Umjetnik koji nema slike nego šare. Remek-djela ili mrlja? Slike vrijedne desetke milijuna dolara su lažne! Učinkovitost odnosa s javnošću: "Briljantni" mufovi
I dalje smatram da pojam remek-djela ne može biti općenit za sve. Nije ni čudo što postoji izreka "okus i boja, nema drugova". Značajan dio ljudi će pogledati sliku na početku posta i reći – mazanje, drugi dio ljudi će pogledati Da Vincijevu “La Giocondu” i reći – obična teta, što je tu loše. To je općenito normalno, ali ako je tako, kakva su onda remek-djela. Remek djelo može biti nešto toliko univerzalno priznato da se nitko neće usuditi omalovažiti ili reći da nije cool! Pa recimo. Ili možda nešto ovakvo i općepriznato uopće ne postoji ili će se jednom pojaviti, ali sada se često zadovoljavamo domaćim remek-djelima za određenu skupinu ljudi.
Na primjer, mene, koji smatram remek-djelima, uvijek je zanimalo kako nastaju ovakva remek-djela kao što je prva fotografija u postu.
Ali ovo je...
... vrhunac "Kompozicije VII. 1913." Vasilija Kandinskog. Zamislite početak 20. stoljeća - doba promjena u svim sferama života i umjetnosti. Ni slikarstvo nije stajalo po strani. Umjetnici su tražili nove oblike izražavanja u likovnim umjetnostima. Apstrakcionizam je postao logičan nastavak kubizma i futurizma. Kandinskog i postao jedan od najistaknutijih predstavnika ovog trenda
Vasilij Kandinski na djelu, 1936
Osobno mi se čini da su na platnu samo mrlje i mrlje. Međutim, zanimalo me da je prije nego što je počeo slikati sliku, umjetnik obavio mnogo pripremnih radova. Napravio je preko trideset skica olovkom, uljem i akvarelom. Samo platno Kandinski je naslikao u četiri dana od 25. do 28. studenog 1913. godine.
Vasilij Kandinski za štafelajem, 1936
Stručnjaci za umjetnika kažu da je bio sinestetik koji je svijet doživljavao na svoj način. Mogao je vidjeti zvukove, čuti boje. "Kompozicija VII" - to su fragmenti boja različitog intenziteta, prošarani oštrokutnim i glatkim kombinacijama. Proučavajući arhive umjetnika, povjesničari umjetnosti došli su do zaključka da je Vasilij Vasiljevič na svojoj slici prikazao nekoliko tema: Uskrsnuće iz mrtvih, Sudnji dan, Potop i Edenski vrt. Ne znam ni kako se osjećati zbog toga. Ili se ovo može smatrati nekakvom činjenicom, ili je sve izmišljeno i "isisano iz zraka" za one koji tu još ništa ne razumiju.
Pa, ovako nešto:
ili tako
Sam autor kreaciju je opisao na sljedeći način: “Ružičasta i bijela pjena tako da izgledaju kao da leže izvan ravnine platna ili neke druge, idealne ravnine. Dapače, lebde u zraku i izgledaju kao da su obavijeni parom. Sličan nedostatak ravnine i nesigurnost udaljenosti može se primijetiti, na primjer, u ruskoj parnoj kupelji. Osoba koja stoji usred pare nije ni blizu ni daleko, tu je negdje. Položaj glavnog središta - "negdje" - određuje unutarnji zvuk cijele slike. Naporno sam radio na ovom dijelu dok nisam dosegao ono što je isprva bila samo moja nejasna želja, a zatim mi je postajalo sve jasnije iznutra.
Dugo ste se željeli okušati u slikanju, ali se nikako niste mogli odlučiti uzeti kist i paletu i stati za štafelaj? Smatraju li svi oko vas da su vaši kreativni napori jadna ljaga? Dakle, ti si gubitnik! Dakle, izbor slika kanadske umjetnice Kim Dorland (Kim Dorland) poslužit će vam kao dobra utjeha. Ili možda i inspiracija.
Stručnjaci Dorlandov rad nazivaju "naivnom umjetnošću", zlobni kritičari - nemarnim šarama, a ljubitelji originalnog talenta vjeruju da su slike koje Kim stvara psihološki i stilski neočekivane. I to je istina - nitko ne očekuje da će umjesto obećanih krajolika i portreta vidjeti platno oblijepljeno bojom, na kojem, štoviše, autor nije ostavio uredne poteze i linije, već grube brazde. Kao da je traktor vozio po pognojenoj i mokroj njivi...
