Lapin I.L., Golubovich N.V.: Sastra Asing. sastra abad ke-17
Sastra asing abad 17 - 18abad ke-17 dalam perkembangan sastra dunia.
Proses kesusastraan di Eropa pada abad ke-17 sangat kompleks dan kontradiktif. Abad ke-17 adalah era yang menandai peralihan dari Renaisans ke Pencerahan, dan ini menentukan ciri-ciri perkembangan sejarah dan budaya di negara-negara Eropa, posisi reaksi Katolik feodal diperkuat, dan ini menyebabkan krisis humanisme Renaisans, paling kuat diekspresikan dalam seni barok.
Barok sebagai gaya terbentuk tidak hanya dalam sastra, tetapi juga dalam seni lukis dan musik. Sebagai tren sastra, Baroque memiliki sejumlah prinsip filosofis dan artistik yang umum.
Barok didasarkan pada konsep polemik manusia dalam kaitannya dengan tradisi Renaisans. Makhluk yang lemah dan rapuh, seseorang, seperti yang diyakini oleh para penulis Barok, ditakdirkan untuk mengembara dalam kekacauan hidup yang tragis. Konsepsi yang sangat pesimis tentang keberadaan mengarahkan literatur barok ke cita-cita religius pertapa.
Barok menciptakan teori seni elitis, menegaskan gaya ornamen metaforis khusus. Berdasarkan gagasan ketidakharmonisan dunia, para penulis Barok, mencoba mengungkapkan gagasan ketidakharmonisan dalam sistem kiasan karya itu sendiri, terbawa oleh kontras semantik dan bergambar. Prinsip-prinsip Barok paling jelas diwujudkan dalam karya penulis drama besar Spanyol P. Calderon.
Di barok Eropa, dua arus terbentuk - tinggi dan akar rumput, atau demokratis, barok. Untuk ide-ide elitis, retorika luhur dari barok tinggi, diwakili oleh teater P. Calderon, puisi L. de Gongora, D. Donne, novel pastoral dan gagah-heroik, barok akar rumput menentang gaya komik olok-olok, yang dalam banyak hal secara sadar memparodikan citra luhur (kecenderungan ini paling jelas diekspresikan dalam novel picaresque abad ke-17).
Tren sastra lain dari abad ke-17 adalah klasisisme, yang berkembang pesat di Prancis. Harus diingat bahwa asal usul klasisisme kembali ke estetika Renaisans, yang menciptakan kultus zaman kuno sebagai fokus cita-cita artistik. Klasisisme mencerminkan kebangkitan kesadaran nasional masyarakat Prancis. Pada sepertiga pertama abad ke-17, monarki absolut didirikan di Prancis, yang mengarah pada penghapusan perselisihan sipil feodal dan pembentukan satu negara terpusat. Proses progresif secara historis ini menciptakan prasyarat obyektif untuk perkembangan klasisisme. Gagasan R. Descartes, pencipta aliran filosofis rasionalis, berdampak besar pada estetika klasisisme.
Dalam perkembangannya, klasisisme abad ke-17 melewati dua tahap utama. Pada paruh pertama abad ke-17, ia menegaskan gagasan luhur kewarganegaraan dan kepahlawanan, yang tercermin dalam tragedi politik P. Corneille.
Di paruh kedua abad ke-17, setelah peristiwa tragis Fronde, motif tragis semakin dalam di klasisisme. Klasisisme menciptakan teori estetika yang koheren, yang diselesaikan dalam risalah "Seni Puisi" N. Boileau. Kaum klasik mengembangkan teori seni normatif, termasuk perbedaan yang jelas antara kanon genre dan gaya yang "tinggi" dan "rendah". Sikap rasionalis menentukan konsep manusia, ciri-ciri konflik dalam karya-karya klasik. Pada saat yang sama, kaum klasik mempertahankan prinsip "meniru alam", "kemungkinan yang masuk akal", yang memungkinkan mereka untuk menciptakan kembali ciri khas kehidupan sosial abad ke-17 dalam karya mereka.
^
Abad XVII dalam perkembangan sastra dunia
Renaissance sulit dipisahkan dari sejarah dan budaya abad ke-17. Pada awal abad ke-17, tokoh-tokoh Renaisans terus diciptakan. Transisi antar era sangat mulus dan berlangsung selama beberapa generasi. Hal yang sama terjadi di batas atas periode. XVII - Abad XVIII - era fundamental bagi perkembangan budaya Eropa modern. Di era ini, negara tipe modern diciptakan. Di Prancis, di bawah pengaruh budaya klasisisme, tercipta norma-norma sastra dan bahasa yang berakar hingga abad ke-20. Gerakan Pencerahan dan literatur rasionalis memiliki fungsi pengaturan yang serupa di Inggris.
Renaissance adalah era optimisme sosial, penemuan alam semesta dan kemampuan manusia. Sistem sosial menjadi lebih dinamis, kemungkinan kepribadian dan takdir manusia terbuka. Ada kepercayaan untuk mengatasi kendala sosial di berbagai daerah. Cita-cita pria Renaisans secara tipologis serupa dalam budaya yang berbeda. Cita-cita universal mewujudkan trinitas keindahan, kebaikan, dan kebenaran. Namun di akhir Renaisans, di abad ke-16, cita-cita ini mulai terguncang. Di abad XVI ada perang agama, perjuangan negara untuk koloni, persaingan di arena Eropa. Satu budaya Eropa sedang diguncang. Pengaruh generalisasi asal Latin hilang. Budaya nasional muncul, dan berbagai jenis negara diciptakan: borjuis (revolusi di Belanda dan Inggris), yang muncul sebagai hasil dari proses feodalisasi ulang, kembali ke hubungan sosial lama (Spanyol, Jerman, Italia). Di Jerman, "absolutisme kerdil" berkuasa, negara berada dalam keadaan terpecah belah. Situasi diperparah dengan Perang Tiga Puluh Tahun yang terjadi pada abad ke-16. Di Prancis, ada gerakan bertahap menuju kapitalisme. Prancis pada masa itu adalah salah satu kekuatan Eropa terkemuka. Dia dianggap klasik untuk sastra zaman itu. Ini paling jelas memanifestasikan kecenderungan sentralisasi: perbedaan regional menghilang, pusat menguat, satu sistem hukum dan budaya diciptakan - dan absolutisme (peran eksklusif kekuasaan kerajaan).
Pada abad ke-17, konsep kekuasaan muncul. Kekuasaan menjadi kekuatan transpersonal yang tidak dapat dikendalikan. Filsuf Inggris Hobbes membayangkan negara dalam bentuk monster Leviathan, yang mengendalikan segalanya, membutuhkan ketundukan dan bertindak dengan cara yang keras. Ada penyatuan hidup yang lengkap, tunduk pada raja. Kategori pengelolaan menjadi yang terdepan di zaman itu. Di Eropa, ada ritual yang mengontrol kehidupan budaya dan sosial, etiket diperkenalkan. Di era Louis XIV, etiket dilebih-lebihkan. Kontrol negara yang kaku menjadi kekuatan yang membatasi. Revolusi terjadi, diikuti oleh kediktatoran dan pemulihan monarki selanjutnya.
Selama abad ke-17, cita-cita agama baru sedang dibentuk. Ada pencarian akan Tuhan yang "pribadi", pendekatannya terhadap kehidupan sehari-hari. Borjuasi mengandaikan inisiatif pribadi. Perwujudan dari pencarian ini adalah Reformasi dalam manifestasi ekstrimnya (Puritanisme, Calvinisme). Sisi ritual dibuang dan keyakinan telanjang tetap ada. Postulat dasar Protestan adalah bukti individu bahwa Anda layak mendapatkan keselamatan ilahi. Muatan zamannya juga gerakan kontra reformasi yang terutama berkembang di Spanyol dan Italia. Menurut para kontra-reformis, Tuhan diturunkan ke alam semesta, dia bertindak sebagai kekuatan yang buta dan tidak rasional. Pembawa iman ini adalah Gereja, yang juga diturunkan ke kerajaan. Strategi ini diterapkan oleh ordo Jesuit, yang slogannya adalah “Tujuan menghalalkan cara”.
Abad ke-17 adalah titik balik, ketika nilai-nilai kemanusiaan berubah secara dahsyat. Simbol zaman ini adalah pencarian tanpa akhir, kepercayaan pada kategori irasional dan pemberontakan, kerusuhan atas keinginan sendiri. Pria zaman itu sedang mencari dukungan dalam pencarian. Dukungan ini menjadi alasan atau perasaan. Kebenaran, kebaikan, dan keindahan mulai ada secara terpisah satu sama lain. Akibatnya, muncul dua kecenderungan yang berlawanan: rasionalisme dan irasionalisme.
Gejala rasionalisme yang paling menonjol adalah kebangkitan ilmu pengetahuan. Dalam penelitian tentang empirisme, muncul masalah metode yang mendekatkan sains dengan sastra (Rene Descartes, Spinoza, Hobbes). Pencarian ilmiah ini menemukan kelanjutannya hingga abad ke-20.
Sisi sebaliknya dari pencarian ini adalah irasionalisme. Irasionalisme meragukan kemungkinan pengetahuan manusia. Dia berusaha mengidentifikasi area yang tidak diketahui, untuk menunjukkan keragaman dan permainan fenomena. Dalam irasionalisme, kategori konsep menonjol - konvergensi kategori yang berbeda, tetapi terkait secara mistis. Metafora berkembang dari konsep. Sastra era ini bersifat metaforis. Pilihan antara kebenaran tertentu tergantung pada keinginan sendiri.
Salah satu universal era ini adalah perasaan krisis, titik balik, penilaian ulang cita-cita Renaisans. Sastra zaman itu bersifat polemik dan propaganda. Cita-cita Renaisans adalah mencoba memulihkan atau menyangkalnya. Ada juga penolakan terhadap prinsip kerukunan. Pada abad ke-17, ada instalasi pada kategori dominan. Dialektika ditentukan oleh kesatuan dan perjuangan yang berlawanan: interaksi akal dan perasaan, kepribadian dan masyarakat. Era Barok tertarik pada proses pribadi. Humanisme sedang berubah - menjadi "humanisme terlepas dari". Nilai seseorang tidak ditentukan pada awalnya, itu diperoleh. Fitur lain dari era ini adalah analitik, pendekatan penelitian. Sebuah metode dikembangkan untuk memotong-motong realitas menjadi detail dan kombinasinya yang tidak terduga. Era ini mengupayakan panorama epik yang luas. Para penulis menekankan sentralisasi gagasan. Berkat penemuan ide tersebut, terjadi interaksi antara jurnalistik dan kreativitas seni. Gagasan dalam teks sastra diungkapkan melalui pathos dan logika. Logika mengatur komposisi, hubungan bagian-bagian. Salah satu isu utama zaman ini adalah kebenaran dan kredibilitas. Ada pencarian kriteria kebenaran.
^
Sastra barok (gambaran umum).
Penulis dan penyair di era Barok menganggap dunia nyata sebagai ilusi dan mimpi. Deskripsi realistis sering digabungkan dengan penggambaran alegorisnya. Simbol, metafora, teknik teatrikal, gambar grafik (baris puisi membentuk gambar), saturasi dengan tokoh retoris, antitesis, paralelisme, gradasi, oxymoron banyak digunakan. Ada sikap olok-olok-satir terhadap kenyataan. Sastra barok dicirikan oleh keinginan akan keragaman, untuk penjumlahan pengetahuan tentang dunia, inklusivitas, ensiklopedis, yang terkadang berubah menjadi kekacauan dan mengumpulkan keingintahuan, keinginan untuk mempelajari keberadaan dalam kontrasnya (roh dan daging, kegelapan dan cahaya, waktu dan keabadian). Etika barok ditandai dengan keinginan akan simbolisme malam, tema kelemahan dan ketidakkekalan, mimpi hidup (F. de Quevedo, P. Calderon). Drama Calderon "Hidup adalah mimpi" terkenal. Genre seperti novel gagah-heroik (J. de Scudery, M. de Scudery), novel kehidupan nyata dan satir (Furetière, C. Sorel, P. Scarron) juga berkembang. Dalam kerangka gaya Barok lahirlah ragam dan arahnya: Marinisme, Gongorisme (Culteranisme), Konsepisme (Italia, Spanyol), Aliran Metafisika dan Eufuisme (Inggris) (Lihat Sastra Precise).
Tindakan novel sering dipindahkan ke dunia fiksi kuno, ke Yunani, angkuh istana dan wanita digambarkan sebagai gembala dan gembala, yang disebut pastoral (Honoré d'Urfe, "Astrea"). Puisi berkembang dengan kepura-puraan, penggunaan metafora yang rumit. Bentuk umum seperti soneta, rondo, concetti (puisi pendek yang mengungkapkan pemikiran jenaka), madrigal.
Di barat, di bidang novel, perwakilan yang menonjol adalah G. Grimmelshausen (novel "Simplicissimus"), di bidang drama - P. Calderon (Spanyol). V. Voiture (Prancis), D. Marino (Italia), Don Luis de Gongora y Argote (Spanyol), D. Donne (Inggris) menjadi terkenal dalam puisi. Di Rusia, sastra Barok termasuk S. Polotsky, F. Prokopovich. Di Prancis, "sastra berharga" berkembang selama periode ini. Itu kemudian dibudidayakan terutama di salon Madame de Rambouillet, salah satu salon aristokrat Paris, yang paling modis dan terkenal. Di Spanyol, tren barok dalam sastra disebut "gongorisme" setelah nama perwakilan yang paling menonjol (lihat di atas).
sastra barok (ciri-ciri umum).
universal era muncul dalam barok dan klasisisme. Dalam sastra Eropa, klasisisme disajikan sebagai versi barok yang disederhanakan, dalam sastra Rusia, barok dan klasisisme dianggap sebagai gerakan artistik yang berbeda. Namun dalam karya seorang penulis, kedua tren ini bisa menyatu. Di Spanyol, barok menempati posisi dominan. Estetika dan puisinya dikembangkan oleh perwakilan sekolah Lope de Vega. Klasisisme di sana hanya berkembang secara teoritis. Di Inggris, tidak ada metode yang dominan, karena tradisi Renaisans kuat di sana. Hanya pada pertengahan abad fitur klasisistik tumbuh dalam seni Inggris (teori Ben Jonson), tetapi tidak berakar di negara ini. Barok akar rumput berkembang di Jerman, genre yang disukai adalah drama berdarah dan novel picaresque. Klasisisme menjadi metode fundamental di Prancis, tetapi kecenderungan Barok juga muncul di sini. Selain klasik, ada juga literatur salon, puisi libertine.
Barok diwujudkan tidak hanya dalam sastra. Awalnya, itu menonjol dalam arsitektur (karya Bernini, air mancur Versailles). Dalam musik, barok diwakili oleh karya Bach dan Handel, dalam lukisan oleh Titian dan Caravaggio, dalam sastra oleh Jean-Baptiste Marino dan Calderon. Barok terkait erat dengan Renaisans. Yu.B. Wipper berbicara tentang Mannerisme, humanisme tragis di akhir Renaisans. Ini adalah jalan keluar ke ruang alegoris dengan konflik filosofis yang menunjukkan keyakinan pada manusia dan tragedi keberadaan manusia.
Kata "baroque" sendiri tidak memiliki penjelasan yang pasti. Istilah ini mengacu pada berbagai fenomena. Barok, menurut definisi, tidak memiliki kanon. Kanon bersifat individual, keragaman berkuasa di sini.
Pengaturan pandangan dunia Baroque:
1. Merasakan sifat dunia yang kontradiktif, kurangnya bentuk yang mapan, perjuangan tanpa akhir. Tugas penulis adalah menangkap realitas dalam variabilitasnya.
2. Nada emosi yang pesimistis. Itu berasal dari fragmentasi, dualitas dunia. Dalam literatur tren ini, motif ganda sering ditemukan.
3. Motif utama - perjuangan daging dan roh, yang terlihat dan yang nyata. Tema favorit adalah perjuangan hidup dan mati. Penulis Barok sering menggambarkan seseorang di negara bagian perbatasannya (tidur, sakit, gila, pesta selama wabah).
4. Teater, permainan, eksperimen para pahlawan dengan kehidupan, sikap hormat terhadap kegembiraan duniawi, mengagumi hal-hal kecil dalam hidup. Karya Baroque menampilkan kaleidoskop kehidupan.
5. Pahlawan barok adalah seorang individualis yang lengkap. Ini adalah makhluk yang cerdas, tetapi pada awalnya ganas yang perlu menebus dosa-dosanya, atau orang yang awalnya baik hati, tetapi dirusak oleh keadaan hidup. Tipe pahlawan kedua berusaha melarikan diri dari dunia baik ke dalam kreativitas atau dengan menciptakan utopia kehidupan.
Estetika Barok diuraikan dalam risalah Wit or the Art of a Quick Mind (Balthasar Grassian) dan Spyglass Aristoteles (Emmanuel Tesauro). Seni dari sudut pandang Baroque adalah kreativitas subyektif. Itu tidak mengungkapkan kebenaran, tetapi menciptakan ilusi, menuruti keinginan penulis. Tugas penulis adalah transformasi realitas. Pelarian pikiran harus dibesar-besarkan. Penulis Barok tertarik pada segala sesuatu yang tidak biasa. Berkenalan dengan yang belum pernah terjadi sebelumnya, pembaca bisa terkejut. Alat artistik utama adalah metafora. Metafora bersinggungan dengan amplifikasi - berlebihan. Objek yang sama diputar dari sisi yang berbeda.
^
Fitur sastra Inggris abad ke-17.
Paruh pertama abad ke-17 ditandai di Inggris dengan maraknya puisi barok, yang terutama diwakili oleh sekolah penyair metafisik. Salah satu penyair paling berbakat dari arah ini, yang membuka cakrawala baru puisi Eropa di zaman modern, adalah John Donne (1572 - 1631), yang karyanya direkomendasikan untuk berkenalan dengan siswa. Revolusi borjuis Inggris (1640-1650) memiliki pengaruh yang menentukan perkembangan sastra Inggris pada abad ke-17. Itu diadakan di bawah slogan-slogan agama Puritan, yang menentukan kekhasan pemikiran artistik pada zaman itu.
Perhatian utama dalam kajian sastra Inggris abad ke-17 harus diberikan pada karya D. Milton (1608 - 1674). Seorang humas revolusioner yang luar biasa, Milton merefleksikan dalam puisinya konflik politik paling mendesak di zaman kita. Puisinya "Paradise Lost" merupakan upaya pemahaman sosio-filosofis tentang perkembangan dunia dan kemanusiaan secara keseluruhan. Dalam dunia artistik puisi, kecenderungan barok dan klasik digabungkan secara organik, yang harus diperhatikan saat menganalisisnya.
Kirim karya bagus Anda di basis pengetahuan itu sederhana. Gunakan formulir di bawah ini
Pelajar, mahasiswa pascasarjana, ilmuwan muda yang menggunakan basis pengetahuan dalam studi dan pekerjaan mereka akan sangat berterima kasih kepada Anda.
Dihosting di http://www.allbest.ru/
Sastra asing abad ke-17
Gerakan sastra besar
Abad ke-17 ditafsirkan hampir sepanjang paruh abad ke-20 sebagai "era klasisisme". Semua fenomena artistik yang muncul dari kategori klasisisme dianggap sebagai karya yang tidak sempurna secara artistik (dalam kritik sastra asing, par excellence), atau sebagai kreasi realistis, yang paling penting dalam perspektif perkembangan sastra (dalam kritik sastra Soviet). Gaya barok aneh yang muncul dalam sains Barat pada 30-40-an abad ke-20 dan semakin menyebar, termasuk kita, menghidupkan fenomena yang berlawanan, ketika abad ke-17 berubah menjadi "era Barok", dan klasisisme mulai muncul. dianggap sebagai varian seni barok di Prancis, sehingga belakangan ini studi tentang klasisisme mungkin membutuhkan lebih banyak usaha dan keberanian ilmiah daripada studi tentang barok.
Perhatian khusus harus diberikan pada masalah "realisme abad ke-17". Konsep ini sangat populer pada tahap tertentu dalam perkembangan kritik sastra dalam negeri: meskipun pada pertengahan 1950-an ada tuntutan yang diproklamasikan oleh para sarjana sastra terkemuka dan berwibawa untuk tidak menggunakan "realisme" sebagai konsep pelengkap dan evaluatif, namun demikian, para ahli melihat perkembangan sastra sebagai semacam "akumulasi" unsur-unsur realisme, dengan rela mengasosiasikan gerakan sastra demokratis, komik akar rumput dan sastra satir, dll. dengan kecenderungan realistis. Pernyataan bahwa dalam proses sastra abad ke-17, realisme berpartisipasi dalam satu atau lain bentuk. Kejujuran artistik, keaslian dan persuasif gambar, motif, konflik, dll. dicapai dan diwujudkan menurut hukum estetika lain daripada dalam realisme, sebuah fenomena sastra abad kesembilan belas.
Boroque dan Klasisisme
Dalam sains modern, sekarang diakui secara universal bahwa tren sastra utama abad ke-17 adalah Barok dan Klasisisme. Perkembangan mereka kontradiktif dan tidak merata, di antara puitis kecenderungan tersebut terdapat persamaan dan perbedaan, saling pengaruh dan kontroversi. Barok dan klasisisme menyebar ke berbagai tingkat di berbagai wilayah dan pada tahapan berbeda dalam era sejarah dan sastra itu.
Pertama-tama, mari kita membahas poin-poin penting dalam studi literatur barok. Penting untuk memahami etimologi kompleks dari istilah "barok": para ilmuwan memperdebatkannya dari awal tahun 30-an hingga pertengahan tahun 50-an abad kita. Juga harus diingat bahwa para penulis yang dirujuk sains saat ini pada gerakan Barok tidak mengetahui istilah ini (setidaknya sebagai sastra) dan tidak menyebut diri mereka penulis Barok. Kata "barok" sebagai istilah dalam sejarah seni rupa mulai diterapkan pada rentang tertentu fenomena artistik abad ke-17 hanya pada abad ke-18 berikutnya, dan dengan konotasi negatif. Jadi, dalam "Ensiklopedia" Pencerahan Prancis, kata "barok" digunakan dengan arti "aneh, aneh, hambar". Sulit untuk menemukan satu sumber bahasa untuk istilah ini, karena kata itu digunakan, dengan nuansa makna, dalam bahasa Italia, Portugis, dan Spanyol. Perlu ditekankan bahwa, meskipun etimologi tidak menguras makna modern dari konsep sastra ini, namun memungkinkan kita untuk menangkap beberapa ciri puisi barok (keanehan, keanehan, ambiguitas), berkorelasi dengannya, membuktikan bahwa lahirnya terminologi dalam sejarah sastra, meskipun kebetulan, tidak begitu saja, memiliki logika tertentu.
