस्त! आइए हम अपनी आत्मा को अद्भुत आवेगों के साथ पितृभूमि को समर्पित करें ..."। आदर्श के लिए यह वही इच्छा है जो ज़ुकोवस्की के पास थी, केवल पुश्किन आदर्श को अपने तरीके से समझते हैं, इसलिए कवि के लिए आदर्श का मार्ग अलग है। वह नहीं चाहता है और अकेले आदर्श के लिए प्रयास नहीं कर सकता, कवि उसे बुलाता है। पुश्किन ने वास्तविकता और आदर्श को अलग तरह से देखा। आप इसे विद्रोह नहीं कह सकते, यह विद्रोही तत्वों का प्रतिबिंब है। यह ode "समुद्र" में परिलक्षित हुआ था। यह समुद्र की ताकत और शक्ति है, समुद्र मुक्त है, यह अपने आदर्श पर पहुंच गया है। मनुष्य को भी मुक्त होना चाहिए, उसकी आत्मा को मुक्त होना चाहिए।

एक आदर्श की खोज रूमानियत की मुख्य विशेषता है। यह ज़ुकोवस्की, पुश्किन और लेर्मोंटोव के कार्यों में प्रकट हुआ। तीनों कवि स्वतंत्रता की तलाश में थे, लेकिन उन्होंने इसे अलग-अलग तरीकों से खोजा, उन्होंने इसे अलग-अलग तरीके से समझा। ज़ुकोवस्की "निर्माता" द्वारा भेजी गई स्वतंत्रता की तलाश में था। सद्भाव पा लेने से व्यक्ति मुक्त हो जाता है। पुश्किन के लिए, आत्मा की स्वतंत्रता महत्वपूर्ण थी, जिसे मनुष्य में प्रकट होना चाहिए। लेर्मोंटोव के लिए, केवल विद्रोही नायक स्वतंत्र है। आजादी के लिए विद्रोह, इससे खूबसूरत और क्या हो सकता है? आदर्श के प्रति यह रवैया कवियों के प्रेम गीतों में संरक्षित था। मेरे विचार से यह संबंध समय के कारण है। यद्यपि वे सभी लगभग एक ही अवधि में काम करते थे, उनके काम का समय अलग था, घटनाएं असाधारण गति से विकसित हुईं। कवियों के चरित्रों ने भी उनके संबंधों को बहुत प्रभावित किया। शांत ज़ुकोवस्की और विद्रोही लेर्मोंटोव पूरी तरह से विपरीत हैं। लेकिन रूसी रूमानियत ठीक-ठीक विकसित हुई क्योंकि इन कवियों के स्वभाव अलग-अलग थे। उन्होंने नई अवधारणाएं, नए चरित्र, नए आदर्श पेश किए, स्वतंत्रता क्या है, वास्तविक जीवन क्या है, इसकी पूरी तस्वीर पेश की। उनमें से प्रत्येक आदर्श के लिए अपने स्वयं के मार्ग का प्रतिनिधित्व करता है, यह प्रत्येक व्यक्ति के लिए पसंद का अधिकार है।

रूमानियत का उदय बहुत परेशान करने वाला था। मानव व्यक्तित्व अब पूरी दुनिया के केंद्र में खड़ा था। मानव "मैं" की व्याख्या सभी अस्तित्व के आधार और अर्थ के रूप में की जाने लगी। मानव जीवन को कला, कला के कार्य के रूप में माना जाने लगा। उन्नीसवीं शताब्दी में स्वच्छंदतावाद बहुत व्यापक था। लेकिन खुद को रूमानी कहने वाले सभी कवियों ने इस प्रवृत्ति का सार नहीं बताया।

अब, 20वीं शताब्दी के अंत में, हम पहले से ही पिछली सदी के प्रेमकथाओं को इस आधार पर दो समूहों में वर्गीकृत कर सकते हैं। एक और शायद सबसे व्यापक समूह वह है जो "औपचारिक" प्रेमकथाओं को एकजुट करता है। उन पर संदेह करना मुश्किल है, इसके विपरीत, वे अपनी भावनाओं को बहुत सटीक रूप से व्यक्त करते हैं। इनमें दिमित्री वेनेविटिनोव (1805-1827) और अलेक्जेंडर पोल्ज़हेव (1804-1838) प्रमुख हैं। इन कवियों ने अपने कलात्मक लक्ष्य को प्राप्त करने के लिए इसे सबसे उपयुक्त मानते हुए रोमांटिक रूप का उपयोग किया। तो, डी। वेनेविटिनोव लिखते हैं:

मुझे लगता है कि यह मुझमें जल रहा है

प्रेरणा की पवित्र लौ

लेकिन आत्मा अंधेरे लक्ष्य की ओर बढ़ती है...

क्या मुझे एक विश्वसनीय चट्टान मिलेगी,

मैं अपना दृढ़ पैर कहाँ रख सकता हूँ?

यह एक विशिष्ट रोमांटिक कविता है। यह पारंपरिक रोमांटिक शब्दावली का उपयोग करता है - यह "प्रेरणा की लौ" और "बढ़ती भावना" दोनों है। इस प्रकार कवि अपने भावों का वर्णन करता है। लेकिन और नहीं। कवि रूमानियत के ढांचे से बंधा हुआ है, इसकी "मौखिक उपस्थिति"। कुछ टिकटों के लिए सब कुछ सरल है।

19 वीं शताब्दी के रोमांटिक्स के एक अन्य समूह के प्रतिनिधि, निश्चित रूप से ए.एस. पुश्किन और एम। लेर्मोंटोव थे। इसके विपरीत, इन कवियों ने अपनी सामग्री से रोमांटिक रूप को भर दिया। ए पुष्किन के जीवन में रोमांटिक अवधि कम थी, इसलिए उनके पास कुछ रोमांटिक काम हैं। "काकेशस का कैदी" (1820-1821) ए.एस. की शुरुआती रोमांटिक कविताओं में से एक है। पुश्किन। हमारे सामने एक रोमांटिक काम का एक क्लासिक संस्करण है। लेखक हमें अपने नायक का चित्र नहीं देता, हम उसका नाम भी नहीं जानते। और यह आश्चर्य की बात नहीं है - सभी रोमांटिक नायक एक दूसरे के समान हैं। वे युवा, सुंदर... और दुखी हैं। कार्य का कथानक भी शास्त्रीय रूप से रोमांटिक है। सर्कसियों के साथ एक रूसी कैदी, एक युवा सर्कसियन महिला उसके प्यार में पड़ जाती है और उसे भागने में मदद करती है। लेकिन वह निराशाजनक रूप से दूसरे से प्यार करता है... कविता दुखद रूप से समाप्त होती है - सर्कसियन महिला खुद को पानी में फेंक देती है और मर जाती है, और रूसी, "शारीरिक" कैद से मुक्त हो जाती है, दूसरे में गिर जाती है, अधिक दर्दनाक कैद - आत्मा की कैद। हम नायक के अतीत के बारे में क्या जानते हैं?

एक लंबा रास्ता रूस की ओर जाता है ...

.....................................

जहां उन्होंने भयानक पीड़ा को गले लगाया,

जहां भागदौड़ भरी जिंदगी बर्बाद कर दी

आशा, आनंद और इच्छा।

वह स्वतंत्रता की तलाश में मैदान में आया, अपने पिछले जीवन से बचने की कोशिश की। और अब जब खुशी इतनी करीब लग रही थी तो उसे फिर भागना पड़ा। पर कहाँ? वापस दुनिया में जहां उन्होंने "भयानक पीड़ा को गले लगाया।"

प्रकाश का पाखण्डी, प्रकृति का मित्र,

उन्होंने अपनी जन्मभूमि छोड़ दी

और उड़कर दूर देश चला गया

स्वतंत्रता के एक हंसमुख भूत के साथ।

लेकिन "स्वतंत्रता का भूत" सिर्फ एक भूत बनकर रह गया। वह रोमांटिक हीरो को हमेशा परेशान करेगा। एक और रोमांटिक कविता "जिप्सीज़" है। इसमें, लेखक फिर से पाठक को नायक का चित्र नहीं देता है, हम केवल उसका नाम जानते हैं - अलेको। वह सच्चे आनंद, सच्ची स्वतंत्रता को जानने के लिए शिविर में आया था। उसकी खातिर, उसने वह सब कुछ त्याग दिया जो उसे घेरता था। क्या वह आजाद और खुश था? ऐसा लगता है कि अलेको प्यार करता है, लेकिन इस भावना के साथ केवल दुर्भाग्य और अवमानना ​​\u200b\u200bआती है। अलेको, जो स्वतंत्रता के लिए इतना तरस रहा था, किसी अन्य व्यक्ति की इच्छा को पहचान नहीं सका। इस कविता में, रोमांटिक नायक की विश्वदृष्टि की एक और अत्यंत विशिष्ट विशेषता प्रकट हुई - स्वार्थ और बाहरी दुनिया के साथ पूर्ण असंगति। अलेको को मौत की सजा नहीं, बल्कि इससे भी बदतर - अकेलेपन और बहस से। वह उस दुनिया में अकेला था जहाँ से वह भागा था, लेकिन दूसरे में, इतना वांछित, वह फिर से अकेला रह गया था।

द प्रिजनर ऑफ द काकेशस लिखने से पहले, पुश्किन ने एक बार कहा था: "मैं एक रोमांटिक कविता का नायक बनने के लायक नहीं हूं"; हालाँकि, उसी समय, 1820 में, पुश्किन ने अपनी कविता "दिन की रोशनी निकल गई ..." लिखी। इसमें आप रूमानियत में निहित सभी शब्दावली पा सकते हैं। यह "सुदूर तट", और "उदास महासागर", और "उत्साह और लालसा" है, जो लेखक को पीड़ा देता है। पूरी कविता में यह राग चलता है:

मेरे नीचे लहर, उदास सागर।

यह केवल प्रकृति के वर्णन में ही नहीं, बल्कि नायक की भावनाओं के वर्णन में भी मौजूद है।

... लेकिन पूर्व दिल घाव,

प्यार के गहरे जख्म, कुछ भी नहीं भरा...

शोर, शोर, आज्ञाकारी पाल,

मेरे नीचे चिंता करो, उदास सागर ...

अर्थात्, प्रकृति एक और पात्र बन जाती है, कविता का एक और गेय नायक। बाद में, 1824 में, पुश्किन ने "टू द सी" कविता लिखी। इसमें रोमांटिक नायक, जैसा कि "दिन का प्रकाश बाहर चला गया ...", फिर से स्वयं लेखक बन गया। यहाँ पुश्किन समुद्र को स्वतंत्रता के पारंपरिक प्रतीक के रूप में संदर्भित करता है। समुद्र एक तत्व है, जिसका अर्थ है स्वतंत्रता और खुशी। हालाँकि, पुश्किन ने इस कविता का निर्माण अप्रत्याशित रूप से किया है:

तुमने प्रतीक्षा की, तुमने पुकारा... मैं जंजीर से बंधी थी;

यहाँ मेरी आत्मा फटी हुई थी:

शक्तिशाली जुनून से मुग्ध,

मैं तट पर रहा ...

हम कह सकते हैं कि यह कविता पुष्किन के जीवन की रोमांटिक अवधि को पूरा करती है। यह एक ऐसे व्यक्ति द्वारा लिखा गया है जो जानता है कि तथाकथित "भौतिक" स्वतंत्रता प्राप्त करने के बाद, रोमांटिक नायक खुश नहीं होता है।

जंगलों में, रेगिस्तानों में सन्नाटा है

मैं स्थानांतरित कर दूंगा, आप से भरा हुआ,

आपकी चट्टानें, आपकी खाड़ी ...

इस समय, पुश्किन इस निष्कर्ष पर पहुँचे कि सच्ची स्वतंत्रता केवल एक व्यक्ति के भीतर ही मौजूद हो सकती है और केवल वही उसे वास्तव में खुश कर सकती है।

बायरन के रूमानियत का संस्करण रूसी संस्कृति पुश्किन, फिर लेर्मोंटोव में पहले अपने काम में रहता था और महसूस करता था। पुष्किन के पास लोगों पर ध्यान देने के लिए एक उपहार था, और फिर भी महान कवि और गद्य लेखक के काम में रोमांटिक कविताओं का सबसे रोमांटिक निस्संदेह द फाउंटेन ऑफ बखचीसराय है।

कविता "द फाउंटेन ऑफ बखचीसराय" अभी भी एक रोमांटिक कविता की शैली में पुश्किन की खोज को जारी रखती है। और यह निश्चित है कि महान रूसी लेखक की मृत्यु ने इसे रोक दिया।

पुश्किन के काम में रोमांटिक विषय को दो अलग-अलग विकल्प मिले: एक वीर रोमांटिक नायक ("बंदी", "डाकू", "भगोड़ा") है, जो एक दृढ़ इच्छाशक्ति से प्रतिष्ठित है, जो हिंसक जुनून की क्रूर परीक्षा से गुजरा है, और वहाँ है एक पीड़ित नायक जिसमें सूक्ष्म भावनात्मक अनुभव बाहरी दुनिया ("निर्वासन", "कैदी") की क्रूरता के साथ असंगत हैं। एक रोमांटिक चरित्र में निष्क्रिय शुरुआत ने अब पुष्किन में एक स्त्री की आड़ हासिल कर ली है। बख्शीसराय का फव्वारा रोमांटिक नायक के इस पहलू को ठीक से विकसित करता है।

"काकेशस के कैदी" में "कैदी" पर बहुत ध्यान दिया गया था और "सर्कसियन" पर बहुत कम ध्यान दिया गया था, अब इसके विपरीत - खान गिरी एक अलौकिक व्यक्ति से ज्यादा कुछ नहीं है, और वास्तव में मुख्य पात्र एक महिला है, यहां तक ​​कि दो - ज़रेमा और मारिया। पिछली कविताओं (जंजीर भाइयों की छवि के माध्यम से) में पाए गए नायक के द्वंद्व का समाधान भी यहां पुष्किन द्वारा उपयोग किया जाता है: निष्क्रिय शुरुआत को दो पात्रों के चेहरे में चित्रित किया गया है - ईर्ष्या, जुनून से प्यार ज़रेमा और उदास , आशा खो दी और मैरी से प्यार किया। वे दोनों एक रोमांटिक प्रकृति के दो परस्पर विरोधी जुनून हैं: निराशा, निराशा, निराशा और एक ही समय में आध्यात्मिक उत्साह, भावनाओं की तीव्रता; कविता में विरोधाभास को दुखद रूप से हल किया गया है - मैरी की मृत्यु ने ज़रेमा को भी खुशी नहीं दी, क्योंकि वे रहस्यमय संबंधों से जुड़े हुए हैं। इसलिए द रॉबर ब्रदर्स में, एक भाई की मृत्यु ने दूसरे के जीवन को हमेशा के लिए खत्म कर दिया।

हालाँकि, बी.वी. टोमाशेव्स्की ने ठीक ही कहा, "कविता के गीतात्मक अलगाव ने भी सामग्री की कुछ कमी को निर्धारित किया है ... ज़रेमा पर नैतिक जीत आगे के निष्कर्ष और प्रतिबिंब की ओर नहीं ले जाती है ..." काकेशस के कैदी "में एक स्पष्ट निरंतरता है पुश्किन का काम: अलेको और यूजीन वनगिन दोनों अनुमति देते हैं ... पहली दक्षिणी कविता में पूछे गए प्रश्न। "फाउंटेन ऑफ बखचीसराय" में ऐसी कोई निरंतरता नहीं है ... "

पुष्किन ने किसी व्यक्ति की रोमांटिक स्थिति में सबसे कमजोर जगह की तलाश की और पहचान की: वह केवल अपने लिए सब कुछ चाहता है।

लेर्मोंटोव की कविता "मत्स्यत्री" भी पूरी तरह से रूमानियत की विशिष्ट विशेषताओं को नहीं दर्शाती है।

इस कविता में दो रोमांटिक नायक हैं, इसलिए, यदि यह एक रोमांटिक कविता है, तो यह बहुत ही अजीब है: सबसे पहले, दूसरे नायक को लेखक द्वारा एक एपिग्राफ के माध्यम से व्यक्त किया जाता है; दूसरी बात, लेखक मत्स्यत्री से नहीं जुड़ता है, नायक अपने तरीके से आत्म-इच्छा की समस्या को हल करता है, और पूरी कविता में लेर्मोंटोव केवल इस समस्या को हल करने के बारे में सोचते हैं। वह अपने नायक का न्याय नहीं करता है, लेकिन वह इसे उचित भी नहीं ठहराता है, लेकिन वह एक निश्चित स्थिति - समझ लेता है। यह पता चला है कि रूसी संस्कृति में रूमानियत प्रतिबिंब में बदल गई है। यह यथार्थवाद के संदर्भ में रूमानियत को दर्शाता है।

यह कहा जा सकता है कि पुश्किन और लेर्मोंटोव ने रोमांटिक बनने का प्रबंधन नहीं किया (हालांकि लेर्मोंटोव एक बार रोमांटिक कानूनों का पालन करने में कामयाब रहे - नाटक 'मास्करेड' में)। अपने प्रयोगों से कवियों ने दिखाया कि इंग्लैंड में व्यक्तिवादी की स्थिति फलदायी हो सकती है, लेकिन रूस में नहीं। हालाँकि पुश्किन और लेर्मोंटोव रोमांटिक बनने में विफल रहे, लेकिन उन्होंने यथार्थवाद के विकास का मार्ग प्रशस्त किया। 1825 में, पहला यथार्थवादी काम प्रकाशित हुआ: "बोरिस गोडुनोव", फिर "द कैप्टन की बेटी", "यूजीन वनगिन", "ए हीरो ऑफ आवर टाइम" और कई अन्य।

बी) पेंटिंग

दृश्य कलाओं में, रोमांटिकवाद चित्रकला और ग्राफिक्स में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ, मूर्तिकला और वास्तुकला में कम स्पष्ट रूप से। रूसी रोमांटिक चित्रकार दृश्य कला में रोमांटिकतावाद के प्रमुख प्रतिनिधि थे। अपने कैनवस में उन्होंने स्वतंत्रता, सक्रिय क्रिया के प्रेम की भावना को व्यक्त किया, भावुकता और स्वभाव से मानवतावाद की अभिव्यक्ति की अपील की। रूसी चित्रकारों के रोजमर्रा के कैनवस प्रासंगिकता और मनोविज्ञान, अभूतपूर्व अभिव्यक्ति से प्रतिष्ठित हैं। आध्यात्मिक, उदासीन परिदृश्य फिर से मानव दुनिया में प्रवेश करने के लिए रोमांटिकता का एक ही प्रयास है, यह दिखाने के लिए कि एक व्यक्ति कैसे रहता है और उपलुनार दुनिया में सपने देखता है। रूसी रोमांटिक पेंटिंग विदेशी से अलग थी। यह ऐतिहासिक स्थिति और परंपरा द्वारा निर्धारित किया गया था।

रूसी रोमांटिक पेंटिंग की विशेषताएं:

प्रबोधन की विचारधारा कमजोर हुई लेकिन यूरोप की तरह ध्वस्त नहीं हुई। इसलिए, रूमानियत का उच्चारण नहीं किया गया था।

स्वच्छंदतावाद क्लासिकवाद के समानांतर विकसित हुआ, जो अक्सर इसके साथ जुड़ा हुआ था।

रूस में अकादमिक पेंटिंग अभी तक समाप्त नहीं हुई है।

रूस में स्वच्छंदतावाद एक स्थिर घटना नहीं थी, रोमांटिकतावाद अकादमिकता के लिए तैयार थे। XIX सदी के मध्य तक। रोमांटिक परंपरा लगभग मर चुकी है।

रूमानियत से संबंधित कार्य 1790 के दशक में रूस में पहले से ही दिखाई देने लगे थे (फीओडोसी यानेंको की रचनाएँ "ट्रैवलर्स कॉट इन ए स्टॉर्म" (1796), "सेल्फ-पोर्ट्रेट इन ए हेलमेट" (1792)। उनमें प्रोटोटाइप स्पष्ट है - साल्वेटर रोज़ा, 18वीं और 19वीं सदी के मोड़ पर बहुत लोकप्रिय था। बाद में, इस प्रोटो-रोमांटिक कलाकार का प्रभाव अलेक्जेंडर ओर्लोव्स्की के काम में ध्यान देने योग्य होगा। लुटेरे, कैम्प फायर के दृश्य, लड़ाई उनके पूरे करियर के साथ। अन्य देशों की तरह , रूसी रूमानियत से संबंधित कलाकारों ने चित्र, परिदृश्य और शैली के दृश्यों को पूरी तरह से नए भावनात्मक मूड में पेश किया।

रूस में, रूमानियत ने सबसे पहले खुद को प्रकट करना शुरू किया पोर्ट्रेट पेंटिंग. 19वीं शताब्दी के पहले तीसरे भाग में, अधिकांश भाग के लिए, उसने उच्च श्रेणी के अभिजात वर्ग के साथ संपर्क खो दिया। कवियों, कलाकारों, कला संरक्षकों, सामान्य किसानों की छवि के चित्रों ने एक महत्वपूर्ण स्थान पर कब्जा करना शुरू कर दिया। यह प्रवृत्ति विशेष रूप से O.A के काम में स्पष्ट की गई थी। किप्रेंस्की (1782 - 1836) और वी.ए. ट्रोपिनिन (1776 - 1857)।

वासिली एंड्रीविच ट्रोपिनिन ने अपने चित्र के माध्यम से व्यक्त एक व्यक्ति के जीवंत, आराम से चरित्र चित्रण के लिए प्रयास किया। एक बेटे का पोर्ट्रेट (1818), "ए.एस. पुश्किन का पोर्ट्रेट" (1827), "सेल्फ-पोर्ट्रेट" (1846) मूल के लिए एक चित्र समानता के साथ नहीं, बल्कि किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया में असामान्य रूप से सूक्ष्म पैठ के साथ विस्मित करता है।

एक बेटे का चित्र- आर्सेनिया ट्रोपिनिना मास्टर के काम में सर्वश्रेष्ठ में से एक है। उत्तम, कोमल सुनहरे रंग XVIII सदी की वैलेरी पेंटिंग की याद दिलाते हैं। हालांकि, XVIII सदी के रोमांटिकतावाद में एक विशिष्ट बच्चों के चित्र की तुलना में। यहाँ निष्पक्ष डिजाइन हड़ताली है - यह बच्चा बहुत कम हद तक बना हुआ है। आर्सेनी की टकटकी दर्शक के सामने से गुजरती है, उसने लापरवाही से कपड़े पहने हैं, गेट ऐसा है मानो गलती से खुला हुआ हो। प्रतिनिधित्व की कमी रचना के असाधारण विखंडन में है: सिर कैनवास की लगभग पूरी सतह को भरता है, छवि बहुत कॉलरबोन तक कट जाती है, और इस प्रकार लड़के का चेहरा स्वचालित रूप से दर्शक की ओर बढ़ जाता है।

सृजन का असाधारण रोचक इतिहास "पुश्किन का चित्र"।हमेशा की तरह, पुश्किन के साथ पहले परिचित के लिए, ट्रोपिनिन कुत्ते के खेल के मैदान में सोबोलेव्स्की के घर आया, जहाँ कवि तब रहता था। कलाकार ने उसे अपने कार्यालय में पिल्लों के साथ खिलवाड़ करते हुए पाया। साथ ही, जाहिर है, यह पहली छाप के अनुसार लिखा गया था, जिसे ट्रोपिनिन ने बहुत सराहना की, एक छोटा सा अध्ययन। काफी देर तक वह पीछा करने वालों की नजरों से ओझल रहा। केवल लगभग सौ साल बाद, 1914 तक, इसे पी.एम. द्वारा प्रकाशित किया गया था। शेककोटोव, जिन्होंने लिखा है कि अलेक्जेंडर सर्गेइविच के सभी चित्रों में, वह "सबसे अधिक अपनी विशेषताएं बताते हैं ... कवि की नीली आंखें यहां एक विशेष चमक से भरी हुई हैं, सिर की बारी तेज है, और चेहरे की विशेषताएं अभिव्यंजक और मोबाइल हैं . निस्संदेह, यहां पुष्किन के चेहरे की वास्तविक विशेषताओं पर कब्जा कर लिया गया है, जिसे हम व्यक्तिगत रूप से एक या दूसरे चित्रों में मिलते हैं जो हमारे पास आए हैं। यह अभी भी पहेली बना हुआ है," शेचेकोटोव कहते हैं, "क्यों इस आकर्षक रेखाचित्र को कवि के प्रकाशकों और पारखी लोगों का उचित ध्यान नहीं मिला।" यह छोटे स्केच के गुणों द्वारा समझाया गया है: इसमें न तो रंगों की चमक थी, न ही ब्रशस्ट्रोक की सुंदरता, न ही इसमें उत्कृष्ट रूप से "गोल चक्कर" लिखा गया था। और यहां पुष्किन एक लोकप्रिय "विटिया" नहीं है, "प्रतिभाशाली" नहीं, बल्कि, सबसे ऊपर, एक आदमी। और यह विश्लेषण करने के लिए शायद ही उत्तरदायी है कि इस तरह की महान मानवीय सामग्री मोनोक्रोमैटिक ग्रेश-हरे, जैतून के पैमाने में, जल्दबाजी में क्यों समाहित है, जैसे कि लगभग नॉनडेस्क्रिप्ट-दिखने वाले एट्यूड के ब्रश के यादृच्छिक स्ट्रोक। पुष्किन के पूरे जीवनकाल और उसके बाद के चित्रों को याद करते हुए, यह अध्ययन, मानवता की ताकत के संदर्भ में, सोवियत मूर्तिकार ए मतवेव द्वारा बनाई गई पुष्किन की आकृति के बगल में ही रखा जा सकता है। लेकिन यह वह कार्य नहीं था जो ट्रोपिनिन ने खुद को निर्धारित किया था, यह उस तरह का पुश्किन नहीं था जिसे उसका दोस्त देखना चाहता था, हालाँकि उसने कवि को एक सरल, घरेलू रूप में चित्रित करने का आदेश दिया था।

कलाकार के आकलन में, पुश्किन "ज़ार-कवि" थे। पर वे लोककवि भी थे, अपने भी थे और सबके निकट भी। पोलवॉय ने इसके अंत में लिखा, "मूल के लिए चित्र की समानता हड़ताली है," हालांकि उन्होंने "दृष्टि की फुर्ती" और "चेहरे की जीवंत अभिव्यक्ति" की कमी पर ध्यान दिया, जो हर नए प्रभाव के साथ पुश्किन को बदलता और पुनर्जीवित करता है। .

