Ova apstraktna umjetnost vrijedi milijune dolara. Divite se ovoj ljepoti! Najskuplje slike na svijetu ili cigle? Slike daub stil
Skandal u umjetničkim krugovima SAD-a! Deseci slika koje su se smatrale novopronađenim remek-djelima apstraktnog slikarstva pokazali su se lažnjacima. Što je to - kobna pogreška stručnjaka ili nevjerojatan talent prevaranata?
Ili samo objektivna potvrda da su u stvarnosti originali ovih "remek-djela" samo reklamirana šara, koju je jednostavno lako kopirati?
Zatvaranje Centra za vizualnu kulturu Mohyla Academy nije dovelo samo do oštre polemike u društvu. No, potaknula me i na razmišljanje o tome što zapravo jest sve što se nudi pod krinkom umjetnina.
Skandal u umjetničkim krugovima SAD-a! Deseci slika koje su se smatrale novopronađenim remek-djelima apstraktnog slikarstva pokazali su se lažnjacima. Što je to - kobna pogreška stručnjaka ili nevjerojatan talent prevaranata? Ili samo objektivna potvrda da su u stvarnosti originali ovih "remek-djela" samo reklamirana šara, koju je jednostavno lako kopirati?
Prije gotovo 17 godina malo poznata trgovka umjetninama s Long Islanda (New York) Glafira Rosales ušla je u luksuzne prostore galerije Knoedler & Company noseći sliku koju je, prema njezinim riječima, naslikao umjetnik Mark Rothko (vodeći predstavnik umjetničkog smjera)..n apstraktni ekspresionizam - pribl.).
Ann Friedman, novoj predsjednici Knoedlera, najstarije umjetničke galerije u New Yorku, pokazala je malu ploču s dva tamna oblaka na pozadini blijede boje breskve.
“Odmah, na prvi pogled, ovaj me rad zainteresirao”, kasnije se prisjećala gospođa Friedman. Bila je toliko strastvena da je na kraju sama nabavila posao.
Tijekom sljedećih deset godina gospođa Rosales često je posjećivala dvorac Knoedler Gallery s raskošno ukrašenim stropom, noseći djela poznatih modernističkih umjetnika kao što su Jackson Pollock, Willem de Kooning i Robert Motherwell.
Svi su se prvi put pojavili na tržištu. Sve je, rekla je, pripadalo kolekcionaru kojeg je gospođa Rosales odbila imenovati.
Slike su s entuzijazmom prihvatili i Galerija Knoedler i Ann Friedman: najmanje dvadeset radova preprodano je, od kojih je jedno prodano za 17 milijuna dolara.
.
Danas veliki broj stručnjaka te radove naziva falsifikatom. Jedan je sudskim nalogom službeno označen kao "lažni", dok ostale istražuje FBI. Galerija Knoedler, nakon 165 godina poslovanja, zatvorila je svoja vrata i tuži klijenta koji je kupio jednu od Rosalesovih slika (u galeriji kažu da je zatvaranje bila poslovna odluka povezana s tužbom). U ovoj tužbi pojavljuje se i gospođa Friedman, koja i dalje tvrdi da su slike prave.
Nekoliko je događaja posljednjih godina uzdrmalo tržište umjetninama poput ove tajanstvene priče o tome kako je opskurni trgovac umjetninama uspio otkriti zapanjujuću količinu opskurnog slikarskog blaga koje su stvorili titani apstraktnog ekspresionizma. Svako od mogućih objašnjenja nosi teret nevjerojatnosti.
Ako su slike stvarne, zašto onda boja na nekima od njih sadrži pigmente koji još nisu bili izumljeni u vrijeme kada su nastale?
Ako su lažni, tko su onda ti nadnaravno talentirani krivotvoritelji koji su mogli zavesti stručnjake?
A ako su slike prave, ali ukradene, zašto se njihovi vlasnici nisu javili nakon što je priča izašla u javnost?
Nažalost, jedina osoba koja bi mogla riješiti ovu misteriju, gospođa Rosales, odbija govoriti, barem javno. Ipak, iz sudskih spisa i razgovora s ostalim sudionicima ovog slučaja "procurilo" je nekoliko detalja. I oni su dovoljni da opišu ono što se dogodilo.
Dame Rosales, 55, karizmatična i obrazovana žena meksičkog podrijetla, i njezin suprug Jose Carlos Bergantinos Diaz, podrijetlom iz Španjolske, nekoć su vodili malu galeriju King Fine Arts, smještenu na Manhattanu u West 19th Street. Par, koji je imao račune na vrhunskim aukcijama Sotheby's i Christie's, rekao je u sudskom svjedočenju da su posjedovali ili prodavali slike poznatih umjetnika, uključujući Andyja Warhola, kojeg je gospodin Bergantinos opisao kao prijatelja.
Na temelju ovih podataka čini se čudnim da je gospođa Rosales kontaktirala posrednike poput Galerije Knoedler, čije su narudžbe "odgrizle komadić" u njezinim narudžbama. Dio odgovora na ovo možda leži u udaljenosti između Rosalesovog i Friedmanova statusa u svijetu umjetnosti.
Visoka, vrlo mršava i vrlo samouvjerena, gospođa Friedman vodila je jednu od najuglednijih galerija u Sjedinjenim Državama. Susrela se za doručkom s vrhunskim kolekcionarima, kupcima koji su, ne trepnuvši okom, dali nekoliko milijuna za sliku. Ona i njezin suprug, poduzetnik za nekretnine Robert Friedman, i sami su bili kolekcionari.
Dvije žene predstavila je zaposlenica galerije Jaime Andrade, koja se susrela s gospođom Rosales na koktel zabavi. Prema riječima Ann Friedman, Rosales joj je isprva samo rekla da zastupa interese svoje prijateljice koja posjeduje nekretnine u Mexico Cityju i Zürichu, a čije se ime obvezala čuvati u tajnosti. To nikoga nije iznenadilo, objasnio je Friedman, privatni kolekcionari često radije ostaju anonimni. Međutim, s vremenom se pojavilo više detalja o vlasniku. Rosales joj je rekla da je sliku naslijedila od svog oca, koji je skupljao slike uz pomoć Davida Herberta, trgovca iz New Yorka koji je umro 1995. godine.
Herbert je navodno na temelju tih djela planirao napraviti novu galeriju koju bi financirao vlasnik zbirke. No dvojica osnivača su pobjegla, a slike su na kraju završile u podrumu kolekcionara, gdje su bile čuvane do njegove smrti.
Gospođa Rosales ima portret Herberta od Ellswortha Kellyja, koji je nedavno bio dio izložbe u muzeju Brooklyn. Ono što nema je bilo kakva evidencija o vlasništvu nad više od dvadesetak modernističkih slika koje je stavila na tržište.
