सबसे प्रसिद्ध अमूर्त कलाकार: परिभाषा, कला में दिशा, छवि की विशेषताएं और सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग। अमूर्त कला: परिभाषा, इतिहास, प्रकार, विशेषताएँ अमूर्तता को भरने और समायोजित करने की प्रक्रिया में धारा

अमूर्ततावाद एक अपेक्षाकृत युवा कला आंदोलन है। वर्ष 1910 को आधिकारिक तौर पर इसके जन्म के वर्ष के रूप में मान्यता प्राप्त है, जब कलाकार वासिली कैंडिंस्की ने पहली कैनवास को एक नई तकनीक में प्रदर्शित किया, जिसे जल रंग में चित्रित किया गया था।

अमूर्त कला के प्रतिनिधि सरल और जटिल रूपों, रेखाओं, विमानों को अपनी कृति बनाने और रंग के साथ खेलने के आधार के रूप में लेते हैं। अंत में जो होता है उसका वास्तविक वस्तुओं से कोई लेना-देना नहीं है। यह एक ऐसा कार्य है जो व्यक्ति की संवेदी दुनिया के माध्यम से केवल अतिचेतन तक ही पहुँचा जा सकता है।

इस शैली में पहले काम की उपस्थिति के दशकों के बाद, अमूर्ततावाद में कई परिवर्तन हुए हैं, सक्रिय रूप से अन्य अवंत-गार्डे प्रवृत्तियों में पेश किया गया है।

(कैरल हेन द्वारा अमूर्त)

अमूर्ततावाद के ढांचे के भीतर, कलाकारों ने कई पेंटिंग, मूर्तियां और प्रतिष्ठान बनाए। आधुनिक परिसर के अंदरूनी हिस्सों सहित अलग-अलग तत्वों का उपयोग किया गया है और सफलतापूर्वक कार्यान्वित किया जा रहा है।

आज, कला में अमूर्त प्रवृत्ति को ज्यामितीय और गीतात्मक अमूर्तता में विभाजित किया गया है। अमूर्ततावाद की ज्यामितीय दिशा सख्त और स्पष्ट रेखाओं, स्थिर अवस्थाओं की विशेषता है। गीतात्मक अमूर्तता को गुरु या कलाकार द्वारा निर्धारित गतिकी के मुक्त रूप और प्रदर्शन की विशेषता है।

पेंटिंग में सार कला

यह पेंटिंग के साथ था कि अमूर्ततावाद ने अपना विकास शुरू किया। कैनवास और कागज पर, वह रंग और रेखाओं के खेल के माध्यम से दुनिया के सामने प्रकट हुआ, कुछ ऐसा फिर से बनाना जिसका वस्तुओं की वास्तविक दुनिया में कोई एनालॉग नहीं था।

(... और कैरल हेन द्वारा एक स्पष्ट सार)

अमूर्ततावाद के उज्ज्वल प्रतिनिधि हैं:

• कैंडिंस्की;
• मालेविच;
• मोंड्रियन।

बाद में, उनके कई अनुयायी थे, जिनमें से प्रत्येक ने अपना कलात्मक योगदान दिया, पेंट लगाने की नई तकनीकों और अमूर्त रचना बनाने के लिए नए सिद्धांतों को लागू किया।

(वासिली वासिलीविच कैंडिंस्की "रचना IV")

दिशा के संस्थापक, कैनवास पर अपनी उत्कृष्ट कृतियों का निर्माण करते हुए, नए वैज्ञानिक और दार्शनिक सिद्धांतों पर निर्भर थे। उदाहरण के लिए, कैंडिंस्की ने अपनी कलात्मक कृतियों को सही ठहराते हुए ब्लावात्स्की के थियोसोफिकल कार्यों की ओर रुख किया। मोंड्रियन नियोप्लास्टिकवाद का प्रतिनिधि था और अपने कामों में सक्रिय रूप से शुद्ध रेखाओं और रंगों का इस्तेमाल करता था। पेंटिंग और कला के क्षेत्र के कई प्रतिनिधियों द्वारा उनके चित्रों की बार-बार नकल की गई। मालेविच वर्चस्ववाद के सिद्धांत के प्रबल समर्थक थे। चित्रकला की कला में प्रधानता उस्ताद द्वारा रंग को दी गई थी।

(काज़िमिर मालेविच "ज्यामितीय आकृतियों की रचना")

सामान्य तौर पर, पेंटिंग में अमूर्ततावाद आम लोगों के लिए दोहरी दिशा बन गया। एक ने ऐसे कार्यों को गतिरोध माना, दूसरा - उन्होंने ईमानदारी से उन विचारों की प्रशंसा की जो कलाकारों ने अपनी रचनाओं में डाले।

अमूर्ततावाद की शैली में रेखाओं, आकृतियों और रंगों की यादृच्छिकता के बावजूद, पेंटिंग और कला के कार्य दर्शकों द्वारा एकल और समग्र रूप से कथित रचना बनाते हैं।

कला अमूर्ततावाद की दिशा

अमूर्तवाद की शैली में काम करता है स्पष्ट रूप से वर्गीकृत करना मुश्किल है, क्योंकि इस दिशा में कई अनुयायी हैं, जिनमें से प्रत्येक ने विकास के लिए अपनी दृष्टि का योगदान दिया। सामान्य तौर पर, इसे लाइनों या तकनीकों की प्रबलता के प्रकार के अनुसार विभाजित किया जा सकता है। आज तक, हैं:

• रंग अमूर्ततावाद। इन कार्यों के ढांचे के भीतर, कलाकार रंगों और रंगों के साथ खेलते हैं, देखने वाले के दिमाग से उनकी धारणा पर काम करने पर जोर देते हैं;
• ज्यामितीय अमूर्ततावाद। इस प्रवृत्ति के अपने सख्त विशिष्ट अंतर हैं। ये स्पष्ट रेखाएँ और आकार हैं, गहराई का भ्रम और रेखीय दृष्टिकोण। इस प्रवृत्ति के प्रतिनिधि सुप्रीमेटिस, नियोप्लास्टिकिस्ट हैं;
• अभिव्यंजक अमूर्ततावाद और tachisme। इन शाखाओं में जोर रंगों, आकृतियों और रेखाओं पर नहीं है, बल्कि पेंट लगाने की तकनीक पर है, जिसके माध्यम से गतिकी निर्धारित की जाती है, भावनाओं को व्यक्त किया जाता है और कलाकार का अचेतन परिलक्षित होता है, बिना किसी प्रारंभिक योजना के काम करता है;
• न्यूनतर अमूर्त कला। यह प्रवृत्ति अवंत-गार्डे के करीब है। इसका सार किसी भी संघों के संदर्भों के अभाव में उबलता है। रेखाएँ, आकार और रंग संक्षिप्त रूप से और न्यूनतम उपयोग किए जाते हैं।

कला में एक प्रवृत्ति के रूप में अमूर्ततावाद का जन्म उन परिवर्तनों का परिणाम था जो पिछली शताब्दी की शुरुआत में हुए थे, जो कई नई खोजों से जुड़े थे जो मानवता को आगे बढ़ाने लगे। कला के माध्यम से सब कुछ नया और अभी भी समझ से बाहर है, उसी स्पष्टीकरण और तरीके की आवश्यकता है।

अमूर्तवाद (अव्य। android- हटाना, व्याकुलता) या गैर आलंकारिक कला- कला की एक दिशा जिसने पेंटिंग और मूर्तिकला में वास्तविकता के करीब रूपों के प्रतिनिधित्व को त्याग दिया। अमूर्ततावाद के लक्ष्यों में से एक कुछ रंग संयोजनों और ज्यामितीय आकृतियों को चित्रित करके "सामंजस्य" प्राप्त करना है, जिससे दर्शकों को रचना की पूर्णता और पूर्णता का एहसास होता है। प्रमुख शख्सियतें: वासिली कैंडिंस्की, काज़िमिर मालेविच, नतालिया गोंचारोवा और मिखाइल लारियोनोव, पीट मोंड्रियन।

