I più grandi artisti Ukiyo-e. Hokusai - il mondo del Giappone Marito e moglie di artisti giapponesi contemporanei

L'arte giapponese in generale e la pittura giapponese in particolare sembrano complesse e oscure a molti occidentali, proprio come la cultura orientale in generale. Inoltre, è raro che qualcuno distingua gli stili della pittura giapponese. Ma sarebbe bello che una persona colta, soprattutto se intenditrice di bellezza, capisse questo argomento.

Cultura e pittura giapponese nell'antichità

I rappresentanti della prima cultura Jomon (intorno al 7000 a.C.) erano impegnati nella produzione di figurine di argilla, principalmente figurine di donne. In un periodo successivo, i nuovi arrivati ​​iniziarono a realizzare armi di rame, campane di bronzo con figure schematicamente disegnate su di esse e ceramiche primitive. I dipinti murali di antiche tombe e le immagini di contorni sulle campane sono considerati i primi esempi di pittura giapponese.

Influenza del buddismo e della cultura cinese

Lo sviluppo delle belle arti in Giappone ricevette un forte impulso con l'arrivo del buddismo dalla Corea e dalla Cina nel territorio giapponese. Le persone al potere hanno mostrato particolare interesse per il buddismo. La pittura dei secoli VII-IX copiò quasi completamente la tradizione pittorica cinese; i soggetti principali di quel tempo erano Buddha, tutto ciò che era connesso a lui e scene della vita delle divinità buddiste. Nel X secolo, la pittura giapponese fu fortemente influenzata dalla scuola buddista della Terra Pura.

Nel VI-VII secolo iniziò in tutto il Giappone la costruzione di templi e monasteri, che richiedevano una speciale decorazione tematica. La pittura murale del tempio è una delle fasi iniziali nello sviluppo delle belle arti giapponesi. Esempi vividi di pittura templare sono i murali nei templi di Asuka-dera, Shitenoji e Horyuji. Alcune delle opere più importanti di quel tempo si trovano nella Sala d'Oro del Tempio Horyuji. Oltre ai dipinti murali, nei templi furono installate statue di Buddha e altre divinità.

A metà del periodo Hainan, la scuola di pittura cinese fu sostituita in Giappone dal suo stile chiamato Yamato-e. Dipinti in stile Yamato-e decoravano paraventi pieghevoli e porte scorrevoli; di regola, il soggetto principale di Yamato-e era Kyoto e scene della vita della città. Fogli paesaggistici e illustrazioni su rotoli (emaki) come principali formati di pittura apparvero quasi contemporaneamente a Yamato-e. Le opere più famose in stile emaki possono essere viste nell'epopea giapponese La storia di Genji, che risale al 1130, anche se potrebbe essere stata scritta prima.

Durante il passaggio del potere dall'aristocrazia ai samurai, gli aristocratici, temendo di perdere le proprie ricchezze, spesso investevano i propri fondi in opere d'arte, patrocinando in ogni modo artisti famosi dell'epoca. Gli esempi classici di lavoro scelti dagli aristocratici, di regola, erano progettati nello stile del conservatorismo. I samurai preferivano il realismo; durante il periodo Kamakura (1185-1333) queste due tendenze prevalsero nelle belle arti del Giappone.

Nel XIII secolo la cultura giapponese si sentiva fortemente influenzata dal buddismo Zen. La pittura a inchiostro era ampiamente praticata nei monasteri di Kamakura e Kyoto; i dipinti a inchiostro erano spesso usati per decorare rotoli, arazzi o rotoli tubolari. I disegni a inchiostro erano in un semplice stile monocromo, essenzialmente uno stile di pittura arrivato in Giappone dalla Cina degli imperi Song (960-1279) e Yuan (1279-1368). Verso la fine del 1400, i dipinti monocromi a inchiostro chiamati shibokuga divennero particolarmente popolari.