Prodaja djela poznatog umjetnika bez dokaza o porijeklu rijetka je situacija. U radu s nedokumentiranim slikama koje su, u teoriji, kako je rekao jedan odvjetnik, mogle biti naslikane "u garaži gospođe Rosales", Ann Friedman, rekla je, usredotočila se na ono što je stvarno važno - kvalitetu radova kao takvih.
I bili su izvanredni”, rekao je Friedman. Pozvala je nekoliko stručnjaka da provjere vlastite dojmove o slikama Rothka, Pollocka, Barnetta Newmana, Clifforda Stillsa i drugih - platnima koje je osigurao trgovac Rosales. Claude Cernuchi, koji je autor knjige o Pollocku, ovjerio je malu sliku "Bez naslova, 1950" s potpisom "J. Pollock. Nacionalna galerija umjetnosti, koja ima moćnu kolekciju Rothkovih radova na papiru, rekla je da su dvije Rothkove slike stvarne.
Prije 2000. gđa. Friedman sama je kupila tri Rosalesova prijedloga: Rothko s njihova prvog sastanka, Untitled 1959. za 200.000 dolara, Pollock za 300.000 dolara i Motherwell za 20.000 dolara. “Da je Ann Friedman imalo sumnjala u ove radove, ona i njezin suprug ne bi u njih uložili stotine tisuća dolara”, rekao je ovom prilikom njezin odvjetnik.
Oblaci su se počeli skupljati 2003., kada je viši rukovoditelj investicijske banke Goldman Sachs želio potvrditi autentičnost (navodno) Pollockove slike, Bez naziva 1949., koju je kupio u galeriji Knoedler. Dao je Cortina Međunarodnoj zakladi za umjetnička istraživanja, neovisnoj neprofitnoj organizaciji. I nakon analize, anonimna komisija odbila je potvrditi autentičnost slike, dovodeći u pitanje njen stil i podrijetlo.
Kupac je tražio povrat novca. Gospođa Friedman mu je odmah dala dva milijuna dolara i sama kupila bijelo, crno i crveno obojeno platno u suradnji s galerijom i kolegom kanadskim kazališnim impresariom Davidom Mirvishom. G. Mirvish, koji je i sam bivši trgovac umjetninama, rekao je da ga nije briga za anonimne ocjene (on i Knoedler također su uložili u dva druga Pollockova djela koje je dostavio Rosales).
Ali procjene su dobivene i iz drugih izvora. Mirvis je 2006. u galeriju doveo umjetnika Franka Stellu, suvremenika apstraktnih ekspresionista. Nakon što je pregledala nekoliko platna koja su stigla iz Rosalesa, Stella je rekla: "Svako od njih je predobro da bi bilo stvarno, ali kada ih vidite u općem kontekstu, kao grupu, shvatite da su stvarna" - barem je tako je o tome.O razgovoru je na sudu svjedočila Ann Friedman.
Što je najimpresivnije, Rosalesove slike potvrđene su na tržištu. Gospođa Friedman je potvrdila da je prodala ukupno 15 ili 16 radova preko galerije Knoedler, ukupne vrijednosti između 27 i 37 milijuna dolara.
Najskuplja slika bila je "Bez naziva 1950.", navodno Pollockova, koju je 2007. preko posrednika kupio direktor londonskog hedge fonda po imenu Pierre Lagrange. Galerija je, zajedno s g. Mirvishom, nekoliko godina ranije kupila sliku s nizom crnih, crvenih i bijelih linija na svijetloj srebrnoj pozadini za 2 milijuna dolara. Lagrange je platio 17 milijuna.
Ovo je pravi Pollock. I čim stručnjaci nisu odmah uočili koliko su te linije razmazane po platnu superiorne linijama razmazanim na falsificiranom platnu?
Nekoliko dana nakon dogovora s Lagrangeom, gospođa Friedman pozvala je nekoliko zaposlenika neprofitne zaklade Daedalus, koju je Robert Motherwell osnovao za zaštitu umjetničke baštine moderne, u galeriju Knoedler. Željela je da vide njezin posljednji Motherwell.
Bila je to sedma slika koju je trgovac umjetninama Rosales prodao ili Friedmanu ili drugom njujorškom trgovcu, Julianu Weismanu, u roku od osam godina. Čini se da je slika, s velikim crnim potezima i mrljama razasutim po platnu, pripadala Motherwellovoj uglednoj seriji poznatoj kao Španjolske elegije. Osoblje Zaklade već je vidjelo nekoliko ovih novih "elegija" i prepoznalo ih kao autentične.
No, nekoliko tjedana nakon posjeta galeriji Knoedler, tijekom sastanka odbora zaklade, neki su njegovi članovi počeli sumnjati u autentičnost potpisa i stila novootkrivenih "elegija". Predsjednik Zaklade Jack Flam rekao je da je ubrzo saznao da su druga djela "iz Rosalesa" koja se pripisuju Pollocku i Richardu Diebenkornu primljena sa skepsom.
Nisu svi u zakladi odlučili da trebaju dignuti uzbunu. Joan Banach, Motherwellova osobna asistentica i veteranska zaposlenica zaklade, rekla je da je Flam iznio nekvalificirane tvrdnje o autentičnosti slika i time prekršio postupke zaklade za procjenu slika. Nakon toga je tužila zakladu, navodeći da je otpuštena zbog kritika gospodina Flema (zaklada to poriče).
“Vjerojatnije nego ne”, tako je gospođa Banach u sudskim dokumentima procijenila autentičnost slika iz Motherwella, koje je Galerija Knoedler nabavila preko Rosalesa.
Ali predsjednik zaklade, Jack Flam, bio je odlučan dokazati da su te slike krivotvorene. Angažirao je privatnog detektiva da istraži aktivnosti Rosales i njezinog supruga, te je inzistirao na nizu forenzičkih vještačenja.
Jedne prohladne siječanjske večeri 2009. Flem i Friedman sastali su se kako bi razgovarali o rezultatima. Sjeli su u krivu dvoranu gdje su visjele dvije "elegije", od kojih je jedna pripadala gospođi Friedman. Forenzičar je zaključio da oba sadrže pigmente koji su izumljeni deset godina nakon 1953. i 1955. - datuma naznačenih na platnima.
Ann Friedman se nije složila s ovim nalazima. Umjetnici su često dobivali nove pigmente za eksperimentiranje, čak i prije nego što su patentirani i izbačeni na tržište. No Zaklada Daedalus ostala je pri svom: trgovac umjetninama Rosales kasnije je potvrđen u sudskim dokumentima kao "ključna osoba koja je na tržište iznijela niz od sedam lažnih 'španjolskih elegija'."
Spor oko Motherwellovih slika ubrzo je stigao i do FBI-a koji je otvorio istragu. Rosalesov odvjetnik priznao je da je njegova klijentica pod istragom i dodao da ona "nikada nije svjesno prodavala slike znajući da su lažne".
