20-30 के रूसी कलाकारों की पेंटिंग। सोवियत चित्रकला - आधुनिक कला का इतिहास

"कार्ड खिलाड़ी"

लेखक

पॉल सेज़ेन

एक देश फ्रांस
जीवन के वर्ष 1839–1906
शैली प्रभाववाद के बाद

कलाकार का जन्म फ्रांस के दक्षिण में ऐक्स-एन-प्रोवेंस के छोटे शहर में हुआ था, लेकिन उसने पेरिस में पेंटिंग शुरू की। वास्तविक सफलता उन्हें कलेक्टर एम्ब्रोस वोलार्ड द्वारा आयोजित एक एकल प्रदर्शनी के बाद मिली। 1886 में, उनके जाने के 20 साल पहले, वह अपने पैतृक शहर के बाहरी इलाके में चले गए। युवा कलाकारों ने उनकी यात्राओं को "ऐक्स की तीर्थयात्रा" कहा।

130x97 सेमी
1895
कीमत
$ 250 मिलियन
बिका हुआ 2012 में
निजी नीलामी में

सेज़ान के काम को समझना आसान है। कलाकार का एकमात्र नियम कैनवास पर विषय या साजिश का सीधा हस्तांतरण था, इसलिए उनकी पेंटिंग्स दर्शकों की घबराहट का कारण नहीं बनतीं। सेज़ान ने अपनी कला में दो मुख्य फ्रांसीसी परंपराओं को जोड़ा: क्लासिकवाद और रूमानियत। रंगीन बनावट की मदद से उन्होंने वस्तुओं को एक अद्भुत प्लास्टिसिटी का रूप दिया।

पांच चित्रों की एक श्रृंखला "कार्ड प्लेयर्स" 1890-1895 में लिखी गई थी। उनका प्लॉट वही है - कई लोग उत्साहपूर्वक पोकर खेल रहे हैं। कार्य केवल खिलाड़ियों की संख्या और कैनवास के आकार में भिन्न होते हैं।

यूरोप और अमेरिका के संग्रहालयों में चार पेंटिंग रखी गई हैं (मूसी डी'ऑर्से, मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट, द बार्न्स फ़ाउंडेशन और कोर्टौल्ड इंस्टीट्यूट ऑफ़ आर्ट), और पाँचवाँ, हाल तक, निजी संग्रह का एक अलंकरण था। ग्रीक अरबपति जहाज मालिक जॉर्ज एम्बिरिकोस। अपनी मृत्यु से कुछ समय पहले, 2011 की सर्दियों में, उन्होंने इसे बिक्री के लिए रखने का फैसला किया। सीज़ेन के "मुक्त" काम के संभावित खरीदार कला डीलर विलियम एक्वावेल्ला और विश्व प्रसिद्ध गैलरी के मालिक लैरी गैगोसियन थे, जिन्होंने इसके लिए लगभग 220 मिलियन डॉलर की पेशकश की थी। नतीजतन, पेंटिंग 250 मिलियन अरब राज्य कतर के शाही परिवार के पास चली गई। पेंटिंग के इतिहास में सबसे बड़ा कला सौदा फरवरी 2012 में बंद हो गया था। पत्रकार एलेक्जेंड्रा पियर्स द्वारा वैनिटी फेयर को इसकी सूचना दी गई थी। उसने पेंटिंग की कीमत और नए मालिक के नाम का पता लगाया और फिर यह जानकारी दुनिया भर के मीडिया में फैल गई।

2010 में, कतर में आधुनिक कला का अरब संग्रहालय और कतर राष्ट्रीय संग्रहालय खोला गया। अब इनका कलेक्शन बढ़ रहा है। शायद इस उद्देश्य के लिए द कार्ड प्लेयर्स का पांचवां संस्करण शेख द्वारा अधिग्रहित किया गया था।

सबसेमहंगी तस्वीरइस दुनिया में

मालिक
शेख हमद
बिन खलीफा अल-थानी

अल-थानी राजवंश ने क़तर पर 130 से अधिक वर्षों तक शासन किया है। लगभग आधी सदी पहले, यहाँ तेल और गैस के विशाल भंडार खोजे गए थे, जिसने कतर को तुरंत दुनिया के सबसे अमीर क्षेत्रों में से एक बना दिया था। हाइड्रोकार्बन के निर्यात के लिए धन्यवाद, इस छोटे से देश ने प्रति व्यक्ति सबसे बड़ा सकल घरेलू उत्पाद दर्ज किया। शेख हमद बिन खलीफा अल-थानी ने 1995 में सत्ता पर कब्जा कर लिया, जबकि उनके पिता परिवार के सदस्यों के समर्थन से स्विट्जरलैंड में थे। विशेषज्ञों के अनुसार, वर्तमान शासक की योग्यता राज्य की एक सफल छवि बनाने, देश के विकास के लिए एक स्पष्ट रणनीति में है। कतर में अब एक संविधान और एक प्रधान मंत्री है, और महिलाओं को संसदीय चुनावों में वोट देने का अधिकार प्राप्त हुआ है। वैसे, यह कतर के अमीर थे जिन्होंने अल जज़ीरा न्यूज़ चैनल की स्थापना की थी। अरब राज्य के अधिकारी संस्कृति पर बहुत ध्यान देते हैं।

2

"नंबर 5"

लेखक

जैक्सन पोलक

एक देश अमेरीका
जीवन के वर्ष 1912–1956
शैली अमूर्त अभिव्यंजनावाद

जैक द स्प्रिंकलर - ऐसा उपनाम पोलक को अमेरिकी जनता ने उनकी विशेष पेंटिंग तकनीक के लिए दिया था। कलाकार ने ब्रश और चित्रफलक को छोड़ दिया, और कैनवास या फाइबरबोर्ड की सतह पर और उनके अंदर निरंतर आंदोलन के दौरान पेंट डाला। कम उम्र से ही, वह जिद्दू कृष्णमूर्ति के दर्शन के पक्षधर थे, जिसका मुख्य संदेश यह है कि एक स्वतंत्र "बाहरी प्रवाह" के दौरान सच्चाई का पता चलता है।

122x244 सेमी
1948
कीमत
$ 140 मिलियन
बिका हुआ 2006 में
नीलामी पर सूदबी के

पोलॉक के कार्य का मूल्य परिणाम में नहीं बल्कि प्रक्रिया में है। लेखक ने संयोग से अपनी कला को "एक्शन पेंटिंग" नहीं कहा। उनके हल्के हाथ से, यह अमेरिका की मुख्य संपत्ति बन गई। जैक्सन पोलॉक ने रेत, टूटे हुए कांच के साथ पेंट मिलाया और कार्डबोर्ड के एक टुकड़े, एक पैलेट चाकू, एक चाकू, एक फावड़ा के साथ लिखा। कलाकार इतना लोकप्रिय था कि 1950 के दशक में यूएसएसआर में नकल करने वाले भी थे। पेंटिंग "नंबर 5" को दुनिया में सबसे अजीब और सबसे महंगी में से एक माना जाता है। ड्रीमवर्क्स के संस्थापकों में से एक, डेविड गेफेन ने इसे एक निजी संग्रह के लिए खरीदा था, और 2006 में इसे मैक्सिकन कलेक्टर डेविड मार्टिनेज को सोथबी में 140 मिलियन डॉलर में बेच दिया। हालांकि, कानूनी फर्म ने जल्द ही अपने मुवक्किल की ओर से एक प्रेस विज्ञप्ति जारी की जिसमें कहा गया कि डेविड मार्टिनेज पेंटिंग के मालिक नहीं थे। केवल एक चीज निश्चित रूप से ज्ञात है: मैक्सिकन फाइनेंसर ने हाल ही में समकालीन कला के कार्यों को एकत्रित किया है। यह संभावना नहीं है कि वह पोलक के "नंबर 5" जैसी "बड़ी मछली" से चूक गए होंगे।

3

"महिला III"

लेखक

विलेम डी कूनिंग

एक देश अमेरीका
जीवन के वर्ष 1904–1997
शैली अमूर्त अभिव्यंजनावाद

नीदरलैंड के मूल निवासी, वह 1926 में संयुक्त राज्य अमेरिका चले गए। 1948 में, कलाकार की एक व्यक्तिगत प्रदर्शनी हुई। कला समीक्षकों ने अपने लेखक को एक महान आधुनिकतावादी कलाकार के रूप में पहचानते हुए जटिल, नर्वस ब्लैक-एंड-व्हाइट रचनाओं की सराहना की। अपने जीवन के अधिकांश समय वे शराब की लत से पीड़ित रहे, लेकिन नई कला बनाने का आनंद हर काम में महसूस किया जाता है। डी कूनिंग पेंटिंग, व्यापक स्ट्रोक के आवेग से प्रतिष्ठित हैं, यही वजह है कि कभी-कभी छवि कैनवास की सीमाओं के भीतर फिट नहीं होती है।

121x171 सेमी
1953
कीमत
$ 137 मिलियन
बिका हुआ 2006 में
निजी नीलामी में

1950 के दशक में, डी कूनिंग की पेंटिंग्स में खाली आंखों वाली महिलाएं, बड़े स्तन और भद्दे चेहरे वाली महिलाएं दिखाई देती हैं। "वुमन III" नीलामी में भाग लेने वाली इस श्रृंखला का अंतिम काम था।

1970 के दशक से, पेंटिंग को तेहरान म्यूज़ियम ऑफ़ मॉडर्न आर्ट में रखा गया है, लेकिन देश में सख्त नैतिक नियमों की शुरुआत के बाद, उन्होंने इससे छुटकारा पाने की कोशिश की। 1994 में, काम को ईरान से बाहर कर दिया गया था, और 12 साल बाद, इसके मालिक डेविड गेफेन (वही निर्माता जिसने जैक्सन पोलक के "नंबर 5" को बेचा था) ने पेंटिंग को करोड़पति स्टीफन कोहेन को 137.5 मिलियन डॉलर में बेच दिया। यह दिलचस्प है कि एक साल में गेफेन ने अपने चित्रों का संग्रह बेचना शुरू कर दिया। इसने कई अफवाहों को जन्म दिया: उदाहरण के लिए, निर्माता ने लॉस एंजिल्स टाइम्स को खरीदने का फैसला किया।

कला मंचों में से एक में, लियोनार्डो दा विंची की पेंटिंग "लेडी विद ए इरमिन" के साथ "वुमन III" की समानता के बारे में एक राय व्यक्त की गई थी। नायिका की दाँतेदार मुस्कान और आकारहीन आकृति के पीछे, चित्रकला के पारखी ने शाही रक्त के व्यक्ति की कृपा देखी। यह एक महिला के सिर के मुकुट के खराब निशान से भी स्पष्ट होता है।

4

"एडेल का चित्रबलोच-बाउर I"

लेखक

गुस्ताव क्लिम्ट

एक देश ऑस्ट्रिया
जीवन के वर्ष 1862–1918
शैली आधुनिक

गुस्ताव क्लिम्ट का जन्म एक उत्कीर्णक के परिवार में हुआ था और वह सात बच्चों में से दूसरे थे। अर्नेस्ट क्लिम्ट के तीन बेटे कलाकार बने और केवल गुस्ताव ही पूरी दुनिया में प्रसिद्ध हुए। उन्होंने अपना अधिकांश बचपन गरीबी में बिताया। पिता की मृत्यु के बाद उन पर पूरे परिवार की जिम्मेदारी थी। यह वह समय था जब क्लिम्ट ने अपनी शैली विकसित की। उनके चित्रों से पहले, कोई भी दर्शक जम जाता है: सोने के पतले स्ट्रोक के तहत, स्पष्ट कामुकता स्पष्ट रूप से दिखाई देती है।

138x136 सेमी
1907
कीमत
$ 135 मिलियन
बिका हुआ 2006 में
नीलामी पर सूदबी के

पेंटिंग का भाग्य, जिसे "ऑस्ट्रियाई मोना लिसा" कहा जाता है, आसानी से बेस्टसेलर का आधार बन सकता है। कलाकार का काम पूरे राज्य और एक बुजुर्ग महिला के बीच संघर्ष का कारण बन गया।

तो, "एडेल बलोच-बाउर I का पोर्ट्रेट" फर्डिनेंड बलोच की पत्नी, एक अभिजात वर्ग को दर्शाता है। उसकी अंतिम इच्छा पेंटिंग को ऑस्ट्रियन स्टेट गैलरी में स्थानांतरित करना था। हालांकि, बलोच ने अपनी वसीयत में दान को रद्द कर दिया और नाजियों ने पेंटिंग को जब्त कर लिया। बाद में, गैलरी ने मुश्किल से गोल्डन एडेल खरीदा, लेकिन फिर उत्तराधिकारी दिखाई दिया - मारिया अल्टमैन, फर्डिनेंड बलोच की भतीजी।

2005 में, हाई-प्रोफाइल परीक्षण "ऑस्ट्रिया गणराज्य के खिलाफ मारिया अल्टमैन" शुरू हुआ, जिसके परिणामस्वरूप तस्वीर उसके साथ "लॉस एंजिल्स" चली गई। ऑस्ट्रिया ने अभूतपूर्व उपाय किए: ऋण पर बातचीत हुई, जनसंख्या ने चित्र खरीदने के लिए धन दान किया। अच्छाई ने बुराई पर कभी विजय नहीं पाई: ऑल्टमैन ने कीमत बढ़ाकर $300 मिलियन कर दी। परीक्षण के समय, वह 79 वर्ष की थी, और वह इतिहास में उस व्यक्ति के रूप में चली गई जिसने बलोच-बाउर की वसीयत को व्यक्तिगत हितों के पक्ष में बदल दिया। पेंटिंग न्यूयॉर्क में न्यू गैलरी के मालिक रोनाल्ड लॉडर द्वारा खरीदी गई थी, जहां यह आज भी बनी हुई है। ऑस्ट्रिया के लिए नहीं, उसके लिए Altman ने कीमत घटाकर $135 मिलियन कर दी।

5

"चीख"

लेखक

एडवर्ड मंच

एक देश नॉर्वे
जीवन के वर्ष 1863–1944
शैली इक्सप्रेस्सियुनिज़म

मुंच की पहली पेंटिंग, जो पूरी दुनिया में प्रसिद्ध हुई, "द सिक गर्ल" (पांच प्रतियों में मौजूद है) कलाकार की बहन को समर्पित है, जो 15 साल की उम्र में तपेदिक से मर गई थी। मौत और अकेलेपन के विषय में मुंच की हमेशा से दिलचस्पी रही है। जर्मनी में, उनकी भारी, उन्मत्त पेंटिंग ने एक घोटाले को भी भड़का दिया। हालांकि, निराशाजनक भूखंडों के बावजूद, उनके चित्रों में एक विशेष चुंबकत्व है। कम से कम "चीख" लो।

73.5x91 सेमी
1895
कीमत
$ 119.992 मिलियन
में बेचा गया 2012
नीलामी पर सूदबी के

पेंटिंग का पूरा नाम Der Schrei der Natur (जर्मन से "प्रकृति का रोना" के रूप में अनुवादित) है। किसी व्यक्ति या एलियन का चेहरा निराशा और घबराहट व्यक्त करता है - चित्र को देखते समय दर्शक समान भावनाओं का अनुभव करते हैं। अभिव्यक्तिवाद के प्रमुख कार्यों में से एक उन विषयों को चेतावनी देता है जो 20 वीं सदी की कला में तीव्र हो गए हैं। एक संस्करण के अनुसार, कलाकार ने इसे एक मानसिक विकार के प्रभाव में बनाया, जिसे उसने जीवन भर झेला।

पेंटिंग को विभिन्न संग्रहालयों से दो बार चुराया गया था, लेकिन इसे वापस कर दिया गया था। चोरी के बाद थोड़ा क्षतिग्रस्त, द स्क्रीम को बहाल कर दिया गया था और 2008 में मंच संग्रहालय में फिर से दिखाए जाने के लिए तैयार था। पॉप संस्कृति के प्रतिनिधियों के लिए, काम प्रेरणा का स्रोत बन गया: एंडी वारहोल ने अपने प्रिंट-प्रतियों की एक श्रृंखला बनाई, और फिल्म "स्क्रीम" से मुखौटा चित्र के नायक की छवि और समानता में बनाया गया था।

एक प्लॉट के लिए, मुंच ने काम के चार संस्करण लिखे: एक निजी संग्रह में पेस्टल में बनाया गया है। नार्वे के अरबपति पीटर ऑलसेन ने इसे 2 मई 2012 को नीलामी के लिए रखा। खरीदार लियोन ब्लैक थे, जिन्होंने "स्क्रीम" के लिए रिकॉर्ड राशि नहीं छोड़ी। अपोलो एडवाइजर्स के संस्थापक एल.पी. और लायन एडवाइजर्स, एल.पी. कला के अपने प्यार के लिए जाना जाता है। ब्लैक डार्टमाउथ कॉलेज, म्यूज़ियम ऑफ़ मॉडर्न आर्ट, लिंकन आर्ट सेंटर और मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट का संरक्षक है। इसमें पिछली शताब्दियों के समकालीन कलाकारों और शास्त्रीय आचार्यों के चित्रों का सबसे बड़ा संग्रह है।

6

"बस्ट और हरी पत्तियों की पृष्ठभूमि के खिलाफ नग्न"

लेखक

पब्लो पिकासो

एक देश स्पेन, फ्रांस
जीवन के वर्ष 1881–1973
शैली क्यूबिज्म

मूल रूप से वह एक स्पैनियार्ड है, लेकिन आत्मा और निवास स्थान में वह एक वास्तविक फ्रांसीसी है। पिकासो ने बार्सिलोना में अपना आर्ट स्टूडियो तब खोला जब वह केवल 16 साल के थे। इसके बाद वे पेरिस गए और अपना अधिकांश जीवन वहीं बिताया। इसीलिए उनके अंतिम नाम में दोहरा तनाव है। पिकासो द्वारा आविष्कृत शैली इस मत के खंडन पर आधारित है कि कैनवास पर चित्रित वस्तु को केवल एक कोण से देखा जा सकता है।

130x162 सेमी
1932
कीमत
$ 106.482 मिलियन
बिका हुआ 2010 में
नीलामी पर क्रिस्टी का

रोम में अपने काम के दौरान, कलाकार ने नर्तकी ओल्गा खोखलोवा से मुलाकात की, जो जल्द ही उसकी पत्नी बन गई। उसने आवारगी को समाप्त कर दिया, उसके साथ एक शानदार अपार्टमेंट में चला गया। उस वक्त तक मान्यता को हीरो मिल गया था, लेकिन शादी टूट गई। दुनिया की सबसे महंगी पेंटिंग में से एक लगभग दुर्घटना से बनाई गई थी - बड़े प्यार से, जो पिकासो के साथ हमेशा की तरह अल्पकालिक थी। 1927 में, उन्हें युवा मैरी-थेरेस वाल्टर में दिलचस्पी हो गई (वह 17 वर्ष की थी, वह 45 वर्ष की थी)। अपनी पत्नी से गुप्त रूप से, वह अपनी मालकिन के साथ पेरिस के पास एक कस्बे के लिए रवाना हुआ, जहाँ उसने डैफने की छवि में मैरी-थेरेसी का चित्रण करते हुए एक चित्र बनाया। पेंटिंग न्यूयॉर्क के डीलर पॉल रोसेनबर्ग द्वारा खरीदी गई थी और 1951 में सिडनी एफ ब्रॉडी को बेच दी गई थी। ब्रोडिस ने दुनिया को केवल एक बार पेंटिंग दिखाई, और केवल इसलिए कि कलाकार 80 वर्ष का था। अपने पति की मृत्यु के बाद, श्रीमती ब्रॉडी ने मार्च 2010 में कृति को नीलामी के लिए क्रिस्टी में रखा। छह दशकों में, कीमतें 5,000 गुना से अधिक बढ़ी हैं! एक अज्ञात कलेक्टर ने इसे 106.5 मिलियन डॉलर में खरीदा था। 2011 में, ब्रिटेन में "वन-पेंटिंग प्रदर्शनी" आयोजित की गई थी, जहाँ इसने दूसरी बार प्रकाश देखा, लेकिन मालिक का नाम अभी भी अज्ञात है।

7

"आठ एल्विस"

लेखक

एंडी वारहोल

एक देश अमेरीका
जीवन के वर्ष 1928-1987
शैली
पॉप कला

पंथ पॉप कलाकार, निर्देशक और साक्षात्कार पत्रिका के संस्थापकों में से एक, डिजाइनर एंडी वारहोल ने कहा, "सेक्स और पार्टियां ही एकमात्र स्थान हैं जहां आपको व्यक्तिगत रूप से प्रकट होने की आवश्यकता होती है।" उन्होंने वोग और हार्पर बाजार के साथ काम किया, रिकॉर्ड कवर डिजाइन किए, और आई.मिलर के लिए जूते डिजाइन किए। 1960 के दशक में, अमेरिका के प्रतीकों: कैंपबेल के सूप और कोका-कोला, प्रेस्ली और मुनरो को चित्रित करने वाली पेंटिंग दिखाई दीं - जिसने उन्हें एक किंवदंती बना दिया।

358x208 सेमी
1963
कीमत
$100 मिलियन
बिका हुआ 2008 में
निजी नीलामी में

वारहोल का 60 का दशक - अमेरिका में पॉप कला का तथाकथित युग। 1962 में, उन्होंने मैनहट्टन में फैक्ट्री स्टूडियो में काम किया, जहाँ न्यूयॉर्क के सभी बोहेमिया एकत्रित हुए। इसके सबसे चमकीले प्रतिनिधि: मिक जैगर, बॉब डायलन, ट्रूमैन कैपोट और दुनिया की अन्य प्रसिद्ध हस्तियां। उसी समय, वारहोल ने सिल्क-स्क्रीन प्रिंटिंग की तकनीक की कोशिश की - एक छवि के कई दोहराव। उन्होंने "आठ एल्विस" बनाते समय भी इस पद्धति का उपयोग किया था: दर्शकों को एक फिल्म के फ्रेम दिखाई देते हैं जहां स्टार जीवन में आता है। वह सब कुछ जो कलाकार को बहुत पसंद था: एक जीत-जीत सार्वजनिक छवि, चांदी का रंग और मुख्य संदेश के रूप में मृत्यु का एक अनुमान।

आज विश्व बाजार में वारहोल के काम को बढ़ावा देने वाले दो कला डीलर हैं: लैरी गागोसियन और अल्बर्टो मुगराबी। 2008 में पहली बार 15 से अधिक वारहोल कार्यों को खरीदने के लिए $200 मिलियन खर्च किए गए। दूसरा अपने चित्रों को क्रिसमस कार्ड की तरह खरीदता और बेचता है, केवल अधिक महंगा। लेकिन यह वे नहीं थे, बल्कि विनम्र फ्रांसीसी कला सलाहकार फिलिप सेगालो थे जिन्होंने रोमन कला पारखी एनीबेल बर्लिंगहियरी को वारहोल-रिकॉर्ड $ 100 मिलियन में आठ एल्विस को एक अज्ञात खरीदार को बेचने में मदद की थी।

8

"नारंगी,लाल पीला"

लेखक

मार्क रोथको

एक देश अमेरीका
जीवन के वर्ष 1903–1970
शैली अमूर्त अभिव्यंजनावाद

कलर फील्ड पेंटिंग के रचनाकारों में से एक का जन्म एक यहूदी फार्मासिस्ट के एक बड़े परिवार में ड्विंस्क, रूस (अब डुगवपिल्स, लातविया) में हुआ था। 1911 में वे यूएसए चले गए। रोथको ने येल विश्वविद्यालय के कला विभाग में अध्ययन किया, छात्रवृत्ति हासिल की, लेकिन यहूदी-विरोधी भावनाओं ने उन्हें अपनी पढ़ाई छोड़ने के लिए मजबूर कर दिया। सब कुछ के बावजूद, कला समीक्षकों ने कलाकार को मूर्तिमान कर दिया, और संग्रहालयों ने जीवन भर उसका पीछा किया।

