finski umjetnici. Kroz dvorane muzeja Ateneum: najpoznatiji i najzanimljiviji eksponati finskih umjetnika u Ermitažu

Akseli Gallen-Kallela

Sammon puolustus (1896.)

Ilustracije za Kalevalu. " Sampo obrana«.

Sampo(Peraje. Sampo) - u karelsko-finskoj mitologiji, jedinstveni magični predmet koji ima magične moći i izvor je sreće, blagostanja i obilja. U epu Kalevala, njegov tvorac Elias Lönnrot predstavio je Sampo u obliku vjetrenjače.

Hugo Simberg

hala (1895)

hala- Ovo mraz, ako sam dobro shvatio, na primjer, ljeti noću ili rano ujutro

U tom smislu, slika dobro prenosi sliku.

Helene Schjerfbeck

Toipilas (1888.)

toipilas — rekonvalescent

Hugo Simberg

Kuoleman puutarha —vrt smrti

Postoji nekoliko verzija ove slike, ovaj crtež je freska iz katedrale u Tampereu.

Ovu sliku mi je preporučila jedna finska djevojka, kada sam primijetio da je nekako tmurno čak i za tmurne Fince, toplo mi je odgovorila: „Smrti paze na cvijeće-ljudi usred pustinje, a kada su prisiljeni rezati njih, čine to nježno, kao da traže oprost...”

Hugo Simberg

Haavoittunut enkeli -Ranjeni anđeo
(1903)

Radnja slike odvija se u prepoznatljivoj povijesnoj pozadini: to je park Eleintarha (bukvalno "zoološki vrt") i zaljev Töölö u Helsinkiju. Početkom 20. stoljeća park je bio popularno rekreacijsko područje radnika, au njemu su bile smještene i dobrotvorne ustanove. Cesta kojom se kreću likovi sačuvala se do danas: povorka se njome kreće prema tadašnjoj školi za slijepe djevojke i prihvatilištu za invalide.

Slika prikazuje dva dječaka koji na nosilima nose ženstvenog anđela s povezom na očima i krvarećeg krila. Jedan od dječaka pozorno i namršteno gleda izravno u gledatelja, njegov pogled izražava ili sućut prema ranjenom anđelu ili prezir. Pozadinski krajolik je namjerno oštar i oskudan, ali daje dojam smirenosti. Netrivijalan zaplet otvara prostor za širok raspon interpretacija. Gruba odjeća i obuća dječaka, njihova namrgođena, ozbiljna lica suprotstavljeni su krhkom liku anđela odjevenog u laganu haljinu, što sugerira suprotnost života i smrti, krvi na krilu anđela i poveza na očima. znak ranjivosti i prolaznog postojanja, ali u ruci anđeo drži buket snježnih kapljica simbol je ponovnog rođenja i oporavka. Čini se da je život ovdje blizu smrti. Jedan od dječaka okrenuo se publici, razbijajući hermetički prostor slike, čime je jasno dao do znanja da su pitanja života i smrti izravno povezana s njima. Sam Simberg odbio je dati bilo kakvu interpretaciju Ranjenog anđela, ostavljajući gledatelja da sam donosi zaključke.

Slika je imala veliki utjecaj na finsku kulturu. Reference na njega nalaze se u mnogim djelima visoke i masovne umjetnosti. Spot finskog metal benda Nightwish za pjesmu "Amaranth" svira na motiv "The Wounded Angel".

Albert Edelfelt

Pariisin Luxembourgin puistossa — U Luksemburškim vrtovima u Parizu.

Akseli Gallen-Kallela

Akka ja poljubac — starica i mačka

U Gallen-Kalleli, općenito, sve su slike remek-djela, ovo je stvarno umjetnik svjetske klase.

Ova je slika pisana naglašeno naturalistički, ali je, uza svu svoju neuljepšanost, puna simpatije i ljubavi prema najjednostavnijim i najsiromašnijim ljudima.

Sliku je 1895. nabavio Muzej umjetnosti u Turkuu i tamo se nalazi i danas.

Riječ akka Uvijek s mukom prevodim - i "žena" i "baka".

Ovdje ću pokazati malo ukusa i dodati još jednu sliku Helene Schjerfbeck- na ruskom čitamo njezino ime Helena Schjerfbeck.

I evo tračka svjetla i topline.

Slika iz 1882. Tanssiaiskengat —cipele za ples.

Ovo je vjerojatno najtužnija finska slika. Barem po mom mišljenju.

Albert Edelfelt

Lapsen ruumissaatto — Sprovod djeteta(doslovno pogrebna povorka djeteta)

Ovo je prva žanrovska kompozicija na otvorenom u finskoj vizualnoj umjetnosti. Postala je, takoreći, fragment stvarnog života, koji je vidio i uhvatio umjetnik. Slika govori o ljudskoj tuzi. Edelfelt je prikazao jednostavnu obitelj koja nosi mali lijes na brodu. Surov krajolik odgovara raspoloženju ljudi koji ispraćaju svoje dijete na posljednji put. U njihovim žalosnim licima, suzdržanim pokretima - svečana tuga, kojom odzvanjaju bijela mirna površina jezera, jarko hladno nebo, daleke niske obale.

“Pogreb djeteta” donio mu je titulu akademika, a djelo je otkupljeno u privatnu zbirku u Moskvi. Istodobno je organizirana osobna izložba u Carskom Selu, a Edelfelt je predstavljen Aleksandru III i Mariji Fjodorovnoj, koja je također voljela slikati.

Blizina umjetnika dvoru pomogla je popularnosti finskog slikarstva u Rusiji. Možemo reći da je Edelfelt bio jedan od onih koji su za Rusiju otkrili umjetnost Finske.

Godine 1907. slika se vratila u Finsku i sada se nalazi u muzeju Ateneum u Helsinkiju.

Ipak, u svoje osobno ime, dopuštam da primijetim da je na ovoj slici vrlo precizno prenesen odnos Finaca prema smrti (koja je, nažalost, dio, posljednji dio, svakog života). Vrlo je strog i suzdržan, i tu postoji razlika od Rusa. Ali ta strogost i suzdržanost ne govori o njihovoj neemocionalnosti, samo Finci sve to nose duboko u sebi. Dublje nego mi Rusi. Ali tuga zbog toga za njih ne prestaje biti tuga.

Pekka Halonen

Tienraivaajia Karjalassa — Graditelji cesta u Kareliji.

Doslovno bi to bilo "čistači cesta u Kareliji".

raivata- dobar glagol očistiti put
Ne znam ima li nešto zajedničko s tom riječi raivo — bijes, bijes

Ali gledajući ovu sliku – možemo pretpostaviti da da.

Još je jedna osobina Finaca na slici - povijesno su morali živjeti u izrazito nepovoljnom prirodnom okruženju, odnosno ponekad se samo žestoko bore za svoju egzistenciju, pa otuda, vjerojatno, i ta upornost koju pokazuju u radu i nedaćama. Tako je barem nekada bilo.

Hugo Simberg

Još jedna slika Huga Simberga - " San«.

Simberg se s pravom smatra simbolistom, njegovo je slikarstvo izrazito otvoreno tumačenjima i tumačenjima.

A pritom u njegovim slikama uvijek ima nešto vrlo nacionalno.

Akseli Gallen-Kallela

Poika ja varis — Dječak i vrana.

(1884.) Osobno sam to, inače, naučio tek kao odrastao čovjek vrana (varis), relativno govoreći, ne supruga / žena vrana (korppi). Zapravo, takva zabuna događa se srećom samo u ruskom jeziku. Na primjer, na ukrajinskom, gavran je "lopov", a vrana će biti "vrana". Na engleskom riječ za gavrana zvuči "gavran", a vrana se zove "crow".

Slika se danas nalazi u Ateneumu.

Akseli Gallen-Kallela.

Lemminkäisen aiti — Lemminkäinenova majka.
(1897)

Slika se nalazi u Ateneumu u Helsinkiju.

Slika opisuje scenu iz Kalevale u kojoj je Lemminkäinen ubijen i raskomadan, a dijelovi tijela su bačeni u tamnu rijeku, Tuonelu. Junakova majka grabljama je sakupila dijelove tijela svoga sina, te ih sašila u jednu cjelinu. Na slici ona čeka pčelu - pa podiže pogled - koja će donijeti čarobni med od starijeg boga Ukka, koji mora uskrsnuti Lemminkäinena.

Osnovan 1933. u Helsinkiju. U početku je ujedinio 23 umjetnika različitih specijalnosti, do kraja 1930-ih - oko 45. Prvi predsjednik društva bio je arhitekt i umjetnik interijera L. E. Kurpatov, od 1934. ovo je mjesto zauzimao E. A. Buman-Kolomiytseva, od 1935. - Barun R. A. Shtakelberg (izabran za počasnog člana 1936.), od 1936. - V. P. Shchepansky. Društvo je priređivalo godišnje izložbe radova svojih članova (s novčanim nagradama) i godišnje dobrotvorne balove (obično u hotelu Grand); postojala je zaklada uzajamne pomoći, održavane su prijateljske večeri, čitana su javna izvješća o umjetnosti. Među izvještajima čitanim u različitim godinama: "Rusko kazalište u posljednjih 25 godina" S. M. Veselova (1935.), "Ruski pejzažisti" V. P. Ščepanskog (1936.; posvećeno sjećanju na umjetnicu M. A. Fedorovu), "Kultura kod kuće " L. E. Kurpatova (1936.) i drugi. Društvo je sudjelovalo u organizaciji godišnjeg Dana ruske kulture, koji se slavio na rođendan A. S. Puškina, a 1937. - u događajima vezanim uz stotu obljetnicu smrti pjesnika. Godine 1934. odlučeno je organizirati likovnu radionicu, a ljeti zajednički unajmiti ljetnikovac za rad na skicama.

Na izložbama društva sudjelovali su: M. Akutina-Shuvalova, N. P. Bely, A. P. Blaznov, N. Blinov, E. A. Buman-Kolomiytseva, P. Varlachev, V. A. Veiner, S. M. Veselov , V. I. Voutilainen, E. V. Deters, H. Dippel- Shmakov, S. Dobrovolsky, P. S. Zakharov, S. G. Irmanova, I. M. Karpinsky, I. Krasnostovsky, L. Kratz, L. L. Kuzmin, N. G. Kuzmina, I. Kurkiranta, L. E. Kurpatov, O. Kurpatova, T. Kurto, A. Lindenberg, P. Lomakin, barunica M. B. Maidel, M. Milova, M. M. von Mingin, V. Mitinin, M.N. Nemilova, M. Pets-Blaznova, L. Platan, G. Presas, Yu. I. Repin, V. I. Repina, M. Romanov, S. Rumbin, V. P. Semenov-Tyan-Shansky, M. A. Fedorova, T. Schwank, V. Shermanova -Brown, M. N. Shilkin, A. L. von Schultz, G. Schumacher, M. N. Shchepanskaya, V. P. Shchepansky.

Izbijanjem neprijateljstava protiv Finske 1939. godine djelovanje društva prestaje i postaje aktivnije tek nakon rata. Godine 1945. društvo je pretvoreno u Savez ruskih umjetnika u Finskoj, pod predsjedanjem I. M. Karpinskog. Sljedeće godine ova je organizacija postala kolektivni član Ruske kulturno-demokratske unije, a 1947. održana je prva izložba u Umjetničkom salonu Harhammer.