Ann Friedman dobila je nalog od FBI-a u rujnu 2009., iako njezin odvjetnik kaže da je FBI ne smatra predmetom istrage. Sljedećeg se mjeseca povukla iz galerije. I Friedman i galerija tvrde da istraga nije imala nikakve veze s njezinim otkazom, koji je bio posljedica Friedmanove nespremnosti da spoji galeriju Knoedler s drugom galerijom.
No, mnogo je teže bilo odmaknuti se od problema s Rosalesovim slikama. Jedna od "elegija" prošle je godine postala temelj za tužbu jedne irske galerije koja je otkupila ovu sliku i nakon skandala tražila za nju povrat 650.000 dolara.
Zaklada Daedalus bila je upletena u ovu tužbu jer je nakon forenzičkih provjera upravo on sve "elegije" primljene preko Rosalesa proglasio lažnima. Uključujući i one koje je ranije neformalno priznao kao autentične – a među njima je bila i slika koja je prodana Ircima.
Parnica je okončana u listopadu. Rosales je pristao platiti većinu troškova slike i pravne troškove, a sama je slika, na zahtjev Zaklade Daedalus, na poleđini otisnuta tintom "Lažna" koja se nije mogla ukloniti. Dedal je jednom sliku proglasio stvarnom, a drugi put da je lažna. Unatoč tome, druga strana preko svojih odvjetnika i dalje tvrdi da je slika originalna.
Nekoliko tjedana kasnije, još jedna slika postala je uzrok spora. Pierre Lagrange se razvodio od svoje žene i htjeli su prodati Untitled 1950. Ali aukcije Sotheby's i Christie's odbile su se baviti ovom slikom zbog dvojbenog podrijetla i odsutnosti u punom katalogu Pollockovih djela. Lagrange je zahtijevao da galerija Knoedler preuzme sliku natrag i naredio vlastito forenzičko ispitivanje platna.
29. studenoga stigli su rezultati analize: dva žuta pigmenta korištena na slici nisu izumljena sve do Pollockove smrti 1956. godine. Zaključak je poslan galeriji Knoedler. Sutradan je najavila zatvaranje.
U prosincu su se Rosales i Friedman ponovno susreli - ali ovoga puta sastanak se održao na federalnom okružnom sudu na Manhattanu, gdje su pozvani na tužbu g. Lagrangea. Htio je svojih 17 milijuna natrag.
Ova Motherwellova slika sada ima trajno žig "krivotvorina" na poleđini. Istodobno, isti umjetnički fond koji je inzistirao na izgledu ove marke, prije toga, potvrdio je autentičnost slike. Fotografija: Robert Caplin za The New York Times
Dvije su se žene kratko pozdravile, nakon čega se Rosales osvrnula na peti amandman američkog ustava koji građaninu daje pravo da ne inkriminira samog sebe. Od tada više ne komuniciraju, tvrde njihovi odvjetnici.
Sada je nemoguće reći hoće li sud ili kriminalistička istraga moći dati uvjerljiv odgovor o misteriju ovih djela.
Autentičnost je teško potvrditi. Datiranje pigmenta općenito se smatra pouzdanom metodom, ali to nije nužno i odlučujući argument. Na primjer, izvršni direktor Golden Artist Colors Mark Golden, čiji je otac Sam kreirao eksperimentalne boje za umjetnike poput Pollocka, izjavio je kako vjeruje da njegov otac nikada nije napravio žute boje na sumnjivoj slici. Međutim, primijetio je da su pojedinačni sastojci tih pigmenata postojali u kasnim 1940-ima.
U kaznenim predmetima letvica je još viša. Tužiteljstvo mora dokazati da su Rosalesovi radovi lažni - a to je onda kada se oko toga ne slažu ni stručnjaci. A ako su lažne, vlasti moraju dokazati da je gospođa Rosales bila umiješana u prijevaru, a da nije dovedena u zabludu na isti način.
U međuvremenu, slika u epicentru građanske tužbe, "Bez naziva 1950.", više ne zauzima počasno mjesto na zidu u dnevnoj sobi gospodina Lagrangea. Ploča veličine 15 x 28" postala je siroče u svijetu umjetnosti i nalazi se u svojevrsnom umjetničkom paklu. I čeka da je ili dignu u nebesa kao remek-djelo, ili će ih oklevetati kao lažnjak.
Patricia Cohen, The New York Times
Prijevod s originala na ukrajinski:TEKSTOVI , original"Prikladno za tužbu" Autor: PATRICIA COHEN Objavljeno: 22. veljače 2012
U današnje vrijeme ima puno čudnih ljudi koji daju desetke milijuna dolara za ono što se običnom čovjeku poput mene čini čistim škrabotinama). U svakom slučaju, predlažem da se upoznate s deset najskupljih slika na svijetu u ovom trenutku!
Nekome će se svidjeti, netko neće razumjeti takvu umjetnost, ali činjenica da je bilo ljudi koji su bili spremni dati puno novca za njih je neosporna činjenica.
Dakle broj 10 na listi najskuplje slike imamo Drugi portret Adele Bloch-Bauer Gustava Klimta, prodan za 89,1 milijun dolara. Malo povijesti. Godine 1912. austrijski umjetnik Gustav Klimt naslikao je portret Adele Bloch-Bauer II - supruge Ferdinanda Bloch-Bauera, bogatog industrijalca tog vremena koji je sponzorirao razne vrste umjetnosti, uključujući i samog Gustava Klimta) Adele Bloch-Bauer bila je jedini model koji je Klimt naslikao dvaput - pojavljuje se i u Prvom portretu Adele Bloch-Bauer. Očito je Ferdinand dobro sponzorirao umjetnika;)
9. mjesto - autoportret Vincenta van Gogha, za koji je na aukciji plaćeno 90,1 milijun dolara Općenito, Danac Van Gogh volio je slikati autoportrete - i to sve, uz poznate "Suncokrete", su popularne i njegove su najpoznatije slike. Ukupno je od 1886. do 1889. naslikao više od 12 autoportreta.
Na 8. mjestu - slika "Dora Maar s mačkom" Pabla Picassa, čija je cijena bila 97 milijuna dolara. Slika, naslikana 1941., prikazuje Picassovu hrvatsku ljubavnicu Doru Maar kako sjedi na stolcu, s mačkom na ramenu (iako više izgleda kao da mačić još uvijek hoda po naslonu stolca). Kad sam vidio ovu sliku, odjednom sam shvatio da su Picassovi mačići ispali najbolji))
Sedmo mjesto ponovno zauzima slika Van Gogha, samo ovaj put ne autoportret) Kupac je morao platiti 97,5 milijuna dolara za sliku "Irises", ali barem više-manje izgleda kao slika - ja ne bi požalio ni 10 dolara za ovo! Ovo je jedno od prvih Van Goghovih djela koje je napisao tijekom boravka u bolnici St. Paul de Mousol u francuskoj pokrajini Sanremo godinu dana prije njegove smrti 1890
Na 6. redu - opet Picasso) Čini se da su se odlučili "mjeriti" s Van Goghom =) U svakom slučaju, za sliku Pabla Picassa "Dječak s lulom" iz osobne kolekcije Johna Haya Whitneyja na aukciji Sotheby's održanoj u New Yorku 5. svibnja 2004., dao je 104,1 milijun dolara po početnoj cijeni od 70 milijuna dolara. Međutim, mnogi povjesničari umjetnosti smatraju da je tako visoka cijena bila vjerojatnije povezana s velikim imenom umjetnika nego sa stvarnom povijesnom vrijednošću njegove slike.