Desain barok sebagai konsep terminologis tidak berarti tidak ada poin yang dapat diperdebatkan dalam interpretasinya saat ini. Seringkali istilah ini menerima interpretasi yang berlawanan dari sejarawan budaya. Jadi, bagian tertentu dari peneliti memasukkan konten yang sangat luas ke dalam konsep "Baroque", melihat di dalamnya tahap berulang tertentu dalam perkembangan gaya artistik - tahap krisisnya, "penyakit", yang mengarah ke semacam kegagalan rasa. Ilmuwan terkenal G. Wölfflin, misalnya, mengontraskan seni Renaisans yang "sehat" dengan seni Barok yang "sakit". E. Ors membedakan apa yang disebut barok Helenistik, abad pertengahan, Romawi, dll. Berbeda dengan interpretasi ini, kebanyakan sarjana lebih memilih pemahaman sejarah tertentu dari istilah "Baroque". Penafsiran seni barok inilah yang paling tersebar luas dalam kritik sastra Rusia. Tetapi bahkan di antara para ilmuwan kita ada perbedaan dalam analisis puisi barok, diskusi tentang aspek-aspek tertentu dari teorinya.
Perlu Anda ketahui bahwa sejak lama penafsiran Barok di negara kita dipengaruhi oleh konsep sosiologis yang vulgar dan ideologis yang lugas. Hingga saat ini, seseorang dapat menemukan pernyataan dalam literatur bahwa seni Barok adalah seni Kontra-Reformasi, yang berkembang terutama di mana lingkaran bangsawan menang atas borjuasi, yang mengekspresikan aspirasi estetika bangsawan istana, dll. . Di balik ini adalah kepercayaan pada gaya "reaksioner" Barok: jika penulis tren ini dihargai karena kecanggihan formal gaya tersebut, mereka tidak dapat memaafkan mereka atas "inferioritas ideologis" mereka. Ini, rupanya, adalah arti dari definisi barok yang terkenal dalam buku teks S.D. Artamonova: "Baroque adalah anak yang sakit-sakitan, lahir dari ayah yang aneh dan ibu yang cantik." Jadi, untuk pemahaman yang benar-benar dalam dan benar tentang ciri-ciri sastra Barok, yang paling dibutuhkan bukanlah buku teks usang, tetapi penelitian ilmiah baru.
Mari kita coba mengkarakterisasi secara singkat parameter utama puisi barok, seperti yang muncul dalam studi ini, sebelum merekomendasikan literatur tambahan yang sesuai.
Pentingnya para ilmuwan, termasuk yang Rusia, pada tahap sekarang melekat pada budaya dan sastra Barok kadang-kadang mengarah pada pernyataan bahwa Barok "sama sekali bukan gaya, dan bukan arah." Penegasan semacam ini tampaknya menjadi polemik ekstrem. Barok, tentu saja, adalah gaya artistik dan gerakan sastra. Tetapi itu juga merupakan jenis budaya yang tidak meniadakan, tetapi mencakup arti sebelumnya dari istilah ini. Harus dikatakan bahwa kesedihan umum dari artikel oleh A.V. Mikhailov sangat penting, karena barok sangat sering dianggap sebagai gaya dalam arti kata yang sempit, yaitu. sebagai jumlah perangkat estetika formal.
Sikap pria barok terhadap dunia, barok sebagai sistem artistik masih dipelajari, tampaknya, semakin berkurang. Seperti yang dicatat oleh spesialis barok Swiss terkenal J. Rousset, "gagasan barok adalah salah satu ide yang luput dari perhatian kita, semakin dekat Anda memeriksanya, semakin sedikit Anda menguasainya." Sangat penting untuk memahami bagaimana tujuan dan mekanisme penciptaan artistik dipikirkan dalam Barok, apa puisinya, bagaimana kaitannya dengan pandangan dunia baru, menangkapnya. Tentu saja, AV benar. Mikhailov, yang menekankan bahwa Barok adalah budaya "kata siap", yaitu. budaya retoris yang tidak memiliki saluran langsung ke realitas. Tetapi gagasan tentang dunia dan manusia ini, yang melewati "kata yang sudah jadi", memungkinkan untuk merasakan pergeseran sosio-historis yang mendalam yang terjadi di benak seseorang pada abad ke-17, mencerminkan krisis dari pandangan dunia Renaisans. Penting untuk melacak bagaimana Mannerisme dan Barok berkorelasi atas dasar krisis ini, yang membuat Mannerisme masih menjadi bagian dari proses sastra sastra Renaisans akhir, dan Barok melampauinya, termasuk abad ke-17 dalam tahap sastra baru. Pengamatan yang memungkinkan seseorang merasakan perbedaan antara Mannerisme dan Barok ada di artikel bagus oleh L.I. Tanaeva "Beberapa Konsep Mannerisme dan Studi Seni Eropa Timur pada Akhir Abad 16 dan 17".
Dasar filosofis dari pandangan dunia Barok adalah gagasan tentang struktur antinomik dunia dan manusia. Dimungkinkan untuk membandingkan beberapa aspek konstruktif dari visi barok (perlawanan antara tubuh dan spiritual, tinggi dan rendah, tragis dan lucu) dengan persepsi dualistik abad pertengahan tentang realitas. Mari kita tekankan, bagaimanapun, bahwa tradisi sastra abad pertengahan termasuk dalam sastra barok dalam bentuk yang diubah dan berkorelasi dengan pemahaman baru tentang hukum keberadaan.
Pertama-tama, antinomi barok adalah ekspresi keinginan untuk secara artistik menguasai dinamika realitas yang kontradiktif, untuk menyampaikan dengan kata-kata kekacauan dan ketidakharmonisan keberadaan manusia. Kebukuan dunia seni Barok berasal dari gagasan yang diwarisi dari Abad Pertengahan tentang Semesta sebagai sebuah buku. Tetapi bagi orang barok, buku ini digambar sebagai ensiklopedia makhluk yang sangat besar, dan oleh karena itu karya sastra di barok juga berusaha menjadi ensiklopedia, menggambar dunia secara keseluruhan dan penguraian menjadi elemen-elemen yang terpisah - kata-kata, konsep. Dalam kreasi barok, orang dapat menemukan tradisi Stoicisme dan Epicureanisme, tetapi lawan ini tidak hanya bertarung, tetapi juga bertemu dalam pengertian hidup yang pesimistis. Sastra Barok mengungkapkan rasa ketidakkekalan, variabilitas, dan sifat ilusi kehidupan. Mewujudkan tesis "hidup adalah mimpi" yang sudah dikenal di Abad Pertengahan, Barok menarik perhatian terutama pada kerapuhan batas antara tidur" dan "hidup", pada keraguan terus-menerus seseorang apakah dia dalam keadaan tidur. atau bangun, kontras atau pemulihan hubungan yang aneh antara wajah dan topeng. , "menjadi" dan "tampak".
Tema ilusi, kemiripan, adalah salah satu yang paling populer dalam literatur barok, sering menciptakan kembali dunia sebagai teater. Harus diklarifikasi bahwa sandiwara Barok dimanifestasikan tidak hanya dalam persepsi dramatis naik turunnya kehidupan eksternal seseorang dan konflik internalnya, tidak hanya dalam konfrontasi antinomik antara kategori wajah dan topeng, tetapi dalam sebuah kecenderungan untuk semacam gaya artistik demonstratif, dekorasi dan kemegahan sarana visual, berlebihan. Itulah mengapa barok kadang-kadang disebut seni hiperbola, mereka berbicara tentang dominasi dalam puisi barok tentang prinsip pemborosan sarana artistik. Perhatian harus diberikan pada sifat polisemantik dunia dan bahasa, interpretasi multivariat dari gambar, motif, kata-kata dalam literatur barok. Di sisi lain, orang tidak boleh melupakan fakta bahwa barok menggabungkan dan mengekspresikan yang emosional dan rasional dalam puisi karya-karyanya, memiliki "pemborosan rasional" tertentu (S.S. Averintsev). Sastra barok tidak hanya tidak asing, tetapi secara organik melekat dalam didaktisisme yang mendalam, tetapi seni ini berusaha, pertama-tama, untuk menggairahkan dan mengejutkan. Itulah mengapa dimungkinkan untuk menemukan di antara karya sastra Barok yang fungsi didaktiknya tidak diekspresikan secara langsung, yang sangat difasilitasi oleh penolakan terhadap linearitas dalam komposisi, perkembangan konflik artistik (begitu spesifiknya labirin barok spasial dan psikologis muncul), sistem gambar bercabang yang kompleks, dan sifat metaforis bahasa.
Tentang kekhususan metafora dalam Baroque, kami menemukan pengamatan penting dalam Yu.M. Lotman: "... di sini kita dihadapkan pada fakta bahwa kiasan (batas yang memisahkan satu jenis kiasan dari yang lain memperoleh karakter yang sangat goyah dalam teks barok) bukanlah penggantian eksternal dari beberapa elemen rencana ekspresi dengan yang lain, tetapi cara membentuk struktur kesadaran khusus." Metafora dalam barok dengan demikian bukan sekadar sarana menghiasi narasi, tetapi sudut pandang artistik tertentu.
Penting juga untuk mempelajari fitur-fitur sistem genre barok. Genre paling berkarakter yang berkembang sejalan dengan tren sastra ini adalah puisi pastoral, pastoral dramatis dan romansa pastoral, lirik filosofis dan didaktik, satir, puisi olok-olok, novel komik, tragikomedi. Tetapi perhatian khusus harus diberikan pada genre seperti lambang: itu mewujudkan fitur paling penting dari puisi Barok, alegorisme dan ensiklopedisnya, kombinasi visual dan verbal.
Tidak diragukan lagi, seseorang harus menyadari arus ideologis dan artistik utama dalam gerakan Barok, tetapi perlu untuk memperingatkan terhadap interpretasi sosiologis yang sempit dari arus ini. Dengan demikian, pembagian sastra Barok menjadi "tinggi" dan "rendah", meskipun berkorelasi dengan konsep Barok "aristokrat" dan "demokratis", tidak sampai pada mereka: lagipula, paling sering daya tarik puisi dari sayap "tinggi" atau "akar rumput" dari Barok tidak ditentukan oleh posisi sosial penulis atau simpati politiknya, tetapi merupakan pilihan estetika, sering kali dipandu oleh tradisi genre, hierarki genre yang mapan, dan kadang-kadang secara sadar ditentang terhadap tradisi ini. Dapat dengan mudah dilihat dengan menganalisis karya banyak penulis Barok bahwa mereka kadang-kadang menciptakan karya "tinggi" dan "rendah" hampir bersamaan, dengan rela menggunakan plot "sekuler-aristokrat" dan "demokratis", diperkenalkan ke dalam sublim. Versi Barok dari dunia seni olok-olok, karakter yang diperkecil, dan sebaliknya. Jadi para peneliti yang merasa bahwa dalam Barok "kaum elitis dan kampungan merupakan sisi yang berbeda dari keseluruhan yang sama" benar sekali. Di dalam arah barok, seperti yang Anda lihat, ada pembagian yang lebih fraksional. Seseorang harus memiliki gambaran tentang ciri-ciri fenomena seperti kultus dan konsepisme di Spanyol, Marinisme di Italia, sastra Libertine di Prancis, dan puisi para ahli metafisika Inggris. Perhatian khusus harus diberikan pada konsep "presisi" yang diterapkan pada fenomena Barok di Prancis, yang ditafsirkan secara tidak benar baik dalam buku teks kita maupun dalam karya ilmiah. Secara tradisional, "ketepatan" dipahami oleh para ahli dalam negeri sebagai sinonim untuk literatur Barok "aristokrat". Sementara itu, studi Barat modern tentang fenomena ini tidak hanya mengklarifikasi akar sosio-historisnya (ketepatan tidak muncul di pengadilan-aristokrat, tetapi terutama di perkotaan, lingkungan bangsawan borjuis-salon), kerangka kronologis - pertengahan 40-an - 50-an XVII abad (jadi, misalnya, novel karya Jurfe "Astrea" (1607-1627) tidak dapat dianggap tepat), tetapi juga mengungkapkan kekhususan artistiknya sebagai jenis kreativitas klasik-barok khusus, berdasarkan kontaminasi prinsip-prinsip estetika. dari kedua arah.
Juga harus diingat tentang evolusi Barok sepanjang abad ke-17, tentang pergerakan relatifnya dari "materialitas" gaya yang diwarisi dari Renaisans, gambar dan warna detail empiris hingga penguatan generalisasi filosofis, citra simbolis dan alegoris. , intelektualitas dan psikologi halus (lih., misalnya, barok novel picaresque awal abad ketujuh belas di Spanyol dengan novel filosofis Spanyol abad pertengahan, atau prosa C. Sorel dan Pascal di Prancis, atau tulisan puitis dari Donne awal dengan puisi Milton di Inggris, dll.). Penting juga untuk merasakan perbedaan antara varian nasional Barok: gejolak khususnya, ketegangan dramatis di Spanyol, tingkat analitik intelektual yang signifikan yang menyatukan Barok dan Klasisisme di Prancis, dll.
Prospek lebih lanjut untuk pengembangan tradisi barok dalam sastra perlu dipertimbangkan. Yang menarik dalam aspek ini adalah masalah hubungan antara barok dan romantisme. Artikel-artikel yang tercantum dalam daftar referensi akan membantu untuk mengenal tingkat modern dalam memecahkan masalah ini. Masalah mempelajari tradisi Barok di abad ke-20 juga relevan: mereka yang tertarik dengan sastra asing modern dapat dengan mudah menemukan di antara karya-karyanya yang puisinya dengan jelas menggemakan Barok (ini berlaku, misalnya, untuk novel Amerika Latin dari apa yang disebut "realisme magis", dll.).
Mulai mempelajari tren sastra penting lainnya dalam sastra asing abad ke-17 - klasisisme, seseorang dapat mengikuti urutan analisis yang sama, dimulai dengan mengklarifikasi etimologi istilah "klasik", yang lebih jelas daripada etimologi "barok", sebagai jika menangkap kecenderungan klasisisme itu sendiri pada kejelasan dan logika. Seperti dalam kasus Barok, "klasisisme" sebagai definisi seni abad ke-17, berfokus pada semacam persaingan dengan penulis kuno "kuno", mengandung beberapa ciri puisi klasik dalam arti aslinya, tetapi tidak tidak menjelaskan semuanya. Dan seperti halnya para penulis Barok, kaum klasik abad ke-17 tidak menyebut diri mereka seperti itu, mereka mulai mendefinisikan kata ini pada abad ke-19, di era romantisme.
Hampir sampai pertengahan abad ke-20, abad ke-17 dianggap oleh para sejarawan sastra sebagai "zaman klasisisme". Hal ini disebabkan tidak hanya karena meremehkan pencapaian artistik Barok atau, sebaliknya, karena terlalu melebih-lebihkan klasisisme (karena di beberapa negara kaum klasik juga merupakan sastra klasik nasional, tren ini "sulit untuk ditaksir terlalu tinggi") , tetapi terutama dengan signifikansi objektif seni ini pada abad ke-17, dengan fakta, khususnya, bahwa refleksi teoretis tentang kreativitas artistik pada periode ini didominasi oleh karya klasik. Hal ini terlihat dengan mengacu pada antologi "Manifesto sastra klasikis Eropa Barat" (M., 1980). Meskipun ada ahli teori barok di abad ke-17, konsep mereka sering cenderung mencemari prinsip barok dan klasik, termasuk cukup banyak analitik rasionalistik dan kadang-kadang bahkan normativitas (seperti teori novel karya penulis Prancis M. de Scuderi), yang mencoba membuat "aturan" genre ini ).
Klasisisme bukan hanya gaya atau tren, tetapi, seperti Barok, sistem artistik yang lebih kuat yang mulai terbentuk pada zaman Renaisans. Saat mempelajari klasisisme, perlu ditelusuri bagaimana tradisi klasisisme Renaisans dibiaskan dalam literatur klasik abad ke-17, perhatikan bagaimana zaman kuno berubah dari objek tiruan dan rekreasi yang tepat, "kebangkitan", menjadi contoh ketaatan yang benar terhadap hukum seni abadi dan objek persaingan. Sangat penting untuk diingat bahwa klasisisme dan barok dihasilkan pada saat yang sama, bertentangan, tetapi satu pandangan dunia. Namun, keadaan sosial budaya tertentu dari perkembangan suatu negara tertentu sering kali menyebabkan tingkat prevalensinya yang sangat berbeda di Prancis, dan, misalnya, di Spanyol, Inggris dan Jerman, dll. Kadang-kadang dalam literatur seseorang dapat menemukan pernyataan bahwa klasisisme adalah sejenis seni "negara", karena perkembangan terbesarnya dikaitkan dengan negara dan periode yang ditandai dengan peningkatan stabilisasi kekuasaan monarki terpusat. Namun, jangan bingung antara keteraturan, disiplin pemikiran dan gaya, hierarki sebagai prinsip estetika dengan hierarki, disiplin, dll. Sangat penting untuk merasakan drama batin dari visi klasik tentang realitas, yang tidak dihilangkan, tetapi, mungkin, bahkan diperkuat oleh disiplin manifestasi eksternalnya. Klasisisme, seolah-olah, mencoba untuk secara artistik mengatasi kontradiksi yang ditangkap secara aneh oleh seni Barok, untuk mengatasinya melalui seleksi ketat, penataan, klasifikasi gambar, tema, motif, semua materi realitas.
Anda juga dapat menemukan pernyataan bahwa dasar filosofis klasisisme adalah filosofi Descartes. Namun, saya ingin memperingatkan agar tidak mereduksi klasisisme menjadi Descartes, serta Descartes menjadi klasisisme: mari kita ingat bahwa kecenderungan klasisisme mulai terbentuk dalam sastra sebelum Descartes, di masa Renaisans, dan Descartes, pada bagiannya, menggeneralisasikan banyak hal itu. melayang di udara, mensistematisasikan dan mensintesis tradisi rasionalistik masa lalu. Pada saat yang sama, prinsip-prinsip "Kartesis" yang tidak diragukan lagi dalam puisi klasisisme patut mendapat perhatian ("pemisahan kesulitan" dalam proses rekonstruksi artistik dari fenomena realitas yang kompleks, dll.). Ini adalah salah satu manifestasi dari "intensionalitas" estetika umum (J. Mukarzhovsky) seni klasik.
Setelah berkenalan dengan teori-teori paling penting dari para klasikis Eropa, seseorang dapat melacak pembuktian logis oleh mereka tentang prinsip-prinsip keunggulan desain atas implementasi, kreativitas rasional yang "benar" atas inspirasi aneh. Sangat penting untuk memberikan perhatian khusus pada interpretasi dalam klasisisme prinsip peniruan alam: alam muncul sebagai ciptaan yang indah dan abadi, dibangun "menurut hukum matematika" (Galileo).
Prinsip kemungkinan tertentu memainkan peran penting dalam klasisisme. Perhatikan bahwa konsep ini jauh dari penggunaan umum kata ini sehari-hari, ini sama sekali bukan sinonim untuk "kebenaran" atau "kenyataan". Seperti yang ditulis oleh seorang sarjana modern terkenal, "budaya klasik hidup selama berabad-abad dengan gagasan bahwa realitas sama sekali tidak dapat dicampur dengan masuk akal." Masuk akal dalam klasisisme menyiratkan, selain persuasif etis dan psikologis dari gambar dan situasi, kesopanan dan peneguhan, penerapan prinsip "mengajar, menghibur".
Oleh karena itu, karakterisasi klasisisme tidak dapat direduksi menjadi penyebutan aturan dari tiga kesatuan, tetapi aturan ini juga tidak dapat diabaikan. Bagi kaum klasik, mereka seolah-olah merupakan kasus khusus penerapan hukum seni universal, cara untuk menjaga kebebasan kreativitas dalam batas-batas akal. Perlu disadari pentingnya kesederhanaan, kejelasan, urutan komposisi yang logis sebagai kategori estetika yang penting. Kaum klasik, berbeda dengan seniman barok, menolak detail artistik, gambar, kata-kata yang "berlebihan", menganut "ekonomi" alat ekspresi.
Perlu diketahui bagaimana sistem hierarki genre dibangun dalam klasisisme, berdasarkan pemuliaan yang konsisten dari fenomena realitas "tinggi" dan "rendah", "tragis", dan "komik" menurut formasi genre yang berbeda. Pada saat yang sama, perlu diperhatikan fakta bahwa teori genre klasisisme dan praktik tidak sepenuhnya bertepatan: memberikan preferensi dalam penalaran teoretis untuk genre "tinggi" - tragedi, epik, kaum klasik mencoba tangan mereka pada "rendah " genre - sindiran, komedi, dan bahkan dalam genre non-kanonik, keluar dari hierarki klasik (seperti novel: lihat di bawah tentang novel klasik karya M. de Lafayette).