Bibliografija:	Kronika književnog života ruskog inozemstva: Finska (1918–1938) / Sastavili: E. Hämäläinen, Yu. A. Azarov // Književni časopis. Odjel za jezik i književnost Ruske akademije znanosti. Institut za znanstvene informacije o društvenim znanostima Ruske akademije znanosti. – 2006. br. 20. S. 271–319.
Veze:
Geografija:
Sastavio:
Datum unosa:

Stalni postav Muzeja Ateneum zauzima treći kat zgrade (tu su također uređene manje tematske izložbe), a na drugom katu održavaju se privremene izložbe (tlocrt dvorana). U ovoj bilješci govorit ćemo o nekima od najzanimljivijih i najpoznatijih slika i skulptura iz zbirke Ateneuma, kao i o njihovim autorima: slavnim Finski slikari i kipari. Više o povijesti muzeja Ateneum i arhitekturi muzejske zgrade može se čitati. Također pruža korisne informacije o cijene ulaznica, radno vrijeme te postupak posjećivanja Muzeja Ateneum. Pažnja: ne uvijek u muzeju možete vidjeti sva poznata djela u isto vrijeme.

Radovi finskih kipara

Započnimo našu šetnju muzejom Ateneum odmah od ulaza.

U predvorju nas dočekuje mramorna skupina " Apolon i Marsije» (1874.) poznatog finskog kipara Walter Runeberg (Walter Magnus Runeberg) (1838-1920), autor spomenika Johanu Runebergu i caru Aleksandru II u Helsinkiju. Kiparev otac, pjesnik Johan Runeberg, predstavnik nacionalnog romantičarskog pravca u književnosti, uveo je u finsku kulturu ideale grčke i rimske civilizacije, uključujući vrijednost hrabrosti i odanosti. Njegov sin nastavio je izražavati te ideale, ali pomoću skulpture. Godine 1858-62. Walter Runeberg studirao je na Akademiji likovnih umjetnosti u Kopenhagenu pod vodstvom danskog kipara Hermanna Wilhelma Bissena, učenika slavnog Thorvaldsena, međunarodno priznatog majstora neoklasičnog kiparstva. Godine 1862-1876. Runeberg je radio u Rimu, nastavljajući proučavati klasičnu baštinu.

U ovoj skulpturalnoj skupini Runeberg je prikazao boga svjetla, Apolona, ​​koji svojom umjetnošću pobjeđuje satira Marsijasa, personificirajući tamu i zemljanost. Lik Apolona rađen je u duhu antičkih ideala, dok je ova slika jasno suprotstavljena barokno-divljem pastiru Marsiju. Kompozicija je prvotno trebala ukrasiti novi Studentski dom u Helsinkiju, a naručilo ju je sestrinstvo, no onda su gospođe očito zaključile da u Runebergovoj skulpturi ima previše golotinje. Ovako ili onako, na kraju je djelo predano kao dar Umjetničkom društvu Finske – i tako je završilo u zbirci muzeja Ateneum.

Na ulazu u glavne izložbene dvorane Ateneuma na trećem katu možete vidjeti još neka zanimljiva djela finski kipari. Posebno su atraktivne mramorne i brončane skulpture, elegantne figurice i vaze koje je izradio Ville Wallgren (Ville Wallgren) (1855–1940).Ville Wallgren bio je jedan od prvih finskih kipara koji je nakon osnovnog obrazovanja u Finskoj odlučio nastaviti studij ne u Kopenhagenu, već u Parizu. Na njegov izbor utjecao je poznati umjetnik Albert Edelfelt, također rodom iz Porvooa. Edelfelt je impulzivnom zemljaku pomogao u drugim životnim i profesionalnim stvarima: na primjer, uz njegovu je pomoć Wallgren dobio narudžbu da dovrši poznatu fontanu Havis Amanda (1908.) na Esplanade Boulevard u.

Ville Wallgren, koji je skoro 40 godina živio u Francuskoj, najpoznatiji je po svojim senzualnim ženskim figurama u stilu Art Nouveau. Međutim, u ranoj fazi svog rada često je portretirao mladiće i držao se klasičnijeg stila (primjeri su poetične mramorne skulpture " Jeka" (1887) i " dječak koji se igra s rakovima(1884), u kojem Wallgren povezuje ljudske karaktere i svijet prirode).

Krajem 19. stoljeća Ville Wallgren je stekao svjetsku slavu kao izvanredan majstor ukrasnih figurica, kao i vaza, pogrebnih urni i suza, ukrašenih likovima oplakujućih djevojaka. No, s ništa manje uvjerljivosti, bonvivant Wallgren prikazao je radosti života, uključujući koketne i zavodljive žene, poput iste Havis Amande. Osim spomenute skulpture "Dječak se igra s rakom" (1884.), na trećem katu muzeja Ateneum možete vidjeti brončani radovi Willea Wallgrena: "Suza" (1894.), "Proljeće (renesansa)" (1895.), "Dvoje mladih" (1893.) i vaza (oko 1894.). Ova izuzetna djela sa savršeno razrađenim detaljima malih su dimenzija, ali ostavljaju snažan emotivni dojam i pamte se po svojoj ljepoti.

Ville Wallgren je prošao dug put do karijere kipara, ali kada je pronašao svoj smjer i pridobio podršku profesionalaca, postao je jedan od najcjenjenijih i međunarodno priznatih umjetnika u povijesti. finska umjetnost. Na primjer, bio je jedini Finac koji je dobio Grand Prix medalju za svoj rad na Svjetskoj izložbi u Parizu (to se dogodilo 1900. godine). Wallgren je prvi put privukao pozornost kolega i kritičara na Svjetskoj izložbi 1889. godine, na kojoj je predstavljen njegov reljef "Krist". Još jednom se finski kipar oglasio tijekom simbolističkih pariških salona Ruža + Croix 1892. i 1893. godine. Wallgrenova supruga bila je švedska umjetnica i kiparica Antoinette Rostrem ( Antoinette Råström) (1858-1911).

Zlatno doba finske umjetnosti: Albert Edelfelt, Akseli Gallen-Kallela, Eero Järnefelt, Pekka Halonen

U jednoj od najvećih dvorana na trećem katu muzej Ateneum predstavljene su klasične slike, uključujući radove prijatelja Villea Wallgrena - Albert Edelfelt (Albert Edelfelt) (1854-1905), najpoznatiji u svijetu finski umjetnik.

Pozornost publike nužno privlači nevjerojatna slika " Kraljica Blanca"(1877.) - jedna od najpopularnijih i najomiljenijih slika u Finskoj, pravi hvalospjev majčinstvu. Tiskane reprodukcije ove slike i vezovi koji je prikazuju mogu se pronaći u tisućama domova diljem zemlje. Edelfelt je bio inspiriran kratkom pričom "Devet srebrnjaka" Zachariasa Topeliusa ( De nio silverpenningarna), u kojoj srednjovjekovna kraljica Švedske i Norveške, Blanca od Namura, pjesmama zabavlja svog sina, princa Hakona Magnussona, budućeg muža Margarete I. od Danske. Rezultat ovog braka, organiziranog upravo Kraljica Blanca, postala je unija Švedske, Norveške i Danske - Kalmarska unija (1397.-1453.). O svim tim budućim događajima lijepa Blanca pjeva svom sinčiću.

U doba nastanka ovog platna, povijesno slikarstvo smatralo se najplemenitijim oblikom umjetnosti i bilo je traženo od strane obrazovanih dijelova finskog društva, budući da se nacionalni identitet u to vrijeme tek počeo oblikovati. Albert Edelfelt imao je samo 22 godine kada je odlučio stvoriti sliku na temu srednjovjekovne skandinavske povijesti, a Queen Blanca postao je njegov prvi ozbiljan rad. Umjetnik je nastojao ispuniti očekivanja svog naroda i što je moguće življe i autentičnije utjeloviti povijesnu scenu (u vrijeme slikanja Edelfelt je živio u skučenom potkrovlju u Parizu i, na inzistiranje svog učitelja Jean-Leona Geromea, studirao nošnje tog razdoblja, čitati knjige o srednjovjekovnoj arhitekturi i namještaju, posjetiti srednjovjekovni muzej Cluny). Pogledajte s kakvom je vještinom ispisana sjajna svila kraljičine haljine, medvjeđa koža na podu i mnogi drugi detalji (umjetnik je medvjeđu kožu posebno iznajmio u robnoj kući). Ali glavna stvar na slici, barem za suvremenog gledatelja (i za samog Edelfelta, koji je volio svoju majku više od ikoga na svijetu), jest njezin topli emotivni sadržaj: majčino lice i pokreti djeteta koji izražavaju ljubav, radost i intimnost.

Lijepa 18-godišnja Parižanka bila je model kraljice Blance, a princu je pozirao zgodni Talijan. Slika "Kraljica Blanca" je prvi put predstavljen javnosti 1877. na pariškom Salonu, postigao je veliki uspjeh i repliciran u francuskim umjetničkim publikacijama. Zatim je prikazana u Finskoj, nakon čega je platno prodano Aurori Karamzini. Naknadno je slika završila u kolekciji magnata Hjalmara Lindera, koji ju je darovao muzej Ateneum 1920. godine.

Još jedan primjer rane kreativnosti Albert Edelfeltžalosna slika" Sprovod djeteta"("Prijevoz lijesa") (1879). Već smo rekli da je Edelfelt u mladosti namjeravao postati povijesni slikar; za to se pripremao studirajući u Antwerpenu, a zatim u Parizu. No krajem 1870-ih njegovi se ideali mijenjaju, sprijateljio se s francuskim umjetnikom Bastien-Lepageom i postao propovjednik plenerističkog slikarstva. Sljedeći radovi Edelfelt već su realan odraz seljačkog života i živog života rodnog kraja. Ali slika "Pogreb djeteta" ne odražava samo scenu svakodnevnog života: ona prenosi jednu od temeljnih ljudskih emocija - tugu.

Te je godine Edelfelt prvi put posjetio vikendicu koju je unajmila njegova majka na imanju Haikko u blizini Porvooa (kasnije je umjetnik svakog ljeta dolazio u ta prekrasna mjesta). Slika je u cijelosti naslikana na otvorenom, za što je trebalo veliko platno pričvrstiti na obalne gromade kako ne bi lepršalo na vjetru. “Nisam mislio da je tako teško slikati na otvorenom”, rekao je Edelfelt jednom od svojih prijatelja. Edelfelt je skicirao izmoždena lica stanovnika arhipelaga Porvoo, više puta je izlazio na more s ribarima, a čak je u svoju radionicu posebno smjestio ispiljeni ribarski brod kako bi precizno reproducirao detalje. Edelfelt slika « Pogreb djeteta" bio je izložen na Pariškom salonu 1880. i nagrađen je medaljom 3. stupnja (prvi put finski umjetnik dobio takvu čast). Francuski kritičari primijetili su različite prednosti slike, uključujući činjenicu da je lišena pretjerane sentimentalnosti, ali odražava dostojanstvo s kojim likovi prihvaćaju neizbježno.