206x236 सेमी
1961
कीमत
$ 86.882 मिलियन
बिका हुआ 2012 में
नीलामी पर क्रिस्टी का

रोथको के पहले कलात्मक प्रयोग एक अतियथार्थवादी अभिविन्यास के थे, लेकिन समय के साथ उन्होंने किसी भी निष्पक्षता से वंचित करते हुए, रंग के धब्बों को सरल बना दिया। सबसे पहले उनके पास चमकीले रंग थे, और 1960 के दशक में वे भूरे, बैंगनी रंग से भरे हुए थे, जो कलाकार की मृत्यु के समय तक काले हो गए थे। मार्क रोथको ने अपने चित्रों में किसी भी अर्थ की तलाश के खिलाफ चेतावनी दी। लेखक ठीक वही कहना चाहता था जो उसने कहा: केवल वह रंग जो हवा में घुल जाता है, और कुछ नहीं। उन्होंने 45 सेमी की दूरी से कार्यों को देखने की सिफारिश की, ताकि दर्शक फ़नल की तरह रंग में "घसीटा" जाए। सावधानी: सभी नियमों के अनुसार देखने से ध्यान का प्रभाव हो सकता है, अर्थात अनंत का बोध धीरे-धीरे आता है, स्वयं में पूर्ण विसर्जन, विश्राम, शुद्धि। उनके चित्रों में रंग जीवित रहता है, सांस लेता है और इसका एक मजबूत भावनात्मक प्रभाव होता है (कभी-कभी इसे उपचार कहा जाता है)। कलाकार ने कहा: "दर्शकों को उन्हें देखकर रोना चाहिए" - और वास्तव में ऐसे मामले थे। रोथको के सिद्धांत के अनुसार, इस समय लोग उसी आध्यात्मिक अनुभव को जीते हैं जो उन्हें चित्र पर काम करने की प्रक्रिया में मिला था। यदि आप इसे इतने सूक्ष्म स्तर पर समझने में कामयाब रहे, तो आश्चर्यचकित न हों कि अमूर्तवाद के इन कार्यों की तुलना अक्सर आलोचकों द्वारा आइकन से की जाती है।

काम "नारंगी, लाल, पीला" मार्क रोथको की पेंटिंग का सार व्यक्त करता है। न्यूयॉर्क में क्रिस्टी की नीलामी में इसकी शुरुआती कीमत 35-45 मिलियन डॉलर है। एक अज्ञात खरीदार ने अनुमान से दोगुनी कीमत की पेशकश की। पेंटिंग के खुश मालिक का नाम, जैसा कि अक्सर होता है, का खुलासा नहीं किया गया था।

9

"त्रिपटिक"

लेखक

फ़्रांसिस बेकन

एक देश
ग्रेट ब्रिटेन
जीवन के वर्ष 1909–1992
शैली इक्सप्रेस्सियुनिज़म

फ्रांसिस बेकन, एक पूर्ण हमनाम और इसके अलावा, महान दार्शनिक के दूर के वंशज के कारनामों की शुरुआत तब हुई जब उनके पिता ने उन्हें अस्वीकार कर दिया, अपने बेटे के समलैंगिक झुकाव को स्वीकार करने में असमर्थ थे। बेकन पहले बर्लिन गए, फिर पेरिस गए, और फिर उनके निशान पूरे यूरोप में उलझे हुए हैं। उनके जीवनकाल में भी, उनके कार्यों को दुनिया के प्रमुख सांस्कृतिक केंद्रों में प्रदर्शित किया गया था, जिसमें गुगेनहाइम संग्रहालय और ट्रीटीकोव गैलरी शामिल हैं।

147.5x198 सेमी (प्रत्येक)
1976
कीमत
$ 86.2 मिलियन
बिका हुआ 2008 में
नीलामी पर सूदबी के

प्रतिष्ठित संग्रहालय बेकन द्वारा चित्रों को रखने के लिए प्रयासरत थे, लेकिन मूल अंग्रेजी जनता को ऐसी कला के लिए बाहर निकलने की कोई जल्दी नहीं थी। प्रसिद्ध ब्रिटिश प्रधान मंत्री मार्गरेट थैचर ने उनके बारे में कहा: "वह आदमी जो इन भयानक चित्रों को चित्रित करता है।"

कलाकार ने अपने काम में शुरुआती अवधि को युद्ध के बाद की अवधि माना। सेवा से लौटकर, उन्होंने फिर से पेंटिंग की और मुख्य कृतियों का निर्माण किया। नीलामी में "ट्रिप्टिक, 1976" की भागीदारी से पहले, बेकन का सबसे महंगा काम "पोप इनोसेंट एक्स के एक पोर्ट्रेट के लिए अध्ययन" (52.7 मिलियन डॉलर) था। "ट्रिप्टिक, 1976" में कलाकार ने ऑरेस्टेस के उत्पीड़न के पौराणिक कथानक को रोषों द्वारा चित्रित किया। बेशक, ऑरेस्टेस खुद बेकन हैं, और रोष उनकी पीड़ा है। 30 से अधिक वर्षों के लिए पेंटिंग एक निजी संग्रह में थी और प्रदर्शनियों में भाग नहीं लिया। यह तथ्य इसे एक विशेष मूल्य देता है और तदनुसार लागत बढ़ाता है। लेकिन कला के पारखी के लिए कुछ मिलियन और रूसी में भी उदार क्या है? रोमन अब्रामोविच ने 1990 के दशक में अपना संग्रह बनाना शुरू किया, इसमें वह अपनी प्रेमिका दशा ज़ुकोवा से काफी प्रभावित थे, जो आधुनिक रूस में एक फैशनेबल गैलरी की मालिक बन गई हैं। अनौपचारिक आंकड़ों के अनुसार, व्यवसायी के पास अल्बर्टो गियाकोमेटी और पाब्लो पिकासो के काम हैं, जिन्हें $ 100 मिलियन से अधिक की राशि में खरीदा गया है। 2008 में, वह Triptych के मालिक बन गए। वैसे, 2011 में, बेकन का एक और मूल्यवान काम हासिल किया गया था - "लुसियन फ्रायड के चित्र के लिए तीन रेखाचित्र।" छिपे हुए सूत्रों का कहना है कि रोमन अर्कादेविच फिर से खरीदार बन गया।

10

"पानी के लिली के साथ तालाब"

लेखक

क्लॉड मोनेट

एक देश फ्रांस
जीवन के वर्ष 1840–1926
शैली प्रभाववाद

कलाकार को प्रभाववाद के संस्थापक के रूप में पहचाना जाता है, जिसने अपने कैनवस में इस पद्धति का "पेटेंट" किया। पहला महत्वपूर्ण काम पेंटिंग "ब्रेकफास्ट ऑन द ग्रास" (एडौर्ड मानेट के काम का मूल संस्करण) था। अपनी युवावस्था में, उन्होंने कैरिकेचर बनाए, और तट पर और खुली हवा में अपनी यात्रा के दौरान वास्तविक पेंटिंग बनाई। पेरिस में, उन्होंने एक बोहेमियन जीवन शैली का नेतृत्व किया और सेना में सेवा देने के बाद भी इसे नहीं छोड़ा।

210x100 सेमी
1919
कीमत
$ 80.5 मिलियन
बिका हुआ 2008 में
नीलामी पर क्रिस्टी का

इस तथ्य के अलावा कि मोनेट एक महान कलाकार थे, वे उत्साहपूर्वक बागवानी में भी लगे हुए थे, वन्य जीवन और फूलों को पसंद करते थे। उनके परिदृश्य में, प्रकृति की स्थिति क्षणिक है, हवा की गति से वस्तुएं धुंधली लगती हैं। इंप्रेशन बड़े स्ट्रोक से बढ़ाया जाता है, एक निश्चित दूरी से वे अदृश्य हो जाते हैं और एक बनावट, त्रि-आयामी छवि में विलय हो जाते हैं। दिवंगत मोनेट की पेंटिंग में, पानी और जीवन के विषय में एक विशेष स्थान है। गिवरनी शहर में, कलाकार का अपना तालाब था, जहाँ उन्होंने विशेष रूप से जापान से लाए गए बीजों से पानी के लिली उगाए। जब उनके फूल खिल गए, तो वह रंगने लगा। वाटर लिली श्रृंखला में 60 कार्य शामिल हैं जिन्हें कलाकार ने अपनी मृत्यु तक लगभग 30 वर्षों तक चित्रित किया। उम्र के साथ उनकी नजर कमजोर होती गई, लेकिन वे रुके नहीं। हवा, मौसम और मौसम के आधार पर, तालाब का दृश्य लगातार बदल रहा था और मोनेट इन परिवर्तनों को पकड़ना चाहता था। सावधानीपूर्वक कार्य के माध्यम से उन्हें प्रकृति के सार की समझ मिली। श्रृंखला के कुछ चित्रों को दुनिया की प्रमुख दीर्घाओं में रखा गया है: नेशनल म्यूज़ियम ऑफ़ वेस्टर्न आर्ट (टोक्यो), ऑरेंजरी (पेरिस)। अगले "पानी के लिली के साथ तालाब" का संस्करण एक रिकॉर्ड राशि के लिए एक अज्ञात खरीदार के हाथों में चला गया।

11

झूठा तारा टी

लेखक

जैस्पर जॉन्स

एक देश अमेरीका
जन्म का साल 1930
शैली पॉप कला

1949 में, जोन्स ने न्यूयॉर्क में डिज़ाइन स्कूल में प्रवेश किया। जैक्सन पोलक, विलेम डी कूनिंग और अन्य लोगों के साथ, उन्हें 20वीं सदी के प्रमुख कलाकारों में से एक माना जाता है। 2012 में, उन्हें संयुक्त राज्य अमेरिका में सर्वोच्च नागरिक पुरस्कार, स्वतंत्रता का राष्ट्रपति पदक मिला।

137.2x170.8 सेमी
1959
कीमत
$ 80 मिलियन
बिका हुआ 2006 में
निजी नीलामी में

मार्सेल डुचैम्प की तरह, जोन्स ने वास्तविक वस्तुओं के साथ काम किया, उन्हें कैनवास पर और मूर्तिकला में मूल के अनुसार चित्रित किया। अपने कामों के लिए, उन्होंने सभी के लिए सरल और समझने योग्य वस्तुओं का उपयोग किया: एक बीयर की बोतल, एक झंडा या नक्शे। फाल्स स्टार्ट तस्वीर में कोई स्पष्ट रचना नहीं है। ऐसा लगता है कि कलाकार दर्शक के साथ खेल रहा है, अक्सर "गलत तरीके से" चित्र में रंगों पर हस्ताक्षर करता है, रंग की अवधारणा को उल्टा कर देता है: "मैं रंग को चित्रित करने का एक तरीका खोजना चाहता था ताकि यह किसी अन्य द्वारा निर्धारित किया जा सके तरीका।" उनकी सबसे विस्फोटक और "असुरक्षित", आलोचकों के अनुसार, पेंटिंग को एक अज्ञात खरीदार द्वारा अधिग्रहित किया गया था।

12

"बैठानंगासोफे पर"

लेखक

एमेडियो मोदिग्लिआनी

एक देश इटली, फ्रांस
जीवन के वर्ष 1884–1920
शैली इक्सप्रेस्सियुनिज़म

मोदिग्लिआनी बचपन से ही अक्सर बीमार रहते थे, बुखार भरे प्रलाप के दौरान, उन्होंने एक कलाकार के रूप में अपने भाग्य को पहचान लिया। उन्होंने लिवोर्नो, फ्लोरेंस, वेनिस में ड्राइंग का अध्ययन किया और 1906 में वे पेरिस के लिए रवाना हुए, जहाँ उनकी कला का विकास हुआ।

65x100 सेमी
1917
कीमत
$ 68.962 मिलियन
बिका हुआ 2010 में
नीलामी पर सूदबी के

1917 में, मोदिग्लिआनी की मुलाकात 19 वर्षीय जीन हेब्युटर्न से हुई, जो उनकी मॉडल और बाद में उनकी पत्नी बनीं। 2004 में, उनका एक चित्र $31.3 मिलियन में बिका, जो 2010 में एक सोफे पर सीटेड न्यूड की बिक्री से पहले का आखिरी रिकॉर्ड था। पेंटिंग को मोदिग्लिआनी के लिए इस समय अधिकतम कीमत पर एक अज्ञात खरीदार द्वारा खरीदा गया था। कलाकार की मृत्यु के बाद ही कार्यों की सक्रिय बिक्री शुरू हुई। तपेदिक से पीड़ित गरीबी में उनकी मृत्यु हो गई और अगले दिन, नौ महीने की गर्भवती जीन हेबटर्न ने भी आत्महत्या कर ली।

13

"ईगल ऑन ए पाइन"

लेखक

क्यूई बैशी

एक देश चीन
जीवन के वर्ष 1864–1957
शैली गुओहुआ

सुलेख में रुचि ने की बैशी को पेंट करने के लिए प्रेरित किया। 28 साल की उम्र में, वह कलाकार हू क्विंगयुआन का छात्र बन गया। चीन के संस्कृति मंत्रालय ने उन्हें "चीनी लोगों के महान कलाकार" की उपाधि से सम्मानित किया, 1956 में उन्हें अंतर्राष्ट्रीय शांति पुरस्कार मिला।

10x26 सेमी
1946
कीमत
$ 65.4 मिलियन
बिका हुआ 2011 में
नीलामी पर चीन संरक्षक

क्यूई बैशी को आसपास की दुनिया की उन अभिव्यक्तियों में दिलचस्पी थी, जिन्हें कई लोग महत्व नहीं देते हैं और यह उनकी महानता है। बिना शिक्षा के एक व्यक्ति एक प्रोफेसर और इतिहास में एक उत्कृष्ट रचनाकार बन गया। पाब्लो पिकासो ने उनके बारे में कहा: "मैं आपके देश जाने से डरता हूं, क्योंकि चीन में क्यूई बैशी है।" रचना "ईगल ऑन ए पाइन ट्री" को कलाकार के सबसे बड़े काम के रूप में मान्यता प्राप्त है। कैनवास के अलावा, इसमें दो चित्रलिपि स्क्रॉल शामिल हैं। चीन के लिए, जिस राशि के लिए उत्पाद खरीदा गया वह एक रिकॉर्ड है - 425.5 मिलियन युआन। केवल प्राचीन सुलेखक हुआंग टिंगजियान का स्क्रॉल 436.8 मिलियन डॉलर में बिका था।

14

"1949-ए-#1"

लेखक

क्लिफोर्ड स्टिल

एक देश अमेरीका
जीवन के वर्ष 1904–1980
शैली अमूर्त अभिव्यंजनावाद

20 साल की उम्र में, उन्होंने न्यूयॉर्क में मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट का दौरा किया और निराश हुए। बाद में, उन्होंने एक छात्र कला लीग पाठ्यक्रम के लिए साइन अप किया, लेकिन कक्षा शुरू होने के 45 मिनट बाद छोड़ दिया - यह "उनका नहीं" निकला। पहली व्यक्तिगत प्रदर्शनी ने प्रतिध्वनि पैदा की, कलाकार ने खुद को पाया, और इसके साथ मान्यता

79x93 सेमी
1949
कीमत
$ 61.7 मिलियन
बिका हुआ 2011 में
नीलामी पर सूदबी के

उनके सभी कार्य, जो 800 से अधिक कैनवस और 1600 कागज पर काम करते हैं, अभी भी अमेरिकी शहर के लिए वसीयत में हैं, जहां उनके नाम पर एक संग्रहालय खोला जाएगा। डेनवर ऐसा शहर बन गया, लेकिन अधिकारियों के लिए केवल निर्माण महंगा था, और इसे पूरा करने के लिए चार कार्यों को नीलामी के लिए रखा गया था। स्टिल के कामों की फिर से नीलामी होने की संभावना नहीं है, जिससे उनकी कीमत पहले ही बढ़ गई थी। पेंटिंग "1949-ए-नंबर 1" कलाकार के लिए एक रिकॉर्ड राशि में बेची गई, हालांकि विशेषज्ञों ने अधिकतम 25-35 मिलियन डॉलर की बिक्री की भविष्यवाणी की।

15

"सर्वोच्चतावादी रचना"

लेखक

काज़िमिर मालेविच

एक देश रूस
जीवन के वर्ष 1878–1935
शैली वर्चस्ववाद

मालेविच ने कीव आर्ट स्कूल में पेंटिंग का अध्ययन किया, फिर मॉस्को एकेडमी ऑफ आर्ट्स में। 1913 में, उन्होंने अमूर्त ज्यामितीय चित्रों को एक शैली में चित्रित करना शुरू किया, जिसे उन्होंने सर्वोच्चतावाद (लैटिन "प्रभुत्व" से) कहा।

71x 88.5 सेमी
1916
कीमत
$ 60 मिलियन
बिका हुआ 2008 में
नीलामी पर सूदबी के

पेंटिंग को एम्स्टर्डम के शहर के संग्रहालय में लगभग 50 वर्षों तक रखा गया था, लेकिन मालेविच के रिश्तेदारों के साथ 17 साल के विवाद के बाद संग्रहालय ने इसे छोड़ दिया। कलाकार ने इस काम को उसी वर्ष द मेनिफेस्टो ऑफ सुपरमैटिज्म के रूप में चित्रित किया था, इसलिए नीलामी से पहले ही सोथबी ने घोषणा की कि यह $ 60 मिलियन से कम के निजी संग्रह में नहीं जाएगा। और ऐसा ही हुआ। इसे ऊपर से देखना बेहतर है: कैनवास पर आकृतियाँ पृथ्वी के एक हवाई दृश्य से मिलती जुलती हैं। वैसे, कुछ साल पहले, उन्हीं रिश्तेदारों ने MoMA संग्रहालय से एक और "सर्वोच्च रचना" को फिलिप्स में बेचने के लिए 17 मिलियन डॉलर में बेच दिया था।

16

"नहाने वाले"

लेखक

पॉल गौगुइन

एक देश फ्रांस
जीवन के वर्ष 1848–1903
शैली प्रभाववाद के बाद

सात साल की उम्र तक, कलाकार पेरू में रहते थे, फिर अपने परिवार के साथ फ्रांस लौट आए, लेकिन बचपन की यादें उन्हें लगातार यात्रा करने के लिए प्रेरित करती थीं। फ्रांस में, उन्होंने पेंटिंग करना शुरू किया, वान गाग के दोस्त थे। यहां तक ​​कि उन्होंने आर्ल्स में उनके साथ कई महीने बिताए, जब तक कि वैन गॉग ने झगड़े के दौरान अपना कान नहीं काट लिया।

93.4x60.4 सेमी
1902
कीमत
$ 55 मिलियन
बिका हुआ 2005 में
नीलामी पर सूदबी के

1891 में, गौगुइन ने ताहिती द्वीप में गहराई तक जाने के लिए आय का उपयोग करने के लिए अपने चित्रों की बिक्री की व्यवस्था की। वहां उन्होंने ऐसे काम बनाए जिनमें प्रकृति और मनुष्य के बीच सूक्ष्म संबंध को महसूस किया जा सकता है। गौगुइन एक फूस की झोपड़ी में रहता था, और उसके कैनवस पर एक उष्णकटिबंधीय स्वर्ग खिल उठा था। उनकी पत्नी एक 13 वर्षीय ताहिती तेहुरा थी, जो कलाकार को संकीर्णता में उलझने से नहीं रोकती थी। सिफलिस से पीड़ित होने के बाद, वह फ्रांस के लिए रवाना हो गए। हालाँकि, गौगुइन वहाँ तंग था, और वह ताहिती लौट आया। इस अवधि को "दूसरा ताहिती" कहा जाता है - यह तब था जब पेंटिंग "बाथर्स" चित्रित की गई थी, जो उनके काम में सबसे शानदार थी।

17

"डैफ़ोडील्स और नीले और गुलाबी रंग में मेज़पोश"

लेखक

हेनरी मैटिस

एक देश फ्रांस
जीवन के वर्ष 1869–1954
शैली फौविज्म

1889 में, हेनरी मैटिस को एपेंडिसाइटिस का दौरा पड़ा। जब वह ऑपरेशन से ठीक हो गया, तो उसकी मां ने उसे पेंट खरीदा। सबसे पहले, बोरियत से बाहर, मैटिस ने रंगीन पोस्टकार्ड की नकल की, फिर - महान चित्रकारों के काम जो उन्होंने लौवर में देखे, और 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में वे एक शैली - फौविज़्म के साथ आए।

65.2x81 सेमी
1911
कीमत
$ 46.4 मिलियन
बिका हुआ 2009 में
नीलामी पर क्रिस्टी का

पेंटिंग "डैफोडिल्स एंड ए टेबलक्लोथ इन ब्लू एंड पिंक" लंबे समय तक यवेस सेंट लॉरेंट की थी। क्यूटूरियर की मृत्यु के बाद, कला का उनका पूरा संग्रह उनके दोस्त और प्रेमी पियरे बर्जर के हाथों में चला गया, जिन्होंने इसे क्रिस्टी में नीलामी के लिए रखने का फैसला किया। बेचे गए संग्रह का मोती पेंटिंग "डैफोडील्स एंड ए टेबलक्लोथ इन ब्लू एंड पिंक" था, जिसे कैनवास के बजाय एक साधारण मेज़पोश पर चित्रित किया गया था। फाउविज़्म के उदाहरण के रूप में, यह रंग की ऊर्जा से भरा हुआ है, रंग फटने और चीखने लगते हैं। टेबलक्लोथ पेंटिंग्स की प्रसिद्ध श्रृंखला में से, आज यह एकमात्र ऐसा काम है जो एक निजी संग्रह में है।

18

"सो रही लड़की"

लेखक

रॉयली

चेटेंस्टीन

एक देश अमेरीका
जीवन के वर्ष 1923–1997
शैली पॉप कला

कलाकार का जन्म न्यूयॉर्क में हुआ था, और स्कूल से स्नातक होने के बाद, वह ओहियो चला गया, जहाँ वह कला पाठ्यक्रमों में गया। 1949 में, लिकटेंस्टीन ने अपनी मास्टर ऑफ फाइन आर्ट्स की डिग्री प्राप्त की। कॉमिक्स में रुचि और विडंबनापूर्ण होने की क्षमता ने उन्हें पिछली शताब्दी का एक संस्कारी कलाकार बना दिया।

91x91 सेमी
1964
कीमत
$ 44.882 मिलियन
बिका हुआ 2012 में
नीलामी पर सूदबी के

एक बार, च्युइंग गम लिकटेंस्टीन के हाथों में पड़ गया। उन्होंने चित्र को कैनवास पर डालने से फिर से खींचा और प्रसिद्ध हो गए। उनकी जीवनी के इस कथानक में पॉप कला का पूरा संदेश है: उपभोग नया देवता है, और मोना लिसा की तुलना में गोंद के आवरण में कोई कम सुंदरता नहीं है। उनके चित्र कॉमिक्स और कार्टून की याद दिलाते हैं: लिचेंस्टीन ने केवल तैयार छवि को बड़ा किया, रेखापुंज बनाया, स्क्रीन प्रिंटिंग और सिल्कस्क्रीन प्रिंटिंग का इस्तेमाल किया। पेंटिंग "स्लीपिंग गर्ल" लगभग 50 वर्षों के लिए कलेक्टरों बीट्राइस और फिलिप गेर्श की थी, जिनके उत्तराधिकारियों ने इसे नीलामी में बेचा था।

19

"विजय। बूगी वूगी"

लेखक

पीट मोंड्रियन

एक देश नीदरलैंड
जीवन के वर्ष 1872–1944
शैली रसौली

उनका असली नाम - कॉर्नेलिस - कलाकार 1912 में पेरिस चले जाने पर बदलकर मोंड्रियन हो गया। कलाकार थियो वैन डूसबर्ग के साथ मिलकर उन्होंने नियोप्लास्टिक आंदोलन की स्थापना की। पीट प्रोग्रामिंग भाषा का नाम मोंड्रियन के नाम पर रखा गया है।