Klasikis menilai karya seni berdasarkan apa yang mereka anggap sebagai hukum seni "abadi", dan hukum tidak menurut adat, otoritas, tradisi, tetapi menurut penilaian yang masuk akal. Oleh karena itu, perlu dicatat bahwa kaum klasik menganggap teori mereka sebagai analisis hukum seni pada umumnya, dan bukan penciptaan program estetika tertentu dari suatu aliran atau arah. Alasan kaum klasik tentang rasa tidak berarti selera individu, bukan ketidakteraturan preferensi estetika, tetapi "selera yang baik" sebagai norma kolektif yang masuk akal dari "orang-orang yang dibesarkan dengan baik". Namun pada kenyataannya, ternyata penilaian spesifik kaum klasikis terhadap isu-isu kreativitas artistik tertentu, penilaian terhadap karya-karya tertentu, berbeda cukup signifikan, yang berujung pada polemik dalam klasisisme dan perbedaan nyata antara versi nasional sastra klasik. . Penting untuk memahami pola sejarah, sosial dan budaya dari perkembangan tren sastra abad ke-17, untuk memahami mengapa di Spanyol, misalnya, seni barok menang, dan di Prancis - klasisisme, mengapa para peneliti berbicara tentang "klasisisme barok " oleh M. Opitz di Jerman, tentang semacam harmoni atau keseimbangan prinsip barok dan klasik dalam karya Milton di Inggris, dll. Penting untuk dirasakan bahwa kehidupan nyata tren sastra pada masa itu tidak skematis, tidak berturut-turut saling menggantikan, tetapi saling terkait, berkelahi dan berinteraksi, memasuki hubungan yang berbeda.
puisi sastra klasisisme barok
Dihosting di Allbest.ru
Dokumen Serupa
Sastra Yunani Kuno dan Roma Kuno. Klasisisme dan barok dalam sastra Eropa Barat abad ke-17. Sastra Zaman Pencerahan. Romantisisme dan realisme dalam sastra asing abad ke-19. Sastra asing modern (dari 1945 hingga sekarang).
manual pelatihan, ditambahkan 06/20/2009
Novel Cervantes "Don Quixote" sebagai puncak fiksi Spanyol. Milton adalah pencipta puisi muluk "Paradise Lost" dan "Paradise Regained". Tren artistik utama dalam sastra abad ke-17: realisme Renaisans, klasisisme, dan barok.
abstrak, ditambahkan 23/07/2009
Sastra barok: kecenderungan ke arah kompleksitas bentuk dan keinginan untuk keagungan dan kemegahan. Muncul dalam sastra Rusia pada abad XVII-XVIII. gaya barok, cara pembentukan dan signifikansinya. Ciri-ciri eksternal dari kemiripan karya Avvakum dengan karya Barok.
tes, ditambahkan 18/05/2011
Analisis umum sastra asing abad ke-17. Ciri-ciri era Baroque dilihat dari masa pencarian yang intens di bidang moralitas. Transformasi legenda Don Juan dalam karya Tirso de Molina. Gambar "abadi" Don Giovanni dalam interpretasi Moliere.
makalah, ditambahkan 14/08/2011
Suasana kehancuran yang parah di Jerman pada abad ke-17 setelah Perang Tiga Puluh Tahun. Penyair Martin Opitz dan risalah "The Book of German Poetry". Optimisme Puisi Fleming. Tema anti-perang dan novel Simplicissimus karya Grimmelshausen. Barok Jerman, dramaturgi.
abstrak, ditambahkan 23/07/2009
Barok dan klasisisme dalam sastra dan seni Prancis pada abad ke-17. Pierre Corneille dan visinya tentang dunia dan manusia. Periode awal kreativitas. Pembentukan drama klasik. Tragedi Cara Ketiga. Larisa Mironova dan D. Oblomievsky tentang karya Corneille.
makalah, ditambahkan 12/25/2014
Sastra Rusia pada abad ke-16. Sastra Rusia pada abad ke-17 (Simeon dari Polotsk). Sastra Rusia abad ke-19. Sastra Rusia abad XX. Prestasi sastra abad XX. Sastra Soviet.
laporan, ditambahkan 03/21/2007
Sastra asing dan peristiwa sejarah abad kedua puluh. Arah sastra asing paruh pertama abad ke-20: modernisme, ekspresionisme, dan eksistensialisme. Penulis asing abad kedua puluh: Ernest Hemingway, Bertolt Brecht, Thomas Mann, Franz Kafka.
abstrak, ditambahkan 03/30/2011
Karakteristik umum dari situasi abad XVII. Pengaruh perpecahan Gereja Ortodoks Rusia terhadap perkembangan sastra Rusia Kuno. Gerakan Orang Percaya Lama dan Fenomena "Fiksi Anonim". Fenomena cerita satir Rusia dengan latar belakang abad XVII yang "memberontak".
pekerjaan kontrol, ditambahkan 16/10/2009
Situasi politik Prancis pada abad ke-17, perkembangan sastra dan seni. Posisi kaum tani di penghujung abad dan gambarannya dalam karya-karya La Bruyère. Tradisi realisme Renaisans dalam karya mendiang Racine ("Atalia"). Kegiatan doa penyair.
salinan
1 Anotasi Publikasi yang ditujukan untuk mahasiswa filologi dan ditulis dalam bentuk kuliah ini menggambarkan kondisi pembentukan sastra Eropa pada abad ke-17 dan ke-18, menganalisis karya penulis terkemuka yang karyanya mencerminkan ciri khas seni. sistem waktu itu - realisme Renaisans, barok, klasisisme, klasisisme pencerahan, realisme pencerahan, sentimentalisme. Setelah setiap topik, daftar referensi ditawarkan, yang sangat memudahkan orientasi siswa dalam kursus ini.
2 Veraksich I.Yu. Mata Kuliah Sejarah Sastra Asing Abad 17-18
3 Kata Pengantar Mata kuliah "Sejarah Sastra Asing Abad 17-18" merupakan bagian integral dari mata kuliah universitas "Sejarah Sastra Asing". Manual yang ditulis dalam bentuk ceramah ini dirancang untuk membantu siswa menguasai materi yang sulit namun menarik, untuk mempersiapkan mereka menghadapi persepsi sastra abad 17-18. Semua materi disusun sedemikian rupa sehingga siswa memiliki pandangan holistik tentang kekhasan proses sastra abad 17-18. Sastra asing abad ke-17 telah lama dianggap sebagai fenomena sebelum Pencerahan. Namun, penelitian dalam beberapa dekade terakhir telah menunjukkan bahwa ia memiliki ciri khas tersendiri, termasuk gaya. Abad ke-17lah yang untuk waktu yang lama menentukan perkembangan sistem artistik utama saat itu - klasisisme, barok, realisme renaisans. Para pencerahan sebagian besar mengandalkan pengalaman para pendahulu mereka dalam pengembangan konsep epik (kehormatan, alasan, rasio kehormatan dan kewajiban, dll.). Sistem artistik abad ke-18 (klasisisme Pencerahan, realisme Pencerahan, sentimentalisme) dipertimbangkan secara rinci. Materi teoretis yang kompleks dilengkapi dengan analisis karya perwakilan paling menonjol dari sistem artistik tertentu. Ini memperhitungkan konsep terkenal kritikus sastra, yang disajikan dalam buku teks, buku teks tentang sejarah sastra dan publikasi referensi, yang sangat memudahkan orientasi siswa dalam kursus ini. Jumlah jam yang dialokasikan oleh kurikulum untuk mempelajari mata kuliah "Sejarah Sastra Asing Abad 17-18", sayangnya kecil, oleh karena itu manual ini menyediakan sistem pengetahuan dasar yang diperlukan bagi siswa. Setelah setiap topik, siswa ditawari daftar referensi, studi yang akan memungkinkan mereka untuk meringkas pengetahuan yang diperoleh dalam kuliah, serta selama pekerjaan mandiri pada subjek tersebut.
4 Isi Kuliah 1. Ciri-ciri umum proses sastra abad ke-17. Karya Lope de Vega. Kuliah 2. Sastra barok Spanyol abad ke-17. Kuliah 3. Sastra Jerman abad ke-17. Kuliah 4. Klasisisme Prancis (Cornel, Racine, Molière). Kuliah 5. Zaman Pencerahan. Ciri-ciri umum Pencerahan Inggris. Kuliah 6. Pencerahan Bahasa Inggris. D.Cepat. R. luka bakar. Kuliah 7. Pencerahan Jerman. Program estetika Lessing. Kuliah 8. Karya Goethe. Kuliah 9. Pencerahan Prancis. Voltaire. J.-J. Rousseau. Kuliah 10. Kreativitas Beaumarchais.
5 Kuliah 1 Ciri-ciri umum proses sastra abad XVII. Kreativitas Rencana Lope de Vega 1. Ciri-ciri perkembangan proses sastra abad ke-17. 2. Tren sastra terkemuka abad ke-17: a) klasisisme; b) barok; c) Realisme Renaisans. 3. Kreativitas Lope de Vega: a) gambaran singkat tentang kehidupan dan jalur kreatif penulis naskah; b) orisinalitas ideologis dan artistik dari drama "Fuente Ovehuna"; c) orisinalitas ideologis dan artistik dari drama "The Star of Seville". 1. Kekhasan Perkembangan Proses Sastra Abad ke-17 Era sastra sulit untuk disesuaikan dengan kerangka kalender yang ketat. Berbicara tentang sastra abad ke-18, yang pertama-tama kita pikirkan adalah Zaman Pencerahan. Adakah kandungan ideologis dan estetika yang serupa dalam konsep "sastra asing abad ke-17"? Tidak ada konsensus tentang masalah ini baik dalam sains dalam negeri maupun luar negeri. Banyak sarjana sastra menjawab pertanyaan ini dengan negatif dan mengajukan banyak argumen yang terdengar sangat meyakinkan. Siapa pun yang beralih ke studi tentang era ini pertama-tama dikejutkan oleh keragaman proses ekonomi, sosial, politik dan budaya yang terjadi pada waktu itu di berbagai negara di Eropa. Dalam perekonomian Inggris dan Belanda, hubungan borjuis pada abad ke-17 menjadi dominan; di Prancis, tatanan kapitalis berjaya di bidang industri, perdagangan dan perbankan, tetapi di bidang pertanian sistem feodal masih cukup kuat; di Spanyol, Italia, Jerman, hubungan borjuis hampir tidak terlihat, berupa riba. Sama jelasnya adalah kontras dalam korelasi kekuatan sosial. Pada awal abad ke-17, revolusi borjuis di Belanda berakhir, yang menyatu dengan perjuangan pembebasan nasional melawan kekuasaan Spanyol dan berujung pada munculnya negara borjuis Belanda. Ada revolusi borjuis di Inggris. Namun, di Italia, Spanyol, dan Jerman, kekuatan feodal berusaha mengkonsolidasikan kekuatannya.
6 Gambaran kehidupan politik Eropa Barat yang tidak kalah beraneka ragam. Pada abad ke-17, absolutisme adalah bentuk negara yang dominan. Bukan kebetulan bahwa abad yang dimaksud disebut abad absolutisme. Namun, bentuk sistem absolut berbeda di negara-negara Eropa. Abad ke-17 adalah era perang berkelanjutan di Eropa, penaklukan kolonial yang sedang berlangsung di Dunia Baru, Asia dan Afrika. Pada saat yang sama, negara-negara kolonial lama Spanyol dan Portugal secara bertahap didorong ke latar belakang oleh negara-negara muda Belanda dan Inggris. Dengan keragaman hubungan ekonomi, politik dan sosial di negara-negara Eropa, tampaknya tidak mungkin untuk berbicara tentang kesatuan budaya Eropa Barat di abad ke-17. Namun kami akan mengacu pada sudut pandang S.D. Artamonova, Z.T. Sipil, yang menganggap era ini sebagai tahap independen dalam sejarah sastra asing, karena melalui keragaman bentuk spesifik perkembangan sejarah dan budaya masing-masing negara, ciri-ciri komunitas tipologi proses sosial, politik dan budaya pada era ini terlihat . Jadi, abad ke-17 adalah periode independen di era transisi dari feodalisme ke kapitalisme, yang terletak di antara Renaisans dan Pencerahan. Ini adalah periode sejarah yang penuh dengan peristiwa, ditandai dengan perjuangan kelas yang sangat intensif dan ditandai dengan eksplorasi alam yang berkembang. Dua kelompok memasuki arena politik: Persatuan Protestan (Prancis, Belanda, Inggris, Denmark, Swedia didirikan pada 1607) dan Liga Katolik (Austria, Spanyol, Vatikan didirikan pada 1609). Persaingan antara kedua kubu politik ini menyebabkan Perang 30 Tahun, peristiwa penting di abad ke-17. Perang dimulai pada tahun 1618 dan ditandai dengan perjuangan antara tatanan borjuis awal, yang didirikan di Belanda sebagai hasil dari gerakan pembebasan, dan bentuk reaksioner khusus dari sistem feodal akhir. Di sisi lain, muncul konflik bersenjata antara negara-negara feodal dengan tingkat perkembangan yang berbeda. Perang berakhir dengan berakhirnya Perdamaian Westphalia pada tahun 1648, pengakuan akhir dari Serikat Jenderal (Belanda) dan revolusi borjuis Inggris tahun 1649. Beginilah negara-bangsa borjuis pertama muncul dan kekuasaan reaksioner Spanyol dihancurkan. Jadi, kita melihat bahwa hal utama yang menjadi ciri sejarah Eropa abad ke-17 adalah transisi, krisis zaman. Fondasi kuno sedang runtuh; tatanan feodal masih mempertahankan dominasinya, tetapi di kedalaman feodalisme terungkap kontradiksi yang paling akut, yang menandakan runtuhnya sistem lama.
7 Awal periode ini diletakkan oleh era sebelumnya. Pandangan dunia Renaisans digantikan oleh yang baru. Pergeseran di bidang ilmu juga turut andil dalam pembentukannya. Di Eropa, komunitas dan akademi ilmiah pertama kali muncul, publikasi jurnal ilmiah dimulai. Ilmu skolastik Abad Pertengahan memberi jalan pada metode eksperimental. Matematika menjadi bidang sains terkemuka di abad ke-17. Dalam kondisi sejarah ini, serta di bawah pengaruh tradisi Renaisans yang berlanjut sebagian, konsep pemahaman realitas dikembangkan, yang didasarkan pada pandangan yang berlawanan tentang dunia dan tujuan manusia. Proses-proses tersebut tidak dapat tidak tercermin dalam bidang kreativitas sastra dan dalam perkembangan pemikiran filosofis pada zaman itu. Sementara para penulis, di satu sisi, menganjurkan pembebasan individu, di sisi lain, mereka mengamati kembalinya tatanan sosial lama secara bertahap, yang, alih-alih ketundukan pribadi sebelumnya, membentuk bentuk baru ketergantungan manusia pada suatu basis material dan ideologis. Hal baru ini memunculkan keyakinan pada takdir. Baru dalam konsep manusia, yang dikemukakan oleh literatur periode ini, adalah pemahaman tentang tanggung jawab atas tindakan dan perbuatannya, terlepas dari hubungan politik dan agama yang membelenggunya. Masalah hubungan manusia dengan Tuhan menempati tempat yang menentukan dalam pemikiran abad ketujuh belas. Tuhan mewakili tatanan tertinggi, harmoni, yang diambil sebagai model untuk struktur duniawi yang kacau. Partisipasi dalam Tuhan seharusnya membantu seseorang menahan cobaan hidup. 2. Tren sastra terkemuka abad ke-17 Kejengkelan perjuangan politik dan ideologis tercermin dalam pembentukan dan konfrontasi dua sistem artistik barok dan klasisisme. Biasanya, mengkarakterisasi sistem ini, fokus pada perbedaannya. Perbedaan mereka tidak dapat disangkal, tetapi tidak diragukan lagi bahwa kedua sistem ini memiliki ciri-ciri yang sama secara tipologis: 1) sistem artistik muncul sebagai kesadaran akan krisis cita-cita Renaisans; 2) perwakilan Barok dan Klasisisme menolak gagasan harmoni yang mendasari konsep Renaisans humanistik: alih-alih harmoni antara manusia dan masyarakat, seni abad ke-17 mengungkapkan interaksi kompleks antara individu dan lingkungan; alih-alih keharmonisan akal dan perasaan, gagasan untuk menundukkan nafsu pada akal dikemukakan.
8 A. Klasisisme Klasisisme abad ke-17 menjadi semacam refleksi dari humanisme pasca-Renaisans. Kaum klasikis dicirikan oleh keinginan untuk mengeksplorasi kepribadian dalam hubungannya dengan dunia. Klasisisme sebagai sistem artistik menggabungkan orientasi ke zaman kuno dengan penetrasi mendalam ke dunia batin para karakter. Perjuangan antara perasaan dan kewajiban adalah konflik utama klasisisme. Melalui prismanya, penulis mencoba menyelesaikan banyak kontradiksi realitas. Klasisisme dari lat. classicus kelas satu, teladan berasal dari Italia pada abad ke-16 di lingkungan universitas sebagai praktik peniruan zaman kuno. Sarjana humanis mencoba menentang dunia feodal dengan seni optimis tinggi dari zaman dahulu. Mereka berusaha untuk menghidupkan kembali drama kuno, mencoba untuk mendapatkan dari karya-karya master kuno aturan umum yang menjadi dasar pembuatan drama Yunani kuno. Nyatanya, sastra kuno tidak memiliki aturan, tetapi para humanis tidak memahami bahwa seni dari satu era tidak dapat "ditransplantasikan" ke era lainnya. Bagaimanapun, pekerjaan apa pun muncul bukan atas dasar aturan tertentu, tetapi atas dasar kondisi perkembangan sosial tertentu. Di Prancis abad ke-17, klasisisme tidak hanya berkembang pesat, menemukan pembenaran metodologisnya dalam filsafat, tetapi juga, untuk pertama kalinya dalam sejarah, menjadi gerakan sastra resmi. Ini difasilitasi oleh kebijakan pengadilan Prancis. Absolutisme Prancis (bentuk peralihan negara, ketika aristokrasi yang melemah dan borjuasi, yang belum mendapatkan kekuatan, sama-sama tertarik pada kekuasaan raja yang tidak terbatas) berusaha untuk memulihkan ketertiban di semua bidang kehidupan, untuk menegakkan prinsip-prinsip. disiplin sipil. Klasisisme, dengan sistem aturannya yang ketat, cocok untuk absolutisme. Dia mengizinkan kekuatan kerajaan untuk ikut campur dalam bidang artistik kehidupan publik, untuk mengontrol proses kreatif. Untuk kendali seperti itulah Académie de Reshelie yang terkenal diciptakan pada tahun 40-an abad ke-17. Filosofi René Descartes (), yang berpendapat bahwa manusia, dan bukan Tuhan, adalah ukuran dari segala sesuatu, dalam banyak hal menentang reaksi Katolik saat itu. Alih-alih menegaskan asketisme dan kepatuhan, Descartes menyatakan "Cogito, ergo sum" "Saya berpikir, maka saya ada." Proklamasi akal manusia memiliki karakter anti-ulama yang objektif. Inilah yang menarik para ahli teori estetika klasisisme dalam ajaran pemikir Prancis. Filosofi rasionalisme telah menentukan sifat gagasan kaum klasik tentang pahlawan ideal dan positif. Kaum klasik melihat tujuan seni dalam pengetahuan tentang kebenaran, yang bertindak sebagai cita-cita keindahan. Mereka mengedepankan metode untuk mencapainya, berdasarkan tiga kategori utama mereka
9 estetika: alasan, model, rasa. Semua kategori ini dianggap sebagai kriteria objektif kesenian. Dari sudut pandang kaum klasik, karya-karya hebat bukanlah buah dari bakat, bukan inspirasi, bukan fantasi artistik, tetapi dengan keras kepala mengikuti perintah nalar, mempelajari karya-karya klasik kuno dan mengetahui aturan selera. Kaum klasik percaya bahwa hanya orang yang dapat menundukkan perasaan dan hasratnya pada akal adalah contoh yang layak. Itulah sebabnya seseorang yang mampu mengorbankan perasaannya demi akal selalu dianggap sebagai pahlawan positif sastra klasik. Jadi menurut mereka adalah Sid, tokoh dari lakon berjudul sama karya Corneille. Filsafat rasionalis juga telah menentukan isi dari sistem artistik klasisisme, yang didasarkan pada metode artistik sebagai sistem prinsip yang melaluinya perkembangan artistik realitas dalam segala keragamannya terjadi. Prinsip hierarki (yaitu, subordinasi) genre muncul, menegaskan ketidaksetaraannya. Prinsip ini sangat sesuai dengan ideologi absolutisme, yang menyamakan masyarakat dengan piramida, di atasnya berdiri raja, serta dengan filosofi rasionalisme, yang membutuhkan kejelasan, kesederhanaan, dan pendekatan sistematis terhadap fenomena apa pun. Menurut prinsip hierarki, ada genre "tinggi" dan "rendah". Genre "tinggi" (tragedi, ode) diberi tema nasional, mereka hanya bisa bercerita tentang raja, jenderal, dan bangsawan tertinggi. Bahasa karya-karya ini memiliki karakter yang ceria dan khusyuk ("tenang tinggi"). Dalam genre "rendah" (komedi, fabel, sindiran), dimungkinkan untuk menyentuh hanya pada masalah tertentu atau sifat buruk abstrak (kekikiran, kemunafikan, kesombongan, dll.), Bertindak sebagai fitur pribadi yang dimutlakkan dari karakter manusia. Pahlawan dalam genre "rendah" bisa menjadi perwakilan dari masyarakat kelas bawah. Pemindahan orang-orang bangsawan hanya diperbolehkan dalam kasus-kasus luar biasa. Dalam bahasa karya seperti itu, kekasaran, petunjuk ambigu, permainan kata ("ketenangan rendah") diperbolehkan. Penggunaan kata "ketenangan tinggi" di sini, pada umumnya, bersifat parodi. Sesuai dengan prinsip rasionalisme, kaum klasikis mengedepankan tuntutan kemurnian genre. Genre campuran, seperti tragikomedi, sedang diperas. Ini menyerang kemampuan genre tertentu untuk mencerminkan realitas secara komprehensif. Mulai saat ini, hanya seluruh sistem genre yang mampu mengekspresikan keragaman kehidupan. Dengan kata lain, dalam klasisisme kekayaan dan kompleksitas realitas diungkapkan bukan melalui genre, melainkan melalui metode.
10 Menjelang pertengahan abad ke-17, pendapat ditetapkan dengan kuat bahwa genre sastra yang paling penting adalah tragedi (dalam arsitektur istana, dalam lukisan potret seremonial). Dalam genre ini, hukumnya paling ketat. Plotnya (bersejarah atau legendaris, tetapi masuk akal) harus mereproduksi zaman kuno, kehidupan negara bagian yang jauh. Seharusnya sudah bisa ditebak dari namanya, seperti ide dari baris pertama. Ketenaran plot menentang kultus intrik. Itu diperlukan untuk menegaskan logika kehidupan, di mana keteraturan menang atas kebetulan. Tempat khusus dalam teori tragedi ditempati oleh prinsip tiga kesatuan. Itu dirumuskan dalam karya-karya humanis Italia dan Prancis abad ke-16 (J. Trissino, J. Scaliger), yang mengandalkan Aristoteles dalam perjuangan mereka melawan teater abad pertengahan. Tetapi hanya kaum klasik abad ke-17 (terutama Boileau) yang mengangkatnya menjadi hukum yang tak terbantahkan. Kesatuan tindakan membutuhkan reproduksi satu tindakan integral dan lengkap yang akan menyatukan semua karakter. Kesatuan waktu direduksi menjadi persyaratan untuk melakukan tindakan dalam satu hari. Kesatuan tempat itu terungkap dalam kenyataan bahwa aksi dari keseluruhan lakon harus terungkap di satu tempat. Karya teoretis utama, yang menguraikan prinsip-prinsip yang telah kami pertimbangkan, adalah buku karya N. Boileau "Poetic Art" (1674). Perwakilan klasisisme paling terkenal: Jean Lafontaine (), Pierre Corneille (), Jean Racine (), Jean-Baptiste Moliere (). B. Barok Ada berbagai penjelasan untuk istilah "barok". Dan masing-masing memberi banyak untuk memahami gaya itu sendiri. Diyakini bahwa nama arah ini berasal dari bahasa Portugis perola barrocca, yang berarti mutiara berharga dengan bentuk tidak beraturan, berkilauan dan berkilauan dengan semua warna pelangi. Menurut versi kedua dari barocco, sebuah silogisme skolastik yang rumit. Terakhir, versi ketiga dari barocco berarti kepalsuan dan penipuan. Fakta bahwa mutiara yang berbentuk tidak beraturan ini segera mengontraskan gaya barok dengan seni Renaisans yang harmonis, dekat dengan cita-cita klasik. Dalam pemulihan hubungan dengan mutiara yang berharga, keinginan barok akan kemewahan, kecanggihan, dan dekorasi dicatat. Penyebutan silogisme menunjuk pada hubungan Barok dengan skolastik abad pertengahan. Akhirnya, fakta bahwa Baroque ditafsirkan sebagai kepalsuan dan penipuan menekankan momen ilusi, yang sangat kuat dalam seni ini.