कहानी

अमूर्तवाद("शून्य रूपों", गैर-उद्देश्य कला के संकेत के तहत कला) - एक कलात्मक दिशा जो 20 वीं शताब्दी की पहली छमाही की कला में बनाई गई थी, जो वास्तविक दृश्य दुनिया के रूपों को पुन: पेश करने से पूरी तरह से इनकार करती है। अमूर्तवाद के संस्थापक वी। कैंडिंस्की को माना जाता है , पी मोंड्रियन औरके मालेविच।

वी। कैंडिंस्की ने अपने स्वयं के प्रकार की अमूर्त पेंटिंग बनाई, जो निष्पक्षता के किसी भी संकेत से प्रभाववादियों और "जंगली" के धब्बे से मुक्त हो गई। पीट मोंड्रियन सीज़ेन और क्यूबिस्ट द्वारा शुरू की गई प्रकृति की ज्यामितीय शैलीकरण के माध्यम से अपनी व्यर्थता पर आ गए। 20 वीं शताब्दी की आधुनिकतावादी प्रवृत्तियाँ, अमूर्ततावाद पर केंद्रित, पूरी तरह से पारंपरिक सिद्धांतों से विदा लेती हैं, यथार्थवाद को नकारती हैं, लेकिन साथ ही कला के ढांचे के भीतर रहती हैं। अमूर्ततावाद के आगमन के साथ कला के इतिहास में एक क्रांति का अनुभव हुआ। लेकिन यह क्रांति संयोग से नहीं, बल्कि स्वाभाविक रूप से उठी, और प्लेटो ने इसकी भविष्यवाणी की थी! अपने बाद के कार्य फिलेबस में, उन्होंने स्वयं में रेखाओं, सतहों और स्थानिक रूपों की सुंदरता के बारे में लिखा, जो दृश्य वस्तुओं की नकल से स्वतंत्र है, किसी भी मिमेसिस से। इस तरह की ज्यामितीय सुंदरता, प्राकृतिक "अनियमित" रूपों की सुंदरता के विपरीत, प्लेटो के अनुसार, सापेक्ष नहीं है, लेकिन बिना शर्त, निरपेक्ष है।

20वीं शताब्दी और वर्तमान

1914-18 के प्रथम विश्व युद्ध के बाद, दादावाद और अतियथार्थवाद के प्रतिनिधियों द्वारा अमूर्त कला की प्रवृत्ति अक्सर व्यक्तिगत कार्यों में प्रकट हुई; उसी समय, वास्तुकला, सजावटी कला और डिजाइन में गैर-सचित्र रूपों के लिए आवेदन खोजने की इच्छा निर्धारित की गई थी (शैली समूह और बॉहॉस के प्रयोग)। अमूर्त कला के कई समूह ("कंक्रीट आर्ट", 1930; "सर्कल एंड स्क्वायर", 1930; "एब्सट्रैक्शन एंड क्रिएटिविटी", 1931), विभिन्न राष्ट्रीयताओं और प्रवृत्तियों के कलाकारों को एकजुट करते हुए, 30 के दशक की शुरुआत में मुख्य रूप से फ्रांस में उत्पन्न हुए। हालाँकि, अमूर्त कला उस समय और 30 के दशक के मध्य तक व्यापक नहीं थी। समूह टूट गए। द्वितीय विश्व युद्ध (1939-45) के वर्षों के दौरान, संयुक्त राज्य अमेरिका में तथाकथित अमूर्त अभिव्यंजनावाद का एक स्कूल उभरा (चित्रकार जे पोलक, एम टोबीआदि), जो कई देशों में युद्ध के बाद विकसित हुआ (तचिस्म या "निराकार कला" के नाम से) और इसकी विधि "शुद्ध मानसिक स्वचालितता" और रचनात्मकता के व्यक्तिपरक अवचेतन आवेग, अप्रत्याशित रंग और बनावट संयोजन के पंथ के रूप में घोषित किया गया।

50 के दशक के उत्तरार्ध में, स्थापना की कला, पॉप कला, संयुक्त राज्य अमेरिका में पैदा हुई थी, जिसने कुछ समय बाद एंडी वारहोल को मर्लिन मुनरो के चित्रों और कुत्ते के भोजन के डिब्बे - कोलाज अमूर्तवाद की अंतहीन प्रतिकृति के साथ महिमामंडित किया। 60 के दशक की दृश्य कलाओं में अमूर्तता का सबसे कम आक्रामक, स्थिर रूप, अतिसूक्ष्मवाद लोकप्रिय हुआ। एक ही समय पर बार्नेट न्यूमैन, साथ में अमेरिकी ज्यामितीय अमूर्तवाद के संस्थापक ए. लिबरमैन, ए. हेल्डऔर के. नोलैंडडच नियोप्लास्टिकवाद और रूसी वर्चस्ववाद के विचारों के आगे के विकास में सफलतापूर्वक लगे हुए हैं।

अमेरिकी चित्रकला में एक अन्य प्रवृत्ति को "रंगीन" या "पोस्ट-पेंटिंग" अमूर्तवाद कहा जाता था। इसके प्रतिनिधियों ने कुछ हद तक फाउविज़्म और पोस्ट-इंप्रेशनिज़्म को निरस्त कर दिया। कठोर शैली, कार्यों की तीक्ष्ण रूपरेखा पर बल दिया ई. केली, जे. जुंगरमैन, एफ. स्टेलाधीरे-धीरे एक चिंतनशील उदासीन गोदाम की पेंटिंग के लिए रास्ता दिया। 1970 और 1980 के दशक में, अमेरिकी चित्रकला आलंकारिक कला में लौट आई। इसके अलावा, फोटोरिअलिज्म के रूप में इसकी ऐसी चरम अभिव्यक्ति व्यापक हो गई है। अधिकांश कला इतिहासकार इस बात से सहमत हैं कि 70 का दशक अमेरिकी कला के लिए सच्चाई का क्षण है, क्योंकि इस अवधि के दौरान इसने खुद को यूरोपीय प्रभाव से मुक्त कर लिया और विशुद्ध रूप से अमेरिकी बन गया। हालाँकि, पारंपरिक रूपों और शैलियों की वापसी के बावजूद, चित्रांकन से लेकर ऐतिहासिक पेंटिंग तक, अमूर्त कला भी गायब नहीं हुई है।

पेंटिंग्स, "नॉन-फाइन" कला के काम पहले की तरह बनाए गए थे, क्योंकि संयुक्त राज्य अमेरिका में यथार्थवाद की वापसी ने इस तरह से अमूर्तता को दूर नहीं किया था, लेकिन इसका विमोचन, आलंकारिक कला पर प्रतिबंध, जिसे मुख्य रूप से हमारे सामाजिक यथार्थवाद के साथ पहचाना गया था, और इसलिए कला के सामाजिक कार्यों पर "निम्न" शैलियों पर प्रतिबंध, "मुक्त लोकतांत्रिक" समाज में घृणित नहीं माना जा सकता था। उसी समय, अमूर्त पेंटिंग की शैली ने एक निश्चित कोमलता हासिल कर ली, जिसमें पहले कमी थी - वॉल्यूम को सुव्यवस्थित करना, समोच्चों का धुंधला होना, हाफ़टोन की समृद्धि, सूक्ष्म रंग समाधान ( ई.मरे, जी.स्टीफन, एल.रिवर्स, एम.मॉर्ले, एल.चेस, ए.बायलोब्रोड).