Slika je prožeta sasvim drugačijim, sunčanim i bezbrižnim ugođajem. Albert Edelfelt « luksemburški vrt» (1887.). Kad je Edelfelt naslikao ovo platno, već je bio vrlo poznata ličnost u svijetu pariške umjetnosti. Fasciniran pariškim parkovima s brojnom djecom i dadiljama koje uživaju u lijepom vremenu, odlučio je snimiti ovu ljepotu. Do tada je slikar već živio u Parizu više od deset godina, pa je čak čudno da je ova slika njegovo jedino veće djelo koje prikazuje pariški život. To je vjerojatno zbog oštre konkurencije među umjetnicima: bilo je lakše istaknuti se u ovoj sredini, radeći na "egzotičnijim" finskim temama. Slika “Luksemburški vrtovi” neobična je i po tome što je Edelfelt u njoj koristio mnoge tehnike impresionizma. Istodobno, za razliku od impresionista, na ovom je platnu radio više od godinu dana, kako na otvorenom, tako iu studiju. Radovi su često bili usporeni iz banalnih razloga: zbog lošeg vremena ili kasnih modela. Samokritični Edelfelt više puta je prerađivao platno, unoseći izmjene sve do posljednjeg trenutka, kada je došlo vrijeme da se djelo iznese na izložbu.

Slika je prvi put prikazana na izložbi u Galerie Petit svibnja 1887. Sam Edelfelt nije bio baš zadovoljan rezultatom: na pozadini eksplozija boja na slikama francuskih impresionista, njegovo je platno izgledalo, kako mu se činilo, anemično, "tekuće". Međutim, rad je dobro primljen od strane kritike i javnosti. Naknadno je ova slika postala neka vrsta simbola bliskih veza finske umjetnosti - a posebno Edelfelta - s Parizom, koji je u to vrijeme bio epicentar umjetničkog svemira.

slika " Žene u crkvi u Ruokolahtiju» (1887) Albert Edelfelt napisao u svojoj ljetnoj radionici u Haikku - tu je stvorio gotovo sva svoja djela na temu narodnog života. Iako slika odražava dojmove s putovanja po istočnoj Finskoj, poznato je da su modeli za sliku bile žene iz Haikka (sačuvane su fotografije na kojima poziraju Edelfeltu u njegovom ateljeu). Kao i druge velike kompozicije, ni ova nije nastala preko noći, uvijek su se radile pomne preliminarne skice. Međutim, glavni cilj umjetnika uvijek je bio postići spontani, živi efekt "snimke".

Uz djela Alberta Edelfelta u muzeju Ateneum možete vidjeti slike još jednog predstavnika zlatnog doba finske umjetnosti, Eero Jarnefelta (Eero Järnefelt) (1863-1937). Nakon završetka studija u Finskoj, Järnefelt je otišao u Sankt Peterburg gdje je studirao Akademija umjetnosti sa svojim ujakom Mihailom Klodtom, zbližio se s Rjepninom i Korovinom, a zatim otišao nastaviti školovanje u Pariz. Unatoč stranim utjecajima, Järnefeltovo djelo odražava potragu za nacionalnim identitetom, želju da se naglasi osebujna priroda njegove matične kulture ( više o kreativnosti Eero Jarnefeltačitati ).

Jarnefelt je najpoznatiji kao portretist i autor veličanstvenih krajolika područja Koli i okolice jezera Tuusulanjärvi, gdje se nalazila njegova vila-atelje Suviranta (u susjedstvu je bila kuća Ainola, u kojoj je živio skladatelj Sibelius sa suprugom, Jarnefeltova sestra).

Ali najvažniji i najpoznatiji rad Eera Järnefelta je, naravno, slika "Pod jarmom" ("Izgara šuma")(1893) (ostale varijante imena - " Savijanje leđa za novac», « prisilni rad"). Radnja platna povezana je s drevnom metodom poljoprivrede, koja se sastoji u spaljivanju šume kako bi se dobilo obradivo zemljište (tzv. poljoprivreda na kosi i pali). Slika je nastala u ljeto 1893. godine na farmi Rannan Puurula u Lapinlahtiju, u regiji Sjeverni Savo. Te godine mraz je po drugi put pokvario berbu. Järnefelt je radio na farmi bogate obitelji i promatrao teške uvjete života i rada radnika bez zemlje koji su za svoj rad bili plaćeni samo ako je žetva bila dobra. Paralelno, Järnefelt je napravio skice gorućeg šumskog krajolika, proučavao ponašanje vatre i dima, a također je snimao seljane, koji su na kraju postali glavni likovi njegove slike.

Samo jedan lik na slici gleda izravno u gledatelja: to je djevojka koja je nakratko prekinula posao i gleda nas s prijekorom. Želudac joj je bio natečen od gladi, lice i odjeća pocrnjeli od čađe, a oko glave Jarnefelt je prikazivao dim nalik aureoli. Umjetnik je naslikao ovu sliku od 14-godišnje djevojčice po imenu Johanna Kokkonen ( Johanna Kokkonen), sluge na farmi. Osoba u prvom planu je Heikki Puurunen ( Heikki Puurunen), farmerov brat, au pozadini je prikazan vlasnik farme.

Gledajući sliku, doslovno možete osjetiti toplinu vatre, čuti prigušenu buku plamena i škripanje grana. Slika ima nekoliko interpretacija, ali njeno glavno značenje je oštra kritika potlačenih ljudi. Djevojčica sa slike postala je generalizirana slika sve siromašne i gladne djece, svih obespravljenih ljudi Finske. Platno je prvi put predstavljeno javnosti 1897. godine.

Čitava velika dvorana Muzej Ateneum posvećen djelu još jednog poznatog predstavnika zlatnog doba finske likovne umjetnosti - Akseli Gallena-Kallela (Akseli Gallen-Kallela) (1865-1931). Kao i drugi veliki finski umjetnici tog razdoblja, studirao je kod. Gallen-Kallela je izazvao posebnu pozornost pariške javnosti tijekom Svjetske izložbe 1900. godine, kada je za finski paviljon izveo niz freski prema motivima finskog epa Kalevala.

Tijekom studij u Parizu Gallen-Kallela često je skicirao prizore koje je primjećivao na ulicama i u kafićima. Primjer kreativnosti ovog razdoblja je slikarstvo "Akt" ("Bez maske") (Demasquee ) (1888) - gotovo jedino erotsko platno u radu Gallen-Kallele. Poznato je da ju je izradio 23-godišnji umjetnik po narudžbi finskog kolekcionara i filantropa Fridtjofa Antella, koji je želio obnoviti svoju kolekciju seksualno eksplicitnih slika. Međutim, kada je Antell vidio sliku, odbio ju je uzeti, očito smatrajući da je slika previše opscena čak i za njegov ukus.

Slika prikazuje nagu Parižanku (očigledno prostitutku) kako sjedi u umjetnikovom ateljeu na sofi prekrivenoj tradicionalnim finskim tepihom. Slika daje ideju o boemskom načinu života, ali u isto vrijeme nagovještava da su njegove radosti prepune smrti, pada. Umjetnik prikazuje ljiljan koji simbolizira nevinost, a kontrast mu je naglašeno senzualan model i gitara, čiji oblik dodatno pojačava erotski osjećaj. Žena izgleda i zavodljivo i zastrašujuće. Raspelo, kip Bude i starinski finski tepih ruyu, prikazani pored samozadovoljnog ženskog tijela, aludiraju na oskvrnjenje sveca. Lubanja se ceri na stolu u pozadini - čest element u slikama žanra Vanitas, podsjećajući promatrača na krhkost zemaljskih užitaka i neizbježnost smrti. platno Demasquee prvi put je izložena u Muzej Ateneum 1893. godine.

Mnoga kasnija djela Gallena-Kallela posvećen "Kalevale". Prikazujući junake finskog epa kao što su Väinämöinen i Lemminkäinen, umjetnik koristi poseban stil, oštar i ekspresivan, pun neponovljivo svijetlih boja i stiliziranih ukrasa. Iz ovog ciklusa vrijedi istaknuti zapanjujuću sliku “ Lemminkäinenova majka» (1897.). Iako je slika ilustracija epa, ona ima globalniji, univerzalniji zvuk i može se smatrati svojevrsnom Sjevernom Pietom. Ova prodorna pjesma majčinske ljubavi jedno je od najljepših djela Gallen-Kallele na temu " Kalevala».

Lemminkäinenova majka- veseo momak, spretan lovac i zavodnik žena - pronalazi svog sina na crnoj rijeci smrti (rijeka Tuonela), gdje je pokušao ustrijeliti svetog labuda. Labud je prikazan u tamnoj vodi u pozadini, a lubanje i kosti razbacane su po kamenoj obali i niče cvijeće smrti. Kalevala govori kako majka češlja vodu dugim grabljama, grablja sve komadiće i iz njih ponovno savija sina. Uz pomoć čarolija i masti, ona oživljava Lemminkäinena. Slika prikazuje trenutak koji prethodi uskrsnuću. Čini se da je sve nestalo, ali sunčeve zrake prodiru u carstvo mrtvih, dajući nadu, a pčela nosi životvorni božanski melem za uskrsnuće heroja. Tamne, prigušene boje pojačavaju tišinu ovog podzemlja, dok su intenzivna krvavocrvena mahovina na stijenama, smrtonosna bjelina Lemminkäinenovih biljaka i kože u kontrastu s božanskom zlatnom bojom pčele i zrakama koje se slijevaju s neba.

Za ovu sliku umjetniku je pozirala vlastita majka. Uspio je stvoriti vrlo realističnu sliku sa živim, intenzivnim pogledom (ovo je iskrena emocija: Gallen-Kallela je namjerno govorio svojoj majci o nečemu tužnom, što ju je natjeralo da plače). U isto vrijeme, slika je stilizirana, što omogućuje stvaranje posebne mitske atmosfere, osjećaja da se događaji odvijaju "s druge strane" stvarnosti. Kako bi pojačao emocionalni učinak, Gallen-Kallela je umjesto uljanih boja koristio temperu. Pojednostavljeni oblici, jasne konture figura i velike ravnine boja pomažu u stvaranju snažne kompozicije. Kako bi što bolje dočarao turobni ugođaj slike, umjetnik je u svojoj studijskoj kući u Ruovesiju opremio potpuno crnu sobu, jedini izvor rasvjete u kojoj je bio svjetlarnik. Osim toga, fotografirao se kako gol leži na podu i koristio se tim slikama kada je slikao lik Lemminkäinena.

U sasvim drugačijem, idiličnom i gotovo frivolnom stilu, triptih Gallen-Kallela" Legenda o Ainu» (1891.). Kompozicija je posvećena zapletu iz Kalevale o mladoj djevojci Aino i starom mudracu Väinämöinenu. Aino je, odlukom svojih roditelja, trebala biti udana za Väinämöinena, ali ona bježi od njega, radije se utopila. Na lijevoj strani triptiha prikazan je prvi susret starca i djevojke u tradicionalnoj karelskoj nošnji u šumi, a na desnoj strani vidimo tužnu Aino. Spremajući se baciti se u vodu, ona plače na obali, slušajući zov morskih djevojaka koje se igraju u vodi. Na kraju, središnja ploča prikazuje kraj priče: Väinämöinen isplovljava čamcem na more i odlazi u ribolov. Ulovivši malu ribu, on u njoj ne prepozna djevojku koja se njegovom krivnjom utopila i ribu baci natrag u vodu. Ali u tom trenutku riba se pretvara u Aino – sirenu koja se smije starcu kojem je nedostajala i potom zauvijek nestaje u valovima.

Ranih 1890-ih Gallen-Kallela bio je pristaša naturalizma i svakako su mu bili potrebni pravi modeli za sve figure i predmete na slici. Dakle, za sliku Väinämöinena s njegovom dugom lijepom bradom, stanovnik jednog od karelskih sela pozirao je umjetniku. Osim toga, umjetnik je osušio grgeče kako bi postigao što točniju sliku ribe koju je starac preplašio. Čak je i srebrna narukvica koja svjetluca na Ainovoj ruci postojala u stvarnosti: Gallen-Kallela je ovaj nakit poklonio svojoj mladoj supruzi Mary. Ona je očito poslužila kao model za Aino. Krajolike za triptih umjetnik je skicirao tijekom medenog mjeseca u Kareliji.