Dipinto del periodo Edo

Nel 1600, lo shogunato Tokugawa salì al potere e nel paese regnarono relativo ordine e stabilità, e ciò si manifestò in tutte le sfere della vita, dall'economia alla politica. La classe mercantile iniziò ad arricchirsi rapidamente e a mostrare interesse per l'arte.

I dipinti del periodo 1624-1644 raffigurano rappresentanti di varie classi e classi della società giapponese riuniti in uno dei quartieri di Kyoto vicino al fiume Kamogawa. Aree simili esistevano sia a Osaka che a Edo. Nella pittura apparve uno stile ukiyo-e separato; i suoi soggetti si concentravano sui punti caldi e sul teatro kabuki. Le opere in stile ukiyo-e divennero popolari in tutto il paese; all'inizio del XVIII secolo, lo stile ukiyo-e era spesso rappresentato sotto forma di xilografie. Le prime immagini stampate in questo stile erano dedicate a soggetti o testi sensuali ed erotici. Alla fine del XVIII secolo, il centro dell'attività pittorica ukiyo-e si spostò dalla regione di Kyoto-Osaka a Edo, dove i ritratti di attori kabuki e le immagini di bellezze giapponesi occupavano il centro della scena nella galleria dei soggetti.

La fine del XVIII secolo è considerata l'epoca d'oro dello stile ukiyo-e. In questo momento, il meraviglioso artista giapponese Torii Kienaga stava lavorando, raffigurando principalmente bellezze e nudi giapponesi aggraziati. Dopo il 1790, nuove tendenze e artisti iniziarono ad apparire sulla scena artistica, tra cui i più famosi furono Kitagawa Utamaro, Katsuhika Hokusai, Ando Hiroshige e Utagawa Kunieshi.

Per i rappresentanti della scuola d'arte occidentale, lo stile giapponese ukiyo-e è diventato non solo uno degli stili di pittura esotici, ma una vera fonte di ispirazione e di prestito di alcuni dettagli. Artisti come Edgar Degas e Vincent van Gogh hanno utilizzato composizioni stilistiche, prospettive e colori Ukiyo-e nelle loro opere. Nell'arte occidentale, il tema della natura non era molto popolare, ma in Giappone la natura e gli animali venivano dipinti abbastanza spesso, il che a sua volta ampliava in qualche modo i temi dei maestri occidentali. L'artista e maestro vetraio francese Emile Galle ha utilizzato schizzi di pesci di Hokusai nella decorazione dei suoi vasi.

Durante l'era dell'imperatore Meiji (1868-1912) e delle sue politiche filo-occidentali, lo stile ukiyo-e, sempre strettamente associato alla cultura popolare nazionale, rallentò significativamente il suo sviluppo e praticamente cadde in decadenza. Sempre più motivi occidentali apparivano nelle opere degli artisti giapponesi; lo stile dell'arte europea influenzò ampiamente il lavoro di artisti giapponesi come Maruyama Okio, Matsumara Goshun e Ito Yakushu, che, nonostante tutta la loro europeizzazione, combinarono abilmente le tradizioni del giapponese, Pittura cinese e occidentale nelle loro opere.

Pittura giapponese contemporanea

Durante il periodo Meiji, la cultura giapponese subì trasformazioni piuttosto radicali: le tecnologie occidentali furono introdotte ovunque, e questo processo non bypassò le belle arti. Il governo ha inviato molti artisti a studiare in Europa e negli Stati Uniti, mentre nella cultura c'era una lotta abbastanza evidente tra le innovazioni occidentali e gli stili tradizionali giapponesi. Ciò continuò per diversi decenni e alla fine l’influenza occidentale nell’arte giapponese divenne predominante durante il periodo Taisho (1912-1926).

Hokusai, un artista giapponese del XVIII secolo, creò una quantità vertiginosa di opere d'arte. Hokusai lavorò fino alla vecchiaia, affermando invariabilmente che “tutto ciò che faceva prima dei 70 anni non valeva la pena e non meritava attenzione”.