इन सभी प्रवृत्तियों ने आधुनिक अमूर्ततावाद के विकास की नींव रखी। रचनात्मकता में कुछ भी स्थिर, अंतिम नहीं हो सकता, क्योंकि यह उसके लिए मृत्यु होगी। लेकिन कोई फर्क नहीं पड़ता कि अमूर्तवाद किस रास्ते पर जाता है, इससे कोई फर्क नहीं पड़ता कि यह किस प्रकार के परिवर्तनों से गुजरता है, इसका सार हमेशा अपरिवर्तित रहता है। यह इस तथ्य में निहित है कि ललित कला में अमूर्तवाद व्यक्तिगत अस्तित्व को पकड़ने का सबसे सुलभ और महान तरीका है, और एक ऐसे रूप में जो एक प्रतिकृति प्रिंट की तरह सबसे पर्याप्त है। इसी समय, अमूर्ततावाद स्वतंत्रता का प्रत्यक्ष बोध है।

दिशा-निर्देश

अमूर्ततावाद में, दो स्पष्ट दिशाओं को प्रतिष्ठित किया जा सकता है: ज्यामितीय अमूर्तता, मुख्य रूप से स्पष्ट रूप से परिभाषित विन्यास (मालेविच, मोंड्रियन) और गीतात्मक अमूर्तता पर आधारित है, जिसमें रचना स्वतंत्र रूप से बहने वाले रूपों (कैंडिंस्की) से व्यवस्थित होती है। अमूर्तवाद में भी कई अन्य प्रमुख स्वतंत्र प्रवृत्तियाँ हैं।

क्यूबिज्म

दृश्य कला में एक अवांट-गार्डे प्रवृत्ति, जो 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में उत्पन्न हुई थी और सशक्त रूप से सशर्त ज्यामितीय आकृतियों के उपयोग की विशेषता है, वास्तविक वस्तुओं को स्टीरियोमेट्रिक आदिम में "विभाजित" करने की इच्छा।

रेयोनिज़्म (लुचिज़्म)

1910 के अमूर्त कला में दिशा, प्रकाश स्पेक्ट्रा और प्रकाश संचरण के बदलाव पर आधारित है। "विभिन्न वस्तुओं की परावर्तित किरणों को पार करने" से रूपों के उद्भव का विचार विशेषता है, क्योंकि एक व्यक्ति वास्तव में वस्तु को ही नहीं मानता है, लेकिन "प्रकाश स्रोत से आने वाली किरणों का योग, परावर्तित वस्तु।"

रसौली

अमूर्त कला की दिशा का पदनाम, जो 1917-1928 में अस्तित्व में था। हॉलैंड में और एकजुट कलाकारों ने "डी स्टिजल" ("स्टाइल") पत्रिका के आसपास समूह बनाया। स्पेक्ट्रम के प्राथमिक रंगों में चित्रित बड़े आयताकार विमानों के लेआउट में वास्तुकला और अमूर्त पेंटिंग में स्पष्ट आयताकार आकृतियों की विशेषता है।

ओर्फिज़्म

1910 के फ्रेंच पेंटिंग में दिशा। ऑर्फ़िस्ट कलाकारों ने स्पेक्ट्रम के प्राथमिक रंगों के इंटरपेनिट्रेशन और घुमावदार सतहों के चौराहे की "नियमितता" की मदद से आंदोलन की गतिशीलता और लय की संगीतमयता को व्यक्त करने की मांग की।

वर्चस्ववाद

अवंत-गार्डे कला में दिशा, 1910 के दशक में स्थापित। मालेविच। यह सबसे सरल ज्यामितीय रूपरेखाओं के बहु-रंगीन विमानों के संयोजन में व्यक्त किया गया था। बहुरंगी ज्यामितीय आकृतियों का संयोजन संतुलित असममित वर्चस्ववादी रचनाएँ बनाता है जो आंतरिक गति के साथ व्याप्त होती हैं।

तचिस्म

1950 और 60 के दशक के पश्चिमी यूरोपीय अमूर्तवाद की प्रवृत्ति, जो संयुक्त राज्य अमेरिका में सबसे व्यापक थी। यह धब्बों वाली एक पेंटिंग है जो वास्तविकता की छवियों को फिर से नहीं बनाती है, बल्कि कलाकार की अचेतन गतिविधि को व्यक्त करती है। टचिसमे में स्ट्रोक्स, लाइन्स और स्पॉट बिना किसी पूर्व-निर्धारित योजना के त्वरित हाथ आंदोलनों के साथ कैनवास पर लागू होते हैं।

अमूर्त अभिव्यंजनावाद

भावनाओं को पूरी तरह से बाहर लाने के लिए, गैर-ज्यामितीय स्ट्रोक, बड़े ब्रश, कभी-कभी कैनवस पर टपकते पेंट का उपयोग करते हुए, जल्दी और बड़े कैनवस पर पेंट करने वाले कलाकारों का आंदोलन। यहाँ पेंटिंग की अभिव्यंजक विधि अक्सर पेंटिंग जितनी ही महत्वपूर्ण होती है।

इंटीरियर में अमूर्ततावाद

हाल ही में, अमूर्त कला ने कलाकारों के चित्रों से घर के आरामदायक इंटीरियर में स्थानांतरित करना शुरू कर दिया है, इसे अनुकूल रूप से अद्यतन किया है। स्पष्ट रूपों के उपयोग के साथ न्यूनतम शैली, कभी-कभी काफी असामान्य, कमरे को असामान्य और दिलचस्प बनाती है। लेकिन रंग के साथ ओवरबोर्ड जाना आसान है। ऐसी आंतरिक शैली में नारंगी के संयोजन पर विचार करें।

सफेद सबसे अच्छा अमीर नारंगी को पतला करता है, और जैसा कि यह था, इसे ठंडा करता है। नारंगी रंग कमरे को गर्म बनाता है, इसलिए ज्यादा नहीं; रोकथाम नहीं। फर्नीचर या उसके डिजाइन पर जोर होना चाहिए, उदाहरण के लिए, एक नारंगी बेडस्प्रेड। इस मामले में, सफेद दीवारें रंग की चमक को कम कर देंगी, लेकिन कमरे को रंगीन छोड़ दें। इस मामले में, एक ही श्रेणी के चित्र एक उत्कृष्ट जोड़ के रूप में काम करेंगे - मुख्य बात यह ज़्यादा नहीं है, अन्यथा नींद की समस्या होगी।

नारंगी और नीले रंग का संयोजन किसी भी कमरे के लिए हानिकारक है, अगर यह नर्सरी पर लागू नहीं होता है। यदि आप चमकीले रंगों का चयन नहीं करते हैं, तो वे एक-दूसरे के साथ सफलतापूर्वक सामंजस्य बिठाएंगे, मूड जोड़ेंगे और अतिसक्रिय बच्चों पर भी प्रतिकूल प्रभाव नहीं डालेंगे।

ऑरेंज हरे रंग के साथ अच्छी तरह से चला जाता है, एक कीनू के पेड़ और चॉकलेट टिंट का प्रभाव पैदा करता है। ब्राउन एक ऐसा रंग है जो गर्म से ठंडे में भिन्न होता है, इसलिए यह कमरे के समग्र तापमान को पूरी तरह से सामान्य करता है। इसके अलावा, रंगों का यह संयोजन रसोई और रहने वाले कमरे के लिए उपयुक्त है, जहां आपको माहौल बनाने की जरूरत है, लेकिन इंटीरियर को अधिभारित नहीं करना चाहिए। दीवारों को सफेद और चॉकलेट रंगों में सजाकर, आप सुरक्षित रूप से एक नारंगी कुर्सी रख सकते हैं या एक समृद्ध कीनू रंग के साथ एक उज्ज्वल तस्वीर लटका सकते हैं। जब आप इस तरह के कमरे में होते हैं, तो आपका मूड बहुत अच्छा होता है और जितना संभव हो उतना काम करने की इच्छा होती है।

