एक ऐसा कलाकार जिसके पास पेंटिंग नहीं बल्कि डब है। कृति या लीपापोती? करोड़ों डॉलर की पेंटिंग हैं नकली! जनसंपर्क की दक्षता: "शानदार" चूक

मेरा अब भी मानना ​​है कि कृति की अवधारणा सभी के लिए सामान्य नहीं हो सकती। कोई आश्चर्य नहीं कि एक कहावत है "स्वाद और रंग, कोई कामरेड नहीं है।" लोगों का एक महत्वपूर्ण हिस्सा पोस्ट की शुरुआत में तस्वीर को देखेगा और कहेगा - लीपापोती, लोगों का दूसरा हिस्सा दा विंची के "ला जिओकोंडा" को देखेगा और कहेगा - एक साधारण चाची, इसमें गलत क्या है। यह आम तौर पर सामान्य है, लेकिन यदि ऐसा है, तो वे किस प्रकार की उत्कृष्ट कृतियाँ हैं। एक उत्कृष्ट कृति कुछ ऐसी सार्वभौमिक रूप से मान्यता प्राप्त हो सकती है कि कोई भी इसे कम करने या यह कहने की हिम्मत नहीं करेगा कि यह अच्छा नहीं है! अच्छा, चलिए बताते हैं। या शायद ऐसा कुछ और आम तौर पर मान्यता प्राप्त नहीं है या किसी दिन दिखाई देगा, लेकिन अब हम अक्सर लोगों के एक निश्चित समूह के लिए स्थानीय कृतियों से संतुष्ट हैं।

उदाहरण के लिए, मैं, जो उत्कृष्ट कृतियों पर विचार करता है, हमेशा इस बात में रुचि रखता है कि इस तरह की उत्कृष्ट कृतियों का जन्म पोस्ट में पहली तस्वीर के रूप में कैसे हुआ।

लेकिन यह है...

... वैसिली कैंडिंस्की की "रचना VII। 1913" का अपोजी। 20 वीं शताब्दी की शुरुआत की कल्पना करें - जीवन और कला के सभी क्षेत्रों में परिवर्तन का युग। पेंटिंग भी अलग नहीं रही। कलाकार दृश्य कलाओं में अभिव्यक्ति के नए रूपों की तलाश कर रहे थे। अमूर्ततावाद घनवाद और भविष्यवाद की तार्किक निरंतरता बन गया। कैंडिंस्की और इस प्रवृत्ति के सबसे प्रमुख प्रतिनिधियों में से एक बन गया

वासिली कैंडिंस्की काम पर, 1936

व्यक्तिगत रूप से, मुझे ऐसा लगता है कि कैनवास में केवल धब्बे और धब्बा दर्शाए गए हैं। हालाँकि, मैं यह जानने के लिए उत्सुक था कि चित्र बनाना शुरू करने से पहले, कलाकार ने बहुत सारी तैयारी की थी। उन्होंने पेंसिल, तेल और जल रंग में तीस से अधिक रेखाचित्र बनाए। 25 नवंबर से 28 नवंबर, 1913 तक चार दिनों में खुद कैनवास को कैंडिंस्की ने चित्रित किया था।

चित्रफलक पर वासिली कैंडिंस्की, 1936

विशेषज्ञ कलाकार के बारे में कहते हैं कि वह एक संवेदनाहारी था जिसने दुनिया को अपने तरीके से देखा। वह ध्वनियाँ देख सकता था, रंग सुन सकता था। "रचना VII" - ये अलग-अलग तीव्रता के रंग के टुकड़े हैं, जो तीव्र-कोण और चिकने संयोजनों के साथ जुड़े हुए हैं। कलाकार के अभिलेखागार का अध्ययन करते हुए, कला इतिहासकार इस निष्कर्ष पर पहुंचे कि वासिली वासिलीविच ने अपनी तस्वीर में कई विषयों को दर्शाया है: मृतकों में से पुनरुत्थान, जजमेंट डे, फ्लड एंड गार्डन ऑफ ईडन। मैं यह भी नहीं जानता कि इसके बारे में कैसा महसूस करना है। या तो इसे किसी प्रकार का तथ्य माना जा सकता है, या यह सब आविष्कार किया गया है और उन लोगों के लिए "पतली हवा से चूसा गया" है जो अभी भी इसके बारे में कुछ भी नहीं समझते हैं।

खैर, ऐसा कुछ:

या ऐसा

लेखक ने स्वयं रचना का वर्णन इस प्रकार किया है: “गुलाबी और सफेद झाग ताकि वे कैनवास के तल या किसी अन्य, आदर्श तल के बाहर पड़े हों। बल्कि ये हवा में तैरते हैं और ऐसे दिखते हैं जैसे भाप में लिपटे हों। विमान की इसी तरह की कमी और दूरियों की अनिश्चितता देखी जा सकती है, उदाहरण के लिए, रूसी भाप स्नान में। भाप के बीच खड़ा आदमी न पास होता है न दूर, कहीं होता है। मुख्य केंद्र की स्थिति - "कहीं" - पूरी तस्वीर की आंतरिक ध्वनि निर्धारित करती है। मैंने इस हिस्से पर तब तक कड़ी मेहनत की जब तक कि मैं उस तक नहीं पहुंच गया जो पहले मेरी अस्पष्ट इच्छा थी, और फिर आंतरिक रूप से स्पष्ट और स्पष्ट हो गया।

