Apa itu opera dalam musik: munculnya suatu genre. Opera

Sebelum mempertimbangkan genre opera dan cara mengerjakannya dalam pelajaran musik, saya ingin mendefinisikan apa itu opera.

"Opera dan hanya opera yang membawa Anda lebih dekat dengan orang-orang, membuat musik Anda terkait dengan penonton yang sebenarnya, menjadikan Anda bukan hanya milik kalangan individu, tetapi dalam kondisi yang menguntungkan - seluruh rakyat." Kata-kata ini milik Pyotr Ilyich Tchaikovsky, komposer besar Rusia.

Ini adalah karya drama musikal (seringkali dengan memasukkan adegan balet), yang dimaksudkan untuk pertunjukan panggung, yang teksnya dinyanyikan seluruhnya atau sebagian, biasanya diiringi oleh orkestra. Opera ditulis untuk teks sastra tertentu. Dampak dari karya dramatis dan penampilan para aktor dalam opera ditingkatkan secara tak terbatas oleh kekuatan ekspresif musik. Begitu pula sebaliknya: musik memperoleh kekonkretan dan figuratif yang luar biasa dalam opera.

Keinginan untuk meningkatkan pengaruh sebuah karya teater dengan bantuan musik sudah muncul di masa yang sangat jauh, di awal keberadaan seni drama. Di udara terbuka, di kaki gunung yang lerengnya diolah dalam bentuk undakan, dijadikan tempat penonton, pertunjukan meriah berlangsung di Yunani kuno. Aktor bertopeng, dengan sepatu khusus yang menambah tinggi badan, melantunkan suara nyanyian, menampilkan tragedi yang mengagungkan kekuatan jiwa manusia. Tragedi Aeschylus, Sophocles, Euripides, yang diciptakan di masa-masa yang jauh ini, tidak kehilangan makna artistiknya bahkan hingga hari ini. Karya teater dengan musik juga dikenal di Abad Pertengahan. Tetapi semua "nenek moyang" opera modern ini berbeda darinya karena di dalamnya nyanyian diselingi dengan bahasa sehari-hari biasa, sedangkan ciri khas opera adalah teks di dalamnya dinyanyikan dari awal hingga akhir.

Opera dalam pengertian modern kita berasal dari pergantian abad ke-16 dan ke-18 di Italia. Pencipta genre baru ini adalah penyair dan musisi yang memuja seni kuno dan berusaha menghidupkan kembali tragedi Yunani kuno. Tetapi meskipun mereka menggunakan plot dari mitologi Yunani kuno dalam eksperimen musik dan panggung mereka, mereka tidak menghidupkan kembali tragedi, tetapi menciptakan jenis seni yang sama sekali baru - opera.

Opera dengan cepat mendapatkan popularitas dan menyebar ke semua negara. Di setiap negara, ia memperoleh karakter nasional khusus - ini juga tercermin dalam pilihan plot (seringkali dari sejarah negara tertentu, dari legenda dan legendanya), dan dalam sifat musiknya. Opera dengan cepat menaklukkan kota-kota besar Italia (Roma, Paris, Venesia, Florence).

Opera dan komponennya

Apa arti musik dalam opera untuk meningkatkan dampak artistik drama? Untuk menjawab pertanyaan ini, mari berkenalan dengan unsur-unsur utama yang membentuk opera.

Salah satu bagian utama opera adalah aria. Arti kata tersebut dekat dengan "lagu", "nyanyian". Memang arias dari opera pertama dalam bentuknya (kebanyakan bait), sifat melodinya mirip dengan lagu, dan di opera klasik kita akan menemukan banyak lagu arias (lagu Vanya di Ivan Susanin, lagu Martha di Khovanshchina ).

Tapi biasanya aria lebih kompleks bentuknya daripada lagunya, dan ini ditentukan oleh tujuannya dalam opera. Aria, seperti monolog dalam sebuah drama, berfungsi sebagai ciri khas dari satu atau beberapa pahlawan. Karakteristik ini dapat digeneralisasikan - semacam "potret musik" sang pahlawan - atau dikaitkan dengan keadaan tertentu dari tindakan karya tersebut.

Tetapi aksi sebuah opera tidak dapat disampaikan hanya dengan pergantian arias yang telah selesai, seperti halnya aksi sebuah drama tidak dapat terdiri dari monolog saja. Pada saat-saat opera di mana para karakter benar-benar bertindak - dalam komunikasi langsung satu sama lain, dalam percakapan, perselisihan, tabrakan - kelengkapan bentuk seperti itu tidak diperlukan, yang cukup tepat dalam sebuah aria. Itu akan menghambat perkembangan tindakan. Momen seperti itu biasanya tidak memiliki komposisi musik yang lengkap, frase individu dari karakter bergantian dengan seruan paduan suara dengan episode orkestra.

Resitatif, yaitu nyanyian deklamasi, banyak digunakan.

Banyak perhatian diberikan pada resitatif oleh banyak komposer Rusia, terutama A.S. Dargomyzhsky dan M.P. Mussorgsky. Berjuang untuk realisme dalam musik, untuk kejujuran terbesar dari karakteristik musik, mereka melihat cara utama untuk mencapai tujuan ini dalam penerapan musik intonasi ucapan yang paling menjadi ciri khas dari karakter tertentu.

Ansambel opera juga merupakan bagian yang tidak terpisahkan. Ensemble bisa sangat berbeda dalam komposisi kuantitatif: dari dua suara menjadi sepuluh. Dalam hal ini, suara range dan timbre biasanya digabungkan dalam ansambel. Ini menyampaikan satu perasaan melalui ansambel, merangkul beberapa pahlawan, dalam hal ini bagian individu dari ansambel tidak bertentangan, tetapi seolah-olah saling melengkapi, dan seringkali memiliki pola melodi yang serupa. Namun seringkali ansambel memadukan karakteristik musik dari para tokohnya, yang perasaannya berbeda dan berlawanan.

Orkestra simfoni merupakan bagian integral dari pertunjukan opera. Dia tidak hanya mengiringi bagian vokal dan paduan suara, tidak hanya "menggambar" potret atau lanskap musik. Dengan menggunakan alat ekspresinya sendiri, ia berpartisipasi dalam konstruksi unsur-unsur pementasan "di awal" tindakan, gelombang perkembangan, klimaks, dan penyelesaiannya. Ini juga menunjukkan sisi konflik dramatis. Kemungkinan orkestra diwujudkan dalam pertunjukan opera secara eksklusif melalui sosok konduktor. Selain mengoordinasikan ansambel musik dan berpartisipasi, bersama penyanyi-aktor, dalam menciptakan karakter, konduktor mengontrol seluruh aksi panggung, karena tempo-ritme pertunjukan ada di tangannya.

Dengan demikian, semua bagian penyusun opera digabungkan menjadi satu. Konduktor mengerjakannya, solois paduan suara mempelajari bagian mereka, sutradara mementaskan, seniman melukis pemandangan. Hanya sebagai hasil kerja bersama dari semua orang ini, sebuah pertunjukan opera muncul.

Sejarah genre

Jacopo Peri

Asal usul opera bisa dianggap sebagai tragedi kuno. Sebagai genre independen, opera berasal dari Italia pada pergantian abad ke-16 dan ke-17 di kalangan musisi, filsuf, dan penyair di kota Florence. Kalangan pecinta seni disebut "kamerata". Para peserta "kamerata" bermimpi menghidupkan kembali tragedi Yunani kuno, menggabungkan drama, musik, dan tarian dalam satu pertunjukan. Pertunjukan pertama seperti itu diberikan di Florence pada tahun 1600 dan menceritakan tentang Orpheus dan Eurydice. Ada versi pertunjukan musik pertama dengan nyanyian yang dipentaskan pada tahun 1594 di plot mitos Yunani kuno tentang perjuangan dewa Apollo dengan ular Python. Lambat laun, sekolah opera mulai bermunculan di Italia di Roma, Venesia, dan Napoli. Kemudian opera menyebar dengan cepat ke seluruh Eropa. Pada akhir abad ke-17 dan awal abad ke-18, jenis opera utama dibentuk: opera - seria (opera serius besar) dan opera - buffa (opera komik).

Pada akhir abad ke-18, teater Rusia dibuka di St. Petersburg. Awalnya hanya ada opera asing. Opera Rusia pertama adalah komik. Fomin dianggap sebagai salah satu pencipta. Pada tahun 1836, pemutaran perdana opera Glinka A Life for the Tsar berlangsung di St. Opera di Rusia telah memperoleh bentuk yang sempurna, fitur-fiturnya telah ditentukan: karakteristik musik yang cerah dari karakter utama, tidak adanya dialog sehari-hari. Pada abad ke-19, semua komposer terbaik Rusia beralih ke opera.

Varietas opera

Secara historis, bentuk musik opera tertentu telah berkembang. Di hadapan beberapa pola umum dramaturgi opera, semua komponennya diinterpretasikan secara berbeda tergantung pada jenis opera.

• opera besar ( opera seri- miring., lirik tragedi, Nanti opera besar- Perancis)
• semi-komik ( semiseria),
• opera komik ( penggemar opera- miring., opera-comique- Prancis, Spieloper- Jerman.),
• opera romantis, di plot romantis.
• semi-opera, semi-opera, seperempat opera ( semi- lat. setengah) - suatu bentuk opera barok Inggris, yang menggabungkan Drama lisan (genre) drama, mise-en-scenes vokal, howek dan karya simfoni. Salah satu penganut semi opera adalah komposer Inggris Henry Purcell /

Dalam opera komik, Jerman dan Prancis, dialog diperbolehkan di antara nomor musik. Ada juga opera serius yang memasukkan dialog, misalnya. "Fidelio" oleh Beethoven, "Medea" oleh Cherubini, "Magic Shooter" oleh Weber.

• Dari opera komik muncul operet , yang mendapatkan popularitas khusus pada paruh kedua abad ke - 19 .
• Opera untuk pertunjukan anak-anak (misalnya, opera Benjamin Britten - Sapu Cerobong Kecil, Bahtera Nuh, opera Lev Konov - King Matt the First, Asgard, The Ugly Duckling, Kokinvakashu).

Elemen opera

Ini adalah genre sintetik yang menggabungkan berbagai jenis seni dalam satu aksi teatrikal: dramaturgi, musik, seni rupa (dekorasi, kostum), koreografi (balet).

Komposisi grup opera meliputi: solois, paduan suara, orkestra, band militer, organ. Suara opera: (perempuan: soprano, mezzo-soprano, contralto; laki-laki: countertenor, tenor, bariton, bass).

Karya opera dibagi menjadi babak, gambar, adegan, angka. Ada prolog sebelum babak, dan epilog di akhir opera.

Bagian dari karya opera - resitatif, arioso, lagu, arias, duet, trio, kuartet, ansambel, dll. Dari bentuk simfoni - pembukaan, pengantar, jeda, pantomim, melodrama, prosesi, musik balet.

Karakter karakter paling banyak terungkap dalam nomor tunggal(aria, arioso, arietta, cavatina, monolog, balada, lagu). Berbagai fungsi dalam opera memiliki resitatif- musik-intonasi dan reproduksi ritmis ucapan manusia. Seringkali dia menghubungkan (dalam plot dan istilah musik) nomor lengkap yang terpisah; sering menjadi faktor yang efektif dalam dramaturgi musik. Dalam beberapa genre opera, kebanyakan komedi, bukan resitatif, Berbicara, biasanya dalam dialog.

Dialog panggung, sesuai dengan adegan pertunjukan dramatis dalam opera ansambel musik(duet, trio, kuartet, kwintet, dll.), yang kekhususannya memungkinkan terciptanya situasi konflik, tidak hanya menunjukkan perkembangan aksi, tetapi juga benturan karakter dan gagasan. Oleh karena itu, ansambel sering muncul pada saat-saat klimaks atau akhir dari sebuah aksi opera.

paduan suara Opera ditafsirkan dengan cara yang berbeda. Ini mungkin latar belakang yang tidak terkait dengan alur cerita utama; terkadang semacam komentator tentang apa yang terjadi; kemungkinan artistiknya memungkinkan untuk menampilkan gambar-gambar kehidupan rakyat yang monumental, untuk mengungkapkan hubungan antara pahlawan dan massa (misalnya, peran paduan suara dalam drama musik rakyat MP Mussorgsky "Boris Godunov" dan "Khovanshchina").

Dalam drama musikal opera, peran besar diberikan orkestra, alat ekspresi simfoni berfungsi untuk mengungkapkan gambar secara lebih lengkap. Opera juga mencakup episode orkestra independen - pembukaan, istirahat (pengantar tindakan individu). Komponen lain dari pertunjukan opera - balet, adegan koreografi, di mana gambar plastik dipadukan dengan gambar musik.

Teater Opera

Gedung opera adalah bangunan teater musikal yang dirancang khusus untuk menampilkan produksi opera. Tidak seperti teater terbuka, gedung opera dilengkapi dengan panggung besar dengan peralatan teknis yang mahal, termasuk lubang orkestra dan auditorium dalam satu atau lebih tingkatan, terletak satu di atas yang lain atau dirancang dalam bentuk kotak. Model arsitektur gedung opera ini adalah yang utama. Gedung opera terbesar di dunia dalam hal jumlah kursi penonton adalah Opera Metropolitan di New York (3.800 kursi), Opera San Francisco (3.146 kursi) dan La Scala di Italia (2.800 kursi).