Forse l'artista giapponese più famoso al mondo, si è sempre distinto dai suoi coetanei per il suo interesse per la vita quotidiana. Invece di rappresentare affascinanti geishe ed eroici samurai, Hokusai dipinse lavoratori, pescatori e scene di genere urbano, che non erano ancora oggetto di interesse per l'arte giapponese. Ha anche adottato un approccio europeo alla composizione.

Ecco un breve elenco di termini chiave per aiutarti a esplorare un po' il lavoro di Hokusai.

1 Gli Ukiyo-e sono stampe e dipinti popolari in Giappone dal 1600 al 1800. Un movimento artistico giapponese che si è sviluppato a partire dal periodo Edo. Questo termine deriva dalla parola "ukyo", che significa "mondo mutevole". Uikiye è un accenno alle gioie edonistiche della fiorente classe mercantile. In questa direzione, Hokusai è l'artista più famoso.

Hokusai ha utilizzato almeno trenta pseudonimi nel corso della sua vita. Nonostante il fatto che l'uso di pseudonimi fosse una pratica comune tra gli artisti giapponesi dell'epoca, nel numero di pseudonimi superò significativamente altri importanti autori. Gli pseudonimi di Hokusai vengono spesso utilizzati per periodizzare le fasi del suo lavoro.

2 Il periodo Edo è il periodo compreso tra il 1603 e il 1868 nella storia giapponese, in cui si notarono la crescita economica e un nuovo interesse per l'arte e la cultura.

3 Shunrō è il primo degli alias di Hokusai.

4 Shunga significa letteralmente "immagine della primavera" e "primavera" è lo slang giapponese che indica il sesso. Si tratta quindi di incisioni di carattere erotico. Sono stati creati dagli artisti più rispettati, incluso Hokusai.

5 Surimono. Gli ultimi “surimono”, come venivano chiamate queste stampe personalizzate, hanno avuto un enorme successo. A differenza delle stampe ukiyo-e, destinate a un pubblico di massa, i surimono venivano raramente venduti al grande pubblico.

6 Il Monte Fuji è una montagna simmetrica che risulta essere la più alta del Giappone. Nel corso degli anni ha ispirato molti artisti e poeti, tra cui Hokusai, che ha pubblicato la serie ukiyo-e Trentasei vedute del Monte Fuji. Questa serie include le stampe più famose di Hokusai.

7 Il giapponismo è l'influenza duratura che Hokusai ha avuto sulle generazioni successive di artisti occidentali. Il Japonisme è uno stile ispirato ai colori vibranti delle stampe ukiyo-e, alla mancanza di prospettiva e alla sperimentazione compositiva.

La pittura giapponese è un movimento assolutamente unico nell'arte mondiale. Esiste fin dall'antichità, ma come tradizione non ha perso la sua popolarità e la capacità di sorprendere.

Attenzione alle tradizioni

L'Oriente non è solo paesaggi, montagne e sole nascente. Queste sono anche le persone che hanno creato la sua storia. Sono queste persone che sostengono da molti secoli la tradizione della pittura giapponese, sviluppando e valorizzando la loro arte. Coloro che hanno dato un contributo significativo alla storia sono gli artisti giapponesi. Grazie a loro, quelli moderni hanno mantenuto tutti i canoni della pittura tradizionale giapponese.

Modalità di esecuzione dei dipinti

A differenza dell’Europa, gli artisti giapponesi preferivano dipingere più vicino alla grafica che alla pittura. In questi dipinti non troverai i tratti ad olio ruvidi e trascurati che sono così caratteristici degli impressionisti. Qual è la natura grafica dell'arte giapponese come alberi, rocce, animali e uccelli? Tutto in questi dipinti è disegnato nel modo più chiaro possibile, con linee di inchiostro solide e sicure. Tutti gli oggetti nella composizione devono avere un contorno. Il riempimento all'interno del contorno viene solitamente eseguito con gli acquerelli. Il colore viene sbiadito, vengono aggiunte altre sfumature e da qualche parte rimane il colore della carta. La decoratività è proprio ciò che distingue i dipinti giapponesi dall'arte di tutto il mondo.