Načelo po kojem Kim Dorland crta svoje originalne slike može se opisati jednom kratkom frazom: "glavna stvar je ne štedjeti boju." Uostalom, ako bolje pogledate, slike su doslovno izgrebane na debelom sloju ulja, kojim autor velikodušno maže svoja platna. Ispostavilo se da slike nisu nacrtane, nego oblikovane - kao da su skulpture.
A umjetnik ne teži točnosti i realizmu. Stvara posebnim stilom, nekom vrstom djetinje apstrakcije, ne mareći za održavanje proporcija, niti davanje volumena slikama, niti za estetiku platna. Čini se da je glavni zadatak autora što ležernije, lijevom rukom ispod desnog koljena, baciti boju na platno, staviti mrlju - to je slika!
Iako, može i biti, samo se nama, građanima, čini da je lako i jednostavno crtati na ovaj način. Uostalom, na ovaj ili onaj način, a Kim Dorland prilično često sudjeluje na izložbama, njegove slike predstavljene su u galerijama Toronta, gdje živi i radi, i prilično uspješno prodaje svoje radove u Kanadi i daleko u inozemstvu.
Učinkovitost odnosa s javnošću: "Briljantni" mufovi
Ako uzmem kist i naslikam nekakav krajolik ili portret na platnu, onda svatko, gledajući moj rad, može sa sigurnošću reći: kakva šara! I bit će ispravno, jer ne mogu crtati. Međutim, moja slika mogla bi se prodati za milijune dolara da sam bio na glasu kao veliki umjetnik. Teoretski, teško je zamisliti da bi se moje nenaslikane, ali ništa manje strašne slike mogle promovirati kao velika umjetnička djela i prodavati za "ludi novac". Ali u stvarnom životu to se dogodilo više nego jednom - druga polovica 19. stoljeća i cijelo 20. stoljeće kontinuirani je trijumf ljepila u umjetnosti.
Od trenutka kada se rađa moderno slikarstvo, čijim se ocem smatra Talijan Giotto di Bondone (1267.-1337.), pa u sljedećih nekoliko stoljeća, umjetnikova vještina u prikazivanju stvarnosti na svakoj površini pogodnoj za crtanje (platno, zid ili ploča) ). Fotografija tada nije postojala, ali mnogi su željeli imati svoj portret ili sliku svoje rodbine. Cijenjeni su i pogledi na okolne šume i polja. Još uvijek volimo po svojim stanovima vješati reprodukcije raznih slika, a kome materijalno stanje dopušta onda i same originale. U srednjem vijeku bogati ljudi također su voljeli ukrašavati zidove kuća i dvoraca slikama, a neki od bogataša sakupili su ogromne zbirke. Netko je to učinio iz ljubavi prema slikanju, drugi - da poboljšaju svoj status.
Osim bogataša, crkva je trebala i umjetnina. Crkvi nisu bile potrebne slike koje su prikazivale stvarni život – trebali su joj biblijski prizori koji će izgledati kao stvarni – kao fotografije stvarnih događaja (iako o fotografijama tada nisu imali pojma). Ljudi su morali vjerovati u Krista, Mariju, apostole i druge vjerske osobe, a za to su biblijski likovi morali izgledati kao živi ljudi.
Kakvi su bili zahtjevi kupaca - takve su bile i slike. Lude ideje iscrtane na platnu nevještom rukom nikome nisu koristile. Nitko ne bi kupio svoj portret koji ne bi izgledao kao original, a još više onaj koji u principu ne bi sličio liku osobe. U ono doba, za slikanje portreta, bio je potreban umjetnik koji je vladao slikarskim zanatom. Kako nisi bio profesionalac, nisi mogao prodavati slike i zarađivati za život. Oni koji su skupljali slike već su trebali ne samo odljeve stvarnosti - htjeli su dobiti ekskluzivne stvari koje nitko ne može ponoviti. Odnosno, umjetnik je realističnoj slici morao dodati nešto svoje - određeni jedinstveni stil, tako da se njegova slika isticala među masom visokokvalitetnih zanatskih proizvoda. To bi mogla biti jedinstvena tehnika poput Leonarda da Vincija, inovativna upotreba svjetla i sjene poput Van Eycka, fantastične slike poput Boscha...