Di sebagian besar negara, pemeliharaan gedung opera tidak menguntungkan dan membutuhkan subsidi pemerintah atau sumbangan dari pelanggan. Misalnya, anggaran tahunan Teater La Scala (Milan, Italia) pada 2010 berjumlah 115 juta euro (40% - subsidi negara dan 60% - sumbangan dari individu dan penjualan tiket), dan pada tahun 2005, Teater La Scala menerima 25 % dari 464 juta euro - jumlah yang disediakan oleh anggaran Italia untuk pengembangan seni rupa. Dan Opera Nasional Estonia pada tahun 2001 menerima 7 juta euro (112 juta kroon), yang merupakan 5,4% dari dana Kementerian Kebudayaan Estonia.

suara opera

Pada saat lahirnya opera, ketika amplifikasi suara elektronik belum ditemukan, teknik nyanyian opera berkembang ke arah ekstraksi suara yang cukup keras untuk menutupi suara orkestra simfoni pengiring. Kekuatan suara opera akibat kerja terkoordinasi dari ketiga komponen (pernapasan, kerja laring dan pengaturan rongga resonansi) mencapai 120 dB pada jarak satu meter.

Penyanyi, sesuai dengan bagian opera, diklasifikasikan menurut jenis suaranya (tekstur, timbre, dan karakter). Di antara suara opera pria, ada:

• kontra tenor,

dan di kalangan wanita:

• Komposer opera paling populer selama periode yang sama adalah pertunjukan Verdi, Mozart dan Puccini - masing-masing 3020, 2410 dan 2294.

literatur

• Keldysh Yu.V. Opera // Ensiklopedia musik dalam 6 jilid, TSB, M., 1973-1982, vol.4, ss. 20-45.
• Serov A.N., Nasib opera di Rusia, "Russian Stage", 1864, No. 2 dan 7, sama, dalam bukunya: Selected Articles, vol. 1, M.-L., 1950.
• Serov A.N., Opera di Rusia dan Opera Rusia, "Musical Light", 1870, No. 9, sama, dalam bukunya: Critical Articles, vol. 4, St. Petersburg, 1895.
• Chesikhin V., Sejarah Opera Rusia, St. Petersburg, 1902, 1905.
• Engel Yu., Dalam opera, M., 1911.
• Igor Glebov [Asafiev B.V.], Studi simfoni, P., 1922, L., 1970.
• Igor Glebov [Asafiev B.V.], Surat tentang opera dan balet Rusia, “Jurnal mingguan negara bagian Petrograd. teater akademik", 1922, No. 3-7, 9-10, 12-13.
• Igor Glebov [Asafiev B.V.], Opera, dalam buku: Esai tentang kreativitas musik Soviet, vol.1, M.-L., 1947.
• Bogdanov-Berezovsky V.M., opera Soviet, L.-M., 1940.
• Druskin M., Pertanyaan tentang drama musikal opera, L., 1952.
• Yarustovsky B., Dramaturgi opera klasik Rusia, M., 1953.
• Yarustovsky B., Esai tentang drama opera abad XX, buku. 1, M., 1971.
• Opera Soviet. Kumpulan artikel kritis, M., 1953.
• Tigranov G., Teater Musik Armenia. Esai dan bahan, vol.1-3, E., 1956-75.
• Tigranov G., Opera dan balet Armenia, M., 1966.
• Archimovich L., Opera klasik Ukraina, K., 1957.
• Gozenpud A., Teater musikal di Rusia. Dari asal mula Glinka, L., 1959.
• Gozenpud A., Teater Opera Soviet Rusia, L., 1963.
• Gozenpud A., Teater opera Rusia abad XIX, vol.1-3, L., 1969-73.
• Gozenpud A., Teater Opera Rusia pada pergantian abad ke-19 dan ke-20 dan F. I. Chaliapin, L., 1974.
• Gozenpud A., Teater opera Rusia antara dua revolusi, 1905-1917, L., 1975.
• Ferman V.E., Teater Opera, M., 1961.
• Bernand G., Kamus opera pertama kali dipentaskan atau diterbitkan di Rusia pra-revolusioner dan di Uni Soviet (1736-1959), M., 1962.
• Khokhlovkina A., Opera Eropa Barat. Akhir 18 - paruh pertama abad ke-19. Esai, M., 1962.
• Smolsky B.S., Teater Musik Belarusia, Minsk, 1963.
• Livanova T.N., Kritik Opera di Rusia, vol.1-2, no. 1-4 (edisi 1 bersama-sama dengan V. V. Protopopov), M., 1966-73.
• Konen V., Teater dan Simfoni, M., 1968, 1975.
• Questions of opera dramaturgy, [sat.], ed.-comp. Yu.Tyulin, M., 1975.
• Danko L., Opera komik abad XX, L.-M., 1976.
• Arteaga E., Le rivoluzioni del teatro musicale italiano, v. 1-3, Bologna, 1783-88.
• Klemens F., Larousse P., Dictionnaire lyrique, ou histoire des operas, P., 1867, 1905.
• Dietz M., Geschichte des musikalischen Dramas in Frankreich während der Revolution bis zum Directorium, W.-Lpz., 1885, 1893.
• Riemann H., Opern-Handbuch, Lpz., 1887.
• Bullhaupt H., Dramaturgie der Oper, v. 1-2, Lpz., 1887, 1902.
• Sobies A., Malherbe Ch. Th., Histoire de l'opera comique, v. 1-2, P., 1892-93.
• Pfohl F., Die moderne Oper, Lpz., 1894.
• Rolland R., Les origines du theatre lyrique moderne. L'histoire de l'opera avant Lulli et Scarlatti, P., 1895, 1931.
• Rolland R., L'opera au XVII siècle en Italie, dalam: Encyclopédie de la musique et dictionnaire…, fondateur A. Lavignac, pt. 1, , P., 1913 (terjemahan Rusia - Rolland R., Opera pada abad ke-17, M., 1931).
• Goldschmidt H., Studien zur Geschichte der italienischen Oper di 17. Jahrhundert, Bd 1-2, Lpz., 1901-04.
• Soleri A., Le origini del melodrama, Torino, 1903.
• Soleri A., Gli albori del melodrama, v. 1-3, Palermo, 1904.
• Dasori C., Operasi dan operasi. Lirik Dizionario. Genua, 1903.
• Hirschberg E., Die Enzyklopädisten und die französische Oper im 18. Jahrhundert, Lpz., 1903.
• Sonneck O., Katalog musik opera, 1908.
• Sonneck O., Katalog perpustakaan opera yang dicetak sebelum tahun 1800, v. 1-2, Wash., 1914.
• Sonneck O., Katalog libretto abad ke-19, Wash., 1914.
• Menara J., Kamus-katalog opera dan operet yang telah dipertunjukkan di panggung publik, Morgantown, .
• La Laurencie L., L'opéra comique française en XVIII siècle, dalam buku: Encyclopédie de la musique et dictionnaire de con-cervatoire, , P., 1913 (terjemahan Rusia - La Laurencie L., opera komik Prancis abad XVIII, M., 1937).
• Bie O., Die Oper, B., 1913, 1923.
• Kretzschmar H., Geschichte der Oper, Lpz., 1919 (terjemahan Rusia - G. Krechmar, Opera History, L., 1925).
• Kapp J., Die Oper der Gegenwart, B., 1922.
• Delia Corte A., L'opéra comica Italiana nel" 700. Studi ed appunti, v. 1-2, Bari, 1923.
• Delia Corte A., Tre secoli di opera italiana, Torino, 1938.
• Bucken E., Der heroische Stil in der Oper, Lpz., 1924 (terjemahan Rusia - Byukken E., Gaya heroik dalam opera, M., 1936).
• Bouvet Ch., L'opera, P., 1924.
• Prodhomme J.G., L'opera (1669-1925), P., 1925.
• Albert H., Grundprobleme der Operngeschichte, Lpz., 1926.
• Dandelot A., L "évolution de la musique de théâtre depuis Meyerbeer Jusqu"à nos Jours, P., 1927.
• Bonaventura A., L'opera italiana, Firenze, 1928.
• Schiedermair L., Die deutsche Oper, Lpz., 1930, Bonn, 1943.
• Baker P., Wandlungen der Oper, Z., 1934.
• Capri A., Il melodrama dalle origini ai nostri giorni, Modena, 1938.
• Penyok E.J., Opera, N.Y., 1940.
• Gregor J., Kulturgeschichte der Oper, W., 1941, 1950.
• Brockway W., Weinstock H., The opera, a history of its creation and performance, 1600-1941, N.Y., 1941 (edisi tambahan: The world of opera, N.Y., 1966).
• Skraup S., Teater Die Oper als lebendiges, Würzburg, 1942.
• Mooser R.A., L opera comique française en Russie durant le XVIIIe siècle, Bale, 1945, 1964.
• Grout D.J., Sejarah singkat opera, ay. 1-2, N.Y., 1947, Oxf., 1948, N.Y., 1965.
• Cooper M., Opéra comique, N.Y., 1949.
• Cooper M., opera Rusia, L., 1951.
• Wellesz E., Esai dalam opera, L., 1950.
• Operasi im XX. Jahrhundert, Bonn, 1954.
• Paoli D., De, L'opera italiana dalle origini all'opera verista, Roma, 1954.
• Sip J., Opera di Cekoslowakia, Praha, 1955.
• Bauer R., Die Oper, B., 1955, 1958.
• Leibowitz R. L'histoire de l'opera, P., 1957.
• Serafin T., Tony A., Stile, tradizioni e con-venzioni del melodrama italiano del settecento e dell'ottocento, v. 1-2, Mil., 1958-64.
• Schmidt Garre H., Opera, Koln, 1963.
• Stuckenschmidt H., Oper in diezer Zeit, Hannover, 1964.
• Szabolcsi B., Die Anfänge der nationalen Oper im 19. Jahrhundert, dalam: Bericht über den Neunten Internationalen Kongreß Salzburg 1964, Lfg. 1, Kassel, 1964.
• Die moderne Opera: Autoren, Theater, Publikum, ibid., Lfg. 2, Kassel, 1966.

Lihat juga

Catatan

Tautan

• Situs berbahasa Rusia terlengkap yang didedikasikan untuk acara opera dan opera
• Buku referensi "100 opera" yang diedit oleh M. S. Druskin. Isi singkat (sinopsis) opera

bentuk musik
Bentuk vokal	Bentuk bait Chorus-chorus form
bentuk sederhana	Periode Bentuk dua bagian sederhana Bentuk tiga bagian sederhana
bentuk kompleks	Bentuk lagu majemuk Rondo Variasi bentuk Sonata bentuk Rondo sonata
Bentuk siklik	Suite Sonata-Symphonic Cycle Cantata Oratorio
Bentuk polifonik	Kanon Fugue
Bentuk spesifik dari Eropa Abad Pertengahan dan Renaisans	Bar Virelet ́ Ballata ́ Estampi ́ La Madrigal
Bentuk spesifik dari era Baroque	Bentuk sederhana dari periode Baroque Sonata kuno membentuk Bentuk gabungan dari periode Baroque Konser kuno membentuk aransemen paduan suara
Bentuk spesifik dari era romantisme	Bentuk bebas Bentuk campuran Bentuk siklik satu bagian
Bentuk teater musikal	Balet Operet
Musik Teori musik

Opera ketentuan

Petunjuk teater
Teater

Isi artikel

OPERA, drama atau komedi diatur ke musik. Teks dramatis dalam opera dinyanyikan; nyanyian dan aksi panggung hampir selalu diiringi dengan iringan instrumental (biasanya orkestra). Banyak opera juga dicirikan oleh adanya selingan orkestra (perkenalan, kesimpulan, interval, dll.) Dan jeda plot yang diisi dengan adegan balet.

Opera lahir sebagai hobi aristokrat, tetapi segera menjadi hiburan bagi masyarakat umum. Gedung opera publik pertama dibuka di Venesia pada tahun 1637, hanya empat dekade setelah genre itu sendiri lahir. Kemudian opera menyebar dengan cepat ke seluruh Eropa. Sebagai hiburan publik, ia mencapai perkembangan tertingginya pada abad ke-19 dan awal abad ke-20.

Sepanjang sejarahnya, opera memiliki pengaruh yang kuat pada genre musik lainnya. Simfoni tumbuh dari pengantar instrumental opera Italia abad ke-18. Bagian virtuoso dan cadenzas dari piano concerto sebagian besar merupakan hasil dari upaya untuk mencerminkan keahlian opera-vokal dalam tekstur instrumen keyboard. Pada abad ke-19 tulisan harmonis dan orkestra R. Wagner, yang diciptakan olehnya untuk "drama musik" yang megah, menentukan perkembangan lebih lanjut dari sejumlah bentuk musik, dan bahkan di abad ke-20. banyak musisi menganggap pelepasan dari pengaruh Wagner sebagai arus utama pergerakan menuju musik baru.

bentuk opera.