चित्र में, सब कुछ सबसे छोटे विवरण के लिए सोचा और सत्यापित किया गया है, और साथ ही कुछ भी जानबूझकर नहीं है, कलाकार द्वारा पेश नहीं किया गया है। यहां तक ​​\u200b\u200bकि कवि की उंगलियों को सुशोभित करने वाली अंगूठियां इस हद तक हाइलाइट की जाती हैं कि खुद पुश्किन ने उन्हें जीवन में महत्व दिया। ट्रोपिनिन के सुरम्य रहस्योद्घाटन के बीच, पुश्किन का चित्र अपनी सीमा की ध्वनि के साथ विस्मित करता है।

ट्रोपिनिन के रूमानियत ने स्पष्ट रूप से भावुकतावादी उत्पत्ति व्यक्त की है। यह ट्रोपिनिन था जो शैली के संस्थापक थे, लोगों के एक व्यक्ति के कुछ हद तक आदर्श चित्र ("द लेसमेकर" (1823))। "दोनों पारखी और पारखी नहीं," सविनिन के बारे में लिखते हैं "लेसमेकर" --इस चित्र को देखते हुए प्रशंसा करें, जो वास्तव में चित्रात्मक कला की सभी सुंदरियों को जोड़ता है: ब्रश की सुखदता, सही, सुखद प्रकाश, रंग स्पष्ट, प्राकृतिक, इसके अलावा, यह चित्र सौंदर्य की आत्मा को प्रकट करता है और वह जिज्ञासा की धूर्त नज़र जो वह उस क्षण में प्रवेश करने वाले व्यक्ति पर फेंकती है। उसकी बाहें, कोहनी पर झुकी हुई, उसकी टकटकी से रुक गईं, काम रुक गया, एक मलमल के दुपट्टे से ढँकी कुंवारी छाती से एक आह निकली - और यह सब इतनी सच्चाई और सरलता से दर्शाया गया है कि यह तस्वीर बहुत आसानी से गलत हो सकती है गौरवशाली ड्रीम के सबसे सफल कार्य के लिए। गौण वस्तुएँ, जैसे फीता तकिया और एक तौलिया, महान कला के साथ व्यवस्थित हैं और अंतिम रूप से काम करती हैं ... "

19वीं शताब्दी की शुरुआत में, Tver रूस का एक महत्वपूर्ण सांस्कृतिक केंद्र था। मॉस्को के सभी प्रमुख लोग साहित्यिक संध्याओं के लिए यहां आए हैं। यहां, युवा ऑरेस्ट किप्रेंस्की ने ए.एस. पुश्किन से मुलाकात की, जिसका चित्र बाद में चित्रित किया गया, विश्व चित्र कला का मोती बन गया, और ए.एस. पुश्किन उन्हें कविताएँ समर्पित करेंगे, जहाँ वे उन्हें "हल्के-पंखों वाले फैशन का पसंदीदा" कहेंगे। पुश्किन का पोर्ट्रेटओ। किप्रेंस्की के ब्रश एक काव्य प्रतिभा के जीवित व्यक्तित्व हैं। सिर के दृढ़ मोड़ में, बाहों में छाती पर जोर से पार किया गया, कवि की पूरी उपस्थिति स्वतंत्रता और स्वतंत्रता की भावना को प्रकट करती है। यह उनके बारे में था कि पुष्किन ने कहा: "मैं खुद को दर्पण में देखता हूं, लेकिन यह दर्पण मुझे चापलूसी करता है।" पुश्किन के चित्र पर काम में, ट्रोपिनिन और किप्रेंस्की आखिरी बार मिलते हैं, हालांकि यह बैठक व्यक्तिगत रूप से नहीं होती है, लेकिन कई वर्षों बाद कला के इतिहास में, जहां, एक नियम के रूप में, सबसे महान रूसी कवि के दो चित्र तुलना की जाती है, एक साथ बनाई जाती है, लेकिन अलग-अलग जगहों पर - एक मास्को में। सेंट पीटर्सबर्ग में एक और। अब यह रूसी कला के लिए उनके महत्व में समान रूप से महान स्वामी की बैठक है। हालांकि किप्रेंस्की के प्रशंसकों का दावा है कि कलात्मक लाभ उनके रोमांटिक चित्र के पक्ष में हैं, जहां कवि को अपने स्वयं के विचारों में डूबे हुए प्रस्तुत किया गया है, अकेले म्यूज के साथ, छवि की राष्ट्रीयता और लोकतंत्र निश्चित रूप से ट्रोपिनिन्स्की के पुश्किन की तरफ हैं।

इस प्रकार, दो चित्रों ने दो राजधानियों में केंद्रित रूसी कला के दो क्षेत्रों को प्रतिबिंबित किया। और बाद में आलोचक लिखेंगे कि ट्रोपिनिन मास्को के लिए वही था जो किप्रेंस्की सेंट पीटर्सबर्ग के लिए था।

किप्रेंस्की के चित्रों की एक विशिष्ट विशेषता यह है कि वे मनुष्य के आध्यात्मिक आकर्षण और आंतरिक बड़प्पन को दर्शाते हैं। एक नायक, बहादुर और दृढ़ भावना का चित्र, एक उन्नत रूसी व्यक्ति के स्वतंत्रता-प्रेमी और देशभक्ति के मूड को मूर्त रूप देने वाला था।

सामने "ई. वी. डेविडॉव का चित्र"(1809) एक अधिकारी का चित्र दिखाता है, जिसने सीधे तौर पर एक मजबूत और बहादुर व्यक्तित्व के उस पंथ की अभिव्यक्ति को प्रकट किया, जो उन वर्षों के रूमानियत के लिए बहुत विशिष्ट था। खंडित रूप से दिखाया गया परिदृश्य, जहां प्रकाश की एक किरण अंधेरे से संघर्ष करती है, नायक की आध्यात्मिक चिंताओं पर संकेत देती है, लेकिन उसके चेहरे पर स्वप्निल संवेदनशीलता का प्रतिबिंब है। किप्रेंस्की एक व्यक्ति में "मानव" की तलाश कर रहे थे, और आदर्श ने उनसे मॉडल के चरित्र के व्यक्तिगत लक्षणों को अस्पष्ट नहीं किया।

किप्रेंस्की के चित्र, यदि आप उन्हें अपने मन की आंखों से देखते हैं, तो किसी व्यक्ति की आध्यात्मिक और प्राकृतिक संपदा, उसकी बौद्धिक शक्ति को दर्शाते हैं। हां, उनके पास एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्तित्व का एक आदर्श था, जैसा कि उनके समकालीनों ने कहा था, लेकिन किप्रेंस्की ने इस आदर्श को सचमुच एक कलात्मक छवि पर प्रोजेक्ट करने की कोशिश नहीं की। एक कलात्मक छवि बनाने में, वह प्रकृति से चला गया, जैसे कि यह मापना कि वह इस तरह के आदर्श से कितना दूर या करीब है। वास्तव में, उनके द्वारा दर्शाए गए उनमें से कई आदर्श की पूर्व संध्या पर हैं, इसके प्रति निर्देशित हैं, जबकि रोमांटिक सौंदर्यशास्त्र के विचारों के अनुसार, आदर्श ही शायद ही प्राप्त करने योग्य है, और सभी रोमांटिक कला केवल इसके लिए एक रास्ता है।

अपने नायकों की आत्मा में विरोधाभासों को ध्यान में रखते हुए, उन्हें जीवन के चिंताजनक क्षणों में दिखाते हुए, जब भाग्य बदल जाता है, पुराने विचार टूट जाते हैं, युवा निकल जाते हैं, आदि, किप्रेंस्की अपने मॉडलों के साथ अनुभव कर रहे हैं। इसलिए कलात्मक छवियों की व्याख्या में चित्रकार की विशेष भागीदारी, जो चित्र को एक अंतरंग स्पर्श देती है।

किप्रेंस्की में रचनात्मकता के शुरुआती दौर में आप संशयवाद से संक्रमित चेहरे नहीं देखेंगे, विश्लेषण जो आत्मा को क्षत-विक्षत करता है। यह बाद में आएगा, जब रोमांटिक समय अपनी शरद ऋतु से बचेगा, अन्य मनोदशाओं और भावनाओं को रास्ता देगा, जब एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्तित्व के आदर्श की जीत की उम्मीदें गिर जाएंगी। 1800 के दशक के सभी चित्रों और Tver में किए गए चित्रों में, किप्रेंस्की एक बोल्ड ब्रश दिखाता है, आसानी से और स्वतंत्र रूप से एक रूप का निर्माण करता है। तकनीकों की जटिलता, आकृति की प्रकृति काम से काम में बदल गई।

उल्लेखनीय है कि उनके वीरों के चेहरों पर आपको वीरता का स्फूर्ति नहीं दिखाई देगी, इसके विपरीत अधिकांश चेहरे उदास हैं, चिंतन में लिप्त हैं। ऐसा लगता है कि ये लोग रूस के भाग्य के बारे में चिंतित हैं, वे वर्तमान से अधिक भविष्य के बारे में सोचते हैं। पत्नियों का प्रतिनिधित्व करने वाली महिला छवियों में, महत्वपूर्ण घटनाओं में प्रतिभागियों की बहनें, किप्रेंस्की ने भी जानबूझकर वीरता के लिए प्रयास नहीं किया। सहजता, स्वाभाविकता की भावना प्रबल होती है। एक ही समय में, सभी चित्रों में आत्मा का इतना सच्चा बड़प्पन है। महिलाओं की छवियां उनकी विनम्र गरिमा, प्रकृति की अखंडता से आकर्षित होती हैं; पुरुषों के चेहरों में एक जिज्ञासु विचार, तपस्या के लिए तत्परता का अनुमान लगाया जा सकता है। ये छवियां डीसमब्रिस्टों के परिपक्व नैतिक और सौंदर्यवादी विचारों के साथ मेल खाती हैं। उनके विचारों और आकांक्षाओं को तब कई लोगों द्वारा साझा किया गया था (1816-1821 की अवधि में कुछ सामाजिक और राजनीतिक कार्यक्रमों के साथ गुप्त समाजों का निर्माण), कलाकार उनके बारे में जानते थे, और इसलिए हम कह सकते हैं कि घटनाओं में प्रतिभागियों के उनके चित्र 1812-1814, किसानों की छवियां, एक ही वर्ष में बनाई गईं - एक प्रकार का कलात्मक जो कि डिसमब्रिस्म की उभरती अवधारणाओं के समानांतर है।

रोमांटिक आदर्श की उज्ज्वल मुहर चिह्नित है "वीए ज़ुकोवस्की का चित्र"(1816)। एस.एस. उवरोव द्वारा कमीशन किए गए एक चित्र का निर्माण करने वाले कलाकार ने अपने समकालीनों को न केवल कवि की छवि दिखाने का फैसला किया, जो साहित्यिक हलकों में अच्छी तरह से जाना जाता था, बल्कि रोमांटिक कवि के व्यक्तित्व की एक निश्चित समझ प्रदर्शित करने के लिए भी। हमारे सामने एक प्रकार का कवि है जिसने रूसी रूमानियत की दार्शनिक और स्वप्निल प्रवृत्ति को व्यक्त किया। किप्रेंस्की ने ज़ुकोवस्की को रचनात्मक प्रेरणा के क्षण में पेश किया। हवा ने कवि के बालों को उधेड़ दिया है, पेड़ रात में अपनी शाखाओं को परेशान कर रहे हैं, प्राचीन इमारतों के खंडहर मुश्किल से दिखाई दे रहे हैं। रोमांटिक गाथागीतों के निर्माता को इस तरह दिखना चाहिए। गहरे रंग रहस्यमय वातावरण को बढ़ाते हैं। उवरोव की सलाह पर, किप्रेंस्की चित्र के अलग-अलग टुकड़ों को चित्रित नहीं करता है, ताकि "अत्यधिक पूर्णता" आत्मा, स्वभाव और भावुकता को बुझा न सके।

Tver में Kiprensky द्वारा कई चित्र चित्रित किए गए थे। इसके अलावा, जब उन्होंने Tver के एक ज़मींदार इवान पेट्रोविच वुल्फ को चित्रित किया, तो उन्होंने अपने सामने खड़ी लड़की, उनकी पोती, भविष्य की अन्ना पेत्रोव्ना केर्न को देखा, जिनके लिए सबसे मनोरम गीतात्मक कार्यों में से एक समर्पित था - ए.एस. कविता "मुझे अद्भुत पल याद है ... कवियों, कलाकारों, संगीतकारों के ऐसे संघ कला - रूमानियत में एक नई प्रवृत्ति की अभिव्यक्ति बन गए।

किप्रेंस्की द्वारा "यंग गार्डनर" (1817), ब्रायलोव द्वारा "इतालवी नून" (1827), वेनेत्सियानोव द्वारा "रिपर्स" या "रीपर" (1820) एक ही टाइपोलॉजिकल श्रृंखला के काम हैं। वे प्रकृति पर केंद्रित हैं और स्पष्ट रूप से उपयोग करके लिखे गए थे यह। हालाँकि, प्रत्येक कलाकार का कार्य - सरल प्रकृति की सौंदर्य पूर्णता को मूर्त रूप देना - छवि-रूपक बनाने के लिए दिखावे, कपड़े, स्थितियों के एक निश्चित आदर्शीकरण का नेतृत्व किया। जीवन, प्रकृति का अवलोकन करते हुए, कलाकार ने इस पर पुनर्विचार किया , दृश्यमान काव्यात्मकता। प्राचीन और पुनर्जागरण के स्वामी के अनुभव के साथ प्रकृति और कल्पना के इस गुणात्मक रूप से नए संयोजन में, कला के लिए ज्ञात छवियों को जन्म नहीं दे रहा है, और 19 वीं शताब्दी के पहले छमाही में रोमांटिकतावाद की विशेषताओं में से एक है। आमतौर पर वेनेत्सियानोव और ब्रायलोव द्वारा इन कार्यों की विशेषता रूपक प्रकृति, रोमांटिक की सबसे महत्वपूर्ण विशेषताओं में से एक थी जब रूसी कलाकार अभी भी पश्चिमी यूरोपीय रोमांटिक चित्र से खराब परिचित थे। "एक पिता का चित्र (ए. के. श्वाल्बे)"(1804) कला के ऑरेस्ट किप्रेंस्की और विशेष रूप से चित्र शैली द्वारा लिखा गया था।

रूसी रूमानियत की सबसे महत्वपूर्ण उपलब्धियाँ चित्र शैली में काम करती हैं। स्वच्छंदतावाद के सबसे चमकीले और बेहतरीन उदाहरण शुरुआती दौर के हैं। इटली की अपनी यात्रा से बहुत पहले, 1816 में, किप्रेंस्की, आंतरिक रूप से एक रोमांटिक अवतार के लिए तैयार थे, उन्होंने पुराने आकाओं के चित्रों को नई आँखों से देखा। गहरे रंग, प्रकाश से उभरे हुए चित्र, ज्वलंत रंग, तीव्र नाटकीयता का उन पर गहरा प्रभाव पड़ा। "पोर्ट्रेट ऑफ़ ए फादर" निस्संदेह रेम्ब्रांट की छाप के तहत बनाया गया है। लेकिन रूसी कलाकार ने महान डचमैन से केवल बाहरी तकनीकें लीं। "पोर्ट्रेट ऑफ़ ए फादर" एक बिल्कुल स्वतंत्र कार्य है, जिसकी अपनी आंतरिक ऊर्जा और कलात्मक अभिव्यक्ति की शक्ति है। लैंडस्केप पोर्ट्रेट्स की एक विशिष्ट विशेषता उनके प्रदर्शन की जीवंतता है। यहां कोई चित्रमयता नहीं है - उसने जो कुछ कागज पर देखा, उसका तात्कालिक हस्तांतरण ग्राफिक अभिव्यक्ति की एक अनूठी ताजगी पैदा करता है। इसलिए, रेखाचित्रों में दर्शाए गए लोग हमें करीब और समझने योग्य लगते हैं।

विदेशियों ने किप्रेंस्की को रूसी वैन डाइक कहा, उनके चित्र दुनिया भर के कई संग्रहालयों में हैं। लेविट्स्की और बोरोविकोवस्की के काम के उत्तराधिकारी, एल। इवानोव और के। ब्रायलोव के पूर्ववर्ती, किप्रेंस्की ने अपने काम से रूसी कला विद्यालय को यूरोपीय ख्याति दिलाई। अलेक्जेंडर इवानोव के शब्दों में, "वह यूरोप में रूसी नाम लाने वाले पहले व्यक्ति थे ..."।

एक व्यक्ति के व्यक्तित्व में बढ़ी हुई रुचि, रूमानियत की विशेषता, 19 वीं शताब्दी के पहले भाग में चित्र शैली के फूलने को पूर्व निर्धारित करती है, जहाँ स्व-चित्र प्रमुख विशेषता बन गई। एक नियम के रूप में, स्व-चित्र का निर्माण एक यादृच्छिक प्रकरण नहीं था। कलाकारों ने बार-बार खुद को लिखा और चित्रित किया, और ये काम एक प्रकार की डायरी बन गए, जो मन की विभिन्न अवस्थाओं और जीवन के चरणों को दर्शाते थे, और साथ ही वे समकालीनों को संबोधित एक घोषणापत्र थे। आत्म चित्रएक कस्टम शैली नहीं थी, कलाकार ने खुद के लिए लिखा था, और यहाँ, जैसा पहले कभी नहीं था, वह आत्म-अभिव्यक्ति में स्वतंत्र हो गया। 18 वीं शताब्दी में, रूसी कलाकारों ने शायद ही कभी मूल छवियों को चित्रित किया, केवल रोमांटिकतावाद, व्यक्ति की अपनी पंथ के साथ, असाधारण, ने इस शैली के उदय में योगदान दिया। स्व-चित्र प्रकारों की विविधता कलाकारों की खुद की एक समृद्ध और बहुमुखी व्यक्तित्व के रूप में धारणा को दर्शाती है। वे या तो निर्माता की सामान्य और प्राकृतिक भूमिका में दिखाई देते हैं ("ए। जी। वर्नेक, 1810 के द्वारा वेलवेट बेरेट में सेल्फ-पोर्ट्रेट"), फिर वे अतीत में डूब जाते हैं, जैसे कि खुद पर कोशिश कर रहे हों ("हेलमेट में सेल्फ-पोर्ट्रेट") और कवच" F. I. यानेंको द्वारा, 1792), या, सबसे अधिक बार, किसी भी पेशेवर विशेषताओं के बिना प्रकट होता है, प्रत्येक व्यक्ति के महत्व और आत्म-मूल्य पर जोर देते हुए, मुक्त और दुनिया के लिए खुला, तलाश करना और इधर-उधर भागना, उदाहरण के लिए, F. A. ब्रूनी और ओ.ए. ओर्लोव्स्की 1810 के सेल्फ़-पोर्ट्रेट्स में। संवाद और खुलेपन के लिए तत्परता, 1810-1820 के कार्यों के आलंकारिक समाधान की विशेषता, धीरे-धीरे थकान और निराशा, विसर्जन, स्वयं में वापसी (एम। आई। टेरेबनेव द्वारा "सेल्फ-पोर्ट्रेट") द्वारा प्रतिस्थापित की जाती है। यह प्रवृत्ति समग्र रूप से चित्र शैली के विकास में परिलक्षित हुई।

किप्रेंस्की के स्व-चित्र दिखाई दिए, जो जीवन के महत्वपूर्ण क्षणों में ध्यान देने योग्य है, उन्होंने मानसिक शक्ति के उत्थान या पतन की गवाही दी। कलाकार ने अपनी कला के माध्यम से खुद को देखा। हालाँकि, उन्होंने अधिकांश चित्रकारों की तरह दर्पण का उपयोग नहीं किया; उन्होंने मुख्य रूप से अपने विचार के अनुसार खुद को चित्रित किया, वह अपनी भावना व्यक्त करना चाहते थे, लेकिन अपनी उपस्थिति नहीं।

"कान के पीछे ब्रश के साथ स्व-चित्र"छवि के बाहरी महिमामंडन, इसकी शास्त्रीय आदर्शता और आदर्श निर्माण में एक इनकार, और एक स्पष्ट रूप से प्रदर्शनकारी पर बनाया गया है। चेहरे की विशेषताओं को सामान्य रूप से लगभग रेखांकित किया गया है। साइड लाइट चेहरे पर पड़ती है, केवल साइड फीचर्स को हाइलाइट करती है। प्रकाश के अलग-अलग प्रतिबिंब कलाकार की आकृति पर गिरते हैं, चित्र की पृष्ठभूमि का प्रतिनिधित्व करने वाले बमुश्किल दिखाई देने वाले चिलमन पर बुझ जाते हैं। यहाँ सब कुछ जीवन, भावनाओं, मनोदशाओं की अभिव्यक्ति के अधीन है। यह स्व-चित्रण की कला के माध्यम से रोमांटिक कला पर एक नज़र है। रचनात्मकता के रहस्यों में कलाकार की भागीदारी रहस्यमय रोमांटिक "19 वीं शताब्दी के सफुमाटो" में व्यक्त की गई है। एक अजीबोगरीब हरा-भरा स्वर कलात्मक दुनिया का एक विशेष वातावरण बनाता है, जिसके केंद्र में स्वयं कलाकार होता है।

लगभग एक साथ इस स्व-चित्र के साथ, और लिखा गया “गुलाबी रुमाल में सेल्फ़-पोर्ट्रेट”, जहां एक और छवि सन्निहित है। चित्रकार के पेशे के प्रत्यक्ष संकेत के बिना। एक युवा व्यक्ति की छवि को फिर से बनाया गया है, स्वाभाविक रूप से, स्वतंत्र रूप से सहज महसूस कर रहा है। कैनवास की सचित्र सतह बारीकी से निर्मित है। कलाकार का ब्रश आत्मविश्वास से पेंट करता है। बड़े और छोटे स्ट्रोक छोड़ना। रंग शानदार रूप से विकसित है, रंग उज्ज्वल नहीं हैं, वे सामंजस्यपूर्ण रूप से एक दूसरे के साथ गठबंधन करते हैं, प्रकाश शांत है: अनावश्यक अभिव्यक्ति और विरूपण के बिना, प्रकाश धीरे-धीरे युवक के चेहरे पर डाला जाता है, उसकी विशेषताओं को रेखांकित करता है।

एक अन्य उत्कृष्ट चित्रकार वेनेत्सियानोव थे। 1811 में, उन्होंने अकादमी से शिक्षाविद की उपाधि प्राप्त की, जिसे "सेल्फ-पोर्ट्रेट" और "कला अकादमी के तीन विद्यार्थियों के साथ के.आई. गोलोवचेवस्की के चित्र" के लिए नियुक्त किया गया। यह असाधारण कार्य हैं।

वेनेत्सियानोव ने खुद को एक सच्ची महारत घोषित कर दी "आत्म चित्र" 1811. यह उस समय खुद को चित्रित करने वाले अन्य कलाकारों की तुलना में अलग तरह से लिखा गया था - ए। उन सभी के लिए एक रोमांटिक प्रभामंडल में खुद की कल्पना करना आम बात थी, उनके आत्म-चित्र पर्यावरण के संबंध में एक प्रकार का काव्यात्मक टकराव थे। विशेष रूप से कल्पित पोशाक की असाधारणता में कलात्मक प्रकृति की विशिष्टता मुद्रा, इशारों में प्रकट हुई थी। वेनेत्सियानोव के "सेल्फ-पोर्ट्रेट" में, शोधकर्ताओं ने ध्यान दिया, सबसे पहले, एक व्यस्त व्यक्ति की सख्त और तीव्र अभिव्यक्ति ... सही दक्षता, जो उस दिखावटी "कलात्मक लापरवाही" से अलग है, जो कि गाउन या चुलबुलेपन से संकेत मिलता है अन्य कलाकारों की टोपी बदली। वेनित्सियानोव खुद को गंभीरता से देखता है। उनके लिए कला एक प्रेरित आवेग नहीं है, बल्कि सबसे बढ़कर एक ऐसा मामला है जिसके लिए एकाग्रता और ध्यान देने की आवश्यकता है। आकार में छोटा, ऑलिव टोन के अपने रंग में लगभग मोनोक्रोम, बेहद सटीक लिखा गया, यह एक ही समय में सरल और जटिल है। पेंटिंग के बाहरी हिस्से से आकर्षित हुए बिना, वह अपनी टकटकी लगाकर रुक जाता है। चश्मे के पतले सोने के फ्रेम के आदर्श रूप से पतले रिम्स छिपते नहीं हैं, बल्कि आंखों की तेज तीक्ष्णता पर जोर देते हैं, प्रकृति पर इतना ध्यान केंद्रित नहीं करते (कलाकार ने खुद को पैलेट और हाथों में ब्रश के साथ चित्रित किया), लेकिन में उनके अपने विचारों की गहराई। एक बड़ा चौड़ा माथा, चेहरे का दाहिना भाग, सीधी रोशनी से रोशन होता है, और एक सफेद शर्ट-सामने एक हल्का त्रिकोण बनता है, जो सबसे पहले दर्शक की आंख को आकर्षित करता है, जो अगले ही पल दाएं की गति का अनुसरण करता है। हाथ एक पतला ब्रश पकड़े हुए, पैलेट के नीचे स्लाइड करता है। बालों की लहराती किस्में, चमकदार फ्रेम, कॉलर पर एक ढीली टाई गोल, कंधे की एक नरम रेखा और अंत में, पैलेट का एक विस्तृत अर्धवृत्त चिकनी, बहने वाली रेखाओं की एक चलती प्रणाली बनाता है, जिसके अंदर तीन मुख्य बिंदु होते हैं : विद्यार्थियों की छोटी चकाचौंध, और शर्ट-फ्रंट का तेज सिरा, पैलेट और ब्रश के साथ लगभग बंद। चित्र की रचना के निर्माण में इस तरह की लगभग गणितीय गणना छवि को एक आंशिक आंतरिक रचना देती है और यह मानने का कारण देती है कि लेखक के पास एक विश्लेषणात्मक दिमाग है, जो वैज्ञानिक सोच के लिए प्रवण है। "सेल्फ-पोर्ट्रेट" में किसी भी रूमानियत का कोई निशान नहीं है, जो तब खुद कलाकारों के चित्रण में अक्सर होता था। यह एक कलाकार-शोधकर्ता, एक कलाकार-विचारक और एक मेहनती व्यक्ति का आत्म-चित्र है।

अन्य काम - गोलोवचेवस्की का चित्र- एक प्रकार की कथानक रचना के रूप में कल्पना की गई: पुराने निरीक्षक के व्यक्ति में अकादमी के स्वामी की पुरानी पीढ़ी बढ़ती प्रतिभाओं को निर्देश देती है: चित्रकार (चित्र के एक फ़ोल्डर के साथ। वास्तुकार और मूर्तिकार। लेकिन वेनेत्सियानोव ने नहीं किया। इस तस्वीर में किसी भी कृत्रिमता या शिक्षावाद की छाया की भी अनुमति दें: अच्छे बूढ़े आदमी गोलोवचेवस्की ने एक किताब में पढ़े गए कुछ पृष्ठ किशोरों के लिए अनुकूल व्याख्या की। अभिव्यक्ति की ईमानदारी को चित्र की सुरम्य संरचना में समर्थन मिलता है: इसका वशीभूत, सूक्ष्म और खूबसूरती से सामंजस्य रंगीन स्वर शांति और गंभीरता की छाप पैदा करते हैं। चेहरों को खूबसूरती से चित्रित किया गया है, आंतरिक महत्व से भरा है। चित्र रूसी चित्रांकन चित्रकला की सर्वोच्च उपलब्धियों में से एक था।

और 1800 के दशक के ओरलोव्स्की के काम में, चित्र के रूप में ज्यादातर चित्र दिखाई देते हैं। 1809 तक, इस तरह के एक भावनात्मक रूप से समृद्ध चित्र पत्र "आत्म चित्र". सांगुइन और चारकोल (चॉक हाइलाइटिंग के साथ) के रसदार मुक्त स्ट्रोक के साथ निष्पादित, ओर्लोव्स्की का "सेल्फ-पोर्ट्रेट" अपनी कलात्मक अखंडता, छवि की विशेषता और प्रदर्शन की कलात्मकता के साथ आकर्षित करता है। साथ ही, यह ओर्लोव्स्की की कला के कुछ विशिष्ट पहलुओं को देखने की अनुमति देता है। "सेल्फ-पोर्ट्रेट" ऑर्लोव्स्की, निश्चित रूप से, उन वर्षों के कलाकार की विशिष्ट उपस्थिति को सटीक रूप से पुन: पेश करने का लक्ष्य नहीं रखता है। हमसे पहले - कई मायनों में जानबूझकर। एक "कलाकार" की अतिरंजित उपस्थिति, अपने स्वयं के "मैं" का विरोध आसपास की वास्तविकता के लिए करती है, वह अपनी उपस्थिति के "शालीनता" के बारे में चिंतित नहीं है: कंघी और ब्रश उसके रसीले बालों को नहीं छूते हैं, उसके कंधे पर किनारे हैं खुले कॉलर वाली होम शर्ट के ठीक ऊपर एक चेकर्ड रेनकोट। स्थानांतरित भौहों के नीचे से "उदास" नज़र के साथ सिर का एक तेज मोड़, चित्र का एक करीबी कट, जिसमें चेहरे को क्लोज-अप, प्रकाश के विरोधाभासों को चित्रित किया गया है - यह सब विरोध के मुख्य प्रभाव को प्राप्त करने के उद्देश्य से है चित्रित व्यक्ति पर्यावरण के लिए (और इस प्रकार दर्शक के लिए)।

वैयक्तिकता पर जोर देने का मार्ग - उस समय की कला में सबसे प्रगतिशील विशेषताओं में से एक - चित्र का मुख्य वैचारिक और भावनात्मक स्वर बनाता है, लेकिन एक अजीब पहलू में प्रकट होता है जो उस काल की रूसी कला में लगभग कभी नहीं पाया जाता है। व्यक्तित्व की पुष्टि उसकी आंतरिक दुनिया की समृद्धि को प्रकट करने से नहीं, बल्कि उसके आसपास की हर चीज को खारिज करने के अधिक बाहरी तरीके से होती है। एक ही समय में छवि, निश्चित रूप से, सीमित दिखती है।

इस तरह के समाधान उस समय की रूसी चित्र कला में खोजना मुश्किल है, जहां पहले से ही 18 वीं शताब्दी के मध्य में नागरिक और मानवतावादी उद्देश्यों ने जोर से आवाज उठाई और व्यक्ति के व्यक्तित्व ने कभी भी पर्यावरण के साथ मजबूत संबंध नहीं तोड़ा। एक बेहतर, लोकतांत्रिक सामाजिक व्यवस्था का सपना देखते हुए, उस युग के रूस के सर्वश्रेष्ठ लोग किसी भी तरह से वास्तविकता से अलग नहीं थे, उन्होंने सचेत रूप से "व्यक्तिगत स्वतंत्रता" के व्यक्तिवादी पंथ को खारिज कर दिया, जो पश्चिमी यूरोप की धरती पर पनपा था, बुर्जुआ क्रांति से ढीला था . यह रूसी चित्र कला में वास्तविक कारकों के प्रतिबिंब के रूप में स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ था। किसी को केवल ओर्लोव्स्की के "सेल्फ-पोर्ट्रेट" की तुलना एक साथ करनी है "आत्म चित्र"किप्रेंस्की (उदाहरण के लिए, 1809), ताकि दो चित्रकारों के बीच गंभीर आंतरिक अंतर तुरंत आंख को पकड़ ले।

किप्रेंस्की एक व्यक्ति के व्यक्तित्व को "वीरता" भी देते हैं, लेकिन वह इसके वास्तविक आंतरिक मूल्यों को दर्शाता है। कलाकार के व्यक्ति में, दर्शक एक मजबूत दिमाग, चरित्र, नैतिक शुद्धता की विशेषताओं को अलग करता है।

किप्रेंस्की की पूरी उपस्थिति अद्भुत बड़प्पन और मानवता से आच्छादित है। वह अपने आस-पास की दुनिया में "अच्छे" और "बुरे" के बीच अंतर करने में सक्षम है और दूसरे को अस्वीकार करता है, प्यार करता है और पहले की सराहना करता है, प्यार करता है और समान विचारधारा वाले लोगों की सराहना करता है। साथ ही, निस्संदेह, हमारे सामने एक मजबूत व्यक्तित्व है, जो अपने व्यक्तिगत गुणों के मूल्य की चेतना पर गर्व करता है। चित्र छवि की ठीक यही अवधारणा किप्रेंस्की द्वारा डी। डेविडॉव के प्रसिद्ध वीर चित्र को रेखांकित करती है।