क्या आप लंबे समय से पेंटिंग में अपना हाथ आजमाना चाहते थे, लेकिन ब्रश और पैलेट लेने और चित्रफलक पर खड़े होने का फैसला नहीं कर सके? क्या आपके आस-पास हर कोई सोचता है कि आपके रचनात्मक प्रयास दयनीय लीला हैं? तो तुम हारे हुए हो! तो, कनाडाई कलाकार किम डोरलैंड (किम डोरलैंड) द्वारा चित्रों का चयन एक अच्छी सांत्वना के रूप में आपकी सेवा करेगा। या शायद प्रेरणा भी।

विशेषज्ञ डोरलैंड के काम को "भोली कला" कहते हैं, द्वेषपूर्ण आलोचक - लापरवाह डब, और मूल प्रतिभा के प्रशंसकों का मानना ​​\u200b\u200bहै कि किम द्वारा बनाई गई पेंटिंग मनोवैज्ञानिक और शैलीगत रूप से अप्रत्याशित हैं। और यह सच है - कोई भी वादा किए गए परिदृश्यों और चित्रों के बजाय पेंट के साथ प्लास्टर किए गए कैनवास को देखने की उम्मीद नहीं करता है, इसके अलावा, लेखक ने साफ-सुथरे स्ट्रोक और रेखाएं नहीं छोड़ी हैं, लेकिन किसी न किसी खांचे को छोड़ दिया है। जैसे कि एक ट्रैक्टर एक उर्वरित और गीले क्षेत्र के माध्यम से चला गया ...

जिस सिद्धांत से किम डोरलैंड ने अपने मूल चित्रों को चित्रित किया है, उसे एक संक्षिप्त वाक्यांश में वर्णित किया जा सकता है: "मुख्य बात पेंट को छोड़ना नहीं है।" आखिरकार, यदि आप बारीकी से देखते हैं, तो चित्रों को सचमुच तेल की एक मोटी परत पर खरोंच कर दिया जाता है, जिसके साथ लेखक उदारता से अपने कैनवस का अभिषेक करता है। यह पता चला है कि चित्र खींचे नहीं गए हैं, लेकिन ढाले गए हैं - जैसे कि वे मूर्तियां हों।

और कलाकार सटीकता और यथार्थवाद के लिए प्रयास नहीं करता है। वह एक विशेष शैली में, एक प्रकार की बचकानी अमूर्तता बनाता है, अनुपात बनाए रखने की परवाह नहीं करता है, या छवियों को मात्रा देता है, या कैनवस के सौंदर्यशास्त्र। ऐसा लगता है कि लेखक का मुख्य कार्य यथासंभव लापरवाही से है, अपने बाएं हाथ से अपने दाहिने घुटने के नीचे से, कैनवास पर पेंट फेंकने के लिए, एक धब्बा लगाने के लिए - यह पेंटिंग है!
हालाँकि, यह बहुत अच्छी तरह से हो सकता है, यह केवल हमें, शहरवासियों को लगता है कि इस तरह से आकर्षित करना आसान और सरल है। आखिरकार, एक तरह से या किसी अन्य, और किम डोरलैंड अक्सर प्रदर्शनियों में भाग लेते हैं, उनके चित्रों को टोरंटो की दीर्घाओं में प्रस्तुत किया जाता है, जहां वे रहते हैं और काम करते हैं, और कनाडा और विदेशों में अपने कार्यों को काफी सफलतापूर्वक बेचते हैं।

जनसंपर्क की दक्षता: "शानदार" चूक

अगर मैं एक ब्रश उठाता हूं और कैनवास पर किसी तरह का परिदृश्य या चित्र बनाता हूं, तो कोई भी व्यक्ति, मेरे काम को देखकर सुरक्षित रूप से कह सकता है: क्या डब है! और यह सही होगा, क्योंकि मैं चित्र नहीं बना सकता। हालांकि, अगर मेरी प्रतिष्ठा एक महान कलाकार के रूप में होती तो मेरा डब लाखों डॉलर में बिक सकता था। सैद्धांतिक रूप से, यह कल्पना करना मुश्किल है कि मेरे अप्रकाशित, लेकिन कम भयानक चित्रों को कला के महान कार्यों के रूप में प्रचारित नहीं किया जा सकता है और "पागल पैसे" के लिए बेचा जा सकता है। लेकिन वास्तविक जीवन में, यह एक से अधिक बार हुआ - 19 वीं शताब्दी का दूसरा भाग और पूरी 20 वीं शताब्दी कला में डब की निरंतर विजय है।

जिस समय से आधुनिक पेंटिंग का जन्म हुआ, उसके पिता को इटालियन गियोटो डी बॉन्डोन (1267-1337) माना जाता है, और अगली कुछ शताब्दियों में, ड्राइंग (कैनवास, दीवार या ब्लैकबोर्ड) के लिए उपयुक्त किसी भी सतह पर वास्तविकता प्रदर्शित करने में कलाकार का कौशल ). तब फोटोग्राफी मौजूद नहीं थी, लेकिन कई लोग अपना खुद का चित्र या अपने रिश्तेदारों की छवि चाहते थे। आसपास के जंगलों और खेतों के नज़ारों को भी महत्व दिया गया। हम अभी भी अपने अपार्टमेंट में विभिन्न चित्रों के पुनरुत्पादन को लटकाना पसंद करते हैं, और जिसे भौतिक स्थिति अनुमति देती है, फिर मूल स्वयं। मध्य युग में, अमीर लोग भी चित्रों के साथ घरों और महल की दीवारों को सजाने के लिए पसंद करते थे, और कुछ अमीरों ने विशाल संग्रह एकत्र किए। किसी ने इसे पेंटिंग के प्यार के कारण किया, दूसरों ने - अपनी स्थिति में सुधार करने के लिए।