5. mjesto, da tako kažem, ekvator liste najskuplje slike, zauzima Pierre-August Renoir slikom “Bal na Montmartreu”. U trenutku prodaje ova je slika, uz Van Goghov "Portret dr. Gacheta", bila najskuplja slika ikada prodana - a obje su pripadale japanskom industrijalcu Saitu. Uz njega je povezana zanimljiva priča - činjenica je da je Saito nakon svoje smrti (a to se dogodilo 1991.) oporučno ostavio da zajedno s njim kremira ove dvije slike, što je izazvalo val ogorčenja diljem svijeta. No, njegovi kompanjoni odlučili su učiniti drugačije te su, suočeni s prijetnjom bankrota, prodali Renoira u Sotheby'su za 122,8 milijuna dolara - kupac je želio ostati anoniman, no pretpostavlja se da je slika sada u Švicarskoj.
Na 4. mjestu - ponovno Van Gogh, s već spomenutim “Portretom doktora Gacheta”. Zapravo, postoje dvije verzije ove slike, obje naslikane 1890., u posljednjim mjesecima umjetnikova života – i na objema liječnik sjedi za stolom, naslonivši glavu na desnu ruku, ali razlika između njih može vidjeti čak i golim okom. Ova je slika prodana za 129,7 milijuna dolara.
Već smo na samom početku spomenuli sliku koja se nalazi na “brončanoj”, trećoj stepenici naše liste - to je “Prvi portret Adele Bloch-Bauer” Gustava Klimta. Kao što vidite, ovaj je portret ispao bolji i skuplji) Naslikan je 1907., a prema informacijama iz specijaliziranih izvora, prodan je 2006. vlasniku njujorške galerije Neue Galerie Ronaldu Lauderu za 135 milijuna dolara, što učinio sliku najskupljom ikad ili prodao u to vrijeme
Na drugom mjestu je meni potpuno neshvatljiva šmrka nazvana “Žena 3” apstraktnog ekspresionista Willema de Kooninga, iako ako pogledate samog umjetnika i ostale njegove slike, u osnovi možete reći da je to kruna njegovog rad))) “Žena 3” jedna je od šest umjetnikovih slika u kojima je središnja tema, iznenađujuće, žena) Platno veličine 170 x 121 cm naslikano je 1953., au studenom 2006. prodao ga je David Geffen milijardera Stephena Cohena za 137,5 milijuna dolara, čime je postala druga najskuplja slika na svijetu ikada prodana.
Dakle prvi na listi “Najskuplje slike na svijetu” trenutno je “Br. 5, 1948”, autora Jacksona Pollocka, američkog umjetnika koji je dao značajan doprinos pokretu apstraktnog ekspresionizma. Slika je naslikana na lesonitu veličine 2,5 x 1,2 metra nanošenjem male količine smeđih i žutih mrlja na vrh, zbog čega je slika izgledala kao ogromno gnijezdo. Ovo Pollockovo remek-djelo prodano je za rekordnih 142,7 milijuna dolara.
lifeglobe.net/entry/1228
Gledajući neke od slika koje se danas prodaju na aukciji, želim zaplakati. Plači, jer ova platna izgledaju kao dječija boja, a stoje kao vila u Miamiju. Došlo je vrijeme da predstavimo najskuplja remek-djela apsurda koja su napustila aukcije za milijune dolara.
"Zeleno i bijelo" Ellswortha Kellyja - 1,6 milijuna dolara
blogspotOvo nije samo nazubljeni zeleni krug na bijeloj pozadini. Ovo je primjer slikarstva, gdje je glavni predmet sama boja. Ova kreacija je kupljena na Christie's aukciji u New Yorku 2008. godine.
Zapravo, u ostalim umjetnikovim slikama nećete pronaći složene uzorke i realne krajolike - samo najjednostavnije figure na bijeloj, crnoj ili svijetloj pozadini.
Plava budala, Christopher Wool - 5 milijuna dolara
pinterest Slika je napustila aukciju Christie's (New York) 2010. godine. Moderni američki umjetnik Christopher Wool otišao je dalje od svojih kolega te je, uz “tabanje” i “škrabanje”, počeo na platna stavljati natpise velikim slovima.
Ima popriličnu dozu ironije u tome što je jedno od najskupljih djela iz ove serije bilo platno s natpisom "FOOL" (Budala).
“Pojam prostora. Čekanje, Lucio Fontana — 12,8 milijuna dolara
izvor: forbes Bijelo prorezano platno prodano je u Sotheby's Londonu 2015. godine. Umjetnik Lucio Fontana poznat je po svom "barbarskom" odnosu prema svojim platnima - nemilosrdno ih je rezao i bušio. Ali on je to učinio tako da je kasnije gledatelju mogao pokazati "osakaćenu" sliku.
Za majstora, njegovi su otvori personificirali samu beskonačnost. “Kada sjednem ispred jednog od svojih proreza i počnem razmišljati o njemu, odjednom osjetim da mi je duh oslobođen. Osjećam se kao osoba koja je pobjegla iz okova materije, pripadajući beskonačnom prostranstvu sadašnjosti i budućnosti”, rekao je Fontana.
Slika "Golub zvijezda Joana Miróa 36,9 milijuna dolara
karenruimy Jedan od najskupljih lotova aukcije Sotheby's, održane u britanskoj prijestolnici 2012. godine. Ovo je prva slika na našem popisu za koju se čini da je naslikana. Samo što?
Platno je izradio španjolski nadrealistički umjetnik Joan Miro. Jedno vrijeme slikar je gladovao, zbog čega je često promatrao halucinacije na zidovima. Stvoritelj je slike koje je vidio prenio na slike. Sada se njegove slike prodaju za milijune dolara.
Djevojka koja spava Roya Lichtensteina - 44,8 milijuna dolara
nytimes Sleeping Girl prodan je 2012. u Sotheby'su u New Yorku. Za rad Lichtensteina, koji je svojedobno nazivan "najgorim umjetnikom u Americi", danas daju basnoslovne novce.