ऑर्लोव्स्की, किप्रेंस्की की तुलना में, साथ ही उस समय के कुछ अन्य रूसी चित्रकारों के साथ, अधिक सीमित, अधिक सीधे और बाहरी रूप से "मजबूत व्यक्तित्व" की छवि को हल करता है, जबकि स्पष्ट रूप से बुर्जुआ फ्रांस की कला पर ध्यान केंद्रित करता है। जब आप उनके "सेल्फ-पोर्ट्रेट" को देखते हैं, तो ए। ग्रो, गेरिकॉल्ट के चित्र अनजाने में दिमाग में आ जाते हैं। 1810 का ओरलोव्स्की का प्रोफाइल "सेल्फ-पोर्ट्रेट", व्यक्तिवादी "आंतरिक शक्ति" के अपने पंथ के साथ, हालांकि, पहले से ही 1809 के "सेल्फ-पोर्ट्रेट" के तेज "स्केच" रूप से रहित है या "ड्यूपोर्ट का पोर्ट्रेट"।उत्तरार्द्ध में, ऑर्लोव्स्की, जैसे सेल्फ-पोर्ट्रेट में, सिर और कंधों के तेज, लगभग क्रॉस-क्रॉस आंदोलन के साथ एक शानदार, "वीर" मुद्रा का उपयोग करता है। वह डुपोर्ट के चेहरे की अनियमित संरचना, उसके बिखरे हुए बालों पर जोर देता है, जिसका उद्देश्य एक ऐसी चित्र छवि बनाना है जो अपने अद्वितीय, यादृच्छिक चरित्र में आत्मनिर्भर हो।

"परिदृश्य एक चित्र होना चाहिए," केएन बत्युशकोव ने लिखा। शैली की ओर रुख करने वाले अधिकांश कलाकार अपने काम में इस सेटिंग का पालन करते हैं। परिदृश्य।शानदार परिदृश्य की ओर आकर्षित होने वाले स्पष्ट अपवादों में ए.ओ. ओर्लोव्स्की ("सी व्यू", 1809); ए जी वर्नेक ("रोम के वातावरण में देखें", 1809); पी.वी. बेसिन ("द स्काई एट सनसेट इन द आउटस्कर्ट्स ऑफ रोम", "इवनिंग लैंडस्केप", दोनों - 1820)। विशिष्ट प्रकारों का निर्माण करते हुए, उन्होंने संवेदना, भावनात्मक समृद्धि की तात्कालिकता को बनाए रखा, रचना तकनीकों के साथ स्मारकीय ध्वनि प्राप्त की।

यंग ओर्लोव्स्की ने प्रकृति में केवल टाइटैनिक ताकतों को देखा, जो मनुष्य की इच्छा के अधीन नहीं है, जो तबाही, आपदा पैदा करने में सक्षम है। एक उग्र समुद्री तत्व के साथ एक आदमी का संघर्ष उसके "विद्रोही" रोमांटिक काल के कलाकार के पसंदीदा विषयों में से एक है। यह 1809-1810 के उनके चित्र, जल रंग और तैल चित्रों की सामग्री बन गया। चित्र में दुखद दृश्य दिखाया गया है "जहाज़ की तबाही"(1809(?)) उग्र लहरों के बीच जमीन पर गिरे पिच के अंधेरे में, डूबते हुए मछुआरे तटीय चट्टानों पर चढ़ जाते हैं, जिस पर उनका जहाज दुर्घटनाग्रस्त हो गया था। गहरे लाल रंग में रंगा हुआ रंग चिंता की भावना को बढ़ाता है। भयानक शक्तिशाली लहरों के छापे हैं, एक तूफान का पूर्वाभास, और एक अन्य चित्र में - "समुद्री रास्ते से"(1809)। यह तूफानी आकाश में भी एक बड़ी भावनात्मक भूमिका निभाता है, जो अधिकांश रचनाओं पर कब्जा कर लेता है। यद्यपि ओर्लोव्स्की ने हवाई परिप्रेक्ष्य की कला में महारत हासिल नहीं की, लेकिन योजनाओं के क्रमिक संक्रमणों को यहाँ अधिक सामंजस्यपूर्ण और कोमलता से हल किया गया है। रंग हल्का हो गया है। खूबसूरती से लाल-भूरे रंग की पृष्ठभूमि पर खेलते हैं, मछुआरों के कपड़ों के लाल धब्बे। जल रंग में बेचैन और चिंतित समुद्री तत्व "सेलबोट"(सी.1812)। और तब भी जब हवा पाल को हिलाती नहीं है और पानी की सतह को नहीं हिलाती है, जैसा कि पानी के रंग में होता है "जहाजों के साथ सीस्केप"(सी। 1810), दर्शक इस पूर्वाभास को नहीं छोड़ते हैं कि एक तूफान शांति का पालन करेगा।

भावनाओं के सभी नाटक और भावनाओं के साथ, ओरलोव्स्की के समुद्री दृश्य वायुमंडलीय घटनाओं की उनकी टिप्पणियों का इतना अधिक फल नहीं हैं, लेकिन कला के क्लासिक्स की प्रत्यक्ष नकल का परिणाम है। विशेष रूप से, जे वर्नेट।

एस एफ शेड्रिन के परिदृश्य में एक अलग चरित्र था। वे मनुष्य और प्रकृति के सह-अस्तित्व के सामंजस्य से भरे हुए हैं ("समुंदर के किनारे की छत। सोरेंटो के पास कैप्पुकिनी", 1827)। नेपल्स और उनके ब्रश के वातावरण के कई दृश्यों ने असाधारण सफलता और लोकप्रियता का आनंद लिया।

रूसी चित्रकला में सेंट पीटर्सबर्ग की रोमांटिक छवि का निर्माण एमएन वोरोब्योव के काम से जुड़ा हुआ है। उनके कैनवस पर, शहर रहस्यमय सेंट पीटर्सबर्ग कोहरे, सफेद रातों की एक नरम धुंध और समुद्र की नमी से संतृप्त वातावरण में डूबा हुआ दिखाई दिया, जहां इमारतों की आकृति मिट जाती है, और चांदनी संस्कार को पूरा करती है। वही गेय शुरुआत उनके द्वारा किए गए सेंट पीटर्सबर्ग के दूतों ("सेंट पीटर्सबर्ग के बाहरी इलाके में सूर्यास्त", 1832) के विचारों को अलग करती है। लेकिन उत्तरी राजधानी को भी कलाकारों ने प्राकृतिक तत्वों के टकराव और संघर्ष के क्षेत्र के रूप में एक अलग, नाटकीय तरीके से देखा (वी. ई. राव, थंडरस्टॉर्म के दौरान अलेक्जेंडर कॉलम, 1834)।

I. K. Aivazovsky के शानदार चित्रों ने स्पष्ट रूप से संघर्ष और प्राकृतिक शक्तियों की शक्ति, मानव आत्मा की सहनशक्ति और अंत तक लड़ने की क्षमता के साथ नशे के रोमांटिक आदर्शों को मूर्त रूप दिया। फिर भी, मास्टर की विरासत में एक बड़े स्थान पर रात के समुद्र के नज़ारों का कब्जा है, जो उन विशिष्ट स्थानों को समर्पित है जहाँ तूफान रात के जादू को रास्ता देता है, एक ऐसा समय, जो रोमांटिक लोगों के विचारों के अनुसार, एक रहस्यमय आंतरिक जीवन से भरा होता है, और जहां कलाकार की सचित्र खोज को असाधारण प्रकाश प्रभाव निकालने की दिशा में निर्देशित किया जाता है ("चांदनी रात में ओडेसा का दृश्य", "चांदनी में कॉन्स्टेंटिनोपल का दृश्य", दोनों - 1846)।

रोमांटिक कला का एक पसंदीदा विषय, प्राकृतिक तत्वों और आश्चर्य से लिया गया आदमी, का विषय 1800-1850 के कलाकारों द्वारा अलग-अलग व्याख्या किया गया था। रचनाएँ वास्तविक घटनाओं पर आधारित थीं, लेकिन छवियों का अर्थ उनके वस्तुनिष्ठ रीटेलिंग में नहीं है। एक विशिष्ट उदाहरण प्योत्र बेसिन की पेंटिंग है "रोका दी पापा में रोम के पास भूकंप"(1830)। यह किसी विशिष्ट घटना के वर्णन के लिए इतना समर्पित नहीं है जितना कि तत्वों के प्रकट होने का सामना करने वाले व्यक्ति के भय और आतंक के चित्रण के लिए।

इस युग की रूसी चित्रकला के प्रकाशक केपी ब्रायलोव (1799-1852) और ए.ए. इवानोव (1806 - 1858)। रूसी चित्रकार और ड्राफ्ट्समैन के.पी. ब्रायलोव, जबकि अभी भी कला अकादमी के एक छात्र ने ड्राइंग के अतुलनीय कौशल में महारत हासिल की। ब्रायलोव के काम को आमतौर पर "द लास्ट डे ऑफ पोम्पेई" से पहले और बाद में विभाजित किया जाता है। पहले क्या बनाया गया था ....?!

"इटालियन मॉर्निंग" (1823), "एर्मिलिया विद द शेफर्ड्स" (1824) टॉर्काटो टैसो की कविता "द लिबरेशन ऑफ जेरूसलम", "इटालियन नून" ("इटालियन वुमन हार्वेस्टिंग ग्रेप्स", 1827), "हॉर्सवुमन" पर आधारित है। 1830), "बतशेबा" (1832) - ये सभी पेंटिंग जीवन के उज्ज्वल, निर्विवाद आनंद से सुसज्जित हैं। इस तरह की रचनाएँ पुश्किन, बत्युशकोव, व्याज़मेस्की, डेलविग की शुरुआती महाकाव्य कविताओं के अनुरूप थीं। पुराने तरीके, महान स्वामी की नकल पर आधारित, ब्रायुल्लोव को संतुष्ट नहीं करते थे, और उन्होंने खुली हवा में "इतालवी सुबह", "इतालवी दोपहर", "बतशेबा" लिखा।

चित्र पर काम करते समय, ब्रायुल्लोव ने जीवन से केवल सिर को चित्रित किया। बाकी सब कुछ अक्सर उसकी कल्पना से तय होता था। ऐसे मुक्त रचनात्मक कामचलाऊ व्यवस्था का फल है "राइडर"।चित्र में मुख्य बात सूजे हुए नथुने और चमकती आँखों के साथ एक गर्म, उड़ते हुए जानवर के विपरीत है और एक सुंदर घुड़सवार घोड़े की उन्मादी ऊर्जा को शांत करता है (जानवरों को बांधना शास्त्रीय मूर्तिकारों का पसंदीदा विषय है, ब्रायलोव ने इसे पेंटिंग में हल किया) .

में "बतशेबा"कलाकार खुली हवा में एक नग्न शरीर दिखाने और निष्पक्ष त्वचा पर प्रकाश और सजगता के खेल को व्यक्त करने के बहाने के रूप में बाइबिल की कहानी का उपयोग करता है। "बतशेबा" में उन्होंने एक युवा महिला की छवि बनाई, जो आनंद और खुशी से भरी थी। नग्न शरीर जैतून के साग, चेरी के कपड़े, एक पारदर्शी जलाशय से घिरा हुआ है। बथशेबा की सेवा करने वाली अरब महिला के सफेद कपड़े और चॉकलेट रंग के साथ शरीर के नरम लोचदार रूपों को खूबसूरती से जोड़ा जाता है। पिंडों, तालाब और वस्त्रों की बहती हुई रेखाएँ चित्र की रचना को एक सहज लय देती हैं।

पेंटिंग में पेंटिंग एक नया शब्द बन गया है "पोम्पेई का आखिरी दिन"(1827-1833)। उसने अपने जीवनकाल में कलाकार का नाम अमर और बहुत प्रसिद्ध कर दिया।

इसका कथानक, जाहिरा तौर पर, उनके भाई अलेक्जेंडर के प्रभाव में चुना गया था, जिन्होंने पोम्पियन खंडहरों का गहन अध्ययन किया था। लेकिन चित्र लिखने के कारण गहरे हैं। गोगोल ने इस पर ध्यान दिया, और हर्ज़ेन ने सीधे तौर पर कहा कि द लास्ट डे ऑफ़ पोम्पेई में उन्हें अपना स्थान मिला, शायद, कलाकार के विचारों और भावनाओं का एक अचेतन प्रतिबिंब, जो रूस में डिसमब्रिस्ट विद्रोह की हार के कारण हुआ। बिना किसी कारण के, मरने वाले पोम्पेई में उग्र तत्वों के पीड़ितों के बीच, ब्रायलोव ने अपना स्वयं का चित्र रखा और चित्र में अन्य पात्रों को अपने रूसी परिचितों की विशेषताएं दीं।

ब्रायलोव के इतालवी प्रवेश ने भी एक भूमिका निभाई, जो उन्हें प्रतिक्रिया के वर्षों के दौरान कार्बोनरी के दुखद भाग्य के बारे में, पिछले वर्षों में इटली की भूमि के माध्यम से बहने वाले क्रांतिकारी तूफानों के बारे में बता सकता था।

पोम्पेई की मृत्यु की भव्य तस्वीर ऐतिहासिकता की भावना से ओत-प्रोत है, यह एक ऐतिहासिक युग से दूसरे में परिवर्तन, प्राचीन बुतपरस्ती के दमन और एक नए ईसाई धर्म की शुरुआत को दर्शाता है।

कलाकार इतिहास के पाठ्यक्रम को नाटकीय रूप से मानता है, युगों का परिवर्तन मानव जाति के लिए एक झटके के रूप में है। रचना के केंद्र में, एक महिला जो रथ से गिर गई और मौत के घाट उतर गई, जाहिर है, प्राचीन दुनिया की मौत। लेकिन कलाकार ने माँ के शरीर के पास एक जीवित बच्चे को रखा। बच्चों और माता-पिता, एक युवा और एक बूढ़ी माँ, बेटों और एक बूढ़े पिता को चित्रित करते हुए, कलाकार ने पुरानी पीढ़ियों को इतिहास में लुप्त होते और उनकी जगह आने वाली नई पीढ़ियों को दिखाया। एक पुरानी, ​​​​ढहती हुई दुनिया के खंडहरों पर एक नए युग का जन्म ब्रायलोव की पेंटिंग का असली विषय है। इतिहास चाहे जो भी बदलाव लाए, मानव जाति का अस्तित्व नहीं रुकता और जीवन के लिए उसकी प्यास अमर रहती है। पोम्पेई के अंतिम दिन के पीछे यही मुख्य विचार है। यह तस्वीर मानवता की सुंदरता का एक भजन है, जो इतिहास के सभी चक्रों में अमर है।

1833 में मिलान कला प्रदर्शनी में कैनवास का प्रदर्शन किया गया था, इसने उत्साही प्रतिक्रियाओं की झड़ी लगा दी। अपक्षयी इटली को जीत लिया गया। ब्रायलोव के छात्र जी जी गगारिन ने गवाही दी: “इस महान कार्य ने इटली में असीम उत्साह जगाया। जिन शहरों में पेंटिंग का प्रदर्शन किया गया था, उन्होंने कलाकार के लिए गंभीर स्वागत की व्यवस्था की, कविताएँ उन्हें समर्पित की गईं, उन्हें संगीत, फूलों और मशालों के साथ सड़कों पर ले जाया गया ... हर जगह उन्हें एक प्रसिद्ध, विजयी प्रतिभा के रूप में सम्मान के साथ प्राप्त किया गया, समझने योग्य और सभी की सराहना की।

अंग्रेजी लेखक वाल्टर स्कॉट (रोमांटिक साहित्य के प्रतिनिधि, अपने ऐतिहासिक उपन्यासों के लिए प्रसिद्ध) ने ब्रायलोव के स्टूडियो में एक घंटा बिताया, जिसके बारे में उन्होंने कहा कि यह एक तस्वीर नहीं, बल्कि पूरी कविता थी। मिलान, फ्लोरेंस, बोलोग्ना और परमा की कला अकादमियों ने रूसी चित्रकार को अपना मानद सदस्य चुना।

ब्रायलोव के कैनवास ने पुश्किन और गोगोल से उत्साही प्रतिक्रियाएँ प्राप्त कीं।

वेसुवियस ज़ेव खुल गया - एक क्लब-लौ में धुआँ धुआँ

व्यापक रूप से एक युद्ध बैनर की तरह विकसित हुआ।

पृथ्वी चिंतित है - डगमगाते स्तंभों से

मूर्तियाँ गिर रही हैं!...

पुश्किन ने पेंटिंग से प्रभावित होकर लिखा।

ब्रायलोव से शुरू होकर, इतिहास में महत्वपूर्ण मोड़ रूसी ऐतिहासिक चित्रकला का मुख्य विषय बन गए हैं, जिसमें भव्य लोक दृश्यों को दर्शाया गया है, जहां प्रत्येक व्यक्ति ऐतिहासिक नाटक में भागीदार है, जहां कोई मुख्य और माध्यमिक नहीं है।

"पोम्पेई" सामान्य रूप से क्लासिकवाद से संबंधित है। कलाकार ने कुशलता से मानव शरीर की नमनीयता को कैनवास पर उकेरा। ब्रायलोव द्वारा लोगों के सभी आध्यात्मिक आंदोलनों को मुख्य रूप से प्लास्टिसिटी की भाषा में प्रसारित किया गया था। अलग-अलग आंकड़े, एक तूफानी आंदोलन में दिए गए, संतुलित, जमे हुए समूहों में एकत्र किए जाते हैं। प्रकाश की चमक शरीर के आकार पर जोर देती है और मजबूत सचित्र प्रभाव पैदा नहीं करती है। हालांकि, पोम्पेई के जीवन में एक असाधारण घटना का चित्रण करते हुए, पेंटिंग की रचना, जिसकी गहराई में केंद्र में एक मजबूत सफलता है, रूमानियत से प्रेरित थी।

18वीं शताब्दी के अंत से 1850 के दशक तक रूस में एक विश्वदृष्टि के रूप में स्वच्छंदतावाद अपनी पहली लहर में अस्तित्व में था। 1850 के दशक में रूसी कला में रोमांटिक की रेखा बंद नहीं हुई। कला के लिए रोमैंटिक्स द्वारा खोजे जाने की स्थिति का विषय, बाद में ब्लू रोज़ के कलाकारों द्वारा विकसित किया गया था। स्वच्छंदतावादियों के प्रत्यक्ष उत्तराधिकारी निस्संदेह प्रतीकवादी थे। रोमांटिक विषयों, रूपांकनों, अभिव्यंजक उपकरणों ने विभिन्न शैलियों, दिशाओं, रचनात्मक संघों की कला में प्रवेश किया। रोमांटिक विश्वदृष्टि या विश्वदृष्टि सबसे जीवंत, दृढ़, फलदायी में से एक बन गई।

एक सामान्य दृष्टिकोण के रूप में स्वच्छंदतावाद, मुख्य रूप से युवा लोगों की विशेषता, एक आदर्श और रचनात्मक स्वतंत्रता की इच्छा के रूप में, अभी भी विश्व कला में लगातार रह रहा है।

ग) संगीत

स्वच्छंदतावाद अपने शुद्धतम रूप में पश्चिमी यूरोपीय कला की एक घटना है। 19 वीं सदी का रूसी संगीत। ग्लिंका से त्चिकोवस्की तक, क्लासिकवाद की विशेषताओं को रोमांटिकतावाद की विशेषताओं के साथ जोड़ा गया था, प्रमुख तत्व एक उज्ज्वल, मूल राष्ट्रीय सिद्धांत था। रूस में स्वछंदतावाद ने अप्रत्याशित रूप से वृद्धि की जब यह प्रवृत्ति अतीत की बात लगने लगी। 20वीं सदी के दो संगीतकार, स्क्रिपबिन और राचमानिनोव ने कल्पना की बेलगाम उड़ान और गीतों की आत्मीयता के रूप में रूमानियत की ऐसी विशेषताओं को पुनर्जीवित किया। इसलिए, 19 वीं सदी शास्त्रीय संगीत का युग कहा जाता है।

समय (1812, डीसमब्रिस्ट विद्रोह, उसके बाद की प्रतिक्रिया) ने संगीत पर अपनी छाप छोड़ी। हम जो भी शैली लेते हैं - रोमांस, ओपेरा, बैले, चैम्बर संगीत - हर जगह रूसी संगीतकारों ने अपना नया शब्द कहा है।

रूस का संगीत, अपने सभी सैलून लालित्य और सोनाटा-सिम्फोनिक लेखन सहित पेशेवर वाद्य लेखन की परंपराओं के सख्त पालन के साथ, रूसी लोककथाओं के अद्वितीय मोडल रंग और लयबद्ध संरचना पर आधारित है। कुछ रोजमर्रा के गीत पर बड़े पैमाने पर भरोसा करते हैं, अन्य संगीत-निर्माण के मूल रूपों पर, और अभी भी अन्य प्राचीन रूसी किसान मोड के प्राचीन तौर-तरीकों पर भरोसा करते हैं।

19वीं सदी की शुरुआत - ये रोमांस शैली के पहले और उज्ज्वल फूलों के वर्ष हैं। विनम्र ईमानदार गीत अभी भी ध्वनि और श्रोताओं को प्रसन्न करते हैं। अलेक्जेंडर अलेक्जेंड्रोविच एल्याबयेव (1787-1851)।उन्होंने कई कवियों के छंदों पर रोमांस लिखा, लेकिन अमर हैं "बुलबुल"डेलविग के छंदों के लिए, "विंटर रोड", "आई लव यू"पुश्किन की कविताओं पर।

अलेक्जेंडर एगोरोविच वरलामोव (1801-1848)नाटकीय प्रदर्शन के लिए संगीत लिखा, लेकिन हम उन्हें प्रसिद्ध रोमांस से अधिक जानते हैं "लाल सुंदरी", "मुझे भोर में मत जगाओ", "एक अकेला पाल सफेद हो जाता है"।

अलेक्जेंडर लावोविच गुरिलेव (1803-1858)- संगीतकार, पियानोवादक, वायलिन वादक और शिक्षक, वह इस तरह के रोमांस के मालिक हैं "घंटी नीरस रूप से बजती है", "धूमिल युवाओं की भोर में"और आदि।

यहां सबसे प्रमुख स्थान पर ग्लिंका के रोमांस का कब्जा है। पुश्किन, ज़ुकोवस्की की कविता के साथ संगीत का ऐसा स्वाभाविक संलयन अभी तक किसी और ने हासिल नहीं किया है।

मिखाइल इवानोविच ग्लिंका (1804-1857)- पुश्किन का एक समकालीन (अलेक्जेंडर सर्गेइविच से 5 साल छोटा), रूसी साहित्य का एक क्लासिक, संगीत क्लासिक्स का संस्थापक बन गया। उनका काम रूसी और विश्व संगीत संस्कृति के शिखर में से एक है। यह सामंजस्यपूर्ण रूप से लोक संगीत की समृद्धि और संगीतकार के कौशल की उच्चतम उपलब्धियों को जोड़ती है। ग्लिंका के गहन लोक यथार्थवादी कार्य ने 19 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में रूसी संस्कृति के शक्तिशाली उत्कर्ष को दर्शाया, जो 1812 के देशभक्तिपूर्ण युद्ध और डिसमब्रिस्ट आंदोलन से जुड़ा था। प्रकाश, जीवन-पुष्टि चरित्र, रूपों का सामंजस्य, अभिव्यंजक और मधुर धुनों की सुंदरता, विविधता, प्रतिभा और सामंजस्य की सूक्ष्मता ग्लिंका के संगीत के सबसे मूल्यवान गुण हैं। प्रसिद्ध ओपेरा में "इवान सुसानिन"(1836) को लोकप्रिय देशभक्ति के विचार की शानदार अभिव्यक्ति मिली; परी कथा ओपेरा में रूसी लोगों की नैतिक महानता को भी महिमामंडित किया गया है। रुस्लान और ल्यूडमिला". ग्लिंका द्वारा आर्केस्ट्रा काम करता है: "काल्पनिक वाल्ट्ज", "मैड्रिड में रात"और विशेष रूप से "कमरिंस्काया",रूसी शास्त्रीय सिम्फनीवाद का आधार बनता है। त्रासदी के लिए नाटकीय अभिव्यक्ति की शक्ति और संगीत की विशेषताओं की चमक के संदर्भ में उल्लेखनीय "प्रिंस खोलम्स्की"।ग्लिंका के वोकल लिरिक्स (रोमांस "मुझे एक अद्भुत क्षण याद है", "संदेह") संगीत में रूसी कविता का एक नायाब अवतार है।

6. पश्चिमी यूरोपीय स्वच्छंदतावाद

एक पेंटिंग

यदि फ्रांस क्लासिकवाद का पूर्वज था, तो "रोमांटिक स्कूल की जड़ें खोजने के लिए," उनके समकालीनों में से एक ने लिखा, "हमें जर्मनी जाना चाहिए। वह वहाँ पैदा हुई थी, और वहाँ आधुनिक इतालवी और फ्रांसीसी प्रेमकथाओं ने अपना स्वाद बनाया।

खंडित जर्मनीक्रांतिकारी उत्थान को नहीं जानते थे। कई जर्मन रोमैंटिक्स उन्नत सामाजिक विचारों के मार्ग से अलग थे। उन्होंने मध्य युग को आदर्श बनाया। उन्होंने बेहिसाब आध्यात्मिक आवेगों के सामने आत्मसमर्पण कर दिया, मानव जीवन के परित्याग की बात की। उनमें से कई की कला निष्क्रिय और मननशील थी। उन्होंने पोर्ट्रेट और लैंडस्केप पेंटिंग के क्षेत्र में अपना सर्वश्रेष्ठ काम किया।

एक उत्कृष्ट चित्रकार ओटो रनगे (1777-1810) थे। इस गुरु के चित्र, बाहरी शांति के साथ, गहन और गहन आंतरिक जीवन से विस्मित करते हैं।

रोमांटिक कवि की छवि में रनगे द्वारा देखा गया है "आत्म चित्र"।वह ध्यान से खुद की जांच करता है और एक काले बालों वाला, काली आंखों वाला, गंभीर, ऊर्जा से भरा, विचारशील, आत्मनिरीक्षण करने वाला और मजबूत इरादों वाला युवक देखता है। रोमांटिक कलाकार खुद को जानना चाहता है। चित्र के निष्पादन का तरीका तेज और व्यापक है, जैसे कि रचनाकार की आध्यात्मिक ऊर्जा को काम की बनावट में पहले से ही व्यक्त किया जाना चाहिए; गहरे रंग की रेंज में, प्रकाश और गहरे रंग के कंट्रास्ट दिखाई देते हैं। कंट्रास्ट रोमांटिक मास्टर्स की एक विशिष्ट सचित्र तकनीक है।

किसी व्यक्ति के मूड के परिवर्तनशील नाटक को पकड़ने के लिए, उसकी आत्मा को देखने के लिए, एक रोमांटिक वेयरहाउस का कलाकार हमेशा कोशिश करेगा। और इस संबंध में, बच्चों के चित्र उसके लिए उपजाऊ सामग्री का काम करेंगे। में हुलसेनबेक बच्चों का चित्र(1805) रनगे न केवल एक बच्चे के चरित्र की जीवंतता और तात्कालिकता को व्यक्त करता है, बल्कि एक उज्ज्वल मनोदशा के लिए एक विशेष स्वागत भी पाता है, जो दूसरी मंजिल के प्लेन-एयर ओपनिंग को प्रसन्न करता है। 19 वीं सदी चित्र में पृष्ठभूमि एक परिदृश्य है, जो न केवल कलाकार के रंगीन उपहार, प्रकृति के प्रति प्रशंसापूर्ण रवैये की गवाही देता है, बल्कि खुली हवा में वस्तुओं के हल्के रंगों, स्थानिक संबंधों के कुशल प्रजनन में नई समस्याओं के उभरने की भी गवाही देता है। मास्टर रोमांटिक, अपने "मैं" को ब्रह्मांड के विस्तार के साथ मिलाना चाहता है, प्रकृति की कामुक रूप से मूर्त उपस्थिति को पकड़ने का प्रयास करता है। लेकिन छवि की इस कामुकता के साथ, वह बड़ी दुनिया के प्रतीक "कलाकार के विचार" को देखना पसंद करते हैं।

रंज, पहले रोमांटिक कलाकारों में से एक, ने खुद को कलाओं को संश्लेषित करने का कार्य निर्धारित किया: पेंटिंग, मूर्तिकला, वास्तुकला, संगीत। कलाओं की पहनावा ध्वनि को दुनिया की दिव्य शक्तियों की एकता को व्यक्त करना था, जिनमें से प्रत्येक कण पूरे ब्रह्मांड का प्रतीक है। पहली मंजिल के प्रसिद्ध जर्मन विचारक के विचारों के साथ कलाकार अपनी दार्शनिक अवधारणा को पुष्ट करते हुए कल्पना करता है। सत्रवहीं शताब्दी याकूब बोहमे। संसार एक प्रकार का रहस्यमय पूर्ण है, जिसका प्रत्येक कण पूर्ण को अभिव्यक्त करता है। यह विचार पूरे यूरोपीय महाद्वीप के रूमानियत से संबंधित है। काव्यात्मक रूप में, अंग्रेजी कवि और चित्रकार विलियम ब्लेक ने इसे इस तरह रखा:

एक क्षण में अनंत काल देखें

एक विशाल संसार - रेत के दर्पण में,

एक मुट्ठी में - अनंत

और आकाश फूल के प्याले में है।

रन्ज चक्र, या, जैसा कि उन्होंने इसे कहा, "शानदार संगीत कविता" "दिन की प्रार्थनाएं"- सुबह, दोपहर, रात - इस अवधारणा की अभिव्यक्ति। उन्होंने कविता और गद्य में दुनिया के अपने वैचारिक मॉडल की व्याख्या छोड़ दी। एक व्यक्ति की छवि, परिदृश्य, प्रकाश और रंग प्राकृतिक और मानव जीवन के हमेशा बदलते चक्र के प्रतीक हैं।

एक अन्य उत्कृष्ट जर्मन रोमांटिक चित्रकार, कैस्पर डेविड फ्रेडरिक (1774-1840), ने अन्य सभी शैलियों के लिए परिदृश्य को प्राथमिकता दी और अपने सत्तर साल के जीवन के दौरान केवल प्रकृति के चित्रों को चित्रित किया। फ्रेडरिक के काम का मुख्य मकसद मनुष्य और प्रकृति की एकता का विचार है।