11 Barok didasarkan pada ketidakharmonisan dan kontras. Ini adalah kontras antara sifat manusia yang tidak masuk akal dan pikiran yang sadar. Barok juga dicirikan oleh kontras antara yang biasa dan puitis, yang jelek dan yang indah, karikatur dan cita-cita luhur. Penulis Barok menekankan ketergantungan manusia pada kondisi objektif, pada alam dan masyarakat, lingkungan material dan lingkungan. Pandangan mereka tentang seseorang itu sadar dan keras tanpa ampun. Menolak idealisasi manusia, yang menjadi dasar sastra Renaisans, seniman Barok menggambarkan orang sebagai jahat dan egois atau membosankan dan biasa. Manusia sendiri di mata mereka adalah pembawa ketidakharmonisan. Dalam psikologinya mereka mencari kontradiksi dan keanehan. Dengan demikian, mereka menaungi kompleksitas dunia batin seseorang dan menekankan fitur-fitur yang saling eksklusif di dalamnya. Tapi tidak hanya manusia yang tidak harmonis. Salah satu prinsip sastra barok juga merupakan prinsip dinamika, gerak. Gerakan ini dilihat berdasarkan kontradiksi internal dan antagonisme. Dalam ketidakharmonisan internal ini, yang tercermin dalam literatur Barok, fakta bahwa ketidakharmonisan menguasai masyarakat itu sendiri, yang timbul dari perjuangan kepentingan egois, terwujud dengan sendirinya. Ciri penting dari pemahaman tentang keindahan, gagasan keindahan dalam seni barok, terkait dengan hal ini. Hidup itu membosankan, manusia pada dasarnya lemah dan ganas. Oleh karena itu, segala sesuatu yang indah berada di luar prinsip alam material. Hanya dorongan spiritual yang bisa menjadi indah. Yang indah itu cepat berlalu, ideal dan bukan milik yang nyata, tetapi milik dunia lain, dunia fantasi. Bagi para penulis Renaisans, keindahan terkandung dalam alam itu sendiri, misalnya dalam puisi alam rakyat. Bagi penulis barok, kecantikan adalah hasil dari keterampilan sadar, aktivitas mental sadar. Itu aneh, aneh, sok. Pada abad ke-16 dan ke-17, penulis dari berbagai negara berdebat tentang apa yang lebih tinggi: kesegeraan alam itu sendiri atau seni, keahlian. Simpati para penulis Barok ada di sisi keahlian. Ini juga berlaku untuk gaya sastra, yang mereka usahakan agar tidak dapat diakses, rumit, penuh dengan metafora dan perbandingan yang rumit, hiperbola dan tokoh retoris. Terlepas dari kenyataan bahwa Baroque adalah gaya yang lengkap, dari sudut pandang ideologis itu tidak integral. Cukuplah untuk menunjukkan kebijakan sengit yang diambil oleh Gongora dan Quevedo. Gongora mewakili barok dalam bentuk aristokratnya. Dia mengontraskan kenyataan dengan dunia ilusi, mirip dengan pemandangan bersyarat. Penciptaan dunia ini juga disajikan dengan gaya Gongora, penuh dengan hiperbola yang rumit dan gambar yang aneh dan
12 mengubah hidup menjadi fantasi. Gaya ini disebut "culteranism" (dari kata culto diproses, didandani). Berbeda dengan Gongora, lawannya Quevedo mencari kontras dan kontradiksi dalam realitas Spanyol itu sendiri, membawa keburukan hidup ke titik karikatur dan aneh. Gaya "conceptism"-nya (dari kata concepto thinking) bertentangan dengan apa yang diwakili oleh Gongora. Untuk melengkapi karakterisasi Baroque, berikut ini harus ditambahkan. Penulis terbesar di era ini, Quevedo, Tirso de Molina, Calderon, adalah orang-orang yang religius. Banyak dari karya mereka yang dijiwai dengan ide religius dan termasuk dalam seni religius. Berdasarkan hal ini, sangat mudah untuk menyatakan mereka reaksioner. Namun, yang terhebat dari mereka (Calderon, Quevedo, Gracian, Tirso de Molina) bersentuhan dalam karya mereka dengan gagasan rakyat dan sudut pandang rakyat. Mereka memberikan kritik yang tajam dan tajam terhadap dunia moneter yang muncul, melukis orang biasa dan dengan demikian berkontribusi pada demokratisasi seni. B. Realisme Renaisans Realisme Renaisans, yang berkembang secara paralel dengan klasisisme dan barok, memberi penerangan baru tentang kontradiksi pada masa itu, terutama dalam pandangan tentang nilai-nilai moral yang tertinggi di antaranya adalah manusia. Perwakilan dari realisme Renaisans dalam banyak hal menentang klasisisme dengan sistem aturan dan norma dan baroknya, berjuang untuk dunia eksotis dan fantasi. Mereka tidak menerima tingkah laku, kecanggihan karya barok yang berlebihan. Pengikut humanisme tetap menjadi pendukung kejelasan, kejujuran dalam seni, tetapi tidak lagi terburu-buru untuk menegaskan kekuatan pikiran manusia dan kemungkinan individu yang tidak terbatas. Mengalami kekecewaan yang sama dalam cita-cita humanistik dengan orang-orang sezaman, para penulis realisme Renaisans tidak takut untuk mengajukan pertanyaan yang membara. Tempat khusus di antara mereka ditempati oleh konsep kebajikan, termasuk martabat manusia, kebanggaan, kehormatan, yang bertentangan dengan prasangka kelas feodalisme. Selain itu, perwakilan realisme Renaisans beralih ke gambaran kehidupan sehari-hari masyarakat. Mereka terus mengembangkan tradisi sastra urban. Untuk pertama kalinya, perwakilan realisme Renaisans mengajukan pertanyaan tentang hubungan antara karakter moral seseorang dan tanah miliknya, dengan lingkungan tempat ia dididik. Pada saat yang sama, perwakilan rakyat ternyata lebih tinggi dan secara moral lebih sering bekerja, dan Lope de Vega, misalnya, untuk pertama kalinya menunjukkan petani sebagai komunitas individu yang cerdas, orang yang mampu mendiskusikan hal-hal yang luhur. dan, jika perlu, menjunjung tinggi martabat kemanusiaan mereka sampai akhir.
13 Celaan yang dilontarkan para kritikus terhadap penulis-penulis humanis adalah tidak adanya kritik sosial yang tajam dalam tulisan-tulisan mereka. Namun kita tidak boleh lupa bahwa baik dalam dramaturgi maupun prosa, masalah etika sangat erat kaitannya dengan masalah politik. Hanya sekarang mereka tidak ditempatkan di latar depan. Kehidupan sehari-hari seseorang di bumi tidak membutuhkan kesedihan dan kecanggihan yang tinggi dalam mengungkapkan pikiran. Pada saat yang sama, di balik semua kesederhanaan yang tampak dalam menggambarkan realitas, para penulis menyembunyikan refleksi serius tentang nasib negara dan rakyat mereka. Itu sebabnya dramaturgi Lope de Vega atau dramaturgi awal Tirso de Molina belum kehilangan suara sipilnya. Dan bukan kebetulan bahwa dalam berbagai sumber sastra, penulis realisme Renaisans pada paruh pertama abad ke-17 sering digolongkan di antara penulis Renaisans akhir, dan karya mereka dianggap sebagai bagian dari sejarah sastra Renaisans. Kami menemukan pendekatan seperti itu dalam karya A.L. Stein, V.S. Uzina, N.I. Balashova. 3. Kreativitas Lope de Vega A. Tinjauan tentang kehidupan dan jalur kreatif penulis drama Pada pergantian abad ke-16 dan ke-17, Lope de Vega (), dengan mengandalkan tradisi teater rakyat Spanyol dan tradisi realistik yang kuat dari Renaisans, menciptakan dramaturgi Spanyol. Di antara galaksi penulis drama yang luar biasa, dia menempati posisi pertama. Orang Spanyol mengagumi kejeniusan nasional mereka. Namanya telah menjadi simbol dari semua yang indah. Lope Felix de Vega Carpio lahir pada tanggal 25 November 1562 di Madrid. Ayahnya, yang berasal dari keluarga petani Asturian, adalah seorang pria kaya yang memiliki usaha sulaman emas sendiri di Madrid. Dia memberi putranya pendidikan yang baik dan bahkan bangsawan, setelah membeli, menurut kebiasaan pada masa itu, paten untuk gelar bangsawan. Setelah menerima pendidikan awalnya di perguruan tinggi Jesuit, pemuda itu lulus dari universitas tersebut. Sejak usia muda, dia melayani orang-orang bangsawan, tampil lebih awal dengan kelompok akting yang dia tulis dramanya, pernah menjadi tentara, menikah beberapa kali, memiliki hubungan cinta yang tak ada habisnya, pada usia lima puluh menjadi pegawai Inkuisisi, kemudian menjadi biarawan dan pendeta , yang tidak menghalangi dia untuk menjalani gaya hidup sekuler, tanpa menghentikan hubungan cintanya sampai usia lanjut. Hanya sesaat sebelum kematiannya, di bawah pengaruh pengalaman pribadi yang sulit (kematian putranya, penculikan putrinya), Lope de Vega mulai menuruti kepercayaan pertapa dan menunjukkan kecenderungan mistisisme. Dia meninggal dikelilingi oleh kehormatan universal. Lebih dari seratus penyair menyusun puisi untuk kematiannya. Kehidupan serbaguna Lope de Vega tercermin dalam karya sastranya. Kemudahan yang dia tulis, kekayaan dan kecemerlangan
14 karyanya dikagumi oleh orang-orang sezamannya, yang menyebutnya "keajaiban alam", "phoenix", "lautan puisi". Pada usia lima tahun, Lope de Vega sudah menulis puisi, dan pada usia dua belas tahun ia membuat komedi yang dipentaskan. Selanjutnya, seperti yang dia yakinkan, dia menulis lakon itu lebih dari sekali dalam satu hari. Dia mencoba semua genre puitis dan prosa. Menurut Lope de Vega sendiri, dia menulis 1800 komedi, yang harus ditambahkan 400 drama religius dan selingan dalam jumlah yang sangat besar. Namun, Lope de Vega sendiri tidak terlalu peduli dengan keamanan karya dramatisnya, yang dianggap sebagai jenis sastra paling rendah, akibatnya sebagian besar tidak diterbitkan selama masa hidupnya. Teks dari hanya 400 lakon oleh Lope de Vega (hampir seluruhnya puitis) telah sampai kepada kita, dan 250 lainnya hanya diketahui dari judulnya. Penulis naskah sejak awal memperhatikan bahwa lakon yang ditulis menurut aturan klasisisme yang ketat tidak mendapat tanggapan yang tepat di antara masyarakat. Ungkapan luar biasa dari para pahlawan dirasakan dengan dingin, nafsu tampak berlebihan. Lope de Vega ingin menyenangkan penonton, dia menulis untuk rakyat jelata. Para pendiri teater klasik menuntut kesatuan kesan, tragis dengan tragedi, lucu dengan komedi. Lope de Vega menolak ini, dengan menyatakan bahwa segala sesuatu dalam hidup ini tidak tragis atau semuanya lucu, dan demi kebenaran hidup ia menetapkan untuk teaternya "campuran yang tragis dengan yang lucu", "campuran yang luhur dan yang lucu." Lope de Vega percaya bahwa untuk membatasi penulis naskah hingga batas waktu dua puluh empat jam, menuntut darinya kesatuan tempat adalah tidak masuk akal, tetapi kesatuan plot diperlukan, kesatuan tindakan adalah wajib. Penulis drama mengembangkan teori intrik panggung. Intrik adalah saraf dari drama itu. Itu mengikat permainan bersama dan dengan kuat membuat penonton terpikat oleh panggung. Sejak awal, intrik harus mengikat simpul peristiwa dengan kuat dan mengarahkan penonton melalui labirin rintangan panggung. Lope de Vega mencoba berbagai genre. Dia menulis soneta, puisi epik, cerita pendek, puisi spiritual. Namun, Lope de Vega adalah penulis drama yang luar biasa. Rentang plot karyanya sangat luas: sejarah manusia, sejarah nasional Spanyol, terutama masa heroik, peristiwa dari kehidupan orang-orang sezaman dari berbagai strata sosial negara, episode nyata dari kehidupan semua orang. Ada 3 periode dalam karya penulis naskah: Periode I () saat ini ia aktif merangkum prestasi teater nasional, menegaskan hak penulis untuk membebaskan kreativitas. Drama terbaik periode ini adalah Guru Tari (1594), Janda Valencia (1599), Dunia Baru Ditemukan oleh Christopher Columbus (1609).
15 Pada periode kedua (), penulis membuat drama sejarah nasionalnya sendiri, menggunakan plot novel rakyat Fuente Ovehuna (1613), Anak Tidak Sah Mudarra (1612). Selama periode ini, komedi paling terkenal muncul: "The Dog in the Manger" (1613), "The Fool" (1613). Periode III () menulis drama "The Best Alcalde King" (), "The Star of Seville" (1623), komedi "Girl with a Jug" (1623), "To Love Without Known Whom" (1622). Terlepas dari kerumitan mengklasifikasikan warisan penulis berdasarkan genre, tiga kelompok karya biasanya dibedakan: drama rakyat-heroik, sejarah nasional dan sosial; komedi rumah tangga, yang disebut "komedi jubah dan pedang"; kegiatan spiritual otomotif. B. Orisinalitas ideologis dan artistik dari drama "Fuente Ovejuna" Drama "Fuente Ovejuna" adalah salah satu puncak karya Lope de Vega. Itu juga dapat dikaitkan dengan jumlah drama sejarah, karena aksinya terjadi pada akhir abad ke-15, pada masa pemerintahan Ferdinand dan Isabella. Hal yang paling luar biasa tentang lakon ini, yang dijiwai dengan kesedihan yang benar-benar revolusioner, adalah bahwa pahlawannya bukanlah karakter individu mana pun, tetapi massa rakyat. Kota Fuente Ovehuna, diterjemahkan berarti "Musim Semi Domba", terletak di Spanyol dekat kota Cordoba. Di sini, pada tahun 1476, pemberontakan pecah melawan kesewenang-wenangan komandan Ordo Calatrava, Fernand Gomez de Guzman. Komandan dibunuh oleh para pemberontak. Fakta sejarah ini direproduksi dalam lakonnya oleh penulis naskah. Konsep "tatanan spiritual" membawa kita ke zaman kuno Spanyol yang dalam. Pada awal abad ke-12, ordo spiritual dan ksatria, organisasi militer dan biara dibentuk di negara itu untuk melawan bangsa Moor. Yang memimpin ordo adalah Grand Master, yang tunduk pada nasihat ordo dan Paus. Kekuasaan Grand Master dilakukan oleh para komandan gubernur militer daerah. Perintah-perintah ini segera merebut wilayah yang luas, menjadi lebih kuat secara ekonomi, dan karena mereka secara langsung berada di bawah Paus, dan bukan raja, mereka menjadi semacam kubu anarki feodal di negara itu. Komandan Ordo Calatrava, Fernand Gomez, yang ditempatkan dengan detasemennya di desa Fuente Ovehuna, melakukan kekerasan terhadap penduduk, menghina alcalde setempat dan mencoba mencemarkan nama baik putrinya Laurencia. Frondoso petani, yang mencintainya, berhasil melindungi gadis itu. Tetapi selama pernikahan Frondoso dan Laurencia, komandan muncul dengan anak buahnya, membubarkan mereka yang berkumpul, mengalahkan alcalde, ingin menggantung Frondoso dan menculik Laurencia untuk kemudian mengambilnya secara paksa. Para petani tidak tahan dengan aib seperti itu: mereka semua laki-laki,
16 wanita, anak-anak tanpa kecuali mempersenjatai diri dan memukuli para pemerkosa. Selama penyelidikan pengadilan yang ditunjuk oleh raja dalam kasus ini, ketika para petani disiksa, yang sebenarnya membunuh Fernand Gomez, semuanya sebagai satu jawaban: "Fuente Ovejuna!" Raja terpaksa menghentikan pengadilan: dia "memaafkan" para petani dan mengambil Fuente Ovejuna di bawah otoritas langsungnya. Begitulah kekuatan solidaritas rakyat. Komandan Fernand Gomez, seperti yang dikatakan dalam kronik sejarah, menguasai kota Fuente Ovehuna secara sewenang-wenang, bertentangan dengan keinginan raja dan otoritas kota Cordoba. Para petani yang memberontak melawannya tidak hanya mempersonifikasikan pejuang melawan penindas rakyat, tetapi juga pejuang persatuan politik negara, yang ditekankan oleh Lope de Vega dalam permainannya. Ini bertepatan dengan program politik otoritas Spanyol. Oleh karena itu, adalah mungkin untuk memuliakan para petani pemberontak dengan begitu berani. Masalah politik lakon tersebut ditafsirkan oleh Lope de Vega dalam perspektif sejarah. Perkawinan Infante Ferdinand dari Aragon dengan Isabella dari Kastilia berarti aneksasi kerajaan Aragon dari Kastilia, yaitu penyatuan seluruh Spanyol. Di Lope de Vega, para petani Fuente Ovehuna mengabdi pada Ferdinand dan Isabella, sementara komandan, bersama dengan seluruh perintahnya, bertindak sebagai pengkhianat, mendukung klaim takhta Kastilia dari pelamar lain, yang akan mengarah pada fragmentasi. Spanyol. Jadi, dalam lakon Lope de Vega, persatuan bangsa, kebangsaan, dan kebangsawanan sejati saling terkait secara internal. Tokoh sentral dari lakon Laurencia. Ini adalah gadis petani sederhana. Menawan, bangga, berlidah tajam, cerdas. Dia memiliki harga diri yang sangat berkembang, dan dia tidak akan membiarkan dirinya tersinggung. Lawrencia didekati oleh anak laki-laki desa, tetapi untuk saat ini, dia dan temannya Pascuala telah memutuskan bahwa semua laki-laki itu adalah bajingan. Tentara mencoba merayu Laurencia dengan hadiah, mencondongkannya ke bantuan komandan, tetapi gadis itu menjawab mereka dengan jijik: Ayam itu tidak sebodoh itu, Ya, dan kasar untuknya. (Diterjemahkan oleh K. Balmont) Namun, gadis itu sudah tahu bahwa cinta ada di dunia; Dia sudah memiliki filosofi tertentu dalam hal ini. Dalam salah satu adegan lakon itu, perselisihan tentang cinta dimulai antara pemuda dan pemudi petani. Apa itu cinta? Apakah itu ada? Petani Mengo, salah satu karakter paling menarik dalam drama itu, menyangkal cinta. Barrildo tidak setuju dengannya: Jika cinta tidak ada, maka dunia juga tidak ada. (Diterjemahkan oleh K. Balmont)
17 Penghakiman ini diambil oleh orang lain. Cinta, menurut Laurencia, adalah "keinginan akan keindahan" dan tujuan utamanya adalah "mencicipi kesenangan". Di hadapan kita adalah filosofi Renaisans yang meneguhkan hidup. Karakter Laurencia tidak segera diungkapkan kepada penonton. Kami masih belum tahu kekuatan jiwa apa yang disembunyikan gadis petani ini dalam dirinya. Inilah pemandangan di tepi sungai: Laurencia sedang membilas pakaian, bocah petani Frondoso, yang mendekam karena cinta padanya, menceritakan tentang perasaannya. Laurencia yang riang menertawakannya. Dia senang mengejek kekasihnya, tetapi dia menyukainya, pemuda yang jujur \u200b\u200bdan jujur ini. Komandan muncul. Melihatnya, Frondoso bersembunyi, dan komandan, percaya bahwa gadis itu sendirian, dengan kasar menempel padanya. Laurencia dalam bahaya besar, dan dia tidak punya pilihan selain meminta bantuan. Dia tidak menyebut nama Frondoso yang bersembunyi di balik semak, dia memanggil ke langit. Inilah ujian keberanian Frondoso: apakah cintanya kuat, apakah dia cukup tanpa pamrih? Dan pemuda itu bergegas menyelamatkan. Dia diancam akan dibunuh, tapi dia menyelamatkan gadis itu. Frondoso terpaksa bersembunyi. Tentara komandan memburunya untuk menangkap dan mengeksekusinya. Tapi dia ceroboh. Dia berusaha untuk bertemu Laurencia, dia mencintainya dan sekali lagi bercerita tentang cintanya. Sekarang gadis itu tidak bisa tidak mencintainya, dia siap menikah dengannya. Maka, Laurencia yang ceroboh, yang menganggap semua pria penipu dan bajingan, jatuh cinta. Semuanya menjanjikan kebahagiaannya. Pernikahan akan berlangsung segera. Orang tua dari anak muda setuju untuk mempersatukan mereka. Sementara itu, panglima dan prajuritnya yang keterlaluan meluapkan cawan kesabaran rakyat. Hal-hal mengerikan sedang terjadi di Fuente Ovehuna. Tetapi penyair tidak bisa murung, bahkan membicarakan hal ini. Suasana putus asa dan pesimisme asing baginya, juga bagi para pahlawan petani. Semangat keceriaan dan keyakinan akan kebenaran tak kasat mata hadir di atas panggung. Frondoso dan Laurencia menikah. Para petani menyanyikan lagu-lagu yang bermanfaat. Prosesi pernikahan disusul oleh panglima bersama prajuritnya. Komandan memerintahkan untuk merebut keduanya. Dan kerumunan yang meriah berpencar, pasangan muda ditangkap, orang tua yang malang meratapi anak-anak mereka. Frondoso diancam akan dibunuh. Setelah siksaan yang lama, pelecehan kotor, Laurencia melarikan diri dari komandan. Dan bagaimana dia telah berubah! Dia muncul di majelis nasional, di mana wanita tidak diizinkan: Saya tidak membutuhkan hak untuk memilih, Seorang wanita memiliki hak untuk mengeluh (Diterjemahkan oleh K. Balmont) Tapi dia tidak datang ke sini untuk mengeluh, tetapi untuk mengungkapkan penghinaannya untuk pria sengsara yang tidak mampu membela diri. Dia menolak ayahnya. Dia mencela petani pengecut:
18 Kamu adalah domba, dan Kunci Domba tepat untuk kamu tinggali! .. Kamu biadab, bukan orang Spanyol, Pengecut, keturunan kelinci. Tidak bahagia! Anda memberikan istri Anda kepada pria asing! Mengapa Anda membawa pedang? Gantung dari sisi spindel! Aku bersumpah padamu, aku akan mengatur agar para wanita itu sendiri akan membasuh kehormatan mereka yang ternoda Dalam darah tiran pengkhianat, Dan mereka akan meninggalkanmu dalam kedinginan (Diterjemahkan oleh K. Balmont) Pidato Laurencia menyulut para petani, mereka memberontak. Kemarahan para pemberontak itu tanpa ampun. Komandan terbunuh. Ceria dan pemalu, seorang wanita petani biasa di awal drama, Laurencia dalam aksinya menjadi pemimpin pemberontak yang diakui. Dan tidak hanya kebencian dan cinta pribadi untuk Frondoso yang memandu tindakannya, tetapi juga kepentingan bersama desa. Drama itu diakhiri dengan akhir yang bahagia. Para petani menang. Dan tidak bisa sebaliknya, karena hidup selalu menang. Inilah perbedaan utama antara Lope de Vega dan penyair barok dan penulis drama. Inti dari pertanyaannya bukan pada tema dan plot, bukan pada peristiwa yang digambarkan, tetapi pada sikap pengarang terhadap topik, plot, dan peristiwa tersebut. B. Orisinalitas ideologis dan artistik dari drama "The Star of Seville" (1623) Drama tersebut berlangsung di Seville, pusat Andalusia, pada zaman kuno, ketika negara itu diperintah oleh raja petani Sancho IV the Bold. Konflik berkembang antara raja, yang tidak mempertimbangkan martabat manusia orang lain, dan Spanyol kuno, yang melestarikan tradisi dan hidup sesuai dengan hukum kehormatan yang tinggi. Dua konsep kehormatan menentukan perkembangan konflik. Keduanya diwujudkan dalam tokoh sentral Sancho Ortiz. Raja menyukai Estrella, yang dijuluki oleh orang-orang karena kecantikannya sebagai "Bintang Seville". Dia ingin menguasai kecantikan itu, tetapi saudara laki-laki gadis itu, Busto Tabera, menghalangi jalannya. Menemukan raja di rumahnya, dia menyerbunya dengan pedang. Raja memutuskan untuk membunuh musuh, tetapi untuk ini gunakan bangsawan Sancho Ortiz, tunangan Estrella. Raja mempermainkan kejujuran Sancho. Sebelum memerintahkan pembunuhan Busto Tabera, dia mengajak Sancho berbicara terus terang
19 pengabdian dan kesetiaan kepada raja dan menepati janjinya untuk memenuhi semua perintah tuannya tanpa ragu. Mengetahui sepenuhnya sifat bangga Sancho, dia menyerahkan kepada pemuda itu sebuah kertas yang membenarkan semua tindakan selanjutnya, tetapi Sancho merobeknya. Dan hanya setelah raja akhirnya yakin akan kesiapan Sancho untuk membalas penghinaan terhadap raja, dia memberikan perintah tertulis dengan nama korban dan segera pergi dengan ucapan yang menunjukkan ketidakpedulian total terhadap nasib bawahannya: Baca setelah dan cari tahu siapa yang harus kamu bunuh. Meskipun namanya mungkin membingungkan Anda, Tapi jangan mundur (Diterjemahkan oleh T. Shchepkina-Kupernik) Setelah mengetahui bahwa dia harus membunuh Busto Taber, sahabatnya dan saudara laki-laki Estrella, Sancho dihadapkan pada pilihan: untuk memenuhi keinginan raja. memesan atau menolak. Dalam kedua kasus tersebut, dia adalah sandera kehormatan. Untuk pertama kalinya, penulis drama berbicara tentang kurangnya kebebasan seseorang dalam masyarakat yang tidak manusiawi dan kehidupan yang tidak berarti. Sancho membunuh Busto Tabera dan kehilangan Estrella selamanya. Puncak dari perdebatan tentang kehormatan adalah adegan pengadilan, di mana Sancho menolak menyebutkan nama orang yang memerintahkan pembunuhan itu. Berfokus pada masalah kehormatan dan tradisi Spanyol kuno, Lope de Vega sekaligus menekankan bahwa, dibesarkan dalam semangat tradisi tersebut, Sancho Ortiz menjadi sandera mereka, menjadi instrumen di tangan kekuasaan kerajaan. Ciri khas dari lakon ini adalah bahwa pengarangnya memperkenalkan ke dalam narasi panggung cita rasa sejarah yang melekat di era Sancho IV the Bold, yang memberikan aksi puisi yang mengasyikkan. Seperti banyak karya lainnya, "Star of Seville" juga bercirikan humor, lelucon yang licik. Segera setelah penjelasan menyedihkan dari kekasih muda itu, dia membuat para pelayan, yang ternyata adalah saksi kebetulan dari peristiwa ini, memparodikan majikan mereka. Di sini, Lope de Vega mengikuti tradisinya, membawa narasi "luhur dan lucu" ke panggung. Daftar literatur yang direkomendasikan dan digunakan 1. Artamonov, S.D. Sejarah sastra asing abad XVII-XVIII / S.D. Artamonov. Moskow: Pencerahan, S. Artamonov, S.D. Sastra asing abad 17-18: sebuah antologi. Proses tunjangan untuk mahasiswa. ped. di-tov / S.D. Artamonov. M.: Pencerahan, S
20 3. Vipper, Yu.B., Samarin, R.M. Kuliah tentang sejarah sastra asing abad ke-17 / Yu.B. Viper, R.M. Samarin; ed. S.S. Ignatov. M.: Universitetskoe, S Erofeeva, N.E. Sastra asing. Abad XVII: buku teks untuk siswa pedagogis. universitas / N.E. Erofeev. Moskow: Bustard, S Plavskin, Z.I. Lope de Vega / Z.I. Plavskin. M.; L., s. 6. Stein, A.L. Sejarah Sastra Spanyol / A.L. Matte. edisi ke-2. Moskow: Editorial URSS, S
21 Kuliah 2 Sastra Barok Spanyol abad ke-17 Rencana 1. Ciri-ciri perkembangan sastra Barok Spanyol. 2. Sekolah sastra Barok Spanyol. 3. Luis de Gongora sebagai perwakilan terkemuka dari lirik barok Spanyol. 4. Dramaturgi barok Spanyol (Calderon). 5. Francisco de Quevedo dan Prosa Barok Spanyol. 1. Ciri-ciri perkembangan sastra Barok Spanyol abad XVII di Spanyol, era penurunan ekonomi terdalam, krisis politik, dan reaksi ideologis. Ketika negara Spanyol yang bersatu muncul pada akhir abad ke-15 dan Reconquista selesai, sepertinya tidak ada yang menandakan bencana yang akan segera terjadi. Kolonisasi pertama kali berfungsi sebagai pendorong perkembangan ekonomi, munculnya hubungan borjuis awal dalam industri dan perdagangan. Namun, segera, penurunan yang dalam dari negara Spanyol, ekonomi dan politiknya terungkap. Emas Amerika memungkinkan kelas penguasa dan kekuatan kerajaan Spanyol mengabaikan perkembangan industri dan perdagangan dalam negeri. Akibatnya, pada akhir abad ke-16, industri tersebut layu. Seluruh cabang produksi menghilang, perdagangan berada di tangan orang asing. Pertanian telah runtuh. Orang-orang mengemis, dan bangsawan serta pendeta yang lebih tinggi tenggelam dalam kemewahan. Kontradiksi sosial dan nasional di dalam negeri meningkat tajam. Pada tahun 1640, pemberontakan separatis yang meluas dimulai di Catalonia (wilayah yang paling terindustrialisasi di Spanyol), disertai dengan banyak pemberontakan dan kerusuhan petani. Lambat laun, Spanyol mulai kehilangan koloninya. Semua ini tidak bisa tidak meninggalkan jejak pada sastra Spanyol abad ke-17. Ciri khas sastra Spanyol abad ke-17: 1) selama dekade pertama abad ke-17, seni Renaisans mempertahankan posisi yang kuat di Spanyol, meskipun sudah menunjukkan ciri-ciri krisis. Para penulis terkemuka menjadi semakin sadar akan ketidakkonsistenan internal dari cita-cita Renaisans, ketidakkonsistenan mereka dengan kenyataan yang suram;
22 2) sistem seni yang dominan di Spanyol sepanjang abad adalah barok. Kecenderungannya melekat pada karya seniman abad ke-17 Velazquez ("Venus di depan cermin"), Murillo ("Yesus membagikan roti kepada pengembara"), dan lain-lain Interaksi Barok dan Renaisans di Spanyol lebih intens daripada di negara-negara lain di Eropa Barat. Bukan kebetulan bahwa dalam karya tokoh-tokoh besar dalam literatur Barok Spanyol Quevedo, Calderon, dan lainnya, gema cita-cita dan masalah Renaisans dilacak dengan jelas; 3) Seni barok Spanyol berorientasi pada elit intelektual. Secara umum, seni Baroque Spanyol dibedakan berdasarkan: kekerasan dan tragedi; menonjolkan prinsip spiritual; keinginan untuk melepaskan diri dari cengkeraman prosa kehidupan. Pada paruh kedua abad ke-17 ditandai dengan meningkatnya kecenderungan mistik. 2. Sekolah sastra Barok Spanyol Dalam literatur Barok Spanyol (terutama pada paruh pertama abad ini) terjadi pergulatan antara dua aliran utama kultus (kultarianisme) dan konsepisme. Kultisme (dari kultus Spanyol diproses, dibudidayakan) dirancang untuk dirasakan oleh orang-orang terpilih dan terpelajar. Tidak menerima kenyataan, menentangnya pada dunia seni yang sempurna dan indah, para pemuja menggunakan bahasa terutama sebagai alat untuk menolak kenyataan yang buruk. Mereka menciptakan "gaya gelap" khusus, membebani karya dengan metafora yang tidak biasa dan kompleks, neologisme (kebanyakan berasal dari bahasa Latin), dan konstruksi sintaksis yang kompleks. Penyair-kultus terbesar dan paling berbakat adalah Gongora (itulah sebabnya kultus juga disebut Gongorisme). Konseptisme (dari pemikiran consepto Spanyol), berbeda dengan kultus, diklaim mengungkapkan kompleksitas pemikiran manusia. Tugas utama para konsepnis adalah mengungkap hubungan yang dalam dan tak terduga antara konsep dan objek yang berjauhan satu sama lain. Konseptis menuntut kekayaan semantik maksimum dari pernyataan tersebut. Trik favorit para konsepsi adalah penggunaan polisemi kata, permainan kata, penghancuran frasa yang stabil dan familiar. Bahasa mereka lebih demokratis daripada bahasa para pemuja, tetapi tidak kalah sulitnya untuk dipahami. Bukan kebetulan bahwa filolog Spanyol terkemuka R. Menendez Pidal menyebut sikap Konseptis sebagai "gaya yang sulit". Penulis konseptis yang paling menonjol adalah Quevedo, Guevara dan Gracian (yang terakhir juga merupakan ahli teori konseptis).
23 Namun, kedua sekolah memiliki lebih banyak kesamaan daripada perbedaan. Kedua arah di atas segalanya menempatkan metafora di mana "pikiran cepat" cocok dengan konsep yang tidak terduga dan jauh, menggabungkan yang tidak sesuai. Dengan sangat berpegang pada dogma mereka, sekolah memperkaya sastra dengan cara ekspresif baru dan memengaruhi perkembangan selanjutnya. Kultisme paling jelas diwujudkan dalam puisi, konsepsi dalam prosa. Dan ini bukan kebetulan. Para pemuja mengungkapkan nuansa perasaan yang paling halus: puisi mereka terlalu jenuh secara emosional. Konseptis menyampaikan semua kekayaan dan fleksibilitas pemikiran yang tajam: prosa mereka kering, rasionalistik, jenaka. 3. Luis de Gongora sebagai perwakilan terkemuka dari lirik Barok Spanyol Luis de Gongora y Argote () salah satu penyair sastra dunia yang paling kompleks dan berbakat, telah lama dianggap "musik", "gelap", tidak dapat diakses oleh pembaca biasa . Ketertarikan pada karyanya dihidupkan kembali pada abad ke-20 melalui upaya penyair seperti R. Dario dan F. Garcia Lorca. Karya-karya Gongora tidak dipublikasikan selama masa hidupnya. Mereka diterbitkan secara anumerta dalam koleksi Works in the Verses of the Homer Spanyol (1627) dan dalam koleksi karyanya, diterbitkan pada 1629. Romansa, letrilla (bentuk populer puisi rakyat), soneta, puisi liris - genre di mana penyair mengabadikan namanya. Gongora menciptakan "gaya gelap" khusus dalam puisi, yang mengecualikan pembacaan puisi yang sembrono dan baginya merupakan semacam sarana untuk menolak kenyataan buruk. Yang sangat penting untuk pembentukan gaya penyair adalah lirik Arab-Andalusia abad pertengahan (Gongora lahir di Kordoba, bekas ibu kota kekhalifahan Arab, yang mempertahankan tradisi budaya seribu tahun). Dia mereproduksi realitas dalam dua alam, nyata dan bersyarat. Penggantian terus-menerus dari rencana nyata dengan rencana metaforis adalah perangkat paling umum dalam puisi Gongora. Tema puisinya hampir selalu sederhana, tetapi penerapannya sangat sulit. Garis-garisnya perlu diurai, dan ini adalah pengaturan kreatif sadarnya. Penulis percaya bahwa ketidakjelasan ekspresi, "gaya gelap" mendorong seseorang untuk beraktifitas dan berkreasi, sementara kata-kata dan ekspresi yang biasa dilenyapkan menidurkan kesadarannya. Itulah sebabnya dia memenuhi pidato puitisnya dengan neologisme dan archaisme yang eksotis, menggunakan kata-kata yang akrab dalam konteks yang tidak biasa, dan meninggalkan sintaksis tradisional. Puisi Gongora menunjukkan banyaknya sudut pandang tentang subjek (pluralisme) dan ambiguitas kata, tipikal sistem seni Barok. Dalam kosakata puitisnya ada yang aneh
24 kata kunci yang membangun seluruh sistem metafora: kristal, ruby, mutiara, emas, salju, anyelir. Masing-masing, tergantung pada konteksnya, memperoleh satu atau beberapa makna tambahan. Jadi, kata "kristal" tidak hanya berarti air, sumber, tetapi juga tubuh wanita atau air matanya. "Emas" adalah emas rambut, emas minyak zaitun, emas sarang lebah; "terbang salju" seekor burung putih, "berputar salju" taplak meja putih, "melarikan diri dari salju" wajah kekasih seputih salju. Di tahun-tahun masih cukup muda, Gongora menciptakan sekitar 30 soneta, yang ditulisnya berdasarkan Ariosto, Tasso, dan penyair Italia lainnya. Puisi-puisi ini, seringkali masih puisi siswa, dicirikan oleh orisinalitas niat dan pemolesan bentuk yang cermat. Kebanyakan dari mereka dikhususkan untuk tema kerapuhan hidup, kerapuhan keindahan. Motif soneta terkenal "Sementara bulu rambutmu mengalir" kembali ke Horace. Ini dikembangkan oleh banyak penyair, termasuk Tasso. Tetapi bahkan di Tasso yang tragis, kedengarannya tidak putus asa seperti di Gongora: kecantikan tidak hanya akan memudar atau memudar, tetapi akan berubah menjadi Ketiadaan yang mahakuasa ... Cepatlah untuk merasakan kesenangan dalam kekuatan yang Tersembunyi di kulit, di ikal, di mulut. Sampai karangan bunga anyelir dan bunga lili Anda Tidak hanya tidak layu, Tapi tahun-tahun tidak mengubah Anda menjadi abu dan tanah, menjadi abu, asap dan debu. (Diterjemahkan oleh S. Goncharenko) Ketidakharmonisan dunia, di mana kebahagiaan berlalu dengan cepat di hadapan Ketiadaan yang Mahakuasa, ditekankan oleh komposisi puisi yang harmonis dan harmonis, dipikirkan hingga detail terkecil. Gaya puitis Gongora paling banyak diekspresikan dalam puisinya The Tale of Polyphemus and Galatea (1612) dan Solitude (1614). Plot Polyphemus dan Galatea dipinjam dari Metamorphoses karya Ovid. Gongora tertarik dengan plot dengan karakternya yang fantastis dan gambar yang aneh. Berangkat dari citra klasik, Gongora menciptakan puisi barok yang lengkap dan sempurna, dan lebih liris daripada naratif. Dia musikal secara internal. Peneliti karya Gongora Belmas membandingkannya dengan sebuah simfoni. Puisi itu, yang ditulis dalam oktaf, dibangun di atas antitesis dari dunia Galatea yang indah dan cerah dan Asis kesayangannya dan dunia gelap Polyphemus, serta penampilan Cyclops yang jelek dan perasaan lembut dan kuat yang memenuhi dirinya sepenuhnya . Di tengah puisi itu adalah pertemuan Asis dan Galatea. Kami tidak mendengar pidato mereka, itu adalah pantomim atau balet yang sunyi. Kencan itu terlihat seperti sebuah idyll, dijiwai dengan semangat harmoni dan ketenangan. Dia terganggu oleh kemunculan monster yang marah karena cemburu. Pecinta lari tapi bencana
25 menyusul mereka. Marah, Polyphemus melempar batu ke Asis dan menguburnya di bawahnya. Asis berubah menjadi sungai. Gongora mengarahkan pembaca pada pemikiran: dunia ini tidak harmonis, kebahagiaan tidak dapat dicapai di dalamnya, keindahan mati di dalamnya, seperti Asis yang cantik mati di atas pecahan batu. Namun ketidakharmonisan hidup diimbangi dengan keselarasan seni yang ketat. Puisi itu selesai. Dan dengan segala ketidakharmonisan internal, ia memiliki keseimbangan dari bagian-bagian penyusunnya. Puncak sebenarnya dari karya Gongora adalah puisi "Kesepian" (hanya "Kesepian Pertama" dan bagian dari "Kedua" dari 4 bagian yang direncanakan yang ditulis). Nama itu sendiri ambigu dan simbolis: kesepian ladang, hutan, gurun, takdir manusia. Pengembaraan pengembara yang kesepian, pahlawan puisi itu, dianggap sebagai simbol keberadaan manusia. Praktis tidak ada plot dalam puisi itu: seorang pemuda tanpa nama, kecewa dalam segala hal, menderita cinta tak berbalas, akibat kapal karam berakhir di pantai tak berpenghuni. Plotnya hanya berfungsi sebagai dalih untuk mengungkap asosiasi paling halus dari kesadaran pahlawan yang merenungkan alam. Puisi itu terlalu jenuh dengan gambar, metafora, paling sering didasarkan pada penggabungan konsep yang jauh di belakang satu sama lain dalam satu gambar (yang disebut "concetto"). Pemadatan kiasan dari ayat yang dibawa ke batas menciptakan efek "kegelapan" gaya tersebut. Jadi, kita melihat bahwa karya Gongora membutuhkan pembaca yang bijaksana, berpendidikan, akrab dengan mitologi, sejarah, mengetahui historisisme dan aforisme. Bagi pembaca yang sempurna, puisinya tentu saja lebih bisa dimengerti, tetapi bagi orang-orang sezaman Gongora hal itu tampak misterius dan tidak wajar. 4. Dramaturgi Barok Spanyol (Calderón) Drama barok dibentuk dalam konteks perjuangan ideologi teater yang semakin intensif. Pendukung kontra-reformasi yang paling fanatik berulang kali mengajukan tuntutan pelarangan pertunjukan teater sekuler. Namun, tidak hanya tokoh teater Spanyol yang cenderung humanis, tetapi juga perwakilan moderat dari elit penguasa masyarakat menentang upaya ini, melihat teater sebagai sarana yang ampuh untuk menegaskan cita-cita mereka. Namun demikian, sejak awal abad ke-17, kelas penguasa semakin tegas menyerang kekuatan demokrasi yang telah memantapkan diri di teater Spanyol. Tujuan ini dipenuhi dengan pengurangan jumlah rombongan teater, pembentukan sensor sekuler dan gereja yang ketat atas repertoar dan, khususnya, pembatasan bertahap aktivitas teater kota publik (yang disebut "koral") dan penguatan peran teater pengadilan. Legislator gaya teatrikal, tentu saja, bukanlah massa penduduk kota yang kejam dan memberontak, seperti di "kandang",
Proses sejarah dan sastra ILP adalah sekumpulan fenomena yang secara umum signifikan dalam sastra dari waktu ke waktu dan di bawah pengaruh peristiwa sejarah. Perkembangan proses sastra ditentukan oleh artistik berikut
Alegori adalah alegori, ketika konsep lain disembunyikan di bawah citra tertentu dari suatu objek, orang, fenomena. Aliterasi adalah pengulangan konsonan yang homogen, mengkhianati teks sastra secara khusus
Anotasi disiplin akademik Nama disiplin Program pendidikan utama, yang meliputi disiplin Sastra negara-negara bahasa utama (Spanyol) Linguistik 035700 Volume disiplin Volume
Genre gaya bicara artistik Gaya artistik digunakan dalam fiksi. Itu memengaruhi imajinasi dan perasaan pembaca, menyampaikan pikiran dan perasaan penulis, menggunakan semua kekayaan
Komposisi bertema pertempuran untuk seseorang dalam tragedi Faust Tragedi Faust oleh Johann Wolfgang Goethe: ringkasan Itu harus membawa kegembiraan dan kesenangan bagi seseorang, dan yang terbaik adalah melakukannya, saudara Valentine.
Sastra Rusia abad ke-19 dalam konteks sastra dunia (kuliah) Svyatova E.N., guru bahasa dan sastra Rusia, Gimnasium 343, St.
Menyusun tema tema utama puisi Zaman Perak Tema puisi Zaman Perak. Citra kota modern dalam puisi V. Bryusov. Kota dalam karya Blok. Tema urban dalam karya V.V. Kontekstual
Jenius sepanjang masa Pada peringatan 450 tahun kelahirannya Di Shakespeare Seluruh dunia adalah teater Di dalamnya, wanita, pria, semua aktor Mereka memiliki jalan keluar, jalan keluar, Dan masing-masing memainkan lebih dari satu peran Dalam Shakespeare hingga Biografi singkat dari William
Anotasi program kerja sastra kelas 6-9 MBOU SOSH 56 tahun ajaran 2014-2015
Lembaga pendidikan anggaran negara sekolah menengah 392 dengan studi mendalam tentang bahasa Prancis di distrik Kirovsky St. Petersburg Diadopsi oleh Pedagogis
Mata pelajaran sastra Tahap (kelas) sekolah dasar (kelas 5-9) Dokumen peraturan Bahan ajar yang diterapkan Tujuan dan sasaran mempelajari mata pelajaran Standar pendidikan negara bagian federal dari jenderal utama
Ciri khas Renaisans adalah sifat budaya sekuler dan budayanya. Istilah Renaisans sudah banyak ditemukan di kalangan humanis Italia, misalnya Giorgio ... Teater dan drama banyak digunakan.
Mannerisme dari bahasa Italia "maniera" "manner", "style", diterjemahkan sebagai kepura-puraan. Gaya adalah sekumpulan fitur yang menjadi ciri seni pada waktu, arah, atau gaya individu seniman tertentu.
Sebuah esai bertema fitur artistik novel Pushkin Evgeny Onegin Penyimpangan liris Pushkin dalam novel Eugene Onegin tentang kreativitas, tentang cinta dalam kehidupan penyair. Cinta untuk Realisme dan kesetiaan
Program kerja musik untuk kelas 2 Hasil yang direncanakan dari mempelajari mata pelajaran "Musik" Pada akhir pelatihan di kelas 2, siswa dapat: - menunjukkan minat yang stabil pada musik; - menunjukkan kemauan
Hasil yang direncanakan (dalam kerangka Standar Pendidikan Negara Federal Pendidikan Umum - pribadi, mata pelajaran dan meta-mata pelajaran) dari pengembangan mata pelajaran seni rupa di kelas 7. Hasil pribadi dari penguasaan seni rupa
Kovaleva T. V. PENERJEMAHAN SASTRA DAN KEPRIBADIAN PENERJEMAH Penerjemahan sastra adalah suatu jenis kreativitas sastra, di mana sebuah karya yang ada dalam satu bahasa diciptakan kembali dalam bahasa lain.