Roy Lichtenstein poznat je po stvaranju slika temeljenih na stripovima: umjetnik je jednostavno uzeo i ponovno nacrtao tuđe radove, dodajući nešto svoje. Zbog toga je morao izdržati napade kritike, ali to ga je i proslavilo. Slike Lihtenštajna stalno se pojavljuju na popisima najskupljih slika.
Bez naziva, Cy Twombly - 69,6 milijuna dolara
gazeta Slika je prodana na njujorškoj aukciji aukcijske kuće Christie's 2014. godine. Kad dijete ovo nacrta, to je škrabotina. Ali kada to napravi razvikani umjetnik, to je remek-djelo za koje vrijedi platiti ludi novac. Ostala djela Twomblyja su iste škrabotine i jednako su nepristojno skupa.
"Black Fire" Barnetta Newmana - 84,2 milijuna dolara
bloomberg Ovo remek-djelo prodano je u Christie'su u New Yorku 2014. godine. Potpis Barnett Newman - okomite linije, koje su nadimak "munje".
Druge slike majstora razlikuju se od gore prikazane, osim možda u boji, ali u širini ovih samih munja. Cijene umjetnikovih slika rastu iz aukcije u aukciju.
"Orange, Red, Yellow" Marca Rothka - 86,9 milijuna dolara
Učinkovitost odnosa s javnošću: "Briljantni" mufovi
Ako uzmem kist i naslikam nekakav krajolik ili portret na platnu, onda svatko, gledajući moj rad, može sa sigurnošću reći: kakva šara! I bit će ispravno, jer ne mogu crtati. Međutim, moja slika mogla bi se prodati za milijune dolara da sam bio na glasu kao veliki umjetnik. Teoretski, teško je zamisliti da bi se moje nenaslikane, ali ništa manje strašne slike mogle promovirati kao velika umjetnička djela i prodavati za "ludi novac". Ali u stvarnom životu to se dogodilo više nego jednom - druga polovica 19. stoljeća i cijelo 20. stoljeće kontinuirani je trijumf ljepila u umjetnosti.
Od trenutka kada se rađa moderno slikarstvo, čijim se ocem smatra Talijan Giotto di Bondone (1267.-1337.), pa u sljedećih nekoliko stoljeća, umjetnikova vještina u prikazivanju stvarnosti na svakoj površini pogodnoj za crtanje (platno, zid ili ploča) ). Fotografija tada nije postojala, ali mnogi su željeli imati svoj portret ili sliku svoje rodbine. Cijenjeni su i pogledi na okolne šume i polja. Još uvijek volimo po svojim stanovima vješati reprodukcije raznih slika, a kome materijalno stanje dopušta onda i same originale. U srednjem vijeku bogati ljudi također su voljeli ukrašavati zidove kuća i dvoraca slikama, a neki od bogataša sakupili su ogromne zbirke. Netko je to učinio iz ljubavi prema slikanju, drugi - da poboljšaju svoj status.
Osim bogataša, crkva je trebala i umjetnina. Crkvi nisu bile potrebne slike koje su prikazivale stvarni život – trebali su joj biblijski prizori koji će izgledati kao stvarni – kao fotografije stvarnih događaja (iako o fotografijama tada nisu imali pojma). Ljudi su morali vjerovati u Krista, Mariju, apostole i druge vjerske osobe, a za to su biblijski likovi morali izgledati kao živi ljudi.
Kakvi su bili zahtjevi kupaca - takve su bile i slike. Lude ideje iscrtane na platnu nevještom rukom nikome nisu koristile. Nitko ne bi kupio svoj portret koji ne bi izgledao kao original, a još više onaj koji u principu ne bi sličio liku osobe. U ono doba, za slikanje portreta, bio je potreban umjetnik koji je vladao slikarskim zanatom. Kako nisi bio profesionalac, nisi mogao prodavati slike i zarađivati za život. Oni koji su skupljali slike već su trebali ne samo odljeve stvarnosti - htjeli su dobiti ekskluzivne stvari koje nitko ne može ponoviti. Odnosno, umjetnik je realističnoj slici morao dodati nešto svoje - određeni jedinstveni stil, tako da se njegova slika isticala među masom visokokvalitetnih zanatskih proizvoda. To bi mogla biti jedinstvena tehnika poput Leonarda da Vincija, inovativna upotreba svjetla i sjene poput Van Eycka, fantastične slike poput Boscha...
15-17 stoljeća u Europi je vrhunac svjetskog slikarstva. Do tog vremena u ekonomski razvijenim državama Europe (Venecija, Firenca, Nizozemska, Flandrija, Njemačka) pojavio se dovoljan broj kupaca za slike - zahvaljujući tome dobili smo čitavu galaksiju izvrsnih umjetnika, čija djela još uvijek krase najpoznatiji muzeji svijeta. Uz tako općepriznate velike slikare renesanse kao što su Leonardo da Vinci, Raphael i Michelangelo Buonarroti, u to je vrijeme djelovalo još nekoliko desetaka jednako istaknutih umjetnika: Nizozemac Robert Campin, Jan Van Eyck, Hieronymus Bosch, Peter Brueghel stariji, Peter Paul Rubens, Antonis Van Dyck, Jan Vermeer, Talijani Giorgione, Tizian, Correggio, Caravaggio, Nijemci Albrecht Dürer, Hans Holbein ml., Španjolac Diego Velazquez... Svi su oni imali originalan način prikazivanja stvarnosti, ali na Istodobno ih je ujedinila činjenica da su svi pisali vrhunski isključivo realistične slike. Realno ne prema radnji - iste biblijske slike nikada nisu bile takve. Realno - po sličnosti prikazanog sa stvarnim životom. Nitko nije slikao nikakve kocke ili kvadrate - navodno tako vidi svijet, jer "remek-djela" u sličnom stilu ne bi našla kupca. Kupci slika u to su vrijeme bili jednostavni ljudi - poput našeg Nikite Hruščova. Postoji priča da je jednom pitao za jednu od slika na izložbi apstrakcionista: “Kakva je ovo guza?”. Napominjem da u vezi sa slikama Raphaela ili Correggia nitko nikada nije rekao tako nešto, uključujući Hruščova - svatko tko ima vid razumije što je na njima prikazano: Madone u obliku lijepih žena, a ne neke strašne i neshvatljive stvorenja kao na Picassovim slikama. Svaki istaknuti umjetnik bio je na neki način inovator, ali sve inovativne tehnike u slikarstvu imale su smisla samo ako je umjetnik mogao adekvatno prikazati život u svim njegovim pojavnostima. Novost u slici korištena je radi realizma, a ne sama po sebi. Možemo reći da su se slikari trudili raditi kao graditelji - svaka kuća mora imati temelj, zidove i krov, a svi eksperimenti bili su dopušteni samo u tom okviru.