Contrasti nella pittura

Il contrasto è un'altra tecnica caratteristica utilizzata dagli artisti giapponesi. Potrebbe trattarsi di una differenza di tono, colore o del contrasto tra tonalità calde e fredde.

L'artista ricorre a questa tecnica quando vuole evidenziare qualche elemento del soggetto. Potrebbe trattarsi di una vena su una pianta, di un petalo separato o del tronco di un albero contro il cielo. Quindi vengono raffigurate la luce, la parte illuminata dell'oggetto e l'ombra sottostante (o viceversa).

Transizioni e soluzioni cromatiche

Quando si dipingono dipinti giapponesi, vengono spesso utilizzate le transizioni. Possono essere diversi: ad esempio, da un colore all'altro. Sui petali di ninfee e peonie puoi notare una transizione da una tonalità chiara a un colore ricco e brillante.

Le transizioni vengono utilizzate anche nell'immagine della superficie dell'acqua e del cielo. La transizione graduale dal tramonto al crepuscolo scuro e sempre più profondo sembra molto bella. Quando si disegnano le nuvole, vengono utilizzate anche transizioni da diverse tonalità e riflessi.

Motivi fondamentali della pittura giapponese

Nell'arte tutto è interconnesso con la vita reale, con i sentimenti e le emozioni di coloro che ne sono coinvolti. Come nella letteratura, nella musica e in altre forme di creatività, anche nella pittura ci sono diversi temi eterni. Questi sono soggetti storici, immagini di persone e natura.

I paesaggi giapponesi sono disponibili in molte varietà. Spesso nei dipinti ci sono immagini di stagni, il mobile preferito dai giapponesi. Uno stagno decorativo, diverse ninfee e bambù nelle vicinanze: ecco come appare un'immagine tipica del XVII-XVIII secolo.

Gli animali nella pittura giapponese

Anche gli animali sono un elemento spesso ricorrente nella pittura asiatica. Tradizionalmente è una tigre in agguato o un gatto domestico. In generale, gli asiatici sono molto affezionati e quindi i loro rappresentanti si trovano in tutte le forme di arte orientale.

Il mondo della fauna è un altro tema seguito dalla pittura giapponese. Uccelli - gru, pappagalli decorativi, pavoni lussuosi, rondini, passeri poco appariscenti e persino galli - si trovano tutti nei disegni dei maestri orientali.

I Pesci sono un tema altrettanto rilevante per gli artisti giapponesi. Le carpe Koi sono la versione giapponese dei pesci rossi. Queste creature vivono in Asia in tutti gli stagni, anche nei piccoli parchi e giardini. La carpa koi è un tipo di tradizione che appartiene specificamente al Giappone. Questi pesci simboleggiano la lotta, la determinazione e il raggiungimento del tuo obiettivo. Non per niente sono raffigurati fluttuanti nel flusso, sempre con creste ondulate decorative.

Dipinti giapponesi: raffigurazione di persone

Le persone nella pittura giapponese sono un tema speciale. Gli artisti raffiguravano geishe, imperatori, guerrieri e anziani.

Le geishe sono raffigurate circondate da fiori, indossando sempre abiti elaborati con molte pieghe ed elementi.

I saggi sono raffigurati seduti o mentre spiegano qualcosa ai loro studenti. L'immagine del vecchio scienziato è un simbolo della storia, della cultura e della filosofia dell'Asia.

Il guerriero veniva descritto come formidabile, a volte terrificante. Quelli lunghi erano disegnati in dettaglio e sembravano fili.

Di solito tutti i dettagli dell'armatura vengono chiariti utilizzando l'inchiostro. Spesso i guerrieri nudi sono decorati con tatuaggi raffiguranti un drago orientale. È un simbolo della forza e della potenza militare del Giappone.