SE Lyubimov, TI Mitsuk MASALAH MANUSIA DAN KEBEBASAN KEINGINAN DALAM ETIKA TOLSTOY Pembentukan pandangan Tolstoy sangat dipengaruhi oleh agama Kristen. Awalnya Tolstoy membagikannya sepenuhnya,
Fabulist Aesop (440-430 SM) Menurut legenda, dia adalah seorang lelaki tua, peserta pesta, lawan bicara yang bijak. Dia adalah seorang budak, tetapi lebih pintar dari warga negara bebas, jelek, tetapi dengan jiwa yang indah. Aesop. Diego Velasquez
Peran musik klasik dalam kehidupan seorang anak Pecinta dan penikmat tidak dilahirkan, tetapi menjadi... Untuk jatuh cinta pada musik, pertama-tama Anda harus mendengarkannya... Cintai dan pelajari seni musik yang hebat. Itu akan terbuka
Administrasi kota Magnitogorsk Lembaga pendidikan kota "Sekolah Asrama Khusus (Lapas) 4" kota Magnitogorsk 455026, wilayah Chelyabinsk, Magnitogorsk,
Kementerian Pendidikan dan Ilmu Pengetahuan Federasi Rusia
Sebuah esai bertema orisinalitas artistik novel Quiet Don Novel Quiet Don, yang mendapat pengakuan dunia, adalah sebuah epik, dan (lebih dari 700) ditentukan oleh orisinalitas genre novel Sholokhov. Belum melihat
1 Pendidikan estetika anak-anak di kelas musik di organisasi pendidikan prasekolah Tugas terpenting pendidikan musik dan estetika adalah pembentukan kemampuan persepsi dan
ANGGARAN DIKOTA DIKOTA KABUPATEN TOLYATTI "SEKOLAH 11" Surat Perintah 130 tanggal 14/06/2016
Merencanakan analisis karya liris (kelas 5-7). 1. Tema puisi: lanskap, lirik cinta, lirik filosofis, lirik sosial (Tentang apa teksnya?) 2. Plot: gambar utama, peristiwa, perasaan, suasana hati
67 PERAN SENI HUKUM DALAM PEMBENTUKAN DAN PENGEMBANGAN KEPRIBADIAN ANAK SEKOLAH Pidato oleh Loginova SA, Guru Seni Rupa Pembentukan dan perkembangan kepribadian anak merupakan hal yang kompleks. Karena
DAN TENTANG. Shaitanov History of Foreign Literature Renaissance WORKSHOP MOSCOW Dpofa 2009 Lokakarya Konten: catatan penjelasan 3 Pandangan modern tentang Renaisans: latar belakang teoretis
Drama sebagai salah satu jenis sastra Teori sastra. Analisis sastra karya seni Drama (Yunani: drama, lit. action)
Lembaga pendidikan anggaran kota sekolah menengah Vasilchinovskaya Disetujui oleh Direktur I.A. Urutan Korneeva PROGRAM KERJA 2017 tentang budaya artistik dunia
Program kerja sastra Kelas 5-9 ABSTRAK Program kerja didasarkan pada Standar Pendidikan Umum Negara Federal, Model Program Pendidikan Umum Lengkap Menengah
Mikhail Bulgakov adalah seorang penulis dengan nasib yang tidak biasa: bagian utama dari warisan sastranya diketahui oleh dunia pembaca hanya seperempat abad setelah kematiannya. Pada saat yang sama, novel terakhirnya "Master
LAMPIRAN 1.22 Lembaga pendidikan anggaran kota kota Mtsensk "Sekolah menengah 7" PROGRAM KERJA pada mata pelajaran "Seni (MHK)" Kelas: 10-11 Tingkat pendidikan:
Diselesaikan oleh: Golubeva K. Pengajar: Nemesh N.A. ADALAH. Turgenev (1818 1883) Biografi I.S. Turgenev lahir pada 28 Oktober (9 November), 1818 di Orel. Masa kecilnya dihabiskan di keluarga "sarang bangsawan" - perkebunan
STUDI KONSEP "CINTA" PADA PELAJARAN SASTRA DI SMA (CONTOH LIRIK M.I. TsVETAEVA) Izmailova E.A. Mahasiswa Pascasarjana, Departemen Teknologi Pendidikan di Filologi, Negara Rusia
Kementerian Pendidikan dan Ilmu Pengetahuan Federasi Rusia Lembaga Pendidikan Anggaran Negara Federal Pendidikan Profesional Tinggi "Institut Arsitektur Moskow (Akademi Negara)" (MARCHI) Departemen "Menggambar"
PENJELASAN PROGRAM KERJA PENDIDIKAN UMUM DASAR PADA SASTRA. Status dokumen Catatan penjelasan Program kerja literatur didasarkan pada komponen federal negara bagian
Sejarah baru 1500-1800. (Kelas 7) Kurikulum menggunakan perangkat pendidikan dan metodologi berikut: Buku Teks: "Sejarah Baru 1500-1800" Yudovskaya A.Ya., Baranov P.A., Vanyushkina L.M., - M .: "Pencerahan",
Lembaga Pendidikan Umum Otonom Kota "Sekolah Menengah 3" Saya menyetujui: direktur MAOU secondary school 3 order 196 tanggal 30 Agustus 2017. "P
Sebuah esai bertema nasib generasi tahun 1830 dalam lirik Lermontov Sejak usia dini, Lermontov merefleksikan takdir, takdir yang tinggi, menghabiskan dua tahun di sekolah asrama bangsawan Moskow, dan pada tahun 1830 ia masuk
Anotasi program kerja dalam literatur di kelas 5 Program kerja dalam literatur untuk kelas 5 dikembangkan berdasarkan dokumen-dokumen berikut: 1. Standar Pendidikan Negara Federal
Perkembangan musik dan estetika anak-anak prasekolah. Pengaruh musik terhadap perkembangan komprehensif kepribadian anak Disiapkan oleh music director Churakova N.L. Sejarah mengajarkan kita bahwa seni adalah
KALENDER DAN PERENCANAAN TEMATIK Untuk tahun ajaran 2013-2014 Kelas: 7 Mata Pelajaran: sejarah Jumlah jam sesuai kurikulum: sejarah - 68, 2 jam per minggu. 1. Disusun berdasarkan program pendidikan umum
Bagian 4. SEJARAH WAKTU BARU Topik 4.2 Negara-negara Eropa dan Amerika Utara pada abad 16-18. Kuliah 4.2.2. Munculnya absolutisme di negara-negara Eropa. Zaman Pencerahan. Rencana 1. Konsep absolutisme. 2.
CATATAN PENJELASAN Tujuan dari program ini adalah untuk membantu siswa, yang secara kreatif menguasai bahasa ibunya, menguasai pengalaman spiritual umat manusia. Tujuan ini menentukan tugas-tugas berikut :. Siswa harus mempelajari hukum penggunaan
Pavel Andreevich Fedotov adalah sosok yang kesepian dan tragis dalam seni Rusia pada pertengahan abad ke-19. Seperti banyak orang berbakat pada masa itu, dia hidup dan mati dengan kurang dipahami dan dihargai oleh orang-orang sezamannya. Takdir
Anotasi program kerja dalam sastra Kelas: 5 Tingkat studi materi pendidikan: bahan ajar dasar, buku teks: Program kerja disusun sesuai dengan konten minimum wajib sastra
I. Hasil terencana penguasaan bahasa asli (Rusia) dan sastra asli di kelas 8 Siswa harus mengetahui: arti alat visual fonetik, kosa kata, sintaksis; penggunaan berbagai
ESAI FINAL 2017/2018 ARAH TEMATIK "LOIY AND TREASON". Dalam kerangka arahan, seseorang dapat berbicara tentang kesetiaan dan pengkhianatan sebagai manifestasi berlawanan dari kepribadian manusia, mengingat
(peringatan 195 tahun N.A. Nekrasov) (10.12.1821-08.01.1878) 6+ “Saya mendedikasikan kecapi untuk orang-orang saya Mungkin saya akan mati, tanpa mereka ketahui. Tapi saya melayaninya dan hati saya tenang "Dalam sejarah sastra Rusia, Nikolai Alekseevich
Kelas 7 "Sejarah Rusia dari akhir abad ke-16 hingga akhir abad ke-18", "Sejarah Zaman Baru". Program kerja dikembangkan berdasarkan komponen federal dari Standar Negara untuk Pendidikan Umum Dasar
Anotasi untuk program kerja dalam literatur (FSES). Program kerja sastra untuk kelas 5-9 dikembangkan berdasarkan program teladan pendidikan umum dasar sastra, dengan mempertimbangkan rekomendasi
Sastra Zaman Perak pergantian abad dan awal abad ke-20. refleksi dari kontradiksi dan pencarian zaman. Kehidupan sastra yang aktif: buku dan majalah, malam dan kompetisi puisi, salon dan kafe sastra,
Solodchik Olga 7-Zh Sastra Rusia abad ke-18 telah berkembang pesat: dari klasisisme hingga sentimentalisme, dari cita-cita raja yang tercerahkan hingga pengalaman intim seseorang. Klasisisme Rusia
Setelah mempelajari bab ini, siswa akan:
tahu
- tentang adanya berbagai prinsip periodisasi proses budaya-sejarah;
- penyebab krisis humanisme Renaisans;
- isi dari konsep baru manusia yang terbentuk pada abad ke-17;
- prinsip dasar estetika dan puisi klasisisme dan barok;
mampu untuk
- menonjolkan ciri utama dalam isi abad ke-17, yang menentukan kekhususannya sebagai era budaya dan sejarah yang khusus;
- mencirikan perubahan sikap dan pandangan seseorang pada abad ke-17;
- mengidentifikasi unsur-unsur puisi barok dan klasik dalam sebuah karya seni;
memiliki
- gagasan tentang tren utama dalam proses sejarah dan budaya abad ke-17;
- gagasan tentang relativitas konfrontasi antara barok dan klasisisme;
- ketentuan utama puisi dan estetika klasisisme.
Di antara sejarawan dan peneliti budaya modern ada yang tidak percaya pada prinsip periodisasi sejarah masyarakat manusia yang ada. Beberapa dari mereka percaya bahwa "sifat manusia selalu berjuang untuk keteguhan" dan oleh karena itu pencarian perbedaan antara generasi berikutnya pada dasarnya tidak ada artinya. Yang lain yakin bahwa perubahan tidak terjadi sesuai dengan logika sejarah tertentu, tetapi di bawah pengaruh kepribadian cemerlang individu, oleh karena itu akan lebih masuk akal untuk menyebut periode sejarah dengan nama tokoh-tokoh tersebut ("The Age of Beethoven", " Zaman Napoleon”, dll.). Namun, ide-ide ini belum berdampak nyata pada ilmu sejarah, dan sebagian besar humaniora didasarkan pada periodisasi tradisional.
Pada saat yang sama, abad ke-17 menimbulkan kesulitan dalam menentukan kekhususannya sebagai era budaya dan sejarah yang mandiri. Kompleksitasnya sudah ditunjukkan oleh sebutan yang sangat terminologis - "Abad ketujuh belas". Era yang berdekatan disebut "Renaisans" dan "Pencerahan", dan dalam namanya sendiri sudah ada indikasi konten era ini dan pedoman ideologis fundamental. Istilah "Abad ketujuh belas" hanya menandai posisi pada sumbu kronologis. Upaya berulang kali dilakukan untuk menemukan sebutan lain untuk periode ini (era Kontra-Reformasi, era Absolutisme, era Barok, dll.), Tetapi tidak satupun yang berakar, karena tidak sepenuhnya mencerminkan sifat dari zaman. Namun, terlepas dari ketidakkonsistenan dan heterogenitas periode sejarah ini, banyak ahli menunjukkan transitivitas sebagai ciri utama abad ke-17 sebagai era budaya dan sejarah.
Dalam perspektif sejarah yang luas, era apa pun adalah transisi dari satu tahap sejarah ke tahap lainnya, tetapi abad ke-17 menempati posisi khusus dalam rangkaian ini: ia bertindak sebagai penghubung antara Renaisans dan Pencerahan. Banyak tren di berbagai bidang kehidupan masyarakat Eropa, yang berasal dari kedalaman Renaisans, menerima kesimpulan dan formalisasi logisnya hanya pada abad ke-18, sehingga abad "sementara" menjadi masa perubahan radikal. Perubahan-perubahan ini terutama mempengaruhi perekonomian: hubungan feodal secara aktif digantikan oleh hubungan kapitalis, yang mengarah pada penguatan posisi borjuasi, yang mulai mengklaim peran yang lebih berpengaruh dalam masyarakat Eropa Barat. Sebagian besar, perjuangan kelas baru untuk mendapatkan tempat di bawah sinar matahari menyebabkan bencana sosial di berbagai negara - revolusi borjuis di Inggris, yang berakhir dengan eksekusi Raja Charles I, percobaan kudeta di Prancis pada pertengahan abad, disebut Fronde, pemberontakan petani yang melanda Italia dan Spanyol.
Sejak penguatan hubungan ekonomi baru di negara-negara Eropa Barat berlangsung dengan kecepatan yang berbeda-beda, perimbangan kekuatan di kancah internasional juga mengalami perubahan pada abad ke-17. Spanyol dan Portugal kehilangan kekuatan ekonomi dan pengaruh politik mereka sebelumnya, Inggris, Belanda, dan Prancis, tempat kapitalisme berkembang lebih dinamis, memasuki garis depan sejarah Eropa. Redistribusi baru Eropa Barat ini menjadi dalih untuk Perang Tiga Puluh Tahun (1618-1648), salah satu perang terpanjang dan paling berdarah di zaman modern. Dalam konflik militer ini, di mana Liga Habsburg, yang menyatukan sebagian besar negara Katolik (Spanyol, Austria, kerajaan Katolik Jerman), ditentang oleh pangeran Protestan Jerman, Prancis, Swedia, Denmark, didukung oleh Inggris dan Belanda. Menurut sejarawan, lebih dari 7 juta orang dari populasi 20 juta meninggal hanya dari Liga Habsburg. Tidaklah mengherankan jika orang-orang sezaman membandingkan peristiwa ini dengan Penghakiman Terakhir. Deskripsi tentang kengerian Perang Tiga Puluh Tahun banyak ditemukan dalam karya sastra Jerman periode ini. Gambaran panjang dan sangat suram tentang bencana yang menimpa Jerman selama tahun-tahun perang disajikan oleh Hans Jakob Christoffel Grimmelshausen dalam novelnya The Adventures of Simplicius Simplicissimus (1669).
Dasar konflik antara negara-negara Eropa bukan hanya kontradiksi ekonomi dan politik, tetapi juga kontradiksi agama. Di abad ke-17 Gereja Katolik, untuk memperbaiki posisinya yang hancur dan mendapatkan kembali pengaruhnya yang dulu, memulai babak baru perjuangan melawan Reformasi. Gerakan ini disebut Kontra-reformasi. Gereja, yang sangat menyadari kemungkinan propaganda seni, mendorong penetrasi tema dan motif religius ke dalamnya. Budaya barok ternyata lebih terbuka untuk pengenalan semacam itu, lebih sering dan lebih rela beralih ke plot dan gambar religius. Wajar jika salah satu negara di mana Baroque mengalami masa kejayaannya adalah Spanyol, benteng utama Coitreformation di Eropa.
sastra abad ke-17
Sejak abad ke-17, Waktu Baru dianggap biasa dalam sejarah peradaban manusia. Menempati posisi perbatasan antara Renaisans (abad XIV-XVI) dan Pencerahan (abad XVIII), abad XVII banyak mengambil dari Renaisans dan banyak tertinggal.
Tren sastra utama abad ke-17 adalah Barok dan Klasisisme.
Barok memainkan peran penting dalam sastra abad ke-17. Tanda-tanda gaya baru mulai muncul pada akhir abad ke-16, tetapi abad ke-17lah yang menjadi masa kejayaannya. Barok adalah respons terhadap ketidakstabilan sosial, politik, ekonomi, krisis ideologis, ketegangan psikologis di era perbatasan, ini adalah keinginan untuk secara kreatif memikirkan kembali hasil tragis dari program humanistik Renaisans, ini adalah pencarian jalan keluar dari keadaan krisis spiritual.
Konten yang luhur secara tragis juga menentukan ciri-ciri utama Barok sebagai metode artistik. Karya-karya Barok dicirikan oleh sandiwara, sifat ilusi (bukan kebetulan bahwa drama P. Calderon disebut "Hidup adalah mimpi"), antinomi (benturan prinsip pribadi dan tugas sosial), kontras dari sifat sensual dan spiritual dari manusia, pertentangan antara yang fantastis dan yang nyata, yang eksotis dan yang biasa, yang tragis dan yang lucu . Barok penuh dengan metafora kompleks, alegori, simbolisme, dibedakan oleh ekspresi kata, peninggian perasaan, ambiguitas semantik, pencampuran motif mitologi kuno dengan simbol Kristen. Penyair Barok menaruh perhatian besar pada bentuk grafik dari ayat tersebut, menciptakan puisi "keriting", yang garis-garisnya membentuk pola hati, bintang, dll.
Karya semacam itu tidak hanya bisa dibaca, tetapi juga dianggap sebagai karya seni. Para penulis menyatakan orisinalitas karya sebagai keunggulan terpentingnya, dan ciri-ciri yang diperlukan - kesulitan persepsi dan kemungkinan berbagai interpretasi. Filsuf Spanyol Gracian menulis: "Semakin sulit untuk mengetahui kebenaran, semakin menyenangkan untuk memahaminya." Seniman kata sangat menghargai kecerdasan, penilaian paradoks: “Atas nama kehidupan, jangan terburu-buru untuk dilahirkan. / Terburu-buru lahir - cepat mati ”(Gongora).
Penulis Barok paling terkenal adalah: di Spanyol Luis de Gongora (1561-1627), Pedro Calderon (1600-1681), di Italia Torquato Tasso (1544-1595), Giambattista Marino (1569-1625), di Jerman Hans Jacob von Grimmelshausen ( ca. 1621-1676), di Belarus dan Rusia Simeon dari Polotsk (1629-1680). Peneliti mencatat pengaruh gaya Barok pada karya penulis Inggris W. Shakespeare dan J. Milton.
Tren sastra kedua yang tersebar luas pada abad ke-17 adalah klasisisme. Tanah airnya adalah Italia (abad XVI). Di sini, klasisisme muncul bersama dengan teater kuno yang dihidupkan kembali dan pada awalnya dianggap sebagai penentangan langsung terhadap drama abad pertengahan. Kaum humanis Renaisans memutuskan secara spekulatif, tanpa memperhitungkan keunikan zaman dan bangsa sejarah tertentu, untuk menghidupkan kembali tragedi Euripides dan Seneca, komedi Plautus dan Terentius. Mereka adalah ahli teori klasisisme pertama. Jadi, klasisisme awalnya bertindak sebagai teori dan praktik peniruan seni kuno: kekakuan rasionalistik dan logika aksi panggung, abstraksi citra artistik, pathos ucapan, postur dan gerak tubuh yang agung, syair tak berima sebelas suku kata. Inilah ciri-ciri tragedi Sofonisba karya Trissino (1478-1550), yang ditulis dengan model tragedi Sophocles dan Euripides dan membuka era klasisisme Eropa.
Sampel seni klasik diciptakan pada abad ke-17 di Prancis. Di sinilah teorinya mengkristal.
Doktrin rasionalistik Descartes menjadi dasar filosofis metode klasik. Filsuf percaya bahwa satu-satunya sumber kebenaran adalah akal. Mengambil pernyataan ini sebagai titik awal, kaum klasik menciptakan sistem aturan yang ketat yang akan menyelaraskan seni dengan persyaratan kebutuhan yang masuk akal atas nama mematuhi hukum artistik kuno. Rasionalisme menjadi kualitas dominan seni klasik.
Orientasi teori klasik ke zaman kuno dikaitkan terutama dengan gagasan keabadian dan kemutlakan cita-cita keindahan. Doktrin ini menegaskan perlunya peniruan: jika pada suatu waktu contoh ideal keindahan diciptakan, maka tugas penulis era berikutnya adalah sedekat mungkin dengan mereka. Oleh karena itu sistem aturan yang ketat, yang wajib dipatuhi dianggap sebagai jaminan kesempurnaan sebuah karya seni dan indikator keterampilan penulis.
Kaum klasik juga menetapkan hierarki genre sastra yang diatur dengan jelas: batas-batas genre yang tepat dan ciri-cirinya ditentukan. Tragedi, epik, ode sangat tinggi. Mereka menggambarkan bidang kehidupan publik, peristiwa yang menentukan, bertindak sebagai pahlawan yang sesuai dengan genre tinggi - raja, pemimpin militer, orang-orang bangsawan. Ciri khasnya adalah gayanya yang tinggi, perasaan yang luhur, dalam tragedi - konflik dramatis, nafsu yang menghancurkan, penderitaan yang tidak manusiawi. Tugas genre tinggi adalah mengejutkan penonton.
Genre rendah (komedi, sindiran, epigram, fabel) mencerminkan bidang kehidupan pribadi, cara hidup dan adat istiadatnya. Para pahlawan adalah orang biasa. Karya-karya semacam itu ditulis dalam bahasa sehari-hari yang sederhana.
Penulis drama klasik harus mengikuti aturan "tiga kesatuan": waktu (tidak lebih dari satu hari), tempat (satu pemandangan), aksi (tanpa alur cerita sampingan). Aturan dibuat untuk menciptakan ilusi kepastian.
Komponen penting dari teori klasik adalah konsep tipe umum karakter manusia. Karenanya abstraksi gambar artistik yang terkenal. Mereka menekankan fitur universal, "abadi" (Misanthrope, Miser). Pahlawan dibagi menjadi positif dan negatif.
Karakter panggung kaum klasik sebagian besar sepihak, statis, tanpa kontradiksi dan perkembangan. Ini adalah ide-karakter: ini terbuka seperti yang dibutuhkan oleh ide yang tertanam di dalamnya. Tendensi penulis, oleh karena itu, memanifestasikan dirinya secara langsung. Tanpa penggambaran individu, personal-individual dalam karakter manusia, sulit bagi kaum klasik untuk menghindari gambaran skematis dan konvensional. Pahlawan pemberani mereka berani dalam segala hal dan sampai akhir; seorang wanita yang penuh kasih suka ke liang kubur; orang munafik itu munafik sampai ke liang lahat, tetapi orang kikir itu pelit. Kualitas khas klasisisme adalah doktrin peran pendidikan seni. Menghukum keburukan dan menghargai kebajikan, penulis klasik berusaha memperbaiki sifat moral manusia. Karya terbaik klasisisme dipenuhi dengan kesedihan sipil yang tinggi.