अमीरों के अलावा, चर्च को कला के कामों की भी ज़रूरत थी। चर्च को वास्तविक जीवन को चित्रित करने वाले चित्रों की आवश्यकता नहीं थी - उन्हें बाइबिल के दृश्यों की आवश्यकता थी जो वास्तविक लोगों की तरह दिखें - जैसे वास्तविक घटनाओं की तस्वीरें (हालांकि उन्हें तस्वीरों के बारे में कोई जानकारी नहीं थी)। लोगों को मसीह, मरियम, प्रेरितों और अन्य धार्मिक शख्सियतों पर विश्वास करना पड़ता था और इसके लिए बाइबिल के पात्रों को जीवित लोगों की तरह दिखना पड़ता था।

ग्राहकों के अनुरोध क्या थे - ऐसी तस्वीरें थीं। एक अयोग्य हाथ से कैनवास पर स्केच किए गए पागल विचार किसी के लिए किसी काम के नहीं थे। कोई भी खुद का ऐसा चित्र नहीं खरीदेगा जो मूल जैसा न दिखे, और इससे भी अधिक, जो सिद्धांत रूप में, किसी व्यक्ति की छवि से मिलता जुलता न हो। उन दिनों चित्र बनाने के लिए एक चित्रकार की कला में निपुण कलाकार की आवश्यकता होती थी। एक पेशेवर नहीं होने के कारण, आप पेंटिंग बेचकर अपना जीवन यापन नहीं कर सकते थे। जिन लोगों ने चित्रों को एकत्र किया, उन्हें पहले से ही वास्तविकता के कलाकारों की जरूरत नहीं थी - वे विशेष चीजें प्राप्त करना चाहते थे जिन्हें कोई दोहरा नहीं सकता था। अर्थात्, कलाकार को यथार्थवादी छवि में अपना कुछ जोड़ना था - एक निश्चित अनूठी शैली, ताकि उसकी तस्वीर उच्च गुणवत्ता वाले हस्तकला उत्पादों के थोक के बीच में खड़ी हो। यह लियोनार्डो दा विंची जैसी अनूठी तकनीक हो सकती है, वैन आइक की तरह प्रकाश और छाया का एक अभिनव उपयोग, बॉश जैसी शानदार छवियां ...

यूरोप में 15-17 शताब्दी विश्व चित्रकला का उत्कर्ष है। इस समय तक, यूरोप के आर्थिक रूप से विकसित राज्यों (वेनिस, फ्लोरेंस, नीदरलैंड, फ़्लैंडर्स, जर्मनी) में पेंटिंग के लिए पर्याप्त संख्या में ग्राहक दिखाई दिए - इसके लिए, हमें उत्कृष्ट कलाकारों की एक पूरी आकाशगंगा मिली, जिनकी रचनाएँ अभी भी सुशोभित हैं दुनिया में सबसे प्रसिद्ध संग्रहालय। लियोनार्डो दा विंची, राफेल और माइकल एंजेलो बुओनारोटी जैसे पुनर्जागरण के ऐसे सार्वभौमिक रूप से मान्यता प्राप्त महान चित्रकारों के साथ, उस समय कई दर्जन से अधिक समान रूप से उत्कृष्ट कलाकारों ने काम किया: डच रॉबर्ट कैंपिन, जान वैन आइक, हिरोनिमस बॉश, पीटर ब्रूघेल सीनियर, पीटर पॉल रुबेन्स, एंटोनिस वैन डाइक, जान वर्मियर, इटालियंस जियोर्जियोन, टिटियन, कोर्रेगियो, कारवागियो, जर्मन अल्ब्रेक्ट ड्यूरर, हैंस होल्बिन जूनियर, स्पैनियार्ड डिएगो वेलाज़क्वेज़ ... उन सभी के पास वास्तविकता को चित्रित करने का एक मूल तरीका था, लेकिन मूल रूप से एक ही समय में वे इस तथ्य से एकजुट थे कि उन सभी ने असाधारण रूप से यथार्थवादी चित्र लिखे। यथार्थवादी कथानक के अनुसार नहीं - वही बाइबिल के चित्र कभी भी ऐसे नहीं रहे हैं। यथार्थवादी - वास्तविक जीवन के साथ चित्रित समानता से। किसी ने किसी भी क्यूब्स या वर्गों को चित्रित नहीं किया - माना जाता है कि वह दुनिया को इस तरह देखता है, क्योंकि इसी तरह की शैली में "उत्कृष्ट कृतियों" को उनके खरीदार नहीं मिलेंगे। उन दिनों चित्रों के ग्राहक साधारण लोग थे - जैसे हमारी निकिता ख्रुश्चेव। एक कहानी है कि उन्होंने एक बार अमूर्तवादी प्रदर्शनी में चित्रों में से एक के बारे में पूछा: "यह किस प्रकार का गधा है?"। मैं ध्यान देता हूं कि राफेल या कोर्रेगियो के चित्रों के संबंध में, ख्रुश्चेव सहित किसी ने कभी भी ऐसा कुछ नहीं कहा है - जिसकी दृष्टि है वह समझता है कि उन पर क्या चित्रित किया गया है: सुंदर महिलाओं के रूप में मैडोना, और कुछ भयानक और समझ से बाहर नहीं पिकासो की पेंटिंग्स जैसे जीव। प्रत्येक उत्कृष्ट कलाकार किसी न किसी तरह से एक प्रर्वतक था, लेकिन पेंटिंग में सभी नवीन तकनीकें तभी समझ में आती हैं जब कलाकार अपने सभी रूपों में पर्याप्त रूप से जीवन का चित्रण कर सके। छवि में नवीनता का उपयोग यथार्थवाद के लिए किया गया था, न कि अपने आप में। हम कह सकते हैं कि चित्रकारों ने बिल्डरों की तरह काम करने की कोशिश की - हर घर में एक नींव, दीवारें और छत होनी चाहिए, और इस ढांचे के भीतर ही सभी प्रयोगों की अनुमति थी।