Kompozicija je uokvirena drvenim okvirom s ornamentima i citatima iz Kalevale ispisanim rukom samog Gallen-Kallele. Ovaj triptih postao je polazište pokreta nacionalni romantizam u Finskoj- Finska verzija secesije. Umjetnik je napravio prvu verziju ove slike u Parizu 1888-89. (sada u vlasništvu Banke Finske). Kada je slika prvi put predstavljena u Helsinkiju, dočekana je s velikim entuzijazmom, a Senat je odlučio naručiti novu verziju o javnom trošku. Takva ideja izgleda sasvim prirodno na tragu pokreta Fennomani, koji je idealizirao i romantizirao finsku naciju. Osim toga, umjetnost se doživljavala kao moćno sredstvo izražavanja finskih nacionalnih ideala. Istodobno su počele ekspedicije umjetnika u Kareliju u potrazi za "pravim finskim stilom". Na Kareliju se gledalo kao na jedinu netaknutu zemlju u kojoj su sačuvani tragovi Kalevale, a sam Gallen-Kallela je ovaj ep doživljavao kao priču o prošlim vremenima nacionalne veličine, kao sliku izgubljenog raja.

Slika Gallen-Kallele " Prokletstvo Kullervo"(1899) govori o još jednom junaku Kalevale. Kullervo je bio mladić izuzetne snage, siroče koje je predano u ropstvo i poslano u divljinu da čuva krave. Zla ljubavnica, žena kovača Ilmarinena, dala mu je kruh za put, u kojem je bio skriven kamen. Pokušavajući rezati kruh, Kullervo je slomio nož, jedinu uspomenu na svog oca. Razjaren, okuplja novo krdo vukova, medvjeda i risova, koji rastrgaju gospodaricu. Kullervo bježi iz ropstva i vraća se kući nakon što sazna da mu je obitelj živa. Međutim, Kullervovim nesrećama tu nije kraj. Beskrajna spirala osvete uništava ne samo njegovu novostečenu obitelj, već i njega samog. Prvo upoznaje i zavodi djevojku za koju se ispostavi da mu je sestra, a zbog te grešne veze sestra počini samoubojstvo. Ubrzo svi njegovi rođaci umiru. Tada se Kullervo ubija bacivši se na mač.

Na slici Gallen-Kallele prikazana je epizoda kada Kullervo još uvijek služi kao pastir (u pozadini se vidi njegovo stado, a ispred je prikazan kruh s pečenim kamenom). Mladić stiska šaku i zaklinje se da će se osvetiti svojim neprijateljima. Umjetnik je prikazao bijesnog junaka na pozadini sunčanog krajolika rane jeseni, ali oblaci se već skupljaju u pozadini, a rowan proliven crvenom bojom služi kao upozorenje, proročanstvo budućeg krvoprolića. U ovoj slici tragedija je spojena s ljepotom karelske prirode, a heroj osvetnik se u određenom smislu može smatrati simbolom finskog borbenog duha i rastuće nacionalne svijesti. S druge strane, pred nama je portret bijesa i razočaranja, nemoći čovjeka kojeg su odgajali tuđinci koji su mu istrijebili obitelj, u ozračju nasilja i osvete, što je ostavilo tragičan pečat na njegovu sudbinu.

Više o kreativnosti Gallena-Kallelačitati .

Ovaj odjeljak zaključujemo pričom o radu još jednog istaknutog predstavnika finskog nacionalnog romantizma u slikarstvu, slavnog umjetnika finskog zlatnog doba - Pekke Halonena. Pekka Halonen (Pekka Halonen) (1865.-1933.) postao je istaknut 1890-ih, dokazavši se kao besprijekoran majstor zimski krajolik. Jedno od remek-djela ovog žanra je slika " Mladi borovi pod snijegom"(1899), koji se smatra primjerom finski japanizam a secesija u slikarstvu. Mekani pahuljasti snijeg koji prekriva sadnice, igrajući se različitim nijansama bijele boje, stvara mirnu atmosferu šumske bajke. Magloviti zrak zasićen je hladnom zimskom izmaglicom, a bujne naslage snijega naglašavaju krhku ljepotu mladih borova. Drveće je općenito bilo jedan od omiljenih motiva u stvaralaštvu. Pekki Halonena. Cijelog života s oduševljenjem je slikao drveće u različito doba godine, a posebno je volio proljeće, no ipak se proslavio upravo kao majstor. zimski krajolik- malo se slikara usuđivalo stvarati na hladnoći. Pekka Halonen nije se bojao zime i cijeli je život radio na otvorenom po svakom vremenu. Pobornik plenerizma, prezrivo je gledao na umjetnike koji "gledaju svijet kroz prozor". Na Halonenovim slikama grane pucaju od mraza, drveće se savija pod teretom snježnih kapa, sunce baca plavičaste sjene na tlo, a stanovnici šume ostavljaju otiske stopala na mekom bijelom tepihu.

Zimski krajolici postali su svojevrsni nacionalni simbol Finske, a Pekka Halonen izradio je desetak platna na temu finske prirode i narodnog života za finski paviljon na Svjetskoj izložbi u Parizu 1900. godine. U ovaj ciklus spada npr. slika „ Kod rupe"(Pranje na ledu") (1900). Halonenovo zanimanje za oslikavanje "sjevernjačke egzotike" javilo se tijekom studija s Paulom Gauguinom u Parizu 1894. godine.

Tipično, umjetnici zlatno doba finskog slikarstva dolazio iz gradske srednje klase. Druga stvar je Pekka Halonen, koji je došao iz obitelji prosvijećenih seljaka i obrtnika. Rođen je u Lapinlahtiju (istočna Finska) i vrlo rano se počeo zanimati za umjetnost - ne samo za slikarstvo, već i za glazbu (umjetnikova je majka bila nadarena pjevačica kantela; sinu je usadila brižan stav i ljubav prema prirodi, a kasnije ova se ljubav pretvorila gotovo u religiju). Mladić je počeo učiti slikarstvo nešto kasnije od svojih vršnjaka, ali nakon četiri godine studija u školi crtanja Finskog umjetničkog društva i izvrsne mature, Halonen je uspio dobiti stipendiju koja mu je omogućila da ode na studija u tadašnjoj umjetničkoj Meki. Prvo je studirao na Académie Julian, a zatim je 1894. počeo uzimati privatne sate od Paul Gauguin zajedno sa svojim prijateljem Vyainom Bloomsteadom. U tom razdoblju Halonen se upoznaje sa simbolizmom, sintetizmom, pa čak i teozofijom. Upoznavanje s najnovijim umjetničkim trendovima, međutim, nije ga navelo da napusti realističnu maniru i nije posudio svijetlu paletu Gauguina, međutim, pod utjecajem Gauguina, Halonen je postao duboki poznavatelj japanske umjetnosti i počeo skupljati kopije japanskih gravura.

Na primjer, njegov rad često prikazuje zakrivljeni bor, popularan motiv u japanskoj umjetnosti. Osim toga, na mnogim slikama Halonen posebnu pozornost posvećuje detaljima, ukrasnim uzorcima grana ili posebnom uzorku snijega, a sama tema zimskih pejzaža nije neuobičajena u japanskoj umjetnosti. Također, Halonen karakterizira sklonost vertikalnim uskim platnima poput "kakemona", asimetričnim kompozicijama, krupnim planovima i neobičnim kutovima. Za razliku od mnogih drugih pejzažista, nije slikao tipične panoramske poglede odozgo; njegovi pejzaži naslikani su duboko u šumi, blizu prirode, gdje stabla doslovno okružuju promatrača pozivajući ga u svoj tihi svijet. Upravo je Gauguin nadahnuo Halonena da otkrije vlastiti stil u prikazivanju prirode i potaknuo ga da svoje teme traži u nacionalnim korijenima. Kao i Gauguin, Halonen je svojom umjetnošću nastojao pronaći nešto primarno, iskonsko, ali samo ako je Francuz svoj ideal tražio na pacifičkim otocima, onda je finski umjetnik nastojao oživjeti “izgubljeni raj” finskog naroda. u djevičanskim šumama, svetim divljinama opisanim u Kalevali.

Rad Pekke Halonen oduvijek se razlikovao po potrazi za mirom i skladom. Umjetnik je vjerovao da "umjetnost ne bi trebala iritirati živce kao brusni papir - ona bi trebala stvoriti osjećaj mira". Čak i prikazujući seljački rad, Halonen je postigla mirne, uravnotežene kompozicije. Dakle, u poslu Pioniri u Kareliji» (« Izgradnja cesta u Kareliji”) (1900.) predstavio je finske seljake kao neovisne, inteligentne radnike koji ne trebaju ulagati pretjerane napore da bi obavili posao. Osim toga, umjetnik je istaknuo da teži stvaranju općeg dekorativnog dojma. Bio je to njegov odgovor suvremenicima koji su kritizirali nerealni "vedri nedjeljni ugođaj" slike i bili iznenađeni prečistom odjećom radnika, malom količinom strugotine na tlu i čudnim izgledom čamca u sredini šuma. Ali umjetnik je imao sasvim drugačiju ideju. Pekka Halonen nije želio stvoriti sliku teškog, iscrpljujućeg rada, već prenijeti miran, odmjeren ritam seljačkog rada.

Halonen je također bio pod velikim utjecajem svojih putovanja u Italiju (1896.-97. i 1904.), uključujući remek-djela rane renesanse koja je vidio u Firenci. Naknadno se Pekka Halonen sa suprugom i djecom (par je imao ukupno osmero djece) preselio na jezero Tuusula, čije je tiho slikovito okruženje služilo kao neiscrpan izvor inspiracije i plodnog rada daleko od Helsinkija, "izvora svega prozaičnog i ružnog". " Ovdje je, skijajući na jezeru, umjetnik tražio mjesto za svoj budući dom, a 1899. godine par je kupio zemljište na obali, gdje je nekoliko godina kasnije izrastao studio Pekke Halonen - vila koju je on nazvao. Haloseniemi (Halosenniemi) (1902). Ovu udobnu drvenu nastambu u nacionalnom romantičnom duhu dizajnirao je sam umjetnik. Danas se u kući nalazi muzej Pekka Halonen.

Finski simbolisti

Jedan od najzanimljivijih dijelova zbirke Muzeja Ateneum jedinstvena su djela Huga Simberga i drugih finskih simbolista.

U zasebnoj prostoriji muzeja Ateneum čuva se poznata slika “ Ranjeni anđeo» (1903.) finski umjetnik Hugo Simberg. Ovo melankolično platno prikazuje čudnu povorku: dva mrzovoljna dječaka nose na nosilima djevojku odjevenu u bijelo, anđela, s povezom na očima i ranjenog krila. Pozadina slike je goli krajolik ranog proljeća. U ruci anđela je buket snjegulja, prvih cvjetova proljeća, simbola ozdravljenja i novog života. . Povorku predvodi dječak odjeven u crno, nalik pogrebniku (vjerojatno simbol Smrti). Pogled drugog dječaka okrenut je prema nama, prodire izravno u dušu gledatelja i podsjeća nas da su teme života i smrti relevantne za svakoga od nas. Pali anđeo, izgon iz raja, razmišljanja o smrti - sve su te teme posebno zabrinjavale umjetnike - simbolisti. Sam umjetnik odbio je ponuditi bilo kakve gotove interpretacije slike, ostavljajući promatrača da sam donosi zaključke.