Kao profesionalci, renesansni umjetnici dosegli su vrhunac slikarstva. I slobodno možemo reći da je nemoguće nadmašiti Raphaela ili Van Eycka - oni se mogu samo ponoviti. Ili stvoriti nešto svoje, što je s godinama postalo sve teže. Već u 17. stoljeću bilo je manje istaknutih umjetnika nego u 16. stoljeću, au 18. se mogu nabrojati na prste. Na pozadini majstora renesanse izuzetno je teško istaknuti se - ovo je najviša razina vještine koju u načelu samo rijetki mogu postići.
I na takvoj pozadini, kada ima mnogo obrtnika, a malo je izvanrednih majstora, u svijetu umjetnosti događa se prava revolucija - "veliki umjetnici" počeli su se stvarati umjetno. To je bilo teško učiniti u srednjem vijeku.- bez medija, PR tehnologije su neučinkovite, jer se informacije moraju prenositi putem glasina koje ih iskrivljuju. Pogotovo kada je u pitanju širenje informacija na velike udaljenosti. Samo mediji mogu brzo i učinkovito stvoriti i uvesti u masovnu svijest sliku bilo kojeg predmeta (proizvoda, marke) kao idealnog i potrebnog u životu. Nije slučajno da kada je u drugoj polovici 19. stoljeća tisak počeo igrati sve važniju ulogu u životu država zapadne Europe, koje su već ušle u doba industrijske revolucije, tada su “veliki umjetnici novoga tipa” počela se pojavljivati. Drugim riječima – muffini.
Tko je kupce slika konkretno preusmjeravao na čistu kremu? Ima ih jako puno. Uglavnom, to su ljudi koji su se bavili likovnom kritikom u medijima, kao i oni koji su organizirali izložbe. Na primjer, kritičar Roger Fry "oprao" je postimpresioniste, Francuz Guillaume Apollinaire potrošačima je promovirao proizvode Matissea i Picassa. No još važnije za tržište slika bila je činjenica da se u svijetu pojavljuje sve više imućnijih kolekcionara - osobito u drugoj polovici 20. stoljeća. U uvjetima kada su uistinu izvanredna umjetnička djela u državnim muzejima ili u vlasništvu crkava koje svoja remek-djela ne prodaju ni za kakve novce, čemu skupljati zbirke? - Od onoga što se smatra modernim. Ono što je postalo moderno stekli su kupci.
A kako je nastala moda za ovog ili onog "slikara"? Uglavnom, sve je počelo skandalom. Krajem 19. stoljeća samo javno izlaganje strašne šare pod krinkom umjetnina značilo je javni skandal. Bio je to pravi izazov za društvo. Ljudi su, vidjevši "takve", bili ogorčeni, sve se to odugovlačilo u tisku i na boemskim mjestima, slava autora i njegovih slika rasla je - i tako se pojavila moda za ovaj ili onaj lik. Prvo u uskim krugovima, a onda, ako imate sreće, onda je i šira javnost saznala za pojavu novog "velikog slikara". „Ako pričaju o tebi, onda postojiš" - osnovno je pravilo PR-a. Ako postaneš poznat, onda će barem netko kupovati tvoje slike - bez obzira na njihovu umjetničku vrijednost. Čim su mediokriteti u boemskoj sredini shvatili taj premaz - ovo je također popularna roba, pa su takve slike doslovno pomele tržište. Mnogi veliki mufovi u budućnosti započeli su s realističnim slikama, ali su s vremenom prešli na premaz. A neki nisu trebali ništa mijenjati - u početku nisu znali kako crtati.
U različitim razdobljima vladala je moda za jedan, zatim za drugi umjetnički pravac - impresionizam, postimpresionizam, apstrakcionizam, kubizam, ekspresionizam.... A moda je glavni motor trgovine. Čim je "umjetnik" postao brend - od tada se sve što je proizvedeno pod tim brendom "prodavalo kao alva". Nije bilo važno što je točno ovaj ili onaj "umjetnik" naslikao - modna industrija djeluje prema drugačijim zakonima od zanatske industrije. Moda za ovaj ili onaj muf, naravno, nije nastala odmah, a isprva su "lovorike" u obliku ogromnog novca išle ne samim umjetnicima, već kupcima slika. Ludi novac koji se na aukcijama počeo plaćati za pomodne krpice pojavio se tek potkraj druge polovice 20. stoljeća. Ogroman broj ljudi s lakom zaradom stečenom na svjetskim financijskim tržištima, kao i tijekom pljačke državne imovine u Rusiji, jednostavno nije znao kamo bi ih smjestio - kao rezultat toga, svaki izmet razmazan po platnu postao je iznimno vruća roba. .
S kim je započeo trijumf daubiranja u umjetnosti?Put impresionistima i kubistima utro je Englez Joseph Turner koji je “stvarao” u prvoj polovici 19. stoljeća. Njegova jedina zasluga kao umjetnika bila je ta što nije bio baš vješt u slikanju pejzaža. Imao je i gotovo dobre slike, ali je postao poznat po iskrenim slikama, poput platna "Jedrenje u Veneciju". Da je Venecija ista kao na njegovoj slici, teško da bi itko uopće doplovio do nje ... Turner je svojedobno jednostavno šokirao javnost, zahvaljujući čemu je postao slavan. Postoji njegova karikatura - Turner stoji ispred slike s kistom (kojim su se u to vrijeme bojale ograde) i nešto slika...
Francuz Edgar Degas je sljedeći preuzeo štafetu - znao je crtati, a ponekad je i napravio prekrasne slike, ali Edgara je iz nekog razloga privuklo slikati najružnije gole žene koje su se spremale za pranje, pranje ili upravo završene vodene procedure . .. - Za takve crteže bivaju izbačeni iz 1 tečaja umjetničke škole zbog nekompetentnosti, ali Degas je postao popularan velikim dijelom zahvaljujući njima.
Krajem 19. i početkom 20. stoljeća broj muffina počeo je dramatično rasti.
U ovo vrijeme stvaraju "veliki impresionisti" Claude Monet (kojega ne treba brkati sa slavnim umjetnikom Edouardom Manetom) i Auguste Renoir. Renoir je znao crtati, ali je i on, poput Degasa, često bio doveden do čistog taufiranja. Monet je isprva također pokušao postati pravi umjetnik, ali je shvatio da neće uspjeti - kao rezultat toga, može se nazvati jednim od najupečatljivijih nasljednika djela Josepha Turnera - Monetovi krajolici gotovo su jednako strašni kao i oni njegovog prethodnika.
Njegovo glavno "remek-djelo" je "Katedrala u Rouenu, zapadno pročelje na suncu" - tipična dječja šara. Monet je zakovao puno radova u tom “stilu”, a svi su i dalje popularni: “Lopoči” (bez imena ne prepoznaš odmah da su to ljiljani na vodi...) otišli su na aukciju za 36,7 milijuna dolara (2007.), most Waterloo (na slici dolje) prodan za 35,9 milijuna dolara (2007.),
“Jezerce s lopočima…” (u usporedbi s “Mostom Waterloo” može se nazvati i slikom) - za 33 milijuna dolara (1998.). List Times 2009. proveo je anketu među čitateljima, čiji su rezultati odredili najpopularnije umjetnike 20. stoljeća - Claude Monet zauzeo je 4. mjesto!