27x127 सेमी
1944
कीमत
$ 40 मिलियन
बिका हुआ 1998 में
नीलामी पर सूदबी के

20वीं शताब्दी के कलाकारों में से सबसे "संगीतमय" ने जल रंग के साथ अपना जीवन यापन किया, हालांकि वह एक नियोप्लास्टिक कलाकार के रूप में प्रसिद्ध हुए। वह 1940 के दशक में यूएसए चले गए और अपना शेष जीवन वहीं बिताया। जैज़ और न्यूयॉर्क - यही उन्हें सबसे ज्यादा प्रेरित करता है! पेंटिंग "विजय। बूगी वूगी इसका सबसे अच्छा उदाहरण है। चिपकने वाली टेप के उपयोग के माध्यम से "ब्रांडेड" साफ वर्ग प्राप्त किए गए - मोंड्रियन की पसंदीदा सामग्री। अमेरिका में उन्हें "सबसे प्रसिद्ध अप्रवासी" कहा जाता था। साठ के दशक में, यवेस सेंट लॉरेंट ने बड़े रंगीन चेक प्रिंट के साथ विश्व प्रसिद्ध "मोंड्रियन" कपड़े तैयार किए।

20

"रचना संख्या 5"

लेखक

तुलसीकैंडिंस्की

एक देश रूस
जीवन के वर्ष 1866–1944
शैली हरावल

कलाकार मास्को में पैदा हुआ था, और उसके पिता साइबेरिया से थे। क्रांति के बाद, उन्होंने सोवियत अधिकारियों के साथ सहयोग करने की कोशिश की, लेकिन जल्द ही यह महसूस किया कि सर्वहारा वर्ग के कानून उनके लिए नहीं बनाए गए थे, और बिना किसी कठिनाई के जर्मनी चले गए।

275x190 सेमी
1911
कीमत
$ 40 मिलियन
बिका हुआ 2007 में
नीलामी पर सूदबी के

कैंडिंस्की ऑब्जेक्ट पेंटिंग को पूरी तरह से छोड़ने वाले पहले लोगों में से एक थे, जिसके लिए उन्हें जीनियस की उपाधि मिली। जर्मनी में नाज़ीवाद के दौरान, उनके चित्रों को "पतित कला" के रूप में वर्गीकृत किया गया था और कहीं भी प्रदर्शित नहीं किया गया था। 1939 में, कैंडिंस्की ने फ्रांसीसी नागरिकता ले ली, पेरिस में उन्होंने कलात्मक प्रक्रिया में स्वतंत्र रूप से भाग लिया। उनकी पेंटिंग "ध्वनि" जैसे फग्यू, यही वजह है कि कई को "रचनाएं" कहा जाता है (पहली 1910 में लिखी गई थी, आखिरी 1939 में)। "रचना संख्या 5" इस शैली में प्रमुख कार्यों में से एक है: "शब्द" रचना "मुझे प्रार्थना की तरह लग रही थी," कलाकार ने कहा। कई अनुयायियों के विपरीत, उसने योजना बनाई कि वह एक विशाल कैनवास पर क्या चित्रित करेगा, जैसे कि नोट्स लिख रहा हो।

21

"ब्लू में एक महिला का अध्ययन"

लेखक

फर्नांड लेगर

एक देश फ्रांस
जीवन के वर्ष 1881–1955
शैली क्यूबिज़्म-पोस्ट-इंप्रेशनिज़्म

लेगर ने वास्तुकला की शिक्षा प्राप्त की, और फिर पेरिस में स्कूल ऑफ फाइन आर्ट्स में एक छात्र थे। कलाकार खुद को सीज़ेन का अनुयायी मानता था, घनवाद का समर्थक था, और 20वीं शताब्दी में उसे एक मूर्तिकार के रूप में भी सफलता मिली थी।

96.5x129.5 सेमी
1912-1913
कीमत
$ 39.2 मिलियन
बिका हुआ 2008 में
नीलामी पर सूदबी के

सोदबी के अंतर्राष्ट्रीय प्रभाववाद और आधुनिकतावाद के अध्यक्ष डेविड नॉर्मन का मानना ​​है कि द लेडी इन ब्लू के लिए भुगतान की गई बड़ी राशि पूरी तरह से उचित है। पेंटिंग प्रसिद्ध लेगर संग्रह से संबंधित है (कलाकार ने एक भूखंड पर तीन चित्रों को चित्रित किया है, उनमें से अंतिम आज निजी हाथों में है। - एड।), और कैनवास की सतह को उसके मूल रूप में संरक्षित किया गया है। लेखक ने स्वयं यह काम डेर स्टर्म गैलरी को दिया था, फिर यह आधुनिकतावाद के एक जर्मन कलेक्टर हरमन लैंग के संग्रह में समाप्त हो गया, और अब एक अज्ञात खरीदार का है।

22

"सड़क दृश्य। बर्लिन"

लेखक

अर्न्स्ट लुडविगकिर्चेनर

एक देश जर्मनी
जीवन के वर्ष 1880–1938
शैली इक्सप्रेस्सियुनिज़म

जर्मन अभिव्यक्तिवाद के लिए, किरचनर एक ऐतिहासिक व्यक्ति बन गया। हालांकि, स्थानीय अधिकारियों ने उन पर "पतित कला" का पालन करने का आरोप लगाया, जिसने उनके चित्रों के भाग्य और कलाकार के जीवन को प्रभावित किया, जिन्होंने 1938 में आत्महत्या कर ली थी।

95x121 सेमी
1913
कीमत
$ 38.096 मिलियन
बिका हुआ 2006 में
नीलामी पर क्रिस्टी का

बर्लिन जाने के बाद, किरचनर ने सड़क के दृश्यों के 11 रेखाचित्र बनाए। वह बड़े शहर की हलचल और घबराहट से प्रेरित था। 2006 में न्यूयॉर्क में बेची गई पेंटिंग में, कलाकार की चिंता विशेष रूप से तीव्र है: बर्लिन की सड़क पर लोग पक्षियों से मिलते-जुलते हैं - सुंदर और खतरनाक। वह नीलामी में बेची गई प्रसिद्ध श्रृंखला की आखिरी कृति थी, बाकी संग्रहालयों में रखी गई हैं। 1937 में, नाजियों ने किरचनर के साथ क्रूरतापूर्ण व्यवहार किया: उनके 639 कार्यों को जर्मन दीर्घाओं से जब्त कर लिया गया, नष्ट कर दिया गया या विदेशों में बेच दिया गया। कलाकार इससे बच नहीं सका।

23

"आरामनर्तकी"

लेखक

एडगर देगास

एक देश फ्रांस
जीवन के वर्ष 1834–1917
शैली प्रभाववाद

एक कलाकार के रूप में डेगस का इतिहास इस तथ्य से शुरू हुआ कि उन्होंने लौवर में एक प्रतिलेखक के रूप में काम किया। उसने "प्रसिद्ध और अज्ञात" बनने का सपना देखा, और अंत में वह सफल हुआ। अपने जीवन के अंत में, बहरे और अंधे, 80 वर्षीय देगास ने प्रदर्शनियों और नीलामी में भाग लेना जारी रखा।

64x59 सेमी
1879
कीमत
$ 37.043 मिलियन
बिका हुआ 2008 में
नीलामी पर सूदबी के

डेगस ने कहा, "बैलेरिना हमेशा मेरे लिए कपड़ों को चित्रित करने और आंदोलन को पकड़ने का एक बहाना रहा है।" नर्तकियों के जीवन के दृश्य झाँकने लगते हैं: लड़कियाँ कलाकार के लिए पोज़ नहीं देतीं, बल्कि देगस की निगाह से पकड़े गए माहौल का हिस्सा बन जाती हैं। रेस्टिंग डांसर 1999 में $28 मिलियन में बिका, और 10 साल से भी कम समय के बाद इसे $37 मिलियन में खरीदा गया - आज यह कलाकार का अब तक का सबसे महंगा काम है जिसे नीलामी के लिए रखा गया है। डेगस ने फ़्रेमों पर अधिक ध्यान दिया, उन्होंने उन्हें स्वयं डिज़ाइन किया और उन्हें बदलने से मना किया। मुझे आश्चर्य है कि बेची गई पेंटिंग पर कौन सा फ्रेम स्थापित है?

24

"चित्रकारी"

लेखक

जुआन मिरो

एक देश स्पेन
जीवन के वर्ष 1893–1983
शैली अमूर्त कला

स्पेनिश गृहयुद्ध के दौरान, कलाकार रिपब्लिकन के पक्ष में था। 1937 में, वह फासीवादी सत्ता से भागकर पेरिस चला गया, जहाँ वह अपने परिवार के साथ गरीबी में रहता था। इस अवधि के दौरान, मिरो ने पेंटिंग "हेल्प स्पेन!" को चित्रित किया, जिसने पूरी दुनिया का ध्यान फासीवाद के प्रभुत्व की ओर आकर्षित किया।

89x115 सेमी
1927
कीमत
$ 36.824 मिलियन
बिका हुआ 2012 में
नीलामी पर सूदबी के

पेंटिंग का दूसरा नाम "ब्लू स्टार" है। कलाकार ने इसे उसी वर्ष लिखा था जब उन्होंने घोषणा की: "मैं पेंटिंग को मारना चाहता हूं" और निर्दयता से कैनवस का मजाक उड़ाया, नाखूनों से पेंट को खरोंच कर, पंखों को कैनवास से चिपका दिया, कचरे के साथ काम को कवर किया। उनका लक्ष्य पेंटिंग के रहस्य के बारे में मिथकों को खत्म करना था, लेकिन इससे निपटने के बाद, मिरो ने अपना मिथक बनाया - एक असली अमूर्तता। उनकी "पेंटिंग" "चित्र-सपनों" के चक्र को संदर्भित करती है। नीलामी में चार खरीदारों ने इसके लिए लड़ाई लड़ी, लेकिन एक गुप्त फोन कॉल ने विवाद को सुलझा लिया और "पेंटिंग" कलाकार की सबसे महंगी पेंटिंग बन गई।

25

"नीला गुलाब"

लेखक

यवेस क्लेन

एक देश फ्रांस
जीवन के वर्ष 1928–1962
शैली मोनोक्रोम पेंटिंग

कलाकार का जन्म चित्रकारों के परिवार में हुआ था, लेकिन उसने प्राच्य भाषाओं, नेविगेशन, फ्रेम के एक गिल्डर के शिल्प, ज़ेन बौद्ध धर्म और बहुत कुछ का अध्ययन किया। मोनोक्रोम पेंटिंग्स की तुलना में उनका व्यक्तित्व और दिलेर हरकतें कई गुना दिलचस्प थीं।

153x199x16 सेमी
1960
कीमत
$ 36.779 मिलियन
2012 में बेचा गया
क्रिस्टी की नीलामी में

ठोस पीले, नारंगी, गुलाबी कार्यों की पहली प्रदर्शनी ने जनहित नहीं जगाया। क्लेन नाराज था और अगली बार उसने एक विशेष सिंथेटिक राल के साथ मिश्रित अल्ट्रामरीन के साथ चित्रित 11 समान कैनवस प्रस्तुत किए। उन्होंने इस विधि का पेटेंट भी कराया था। इतिहास में रंग "इंटरनेशनल क्लेन ब्लू" के रूप में नीचे चला गया। कलाकार ने खालीपन भी बेचा, बारिश के लिए कागज को उजागर करके पेंटिंग बनाई, कार्डबोर्ड में आग लगाई, कैनवास पर मानव शरीर के प्रिंट बनाए। एक शब्द में, मैंने सबसे अच्छा प्रयोग किया जो मैं कर सकता था। "ब्लू रोज़" बनाने के लिए मैंने सूखे पिगमेंट, रेजिन, कंकड़ और एक प्राकृतिक स्पंज का इस्तेमाल किया।

26

"मूसा की तलाश"

लेखक

सर लॉरेंस अल्मा-तदेमा

एक देश ग्रेट ब्रिटेन
जीवन के वर्ष 1836–1912
शैली नियोक्लासिज्म

सर लॉरेंस ने स्वयं कला सूची में प्रथम आने के लिए अपने उपनाम में उपसर्ग "अल्मा" जोड़ा। विक्टोरियन इंग्लैंड में, उनके चित्रों की इतनी मांग थी कि कलाकार को नाइटहुड से सम्मानित किया गया।

213.4x136.7 सेमी
1902
कीमत
$ 35.922 मिलियन
बिका हुआ 2011 में
नीलामी पर सूदबी के

अल्मा-तदेमा के काम का मुख्य विषय पुरातनता था। चित्रों में, उन्होंने रोमन साम्राज्य के युग को सबसे छोटे विवरण में चित्रित करने की कोशिश की, इसके लिए उन्होंने एपिनेन प्रायद्वीप पर पुरातात्विक खुदाई भी की, और अपने लंदन के घर में उन्होंने उन वर्षों के ऐतिहासिक इंटीरियर को पुन: पेश किया। पौराणिक कहानियाँ उनके लिए प्रेरणा का एक अन्य स्रोत बनीं। अपने जीवनकाल के दौरान कलाकार की काफी मांग थी, लेकिन उनकी मृत्यु के बाद उन्हें जल्दी ही भुला दिया गया। अब ब्याज पुनर्जीवित हो रहा है, जैसा कि पेंटिंग "इन सर्च ऑफ मोसेस" की लागत से स्पष्ट है, जो पूर्व-बिक्री अनुमान से सात गुना अधिक है।

27

"एक सोते हुए नग्न अधिकारी का चित्र"

लेखक

लुसियन फ्रायड

एक देश जर्मनी,
ग्रेट ब्रिटेन
जीवन के वर्ष 1922–2011
शैली आलंकारिक पेंटिंग

कलाकार मनोविश्लेषण के जनक सिगमंड फ्रायड के पोते हैं। जर्मनी में फासीवाद की स्थापना के बाद, उनका परिवार ब्रिटेन चला गया। फ्रायड की रचनाएँ लंदन में वालेस संग्रह में हैं, जहाँ पहले किसी समकालीन कलाकार ने प्रदर्शन नहीं किया है।

219.1x151.4 सेमी
1995
कीमत
$ 33.6 मिलियन
बिका हुआ 2008 में
नीलामी पर क्रिस्टी का

जबकि 20वीं शताब्दी के फैशनेबल कलाकारों ने सकारात्मक "दीवार पर रंगीन धब्बे" बनाए और उन्हें लाखों में बेचा, फ्रायड ने बेहद प्राकृतिक चित्रों को चित्रित किया और उन्हें और भी अधिक के लिए बेच दिया। उन्होंने कहा, "मैं आत्मा की पुकार और मांस के मुरझाने की पीड़ा को पकड़ता हूं।" आलोचकों का मानना ​​है कि यह सब सिगमंड फ्रायड की "विरासत" है। चित्रों को इतनी सक्रिय रूप से प्रदर्शित और सफलतापूर्वक बेचा गया कि विशेषज्ञों को संदेह हुआ: क्या उनके पास कृत्रिम निद्रावस्था का गुण है? नीलामी में बेचा गया, "एक सोते हुए नग्न अधिकारी का चित्र", सूर्य के अनुसार, सुंदरता और अरबपति रोमन अब्रामोविच के गुणक द्वारा अधिग्रहित किया गया था।

28

"वायलिन और गिटार"

लेखक

एक्सएक ग्रिस

एक देश स्पेन
जीवन के वर्ष 1887–1927
शैली क्यूबिज्म

मैड्रिड में जन्मे, जहाँ उन्होंने स्कूल ऑफ़ आर्ट्स एंड क्राफ्ट्स से स्नातक किया। 1906 में वे पेरिस चले गए और युग के सबसे प्रभावशाली कलाकारों के घेरे में प्रवेश किया: पिकासो, मोदिग्लिआनी, ब्रैक, मैटिस, लेगर, सर्गेई डायगिलेव और उनकी मंडली के साथ भी काम किया।

5x100 सेमी
1913
कीमत
$ 28.642 मिलियन
बिका हुआ 2010 में
नीलामी पर क्रिस्टी का

ग्रिस, अपने शब्दों में, "प्लैनर, रंगीन वास्तुकला" में लगे हुए थे। उनके चित्रों को सटीक रूप से सोचा गया है: उन्होंने एक भी आकस्मिक आघात नहीं छोड़ा, जो रचनात्मकता को ज्यामिति से संबंधित बनाता है। कलाकार ने क्यूबिज्म का अपना संस्करण बनाया, हालांकि आंदोलन के संस्थापक पिता पाब्लो पिकासो के लिए उनके मन में बहुत सम्मान था। उत्तराधिकारी ने अपना पहला क्यूबिस्ट काम, पिकासो को श्रद्धांजलि भी उन्हें समर्पित किया। पेंटिंग "वायलिन और गिटार" को कलाकार के काम में उत्कृष्ट माना जाता है। अपने जीवनकाल के दौरान, ग्रिस को आलोचकों और कला इतिहासकारों द्वारा जाना जाता था। उनके कार्यों को दुनिया के सबसे बड़े संग्रहालयों में प्रदर्शित किया जाता है और निजी संग्रह में रखा जाता है।

29

"चित्रएलुअर्ड के खेत »

लेखक

साल्वाडोर डाली

एक देश स्पेन
जीवन के वर्ष 1904–1989
शैली अतियथार्थवाद

"अतियथार्थवाद मैं हूँ," डाली ने कहा कि जब उन्हें अतियथार्थवादी समूह से निष्कासित कर दिया गया था। समय के साथ, वह सबसे प्रसिद्ध अतियथार्थवादी कलाकार बन गए। केवल दीर्घाओं में ही नहीं, डाली का काम हर जगह है। उदाहरण के लिए, वह वह था जो चुप-चूप्स के लिए पैकेजिंग लेकर आया था।

25x33 सेमी
1929
कीमत
$ 20.6 मिलियन
बिका हुआ 2011 में
नीलामी पर सूदबी के

1929 में, कवि पॉल एलुअर्ड और उनकी रूसी पत्नी गाला महान उत्तेजक और विवाद करने वाले डाली से मिलने आए। मुलाकात एक प्रेम कहानी की शुरुआत थी जो आधी सदी से अधिक समय तक चली। इस ऐतिहासिक यात्रा के दौरान पेंटिंग "पॉल एलुअर्ड का चित्र" चित्रित किया गया था। कलाकार ने कहा, "मुझे लगा कि मुझे कवि के चेहरे पर कब्जा करने का कर्तव्य सौंपा गया था, जिसके ओलंपस से मैंने एक कस्तूरी चुरा ली थी।" गाला से मिलने से पहले, वह एक कुंवारी थी और एक महिला के साथ यौन संबंध बनाने के विचार से घृणा करती थी। एलुअर्ड की मृत्यु तक प्रेम त्रिकोण अस्तित्व में रहा, जिसके बाद यह डाली-गाला युगल बन गया।

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"सालगिरह"

लेखक

मार्क चागल

एक देश रूस, फ्रांस
जीवन के वर्ष 1887–1985
शैली हरावल

मोइशे सहगल का जन्म विटेबस्क में हुआ था, लेकिन 1910 में वे पेरिस चले गए, उन्होंने अपना नाम बदल लिया और उस युग के अग्रणी अवांट-गार्डे कलाकारों के करीब हो गए। 1930 के दशक में, जब नाजियों ने सत्ता पर कब्जा कर लिया, तो वह एक अमेरिकी कौंसल की मदद से संयुक्त राज्य अमेरिका के लिए रवाना हुए। 1948 में ही वे फ्रांस लौट आए।

80x103 सेमी
1923
कीमत
$ 14.85 मिलियन
1990 में बेच दिया
सोथबी की नीलामी में

पेंटिंग "जुबली" को कलाकार के सर्वश्रेष्ठ कार्यों में से एक माना जाता है। इसमें उनके काम की सभी विशेषताएं हैं: दुनिया के भौतिक नियम मिट गए हैं, एक परी कथा की भावना क्षुद्र-बुर्जुआ जीवन के दृश्यों में संरक्षित है, और प्रेम कथानक के केंद्र में है। चागल ने लोगों को प्रकृति से नहीं, बल्कि केवल स्मृति या कल्पना से आकर्षित किया। पेंटिंग "जुबली" में कलाकार को अपनी पत्नी बेला के साथ दिखाया गया है। पेंटिंग 1990 में बेची गई थी और उसके बाद से बोली नहीं लगाई गई है। दिलचस्प बात यह है कि न्यू यॉर्क म्यूज़ियम ऑफ़ मॉडर्न आर्ट एमओएमए बिल्कुल वैसा ही रखता है, केवल "बर्थडे" नाम के तहत। वैसे, यह पहले लिखा गया था - 1915 में।

मसौदा तैयार
तात्याना पलासोवा
रेटिंग संकलित
सूची के अनुसार www.art-spb.ru
टीएमएन पत्रिका नंबर 13 (मई-जून 2013)

विवरण श्रेणी: सोवियत काल की ललित कला और वास्तुकला 14.09.2018 को पोस्ट किया गया 13:37 दृश्य: 1845

XX सदी के 1930 के दशक के बाद से। रूस में आधिकारिक कला समाजवादी यथार्थवाद के अनुरूप विकसित हुई। कलात्मक शैलियों की विविधता को समाप्त कर दिया गया।

सोवियत कला के नए युग को सख्त वैचारिक नियंत्रण और प्रचार के तत्वों की विशेषता थी।
1934 में, सोवियत लेखकों की पहली ऑल-यूनियन कांग्रेस में, मैक्सिम गोर्की ने सोवियत साहित्य और कला की एक पद्धति के रूप में समाजवादी यथार्थवाद के बुनियादी सिद्धांतों को तैयार किया:

राष्ट्रीयता।
विचारधारा।
संक्षिप्तता।

समाजवादी यथार्थवाद के सिद्धांतों को न केवल घोषित किया गया, बल्कि राज्य द्वारा भी समर्थन दिया गया: सरकार के आदेश, कलाकारों के लिए रचनात्मक व्यापार यात्राएं, विषयगत और वर्षगांठ प्रदर्शनियां, एक स्वतंत्र के रूप में स्मारकीय कला का पुनरुद्धार, क्योंकि। इसने "समाजवादी समाज के विकास की भव्य संभावनाओं" को प्रतिबिंबित किया।
इस अवधि के चित्रफलक चित्रकला के सबसे महत्वपूर्ण प्रतिनिधि थे बोरिस इओगनसन, सर्गेई गेरासिमोव, अर्कडी प्लास्टोव, अलेक्जेंडर डेइनका, यूरी पिमेनोव, निकोलाई क्रिमोव, अर्कडी रायलोव, प्योत्र कोंचलोवस्की, इगोर ग्रैबर, मिखाइल नेस्टरोव, पावेल कोरिन और अन्य। हम अलग से समर्पित करेंगे। कुछ कलाकारों के लेख।

बोरिस व्लादिमीरोविच इओगनसन (1893-1973)

बी इओगनसन। आत्म चित्र

चित्रकला में समाजवादी यथार्थवाद के प्रमुख प्रतिनिधियों में से एक। उन्होंने 19 वीं शताब्दी की रूसी चित्रकला की परंपराओं में काम किया, लेकिन अपने कामों में "एक नई क्रांतिकारी सामग्री, युग के अनुरूप" पेश किया।
वह पेंटिंग के शिक्षक भी थे, 1951-1954 में स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी के निदेशक, यूएसएसआर के कलाकारों के संघ के पहले सचिव, विश्वकोश "आर्ट ऑफ द कंट्रीज एंड पीपल्स ऑफ द वर्ल्ड" के प्रधान संपादक। कई राज्य पुरस्कार और खिताब थे।
उनके दो चित्र विशेष रूप से प्रसिद्ध हैं: "कम्युनिस्टों की पूछताछ" और "एट द ओल्ड यूराल फैक्ट्री" (1937)।