Dalam apa yang disebut. dalam grand opera, bentuk genre opera yang paling tersebar luas saat ini, seluruh teks dinyanyikan. Dalam opera komik, nyanyian biasanya diselingi dengan adegan percakapan. Nama "opera komik" (opera komik di Prancis, opera buffa di Italia, Singspiel di Jerman) sebagian besar bersyarat, karena tidak semua karya jenis ini memiliki konten komik (ciri khas "opera komik" adalah adanya bahasa lisan. dialog). Semacam opera komik yang ringan dan sentimental, yang tersebar luas di Paris dan Wina, mulai disebut operet; di Amerika disebut komedi musikal. Drama dengan musik (musikal) yang terkenal di Broadway biasanya memiliki konten yang lebih serius daripada opera Eropa.

Semua jenis opera ini didasarkan pada keyakinan bahwa musik, dan terutama nyanyian, meningkatkan ekspresi teks yang dramatis. Benar, terkadang elemen lain memainkan peran yang sama pentingnya dalam opera. Jadi, dalam opera Prancis pada periode tertentu (dan dalam opera Rusia pada abad ke-19), tarian dan sisi spektakuler memperoleh makna yang sangat signifikan; Penulis Jerman sering menganggap bagian orkestra bukan sebagai pengiring, tetapi sebagai bagian vokal yang setara. Namun sepanjang sejarah opera, nyanyian tetap memainkan peran dominan.

Jika penyanyi memimpin pertunjukan opera, maka bagian orkestra membentuk bingkai, fondasi aksi, menggerakkannya ke depan dan mempersiapkan penonton untuk acara mendatang. Orkestra mendukung penyanyi, menekankan klimaks, mengisi celah di libretto atau momen perubahan adegan dengan suaranya, dan akhirnya tampil di akhir opera saat tirai diturunkan.

Kebanyakan opera memiliki pengantar instrumental untuk membantu mengatur persepsi pendengar. Pada abad 17-19 pengantar seperti itu disebut pembukaan. Overture adalah karya konser singkat dan independen, yang secara tematis tidak terkait dengan opera dan oleh karena itu mudah diganti. Misalnya, pembukaan tragedi itu Aurelian di Palmyra Rossini kemudian berubah menjadi pembuka komedi tukang cukur sevilla. Namun di paruh kedua abad ke-19. komposer mulai memberikan pengaruh yang jauh lebih besar pada kesatuan suasana hati dan hubungan tematik antara pembukaan dan opera. Suatu bentuk pengantar (Vorspiel) muncul, yang misalnya dalam drama musikal Wagner kemudian memasukkan tema-tema utama (motif utama) opera dan langsung beraksi. Bentuk pembukaan opera "otonom" sedang menurun, dan pada saat itu Kerinduan Puccini (1900) pembukaannya bisa diganti hanya dengan beberapa akord pembuka. Dalam sejumlah opera abad ke-20. secara umum, tidak ada persiapan musik untuk aksi panggung.

Jadi, aksi opera berkembang di dalam bingkai orkestra. Tetapi karena inti dari opera adalah nyanyian, momen tertinggi dari drama tercermin dalam bentuk lengkap dari aria, duet, dan bentuk konvensional lainnya di mana musik mengemuka. Aria seperti monolog, duet seperti dialog, dalam trio, perasaan yang saling bertentangan dari salah satu karakter terhadap dua peserta lainnya biasanya diwujudkan. Dengan kerumitan lebih lanjut, berbagai bentuk ansambel muncul - seperti kuartet Rigoletto Verdi atau sextet in Lucia de Lammermoor Donizetti. Pengenalan bentuk-bentuk seperti itu biasanya menghentikan tindakan untuk memberi ruang bagi perkembangan satu (atau beberapa) emosi. Hanya sekelompok penyanyi yang tergabung dalam ansambel yang dapat mengungkapkan beberapa sudut pandang tentang acara yang sedang berlangsung sekaligus. Terkadang paduan suara berperan sebagai komentator atas aksi para pahlawan opera. Secara umum, teks dalam paduan suara opera diucapkan relatif lambat, frasa sering diulang agar isinya dapat dimengerti oleh pendengar.

Para arias itu sendiri bukanlah sebuah opera. Dalam jenis opera klasik, sarana utama untuk menyampaikan plot kepada publik dan mengembangkan aksinya adalah resitatif: pelafalan melodi yang cepat dalam meteran bebas, didukung oleh akord sederhana dan berdasarkan intonasi ucapan yang natural. Dalam opera komik, resitatif sering diganti dengan dialog. Resitatif mungkin tampak membosankan bagi pendengar yang tidak memahami makna teks lisan, tetapi seringkali sangat diperlukan dalam struktur konten opera.

Tidak di semua opera dimungkinkan untuk menarik garis yang jelas antara resitatif dan aria. Wagner, misalnya, meninggalkan bentuk vokal lengkap, bertujuan untuk terus mengembangkan aksi musik. Inovasi ini diambil, dengan berbagai modifikasi, oleh sejumlah komposer. Di tanah Rusia, gagasan tentang "drama musik" yang berkelanjutan, terlepas dari Wagner, pertama kali diuji oleh A.S. Dargomyzhsky di tamu batu dan M.P. Mussorgsky di menikah- mereka menyebut bentuk ini "opera percakapan", dialog opera.

Opera sebagai drama.

Isi dramatis opera tidak hanya diwujudkan dalam libretto, tetapi juga dalam musik itu sendiri. Pencipta genre opera menyebut karya mereka dramma per musica - "drama yang diekspresikan dalam musik". Opera lebih dari sekadar sandiwara dengan lagu dan tarian yang diselingi. Drama dramatis itu mandiri; opera tanpa musik hanyalah bagian dari kesatuan dramatis. Ini berlaku bahkan untuk opera dengan adegan lisan. Dalam karya jenis ini, misalnya di Manon Lesko J. Massenet - nomor musik masih memegang peran kunci.

Sangat jarang libretto opera dipentaskan sebagai karya dramatis. Meski isi drama diungkapkan dengan kata-kata dan terdapat ciri khas perangkat panggung, namun tanpa musik, ada sesuatu yang penting yang hilang - sesuatu yang hanya bisa diungkapkan dengan musik. Untuk alasan yang sama, lakon drama jarang dapat digunakan sebagai libretto, tanpa terlebih dahulu mengurangi jumlah karakter, menyederhanakan plot dan karakter utama. Penting untuk menyisakan ruang agar musik bernafas, itu harus diulang, membentuk episode orkestra, mengubah suasana hati dan warna tergantung pada situasi dramatis. Dan karena bernyanyi masih membuat sulit untuk memahami arti kata, teks libretto harus sangat jelas sehingga dapat dirasakan saat bernyanyi.

Dengan cara ini, opera menundukkan kekayaan leksikal dan bentuk permainan drama yang bagus, tetapi mengimbangi kerusakan ini dengan kemungkinan bahasanya sendiri, yang langsung menarik perasaan pendengarnya. Ya, sumber sastra Nyonya Kupu-kupu Puccini - Drama D. Belasco tentang geisha dan perwira angkatan laut Amerika sudah ketinggalan zaman, dan tragedi cinta serta pengkhianatan yang diungkapkan dalam musik Puccini tidak memudar seiring waktu.

Saat menggubah musik opera, sebagian besar komposer mengamati konvensi tertentu. Misalnya, penggunaan register suara atau instrumen yang tinggi berarti "gairah", harmoni disonan menyatakan "ketakutan". Konvensi semacam itu tidak sembarangan: orang umumnya meninggikan suara ketika mereka bersemangat, dan sensasi fisik ketakutan tidak harmonis. Tetapi komposer opera berpengalaman menggunakan cara yang lebih halus untuk mengekspresikan konten dramatis dalam musik. Baris melodi harus secara organik sesuai dengan kata-kata yang menjadi dasar baris itu; tulisan yang harmonis harus mencerminkan pasang surut emosi. Itu perlu untuk membuat model ritme yang berbeda untuk adegan deklamasi yang terburu-buru, ansambel yang khusyuk, duet cinta, dan arias. Kemungkinan ekspresif orkestra, termasuk warna nada dan karakteristik lain yang terkait dengan berbagai instrumen, juga ditempatkan untuk melayani tujuan dramatis.

Namun, ekspresi dramatis bukanlah satu-satunya fungsi musik dalam opera. Komposer opera menyelesaikan dua tugas yang kontradiktif: mengekspresikan isi drama dan memberikan kesenangan kepada pendengarnya. Menurut tugas pertama, musik menyajikan drama; menurut yang kedua, musik mandiri. Banyak komposer opera hebat - Gluck, Wagner, Mussorgsky, R. Strauss, Puccini, Debussy, Berg - menekankan awal yang ekspresif dan dramatis dalam opera. Dari penulis lain, opera memperoleh tampilan ruang yang lebih puitis, terkendali. Kesenian mereka ditandai dengan kehalusan halftone dan kurang bergantung pada perubahan selera masyarakat. Penggubah lirik disukai oleh penyanyi, karena, meskipun penyanyi opera harus menjadi aktor sampai batas tertentu, tugas utamanya adalah murni musik: ia harus mereproduksi teks musik secara akurat, memberikan pewarnaan yang diperlukan pada suara, dan mengungkapkan kata-kata dengan indah. Penulis lirik termasuk Neapolitans abad ke-18, Handel, Haydn, Rossini, Donizetti, Bellini, Weber, Gounod, Masnet, Tchaikovsky, dan Rimsky-Korsakov. Beberapa penulis telah mencapai keseimbangan elemen dramatis dan liris yang hampir mutlak, di antaranya Monteverdi, Mozart, Bizet, Verdi, Janacek, dan Britten.

repertoar opera.

Repertoar opera tradisional sebagian besar terdiri dari karya-karya dari abad ke-19. dan sejumlah opera pada akhir abad ke-18 dan awal abad ke-20. Romantisme, dengan ketertarikannya pada perbuatan luhur dan negeri yang jauh, berkontribusi pada pengembangan kreativitas opera di seluruh Eropa; pertumbuhan kelas menengah menyebabkan penetrasi elemen folk ke dalam bahasa opera dan menyediakan opera dengan penonton yang banyak dan berterima kasih.

Repertoar tradisional cenderung mereduksi seluruh keragaman genre opera menjadi dua kategori yang sangat luas - "tragedi" dan "komedi". Yang pertama biasanya disajikan lebih lebar dari yang kedua. Dasar repertoar saat ini adalah opera Italia dan Jerman, terutama "tragedi". Di bidang "komedi", opera Italia, atau setidaknya dalam bahasa Italia (misalnya opera Mozart), mendominasi. Ada beberapa opera Prancis dalam repertoar tradisional, dan biasanya dibawakan dengan cara orang Italia. Beberapa opera Rusia dan Ceko menempati tempatnya dalam repertoar, hampir selalu dibawakan dalam terjemahan. Secara umum, rombongan opera besar menganut tradisi pertunjukan karya dalam bahasa aslinya.

Pengatur utama repertoar adalah popularitas dan mode. Peran tertentu dimainkan oleh prevalensi dan penanaman jenis suara tertentu, meskipun beberapa opera (seperti Pembantu Verdi) sering dilakukan tanpa memperhatikan apakah suara yang diperlukan tersedia atau tidak (yang terakhir lebih umum). Di era ketika opera dengan bagian virtuoso coloratura dan plot alegoris sudah ketinggalan zaman, hanya sedikit orang yang peduli dengan gaya produksi yang sesuai. Opera Handel, misalnya, diabaikan hingga penyanyi terkenal Joan Sutherland dan yang lainnya mulai membawakannya. Dan intinya di sini bukan hanya pada penonton "baru", yang menemukan keindahan opera-opera tersebut, tetapi juga pada penampilan sejumlah besar penyanyi dengan budaya vokal tinggi yang mampu mengatasi bagian-bagian opera yang canggih. Dengan cara yang sama, kebangkitan karya Cherubini dan Bellini terinspirasi oleh penampilan brilian dari opera mereka dan penemuan "kebaruan" dari karya-karya lama. Penggubah barok awal, terutama Monteverdi, tetapi juga Peri dan Scarlatti, juga dilupakan.

Semua kebangkitan semacam itu membutuhkan edisi komentar, terutama karya penulis abad ke-17, yang instrumentasi dan prinsip dinamisnya kami tidak memiliki informasi yang tepat. Pengulangan tak berujung dalam apa yang disebut. da capo arias dalam opera sekolah Neapolitan dan Handel cukup membosankan di zaman kita - saat mencerna. Pendengar modern hampir tidak dapat berbagi hasrat pendengar bahkan dari French Grand Opera abad ke-19. (Rossini, Spontini, Meyerbeer, Halevi) ke hiburan yang menghabiskan sepanjang malam (dengan demikian, skor penuh opera Fernando Cortes Suara Spontini selama 5 jam, tidak termasuk jeda). Tidak jarang tempat gelap dalam skor dan dimensinya menggoda konduktor atau sutradara panggung untuk memotong, mengatur ulang nomor, memasukkan dan bahkan memasukkan potongan baru, seringkali dengan sangat kikuk sehingga hanya kerabat jauh dari karya yang muncul dalam program yang muncul. sebelum publik.