प्रसिद्ध अमूर्त कलाकारों द्वारा पेंटिंग्स

कैंडिंस्की अमूर्त कला के अग्रदूतों में से एक थे। उन्होंने प्रभाववाद में अपनी खोज शुरू की, और उसके बाद ही अमूर्ततावाद की शैली में आए। अपने काम में, उन्होंने एक सौंदर्य अनुभव बनाने के लिए रंग और रूप के बीच संबंधों का शोषण किया, जो दर्शकों की दृष्टि और भावनाओं दोनों को गले लगाता था। उनका मानना ​​​​था कि पूर्ण अमूर्तता गहरी, पारलौकिक अभिव्यक्ति के लिए जगह देती है, और वास्तविकता की नकल केवल इस प्रक्रिया में हस्तक्षेप करती है।

कैंडिंस्की के लिए पेंटिंग गहरा आध्यात्मिक था। उन्होंने अमूर्त आकृतियों और रंगों की एक सार्वभौमिक दृश्य भाषा के माध्यम से मानवीय भावनाओं की गहराई को व्यक्त करने की कोशिश की जो भौतिक और सांस्कृतिक सीमाओं को पार कर सके। उसने देखा अमूर्तवादएक आदर्श दृश्य विधा के रूप में जो कलाकार की "आंतरिक आवश्यकता" को व्यक्त कर सकती है और मानवीय विचारों और भावनाओं को व्यक्त कर सकती है। वह खुद को एक भविष्यद्वक्ता मानते थे जिसका मिशन समाज के लाभ के लिए इन आदर्शों को दुनिया के साथ साझा करना है।

चमकीले रंगों और स्पष्ट काली रेखाओं में छिपे हुए भाले के साथ-साथ नावों, आकृतियों और एक पहाड़ी पर एक महल के साथ कई कोसैक को चित्रित करते हैं। जैसा कि इस अवधि के कई चित्रों में है, यह एक सर्वनाश युद्ध का प्रतिनिधित्व करता है जो शाश्वत शांति की ओर ले जाएगा।

पेंटिंग की एक गैर-उद्देश्य शैली के विकास को सुविधाजनक बनाने के लिए, जैसा कि उनके ऑन द स्पिरिचुअल इन आर्ट (1912) में वर्णित है, कैंडिंस्की वस्तुओं को चित्रात्मक प्रतीकों में कम कर देता है। बाहरी दुनिया के अधिकांश संदर्भों को हटाकर, कैंडिंस्की ने अधिक सार्वभौमिक तरीके से अपनी दृष्टि व्यक्त की, इन सभी रूपों के माध्यम से विषय के आध्यात्मिक सार को एक दृश्य भाषा में अनुवादित किया। इनमें से कई प्रतीकात्मक आंकड़े उनके बाद के काम में दोहराए गए और परिष्कृत किए गए, और भी अधिक सारगर्भित हो गए।

काज़िमिर मालेविच

कला में रूप और अर्थ के बारे में मालेविच के विचार किसी तरह शैली अमूर्तवाद के सिद्धांत पर ध्यान केंद्रित करते हैं। मालेविच ने पेंटिंग में विभिन्न शैलियों के साथ काम किया, लेकिन सबसे अधिक वह शुद्ध ज्यामितीय आकृतियों (वर्गों, त्रिकोणों, वृत्तों) के अध्ययन पर केंद्रित था और सचित्र स्थान में एक दूसरे से उनका संबंध था। पश्चिम में अपने संपर्कों के माध्यम से, मालेविच यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका में कलाकार मित्रों को पेंटिंग के बारे में अपने विचार व्यक्त करने में सक्षम थे, और इस प्रकार समकालीन कला के विकास को गहराई से प्रभावित करते थे।

"ब्लैक स्क्वायर" (1915)

प्रतिष्ठित पेंटिंग "ब्लैक स्क्वायर" को पहली बार 1915 में पेत्रोग्राद में एक प्रदर्शनी में मालेविच द्वारा दिखाया गया था। यह काम मालेविच द्वारा अपने निबंध "फ्रॉम क्यूबिज्म एंड फ्यूचरिज्म टू सुपरमैटिज्म: न्यू रियलिज्म इन पेंटिंग" में विकसित वर्चस्ववाद के सैद्धांतिक सिद्धांतों का प्रतीक है।

दर्शक के सामने कैनवास पर एक सफेद पृष्ठभूमि पर काले वर्ग के रूप में खींचा गया एक अमूर्त रूप है - यह रचना का एकमात्र तत्व है। भले ही पेंटिंग सरल लगती है, लेकिन पेंट की काली परतों के माध्यम से अंगुलियों के निशान, ब्रश स्ट्रोक जैसे तत्व दिखाई देते हैं।

मालेविच के लिए, वर्ग का अर्थ है भावनाएँ, और सफेद का अर्थ है शून्यता, कुछ भी नहीं। उन्होंने काले वर्ग को एक ईश्वरीय उपस्थिति, एक प्रतीक के रूप में देखा, जैसे कि यह गैर-उद्देश्य कला के लिए एक नई पवित्र छवि बन सकता है। प्रदर्शनी में भी, यह चित्र उस स्थान पर रखा गया था जहाँ आमतौर पर एक रूसी घर में एक आइकन रखा जाता है।

पीट मोंड्रियन

पीट मोंड्रियन, डच डी स्टिजल आंदोलन के संस्थापकों में से एक, अपने सार और पद्धतिगत अभ्यास की शुद्धता के लिए पहचाने जाते हैं। बल्कि उन्होंने अपने चित्रों के तत्वों को मौलिक रूप से सरल बनाया ताकि वह प्रत्यक्ष रूप से नहीं, बल्कि आलंकारिक रूप से प्रदर्शित कर सकें, और अपने कैनवस में एक स्पष्ट और सार्वभौमिक सौंदर्य भाषा का निर्माण कर सकें। 1920 के दशक के अपने सबसे प्रसिद्ध चित्रों में, मोंड्रियन रूपों को रेखाओं और आयतों तक और पैलेट को सरलतम तक कम कर देता है। असममित संतुलन का उपयोग समकालीन कला के विकास के लिए मौलिक बन गया, और उनके प्रतिष्ठित सार कार्य डिजाइन में प्रभावशाली बने रहे और आज तक लोकप्रिय संस्कृति से परिचित हैं।

"ग्रे ट्री" शैली में मोंड्रियन के शुरुआती संक्रमण का एक उदाहरण है अमूर्तवाद. 3D ट्री को केवल ग्रे और ब्लैक का उपयोग करते हुए सरलतम रेखाओं और तलों तक सीमित कर दिया गया है।

यह पेंटिंग मोंड्रियन द्वारा काम की एक श्रृंखला में से एक है जिसने अधिक यथार्थवादी दृष्टिकोण लिया, जहां, उदाहरण के लिए, पेड़ों को प्राकृतिक तरीके से प्रस्तुत किया गया है। जबकि बाद के टुकड़े तेजी से अमूर्त हो गए, उदाहरण के लिए, पेड़ की रेखाएं तब तक कम हो जाती हैं जब तक पेड़ का आकार मुश्किल से दिखाई नहीं देता और ऊर्ध्वाधर और क्षैतिज रेखाओं की समग्र संरचना के लिए माध्यमिक होता है। यहां आप अभी भी लाइनों के संरचित संगठन को छोड़ने में मोंड्रियन की रुचि देख सकते हैं। मोंड्रियन की शुद्ध अमूर्तता के विकास के लिए यह कदम महत्वपूर्ण था।

रॉबर्ट डेलौने

Delaunay अमूर्त शैली के शुरुआती कलाकारों में से एक थे। उनके काम ने इस दिशा के विकास को प्रभावित किया, जो रंगों के विपरीत होने के कारण होने वाले रचनात्मक तनाव पर आधारित था। वह जल्दी से नव-प्रभाववादी रंग के प्रभाव में आ गया और अमूर्ततावाद की शैली में काम की रंग प्रणाली का बहुत बारीकी से पालन किया। उन्होंने रंग और प्रकाश को मुख्य उपकरण माना जिसके साथ आप दुनिया की निष्पक्षता को प्रभावित कर सकते हैं।