बी इओगनसन "कम्युनिस्टों की पूछताछ" (1933)। कैनवास, तेल। 211 x 279 सेमी स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी (मॉस्को)
इस मामले में चित्र के निर्माण का इतिहास इसके विचार को समझने के लिए आवश्यक है। “पेंटिंग में अप्रासंगिक वर्ग विरोधाभासों को व्यक्त करने की इच्छा से, मुझे व्यक्तिगत रूप से कक्षाओं के विचार से प्रेरित किया गया था।
व्हाइट गार्ड इतिहास में एक विशेष वृद्धि है, यह एक भीड़भाड़ है जहां पुराने अधिकारियों के अवशेष, सैन्य वर्दी में मुनाफाखोर, और एकमुश्त डाकू, और युद्ध के लुटेरे आपस में मिल जाते हैं। इस गिरोह के विपरीत हमारे सैन्य कमिश्नर, कम्युनिस्ट थे, जो अपने समाजवादी पितृभूमि और मेहनतकश लोगों के वैचारिक नेता और रक्षक थे। इस अंतर को व्यक्त करना, इसकी तुलना करना मेरा रचनात्मक कार्य था” (बी. इओगनसन)।
एक व्हाइट गार्ड अधिकारी दर्शकों के लिए अपनी पीठ के साथ एक सोने की कुर्सी पर बैठता है। बाकी गोरे अधिकारी सामना कर रहे हैं। नाटकीय प्रभाव को बढ़ाने के लिए, कलाकार कृत्रिम रात की रोशनी देता है। एस्कॉर्ट का आंकड़ा बाएं कोने के ऊपरी अंधेरे किनारे में रखा गया है और यह मुश्किल से ध्यान देने योग्य सिल्हूट है। दाहिने कोने में एक पर्दे के साथ एक खिड़की है, इसके माध्यम से अतिरिक्त रात का प्रकाश डाला जाता है।
गोरों की तुलना में कम्युनिस्टों का उत्थान प्रतीत होता है।
कम्युनिस्ट एक लड़की और एक कार्यकर्ता हैं। वे पास खड़े होते हैं और शांति से अपने दुश्मनों के चेहरे को देखते हैं, उनके भीतर का उत्साह छिपा होता है। युवा कम्युनिस्ट एक नए प्रकार के सोवियत लोगों के प्रतीक हैं।

सर्गेई वसीलीविच गेरासिमोव (1885-1964)

एस गेरासिमोव। सेल्फ-पोर्ट्रेट (1923)। कैनवास, तेल। 88 x 66 सेमी खार्कोव कला संग्रहालय (खार्कोव, यूक्रेन)
रूसी कलाकार, रूसी प्रभाववाद का प्रतिनिधि, विशेष रूप से अपने परिदृश्य में प्रकट हुआ। उन्होंने कई मानक समाजवादी यथार्थवादी पेंटिंग भी बनाईं।

एस गेरासिमोव “वसंत। मार्च"। कैनवास, तेल
ऐतिहासिक शैली में, उनका सबसे प्रसिद्ध काम द ओथ ऑफ द साइबेरियन पार्टिसंस है।

एस गेरासिमोव "द ओथ ऑफ द साइबेरियन पार्टिसंस" (1933)। कैनवास, तेल। 173 x 257 सेमी राजकीय रूसी संग्रहालय (पीटर्सबर्ग)
तस्वीर सामग्री में गंभीर है, लेकिन अभिव्यंजक और अभिव्यंजक है। इसकी एक स्पष्ट रचना और वैचारिक अभिविन्यास है।
एस। गेरासिमोव "कलेक्टिव फार्म हॉलिडे" (1937) की शैली की पेंटिंग को XX सदी के 30 के दशक की सोवियत कला के सबसे महत्वपूर्ण कार्यों में से एक माना जाता है।

एस गेरासिमोव "सामूहिक कृषि अवकाश" (1937)। कैनवास, तेल। 234 x 372 सेमी स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी (मॉस्को)
युद्ध के बारे में सबसे प्रसिद्ध चित्रों में से एक एस। गेरासिमोव की पेंटिंग "मदर ऑफ़ ए पार्टिसन" थी।

एस गेरासिमोव "एक पक्षपातपूर्ण माँ" (1943-1950)। कैनवास, तेल। स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी (मास्को)
कलाकार ने स्वयं पेंटिंग के विचार के बारे में इस प्रकार बताया: "मैं उसकी छवि में उन सभी माताओं को दिखाना चाहता था जिन्होंने अपने बेटों को युद्ध में भेजा था।"
महिला अपने अधिकार में दृढ़ है, वह लोगों के क्रोध की महान शक्ति का प्रतीक है। वह पीड़ित है, लेकिन यह एक गर्वित, मजबूत व्यक्ति की पीड़ा है, इसलिए इस दुखद क्षण में उसका चेहरा शांत दिखता है।

अरकडी अलेक्जेंड्रोविच प्लास्टोव (1893-1972)

पी बेंडेल। कलाकार प्लास्तोव का चित्र

कलाकार ए। प्लास्टोव को "सोवियत किसानों का गायक" कहा जाता है। उनकी सभी शैली की पेंटिंग एक परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ बनाई गई हैं। कलाकार की रूसी प्रकृति हमेशा गेय और जीवंत होती है। उनके चित्र काव्यात्मक अभिव्यक्ति और लगभग संघर्ष-मुक्त हैं।

ए। प्लास्तोव "फर्स्ट स्नो" (1946)
कलाकार ने ग्रामीण जीवन के एक छोटे से अंश का चित्रण किया। एक लकड़ी के घर की दहलीज पर दो किसान बच्चे हैं, सबसे अधिक संभावना एक बहन और एक भाई की। जब वे सुबह उठे, तो उन्होंने एक बर्फबारी देखी और बरामदे में भाग गए। लड़की के पास गर्म पीले रंग की शॉल बाँधने का भी समय नहीं था, उसने बस उसे एक हल्के घर की पोशाक पर फेंक दिया और अपने पैरों को जूते में डाल दिया। बच्चे पहली बर्फ को आश्चर्य और प्रसन्नता से देखते हैं। और यह आनंद, प्रकृति की सुंदरता से यह बचकाना आनंद दर्शकों तक पहुँचाया जाता है।
प्लास्टोव एक कट्टर यथार्थवादी है। कुछ बिल्कुल नया और अभूतपूर्व की खोज उसके लिए अलग-थलग थी। वह दुनिया में रहता था और उसकी सुंदरता की प्रशंसा करता था। प्लास्टोव का मानना ​​\u200b\u200bथा: एक कलाकार के लिए मुख्य बात यह है कि वह इस सुंदरता को देखे और उसे कैनवास पर उतारे। खूबसूरती से लिखने की जरूरत नहीं है, आपको सच लिखने की जरूरत है, और यह किसी भी कल्पना से ज्यादा खूबसूरत होगा।

ए। प्लास्तोव "गोल्डन एज" (1952)। कैनवास, तेल। 57 x 76 सेमी रोस्तोव क्रेमलिन राज्य संग्रहालय-रिजर्व

ए। प्लास्तोव "हेमकिंग" (1945)। कैनवास, तेल। 193 x 232 सेमी स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी (मॉस्को)
कलाकार ने महान देशभक्तिपूर्ण युद्ध के बारे में चित्रों की एक श्रृंखला बनाई। कैनवास "फासीवादी फ्लाई बाय" त्रासदी से भरा है, इसे सैन्य और युद्ध के बाद की अवधि की सोवियत कला की उत्कृष्ट कृति माना जाता है।

ए। प्लास्तोव "फासिस्ट फ्लाई बाय" (1942)। कैनवास, तेल। 138 x 185 सेमी स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी (मास्को)
कलाकार ए। दीनेका अपने पसंदीदा विषयों पर काम करना जारी रखता है।

यूरी इवानोविच पिमेनोव (1903-1977)

एक पेंटर, थिएटर आर्टिस्ट, स्टेज डिजाइनर और ग्राफिक आर्टिस्ट, पोस्टर आर्टिस्ट, टीचर के तौर पर जाने जाते हैं।
उनकी सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग न्यू मॉस्को है।

वाई। पिमेनोव "न्यू मॉस्को" (1937)। कैनवास, तेल। 140 × 170 सेमी स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी (मॉस्को)
राजधानी के पुनर्निर्माण के बीच में लिखा। पहिया के पीछे एक महिला उन वर्षों के लिए एक दुर्लभ घटना है। यह नए जीवन का प्रतीक है। रचनात्मक समाधान भी असामान्य है: छवि कैमरे के फ्रेम की तरह दिखती है। महिला को पीछे से दिखाया गया है, और यह कोण, जैसा कि था, दर्शक को अपनी आँखों से सुबह के शहर को देखने के लिए आमंत्रित करता है। यह खुशी, ताजगी और वसंत के मूड की भावना पैदा करता है। यह कलाकार की लेखन की प्रभावशाली शैली और पेंटिंग के कोमल रंग से सुगम है। चित्र उस समय की विशेषता वाले एक आशावादी दृष्टिकोण से ओत-प्रोत है।
पेंटिंग "फ्रंट रोड" बनाते समय कलाकार ने भी इस तकनीक का इस्तेमाल किया। चित्र की भावनात्मक सामग्री एक शांतिपूर्ण, बदलते मास्को और शहर की छवि के बीच के विपरीत पर बनाई गई है, जिसे "फ्रंट रोड" पेंटिंग में चित्रित फासीवादी आक्रमण के परिणामस्वरूप लूट लिया गया और नष्ट कर दिया गया।

वाई। पिमेनोव "फ्रंट रोड" (1944)
अपने काम के शुरुआती दौर में, पिमेनोव जर्मन अभिव्यक्तिवाद से प्रभावित थे, जो इन वर्षों के उनके सर्वश्रेष्ठ चित्रों के नाटकीय तीखेपन की व्याख्या करता है: "इनवैलिड्स ऑफ वॉर", "गिव हैवी इंडस्ट्री!" (1927), "सैनिक क्रांति के पक्ष में जाते हैं" (1932)। धीरे-धीरे, वह "खूबसूरत पल" के रचनात्मक सिद्धांत का पालन करते हुए, प्रभाववाद में चले गए।

यू पिमेनोव "युद्ध के अमान्य" (1926)। राज्य रूसी संग्रहालय (पीटर्सबर्ग)

जार्ज ग्रिगोरिविच निस्की (1903-1987)

इस अवधि के दौरान जॉर्जी निस्की परिदृश्य कला में सक्रिय रूप से लगे हुए थे। उनके चित्र उनके सुरम्य संक्षिप्तता, गतिकी, विशद रचना और लयबद्ध समाधानों के लिए उल्लेखनीय हैं। कलाकार का स्वभाव हमेशा मानवीय हाथों से रूपांतरित होता है।

जी। निस्की “शरद। सेमाफोरस" (1932)

जी। निस्की "मास्को क्षेत्र। फरवरी" (1957)। कैनवास, तेल। स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी (मास्को)
पुरानी पीढ़ी के परिदृश्य चित्रकारों में निकोलाई क्रिमोव शामिल हैं।

निकोलाई पेत्रोविच क्रिमोव (1884-1958)

निकोलाई क्रिमोव (1921)
एन.पी. क्रिमोव का जन्म एक घुमंतू कलाकार के परिवार में हुआ था, इसलिए उनके काम की मूल दिशा वही थी। अध्ययन के वर्षों (1905-1910) में उनका झुकाव प्रकृति की एक प्रभावशाली छवि की ओर था, नाजुक पेस्टल रंगों और हल्के स्ट्रोक ने उनके कैनवस को आध्यात्मिक और भारहीन रूप दिया। 1920 के दशक में वे रूसी यथार्थवादी चित्रकला के अनुयायी बन गए।

एन.पी. क्रिमोव "संस्कृति और आराम के केंद्रीय उद्यान में सुबह आई। मॉस्को में एम। गोर्की ”(1937)। कैनवास, तेल। 81 x 135 सेमी स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी (मॉस्को)
चित्रकार के काम की आखिरी अवधि ओका नदी और तरुसा के छोटे शहर से जुड़ी हुई है, जहां क्रिमोव यात्रा करने आए थे। वह स्थानीय दृश्यों और ओका नदी से मोहित थे, जिसने "स्वतंत्रता की सांस ली।"

एन। क्रिमोव "स्ट्रीट इन ट्रूसा" (1952)
पेंटिंग्स "गोधूलि से पहले", "पोलेनोवो। नदी ओका ”और कई अन्य। कलाकार के पास कई शीतकालीन परिदृश्य हैं।

एन। क्रिमोव “शीतकालीन। रूफ्स" (1934)

अर्कडी अलेक्जेंड्रोविच रायलोव (1870-1939)

ए रायलोव। एक गिलहरी के साथ स्व-चित्र (1931)। कागज, स्याही, इतालवी पेंसिल। स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी (मास्को)

रूसी और सोवियत परिदृश्य चित्रकार, ग्राफिक कलाकार और शिक्षक।
उनकी सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग "लेनिन इन रज़्लिव" है।

ए रायलोव "वी.आई. 1917 में रज़्लिव में लेनिन (1934)। कैनवास, तेल। 126.5 × 212 सेमी. राजकीय रूसी संग्रहालय (पीटर्सबर्ग)
यह रचनात्मकता के अपने अंतिम दौर में कलाकार की सर्वश्रेष्ठ कृतियों में से एक है। इस पेंटिंग में, कलाकार परिदृश्य को ऐतिहासिक शैली के साथ जोड़ता है। 1917 की गर्मियों में लेनिन का रज़्लिव में रहना सोवियत ललित कला में लेनिनवादी विषय के मुख्य विषयों में से एक है। परिदृश्य में और नेता के गतिशील चित्र में, क्षण के उत्साह और तनाव को महसूस किया जा सकता है। आसमान में बादल दौड़ते हैं, हवा शक्तिशाली पेड़ों को झुका देती है, इन प्राकृतिक ताकतों के खिलाफ संघर्ष में, लेनिन का आंकड़ा भविष्य के नाम पर जीतने के दृढ़ संकल्प के साथ हवा की ओर बढ़ता है।
तूफानी झील और अशांत आकाश तूफान का प्रतीक है। गोधूलि पृथ्वी पर उतरता है। लेनिन, इसमें से किसी पर भी ध्यान नहीं दे रहे हैं, तीव्रता से दूरी बना रहे हैं। नेता की छवि की यह व्याख्या सोवियत काल की वैचारिक व्यवस्था है।
सोवियत चित्र शैली इस समय सक्रिय रूप से विकसित हो रही है, जिसमें प्योत्र कोंचलोव्स्की, इगोर ग्रैबर, मिखाइल नेस्टरोव खुद को सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट करते हैं।

पी। कोंचलोव्स्की। संगीतकार सर्गेई सर्गेइविच प्रोकोफिव (1934) का चित्र। कैनवास, तेल। 181 x 140.5 सेमी स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी (मास्को)

पी। कोंचलोव्स्की। वी.ई. का चित्र। मेयरहोल्ड (1938)। कैनवास, तेल। 211 x 233 सेमी स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी (मॉस्को)
बड़े पैमाने पर दमन की अवधि के दौरान, मेयरहोल्ड की गिरफ्तारी और मृत्यु से कुछ समय पहले, पी। कोंचलोवस्की ने इस उत्कृष्ट नाटकीय आकृति का एक चित्र बनाया। 7 जनवरी, 1938 को, कला समिति ने मेयेरहोल्ड स्टेट थियेटर को समाप्त करने के लिए एक संकल्प अपनाया।
कलाकार ने जटिल रचनात्मक समाधान के माध्यम से आसपास की वास्तविकता के साथ व्यक्तित्व के संघर्ष को व्यक्त किया। कैनवास में सपने देखने वाले को नहीं, बल्कि एक ऐसे व्यक्ति को दर्शाया गया है, जिसका भाग्य अधर में लटका हुआ है, और वह इसे जानता है। एक चमकीले कालीन के संयोजन के माध्यम से, गहनों से सघन रूप से ढंके हुए, और निर्देशक के मोनोक्रोम आकृति के माध्यम से, कोंचलोव्स्की ने निर्देशक-सुधारक की दुखद छवि को प्रकट किया।

आई. ग्रैबर। शिक्षाविद एन.डी. ज़ेलिंस्की (1935)। कैनवास, तेल। 95 x 87 सेमी स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी (मॉस्को)

आई. ग्रैबर। व्लादिमीर इवानोविच वर्नाडस्की का पोर्ट्रेट (1935)

पावेल दिमित्रिच कोरिन (1892-1967)

पावेल कोरिन (1933)
रूसी और सोवियत चित्रकार, भित्ति-चित्रकार, चित्रकार मास्टर, रेस्टोरर और शिक्षक, प्रोफेसर।
उनका पालन-पोषण पेलख में हुआ और उन्होंने चिह्नों को चित्रित करना शुरू किया। उन्होंने मॉस्को स्कूल ऑफ स्कल्पचर एंड आर्किटेक्चर में अध्ययन किया, अंततः प्रारंभिक सोवियत चित्र के सबसे महत्वपूर्ण स्वामी में से एक बन गए, उन्होंने अपने समय के बुद्धिजीवियों के चित्रों की एक पूरी गैलरी बनाई।
इस कलाकार के कार्यों में स्मारकीयता, कठोर श्रेणी और स्पष्ट रूप से गढ़ी गई आकृतियाँ हैं।
पी। कोरिन की सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ: त्रिपिटक "अलेक्जेंडर नेवस्की", जॉर्जी झूकोव और मैक्सिम गोर्की के चित्र।

पी कोरिन। त्रिपिटक "अलेक्जेंडर नेवस्की"
महान देशभक्तिपूर्ण युद्ध के वर्ष में त्रिपिटक को कलाकार के लिए कमीशन किया गया था, जब आक्रमणकारी का सामना करने का विषय कला में केंद्रीय था।
त्रिपिटक के बाएँ और दाएँ पक्ष पर सैनिक युद्ध के लिए जा रहे हैं। वे महिलाओं द्वारा अनुरक्षित हैं: एक बूढ़ी माँ, एक पत्नी जो एक छोटे बच्चे को गोद में लिए हुए है। उन्हें और उनकी जन्मभूमि को सुरक्षा की जरूरत है।

बीच में एक योद्धा की छवि है। अलेक्जेंडर नेवस्की ने प्राचीन काल में जर्मन शूरवीरों को रोक दिया था, ताकि वह रक्षकों को फासीवादी आक्रमणकारियों के खिलाफ लड़ने के लिए प्रेरित कर सके। उनका आंकड़ा स्मारकीय है - यह रूसी नायकों की स्मृति है। मसीह के चेहरे वाला बैनर रूसी भूमि की पवित्रता की याद दिलाता है। वह तलवार के सहारे खड़ा है - जिस तलवार से वे आए थे, उससे दुश्मनों को मरना होगा।
उसके पीछे उसकी जन्मभूमि है, जिसकी रक्षा की जानी चाहिए।
मास्टर द्वारा किए गए विषयगत चित्रों और चित्रों में आध्यात्मिकता और छवियों की रचना, रचना और ड्राइंग की कठोरता की विशेषता है।
रचनात्मक व्यक्तित्वों में रुचि इस अवधि के वातावरण की विशेषता है।

एस। गेरासिमोव "सामूहिक कृषि अवकाश"

सोवियत ललित कला के कार्यों से परिचित होने पर, आप तुरंत नोटिस करते हैं कि यह कला के इतिहास में पिछली अवधि से बहुत अलग है। यह अंतर इस तथ्य में निहित है कि सभी सोवियत कला सोवियत विचारधारा के साथ व्याप्त है और सोवियत समाज की अग्रणी शक्ति के रूप में सोवियत राज्य और कम्युनिस्ट पार्टी के सभी विचारों और निर्णयों का संवाहक होने का आह्वान किया गया था। यदि 19 वीं - 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में कलाकारों ने मौजूदा वास्तविकता की गंभीर आलोचना की, तो सोवियत काल में ऐसे काम अस्वीकार्य थे। एक समाजवादी राज्य के निर्माण का मार्ग सभी सोवियत ललित कलाओं के माध्यम से एक लाल धागे की तरह जुड़ा हुआ था। अब, यूएसएसआर के पतन के 25 साल बाद, दर्शकों की ओर से सोवियत कला में रुचि बढ़ी है, खासकर यह युवा लोगों के लिए दिलचस्प होती जा रही है। हां, और पुरानी पीढ़ी हमारे देश के पिछले इतिहास में बहुत कुछ पुनर्विचार कर रही है और सोवियत चित्रकला, मूर्तिकला और वास्तुकला के बहुत परिचित कार्यों में भी रुचि रखती है।

अक्टूबर क्रांति, गृह युद्ध और 20 - 30 के दशक की कला।

क्रांति के पहले वर्षों में और गृह युद्ध के वर्षों के दौरान, एक बड़ी भूमिका निभाई मुकाबला राजनीतिक पोस्टर. डीएस मूर और वीएन डेनिस को पोस्टर कला का क्लासिक माना जाता है। मूर का पोस्टर "क्या आपने स्वयंसेवक के लिए साइन अप किया है?" और अब छवि की अभिव्यंजना के साथ मोहित करता है।

मुद्रित पोस्टर के अलावा, गृह युद्ध के वर्षों के दौरान, हाथ से खींचे गए और स्टैंकेड पोस्टर उत्पन्न हुए। यह "रोस्टा विंडोज" है, जहां कवि वी। मायाकोवस्की ने सक्रिय भाग लिया।

गृह युद्ध के दौरान, वी. आई. लेनिन द्वारा एक विशाल प्रचार योजना तैयार की गई थी, जिसका अर्थ पूरे देश में प्रसिद्ध लोगों के लिए स्मारकों का निर्माण करना था, जिन्होंने एक तरह से या किसी अन्य ने समाजवादी क्रांति की तैयारी और उपलब्धि में योगदान दिया। इस कार्यक्रम के कलाकारों में शामिल हैं, सबसे पहले, मूर्तिकार एन.ए. एंड्रीव आई.डी. शद्र।

1920 के दशक में, एक संघ का गठन किया गया था जिसने एक नए सोवियत समाज के निर्माण में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई थी - रूस "(एएचआरआर)" एसोसिएशन ऑफ आर्टिस्ट्स ऑफ रिवोल्यूशनरी रूस (एएचआरआर)।

1930 के दशक में, यूएसएसआर के कलाकारों का एक एकल संघ बनाया गया था, जो उन सभी कलाकारों को एकजुट करता था, जिन्हें अपने काम में समाजवादी यथार्थवाद की पद्धति का पालन करना था। पुरानी पीढ़ी के कलाकारों (बी। कस्टोडीव, के। यूओन और अन्य) और छोटे लोगों ने सोवियत वास्तविकता में नए को प्रतिबिंबित करने की कोशिश की।

I.I के काम में। ब्रोडस्की ने ऐतिहासिक और क्रांतिकारी विषय को प्रतिबिंबित किया। एम। ग्रीकोव और के। पेट्रोव-वोडकिन के कार्यों में एक ही विषय बेहद रोमांटिक है।

उन्हीं वर्षों में, महाकाव्य "लेनिनियाना" की नींव रखी गई, जिसने सोवियत काल के दौरान वी. आई. लेनिन को समर्पित अनगिनत संख्या में रचनाएँ बनाईं।

M. Nesterov, P. Konchalovsky, S. Gerasimov, A. Deineka, Y. Pimenov, G. Ryazhsky और अन्य कलाकारों को शैली चित्रकार (रोजमर्रा की शैली के स्वामी) और 20-30 के दशक के चित्रकार कहा जाना चाहिए।