Penyanyi.

Menurut jangkauan suaranya, penyanyi opera biasanya dibagi menjadi enam jenis. Tiga jenis suara wanita, dari tinggi ke rendah - soprano, mezzo-soprano, contralto (yang terakhir jarang terjadi akhir-akhir ini); tiga pria - tenor, bariton, bass. Dalam setiap jenis, mungkin terdapat beberapa subspesies, bergantung pada kualitas suara dan gaya bernyanyi. Soprano lirik-coloratura memiliki suara yang ringan dan sangat lincah, penyanyi seperti itu dapat menampilkan bagian virtuoso, tangga nada cepat, getar, dan ornamen lainnya. Lirik-dramatis (lirico spinto) sopran - suara dengan kecerahan dan keindahan yang luar biasa. Timbre sopran yang dramatis itu kaya dan kuat. Perbedaan antara suara liris dan dramatis juga berlaku untuk tenor. Ada dua jenis bass utama: "bass bernyanyi" (basso cantante) untuk pesta "serius" dan komik (basso buffo).

Lambat laun, aturan pemilihan timbre nyanyian untuk peran tertentu dibentuk. Bagian dari karakter utama dan pahlawan wanita biasanya dipercayakan kepada penyanyi tenor dan sopran. Secara umum, semakin tua dan berpengalaman karakternya, semakin rendah suaranya. Seorang gadis muda yang lugu - misalnya, Gilda in Rigoletto Verdi adalah penyanyi sopran, dan penggoda pengkhianat Delilah dalam opera Saint-Saens Simson dan Delila- mezzo-sopran. Bagian dari Figaro, pahlawan Mozart yang energik dan cerdas Pernikahan Figaro dan Rossini Tukang cukur Sevilla ditulis oleh kedua komposer untuk bariton, meskipun sebagai bagian dari protagonis, bagian dari Figaro seharusnya ditujukan untuk tenor pertama. Bagian dari petani, penyihir, orang dewasa, penguasa dan orang tua biasanya diciptakan untuk bass-bariton (misalnya, Don Giovanni dalam opera Mozart) atau bass (Boris Godunov untuk Mussorgsky).

Perubahan selera publik memainkan peran tertentu dalam membentuk gaya vokal opera. Teknik produksi suara, teknik vibrato ("terisak") telah berubah selama berabad-abad. J. Peri (1561–1633), penyanyi dan penulis opera paling awal yang terpelihara sebagian ( Daphne) konon bernyanyi dengan apa yang dikenal sebagai suara putih — dengan gaya yang relatif datar, tidak berubah, dengan sedikit atau tanpa vibrato — sesuai dengan interpretasi suara sebagai instrumen yang populer hingga akhir Renaisans.

Selama abad ke-18 kultus penyanyi virtuoso berkembang - pertama di Naples, lalu di seluruh Eropa. Pada saat itu, peran protagonis dalam opera dilakukan oleh seorang pria soprano - castrato, yaitu timbre, yang perubahan alaminya dihentikan dengan pengebirian. Penyanyi-kastrati membawa jangkauan dan mobilitas suara mereka ke batas yang memungkinkan. Bintang-bintang opera seperti castrato Farinelli (C. Broschi, 1705–1782), yang soprannya, menurut cerita, melebihi kekuatan suara terompet, atau mezzo-soprano F. Bordoni, yang konon katanya bisa menarik suara lebih lama dari semua penyanyi di dunia, sepenuhnya tunduk pada keahlian mereka para komposer yang musiknya mereka bawakan. Beberapa dari mereka sendiri menggubah opera dan mengarahkan perusahaan opera (Farinelli). Sudah sewajarnya para penyanyi menghiasi melodi yang digubah oleh komposer dengan ornamen improvisasi mereka sendiri, terlepas dari apakah dekorasi tersebut sesuai dengan situasi plot opera atau tidak. Pemilik jenis suara apa pun harus dilatih untuk melakukan bagian cepat dan getar. Dalam opera Rossini, misalnya, tenor harus menguasai teknik coloratura dan juga soprano. Kebangkitan seni semacam itu di abad ke-20. diizinkan untuk memberikan kehidupan baru pada karya opera Rossini yang beragam.

Hanya satu gaya nyanyian abad ke-18. hampir tidak berubah hingga hari ini - gaya bass komik, karena efek sederhana dan obrolan cepat menyisakan sedikit ruang untuk interpretasi individu, musik atau panggung; mungkin, komedi areal D. Pergolesi (1749–1801) dipertunjukkan hari ini tidak kurang dari 200 tahun yang lalu. Orang tua yang cerewet dan pemarah adalah sosok yang sangat dihormati dalam tradisi opera, peran favorit bagi bass yang rentan terhadap badut vokal.

Gaya nyanyian bel canto (bel canto) yang murni dan berwarna-warni, sangat disukai oleh Mozart, Rossini, dan komposer opera lainnya di akhir abad ke-18 dan paruh pertama abad ke-19, di paruh kedua abad ke-19. secara bertahap digantikan oleh gaya bernyanyi yang lebih kuat dan dramatis. Perkembangan penulisan harmonik dan orkestra modern lambat laun mengubah fungsi orkestra dalam opera, dari pengiring menjadi protagonis, dan akibatnya para penyanyi perlu bernyanyi lebih keras agar suaranya tidak tenggelam oleh instrumen. Tren ini berasal dari Jerman, tetapi telah mempengaruhi semua opera Eropa, termasuk Italia. "Tenor heroik" Jerman (Heldentenor) jelas dihasilkan oleh kebutuhan akan suara yang mampu berduel dengan orkestra Wagner. Komposisi Verdi selanjutnya dan opera para pengikutnya membutuhkan tenor yang "kuat" (di forza) dan sopran dramatis (spinto) yang energik. Tuntutan opera romantis terkadang malah menimbulkan interpretasi yang seolah-olah bertentangan dengan maksud yang diungkapkan oleh penggubahnya sendiri. Jadi, R. Strauss menganggap Salome dalam operanya dengan nama yang sama sebagai "seorang gadis berusia 16 tahun dengan suara Isolde". Namun, instrumentasi opera sangat padat sehingga dibutuhkan penyanyi matron yang matang untuk membawakan bagian utama.

Di antara bintang opera legendaris di masa lalu adalah E. Caruso (1873–1921, mungkin penyanyi paling populer dalam sejarah), J. Farrar (1882–1967, yang selalu diikuti oleh rombongan pengagum di New York), F. I. Chaliapin (1873 –1938, bass yang kuat, master realisme Rusia), K. Flagstad (1895–1962, sopran heroik dari Norwegia) dan banyak lainnya. Pada generasi berikutnya, mereka digantikan oleh M. Callas (1923–1977), B. Nilson (lahir 1918), R. Tebaldi (1922–2004), J. Sutherland (lahir 1926), L. Price (lahir .1927) ), B. Sills (lahir 1929), C. Bartoli (1966), R. Tucker (1913–1975), T. Gobbi (1913–1984), F. Corelli (lahir 1921), C. Siepi (l. . 1923), J. Vickers (l. 1926), L. Pavarotti (l. 1935), S. Milnes (l. 1935), P. Domingo (l. 1941), J. Carreras (l. 1946).

Teater opera.

Beberapa bangunan gedung opera dikaitkan dengan jenis opera tertentu, dan dalam beberapa kasus, arsitektur teater memang disebabkan oleh satu atau beberapa jenis pertunjukan opera. Jadi, Opera Paris (nama Grand Opera ditetapkan di Rusia) dimaksudkan untuk tontonan yang cerah jauh sebelum bangunannya saat ini dibangun pada tahun 1862–1874 (arsitek Ch. Garnier): tangga dan serambi istana dirancang seperti yang akan dilakukan. bersaing dengan pemandangan balet dan prosesi megah yang berlangsung di atas panggung. "House of Solemn Performances" (Festspielhaus) di kota Bavaria Bayreuth diciptakan oleh Wagner pada tahun 1876 untuk mementaskan "drama musikal" epiknya. Panggungnya, meniru pemandangan amfiteater Yunani kuno, memiliki kedalaman yang luar biasa, dan orkestra terletak di lubang orkestra dan tersembunyi dari penonton, sehingga suaranya menghilang dan penyanyi tidak perlu memaksakan suaranya. Metropolitan Opera House yang asli di New York (1883) dirancang sebagai tempat pertunjukan bagi penyanyi terbaik dunia dan pelanggan pondok yang terhormat. Aula ini sangat dalam sehingga kotak-kotak "tapal kuda intan" memberi pengunjung lebih banyak kesempatan untuk melihat satu sama lain daripada panggung yang relatif dangkal.

Penampilan gedung opera, seperti cermin, mencerminkan sejarah opera sebagai fenomena kehidupan masyarakat. Asal-usulnya berasal dari kebangkitan teater Yunani kuno di kalangan aristokrat: periode ini berhubungan dengan gedung opera tertua yang masih ada - Olimpico (1583), dibangun oleh A. Palladio di Vicenza. Arsitekturnya, cerminan dari mikrokosmos masyarakat Barok, didasarkan pada denah berbentuk tapal kuda yang khas, di mana tingkatan kotak menyebar dari tengah - kotak kerajaan. Rencana serupa dipertahankan di gedung teater La Scala (1788, Milan), La Fenice (1792, dibakar tahun 1992, Venesia), San Carlo (1737, Naples), Covent Garden (1858, London). ). Dengan kotak yang lebih sedikit, tetapi dengan tingkatan yang lebih dalam berkat penyangga baja, rencana ini digunakan di gedung opera Amerika seperti Brooklyn Academy of Music (1908), gedung opera di San Francisco (1932) dan Chicago (1920). Solusi yang lebih modern menunjukkan gedung baru Opera Metropolitan di Lincoln Center New York (1966) dan Gedung Opera Sydney (1973, Australia).

Pendekatan demokratis adalah karakteristik Wagner. Dia menuntut konsentrasi maksimum dari penonton dan membangun teater di mana tidak ada kotak sama sekali, dan kursi diatur dalam baris kontinu yang monoton. Interior Bayreuth yang keras hanya diulangi di Teater Utama Munich (1909); bahkan teater Jerman yang dibangun setelah Perang Dunia II berasal dari contoh sebelumnya. Namun, gagasan Wagnerian tampaknya telah memberi kontribusi pada gerakan menuju konsep arena, yaitu. teater tanpa proscenium, yang diusulkan oleh beberapa arsitek modern (prototipenya adalah sirkus Romawi kuno): opera dibiarkan menyesuaikan diri dengan kondisi baru ini. Amfiteater Romawi di Verona sangat cocok untuk mementaskan pertunjukan opera monumental seperti Aida Verdi dan William Memberitahu Rossini.

festival opera.

Elemen penting dari konsep opera Wagnerian adalah ziarah musim panas ke Bayreuth. Idenya diambil: pada tahun 1920-an, kota Salzburg di Austria menyelenggarakan festival yang didedikasikan terutama untuk opera Mozart dan mengundang orang-orang berbakat seperti sutradara M. Reinhardt dan konduktor A. Toscanini untuk mengimplementasikan proyek tersebut. Sejak pertengahan 1930-an, karya opera Mozart telah membentuk Festival Glyndebourne Inggris. Setelah Perang Dunia Kedua, sebuah festival muncul di Munich, yang didedikasikan terutama untuk karya R. Strauss. Florence menjadi tuan rumah "Florence Musical May", di mana repertoar yang sangat luas dipertunjukkan, mencakup opera awal dan modern.

CERITA

Asal usul opera.

Contoh pertama dari genre opera yang sampai kepada kita adalah Eurydice J. Peri (1600) adalah karya sederhana yang dibuat di Florence pada acara pernikahan Raja Prancis Henry IV dan Maria Medici. Seperti yang diharapkan, penyanyi muda dan madrigalis yang dekat dengan pengadilan itu memesan musik untuk acara khidmat ini. Tapi Peri menyajikan bukan siklus madrigal biasa dengan tema pastoral, tapi sesuatu yang sama sekali berbeda. Musisi itu adalah anggota Florentine Camerata - lingkaran ilmuwan, penyair, dan pecinta musik. Selama dua puluh tahun anggota Camerata telah menyelidiki pertanyaan tentang bagaimana tragedi Yunani kuno dilakukan. Mereka sampai pada kesimpulan bahwa para aktor Yunani melafalkan teks tersebut dengan cara deklamasi khusus, yang merupakan persilangan antara ucapan dan nyanyian nyata. Tetapi hasil nyata dari eksperimen dalam kebangkitan seni yang terlupakan ini adalah jenis nyanyian solo baru, yang disebut "monody": monody dilakukan dalam ritme bebas dengan iringan paling sederhana. Oleh karena itu, Peri dan pustakawannya O. Rinuccini menyusun kisah Orpheus dan Eurydice secara resitatif, yang didukung oleh akord orkestra kecil, lebih tepatnya ansambel tujuh instrumen, dan menampilkan lakon di Florentine Palazzo Pitti. Ini adalah opera kedua Camerata; skor pertama, Daphne Peri (1598), tidak diawetkan.