"प्रकृति की आवाज़ सुनें जो हमारे भीतर बोलती है," कलाकार अपने छात्रों को निर्देश देता है। किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया ब्रह्मांड की अनंतता को पहचानती है, इसलिए, खुद को सुनकर, एक व्यक्ति दुनिया की आध्यात्मिक गहराई को समझने में सक्षम होता है।

सुनने की स्थिति प्रकृति और उसकी छवि वाले व्यक्ति के "संचार" का मुख्य रूप निर्धारित करती है। यह प्रकृति की महानता, रहस्य या ज्ञान और पर्यवेक्षक की चेतन अवस्था है। सच है, बहुत बार फ्रेडरिक अपने चित्रों के परिदृश्य स्थान को "प्रवेश" करने की अनुमति नहीं देता है, लेकिन विशाल विस्तार की आलंकारिक संरचना के सूक्ष्म प्रवेश में, एक भावना की उपस्थिति, एक व्यक्ति का अनुभव महसूस होता है। परिदृश्य के चित्रण में विषयवाद केवल रोमांटिकता के काम के साथ कला में आता है, दूसरी मंजिल के स्वामी द्वारा प्रकृति के गीतात्मक रहस्योद्घाटन को पूर्वाभास देता है। 19 वीं सदी शोधकर्ताओं ने लैंडस्केप रूपांकनों के "प्रदर्शनों की सूची का विस्तार" फ्रेडरिक के कार्यों में ध्यान दिया। लेखक वर्ष और दिन के अलग-अलग समय में समुद्र, पहाड़ों, जंगलों और प्रकृति की विभिन्न छटाओं में रुचि रखता है।

1811-1812 पहाड़ों की कलाकार की यात्रा के परिणामस्वरूप पर्वतीय परिदृश्यों की एक श्रृंखला के निर्माण द्वारा चिह्नित। "पहाड़ों में सुबह"उगते सूरज की किरणों में पैदा हुई एक नई प्राकृतिक वास्तविकता का चित्रात्मक रूप से प्रतिनिधित्व करता है। गुलाबी-बैंगनी स्वर ढंकते हैं और उन्हें मात्रा और भौतिक गुरुत्वाकर्षण से वंचित करते हैं। नेपोलियन (1812-1813) के साथ लड़ाई के वर्षों ने फ्रेडरिक को देशभक्ति के विषयों में बदल दिया। क्लेस्ट के नाटक से प्रेरित चित्रण करते हुए वे लिखते हैं "आर्मिनियस का मकबरा"- प्राचीन जर्मनिक नायकों की कब्रों वाला एक परिदृश्य।

फ्रेडरिक समुद्र के नज़ारों का एक सूक्ष्म स्वामी था: "युग", "समुद्र के ऊपर चंद्रोदय", "बर्फ में" नादेज़्दा की मृत्यु "।

कलाकार की अंतिम रचनाएँ - "रेस्ट ऑन द फील्ड", "बिग स्वैम्प" और "मेमोरीज ऑफ़ द जाइंट माउंटेन्स", "जाइंट माउंटेन्स" - अग्रभूमि में पर्वत श्रृंखलाओं और पत्थरों की एक श्रृंखला ने अंधेरा कर दिया। यह, जाहिरा तौर पर, खुद पर एक व्यक्ति की जीत की अनुभवी भावना की वापसी है, "दुनिया के शीर्ष" पर चढ़ने की खुशी, उज्ज्वल असंबद्ध ऊंचाइयों की इच्छा। कलाकार की भावनाएँ एक विशेष तरीके से इन पर्वतीय द्रव्यमानों की रचना करती हैं, और फिर से पहले कदमों के अंधेरे से भविष्य के प्रकाश तक की गति को पढ़ा जाता है। पृष्ठभूमि में पर्वत शिखर को गुरु की आध्यात्मिक आकांक्षाओं के केंद्र के रूप में रेखांकित किया गया है। चित्र बहुत ही साहचर्य है, किसी भी रोमांटिक काम की तरह, और पढ़ने और व्याख्या के विभिन्न स्तरों को शामिल करता है।

फ्रेडरिक ड्राइंग में बहुत सटीक है, अपने चित्रों के लयबद्ध निर्माण में संगीतमय रूप से सामंजस्यपूर्ण है, जिसमें वह रंग और प्रकाश प्रभाव की भावनाओं के माध्यम से बोलने की कोशिश करता है। “बहुतों को थोड़ा दिया जाता है, बहुतों को बहुत दिया जाता है। हर कोई प्रकृति की आत्मा को अलग तरह से खोलता है। इसलिए, कोई भी अपने अनुभव और अपने नियमों को बाध्यकारी बिना शर्त कानून के रूप में स्थानांतरित करने का साहस नहीं करता है। सबका पैमाना कोई नहीं। हर कोई अपने भीतर केवल अपने लिए और कमोबेश खुद से संबंधित प्रकृति के लिए एक उपाय करता है, ”गुरु का यह प्रतिबिंब उनके आंतरिक जीवन और रचनात्मकता की अद्भुत अखंडता को साबित करता है। कलाकार की विशिष्टता उसके काम की स्वतंत्रता में ही स्पष्ट है - इस पर रोमांटिक फ्रेडरिक खड़ा है।

अधिक औपचारिक लगता है कलाकारों - "क्लासिक्स" - जर्मनी में रोमांटिक पेंटिंग की एक और शाखा के क्लासिकवाद के प्रतिनिधियों - नाज़रेनियों से असहमति। वियना में स्थापित और रोम (1809-1810) में बसे, "सेंट ल्यूक के संघ" ने धार्मिक मुद्दों की स्मारकीय कला को पुनर्जीवित करने के विचार के साथ स्वामी को एकजुट किया। मध्य युग रोमांटिकतावादियों के लिए इतिहास का एक पसंदीदा काल था। लेकिन अपनी कलात्मक खोज में, नाज़रेनियों ने इटली और जर्मनी में शुरुआती पुनर्जागरण चित्रकला की परंपराओं की ओर रुख किया। ओवरबेक और गेफोर एक नए गठबंधन के सर्जक थे, जो बाद में कॉर्नेलियस, जे. श्नॉफ वॉन करोलफेल्ड, वीट फ्यूरिच से जुड़ गए।

नाज़रेनियों का यह आंदोलन फ्रांस, इटली और इंग्लैंड में क्लासिकिस्ट शिक्षाविदों के विरोध के अपने स्वयं के रूपों से मेल खाता है। उदाहरण के लिए, फ्रांस में, तथाकथित "आदिम" कलाकार डेविड की कार्यशाला से और इंग्लैंड में, प्री-राफेलाइट्स से उभरे। रोमांटिक परंपरा की भावना में, वे कला को "समय की अभिव्यक्ति", "लोगों की भावना" मानते थे, लेकिन उनकी विषयगत या औपचारिक प्राथमिकताएं, जो पहले एकता के नारे की तरह लग रही थीं, कुछ समय बाद बदल गईं। अकादमी के समान सिद्धांतवादी सिद्धांतों में, जिसका उन्होंने खंडन किया।

रोमांटिकतावाद की कला फ्रांस मेंविशिष्ट तरीकों से विकसित। पहली चीज जिसने इसे अन्य देशों में इसी तरह के आंदोलनों से अलग किया, वह इसका सक्रिय आक्रामक ("क्रांतिकारी") चरित्र था। कवियों, लेखकों, संगीतकारों, कलाकारों ने न केवल नए कार्यों का निर्माण करके, बल्कि पत्रिका और समाचार पत्रों के विवाद में भाग लेकर भी अपनी स्थिति का बचाव किया, जिसे शोधकर्ताओं द्वारा "रोमांटिक लड़ाई" के रूप में जाना जाता है। प्रसिद्ध वी. ह्यूगो, स्टेंडल, जॉर्ज सैंड, बर्लियोज़ और कई अन्य फ्रांसीसी लेखकों, संगीतकारों और पत्रकारों ने रोमांटिक विवाद में "अपने पंखों का सम्मान" किया।

फ्रांस में रोमांटिक पेंटिंग डेविड के क्लासिकिस्ट स्कूल, अकादमिक कला के विरोध के रूप में उभरती है, जिसे सामान्य रूप से "स्कूल" कहा जाता है। लेकिन इसे एक व्यापक अर्थ में समझना चाहिए: यह प्रतिक्रियावादी युग की आधिकारिक विचारधारा का विरोध था, इसकी निम्न-बुर्जुआ सीमाओं के खिलाफ विरोध था। इसलिए रोमांटिक कार्यों की दयनीय प्रकृति, उनकी नर्वस उत्तेजना, विदेशी रूपांकनों के प्रति आकर्षण, ऐतिहासिक और साहित्यिक भूखंडों के लिए, हर चीज के लिए जो "मंद रोजमर्रा की जिंदगी" से दूर हो सकती है, इसलिए यह कल्पना का खेल है, और कभी-कभी, इसके विपरीत। दिवास्वप्न और गतिविधि का पूर्ण अभाव।

"स्कूल" के प्रतिनिधियों, शिक्षाविदों ने मुख्य रूप से रोमैंटिक्स की भाषा के खिलाफ विद्रोह किया: उनके उत्तेजित गर्म रंग, उनके रूप का मॉडलिंग, "क्लासिक्स" से परिचित नहीं, मूर्ति-प्लास्टिक, लेकिन मजबूत विरोधाभासों पर बनाया गया रंग के धब्बे; उनकी अभिव्यंजक डिजाइन, जानबूझकर सटीक और क्लासिकवाद से इनकार; उनकी साहसिक, कभी-कभी अराजक रचना, ऐश्वर्य से रहित और अडिग शांत। अपने जीवन के अंत तक रोमैंटिक्स के कट्टर दुश्मन इंग्रेस ने कहा कि डेलाक्रोइक्स "एक पागल झाड़ू के साथ लिखता है", और डेलैक्रिक्स ने इंग्रेस और "स्कूल" के सभी कलाकारों पर शीतलता, तर्कसंगतता, आंदोलन की कमी का आरोप लगाया, कि वे मत लिखो, लेकिन उनके चित्रों को "पेंट" करो। लेकिन यह दो उज्ज्वल, पूरी तरह से अलग व्यक्तित्वों का साधारण टकराव नहीं था, यह दो अलग-अलग कलात्मक विश्वदृष्टियों के बीच का संघर्ष था।

यह संघर्ष लगभग आधी सदी तक चला, कला में रूमानियत आसानी से नहीं जीती और तुरंत नहीं, और इस प्रवृत्ति के पहले कलाकार थियोडोर गेरिकॉल्ट (1791-1824) थे - वीर स्मारकीय रूपों के स्वामी, जिन्होंने अपने काम में क्लासिकल दोनों का संयोजन किया रूमानियत की विशेषताएं और विशेषताएं, और अंत में, एक शक्तिशाली यथार्थवादी शुरुआत, जिसका 19 वीं शताब्दी के मध्य में यथार्थवाद की कला पर बहुत प्रभाव पड़ा। लेकिन अपने जीवनकाल के दौरान उन्हें कुछ करीबी दोस्तों ने ही सराहा।

थिओडोर झारिको का नाम रूमानियत की पहली शानदार सफलताओं से जुड़ा है। पहले से ही उनके शुरुआती चित्रों (सेना के चित्र, घोड़ों की छवियां) में, प्राचीन आदर्श जीवन की प्रत्यक्ष धारणा से पहले पीछे हट गए।

1812 में सैलून में गेरिकॉल्ट एक तस्वीर दिखाता है "हमले के दौरान इंपीरियल हॉर्स रेंजर्स के अधिकारी।"यह नेपोलियन की महिमा और फ्रांस की सैन्य शक्ति के चरमोत्कर्ष का वर्ष था।

चित्र की रचना सवार को "अचानक" क्षण के एक असामान्य परिप्रेक्ष्य में प्रस्तुत करती है जब घोड़ा ऊपर उठा, और सवार, घोड़े की लगभग ऊर्ध्वाधर स्थिति को पकड़कर, दर्शक की ओर मुड़ गया। अस्थिरता के ऐसे क्षण की छवि, आसन की असंभवता आंदोलन के प्रभाव को बढ़ाती है। घोड़े के पास समर्थन का एक बिंदु है, उसे जमीन पर गिरना चाहिए, उस लड़ाई में पेंच करना चाहिए जो उसे ऐसी स्थिति में लाए। इस काम में बहुत कुछ मिला है: एक व्यक्ति की अपनी शक्तियों के मालिक होने की संभावना में गेरिकॉल्ट का बिना शर्त विश्वास, घोड़ों को चित्रित करने के लिए एक भावुक प्रेम और एक नौसिखिए मास्टर का साहस जो केवल संगीत या कविता की भाषा पहले व्यक्त कर सकता था - का उत्साह एक लड़ाई, एक हमले की शुरुआत, एक जीवित प्राणी का अंतिम तनाव। युवा लेखक ने आंदोलन की गतिशीलता के प्रसारण पर अपनी छवि बनाई, और उसके लिए यह महत्वपूर्ण था कि वह दर्शकों को "सोचने", "आंतरिक दृष्टि" के साथ पेंटिंग करने और जो वह चित्रित करना चाहता था, उसकी भावना को स्थापित करे।

फ्रांस में व्यावहारिक रूप से रोमांस के सचित्र आख्यान की ऐसी गतिशीलता की कोई परंपरा नहीं थी, सिवाय शायद गॉथिक मंदिरों की राहत में, क्योंकि जब गेरिकॉल्ट पहली बार इटली आए थे, तो वह माइकल एंजेलो की रचनाओं की छिपी शक्ति से दंग रह गए थे। "मैं कांप गया," वह लिखते हैं, "मैंने खुद पर संदेह किया और लंबे समय तक इस अनुभव से उबर नहीं पाया।" लेकिन स्टेंडल ने अपने विवादात्मक लेखों में माइकल एंजेलो को कला में एक नई शैलीगत प्रवृत्ति के अग्रदूत के रूप में इंगित किया।

गेरिकॉल्ट की पेंटिंग ने न केवल एक नई कलात्मक प्रतिभा के जन्म की घोषणा की, बल्कि लेखक के जुनून और नेपोलियन के विचारों से निराशा को भी श्रद्धांजलि दी। इस विषय से संबंधित कई अन्य कार्य हैं: काराबेनियरी अधिकारी", "हमले से पहले क्युरासियर अधिकारी", "एक काराबेनियरी का चित्र", "घायल क्यूरासियर"।

"फ्रांस में चित्रकला की स्थिति पर प्रतिबिंब" ग्रंथ में, वह लिखते हैं कि "विलासिता और कला ... एक आवश्यकता बन गई है और, जैसा कि कल्पना के लिए भोजन था, जो एक सभ्य व्यक्ति का दूसरा जीवन है। .. प्राथमिक आवश्यकता की बात न होने के कारण, कलाएँ तभी प्रकट होती हैं जब आवश्यक आवश्यकताएँ पूरी हो जाती हैं और जब प्रचुरता आ जाती है। एक आदमी, रोजमर्रा की चिंताओं से मुक्त हो गया, बोरियत से छुटकारा पाने के लिए सुखों की तलाश करना शुरू कर दिया, जो अनिवार्य रूप से संतोष के बीच में उससे आगे निकल जाएगा।

1818 में इटली से लौटने के बाद गेरिकॉल्ट द्वारा कला की शैक्षिक और मानवतावादी भूमिका की इस तरह की समझ का प्रदर्शन किया गया था - वह नेपोलियन की हार सहित विभिन्न विषयों की नकल करते हुए लिथोग्राफी में संलग्न होना शुरू कर देता है ( "रूस से वापसी").

उसी समय, कलाकार अफ्रीका के तट से दूर मेडुज़ा फ्रिगेट के डूबने के चित्रण की ओर मुड़ता है, जिसने उस समय के समाज को उत्साहित किया। संरक्षण के तहत पद पर नियुक्त एक अनुभवहीन कप्तान की गलती के कारण आपदा हुई। जहाज के जीवित बचे यात्रियों, सर्जन सविग्नी और इंजीनियर कॉरियर ने दुर्घटना के बारे में विस्तार से बताया।

मरने वाला जहाज उस बेड़ा को गिराने में कामयाब रहा, जिस पर मुट्ठी भर लोग बच गए। बारह दिनों तक उन्हें उफनते समुद्र के किनारे ले जाया गया जब तक कि वे मोक्ष से नहीं मिले - जहाज "आर्गस"।

गेरिकॉल्ट की रुचि मानव आध्यात्मिक और शारीरिक शक्ति के परम तनाव की स्थिति में थी। पेंटिंग में 15 जीवित यात्रियों को दिखाया गया है जब उन्होंने क्षितिज पर आर्गस को देखा था। "मेडुसा की बेड़ा"कलाकार के लंबे प्रारंभिक कार्य का परिणाम था। उन्होंने उग्र समुद्र के कई रेखाचित्र बनाए, अस्पताल में बचाए गए लोगों के चित्र बनाए। सबसे पहले, गेरिकॉल्ट एक दूसरे के साथ एक बेड़ा पर लोगों के संघर्ष को दिखाना चाहता था, लेकिन फिर वह समुद्री तत्व और राज्य की लापरवाही के विजेताओं के वीर व्यवहार पर रुक गया। लोगों ने साहसपूर्वक दुर्भाग्य को सहन किया, और मोक्ष की आशा ने उन्हें नहीं छोड़ा: बेड़ा पर प्रत्येक समूह की अपनी विशेषताएं हैं। रचना के निर्माण में, गेरिकॉल्ट ऊपर से एक दृष्टिकोण चुनता है, जिसने उसे अंतरिक्ष के मनोरम कवरेज (समुद्र की दूरी दिखाई दे रही है) को संयोजित करने और चित्रित करने की अनुमति दी, जिससे बेड़ा के सभी निवासी अग्रभूमि के बहुत करीब आ गए। आंदोलन अग्रभूमि में असहाय रूप से पड़े हुए आंकड़ों और गुजरने वाले जहाज को संकेत देने वाले समूह में अभेद्य के विपरीत बनाया गया है। समूह से समूह में गतिकी के विकास की लय की स्पष्टता, नग्न शरीरों की सुंदरता, चित्र का गहरा रंग छवि की पारंपरिकता का एक निश्चित नोट सेट करता है। लेकिन यह समझने वाले दर्शक के लिए यह बिंदु नहीं है, जिनके लिए भाषा की पारंपरिकता भी मुख्य बात को समझने और महसूस करने में मदद करती है: किसी व्यक्ति की लड़ने और जीतने की क्षमता। सागर दहाड़ता है। पाल कराह रहा है। रस्सियाँ बज रही हैं। बेड़ा चटक रहा है। हवा लहरों को चलाती है और काले बादलों को चीरती है।

क्या यह स्वयं फ्रांस नहीं है, जो इतिहास के तूफान से प्रेरित है? पेंटिंग के पास खड़े यूजीन डेलाक्रोइक्स ने सोचा। "मेडुसा के बेड़े ने डेलैक्रिक्स को चौंका दिया, वह रोया और एक पागल की तरह, गेरिकॉल्ट की कार्यशाला से बाहर कूद गया, जहां वह अक्सर जाता था।

इस तरह के जुनून डेविड की कला को नहीं जानते थे।

लेकिन गेरिकॉल्ट का जीवन दुखद रूप से जल्दी समाप्त हो गया (वह घोड़े से गिरने के बाद गंभीर रूप से बीमार था), और उसकी कई योजनाएँ अधूरी रह गईं।

गेरिकॉल्ट के नवाचार ने आंदोलन को संप्रेषित करने के लिए नए अवसर खोले, जो रोमांटिकता, एक व्यक्ति की अंतर्निहित भावनाओं, चित्र की रंगीन बनावट की अभिव्यक्ति से चिंतित थे।

अपनी खोज में गैरीकॉल्ट का उत्तराधिकारी यूजीन डेलाक्रोइक्स था। सच है, Delacroix को अपने जीवन काल के रूप में दो बार अनुमति दी गई थी, और वह न केवल रूमानियत की शुद्धता को साबित करने में कामयाब रहे, बल्कि दूसरी मंजिल की पेंटिंग में नई दिशा को आशीर्वाद देने में भी कामयाब रहे। 19 वीं सदी - प्रभाववाद।

अपने दम पर लिखना शुरू करने से पहले, यूजीन ने लेरेन स्कूल में अध्ययन किया: उन्होंने जीवन से चित्रित किया, लौवर में महान रूबेन्स, रेम्ब्रांट, वेरोनीज़, टिटियन की नकल की ... युवा कलाकार ने दिन में 10-12 घंटे काम किया। उन्होंने महान माइकलएंजेलो के शब्दों को याद किया: "पेंटिंग एक ईर्ष्यालु मालकिन है, यह पूरे व्यक्ति की मांग करती है ..."

डेलाक्रोइक्स, गैरीकॉल्ट द्वारा प्रदर्शन प्रदर्शन के बाद, अच्छी तरह से जानते थे कि कला में मजबूत भावनात्मक उथल-पुथल का समय आ गया था। सबसे पहले, वह प्रसिद्ध साहित्यिक कथानकों के माध्यम से अपने लिए एक नए युग को समझने की कोशिश करता है। उनकी पेंटिंग "दांते और वर्जिल" 1822 के सैलून में प्रस्तुत, दो कवियों की ऐतिहासिक साहचर्य छवियों के माध्यम से एक प्रयास है: पुरातनता - वर्जिल और पुनर्जागरण - दांते - एक उबलते हुए कड़ाही को देखने के लिए, आधुनिक युग का "नरक"। एक बार अपनी "डिवाइन कॉमेडी" में डांटे ने वर्जिल की भूमि को सभी क्षेत्रों (स्वर्ग, नरक, शोधन) में एक एस्कॉर्ट के रूप में लिया। दांते के काम में, मध्य युग में पुरातनता की स्मृति का अनुभव करके एक नई पुनर्जागरण दुनिया का उदय हुआ। पुरातनता, पुनर्जागरण और मध्य युग के संश्लेषण के रूप में रोमांटिक का प्रतीक डांटे और वर्जिल के दर्शन के "डरावनी" में उत्पन्न हुआ। लेकिन जटिल दार्शनिक रूपक पूर्व-पुनर्जागरण युग और एक अमर साहित्यिक कृति का एक अच्छा भावनात्मक चित्रण निकला।

Delacroix अपने दिल के दर्द के माध्यम से अपने समकालीनों के दिलों में सीधी प्रतिक्रिया पाने की कोशिश करेगा। उस समय के युवा, उत्पीड़कों के लिए स्वतंत्रता और घृणा से जलते हुए, ग्रीस के मुक्ति संग्राम के प्रति सहानुभूति रखते हैं। इंग्लैंड का रोमांटिक बार्ड बायरन वहां लड़ने जा रहा है। Delacroix एक अधिक विशिष्ट ऐतिहासिक घटना - स्वतंत्रता-प्रेमी ग्रीस के संघर्ष और पीड़ा के चित्रण में नए युग का अर्थ देखता है। वह तुर्कों द्वारा कब्जा किए गए ग्रीक द्वीप चियोस की आबादी की मौत की साजिश पर रहता है। 1824 के सैलून में डेलैक्रिक्स एक पेंटिंग दिखाता है "चियोस द्वीप पर नरसंहार"।पहाड़ी इलाकों के अंतहीन विस्तार की पृष्ठभूमि के खिलाफ। जो अभी भी आग के धुएं और निरंतर लड़ाई से चिल्लाती है, कलाकार घायल, थके हुए महिलाओं और बच्चों के कई समूहों को दिखाता है। दुश्मनों के आने से पहले उनके पास आजादी के आखिरी मिनट थे। दाहिनी ओर एक पालने वाले घोड़े पर तुर्क पूरे अग्रभूमि और वहां मौजूद पीड़ितों की भीड़ पर लटका हुआ प्रतीत होता है। सुंदर शरीर, मोहित लोगों के चेहरे। वैसे, Delacroix बाद में लिखेंगे कि ग्रीक मूर्तिकला को कलाकारों द्वारा चित्रलिपि में बदल दिया गया था जो चेहरे और आकृति की वास्तविक ग्रीक सुंदरता को छिपा देता था। लेकिन, पराजित यूनानियों के चेहरों में "आत्मा की सुंदरता" को प्रकट करते हुए, चित्रकार घटनाओं को इतना नाटकीय बनाता है कि तनाव की एक गतिशील गति को बनाए रखने के लिए, वह आकृति के कोणों के विरूपण पर जाता है। गेरिकॉल्ट के काम से ये "गलतियां" पहले से ही "हल" हो गई थीं, लेकिन डेलैक्रिक्स एक बार फिर से रोमांटिक पंथ को प्रदर्शित करता है कि पेंटिंग "एक स्थिति की सच्चाई नहीं है, बल्कि एक भावना की सच्चाई है।"

1824 में, Delacroix ने अपने दोस्त और शिक्षक, गैरीकॉल्ट को खो दिया। और वह नई पेंटिंग के नेता बन गए।

इतने वर्ष बीत गए। एक के बाद एक तस्वीरें सामने आईं: "मिसालुंगा के खंडहरों पर ग्रीस", "सरदानापालस की मौत"और अन्य पेंटिंग के आधिकारिक हलकों में कलाकार एक बहिष्कृत हो गया। लेकिन 1830 की जुलाई क्रांति ने स्थिति बदल दी। वह कलाकार को जीत और उपलब्धियों के रोमांस से प्रज्वलित करती है। वह एक चित्र बनाता है "बैरिकेड्स पर स्वतंत्रता"।

1831 में, पेरिस सैलून में, फ्रांसीसी ने पहली बार 1830 की जुलाई क्रांति के "तीन शानदार दिनों" को समर्पित यूजीन डेलाक्रोइक्स "फ्रीडम ऑन द बैरिकेड्स" की पेंटिंग देखी। कलात्मक निर्णय की शक्ति, लोकतंत्र और साहस के साथ कैनवास ने समकालीनों पर आश्चर्यजनक प्रभाव डाला। किंवदंती के अनुसार, एक सम्मानित बुर्जुआ ने कहा: “आप कहते हैं - स्कूल का मुखिया? मुझे बेहतर बताओ - विद्रोह का मुखिया! सैलून के बंद होने के बाद, तस्वीर से निकलने वाली खतरनाक और प्रेरक अपील से भयभीत सरकार ने इसे लेखक को वापस करने के लिए जल्दबाजी की। 1848 की क्रांति के दौरान, इसे फिर से लक्समबर्ग पैलेस में सार्वजनिक प्रदर्शन के लिए रखा गया। और फिर से कलाकार के पास लौट आया। 1855 में पेरिस में विश्व प्रदर्शनी में कैनवास प्रदर्शित होने के बाद ही यह लौवर में समाप्त हुआ। फ्रांसीसी रूमानियत की सबसे अच्छी कृतियों में से एक को आज भी यहां रखा गया है - एक प्रेरित चश्मदीद गवाह और लोगों की स्वतंत्रता के लिए संघर्ष का एक शाश्वत स्मारक।

इन दो प्रतीत होने वाले विपरीत सिद्धांतों को मर्ज करने के लिए युवा फ्रांसीसी रोमांटिक ने किस कलात्मक भाषा को खोजा - एक व्यापक, सर्वव्यापी सामान्यीकरण और इसकी नग्नता में एक ठोस वास्तविकता?

प्रसिद्ध जुलाई दिवस 1830 का पेरिस। ग्रे धुएं और धूल से संतृप्त हवा। पाउडर की धुंध में गायब एक सुंदर और राजसी शहर। दूरी में, शायद ही ध्यान देने योग्य, लेकिन गर्व से नोट्रे डेम कैथेड्रल के टावरों का उदय - इतिहास, संस्कृति और फ्रांसीसी लोगों की भावना का प्रतीक। वहाँ से, धुएँ के रंग के शहर से, बैरिकेड्स के खंडहरों के ऊपर, मृत साथियों के शवों के ऊपर, विद्रोही हठपूर्वक और दृढ़ता से आगे बढ़ते हैं। उनमें से प्रत्येक मर सकता है, लेकिन विद्रोहियों का कदम अस्थिर है - वे जीत की इच्छा से प्रेरित हैं, स्वतंत्रता के लिए।

यह प्रेरणादायक शक्ति एक खूबसूरत युवा महिला की छवि में सन्निहित है, जो उसके लिए एक भावुक आक्रोश में है। अक्षय ऊर्जा, मुक्त और युवा गति की गति के साथ, वह एक ग्रीक देवी की तरह है

निक जीतता है। उसका मजबूत फिगर एक चिटन ड्रेस में तैयार किया गया है, उसका चेहरा उत्तम सुविधाओं के साथ, जलती हुई आँखों के साथ, विद्रोहियों की ओर मुड़ा हुआ है। उसके एक हाथ में फ्रांस का तिरंगा बैनर है, दूसरे में - एक बंदूक। सिर पर एक Phrygian टोपी है - गुलामी से मुक्ति का एक प्राचीन प्रतीक। उसके कदम तेज और हल्के हैं - ऐसे कदम देवी करते हैं। साथ ही, एक महिला की छवि वास्तविक है - वह फ्रांसीसी लोगों की बेटी है। बैरिकेड्स पर समूह के आंदोलन के पीछे वह मार्गदर्शक शक्ति है। इससे, ऊर्जा के केंद्र में प्रकाश के स्रोत के रूप में, किरणें विकीर्ण होती हैं, प्यास से चार्ज होती हैं और जीतने की इच्छा होती है। जो लोग इसके करीब हैं, प्रत्येक अपने तरीके से इस प्रेरक और प्रेरक कॉल में अपनी भागीदारी व्यक्त करते हैं।

दाईं ओर एक लड़का है, एक पेरिसियन गेमर, पिस्तौल लहरा रहा है। वह स्वतंत्रता के सबसे करीब है और मानो उसके उत्साह और मुक्त आवेग के आनंद से प्रज्वलित हो। एक तेज, बचकानी अधीर हरकत में, वह अपने प्रेरक से थोड़ा आगे है। यह लेस मिजरेबल्स में विक्टर ह्यूगो द्वारा बीस साल बाद चित्रित पौराणिक गैवरोच का पूर्ववर्ती है: “प्रेरणा से भरे, दीप्तिमान गैवरोच ने पूरी चीज को गति में स्थापित करने का कार्य अपने ऊपर ले लिया। वह इधर-उधर भागा, वह ऊपर गया, वह नीचे गया

नीचे, फिर से उठा, सरसराहट हुई, खुशी से जगमगा उठा। ऐसा लगता है कि वह यहां सभी को खुश करने के लिए आया था। क्या इसका कोई मकसद था? हाँ, बेशक, उसकी गरीबी। क्या उसके पंख थे? हां, बिल्कुल, उनकी खुशमिजाजी। यह एक तरह का बवंडर था। ऐसा लग रहा था कि एक ही समय में हर जगह मौजूद होने से हवा अपने आप भर जाएगी ... विशाल बैरिकेड्स ने इसे अपनी रीढ़ पर महसूस किया।

डेलैक्रिक्स की पेंटिंग में गैवरोच युवाओं का व्यक्तित्व है, एक "सुंदर आवेग", स्वतंत्रता के उज्ज्वल विचार की खुशीपूर्ण स्वीकृति। दो छवियां - गैवरोच और लिबर्टी - एक दूसरे के पूरक लगती हैं: एक आग है, दूसरी एक मशाल है जो उससे जलती है। हेनरिक हेन ने बताया कि पेरिस के लोगों के बीच गैवरोच का आंकड़ा क्या जीवंत प्रतिक्रिया देता है। "धत तेरी कि! एक पंसारी ने कहा। "वे लड़के दिग्गजों की तरह लड़े!"