1910 तक, डेलौने ने कैथेड्रल और एफिल टॉवर को चित्रित करने वाली पेंटिंग्स की दो श्रृंखलाओं के रूप में क्यूबिज़्म में अपना योगदान दिया था, जिसमें क्यूबिक रूप, आंदोलन की गतिशीलता और उज्ज्वल रंग शामिल थे। रंग सामंजस्य का उपयोग करने के इस नए तरीके ने शैली को रूढ़िवादी क्यूबिज़्म से अलग करने में मदद की, जिसे ऑर्फ़िज़्म कहा जाता है, और तुरंत यूरोपीय कलाकारों को प्रभावित किया। डेलाउने की पत्नी, कलाकार सोनिया तुर्क-डेलौने ने उसी शैली में पेंट करना जारी रखा।

Delaunay का मुख्य कार्य एफिल टॉवर को समर्पित है - फ्रांस का प्रसिद्ध प्रतीक। यह 1909 और 1911 के बीच एफिल टॉवर को समर्पित ग्यारह चित्रों की श्रृंखला में सबसे प्रभावशाली है। इसे चमकीले लाल रंग में रंगा गया है, जो इसे तुरंत आसपास के शहर की नीरसता से अलग करता है। कैनवास का प्रभावशाली आकार इस इमारत की भव्यता को और बढ़ा देता है। एक भूत की तरह, टॉवर आसपास के घरों से ऊपर उठता है, पुराने आदेश की बहुत नींव हिलाता है। डेलाउने की पेंटिंग उस समय की असीम आशावाद, मासूमियत और ताजगी की भावना को व्यक्त करती है जिसने अभी तक दो विश्व युद्ध नहीं देखे हैं।

फ्रांटिसेक कुपका

फ्रांटिसेक कुप्का एक चेकोस्लोवाक कलाकार है जो शैली में पेंट करता है अमूर्तवादप्राग अकादमी ऑफ़ आर्ट्स से स्नातक किया। एक छात्र के रूप में, उन्होंने मुख्य रूप से देशभक्ति के विषयों पर चित्रकारी की और ऐतिहासिक रचनाएँ लिखीं। उनकी शुरुआती रचनाएँ अधिक अकादमिक थीं, हालाँकि, उनकी शैली वर्षों में विकसित हुई और अंततः अमूर्त कला में विकसित हुई। बहुत यथार्थवादी तरीके से लिखे गए, यहां तक ​​कि उनके शुरुआती कार्यों में रहस्यमय असली विषयों और प्रतीकों को शामिल किया गया था, जो अमूर्त लिखते समय संरक्षित थे। कुप्का का मानना ​​​​था कि कलाकार और उसका काम एक निरंतर रचनात्मक गतिविधि में भाग लेते हैं, जिसकी प्रकृति सीमित नहीं है, एक निरपेक्ष की तरह।

"अमोर्फा। दो रंगों में फ्यूग्यू" (1907-1908)

1907-1908 की शुरुआत में, कुप्का ने अपने हाथ में एक गेंद पकड़े हुए एक लड़की के चित्रों की एक श्रृंखला को चित्रित करना शुरू किया, जैसे कि वह उसके साथ खेलने या नृत्य करने वाली थी। उसके बाद उन्होंने उसके बारे में तेजी से योजनाबद्ध प्रतिनिधित्व विकसित किया, और अंततः पूरी तरह से अमूर्त चित्रों की एक श्रृंखला तैयार की। वे लाल, नीले, काले और सफेद रंग के सीमित पैलेट में बने थे। 1912 में, सैलून डीऑटोम्ने में, इन अमूर्त कार्यों में से एक को पहली बार पेरिस में सार्वजनिक रूप से प्रदर्शित किया गया था।

आधुनिक अमूर्तवादी

बीसवीं सदी की शुरुआत से, पाब्लो पिकासो, सल्वाडोर डाली, काज़ेमिर मालेविच, वासिली कैंडिंस्की सहित कलाकार, वस्तुओं के रूपों और उनकी धारणा के साथ प्रयोग कर रहे हैं, और कला में मौजूद सिद्धांतों पर भी सवाल उठा रहे हैं। हमने सबसे प्रसिद्ध आधुनिक अमूर्त कलाकारों का चयन तैयार किया है जिन्होंने अपने ज्ञान की सीमाओं को आगे बढ़ाने और अपनी वास्तविकता बनाने का फैसला किया है।

जर्मन कलाकार डेविड श्नेल(डेविड श्नेल) उन जगहों पर घूमना पसंद करते हैं जहां कभी प्रकृति का वर्चस्व हुआ करता था, और अब वे लोगों की इमारतों से भरे हुए हैं - खेल के मैदानों से लेकर कारखानों और कारखानों तक। इन सैर की यादें उनके उज्ज्वल अमूर्त परिदृश्यों को जन्म देती हैं। तस्वीरों और वीडियो के बजाय अपनी कल्पना और स्मृति पर पूरी तरह से लगाम देते हुए, डेविड श्नेल ऐसे चित्र बनाते हैं जो कंप्यूटर आभासी वास्तविकता या विज्ञान कथा पुस्तकों के चित्र के समान होते हैं।

अपने बड़े पैमाने पर अमूर्त चित्रों का निर्माण, अमेरिकी कलाकार क्रिस्टीन बेकर(क्रिस्टिन बेकर) कला और रेसिंग नस्कर और फॉर्मूला 1 के इतिहास से प्रेरणा लेती हैं। सबसे पहले, वह अपने काम को वॉल्यूम देती हैं, ऐक्रेलिक पेंट की कई परतें लगाती हैं और सिल्हूट को टेप करती हैं। क्रिस्टिन फिर इसे ध्यान से छीलती है, जो पेंट की अंतर्निहित परतों को प्रकट करती है और उसके चित्रों की सतह को बहु-स्तरित, बहु-रंगीन कोलाज की तरह बनाती है। काम के आखिरी चरण में, वह सभी बाधाओं को दूर कर देती है, जिससे उनकी पेंटिंग्स ऐसी दिखती हैं जैसे वे एक्स-रे की तरह महसूस करती हैं।

अपने काम में, ब्रुकलिन, न्यूयॉर्क के ग्रीक मूल के कलाकार, ऐलेना एनाग्नोस(एलियाना एनाग्नोस) रोजमर्रा की जिंदगी के उन पहलुओं की पड़ताल करती है जिन्हें अक्सर लोग अनदेखा कर देते हैं। उसके "कैनवास के साथ संवाद" के दौरान, सामान्य अवधारणाएँ नए अर्थ और पहलू प्राप्त करती हैं: नकारात्मक स्थान सकारात्मक हो जाता है और छोटे रूप आकार में बढ़ जाते हैं। इस तरह से अपने चित्रों में जान फूंकने की कोशिश करते हुए, एलियाना मानव मन को जगाने की कोशिश करती है, जिसने सवाल पूछना और कुछ नया करने के लिए खुला होना बंद कर दिया है।

एक अमेरिकी कलाकार, कैनवास पर चमकीले छींटों और पेंट के धब्बों को जन्म दे रहा है सारा स्पिटलर(सारा स्पिट्लर) अपने काम में अराजकता, आपदा, असंतुलन और अव्यवस्था प्रदर्शित करना चाहती है। वह इन अवधारणाओं से आकर्षित होती है, क्योंकि वे एक व्यक्ति के नियंत्रण से बाहर हैं। इसलिए, उनकी विनाशकारी शक्ति सारा स्पिटलर के अमूर्त कार्यों को शक्तिशाली, ऊर्जावान और रोमांचक बनाती है। अलावा। स्याही, ऐक्रेलिक पेंट, ग्रेफाइट पेंसिल और तामचीनी के कैनवास पर परिणामी छवि अल्पकालिक प्रकृति और जो कुछ हो रहा है उसकी सापेक्षता पर जोर देती है।