पेशेवरों के रूप में, पुनर्जागरण कलाकार चित्रकला के शिखर पर पहुँचे। और हम सुरक्षित रूप से कह सकते हैं कि राफेल या वैन आइक को पार करना असंभव है - उन्हें केवल दोहराया जा सकता है। या अपना खुद का कुछ बनाएं, जो वर्षों से अधिक कठिन हो गया है। पहले से ही 17वीं शताब्दी में, 16वीं शताब्दी की तुलना में कम उत्कृष्ट कलाकार थे, और 18वीं शताब्दी में उन्हें उंगलियों पर गिना जा सकता है। पुनर्जागरण के उस्तादों की पृष्ठभूमि के खिलाफ, बाहर खड़े होना बेहद मुश्किल है - यह कौशल का उच्चतम स्तर है, जो सिद्धांत रूप में, कुछ ही हासिल कर सकते हैं।

और ऐसी पृष्ठभूमि के खिलाफ, जब बहुत सारे कारीगर हैं, और कुछ उत्कृष्ट स्वामी हैं, कला की दुनिया में एक वास्तविक क्रांति हो रही है - "महान कलाकार" कृत्रिम रूप से बनने लगे। मध्य युग में ऐसा करना मुश्किल था।- मीडिया के बिना, पीआर प्रौद्योगिकियां अप्रभावी हैं, क्योंकि सूचनाओं को विकृत करने वाली अफवाहों के माध्यम से प्रेषित किया जाना है। खासकर जब लंबी दूरी पर सूचना के प्रसार की बात आती है। केवल मीडिया ही जीवन में आदर्श और आवश्यक के रूप में किसी भी वस्तु (उत्पाद, ब्रांड) की छवि को जन चेतना में जल्दी और प्रभावी रूप से बना और पेश कर सकता है। यह कोई संयोग नहीं है कि जब 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, प्रेस ने पश्चिमी यूरोप के राज्यों के जीवन में तेजी से महत्वपूर्ण भूमिका निभानी शुरू की, जो पहले ही औद्योगिक क्रांति के युग में प्रवेश कर चुके थे, तब “महान कलाकार एक नए प्रकार का" दिखाई देने लगा। दूसरे शब्दों में - मफिन।

किसने विशेष रूप से पेंटिंग के खरीदारों को एकमुश्त लीपापोती करने के लिए पुनर्निर्देशित किया? ऐसे बहुत से हैं। मूल रूप से, ये वे लोग हैं जो मीडिया में कला आलोचना में लगे हुए थे, साथ ही साथ प्रदर्शनियों का आयोजन भी करते थे। उदाहरण के लिए, आलोचक रोजर फ्राई ने पोस्ट-इंप्रेशनिस्टों को "धोया", फ्रांसीसी गुइल्यूम अपोलिनेयर ने उपभोक्ताओं को मैटिस और पिकासो के उत्पादों को बढ़ावा दिया। लेकिन पेंटिंग बाजार के लिए और भी महत्वपूर्ण तथ्य यह था कि दुनिया में अधिक से अधिक धनी संग्राहक दिखाई दिए - विशेष रूप से 20 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में। ऐसे हालात में जब वास्तव में कला के उत्कृष्ट कार्य राज्य के संग्रहालयों में हैं या उन चर्चों के स्वामित्व में हैं जो किसी भी पैसे के लिए अपनी उत्कृष्ट कृतियों को नहीं बेचते हैं, संग्रह क्यों एकत्र करते हैं? - जिसे फैशनेबल माना जाता है। जो फैशन बन गया वह खरीदारों द्वारा अधिग्रहित कर लिया गया।

और इस या उस "पेंटर" के लिए फैशन कैसे बनाया गया? मूल रूप से, यह सब एक घोटाले से शुरू हुआ। 19 वीं शताब्दी के अंत में, कला के कार्यों की आड़ में सार्वजनिक रूप से एक भयानक लीपापोती का प्रदर्शन सार्वजनिक घोटाले का मतलब था। यह समाज के लिए एक वास्तविक चुनौती थी। "ऐसे" को देखकर लोग आक्रोशित हो गए, यह सब प्रेस और बोहेमियन स्थानों में विलंबित हो गया, लेखक की प्रसिद्धि और उनके चित्रों में वृद्धि हुई - और इस तरह इस या उस चरित्र के लिए फैशन दिखाई दिया। पहले, संकीर्ण दायरे में, और फिर, यदि आप भाग्यशाली हैं, तो आम जनता ने एक नए "महान चित्रकार" के उद्भव के बारे में सीखा। "यदि वे आपके बारे में बात करते हैं, तो आप मौजूद हैं" - यह पीआर का मूल नियम है। यदि आप प्रसिद्ध हो जाते हैं, तो कम से कम कोई आपकी पेंटिंग खरीदेगा - उनके कलात्मक मूल्य की परवाह किए बिना। जैसे ही एक बोहेमियन वातावरण में औसत दर्जे के लोगों को एहसास हुआ वह लीपापोती - यह भी एक गर्म वस्तु है, इसलिए इस तरह की पेंटिंग सचमुच बाजार में बह गईं। भविष्य में कई महान मफ यथार्थवादी चित्रों के साथ शुरू हुए, लेकिन समय के साथ डबिंग में बदल गए। और कुछ को कुछ भी बदलने की आवश्यकता नहीं थी - उन्हें शुरू में पता नहीं था कैसे आकर्षित करने के लिए।