बाईं ओर एक छात्र है जिसके पास बंदूक है। पहले, इसे कलाकार के स्व-चित्र के रूप में देखा जाता था। यह विद्रोही गैवरोच जितना तेज नहीं है। उसकी गति अधिक संयमित, अधिक एकाग्र, सार्थक होती है। हाथ आत्मविश्वास से बंदूक की नली को निचोड़ते हैं, चेहरा साहस व्यक्त करता है, अंत तक खड़े रहने का दृढ़ संकल्प। यह एक गहरी दुखद तस्वीर है। छात्र विद्रोहियों को होने वाले नुकसान की अनिवार्यता से अवगत है, लेकिन पीड़ित उसे डराते नहीं हैं - स्वतंत्रता की इच्छा मजबूत है। उसके पीछे कृपाण के साथ समान रूप से बहादुर और दृढ़ कार्यकर्ता खड़ा है। स्वतंत्रता के चरणों में घायल। वह एक बार फिर से स्वतंत्रता की ओर देखने के लिए, उस सुंदरता को देखने और महसूस करने के लिए कठिनाई से उठता है जिसके लिए वह मर रहा है। यह आंकड़ा Delacroix के कैनवस की ध्वनि के लिए एक तीव्र नाटकीय शुरुआत लाता है। यदि गैवरोचे, लिबर्टी, छात्र, कार्यकर्ता - लगभग प्रतीक, स्वतंत्रता सेनानियों की अटूट इच्छा का अवतार - दर्शक को प्रेरित और पुकारते हैं, तो घायल व्यक्ति करुणा का आह्वान करता है। मनुष्य स्वतंत्रता को अलविदा कहता है, जीवन को अलविदा कहता है। वह अभी भी एक आवेग है, एक आंदोलन है, लेकिन पहले से ही एक लुप्तप्राय आवेग है।

उनका आंकड़ा संक्रमणकालीन है। दर्शकों की टकटकी, अभी भी मोहित हो गई और विद्रोहियों के क्रांतिकारी दृढ़ संकल्प से दूर हो गई, गौरवशाली मृत सैनिकों के शवों से ढके बैरिकेड के पैर तक उतर गई। मृत्यु को कलाकार द्वारा तथ्य की पूरी नग्नता और प्रमाण में प्रस्तुत किया जाता है। हम मृतकों के नीले चेहरों को, उनके नग्न शरीरों को देखते हैं: संघर्ष निर्दयी है, और मृत्यु उतनी ही अपरिहार्य है जितनी कि स्वतंत्रता के सुंदर प्रेरक के रूप में विद्रोहियों की साथी।

लेकिन ठीक वैसा ही नहीं! चित्र के निचले किनारे पर भयानक दृष्टि से, हम फिर से अपनी आँखें उठाते हैं और एक सुंदर युवा आकृति देखते हैं - नहीं! जीवन जीतता है! स्वतंत्रता का विचार, इतने स्पष्ट और मूर्त रूप से सन्निहित, भविष्य पर इतना केंद्रित है कि इसके नाम पर मृत्यु भयानक नहीं है।

कलाकार जीवित और मृत विद्रोहियों के केवल एक छोटे समूह को दर्शाता है। लेकिन बैरिकेड्स के रक्षक असामान्य रूप से असंख्य प्रतीत होते हैं। रचना इस तरह से बनाई गई है कि सेनानियों का समूह सीमित नहीं है, अपने आप में बंद नहीं है। वह लोगों के अंतहीन हिमस्खलन का केवल एक हिस्सा है। कलाकार, जैसा कि यह था, समूह का एक टुकड़ा देता है: चित्र का फ्रेम बाएं, दाएं और नीचे के आंकड़े काट देता है।

आमतौर पर डेलैक्रिक्स के कार्यों में रंग भावनात्मक ध्वनि प्राप्त करता है, नाटकीय प्रभाव बनाने में एक प्रमुख भूमिका निभाता है। रंग, कभी उग्र, कभी लुप्त होती, मफल, तनावपूर्ण वातावरण बनाते हैं। लिबर्टी एट द बैरिकेड्स में, डेलैक्रिक्स इस सिद्धांत से अलग हो जाता है। बहुत सटीक रूप से, स्पष्ट रूप से पेंट चुनना, इसे व्यापक स्ट्रोक के साथ लागू करना, कलाकार लड़ाई के माहौल को व्यक्त करता है।

लेकिन रंगों की सीमा संयमित है। Delacroix फॉर्म के रिलीफ मॉडलिंग पर केंद्रित है। चित्र के आलंकारिक समाधान के लिए यह आवश्यक था। आखिरकार, कल की एक विशिष्ट घटना का चित्रण करते हुए, कलाकार ने इस घटना के लिए एक स्मारक भी बनाया। इसलिए, आंकड़े लगभग मूर्तिकला हैं। इसलिए, प्रत्येक चरित्र, चित्र के एक पूरे का हिस्सा होने के नाते, अपने आप में कुछ बंद भी करता है, एक पूर्ण रूप में डाले गए प्रतीक का प्रतिनिधित्व करता है। इसलिए, रंग न केवल दर्शक की भावनाओं को भावनात्मक रूप से प्रभावित करता है, बल्कि एक प्रतीकात्मक भार भी वहन करता है। इधर-उधर, भूरे-भूरे रंग की जगह में लाल, नीले, सफेद रंग की एक गंभीर तिकड़ी - 1789 की फ्रांसीसी क्रांति के बैनर के रंग। इन रंगों की बार-बार पुनरावृत्ति बैरिकेड्स के ऊपर उड़ने वाले तिरंगे झंडे की शक्तिशाली राग का समर्थन करती है।

Delacroix की पेंटिंग "फ्रीडम ऑन द बैरिकेड्स" अपने दायरे में एक जटिल, भव्य काम है। यहाँ प्रत्यक्ष रूप से देखे जाने वाले तथ्य और छवियों के प्रतीकवाद की प्रामाणिकता संयुक्त है; यथार्थवाद, क्रूर प्रकृतिवाद और आदर्श सौंदर्य तक पहुँचना; खुरदरा, भयानक और उदात्त, शुद्ध।

पेंटिंग "लिबर्टी एट द बैरिकेड्स" ने फ्रांसीसी चित्रकला में रूमानियत की जीत को मजबूत किया। 30 के दशक में, दो और ऐतिहासिक पेंटिंग: "पोइटियर्स की लड़ाई"और "लीज के बिशप की हत्या"।

1822 में कलाकार ने उत्तरी अफ्रीका, मोरक्को, अल्जीरिया का दौरा किया। यात्रा ने उस पर एक अमिट छाप छोड़ी। 50 के दशक में, इस यात्रा की यादों से प्रेरित होकर, उनके काम में पेंटिंग दिखाई दीं: "शेरों के लिए शिकार", "मोरक्कन घोड़े की काठी"और अन्य उज्ज्वल विपरीत रंग इन चित्रों के लिए रोमांटिक ध्वनि बनाता है। उनमें व्यापक स्ट्रोक की तकनीक दिखाई देती है।

Delacroix, एक रोमांटिक के रूप में, न केवल सचित्र छवियों की भाषा में, बल्कि उनके विचारों के साहित्यिक रूप में भी उनकी आत्मा की स्थिति दर्ज की गई। उन्होंने रोमांटिक कलाकार के रचनात्मक कार्य की प्रक्रिया, रंग में उनके प्रयोगों, संगीत और कला के अन्य रूपों के बीच संबंधों पर प्रतिबिंबों का अच्छी तरह से वर्णन किया। बाद की पीढ़ियों के कलाकारों के लिए उनकी डायरी पढ़ना पसंदीदा बन गया।

फ्रेंच रोमांटिक स्कूल ने मूर्तिकला (रुड और उनकी मार्सिलेज़ राहत), लैंडस्केप पेंटिंग (फ्रांस की प्रकृति की अपनी हल्की-हल्की छवियों के साथ केमिली कोरोट) के क्षेत्र में महत्वपूर्ण प्रगति की।

रूमानियत के लिए धन्यवाद, कलाकार की व्यक्तिगत व्यक्तिपरक दृष्टि एक कानून का रूप ले लेती है। प्रभाववाद कला को एक छाप घोषित करते हुए कलाकार और प्रकृति के बीच की बाधा को पूरी तरह से नष्ट कर देगा। रोमैंटिक्स कलाकार की कल्पना, "उसकी भावनाओं की आवाज़" के बारे में बात करते हैं, जो उसे मास्टर द्वारा आवश्यक समझे जाने पर काम बंद करने की अनुमति देता है, न कि पूर्णता के शैक्षणिक मानकों के अनुसार।

यदि गेरिकॉल्ट की कल्पनाओं ने आंदोलन के संचरण पर ध्यान केंद्रित किया, रंग की जादुई शक्ति पर डेलैक्रिक्स, और जर्मनों ने इसमें एक निश्चित "पेंटिंग की भावना" को जोड़ा, तो स्पैनिशफ्रांसिस्को गोया (1746-1828) के व्यक्ति में रोमैंटिक्स ने शैली की लोककथाओं की उत्पत्ति, इसके फैंटमसेगोरिक और विचित्र चरित्र को दिखाया। गोया खुद और उनका काम किसी भी शैलीगत ढांचे से दूर दिखता है, खासकर जब से कलाकार को अक्सर प्रदर्शन सामग्री के नियमों का पालन करना पड़ता था (जब, उदाहरण के लिए, उसने बुने हुए ट्रेलिस कालीनों के लिए पेंटिंग बनाई) या ग्राहक की आवश्यकताएं।

नक़्क़ाशी श्रृंखला में उनका फैंटमसेगोरिया प्रकाश में आया "कैप्रिचोस" (1797-1799),"युद्ध की आपदाएं" (1810-1820),"डिस्पैरेंटेस ("फोलीज़")(1815-1820), मैड्रिड में "हाउस ऑफ द डेफ" और चर्च ऑफ सैन एंटोनियो डे ला फ्लोरिडा (1798) के भित्ति चित्र। 1792 में गंभीर बीमारी। कलाकार के पूर्ण बहरेपन का कारण बना। गुरु की कला एक शारीरिक और आध्यात्मिक आघात सहने के बाद अधिक एकाग्र, विचारशील, आंतरिक रूप से गतिशील हो जाती है। बहरेपन के कारण बंद बाहरी दुनिया ने गोया के आंतरिक आध्यात्मिक जीवन को सक्रिय कर दिया।

नक्काशी में "कैप्रिचोस"गोया तात्कालिक प्रतिक्रियाओं, तीव्र भावनाओं के हस्तांतरण में असाधारण शक्ति प्राप्त करता है। ब्लैक-एंड-व्हाइट प्रदर्शन, बड़े धब्बों के बोल्ड संयोजन के लिए धन्यवाद, ग्राफिक्स की रैखिकता विशेषता की अनुपस्थिति, एक पेंटिंग के सभी गुणों को प्राप्त करती है।

मैड्रिड गोया में सेंट एंथोनी के चर्च के भित्ति चित्र, ऐसा लगता है, एक सांस में। स्ट्रोक का स्वभाव, रचना की संक्षिप्तता, पात्रों की विशेषताओं की अभिव्यंजना, जिसका प्रकार गोया ने सीधे भीड़ से लिया है, अद्भुत हैं। कलाकार फ्लोरिडा के एंथोनी के चमत्कार को दर्शाता है, जिसने हत्यारे को फिर से जीवित कर दिया और बोल दिया, जिसने हत्यारे का नाम लिया और इस तरह निर्दोष रूप से निंदा करने वाले को फांसी से बचा लिया। उज्ज्वल प्रतिक्रिया करने वाली भीड़ की गतिशीलता गोया द्वारा इशारों और चित्रित चेहरों के चेहरे के भाव दोनों में व्यक्त की जाती है। चर्च के स्थान में चित्रों के वितरण की संरचनागत योजना में, चित्रकार टाईपोलो का अनुसरण करता है, लेकिन दर्शकों में वह जो प्रतिक्रिया पैदा करता है, वह बारोक नहीं है, बल्कि विशुद्ध रूप से रोमांटिक है, जो प्रत्येक दर्शक की भावना को प्रभावित करता है, उसे मुड़ने के लिए कहता है। वह स्वयं।

सबसे बढ़कर, यह लक्ष्य कॉन्टो डेल सॉर्डो ("हाउस ऑफ़ द डेफ") की पेंटिंग में हासिल किया गया है, जिसमें गोया 1819 से रहते थे। कमरों की दीवारें एक शानदार और अलंकारिक प्रकृति की पंद्रह रचनाओं से आच्छादित हैं। उन्हें समझने के लिए गहरी सहानुभूति की आवश्यकता होती है। छवियाँ शहरों, महिलाओं, पुरुषों, आदि के कुछ प्रकार के दर्शन के रूप में उत्पन्न होती हैं। रंग, चमकता है, एक आकृति को खींचता है, फिर दूसरा। समग्र रूप से पेंटिंग अंधेरा है, इसमें सफेद, पीले, गुलाबी-लाल धब्बे, परेशान करने वाली भावनाओं की चमक का प्रभुत्व है। श्रृंखला की नक्काशी "विवादास्पद" .

गोया ने पिछले 4 साल फ्रांस में बिताए। यह संभावना नहीं है कि वह जानता था कि डेलैक्रिक्स ने अपने "कैप्रिचोस" के साथ भाग नहीं लिया। और वह यह नहीं देख सकता था कि ह्यूगो और बॉडेलेयर इन नक़्क़ाशी से कैसे दूर हो जाएंगे, मानेट पर उनकी पेंटिंग का कितना बड़ा प्रभाव होगा और XIX सदी के 80 के दशक में कैसे होगा। वी. स्टासोव रूसी कलाकारों को अपने "युद्ध की आपदा" का अध्ययन करने के लिए आमंत्रित करेंगे

लेकिन हम, इसे देखते हुए, जानते हैं कि 19 वीं और 20 वीं शताब्दी की कलात्मक संस्कृति पर एक साहसिक यथार्थवादी और प्रेरित रोमांटिक की इस "शैलीहीन" कला का कितना बड़ा प्रभाव था।

सपनों की शानदार दुनिया को उनके कामों में अंग्रेजी रोमांटिक कलाकार विलियम ब्लेक (1757-1827) ने भी साकार किया है। इंगलैंडरोमांटिक साहित्य का एक उत्कृष्ट देश था। बायरन। शेली "धूमिल अल्बियन" से कहीं आगे इस आंदोलन का बैनर बन गया। फ्रांस में, "रोमांटिक लड़ाइयों" के समय की पत्रिका आलोचना में, रोमांटिक्स को "शेक्सपियरियन" कहा जाता था। अंग्रेजी चित्रकला की मुख्य विशेषता हमेशा मानव व्यक्तित्व में रुचि रही है, जिसने चित्र शैली को फलदायी रूप से विकसित करने की अनुमति दी। चित्रकला में स्वच्छंदतावाद का भावुकता से गहरा संबंध है। मध्य युग में रोमांटिक दिलचस्पी ने एक बड़े ऐतिहासिक साहित्य को जन्म दिया। जिसके मान्यता प्राप्त मास्टर वी. स्कॉट हैं। पेंटिंग में, मध्य युग के विषय ने तथाकथित पेराफेलाइट्स की उपस्थिति निर्धारित की।

विलियम ब्लेक अंग्रेजी सांस्कृतिक परिदृश्य पर एक अद्भुत प्रकार का रोमांटिक है। वह कविता लिखता है, अपनी और अन्य पुस्तकों का चित्रण करता है। उनकी प्रतिभा ने समग्र एकता में दुनिया को गले लगाने और व्यक्त करने की मांग की। उनकी सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ बाइबिल की "बुक ऑफ़ जॉब", दांते की "द डिवाइन कॉमेडी", मिल्टन की "पैराडाइज़ लॉस्ट" के लिए चित्र हैं। वह अपनी रचनाओं को नायकों के टाइटैनिक आंकड़ों के साथ आबाद करता है, जो उनके अवास्तविक प्रबुद्ध या फैंटमसेगोरिक दुनिया के परिवेश के अनुरूप है। विद्रोही गर्व या सद्भाव की भावना, विसंगतियों से पैदा करना मुश्किल है, उनके दृष्टांतों को अभिभूत करता है।

रोमन कवि वर्जिल के "पास्टोरल्स" के लिए परिदृश्य उत्कीर्णन कुछ अलग प्रतीत होता है - वे अपने पिछले कार्यों की तुलना में अधिक रमणीय रूप से रोमांटिक हैं।

ब्लेक का रूमानियतवाद अपने स्वयं के कलात्मक सूत्र और दुनिया के अस्तित्व के रूप को खोजने की कोशिश कर रहा है।

अत्यधिक गरीबी और अस्पष्टता का जीवन जीने वाले विलियम ब्लेक को उनकी मृत्यु के बाद अंग्रेजी कला के क्लासिक्स के मेजबान में स्थान दिया गया था।

XIX सदी की शुरुआत के अंग्रेजी परिदृश्य चित्रकारों के काम में। रोमांटिक शौक प्रकृति के अधिक उद्देश्य और शांत दृष्टिकोण के साथ संयुक्त होते हैं।

रोमांटिक रूप से उन्नत परिदृश्य विलियम टर्नर (1775-1851) द्वारा बनाए गए हैं। उन्हें गरज, बहाव, समुद्र में तूफान, उज्ज्वल, उग्र सूर्यास्त का चित्रण करना पसंद था। टर्नर ने अक्सर प्रकाश के प्रभावों को बढ़ा-चढ़ाकर पेश किया और प्रकृति की शांत अवस्था को चित्रित करते हुए भी रंग की ध्वनि को तेज कर दिया। अधिक प्रभाव के लिए, उन्होंने पानी के रंग की तकनीक का इस्तेमाल किया और बहुत पतली परत में तेल पेंट लगाया और सीधे जमीन पर पेंट किया, इंद्रधनुषी अतिप्रवाह प्राप्त किया। एक उदाहरण चित्र है "बारिश, भाप और गति"(1844)। लेकिन उस समय के जाने-माने आलोचक ठाकरे भी डिजाइन और निष्पादन दोनों में शायद सबसे नवीन तस्वीर को सही ढंग से नहीं समझ पाए। "गंदी पोटीन के दाग से बारिश का संकेत मिलता है," उन्होंने लिखा, "पैलेट चाकू के साथ कैनवास पर छींटे, एक सुस्त झिलमिलाहट के साथ सूरज की रोशनी गंदे पीले क्रोम की बहुत मोटी गांठों के माध्यम से टूट जाती है। म्यूट टोन के स्कार्लेट क्राप्लाक और सिनेबार स्पॉट के ठंडे रंगों द्वारा छाया को व्यक्त किया जाता है। और यद्यपि लोकोमोटिव भट्टी में आग लाल लगती है, मैं यह दावा नहीं करता कि यह कैबाल्ट या मटर के रंग से रंगा नहीं है। एक अन्य आलोचक ने टर्नर के रंग को "तले हुए अंडे और पालक" के रंग में पाया। दिवंगत टर्नर के रंग आम तौर पर समकालीनों के लिए पूरी तरह से अकल्पनीय और शानदार लगते थे। उनमें वास्तविक प्रेक्षणों के दाने को देखने में एक शताब्दी से अधिक का समय लगा। लेकिन अन्य मामलों की तरह, यह यहाँ था। एक चश्मदीद गवाह, या बल्कि, "बारिश, भाप और गति" के जन्म का एक गवाह संरक्षित किया गया है। एक निश्चित श्रीमती सिमोन वेस्टर्न एक्सप्रेस के एक डिब्बे में सवारी कर रही थीं, जिसमें एक बुजुर्ग सज्जन उनके सामने बैठे थे। उसने खिड़की खोलने की अनुमति मांगी, मूसलाधार बारिश में अपना सिर बाहर निकाल लिया और काफी देर तक उसी स्थिति में रहा। जब उसने आखिरकार खिड़की बंद कर दी। उससे झरनों में पानी टपकने लगा, लेकिन उसने खुशी से अपनी आँखें बंद कर लीं और पीछे झुक गया, स्पष्ट रूप से जो उसने अभी देखा था उसका आनंद ले रहा था। एक जिज्ञासु युवती ने अपने लिए अपनी भावनाओं का अनुभव करने का फैसला किया - उसने अपना सिर भी खिड़की से बाहर कर दिया। भीग गया। लेकिन मुझे एक अविस्मरणीय छाप मिली। उसके आश्चर्य की कल्पना कीजिए, जब एक साल बाद, लंदन में एक प्रदर्शनी में, उसने बारिश, भाप और गति देखी। उसके पीछे किसी ने गंभीर टिप्पणी की, "टर्नर की बेहद विशिष्ट, ठीक है। बेतुकी बातों का ऐसा मिश्रण कभी किसी ने नहीं देखा। और वह खुद को रोक नहीं पाई, बोली: "मैंने देखा।"

पेंटिंग में शायद यह ट्रेन की पहली छवि है। दृष्टिकोण कहीं ऊपर से लिया गया है, जिससे व्यापक मनोरम कवरेज देना संभव हो गया है। वेस्टर्न एक्सप्रेस उस गति से पुल के ऊपर से उड़ती है जो उस समय के लिए बिल्कुल असाधारण थी (150 किमी प्रति घंटे से अधिक)। इसके अलावा, बारिश के माध्यम से प्रकाश को चित्रित करने का यह संभवतः पहला प्रयास है।

XIX सदी के मध्य की अंग्रेजी कला। टर्नर की पेंटिंग की तुलना में पूरी तरह से अलग दिशा में विकसित हुई। हालाँकि उनके कौशल को आम तौर पर पहचाना जाता था, लेकिन कोई भी युवा उनका अनुसरण नहीं करता था।

टर्नर को लंबे समय से प्रभाववाद का अग्रदूत माना जाता है। ऐसा प्रतीत होता है कि यह फ्रांसीसी कलाकार थे जिन्हें प्रकाश से रंग की अपनी खोज को और विकसित करना चाहिए था। लेकिन ऐसा बिल्कुल नहीं है। अनिवार्य रूप से, प्रभाववादियों पर टर्नर का प्रभाव 1899 में प्रकाशित पॉल सिग्नैक के फ्रॉम डेलैक्रिक्स टू नियो-इंप्रेशनिज़्म तक जाता है, जहां उन्होंने बताया कि कैसे "1871 में, लंदन में अपने लंबे प्रवास के दौरान, क्लॉड मानेट और केमिली पिसारो ने टर्नर की खोज की। वे उसके रंगों के आत्मविश्वास और जादुई गुणों से अचंभित थे, उन्होंने उसके काम का अध्ययन किया, उसकी तकनीक का विश्लेषण किया। सबसे पहले वे बर्फ और बर्फ के उनके चित्रण से चकित थे, जिस तरह से वह बर्फ की सफेदी की भावना व्यक्त करने में सक्षम थे, जो वे खुद नहीं कर सकते थे, ब्रश के व्यापक स्ट्रोक के साथ सपाट सफेद रंग के बड़े पैच के साथ। . उन्होंने देखा कि यह छाप केवल सफेदी से हासिल नहीं की गई थी। और बहुरंगी स्ट्रोक का एक द्रव्यमान। यदि आप उन्हें दूर से देखते हैं, तो वे एक के बाद एक प्रभावित होते हैं, जिससे यह आभास होता है।

इन वर्षों के दौरान, सिग्नैक बिंदुवाद के अपने सिद्धांत की पुष्टि के लिए हर जगह देख रहा था। लेकिन टर्नर की किसी भी पेंटिंग में जिसे फ्रांसीसी कलाकार 1871 में राष्ट्रीय गैलरी में देख सकते थे, साइनैक द्वारा वर्णित पॉइंटिलिज़्म की एक तकनीक है, न ही "सफेदी के व्यापक धब्बे" हैं। 1870 ई, और 1890 के दशक में।

पॉल साइनैक द्वारा टर्नर का सबसे अधिक ध्यान से अध्ययन किया गया था - न केवल प्रभाववाद के अग्रदूत के रूप में, जिसके बारे में उन्होंने अपनी पुस्तक में लिखा था, बल्कि एक महान अभिनव कलाकार के रूप में भी। टर्नर की बाद की पेंटिंग्स "रेन, स्टीम एंड स्पीड", "एक्साइल", "मॉर्निंग" और "इवनिंग ऑफ द फ्लड" के बारे में, सिग्नैक ने अपने दोस्त एंग्रैंड को लिखा: शब्द का सुंदर अर्थ।

साइनैक के उत्साही मूल्यांकन ने टर्नर की सचित्र खोज की आधुनिक समझ की शुरुआत की। लेकिन हाल के वर्षों में, कभी-कभी ऐसा होता है कि वे उसकी खोज की दिशाओं के सबटेक्स्ट और जटिलता को ध्यान में नहीं रखते हैं, एकतरफा रूप से टर्नर के वास्तव में अधूरे "अंडरपेंटिंग्स" से उदाहरणों का चयन करते हुए, उसमें प्रभाववाद के पूर्ववर्ती की खोज करने की कोशिश करते हैं।

नवीनतम कलाकारों में से, सब कुछ स्वाभाविक रूप से मोनेट के साथ तुलना का सुझाव देता है, जिन्होंने खुद पर टर्नर के प्रभाव को पहचाना। यहां तक ​​​​कि एक प्लॉट भी है जो दोनों में बिल्कुल समान है - अर्थात् रूयन कैथेड्रल का पश्चिमी पोर्टल। लेकिन अगर मोनेट हमें इमारत की सौर प्रकाश व्यवस्था का अध्ययन देता है, तो वह हमें गोथिक नहीं देता है, लेकिन कुछ प्रकार के नग्न मॉडल, टर्नर में आप समझते हैं कि कलाकार, पूरी तरह से प्रकृति में लीन क्यों, इस विषय में रुचि रखता है - उसके में छवि यह संपूर्ण और अनंत की अत्यधिक भव्यता का संयोजन है जो विभिन्न प्रकार के विवरणों पर प्रहार करता है जो गॉथिक कला की कृतियों को प्रकृति के कार्यों के करीब लाता है।

अंग्रेजी संस्कृति और रोमांटिक कला की विशेष प्रकृति ने पहले प्लेन एयर आर्टिस्ट के उभरने की संभावना को खोल दिया, जिन्होंने 19 वीं शताब्दी में जॉन कॉन्स्टेबल (1776-1837) में प्रकृति की हल्की-फुल्की छवि की नींव रखी। अंग्रेज कॉन्स्टेबल परिदृश्य को अपनी पेंटिंग की मुख्य शैली के रूप में चुनते हैं: “दुनिया महान है; कोई दो दिन एक जैसे नहीं होते, दो घंटे भी एक जैसे नहीं होते; दुनिया के निर्माण के बाद से, एक पेड़ पर कोई भी दो पत्ते समान नहीं रहे हैं, और वास्तविक कला के सभी कार्य, प्रकृति की रचनाओं की तरह, एक दूसरे से भिन्न हैं," उन्होंने कहा।

कॉन्स्टेबल ने प्रकृति की विभिन्न अवस्थाओं के सूक्ष्म अवलोकन के साथ खुली हवा में तेल के बड़े-बड़े रेखाचित्र बनाए उनमें वह प्रकृति के आंतरिक जीवन और उसके दैनिक जीवन की जटिलता को व्यक्त करने में सक्षम था। ("हेम्पस्टेड हिल्स से हाईगेट का दृश्य"), ठीक है। 1834; "हे कार्ट" 1821; "डेथम वैली", सी. 1828) ने लेखन तकनीकों की मदद से इसे हासिल किया। उन्होंने मूविंग स्ट्रोक्स के साथ पेंटिंग की, कभी मोटी और खुरदरी, कभी चिकनी और अधिक पारदर्शी। प्रभाववादी इस सदी के अंत में ही आएंगे। कॉन्स्टेबल की अभिनव पेंटिंग ने डेलैक्रिक्स के कार्यों के साथ-साथ फ्रांसीसी परिदृश्य के संपूर्ण विकास को प्रभावित किया।

कॉन्स्टेबल की कला, साथ ही गेरिकॉल्ट के काम के कई पहलुओं ने, 19 वीं शताब्दी की यूरोपीय कला में एक यथार्थवादी प्रवृत्ति के उद्भव को चिह्नित किया, जो शुरू में रूमानियत के समानांतर विकसित हुई थी। बाद में उनके रास्ते अलग हो गए।