Na prijelazu stoljeća prionuli su na posao i postimpresionisti: Vincent van Gogh, Henri Toulouse-Lautrec, Edvard Munch, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Gustav Klimt. Tko je od njih bio "veći" ili, drugim riječima, moderniji umjetnik našeg vremena? Cezanne ima barem jednu sliku koja se može opisati kao "zanimljiva" - naslikao ju je u dobi od 27 godina. Onda je sve išlo mnogo gore - bez prosvjetljenja, mrlja za mrljom. No, on definitivno nije “najveći”. Cijene nekih njegovih slika dosežu se i desetke milijuna dolara (najskuplja od njih - "Mrtva priroda s vrčem i draperijom" otkupljena je za 60,5 milijuna dolara (!), no popularnost njegovih djela među kolekcionarima je očito velika inferioran popularnosti Gauguinovih djela, a još više Van Gogha. Ali čitatelji The Timesa stavili su Cezannea na 2. mjesto među umjetnicima 20. stoljeća!
Psihički bolesni Van Gogh slikao je kao netalentiranog dječaka od 5-7 godina koji nikada nije odrastao. Jedno vrijeme bio je na liječenju u psihijatrijskoj klinici, ali to nije pomoglo te je u dobi od 40 godina počinio samoubojstvo. Njegova biografija više liči na biografiju “velikog umjetnika”. O tome svjedoče i cijene njegovih slika - 40,3 milijuna dolara za strašni portret Madame Ginoux, 40,5 milijuna dolara za "Suncokrete", 47,5 milijuna dolara za "Seljanku u slamnatom šeširu", 53, 9 milijuna dolara za Perunike, 57 dolara. milijuna za Cypress Wheat Field, 71 milijun dolara za autoportret i 82,5 milijuna dolara za dr. Gacheta. Ovaj Gachet se, inače, brinuo o Van Goghu nedugo prije njegova samoubojstva - vjerojatno se "umjetnik" odlučio osvetiti liječniku za njegov rad svojim portretom s potpisom.
Van Goghov ljubavnik Gauguin slikao je kao dječak malo stariji od Van Goghovog dječaka. To mu je čisti minus kao “velikom umjetniku”. Osim toga, Gauguin nije bio toliko lud kao Van Gogh, iako u njegovoj biografiji postoji jedna prekrasna epizoda kada je došao posjetiti Van Gogha i na kraju mu odrezao uho - to je zaista teška tvrdnja o "veličini"! Ipak, potražnja za Gauguinovim slikama nije tako velika kao za Van Goghom - samo nekoliko njegovih slika prodano je za više od 30 milijuna dolara.
Gotovo patuljasti Toulouse-Lautrec bio je lud za ružnim francuskim kurvama, koje je utjelovio na svojim ništa manje ružnim slikama. Ako pogledate sliku ispod pod uvjetnim nazivom "kurve na pregledu", imat ćete predodžbu o kreativnom načinu Toulouse-Lautreca.
Bio je prilično majstor skice, ali nikada se nije trudio napisati potpunu sliku. U usporedbi s Gauguinom i Van Goghom, Toulouse-Lautrec je potpuno nepopularan, a Norvežanin Munch im očito nije dorastao, iako je njegova biografija vrlo osobna: stalno je patio od strašne depresije i nekoliko puta se liječio od psihičkih poremećaja. Nekoliko njegovih slika pojavljuje se na popisu "100 najskupljih slika u povijesti", ali to je sve.
Ali Austrijanac Gustav Klimt doista je najveći postimpresionist. Popularan je kao Van Gogh, a njegova najskuplja slika otkupljena je za 135 milijuna dolara! I ono što najviše iznenađuje za velikog umjetnika 20. stoljeća - slika prikazuje ženu s ljudskim licem! Sav preostali prostor zauzima tipična mrlja, ali lice se pokazalo realističnim. I druge Klimtove slike, na kojima su prikazani ljudi, slične su ovoj slici - ista lica među "postimpresionističkim" šarama.
Narod poštuje i Klimta - 3. mjesto među najboljim umjetnicima 20. stoljeća - ispred su samo Picasso i Cezanne.
Prijeđimo u 20. stoljeće. Kako je napisala Wendy Beckett u svojoj Povijesti slikarstva, "dvojica vladaju u umjetnosti 20. stoljeća - Henri Matisse i Pablo Picasso." Teško je reći zašto baš ova dva, jer je takvih mufova bilo na stotine, ali putevi mode su nedokučivi. Pablo je, inače, prema anketi čitatelja The Timesa zauzeo 1. mjesto.
Španjolac Pablo Picasso znao je crtati, ali nije htio. Bio je daleko od razine Da Vincija (tko ne vjeruje - pogledajte njegovu ranu sliku "Dječak s lulom" - nije loš, ali nije izvanredan), ali jednostavno dobre slike su već u 20. stoljeću bile nebitne. Mazanje je postalo sve modernije, a Pablo je odlučio zaploviti po naredbi valova. I odlično se snašao!
Godine 1907. naslikao je sliku "Djevojke iz Avignona" - to je postalo prvo djelo u kubističkom žanru. U početku je umjetniku bilo neugodno pokazati tu boju strancima, što je, općenito, razumljivo: pet apsolutno strašnih stvorenja gleda vas sa slike i pokazivati takve besmislice drugima je kao da javno kažete: Ja sam lud! Ja sam potpuni psiho! Međutim, Pablo usudio se izložiti svoje "remek-djelo" i nije pogodio. Nitko ga nije skrivao u bolnici, a Picasso je nastavio kvariti platna. U djelo je proveo postulat dijalektičkog materijalizma: kvantiteta se razvija u kvalitetu. U ovom slučaju, ugled. Picasso je slikao oko 70 godina i ne čudi što je postao najpopularniji muf našeg doba.
Njegov portret Dore Maar (kupljen za 95,2 milijuna dolara na aukciji 2006., na slici gore), Žena sjedi u vrtu (49,5 milijuna dolara 1999.), San (48,4 milijuna dolara 1997.), "Akt u crnoj stolici" (45,1 milijun dolara 1999.) – ušla u „zlatni fond“ daub 20. stoljeća.