Opera awal memiliki pendahulu. Selama tujuh abad gereja telah mengembangkan drama liturgi seperti Permainan tentang Daniel dimana nyanyian solo diiringi dengan iringan berbagai instrumen. Pada abad ke-16 komposer lain, khususnya A. Gabrieli dan O. Vecchi, menggabungkan paduan suara sekuler atau madrigal ke dalam siklus cerita. Tapi tetap saja, sebelum Peri dan Rinuccini, tidak ada bentuk drama musikal sekuler yang monodik. Pekerjaan mereka tidak menjadi kebangkitan tragedi Yunani kuno. Itu membawa sesuatu yang lebih - lahirlah genre teater baru yang layak.

Namun, pengungkapan penuh kemungkinan dramma per genre musik, yang dikemukakan oleh kamerata Florentine, terjadi pada karya musisi lain. Seperti Peri, C. Monteverdi (1567-1643) adalah seorang terpelajar dari keluarga bangsawan, tetapi tidak seperti Peri, dia adalah seorang musisi profesional. Berasal dari Cremona, Monteverdi menjadi terkenal di istana Vincenzo Gonzaga di Mantua dan mengarahkan paduan suara Katedral St. Tandai di Venesia. Tujuh tahun kemudian Eurydice Peri, dia menyusun legenda Orpheus versinya sendiri - Legenda Orpheus. Karya-karya ini berbeda satu sama lain dengan cara yang sama seperti eksperimen yang menarik berbeda dari mahakarya. Monteverdi meningkatkan komposisi orkestra lima kali, memberikan masing-masing karakter kelompok instrumennya sendiri, dan mengawali opera dengan pembukaan. Resitatifnya tidak hanya membunyikan teks A. Strigio, tetapi juga menjalani kehidupan artistiknya sendiri. Bahasa harmonis Monteverdi penuh dengan kontras yang dramatis dan bahkan hari ini mengesankan dengan keberanian dan gambarnya.

Opera-opera Monteverdi selanjutnya yang masih hidup meliputi Duel Tancred dan Clorinda(1624), berdasarkan sebuah adegan dari Yerusalem yang dibebaskan Torquato Tasso - puisi epik tentang tentara salib; Kembalinya Ulysses(1641) pada plot yang berasal dari legenda Yunani kuno tentang Odysseus; Penobatan Poppea(1642), dari zaman Kaisar Romawi Nero. Karya terakhir diciptakan oleh sang komposer hanya setahun sebelum kematiannya. Opera ini adalah puncak dari karyanya - sebagian karena keahlian bagian vokal, sebagian karena kemegahan tulisan instrumental.

distribusi opera.

Di era Monteverdi, opera dengan cepat menaklukkan kota-kota besar Italia. Roma memberi penulis opera L. Rossi (1598–1653), yang mementaskan operanya di Paris pada 1647 Orpheus dan Eurydice menaklukkan dunia Prancis. F. Cavalli (1602–1676), yang bernyanyi di Monteverdi's di Venesia, menciptakan sekitar 30 opera; Bersama M.A. Chesti (1623–1669), Cavalli menjadi pendiri sekolah Venesia, yang memainkan peran utama dalam opera Italia pada paruh kedua abad ke-17. Di sekolah Venesia, gaya monodik yang berasal dari Florence membuka jalan bagi perkembangan resitatif dan aria. The arias secara bertahap menjadi lebih panjang dan lebih kompleks, dan penyanyi virtuoso, biasanya castrati, mulai mendominasi panggung opera. Plot opera Venesia masih didasarkan pada mitologi atau episode sejarah romantis, tetapi sekarang dihiasi dengan selingan olok-olok yang tidak ada hubungannya dengan aksi utama dan episode spektakuler di mana para penyanyi menunjukkan keahlian mereka. Di Opera Kehormatan apel emas(1668), salah satu yang paling kompleks pada zaman itu, terdapat 50 aktor, serta 67 adegan dan 23 pergantian adegan.

Pengaruh Italia bahkan sampai ke Inggris. Pada akhir masa pemerintahan Elizabeth I, komposer dan pustakawan mulai menciptakan apa yang disebut. topeng - pertunjukan pengadilan yang menggabungkan pelafalan, nyanyian, tarian, dan didasarkan pada cerita-cerita fantastis. Genre baru ini menempati tempat yang luas dalam karya G. Lowes, yang pada tahun 1643 mulai bermusik Comus Milton, dan pada 1656 menciptakan opera Inggris nyata pertama - Pengepungan Rhodes. Setelah restorasi Stuarts, opera secara bertahap mulai mendapatkan pijakan di tanah Inggris. J. Blow (1649–1708), pemain organ di Katedral Westminster, menggubah sebuah opera pada tahun 1684 Venus dan Adonis, namun komposisinya tetap disebut topeng. Satu-satunya opera yang benar-benar hebat yang diciptakan oleh orang Inggris adalah Dido dan Aeneas G. Purcell (1659–1695), murid dan penerus Blow. Pertama kali dipentaskan di perguruan tinggi wanita sekitar tahun 1689, opera kecil ini terkenal akan keindahannya yang menakjubkan. Purcell memiliki teknik Prancis dan Italia, tetapi operanya adalah karya khas Inggris. Libretto Kenakalan, dimiliki oleh N. Tate, tetapi sang komposer bangkit kembali dengan musiknya, ditandai dengan penguasaan karakteristik dramatis, keanggunan dan kekayaan luar biasa dari arias dan paduan suara.

Opera Prancis awal.

Seperti opera Italia awal, opera Prancis pertengahan abad ke-16 berangkat dari keinginan untuk menghidupkan kembali estetika teater Yunani kuno. Perbedaannya adalah bahwa opera Italia menekankan pada nyanyian, sedangkan opera Prancis tumbuh dari balet, genre teater favorit di istana Prancis saat itu. Seorang penari cakap dan ambisius yang berasal dari Italia, J. B. Lully (1632-1687) menjadi pendiri opera Prancis. Ia mengenyam pendidikan musik, termasuk mempelajari dasar-dasar teknik mengarang, di istana Louis XIV dan kemudian diangkat menjadi komponis istana. Dia memiliki pemahaman yang sangat baik tentang panggung, yang terbukti dalam musiknya untuk sejumlah komedi Molière, khususnya untuk Pedagang di kalangan bangsawan(1670). Terkesan dengan kesuksesan perusahaan opera yang datang ke Prancis, Lully memutuskan untuk membuat grupnya sendiri. Opera Lully, yang dia sebut "tragedi liris" (tragédies lyriques) , menunjukkan gaya musik dan teater khas Prancis. Plotnya diambil dari mitologi kuno atau dari puisi Italia, dan libretto, dengan syair khusyuk dalam ukuran yang ditentukan secara ketat, dipandu oleh gaya kontemporer Lully yang hebat, penulis drama J. Racine. Lully menyelingi perkembangan plot dengan diskusi panjang tentang cinta dan ketenaran, dan dia memasukkan pengalihan ke dalam prolog dan poin plot lainnya - adegan dengan tarian, paduan suara, dan pemandangan yang indah. Skala sebenarnya dari karya komposer menjadi jelas hari ini, ketika produksi opera dilanjutkan - Alceste (1674), Atisa(1676) dan Armida (1686).

"Opera Ceko" adalah istilah konvensional yang mengacu pada dua tren seni yang kontras: pro-Rusia di Slovakia dan pro-Jerman di Republik Ceko. Sosok yang dikenal dalam musik Ceko adalah Antonín Dvořák (1841–1904), meskipun hanya satu dari operanya yang dijiwai dengan kesedihan yang dalam. putri duyung- Memantapkan dirinya dalam repertoar dunia. Di Praha, ibu kota budaya Ceko, tokoh utama dalam dunia opera adalah Bedřich Smetana (1824–1884), yang Pengantin Barter(1866) dengan cepat memasuki repertoar, biasanya diterjemahkan ke dalam bahasa Jerman. Komik dan plot yang tidak rumit menjadikan karya ini paling mudah diakses dalam warisan Smetana, meskipun ia adalah penulis dari dua opera patriotik yang berapi-api - sebuah "opera keselamatan" yang dinamis Dalibor(1868) dan gambar-epik Libusha(1872, dipentaskan pada tahun 1881), yang menggambarkan penyatuan rakyat Ceko di bawah pemerintahan seorang ratu yang bijaksana.

Pusat tidak resmi sekolah Slovakia adalah kota Brno, tempat Leos Janacek (1854–1928), pendukung setia reproduksi intonasi resitatif alami dalam musik, dalam semangat Mussorgsky dan Debussy, tinggal dan bekerja. Buku harian Janacek berisi banyak nada bicara dan ritme suara alami. Setelah beberapa pengalaman awal dan gagal dalam genre opera, Janáček pertama kali beralih ke tragedi yang menakjubkan dari kehidupan para petani Moravia dalam opera. Enufa(1904, opera paling populer dari komposer). Dalam opera berikutnya, ia mengembangkan plot yang berbeda: drama seorang wanita muda yang, sebagai protes terhadap penindasan keluarga, terlibat dalam hubungan cinta ilegal ( Katya Kabanova, 1921), kehidupan alam ( Chanterelle yang licik, 1924), kejadian supranatural ( Obat makropulos, 1926) dan catatan Dostoevsky tentang tahun-tahun yang dihabiskannya dalam kerja paksa ( Catatan dari Rumah Orang Mati, 1930).

Janacek memimpikan kesuksesan di Praha, tetapi rekan-rekannya yang "tercerahkan" memperlakukan operanya dengan jijik - baik selama masa hidup komposer maupun setelah kematiannya. Seperti Rimsky-Korsakov, yang menyunting Mussorgsky, rekan-rekan Janáček mengira mereka lebih tahu daripada penulis bagaimana seharusnya bunyi skornya. Pengakuan internasional Janáček datang kemudian sebagai hasil dari upaya restorasi John Tyrrell dan konduktor Australia Charles Mackeras.

Opera abad ke-20

Perang Dunia Pertama mengakhiri era romantisme: keagungan perasaan yang melekat dalam romantisme tidak dapat bertahan dari pergolakan tahun-tahun perang. Bentuk opera yang mapan juga mengalami penurunan, itu adalah masa ketidakpastian dan eksperimen. Keinginan untuk Abad Pertengahan, diekspresikan dengan kekuatan khusus di parsifal Dan Pellea, memberikan kilasan terakhir dalam karya seperti Cinta tiga raja(1913) Italia Montemezzi (1875–1952), Ksatria Ekebu(1925) Riccardo Zandonai (1883–1944), Semirama(1910) dan Api(1934) Ottorino Respighi (1879–1936). Post-romantisme Austria dalam pribadi Franz Schrekker (1878–1933; suara jauh, 1912; distigmatisasi, 1918), Alexander von Zemlinsky (1871–1942; Tragedi Florentina;Kerdil– 1922) dan Erik Wolfgang Korngold (1897–1957; Kota Mati, 1920; Keajaiban Heliana, 1927) menggunakan motif abad pertengahan untuk eksplorasi artistik ide-ide spiritualistik atau fenomena psikis patologis.

Warisan Wagner, diambil oleh Richard Strauss, kemudian diteruskan ke yang disebut. sekolah Wina baru, khususnya untuk A. Schoenberg (1874–1951) dan A. Berg (1885–1935), yang opera-operanya merupakan semacam reaksi anti-romantis: ini diekspresikan baik dalam penyimpangan sadar dari bahasa musik tradisional, terutama harmonik, dan dalam pilihan adegan "kekerasan". Opera pertama Berg Wozzeck(1925) - kisah tentang seorang prajurit yang malang dan tertindas - adalah drama yang sangat kuat, meskipun bentuknya sangat intelektual dan luar biasa rumit; opera kedua komposer, Lulu(1937, diselesaikan setelah kematian penulis F. Tserhoy), adalah drama musikal yang tidak kalah ekspresifnya tentang seorang wanita yang tidak bermoral. Setelah serangkaian opera psikologis akut kecil, di antaranya yang paling terkenal adalah Ekspektasi(1909), Schoenberg menghabiskan seluruh hidupnya mengerjakan plot tersebut Musa dan Harun(1954, opera tetap belum selesai) - berdasarkan cerita alkitabiah tentang konflik antara nabi Musa yang terikat lidah dan Harun yang fasih, yang menggoda orang Israel untuk tunduk pada anak lembu emas. Adegan pesta pora, kehancuran, dan pengorbanan manusia, yang mampu membuat marah sensor teater mana pun, serta komposisi yang sangat rumit, menghalangi popularitasnya di gedung opera.

Komposer dari sekolah nasional yang berbeda mulai muncul dari pengaruh Wagner. Dengan demikian, simbolisme Debussy menjadi pendorong bagi komposer Hongaria B. Bartok (1881–1945) untuk menciptakan perumpamaan psikologisnya. Kastil Duke Bluebeard(1918); penulis Hongaria lainnya, Z. Kodály, dalam opera tersebut Hari Janos(1926) beralih ke sumber cerita rakyat. Di Berlin, F. Busoni memikirkan kembali plot lama dalam opera Badut(1917) dan Dokter Faust(1928, tetap belum selesai). Dalam semua karya yang disebutkan, simfonisme Wagner dan para pengikutnya yang menyebar ke mana-mana digantikan oleh gaya yang jauh lebih ringkas, hingga monodi mendominasi. Namun, warisan opera dari generasi komposer ini relatif kecil, dan keadaan ini, bersama dengan daftar karya yang belum selesai, membuktikan kesulitan yang dialami genre opera di era ekspresionisme dan fasisme yang akan datang.