15-17 stoljeća u Europi je vrhunac svjetskog slikarstva. Do tog vremena u ekonomski razvijenim državama Europe (Venecija, Firenca, Nizozemska, Flandrija, Njemačka) pojavio se dovoljan broj kupaca za slike - zahvaljujući tome dobili smo čitavu galaksiju izvrsnih umjetnika, čija djela još uvijek krase najpoznatiji muzeji svijeta. Uz tako općepriznate velike slikare renesanse kao što su Leonardo da Vinci, Raphael i Michelangelo Buonarroti, u to je vrijeme djelovalo još nekoliko desetaka jednako istaknutih umjetnika: Nizozemac Robert Campin, Jan Van Eyck, Hieronymus Bosch, Peter Brueghel stariji, Peter Paul Rubens, Antonis Van Dyck, Jan Vermeer, Talijani Giorgione, Tizian, Correggio, Caravaggio, Nijemci Albrecht Dürer, Hans Holbein ml., Španjolac Diego Velazquez... Svi su oni imali originalan način prikazivanja stvarnosti, ali na Istodobno ih je ujedinila činjenica da su svi pisali vrhunski isključivo realistične slike. Realno ne prema radnji - iste biblijske slike nikada nisu bile takve. Realno - po sličnosti prikazanog sa stvarnim životom. Nitko nije slikao nikakve kocke ili kvadrate - navodno tako vidi svijet, jer "remek-djela" u sličnom stilu ne bi našla kupca. Kupci slika u to su vrijeme bili jednostavni ljudi - poput našeg Nikite Hruščova. Postoji priča da je jednom pitao za jednu od slika na izložbi apstrakcionista: “Kakva je ovo guza?”. Napominjem da u vezi sa slikama Raphaela ili Correggia nitko nikada nije rekao tako nešto, uključujući Hruščova - svatko tko ima vid razumije što je na njima prikazano: Madone u obliku lijepih žena, a ne neke strašne i neshvatljive stvorenja kao na Picassovim slikama. Svaki istaknuti umjetnik bio je na neki način inovator, ali sve inovativne tehnike u slikarstvu imale su smisla samo ako je umjetnik mogao adekvatno prikazati život u svim njegovim pojavnostima. Novost u slici korištena je radi realizma, a ne sama po sebi. Možemo reći da su se slikari trudili raditi kao graditelji - svaka kuća mora imati temelj, zidove i krov, a svi eksperimenti bili su dopušteni samo u tom okviru.
Kao profesionalci, renesansni umjetnici dosegli su vrhunac slikarstva. I slobodno možemo reći da je nemoguće nadmašiti Raphaela ili Van Eycka - oni se mogu samo ponoviti. Ili stvoriti nešto svoje, što je s godinama postalo sve teže. Već u 17. stoljeću bilo je manje istaknutih umjetnika nego u 16. stoljeću, au 18. se mogu nabrojati na prste. Na pozadini majstora renesanse izuzetno je teško istaknuti se - ovo je najviša razina vještine koju u načelu samo rijetki mogu postići.
I na takvoj pozadini, kada ima mnogo obrtnika, a malo je izvanrednih majstora, u svijetu umjetnosti događa se prava revolucija - "veliki umjetnici" počeli su se stvarati umjetno. To je bilo teško učiniti u srednjem vijeku.- bez medija, PR tehnologije su neučinkovite, jer se informacije moraju prenositi putem glasina koje ih iskrivljuju. Pogotovo kada je u pitanju širenje informacija na velike udaljenosti. Samo mediji mogu brzo i učinkovito stvoriti i uvesti u masovnu svijest sliku bilo kojeg predmeta (proizvoda, marke) kao idealnog i potrebnog u životu. Nije slučajno da kada je u drugoj polovici 19. stoljeća tisak počeo igrati sve važniju ulogu u životu država zapadne Europe, koje su već ušle u doba industrijske revolucije, tada su “veliki umjetnici novoga tipa” počela se pojavljivati. Drugim riječima – muffini.