K.Yuon, A.Rylov, V.Baksheev और अन्य जैसे कलाकारों ने परिदृश्य के क्षेत्र में काम किया।

क्रांति और गृहयुद्ध के बाद, शहरों का तेजी से निर्माण हुआ, जिसमें क्रांति, पार्टी और राज्य के प्रमुख लोगों के लिए कई स्मारक बनाए गए। प्रसिद्ध मूर्तिकार ए। मतवेव, एम। मैनाइज़र, एन। टॉम्स्की, एस। लेबेडेवा और अन्य थे।

सोवियत ललित कला 1941 -1945 और युद्ध के बाद के पहले वर्ष

महान देशभक्तिपूर्ण युद्ध के दौरान, सोवियत कला ने इस कथन का दृढ़ता से खंडन किया कि "जब बंदूकें गड़गड़ाती हैं, तो संगीत चुप हो जाता है।" नहीं, मानव जाति के इतिहास में सबसे क्रूर और भयानक युद्धों की अवधि के दौरान, कस्तूरी चुप नहीं थी। सोवियत संघ पर जर्मन फासीवादियों के घातक हमले के तुरंत बाद, कलाकारों के ब्रश, पेंसिल और छेनी दुश्मन के खिलाफ लड़ाई में एक दुर्जेय हथियार बन गए।

लोगों का वीरतापूर्ण उत्थान, उनकी नैतिक एकता वह आधार बन गई जिस पर देशभक्तिपूर्ण युद्ध की सोवियत कला उत्पन्न हुई। वे देशभक्ति के विचारों से ओत-प्रोत थे। इन विचारों ने पोस्टर कलाकारों को प्रेरित किया, चित्रकारों को सोवियत लोगों के कारनामों के बारे में बताने वाली पेंटिंग बनाने के लिए प्रेरित किया और सभी प्रकार की कलाओं में काम की सामग्री का निर्धारण किया।

इस समय एक बड़ी भूमिका, जैसा कि गृह युद्ध के वर्षों में, एक राजनीतिक पोस्टर द्वारा निभाई गई थी, जहां वीएस इवानोव, वीबी कोरेत्स्की और अन्य जैसे कलाकारों ने काम किया था। उनके कामों में एक क्रोधित मार्ग निहित है, उनके द्वारा बनाई गई छवियों में, पितृभूमि की रक्षा के लिए खड़े होने वाले लोगों की अटूट इच्छा प्रकट होती है।

हाथ से बने पोस्टर द्वारा युद्ध के दौरान एक वास्तविक पुनर्जागरण का अनुभव किया जाता है। 1941 - 1945 में "Windows ROSTA" के उदाहरण के बाद, "Windows TASS" की कई चादरें बनाई गईं। उन्होंने आक्रमणकारियों का उपहास किया, फासीवाद के असली सार को उजागर किया, लोगों से मातृभूमि की रक्षा करने का आह्वान किया। "विंडोज़ टीएएसएस" में काम करने वाले कलाकारों में, पहले स्थान पर कुकरनिकानी (कुप्रियानोव, क्रायलोव, सोकोलोव) को बुलाया जाना चाहिए।

इस समय की ग्राफिक श्रृंखला युद्ध के वर्षों के दौरान सोवियत लोगों के अनुभवों के बारे में आश्वस्त करती है। डीए शमारिनोव द्वारा चित्रों की एक शानदार श्रृंखला "हम नहीं भूलेंगे, हम माफ नहीं करेंगे!" घिरे लेनिनग्राद के जीवन की गंभीरता ए.एफ. पखोमोव "नाकाबंदी के दिनों में लेनिनग्राद" द्वारा चित्र के चक्र में कब्जा कर लिया गया है।

युद्ध के वर्षों के दौरान चित्रकारों के लिए काम करना कठिन था: आखिरकार, एक पूर्ण चित्र बनाने के लिए समय और उपयुक्त परिस्थितियों, सामग्रियों की आवश्यकता होती है। फिर भी, तब कई कैनवस थे जो सोवियत कला के स्वर्ण कोष में शामिल थे। एबी ग्रीकोव के नाम पर सैन्य कलाकारों के स्टूडियो के चित्रकार हमें युद्ध के कठिन रोजमर्रा के जीवन के बारे में बताते हैं, योद्धा नायकों के बारे में। उन्होंने मोर्चों की यात्रा की, शत्रुता में भाग लिया।

सैन्य कलाकारों ने अपने कैनवस पर वह सब कुछ कैद किया जो उन्होंने खुद देखा और अनुभव किया। इनमें पीए क्रिवोनोगोव, पेंटिंग "विक्ट्री" के लेखक, बीएम नेमेंस्की और उनकी पेंटिंग "मदर", एक किसान महिला हैं, जिन्होंने अपनी झोपड़ी में सैनिकों को आश्रय दिया, जो मातृभूमि के लिए कठिन समय में बहुत जीवित रहीं।

महान कलात्मक मूल्य के कैनवस इन वर्षों के दौरान ए.ए. दीनेका, ए.ए. प्लास्तोव, कुकरनिकेसी द्वारा बनाए गए थे। सोवियत लोगों के सामने और पीछे के सोवियत लोगों के वीर कर्मों के लिए समर्पित उनके चित्रों को ईमानदारी से उत्साह के साथ माना जाता है। कलाकार फासीवाद की क्रूर ताकत पर सोवियत लोगों की नैतिक श्रेष्ठता की पुष्टि करते हैं। यह लोगों के मानवतावाद, न्याय और अच्छाई के आदर्शों में उनकी आस्था को प्रकट करता है। युद्ध के दौरान बनाए गए ऐतिहासिक कैनवस से रूसी लोगों के साहस का पता चलता है, जिसमें ई.ई. लांसेरे द्वारा पेंटिंग का चक्र "रूसी हथियारों की ट्राफियां" (1942), पी.डी. कोरिन "अलेक्जेंडर नेवस्की" द्वारा त्रिपिटक, ए.पी. बुबनोवा "कुलिकोवो मैदान पर सुबह"।

चित्रांकन ने हमें युद्ध के समय के लोगों के बारे में भी बहुत कुछ बताया। इस शैली में उत्कृष्ट कलात्मक योग्यता के कई कार्यों का निर्माण किया गया है।

देशभक्ति युद्ध की अवधि की पोर्ट्रेट गैलरी को कई मूर्तिकला कार्यों से भर दिया गया था। अदम्य इच्छाशक्ति वाले लोग, साहसी चरित्र, उज्ज्वल व्यक्तिगत मतभेदों द्वारा चिह्नित, एसडी लेबेडेवा, एन.वी. टॉम्स्की, वी.आई.

देशभक्तिपूर्ण युद्ध के दौरान, सोवियत कला ने सम्मानपूर्वक अपने देशभक्ति कर्तव्य को पूरा किया। गहरे अनुभवों से गुजरने के बाद कलाकारों को जीत मिली, जिसने युद्ध के बाद के वर्षों में एक जटिल और बहुमुखी सामग्री के साथ काम करना संभव बना दिया।

1940 और 1950 के दशक के उत्तरार्ध में, कला नए विषयों और छवियों से समृद्ध हुई। इस अवधि के दौरान इसका मुख्य कार्य युद्ध के बाद के निर्माण, नैतिकता और साम्यवादी आदर्शों के पालन-पोषण की सफलताओं को प्रतिबिंबित करना था।

युद्ध के बाद के वर्षों में कला का उत्कर्ष काफी हद तक यूएसएसआर की कला अकादमी की गतिविधियों से सुगम हुआ, जिसमें सबसे महत्वपूर्ण स्वामी शामिल हैं।

युद्ध के बाद के वर्षों की कला को अन्य विशेषताओं की भी विशेषता है जो मुख्य रूप से इसकी सामग्री से संबंधित हैं। इन वर्षों के दौरान, मनुष्य की आंतरिक दुनिया में कलाकारों की रुचि बढ़ी। इसलिए चित्रकार, मूर्तिकार और ग्राफिक कलाकार चित्रों और शैली की रचनाओं पर ध्यान देते हैं, जिससे लोगों को विभिन्न प्रकार की जीवन स्थितियों में कल्पना करना और उनके पात्रों और अनुभवों की मौलिकता दिखाना संभव हो जाता है। इसलिए सोवियत लोगों के जीवन और जीवन को समर्पित कई कार्यों की विशेष मानवता और गर्मजोशी।

स्वाभाविक रूप से, इस समय, कलाकार हाल के युद्ध की घटनाओं के बारे में चिंता करना जारी रखते हैं। बार-बार वे लोगों के कारनामों की ओर मुड़ते हैं, कठोर समय में सोवियत लोगों के दर्दनाक अनुभवों की ओर। उन वर्षों के ऐसे कैनवस को बी। नेमेन्स्की द्वारा "माशेंका", ए। लक्सनोव द्वारा "लेटर फ्रॉम द फ्रंट", वाई। नेमेन्स्की द्वारा "रेस्ट आफ्टर द बैटल" के रूप में जाना जाता है। , वी। कोस्टेकी और कई अन्य लोगों द्वारा "वापसी"।

इन कलाकारों के कैनवस दिलचस्प हैं क्योंकि युद्ध का विषय उनमें रोजमर्रा की शैली में हल किया गया है: वे युद्ध में और पीछे सोवियत लोगों के जीवन के दृश्यों को चित्रित करते हैं, उनकी पीड़ा, साहस, वीरता के बारे में बात करते हैं।

यह उल्लेखनीय है कि ऐतिहासिक सामग्री के चित्र भी इस अवधि के दौरान रोजमर्रा की शैली में अक्सर हल किए जाते हैं। धीरे-धीरे, सोवियत लोगों का शांतिपूर्ण जीवन, जिसने युद्ध के वर्षों की कठिनाइयों को बदल दिया, कई कलाकारों के काम में एक अधिक पूर्ण और परिपक्व अवतार पाता है। बड़ी संख्या में शैली के चित्र (यानी, रोजमर्रा की शैली के चित्र) दिखाई देते हैं, जो विभिन्न प्रकार के विषयों और भूखंडों से टकराते हैं। यह सोवियत परिवार का जीवन है, इसकी सरल खुशियों और दुखों के साथ ("फिर से एक ड्यूस!" एफ। रेशेतनिकोवा), यह सामूहिक खेतों और राज्य के खेतों पर कारखानों और कारखानों में गर्म काम है ("रोटी" टी। यबलोन्स्काया द्वारा , "ऑन पीसफुल फील्ड्स" ए। मायलनिकोव द्वारा)। यह सोवियत युवाओं का जीवन है, कुंवारी भूमि का विकास आदि। इस अवधि के दौरान कलाकारों ए। प्लास्टोव, एस। चुइकोव, टी। सलाखोव और अन्य द्वारा शैली चित्रकला में विशेष रूप से महत्वपूर्ण योगदान दिया गया था।

इन वर्षों में सफलतापूर्वक विकास जारी रहा, चित्रांकन - ये पी। कोरिन, वी। इफानोव और अन्य कलाकार हैं। इस अवधि के दौरान लैंडस्केप पेंटिंग के क्षेत्र में, सबसे पुराने कलाकारों के अलावा, जिनमें एम। सरियन, आर। निस्की, एन। रोमाडिन और अन्य शामिल थे।

बाद के वर्षों में, सोवियत काल की ललित कलाएँ उसी दिशा में विकसित होती रहीं।

डी एस मूर

डी एस मूर

के। पेट्रोव-वोडकिन "1918 पेत्रोग्राद में" (1920)

I. D. Shadr "सर्वहारा वर्ग का कोबलस्टोन-हथियार"

गेरासिमोव - सामूहिक कृषि अवकाश 1937

एस गेरासिमोव "एक पक्षपातपूर्ण माँ"

डी एस मूर

पी। कोंचलोव्स्की "एक टोकरी में बकाइन" (1933)

एन ए एंड्रीव "वी। आई। लेनिन"

एम। ग्रीकोव "बैनर और ट्रम्पेटर" (1934)

1934 में, सोवियत लेखकों की पहली ऑल-यूनियन कांग्रेस में, मैक्सिम गोर्की ने सोवियत साहित्य और कला की एक पद्धति के रूप में सामाजिक यथार्थवाद के बुनियादी सिद्धांतों को तैयार किया। यह क्षण सोवियत कला के एक नए युग की शुरुआत का प्रतीक है, जिसमें सख्त वैचारिक नियंत्रण और प्रचार योजनाएं हैं।

मूलरूप आदर्श:

• - राष्ट्रीयता। एक नियम के रूप में, समाजवादी यथार्थवादी कार्यों के नायक शहर और देश के कार्यकर्ता, कार्यकर्ता और किसान, तकनीकी बुद्धिजीवियों के प्रतिनिधि और सैन्यकर्मी, बोल्शेविक और गैर-पार्टी के लोग थे।
• - विचारधारा। लोगों के शांतिपूर्ण जीवन को दिखाएं, सभी लोगों के लिए सुखी जीवन प्राप्त करने के लिए एक नए, बेहतर जीवन, वीर कर्मों के तरीकों की खोज करें।
• - विशिष्टता। वास्तविकता की छवि में, ऐतिहासिक विकास की प्रक्रिया को दिखाएं, जो बदले में, इतिहास की भौतिकवादी समझ के अनुरूप होना चाहिए (अपने अस्तित्व की स्थितियों को बदलने की प्रक्रिया में, लोग अपनी चेतना और आसपास की वास्तविकता के प्रति दृष्टिकोण बदलते हैं)।

साहित्यिक और कलात्मक संगठनों के पुनर्गठन पर ऑल-यूनियन कम्युनिस्ट पार्टी ऑफ बोल्शेविक की केंद्रीय समिति के इस संकल्प के बाद के वर्षों में, राज्य द्वारा आवश्यक दिशा में कला के विकास के उद्देश्य से कई प्रमुख कार्यक्रम आयोजित किए गए। राज्य के आदेश, रचनात्मक व्यापार यात्राएं, बड़े पैमाने पर विषयगत और वर्षगांठ प्रदर्शनियों का अभ्यास बढ़ रहा है। VDNKh के भविष्य के लिए सोवियत कलाकार कई कार्य (पैनल, स्मारकीय, सजावटी) बनाते हैं। इसका मतलब एक स्वतंत्र कला के रूप में स्मारक कला के पुनरुद्धार में एक महत्वपूर्ण चरण था। इन कार्यों में, यह स्पष्ट हो गया कि स्मारक के लिए सोवियत कला का आकर्षण आकस्मिक नहीं है, बल्कि "समाजवादी समाज के विकास की भव्य संभावनाओं" को दर्शाता है।

1918 में, के। ज़ेटकिन के साथ बातचीत में लेनिन ने सोवियत समाज में कला के कार्यों को परिभाषित किया: “कला लोगों की है। व्यापक मेहनतकश जनता की बहुत गहराई में इसकी गहरी जड़ें होनी चाहिए। इसे इन लोगों द्वारा समझा जाना चाहिए और उनके द्वारा प्यार किया जाना चाहिए। इसे इन जनता की भावना, विचार और इच्छा को एकजुट करना चाहिए, उन्हें ऊपर उठाना चाहिए। इसे उनमें कलाकारों को जगाना चाहिए और उन्हें विकसित करना चाहिए।

समीक्षाधीन अवधि में, कला के पहले से मौजूद क्षेत्रों के साथ, कई मौलिक रूप से नए दिखाई दिए, उदाहरण के लिए, अवांट-गार्डे।

स्मारकीय शैली के ढांचे के भीतर, मूर्तिकला सबसे बड़ी रुचि है। सोवियत कला में अन्य सभी प्रवृत्तियों की तरह, इस अवधि की मूर्तिकला में एक आंदोलनकारी फोकस और भूखंडों में देशभक्ति की सामग्री थी। मूर्तिकला के विकास के लिए 1918 में अपनाई गई स्मारकीय प्रचार के लिए लेनिन की योजना का बहुत महत्व था। इस योजना के अनुसार, पूरे देश में नए क्रांतिकारी मूल्यों को बढ़ावा देने वाले स्मारक स्थापित किए जाने थे। प्रमुख मूर्तिकार काम में शामिल थे: एन.ए. एंड्रीव (जो बाद में मूर्तिकला लेनिनियाना के निर्माता बने)। इस काल के एक अन्य प्रमुख मूर्तिकार इवान शद्र हैं। 1922 में, उन्होंने "वर्कर", "सॉवर", "किसान", "रेड आर्मी" की मूर्तियाँ बनाईं। उनकी पद्धति की मौलिकता एक विशिष्ट शैली के कथानक, वॉल्यूम के शक्तिशाली मॉडलिंग, आंदोलन की अभिव्यक्ति, रोमांटिक पाथोस के आधार पर छवि का सामान्यीकरण है। उनका सबसे उल्लेखनीय काम है "कोबलस्टोन सर्वहारा वर्ग का एक उपकरण है। 1905" (1927)। उसी वर्ष, काकेशस में एक पनबिजली स्टेशन के क्षेत्र में, ZAGES ने लेनिन के अपने काम के लिए एक स्मारक बनाया - "सर्वश्रेष्ठ में से एक।" वेरा मुखिना भी 20 के दशक में एक मास्टर के रूप में बनती हैं। इस अवधि के दौरान, वह स्मारक "मुक्त श्रम" (1920, संरक्षित नहीं), "किसान महिला" (1927) के लिए एक परियोजना बनाती है। अधिक परिपक्व उस्तादों में, सारा लेबेदेवा का काम है, जिन्होंने चित्र बनाए हैं। रूप की अपनी समझ में, वह प्रभाववाद की परंपराओं और अनुभव को ध्यान में रखती है। अलेक्जेंडर मतवेव को प्लास्टिसिटी के रचनात्मक आधार, मूर्तिकला द्रव्यमान के सामंजस्य और अंतरिक्ष में वॉल्यूम के अनुपात ("अनड्रेसिंग वुमन", "वुमन पुटिंग ऑन अ शू"), साथ ही साथ प्रसिद्ध "अक्टूबर" को समझने में शास्त्रीय स्पष्टता की विशेषता है। (1927), जहां रचना में 3 नग्न पुरुषों को शामिल किया गया है - आंकड़े - शास्त्रीय परंपराओं का एक संयोजन और "क्रांति के युग के आदमी" का आदर्श (गुण - दरांती, हथौड़ा, बुडेनोव्का)।

क्रांति के बाद पहले वर्षों में सड़कों पर "जीवित" रहने में सक्षम कला रूपों ने "क्रांतिकारी लोगों की सामाजिक और सौंदर्य चेतना को आकार देने" में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। इसलिए, स्मारकीय मूर्तिकला के साथ, राजनीतिक पोस्टर को सबसे सक्रिय विकास प्राप्त हुआ। यह सबसे गतिशील और क्रियात्मक कला रूप निकला। गृहयुद्ध के दौरान, इस शैली को निम्नलिखित गुणों की विशेषता थी: “सामग्री की प्रस्तुति की तीक्ष्णता, तेजी से बदलती घटनाओं की तात्कालिक प्रतिक्रिया, प्रचार अभिविन्यास, जिसके लिए पोस्टर की प्लास्टिक भाषा की मुख्य विशेषताएं थीं बनाया। वे लैकोनिज़्म, छवि की पारंपरिकता, सिल्हूट और हावभाव की स्पष्टता के रूप में निकले। पोस्टर बेहद आम थे, बड़ी संख्या में छपे और हर जगह पोस्ट किए गए। पोस्टर के विकास में एक विशेष स्थान पर व्यंग्य के ROSTA विंडोज का कब्जा है, जिसमें चेरमनिख, मिखाइल मिखाइलोविच और व्लादिमीर मायाकोवस्की ने उत्कृष्ट भूमिका निभाई। ये स्टेंसिल्ड पोस्टर, हाथ से रंगे हुए और दिन के विषय पर काव्य शिलालेख के साथ हैं। उन्होंने राजनीतिक प्रचार में बहुत बड़ी भूमिका निभाई और एक नया आलंकारिक रूप बन गया। उत्सव का कलात्मक डिजाइन सोवियत कला की एक और नई घटना है जिसकी कोई परंपरा नहीं थी। छुट्टियों में अक्टूबर क्रांति की वर्षगांठ, 1 मई, 8 मार्च और अन्य सोवियत छुट्टियां शामिल थीं। इसने एक नया गैर-पारंपरिक कला रूप बनाया जिसने पेंटिंग को एक नया स्थान और कार्य दिया। छुट्टियों के लिए, स्मारकीय पैनल बनाए गए थे, जिनकी विशेषता एक विशाल स्मारकीय प्रचार पथ थी। कलाकारों ने चौकों और सड़कों के डिजाइन के लिए रेखाचित्र बनाए।

निम्नलिखित लोगों ने इन छुट्टियों के डिजाइन में भाग लिया: पेट्रोव-वोडकिन, कस्टोडीव, ई। लांसेरे, एस। वी। गेरासिमोव।

सोवियत कला इतिहास ने इस अवधि के सोवियत चित्रकला के स्वामी को दो समूहों में विभाजित किया:

• - ऐसे कलाकार जिन्होंने तथ्यात्मक प्रदर्शन की सामान्य सचित्र भाषा में भूखंडों को पकड़ने की कोशिश की;
• - वे कलाकार जिन्होंने आधुनिकता की अधिक जटिल, आलंकारिक धारणा का उपयोग किया।

उन्होंने प्रतीकात्मक छवियां बनाईं जिसमें उन्होंने अपने नए राज्य में युग की "काव्यात्मक, प्रेरित" धारणा को व्यक्त करने की कोशिश की। कॉन्स्टेंटिन यूओन ने क्रांति की छवि को समर्पित पहले कार्यों में से एक बनाया (न्यू प्लैनेट, 1920, स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी), जहां घटना की व्याख्या एक सार्वभौमिक, लौकिक पैमाने पर की जाती है। 1920 में पेट्रोव-वोडकिन ने उस समय की नैतिक और दार्शनिक समस्याओं को हल करते हुए "1918 पेत्रोग्राद (पेत्रोग्राद मैडोना)" में पेंटिंग बनाई। Arkady Rylov, जैसा कि माना जाता था, अपने परिदृश्य "इन द ब्लू स्पेस" (1918) में भी प्रतीकात्मक रूप से सोचता है, "मानवता की मुक्त सांस, दुनिया के विशाल विस्तार में भागते हुए, रोमांटिक खोजों के लिए, मुक्त और मजबूत अनुभवों को व्यक्त करता है। ।”

ग्राफिक्स नई छवियां भी दिखाते हैं। निकोलाई कुप्रियनोव "लकड़ी की नक्काशी की जटिल तकनीक में क्रांति के अपने छापों को व्यक्त करना चाहते हैं" ("बख़्तरबंद कारें", 1918; "वॉली ऑफ़ ऑरोरा", 1920)। 1930 के दशक में, स्मारकीय चित्रकला संपूर्ण कलात्मक संस्कृति का एक अनिवार्य हिस्सा बन गई। यह वास्तुकला के विकास पर निर्भर था और इसके साथ दृढ़ता से जुड़ा हुआ था। पूर्व-क्रांतिकारी परंपराओं को उस समय कला के पूर्व कलाकार एवगेनी लांसेरे द्वारा जारी रखा गया था - कज़ान स्टेशन (1933) के रेस्तरां हॉल की पेंटिंग एक मोबाइल बारोक रूप के लिए उनकी लालसा को प्रदर्शित करती है। यह छत के विमान के माध्यम से टूट जाता है, जिससे अंतरिक्ष का विस्तार होता है। दीनेका, जो इस समय भी स्मारकीय चित्रकला में एक महान योगदान देती हैं, एक अलग तरीके से काम करती हैं। मायाकोवस्काया स्टेशन (1938) के उनके मोज़ाइक एक आधुनिक शैली का उपयोग करके बनाए गए थे: ताल की तीक्ष्णता, स्थानीय रंगीन धब्बों की गतिशीलता, कोणों की ऊर्जा, आकृतियों और वस्तुओं को चित्रित करने की परंपराएँ। विषय ज्यादातर खेल हैं। फेवरस्की, एक प्रसिद्ध ग्राफिक कलाकार, ने स्मारकीय चित्रकला में भी योगदान दिया: उन्होंने अपने निर्माण की प्रणाली को नए कार्यों के लिए पुस्तक चित्रण में विकसित किया। म्यूज़ियम ऑफ़ मैटरनिटी एंड इन्फेंसी (1933, लेव ब्रूनी के साथ) और हाउस ऑफ़ मॉडल्स (1935) में उनके भित्ति चित्र विमान की भूमिका के बारे में उनकी समझ को दर्शाते हैं, प्राचीन रूसी चित्रकला के अनुभव के आधार पर वास्तुकला के साथ फ्रेस्को का संयोजन। (दोनों काम नहीं बचे हैं)।