I governanti erano raffigurati per le famiglie imperiali. Bellissimi vestiti e decorazioni sui capelli degli uomini sono ciò di cui abbondano queste opere d'arte.

Paesaggi

Paesaggio tradizionale giapponese - montagne. I pittori asiatici sono riusciti a rappresentare una varietà di paesaggi: possono raffigurare la stessa vetta in colori diversi, con atmosfere diverse. L'unica cosa che rimane invariata è la presenza obbligatoria dei fiori. Di solito, insieme alle montagne, l'artista raffigura una specie di pianta in primo piano e la disegna in dettaglio. Le montagne e i fiori di ciliegio sono bellissimi. E se dipingono petali che cadono, l'immagine suscita ammirazione per la sua triste bellezza. Il contrasto nell'atmosfera dell'immagine è un'altra meravigliosa qualità della cultura giapponese.

Geroglifici

Spesso la composizione di un quadro nella pittura giapponese è abbinata alla scrittura. I geroglifici sono disposti in modo che abbiano un bell'aspetto compositivo. Di solito sono disegnati a sinistra o a destra del dipinto. I geroglifici possono rappresentare ciò che è raffigurato nel dipinto, il suo titolo o il nome dell'artista.

Il Giappone è uno dei paesi più ricchi di storia e cultura. In tutto il mondo, i giapponesi sono generalmente considerati persone pedanti che trovano l'estetica in assolutamente tutte le manifestazioni della vita. Pertanto, i dipinti giapponesi sono sempre molto armoniosi nel colore e nel tono: se ci sono macchie di colore brillante, è solo nei centri semantici. Utilizzando come esempio i dipinti di artisti asiatici, puoi studiare la teoria del colore, la corretta rappresentazione della forma utilizzando la grafica e la composizione. La tecnica di esecuzione dei dipinti giapponesi è così elevata che può servire da esempio per lavorare con gli acquerelli ed eseguire il “lavaggio” di opere grafiche.

Ciao, cari lettori – cercatori di conoscenza e verità!

Gli artisti giapponesi hanno uno stile unico, affinato da intere generazioni di maestri. Oggi parleremo dei rappresentanti più importanti della pittura giapponese e dei loro dipinti, dai tempi antichi ai tempi moderni.

Bene, tuffiamoci nell'arte del Paese del Sol Levante.

La nascita dell'arte

L'antica arte della pittura in Giappone è principalmente associata alle peculiarità della scrittura ed è quindi costruita sulle basi della calligrafia. I primi campioni includono frammenti di campane di bronzo, stoviglie e oggetti domestici rinvenuti durante gli scavi. Molti di loro sono stati dipinti con vernici naturali e la ricerca dà motivo di credere che i prodotti siano stati realizzati prima del 300 a.C.

Con l'arrivo in Giappone è iniziato un nuovo ciclo di sviluppo artistico. Immagini di divinità del pantheon buddista, scene della vita del Maestro e dei suoi seguaci sono state applicate sugli emakimono, speciali rotoli di carta.

La predominanza dei temi religiosi nella pittura può essere rintracciata nel Giappone medievale, vale a dire dal X al XV secolo. I nomi degli artisti di quell'epoca, ahimè, non sono sopravvissuti fino ad oggi.

Nel periodo tra il XV e il XVIII secolo iniziò un nuovo tempo, caratterizzato dall'emergere di artisti con uno stile individuale sviluppato. Hanno delineato il vettore per l'ulteriore sviluppo delle belle arti.

Rappresentanti brillanti del passato

Xubun teso (inizio XV secolo)

Per diventare un maestro eccezionale, Xiubun ha studiato le tecniche di scrittura degli artisti cinesi della canzone e le loro opere. Successivamente divenne uno dei fondatori della pittura in Giappone e il creatore del sumi-e.

Sumi-e è uno stile artistico basato sul disegno con inchiostro, che significa un colore.