Hugo Simberg dugo je radio na ovoj slici: prve skice nalaze se u njegovim albumima iz 1898. godine. Neke skice i fotografije odražavaju pojedinačne fragmente kompozicije. Nekad se anđeo vozi u kolicima, nekada ne dječaci, nego su mali vragovi predstavljeni kao nosači, pri čemu lik anđela uvijek ostaje središnji, a pozadina je pravi pejzaž. Proces rada na slici prekinut je kada se Simberg ozbiljno razbolio: od jeseni 1902. do proljeća 1903. umjetnik se liječio u bolnici Deaconess Institute u Helsinkiju ( Helsingin Diakonissalaitos) u području Kallio. Imao je tešku živčanu bolest, pogoršanu sifilisom (od kojeg je umjetnik kasnije umro).

Poznato je da je Simberg svoje modele (djecu) fotografirao u radionici iu parku Eleintarcha, koji se nalazi pored spomenute bolnice. Staza prikazana na slici postoji i danas - prolazi uz obalu zaljeva Töölönlahti. U vrijeme Simberga, park Eleintarcha bio je popularno rekreacijsko područje radničke klase. Osim toga, tamo su bile smještene mnoge dobrotvorne ustanove, uključujući žensku školu za slijepe i sirotište za nemoćne. Simberg je više puta promatrao stanovnike parka kad je ondje šetao u proljeće 1903. godine, krenuvši od teške bolesti. Očito je tijekom tih dugih šetnji ideja o slici konačno dobila oblik. Uz filozofska tumačenja slike “Ranjeni anđeo” (simbol izgona iz raja, bolesne ljudske duše, čovjekove nemoći, slomljenog sna), neki je vide i kao personifikaciju umjetnikova bolnog stanja, pa čak i specifičnih fizičkih simptoma (prema nekim izvješćima Simberg je bolovao i od meningitisa).

Simbergova slika Ranjeni anđeo doživjela je veliki uspjeh odmah nakon završetka. Predstavljanje je održano na jesenskoj izložbi Finskog umjetničkog društva 1903. U početku je platno bilo izloženo bez naslova (točnije, umjesto naslova stajala je crtica), što je dalo naslutiti nemogućnost bilo kakve interpretacije. Za ovo duboko individualno i emotivno djelo umjetnik je 1904. godine dobio državnu nagradu. Drugu verziju Ranjenog anđela Simberg je izveo dok je freskama ukrašavao unutrašnjost katedrale u Tampereu, gdje je radio zajedno s Magnusom Enckelom.

Prema istraživanju provedenom u Finskoj 2006. Ranjeni anđeo” prepoznata je kao najpopularnije djelo u kolekciji Ateneuma, najomiljenija „nacionalna slika” Finske i umjetnički simbol zemlje.

Hugo Simberg (Hugo Simberg) (1873.-1917.) rođen je u gradu Hamini, zatim je živio i studirao, a zatim u, gdje je pohađao školu Finskog umjetničkog društva. Ljeta je često provodio na obiteljskom imanju u Niemenlautti (Syakkijärvi) na obali Finskog zaljeva. Simberg je puno putovao Europom, posjetio London i Pariz, posjetio Italiju i Kavkaz. Važna faza u njegovom razvoju kao umjetnika došla je u vrijeme kada je Simberg, razočaran stereotipnim akademskim obrazovanjem, počeo uzimati privatne sate od Akselija Gallen-Kallele u udaljenom području u Ruovesiju, gdje je Gallen-Kallela izgradio svoju radionicu. Gallen-Kallela visoko je cijenio talent svog učenika i predviđao mu veliku budućnost u svijetu umjetnosti, uspoređujući Simbergov rad s istinitim i strastvenim propovijedima koje bi svatko trebao čuti. Simberg je posjetio Ruovesi tri puta između 1895. i 1897. godine. Ovdje, u atmosferi umjetničke slobode, brzo je pronašao vlastiti jezik. Na primjer, prve jeseni svog boravka u Ruovesiju, napisao je poznato djelo " Smrzavanje(1895), donekle podsjeća na Munchov Vrisak. U ovom slučaju vremenska pojava, strah farmera širom svijeta, dobila je vidljivo utjelovljenje, lice i formu: to je smrtno blijed lik s velikim ušima, sjedi na vrhu snopa i svojim smrtonosnim dahom truje sve oko sebe. . Za razliku od Munchova Krika, dovršenog nekoliko godina ranije, Simbergov Mraz ne izaziva potpuni užas i očaj, već čudan osjećaj prijetnje i sažaljenja u isto vrijeme.

Važan trenutak u Simbergovu životu bila je jesenska izložba 1898., nakon koje je primljen u Savez finskih umjetnika. Simberg je mnogo putovao Europom, predavao i sudjelovao na izložbama. Međutim, razmjeri umjetnikova talenta istinski su cijenjeni tek nakon njegove smrti. Fokus na jezivo i nadnaravno nije bio shvaćen kod svih kritičara i gledatelja tog vremena.

Hugo Simberg bio jedan od najvećih Finski simbolisti. Nisu ga privlačile banalne svakodnevne situacije - naprotiv, prikazivao je nešto što otvara vrata druge stvarnosti, dira um i dušu gledatelja. Umjetnost je shvaćao „kao priliku da čovjeka usred zime prenesete u prekrasno ljetno jutro i osjetite kako se priroda budi i vi sami u skladu s njom. To je ono što tražim u umjetničkom djelu. Trebalo bi nam govoriti o nečemu i glasno govoriti, tako da se odnesemo u drugi svijet.

Simberg je posebno volio prikazivati ​​ono što se može vidjeti samo u mašti: anđele, vragove, trolove i slike same Smrti. Međutim, čak je i tim slikama dao mekoću i ljudskost. Smrt u Simbergu često je dobronamjeran i pun suosjećanja, obavljajući svoje dužnosti bez entuzijazma. Evo došla je s tri bijela cvijeta po staricu. Međutim, Smrti se ne žuri, može si priuštiti slušanje dječaka kako svira violinu. Samo sat na zidu označava protok vremena (" Smrt sluša“, 1897).

Na poslu " vrt smrti”(1896.), nastalom tijekom prvog studijskog putovanja u Pariz, Simberg je, kako je sam rekao, prikazao mjesto na koje odlazi ljudska duša neposredno nakon smrti, prije odlaska u raj. Tri kostura u crnim haljinama nježno brinu o dušama biljaka s istom ljubavlju kao što redovnici brinu o samostanskom vrtu. Ovo je djelo bilo od velike važnosti za umjetnika. Gotovo deset godina kasnije Simberg ju je ponovio u obliku velike freske u katedrali u Tampereu. Neobičan šarm ovog rada leži u simpatičnim svakodnevnim detaljima (kanta za vodu, ručnik koji visi na kuki), mirnoj atmosferi i krotkoj slici same Smrti, koja nije sila razaranja, već utjelovljenje brige. Zanimljivo je da u bajci Hansa Christiana Andersena "Priča o jednoj majci" također nalazimo sličnu sliku: pripovjedač opisuje golemi staklenik smrti - staklenik, u kojem je iza svakog cvijeta ili stabla "fiksirana" ljudska duša. Smrt sebe naziva Božjim vrtlarom: "Uzimam njegovo cvijeće i drveće i presađujem ih u veliki edenski vrt, u nepoznatu zemlju."

Prvi slika smrti pojavio u Simbergovom djelu " Smrt i seljak» (1895.). Kratki crni ogrtač i kratke hlače daju smrti blag, spušten izgled. Ovaj je rad napravio Simberg u Ruovesiju dok je studirao kod Akselija Gallen-Kallele. Tog je proljeća učiteljeva najmlađa kći umrla od difterije, a "Smrt i seljak" može se shvatiti kao izraz sućuti prema čovjeku koji je izgubio dijete.

Poput đavola, anđeli Huga Simberga su humanizirani i stoga ranjivi. Pokušavaju usmjeriti ljude na put dobrote, ali stvarnost je daleko od idealne. posao" San”(1900.) izaziva pitanja kod gledatelja. Zašto žena plače dok anđeo pleše s njezinim mužem? Možda muž napušta ženu i odlazi na drugi svijet? Drugi naziv za ovo djelo bio je "Pokajanje", pa se može tumačiti na različite načine.

Slike anđela prvi put su se pojavile u djelu Simberga u jesen 1895. (djelo " Pobožnost"). U ovom nestašnom djelu anđeo-djevojčica koja moli ne primjećuje da susjedni anđeo ima nešto sasvim drugo na umu. I doista, krila ovog drugog anđela ni izdaleka nisu tako bijela. Postoji borba između senzualnosti i duhovnosti.

Nasip u predjelu Niemenlautta, gdje je Simberg gotovo uvijek ljetovao u obiteljskoj kući, bio je popularno okupljalište mladih u ljetnim večerima. Privučeni zvucima harmonike, mladići i djevojke su ovamo odlazili na ples barkom, čak i izdaleka. Simberg je više puta napravio skice plesača. Ali na poslu Ples na rivi(1899.) djevojke ne plešu s momcima, nego s figurama Smrti, koje se tako često nalaze u Simbergu. Možda Smrt ovoga puta nije došla po strašnu žetvu, već jednostavno želi sudjelovati u općoj zabavi? Iz nekog razloga harmonika ne svira.

Kao što vidiš Hugo Simberg- izrazito originalan umjetnik, čije djelo nije lišeno osebujne ironije, ali je istovremeno prožeto mistikom i fokusirano na teme dobra i zla, života i smrti, karakteristične za umjetnost simbolisti. U djelima Simberga duboka filozofska pitanja isprepliću se s nježnim humorom i dubokim suosjećanjem. "Jadnik", "krotka smrt", kralj kolačića - svi ti likovi došli su u njegov rad iz snova i bajki. Bez pozlaćenih okvira i sjajnih platna: „Samo ljubav čini umjetnička djela stvarnima. Ako trudovi dođu bez ljubavi, dijete će se roditi nesretno.

Osim djela Huga Simberga, u Muzeju Ateneum izložena su djela finski simbolistički slikar Magnus Enkel (Magnus Enckell) (1870.-1925.), poput Simberga, koji je radio na freskama za katedralu u Tampereu (1907.). Enkel je rođen u svećeničkoj obitelji u gradu Hamini, studirao je slikarstvo, a 1891. otišao je u Pariz, gdje je nastavio školovanje na Akademiji Julian. Tamo se zainteresirao za simboliku i mistične ideje rozenkrojcera J. Peladana. Od potonjeg je Magnus Enkel preuzeo androgini ideal ljepote, koji je počeo koristiti u svojim djelima. Enckel je bio fasciniran idejom izgubljenog raja, izgubljene čistoće čovjeka, a vrlo mladi dječaci svojom androginom ljepotom za umjetnika su predstavljali najčišći oblik ljudskog bića. Također ne treba zaboraviti da je Enkel bio homoseksualac i da je često slikao gole dječake i muškarce iskreno erotskog, senzualnog izgleda. Godine 1894-95. umjetnik putuje po Italiji i početkom 20. stoljeća, pod utjecajem klasične talijanske umjetnosti, ali i postimpresionizma, njegova paleta postaje mnogo šarenija i svjetlija. Godine 1909., zajedno s koloristima Wernerom Thoméom i Alfredom Finchom, osnovao je grupu rujan.