अलग-अलग समय में, एक कलात्मक दिशा के लिए एक फैशन था, फिर दूसरे के लिए - प्रभाववाद, उत्तर-प्रभाववाद, अमूर्ततावाद, घनवाद, अभिव्यक्तिवाद ...। और फैशन व्यापार का मुख्य इंजन है। जैसे ही "कलाकार" एक ब्रांड बन गया - तब से इस ब्रांड के तहत उत्पादित सब कुछ "गर्म केक की तरह बेचा गया।" इससे कोई फर्क नहीं पड़ता था कि वास्तव में यह या वह "कलाकार" क्या चित्रित करता है - फैशन उद्योग शिल्प उद्योग की तुलना में विभिन्न कानूनों के अनुसार संचालित होता है। इस या उस मफ के लिए फैशन, निश्चित रूप से तुरंत उत्पन्न नहीं हुआ, और सबसे पहले "लॉरेल्स" भारी धन के रूप में स्वयं कलाकारों के लिए नहीं, बल्कि चित्रों के खरीदारों के लिए गया। नीलामी में फैशनेबल डब के लिए दी जाने वाली पागल धनराशि केवल 20 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के अंत में दिखाई दी। दुनिया के वित्तीय बाजारों में प्राप्त आसान धन वाले लोगों की एक बड़ी संख्या, साथ ही रूस में राज्य की संपत्ति की लूट के दौरान, बस यह नहीं पता था कि उन्हें कहां रखा जाए - नतीजतन, कैनवास पर कोई भी मल एक अत्यंत गर्म वस्तु बन गया .

कला में डबिंग की विजय किसके साथ शुरू हुई?

इम्प्रेशनिस्ट और क्यूबिस्ट के लिए मार्ग अंग्रेज जोसेफ टर्नर द्वारा प्रशस्त किया गया था, जिन्होंने 19 वीं शताब्दी के पहले भाग में "बनाया" था। एक कलाकार के रूप में उनकी एकमात्र योग्यता यह थी कि वे परिदृश्यों को चित्रित करने में बहुत अच्छे नहीं थे। उनके पास लगभग अच्छी पेंटिंग्स भी थीं, लेकिन वे कैनवस "सेलिंग टू वेनिस" जैसे फ्रैंक डब के लिए जाने जाते थे। यदि वेनिस उनकी तस्वीर के समान ही होता, तो शायद ही किसी ने इसे पार किया होता ... एक समय में टर्नर ने बस जनता को चौंका दिया, जिसकी बदौलत वह प्रसिद्ध हो गया। उसका एक कैरिकेचर है - टर्नर एक पेंटिंग के सामने एक पेंट ब्रश (जो उस समय बाड़ को पेंट करने के लिए इस्तेमाल किया गया था) के साथ खड़ा होता है और कुछ पेंट करता है ...

फ्रेंचमैन एडगर डेगस ने आगे बैटन उठाया - वह जानता था कि कैसे आकर्षित करना है, और कभी-कभी उसने अद्भुत चित्र बनाए, लेकिन किसी कारण से एडगर को सबसे बदसूरत नग्न महिलाओं को चित्रित करने के लिए तैयार किया गया था जो धोने, धोने या सिर्फ पानी की प्रक्रियाओं को समाप्त करने के लिए तैयार हो रही थीं। .. - इस तरह के चित्र के लिए, उन्हें अक्षमता के कारण कला विद्यालय के 1 पाठ्यक्रम से निष्कासित कर दिया जाता है, लेकिन देगस उनके लिए बड़े पैमाने पर लोकप्रिय हो गए।

19वीं सदी के अंत और 20वीं सदी की शुरुआत में, मफिन्स की संख्या नाटकीय रूप से बढ़ने लगी।

इस समय, "महान प्रभाववादी" क्लॉड मोनेट (जिन्हें प्रसिद्ध कलाकार एडवर्ड मानेट के साथ भ्रमित नहीं होना चाहिए) और अगस्टे रेनॉयर बना रहे हैं। रेनॉयर जानता था कि कैसे आकर्षित करना है, लेकिन वह, डेगस की तरह, अक्सर एकमुश्त डबिंग में लाया जाता था। मोनेट ने सबसे पहले एक वास्तविक कलाकार बनने की भी कोशिश की, लेकिन महसूस किया कि वह सफल नहीं होगा - नतीजतन, उन्हें जोसेफ टर्नर के काम के सबसे हड़ताली उत्तराधिकारियों में से एक कहा जा सकता है - मोनेट के परिदृश्य उनके पूर्ववर्ती के रूप में लगभग भयानक हैं।

उनकी मुख्य "उत्कृष्ट कृति" "रूएन कैथेड्रल, सूरज की रोशनी में पश्चिम का मुखौटा" है - एक विशिष्ट बच्चों का लीपापोती। मोनेट ने इस "शैली" में बहुत सारे काम किए, और वे सभी अभी भी लोकप्रिय हैं: "वाटर लिली" (बिना नाम के आप तुरंत नहीं पहचानते हैं कि ये पानी पर लिली हैं ...) 36.7 के लिए नीलामी में गए मिलियन डॉलर (2007.), वाटरलू ब्रिज (नीचे चित्रित) $35.9 मिलियन (2007) में बिका,

"पानी के लिली के साथ तालाब ..." ("वाटरलू ब्रिज" की तुलना में इसे पेंटिंग भी कहा जा सकता है) - 33 मिलियन डॉलर (1998) के लिए। 2009 में टाइम्स अखबार ने पाठकों के बीच एक सर्वेक्षण किया, जिसके परिणामों ने 20 वीं शताब्दी के सबसे लोकप्रिय कलाकारों को निर्धारित किया - क्लाउड मोनेट ने चौथा स्थान प्राप्त किया!