Syubun fece molto affinché il nuovo stile mettesse radici nei circoli artistici e insegnò arte ad altri talenti, inclusi futuri pittori famosi, ad esempio Sesshu.

Il dipinto più popolare di Xiubun si chiama "Lettura in un boschetto di bambù".

"Leggere nel boschetto di bambù" di Tense Xubun

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Divenne il creatore di una scuola che porta il suo nome: Hasegawa. Inizialmente cercò di seguire i canoni della scuola Kano, ma gradualmente la sua “grafia” individuale cominciò a essere rintracciata nelle sue opere. Tohaku è stato guidato dalla grafica di Sesshu.

La base delle opere erano paesaggi semplici, laconici, ma realistici con titoli semplici:

• "Pini";
• "Acero";
• "Pini e piante da fiore."

"Pini" di Hasegawa Tohaku

Fratelli Ogata Korin (1658-1716) e Ogata Kenzan (1663-1743)

I fratelli erano eccellenti artigiani del XVIII secolo. Il maggiore, Ogata Korin, si dedicò interamente alla pittura e fondò il genere rimpa. Evitò immagini stereotipate, preferendo il genere impressionista.

Ogata Korin dipinse la natura in generale e i fiori in particolare sotto forma di astrazioni luminose. I suoi pennelli appartengono ai dipinti:

• "Fiore di prugno rosso e bianco";
• "Onde di Matsushima";
• "Crisantemi".

"Le onde di Matsushima" di Ogata Korin

Il fratello minore, Ogata Kenzan, aveva molti pseudonimi. Sebbene fosse impegnato nella pittura, era famoso più come un meraviglioso ceramista.

Ogata Kenzan ha imparato molte tecniche per creare la ceramica. Si distingueva per un approccio non standard, ad esempio creava piatti a forma di quadrato.

La sua pittura non si distingueva per lo splendore: anche questa era la sua particolarità. Amava applicare calligrafia simile a pergamena o estratti di poesie sui suoi oggetti. A volte lavoravano insieme al fratello.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Ha creato nello stile di ukiyo-e, una sorta di xilografia, in altre parole, pittura con incisione. Durante tutta la sua carriera ha cambiato circa 30 nomi. La sua opera più famosa è “La grande onda di Kanagawa”, grazie alla quale è diventato famoso anche fuori dalla sua terra natale.

"La grande onda al largo di Kanagawa" di Hokusai Katsushika

Hokusai iniziò a lavorare particolarmente duramente dopo i 60 anni, ottenendo buoni risultati. Van Gogh, Monet e Renoir conoscevano il suo lavoro e in una certa misura influenzò il lavoro dei maestri europei.

Ando Hiroshige (1791-1858)

Uno dei più grandi artisti del 19° secolo. Nacque, visse e lavorò a Edo, continuò l'opera di Hokusai e trasse ispirazione dalle sue opere. Il modo in cui ha rappresentato la natura è impressionante quasi quanto il numero delle opere stesse.

Edo è l'antico nome di Tokyo.

Ecco alcuni dati sulla sua opera, rappresentati da una serie di dipinti:

• 5,5 mila – il numero di tutte le incisioni;
• “100 vedute di Edo;
• "36 vedute del Fuji";
• "69 stazioni di Kisokaido";
• "53 stazioni Tokaido."

Dipinto di Ando Hiroshige

È interessante notare che l'eminente Van Gogh dipinse un paio di copie delle sue incisioni.

Modernità

Takashi Murakami

Artista, scultore, stilista, si è fatto un nome già alla fine del XX secolo. Nel suo lavoro segue le tendenze della moda con elementi classici e trae ispirazione dai cartoni animati di anime e manga.

Dipinto di Takashi Murakami

Le opere di Takashi Murakami sono considerate una sottocultura, ma allo stesso tempo sono incredibilmente popolari. Ad esempio, nel 2008, una delle sue opere è stata acquistata all'asta per oltre 15 milioni di dollari. Un tempo, il creatore moderno ha collaborato con le case di moda Marc Jacobs e Louis Vuitton.