1920 के दशक की वास्तुकला में निर्माणवाद प्रमुख शैली बन गया।

रचनावादियों ने सरल, तार्किक, कार्यात्मक रूप से न्यायोचित रूपों, समीचीन डिजाइनों को बनाने के लिए नई तकनीकी संभावनाओं का उपयोग करने की कोशिश की। सोवियत रचनावाद की वास्तुकला का एक उदाहरण वेसिन भाइयों की परियोजनाएँ हैं। उनमें से सबसे भव्य - पैलेस ऑफ लेबर को कभी भी व्यवहार में नहीं लाया गया, लेकिन घरेलू वास्तुकला के विकास पर इसका महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा। दुर्भाग्य से, स्थापत्य स्मारक भी नष्ट हो गए: केवल 30 के दशक में। मॉस्को में, सुखारेव टॉवर, क्राइस्ट द सेवियर के कैथेड्रल, क्रेमलिन में मिरेकल मठ, रेड गेट और सैकड़ों अस्पष्ट शहरी और ग्रामीण चर्च, जिनमें से कई ऐतिहासिक और कलात्मक मूल्य के थे, नष्ट हो गए।

सोवियत कला की राजनीतिक प्रकृति के संबंध में, कई कलात्मक संघ और समूह अपने स्वयं के मंच और घोषणापत्र के साथ बनाए जा रहे हैं। कला खोज में थी और विविध थी। मुख्य समूह AHRR, OST और "4 कलाएँ" भी थे। क्रांतिकारी रूस के कलाकारों की एसोसिएशन की स्थापना 1922 में हुई थी। इसका मूल पूर्व वांडरर्स से बना था, जिनके तरीके का समूह के दृष्टिकोण पर बहुत प्रभाव था - दिवंगत वांडरर्स की यथार्थवादी रोजमर्रा की लेखन भाषा, "लोगों के पास जाना" और विषयगत प्रदर्शन। चित्रों के विषयों (क्रांति द्वारा निर्धारित) के अलावा, AHRR को "लाइफ एंड लाइफ ऑफ वर्कर्स", "लाइफ एंड लाइफ ऑफ द रेड आर्मी" जैसी विषयगत प्रदर्शनियों के संगठन की विशेषता थी।

समूह के मुख्य स्वामी और कार्य: आइजैक ब्रोडस्की ("पुतिलोव फैक्ट्री में लेनिन का भाषण", "स्मॉली में लेनिन"), जॉर्जी रियाज़्स्की ("प्रतिनिधि", 1927; "अध्यक्ष", 1928), चित्रकार सर्गेई माल्युटिन (" फुरमानोव का चित्र", 1922 ), अब्राम आर्किपोव, एफिम चेपत्सोव ("गांव की बैठक", 1924), वासिली याकोवलेव ("परिवहन बेहतर हो रहा है", 1923), मित्रोफ़ान ग्रीकोव ("तचंका", 1925, बाद में "टू द द विलेज" क्यूबन" और "ट्रम्पेटर्स ऑफ़ द फर्स्ट कैवेलरी", 1934)। 1925 में स्थापित द सोसाइटी ऑफ़ ईज़ेल आर्टिस्ट्स में पेंटिंग के मामले में कम रूढ़िवादी विचारों वाले कलाकार शामिल थे, जिनमें मुख्य रूप से VKHUTEMAS के छात्र थे। ये थे: विलियम्स "हैम्बर्ग विद्रोह"), दीनेका ("नई कार्यशालाओं के निर्माण पर", 1925; "खान में उतरने से पहले", 1924; "पेत्रोग्राद की रक्षा", 1928), लाबास लुचिश्किन ("गेंद उड़ गई ", "मैं जीवन से प्यार करता हूँ ”), पिमेनोव (“भारी उद्योग”), टायस्लर, श्टेनबर्ग और अन्य। उन्होंने चित्रफलक चित्रकला के पुनरुद्धार और विकास के नारे का समर्थन किया, लेकिन वे यथार्थवाद से नहीं, बल्कि समकालीन अभिव्यक्तिवादियों के अनुभव से निर्देशित थे। विषयों में से वे औद्योगीकरण, शहर के जीवन और खेल के करीब थे। द फोर आर्ट्स सोसाइटी की स्थापना पूर्व में वर्ल्ड ऑफ़ आर्ट और ब्लू रोज़ के कलाकारों द्वारा की गई थी, जिन्होंने पेंटिंग की संस्कृति और भाषा की परवाह की थी। एसोसिएशन के सबसे प्रमुख सदस्य: पावेल कुज़नेत्सोव, पेट्रोव-वोडकिन, सरियन, फेवरस्की और कई अन्य उत्कृष्ट स्वामी। पर्याप्त प्लास्टिक अभिव्यक्ति के साथ समाज को एक दार्शनिक पृष्ठभूमि की विशेषता थी। सोसाइटी ऑफ़ मॉस्को आर्टिस्ट्स में मॉस्को पेंटर्स, मेकोवेट्स और जेनेसिस एसोसिएशन के पूर्व सदस्यों के साथ-साथ जैक ऑफ़ डायमंड्स के सदस्य भी शामिल थे। सबसे सक्रिय कलाकार: प्योत्र कोंचलोव्स्की, इल्या माशकोव, लेंटुलोव, अलेक्जेंडर कुप्रिन, रॉबर्ट फॉक, वासिली रोहडेस्टेवेन्स्की, ओस्मरकिन, सर्गेई गेरासिमोव, निकोलाई चेर्नशेव, इगोर ग्रैबर। कलाकारों ने संचित "जैक ऑफ डायमंड" आदि का उपयोग करके "विषयगत" पेंटिंग बनाई। अवांट-गार्डे स्कूल के रुझान। इन समूहों की रचनात्मकता इस तथ्य का एक लक्षण थी कि पुरानी पीढ़ी के स्वामी की चेतना नई वास्तविकताओं के अनुकूल होने की कोशिश कर रही थी। 1920 के दशक में, दो बड़े पैमाने पर प्रदर्शनियों का आयोजन किया गया था, जो रुझानों को समेकित करता था - अक्टूबर की 10 वीं वर्षगांठ और लाल सेना के साथ-साथ "यूएसएसआर के लोगों की कला की प्रदर्शनी" (1927)।

20 के दशक में साहित्य के विकास का अग्रणी क्षेत्र। निस्संदेह कविता है। रूप की दृष्टि से साहित्य जीवन अधिकांशत: एक ही रहा है। सदी की शुरुआत में, साहित्यिक मंडलियों ने इसके लिए स्वर निर्धारित किया, जिनमें से कई खूनी कठिन समय से बचे और 20 के दशक में काम करना जारी रखा: प्रतीकवादी, भविष्यवादी, एकमेइस्ट, आदि। नए मंडल और संघ उत्पन्न होते हैं, लेकिन बीच प्रतिद्वंद्विता वे अब कलात्मक क्षेत्रों से आगे निकल जाते हैं और अक्सर राजनीतिक रंग ले लेते हैं। साहित्य के विकास के लिए संघों आरएपीपी, पेरेवल, सेरापियोनोव ब्रदर्स और एलईएफ का सबसे बड़ा महत्व था।

RAPP (सर्वहारा लेखकों का रूसी संघ) ने 1925 में सर्वहारा लेखकों के I अखिल-संघ सम्मेलन में आकार लिया। इसमें लेखक (सबसे प्रसिद्ध ए। फादेव और डी। फुरमानोव के बीच) और साहित्यिक आलोचक शामिल थे। RAPP के पूर्ववर्ती प्रोलेटकल्ट थे, जो 1917 में स्थापित सबसे बड़े संगठनों में से एक थे। उन्होंने लगभग सभी लेखकों को "वर्ग शत्रु" माना, जो उनके संगठन के सदस्य नहीं थे। आरएपीपी सदस्यों द्वारा जिन लेखकों पर हमला किया गया उनमें न केवल ए. RAPP का वैचारिक विरोध साहित्यिक समूह "पास" से बना था।

Serapion Brothers Group को 1921 में पेट्रोग्रेड हाउस ऑफ़ आर्ट्स में बनाया गया था। समूह में वी। इवानोव, एम। जोशचेंको, के। फेडिन और अन्य जैसे प्रसिद्ध लेखक शामिल थे।

LEF - कला का बायाँ मोर्चा। इस संगठन के सदस्यों (वी। मायाकोवस्की, एन। असेव, एस। ईसेनस्टीन और अन्य) के पद बहुत विरोधाभासी हैं। सर्वहारा की भावना में नवाचार के साथ भविष्यवाद का संयोजन, वे कुछ प्रकार की "उत्पादक" कला बनाने का एक बहुत ही शानदार विचार लेकर आए, जिसे समाज में भौतिक उत्पादन के लिए अनुकूल वातावरण प्रदान करने का उपयोगितावादी कार्य करना चाहिए था। कला को तकनीकी निर्माण का एक तत्व माना जाता था, बिना किसी सबटेक्स्ट के, मनोविज्ञान की कल्पना आदि।

बीसवीं सदी के रूसी साहित्य के विकास के लिए बहुत महत्व है। वी. वाई. ब्रायसोव, ई. जी. बग्रिट्स्की, ओ. रूसी साहित्य के इतिहास में एक विशेष पृष्ठ कवियों और लेखकों का काम है जिन्होंने क्रांति को स्वीकार नहीं किया और उन्हें देश छोड़ने के लिए मजबूर होना पड़ा। इनमें एम. आई. स्वेतेवा, जेड. एन. गिपियस, आई. ए. बुनिन, ए. एन. टॉल्स्टॉय, वी. वी. नाबोकोव जैसे नाम शामिल हैं। उनमें से कुछ, अपने लिए अपनी मातृभूमि से दूर रहने की असंभवता को महसूस करते हुए, बाद में लौट आए (त्स्वेतेवा, टॉल्स्टॉय)। साहित्य में आधुनिकतावादी प्रवृत्तियों ने शानदार डायस्टोपियन उपन्यास "वी" (1924) के लेखक ई। आई। ज़मायटिन के काम में खुद को प्रकट किया। 20 के दशक का व्यंग्य साहित्य। एम. जोशचेंको की कहानियों द्वारा प्रस्तुत; सह-लेखक I. Ilf (I. A. Fainzilberg) और E. Petrov (E. P. Kataev) के उपन्यास "द ट्वेल्व चेयर्स" (1928), "द गोल्डन बछड़ा" (1931), आदि।

30 के दशक में। कई प्रमुख कार्य दिखाई दिए जो रूसी संस्कृति के इतिहास में प्रवेश कर गए। शोलोखोव "क्विट फ्लो द डॉन", "वर्जिन सॉइल अपटर्नड" उपन्यास बनाता है। शोलोखोव के काम को दुनिया भर में पहचान मिली: उनकी साहित्यिक खूबियों के लिए उन्हें नोबेल पुरस्कार से सम्मानित किया गया। तीस के दशक में, एम। गोर्की ने अपना अंतिम महाकाव्य उपन्यास, द लाइफ ऑफ कलीम समगिन पूरा किया। उपन्यास "हाउ द स्टील वाज़ टेम्पर्ड" (1934) के लेखक एन ए ओस्ट्रोव्स्की का काम बहुत लोकप्रिय था। ए एन टॉल्स्टॉय ("पीटर I" 1929-1945) सोवियत ऐतिहासिक उपन्यास का एक क्लासिक बन गया। बिसवां दशा और तीसवां दशक बाल साहित्य का उत्कर्ष था। सोवियत लोगों की कई पीढ़ियां K. I. चुकोवस्की, S. Ya.

1928 में, सोवियत आलोचना से परेशान, एमए बुल्गाकोव, प्रकाशन की किसी भी आशा के बिना, अपना सर्वश्रेष्ठ उपन्यास, द मास्टर एंड मार्गरीटा लिखना शुरू करते हैं। 1940 में लेखक की मृत्यु तक उपन्यास पर काम जारी रहा। यह काम केवल 1966 में प्रकाशित हुआ था। कवि ए। ए। अखमतोवा, बी। एल। पास्टर्नक ने "टेबल पर" काम किया। मंडेलस्टम (1891-1938) का भाग्य दुखद है। असाधारण शक्ति और महान आलंकारिक सटीकता के कवि, उन लेखकों में से थे, जिन्होंने अपने समय में अक्टूबर क्रांति को स्वीकार कर लिया था, स्टालिन के समाज में नहीं मिल सके। 1938 में उनका दमन किया गया।

30 के दशक में। सोवियत संघ धीरे-धीरे खुद को बाकी दुनिया से अलग करने लगा है। "आयरन कर्टन" के पीछे कई रूसी लेखक थे, जो सब कुछ के बावजूद काम करना जारी रखते हैं। पहले परिमाण के लेखक कवि और गद्य लेखक इवान अलेक्सेविच ब्यून (1870-1953) थे। शुरू से ही बुनिन ने क्रांति को स्वीकार नहीं किया और फ्रांस (कहानी "मिता का प्यार", उपन्यास "द लाइफ ऑफ आर्सेनिव", लघु कथाओं का संग्रह "डार्क एलिसिस") में आ गए। 1933 में उन्हें नोबेल पुरस्कार से सम्मानित किया गया।

30 के दशक की शुरुआत में। मुक्त रचनात्मक मंडलियों और समूहों का अस्तित्व समाप्त हो गया। 1934 में, सोवियत लेखकों की पहली अखिल-संघ कांग्रेस में, "लेखकों का संघ" आयोजित किया गया था, जिसमें साहित्यिक कार्यों में लगे सभी लोगों को शामिल होने के लिए मजबूर किया गया था। राइटर्स यूनियन रचनात्मक प्रक्रिया पर कुल शक्ति नियंत्रण का साधन बन गया है। संघ का सदस्य नहीं होना असंभव था, क्योंकि इस मामले में लेखक अपने कार्यों को प्रकाशित करने के अवसर से वंचित था और इसके अलावा, "परजीवीवाद" के लिए मुकदमा चलाया जा सकता था। एम गोर्की इस संगठन के मूल में खड़े थे, लेकिन इसमें उनकी अध्यक्षता लंबे समय तक नहीं रही। 1936 में उनकी मृत्यु के बाद, A. A. Fadeev अध्यक्ष बने। लेखकों के संघ के अलावा, अन्य "रचनात्मक" संघों का आयोजन किया गया: कलाकारों का संघ, वास्तुकारों का संघ, संगीतकारों का संघ। सोवियत कला में एकरूपता का दौर शुरू हुआ।

क्रांति ने शक्तिशाली रचनात्मक शक्तियों को उजागर किया। इसने घरेलू नाट्य कला के विकास को भी प्रभावित किया। अनेक नाट्य समूह उभरे। लेनिनग्राद में बोल्शोई ड्रामा थियेटर, जिसके पहले कलात्मक निर्देशक ए। ब्लोक थे, ने नाट्य कला के विकास में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। वी। मेयरहोल्ड, थिएटर। ई। वख्तंगोव, मॉस्को थिएटर। मास्को नगर परिषद।

20 के दशक के मध्य तक, सोवियत नाट्यशास्त्र का उदय हुआ, जिसका नाट्य कला के विकास पर बहुत प्रभाव पड़ा। 1925-1927 के नाट्य काल की प्रमुख घटनाएँ। थिएटर में स्टील "स्टॉर्म" वी। बिल-बेलोटेर्सकोवस्की। एमजीएसपीएस, "लव यारोवया" के। ट्रेनेव द्वारा माली थिएटर में, "द रप्चर" बी। लावरनेव द्वारा थिएटर में। ई. वख्तंगोव और बोल्शोई ड्रामा थियेटर में, मॉस्को आर्ट थियेटर में वी. इवानोव द्वारा "आर्मर्ड ट्रेन 14-69"। क्लासिक्स ने थिएटर प्रदर्शनों की सूची में एक मजबूत स्थान पर कब्जा कर लिया। इसे फिर से पढ़ने का प्रयास अकादमिक थिएटरों (मॉस्को आर्ट थिएटर में ए। ओस्ट्रोव्स्की का हॉट हार्ट) और "वामपंथियों" (ए। ओस्ट्रोव्स्की द्वारा "द फ़ॉरेस्ट") और वी में एन। गोगोल के "इंस्पेक्टर जनरल" दोनों द्वारा किया गया। मेयरहोल्ड थियेटर)।

यदि पहले सोवियत दशक के अंत तक नाटक थिएटरों ने अपने प्रदर्शनों की सूची का पुनर्निर्माण किया, तो ओपेरा और बैले समूहों की गतिविधियों में मुख्य स्थान अभी भी क्लासिक्स द्वारा कब्जा कर लिया गया था। समकालीन विषय को प्रतिबिंबित करने में एकमात्र बड़ी सफलता आर. ग्लियर के बैले द रेड पॉपी (द रेड फ्लावर) का मंचन था। पश्चिमी यूरोप और अमेरिका के देशों में, एल.वी. सोबिनोव, ए.वी. नेझदानोवा, एन.एस. गोलोवानोव, मॉस्को आर्ट थिएटर, चैंबर थिएटर, स्टूडियो की मंडली। ई। वख्तंगोव, प्राचीन रूसी उपकरणों की चौकड़ी

उन वर्षों में देश का संगीतमय जीवन एस प्रोकोफ़िएव, डी शोस्ताकोविच, ए खाचटुरियन, टी ख्रेनिकोव, डी कबलेव्स्की, आई ड्यूनैवेस्की और अन्य के नाम से जुड़ा हुआ है। युवा कंडक्टर ई मराविंस्की, बी खाइकिन सामने आया। संगीत पहनावा बनाया गया, जिसने बाद में घरेलू संगीत संस्कृति को गौरवान्वित किया: चौकड़ी। बीथोवेन, ग्रैंड स्टेट सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा, स्टेट फिलहारमोनिक ऑर्केस्ट्रा, आदि। 1932 में, यूएसएसआर के संगीतकारों का संघ बनाया गया था।

पुरानी पीढ़ी के अभिनेताओं (एम। एन। एर्मोलोवा, ए। एम। युज़िन, ए। ए। ओस्टुज़ेव, वी। आई। कचलोव, ओ। एल। नाइपर-चेखोवा) के साथ, एक नया क्रांतिकारी थिएटर उभर रहा था। मंचीय अभिव्यक्ति के नए रूपों की खोज थिएटर की विशेषता है जो वी. ई. मेयरहोल्ड (अब मेयरहोल्ड थिएटर) के निर्देशन में काम करता है। वी. मायाकोवस्की के नाटक मिस्ट्री बफ (1921), द बेडबग (1929) और अन्य का इस थिएटर के मंच पर मंचन किया गया। थिएटर के विकास में एक बड़ा योगदान मॉस्को आर्ट थिएटर के तीसरे स्टूडियो के निदेशक द्वारा किया गया; चैंबर थियेटर के आयोजक और नेता, मंच कला सुधारक ए.

20 के दशक की संस्कृति के इतिहास में सबसे महत्वपूर्ण और दिलचस्प घटनाओं में से एक। सोवियत सिनेमा के विकास की शुरुआत थी। डाक्यूमेंट्री फिल्म निर्माण का विकास हो रहा है, जो पोस्टर के साथ-साथ वैचारिक संघर्ष और आंदोलन का सबसे प्रभावी साधन बन गया है। फिक्शन सिनेमा के विकास में एक महत्वपूर्ण मील का पत्थर सर्गेई मिखाइलोविच ईसेनस्टीन (1898 - 1948) की फिल्म "बैटलशिप पोटेमकिन" (1925) थी, जो दुनिया की उत्कृष्ट कृतियों में से एक बन गई। प्रतीकवादी, भविष्यवादी, प्रभाववादी, कल्पनावादी, आदि आलोचना की झड़ी में पड़ गए। उन पर "औपचारिकतावादी विचित्रता" का आरोप लगाया गया, कि उनकी कला को सोवियत लोगों की ज़रूरत नहीं थी, कि यह समाजवाद के प्रति शत्रुतापूर्ण थी। संगीतकार डी. शोस्ताकोविच, निर्देशक एस. ईसेनस्टीन, लेखक बी. पास्टर्नक, यू. ओलेशा और अन्य "विदेशी" लोगों में से थे। कई कलाकार दमित थे।

राजनीतिक संस्कृति अधिनायकवाद विचारधारा

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रूसी संघ के शिक्षा मंत्रालय

मैग्नीटोगोर्स्क स्टेट यूनिवर्सिटी

परीक्षा

20-30 के कलाकार

द्वारा पूरा किया गया: तिमेवा अलीना

मैग्नीटोगोर्स्क 2001

परिचय

अक्टूबर 1917 ने न केवल सामाजिक जीवन में बल्कि कला के जीवन में भी एक नए युग की शुरुआत की। कोई भी क्रांति किसी चीज को नष्ट कर देती है, और फिर एक नए का निर्माण शुरू होता है। जो हो रहा है वह एक साधारण विकास नहीं है, बल्कि कला सहित पूर्व सामाजिक, राजनीतिक, वैचारिक और अन्य प्रकार की संरचनाओं की नींव का एक निर्णायक पुन: उपकरण है।

क्रांति ने कम से कम दो समस्याएं खड़ी कीं। पहली समस्या कला की वर्ग प्रकृति है। वर्ग संघर्ष के साथ इसे घनिष्ठ रूप से जोड़ने के प्रयास से इसकी बहुक्रियात्मक प्रकृति का विरूपण हुआ। कला की वर्ग प्रकृति की एक विशेष रूप से तीव्र सरलीकृत समझ कुख्यात सर्वहारा वर्ग की गतिविधियों में प्रकट हुई। संघर्ष के तत्व ने सांस्कृतिक स्मारकों के विनाश का नेतृत्व किया, जो न केवल गृह युद्ध और विदेशी हस्तक्षेप के दौरान सैन्य अभियानों के कारण हुआ, बल्कि बुर्जुआ संस्कृति को कुचलने के उद्देश्य से एक नीति के कारण भी हुआ। इस प्रकार, कई मूर्तिकला स्मारक, धार्मिक पूजा से जुड़े प्राचीन वास्तुकला के कार्य ध्वस्त या नष्ट हो गए।

दूसरी समस्या कला में वर्ग राजनीति की समस्या है। इसके समाधान में सभी ताकतें शामिल थीं: "बुर्जुआ" और "सर्वहारा", विनाशकारी और रचनात्मक, सोवियत और गैर-सोवियत, "बाएं" और "दाएं", सांस्कृतिक और अज्ञानी, पेशेवर और शौकिया।