रोमान्टिक मानव आत्मा की दुनिया को खोलते हैं, व्यक्ति, किसी और के विपरीत, लेकिन ईमानदार और इसलिए दुनिया की सभी कामुक दृष्टि के करीब। पेंटिंग में छवि की तात्कालिकता, जैसा कि गेलाक्रॉइक्स ने कहा, और साहित्यिक प्रदर्शन में इसकी निरंतरता नहीं, आंदोलन के सबसे जटिल प्रसारण पर कलाकारों का ध्यान केंद्रित किया, जिसके लिए नए औपचारिक और रंगीन समाधान पाए गए। स्वच्छंदतावाद ने XIX सदी की दूसरी छमाही की विरासत को छोड़ दिया। इन सभी समस्याओं और कलात्मक व्यक्तित्व को अकादमिकता के नियमों से मुक्त किया गया। 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की कला में, प्रतीक, जो रोमांटिक्स के बीच विचार और जीवन के आवश्यक संयोजन को व्यक्त करने वाला था। विचारों की विविधता और आसपास की दुनिया पर कब्जा करते हुए, कलात्मक छवि की पॉलीफोनी में घुल जाता है।

बी) संगीत

कला संश्लेषण के विचार को रूमानियत की विचारधारा और व्यवहार में अभिव्यक्ति मिली। 19 वीं शताब्दी के 20 के दशक में रोमांटिकतावाद के साहित्य के प्रभाव में संगीत में स्वच्छंदतावाद ने आकार लिया और इसके साथ निकट संबंध में विकसित हुआ, सामान्य रूप से साहित्य (सिंथेटिक शैलियों, मुख्य रूप से ओपेरा, गीत, वाद्य लघुचित्र और संगीत प्रोग्रामिंग की ओर मुड़ते हुए)। एक व्यक्ति की आंतरिक दुनिया के लिए अपील, रोमांटिकतावाद की विशेषता, व्यक्तिपरक के पंथ में व्यक्त की गई थी, भावनात्मक रूप से तीव्र होने की लालसा, जिसने रोमांटिकतावाद में संगीत और गीत की प्रधानता को निर्धारित किया।

उन्नीसवीं सदी के पहले भाग का संगीत। तेजी से विकसित हुआ। एक नई संगीतमय भाषा का उदय हुआ; वाद्य और कक्ष-मुखर संगीत में, लघुचित्र को एक विशेष स्थान प्राप्त हुआ; ऑर्केस्ट्रा रंगों के विविध स्पेक्ट्रम के साथ लग रहा था; पियानो और वायलिन की संभावनाओं को एक नए तरीके से प्रकट किया गया; रोमांटिक लोगों का संगीत बहुत गुणी था।

संगीतमय रूमानियत ने विभिन्न राष्ट्रीय संस्कृतियों और विभिन्न सामाजिक आंदोलनों से जुड़ी कई अलग-अलग शाखाओं में खुद को प्रकट किया। इसलिए, उदाहरण के लिए, जर्मन रोमांटिक्स की अंतरंग, गीतात्मक शैली और फ्रांसीसी संगीतकारों के काम की विशेषता "वक्तृत्व" नागरिक मार्ग काफी भिन्न हैं। बदले में, एक व्यापक राष्ट्रीय मुक्ति आंदोलन (चोपिन, मोनियस्ज़को, ड्वोरक, स्मेताना, ग्रिग) के आधार पर उभरे नए राष्ट्रीय स्कूलों के प्रतिनिधि, साथ ही साथ इतालवी ओपेरा स्कूल के प्रतिनिधि, रिसर्जेंटो आंदोलन (वर्डी, वर्डी) के साथ निकटता से जुड़े हुए हैं। बेलिनी), कई मायनों में जर्मनी, ऑस्ट्रिया या फ्रांस के समकालीनों से भिन्न हैं, विशेष रूप से, शास्त्रीय परंपराओं को संरक्षित करने की प्रवृत्ति।

फिर भी, उन सभी को कुछ सामान्य कलात्मक सिद्धांतों द्वारा चिह्नित किया जाता है जो हमें विचार की एकल रोमांटिक संरचना के बारे में बात करने की अनुमति देते हैं।

मानव अनुभवों की समृद्ध दुनिया को गहराई से और मर्मज्ञ रूप से प्रकट करने की संगीत की विशेष क्षमता के कारण, इसे रोमांटिक सौंदर्यशास्त्र द्वारा अन्य कलाओं में पहले स्थान पर रखा गया था। कई रोमैंटिक्स ने संगीत की सहज शुरुआत पर जोर दिया, इसके लिए "अनजाने" को व्यक्त करने की संपत्ति को जिम्मेदार ठहराया। उत्कृष्ट रोमांटिक संगीतकारों के काम का एक मजबूत यथार्थवादी आधार था। सामान्य लोगों के जीवन में रुचि, जीवन की परिपूर्णता और भावनाओं की सच्चाई, रोजमर्रा की जिंदगी के संगीत पर निर्भरता ने संगीतमय रूमानियत के सर्वश्रेष्ठ प्रतिनिधियों के काम के यथार्थवाद को निर्धारित किया। प्रतिक्रियात्मक प्रवृत्तियाँ (रहस्यवाद, वास्तविकता से उड़ान) केवल रोमांटिक कार्यों की अपेक्षाकृत कम संख्या में निहित हैं। वे वेबर (1823) द्वारा ओपेरा यूरींटा में भाग में, वाग्नेर द्वारा कुछ संगीत नाटकों में, लिस्केट (1862) द्वारा ऑरेटोरियो क्राइस्ट, आदि में दिखाई दिए।

19वीं शताब्दी की शुरुआत तक, लोककथाओं, इतिहास, प्राचीन साहित्य, मध्यकालीन किंवदंतियों, गॉथिक कला और पुनर्जागरण की संस्कृति के मौलिक अध्ययन दिखाई दिए, जिन्हें भुला दिया गया था। यह इस समय था कि यूरोप के संगीतकार के काम में एक विशेष प्रकार के कई राष्ट्रीय स्कूल विकसित हुए, जो सामान्य यूरोपीय संस्कृति की सीमाओं का विस्तार करने के लिए नियत थे। रूसी, जिसने जल्द ही लिया, यदि पहले नहीं, तो विश्व सांस्कृतिक रचनात्मकता में पहले स्थानों में से एक (ग्लिंका, डार्गोमेज़्स्की, "कुचकिस्ट्स", त्चिकोवस्की), पोलिश (चोपिन, मोनियसज़को), चेक (खट्टा क्रीम, ड्वोरक), हंगेरियन ( सूची), फिर नॉर्वेजियन (ग्रिग), स्पैनिश (पेड्रेल), फिनिश (सिबेलियस), अंग्रेजी (एल्गर) - ये सभी, यूरोप में संगीतकार की रचनात्मकता की सामान्य मुख्यधारा में विलय कर रहे हैं, किसी भी तरह से स्थापित प्राचीन परंपराओं का विरोध नहीं किया। . राष्ट्रीय संस्कृति की अनूठी राष्ट्रीय विशेषताओं को व्यक्त करते हुए छवियों का एक नया चक्र उभरा, जिसमें संगीतकार का संबंध था। कार्य की स्वर-शैली संरचना आपको किसी विशेष राष्ट्रीय विद्यालय से संबंधित कान से तुरंत पहचानने की अनुमति देती है।

संगीतकार आम यूरोपीय संगीत भाषा में पुराने, मुख्य रूप से अपने देशों के किसान लोककथाओं के आंतरिक मोड़ों को शामिल करते हैं। वे, जैसा कि यह था, रूसी लोक गीत को लाख ओपेरा से साफ किया गया था, उन्होंने 18 वीं शताब्दी के लोक-रोजमर्रा की शैलियों के गीत के महानगरीय स्वर प्रणाली में पेश किया। रूमानियत के संगीत में सबसे हड़ताली घटना, जिसे विशेष रूप से क्लासिकवाद के आलंकारिक क्षेत्र की तुलना में स्पष्ट रूप से माना जाता है, गीतात्मक-मनोवैज्ञानिक सिद्धांत का प्रभुत्व है। बेशक, सामान्य रूप से संगीत कला की एक विशिष्ट विशेषता भावनाओं के क्षेत्र के माध्यम से किसी भी घटना का अपवर्तन है। सभी युगों का संगीत इसी पैटर्न के अधीन है। लेकिन प्रेमकथाओं ने अपने संगीत में गीतात्मक शुरुआत के मूल्य में अपने सभी पूर्ववर्तियों को पीछे छोड़ दिया, किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया की गहराई, मनोदशा के सूक्ष्मतम रंगों को व्यक्त करने में शक्ति और पूर्णता।

प्रेम का विषय इसमें एक प्रमुख स्थान रखता है, क्योंकि यह मन की वह स्थिति है जो मानव मानस की सभी गहराई और बारीकियों को सबसे व्यापक और पूरी तरह से दर्शाती है। लेकिन यह अत्यधिक विशेषता है कि यह विषय शब्द के शाब्दिक अर्थों में प्रेम के उद्देश्यों तक सीमित नहीं है, बल्कि इसकी व्यापक श्रेणी की घटनाओं से पहचान की जाती है। एक व्यापक ऐतिहासिक चित्रमाला की पृष्ठभूमि के खिलाफ पात्रों के विशुद्ध रूप से गेय अनुभव प्रकट होते हैं। एक व्यक्ति का अपने घर के लिए, अपनी पितृभूमि के लिए, अपने लोगों के लिए प्यार सभी रोमांटिक संगीतकारों के काम के माध्यम से एक धागे की तरह चलता है।

प्रकृति की छवि के लिए छोटे और बड़े रूपों के संगीत कार्यों में एक विशाल स्थान दिया गया है, जो गीतात्मक स्वीकारोक्ति के विषय के साथ घनिष्ठ रूप से जुड़ा हुआ है। प्रेम की छवियों की तरह, प्रकृति की छवि नायक की मन: स्थिति को व्यक्त करती है, इसलिए अक्सर वास्तविकता के साथ असहमति की भावना से रंगी होती है।

फंतासी का विषय अक्सर प्रकृति की छवियों के साथ प्रतिस्पर्धा करता है, जो संभवतः वास्तविक जीवन की कैद से बचने की इच्छा से उत्पन्न होता है। रोमैंटिक के लिए विशिष्ट दुनिया के रंगों की समृद्धि के साथ एक अद्भुत, स्पार्कलिंग की खोज थी, ग्रे रोजमर्रा की जिंदगी के विपरीत। यह इन वर्षों के दौरान था कि साहित्य रूसी लेखकों की परियों की कहानियों, गाथागीतों से समृद्ध था। रोमांटिक स्कूल के रचनाकारों में, शानदार, शानदार छवियां एक राष्ट्रीय अद्वितीय रंग प्राप्त करती हैं। गाथागीत रूसी लेखकों से प्रेरित हैं, और इसके लिए धन्यवाद, एक शानदार विचित्र योजना के काम बनाए गए हैं, जो विश्वास के गलत पक्ष का प्रतीक है, जो बुराई की ताकतों के डर के विचारों को उलटने का प्रयास करता है।

कई रोमांटिक संगीतकारों ने संगीत लेखकों और आलोचकों (वेबर, बर्लियोज़, वैगनर, लिस्केट, आदि) के रूप में भी काम किया। प्रगतिशील रूमानियत के प्रतिनिधियों के सैद्धांतिक काम ने संगीत कला के सबसे महत्वपूर्ण मुद्दों के विकास में बहुत महत्वपूर्ण योगदान दिया। स्वच्छंदतावाद को प्रदर्शन कलाओं (वायलिन वादक पागनिनी, गायक ए. नूरी और अन्य) में भी अभिव्यक्ति मिली।

इस अवधि में स्वच्छंदतावाद का प्रगतिशील अर्थ मुख्य रूप से गतिविधि में निहित है फ्रांज़ लिज़्ज़त. लिस्केट का काम, विरोधाभासी विश्वदृष्टि के बावजूद, मूल रूप से प्रगतिशील, यथार्थवादी था। हंगेरियन संगीत के संस्थापकों और क्लासिक्स में से एक, एक उत्कृष्ट राष्ट्रीय कलाकार।

लिस्केट के कई कार्यों में हंगेरियन राष्ट्रीय विषय व्यापक रूप से परिलक्षित होते हैं। लिस्केट की रोमांटिक, कलाप्रवीण रचनाओं ने पियानो बजाने (कॉन्सर्ट, सोनटास) की तकनीकी और अभिव्यंजक संभावनाओं का विस्तार किया। रूसी संगीत के प्रतिनिधियों के साथ लिस्केट के संबंध महत्वपूर्ण थे, जिनके कामों को उन्होंने सक्रिय रूप से बढ़ावा दिया।

उसी समय, लिस्केट ने विश्व संगीत कला के विकास में एक बड़ी भूमिका निभाई। लिस्केट के बाद, "पियानोफोर्टे के लिए सब कुछ संभव हो गया।" उनके संगीत की विशिष्ट विशेषताएं हैं कामचलाऊ व्यवस्था, भावनाओं का रोमांटिक उत्साह, अभिव्यंजक माधुर्य। लिस्केट को एक संगीतकार, कलाकार, संगीतमय व्यक्ति के रूप में महत्व दिया जाता है। संगीतकार की प्रमुख रचनाएँ: ओपेरा " डॉन सांचो या प्यार का महल”(1825), 13 सिम्फोनिक पोयम्स” टैसो ”, ” प्रोमेथियस ”, “छोटा गांव” और अन्य, ऑर्केस्ट्रा के लिए काम करता है, पियानो और ऑर्केस्ट्रा के लिए 2 संगीत कार्यक्रम, 75 रोमांस, गाना बजानेवालों और अन्य समान रूप से प्रसिद्ध काम करता है।

संगीत में रूमानियत की पहली अभिव्यक्तियों में से एक रचनात्मकता थी फ्रांज शुबर्ट(1797-1828)। शूबर्ट ने संगीत के इतिहास में सबसे बड़े संगीत रोमांटिकतावाद के संस्थापक और कई नई शैलियों के निर्माता के रूप में प्रवेश किया: रोमांटिक सिम्फनी, पियानो लघु, गीत-रोमांटिक गीत (रोमांस)। उनके काम में सबसे महत्वपूर्ण है गाना,जिसमें उन्होंने विशेष रूप से अनेक नवीन प्रवृत्तियों का परिचय दिया। शुबर्ट के गीतों में, किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया सबसे अधिक गहराई से प्रकट होती है, लोक संगीत के साथ उसका विशिष्ट संबंध सबसे अधिक ध्यान देने योग्य है, उसकी प्रतिभा की सबसे आवश्यक विशेषताओं में से एक सबसे स्पष्ट है - अद्भुत विविधता, सुंदरता, धुनों का आकर्षण। प्रारंभिक काल के सर्वश्रेष्ठ गीत हैं “ चरखा पर मार्गरीटा ”(1814) , “वन राजा"। दोनों गाने गोएथे के शब्दों में लिखे गए हैं। उनमें से पहले में, परित्यक्त लड़की अपने प्रेमी को याद करती है। वह अकेली और गहरी पीड़ा में है, उसका गीत उदास है। एक सरल और ईमानदार राग केवल हवा के नीरस गुनगुनाहट से प्रतिध्वनित होता है। "द फॉरेस्ट किंग" एक जटिल काम है। यह एक गीत नहीं है, बल्कि एक नाटकीय दृश्य है जहां तीन पात्र हमारे सामने आते हैं: एक पिता जंगल के माध्यम से घोड़े की सवारी करता है, एक बीमार बच्चा जिसे वह अपने साथ ले जा रहा है, और एक दुर्जेय वन राजा जो बुखार में एक लड़के को दिखाई देता है। प्रलाप। उनमें से प्रत्येक की अपनी मधुर भाषा है। शुबर्ट के गाने "ट्राउट", "बारकारोल", "मॉर्निंग सेरेनेड" कम प्रसिद्ध और प्रिय नहीं हैं। बाद के वर्षों में लिखे गए, ये गीत आश्चर्यजनक रूप से सरल और अभिव्यंजक माधुर्य और ताज़ा रंगों के लिए उल्लेखनीय हैं।

शूबर्ट ने भी गीतों के दो चक्र लिखे - " सुंदर मिलर"(1823), और" सर्दियों का रास्ता”(1872) - जर्मन कवि विल्हेम मुलर के शब्दों में। उनमें से प्रत्येक में, गाने एक साजिश से एकजुट होते हैं। चक्र के गाने "द ब्यूटीफुल मिलर वुमन" एक युवा लड़के के बारे में बताता है। नदी की धारा का अनुसरण करते हुए, वह अपनी खुशी की तलाश के लिए यात्रा पर निकल जाता है। इस चक्र के अधिकांश गीतों में एक हल्का चरित्र होता है। "विंटर वे" चक्र का मिजाज पूरी तरह से अलग है। एक अमीर दुल्हन द्वारा एक गरीब युवक को अस्वीकार कर दिया जाता है। हताशा में, वह अपने मूल शहर को छोड़कर दुनिया घूमने चला जाता है। उसके साथी हवा, एक बर्फ़ीला तूफ़ान, एक भयावह कौआ है।

यहाँ दिए गए कुछ उदाहरण हमें शूबर्ट की गीत लेखन की विशेषताओं के बारे में बात करने की अनुमति देते हैं।

शुबर्ट को लिखने का शौक था पियानो संगीत. इस यंत्र के लिए उन्होंने बड़ी संख्या में रचनाएँ लिखीं। गानों की तरह, उनके पियानो के काम रोज़मर्रा के संगीत के करीब थे और उतने ही सरल और समझने योग्य थे। उनकी रचनाओं की पसंदीदा विधाएँ नृत्य, मार्च और उनके जीवन के अंतिम वर्षों में थीं - अचानक।

वाल्ट्ज़ और अन्य नृत्य आमतौर पर शूबर्ट की गेंदों पर, देश की सैर पर दिखाई देते हैं। वहां उन्होंने उन्हें सुधारा, और उन्हें घर पर रिकॉर्ड किया।

अगर हम शूबर्ट के पियानो के टुकड़ों की तुलना उनके गीतों से करें, तो हम कई समानताएँ पा सकते हैं। सबसे पहले, यह एक महान मधुर अभिव्यंजना, अनुग्रह, प्रमुख और मामूली का रंगीन रस है।

सबसे बड़े में से एक फ्रेंच 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के संगीतकार जॉर्जेस बिज़ेटसंगीत थिएटर के लिए एक अमर रचना के निर्माता - ओपेरा “कारमेन”और अल्फोंस डौडेट द्वारा नाटक के लिए अद्भुत संगीत“ आर्लेसियन ”.

बिज़ेट के काम की विशेषता विचार की सटीकता और स्पष्टता, अभिव्यंजक साधनों की नवीनता और ताजगी, रूप की पूर्णता और लालित्य है। बिज़ेट को मानवीय भावनाओं और कार्यों को समझने में मनोवैज्ञानिक विश्लेषण की तीक्ष्णता की विशेषता है, जो संगीतकार के महान हमवतन - लेखक बाल्ज़ाक, फ़्लॉबर्ट, मौपासेंट के काम की विशेषता है। शैलियों में विविध, बिज़ेट के काम में केंद्रीय स्थान ओपेरा का है। संगीतकार की ऑपरेटिव कला राष्ट्रीय धरती पर उठी और फ्रेंच ओपेरा हाउस की परंपराओं द्वारा पोषित हुई। बिज़ेट ने फ्रेंच ओपेरा में मौजूद शैली प्रतिबंधों को दूर करने के लिए अपने काम में पहला कार्य माना, जो इसके विकास में बाधा डालता है। "बड़ा" ओपेरा उसे एक मृत शैली लगता है, गेय ओपेरा अपनी अशांति और क्षुद्र-बुर्जुआ संकीर्णता से चिढ़ता है, हास्य दूसरों की तुलना में अधिक ध्यान देने योग्य है। बिज़ेट के ओपेरा में पहली बार, रसदार और जीवंत घरेलू और सामूहिक दृश्य दिखाई देते हैं, जीवन और ज्वलंत दृश्यों की आशा करते हैं।

अल्फोंस डौडेट के नाटक के लिए बिज़ेट का संगीत "अर्लेसियन” मुख्य रूप से दो कॉन्सर्ट सुइट्स के लिए जाना जाता है जो उसके सबसे अच्छे नंबरों से बने हैं। बिज़ेट ने कुछ प्रामाणिक प्रोवेन्सल धुनों का इस्तेमाल किया : "तीन राजाओं का मार्च"और "उग्र घोड़ों का नृत्य"।

बिज़ेट का ओपेरा कारमेन” एक संगीतमय नाटक है जो दर्शकों के सामने सत्यता और मनोरम कलात्मक शक्ति के साथ अपने नायकों के प्रेम और मृत्यु की कहानी को प्रकट करता है: सैनिक जोस और जिप्सी कारमेन। ओपेरा कारमेन फ्रांसीसी संगीत थिएटर की परंपराओं के आधार पर बनाया गया था, लेकिन साथ ही इसने बहुत सी नई चीजों को भी पेश किया। राष्ट्रीय ओपेरा की सर्वश्रेष्ठ उपलब्धियों और इसके सबसे महत्वपूर्ण तत्वों में सुधार के आधार पर, बिज़ेट ने एक नई शैली बनाई - एक यथार्थवादी संगीत नाटक।

19 वीं शताब्दी के ओपेरा हाउस के इतिहास में, ओपेरा कारमेन पहले स्थानों में से एक है। 1876 ​​से, वियना, ब्रुसेल्स और लंदन के ओपेरा हाउसों के चरणों में उसका विजयी जुलूस शुरू हुआ।

पर्यावरण के लिए एक व्यक्तिगत संबंध की अभिव्यक्ति कवियों और संगीतकारों द्वारा व्यक्त की गई थी, सबसे पहले, तात्कालिकता, भावनात्मक "खुलेपन" और अभिव्यक्ति के जुनून में, स्वर की निरंतर तीव्रता की मदद से श्रोता को समझाने के प्रयास में मान्यता या स्वीकारोक्ति।

कला में इन नई प्रवृत्तियों का उद्भव पर निर्णायक प्रभाव पड़ा गीत ओपेरा. यह "भव्य" और हास्य ओपेरा के विपरीत के रूप में उभरा, लेकिन यह ऑपरेटिव नाट्यशास्त्र और संगीत अभिव्यक्ति के साधनों के क्षेत्र में उनकी विजय और उपलब्धियों से नहीं गुजर सका।

नई ओपेरा शैली की एक विशिष्ट विशेषता किसी ऐतिहासिक, दार्शनिक या आधुनिक विषय पर - किसी भी साहित्यिक कथानक की गीतात्मक व्याख्या थी। गेय ओपेरा के नायक सामान्य लोगों की विशेषताओं से संपन्न होते हैं, विशिष्टता से रहित होते हैं और कुछ अतिशयोक्ति, एक रोमांटिक ओपेरा की विशेषता होती है। लिरिक ओपेरा के क्षेत्र में सबसे महत्वपूर्ण कलाकार थे चार्ल्स गुनोद।

गुनोद की कई ऑपरेटिव विरासतों में से, ओपेरा " फॉस्ट"एक विशेष और, कोई कह सकता है, असाधारण स्थान रखता है। गुनोद के अन्य ओपेरा में उनकी विश्वव्यापी प्रसिद्धि और लोकप्रियता बेजोड़ है। ओपेरा फॉस्ट का ऐतिहासिक महत्व विशेष रूप से महान है क्योंकि यह न केवल सबसे अच्छा था, बल्कि नई दिशा के ओपेरा में पहला था, जिसके बारे में त्चिकोवस्की ने लिखा था: "इस बात से इनकार करना असंभव है कि फॉस्ट लिखा गया था, अगर नहीं प्रतिभा, फिर असाधारण कौशल और महत्वपूर्ण पहचान के बिना। Faust की छवि में, उसकी चेतना की तीव्र असंगति और "द्विभाजन", दुनिया को जानने की इच्छा के कारण होने वाले शाश्वत असंतोष को सुचारू किया जाता है। गुनोद गोएथे के मेफिस्टोफिल्स की छवि की सभी बहुमुखी प्रतिभा और जटिलता को व्यक्त नहीं कर सके, जिन्होंने उस युग की उग्रवादी आलोचना की भावना को मूर्त रूप दिया।

"फॉस्ट" की लोकप्रियता का एक मुख्य कारण यह था कि इसने गेय ओपेरा की युवा शैली की सबसे अच्छी और मौलिक रूप से नई विशेषताओं पर ध्यान केंद्रित किया: ओपेरा पात्रों की आंतरिक दुनिया का एक भावनात्मक रूप से प्रत्यक्ष और स्पष्ट रूप से व्यक्तिगत हस्तांतरण। गोएथ्स फॉस्ट का गहरा दार्शनिक अर्थ, जिसने मुख्य पात्रों के संघर्ष के उदाहरण पर सभी मानव जाति के ऐतिहासिक और सामाजिक नियति को प्रकट करने की कोशिश की, गुनोद द्वारा मार्गुएराइट और फॉस्ट के मानवीय गीतात्मक नाटक के रूप में सन्निहित था।

फ्रांसीसी संगीतकार, कंडक्टर, संगीत समीक्षक हेक्टर बर्लियोज़संगीत के इतिहास में सबसे बड़े रोमांटिक संगीतकार, प्रोग्राम सिम्फनी के निर्माता, संगीत रूप, सद्भाव और विशेष रूप से इंस्ट्रूमेंटेशन के क्षेत्र में प्रर्वतक के रूप में प्रवेश किया। उनके काम में, उन्हें क्रांतिकारी पथ और वीरता की विशेषताओं का एक विशद अवतार मिला। बर्लियोज़ एम. ग्लिंका से परिचित थे, जिनके संगीत की उन्होंने बहुत सराहना की। वह "माइटी हैंडफुल" के नेताओं के साथ दोस्ताना शर्तों पर थे, जिन्होंने उनके लेखन और रचनात्मक सिद्धांतों को उत्साहपूर्वक स्वीकार किया।

उन्होंने ओपेरा सहित 5 संगीतमय मंचीय रचनाएँ बनाईं बेनवेन्यूटो सिलिनी ”(1838), “ ट्रोजन ”,”बीट्राइस और बेनेडिक्ट(शेक्सपियर की कॉमेडी मच एडो अबाउट नथिंग पर आधारित, 1862); 23 मुखर और सिम्फ़ोनिक कार्य, 31 रोमांस, गायन, उन्होंने "ग्रेट ट्रीटीज़ ऑन मॉडर्न इंस्ट्रूमेंटेशन एंड ऑर्केस्ट्रेशन" (1844), "इवनिंग्स इन द ऑर्केस्ट्रा" (1853), "थ्रू सॉन्ग्स" (1862), "म्यूजिकल क्यूरियोसिटीज़" किताबें लिखीं। (1859), "संस्मरण" (1870), लेख, समीक्षाएं।

जर्मन संगीतकार, कंडक्टर, नाटककार, प्रचारक रिचर्ड वैगनरविश्व संगीत संस्कृति के इतिहास में सबसे महान संगीत रचनाकारों और ऑपरेटिव कला के प्रमुख सुधारकों में से एक के रूप में प्रवेश किया। उनके सुधारों का लक्ष्य नाटकीय रूप में एक स्मारकीय प्रोग्रामेटिक वोकल-सिम्फ़ोनिक कार्य बनाना था, जिसे सभी प्रकार के ओपेरा और सिम्फ़ोनिक संगीत को बदलने के लिए डिज़ाइन किया गया था। ऐसा काम एक संगीतमय नाटक था, जिसमें संगीत एक सतत धारा में बहता है, सभी नाटकीय कड़ियों को एक साथ मिलाता है। समाप्त गायन को अस्वीकार करते हुए, वैगनर ने उन्हें एक तरह के भावनात्मक रूप से समृद्ध पुनरावर्ती के साथ बदल दिया। वैगनर के ओपेरा में एक बड़े स्थान पर स्वतंत्र ऑर्केस्ट्रल एपिसोड का कब्जा है, जो विश्व सिम्फोनिक संगीत में एक महत्वपूर्ण योगदान है।

वैगनर के हाथ में 13 ओपेरा हैं:“ द फ्लाइंग डचमैन ”(1843),“ तन्नहौसर ”(1845),“ ट्रिस्टन एंड आइसोल्ड ”(1865),“ गोल्ड ऑफ द राइन ”(1869)और आदि।; गाना बजानेवालों, पियानो के टुकड़े, रोमांस।

एक और उत्कृष्ट जर्मन संगीतकार, कंडक्टर, पियानोवादक, शिक्षक और संगीतकार थे फेलिक्स मेंडेलसोहन-बार्थोल्डी. 9 साल की उम्र से उन्होंने एक पियानोवादक के रूप में प्रदर्शन करना शुरू किया, 17 साल की उम्र में उन्होंने एक उत्कृष्ट कृति बनाई - एक कॉमेडी के लिए एक प्रस्ताव " सी वह गर्मी की रात में है"शेक्सपियर। 1843 में उन्होंने लीपज़िग में जर्मनी में पहली कंज़र्वेटरी की स्थापना की। मेंडेलसोहन के काम में, "रोमांटिक्स के बीच एक क्लासिक", रोमांटिक विशेषताओं को सोच की शास्त्रीय प्रणाली के साथ जोड़ा जाता है। उनके संगीत में उज्ज्वल माधुर्य, अभिव्यक्ति का लोकतंत्रवाद, भावनाओं का संयम, विचार की शांति, उज्ज्वल भावनाओं की प्रबलता, गीतात्मक मनोदशा, बिना भावुकता के मामूली स्पर्श, त्रुटिहीन रूप, शानदार शिल्प कौशल की विशेषता है। आर। शुमान ने उन्हें "19 वीं शताब्दी का मोजार्ट", जी। हेइन - "एक संगीत चमत्कार" कहा।

परिदृश्य रोमांटिक सिम्फनी ("स्कॉटिश", "इतालवी") के लेखक, प्रोग्राम कॉन्सर्ट ओवरचर, एक लोकप्रिय वायलिन कंसर्ट, पियानोफोर्ते के लिए टुकड़ों के चक्र "सॉन्ग विदाउट वर्ड्स"; ओपेरा कैमाचो की शादी। उन्होंने नाटकीय नाटक एंटीगोन (1841), सोफोकल्स द्वारा कोलन में ओडिपस (1845), रैसीन द्वारा अटालिया (1845), शेक्सपियर की ए मिडसमर नाइट्स ड्रीम (1843) और अन्य के लिए संगीत लिखा; oratorios "पॉल" (1836), "एलिजा" (1846); 2 संगीत कार्यक्रम पियानो के लिए और 2 वायलिन के लिए।

में इतालवीसंगीत की संस्कृति एक विशेष स्थान Giuseppe Verdi का है - एक उत्कृष्ट संगीतकार, कंडक्टर, आयोजक। वर्डी के काम का मुख्य क्षेत्र ओपेरा है। उन्होंने मुख्य रूप से वीर-देशभक्ति की भावनाओं और इतालवी लोगों के राष्ट्रीय मुक्ति विचारों के प्रवक्ता के रूप में कार्य किया। बाद के वर्षों में, उन्होंने सामाजिक असमानता, हिंसा, उत्पीड़न से उत्पन्न नाटकीय संघर्षों पर ध्यान दिया और अपने ओपेरा में बुराई की निंदा की। वर्डी के काम की विशेषता विशेषताएं: लोक संगीत, नाटकीय स्वभाव, मधुर चमक, दृश्य के नियमों की समझ।

उन्होंने 26 ओपेरा लिखे: “ Nabucco", "मैकबेथ", "Troubadour", "La Traviata", "Othello", "Aida" और आदि . , 20 रोमांस, मुखर पहनावा .