Tko je kupce slika konkretno preusmjeravao na čistu kremu? Ima ih jako puno. Uglavnom, to su ljudi koji su se bavili likovnom kritikom u medijima, kao i oni koji su organizirali izložbe. Na primjer, kritičar Roger Fry "oprao" je postimpresioniste, Francuz Guillaume Apollinaire potrošačima je promovirao proizvode Matissea i Picassa. No još važnije za tržište slika bila je činjenica da se u svijetu pojavljuje sve više imućnijih kolekcionara - osobito u drugoj polovici 20. stoljeća. U uvjetima kada su uistinu izvanredna umjetnička djela u državnim muzejima ili u vlasništvu crkava koje svoja remek-djela ne prodaju ni za kakve novce, čemu skupljati zbirke? - Od onoga što se smatra modernim. Ono što je postalo moderno stekli su kupci.
A kako je nastala moda za ovog ili onog "slikara"? Uglavnom, sve je počelo skandalom. Krajem 19. stoljeća samo javno izlaganje strašne šare pod krinkom umjetnina značilo je javni skandal. Bio je to pravi izazov za društvo. Ljudi su, vidjevši "takve", bili ogorčeni, sve se to odugovlačilo u tisku i na boemskim mjestima, slava autora i njegovih slika rasla je - i tako se pojavila moda za ovaj ili onaj lik. Prvo u uskim krugovima, a onda, ako imate sreće, onda je i šira javnost saznala za pojavu novog "velikog slikara". „Ako pričaju o tebi, onda postojiš" - osnovno je pravilo PR-a. Ako postaneš poznat, onda će barem netko kupovati tvoje slike - bez obzira na njihovu umjetničku vrijednost. Čim su mediokriteti u boemskoj sredini shvatili taj premaz - ovo je također popularna roba, pa su takve slike doslovno pomele tržište. Mnogi veliki mufovi u budućnosti započeli su s realističnim slikama, ali su s vremenom prešli na premaz. A neki nisu trebali ništa mijenjati - u početku nisu znali kako crtati.
U različitim razdobljima vladala je moda za jedan, zatim za drugi umjetnički pravac - impresionizam, postimpresionizam, apstrakcionizam, kubizam, ekspresionizam.... A moda je glavni motor trgovine. Čim je "umjetnik" postao brend - od tada se sve što je proizvedeno pod tim brendom "prodavalo kao alva". Nije bilo važno što je točno ovaj ili onaj "umjetnik" naslikao - modna industrija djeluje prema drugačijim zakonima od zanatske industrije. Moda za ovaj ili onaj muf, naravno, nije nastala odmah, a isprva su "lovorike" u obliku ogromnog novca išle ne samim umjetnicima, već kupcima slika. Ludi novac koji se na aukcijama počeo plaćati za pomodne krpice pojavio se tek potkraj druge polovice 20. stoljeća. Ogroman broj ljudi s lakom zaradom stečenom na svjetskim financijskim tržištima, kao i tijekom pljačke državne imovine u Rusiji, jednostavno nije znao kamo bi ih smjestio - kao rezultat toga, svaki izmet razmazan po platnu postao je iznimno vruća roba. .
S kim je započeo trijumf daubiranja u umjetnosti?Put impresionistima i kubistima utro je Englez Joseph Turner koji je “stvarao” u prvoj polovici 19. stoljeća. Njegova jedina zasluga kao umjetnika bila je ta što nije bio baš vješt u slikanju pejzaža. Imao je i gotovo dobre slike, ali je postao poznat po iskrenim slikama, poput platna "Jedrenje u Veneciju". Da je Venecija ista kao na njegovoj slici, teško da bi itko uopće doplovio do nje ... Turner je svojedobno jednostavno šokirao javnost, zahvaljujući čemu je postao slavan. Postoji njegova karikatura - Turner stoji ispred slike s kistom (kojim su se u to vrijeme bojale ograde) i nešto slika...
Francuz Edgar Degas je sljedeći preuzeo štafetu - znao je crtati, a ponekad je i napravio prekrasne slike, ali Edgara je iz nekog razloga privuklo slikati najružnije gole žene koje su se spremale za pranje, pranje ili upravo završene vodene procedure . .. - Za takve crteže bivaju izbačeni iz 1 tečaja umjetničke škole zbog nekompetentnosti, ali Degas je postao popularan velikim dijelom zahvaljujući njima.