वास्तुकला के क्षेत्र से प्रेरणा लेते हुए, वैंकूवर, कनाडा के कलाकार, जेफ डैपनर(जेफ़ डेपनर) ज्यामितीय आकृतियों से बने स्तरित अमूर्त चित्र बनाता है। उनके द्वारा बनाई गई कलात्मक "अराजकता" में, जेफ रंग, रूप और रचना में सामंजस्य चाहता है। उनके चित्रों में से प्रत्येक तत्व एक दूसरे से जुड़े हुए हैं और निम्नलिखित की ओर ले जाते हैं: "मेरा काम एक चुने हुए पैलेट में रंगों के संबंधों के माध्यम से [पेंटिंग की] संरचना की संरचना की पड़ताल करता है ..."। कलाकार के अनुसार, उनके चित्र "अमूर्त संकेत" हैं जो दर्शकों को एक नए, अचेतन स्तर पर ले जाना चाहिए।

दिशा

अमूर्ततावाद (लैटिन अमूर्तता - निष्कासन, व्याकुलता) या गैर-आलंकारिक कला कला की एक दिशा है जिसने चित्रकला और मूर्तिकला में वास्तविकता के करीब के रूपों का प्रतिनिधित्व छोड़ दिया है। अमूर्ततावाद के लक्ष्यों में से एक कुछ रंग संयोजनों और ज्यामितीय आकृतियों को चित्रित करके "सामंजस्य" प्राप्त करना है, जिससे दर्शकों को रचना की पूर्णता और पूर्णता का एहसास होता है। प्रमुख शख्सियतें: वासिली कैंडिंस्की, काज़िमिर मालेविच, नतालिया गोंचारोवा और मिखाइल लारियोनोव, पीट मोंड्रियन।

पहली अमूर्त पेंटिंग 1910 में वासिली कैंडिंस्की द्वारा बनाई गई थी। वर्तमान में, यह जॉर्जिया के राष्ट्रीय संग्रहालय में है - इस प्रकार उन्होंने विश्व चित्रकला में एक नया पृष्ठ खोला - अमूर्ततावाद, चित्रकला को संगीत तक बढ़ाना।

20 वीं शताब्दी की रूस की पेंटिंग में, अमूर्त कला के मुख्य प्रतिनिधि वासिली कैंडिंस्की (जिन्होंने जर्मनी में अपनी अमूर्त रचनाओं के लिए संक्रमण पूरा किया), नताल्या गोंचारोवा और मिखाइल लारियोनोव थे, जिन्होंने 1910-1912 में “रेयोनिज़्म” की स्थापना की, निर्माता एक नए प्रकार की रचनात्मकता के रूप में सर्वोच्चतावाद काज़िमिर मालेविच, "ब्लैक स्क्वायर" के लेखक और एवगेनी मिखनोव-वोइटेंको, जिनके काम को अन्य बातों के अलावा, उनके कार्यों में लागू अमूर्त पद्धति के निर्देशों की एक अभूतपूर्व विस्तृत श्रृंखला द्वारा प्रतिष्ठित किया गया है (ए उनमें से कई, "भित्तिचित्र शैली" सहित, कलाकार ने न केवल घरेलू, बल्कि विदेशी स्वामी के बीच भी पहला इस्तेमाल किया)।

अमूर्ततावाद से संबंधित एक प्रवृत्ति क्यूबिज्म है, जो वास्तविक वस्तुओं को इंटरसेक्टिंग विमानों की एक भीड़ के साथ चित्रित करना चाहती है, जो जीवित प्रकृति को पुन: उत्पन्न करने वाले कुछ सरल आकृतियों की छवि बनाती है। क्यूबिज़्म के कुछ सबसे उल्लेखनीय उदाहरण पाब्लो पिकासो के शुरुआती कार्य थे।

1910-1915 में रूस, पश्चिमी यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका में चित्रकारों ने कला के अमूर्त कार्यों का निर्माण शुरू किया; पहले अमूर्तवादियों में, शोधकर्ताओं का नाम वैसिली कैंडिंस्की, काज़िमिर मालेविच और पीट मोंड्रियन है। गैर-उद्देश्य कला के जन्म का वर्ष 1910 माना जाता है, जब जर्मनी में, मर्नौ में, कैंडिंस्की ने अपनी पहली सार रचना लिखी थी। पहले अमूर्तवादियों की सौंदर्यवादी अवधारणाओं ने माना कि कलात्मक रचनात्मकता ब्रह्मांड के नियमों को दर्शाती है, जो वास्तविकता की बाहरी, सतही घटनाओं के पीछे छिपी हुई है। कलाकार द्वारा सहज रूप से समझे गए ये पैटर्न, एक अमूर्त कार्य में अमूर्त रूपों (रंग के धब्बे, रेखाएँ, आयतन, ज्यामितीय आकृतियाँ) के अनुपात के माध्यम से व्यक्त किए गए थे। 1911 में, म्यूनिख में, कैंडिंस्की ने ऑन द स्पिरिचुअल इन आर्ट नामक पुस्तक प्रकाशित की, जो प्रसिद्ध हुई, जिसमें उन्होंने आंतरिक रूप से आवश्यक, आध्यात्मिक, बाहरी, आकस्मिक के विपरीत अवतार लेने की संभावना पर विचार किया। कैंडिंस्की के सार का "तार्किक औचित्य" हेलेना ब्लावात्स्की और रुडोल्फ स्टेनर के थियोसोफिकल और मानवशास्त्रीय कार्यों के अध्ययन पर आधारित था। पीट मोंड्रियन की सौंदर्यवादी अवधारणा में, रूप के प्राथमिक तत्व प्राथमिक विरोध थे: क्षैतिज - ऊर्ध्वाधर, रेखा - विमान, रंग - गैर-रंग। रॉबर्ट डेलौने के सिद्धांत में, कैंडिंस्की और मोंड्रियन की अवधारणाओं के विपरीत, आदर्शवादी तत्वमीमांसा को अस्वीकार कर दिया गया था; कलाकार के लिए अमूर्ततावाद का मुख्य कार्य रंग के गतिशील गुणों और कलात्मक भाषा के अन्य गुणों का अध्ययन करना था (डेलाउने द्वारा स्थापित दिशा को ऑर्फ़िज़्म कहा जाता था)। "रेयोनिज़्म" के निर्माता मिखाइल लारियोनोव ने "प्रतिबिंबित प्रकाश के विकिरण" को चित्रित किया; रंग की धूल।

1910 के दशक की शुरुआत में, अमूर्त कला का तेजी से विकास हुआ, जो 20वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में अवांट-गार्डे कला के कई क्षेत्रों में प्रकट हुई। अमूर्तवाद के विचार अभिव्यंजनावादियों (वासिली कैंडिंस्की, पॉल क्ले, फ्रांज मार्क), क्यूबिस्ट्स (फर्नांड लेगर), डैडिस्ट्स (जीन अर्प), अतियथार्थवादियों (जोन मिरो), इतालवी भविष्यवादियों (गीनो सेवेरिनी, गियाकोमो बल्ला,) के कार्यों में परिलक्षित होते हैं।