Pada saat yang sama, arus baru mulai muncul di Eropa yang dilanda perang. Opera komik Italia memberikan pelarian terakhirnya dalam sebuah mahakarya kecil oleh G. Puccini Gianni Schicchi(1918). Tetapi di Paris, M. Ravel mengangkat obor yang memudar dan menciptakan keajaibannya sendiri jam Spanyol(1911) dan seterusnya anak dan sihir(1925, ke libretto oleh Collet). Opera muncul di Spanyol - hidup pendek(1913) dan Stan Maestro Pedro(1923) Manuel de Falla.

Di Inggris, opera mengalami kebangkitan nyata - untuk pertama kalinya dalam beberapa abad. Spesimen paling awal jam abadi(1914) Rutland Baughton (1878–1960) tentang subjek dari mitologi Celtic, Pengkhianat(1906) dan istri kepala perahu(1916) Ethel Smith (1858–1944). Yang pertama adalah kisah cinta tanah pedesaan, sedangkan yang kedua tentang bajak laut yang tinggal di desa pesisir Inggris yang miskin. Opera Smith menikmati beberapa popularitas di Eropa juga, seperti halnya opera Frederic Delius (1862–1934), khususnya Desa Romeo dan Juliet(1907). Delius, bagaimanapun, pada dasarnya tidak mampu mewujudkan dramaturgi konflik (baik dalam teks maupun musik), oleh karena itu drama musikal statisnya jarang muncul di atas panggung.

Masalah yang membara bagi komposer Inggris adalah pencarian plot yang kompetitif. Savitri Gustav Holst ditulis berdasarkan salah satu episode epik India Mahabharata(1916) dan Hugh si Pengemudi R. Vaughan-Williams (1924) adalah sebuah pastoral yang dilengkapi dengan lagu-lagu rakyat; hal yang sama berlaku dalam opera Vaughan Williams Tuan John jatuh cinta menurut Shakespeare Falstaf.

B. Britten (1913–1976) berhasil mengangkat opera Inggris ke ketinggian baru; opera pertamanya ternyata sukses Peter Grimes(1945) - sebuah drama yang berlangsung di tepi pantai, di mana tokoh utamanya adalah seorang nelayan yang ditolak oleh orang-orang yang berada dalam cengkeraman pengalaman mistis. Sumber komedi-satire Albert Hering(1947) menjadi cerita pendek oleh Maupassant, dan masuk Billy Budi Kisah alegoris Melville digunakan, yang memperlakukan kebaikan dan kejahatan (latar belakang sejarah adalah era perang Napoleon). Opera ini biasanya diakui sebagai mahakarya Britten, meski kemudian ia berhasil menggarap genre "grand opera" - contohnya adalah Gloriana(1951), yang menceritakan tentang peristiwa pergolakan pada masa pemerintahan Elizabeth I, dan Mimpi di malam musim panas(1960; libretto Shakespeare diciptakan oleh teman terdekat dan kolaborator komposer, penyanyi P. Pierce). Pada 1960-an, Britten menaruh banyak perhatian pada opera perumpamaan ( sungai woodcock – 1964, Aksi gua – 1966, anak yang hilang- 1968); dia juga membuat opera televisi Owen Wingrave(1971) dan opera kamar putaran sekrup Dan Penodaan Lucretia. Puncak mutlak dari karya opera sang komposer adalah karya terakhirnya dalam genre ini - Kematian di Venesia(1973), di mana kecerdikan luar biasa dipadukan dengan ketulusan yang luar biasa.

Warisan opera Britten begitu signifikan sehingga hanya sedikit penulis Inggris generasi berikutnya yang dapat muncul dari bayang-bayangnya, meskipun kesuksesan opera Peter Maxwell Davies yang terkenal (lahir 1934) patut disebutkan. kedai minuman(1972) dan opera oleh Harrison Birtwhistle (b. 1934) gavan(1991). Adapun komposer negara lain, kami dapat mencatat karya-karya seperti Aniara(1951) oleh Swedia Karl-Birger Blomdahl (1916–1968), di mana aksi terjadi di kapal antarplanet dan menggunakan suara elektronik, atau siklus operatik Biarlah ada terang(1978–1979) oleh German Karlheinz Stockhausen (siklusnya diberi subtitle Tujuh Hari Penciptaan dan diharapkan akan selesai dalam waktu seminggu). Tapi, tentu saja, inovasi seperti itu cepat berlalu. Opera komposer Jerman Carl Orff (1895-1982) lebih signifikan - misalnya, Antigone(1949), yang dibangun dengan model tragedi Yunani kuno menggunakan pelafalan ritmis dengan latar belakang iringan pertapa (terutama instrumen perkusi). Komposer Prancis yang brilian F. Poulenc (1899–1963) memulai dengan opera yang lucu payudara Tiresia(1947), dan kemudian beralih ke estetika, yang mengedepankan intonasi dan ritme ucapan alami. Dua opera terbaiknya ditulis dengan nada ini: mono-opera suara manusia setelah Jean Cocteau (1959; libretto dibangun seperti percakapan telepon dari pahlawan wanita) dan sebuah opera Dialog Karmelit, yang menggambarkan penderitaan para biarawati ordo Katolik selama Revolusi Prancis. Harmoni Poulenc tampak sederhana dan pada saat yang sama ekspresif secara emosional. Popularitas internasional karya Poulenc juga difasilitasi oleh permintaan komposer agar operanya dibawakan jika memungkinkan dalam bahasa lokal.

Juggling seperti pesulap dengan gaya berbeda, I.F. Stravinsky (1882-1971) menciptakan sejumlah opera yang mengesankan; di antara mereka - ditulis untuk romantisme wirausaha Diaghilev Bulbul berdasarkan dongeng karya H.H. Andersen (1914), Mozartian Petualangan Rake berdasarkan ukiran oleh Hogarth (1951), serta statis, mengingatkan pada jalur antik Oedipus rex(1927), yang ditujukan untuk teater dan panggung konser. Selama Republik Weimar Jerman, K. Weil (1900–1950) dan B. Brecht (1898–1950), yang membuat ulang Opera pengemis John Gay menjadi lebih populer lagi Opera tiga penny(1928), menggubah opera yang sekarang terlupakan dengan plot satir yang tajam Kebangkitan dan Kejatuhan Kota Mahagoni(1930). Bangkitnya Nazi mengakhiri kerja sama yang bermanfaat ini, dan Vail, yang beremigrasi ke Amerika, mulai berkarya dalam genre musik Amerika.

Komposer Argentina Alberto Ginastera (1916–1983) sedang populer pada 1960-an dan 1970-an ketika opera ekspresionistik dan erotisnya muncul. Dan Rodrigo (1964), Bomarzo(1967) dan Beatrice Cenci(1971). Orang Jerman Hans Werner Henze (b. 1926) menjadi terkenal pada tahun 1951 ketika operanya Boulevard Kesepian ke libretto oleh Greta Weill berdasarkan kisah Manon Lescaut; bahasa musik dari karya tersebut menggabungkan teknik jazz, blues, dan 12 nada. Opera Henze selanjutnya meliputi: Elegy untuk kekasih muda(1961; aksi berlangsung di Pegunungan Alpen yang bersalju; musiknya didominasi oleh suara gambang, vibrafon, harpa dan celesta), tuan muda, ditembak dengan humor hitam (1965), bassaridae(1966; setelah baccha Euripides, libretto bahasa Inggris oleh C. Cullman dan W. H. Auden), anti-militer Kami akan datang ke sungai(1976), opera dongeng anak-anak pollicino Dan Laut yang Dikhianati(1990). Di Inggris, Michael Tippett (1905–1998) bekerja dalam genre opera. ) : Pernikahan di Malam Pertengahan Musim Panas(1955), labirin taman (1970), Es telah pecah(1977) dan opera fiksi ilmiah Tahun Baru(1989) - semua untuk libretto komposer. Komposer Inggris avant-garde Peter Maxwell Davies adalah penulis opera yang disebutkan di atas. kedai minuman(1972; plot dari kehidupan komposer abad ke-16 John Taverner) dan Kebangkitan (1987).

Penyanyi opera terkenal

Björling, Jussi (Johan Jonathan)(Björling, Jussi) (1911–1960), penyanyi Swedia (tenor). Dia belajar di Sekolah Opera Kerajaan Stockholm dan memulai debutnya di sana pada tahun 1930 dalam peran kecil di Manon Lesko. Sebulan kemudian, Ottavio ikut bernyanyi Don Juan. Dari tahun 1938 hingga 1960, kecuali tahun-tahun perang, dia bernyanyi di Metropolitan Opera dan menikmati kesuksesan khusus dalam repertoar Italia dan Prancis.
Galli-Curci Amelita .
Gobi, Tito(Gobbi, Tito) (1915-1984), penyanyi Italia (bariton). Dia belajar di Roma dan memulai debutnya di sana sebagai Germont La Traviate. Dia banyak tampil di London dan setelah 1950 di New York, Chicago dan San Francisco - terutama di opera Verdi; terus bernyanyi di teater besar di Italia. Gobbi dianggap sebagai penampil terbaik dari bagian Scarpia, yang dia nyanyikan sekitar 500 kali. Dia telah berakting di film opera berkali-kali.
Domingo, Placido .
Callas, Maria .
Caruso, Enrico .
Corelli, Franco- (Corelli, Franco) (lahir 1921–2003), penyanyi Italia (tenor). Pada usia 23 tahun ia belajar selama beberapa waktu di Pesaro Conservatory. Pada tahun 1952, ia ikut serta dalam kompetisi vokal festival Florentine Musical May, di mana direktur Opera Roma mengundangnya untuk lulus ujian di Teater Eksperimental Spletto. Segera dia tampil di teater ini sebagai Don José in Carmen. Pada pembukaan musim La Scala pada tahun 1954, dia bernyanyi bersama Maria Callas Perawan Spontini. Pada tahun 1961 ia melakukan debutnya di Metropolitan Opera sebagai Manrico di Penyanyi. Di antara partainya yang paling terkenal adalah Cavaradossi in Tosca.
London, George(London, George) (1920-1985), penyanyi Kanada (bass-baritone), nama asli George Bernstein. Dia belajar di Los Angeles dan memulai debutnya di Hollywood pada tahun 1942. Pada tahun 1949 dia diundang ke Opera Wina, di mana dia memulai debutnya sebagai Amonasro di Pembantu. Dia bernyanyi di Metropolitan Opera (1951-1966), dan juga tampil di Bayreuth dari tahun 1951 hingga 1959 sebagai Amfortas dan Flying Dutchman. Dia dengan luar biasa menampilkan peran Don Giovanni, Scarpia, dan Boris Godunov.
Milnes, Cheryl .
Nilson, Birgit(Nilsson, Birgit) (1918–2005), penyanyi Swedia (sopran). Dia belajar di Stockholm dan memulai debutnya di sana sebagai Agatha penembak gaya bebas Weber. Ketenaran internasionalnya dimulai pada tahun 1951 ketika dia menyanyikan lagu Elektra Idomeneo Mozart di Festival Glyndebourne. Pada musim 1954/1955 dia menyanyikan lagu Brunnhilde dan Salome di Munich Opera. Dia memulai debutnya sebagai Brunnhilde di Covent Garden London (1957) dan sebagai Isolde di Metropolitan Opera (1959). Dia juga berhasil dalam peran lain, terutama Turandot, Tosca dan Aida. Meninggal 25 Desember 2005 di Stockholm.
Pavarotti, Luciano .
Patty, Adeline(Patti, Adelina) (1843-1919), penyanyi Italia (coloratura soprano). Dia memulai debutnya di New York pada tahun 1859 sebagai Lucia di Lammermoor, di London pada tahun 1861 (sebagai Amina di Orang yang berjalan dalam tidur). Dia bernyanyi di Covent Garden selama 23 tahun. Dengan suara yang bagus dan teknik yang brilian, Patti adalah salah satu perwakilan terakhir dari gaya bel canto yang sebenarnya, tetapi sebagai musisi dan aktris dia jauh lebih lemah.
Harga, Leontina .
Sutherland, Joan .
Lewati, Tito(Schipa, Tito) (1888-1965), penyanyi Italia (tenor). Ia belajar di Milan dan memulai debutnya di Vercelli pada tahun 1911 sebagai Alfred ( La Traviata). Terus-menerus tampil di Milan dan Roma. Pada 1920–1932 dia bertunangan di Chicago Opera, dan terus bernyanyi di San Francisco dari 1925 dan di Metropolitan Opera (1932–1935 dan 1940–1941). Dia dengan luar biasa memainkan peran Don Ottavio, Almaviva, Nemorino, Werther dan Wilhelm Meister di Mignone.
Scoto, Renata(Scotto, Renata) (b. 1935), penyanyi Italia (sopran). Dia memulai debutnya pada tahun 1954 di Teater Baru Napoli sebagai Violetta ( La Traviata), di tahun yang sama dia bernyanyi untuk pertama kalinya di La Scala. Dia berspesialisasi dalam repertoar bel canto: Gilda, Amina, Norina, Linda de Chamouni, Lucia di Lammermoor, Gilda dan Violetta. Debut Amerika-nya sebagai Mimi dari bohemia berlangsung di Lyric Opera of Chicago pada tahun 1960, pertama kali dilakukan di Metropolitan Opera sebagai Cio-Cio-San pada tahun 1965. Repertoarnya juga mencakup peran Norma, Gioconda, Tosca, Manon Lescaut dan Francesca da Rimini.
Siepi, Cesar(Siepi, Cesare) (lahir 1923), penyanyi Italia (bass). Dia memulai debutnya pada tahun 1941 di Venesia sebagai Sparafucillo Rigoletto. Setelah perang, dia mulai tampil di La Scala dan gedung opera Italia lainnya. Dari tahun 1950 hingga 1973 dia menjadi pemain bass utama di Metropolitan Opera, di mana dia menyanyikan antara lain Don Giovanni, Figaro, Boris, Gurnemanz dan Philipp di Don Carlos.
Tebaldi, Renata(Tebaldi, Renata) (lahir 1922), penyanyi Italia (sopran). Dia belajar di Parma dan memulai debutnya pada tahun 1944 di Rovigo sebagai Elena ( Mephistopheles). Toscanini memilih Tebaldi untuk tampil di pembukaan pascaperang La Scala (1946). Pada tahun 1950 dan 1955 ia tampil di London, pada tahun 1955 ia memulai debutnya di Metropolitan Opera sebagai Desdemona dan bernyanyi di teater ini hingga pensiun pada tahun 1975. Di antara peran terbaiknya adalah Tosca, Adriana Lecouvreur, Violetta, Leonora, Aida dan drama lainnya peran dari opera oleh Verdi.
Farrar, Geraldine .
Chaliapin, Fyodor Ivanovich .
Schwarzkopf, Elizabeth(Schwarzkopf, Elisabeth) (b. 1915), penyanyi Jerman (sopran). Dia belajar di Berlin dan memulai debutnya di Berlin Opera pada tahun 1938 sebagai salah satu Flower Maidens di parsifal Wagner. Setelah beberapa pertunjukan di Opera Wina, dia diundang untuk memainkan peran utama. Kemudian dia juga bernyanyi di Covent Garden dan La Scala. Pada tahun 1951 di Venesia pada pemutaran perdana opera Stravinsky Petualangan Rake menyanyikan bagian dari Anna, pada tahun 1953 di La Scala dia berpartisipasi dalam pemutaran perdana kantata panggung Orff Kemenangan Aphrodite. Pada tahun 1964 dia tampil untuk pertama kalinya di Metropolitan Opera. Dia meninggalkan panggung opera pada tahun 1973.