Krajem 19. i početkom 20. stoljeća broj muffina počeo je dramatično rasti.
U ovo vrijeme stvaraju "veliki impresionisti" Claude Monet (kojega ne treba brkati sa slavnim umjetnikom Edouardom Manetom) i Auguste Renoir. Renoir je znao crtati, ali je i on, poput Degasa, često bio doveden do čistog taufiranja. Monet je isprva također pokušao postati pravi umjetnik, ali je shvatio da neće uspjeti - kao rezultat toga, može se nazvati jednim od najupečatljivijih nasljednika djela Josepha Turnera - Monetovi krajolici gotovo su jednako strašni kao i oni njegovog prethodnika.
Njegovo glavno "remek-djelo" je "Katedrala u Rouenu, zapadno pročelje na suncu" - tipična dječja šara. Monet je zakovao puno radova u tom “stilu”, a svi su i dalje popularni: “Lopoči” (bez imena ne prepoznaš odmah da su to ljiljani na vodi...) otišli su na aukciju za 36,7 milijuna dolara (2007.), most Waterloo (na slici dolje) prodan za 35,9 milijuna dolara (2007.),
“Jezerce s lopočima…” (u usporedbi s “Mostom Waterloo” može se nazvati i slikom) - za 33 milijuna dolara (1998.). List Times 2009. proveo je anketu među čitateljima, čiji su rezultati odredili najpopularnije umjetnike 20. stoljeća - Claude Monet zauzeo je 4. mjesto!
Na prijelazu stoljeća prionuli su na posao i postimpresionisti: Vincent van Gogh, Henri Toulouse-Lautrec, Edvard Munch, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Gustav Klimt. Tko je od njih bio "veći" ili, drugim riječima, moderniji umjetnik našeg vremena? Cezanne ima barem jednu sliku koja se može opisati kao "zanimljiva" - naslikao ju je u dobi od 27 godina. Onda je sve išlo mnogo gore - bez prosvjetljenja, mrlja za mrljom. No, on definitivno nije “najveći”. Cijene nekih njegovih slika dosežu se i desetke milijuna dolara (najskuplja od njih - "Mrtva priroda s vrčem i draperijom" otkupljena je za 60,5 milijuna dolara (!), no popularnost njegovih djela među kolekcionarima je očito velika inferioran popularnosti Gauguinovih djela, a još više Van Gogha. Ali čitatelji The Timesa stavili su Cezannea na 2. mjesto među umjetnicima 20. stoljeća!
Psihički bolesni Van Gogh slikao je kao netalentiranog dječaka od 5-7 godina koji nikada nije odrastao. Jedno vrijeme bio je na liječenju u psihijatrijskoj klinici, ali to nije pomoglo te je u dobi od 40 godina počinio samoubojstvo. Njegova biografija više liči na biografiju “velikog umjetnika”. O tome svjedoče i cijene njegovih slika - 40,3 milijuna dolara za strašni portret Madame Ginoux, 40,5 milijuna dolara za "Suncokrete", 47,5 milijuna dolara za "Seljanku u slamnatom šeširu", 53, 9 milijuna dolara za Perunike, 57 dolara. milijuna za Cypress Wheat Field, 71 milijun dolara za autoportret i 82,5 milijuna dolara za dr. Gacheta. Ovaj Gachet se, inače, brinuo o Van Goghu nedugo prije njegova samoubojstva - vjerojatno se "umjetnik" odlučio osvetiti liječniku za njegov rad svojim portretom s potpisom.
Van Goghov ljubavnik Gauguin slikao je kao dječak malo stariji od Van Goghovog dječaka. To mu je čisti minus kao “velikom umjetniku”. Osim toga, Gauguin nije bio toliko lud kao Van Gogh, iako u njegovoj biografiji postoji jedna prekrasna epizoda kada je došao posjetiti Van Gogha i na kraju mu odrezao uho - to je zaista teška tvrdnja o "veličini"! Ipak, potražnja za Gauguinovim slikama nije tako velika kao za Van Goghom - samo nekoliko njegovih slika prodano je za više od 30 milijuna dolara.