मेरे लिए, अमूर्त कला की शैली मुख्य रूप से सभ्यता के तर्क के साथ टकराव है। पिछली शताब्दी की सभ्यता का पूरा इतिहास सूत्रों, एल्गोरिदम, सिद्धांतों, समीकरणों और नियमों पर बनाया गया है। हालाँकि, संतुलन और सामंजस्य के लिए प्रयास करना मानव स्वभाव है। इस संबंध में, वैज्ञानिक और तकनीकी क्रांति की सदी के भोर में, ऐसा कला आंदोलन प्रकट होता है जो ड्राइंग के शास्त्रीय सिद्धांतों का पालन नहीं करता है, बल्कि इसके विपरीत, अचेतन और अराजक को स्वतंत्रता देने के अपने लक्ष्य के रूप में कार्य करता है। , पहली नज़र में अर्थ से रहित, लेकिन इस तरह एक व्यक्ति को खुद को मानदंडों और हठधर्मिता के प्रभाव से मुक्त करने और आंतरिक सद्भाव बनाए रखने का अवसर देता है।

अमूर्तवाद(लैटिन एब्स्ट्रैक्टस से - दूरस्थ, अमूर्त) 20वीं शताब्दी की कला में एक बहुत व्यापक प्रवृत्ति है, जो 1910 के दशक की शुरुआत में कई यूरोपीय देशों में उत्पन्न हुई थी। अमूर्तवाद की विशेषता वास्तविकता को प्रदर्शित करने के लिए विशेष रूप से औपचारिक तत्वों के उपयोग से होती है, जहाँ नकल या वास्तविकता का सटीक प्रदर्शन अपने आप में एक अंत नहीं था।

अमूर्तवाद के संस्थापक रूसी कलाकार और डचमैन पीट मोंड्रियन, फ्रेंचमैन रॉबर्ट डेलाउने और चेक फ्रांटिसेक कुप्का हैं। ड्राइंग की उनकी विधि "सामंजस्य" की इच्छा पर आधारित थी, जो चिंतनकर्ता में विभिन्न संघों को जगाने के लिए कुछ रंग संयोजनों और ज्यामितीय आकृतियों का निर्माण करती थी।

अमूर्ततावाद में, दो स्पष्ट दिशाओं को प्रतिष्ठित किया जा सकता है: ज्यामितीय अमूर्तता, मुख्य रूप से स्पष्ट रूप से परिभाषित विन्यास (मालेविच, मोंड्रियन) और गीतात्मक अमूर्तता पर आधारित है, जिसमें रचना स्वतंत्र रूप से बहने वाले रूपों (कैंडिंस्की) से व्यवस्थित होती है। अमूर्तवाद में भी कई अन्य प्रमुख स्वतंत्र प्रवृत्तियाँ हैं।

क्यूबिज्म- दृश्य कला में एक अवांट-गार्डे प्रवृत्ति, जो 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में उत्पन्न हुई थी और सशक्त रूप से सशर्त ज्यामितीय रूपों के उपयोग की विशेषता है, वास्तविक वस्तुओं को स्टीरियोमेट्रिक आदिम में "विभाजित" करने की इच्छा।

रेयोनिज़्म (लुचिज़्म)- प्रकाश स्पेक्ट्रा और प्रकाश संचरण के बदलाव के आधार पर 1910 के अमूर्त कला में एक प्रवृत्ति। "विभिन्न वस्तुओं की परावर्तित किरणों को पार करने" से रूपों के उद्भव का विचार विशेषता है, क्योंकि एक व्यक्ति वास्तव में वस्तु को ही नहीं मानता है, लेकिन "प्रकाश स्रोत से आने वाली किरणों का योग, परावर्तित वस्तु।"

रसौली- अमूर्त कला की दिशा का पदनाम, जो 1917-1928 में अस्तित्व में था। हॉलैंड में और एकजुट कलाकारों ने "डी स्टिजल" ("स्टाइल") पत्रिका के आसपास समूह बनाया। स्पेक्ट्रम के प्राथमिक रंगों में चित्रित बड़े आयताकार विमानों के लेआउट में वास्तुकला और अमूर्त पेंटिंग में स्पष्ट आयताकार आकृतियों की विशेषता है।

ओर्फिज़्म- 1910 के फ्रेंच पेंटिंग में एक प्रवृत्ति। ऑर्फ़िस्ट कलाकारों ने स्पेक्ट्रम के प्राथमिक रंगों के इंटरपेनिट्रेशन और घुमावदार सतहों के चौराहे की "नियमितता" की मदद से आंदोलन की गतिशीलता और लय की संगीतमयता को व्यक्त करने की मांग की।

वर्चस्ववाद- 1910 के दशक में स्थापित अवांट-गार्डे कला में एक दिशा। मालेविच। यह सबसे सरल ज्यामितीय रूपरेखाओं के बहु-रंगीन विमानों के संयोजन में व्यक्त किया गया था। बहुरंगी ज्यामितीय आकृतियों का संयोजन संतुलित असममित वर्चस्ववादी रचनाएँ बनाता है जो आंतरिक गति के साथ व्याप्त होती हैं।

तचिस्म- 1950 और 60 के दशक के पश्चिमी यूरोपीय अमूर्तवाद की प्रवृत्ति, जो संयुक्त राज्य अमेरिका में सबसे व्यापक थी। यह धब्बों वाली एक पेंटिंग है जो वास्तविकता की छवियों को फिर से नहीं बनाती है, बल्कि कलाकार की अचेतन गतिविधि को व्यक्त करती है। टचिसमे में स्ट्रोक्स, लाइन्स और स्पॉट बिना किसी पूर्व-निर्धारित योजना के त्वरित हाथ आंदोलनों के साथ कैनवास पर लागू होते हैं।

अमूर्त अभिव्यंजनावाद- भावनाओं को पूरी तरह से प्रकट करने के लिए, गैर-ज्यामितीय स्ट्रोक, बड़े ब्रश, कभी-कभी कैनवास पर टपकते पेंट का उपयोग करके, जल्दी और बड़े कैनवस पर पेंट करने वाले कलाकारों का आंदोलन। यहाँ पेंटिंग की अभिव्यंजक विधि अक्सर पेंटिंग जितनी ही महत्वपूर्ण होती है।

अवंत-गार्डे कला में मुख्य प्रवृत्तियों में से एक। अमूर्त कला का मुख्य सिद्धांत दृश्य वास्तविकता की नकल करने से इनकार करना और काम बनाने की प्रक्रिया में इसके तत्वों के साथ काम करना है। आसपास की दुनिया की वास्तविकताओं के बजाय कला का उद्देश्य कलात्मक रचनात्मकता के उपकरण बन जाते हैं - रंग, रेखा, रूप। प्लॉट को प्लास्टिक आइडिया से बदल दिया गया है। कलात्मक प्रक्रिया में साहचर्य सिद्धांत की भूमिका कई गुना बढ़ जाती है, और बाहरी आवरण से साफ की गई अमूर्त छवियों में रचनाकार की भावनाओं और मनोदशाओं को व्यक्त करना भी संभव हो जाता है, जो घटना के आध्यात्मिक सिद्धांत को केंद्रित करने में सक्षम होते हैं और हो सकते हैं। इसके वाहक (वी.वी. कैंडिंस्की के सैद्धांतिक कार्य)।

शैल चित्रों से शुरू होकर, इसके विकास के दौरान अमूर्तता के यादृच्छिक तत्वों को विश्व कला में पहचाना जा सकता है। लेकिन इस शैली की उत्पत्ति प्रभाववादियों की पेंटिंग में तलाशी जानी चाहिए, जिन्होंने रंग को अलग-अलग तत्वों में विघटित करने की कोशिश की। फौविज़्म ने सचेत रूप से इस प्रवृत्ति को विकसित किया, रंग को "प्रकट" किया, इसकी स्वतंत्रता पर जोर दिया और इसे छवि का उद्देश्य बना दिया। फाउविस्टों में से, फ्रांज़ मार्क और हेनरी मैटिस अमूर्तता के सबसे करीब आए (उनके शब्द रोगसूचक हैं: "सभी कला सार है"), फ्रांसीसी क्यूबिस्ट (विशेष रूप से अल्बर्ट ग्लीज़ और जीन मेट्ज़िंगर) और इतालवी भविष्यवादी (गियाकोमो बल्ला और गीनो सेवरिनी) भी साथ चले गए यह रास्ता.. लेकिन उनमें से कोई भी आलंकारिकता की सीमा को पार नहीं कर सकता था या नहीं करना चाहता था। "हम स्वीकार करते हैं, हालांकि, मौजूदा रूपों के कुछ अनुस्मारक को पूरी तरह से गायब नहीं किया जाना चाहिए, कम से कम वर्तमान समय में" (ए। ग्लेज़, जे। मेट्ज़िंगर। क्यूबिज़्म पर। सेंट पीटर्सबर्ग, 1913, पृष्ठ 14)।