Sastra Spanyol
Pada awal abad ke-17, Spanyol mengalami krisis ekonomi yang parah. Kekalahan "Invincible Armada" (1588) di lepas pantai Inggris, kebijakan kolonial yang tidak masuk akal, kelemahan absolutisme Spanyol, kepicikan politiknya membuat Spanyol menjadi negara kecil di Eropa. Sebaliknya, dalam budaya Spanyol, tren baru diidentifikasi dengan jelas, yang tidak hanya memiliki makna nasional, tetapi juga pan-Eropa.
Gema yang kuat dari budaya Renaisans adalah karya seorang penulis drama Spanyol yang berbakat Lope de Vega (1562-1635). Sebagai perwakilan dari realisme Renaisans, dia mengontraskan tragedi Barok dengan energi optimis, pandangan yang cerah, keyakinan pada vitalitas yang tidak habis-habisnya. Penulis drama juga menolak normativitas "ilmiah" dari teori klasik. Penulis menegaskan cita-cita cinta hidup, berjuang untuk pemulihan hubungan dengan penonton rakyat, dan membela inspirasi bebas dari artis.
Warisan dramaturgis Lope de Vega yang luas dan beragam - menurut orang sezaman, ia menulis lebih dari 2.000 drama, sekitar 500 di antaranya diterbitkan - biasanya dibagi menjadi tiga kelompok. Yang pertama adalah drama sosial-politik, paling sering dibangun di atas materi sejarah (Fuente Ovejuna, Adipati Agung Moskow).
Kelompok kedua termasuk komedi sehari-hari yang bersifat cinta ("Guru Tari", "Anjing di Palungan", "Gadis dengan Kendi", "Wanita Petani dari Getafe", "Bintang Seville"); kadang-kadang mereka disebut komedi "jubah dan pedang", karena peran utama di dalamnya adalah milik pemuda bangsawan, yang tampil dalam pakaian khas mereka (dalam jas hujan dan dengan pedang).
Kelompok ketiga termasuk drama yang bersifat religius.
Untuk memahami kekhasan karya dramatis Lope de Vega, risalah "Seni Baru Menyusun Komedi di Zaman Kita" (1609) sangatlah penting. Intinya, ia merumuskan ketentuan utama dramaturgi nasional Spanyol dengan fokus pada tradisi teater rakyat, dengan keinginan untuk memenuhi kebutuhan penonton, dengan masuk akal yang ditampilkan di atas panggung dan konstruksi intrik yang terampil, simpul yang terikat erat yang tidak akan membiarkan drama itu berantakan menjadi episode-episode terpisah.
Karya seni yang mengikuti risalah menjadi realisasi dari prinsip estetika pengarang. Drama terbaik ini adalah drama "Fuente Ovejuna" ("The Sheep Spring", 1614). Drama ini memiliki dasar sejarah. Pada tahun 1476, di kota Fuente Ovejuna, pemberontakan petani pecah melawan kekejaman ordo ksatria Calatavra dan komandannya, Fernand Gomez de Guzman, yang melakukan kekejaman dan segala jenis kekerasan. Pemberontakan berakhir dengan pembunuhan komandan. Dalam drama Lope de Vega, Komandan adalah seorang tiran dan pemerkosa yang melanggar kehormatan gadis-gadis petani, salah satunya, Laurencia yang bangga, menyerukan balas dendam yang benar kepada sesama penduduk desa. Ada banyak gambaran yang jelas dalam lakon itu, namun tokoh utama di sini adalah orang-orang yang bersatu dalam keinginan mereka untuk memulihkan keadilan.
Drama Lope de Vega dibedakan oleh kesedihan yang meneguhkan hidup, sikap simpatik terhadap orang biasa, keyakinan pada stamina moral mereka.
Setelah kebangkitan pesat yang dialami Spanyol selama Renaisans, mulai dari akhir tahun 30-an abad ke-17, tanda-tanda penurunan menjadi semakin jelas, terutama karena alasan sosial-politik. Berhentinya masuknya emas dari Amerika, kehancuran total kehidupan ekonomi internal di negara itu, serangkaian kegagalan kebijakan luar negeri - semua ini akhirnya menggerogoti kekuatan ekonomi dan politik Spanyol.
Masalah sosial-politik, krisis kesadaran humanistik, reaksi feodal-Katolik yang paling parah, kehancuran sistem feodal secara keseluruhan menyebabkan suasana dekaden dalam masyarakat. Upaya untuk memahami apa yang sedang terjadi, untuk keluar dari keadaan krisis spiritual, untuk menemukan landasan moral dalam kondisi sejarah yang baru adalah barok, yang paling jelas terwakili dalam karya Luis de Gongora (1561-1627) Dan Pedro Calderon (1600-1681).
Gongora adalah penyair terbesar Barok Spanyol. Gaya Gongora dibedakan oleh kekayaan metaforis, penggunaan neologisme, arkaisme. Penyair meninggalkan sintaksis tradisional. Kosa katanya penuh dengan kata-kata yang ambigu: "Bibir rubi di bingkai salju" - tentang putihnya wajah, "salju yang terbang" - tentang burung putih, "salju yang melarikan diri" - tentang Galatea yang lari dari Polyphemus. Terlepas dari kekayaan kiasan, Gongora menciptakan "puisi untuk pikiran", yang membutuhkan kerja intelektual aktif dari pembaca. Keahlian puitis Gongora paling banyak terwujud dalam puisi The Tale of Polyphemus and Galatea (1612) dan Loneliness (1614). Puisi "Kesendirian" terkait erat dengan gagasan Renaisans tentang koeksistensi manusia dan alam yang harmonis dengan konsep Barok tentang kesepian abadi manusia di dunia.
Seni Calderon menyerap tradisi terbaik Renaisans, tetapi, dihasilkan oleh era yang berbeda, memberikan visi dunia yang sama sekali berbeda. Calderon menulis 120 drama dengan berbagai konten, 80 "autos sacramentales" (atau "tindakan suci") dan 20 selingan. Dengan kesadaran artistiknya, Calderon terhubung baik dengan Renaisans Spanyol maupun dengan fenomena krisis pada masanya.
Melanjutkan tradisi pendahulu hebat Lope de Vega, Calderon menulis komedi "jubah dan pedang". Yang paling terkenal adalah komedi jenaka dan ceria The Invisible Lady (1629), ditulis dengan bahasa yang ringan dan elegan. Itu mengungkapkan gagasan tentang permainan kebetulan yang mendominasi kehidupan. Keacakan di sini, seperti dalam komedi lainnya, memainkan peran pembentuk plot.
Namun, bukan komedi Renaisans dan drama rakyat-realistis yang membuat Calderon terkenal di seluruh dunia. Vitalitas dan optimisme tidak menjadi corak karyanya. Calderon sejati dapat ditemukan dalam "autos sacramentales" dan drama filosofis dan simbolisnya, penuh dengan suasana eskatologis, masalah eksistensial yang membanjiri ketidakterpecahan mereka, kontradiksi yang menguras kesadaran. Sudah dalam drama muda Calderon "Adoration of the Cross" (1620), sikap skeptis terhadap agama, yang menjadi ciri khas kaum humanis, digantikan oleh kegilaan agama yang suram. God Calderon adalah kekuatan yang tangguh dan tanpa ampun, yang di hadapannya seseorang merasa tidak berarti dan tersesat.
Dalam drama filosofis dan alegoris Life is a Dream (1634), pemuliaan doktrin Katolik yang keras dipadukan dengan pemberitaan tentang perlunya kerendahan hati dan ketundukan pada pemeliharaan ilahi. Konsep dramatis utama Calderon adalah gagasan bahwa takdir manusia telah ditentukan sebelumnya oleh takdir, bahwa kehidupan duniawi sementara adalah ilusi, itu hanyalah persiapan untuk kehidupan akhirat yang kekal.
Waktu dan lingkungan tidak hanya menentukan sifat pandangan dunia, arah umum karya Calderon, tetapi juga orisinalitasnya sebagai seorang seniman. Dramaturgi Calderon terkenal karena kedalaman filosofisnya, penyempurnaan konflik psikologis, dan lirik monolog yang gelisah. Plot dalam lakon Calderon memainkan peran sekunder, semua perhatian diberikan untuk mengungkap dunia batin para karakter. Perkembangan tindakan digantikan oleh permainan ide. Gaya Calderon dicirikan oleh retorika pathos, gambaran metaforis yang tinggi, yang membuatnya terkait dengan Gongorisme, salah satu arus barok sastra Spanyol.
Keberanian puitis Calderon sangat diapresiasi oleh A. S. Pushkin.
Sastra Italia
Pada abad XVII, Italia mengalami krisis cita-cita humanistik.
Dalam situasi ini, Barok mengemuka, diekspresikan paling jelas dalam Marinisme - sebuah tren yang mendapatkan namanya dari penyair Italia Giambattista Marino (1569-1625). Dalam karya-karya pelukis laut pengikut Marino, bentuk mengaburkan isi dengan kecanggihan verbal dan narsismenya. Tidak ada topik yang penting secara sosial di sini, tidak ada masalah topikal di zaman kita. Keunikan surat itu adalah metafora yang rumit, gambaran yang aneh, perbandingan yang tidak terduga. Marino adalah penemu dari apa yang disebut "concetti" - frase virtuoso, paradoks verbal, julukan yang tidak biasa digunakan, pergantian ucapan yang tidak biasa ("belajar bodoh", "rasa sakit yang menggembirakan").
Kemuliaan Marino di Italia ada di mana-mana. Namun demikian, para penyair sezaman melihat bahaya Marinisme dan menentangnya dengan puisi bertopik politik yang mengungkapkan kebutuhan dan aspirasi rakyat Italia, menceritakan tentang penderitaannya (Fulvio Testi, Vincenzo Filicaia, Alessandro Tassoni).
Alessandro Tassoni (1565-1635) Dia menolak penyair Barok (Marinis) dan pembela peniruan dan otoritarianisme dalam puisi Italia (Klasik). Sebagai penyair patriotik, ia aktif mencampuri kehidupan politik negara, menentang fragmentasi regional Italia, menyerukan perjuangan kemerdekaannya (puisi "The Stolen Bucket").
Prosa Italia abad ke-17 diwakili oleh nama Galileo Galilei (1564-1642), yang menggunakan seni jurnalistik polemik untuk menyebarkan ide-ide ilmiahnya ("Dialog tentang dua sistem utama dunia"), Traiano Boccalini (1556-1613), memprotes dominasi orang Spanyol di Italia, melawan keangkuhan aristokrat, melawan para pembela klasisisme, yang hanya mengakui kanon estetika Aristoteles (satire "Berita dari Parnassus").
Sastra Prancis
Kebijakan negara absolut, yang ditujukan untuk menghilangkan regionalisme feodal dan transformasi Prancis menjadi kekuatan yang kuat di Eropa Barat, sesuai dengan tren progresif zaman itu, yang menentukan karakter klasisisme sebagai fenomena sastra yang maju. untuk waktunya. Metode artistik terkemuka, yang secara resmi diakui oleh pemerintah absolut Prancis, adalah klasisisme. Sastra klasik mencerminkan kebangkitan kesadaran diri nasional lapisan progresif masyarakat Prancis selama periode transisi dari fragmentasi feodal ke persatuan nasional.
Di bawah Kardinal Richelieu (1624-1642), pembentukan negara monarki yang kuat, yang dimulai oleh pendahulu Louis XIII, Henry IV, pada dasarnya telah selesai. Richelieu mengatur dan menundukkan tahta semua aspek kehidupan negara, sosial, budaya. Pada 1634 ia mendirikan Akademi Prancis. Richelieu melindungi pers berkala yang muncul di Prancis.
Selama masa pemerintahannya, Theophrastus Renaudeau mendirikan surat kabar Prancis pertama, Gazett de France (1631). (The Théophrastus Renaudeau Prize adalah salah satu penghargaan sastra tertinggi di Prancis kontemporer.)
Kemajuan sejarah klasisisme dimanifestasikan dalam hubungannya yang erat dengan tren maju zaman, khususnya dengan filsafat rasionalis. Rene Descartes (1596-1650), yang disebut Cartesianisme. Descartes dengan berani melawan ideologi feodal abad pertengahan, filosofinya didasarkan pada data ilmu eksakta. Kriteria kebenaran bagi Descartes adalah akal. “Saya berpikir, maka saya ada,” katanya.
Rasionalisme menjadi dasar filosofis klasisisme. Orang-orang sezaman Descartes, ahli teori klasisisme François Malherbe (1555-1628) Dan Nicolas Boileau (1636-1711) percaya pada kekuatan akal. Mereka percaya bahwa persyaratan dasar nalar - kriteria tertinggi dari nilai objektif sebuah karya seni - mewajibkan seni untuk kejujuran, kejelasan, konsistensi, kejelasan, dan harmoni komposisi bagian dan keseluruhan. Mereka juga menuntut ini atas nama mematuhi hukum seni kuno, yang mereka pandu dalam pembuatan program klasik.
Kekaguman para penulis abad ke-17 karena nalar juga tercermin dalam aturan terkenal tentang "tiga kesatuan" (waktu, tempat, dan tindakan) - salah satu prinsip inti dari dramaturgi klasik.
Puisi didaktik karya N. Boileau "Poetic Art" (1674) menjadi kode klasisisme Prancis.
Di atas disebutkan bahwa kaum klasik, seperti seniman Renaisans, mengandalkan seni kuno dalam estetika dan kreativitas artistik mereka. Namun, tidak seperti para penulis Renaisans, para ahli teori klasisisme beralih terutama bukan ke Yunani kuno, tetapi ke sastra Romawi pada periode kekaisaran. Monarki Louis XIV, "Raja Matahari", begitu dia menyebut dirinya, disamakan dengan Kekaisaran Romawi, para pahlawan tragedi klasik diberkahi dengan keberanian dan keagungan Romawi. Oleh karena itu, konvensionalitas sastra klasisisme yang terkenal, karakternya yang sombong dan dekoratif.
Namun kaum klasik Prancis bukanlah peniru gila dari para penulis kuno. Karya mereka sangat berwatak nasional, sangat erat kaitannya dengan kondisi sosial di Prancis pada masa kejayaan absolutisme. Kaum klasik, setelah berhasil menggabungkan pengalaman sastra kuno dengan tradisi masyarakatnya, menciptakan gaya artistik orisinal mereka sendiri. Corneille, Racine, dan Molière menciptakan contoh seni klasik dengan cara yang dramatis.
Konsep seni klasik, dengan segala monumentalitasnya, tidak dapat dibayangkan sebagai sesuatu yang beku dan tidak berubah. Di dalam kubu klasikis tidak ada kesatuan pandangan sosial-politik, filosofis, dan etis yang utuh. Bahkan Corneille dan Racine - pencipta tragedi klasik tinggi - berbeda dalam banyak hal.
Berbeda dengan Carthusian Boileau dan Racine yang ortodoks, Molière dan La Fontaine adalah murid-murid materialis Gassendi (1592-1655), seorang ilmuwan Prancis terkemuka yang menganggap pengalaman indrawi sebagai sumber utama dari semua pengetahuan. Ajarannya tercermin baik dalam estetika para penulis ini maupun dalam demokrasi, optimisme, dan orientasi humanistik dari karya mereka.
Genre utama klasisisme adalah tragedi, yang menggambarkan pahlawan yang luhur dan hasrat yang diidealkan. Pencipta teater tragedi Prancis adalah Pierre Corneille (1608-1684). Corneille memulai aktivitas kesusastraannya dengan puisi dan komedi, yang tidak terlalu berhasil.
Glory datang ke Corneille dengan penampilan di atas panggung tragedi "Sid" (1636). Drama tersebut didasarkan pada konflik tragis antara hasrat dan kewajiban, di mana tragedi itu dibangun.
Ksatria muda dan gagah berani Rodrigo, membalas penghinaan yang dilakukan pada ayahnya, membunuh ayah dari Jimena tercinta dalam duel. Jimena membenarkan tindakan Rodrigo, yang memenuhi kewajiban kehormatan keluarga, dan memenuhi kewajibannya sendiri - dia menuntut kematian kekasihnya dari raja. Memenuhi tugas keluarga mereka, Rodrigo dan Jimena menjadi sangat tidak bahagia. Setelah serangan ke Castile oleh bangsa Moor, kemenangan gemilang atas mereka, Rodrigo menjadi pahlawan nasional. Corneille mengontraskan tugas keluarga dengan tugas ke ibu pertiwi. Kehormatan feodal harus digantikan oleh kehormatan sipil. Mereka mencoba meyakinkan Jimena tentang ketidakkonsistenan tuntutannya: kepentingan keluarga harus dikorbankan atas nama kebutuhan sosial. Jimena menerima moralitas baru, terutama karena menanggapi perasaan pribadinya. Corneille dengan meyakinkan membuktikan bahwa moralitas negara baru lebih manusiawi daripada moralitas feodal. Dia menunjukkan munculnya cita-cita negara baru di era absolutisme. Raja Castile, Don Fernando, digambarkan dalam drama itu sebagai seorang otokrat yang ideal, penjamin kesejahteraan umum dan kebahagiaan pribadi rakyatnya, jika mereka menyesuaikan tindakan mereka dengan kepentingan negara.
Jadi, dalam "Sid" ditegaskan gagasan progresivitas monarki absolut, yang, dalam kondisi sejarah tertentu, memenuhi persyaratan saat itu.
Terlepas dari kesuksesan penontonnya, "Sid" menimbulkan kontroversi serius di kalangan sastra. Dalam "Opinion of the French Academy on the Side" (1638), drama Corneille dikutuk karena tidak konsisten dengan kanon klasisisme. Dalam keadaan tertekan, Corneille berangkat ke tanah airnya. Namun, empat tahun kemudian, Corneille membawa dua tragedi baru dari Rouen, yang sudah cukup konsisten dengan kanon klasik (Horace, Cinna). Sebagai seorang tragedi, Corneille lebih menyukai tragedi sejarah dan politik. Masalah politik tragedi juga menentukan norma perilaku yang ingin diajarkan Corneille kepada penonton: ini adalah gagasan kesadaran heroik, patriotisme.
Dalam tragedi "Horace" (1640), penulis naskah menggunakan plot dari kisah Titus Livius. Inti dari konflik dramatis ini adalah pertempuran tunggal antara dua kota - Roma dan Alba Longa, yang harus diselesaikan dengan duel saudara Horatii dan Curians, yang diikat oleh ikatan persahabatan dan kekerabatan. Dalam lakon itu, tugas dipahami dengan tegas - itu adalah tugas patriotik.
Tidak dapat memaafkan kakaknya Horace atas kematian tunangannya, Camilla mengutuk Roma, yang menghancurkan kebahagiaannya. Horace, menganggap adiknya pengkhianat, membunuhnya. Kematian Camilla menyebabkan konflik baru: menurut hukum Romawi, pembunuhnya harus dieksekusi. Ayah Horace membuktikan bahwa kemarahan yang benar, tugas sipil, dan perasaan patriotik mendorongnya untuk membunuh putranya. Horace, yang menyelamatkan Roma, diperlukan untuk tanah airnya: dia akan mencapai lebih banyak prestasi. King Tull memberikan kehidupan kepada Horace. Keberanian sipil menebus kejahatan. Tragedi "Horace" menjadi pendewaan kepahlawanan sipil.
Tragedi "Cinna, atau Mercy of Augustus" (1642) menggambarkan hari-hari pertama pemerintahan Kaisar Oktavianus-Augustus, yang mengetahui bahwa konspirasi sedang dipersiapkan untuk melawannya. Tujuan dari tragedi tersebut adalah untuk menunjukkan taktik apa yang akan dipilih oleh penguasa sehubungan dengan para konspirator. Corneille meyakinkan bahwa kepentingan negara dapat bertepatan dengan aspirasi pribadi rakyat jika raja yang cerdas dan adil berkuasa.
Para konspirator dalam tragedi tersebut - Cinna, Maxim, Emilia - bertindak atas dua motif. Alasan pertama bersifat politis: mereka ingin mengembalikan Roma ke bentuk pemerintahan republik, tanpa menyadari miopia politik mereka. Pendukung kebebasan politik, mereka tidak mengerti bahwa republik sudah usang dan Roma membutuhkan pemerintahan yang tegas. Motif kedua bersifat pribadi: Emilia ingin membalaskan dendam ayahnya yang dibunuh oleh Augustus; Cinna dan Maxim, yang jatuh cinta dengan Emilia, ingin mencapai perasaan timbal balik.
Kaisar, setelah menekan ambisinya, balas dendam, kekejamannya, memutuskan untuk memaafkan para konspirator. Mereka sedang melalui proses kelahiran kembali. Belas kasihan telah menang atas nafsu egois mereka. Mereka melihat Augustus sebagai raja yang bijak dan menjadi pendukungnya.
Kebijaksanaan tertinggi, menurut Corneille, diwujudkan dalam belas kasihan. Kebijakan publik yang bijak harus menggabungkan yang masuk akal dengan yang manusiawi. Oleh karena itu, tindakan belas kasihan adalah tindakan politik, yang dilakukan bukan oleh orang baik Oktavianus, tetapi oleh Kaisar Augustus yang bijaksana.
Selama periode "cara pertama" (hingga sekitar 1645), Corneille menyerukan kultus kenegaraan yang masuk akal, percaya pada keadilan absolutisme Prancis ("Martyr Polyeuct", 1643; "Death of Pompey", 1643; "Theodora - perawan dan martir”, 1645; komedi "Pembohong", 1645).
Corneille dari "cara kedua" melebih-lebihkan banyak prinsip politik monarki Prancis yang tampak begitu kuat ("Rodogunda - putri Parthia", 1644; "Heraclius - Kaisar Timur", 1646; "Nycomedes", 1651, dll. .). Corneille terus menulis tragedi sejarah dan politik, tetapi penekanannya bergeser. Hal ini disebabkan oleh perubahan kehidupan politik masyarakat Prancis setelah naik takhta Louis XIV, yang berarti pembentukan dominasi tak terbatas dari rezim absolut. Sekarang Corneille, penyanyi kenegaraan yang masuk akal, tercekik dalam suasana kemenangan absolutisme. Gagasan pelayanan publik pengorbanan, yang diartikan sebagai tugas tertinggi, tidak lagi menjadi pendorong perilaku para pahlawan lakon Corneille. Musim semi aksi dramatis adalah kepentingan pribadi yang sempit, ambisi karakter yang ambisius. Cinta dari perasaan luhur secara moral berubah menjadi permainan nafsu yang tak terkendali. Tahta kerajaan kehilangan stabilitas moral dan politik. Bukan alasan, tapi kebetulan yang menentukan nasib para pahlawan dan negara. Dunia menjadi tidak rasional dan goyah.
Tragedi akhir Corneille, yang dekat dengan genre tragikomedi barok, adalah bukti penyimpangan dari norma klasik yang ketat.