Gotovo patuljasti Toulouse-Lautrec bio je lud za ružnim francuskim kurvama, koje je utjelovio na svojim ništa manje ružnim slikama. Ako pogledate sliku ispod pod uvjetnim nazivom "kurve na pregledu", imat ćete predodžbu o kreativnom načinu Toulouse-Lautreca.
Bio je prilično majstor skice, ali nikada se nije trudio napisati potpunu sliku. U usporedbi s Gauguinom i Van Goghom, Toulouse-Lautrec je potpuno nepopularan, a Norvežanin Munch im očito nije dorastao, iako je njegova biografija vrlo osobna: stalno je patio od strašne depresije i nekoliko puta se liječio od psihičkih poremećaja. Nekoliko njegovih slika pojavljuje se na popisu "100 najskupljih slika u povijesti", ali to je sve.
Ali Austrijanac Gustav Klimt doista je najveći postimpresionist. Popularan je kao Van Gogh, a njegova najskuplja slika otkupljena je za 135 milijuna dolara! I ono što najviše iznenađuje za velikog umjetnika 20. stoljeća - slika prikazuje ženu s ljudskim licem! Sav preostali prostor zauzima tipična mrlja, ali lice se pokazalo realističnim. I druge Klimtove slike, na kojima su prikazani ljudi, slične su ovoj slici - ista lica među "postimpresionističkim" šarama.
Narod poštuje i Klimta - 3. mjesto među najboljim umjetnicima 20. stoljeća - ispred su samo Picasso i Cezanne.
Prijeđimo u 20. stoljeće. Kako je napisala Wendy Beckett u svojoj Povijesti slikarstva, "dvojica vladaju u umjetnosti 20. stoljeća - Henri Matisse i Pablo Picasso." Teško je reći zašto baš ova dva, jer je takvih mufova bilo na stotine, ali putevi mode su nedokučivi. Pablo je, inače, prema anketi čitatelja The Timesa zauzeo 1. mjesto.
Španjolac Pablo Picasso znao je crtati, ali nije htio. Bio je daleko od razine Da Vincija (tko ne vjeruje - pogledajte njegovu ranu sliku "Dječak s lulom" - nije loš, ali nije izvanredan), ali jednostavno dobre slike su već u 20. stoljeću bile nebitne. Mazanje je postalo sve modernije, a Pablo je odlučio zaploviti po naredbi valova. I odlično se snašao!
Godine 1907. naslikao je sliku "Djevojke iz Avignona" - to je postalo prvo djelo u kubističkom žanru. U početku je umjetniku bilo neugodno pokazati tu boju strancima, što je, općenito, razumljivo: pet apsolutno strašnih stvorenja gleda vas sa slike i pokazivati takve besmislice drugima je kao da javno kažete: Ja sam lud! Ja sam potpuni psiho! Međutim, Pablo usudio se izložiti svoje "remek-djelo" i nije pogodio. Nitko ga nije skrivao u bolnici, a Picasso je nastavio kvariti platna. U djelo je proveo postulat dijalektičkog materijalizma: kvantiteta se razvija u kvalitetu. U ovom slučaju, ugled. Picasso je slikao oko 70 godina i ne čudi što je postao najpopularniji muf našeg doba.
Njegov portret Dore Maar (kupljen za 95,2 milijuna dolara na aukciji 2006., na slici gore), Žena sjedi u vrtu (49,5 milijuna dolara 1999.), San (48,4 milijuna dolara 1997.), "Akt u crnoj stolici" (45,1 milijun dolara 1999.) – ušla u „zlatni fond“ daub 20. stoljeća.
Bilo je mnogo slavnih slikara u 20. stoljeću - puno više nego velikih umjetnika u renesansi, što i ne čudi: lomiti - ne graditi, kvariti platna - ne slikati. Na tom polju zapaženi su i naši Vasja Kandinski i Kazimir Malevič - iako su izvanredni, za svjetske standarde nisu veliki mufovi. Naravno, Rusi imaju svoju posebnu duhovnost, ali u daubu se ona nije previše očitovala. Sredinom 20. stoljeća ton su joj počeli davati Amerikanac Pollack i Nizozemac de Kooning, "apstraktni ekspresionisti".