Rani rad Magnusa Enkela, naprotiv, obilježen je prigušenim rasponom, kolorističkim asketizmom. Tada je umjetnikova paleta bila ograničena na nijanse sive, crne i oker boje. Primjer je slika Buđenje"(1894), koju je Enkel napisao tijekom umjetnikova drugog posjeta. Platno se odlikuje minimalizmom boja, pojednostavljenom kompozicijom i podcrtanom linijom crteža - sve se to koristi za naglašavanje značaja slike. Mladić koji je ušao u pubertet probudio se i sjedi gol na krevetu, pognute glave s ozbiljnim izrazom lica, udubljen u svoje misli. Izokrenuto držanje njegova tijela nije samo poznata gesta ustajanja iz kreveta; ovaj motiv, koji se često susreće među umjetnicima simbolistima, složeniji je. Pubertet i seksualno buđenje/gubitak nevinosti bile su teme koje su privlačile mnoge Enckelove suvremenike (usp., na primjer, Munchovu uznemirujuću sliku Sazrijevanje (1894./95.)). Crno-bijela gama naglašava melankolično raspoloženje susreta s opresivnim svijetom.

Još finski simbolistički slikar, iako nije najpoznatiji, jest Väinö Bloomstedt (Blomstedt) (Vaino Blomstedt) (1871-1947). Bloomstedt je bio umjetnik i dizajner tekstila, a posebno je bio pod utjecajem japanske umjetnosti. Prvo je studirao u Finskoj, a zatim kod Pekke Halonena u. Kao što već znamo, tijekom posjeta Parizu ovi su finski umjetnici susreli Gauguina, koji se nedavno vratio s Tahitija, i počeli od njega uzimati poduke. Impulzivni Bloomstedt odmah je pao pod utjecaj Gauguina i njegovih platna koja dišu bojama. Potraga za izgubljenim rajem u djelu Gauguina bila je vrlo bliska Bloomstedtu. Samo ako je Gauguin tražio ovaj raj u egzotičnim zemljama, onda je Väinö Bloomstedt, poput mnogih finskih umjetnika tog vremena, bio usmjeren na potragu za porijeklom svoje domovine, djevičanske zemlje Kalevale. Junaci Bloomstedtovih slika često su imaginarni ili mitološki likovi.

Nakon susreta s Gauguinom, Bloomstedt je sredinom 1890-ih napustio realističko slikarstvo i okrenuo se simbolizam i svijetle višebojne sintetički paleta. Prema ideologiji simbolizma, realistična umjetnost koja se temelji na vizualnom promatranju previše je ograničena i ne dopušta da se uhvati ono najvažnije u čovjeku, njegova emocionalna i duhovna bit, tajna samog života. Izvan svakodnevne stvarnosti nalazi se drugi svijet, a cilj simbolista je izraziti taj svijet kroz umjetnost. Umjesto pokušaja stvaranja trodimenzionalne iluzije stvarnosti, umjetnici simbolisti pribjegavali su stilizaciji, pojednostavljivanju, dekorativnosti, tražili su nešto čisto i poetsko. Otuda njihov interes za ranu talijansku renesansu, korištenje tempera i fresko tehnika. Jedan od najjasnijih primjera simbolizam u djelima finskih umjetnika je slika Väinö Bloomstedt « Francesca“(1897), uranjajući gledatelja u svijet sna i zaborava, statične i magične atmosfere s opojnim mirisom maka.

Inspiracija za ovu sliku bila je Danteova Božanstvena komedija u kojoj pjesnik u paklu susreće Francescu da Rimini i ona mu priča priču o svojoj tragičnoj ljubavi prema Paolu. Slika djevojke koja podsjeća na Madonu, "renesansni" krajolik s tamnim čempresima i prozirna kolorirana površina slike (platno se jasno probija kroz boje) upućuje na stare freske u talijanskim crkvama. Osim toga, zbog posebne tehnike izvedbe, slika djelomično podsjeća na otrcanu tapiseriju. Sliku je naslikao Bloomstedt tijekom putovanja u Italiju. Također se vidi utjecaj umjetnosti prerafaelita.

Žene u umjetnosti: finske umjetnice

Muzej Ateneum je također značajan po tome što značajan dio njegove zbirke čine djela umjetnice, uključujući svjetski poznate kao što su finski umjetnik Helena Schjerfbeck. Godine 2012. u Muzeju Ateneum održana je opsežna izložba radova Helene Schjerfbeck, posvećena 150. obljetnici njezina rođenja. Muzej Ateneum čuva najveću i najpotpuniju zbirku djela Helene Schjerfbeck na svijetu (212 slika, crteža, blokova za crtanje).

Helena Schjerfbeck (Helena Schjerfbeck) (1862-1946) rođena je u Helsinkiju, rano je počela učiti slikarstvo i već u mladosti postigla zapaženo umijeće. Helenin život obilježila je teška ozljeda kuka nakon pada niz stepenice u djetinjstvu. Zbog toga je djevojčica stekla kućno obrazovanje - nije išla u redovnu školu, ali je imala puno vremena za crtanje, a primljena je u umjetničku školu neobično rano. (Nažalost, ozljeda kuka podsjetila je na sebe šepanjem do kraja života). Nakon studija u Finskoj, uključujući i privatnu akademiju Adolfa von Beckera, Schjerfbeck je dobila stipendiju i otišla tamo gdje je studirala na Akademiji Colarossi. Godine 1881. i 1883-84. radila je i u kolonijama umjetnika u Bretanji (slika " Dječak hrani svoju mlađu sestru(1881), napisano u ovoj regiji Francuske, danas se čak smatra početkom finskog modernizma). U Bretanji je upoznala nepoznatog engleskog umjetnika i udala se za njega, no 1885. zaručnik je raskinuo zaruke (njegova obitelj je vjerovala da su Helenini problemi s kukovima povezani s tuberkulozom, od koje joj je otac umro). Helena Schjerfbeck nikada se nije udavala.

U 1890-ima Schjerfbeck je predavala na Školi Umjetničkog društva, koju je i sama jednom diplomirala. Godine 1902. zbog zdravstvenih problema napustila je poučavanje i s majkom se preselila u udaljenu pokrajinu u Hyvinkää. Zbog potrebe za tišinom, umjetnik je vodio povučen život, ali je nastavio sudjelovati na izložbama. "Otkriće" Schjerfbecka za javnost dogodilo se 1917.: prva samostalna izložba umjetnice održana je u umjetničkom salonu Ëst Stenman u Helsinkiju, što je postiglo veliki uspjeh kod gledatelja i kritičara i narušilo njezino osamljeno postojanje. Sljedeća velika izložba održana je u Stockholmu 1937. uz izvrsne kritike, nakon čega je uslijedio niz sličnih izložbi diljem Švedske. Godine 1935., kada joj je umrla majka, Helena se preselila živjeti u Tammisaari, a posljednje godine provela je u Švedskoj, u sanatoriju u Saltsjöbadenu. U Finskoj je odnos prema Schjerfbeckinu dugo bio kontroverzan (njezin je talent prepoznat tek u drugoj polovici 20. stoljeća), dok je u Švedskoj njezina umjetnost vrlo rano primljena s velikim entuzijazmom. No uistinu široko međunarodno priznanje Schjerfbeck je stiglo 2007. godine, kada su velike retrospektivne izložbe njezina rada održane u Parizu, Hamburgu i Den Haagu.

Među svim slikama Helene Schjerfbeck, svjetski su najpoznatiji brojni samokritični autoportreti, koji omogućuju praćenje evolucije njezina stila i promjena u samoj umjetnici, koja je nemilosrdno popravljala svoje ostarjelo lice. Sveukupno, Schjerfbeck je napisao oko 40 autoportreta, prvi u dobi od 16 godina, posljednji u 83. godini. Šest ih je u zbirci Ateneuma.

Ali možda najpoznatija slika Helena Schjerfbeck je platno rekonvalescent"(1888), često nazivan draguljem muzej Ateneum. Visoko cijenjena u javnosti, ova slika 26-godišnjeg umjetnika nagrađena je brončanom medaljom na Svjetskoj izložbi u Parizu 1889. (gdje je ovo platno bilo izloženo pod naslovom "Prvo zeleno" ( Prvobitno zelenilo) - tako je sama Schjerfbeck izvorno nazvala sliku). Tema bolesne djece bila je česta u umjetnosti 19. stoljeća, ali Schjerfbeck ne prikazuje samo bolesno dijete, već dijete koje se oporavlja. Ovu je sliku naslikala u slikovitom obalnom gradiću St. Ives, u Cornwallu, na jugozapadu Engleske, kamo je umjetnica otišla po savjetu svog austrijskog prijatelja 1887.-1888., te ponovno 1889.-1890.

Ovo se djelo često naziva posljednjim primjerom naturalističkog svjetlopisa u radu Schjerfbecka (kasnije je prešla na stilizirani modernizam i gotovo apstraktni ekspresionizam s asketskom paletom). Umjetnik ovdje vješto radi sa svjetlom, privlačeći pogled gledatelja na lice djevojke koja se oporavlja, razbarušene kose i grozničavo rumenih obraza, koja u rukama drži šalicu s krhkom rascvjetanom grančicom - simbolom proljeća i novog života. Na djetetovim usnama igra osmijeh izražavajući nadu u oporavak. Ova uzbudljiva slika privlači gledatelja, čini ga empatijom. Slika se u određenom smislu može nazvati autoportretom umjetnice, koja se u to vrijeme tek pokušavala oporaviti od raskida zaruka. Također je moguće da je na ovoj slici Schjerfbeck prikazala sebe kao dijete, govoreći nam o tome što je sama osjećala, često prikovana za krevet i radujući se prvim znacima proljeća.

Imajte na umu da su trenutno najpoznatija djela Helene Schjerfbeck "na turneji" u Švedskoj. Jedna izložba održava se u Stockholmu i trajat će do kraja veljače 2013., a druga u Göteborgu (do kolovoza 2013.).

Još jedan finski umjetnik, čiji se rad nalazi u muzeju Ateneum, je Problem Shernschanz (Sternshantz)(Beda Stjernschantz) (1867–1910). Inače, za 2014. godinu u muzeju je predviđena velika izložba radova ovog umjetnika. Beda Shernschanz bila je važan predstavnik generacije Finski simbolistički umjetnici na prijelazu iz 19. u 20. stoljeće. Rođena je u aristokratskoj obitelji u gradu Porvoo. Godine 1886. umire joj otac, a obitelj se suočava s financijskim poteškoćama. Za razliku od drugih umjetnica, Shernschantz je morala raditi kako bi zaradila za život. Godine 1891., u isto vrijeme kad i druga poznata finska umjetnica, Ellen Tesleff, dolazi u Pariz, a djevojke zajedno upišu Akademiju Colarossi. Bedin mentor bio je Magnus Enckell pod čijim je utjecajem upijala ideje simbolizma. Predstavnici ovog pravca bili su uvjereni da umjetnost ne smije ropski kopirati prirodu, već je treba pročišćavati radi ljepote, izražavanja suptilnih osjećaja i doživljaja. Zbog nedostatka novca Shernschanz je u Parizu živio samo godinu dana. Vrativši se u Finsku, nije mogla pronaći mjesto za sebe i 1895. otišla je na estonski otok Vormsi, gdje je bilo staro švedsko naselje koje je zadržalo svoj jezik, običaje i odjeću. Tamo je umjetnik naslikao sliku Svuda nas zove glas» (1895.). Naslov slike je citat iz tada poznate "Pjesme Finske" ( Suomen laulu), riječi kojima je napisao pjesnik Emil Kwanten. Kao što vidite, nije samo Karelija bila mjesto gdje su finski umjetnici išli u potrazi za netaknutom prirodom i ljudima.