युवा नार्वेजियन संगीतकार एडवर्ड ग्रिग (1843-1907)राष्ट्रीय संगीत के विकास के आकांक्षी। यह न केवल उनके काम में बल्कि नार्वेजियन संगीत के प्रचार में भी व्यक्त किया गया था।

कोपेनहेगन में अपने वर्षों के दौरान, ग्रिग ने बहुत संगीत लिखा: " काव्यात्मक चित्र ”और "हास्य",पियानो के लिए सोनाटा और पहला वायलिन सोनाटा, गाने। प्रत्येक नए काम के साथ, नार्वेजियन संगीतकार के रूप में ग्रिग की छवि अधिक स्पष्ट रूप से उभरती है। सूक्ष्म गेय "काव्य चित्र" (1863) में, राष्ट्रीय विशेषताएं अभी भी डरपोक रूप से टूटती हैं। नार्वेजियन लोक संगीत में लयबद्ध आकृति अक्सर पाई जाती है; यह ग्रिग की कई धुनों की विशेषता बन गया।

ग्रिग का कार्य विशाल और बहुआयामी है। ग्रिग ने विभिन्न शैलियों की रचनाएँ लिखीं। पियानो कॉन्सर्टो और गाथागीत, वायलिन और पियानो के लिए तीन सोनाटा और सेलो और पियानो के लिए एक सोनाटा, चौकड़ी बड़े रूप के लिए ग्रिग की निरंतर लालसा की गवाही देती है। इसी समय, वाद्य लघुचित्रों में संगीतकार की रुचि अपरिवर्तित रही। पियानोफोर्टे के समान ही, संगीतकार चैम्बर वोकल मिनिएचर - एक रोमांस, एक गीत से आकर्षित था। ग्रिग के साथ मुख्य मत बनो, सिम्फोनिक रचनात्मकता के क्षेत्र को इस तरह की उत्कृष्ट कृतियों द्वारा सूट के रूप में चिह्नित किया गया है " प्रति गुनोद ”, “होलबर्ग के दिनों से"। ग्रिग के काम के विशिष्ट प्रकारों में से एक लोक गीतों और नृत्यों का प्रसंस्करण है: साधारण पियानो के टुकड़ों के रूप में, पियानो चार हाथों के लिए एक सूट चक्र।

ग्रिग की संगीतमय भाषा उज्ज्वल रूप से मौलिक है। संगीतकार की शैली की वैयक्तिकता सबसे अधिक नॉर्वेजियन लोक संगीत के साथ उनके गहरे संबंध से निर्धारित होती है। ग्रिग व्यापक रूप से शैली की विशेषताओं, स्वर संरचना, लोक गीत और नृत्य की धुनों के लयबद्ध सूत्रों का उपयोग करता है।

राग के परिवर्तनशील और भिन्न विकास की ग्रिग की उल्लेखनीय महारत अपने परिवर्तनों के साथ एक राग के बार-बार दोहराए जाने की लोक परंपराओं में निहित है। "मैंने अपने देश के लोक संगीत को रिकॉर्ड किया।" इन शब्दों के पीछे लोक कला के प्रति ग्रिग का आदरपूर्ण रवैया और अपनी रचनात्मकता के लिए इसकी निर्णायक भूमिका की मान्यता है।

7. निष्कर्ष

उपरोक्त के आधार पर, निम्नलिखित निष्कर्ष निकाले जा सकते हैं:

रूमानियत का उद्भव तीन मुख्य घटनाओं से प्रभावित था: फ्रांसीसी क्रांति, नेपोलियन युद्ध, यूरोप में राष्ट्रीय मुक्ति आंदोलन का उदय।

कलात्मक संस्कृति में एक विधि और दिशा के रूप में स्वच्छंदतावाद एक जटिल और विवादास्पद घटना थी। प्रत्येक देश में उनकी उज्ज्वल राष्ट्रीय अभिव्यक्ति थी। स्वच्छंदतावादियों ने समाज में विभिन्न सामाजिक और राजनीतिक पदों पर कब्जा कर लिया। उन सभी ने बुर्जुआ क्रांति के परिणामों के खिलाफ विद्रोह किया, लेकिन उन्होंने अलग-अलग तरीकों से विद्रोह किया, क्योंकि प्रत्येक का अपना आदर्श था। लेकिन सभी कई चेहरों और विविधता के साथ, रूमानियत में स्थिर विशेषताएं हैं:

वे सभी प्रबुद्धता के खंडन और क्लासिकवाद के तर्कसंगत कैनन से आए थे, जो कलाकार की रचनात्मक पहल को प्राप्त करते थे।

उन्होंने ऐतिहासिकता के सिद्धांत की खोज की (ज्ञानियों ने अतीत को ऐतिहासिक रूप से उनके लिए "उचित" और "अनुचित" माना)। हमने अतीत में मानवीय चरित्रों को देखा, जो उनके समय के अनुसार आकार लेते थे। राष्ट्रीय अतीत में रुचि ने बहुत सारे ऐतिहासिक कार्यों को जन्म दिया।

एक मजबूत व्यक्तित्व में रुचि जो अपने आसपास की पूरी दुनिया का विरोध करती है और केवल खुद पर भरोसा करती है।

मनुष्य की आंतरिक दुनिया पर ध्यान दें।

स्वच्छंदतावाद व्यापक रूप से पश्चिमी यूरोप के देशों और रूस दोनों में विकसित हुआ था। हालांकि, रूस में रूमानियत एक अलग ऐतिहासिक सेटिंग और एक अलग सांस्कृतिक परंपरा के पक्ष में पश्चिमी यूरोपीय से भिन्न थी। रूस में रूमानियत के उभरने का असली कारण 1812 का देशभक्तिपूर्ण युद्ध था, जिसमें लोकप्रिय पहल की सारी शक्ति प्रकट हुई थी।

रूसी रूमानियत की विशेषताएं:

स्वच्छंदतावाद ने प्रबुद्धता का विरोध नहीं किया। प्रबुद्धता की विचारधारा कमजोर हुई, लेकिन यूरोप की तरह इसका पतन नहीं हुआ। एक प्रबुद्ध सम्राट का आदर्श अभी समाप्त नहीं हुआ है।

स्वच्छंदतावाद क्लासिकवाद के समानांतर विकसित हुआ, जो अक्सर इसके साथ जुड़ा हुआ था।

रूस में स्वच्छंदतावाद विभिन्न प्रकार की कलाओं में अलग-अलग तरीकों से प्रकट हुआ। वास्तुकला में, इसे बिल्कुल नहीं पढ़ा गया था। पेंटिंग में, यह 19वीं शताब्दी के मध्य तक सूख गया। उन्होंने संगीत में केवल आंशिक रूप से दिखाया। शायद केवल साहित्य में ही रूमानियत ने खुद को लगातार प्रकट किया।

दृश्य कलाओं में, रोमांटिकवाद चित्रकला और ग्राफिक्स में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ, मूर्तिकला और वास्तुकला में कम स्पष्ट रूप से।

रोमान्टिक मानव आत्मा की दुनिया को खोलते हैं, व्यक्ति, किसी और के विपरीत, लेकिन ईमानदार और इसलिए दुनिया की सभी कामुक दृष्टि के करीब। पेंटिंग में छवि की तात्कालिकता, जैसा कि डेलैक्रिक्स ने कहा, और साहित्यिक प्रदर्शन में इसकी निरंतरता नहीं, आंदोलन के सबसे जटिल संचरण पर कलाकारों का ध्यान केंद्रित किया, जिसके लिए नए औपचारिक और रंगीन समाधान पाए गए। स्वच्छंदतावाद ने XIX सदी की दूसरी छमाही की विरासत को छोड़ दिया। इन सभी समस्याओं और कलात्मक व्यक्तित्व को अकादमिकता के नियमों से मुक्त किया गया। 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की कला में, प्रतीक, जो रोमांटिक्स के बीच विचार और जीवन के आवश्यक संयोजन को व्यक्त करने वाला था। विचारों की विविधता और आसपास की दुनिया पर कब्जा करते हुए, कलात्मक छवि की पॉलीफोनी में घुल जाता है। चित्रकला में रूमानियत का भावुकता से गहरा संबंध है।

रूमानियत के लिए धन्यवाद, कलाकार की व्यक्तिगत व्यक्तिपरक दृष्टि एक कानून का रूप ले लेती है। प्रभाववाद कला को एक छाप घोषित करते हुए कलाकार और प्रकृति के बीच की बाधा को पूरी तरह से नष्ट कर देगा। रोमैंटिक्स कलाकार की कल्पना, "उसकी भावनाओं की आवाज़" के बारे में बात करते हैं, जो उसे मास्टर द्वारा आवश्यक समझे जाने पर काम बंद करने की अनुमति देता है, न कि पूर्णता के शैक्षणिक मानकों के अनुसार।

स्वच्छंदतावाद ने विश्व कलात्मक संस्कृति में एक पूरे युग को छोड़ दिया, इसके प्रतिनिधि थे: रूसी साहित्य में ज़ुकोवस्की, ए। पुश्किन, एम। लेर्मोंटोव और अन्य; ललित कलाओं में ई. डेलाक्रोइक्स, टी. गेरिकॉल्ट, एफ. रनगे, जे. कॉन्स्टेबल, डब्ल्यू. टर्नर, ओ. किप्रेंस्की, ए. वेनेत्सियानोव, ए. ओर्लोर्स्की, वी. ट्रोपिनिन और अन्य; F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin और अन्य के संगीत में। उन्होंने नई शैलियों की खोज और विकास किया, मानव व्यक्तित्व के भाग्य पर ध्यान दिया, प्रकट किया अच्छाई और बुराई की द्वंद्वात्मकता, मानव जुनून आदि को कुशलता से प्रकट किया।

कला रूपों ने कमोबेश अपने महत्व में बराबरी की और कला के शानदार कार्यों का निर्माण किया, हालांकि प्रेमकथाओं ने कला की सीढ़ी में संगीत को प्राथमिकता दी।

18वीं शताब्दी के अंत से 1850 के दशक तक रूस में एक विश्वदृष्टि के रूप में स्वच्छंदतावाद अपनी पहली लहर में अस्तित्व में था। 1850 के दशक में रूसी कला में रोमांटिक की रेखा बंद नहीं हुई। कला के लिए रोमैंटिक्स द्वारा खोजे जाने की स्थिति का विषय, बाद में ब्लू रोज़ के कलाकारों द्वारा विकसित किया गया था। स्वच्छंदतावादियों के प्रत्यक्ष उत्तराधिकारी निस्संदेह प्रतीकवादी थे। रोमांटिक विषयों, रूपांकनों, अभिव्यंजक उपकरणों ने विभिन्न शैलियों, दिशाओं, रचनात्मक संघों की कला में प्रवेश किया। रोमांटिक विश्वदृष्टि या विश्वदृष्टि सबसे जीवंत, दृढ़, फलदायी में से एक बन गई।

एक सामान्य दृष्टिकोण के रूप में स्वच्छंदतावाद, मुख्य रूप से युवा लोगों की विशेषता, एक आदर्श और रचनात्मक स्वतंत्रता की इच्छा के रूप में, अभी भी विश्व कला में लगातार रह रहा है।

8. संदर्भ

1. अम्मिंस्काया ए.एम. एलेक्सी गवरिलोविच वेनेत्सियानोव। - एम: ज्ञान, 1980

2. अतसरकिना ई.एन. अलेक्जेंडर ओसिपोविच ओर्लोव्स्की। - एम: कला, 1971।

3. बेलिंस्की वी.जी. काम करता है। ए पुष्किन। - एम: 1976।

4. महान सोवियत विश्वकोश (मुख्य संपादक प्रोखोरोव ए.एम.)।- एम: सोवियत विश्वकोश, 1977।

5. वैनकोप यू।, गुसिन आई। संगीतकारों का संक्षिप्त जीवनी शब्दकोश। - एल: संगीत, 1983।

6. वसीली एंड्रीविच ट्रोपिन (एम.एम. राकोवस्काया के संपादन के तहत). - एम: विजुअल आर्ट्स, 1982।

7. वोरोटनिकोव ए.ए., गोर्शकोवोज़ ओ.डी., यॉर्किना ओ.ए. कला इतिहास। - एमएन: साहित्य, 1997।

8. जिमेंको वी. अलेक्जेंडर ओसिपोविच ओर्लोव्स्की। - एम: स्टेट पब्लिशिंग हाउस ऑफ फाइन आर्ट्स, 1951।

9. इवानोव एस.वी. एम.यू.लेर्मोंटोव। जीवन और कला। - एम: 1989।

10. विदेशों का संगीत साहित्य (बी। लेविक के संपादन के तहत)।- एम: संगीत, 1984।

11. नेक्रासोवा ई.ए. टर्नर। - एम: ललित कला, 1976।

12. ओज़ेगोव एस.आई. रूसी भाषा का शब्दकोश। - एम: विदेशी और रूसी शब्दकोशों का राज्य प्रकाशन गृह, 1953।

13. ओरलोवा एम. जे कांस्टेबल। - एम: कला, 1946।

14. रूसी कलाकार। एजी वेनेत्सियानोव। - एम: स्टेट पब्लिशिंग हाउस ऑफ फाइन आर्ट्स, 1963।

15. सोकोलोव ए.एन. 19 वीं शताब्दी (पहली छमाही) के रूसी साहित्य का इतिहास। - एम: हायर स्कूल, 1976।

16. ट्यूरिन वी.एस. ऑरेस्ट किप्रेंस्की। - एम: ज्ञान, 1982।

17. ट्यूरिन वी.एस. थिओडोर गेरिकॉल्ट। - एम: विजुअल आर्ट्स, 1982।

18. फिलिमोनोवा एस.वी. विश्व कला संस्कृति का इतिहास ।-- मोजिर: व्हाइट विंड, 1997।

18वीं शताब्दी के अंत में पश्चिमी यूरोप में चित्रकला में एक प्रवृत्ति के रूप में स्वच्छंदतावाद का गठन हुआ। 1920 और 1930 के दशक में अधिकांश पश्चिमी यूरोपीय देशों की कला में स्वच्छंदतावाद अपने चरम पर पहुंच गया। 19 वीं सदी।

"रोमांटिकवाद" शब्द की उत्पत्ति "उपन्यास" शब्द से हुई है (17 वीं शताब्दी में, साहित्यिक रचनाएँ लैटिन में नहीं लिखी गई थीं, लेकिन इससे प्राप्त भाषाओं में - फ्रेंच, अंग्रेजी, आदि) को उपन्यास कहा जाता था। बाद में, सब कुछ समझ से बाहर और रहस्यमय रोमांटिक कहा जाने लगा।

एक सांस्कृतिक घटना के रूप में, फ्रांसीसी क्रांति के परिणामों से उत्पन्न एक विशेष विश्वदृष्टि से रूमानियत का गठन किया गया था। प्रबुद्धता के आदर्शों से मोहभंग होने पर, प्रेमवादियों ने, सद्भाव और अखंडता के लिए प्रयास करते हुए, नए सौंदर्यवादी आदर्शों और कलात्मक मूल्यों का निर्माण किया। उनके ध्यान का मुख्य उद्देश्य उनके सभी अनुभवों और स्वतंत्रता की इच्छा के साथ उत्कृष्ट पात्र थे। रोमांटिक कार्यों का नायक एक उत्कृष्ट व्यक्ति है, जिसने भाग्य की इच्छा से खुद को कठिन जीवन परिस्थितियों में पाया।

यद्यपि स्वच्छंदतावाद क्लासिकवाद की कला के विरोध के रूप में उभरा, यह कई मायनों में क्लासिकवाद के करीब था। स्वच्छंदतावादी आंशिक रूप से क्लासिकवाद के ऐसे प्रतिनिधि थे जैसे एन. पॉसिन, सी. लोरेन, जे.ओ.डी. इंग्रेस।

मूल राष्ट्रीय विशेषताओं को चित्रित करने में रूमानियत का परिचय दिया गया, जो कि क्लासिकिस्टों की कला में कमी थी।
फ्रांसीसी रूमानियत का सबसे बड़ा प्रतिनिधि टी। गेरिकॉल्ट था।

थिओडोर गेरिकॉल्ट

महान फ्रांसीसी चित्रकार, मूर्तिकार और ग्राफिक कलाकार थियोडोर गेरिकॉल्ट का जन्म 1791 में रूएन में एक धनी परिवार में हुआ था। कलाकार की प्रतिभा उनमें काफी पहले ही प्रकट हो गई थी। अक्सर, स्कूल में कक्षाओं में भाग लेने के बजाय, गैरीकॉल्ट अस्तबल में बैठते थे और घोड़ों को आकर्षित करते थे। फिर भी, उन्होंने न केवल जानवरों की बाहरी विशेषताओं को कागज पर स्थानांतरित करने की कोशिश की, बल्कि उनके स्वभाव और चरित्र को भी व्यक्त किया।

1808 में लिसेयुम से स्नातक होने के बाद, गैरीकॉल्ट तत्कालीन प्रसिद्ध चित्रकार कार्ल वर्नेट का छात्र बन गया, जो कैनवास पर घोड़ों को चित्रित करने की अपनी क्षमता के लिए प्रसिद्ध था। हालाँकि, युवा कलाकार को वर्नेट की शैली पसंद नहीं आई। जल्द ही वह कार्यशाला छोड़ देता है और दूसरे के साथ अध्ययन करने जाता है, वर्नेट, पीएन गुएरिन की तुलना में कोई कम प्रतिभाशाली चित्रकार नहीं। दो प्रसिद्ध कलाकारों के साथ अध्ययन करते हुए, गेरिकॉल्ट ने फिर भी पेंटिंग में अपनी परंपराओं को जारी नहीं रखा। जेए ग्रोस और जेएल डेविड को शायद उनके वास्तविक शिक्षक माना जाना चाहिए।

जेरिकॉल्ट के शुरुआती कार्य इस तथ्य से अलग हैं कि वे जीवन के जितना संभव हो उतना करीब हैं। ऐसी पेंटिंग असामान्य रूप से अभिव्यंजक और दयनीय हैं। अपने आसपास की दुनिया का आकलन करते समय वे लेखक के उत्साही मूड को दिखाते हैं। एक उदाहरण 1812 में बनाई गई "एक हमले के दौरान इंपीरियल हॉर्स रेंजर्स के अधिकारी" नामक एक पेंटिंग है। यह कैनवास पहली बार पेरिस सैलून के आगंतुकों द्वारा देखा गया था। उन्होंने युवा कलाकार की प्रतिभा की सराहना करते हुए युवा कलाकार के काम को प्रशंसा के साथ स्वीकार किया।

काम फ्रांसीसी इतिहास की उस अवधि के दौरान बनाया गया था, जब नेपोलियन अपनी महिमा के चरम पर था। समकालीनों ने उन्हें महान सम्राट माना, जो यूरोप के अधिकांश हिस्सों को जीतने में कामयाब रहे। नेपोलियन की सेना की जीत की छाप के तहत इस तरह के मूड के साथ चित्र चित्रित किया गया था। कैनवास में एक सैनिक को घोड़े पर सरपट दौड़ते हुए दिखाया गया है। उनका चेहरा मौत के सामने दृढ़ संकल्प, साहस और निडरता व्यक्त करता है। पूरी रचना
असामान्य रूप से गतिशील और भावनात्मक। दर्शक को यह अहसास होता है कि वह स्वयं कैनवास पर चित्रित घटनाओं का वास्तविक भागीदार बन जाता है।

गेरिकॉल्ट के काम में एक बहादुर सैनिक का आंकड़ा एक से अधिक बार दिखाई देगा। ऐसी छवियों में, 1812-1814 में बनाई गई "काराबेनियरी के अधिकारी", "हमले से पहले क्युरासियर के अधिकारी", "एक काराबेनियरी के चित्र", "घायल क्युरासियर" चित्रों के नायक विशेष रूप से रुचि रखते हैं। अंतिम कार्य इस मायने में उल्लेखनीय है कि इसे उसी वर्ष सैलून में आयोजित अगली प्रदर्शनी में प्रस्तुत किया गया था। हालांकि, यह रचना का मुख्य लाभ नहीं है। इससे भी महत्वपूर्ण बात यह है कि इसने कलाकार की रचनात्मक शैली में हुए परिवर्तनों को दिखाया। यदि उनके पहले कैनवस में सच्ची देशभक्ति की भावनाएँ झलकती थीं, तो 1814 में वापस आने वाले कार्यों में नायकों के चित्रण में पाथोस को नाटक से बदल दिया जाता है।

कलाकार के मूड में इसी तरह का बदलाव फिर से फ्रांस में उस समय हो रही घटनाओं से जुड़ा था। 1812 में, नेपोलियन को रूस में पराजित किया गया था, जिसके संबंध में वह, जो कभी एक शानदार नायक था, अपने समकालीनों से एक असफल सैन्य नेता और एक अभिमानी अभिमानी व्यक्ति की महिमा प्राप्त करता है। गैरीकॉल्ट पेंटिंग "द वाउंडेड क्युरासिएर" में आदर्श में अपनी निराशा का प्रतीक है। कैनवास में एक घायल योद्धा को दिखाया गया है जो युद्ध के मैदान को जल्द से जल्द छोड़ने की कोशिश कर रहा है। वह कृपाण पर झुक जाता है - एक हथियार जो, शायद, कुछ ही मिनट पहले वह पकड़ रहा था, इसे ऊपर पकड़ रहा था।

यह नेपोलियन की नीति के साथ गैरीकॉल्ट का असंतोष था जिसने लुई XVIII की सेवा में अपना प्रवेश निर्धारित किया, जिसने 1814 में फ्रांसीसी सिंहासन ग्रहण किया। तथ्य यह है कि नेपोलियन (सौ दिनों की अवधि) द्वारा फ्रांस में सत्ता के दूसरे जब्ती के बाद युवा कलाकार अपना पद छोड़ देता है। बॉर्बन्स के साथ मूल देश। लेकिन यहां भी उन्हें निराशा हाथ लगी। युवक शांति से यह नहीं देख सकता था कि नेपोलियन के शासनकाल के दौरान हासिल की गई हर चीज को राजा कैसे नष्ट कर देता है। इसके अलावा, लुई XVIII के तहत सामंती-कैथोलिक प्रतिक्रिया की तीव्रता थी, देश तेजी से और तेजी से पीछे हट गया, पुरानी राज्य व्यवस्था में लौट आया। यह एक युवा, प्रगतिशील सोच वाले व्यक्ति द्वारा स्वीकार नहीं किया जा सकता था। बहुत जल्द, युवक, जिसने अपने आदर्शों में विश्वास खो दिया, लुई XVIII के नेतृत्व वाली सेना को छोड़ देता है, और फिर से ब्रश और पेंट लेता है। इन वर्षों को उज्ज्वल नहीं कहा जा सकता है और कलाकार के काम में कुछ भी उल्लेखनीय नहीं है।

1816 में, गेरिकॉल्ट इटली की यात्रा पर गए। रोम और फ्लोरेंस का दौरा करने और प्रसिद्ध स्वामी की उत्कृष्ट कृतियों का अध्ययन करने के बाद, कलाकार स्मारकीय चित्रकला के शौकीन हैं। माइकल एंजेलो के भित्तिचित्र, जो सिस्टिन चैपल को सुशोभित करते हैं, विशेष रूप से उनका ध्यान आकर्षित करते हैं। इस समय, गैरीकॉल्ट द्वारा काम किया गया था, उनके पैमाने और महिमा में, कई मामलों में उच्च पुनर्जागरण के चित्रकारों के कैनवस की याद ताजा करती है। उनमें से, सबसे दिलचस्प हैं "सेंटोर द्वारा निम्फ का अपहरण" और "द मैन थ्रोइंग द बुल।"

1817 के आसपास चित्रित और रोम में होने वाले कार्निवलों में से एक में घुड़सवारों की प्रतियोगिताओं का प्रतिनिधित्व करते हुए, पुराने स्वामी की शैली की समान विशेषताएं "रोम में मुक्त घोड़ों की दौड़" में भी दिखाई देती हैं। इस रचना की एक विशेषता यह है कि इसे कलाकार ने पहले से बने प्राकृतिक चित्रों से संकलित किया था। इसके अलावा, रेखाचित्रों की प्रकृति संपूर्ण कार्य की शैली से स्पष्ट रूप से भिन्न होती है। यदि पूर्व रोमनों के जीवन का वर्णन करने वाले दृश्य हैं - कलाकार के समकालीन, तो समग्र रचना में साहसी प्राचीन नायकों की छवियां हैं, जैसे कि वे प्राचीन आख्यानों से निकले हों। इसमें गेरिकॉल्ट जे एल डेविड के मार्ग का अनुसरण करता है, जिसने वीर पथों की छवि देने के लिए अपने नायकों को प्राचीन रूपों में पहना था।

इस तस्वीर को चित्रित करने के तुरंत बाद, गेरिकॉल्ट फ्रांस लौटता है, जहां वह चित्रकार होरेस वर्नेट के चारों ओर बने विपक्षी मंडल का सदस्य बन जाता है। पेरिस पहुंचने पर, कलाकार को विशेष रूप से ग्राफिक्स में दिलचस्पी थी। 1818 में, उन्होंने एक सैन्य विषय पर लिथोग्राफ की एक श्रृंखला बनाई, जिनमें से सबसे महत्वपूर्ण "रूस से वापसी" थी। लिथोग्राफ बर्फ से ढके मैदान में भटकते हुए फ्रांसीसी सेना के पराजित सैनिकों का प्रतिनिधित्व करता है। अपंग और युद्ध से थके हुए लोगों के आंकड़े सजीव और सत्य तरीके से चित्रित किए गए हैं। रचना में कोई पाथोस और वीर मार्ग नहीं है, जो गेरिकॉल्ट के शुरुआती कार्यों के लिए विशिष्ट था। कलाकार चीजों की वास्तविक स्थिति को प्रतिबिंबित करना चाहता है, उन सभी आपदाओं को जो फ्रांसीसी सैनिकों को उनके कमांडर द्वारा छोड़ दिया गया था, उन्हें एक विदेशी भूमि में सहना पड़ा।

काम में "रूस से वापसी" पहली बार मौत के साथ मनुष्य के संघर्ष का विषय सुना गया था। हालाँकि, यहाँ यह मकसद अभी तक स्पष्ट रूप से व्यक्त नहीं किया गया है जैसा कि गैरीकॉल्ट के बाद के कार्यों में है। इस तरह के कैनवस का एक उदाहरण "द राफ्ट ऑफ़ द मेडुसा" नामक पेंटिंग हो सकता है। यह 1819 में लिखा गया था और उसी वर्ष पेरिस सैलून में प्रदर्शित किया गया था। कैनवास उग्र जल तत्व से जूझ रहे लोगों को दर्शाता है। कलाकार न केवल उनकी पीड़ा और पीड़ा को दर्शाता है, बल्कि हर कीमत पर मौत के खिलाफ लड़ाई में विजयी होने की इच्छा भी दिखाता है।

रचना का कथानक 1816 की गर्मियों में हुई एक घटना से तय होता है और पूरे फ्रांस को उत्साहित करता है। तत्कालीन प्रसिद्ध फ्रिगेट "मेडुसा" चट्टानों में भाग गया और अफ्रीका के तट पर डूब गया। जहाज पर सवार 149 लोगों में से केवल 15 ही बच पाए थे, जिनमें सर्जन सविग्नी और इंजीनियर कोरियर्ड शामिल थे। अपनी मातृभूमि में आगमन पर, उन्होंने अपने कारनामों और खुश बचाव के बारे में बताते हुए एक छोटी सी किताब प्रकाशित की। यह इन यादों से था कि फ्रांसीसी ने सीखा कि दुर्भाग्य जहाज के अनुभवहीन कप्तान की गलती के माध्यम से हुआ, जो एक महान मित्र के संरक्षण के लिए बोर्ड पर चढ़ गया।