पहली अमूर्त कृतियाँ 1900 के अंत में दिखाई दीं - 1910 की शुरुआत में कैंडिंस्की के काम में "ऑन द स्पिरिचुअल इन आर्ट" पाठ पर काम करते हुए, और उनकी "पिक्चर विद अ सर्कल" (1911. एनएमजी) को पहली अमूर्त पेंटिंग माना जाता है। इस समय, वह कहते हैं:<...>केवल वही रूप सही है, जो<...>तदनुसार सामग्री को मूर्त रूप देता है। सभी प्रकार के माध्यमिक विचार, और उनमें से तथाकथित "प्रकृति" के रूप का पत्राचार, यानी। बाहरी प्रकृति, नगण्य और हानिकारक हैं, क्योंकि वे रूप के एकमात्र कार्य - सामग्री के अवतार से विचलित होते हैं। प्रपत्र सार सामग्री की एक भौतिक अभिव्यक्ति है ”(सामग्री और रूप। 1910 // कैंडिंस्की 2001। खंड 1. पृष्ठ 84)।

प्रारंभिक अवस्था में, कैंडिंस्की के व्यक्ति में अमूर्त कला ने रंग को निरपेक्ष कर दिया। रंग, व्यावहारिक और सैद्धांतिक के अध्ययन में, कैंडिंस्की ने जोहान वोल्फगैंग गोएथे द्वारा रंग के सिद्धांत को विकसित किया और पेंटिंग में रंग के सिद्धांत की नींव रखी (रूसी कलाकारों के बीच, एम.वी. मत्युशिन, जी.जी. क्लुटिस, आई.वी. क्लाइन और अन्य रंग में लगे हुए थे। सिद्धांत)।

रूस में, 1912-1915 में, लुचिज़्म (एम.एफ. लारियोनोव, 1912) और सुपरमैटिज़्म (के.एस. मालेविच, 1915) की अमूर्त पेंटिंग सिस्टम बनाई गई, जिसने मोटे तौर पर अमूर्त कला के आगे के विकास को निर्धारित किया। अमूर्त कला के साथ मेल-मिलाप घन-भविष्यवाद और अलोगिज्म में पाया जा सकता है। अमूर्तता के लिए एक सफलता एन.एस. गोंचारोवा की पेंटिंग "एम्प्टीनेस" (1914. स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी) थी, लेकिन इस विषय को कलाकार के काम में और विकास नहीं मिला। रूसी अमूर्तता का एक और अवास्तविक पहलू O.V. Rozanova द्वारा रंगीन पेंटिंग है (देखें: गैर-उद्देश्य कला)।

चेक फ्रांटिसेक कुप्का, फ्रेंचमैन रॉबर्ट डेलौने और जैक्स विलन, डचमैन पीट मोंड्रियन, अमेरिकियों स्टैंटन मैकडॉनल्ड-राइट और मॉर्गन रसेल ने एक ही वर्षों में सचित्र अमूर्तता के लिए अपने स्वयं के पथ का अनुसरण किया। वी.ई. टैटलिन (1914) की प्रति-राहतें पहली अमूर्त स्थानिक रचनाएँ थीं।

समरूपता की अस्वीकृति और आध्यात्मिक सिद्धांत के लिए एक अपील ने अमूर्त कला को थियोसोफी, नृविज्ञान और यहां तक ​​​​कि भोगवाद के साथ जोड़ने का कारण दिया। लेकिन खुद कलाकारों ने अमूर्त कला के विकास के पहले चरणों में इस तरह के विचार व्यक्त नहीं किए।

प्रथम विश्व युद्ध के बाद, सार चित्रकला धीरे-धीरे यूरोप में एक प्रमुख स्थान प्राप्त करती है और एक सार्वभौमिक कलात्मक विचारधारा बन जाती है। यह एक शक्तिशाली कलात्मक आंदोलन है, जो अपनी आकांक्षाओं में सचित्र और प्लास्टिक कार्यों की सीमा से बहुत आगे निकल जाता है और सौंदर्य और दार्शनिक प्रणालियों को बनाने और सामाजिक समस्याओं को हल करने की क्षमता प्रदर्शित करता है (उदाहरण के लिए, मालेविच का "सर्वोच्चतावादी शहर", के सिद्धांतों पर आधारित) जीवन निर्माण)। 1920 के दशक में, उनकी विचारधारा के आधार पर, बॉहॉस या गिन्हुक जैसे शोध संस्थानों का उदय हुआ। रचनावाद भी अमूर्तता से विकसित हुआ।

अमूर्तता के रूसी संस्करण को गैर-उद्देश्य कला कहा जाता था।

अमूर्त कला के कई सिद्धांत और तकनीकें जो 20वीं शताब्दी में क्लासिक्स बन गईं, डिजाइन, नाट्य और सजावटी कला, फिल्म, टेलीविजन और कंप्यूटर ग्राफिक्स में व्यापक रूप से उपयोग की जाती हैं।

अमूर्त कला की अवधारणा समय के साथ बदली है। 1910 के दशक तक, इस शब्द का उपयोग पेंटिंग के संबंध में किया जाता था, जहाँ रूपों को सामान्यीकृत और सरलीकृत तरीके से चित्रित किया जाता था, अर्थात। "अमूर्त", अधिक विस्तृत या प्राकृतिक चित्रण की तुलना में। इस अर्थ में, शब्द मुख्य रूप से सजावटी कला या चपटी रचनाओं पर लागू होता था।

लेकिन 1910 के बाद से, "अमूर्त" उन कार्यों को संदर्भित करता है जहां रूप या रचना को ऐसे कोण से दर्शाया गया है कि मूल विषय लगभग मान्यता से परे बदल जाता है। सबसे अधिक बार, यह शब्द कला की एक शैली को दर्शाता है जो पूरी तरह से दृश्य तत्वों - आकृतियों, रंगों, संरचनाओं की व्यवस्था पर आधारित है, और यह बिल्कुल भी आवश्यक नहीं है कि उनकी भौतिक दुनिया में एक आरंभिक छवि हो।

अमूर्त कला में अर्थ की अवधारणा (इसके दोनों अर्थों में, पहले और बाद में) एक जटिल मुद्दा है जिस पर लगातार बहस होती है। अमूर्त रूप गैर-दृश्य घटनाओं को भी संदर्भित कर सकते हैं, जैसे प्रेम, गति, या भौतिकी के नियम, एक व्युत्पन्न इकाई ("अनिवार्यता") के साथ संबद्ध, एक काल्पनिक या अन्यथा विस्तृत, विस्तृत और गैर- से अलग करने के तरीके के साथ। आवश्यक, यादृच्छिक। एक प्रतिनिधि विषय की अनुपस्थिति के बावजूद, एक विशाल अभिव्यक्ति एक अमूर्त कार्य में जमा हो सकती है, और शब्दार्थ से भरे तत्व, जैसे कि लय, दोहराव और रंग प्रतीकवाद, छवि के बाहर विशिष्ट विचारों या घटनाओं में शामिल होने का संकेत देते हैं।

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