सदी के मोड़ पर, पोस्ट-इंप्रेशनिस्ट भी व्यवसाय में उतर गए: विन्सेंट वैन गॉग, हेनरी टूलूज़-लॉटरेक, एडवर्ड मंच, पॉल सेज़ेन, पॉल गाउगिन, गुस्ताव क्लिम्ट। उनमें से कौन "बड़ा" या, दूसरे शब्दों में, हमारे समय का अधिक फैशनेबल कलाकार था? सेज़ान के पास कम से कम एक पेंटिंग है जिसे "दिलचस्प" के रूप में वर्णित किया जा सकता है - उन्होंने इसे 27 साल की उम्र में चित्रित किया था। फिर सब कुछ बहुत खराब हो गया - बिना आत्मज्ञान के, लीपापोती के बाद लीपापोती। हालांकि, वह निश्चित रूप से "महानतम" नहीं है। उनके कुछ चित्रों की कीमत करोड़ों डॉलर है (उनमें से सबसे महंगी - "स्टिल लाइफ विद ए जग एंड ड्रैपर" को 60.5 मिलियन डॉलर (!) में खरीदा गया था, लेकिन कलेक्टरों के बीच उनके कार्यों की लोकप्रियता स्पष्ट रूप से है गौगुइन के कार्यों की लोकप्रियता से हीन, और इससे भी अधिक वान गाग लेकिन द टाइम्स के पाठकों ने 20वीं शताब्दी के कलाकारों के बीच सीज़ेन को दूसरे स्थान पर रखा!

मानसिक रूप से बीमार वान गॉग ने 5-7 साल के एक ऐसे प्रतिभाहीन लड़के के रूप में चित्रित किया जो कभी बड़ा नहीं हुआ। एक समय में उनका इलाज एक मनोरोग क्लिनिक में किया गया था, लेकिन इससे कोई फायदा नहीं हुआ और 40 साल की उम्र में उन्होंने आत्महत्या कर ली। उनकी जीवनी एक "महान कलाकार" की जीवनी की तरह अधिक है। यह उनके चित्रों की कीमतों से स्पष्ट होता है - मैडम गिनौक्स के भयानक चित्र के लिए $ 40.3 मिलियन, "सनफ्लॉवर" के लिए $ 40.5 मिलियन, "किसान वूमन इन ए स्ट्रॉ हैट" के लिए $ 47.5 मिलियन, 53, Irises के लिए $ 9 मिलियन, $ 57 साइप्रेस व्हीट फील्ड के लिए मिलियन, सेल्फ-पोर्ट्रेट के लिए $71 मिलियन, और डॉ. गैशेट के लिए $82.5 मिलियन। इस गैशेट ने, अपनी आत्महत्या से कुछ समय पहले ही वान गाग की देखभाल की - शायद, "कलाकार" ने अपने हस्ताक्षर चित्र के साथ अपने काम के लिए डॉक्टर से बदला लेने का फैसला किया।

वान गाग के प्रेमी गौगुइन ने वान गाग के लड़के की तुलना में थोड़े बड़े लड़के के रूप में चित्रित किया। यह उनके लिए "महान कलाकार" के रूप में एक स्पष्ट ऋण है। इसके अलावा, गागुइन वान गाग की तरह पागल नहीं था, हालांकि उसकी जीवनी में एक अद्भुत प्रसंग है जब वह वान गाग से मिलने आया और अंततः उसने अपना कान काट लिया - यह वास्तव में "महानता" का एक वजनदार दावा है! हालांकि, गागुइन के चित्रों की मांग वान गाग जितनी बड़ी नहीं है - केवल उनकी कुछ पेंटिंग ही 30 मिलियन डॉलर से अधिक में बिकी हैं।

लगभग बौना टूलूज़-लॉटरेक बदसूरत फ्रांसीसी वेश्याओं का दीवाना था, जिसे उसने अपने कम बदसूरत चित्रों में शामिल किया था।यदि आप नीचे दी गई तस्वीर को सशर्त नाम "निरीक्षण पर वेश्या" के तहत देखते हैं, तो आपको टूलूज़-लॉटरेक के रचनात्मक तरीके का एक विचार होगा।

वे स्केच के मास्टर थे, लेकिन उन्होंने कभी भी एक पूर्ण चित्र लिखने की जहमत नहीं उठाई। Gauguin और Van Gogh की तुलना में, टूलूज़-लॉट्रेक पूरी तरह से अलोकप्रिय है, और नॉर्वेजियन चबाना स्पष्ट रूप से उनके ऊपर नहीं है, हालांकि उनकी जीवनी बहुत ही व्यक्तिगत है: वे लगातार भयानक अवसाद से पीड़ित थे और मानसिक विकारों के लिए कई बार उनका इलाज किया गया था। उनकी कई पेंटिंग "इतिहास की 100 सबसे महंगी पेंटिंग" की सूची में दिखाई देती हैं, लेकिन बस इतना ही।

लेकिन ऑस्ट्रियाई गुस्ताव क्लिम्ट वास्तव में सबसे महान पोस्ट-इंप्रेशनिस्ट हैं। वह वान गाग जितना ही लोकप्रिय है, और उसकी सबसे महंगी पेंटिंग $135 मिलियन में खरीदी गई थी! और 20वीं शताब्दी के महान कलाकार के लिए सबसे आश्चर्य की बात क्या है - तस्वीर में एक महिला को मानवीय चेहरे के साथ दिखाया गया है! शेष सभी जगह एक विशिष्ट लीपापोती द्वारा कब्जा कर ली गई है, लेकिन चेहरा यथार्थवादी निकला। और क्लिम्ट की अन्य पेंटिंग, जहां लोगों को चित्रित किया गया है, इस तस्वीर के समान हैं - "पोस्ट-इंप्रेशनिस्ट" डब के बीच समान चेहरे।