जेरिकॉल्ट द्वारा बनाई गई छवियां असामान्य रूप से गतिशील, प्लास्टिक और अभिव्यंजक हैं, जिसे कलाकार ने लंबे और श्रमसाध्य कार्य के माध्यम से हासिल किया था। कैनवास पर वास्तव में भयानक घटनाओं को चित्रित करने के लिए, समुद्र में मरने वाले लोगों की भावनाओं को व्यक्त करने के लिए, कलाकार त्रासदी के चश्मदीद गवाहों से मिलता है, लंबे समय तक वह पेरिस के एक अस्पताल में इलाज किए जा रहे क्षीण रोगियों के चेहरों का अध्ययन करता है। , साथ ही नाविक जो जलपोतों से बचने में सफल रहे। इस समय, चित्रकार ने बड़ी संख्या में चित्र कृतियों का निर्माण किया।

उग्र समुद्र भी गहरे अर्थ से भरा है, जैसे कि लोगों के साथ एक नाजुक लकड़ी के बेड़ा को निगलने की कोशिश कर रहा हो। यह छवि असामान्य रूप से अभिव्यंजक और गतिशील है। यह, लोगों के आंकड़ों की तरह, प्रकृति से खींचा गया था: कलाकार ने एक तूफान के दौरान समुद्र को दर्शाते हुए कई रेखाचित्र बनाए। एक स्मारकीय रचना पर काम करते हुए, तत्वों की प्रकृति को पूरी तरह से प्रतिबिंबित करने के लिए गेरिकॉल्ट ने बार-बार पहले से तैयार किए गए रेखाचित्रों की ओर रुख किया। यही कारण है कि चित्र दर्शक पर भारी प्रभाव डालता है, जो हो रहा है उसकी यथार्थता और सत्यता के बारे में उसे आश्वस्त करता है।

"द राफ्ट ऑफ़ द मेडुसा" गेरिकॉल्ट को रचना के एक उल्लेखनीय मास्टर के रूप में प्रस्तुत करता है। लंबे समय तक, कलाकार ने सोचा कि लेखक के इरादे को पूरी तरह से व्यक्त करने के लिए चित्र में आंकड़े कैसे व्यवस्थित करें। काम के दौरान कई बदलाव किए गए। पेंटिंग से पहले के रेखाचित्रों से संकेत मिलता है कि शुरू में गेरिकॉल्ट एक दूसरे के साथ बेड़ा पर लोगों के संघर्ष को चित्रित करना चाहते थे, लेकिन बाद में इस घटना की ऐसी व्याख्या को छोड़ दिया। अंतिम संस्करण में, कैनवास उस क्षण का प्रतिनिधित्व करता है जब पहले से ही हताश लोग आर्गस जहाज को क्षितिज पर देखते हैं और अपने हाथों को उसके पास फैलाते हैं। चित्र का अंतिम जोड़ कैनवास के दाईं ओर नीचे रखी गई मानव आकृति थी। यह वह थी जो रचना का अंतिम स्पर्श थी, जिसने उसके बाद एक गहरा दुखद चरित्र प्राप्त कर लिया। गौरतलब है कि यह बदलाव तब किया गया था जब पेंटिंग सैलून में पहले से ही प्रदर्शित थी।

अपनी स्मारकीयता और ऊँची भावुकता के साथ, गेरिकॉल्ट की पेंटिंग कई तरह से उच्च पुनर्जागरण के स्वामी (ज्यादातर माइकल एंजेलो की द लास्ट जजमेंट) के काम की याद दिलाती है, जिनसे कलाकार इटली में यात्रा के दौरान मिले थे।

पेंटिंग "द राफ्ट ऑफ़ द मेडुसा", जो फ्रांसीसी पेंटिंग की एक उत्कृष्ट कृति बन गई, विपक्षी हलकों में एक बड़ी सफलता थी, जिसने इसे क्रांतिकारी आदर्शों के प्रतिबिंब के रूप में देखा। उन्हीं कारणों से, फ्रांस की ललित कलाओं के उच्चतम बड़प्पन और आधिकारिक प्रतिनिधियों के बीच काम को स्वीकार नहीं किया गया था। इसीलिए उस समय राज्य द्वारा लेखक से कैनवास नहीं खरीदा गया था।

घर पर अपनी रचना को दिए गए स्वागत से निराश गेरिकॉल्ट इंग्लैंड चला जाता है, जहाँ वह अपनी पसंदीदा कृति को अंग्रेजों के दरबार में प्रस्तुत करता है। लंदन में, कला के पारखी लोगों ने बड़े उत्साह के साथ प्रसिद्ध कैनवास प्राप्त किया।

गेरिकॉल्ट अंग्रेजी कलाकारों से संपर्क करता है, जो उसे ईमानदारी से और सच्चाई से वास्तविकता का चित्रण करने की क्षमता के साथ जीतते हैं। गेरिकॉल्ट इंग्लैंड की राजधानी के जीवन और जीवन के लिए लिथोग्राफ का एक चक्र समर्पित करता है, जिसमें "द ग्रेट इंग्लिश सूट" (1821) और "द ओल्ड बेगर डाइंग एट द डोर्स ऑफ द बेकरी" (1821) शीर्षक प्राप्त करने वाले कार्य शामिल हैं। सबसे ज्यादा दिलचस्पी है। बाद में, कलाकार ने लंदन के एक आवारा का चित्रण किया, जो शहर के कामकाजी क्वार्टरों में लोगों के जीवन का अध्ययन करने की प्रक्रिया में चित्रकार द्वारा प्राप्त छापों को दर्शाता है।

उसी चक्र में "द फ़्लैंडर्स स्मिथ" और "एट द गेट्स ऑफ़ द एडेल्फ़िन शिपयार्ड" जैसे लिथोग्राफ शामिल थे, जो दर्शकों को लंदन में आम लोगों के जीवन की एक तस्वीर पेश करते थे। इन कार्यों में रुचि के घोड़े, भारी और अधिक वजन वाले चित्र हैं। वे उन सुंदर और सुंदर जानवरों से अलग-अलग हैं जो अन्य कलाकारों द्वारा चित्रित किए गए थे - गैरीकॉल्ट के समकालीन।

इंग्लैंड की राजधानी में होने के नाते, जेरिकॉल्ट न केवल लिथोग्राफ, बल्कि पेंटिंग भी बनाता है। इस अवधि के सबसे हड़ताली कार्यों में से एक कैनवास "रेस एट एप्सोम" था, जिसे 1821 में बनाया गया था। चित्र में, कलाकार पूरी गति से दौड़ते हुए घोड़ों को दर्शाता है, और उनके पैर जमीन को बिल्कुल भी नहीं छूते हैं। यह चालाक तकनीक (तस्वीर ने साबित कर दिया कि दौड़ के दौरान घोड़ों के पैरों की ऐसी स्थिति नहीं हो सकती है, यह कलाकार की कल्पना है) रचना को गतिशीलता देने के लिए, दर्शक को बिजली की छाप देने के लिए मास्टर द्वारा उपयोग किया जाता है- घोड़ों की तेज गति। यह भावना मानव आकृतियों के प्लास्टिसिटी (मुद्राओं, इशारों) के सटीक हस्तांतरण के साथ-साथ उज्ज्वल और समृद्ध रंग संयोजनों (लाल, बे, सफेद घोड़ों; गहरे नीले, गहरे लाल, सफेद-नीले और सुनहरे-) के उपयोग से बढ़ी है। जॉकी की पीली जैकेट)।

घुड़दौड़ का विषय, जिसने अपनी विशेष अभिव्यक्ति के साथ लंबे समय तक चित्रकार का ध्यान आकर्षित किया है, एप्सोम में घुड़दौड़ पर काम पूरा होने के बाद गेरीकॉल्ट द्वारा बनाए गए कार्यों में एक से अधिक बार दोहराया गया था।

1822 तक कलाकार इंग्लैंड छोड़कर अपने मूल फ्रांस लौट आया। यहाँ वह पुनर्जागरण के स्वामी के कार्यों के समान बड़े कैनवस के निर्माण में लगा हुआ है। उनमें से "नीग्रो व्यापार", "स्पेन में न्यायिक जांच की जेल के दरवाजे खोलना" हैं। ये चित्र अधूरे रह गए - मृत्यु ने गेरिकॉल्ट को काम पूरा करने से रोक दिया।

विशेष रुचि के चित्र हैं, जिनके निर्माण को कला इतिहासकार 1822 से 1823 तक की अवधि का श्रेय देते हैं। उनके लेखन का इतिहास विशेष ध्यान देने योग्य है। तथ्य यह है कि ये चित्र कलाकार के एक मित्र द्वारा बनाए गए थे, जो पेरिस के एक क्लिनिक में मनोचिकित्सक के रूप में काम करता था। वे किसी व्यक्ति की विभिन्न मानसिक बीमारियों को प्रदर्शित करने वाले एक प्रकार के दृष्टांत बनने वाले थे। तो चित्र "पागल बूढ़ी औरत", "पागल", "पागल, खुद को एक कमांडर की कल्पना" चित्रित किए गए थे। पेंटिंग के उस्ताद के लिए, बीमारी के बाहरी संकेतों और लक्षणों को दिखाना इतना महत्वपूर्ण नहीं था, बल्कि किसी बीमार व्यक्ति की आंतरिक, मानसिक स्थिति को बताना था। दर्शकों के सामने कैनवस पर लोगों की दुखद छवियां दिखाई देती हैं, जिनकी आंखें दर्द और दुख से भरी होती हैं।

गेरिकॉल्ट के चित्रों में, एक विशेष स्थान पर एक नीग्रो के चित्र का कब्जा है, जो वर्तमान में रूयन संग्रहालय के संग्रह में है। दृढ़निश्चयी और मजबूत इरादों वाला व्यक्ति कैनवास से दर्शक को देखता है, जो उसके प्रति शत्रुतापूर्ण ताकतों से अंत तक लड़ने के लिए तैयार है। छवि असामान्य रूप से उज्ज्वल, भावनात्मक और अभिव्यंजक है। इस तस्वीर का आदमी उन मजबूत इरादों वाले नायकों से बहुत मिलता-जुलता है, जिन्हें गेरिकॉल्ट ने पहले बड़ी रचनाओं में दिखाया था (उदाहरण के लिए, कैनवास "द रफ़ ऑफ़ द मेडुसा")।

गेरिकॉल्ट न केवल चित्रकला के उस्ताद थे, बल्कि एक उत्कृष्ट मूर्तिकार भी थे। उन्नीसवीं शताब्दी की शुरुआत में इस कला रूप में उनकी रचनाएं रोमांटिक मूर्तियों का पहला उदाहरण थीं। इस तरह के कामों में, असामान्य रूप से अभिव्यंजक रचना "निम्फ एंड सैटियर" विशेष रुचि है। गति में जमी हुई छवियां मानव शरीर की प्लास्टिसिटी को सटीक रूप से व्यक्त करती हैं।

1824 में पेरिस में थिओडोर गेरिकॉल्ट की दुखद मृत्यु हो गई, एक घोड़े से गिरकर दुर्घटनाग्रस्त हो गया। उनकी प्रारंभिक मृत्यु प्रसिद्ध कलाकार के सभी समकालीनों के लिए आश्चर्य की बात थी।

गेरिकॉल्ट के काम ने न केवल फ्रांस में, बल्कि विश्व कला में भी चित्रकला के विकास में एक नया चरण चिह्नित किया - रूमानियत का दौर। अपने कार्यों में, गुरु शास्त्रीय परंपराओं के प्रभाव पर काबू पाता है। उनकी रचनाएँ असामान्य रूप से रंगीन हैं और प्राकृतिक दुनिया की विविधता को दर्शाती हैं। रचना में मानवीय आकृतियों को शामिल करके, कलाकार किसी व्यक्ति की आंतरिक भावनाओं और भावनाओं को यथासंभव पूर्ण और विशद रूप से प्रकट करने का प्रयास करता है।

गेरिकॉल्ट की मृत्यु के बाद, उनकी रोमांटिक कला की परंपराओं को कलाकार के युवा समकालीन, ई. डेलाक्रोइक्स द्वारा उठाया गया था।

यूजीन डेलाक्रोइक्स

फर्डिनेंड विक्टर यूजीन डेलाक्रॉइक्स, प्रसिद्ध फ्रांसीसी कलाकार और ग्राफिक कलाकार, रूमानियत की परंपराओं के उत्तराधिकारी, जो गैरीकॉल्ट के काम में विकसित हुए थे, का जन्म 1798 में हुआ था। इम्पीरियल लिसेयुम में अपनी शिक्षा पूरी किए बिना, 1815 में डेलैक्रिक्स के साथ अध्ययन करने गए। प्रसिद्ध मास्टर गुएरिन। हालाँकि, युवा चित्रकार की कलात्मक विधियाँ शिक्षक की आवश्यकताओं को पूरा नहीं करती थीं, इसलिए सात साल बाद युवक उसे छोड़ देता है।

गुएरिन के साथ अध्ययन करते हुए, डेलैक्रिक्स डेविड के काम का अध्ययन करने और पुनर्जागरण की पेंटिंग के स्वामी के लिए बहुत समय समर्पित करता है। वह पुरातनता की संस्कृति को मानते हैं, जिन परंपराओं का डेविड ने भी पालन किया, वे विश्व कला के विकास के लिए मौलिक हैं। इसलिए, Delacroix के लिए सौंदर्यवादी आदर्श प्राचीन ग्रीस के कवियों और विचारकों के कार्य थे, उनमें से कलाकार ने विशेष रूप से होमर, होरेस और मार्कस ऑरेलियस के कार्यों की सराहना की।

Delacroix की पहली रचनाएँ अधूरी कैनवस थीं, जहाँ युवा चित्रकार ने तुर्कों के साथ यूनानियों के संघर्ष को दर्शाने की कोशिश की थी। हालांकि, एक अभिव्यंजक चित्र बनाने के लिए कलाकार के पास कौशल और अनुभव की कमी थी।

1822 में, डेलैक्रिक्स ने दांते और वर्जिल शीर्षक के तहत पेरिस सैलून में अपने काम का प्रदर्शन किया। यह कैनवास, असामान्य रूप से भावनात्मक और रंग में उज्ज्वल है, कई मायनों में गैरीकॉल्ट "द राफ्ट ऑफ़ द मेडुसा" के काम जैसा दिखता है।

दो साल बाद, डेलाक्रॉइक्स की एक और पेंटिंग, द मैसेकर एट चियोस, सैलून के दर्शकों के लिए प्रस्तुत की गई। इसमें यह था कि तुर्कों के साथ यूनानियों के संघर्ष को दिखाने के लिए कलाकार की दीर्घकालिक योजना को मूर्त रूप दिया गया था। चित्र की समग्र रचना में कई भाग होते हैं, जो अलग-अलग रखे गए लोगों के समूह बनाते हैं, उनमें से प्रत्येक का अपना नाटकीय संघर्ष होता है। सामान्य तौर पर, काम एक गहरी त्रासदी का आभास देता है। तनाव और गतिशीलता की भावना पात्रों के आंकड़े बनाने वाली चिकनी और तेज रेखाओं के संयोजन से बढ़ जाती है, जिससे कलाकार द्वारा चित्रित व्यक्ति के अनुपात में बदलाव होता है। हालाँकि, यह ठीक इसी वजह से है कि चित्र यथार्थवादी चरित्र और जीवन विश्वसनीयता प्राप्त करता है।

Delacroix की रचनात्मक पद्धति, पूरी तरह से "चियोस के नरसंहार" में व्यक्त की गई, क्लासिक शैली से बहुत दूर है जिसे तब फ्रांस के आधिकारिक हलकों में और ललित कला के प्रतिनिधियों के बीच स्वीकार किया गया था। इसलिए, सैलून में युवा कलाकार की तस्वीर की तीखी आलोचना की गई।

असफल होने पर भी चित्रकार अपने आदर्श के प्रति सच्चा रहता है। 1827 में, स्वतंत्रता के लिए ग्रीक लोगों के संघर्ष के विषय पर एक और काम दिखाई दिया - "मिसोलॉन्गी के खंडहरों पर ग्रीस"। कैनवास पर चित्रित एक दृढ़ और गर्वित ग्रीक महिला का चित्र यहाँ पर असंबद्ध ग्रीस का प्रतीक है।

1827 में, Delacroix ने दो काम किए जो कलात्मक अभिव्यक्ति के साधनों और तरीकों के क्षेत्र में मास्टर की रचनात्मक खोज को दर्शाते हैं। ये कैनवस "सरदानापालस की मौत" और "मैरिनो फालिएरो" हैं। उनमें से पहले पर, मानव आकृतियों के आंदोलन में स्थिति की त्रासदी को व्यक्त किया गया है। केवल सरदानापाल की छवि ही यहाँ स्थिर और शांत है। "मैरिनो फालिएरो" की रचना में केवल मुख्य चरित्र का आंकड़ा गतिशील है। जो कुछ होने वाला था, उसके बारे में सोचकर बाकी नायक भयभीत हो गए।

20 के दशक में। 19 वीं सदी Delacroix ने कई कार्य किए, जिनमें से प्लॉट प्रसिद्ध साहित्यिक कृतियों से लिए गए थे। 1825 में कलाकार ने विलियम शेक्सपियर के जन्मस्थान इंग्लैंड का दौरा किया। उसी वर्ष, इस यात्रा की छाप और प्रसिद्ध नाटककार डेलाक्रोइक्स की त्रासदी के तहत, लिथोग्राफ "मैकबेथ" बनाया गया था। 1827 से 1828 की अवधि में, उन्होंने गोएथे द्वारा इसी नाम के काम को समर्पित एक लिथोग्राफ "फॉस्ट" बनाया।

1830 में फ्रांस में हुई घटनाओं के संबंध में, डेलैक्रिक्स ने "लिबर्टी लीडिंग द पीपल" पेंटिंग का प्रदर्शन किया। क्रांतिकारी फ्रांस को एक युवा, मजबूत महिला, निरंकुश, दृढ़ और स्वतंत्र, साहसपूर्वक भीड़ का नेतृत्व करने की छवि में प्रस्तुत किया गया है, जिसमें एक कार्यकर्ता, एक छात्र, एक घायल सैनिक, एक पेरिस गैमेन के आंकड़े बाहर खड़े हैं (एक ऐसी छवि जो प्रत्याशित है) गैवरोचे, जो बाद में वी. ह्यूगो द्वारा लेस मिसरेबल्स में दिखाई दिए)।

यह काम अन्य कलाकारों के समान कार्यों से स्पष्ट रूप से अलग था जो केवल एक घटना के सच्चे प्रसारण में रुचि रखते थे। Delacroix द्वारा बनाए गए कैनवस को उच्च वीर पथों की विशेषता थी। यहाँ की छवियां फ्रांसीसी लोगों की स्वतंत्रता और स्वतंत्रता के सामान्यीकृत प्रतीक हैं।

लुई फिलिप के सत्ता में आने के साथ - राजा-बुर्जुआ वीरता और डेलैक्रिक्स द्वारा प्रचारित उच्च भावनाओं का आधुनिक जीवन में कोई स्थान नहीं था। 1831 में कलाकार ने अफ्रीकी देशों की यात्रा की। उन्होंने टैंगियर, मेकनेस, ओरान और अल्जीयर्स की यात्रा की। उसी समय, Delacroix स्पेन का दौरा करता है। पूरब का जीवन वस्तुतः अपने तीव्र प्रवाह से कलाकार को मोहित करता है। वह रेखाचित्र, चित्र और कई जल रंग के काम करता है।

मोरक्को का दौरा करने के बाद, Delacroix पूर्व को समर्पित कैनवस पेंट करता है। चित्र, जिसमें कलाकार घुड़दौड़ या मूरों की लड़ाई दिखाता है, असामान्य रूप से गतिशील और अभिव्यंजक हैं। उनकी तुलना में, 1834 में बनाई गई रचना "अल्जीरियाई महिलाएं अपने कक्षों में", शांत और स्थिर लगती हैं। इसमें कलाकार के पहले के कामों में निहित तीव्र गतिशीलता और तनाव नहीं है। Delacroix यहाँ रंग के स्वामी के रूप में प्रकट होता है। चित्रकार द्वारा पूरी तरह से उपयोग की जाने वाली रंग योजना पैलेट की उज्ज्वल विविधता को दर्शाती है, जिसे दर्शक पूर्व के रंगों से जोड़ता है।

कैनवास "मोरक्को में यहूदी विवाह", लगभग 1841 में लिखा गया था, उसी धीमेपन और माप की विशेषता है। राष्ट्रीय इंटीरियर की मौलिकता के कलाकार के सटीक प्रतिपादन के लिए यहां एक रहस्यमय प्राच्य वातावरण बनाया गया है। रचना आश्चर्यजनक रूप से गतिशील लगती है: चित्रकार दिखाता है कि लोग कैसे सीढ़ियों से ऊपर जाते हैं और कमरे में प्रवेश करते हैं। कमरे में प्रवेश करने वाली रोशनी छवि को यथार्थवादी और आश्वस्त करती है।

Delacroix के कार्यों में पूर्वी रूप अभी भी लंबे समय तक मौजूद थे। इसलिए, 1847 में सैलून में आयोजित प्रदर्शनी में, उनके द्वारा प्रस्तुत छह कार्यों में से पांच पूर्व के जीवन और जीवन के लिए समर्पित थे।

30-40 के दशक में। 19वीं सदी में, Delacroix के काम में नए विषय दिखाई देते हैं। इस समय, मास्टर ऐतिहासिक विषयों के कार्यों का निर्माण करता है। उनमें से, कैनवस "स्टेट्स जनरल के विघटन के खिलाफ मिराब्यू का विरोध" और "बोइसी डी'एंगल्स" विशेष ध्यान देने योग्य हैं। सैलून में 1831 में दिखाया गया उत्तरार्द्ध का स्केच लोकप्रिय विद्रोह के विषय पर रचनाओं का एक ज्वलंत उदाहरण है।

पेंटिंग "द बैटल ऑफ पॉटिएर्स" (1830) और "द बैटल ऑफ तैयबर" (1837) लोगों की छवि के लिए समर्पित हैं। सभी यथार्थवाद के साथ, युद्ध की गतिशीलता, लोगों के आंदोलन, उनके रोष, क्रोध और पीड़ा को यहां दिखाया गया है। कलाकार हर कीमत पर जीतने की इच्छा से जकड़े हुए व्यक्ति की भावनाओं और जुनून को व्यक्त करना चाहता है। यह लोगों के आंकड़े हैं जो घटना की नाटकीय प्रकृति को बताने में मुख्य हैं।

Delacroix के कार्यों में बहुत बार, विजेता और पराजित एक दूसरे के तीव्र विरोधी होते हैं। यह विशेष रूप से 1840 में लिखे गए कैनवास "द कैप्चर ऑफ कॉन्स्टेंटिनोपल बाय द क्रूसेडर्स" पर स्पष्ट रूप से देखा गया है। दु: ख से उबरने वाले लोगों का एक समूह अग्रभूमि में दिखाया गया है। उनके पीछे अपनी सुंदरता के साथ एक रमणीय, करामाती परिदृश्य है। विजयी सवारों के आंकड़े भी यहां रखे गए हैं, जिनके दुर्जेय सिल्हूट अग्रभूमि में शोकाकुल आंकड़ों के विपरीत हैं।

"क्रूसेडर्स द्वारा कॉन्स्टेंटिनोपल का कब्जा" Delacroix को एक उल्लेखनीय रंगकर्मी के रूप में प्रस्तुत करता है। चमकीले और संतृप्त रंग, हालांकि, दुखद शुरुआत को नहीं बढ़ाते हैं, जो दर्शक के करीब स्थित शोकाकुल आंकड़ों द्वारा व्यक्त किया जाता है। इसके विपरीत, एक समृद्ध पैलेट विजेताओं के सम्मान में आयोजित छुट्टी की भावना पैदा करता है।

उसी 1840 में बनाई गई रचना "जस्टिस ऑफ ट्रोजन" कोई कम रंगीन नहीं है। कलाकार के समकालीनों ने इस चित्र को सभी चित्रकारों के कैनवस में से एक के रूप में मान्यता दी। विशेष रुचि का तथ्य यह है कि काम के दौरान मास्टर रंग के क्षेत्र में प्रयोग करता है। छाया भी उससे तरह-तरह के रंग ग्रहण करती है। रचना के सभी रंग बिल्कुल प्रकृति के अनुरूप हैं। प्रकृति में रंगों में बदलाव के लिए चित्रकार की लंबी टिप्पणियों से काम का निष्पादन पहले हो गया था। कलाकार ने उन्हें अपनी डायरी में दर्ज किया। फिर, नोटों के अनुसार, वैज्ञानिकों ने पुष्टि की कि Delacroix द्वारा tonality के क्षेत्र में की गई खोजें उस समय पैदा हुए रंग के सिद्धांत के साथ पूरी तरह से संगत थीं, जिसके संस्थापक ई। शेवरुल हैं। इसके अलावा, कलाकार अपनी खोजों की तुलना विनीशियन स्कूल द्वारा उपयोग किए जाने वाले पैलेट से करता है, जो उसके लिए पेंटिंग कौशल का एक उदाहरण था।

Delacroix के चित्रों में पोर्ट्रेट का विशेष स्थान है। मास्टर शायद ही कभी इस शैली में बदल गए। उन्होंने केवल उन्हीं लोगों को चित्रित किया जिनके साथ वह लंबे समय से परिचित थे, जिनका आध्यात्मिक विकास कलाकार के सामने हुआ। इसलिए, चित्रों में चित्र बहुत अभिव्यंजक और गहरे हैं। ये चोपिन और जॉर्ज सैंड के चित्र हैं। प्रसिद्ध लेखक (1834) को समर्पित कैनवास में एक महान और दृढ़ इच्छाशक्ति वाली महिला को दर्शाया गया है जो अपने समकालीनों को प्रसन्न करती है। चार साल बाद 1838 में चित्रित चोपिन का चित्र महान संगीतकार की काव्यात्मक और आध्यात्मिक छवि का प्रतिनिधित्व करता है।

1831 के आसपास डेलाक्रोइक्स द्वारा चित्रित प्रसिद्ध वायलिन वादक और संगीतकार पगनीनी का एक दिलचस्प और असामान्य रूप से अभिव्यंजक चित्र। पगनी की संगीत शैली कई मायनों में कलाकार की पेंटिंग पद्धति के समान थी। पगनिनी के काम की विशेषता उसी अभिव्यक्ति और गहन भावुकता से है जो चित्रकार के कार्यों की विशेषता थी।

Delacroix के काम में परिदृश्य एक छोटी सी जगह पर कब्जा कर लेते हैं। हालाँकि, वे 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में फ्रांसीसी चित्रकला के विकास के लिए बहुत महत्वपूर्ण साबित हुए। Delacroix के परिदृश्य प्रकृति के प्रकाश और मायावी जीवन को सटीक रूप से व्यक्त करने की इच्छा से चिह्नित हैं। इसके ज्वलंत उदाहरण "स्काई" चित्र हैं, जहाँ आकाश में तैरते बर्फ़-सफ़ेद बादलों की बदौलत गतिकी की भावना पैदा होती है, और "समुद्र, डायपेप के किनारों से दिखाई देता है" (1854), जिसमें चित्रकार महारत हासिल करता है समुद्र की सतह पर हल्की सेलबोटों की ग्लाइडिंग को व्यक्त करता है।

1833 में, कलाकार को फ्रांसीसी राजा से बोरबॉन पैलेस में एक हॉल पेंट करने का आदेश मिला। एक स्मारकीय कार्य के निर्माण पर कार्य चार वर्षों तक चला। आदेश को पूरा करते समय, चित्रकार को मुख्य रूप से इस तथ्य से निर्देशित किया गया था कि चित्र अत्यंत सरल और संक्षिप्त थे, जो दर्शक के लिए समझ में आते थे।
Delacroix का अंतिम काम पेरिस में सेंट-सल्पाइस के चर्च में पवित्र एन्जिल्स के चैपल की पेंटिंग थी। यह 1849 से 1861 की अवधि में बनाया गया था। चमकीले, समृद्ध रंगों (गुलाबी, चमकीला नीला, बकाइन, राख-नीले और पीले-भूरे रंग की पृष्ठभूमि पर रखा गया) का उपयोग करते हुए, कलाकार रचनाओं में एक हर्षित मनोदशा बनाता है, जिससे दर्शक प्रफुल्लित उल्लास महसूस करना। एक प्रकार की पृष्ठभूमि के रूप में पेंटिंग "मंदिर से इलियोडोर का निष्कासन" में शामिल परिदृश्य, नेत्रहीन रूप से रचना के स्थान और चैपल के परिसर को बढ़ाता है। दूसरी ओर, मानो अंतरिक्ष के अलगाव पर जोर देने की कोशिश कर रहा हो, डेलैक्रिक्स रचना में एक सीढ़ी और एक कटघरा पेश करता है। इसके पीछे रखी गई लोगों की आकृतियाँ लगभग सपाट छायाचित्र प्रतीत होती हैं।

यूजीन डेलाक्रोइक्स की मृत्यु 1863 में पेरिस में हुई थी।

19वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध के चित्रकारों में डेलैक्रिक्स सबसे अधिक शिक्षित थे। उनके चित्रों के कई विषय कलम के प्रसिद्ध उस्तादों की साहित्यिक कृतियों से लिए गए हैं। एक दिलचस्प तथ्य यह है कि अक्सर कलाकार बिना किसी मॉडल का उपयोग किए अपने पात्रों को चित्रित करता है। यही वह अपने अनुयायियों को सिखाना चाहता था। Delacroix के अनुसार, पेंटिंग लाइनों की आदिम नकल की तुलना में कुछ अधिक जटिल है। कलाकार का मानना ​​था कि कला मुख्य रूप से गुरु की मनोदशा और रचनात्मक मंशा को व्यक्त करने की क्षमता में निहित है।

Delacroix कलाकार के रंग, पद्धति और शैली के मुद्दों पर कई सैद्धांतिक कार्यों के लेखक हैं। इन कार्यों ने रचनाओं को बनाने के लिए उपयोग किए जाने वाले अपने स्वयं के कलात्मक साधनों की खोज में आने वाली पीढ़ियों के चित्रकारों के लिए एक बीकन के रूप में कार्य किया।