Literatur:

Makhrova E.V. Gedung Opera dalam Budaya Jerman di Paruh Kedua Abad ke-20. Petersburg, 1998
Simon G.W. Seratus opera hebat dan plotnya. M., 1998



Isi artikel

KOMIK OPERA, dalam arti asli dari istilah tersebut: sekumpulan varietas nasional dari genre opera yang muncul pada tahun 1730-an dan bertahan hingga awal abad ke-19. Belakangan, istilah tersebut kehilangan ketidakjelasannya; saat ini sering digunakan dalam kaitannya dengan berbagai jenis pertunjukan musik dan hiburan konten komedi (lelucon, lawak, vaudeville, operet, musikal, dll.).

Asal dan fitur genre.

Opera komik berkembang di negara-negara dengan budaya opera yang berkembang sebagai alternatif dari opera seria istana (it. opera seria - opera serius), yang prinsipnya dikembangkan pada abad ke-17. Komposer Italia dari sekolah Neapolitan (khususnya, A. Scarlatti). Menjelang abad ke-18 Opera pengadilan Italia memasuki masa krisis dalam perkembangannya, berubah menjadi "konser kostum" - brilian, jenuh dengan efek vokal virtuoso, tetapi tontonan statis. Sebaliknya, opera komik lebih fleksibel, yang menjadi ciri khas bentuk seni baru yang masih muda, sehingga memiliki dinamika dan potensi perkembangan yang lebih besar. Genre teatrikal baru tersebar luas di seluruh Eropa, dengan masing-masing negara mengembangkan ragam opera komiknya sendiri.

Namun, terlepas dari semua kekhasan nasional, jalur perkembangan umum dari opera komik serupa. Pembentukannya ditentukan oleh prinsip-prinsip demokrasi Pencerahan. Berkat mereka, tren baru dalam musik dan drama opera muncul dalam opera komik: kedekatan dengan kehidupan sehari-hari, melodi rakyat (baik dalam episode vokal maupun tarian), parodi, orisinal, "bertopeng", karakterisasi karakter. Dalam konstruksi plot opera komik, garis antik dan sejarah-legendaris yang khusyuk, yang tetap menjadi ciri genre opera seria, tidak dikembangkan secara konsisten. Kecenderungan demokratis juga terlihat pada ciri formal opera komik: dialog sehari-hari, resitatif, dinamisme aksi.

Varietas opera komik nasional.

Italia dianggap sebagai tempat kelahiran opera komik, di mana genre ini disebut opera buffa (Buffa opera Italia - opera komik). Sumbernya adalah opera komedi sekolah Romawi abad ke-17. dan commedia dell'arte. Awalnya, ini adalah selingan lucu yang disisipkan untuk pelepasan emosi di antara aksi opera seria. Opera penggemar pertama adalah Nyonya Pembantu G. B. Pergolesi, ditulis oleh komposer sebagai selingan dari opera seria miliknya Tahanan yang bangga(1733). Kedepannya, opera buffa mulai dibawakan secara mandiri. Mereka dibedakan oleh skalanya yang kecil, sejumlah kecil karakter, arias tipe badut, derai di bagian vokal, penguatan dan pengembangan ansambel (berlawanan dengan opera seria, di mana bagian solo menjadi dasarnya, dan ansambel dan paduan suara hampir tidak pernah dipakai). Genre lagu dan tarian rakyat menjadi dasar dramaturgi musik. Belakangan, fitur liris dan sentimental merambah opera buffa, menggesernya dari commedia dell'arte yang kasar ke masalah aneh dan prinsip plot C. Gozzi. Perkembangan opera buffa dikaitkan dengan nama komposer N. Picchini, G. Paisiello, D. Cimarosa.

Opera komik versi Spanyol tonadilla(Spanyol tonadilla - lagu, kurangi dari tonada - lagu). Seperti opera buffa, tonadilla lahir dari lagu dan tarian yang membuka pertunjukan teater atau dibawakan di antara babak. Kemudian dibentuk menjadi genre tersendiri. Tonadilla pertama Pemilik penginapan dan sopir(komposer L. Mison, 1757). Perwakilan genre lainnya adalah M. Pla, A. Guerrero, A. Esteve i Grimau, B. de Lacerna, J. Valledor. Dalam banyak kasus, para komposer sendiri yang menulis libretto untuk tonadilla.

Di Prancis, genre berkembang dengan nama komik opera(fr. - opera komik). Itu berasal dari parodi satir dari "opera besar". Berbeda dengan garis perkembangan Italia, di Prancis genre ini awalnya dibentuk oleh penulis naskah, yang mengarah pada kombinasi nomor musik dengan dialog sehari-hari. Jadi, J.J. Rousseau dianggap sebagai penulis komik opera Prancis pertama ( dukun desa, 1752). Dramaturgi musik opera komik dikembangkan dalam karya komposer E. Duny, F. Philidor. Di era pra-revolusioner, opéra comique memperoleh orientasi romantis, jenuh dengan perasaan serius dan konten topikal (komposer P. Monsigny, A. Gretry).

Di Inggris, ragam opera komik nasional disebut opera balada dan dikembangkan terutama dalam genre sindiran sosial. Pola klasik - Opera Pengemis(1728) oleh komposer J. Pepush dan penulis drama J. Gay, yang menjadi parodi jenaka dari adat istiadat aristokrasi Inggris. Di antara komposer Inggris lainnya yang bekerja dalam genre opera balada, yang paling terkenal adalah Ch.Coffey, yang karyanya memiliki pengaruh serius terhadap perkembangan genre di Jerman. .

Varietas opera komik Jerman dan Austria memiliki nama yang sama singspiel(Jerman Singspiel, dari singen - bernyanyi dan Spiel - game). Namun, Singspiel Jerman dan Austria memiliki karakteristiknya sendiri. Jika di Jerman genre dibentuk di bawah pengaruh opera balada Inggris, di Austria dipengaruhi oleh commedia dell'arte Italia dan opera comique Prancis. Ini karena orisinalitas budaya ibu kota Austria, Wina, yang pada abad ke-18 telah menjadi ibu kota Austria. sebuah pusat internasional tempat seni musik dari berbagai bangsa disintesis. Singspiel Austria, tidak seperti yang Jerman, bersama dengan bait dan nomor balada, mencakup bentuk-bentuk opera besar: arias, ansambel, final yang dikembangkan dengan baik. Bagian orkestra juga mendapat lebih banyak perkembangan dalam singspiel Austria. Komposer Singspiel yang paling terkenal adalah J. Shtandfuss, J. A. Giller, V. Müller, K. Dietersdorf dan lain-lain.

Transformasi genre.

Pada akhir abad ke-18 perkembangan genre komik opera nasional dalam bentuknya yang "murni" mulai menurun. Namun atas dasar mereka, prinsip-prinsip baru dari beberapa jenis seni musik dan hiburan dibentuk sekaligus. Dan di sini peran utama kembali menjadi milik sekolah musik Wina.

Di satu sisi, opera komik pada umumnya dan singspiel pada khususnya berkontribusi pada reformasi seni opera klasik, di mana W. A. ​​​​Mozart memainkan peran yang sangat besar. Mengikuti jalur pembaruan internal dan sintesis dari bentuk musik sebelumnya, Mozart menciptakan konsep opera sendiri, memperkaya skema singspiel dan opera buffa yang agak sederhana, memperkenalkan persuasif psikologis, motif realistis ke dalamnya, dan juga melengkapinya dengan musikal. bentuk opera serius. Jadi, Pernikahan Figaro(1786) secara organik menggabungkan bentuk opera buffa dengan konten realistis; Don Juan(1787) menggabungkan komedi dengan suara tragis yang nyata; seruling ajaib(1791) mencakup berbagai genre musik dalam singspiel klasik: ekstravaganza, paduan suara, fugue, dll.

Sejalan dengan Mozart dan dengan prinsip yang sama di Austria, revisi opera yang inovatif dilakukan oleh J. Haydn ( keteguhan sejati, 1776; dunia bulan, 1977; Jiwa seorang filsuf, 1791). Gema singspiel terdengar jelas di satu-satunya opera karya L. van Beethoven Fidelio (1805).

Tradisi Mozart dan Haydn dipahami dan dilanjutkan dalam karya komposer Italia G.A. Rossini (dari Surat promes untuk pernikahan, 1810, sebelumnya Tukang cukur Sevilla, 1816, dan Cinderella, 1817).

Cabang lain dari perkembangan opera komik dikaitkan dengan kemunculan dan pembentukan sekolah operet klasik Wina. Jika di abad ke-18 varietas opera komik sering disebut operet (Operet Italia, Opérette Prancis, lit. - opera kecil), kemudian pada abad ke-19. itu telah menjadi genre independen yang terpisah. Prinsip-prinsipnya dibentuk di Prancis, oleh komposer J. Offenbach, dan dibentuk di teater Bouffe-Parisien miliknya.

Operet klasik Wina dikaitkan terutama dengan nama I. Strauss (putra), yang datang ke genre ini terlambat, pada dekade kelima hidupnya, ketika dia sudah menjadi penulis terkenal dunia dari banyak waltz klasik. Operet Strauss dicirikan oleh kekayaan melodi dan variasi bentuk musik, orkestrasi yang indah, motif simfoni yang mendetail dari episode tarian, dan ketergantungan yang mantap pada musik rakyat Austro-Hungaria. Dalam semua ini, tidak diragukan lagi, tradisi opera komik dibaca. Namun, dalam perkembangan operet sebagai genre, penekanan utama ditempatkan pada keterampilan musik dan pertunjukan (baik orkestra maupun vokal-koreografi). Baris teks dramaturgi, yang berhasil dikembangkan dalam opera balada Inggris dan opera komik Prancis, menjadi sia-sia dan merosot menjadi kerajinan dramatis primitif - libretto. Dalam hal ini, dari 16 operet yang ditulis oleh Strauss, hanya tiga yang bertahan dalam repertoar teater di masa-masa berikutnya: Kelelawar, Malam di Venesia Dan baron gipsi. Dengan libretto skematis, atribusi tradisional operet ke genre hiburan ringan juga terhubung.