Na ovom poetskom platnu umjetnik je prikazao skupinu švedske djece koja su uspjela sačuvati svoje nacionalne tradicije i jezik u stranom okruženju. Zbog toga su neki kritičari u slici vidjeli patriotsko značenje, tim više što instrument kantele, koji svira jedna od djevojaka, zauzima važno mjesto u skladbi. Druga djevojka pjeva, a ti zvukovi ispunjavaju asketski krajolik s vjetrenjačama. Zbog potpuno statičnih, zamrznutih poza i praznine okolnog krajolika, gledatelj takoreći počinje osluškivati ​​glazbu koja zvuči na platnu. Čini se da je i vjetar utihnuo, ni lišće ni vjetrenjače se ne miču, kao da smo u začaranom kraljevstvu, mjestu koje je ispalo iz vremena. Ako pođemo od simbolističke interpretacije slike, onda su pobožna i koncentrirana dječja lica na pozadini ovog mističnog krajolika način da se prenese stanje nevinosti. Osim toga, kao iu mnogim drugim djelima simbolista, posebna je uloga dodijeljena glazbi, najeteričnijoj i najplemenitijoj umjetnosti.

Godine 1897-98. Beda Shernschanz, nakon što je dobila stipendiju finske vlade, otišla je putovati po Italiji, ali njezina kreativna aktivnost nakon tog razdoblja propala je. Iako je umjetničina ostavština mala, ona izaziva interes istraživača, au budućnosti se očekuju brojni skupovi i publikacije koje će omogućiti više saznanja o značaju njezina rada u međunarodnom kontekstu prijelaza stoljeća.

Još jedan zanimljiv finski umjetnik iz istog razdoblja je Elin Danielson-Gambogi (Elin Danielson-Gambogi) (1861-1919). Elin Danielson-Gambogi pripadao prvoj generaciji finskih žene umjetnice koji su stekli stručno obrazovanje. Radila je uglavnom u žanru realističkog portreta, au životu iu radu odlikovala se od svojih kolega svojom emancipiranošću i boemskim stilom života. Kritizirala je položaj žene u društvu, nosila je hlače i pušila, vodila je antikonformistički život i družila se s mnogim umjetnicima, uključujući i norveškog kipara Gustava Vigelanda (u vezi su bili 1895.). Njezine slike žena u svakodnevnim situacijama mnogi su kritičari ocijenili vulgarnim i nepristojnim.

« autoportret» Elin Danielson-Gambogi (1900.) naslikana je u vrijeme kada je umjetnica počela stjecati priznanje u Europi. Umjetnica je prikazana u svom ateljeu, s kistom i paletom u ruci, a svjetlost struji kroz zavjesu ispred prozora stvarajući aureolu oko njezine glave. Veliki format platna, poza i pogled umjetnice - sve to izražava neovisnu i samouvjerenu prirodu. Za ovu je sliku Danielson-Gambogi nagrađen srebrnom medaljom u Firenci 1900. godine.

Elin Danielson-Gamboji rođena je u selu u blizini grada Porija. Godine 1871. njihova je obiteljska farma bankrotirala, a njezin je otac godinu dana kasnije počinio samoubojstvo. Unatoč tome, majka je uspjela pronaći sredstva tako da se Elin s 15 godina preselila u i počela učiti slikarstvo. Djevojčica je odrastala u slobodnoj atmosferi, izvan strogih društvenih tabua. Godine 1883. Danielson-Gambogi odlazi u, gdje nastavlja školovanje na akademiji Colarossi, a ljeti studira slikarstvo u Bretanji. Zatim se umjetnica vratila u Finsku, gdje je komunicirala s drugim slikarima i predavala u umjetničkim školama, a 1895. godine dobila je stipendiju i otišla u Firencu. Godinu dana kasnije preselila se u selo Antignano i udala za talijanskog slikara Raffaella Gamboggija. Par je sudjelovao na brojnim izložbama diljem Europe; njihov je rad prikazan na Svjetskoj izložbi u Parizu 1900. i Venecijanskom bijenalu 1899. godine. Ali početkom 20. stoljeća počinju obiteljske nevolje i financijske poteškoće, izdaje i bolest njezina supruga. Elin Danielson-Gambogi umrla je od upale pluća i pokopana je u Livornu.

Konačno, među Finske umjetnice ne može se nazvati Ellen Thesleff (Ellen Thesleff) (1869-1954). Malo je finskih autora koje je tako rano dobilo priznanje. Već 1891. mlada Thesleff sudjelovala je na izložbi Finskog umjetničkog društva sa svojim prekrasnim radom " Jeka» ( Kaiku) (1891) do pohvala kritike. U to je vrijeme upravo diplomirala na privatnoj akademiji Gunnara Berndtsona ( GunnarBerndtson) i išla je na svoje prvo putovanje, gdje je djevojka upisala akademiju Colarossi sa svojom prijateljicom Bedom Shernschanz. U Parizu je upoznala simbolizam, ali je od samog početka izabrala svoj, samostalan put u umjetnosti. U tom razdoblju počela je stvarati slike u asketskim bojama.

Najvažniji izvor inspiracije za Ellenu Tesleff bila je talijanska umjetnost. Već 1894. odlazi u domovinu rane renesanse, u Firencu. Ovdje je umjetnica vidjela mnoga prekrasna djela religioznog slikarstva, uključujući djela Botticellija, čijem se radu divila još u Louvreu. Thesleff je također kopirao samostanske freske. Utjecaj duhovnog talijanskog slikarstva ojačao je njezinu žudnju za poetskom, uzvišenom umjetnošću, au narednim godinama asketizam boja u njezinom radu dobio je maksimalan izražaj. Tipični motivi njezinih djela su strogi, tamno koloritni pejzaži i ljudski likovi, sablasni i melankolični.

Primjer djela ovog razdoblja je skromna po veličini " autoportret» (1894.-95.) Ellen Tesleff, nacrtana olovkom. Ovaj autoportret, nastao u Firenci, rezultat je dvogodišnjeg pripremnog rada. Duševno lice koje izranja iz tame govori nam puno o umjetnici i njezinim tadašnjim idealima. U skladu s filozofijom simbolizma, postavljala je temeljna pitanja bića i proučavala ljudske osjećaje. U ovom autoportretu može se vidjeti moderna inkarnacija umjetnosti Leonarda da Vincija s njegovim pitanjima i misterijama života. U isto vrijeme, slika je vrlo osobna: odražava Thesleffovu tugu zbog smrti njezinog voljenog oca, koja se dogodila dvije godine ranije.

Thesleff je odrasla u glazbenoj obitelji i od djetinjstva je voljela pjevati i svirati sa svojim sestrama. Jedan od najčešćih motiva u njezinom radu bio je jeka ili vrisak - najprimitivniji oblik glazbe. Često je prikazivala i sviranje violine - jednog od najuzvišenijih i najsloženijih glazbenih instrumenata. Na primjer, model za sliku " sviranje violine” (“Violinist”) (1896.) izvela je umjetničina sestra, Tira Elizaveta, koja joj je često pozirala 1890-ih.

Kompozicija je održana u toplim prozirnim, sedefasto-opalnim tonovima. Violinist se okrenuo od gledatelja, koncentrirajući se na igru. Tema glazbe, štovana kao najduhovnija, božanska umjetnost, bila je jedna od najčešćih u simbolizmu, ali umjetnici su rijetko prikazivali glazbenice.

Kao i njezin prijatelj Magnus Enkkel, u ranoj fazi svog rada, Ellen Thesleff preferirala je asketizam u boji. Ali onda se njen stil promijenio. Pod utjecajem Kandinskog i njegovog minhenskog kruga, umjetnica je postala prva fovistica u Finskoj, a 1912. pozvana je da sudjeluje na izložbi Finske udruge rujan koji su se zalagali za svijetle čiste boje.

No, njezino sudjelovanje nije izašlo iz okvira izložbe: Tesleff se nije pridružila nijednoj grupi, smatrajući usamljenost normalnim stanjem snažne osobnosti. Udaljavajući se od stare sivo-smeđe game, u zrelijoj dobi, Thesleff je počeo stvarati šarene i slojevite kolorističke fantazije. Više puta je sa sestrom i majkom posjećivala Toskanu, gdje je slikala sunčane talijanske pejzaže.

Tesleff se nikada nije udavala, ali je zauzela svoje mjesto kao kreativna osoba. Umjetnik je živio dug život i dobio priznanje.

Strana umjetnost u Ateneumu

Zbirka strane umjetnosti Muzeja Ateneum sadrži preko 650 slika, skulptura i crteža poznatih majstora kao što su Cezanne, Wag Gogh, Chagall, Modigliani, Munch, Repin, Rodin, Zorn.

Iz strane zbirke muzej Ateneum izdvojiti Van Goghova "Ulica u Auvers-sur-Oise"(1890). Vincent van Gogh naslikao je ovu sliku neposredno prije svoje smrti, u gradiću Auvers-sur-Oise ( Auvers-sur-Oise), koji se nalazi u dolini pritoke Seine, oko 30 km sjeverozapadno od. Van Gogh, koji je patio od napadaja mentalne bolesti, otišao je u Auvers-sur-Oise na savjet svog brata Thea na liječenje kod dr. Paula Gacheta. U Auvers-sur-Oiseu postojala je klinika ovog liječnika - čovjeka koji nije ravnodušan prema umjetnosti, poznavao je mnoge francuske umjetnike i koji je također postao prijatelj Van Gogha.

Grad Auvers-sur-Oise s vremenom je postao mjesto smrti umjetnika, koji se osjećao kao teret na svom bratu i njegovoj obitelji. Van Gogh se ustrijelio i potom iskrvario. Umjetnik je živio u Auvers-sur-Oiseu posljednjih 70 dana svog života, dovršivši 74 slike u tom kratkom razdoblju, od kojih se jedna sada nalazi u glavnom muzeju umjetnosti u Helsinkiju. Moguće je da je slika ostala nedovršena (mjestimice se vidi temeljni premaz). Svjetlina neba ističe mirniji zeleni ton zemlje i crvenkastu nijansu popločanih krovova. Čini se da je cijela scena u duhovnom kretanju, prožeta nemirnom energijom.

Vrlo je zanimljiva priča kako je dospjela slika "Ulica u Auvers-sur-Oiseu". Muzej Ateneum. Neko vrijeme nakon smrti Van Gogha, pripadalo je umjetnikovom bratu Theu, a zatim njegovoj udovici, od koje je Julien Leclerc kupio platno ( Julien Leclercq) francuski je pjesnik i likovni kritičar. Poznato je da je 1900. godine Leclerc nabavio najmanje 11 Van Goghovih slika od Theove udovice. Godinu dana kasnije organizirao je prvu Van Goghovu retrospektivnu izložbu, no ubrzo je iznenada umro. Leclercova žena bila je pijanistica Fanny Flodin ( FannyFlodin), sestra finske umjetnice i kiparice Hilde Flodin ( Hilda Flodin). Godine 1903. Fanny je prodala Van Goghovu sliku predstavnicima više puta spomenutog kolekcionara Fridtjofa Antella za 2500 maraka (oko 9500 eura u današnjem novcu). Ovo je platno postalo prva slika stare crkve Wag Gogha

Albert Gustav Aristide Edelfelt (1854. – 1905.)