Bilo je mnogo slavnih slikara u 20. stoljeću - puno više nego velikih umjetnika u renesansi, što i ne čudi: lomiti - ne graditi, kvariti platna - ne slikati. Na tom polju zapaženi su i naši Vasja Kandinski i Kazimir Malevič - iako su izvanredni, za svjetske standarde nisu veliki mufovi. Naravno, Rusi imaju svoju posebnu duhovnost, ali u daubu se ona nije previše očitovala. Sredinom 20. stoljeća ton su joj počeli davati Amerikanac Pollack i Nizozemac de Kooning, "apstraktni ekspresionisti".
Sve je u našem svijetu relativno, a na pozadini Pollacka i njegove braće čak i Monet ili Gauguin izgledaju kao dobri umjetnici. Likovna kritika je ovaj najviši stupanj tauširanja nazvala “apstraktni ekspresionizam”, a ja bih rekao da je ovo taufiranje potpuno suludo! Njegovi najistaknutiji predstavnici nisu bili samo spomenuti Willem de Kooning i Jackson Pollack, nego i Mark Rothko, Amerikanac ruskog podrijetla. Ovo troje samo je vrhunac ljepota 20. stoljeća!
Apstraktni ekspresionist je osoba koja u principu ne crta. Van Gogh je slikao barem na razini petogodišnjeg djeteta, ali Pollak nije mogao ni do ove razine. Da citiram Povijest slikarstva Wendy Beckett: “Pollack je bio prvi koji je napustio kist, paletu i sve konvencije zapleta. U ekstazi je plesao na platnima razastrtim po podu, potpuno uronjen u kreativnost, prskajući i lijevajući boje pod potpunom kontrolom. “Slikarstvo,” rekao je, “ima svoj život. Pokušavam joj dopustiti." Tu se čak nema što komentirati - čovjek je bio jako, jako bolestan. Fotografija njegove slike to potvrđuje.
Mark Rothko je još gori umjetnik od Pollacka. Reći ćete da to ne može biti tako - uostalom, upravo sam rekao da Pollak ne zna crtati. Može biti! Pollackove su slike u najmanju ruku nalikovale kaotičnim tapetama, Rothkove su samo platna obojena različitim bojama - primjerice, vrh je crn, a dno sivo. Ili još više "izvanredan rad" - na dnu je grimizna, na vrhu - neka tamno žuta, au sredini - bijela.
Slika se zove "Bijeli centar" i kupljena je od Sotheby'sa 2007. godine. za 72,8 milijuna dolara. - gotovo 73 milijuna za oštećeno platno! A ovo je, usput, 12. mjesto na popisu najskupljih slika na svijetu! Ali najskuplja slika na svijetu danas (2010.) pripada Jacksonu Pollacku i zove se "Br. 5" - prodana je 2006. u Sotheby'su za 140 milijuna dolara! Zapadni svijet nije prepun samo ludih umjetnika – postoji ogroman broj ludih milijunaša. Obični ljudi, inače, također nisu baš zdravi na Zapadu - u anketi lista Times Pollack je zauzeo 7. mjesto najpopularnijih umjetnika 20. stoljeća.
Njegov, kako kažu, "vječni rival" Willem de Kooning u ovoj je anketi postao 9. Nazvao bih ga najsmješnijim od svih mufova. Kooningova najskuplja slika, Žena br. 3 (otkupljena 2006. za 137,5 milijuna dolara!) dobro će nasmijati svakog zdravog čovjeka. Još smješnija je Žena s biciklom.
Mislim da je Willem imao problema sa ženama, pa im se suptilno osvećivao.
Na primjeru Pollacka, Kooninga i Rothka jasno vidimo do čega je danas došlo tržište umjetninama. Da je Hruščov živ, rekao bi: do pune guzice!
Dakle, zahvaljujući magičnoj moći Pu blic odnosi slike nekih mentalno poremećenih pojedinaca prepoznate su kao izvanredna umjetnička djela i stavljene u rang s platnima velikih renesansnih umjetnika. Prvi put se snaga PR-a tako jasno očitovala upravo u promociji mufova. Sve do 19. stoljeća PR djelotvorno djelovao samo u politici (povijest i religija također su služile političkim ciljevima i ne mogu se promatrati odvojeno od politike). U slučaju najave osrednjih mufova kao briljantnih umjetnika, susrećemo se s fenomenom kada PR istaknuo se na polju mode. I to je bilo toliko učinkovito i trajno da čak i sada, više od stoljeća nakon što je naljepnica mediokritetskih psihopata ušla u modu, susrećemo mnoge ljude koji iskreno vjeruju da je Van Gogh veliki umjetnik. Još više milijuna zna tko je Van Gogh. Nekoliko stotina bogatih besposličara koji ne znaju što bi sa svojim novcem na aukcijama kupuju pomodne krpice. Svi ostali čuju za jednu višemilijunsku kupnju ljepila, pa za drugu. Pa ne mogu platiti 30 milijuna dolara za iskrene izmet, zar ne? - tako tvrdi laik. - Mogu, kao što mogu ... Glavno je da bude moderno.
Dugo ste se željeli okušati u slikanju, ali se nikako niste mogli odlučiti uzeti kist i paletu i stati za štafelaj? Smatraju li svi oko vas da su vaši kreativni napori jadna ljaga? Dakle, ti si gubitnik! Dakle, izbor slika kanadske umjetnice Kim Dorland (Kim Dorland) poslužit će vam kao dobra utjeha. Ili možda i inspiracija.
Stručnjaci Dorlandov rad nazivaju "naivnom umjetnošću", zlobni kritičari - nemarnim šarama, a ljubitelji originalnog talenta vjeruju da su slike koje Kim stvara psihološki i stilski neočekivane. I to je istina - nitko ne očekuje da će umjesto obećanih krajolika i portreta vidjeti platno oblijepljeno bojom, na kojem, štoviše, autor nije ostavio uredne poteze i linije, već grube brazde. Kao da je traktor vozio po pognojenoj i mokroj njivi...
Načelo po kojem Kim Dorland crta svoje originalne slike može se opisati jednom kratkom frazom: "glavna stvar je ne štedjeti boju." Uostalom, ako bolje pogledate, slike su doslovno izgrebane na debelom sloju ulja, kojim autor velikodušno maže svoja platna. Ispostavilo se da slike nisu nacrtane, nego oblikovane - kao da su skulpture.
A umjetnik ne teži točnosti i realizmu. Stvara posebnim stilom, nekom vrstom djetinje apstrakcije, ne mareći za održavanje proporcija, niti davanje volumena slikama, niti za estetiku platna. Čini se da je glavni zadatak autora što ležernije, lijevom rukom ispod desnog koljena, baciti boju na platno, staviti mrlju - to je slika!
Iako, može i biti, samo se nama, građanima, čini da je lako i jednostavno crtati na ovaj način. Uostalom, na ovaj ili onaj način, a Kim Dorland prilično često sudjeluje na izložbama, njegove slike predstavljene su u galerijama Toronta, gdje živi i radi, i prilično uspješno prodaje svoje radove u Kanadi i daleko u inozemstvu.