राज्य द्वारा घोषित सामाजिक विकास के सिद्धांत बड़े पैमाने पर कला के क्रमिक आंदोलन को निर्धारित करते हैं। बलों का एक प्रकार का स्तरीकरण हुआ, जिसके अतिरिक्त कला की वास्तविक स्थिति का एक सदिश गठन किया गया। एक ओर, यह कला के आत्म-विकास की शक्ति है, जिसने कलात्मक रचनात्मकता की प्रकृति में निहित रूपों के संचलन के पैटर्न को प्रभावित किया; दूसरी ओर, सामाजिक ताकतों, सार्वजनिक संस्थानों का प्रभाव, जो इसमें रुचि रखते हैं और कला के किसी अन्य आंदोलन में नहीं, अपने निश्चित रूपों में। तीसरे पर - राज्य की नीति के हुक्म, जो सामाजिक ताकतों पर भरोसा करते हैं या उन पर निर्भर नहीं होते हैं, कला की संरचना पर, इसके सार पर, इसकी विकासवादी और क्रांतिकारी क्षमता पर बिना शर्त प्रभाव डालते हैं। 1920 के दशक के अंत से, राजनीति ने स्पष्ट रूप से कला के विकास की सामान्य प्रक्रिया को विकृत करना शुरू कर दिया, कुछ "गैर-सर्वहारा" अभिव्यक्तियों को प्रतिबंधित या निंदा करके उस पर एक निश्चित दबाव डाला।

20 के दशक के कलाकार और कला संघ।

1920 का दशक कला के लिए एक अशांत समय था। कई अलग-अलग गुट थे। उनमें से प्रत्येक ने एक मंच रखा, प्रत्येक ने अपने स्वयं के घोषणापत्र के साथ बात की। कला, खोज के विचार से ग्रस्त, विविध थी; यह युग के साथ तालमेल बिठाने और भविष्य को देखने की कोशिश करते हुए उबलता और उबलता रहा।

सबसे महत्वपूर्ण समूह जिनकी घोषणाओं और रचनात्मक अभ्यास ने उस समय की मुख्य रचनात्मक प्रक्रियाओं को प्रतिबिंबित किया, वे थे AHRR, OST और "4 Arts" (8, पृष्ठ 87)।

AHRR समूह (क्रांतिकारी रूस के कलाकारों का संघ) 1922 में उत्पन्न हुआ (1928 में इसका नाम बदलकर AHRR - क्रांति के कलाकारों का संघ) कर दिया गया। AHRR का मूल मुख्य रूप से यात्रा प्रदर्शनियों के संघ के पूर्व सदस्यों से बना था। AHRR की घोषणा 1922 की प्रदर्शनी सूची में निर्धारित की गई थी: "मानवता के लिए हमारा नागरिक कर्तव्य इतिहास में अपने क्रांतिकारी प्रकोप में सबसे महान क्षण का कलात्मक और दस्तावेजी कब्जा है। हम आज चित्रित करेंगे: लाल सेना का जीवन, श्रमिकों, किसानों, क्रांतिकारियों और श्रम के नायकों का जीवन"।

एएचआरआर कलाकारों ने उस समय के बड़े पैमाने पर दर्शकों के लिए अपनी पेंटिंग को सुलभ बनाने की मांग की। अपने काम में, वे अक्सर यांत्रिक रूप से दिवंगत वांडरर्स की रोजमर्रा की लेखन भाषा का उपयोग करते थे। AHRR ने कई विषयगत कला प्रदर्शनियों का आयोजन किया, जिनके नाम हैं: "जीवन और श्रमिकों का जीवन" (1922), "लाल सेना का जीवन और जीवन" (1923), "क्रांति, जीवन और श्रम" (1924 - 1925), "यूएसएसआर के लोगों का जीवन और जीवन" (1926) - वे आधुनिक वास्तविकता के प्रत्यक्ष प्रतिबिंब के कार्यों के बारे में बात करते हैं।

"अख्रोवाइट्स" के अभ्यास की ख़ासियत यह थी कि वे अपने नायकों के जीवन और जीवन का निरीक्षण करने के लिए, लाल सेना की बैरक में, कारखानों और पौधों में जाते थे। "यूएसएसआर के लोगों के जीवन और जीवन" प्रदर्शनी की तैयारी के दौरान, इसके प्रतिभागियों ने सोवियत देश के सबसे दूरस्थ कोनों का दौरा किया और उनके कार्यों के आधार पर महत्वपूर्ण संख्या में रेखाचित्र लाए। AHRR कलाकारों ने उस समय के विभिन्न कलात्मक समूहों के प्रतिनिधियों को प्रभावित करते हुए, नए विषयों में महारत हासिल करने में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई।

AHRR कलाकारों के बीच रचनात्मकता अलग दिखती है आई.आई.ब्रॉडस्की(1883 - 1939), जिन्होंने अपने कार्य के रूप में घटनाओं और क्रांति के नायकों का एक सटीक, दस्तावेजी पुनरुत्पादन निर्धारित किया। वी.आई. की गतिविधियों के लिए समर्पित उनके कैनवस। लेनिन। सुरम्य लेनिनियाना का जन्म ब्रोडस्की की 1929 की पेंटिंग "पुतिलोव फैक्ट्री में लेनिन की स्पीच" पर आधारित था, और उनकी सबसे प्रसिद्ध कृतियों में से एक "लेनिन इन स्मॉली" (1930) थी, जिसमें लेनिन को अपने कार्यालय में काम पर दिखाया गया था। ब्रोड्स्की ने लेनिन को कई बार देखा और उनके रेखाचित्र बनाए (12, पृष्ठ 92)।

ब्रोड्स्की के कार्यों में एक महत्वपूर्ण गुण है - प्रामाणिकता, जिसका महान ऐतिहासिक और संज्ञानात्मक महत्व है। हालांकि, वृत्तचित्र की इच्छा कभी-कभी घटना की एक अनुभवजन्य, प्राकृतिक व्याख्या का कारण बनती है। ब्रोडस्की के चित्रों का कलात्मक महत्व भी उनके कार्यों के एक महत्वपूर्ण हिस्से की शुष्क प्रकृतिवाद और आहार रंग की विशेषता से कम हो गया था।

पोर्ट्रेट-पेंटिंग के मास्टर जी.जी.रियाज़स्की(1895 - 1952) 1923 में AHRR में शामिल हुए। उनकी सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ "डेलीगेट" (1927) और "चेयरवुमन" (1928) हैं, जिसमें कलाकार एक नए समाज की महिला की विशिष्ट सामाजिक-मनोवैज्ञानिक विशेषताओं को प्रकट करता है, एक देश के औद्योगिक और सामाजिक जीवन में सक्रिय भागीदार। उनकी "अध्यक्ष" एक सक्रिय कार्यकर्ता हैं। उनके हाव-भाव, भाव-भंगिमा, स्वाभिमान, ढीलापन एक नए कामकाजी समाज में महिला की स्थिति के प्रमाण के रूप में सामने आता है।

AHRR के चित्रकारों में, द्वारा एक प्रमुख भूमिका निभाई गई थी एस.वी.माल्युटिन(1859 - 1937)। क्रांति से पहले उन्होंने जो पोर्ट्रेट गैलरी शुरू की थी, वह सोवियत काल में वी. के. के चित्रों के साथ पूरक थी। ब्यालिनित्सकी-बिरुली, ए.वी. लुनाचार्स्की और कई अन्य। उनमें से, 1922 में चित्रित दिमित्री फुरमानोव का सबसे दिलचस्प चित्र, एक योद्धा लेखक, नए, सोवियत बुद्धिजीवियों के प्रतिनिधि की छवि को स्पष्ट रूप से प्रकट करता है।

AHRR प्रदर्शनियों में एक सक्रिय भागीदार 19वीं - 20वीं शताब्दी के अंत का एक प्रमुख रूसी चित्रकार था। ए.ई. आर्किपोव। 1920 के दशक में, आर्किपोव ने किसान महिलाओं की छवियां बनाईं - "वुमन विद ए जग", "पीजेंट वुमन इन ए ग्रीन एप्रन", "किसान महिला विद ए पिंक स्कार्फ इन हैंड", आदि। इन चित्रों को एक विस्तृत ब्रश के साथ चित्रित किया गया था। मनमौजी और रंगीन।

जीवन की नई घटनाओं पर बारीकी से अवलोकन और ध्यान ई.एम. के काम को चिह्नित करता है। चेपत्सोव (1874 - 1943), जिन्होंने रोजमर्रा की शैली के क्षेत्र में भटकती परंपराओं को जारी रखा। व्यापक रूप से उनकी पेंटिंग "विलेज सेल की बैठक" (1924) है, जो क्रांति के पहले वर्षों में ग्रामीण कार्यकर्ताओं को दर्शाती है। लेखक के अवलोकन और ईमानदारी, उनके पात्रों की उपस्थिति की सादगी, आसपास के सामान की कलाहीनता ने चेपत्सोव की छोटी, मामूली पेंटिंग को AHRR कला के सबसे दिलचस्प उदाहरणों में से एक बना दिया।

परिदृश्य चित्रकार बी.एन. के कार्यों में से एक के बारे में भी यही कहा जा सकता है। याकोवलेव (1880 - 1972)। उनका "परिवहन बेहतर हो रहा है" (1923) एक मामूली और एक ही समय में लोगों के दैनिक कार्य के बारे में क्रांति के पहले वर्षों के कठिन युग के बारे में एक गहरी कहानी है। शांत और सरल रूप से चित्रित, यह पेंटिंग सोवियत पेंटिंग में औद्योगिक परिदृश्य के पहले उदाहरणों में से एक है।

AHRR की पेंटिंग में एक विशेष स्थान पर M.B. के काम का कब्जा है। ग्रीकोव (1882-1934) - सोवियत कला में युद्ध शैली के संस्थापक। डेढ़ दशक तक - अपने जीवन के अंत तक - वह प्रथम कैवलरी सेना को समर्पित चित्रों की एक श्रृंखला बनाने में व्यस्त थे, जिनके अभियानों और लड़ाइयों में कलाकार ने भाग लिया था। उनके काम में, विशेष रूप से शुरुआती दौर में, वीरशैचिन की परंपराएं स्पष्ट रूप से खुद को महसूस करती हैं। ग्रीकोव का नायक वे लोग हैं जिन्होंने युद्ध की सभी कठिनाइयों को अपने ऊपर ले लिया। ग्रीकोव की रचनाएँ जीवनदायी हैं। 1920 के दशक के मध्य के ऐसे चित्रों में "तचंका" (1925) के रूप में, छवि की यात्रा की सटीकता को रोमांटिक उत्साह के साथ जोड़ा गया है। बाद में, पहली कैवलरी सेना के मूल सचित्र क्रॉनिकल को जारी रखते हुए, ग्रीकोव महाकाव्य कैनवस बनाता है, जिसमें पेंटिंग "टू द क्यूबन" और "ट्रम्पेटर्स ऑफ़ द फर्स्ट कैवलरी आर्मी" (दोनों - 1934) हैं।

AHRR के साथ, जिसमें पुरानी और मध्य पीढ़ी के कलाकार शामिल थे, जिनके पास क्रांति के समय पहले से ही व्यापक रचनात्मक अनुभव था, उन वर्षों के कलात्मक जीवन में एक सक्रिय भूमिका OST समूह (सोसायटी ऑफ ईजल पेंटर्स) द्वारा निभाई गई थी। , 1925 में आयोजित किया गया। इसने पहले सोवियत कला विश्वविद्यालय - VHU-TEMAS के कलात्मक युवाओं को एकजुट किया। (3)

एसोसिएशन का मुख्य कार्य एक आधुनिक विषय पर या आधुनिक सामग्री के साथ चित्रफलक चित्रों के पुनरुद्धार और आगे के विकास के लिए संघर्ष था। हालाँकि, OST कलाकारों की रचनात्मक आकांक्षाओं और तरीकों में विशिष्ट अंतर थे। वे पिछले युग के संबंध में अपने समकालीन युग के नए गुणों को अलग-अलग तथ्यों में प्रतिबिंबित करने का प्रयास करते हैं। उनका मुख्य विषय रूस का औद्योगीकरण था, जो हाल ही में कृषि प्रधान और पिछड़ा हुआ है, आधुनिक उत्पादन और मनुष्य के बीच संबंधों की गतिशीलता दिखाने की इच्छा।

OST समूह के सबसे प्रतिभाशाली प्रतिनिधियों में से एक थे ए.ए.दीनेका. निकटतम OST घोषणाएँ उनकी पेंटिंग हैं: "नई कार्यशालाओं के निर्माण में" (1925), "खान में उतरने से पहले" (1924), "फुटबॉल खिलाड़ी" (1924), "कपड़ा श्रमिक" (1926)। डेइनका, ओस्टोवेट्स के आलंकारिक मार्ग को पत्रकारिता ग्राफिक्स में एक रास्ता मिला, जिसमें कलाकार ने सामान्य पढ़ने के लिए पत्रिकाओं में एक इलस्ट्रेटर के रूप में काम किया - जैसे "एट द मशीन", "द गॉडलेस एट द मशीन", "स्पॉटलाइट" , "युवा", आदि। ओस्टोवो काल का केंद्रीय कार्य डेनेका पेंटिंग "डिफेंस ऑफ पेट्रोग्रैड" बन गया, जिसे 1928 में विषयगत प्रदर्शनी "10 इयर्स ऑफ द रेड आर्मी" के लिए लिखा गया था। यह कार्य OST की नवीन परंपराओं के मुख्य मार्ग और अर्थ को प्रकट करता है, जो बाद के समय की सोवियत कला में सबसे अधिक जीवन देने वाली और विकसित हुई है। दीनेका ने इस तस्वीर में अपनी शैली की सभी मौलिकता को शामिल किया, अभिव्यक्ति के साधनों को न्यूनतम कर दिया, लेकिन उन्हें बहुत सक्रिय और प्रभावी बना दिया (8, पृष्ठ 94)।

OST के अन्य सदस्यों में से, यू.आई. पिमेनोव, पी.वी. विलियम्स, एस.ए. लुचिश्किन। पिमेनोव द्वारा "हेवी इंडस्ट्री", विलियम्स द्वारा "हैम्बर्ग विद्रोह", लुचिश्किन द्वारा "द बॉल हैज़ फ्लेव" और "आई लव लाइफ", इसी अवधि में बनाए गए, आधुनिक वास्तविकता के महत्वपूर्ण गुणों को प्रकट और अभिनव रूप से प्रतिबिंबित करते हैं,

ओस्तोवो समूह के विपरीत, जो अपनी रचना में युवा था, दो अन्य रचनात्मक समूह थे जिन्होंने उन वर्षों के कलात्मक जीवन में एक महत्वपूर्ण स्थान पर कब्जा कर लिया - "4 कला" और ओएमएक्स। (सोसाइटी ऑफ़ मॉस्को आर्टिस्ट्स), - पुरानी पीढ़ी के उस्तादों को एकजुट किया, जो पूर्व-क्रांतिकारी समय में रचनात्मक रूप से वापस बने थे, जिन्होंने चित्रात्मक संस्कृति को विशेष श्रद्धा के साथ संरक्षित करने की समस्याओं का इलाज किया और इसकी भाषा और प्लास्टिक के रूप को बहुत महत्वपूर्ण माना काम का हिस्सा। 1925 में 4 आर्ट्स सोसाइटी का उदय हुआ। इस समूह के सबसे प्रमुख सदस्य पी.वी. कुज़नेत्सोव, के.एस. पेट्रोव-वोडकिन, एम.एस. सर्यन, एन.पी. उल्यानोव, के.एन. इस्तोमिन, वी.ए. फेवरस्की।

पेट्रोव-वोडकिन की रचनाएँ - जैसे "आफ्टर द बैटल" (1923), "द गर्ल एट द विंडो" (1928), "चिंता" (1934), पूरी तरह से विभिन्न अवधियों के नैतिक अर्थ को व्यक्त करती हैं - विकास में मील के पत्थर सोवियत समाज के। उनकी पेंटिंग "द डेथ ऑफ़ अ कमिसार" (1928), डेइनका की "डिफेंस ऑफ़ पेत्रोग्राद" की तरह, विशिष्ट प्रचारवाद के विपरीत "10 इयर्स ऑफ़ द रेड आर्मी" प्रदर्शनी के संबंध में चित्रित - दीनेका के आलंकारिक निर्णयों का आधार - कार्य के लिए अपना स्वयं का दार्शनिक समाधान देता है: तथ्यों के माध्यम से जो इन घटनाओं के नैतिक सार को प्रकट करके पूरे ग्रह पृथ्वी पर होने वाली घटनाओं के बारे में विचारों को सामान्य करता है। कमिसार एक ऐसा व्यक्ति होता है, जो जीवन और मृत्यु दोनों में मानवता के नाम पर एक करतब करता है। उनकी छवि उज्ज्वल विचारों की अजेयता की अभिव्यक्ति है जो इन विचारों के सबसे सक्रिय वाहक की मृत्यु के बावजूद और भविष्य में जीतेंगे। मरने वाले कमिश्नर की बिदाई नज़र एक हमले से पहले सेनानियों की टुकड़ी के लिए एक बिदाई शब्द की तरह है - वह जीत में विश्वास से भरा है।

पेट्रोव-वोडकिन के दार्शनिक विचारों को पर्याप्त प्लास्टिक अभिव्यक्ति मिलती है। दर्शाया गया स्थान, जैसा कि यह था, ग्रह की गोलाकार सतह पर फैला हुआ है। प्रत्यक्ष और विपरीत परिप्रेक्ष्य का संयोजन दृढ़ता से और तेजी से क्या हो रहा है के "ग्रहों" पैनोरमा को व्यक्त करता है। रंगीन प्रणाली में आलंकारिक समस्याओं को स्पष्ट रूप से हल किया जाता है। अपनी पेंटिंग में, कलाकार तिरंगे के सिद्धांत का पालन करता है, जैसे कि पृथ्वी के मुख्य रंगों को अपनाता है: ठंडी नीली हवा, नीला पानी; भूरी-लाल पृथ्वी; पौधे की दुनिया की हरियाली।

1927 में आयोजित ओएमएक्स समूह के कलाकारों द्वारा सोवियत चित्रकला के इतिहास में एक महत्वपूर्ण छाप छोड़ी गई थी। उनमें से कई "जैक ऑफ डायमंड्स" संघ में पूर्व-क्रांतिकारी वर्षों में एक-दूसरे के करीब हो गए। OMche में सबसे अधिक सक्रिय थे P.P. कोंचलोवस्की, आई.आई. माशकोव, ए.वी. लेंटुलोव, ए.वी. कुप्रिन, आर.आर. फाल्क, वी.वी. रोज़्देस्टेवेन्स्की, ए.ए. ऑस्मेर्किन। कला चित्र कलात्मक

अपनी घोषणा में, ओएमएच कलाकारों ने कहा: "हम कलाकार से उसके काम के औपचारिक पहलुओं की सबसे बड़ी दक्षता और अभिव्यक्ति की मांग करते हैं, जो बाद के वैचारिक पक्ष से अविभाज्य है।" इस कार्यक्रम में "4 कलाओं" समूह के लिए एक आत्मीयता है।

प्रारंभिक वर्षों की सोवियत कला में इस कार्यक्रम के सबसे प्रमुख प्रतिपादकों में से एक पी.पी. Konchalovsky। उन्होंने रूसी यथार्थवादी कलाकारों की विरासत के साथ "जैक ऑफ़ डायमंड्स" की प्रवृत्ति को संयोजित करने का प्रयास किया, जिसने उनकी रचनात्मक सीमा का बहुत विस्तार किया और उन्हें 1920 के दशक की सोवियत कला में और अधिक व्यवस्थित रूप से प्रवेश करने में मदद की। मास्टर की कृतियाँ जैसे "सेल्फ-पोर्ट्रेट विथ हिज वाइफ" (1922), "पोर्ट्रेट ऑफ़ ओ.वी. कोंचलोवस्काया" (1925), "पोर्ट्रेट ऑफ़ नताशा की बेटी" (1925) व्यक्तिगत रंगों की तीव्रता के साथ रंगीन अखंडता द्वारा प्रतिष्ठित हैं। उन्हीं वर्षों में, पी.पी. कोंचलोवस्की विषयगत चित्रों को बनाने का प्रयास करता है, जिनमें से सर्वश्रेष्ठ नोवगोरोडियन (1921) और फ्रॉम द फेयर (1926) हैं। कलाकार "रूसी किसानों" की पारंपरिक छवियों में रुचि रखते हैं - पुराने रीति-रिवाजों के नियमों के अनुसार, शक्तिशाली, थिकसेट, परिचित वस्तुओं से घिरे रहने वाले, और अपने पर्यावरण के साथ मिलकर, आम तौर पर कुछ राष्ट्रीय बनाते हैं।

30 के दशक के कलाकार और कला संघ।

सोवियत कला के इतिहास में 1930 का दशक एक कठिन दौर है, जो वास्तविकता के अंतर्विरोधों को दर्शाता है। समाज में होने वाले महत्वपूर्ण बदलावों को देखते हुए, औद्योगीकरण के मार्ग, कला के स्वामी, एक ही समय में, बड़े सामाजिक अंतर्विरोधों पर ध्यान नहीं दिया, स्टालिन के व्यक्तित्व पंथ (1) को मजबूत करने से जुड़े सामाजिक संघर्षों को व्यक्त नहीं किया।

23 अप्रैल, 1932 को पार्टी की केंद्रीय समिति ने "साहित्यिक और कलात्मक संगठनों के पुनर्गठन पर" एक संकल्प अपनाया। इस डिक्री ने पहले से मौजूद सभी कलात्मक समूहों को समाप्त कर दिया और सोवियत कला की सभी रचनात्मक शक्तियों के स्थिरीकरण और विकास के सामान्य तरीकों और रूपों को इंगित किया। इस संकल्प ने अलग-अलग संघों के बीच टकराव को कमजोर कर दिया, जो 1920 और 1930 के दशक की शुरुआत में इतना बढ़ गया था। लेकिन दूसरी ओर, कलात्मक जीवन में एकीकरण की प्रवृत्ति तेज हो गई। 1920 के दशक में खुद को महसूस करने वाले अवांट-गार्डे प्रयोग बाधित हो गए। तथाकथित औपचारिकता के खिलाफ एक संघर्ष सामने आया, जिसके परिणामस्वरूप कई कलाकारों को अपनी पिछली विजय को छोड़ने के लिए मजबूर होना पड़ा।

एकल संघ का निर्माण समाजवादी यथार्थवाद के सिद्धांत की स्थापना के साथ हुआ, जिसे ए.एम. सोवियत लेखकों की पहली सर्व-संघ कांग्रेस में गोर्की। समाजवादी यथार्थवाद ने उन्नीसवीं शताब्दी की यथार्थवादी कला की परंपराओं की विरासत ग्रहण की। और इसके क्रांतिकारी विकास में वास्तविकता को चित्रित करने के लिए कलाकारों को लक्षित किया। हालाँकि, जैसा कि सोवियत कला के आगे के अभ्यास ने दिखाया, "समाजवादी यथार्थवाद" शब्द अपर्याप्त रूप से पर्याप्त और नई संस्कृति की जटिल और बहुस्तरीय प्रवृत्तियों के लिए पर्याप्त निकला। कलात्मक अभ्यास के लिए इसका औपचारिक अनुप्रयोग अक्सर इसे कला के विकास पर हठधर्मी ब्रेक की भूमिका देता है। 1980 के दशक में सामाजिक पुनर्गठन की शर्तों के तहत, "समाजवादी यथार्थवाद" शब्द विभिन्न स्तरों पर पेशेवर हलकों में चर्चा का विषय था।

20 के दशक में दिखाई देने वाले कई प्रगतिशील रुझान 30 के दशक में विकसित होते रहे। यह चिंता, उदाहरण के लिए, विभिन्न राष्ट्रीय विद्यालयों की उपयोगी बातचीत।

1930 के दशक में आयोजित बड़ी कला प्रदर्शनियों में सोवियत संघ के सभी गणराज्यों के कलाकार भाग लेते हैं। साथ ही, राष्ट्रीय कला के दशकों के संबंध में मास्को में रिपब्लिकन प्रदर्शनियों का आयोजन किया जाता है। राष्ट्रीय कला के मुद्दे विशेष रूप से भ्रातृ गणराज्यों के कलाकारों के लिए चिंता का विषय हैं।

1930 के दशक में, कलाकारों के लिए राज्य के आदेशों और रचनात्मक व्यापार यात्राओं के अभ्यास का विस्तार हुआ। प्रमुख प्रदर्शनियों का आयोजन किया जा रहा है: "लाल सेना के 15 वर्ष", "लाल सेना के 20 वर्ष", "कोम्सोमोल के 20 वर्ष", "समाजवाद का उद्योग", "सोवियत चित्रकला के सर्वश्रेष्ठ कार्यों की प्रदर्शनी", आदि। सोवियत कलाकार पेरिस और न्यूयॉर्क में अंतर्राष्ट्रीय प्रदर्शनियों में भाग लेते हैं, मॉस्को में ऑल-यूनियन कृषि प्रदर्शनी के लिए काम करते हैं, जिसकी तैयारी के संबंध में महत्वपूर्ण संख्या में स्मारकीय और सजावटी कार्य बनाए गए थे, जिसका अर्थ संक्षेप में था एक स्वतंत्र कला के रूप में स्मारकीय चित्रकला के पुनरुद्धार में महत्वपूर्ण चरण जिसके अपने लक्ष्य और पैटर्न थे। इन कार्यों में, स्मारकवाद के प्रति सोवियत कला के आकर्षण को अभिव्यक्ति मिली।

इस अवधि के चित्रफलक चित्रकला के सबसे महत्वपूर्ण प्रतिनिधियों में से एक कलाकार है बोरिस व्लादिमीरोविच इओगनसन(1893 - 1973), जिन्होंने XIX सदी की रूसी चित्रकला की उच्चतम परंपराओं को अपने काम में बदल दिया। वह सुरिकोव और रेपिन की विरासत की व्याख्या करता है, अपने कार्यों में नई क्रांतिकारी सामग्री का परिचय देता है, जो युग के अनुरूप है। इस दृष्टि से, इओगनसन की पेंटिंग "कम्युनिस्टों की पूछताछ" (1933) और "एट द ओल्ड यूराल प्लांट" (1937) विशेष रूप से महत्वपूर्ण हैं।

पेंटिंग "कम्युनिस्टों की पूछताछ" पहली बार "लाल सेना के 15 साल" प्रदर्शनी में प्रदर्शित की गई थी। इसमें, कलाकार ने कम्युनिस्टों को दिखाया जो क्रांतिकारी पितृभूमि और उनके विरोधियों - व्हाइट गार्ड्स की रक्षा के लिए खड़े हुए, जिन्होंने गृहयुद्ध के दौरान सोवियत राज्य का गला घोंटने की कोशिश की। कलाकार एक विशिष्ट सेटिंग में एक विशिष्ट क्रिया के प्रदर्शन के माध्यम से रेपिन की परंपरा में अपने ऐतिहासिक सामान्यीकरण का संचालन करता है। हम यहां दर्शाए गए लोगों के नाम नहीं जानते हैं, जितना अधिक ऐतिहासिक रूप से समग्र रूप से छवि को हमारे द्वारा सार्वभौमिक माना जाता है। इओगन्सन की पेंटिंग में कम्युनिस्ट मौत के लिए अभिशप्त हैं। लेकिन कलाकार अपनी शांति, साहस, शक्ति और सहनशक्ति दिखाता है, जो कि व्हाइट गार्ड्स के समूह में व्याप्त चिंता, घबराहट, मनोवैज्ञानिक असमानता के विपरीत है, जो न केवल इस स्थिति में शक्तिहीन है, बल्कि इतिहास के सामने भी है। .