लोग क्लिम्ट का भी सम्मान करते हैं - 20 वीं शताब्दी के सर्वश्रेष्ठ कलाकारों में तीसरा स्थान - केवल पिकासो और सीज़ेन आगे हैं।

चलिए 20वीं सदी की ओर बढ़ते हैं। जैसा कि वेंडी बेकेट ने अपनी हिस्ट्री ऑफ पेंटिंग में लिखा है, "20वीं सदी की कला में दो राज करते हैं - हेनरी मैटिस और पाब्लो पिकासो।" यह कहना मुश्किल है कि वास्तव में ये दोनों क्यों हैं, क्योंकि इस तरह के सैकड़ों मफ थे, लेकिन फैशन के तरीके गूढ़ हैं। पाब्लो, वैसे, और द टाइम्स के पाठकों के एक सर्वेक्षण के अनुसार, प्रथम स्थान प्राप्त किया।

स्पैनियार्ड पाब्लो पिकासो आकर्षित करना जानते थे, लेकिन करना नहीं चाहते थे। वह दा विंची के स्तर से बहुत दूर था (जो विश्वास नहीं करता - उसकी शुरुआती पेंटिंग "बॉय विद ए पाइप" को देखें - बुरा नहीं है, लेकिन उत्कृष्ट नहीं है), लेकिन 20 वीं शताब्दी में बस अच्छी पेंटिंग पहले से ही अप्रासंगिक थीं। डबिंग अधिक से अधिक फैशनेबल हो गया, और पाब्लो ने लहरों के इशारे पर पालने का फैसला किया। और उसने बहुत अच्छा किया!

1907 में, उन्होंने "द गर्ल्स ऑफ एविग्नन" पेंटिंग बनाई - यह क्यूबिस्ट शैली में पहला काम बन गया। सबसे पहले, कलाकार इस लीपापोती को अजनबियों को दिखाने के लिए शर्मिंदा था, जो सामान्य तौर पर समझ में आता है: पांच बिल्कुल भयानक जीव आपको तस्वीर से देख रहे हैं और दूसरों को ऐसी बकवास दिखाना सार्वजनिक रूप से कहने जैसा है: मैं पागल हूँ! मैं एक पूर्ण साइको हूँ! हालाँकि, पाब्लो उनकी "उत्कृष्ट कृति" को उजागर करने का उपक्रम कियाऔर अनुमान नहीं लगाया। किसी ने उन्हें अस्पताल में नहीं छुपाया और पिकासो कैनवस को खराब करते रहे। उन्होंने द्वंद्वात्मक भौतिकवाद के पद को व्यवहार में लाया: मात्रा गुणवत्ता में विकसित होती है। इस मामले में प्रतिष्ठा। पिकासो ने लगभग 70 वर्षों तक पेंटिंग की और यह आश्चर्य की बात नहीं है कि वह हमारे समय का सबसे लोकप्रिय मफ बन गया।

डोरा मार का उनका पोर्ट्रेट (2006 में नीलामी में 95.2 मिलियन डॉलर में खरीदा गया, ऊपर चित्र), गार्डन में बैठी महिला (1999 में 49.5 मिलियन डॉलर), ड्रीम (1997 में 48.4 मिलियन डॉलर), "ब्लैक चेयर में न्यूड" (45.1 मिलियन) 1999 में डॉलर) - 20 वीं शताब्दी के डब के "गोल्डन फंड" में प्रवेश किया।

20वीं शताब्दी में कई शानदार चित्रकार थे - पुनर्जागरण के महान कलाकारों की तुलना में बहुत अधिक, जो आश्चर्य की बात नहीं है: तोड़ना - बनाना नहीं, कैनवस खराब करना - पेंट नहीं करना। हमारे वास्या कैंडिंस्की और काज़िमिर मालेविच भी इस क्षेत्र में विख्यात थे - हालाँकि वे उत्कृष्ट हैं, वे विश्व मानकों के अनुसार महान चूक नहीं हैं। बेशक, रूसियों की अपनी विशेष आध्यात्मिकता है, लेकिन लीपापोती में, यह बहुत अधिक प्रकट नहीं हुआ। 20वीं शताब्दी के मध्य तक, अमेरिकी पोलाक और डचमैन डी कूनिंग, "अमूर्त अभिव्यक्तिवादी", ने इसके लिए टोन सेट करना शुरू कर दिया।

हमारी दुनिया में सब कुछ सापेक्ष है, और पोलैक और उनके भाइयों की पृष्ठभूमि के खिलाफ, यहां तक ​​​​कि मोनेट या गागुइन भी अच्छे कलाकारों की तरह दिखते हैं। कला समीक्षकों ने डबिंग के इस उच्चतम स्तर को "अमूर्त अभिव्यंजनावाद" कहा है, और मैं कहूंगा कि यह पूरी तरह से पागलपन भरा डबिंग है! इसके सबसे प्रमुख प्रतिनिधि न केवल पूर्वोक्त विलेम डी कूनिंग और जैक्सन पोलाक थे, बल्कि रूसी मूल के अमेरिकी मार्क रोथको भी थे। ये तीनों 20वीं सदी की लीपापोती के शिखर मात्र हैं!