Klasisisme Prancis menerima ekspresinya yang paling lengkap dan lengkap dalam karya penyair nasional Prancis yang hebat lainnya. Jean Racine (1639-1690). Tahap baru dalam perkembangan tragedi klasik dikaitkan dengan namanya. Jika Corneille mengembangkan terutama genre tragedi sejarah dan politik yang heroik, maka Racine bertindak sebagai pencipta tragedi cinta-psikologis, yang pada saat yang sama jenuh dengan konten politik yang hebat.
Salah satu prinsip kreatif Racine yang paling penting adalah keinginan untuk kesederhanaan dan masuk akal, berlawanan dengan ketertarikan Corneille pada yang luar biasa dan luar biasa. Apalagi keinginan tersebut disampaikan oleh Racine tidak hanya pada konstruksi plot tragedi dan karakter tokoh-tokohnya, tetapi juga pada bahasa dan gaya karya panggungnya.
Mengandalkan otoritas Aristoteles, Racine menolak elemen utama teater Corneille - "pahlawan sempurna". "Aristoteles tidak hanya sangat jauh dari menuntut pahlawan yang sempurna dari kita, tetapi, sebaliknya, menginginkan karakter tragis, yaitu mereka yang kemalangannya menciptakan bencana dalam tragedi, menjadi tidak sepenuhnya baik atau sepenuhnya jahat."
Penting bagi Racine untuk menegaskan hak seniman untuk menggambarkan "orang biasa" (bukan dalam pengertian sosial, tetapi dalam pengertian psikologis), untuk menggambarkan kelemahan seseorang. Pahlawan, menurut Racine, harus memiliki kebajikan rata-rata, yaitu kebajikan yang mampu menjadi kelemahan.
Tragedi besar pertama Racine adalah Andromache (1667). Beralih ke tema mitologi Yunani, yang sudah dikembangkan di zaman kuno oleh Homer, Virgil dan Euripides, Racine menafsirkan plot klasik dengan cara baru. Menghasilkan pengaruh nafsu, para pahlawan tragedi - Pyrrhus, Hermione, Orestes - dalam egoisme mereka ternyata adalah orang-orang kejam yang mampu melakukan kejahatan.
Dengan menciptakan citra Pyrrhus, Racine memecahkan masalah politik. Pyrrhus (raja) harus bertanggung jawab atas kesejahteraan negara, tetapi, menyerah pada nafsu, dia mengorbankan kepentingan negara untuknya.
Hermione juga menjadi korban nafsu, salah satu gambaran tragedi yang paling meyakinkan, yang keadaan batinnya dimotivasi dengan sangat baik secara psikologis. Ditolak oleh Pyrrhus, Hermione yang sombong dan pemberontak menjadi egois dan lalim dalam aspirasi dan tindakannya.
Andromache diikuti oleh Britannicus (1669) - tragedi pertama Racine yang didedikasikan untuk sejarah Roma kuno. Seperti di Andromache, raja digambarkan di sini sebagai tiran yang kejam. Nero muda dengan licik menghancurkan saudara tirinya Britannicus, yang tahtanya dia duduki secara ilegal dan yang dicintai Junia, yang menyukainya. Tetapi Racine tidak membatasi dirinya untuk mengutuk despotisme Nero. Dia menunjukkan kekuatan rakyat Romawi sebagai hakim tertinggi dalam sejarah.
"Penyanyi wanita dan raja yang sedang jatuh cinta" (Pushkin), Racine menciptakan seluruh galeri gambar pahlawan wanita yang positif, menggabungkan rasa martabat manusia, stamina moral, kemampuan untuk berkorban, kemampuan untuk secara heroik melawan kekerasan apa pun dan kesembarangan. Seperti Andromache, Junia, Berenice ("Berenice", 1670), Monima ("Mithridates", 1673), Iphigenia ("Iphigenia in Aulis", 1674).
Puncak karya puitis Racine dalam hal kekuatan artistik penggambaran nafsu manusia, dalam hal kesempurnaan syairnya, adalah Phaedra yang ditulis pada tahun 1677, yang dianggap Racine sendiri sebagai ciptaan terbaiknya.
Ratu Phaedra sangat mencintai anak tirinya Hippolytus, yang jatuh cinta dengan putri Athena Arikia. Setelah menerima berita palsu tentang kematian suaminya, Theseus, Phaedra mengungkapkan perasaannya kepada Hippolytus, tetapi dia menolaknya. Sekembalinya Theseus, Phaedra, dalam keputusasaan, ketakutan, dan kecemburuan, memutuskan untuk memfitnah Hippolytus. Kemudian, tersiksa oleh pertobatan dan cinta, dia meminum racun; mengakui segalanya kepada suaminya, dia meninggal.
Inovasi utama Racine terkait dengan karakter Phaedra. Di Racine, Phaedra adalah wanita yang menderita. Rasa bersalahnya yang tragis adalah ketidakmampuan untuk mengatasi perasaan, yang oleh Phaedra sendiri disebut kriminal. Racine memahami dan mewujudkan dalam tragedinya tidak hanya konflik moral dan psikologis pada masanya, tetapi juga menemukan pola umum psikologi manusia.
Penerjemah Rusia pertama dari Racine adalah Sumarokov, yang menerima julukan "Racine Rusia". Pada abad ke-19, A. S. Pushkin menunjukkan sikap bijaksana terhadap Racine. Dia menarik perhatian pada fakta bahwa penulis drama Prancis berhasil memasukkan konten yang dalam ke dalam bentuk tragedi yang diperhalus dengan gagah berani, dan ini memungkinkan dia untuk menempatkan Racine di samping Shakespeare. Dalam artikel tahun 1830 yang belum selesai tentang perkembangan seni drama, yang menjadi pengantar analisis drama M. P. Pogodin “Martha Posadnitsa”, Pushkin menulis: “Apa yang berkembang dalam tragedi, apa tujuannya? Manusia dan manusia. Nasib manusia, nasib rakyat. Itulah mengapa Racine hebat, meski tragedinya berbentuk sempit. Itulah mengapa Shakespeare hebat, terlepas dari ketidaksetaraan, kelalaian, keburukan pada akhirnya ”(Pushkin - kritikus. - M., 1950, hlm. 279).
Jika contoh terbaik dari tragedi klasik diciptakan oleh Corneille dan Racine, maka komedi klasik sepenuhnya adalah ciptaan Moliere (1622-1673).
Biografi penulis Molière (Jean Baptiste Poquelin) dimulai dengan komedi puitis lima babak "Naughty, or Everything Out of Place" (1655) - sebuah komedi intrik yang khas. Pada 1658, ketenaran akan datang ke Molière. Penampilannya akan sukses besar, dia akan dilindungi oleh raja sendiri, tetapi orang-orang yang iri, lawan yang berbahaya, dari antara mereka yang diejek Moliere dalam komedinya, mengejarnya sampai akhir hayatnya.
Molière tertawa, terbuka, menuduh. Panah sindirannya tidak menyayangkan baik anggota masyarakat biasa maupun bangsawan berpangkat tinggi.
Dalam kata pengantar komedi "Tartuffe" Moliere menulis: "Teater memiliki kekuatan korektif yang hebat." "Kami menangani keburukan pukulan berat dengan mengekspos mereka ke ejekan publik." "Tugas komedi adalah mengoreksi orang dengan menghibur mereka." Penulis drama itu sangat menyadari pentingnya sindiran secara sosial: "Hal terbaik yang dapat saya lakukan adalah mengungkap keburukan usia saya dalam gambar-gambar lucu."
Dalam komedi "Tartuffe", "The Miser", "The Misanthrope", "Don Juan", "The Philistine in the Nobility" Moliere mengangkat masalah sosial dan moral yang dalam, menawarkan tawa sebagai obat yang paling manjur.
Moliere adalah pencipta "karakter komedi", di mana peran penting dimainkan bukan oleh tindakan eksternal (meskipun penulis naskah dengan terampil membangun intrik komik), tetapi oleh keadaan moral dan psikologis sang pahlawan. Karakter dalam Moliere diberkahi, sesuai dengan hukum klasisisme, dengan satu sifat karakter yang dominan. Hal ini memungkinkan penulis untuk memberikan gambaran umum tentang sifat buruk manusia - keserakahan, kesombongan, kemunafikan. Tak heran jika beberapa nama tokoh Moliere, misalnya Tartuffe, Harpagon, menjadi kata benda umum; munafik dan munafik disebut tartuffe, pelit disebut harpagon. Molière mengamati aturan klasisisme dalam dramanya, tetapi dia tidak menghindar dari tradisi rakyat teater lucu, dia menulis tidak hanya "komedi tinggi", di mana dia mengangkat masalah sosial yang serius, tetapi juga "balet komedi" yang ceria. . Salah satu komedi terkenal Moliere, "The Philistine in the Nobility", berhasil memadukan keseriusan dan relevansi masalah yang ditimbulkan dengan keceriaan dan keanggunan "balet komedi". Moliere menggambar di dalamnya gambar satir yang jelas dari Jourdain borjuis yang kaya, yang tunduk pada bangsawan dan impian untuk bergabung dengan lingkungan aristokrat.
Penonton menertawakan klaim tidak berdasar dari orang yang bodoh dan kasar. Meskipun Molière menertawakan pahlawannya, dia tidak membencinya. Jourdain yang mudah tertipu dan berpikiran sempit lebih menarik daripada bangsawan yang hidup dari uangnya, tetapi membenci Jourdain.
Contoh komedi klasik yang "serius" adalah komedi "The Misanthrope", di mana masalah humanisme diselesaikan dalam perselisihan antara Alceste dan Philint. Dalam kata-kata Alceste, penuh keputusasaan, tentang kejahatan dan ketidakadilan yang merajalela di dunia manusia, ada kritik tajam terhadap hubungan sosial. Pengungkapan Alceste mengungkapkan konten sosial dari komedi tersebut.
Moliere membuat penemuan di bidang komedi. Dengan menggunakan metode generalisasi, penulis drama, melalui citra individu, mengungkapkan esensi dari sifat buruk sosial, menggambarkan ciri-ciri sosial yang khas pada masanya, tingkat dan kualitas hubungan moralnya.
Klasisisme Prancis paling jelas dimanifestasikan dalam dramaturgi, tetapi juga diekspresikan dengan cukup jelas dalam prosa.
Contoh klasik dari genre pepatah diciptakan di Prancis oleh La Rochefoucauld, La Bruyère, Vauvenart, Chamfort. Seorang ahli pepatah yang brilian adalah François de La Rochefoucauld (1613-1689). Dalam buku "Reflections, or Moral Sayings and Maxims" (1665), penulis menciptakan model khas "manusia pada umumnya", menguraikan psikologi universal, potret moral umat manusia. Gambar yang dilukis adalah pemandangan yang suram. Penulis tidak percaya pada kebenaran atau kebaikan. Bahkan kemanusiaan dan kebangsawanan, menurut penulis, hanyalah pose spektakuler, topeng yang menutupi kepentingan diri dan kesombongan. Dengan menggeneralisasi pengamatannya, melihat hukum universal dalam fenomena sejarah, La Rochefoucauld sampai pada gagasan tentang esensi egois dari sifat manusia. Keegoisan sebagai naluri alami, sebagai mekanisme kuat yang menjadi sandaran tindakan seseorang, mendasari motif moralnya. Bagi seseorang, kebencian terhadap penderitaan dan keinginan untuk kesenangan adalah wajar, oleh karena itu moralitas adalah egoisme yang halus, "kepentingan" yang dipahami secara wajar dari satu orang. Untuk mengekang cinta diri yang alami, seseorang menggunakan bantuan akal. Mengikuti Descartes, La Rochefoucauld menyerukan kontrol yang masuk akal atas nafsu. Ini adalah organisasi perilaku manusia yang ideal.
Jean La Bruyère (1645-1696) dikenal sebagai penulis satu-satunya buku, Karakter, atau Moral Zaman Ini (1688). Dalam edisi kesembilan buku terakhir, La Bruyère mendeskripsikan 1.120 karakter. Beralih ke karya Theophrastus sebagai model, La Bruyère sangat memperumit cara orang Yunani kuno: dia tidak hanya menemukan penyebab kejahatan dan kelemahan orang. Penulis menetapkan ketergantungan karakter manusia pada lingkungan sosial. La Bruyère memperoleh keteraturan yang khas dan paling umum dari keragaman konkret dan individual. "Karakter" menggambarkan berbagai strata masyarakat Paris dan provinsi pada masa Louis XIV. Membagi buku menjadi bab "Pengadilan", "Kota", "Penguasa", "Bangsawan", dll., Penulis membangun komposisinya sesuai dengan klasifikasi internal potret (pangeran, kikir, gosip, pembicara, penyanjung, abdi dalem, bankir, biarawan, borjuis, dll.). La Bruyère, ahli klasik besar terakhir abad ke-17, menggabungkan berbagai genre dalam bukunya (maksim, dialog, potret, cerita pendek, sindiran, moralitas moral), mengikuti logika yang ketat, menundukkan pengamatannya pada gagasan umum, menciptakan karakter yang khas.
Pada 1678, novel The Princess of Cleves muncul, ditulis oleh Marie de Lafayette (1634-1693). Novel ini dibedakan oleh interpretasi gambar yang mendalam dan tampilan akurat dari keadaan nyata. Lafayette menceritakan kisah cinta istri Pangeran Cleves untuk Duke of Nemours, menekankan perjuangan antara hasrat dan kewajiban. Mengalami gairah cinta, Princess of Cleves mengatasinya dengan kemauan keras. Setelah pensiun ke tempat tinggal yang damai, dia mengatur dengan bantuan pikirannya untuk menjaga kedamaian dan kemurnian spiritual.
Sastra Jerman
Pada abad ke-17, Jerman menanggung jejak tragis Perang Tiga Puluh Tahun (1618-1648). Perdamaian Westphalia meresmikan pembagiannya menjadi banyak kerajaan kecil. Fragmentasi, penurunan perdagangan, produksi kerajinan menyebabkan penurunan budaya.
Penyair memainkan peran besar dalam kebangkitan budaya Jerman di zaman modern. Martin Opitz (1597-1639) dan risalah teoretisnya The Book of German Poetry.
Menanamkan kanon klasik dalam sastra Jerman, Opitz menyerukan untuk mempelajari pengalaman puitis zaman kuno, merumuskan tugas-tugas utama sastra, dan menekankan tugas pendidikan moral. Opitz memperkenalkan sistem versifikasi suku kata-tonik, mencoba mengatur sastra, dan membangun hierarki genre. Sebelum Opitz, penyair Jerman menulis terutama dalam bahasa Latin. Opitz berusaha membuktikan bahwa mahakarya puitis juga dapat dibuat dalam bahasa Jerman.
Opitz menjadi salah satu penulis sejarah pertama dari Perang Tiga Puluh Tahun. Salah satu karya terbaiknya adalah puisi "Kata Penghiburan di Tengah Bencana Perang" (1633). Penyair memanggil rekan senegaranya untuk mengatasi kekacauan hidup, untuk menemukan dukungan dalam jiwa mereka sendiri. Tema kutukan perang terdengar dalam puisi "Zlatna" (1623) dan "Puji Dewa Perang" (1628). "Klasisme terpelajar" Opitz tidak berkembang luas, dan sudah dalam karya murid-muridnya Fleming dan Logau, pengaruh puisi barok terlihat jelas.
Seorang penyair luar biasa dari Baroque Jerman adalah Andreas Gryphius (1616-1664), menangkap dengan nada sedih yang menusuk pandangan dunia tentang era Perang Tiga Puluh Tahun.
Puisi Gryphius terlalu jenuh dengan emosi, gambaran visual, simbol, lambang. Trik favorit Gryphius adalah pencacahan, penumpukan gambar yang disengaja, perbandingan yang kontras. "Hutan gelap yang dingin, gua, tengkorak, tulang - // Semuanya mengatakan bahwa aku adalah tamu di dunia, // Bahwa aku tidak akan lepas dari kelemahan atau pembusukan."
Gryphius juga merupakan pendiri drama Jerman, pencipta tragedi Barok Jerman ("Singa dari Armenia, atau Pembunuhan Pembunuhan" (1646), "Yang Mulia yang Dibunuh, atau Charles Stewart, Raja Inggris Raya" (1649) , dll.).
Sosok yang mencolok dari Baroque Jerman adalah seorang penyair asli Johann Gunther (1695-1723). Gunther mengembangkan gagasan Gryphius tentang perasaan terbaik yang dijarah oleh perang, tentang tanah air yang telah melupakan putra-putranya ("Ke Tanah Air"). Penyair menentang kebodohan hidup, kemalangan, realitas Jerman, keterbelakangan dan kelambanannya. Banyak dari motif puisinya kemudian diambil dan dikembangkan oleh perwakilan dari gerakan Sturm und Drang.
Perwakilan terbesar dalam prosa barok adalah Hans Jacob Christoffel Grimmelshausen (1622-1676). Karya terbaiknya adalah novel Simplicissimus (1669). Penulis menggambarkan perjalanan pahlawan yang tidak biasa, yang namanya - Simplicius Simplicissimus - diterjemahkan sebagai "yang paling sederhana dari yang paling sederhana". Seorang petani muda yang naif dan tidak tertarik, berjalan di sepanjang jalan kehidupan, bertemu dengan perwakilan dari berbagai strata sosial masyarakat Jerman. Pahlawan dihadapkan pada kesewenang-wenangan, kekejaman yang menguasai dunia, kurangnya kejujuran, keadilan, kebaikan.
Di istana penguasa Hanau, mereka ingin menjadikan Simplicius sebagai pelawak: mereka mengenakan kulit anak sapi, menuntunnya dengan tali, meringis, mengejeknya. Kenaifan dan ketulusan sang pahlawan dianggap oleh semua orang sebagai kegilaan. Melalui alegori, Grimmelshausen ingin memberi tahu pembaca tentang hal terpenting: dunia yang mengerikan di mana kemalangan seseorang menjadi kesenangan. Perang mengeraskan orang-orang. Simplicissimus mencari kebaikan di hati manusia, memanggil semua orang untuk damai. Namun, sang pahlawan menemukan ketenangan pikiran di pulau terpencil, jauh dari peradaban yang ganas.
Grimmelshausen adalah orang pertama dalam sastra Jerman yang menunjukkan betapa dahsyatnya pengaruh perang terhadap jiwa manusia. Dalam pahlawannya, penulis mewujudkan mimpi tentang manusia yang utuh dan alami yang hidup sesuai dengan hukum moralitas rakyat. Itulah mengapa bahkan saat ini novel tersebut dianggap sebagai karya anti perang yang hidup.
Sastra Inggris
Dalam perkembangan sastra Inggris abad ke-17, yang terkait erat dengan peristiwa politik, tiga periode secara tradisional dibedakan:
1. Masa pra-revolusioner (1620-1630).
2. Masa revolusi, perang saudara dan republik (1640-1650).
3. Masa Restorasi (1660-1680).
Pada periode pertama (20-30-an abad ke-17) dalam sastra Inggris terjadi penurunan dramaturgi dan teater. Ideologi reaksi absolut yang menang menemukan ekspresi dalam aktivitas yang disebut "aliran metafisik", yang menciptakan literatur spekulatif yang diabstraksi dari masalah realitas, serta "aliran Caroline", yang mencakup penyair royalis. Dalam karya D. Donn, D. Webster,
T. Dekker mendengar motif kesepian, takdir yang fatal, keputusasaan.
Ini adalah kontemporer yang lebih muda dari Shakespeare Ben Jonson (1573-1637), penulis komedi yang meneguhkan hidup dan realistis Volpone (1607), Episin, atau Wanita Pendiam (1609), Sang Alkemis (1610), Bartholomew's Fair (1610).
Pada 1640-an dan 1650-an, jurnalisme (risalah, pamflet, khotbah) sangat penting. Karya-karya jurnalistik dan artistik para sastrawan Puritan seringkali memiliki warna religius sekaligus sarat dengan protes, semangat perjuangan kelas yang sengit. Mereka tidak hanya mencerminkan aspirasi kaum borjuis yang dipimpin Cromwell, tetapi juga suasana hati dan harapan massa luas, yang diekspresikan dalam ideologi kaum Leveller ("penyetara"), dan terutama " kaum Leveller sejati" atau "penggali". (“penggali”), yang mengandalkan kaum miskin pedesaan.
Oposisi demokratis tahun 1640-an dan 1650-an mengedepankan humas Leveler berbakat John Lilburn (1618-1657). Pamflet Lilburne yang terkenal "The New Chains of England" diarahkan melawan perintah Cromwell, yang berubah dari seorang komandan revolusioner menjadi pelindung tuan dengan perilaku lalim. Kecenderungan demokratis berbeda dalam karya Gerald Winstanley (1609 - sekitar 1652). Risalah dan pamfletnya yang menuduh (The Banner Raised by the True Levellers, 1649; Declaration of the Poor, Oppressed People of England, 1649) ditujukan untuk melawan borjuasi dan bangsawan baru.
Perwakilan paling menonjol dari kubu revolusioner dalam sastra Inggris tahun 40-50-an abad ke-17 adalah John Milton (1608-1674).
Pada periode pertama karyanya (1630-an), Milton menulis sejumlah puisi liris dan dua puisi "Ceria" dan "Termenung", yang menguraikan kontradiksi utama dari karya selanjutnya: koeksistensi Puritanisme dan humanisme Renaisans. Pada tahun 1640-an dan 1650-an, Milton aktif terlibat dalam perjuangan politik. Dia hampir tidak beralih ke puisi (hanya menulis 20 soneta) dan mengabdikan dirinya sepenuhnya pada jurnalisme, akhirnya menciptakan contoh prosa jurnalistik abad ke-17 yang luar biasa. Periode ketiga karya Milton (1660-1674) bertepatan dengan era Restorasi (1660-1680). Milton menjauh dari politik. Penyair beralih ke kreativitas artistik dan menulis puisi epik berskala besar Paradise Lost (1667), Paradise Regained (1671) dan tragedi Samson the Wrestler (1671).
Ditulis pada subjek alkitabiah, karya-karya ini dijiwai dengan semangat revolusioner yang berapi-api. Dalam Paradise Lost, Milton menceritakan kisah pemberontakan Setan melawan Tuhan. Karya tersebut memiliki banyak ciri era Milton kontemporer. Bahkan dalam periode reaksi yang paling parah, Milton tetap setia pada prinsip tirani republiknya. Alur cerita kedua terkait dengan kisah kejatuhan Adam dan Hawa - ini adalah pemahaman tentang jalan sulit umat manusia menuju kelahiran kembali moral.
Dalam Paradise Regained, Milton melanjutkan renungannya tentang revolusi. Pemuliaan ketabahan spiritual Kristus, yang menolak semua godaan Setan, berfungsi sebagai peneguhan bagi kaum revolusioner baru-baru ini, yang takut akan reaksi dan dengan tergesa-gesa pergi ke sisi kaum royalis.
Karya terakhir Milton - tragedi "Samson the Wrestler" - juga secara kiasan terkait dengan peristiwa Revolusi Inggris. Di dalamnya, dilecehkan oleh musuh politik, Milton menyerukan balas dendam dan kelanjutan perjuangan rakyat untuk keberadaan yang layak.