पेंटिंग "एट द ओल्ड यूराल फैक्ट्री" में, "उद्योग के समाजवाद" प्रदर्शनी के लिए चित्रित, इओगनसन एक ब्रीडर और एक कार्यकर्ता की छवियों के विपरीत है, जिसमें वह शोषक पर नवजात वर्ग चेतना और आंतरिक श्रेष्ठता की भावना प्रकट करता है। इस पेंटिंग के साथ, कलाकार ने पुराने और नए, प्रतिक्रियावादी और प्रगतिशील के बीच ऐतिहासिक संघर्ष दिखाया और क्रांतिकारी और प्रगतिशील की विजयी शक्ति की पुष्टि की। इओगनसन की पेंटिंग के उदाहरण पर ये सोवियत ऐतिहासिक-क्रांतिकारी शैली की नई विशिष्ट विशेषताएं हैं।

इस अवधि में एक विशेष स्थान छवियों, विषयों और रचनात्मकता की शैलियों में बहुआयामी है सर्गेई वासिलीविच गेरासिमोव. उनके काम में ऐतिहासिक शैली का सबसे महत्वपूर्ण काम "द ओथ ऑफ द साइबेरियन पार्टिसंस" (1933) है, जो अपनी खुली अभिव्यक्ति में हड़ताली है, रंगीन अभिव्यक्ति, तेज ड्राइंग और गतिशील रचना का खुलासा करता है। घरेलू शैली में काम करते हुए, एस.वी. गेरासिमोव ने किसान विषय पर मुख्य ध्यान दिया। इसे हल करने के लिए, कलाकार चित्र के माध्यम से चला गया, जिससे कई ठोस किसान चित्र बन गए। सामूहिक कृषि गांव के निर्माण के दौरान, उन्होंने "द कलेक्टिव फार्म वॉचमैन" (1933) के सबसे आकर्षक चित्रों में से एक को चित्रित किया। 1930 के दशक की शैली चित्रकला के सबसे महत्वपूर्ण कार्यों में पेंटिंग कलेक्टिव फार्म हॉलिडे (1937) थी, जिसे समाजवाद के प्रदर्शनी उद्योग में प्रदर्शित किया गया था। सबसे बड़े सोवियत कला समीक्षक शिक्षाविद आई. ई. की इस तस्वीर को सटीक और संक्षिप्त रूप से चित्रित करता है। ग्रैबर: "जब अद्भुत कैनवास "कलेक्टिव फार्म हॉलिडे" दिखाई दिया, तो "समाजवाद उद्योग" प्रदर्शनी के सर्वश्रेष्ठ चित्रों में से एक, मास्टर की एक नई, असाधारण वृद्धि स्पष्ट हो गई। सर्गेई गेरासिमोव को छोड़कर शायद ही कोई सोवियत कलाकार , इस तरह के एक रचनात्मक, हल्के और रंगीन कार्य के साथ सामना कर सकता था, और यहां तक ​​​​कि इस तरह के सरल साधनों और तकनीकों की मदद से भी। क्रांति के दौरान रूसी चित्रकला में यह सबसे सुन्दर तस्वीर थी, इस तथ्य के बावजूद कि इसे संयमित योजना में निष्पादित किया गया था " (1, पृष्ठ 189)।

सोवियत किसानों का "गायक" था अर्कडी अलेक्जेंड्रोविच प्लास्टोव(1893 - 1983), अपने मूल से रूसी गाँव से जुड़ा हुआ है। वह अपने पूरे जीवन में प्रकृति के साथ, भूमि के साथ, इस भूमि पर रहने वाले किसानों के साथ निकट संपर्क में बिताए बचपन के छापों से बहुत प्रभावित थे।

महान अक्टूबर समाजवादी क्रांति के बाद, प्लास्तोव, अपने पैतृक गांव प्रिस्लोनिखे में काम से दूर हो गए, अपने खाली समय को पेंटिंग, संचित रेखाचित्रों और किसान जीवन के लिए समर्पित अपने भविष्य के कार्यों के लिए छापने के लिए समर्पित किया। प्लास्टोव के पहले महत्वपूर्ण कार्यों में से एक - हवा और प्रकाश से भरा, पेंटिंग "बाथिंग द हॉर्स" - उनके द्वारा "रेड आर्मी के 20 साल" प्रदर्शनी के लिए बनाई गई थी। प्रदर्शनी "समाजवाद के उद्योग" के लिए प्लास्टोव ने एक बड़े कैनवास "सामूहिक कृषि अवकाश" चित्रित किया। उस समय के प्लास्टोव का एक और उज्ज्वल काम "कलेक्टिव फार्म हर्ड" (1938) है। इन सभी चित्रों में कुछ सामान्य विशेषताएं दिखाई देती हैं। प्लास्टोव रूसी प्रकृति के बाहर, परिदृश्य के बाहर शैली के दृश्य के बारे में नहीं सोचते हैं, हमेशा एक गेय तरीके से व्याख्या की जाती है, इसकी सुंदरता को सबसे सरल अभिव्यक्तियों में प्रकट करते हैं। प्लास्टोव की शैली के कार्यों की एक अन्य विशेषता कलाकार द्वारा चुने गए कथानक में किसी भी संघर्ष या विशेष क्षण की अनुपस्थिति है। कभी-कभी उनके चित्रों में, उदाहरण के लिए, "कलेक्टिव फार्म हर्ड" में, कोई घटना नहीं होती है, कुछ भी नहीं होता है। लेकिन एक ही समय में, कलाकार हमेशा चित्र की काव्यात्मक अभिव्यक्ति को प्राप्त करता है।

30 के दशक में प्रतिभा अपने तरीके से विकसित हुई ए.ए.दीनेका. उन्होंने अपने पूर्व विषयों, भूखंडों, पसंदीदा छवियों, रंग और संरचना प्रणाली का पालन करना जारी रखा। सच है, उनकी पेंटिंग शैली कुछ हद तक नरम हो जाती है, जिसके उदाहरण 30 के दशक की सर्वश्रेष्ठ रचनाएँ हैं - "मदर" (1932), "लंच ब्रेक इन द डोनबास" (1935), "फ्यूचर पायलट" (1938)। खेल, उड्डयन, एक नग्न प्रशिक्षित शरीर, सचित्र भाषा की सहजता और सरलता, भूरे-नारंगी और नीले रंग के सोनोरस संयोजन कुछ मामलों में गीतवाद, चिंतन के क्षण से नरम हो जाते हैं। डेइनका ने अपने काम के विषयगत ढांचे का भी विस्तार किया, जिसमें विदेशों के जीवन के दृश्य भी शामिल थे, जो संयुक्त राज्य अमेरिका, फ्रांस, जर्मनी और इटली की यात्राओं के परिणामस्वरूप दिखाई दिए।

OST के एक अन्य पूर्व सदस्य - यू.आई.पिमेनोव(1903--1977) ने 30 के दशक के सर्वश्रेष्ठ चित्रों में से एक "न्यू मॉस्को" (1937) बनाया। मॉस्को (सेवरडलोव स्क्वायर) के केंद्र का परिदृश्य एक युवा महिला द्वारा चलाए जा रहे एक तेज रफ्तार कार से देखा जा सकता है, जिसकी पीठ दर्शकों के पास है। नई खड़ी इमारतें, कार का तेज़ दौड़ना, हल्के रंग, हवा की प्रचुरता, अंतरिक्ष की चौड़ाई और रचना का ढांचा - सब कुछ एक आशावादी विश्वदृष्टि से ओत-प्रोत है।

1930 के दशक में, जी.जी. की परिदृश्य कला। निस्की (1903 - 1987), ओस्तोव्त्सी के अनुयायी, जिन्होंने उनसे संक्षिप्तता, रचना और लयबद्ध समाधानों की तीक्ष्णता को अपनाया। ये उनकी पेंटिंग "ऑटम" (1932) और "ऑन द वे" (1933) हैं। निसा के परिदृश्य में मनुष्य की परिवर्तनकारी गतिविधि हमेशा दिखाई देती है।

पुरानी पीढ़ी के परिदृश्य चित्रकारों में से, एन.पी. क्रिमोव (1884 - 1958), जिन्होंने 1937 में प्रसिद्ध पेंटिंग "मॉर्निंग इन द गोर्की सेंट्रल पार्क ऑफ कल्चर एंड लीजर इन मॉस्को" बनाई। पार्क का एक विस्तृत मनोरम दृश्य, इसके पीछे खुलने वाली दूरियाँ, एक सपाट क्षितिज रेखा जो दर्शकों की नज़र को कैनवास से परे ले जाती है - सब कुछ ताजगी और विशालता की सांस लेता है।

ए। रायलोव, जिसका काम 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में "लेनिन इन रज़्लिव" (1934) की पेंटिंग में बना था, ऐतिहासिक शैली के साथ परिदृश्य को जोड़ती है, प्रकृति के विस्तार, विचार, भावना, ऐतिहासिक पुष्टि की भावना को प्राप्त करती है। आशावाद।

मनोरम परिदृश्य के प्रति आकर्षण विभिन्न गणराज्यों के कई चित्रकारों के कार्यों में प्रकट हुआ। यह गुरुत्वाकर्षण मातृभूमि, जन्मभूमि की उस गहरी भावना से जुड़ा था, जो 1930 के दशक में मजबूत और विकसित हुआ। डी.एन. काकाबद्ज़े (1889 - 1952) ने अपने "इमेरेटियन लैंडस्केप" (1934) में कोकेशियान पहाड़ों का एक विस्तृत फैलाव दिया है, जो दूरी में फैला हुआ है - रिज के बाद रिज, ढलान के बाद ढलान। एम.एस. सरियन 1930 के दशक को आर्मेनिया के मनोरम दृश्यों में राष्ट्रीय परिदृश्य में रुचि के रूप में भी चिह्नित किया गया था।

इस अवधि के दौरान, चित्र शैली का भी फलदायी विकास हुआ, जिसमें पुरानी पीढ़ी के कलाकारों पी.पी. कोंचलोवस्की, आई.ई. ग्रैबर, एम.वी. नेस्टरोव और कुछ अन्य।

पी.पी. पेंटिंग की सबसे विविध विधाओं में अपने कामों के लिए जाने जाने वाले कोंचलोव्स्की ने 30 और 40 के दशक में सोवियत विज्ञान और कला के आंकड़ों की एक पूरी श्रृंखला बनाई। वी.वी. के सर्वश्रेष्ठ चित्रों में। पियानो पर सोफ्रोनिट्स्की (1932), एस.एस. प्रोकोफिव (1934), वी.ई. मेयरहोल्ड (1937)। इन कार्यों में, कोंचलोवस्की प्लास्टिक-रंग प्रणाली के माध्यम से जीवन को व्यक्त करने की अपनी उत्कृष्ट क्षमता लाता है। वह पुरानी कला की सर्वश्रेष्ठ परंपराओं को रंग दृष्टि की नवीन तीक्ष्णता, जीवन-पुष्टि, छवि की प्रमुख भावनात्मक रूप से शक्तिशाली ध्वनि के साथ जोड़ती है।

उस काल के चित्रांकन के विकास का सच्चा शिखर एम. वी. की रचनाएँ थीं। नेस्टरोव। अपने पूरे काम के दौरान, जिसने 19वीं और 20वीं सदी को एकजुट किया, नेस्टरोव ने जीवन के साथ एक जीवंत संबंध बनाए रखा। 1930 के दशक में, उन्होंने एक शानदार चित्रकार के रूप में अपनी प्रतिभा को फिर से खोजते हुए एक शानदार वृद्धि का अनुभव किया। नेस्टरोव के चित्रों में आलंकारिक अर्थ इस समय का प्रतिनिधित्व करने वाले सबसे विविध लोगों के रचनात्मक मार्ग की पहचान के माध्यम से उस समय की रचनात्मक भावना की पुष्टि है। नेस्टरोव के नायकों का चक्र पुरानी पीढ़ी के सोवियत बुद्धिजीवियों, रचनात्मक व्यवसायों के लोगों के प्रतिनिधि हैं। तो, नेस्टरोव के सबसे महत्वपूर्ण कार्यों में कलाकारों के चित्र हैं - कोरिन बंधु (1930), मूर्तिकार आई.डी. शादरा (1934), शिक्षाविद आई.पी. पावलोव (1935), सर्जन एस.एस. युडिन (1935), मूर्तिकार वी.आई. मुखिना (1940)। Nesterov V.A की चित्र परंपराओं के उत्तराधिकारी के रूप में कार्य करता है। सेरोव। वह विशेषताओं पर जोर देता है, इशारों पर जोर देता है, उसके पात्रों की विशिष्ट मुद्राएँ। शिक्षाविद् पावलोव ने मेज पर रखी अपनी मुट्ठी को मजबूती से जकड़ लिया, और इस मुद्रा से मन की ताकत का पता चलता है, जो स्पष्ट वृद्धावस्था के विपरीत है। प्रोफाइल में सर्जन युडिन को भी टेबल पर बैठे हुए दिखाया गया है। लेकिन इस छवि की अभिव्यंजना ऊपर उठे हुए हाथ के "उड़ान" इशारे की विशेषता पर आधारित है। युडिन की फैली हुई उंगलियाँ विशिष्ट सर्जन की उंगलियाँ हैं, निपुण और मजबूत, उनकी इच्छा को पूरा करने के लिए तैयार। मुखिना को सृजन के क्षण में दर्शाया गया है। वह एक मूर्तिकला बनाती है - एकाग्रता के साथ, कलाकार पर ध्यान नहीं दे रही है, पूरी तरह से उसके आवेग का पालन कर रही है।

इन पोट्रेट्स में एसेसरीज को संक्षेप में दिया गया है। वे अपने रंग, रोशनी, सिल्हूट के साथ चित्रित लोगों की विशेषताओं में सही और सक्रिय रूप से शामिल हैं। चित्रों का रंग नाटकीय रूप से सक्रिय है, सोनोरस के साथ संतृप्त, सूक्ष्म रूप से सामंजस्यपूर्ण अतिरिक्त स्वर। इस प्रकार, पावलोव के चित्र में जटिल रंग, ठंडे और गर्म रंगों के बेहतरीन रंगों के संयोजन पर निर्मित, वैज्ञानिक की आंतरिक दुनिया की आध्यात्मिक स्पष्टता और अखंडता की विशेषता है। और कोरिन भाइयों के चित्र में, यह गहरा नीला, काला, समृद्ध भूरा हो जाता है, जो उनकी रचनात्मक स्थिति की नाटकीय प्रकृति को व्यक्त करता है। नेस्टरोव के चित्रों ने कला में एक मौलिक रूप से नई, जीवन-पुष्टि की शुरुआत, रचनात्मक जलन को उच्च श्रम उत्साह के युग में लोगों की स्थिति के सबसे विशिष्ट और विशद अभिव्यक्तियों के रूप में पेश किया।

नेस्टरोव के सबसे करीबी कलाकार पावेल दिमित्रिच कोरिन(1892 - 1967)। उन्हें पेलख चित्रकारों के बीच लाया गया, उन्होंने अपने करियर की शुरुआत आइकनों की पेंटिंग से की और 1911 में नेस्टरोव की सलाह पर उन्होंने मॉस्को स्कूल ऑफ पेंटिंग, स्कल्पचर एंड आर्किटेक्चर में प्रवेश लिया। कोरिन ने अपने और लोगों के प्रति अत्यधिक माँग करते हुए अपने सभी कार्यों में इस गुण को धारण किया। A.M ने रचनात्मक विकास और वास्तव में कलाकार के जीवन में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। गोर्की, जिनसे वह 1931 में मिले थे। गोर्की ने कोरिन को विश्व कला के सर्वश्रेष्ठ स्मारकों का अध्ययन करने के लिए विदेश यात्रा करने में मदद की।

शायद इसीलिए हमारे समय के वैज्ञानिकों, कलाकारों, लेखकों की पोर्ट्रेट गैलरी, जिसे कोरिन कई वर्षों से बना रहे हैं, ए.एम. की छवि के साथ शुरू हुई। गोर्की (1932)। संक्षेप में, पहले से ही इस काम में, चित्र चित्रकार कोरिन की मुख्य विशेषताएं सामने आई हैं। गोर्की का चित्र वास्तव में एक स्मारकीय कार्य है, जहाँ एक स्पष्ट रूप से परिभाषित सिल्हूट, एक विपरीत पृष्ठभूमि, कैनवास के बड़े क्षेत्रों का एक विस्तृत रंग भराव, एक तेज अभिव्यंजक चित्र लेखक के व्यक्तित्व के ऐतिहासिक सामान्यीकरण को व्यक्त करता है। इसके लिए, कोरिन के अन्य चित्रों के लिए, गहरे भूरे, गहरे नीले, कभी-कभी काले, टन तक पहुंचने के साथ एक गंभीर रेंज की विशेषता है। यह सरगम, साथ ही चित्रित किए जा रहे व्यक्ति के सिर और आकृति का स्पष्ट रूप से गढ़ा हुआ रूप, कलाकार की प्रकृति (6) के भावनात्मक गुणों को व्यक्त करता है।

30 के दशक में, कोरिन ने अभिनेता एल.एम. के चित्र बनाए। लियोनिदोव और वी.आई. कचलोव, कलाकार एम.वी. नेस्टरोव, लेखक ए.एन. टॉल्स्टॉय, वैज्ञानिक एन.एफ. गमलेया। यह स्पष्ट है कि उनके लिए और साथ ही उनके आध्यात्मिक गुरु एम.वी. नेस्टरोव, एक रचनात्मक व्यक्तित्व में रुचि आकस्मिक से बहुत दूर है।

1930 के दशक में चित्रकला की सफलताओं का अर्थ यह नहीं है कि इसके विकास का मार्ग सरल और अंतर्विरोधों से रहित था। उन वर्षों के कई कार्यों में, I.V के पंथ द्वारा उत्पन्न विशेषताएं। स्टालिन। यह जीवन के लिए एक छद्म-वीर, छद्म-रोमांटिक, छद्म-आशावादी दृष्टिकोण का एक झूठा मार्ग है, जो "औपचारिक" कला का सार और अर्थ निर्धारित करता है। I.V की छवि से जुड़े अचूक "सुपरप्लॉट्स" के संघर्ष में कलाकारों के बीच एक प्रतियोगिता हुई। स्टालिन, औद्योगीकरण की सफलताएँ, किसान और सामूहिकता की सफलताएँ। कई कलाकार सामने आए हैं जो इस विषय में "विशेषज्ञ" हैं। इस संबंध में सबसे अधिक संवेदनशील अलेक्जेंडर गेरासिमोव ("क्रेमलिन में स्टालिन और केई वोरोशिलोव" और उनके अन्य कार्य) थे।

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मूर्तिकला "वर्कर एंड कलेक्टिव फार्म गर्ल" और वेरा मुखिना द्वारा अन्य मूर्तिकला कार्य। मूर्तिकार इवान शाद्रिन द्वारा काम करता है। सोवियत कलाकारों Mitrofan Grekov, Arkady Plastov द्वारा पेंटिंग्स। कंस्ट्रक्टिविस्ट आर्किटेक्ट विक्टर और लियोनिद वेसनिन।

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चित्रकार, ग्राफिक कलाकार और मूर्तिकार जिन्होंने 1900-1930 में काम किया रूस में और विभिन्न कला समूहों और संघों में शामिल। यात्रा कला प्रदर्शनियों का संघ। प्रदर्शनी संघ "रूसी कलाकारों का संघ" का उद्भव।

प्रस्तुति, 10/25/2015 जोड़ा गया


कला के काम के विश्लेषण के मुख्य तरीकों का विवरण। 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में रूसी कला में प्रतीकवाद और आधुनिकता के स्थान का विश्लेषण। के.एस. के कार्यों के उदाहरण पर। पेट्रोव-वोडकिन। एमआई के कार्यों में रूसी संगीत में यथार्थवाद के गठन की विशेषताएं। ग्लिंका।

मैनुअल, जोड़ा गया 11/11/2010


XIX सदी के वास्तुकारों की जीवनी, जीवन और रचनात्मक पथ की खोज: बेकेटोवा ओ.एम., बर्नार्डाज़ी ओ.वाई., गोरोडेत्स्की वी.वी. में है कि। उस काल के प्रसिद्ध उत्कीर्णक और कलाकार: ज़ेमचुज़्निकोव एल.एम., शेवचेंको टी.जी., बशकीर्तसेवा एम.के., बोगोमाज़ोव ओ.के.