एक अमूर्त अभिव्यक्तिवादी वह व्यक्ति है जो सिद्धांत रूप में आकर्षित नहीं करता है। वैन गॉग ने कम से कम 5 साल के बच्चे के स्तर पर पेंटिंग की, लेकिन पोलाक इस स्तर तक भी नहीं पहुंच सके। उद्धृत करने के लिए पेंटिंग का इतिहास वेंडी बेकेट द्वारा: “पोलाक ब्रश, पैलेट और कथानक के सभी सम्मेलनों को छोड़ने वाले पहले व्यक्ति थे। उन्होंने फर्श पर फैले कैनवस पर परमानंद में नृत्य किया, पूरी तरह से रचनात्मकता में डूबे हुए, छिड़काव और पूर्ण नियंत्रण में पेंट डालना। "पेंटिंग," उन्होंने कहा, "का अपना जीवन है। मैं उसे जाने देने की कोशिश करता हूं।" यहाँ टिप्पणी करने के लिए कुछ भी नहीं है - वह आदमी बहुत बीमार था। उनकी पेंटिंग की फोटो इस बात की पुष्टि करती है।

मार्क रोथको पोलाक से भी बुरे कलाकार हैं। आप कहेंगे कि ऐसा नहीं हो सकता- आखिर मैंने अभी कहा कि पोलाक ड्रॉ नहीं कर सके। शायद! पोलाक के चित्र कम से कम अराजक वॉलपेपर के समान हैं, रोथको के कैनवस विभिन्न रंगों से चित्रित हैं - उदाहरण के लिए, शीर्ष काला है और नीचे ग्रे है। या इससे भी अधिक "उत्कृष्ट कार्य" - नीचे क्रिमसन है, शीर्ष पर - किसी प्रकार का गहरा पीला, और बीच में - सफेद।

पेंटिंग को "व्हाइट सेंटर" कहा जाता है और 2007 में सोथबी में खरीदा गया था। 72.8 मिलियन डॉलर के लिए। - क्षतिग्रस्त कैनवस के लिए लगभग 73 मिलियन! और यह, वैसे, दुनिया की सबसे महंगी पेंटिंग की सूची में 12 वां स्थान है! लेकिन आज (2010) दुनिया की सबसे महंगी पेंटिंग जैक्सन पोलैक की है और इसे "नंबर 5" कहा जाता है - 2006 में सोथबी में $ 140 मिलियन में बेची गई! पश्चिमी दुनिया न केवल पागल कलाकारों से भरी है - पागल करोड़पति की एक बड़ी संख्या है। आम लोग, वैसे, पश्चिम में भी बहुत स्वस्थ नहीं हैं - टाइम्स अखबार के एक सर्वेक्षण में, 20 वीं शताब्दी के सबसे लोकप्रिय कलाकारों में पोलैक ने 7 वां स्थान प्राप्त किया।

उनके, जैसा कि वे कहते हैं, "शाश्वत प्रतिद्वंद्वी" विलेम डी कूनिंग इस चुनाव में 9वें स्थान पर रहे। मैं उसे सभी चुटकुलों में सबसे मजेदार कहूंगा। कूनिंग की सबसे महंगी पेंटिंग, वुमन नंबर 3 (2006 में 137.5 मिलियन डॉलर में खरीदी गई!) किसी भी स्वस्थ व्यक्ति को जोर से हंसने पर मजबूर कर देगी। इससे भी ज्यादा मजेदार है वुमन विद ए साइकिल।

मुझे लगता है कि विलेम को महिलाओं से कुछ समस्या थी, इसलिए उसने चालाकी से उनसे बदला लिया।

पोलैक, कूनिंग और रोथको के उदाहरण पर, हम स्पष्ट रूप से देखते हैं कि कला बाजार आज किस स्थिति में पहुंच गया है। यदि ख्रुश्चेव जीवित होते, तो उन्होंने कहा होता: पूर्ण गधे को!

तो, पु की जादुई शक्ति के लिए धन्यवादब्लिक संबंध कुछ मानसिक रूप से विक्षिप्त व्यक्तियों के डब को कला के उत्कृष्ट कार्यों के रूप में पहचाना गया और महान पुनर्जागरण कलाकारों के कैनवस के साथ सममूल्य पर रखा गया। पहली बार, चूक के प्रचार में पीआर की शक्ति इतनी स्पष्ट रूप से प्रकट हुई थी। 19वीं शताब्दी तकजनसंपर्क प्रभावी ढंग से केवल राजनीति में काम किया (इतिहास और धर्म ने भी राजनीतिक लक्ष्यों की पूर्ति की और उन्हें राजनीति से अलग करके नहीं माना जा सकता)। शानदार कलाकारों के रूप में औसत दर्जे के मफ़्स की घोषणा के मामले में, हम एक घटना का सामना करते हैंजनसंपर्क फैशन के क्षेत्र में अपनी अलग पहचान बनाई। और यह इतना प्रभावी और स्थायी था कि अब भी, औसत दर्जे के मनोरोगियों की चर्चा के प्रचलन में आने के एक सदी से भी अधिक समय बाद, हम कई ऐसे लोगों से मिलते हैं जो ईमानदारी से मानते हैं कि वान गाग एक महान कलाकार हैं। और भी लाखों लोग जानते हैं कि वान गाग कौन है। कई सौ अमीर बेकार जो नहीं जानते कि उनके पैसे का क्या करना है, नीलामी में फैशनेबल डब खरीद रहे हैं। हर कोई लीपापोती की एक मिलियन डॉलर की खरीद के बारे में सुनता है, फिर दूसरा। ठीक है, वे फ्रैंक मल के लिए $ 30 मिलियन का भुगतान नहीं कर सकते, क्या वे कर सकते हैं? - तो आम आदमी तर्क देता है। - वे कर सकते हैं, जैसा कि वे कर सकते हैं ... मुख्य बात यह है कि यह फैशनेबल हो।