Albert Edelfelt rođen je 1854. u Finskoj u blizini Porva. Otac mu je bio arhitekt. Od oca je preuzeo ljubav prema glazbi i crtanju. Međutim, majka je bila najbliža osoba budućem umjetniku. Albert Edelfelt je na mnogo načina bio kreacija njegove ambiciozne majke.

Portret umjetnikove majke. 1883. godine

Prve poduke slikanja dječak je dobio u školi Finskog umjetničkog društva u Helsinkiju. Odlučivši se posvetiti slikarstvu, upisuje Akademiju likovnih umjetnosti u Antwerpenu, ali godinu dana kasnije seli u Pariz, gdje pohađa poduku kod L. Jeromea.

Realistički predstavnik. Doživio utjecaj impresionizma. Autor povijesnih platna, slika iz narodnog života, krajolika, portreta, obilježenih slobodom i izražajnošću umjetničkog oblika, suptilnim prijenosom svjetlosno-zračnog okruženja, svečanom svjetlinom boje.

Već s dvadeset i tri godine Edelfelt postaje najistaknutija ličnost finskog slikarstva i predvodi borbu mlađih umjetnika za realizam i rad iz prirode. Albert je prvotno namjeravao postati povijesni slikar. Od njega su se očekivale domoljubne slike. Najpoznatija slika ovog plana bila je Skrvnjenje posmrtnih ostataka C. Fleminga (1878.) vojvode Karla. Ova priča naglašava borbu za vlast u Finskoj koja se odvijala krajem 16. stoljeća.

Skrvnjenje vojvode Charlesa nad ostacima K. Fleminga. 1878

Prekrasna igra boja i svježina mladosti privlači sliku "Kraljica Blanca s djetetom" (1877.).

Ali postupno ga sve više privlači živi život rodnog kraja. Sljedeća djela slikara nastala su već u stilu realističkog prikaza narodnog života. Kod kuće je Albert više puta putovao s ribarima na otvoreno more, a zatim je u studiju u Heiku posebno postavio piljeni ribarski brod za preciznu izvedbu detalja. Uspjeh slike "Pogreb djeteta" (1879.), kao i pravi uspjeh slike "Na moru" (1883.), učinili su Edelfelta priznatim majstorom u domovini.

Sprovod djeteta. 1879. godine

Na moru. 1883. godine

Reputaciju A. Edelfelta kao nacionalnog umjetnika najteže su potvrdile njegove slike iz života običnih ljudi u Finskoj: "Dječaci uz vodu" (1884.), "Djevojka s grabljama" (1886.), "Žene iz Ruoholahtija" ( 1887).

Ruski kritičar V.V. Stasov je napisao: "Najbolji od svih njihovih Finaca, naravno, je Edelfelt, a on ima najznamenitiju sliku Pralje (1889), punu zdravog, svježeg realizma i života." Ova je slika ostala u Rusiji, a od 1930. nalazi se u Ermitažu.

Pralje. 1889. godine

Pozornost publike uvijek privlači istinski "pariški duh" slika "U luksemburškim vrtovima" (1887.). U plenerističkim radovima ovih godina A. Edelfelt veliku pozornost posvećuje problemima svjetla i boja.

U Luksemburškim vrtovima. 1887. godine

Nakon što je napravio putovanje po Europi, Edelfelt se dugo zaustavio u St. U Petrograd je prvi put došao 1881. godine. Ruski umjetnici i društvo s oduševljenjem su dočekali A. Edelfelta, koji je 1881. godine mladi finski slikar predstavio svoja djela sudu Petrogradske akademije. Postigao je velik uspjeh: dobio je titulu akademika i priredio samostalnu izložbu u Carskom Selu. Edelfelt je predstavljen kraljevskoj obitelji. Na zahtjev cara Aleksandra III izradio je kopiju slike "Na moru", te izradio niz naručenih radova. U istom razdoblju umjetnik stvara nekoliko žanrovskih portreta, od kojih je najpopularniji bio portret umjetnikove sestre Berte sa psom u dači u Heiku.

Dobri prijatelji. 1881

Pod naslovom "Dobri prijatelji" (1881.), kopije ove slike čuvaju se u Ateneumu i Göteborgu. Sliku "U dječjoj sobi" (1885), blisku karakteru, kupio je Aleksandar III za palaču Gatchina. U Ateniju je izložen i portret Sophie Manzey nastao tih godina.

Portret Sophie Manzey.

Zahvaljujući popularnosti i autoritetu A. Edelfelta, finska umjetnost stekla je priznanje u Rusiji. U Sankt Peterburgu Edelfelt upoznaje mlade figure nove ruske umjetnosti, Sergeja Djagiljeva i Aleksandra Benoisa: "Doslovno smo visili na Edelfeltu, u našim je očima njegova glava bila okružena aureolom pariškog priznanja", napisao je kasnije Benois. Blizinu finskih i ruskih umjetnika obilježilo je nekoliko zajedničkih izložbi. Najveći od njih bio je 1898. u muzeju u školi baruna Stieglitza. Predstavljena su djela tadašnjih mladih umjetnika: Serov, Repin, Vrubel - s ruskog; i M. Enkel, Gallen-Kallela, Yarnefeld - s finske strane. Izložba je izazvala veliko zanimanje ruske javnosti za finsku kulturu i samu Finsku.

Ali glavni oblik stvaralaštva za A. Edelfelta u njegovim zrelim godinama bilo je portretno slikarstvo. Edelfelt je opsežno i uspješno radio u žanru portreta. Po nalogu francuske vlade, napisao jeportret Louisa Pasteura (1885.). 1880-ih i 1890-ih Edelfelt je intenzivno radio po narudžbama s ruskog kraljevskog dvora. No, osim službenih portreta, stvorio je prekrasne kreacije: "Portret majke", "Pripovjedačica Larin Paraske", portrete velikih finskih glumica Aine Akte i Ide Aalberg.

Pejzaž u Edelfeltovu djelu zauzima relativno malo prostora. Međutim, u Ermitažu postoje njegovi radovi: "Pogled na Porvo", akvarel "Pogled na jezero u Kaukoli", bakropis "Bor u snijegu". Ermitaž također ima niz crteža i ilustracija izvanrednog finskog majstora.

Skica Edelfeltovog rada bila bi nepotpuna bez spominjanja njegovog posljednjeg rada: 1900.-1904. umjetnik je bio zauzet stvaranjem monumentalne ploče u zbornici Sveučilišta u Helsinkiju na temu: "Svečano otvaranje sveučilišta u Turkuu 1640. ." Kompozicija je napravljena u obliku paradne povorke u nošnjama 17. stoljeća.

Svečano otvaranje sveučilišta u Turkuu 1640. 1902. (Može se kliknuti)

Albert Edelfelt iznenada je umro u dači u blizini Porva u kolovozu 1905. Bio je to udarac finskoj umjetnosti. Ali i nama su njegove slike zanimljive i razumljive, jer su bile bliske njegovim suvremenicima.

Vladimir Losev

Mlada žena u budoaru. 1879. godine

Na Champs Elysees. 1886

Portret umjetnikove sestre Berthe Edelfelt. 1884. godine

Portret umjetnikove majke. 1902. godine

Žena pod kišobranom. 1886

Djeca cara Aleksandra III

Pariški model. 1885. godine

Marija Magdalena. 1891

Jao. 1894. godine

Finski ribari. 1898. godine

Krist i Marija Magdalena. 1890. godine

Portret Louisa Pasteura. 1885. godine

Dječaci koji se igraju na plaži. 1884. godine

Mali čamac. 1884. godine

Žena u čamcu. 1886

Susjedi sjede uz crkvu nakon mise. 1887. godine

Karelijske žene. 1887. godine

Djevojka plete čarapu. 1886

Jagoda.

Pažljiva žena u crkvi. 1893. godine

Solveig

Bogoslužje u arhipelagu Uusimaa.

Povratak s krštenja.

Portret mlade žene. 1891

Čitajući pariški. 1880. godine

Portret gospođe Valerie Rado. 1888

Kultura i umjetnost su baština i vlasništvo svake države. "Zemlja tisuću jezera" nije samo raj za skijanje i ribolov za putnike i turiste, već i mjesto za razne povjesničare umjetnosti i jednostavno poznavatelje kreativnosti. U Finskoj je umjetnost vrlo razvijena, posebice slikarstvo. Brojne umjetničke galerije, muzeji i izložbe oduševit će i najistančanije poznavatelje likovne umjetnosti.

Umjetnici iz zemlje Suomi, koji su stekli europsko obrazovanje u devetnaestom stoljeću, postali su glavni i pokretački čimbenik koji je dao poticaj razvoju likovne umjetnosti u Finskoj. Prije nego što počnemo upoznavati predstavnike finskog slikarstva, upoznajmo se s radom "oca finske umjetnosti i slikarstva" Roberta Ekmana.

Robert Wilhelm Ekman

Rođen 1808., umjetnik je u svojim slikama prikazivao život običnih finskih seljaka, sve nedaće njihovih života, usmjeravao pozornost društva na socijalnu politiku finske države u odnosu na pučane. Kada je Robert imao 16 godina, otišao je u Stockholm studirati na Švedskoj umjetničkoj akademiji. Kao mlad i briljantan talent, Ekman je dobio švedsku stipendiju za svoj talent, a kasnije je njegov umjetnički poziv pridonio tome da ode na studij u Italiju i Francusku, a zatim u Nizozemsku. U tim je zemljama majstor kista proveo punih sedam godina od 1837. do 1844. godine.

Vrativši se u zemlju Suomi, Robert Wilhelm nastanio se u gradu Turku, gdje je počeo oslikavati lokalnu katedralu svojim zidnim freskama i crtežima. Nakon toga utemeljio je u gradu školu crtanja, koju je vodio do 1873. godine. Vrlo je jasno ocrtao ponor koji je bio između plemstva i seljaka. Slike slikara šokirale su sve svojim jedinstvenim i ne izmišljenim realizmom. "Otac finskog slikarstva i umjetnosti" umro je 1873. godine.

Akseli Waldemar Gallen Kallela (Gallen-Kallela Akseli)

Akseli Gallen Kallela rođen je u malom finskom gradu Bjorneborg (moderno ime Pori) u travnju 1863. godine. Borac za neovisnost Finske, umjetnik je u svojim radovima dao sve od sebe da dočara poziv naciji da se bori za neovisnost svoje zemlje. Modernizam svojstven slikaru omogućio je Axelu Gallenu Kalleli stvaranje vrlo realističnih slika. Nakon završetka finskog građanskog rata (1918.) umjetnik se bavi heraldikom i oblikovanjem zastava. Sredinom dvadesetog stoljeća umjetnik je neko vrijeme živio i radio u Sjedinjenim Američkim Državama, gdje je uspješno održavao izložbe svojih djela. Slikar je umro 1931. u Stockholmu, umro je od upale pluća.

Oscar Kleineh

Najpoznatiji finski slikar morskih pejzaža rođen je u rujnu 1846. godine u glavnom gradu Finske. Njemački korijeni Oscara "došli su u pomoć", što mu je omogućilo da studira u Njemačkoj, naime u Düsseldorfu. Kasnije je Kleinech nastavio studij u St. Petersburgu i Karlsruheu. Najveću popularnost marinistu donijele su slike s prikazima morskih mrtvih priroda i krajolika, a jedno autorsko djelo izloženo je čak iu peterburškom Ermitažu. Umjetnik je umro u svom rodnom gradu Helsinkiju 1919.