Keinginan untuk mengembalikan kedalaman dan volume ke teater musikal sintetik dan spektakuler menyebabkan pembentukan dan perkembangan lebih lanjut genre musik, di mana dramaturgi tekstual, plastik, dan musikal ada dalam satu kesatuan yang tidak terpisahkan, tanpa tekanan yang berlaku dari salah satu dari mereka.

Opera komik di Rusia.

Perkembangan teater musikal di Rusia hingga sepertiga terakhir abad ke-18. didasarkan pada seni Eropa Barat. Secara khusus, ini difasilitasi oleh kecenderungan khusus Catherine II pada seniman "asing". Jika di teater drama Rusia saat ini nama penulis naskah domestik A. Sumarokov, M. Kheraskov, Y. Knyaznin, D. Fonvizin dan lain-lain sudah terkenal, maka penampilan rombongan balet dan opera hanya berdasarkan karya. dari penulis asing. Bersama dengan grup amatir dan profesional Rusia, opera komik Prancis dan penggemar opera Italia diundang untuk tur di teater pengadilan oleh Sekretaris Kabinet Catherine II, Ivan Elagin, yang bertanggung jawab atas teater "negara bagian". Hal ini sebagian besar disebabkan oleh kepentingan ekstra-teater dari para abdi dalem berpengaruh Catherine II (Pangeran Potemkin, Pangeran Bezborodko, dll.): pada saat itu dianggap baik untuk berselingkuh dengan aktris asing.

Dengan latar belakang tersebut, pembentukan sekolah opera Rusia dan sekolah komposer sekuler dimulai dengan pembentukan opera komik nasional. Jalan ini sangat alami: itu adalah opera komik, karena sifatnya yang pada dasarnya demokratis, yang memberikan peluang maksimal untuk perwujudan kesadaran diri bangsa.

Penciptaan opera komik di Rusia dikaitkan dengan nama komposer V. Pashkevich ( Masalah dari gerbong, 1779; Pelit, 1782), E. Fomina ( Kusir dalam pengaturan, atau permainan secara kebetulan, 1787; orang Amerika, 1788), M. Matinsky ( St. Petersburg Gostiny Dvor, 1782). Musiknya didasarkan pada melodi lagu-lagu Rusia; interpretasi panggung dicirikan oleh pergantian nyanyian resitatif dan melodi yang bebas, perkembangan realistis yang hidup dari karakter rakyat dan kehidupan sehari-hari, elemen sindiran sosial. Opera komik paling populer Melnik - seorang penyihir, penipu dan mak comblang ke libretto oleh penulis naskah A. Ablesimov (komposer - M. Sokolovsky, 1779; dari 1792 dibawakan dengan musik E. Fomin). Belakangan, opera komik Rusia (serta varietas Eropanya) dilengkapi dengan motif liris dan romantis (komposer K. Kavos - Ivan Susanin,Nikitich,burung api dan sebagainya.; A.Verstovsky - Pan TVardovsky,Makam Askold dan sebagainya.).

Opera komik Rusia menandai awal pembentukannya pada abad ke-19. dua arah teater musikal dan hiburan nasional. Yang pertama adalah opera Rusia klasik, yang perkembangan pesatnya disebabkan oleh bakat M. Glinka, A. Dargomyzhsky, M. Mussorgsky, A. Borodin, N. Rimsky-Korsakov, P. Tchaikovsky, dan lainnya. Namun, cabang seni musik ini hanya menyisakan sedikit fitur dari genre aslinya: ketergantungan pada melodi rakyat dan episode komedi individu. Secara keseluruhan, opera Rusia secara organik memasuki tradisi dunia umum opera klasik.

Arah kedua dengan lebih jelas mempertahankan ciri-ciri khusus komedi. Ini adalah vaudeville Rusia, di mana dialog dan aksi menghibur, dibangun di atas intrik yang lucu, dipadukan dengan musik, syair, dan tarian. Dalam arti tertentu, vaudeville Rusia dapat dianggap sebagai semacam "genre ringan" dari operet Eropa, tetapi ia memiliki ciri khasnya sendiri. Basis dramatis vaudeville bukanlah libretto, tetapi drama yang dibuat dengan baik. Katakanlah, salah satu penulis vaudeville Rusia pertama adalah A. Griboyedov ( Keluarga sendiri, atau pengantin yang sudah menikah, bekerja sama dengan A. Shakhovsky dan N. Khmelnitsky, 1817; Siapa saudara laki-laki, siapa saudara perempuan, atau Penipuan demi penipuan, bekerja sama dengan P. Vyazemsky, 1923). A. Pisarev bekerja dalam genre vaudeville, kemudian - F. Koni, D. Lensky (vaudeville-nya Lev Gurych Sinichkin dipentaskan hingga hari ini), V. Sollogub, P. Karatygin, dan lainnya. Jadi, dasar vaudeville Rusia bukanlah musik, tetapi dramaturgi sastra, sedangkan musik diberi peran tambahan dalam bait sisipan. Di paruh kedua abad ke-19 A. Chekhov memberikan kontribusinya pada pengembangan vaudeville ( Beruang,Menawarkan,Peringatan tahunan,Pernikahan dll.), mengeluarkannya dari kerangka statis genre dan memperkaya karakter karakter.

Pada awal abad ke-20, upaya untuk mengembangkan genre opera komik berdasarkan kombinasi tradisi operet dengan perkembangan psikologis karakter yang mendetail dilakukan di Rusia pada awal abad ke-20, termasuk oleh Teater Seni Moskow. . Jadi, V. Nemirovich-Danchenko pada tahun 1919 menciptakan Studio Musik (Opera Komik) dan mementaskan Teater Seni Moskow dengan para aktornya putri Ango Lecoq dan perichole Offenbach, diputuskan sebagai "penggemar melodrama". Di awal tahun 20-an, Nemirovich-Danchenko mementaskan opera komik di sini Lysistrata Aristophanes, 1923; Carmencita dan tentara, 1924.

Di zaman Soviet, yang memproklamasikan realisme sosialis sebagai prinsip utama seni, definisi genre "operet" yang sembrono semakin ditutupi oleh "komedi musik" yang netral. Faktanya, dalam kerangka istilah umum ini, ada banyak variasi - dari operet klasik hingga vaudeville klasik; dari pendekatan jazz ke musikal hingga opera zong Brechtian; bahkan "komedi yang menyedihkan", dll.

Minat seniman drama Rusia pada teater musikal selalu sangat besar: mereka tertarik dengan kesempatan untuk mencoba genre baru, untuk mengungkapkan kemampuan vokal dan plastik mereka. Pada saat yang sama, genre musik sintetik tidak diragukan lagi sangat menarik: sekolah akting tradisional Rusia secara konsisten memupuk psikologi, yang tidak terlalu wajib untuk operet atau vaudeville. Penghancuran "Tirai Besi" dan sosialisasi dengan aliran budaya global memberi Rusia peluang baru untuk pengembangan genre musik sintetik, yang telah menaklukkan seluruh dunia saat itu. Dan saat ini, hanya sedikit orang yang mengingat bahwa sejarah genre musik paling populer di dunia dimulai pada paruh pertama abad ke-18. dari opera komik.

Tatyana Shabalina

Opera adalah genre teater vokal dari musik klasik. Berbeda dengan teater drama klasik, para aktornya yang juga tampil dikelilingi pemandangan dan kostum tidak berbicara, melainkan bernyanyi di sepanjang jalan. Aksinya dibangun di atas teks yang disebut libretto, dibuat atas dasar karya sastra atau khusus untuk opera.

Italia adalah tempat kelahiran genre opera. Pertunjukan pertama diselenggarakan pada tahun 1600 oleh penguasa Florence, Medici, pada pernikahan putrinya dengan raja Prancis.

Ada sejumlah varietas genre ini. Opera serius muncul pada abad ke-17 dan ke-18. Keunikannya adalah daya tarik plot dari sejarah dan mitologi. Plot dari karya-karya semacam itu sangat jenuh dengan emosi dan kesedihan, ariasnya panjang, dan pemandangannya sangat indah.

Pada abad ke-18, penonton mulai bosan dengan keangkuhan yang berlebihan, dan genre alternatif muncul, opera komik yang lebih ringan. Ini ditandai dengan jumlah aktor yang terlibat lebih sedikit dan teknik "sembrono" yang digunakan dalam arias.

Di penghujung abad yang sama, lahirlah opera semi serius yang memiliki karakter campuran antara genre serius dan komik. Karya yang ditulis dengan nada ini selalu memiliki akhir yang bahagia, tetapi plotnya sendiri tragis dan serius.

Berbeda dengan varietas sebelumnya yang muncul di Italia, apa yang disebut grand opera lahir di Prancis pada usia 30-an abad ke-19. Karya-karya genre ini terutama dikhususkan untuk tema sejarah. Selain itu, struktur 5 babak menjadi ciri khas, salah satunya adalah tarian dan banyak pemandangan.

Balet opera muncul di negara yang sama pada pergantian abad 17-18 di istana kerajaan Prancis. Pertunjukan dalam genre ini dibedakan oleh plot yang tidak koheren dan produksi yang penuh warna.

Prancis juga merupakan tempat kelahiran operet. Sederhana artinya, isinya menghibur, karya dengan musik ringan dan pemeran kecil aktor mulai dipentaskan pada abad ke-19.

Opera romantis berasal dari Jerman pada abad yang sama. Ciri khas utama dari genre ini adalah plot romantis.

Opera paling populer di zaman kita termasuk La Traviata oleh Giuseppe Verdi, La bohème oleh Giacomo Puccini, Carmen oleh Georges Bizet dan, dari opera domestik, Eugene Onegin oleh P.I. Tchaikovsky.

pilihan 2

Opera adalah bentuk seni yang mencakup kombinasi musik, nyanyian, pertunjukan, akting yang terampil. Selain itu, pemandangan digunakan dalam opera, mendekorasi panggung untuk menyampaikan kepada penonton suasana di mana aksi ini berlangsung.

Selain itu, untuk pemahaman spiritual penonton terhadap adegan yang dimainkan, tokoh utama di dalamnya adalah aktris penyanyi, ia dibantu oleh sebuah band kuningan yang dipimpin oleh seorang konduktor. Jenis kreativitas ini sangat dalam dan beragam, pertama kali muncul di Italia.

Opera mengalami banyak perubahan sebelum sampai pada kita dalam gambar ini, dalam beberapa karya ada saat-saat dia bernyanyi, menulis puisi, tidak dapat melakukan apa pun tanpa penyanyi yang mendikte kondisinya kepadanya.

Kemudian tibalah saatnya ketika tidak ada yang mendengarkan teks sama sekali, semua penonton hanya melihat ke arah penyanyi dan pakaian yang indah. Dan pada tahap ketiga, kami mendapatkan jenis opera yang biasa kami lihat dan dengar di dunia modern.

Dan baru sekarang kami telah memilih prioritas utama dalam aksi ini, namun musik didahulukan, kemudian aria aktor, dan baru kemudian teks. Lagipula, dengan bantuan seorang aria, kisah para pahlawan dalam drama itu diceritakan. Dengan demikian, aria utama para aktornya sama dengan monolog dalam dramaturgi.

Namun selama aria, kami juga mendengar musik yang sesuai dengan monolog ini, memungkinkan kami untuk lebih jelas merasakan keseluruhan aksi yang dimainkan di atas panggung. Selain aksi-aksi tersebut, ada juga opera yang seluruhnya dibangun di atas pernyataan yang lantang dan tulus dipadukan dengan musik. Monolog semacam itu disebut resitatif.

Selain aria dan resitatif, ada paduan suara dalam opera, yang dengannya banyak garis aktif ditransmisikan. Ada juga orkestra dalam opera, tanpanya opera tidak akan seperti sekarang ini.

Memang, berkat orkestra, musik yang sesuai terdengar, yang menciptakan suasana tambahan dan membantu mengungkapkan keseluruhan makna dari drama tersebut. Jenis seni ini berasal dari akhir abad ke-16. Opera berasal dari Italia, di kota Florence, tempat mitos Yunani kuno dipentaskan untuk pertama kalinya.

Sejak pembentukannya, plot mitologis terutama digunakan dalam opera, kini repertoarnya sangat luas dan beragam. Pada abad ke-19, kesenian ini mulai diajarkan di sekolah-sekolah khusus. Berkat pelatihan ini, dunia telah melihat banyak orang terkenal.

Opera ditulis berdasarkan berbagai drama, novel, cerita pendek, dan drama yang diambil dari literatur semua negara di dunia. Setelah naskah musik ditulis, itu dipelajari oleh konduktor, orkestra, paduan suara. Dan para aktor mengajarkan teksnya, lalu menyiapkan pemandangan, melakukan latihan.

Dan sekarang, setelah karya semua orang ini, sebuah pertunjukan opera lahir untuk ditonton, yang dilihat banyak orang.

• Vasily Zhukovsky - laporan pesan

  Vasily Andreevich Zhukovsky, salah satu penyair terkenal abad ke-18 ke arah sentimentalisme dan romantisme, cukup populer pada masa itu.

  Saat ini, masalah pelestarian ekologi planet kita sangat akut. Kemajuan teknologi, pertumbuhan populasi bumi, perang terus-menerus dan revolusi industri, transformasi alam dan perluasan ecumene tak terelakkan