Sve je u našem svijetu relativno, a na pozadini Pollacka i njegove braće čak i Monet ili Gauguin izgledaju kao dobri umjetnici. Likovna kritika je ovaj najviši stupanj tauširanja nazvala “apstraktni ekspresionizam”, a ja bih rekao da je ovo taufiranje potpuno suludo! Njegovi najistaknutiji predstavnici nisu bili samo spomenuti Willem de Kooning i Jackson Pollack, nego i Mark Rothko, Amerikanac ruskog podrijetla. Ovo troje samo je vrhunac ljepota 20. stoljeća!
Apstraktni ekspresionist je osoba koja u principu ne crta. Van Gogh je slikao barem na razini petogodišnjeg djeteta, ali Pollak nije mogao ni do ove razine. Da citiram Povijest slikarstva Wendy Beckett: “Pollack je bio prvi koji je napustio kist, paletu i sve konvencije zapleta. Plesao je u ekstazi na platnima razastrtim po podu, potpuno uronjen u kreativnost, prskajući i lijevajući boje pod potpunom kontrolom. “Slikarstvo,” rekao je, “ima svoj život. Pokušavam joj dopustiti." Tu se čak nema što komentirati - čovjek je bio jako, jako bolestan. Fotografija njegove slike to potvrđuje.
Mark Rothko je još gori umjetnik od Pollacka. Reći ćete da to ne može biti tako - uostalom, upravo sam rekao da Pollak ne zna crtati. Može biti! Pollackove su slike u najmanju ruku nalikovale kaotičnim tapetama, Rothkove su samo platna obojena različitim bojama - primjerice, vrh je crn, a dno sivo. Ili još više "izvanredan rad" - na dnu je grimizna, na vrhu - neka tamno žuta, au sredini - bijela.
Slika se zove "Bijeli centar" i kupljena je od Sotheby'sa 2007. godine. za 72,8 milijuna dolara. - gotovo 73 milijuna za oštećeno platno! A ovo je, usput, 12. mjesto na popisu najskupljih slika na svijetu! Ali najskuplja slika na svijetu danas (2010.) pripada Jacksonu Pollacku i zove se "Br. 5" - prodana je 2006. u Sotheby'su za 140 milijuna dolara! Zapadni svijet nije prepun samo ludih umjetnika – postoji ogroman broj ludih milijunaša. Obični ljudi, inače, također nisu baš zdravi na Zapadu - u anketi lista Times Pollack je zauzeo 7. mjesto najpopularnijih umjetnika 20. stoljeća.
Njegov, kako kažu, "vječni rival" Willem de Kooning u ovoj je anketi postao 9. Nazvao bih ga najsmješnijim od svih mufova. Kooningova najskuplja slika, Žena br. 3 (otkupljena 2006. za 137,5 milijuna dolara!) dobro će nasmijati svakog zdravog čovjeka. Još smješnija je Žena s biciklom.
Mislim da je Willem imao problema sa ženama, pa im se suptilno osvećivao.
Na primjeru Pollacka, Kooninga i Rothka jasno vidimo do čega je danas došlo tržište umjetninama. Da je Hruščov živ, rekao bi: do pune guzice!
Dakle, zahvaljujući magičnoj moći Pu blic odnosi slike nekih mentalno poremećenih pojedinaca prepoznate su kao izvanredna umjetnička djela i stavljene u rang s platnima velikih renesansnih umjetnika. Prvi put se snaga PR-a tako jasno očitovala upravo u promociji mufova. Sve do 19. stoljeća PR djelotvorno djelovao samo u politici (povijest i religija također su služile političkim ciljevima i ne mogu se promatrati odvojeno od politike). U slučaju najave osrednjih mufova kao briljantnih umjetnika, susrećemo se s fenomenom kada PR ostavio traga na polju mode. I to je bilo toliko učinkovito i trajno da čak i sada, više od stoljeća nakon što je naljepnica mediokritetskih psihopata ušla u modu, susrećemo mnoge ljude koji iskreno vjeruju da je Van Gogh veliki umjetnik. Još više milijuna zna tko je Van Gogh. Nekoliko stotina bogatih besposličara koji ne znaju što bi sa svojim novcem na aukcijama kupuju pomodne krpice. Svi ostali čuju za jednu višemilijunsku kupnju ljepila, pa za drugu. Pa ne mogu platiti 30 milijuna dolara za iskrene izmet, zar ne? - tako tvrdi laik. - Mogu, kao što mogu ... Glavno je da bude moderno.