Ashima tranquilla

Collega dell'artista precedente, crea dipinti moderni e surreali. Descrivono vedute di città, strade di megalopoli e creature come provenienti da un altro universo: fantasmi, spiriti maligni, ragazze aliene. Sullo sfondo dei dipinti si può spesso notare la natura incontaminata, a volte addirittura spaventosa.

I suoi dipinti raggiungono grandi dimensioni e raramente si limitano al supporto cartaceo. Vengono trasferiti su pelle e materiali plastici.

Nel 2006, nell'ambito di una mostra nella capitale britannica, una donna ha creato circa 20 strutture ad arco che riflettevano la bellezza della natura del villaggio e della città, giorno e notte. Uno di loro ha decorato una stazione della metropolitana.

Ciao Arakawa

Il giovane non può essere definito solo un artista nel senso classico del termine: crea installazioni così popolari nell'arte del 21 ° secolo. I temi delle sue mostre sono veramente giapponesi e toccano le relazioni amichevoli, nonché il lavoro dell'intero team.

Hei Arakawa partecipa spesso a varie biennali, ad esempio a Venezia, espone al Museo d'Arte Moderna nella sua terra natale e riceve meritatamente vari tipi di premi.

Ikenaga Yasunari

Il pittore contemporaneo Ikenaga Yasunari è riuscito a combinare due cose apparentemente incompatibili: la vita delle ragazze moderne in forma di ritratto e le tecniche tradizionali giapponesi dei tempi antichi. Nel suo lavoro, il pittore utilizza pennelli speciali, vernici pigmentate naturali, inchiostro e carbone. Invece del solito lino - tessuto di lino.

Dipinto di Ikenaga Yasunari

Questa tecnica di contrasto tra l'epoca rappresentata e l'aspetto delle eroine crea l'impressione che ci siano tornate dal passato.

Una serie di dipinti sulla complessità della vita di un coccodrillo, recentemente popolari nella comunità di Internet, è stata creata anche dal fumettista giapponese Keigo.

Conclusione

Quindi, la pittura giapponese iniziò intorno al 3° secolo a.C. e da allora è cambiata molto. Le prime immagini furono applicate alla ceramica, poi i motivi buddisti iniziarono a predominare nelle arti, ma i nomi degli autori non sono sopravvissuti fino ad oggi.

Nell'era moderna, i maestri del pennello hanno acquisito sempre più individualità e hanno creato direzioni e scuole diverse. Le belle arti di oggi non si limitano alla pittura tradizionale: vengono utilizzate installazioni, caricature, sculture artistiche e strutture speciali.

Grazie mille per l'attenzione, cari lettori! Ci auguriamo che tu abbia trovato utile il nostro articolo e che le storie sulla vita e sul lavoro dei più brillanti rappresentanti dell'arte ti abbiano permesso di conoscerli meglio.

Certo, è difficile parlare di tutti gli artisti dall'antichità ai giorni nostri in un unico articolo. Pertanto, lascia che questo sia il primo passo verso la comprensione della pittura giapponese.

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Arte e design

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01.02.18 09:02

La scena artistica odierna in Giappone è molto varia e provocatoria: guardando le opere dei maestri del Paese del Sol Levante, penserete di essere arrivati ​​su un altro pianeta! Sede di innovatori che hanno cambiato il panorama del settore su scala globale. Ecco un elenco di 10 artisti giapponesi contemporanei e delle loro creazioni, dalle incredibili creature di Takashi Murakami (che oggi festeggia il suo compleanno) al colorato universo di Kusama.

Dai mondi futuristici alle costellazioni punteggiate: artisti giapponesi contemporanei

Takashi Murakami: tradizionalista e classico

Cominciamo con l'eroe dell'occasione! Takashi Murakami è uno degli artisti contemporanei più iconici del Giappone, che lavora su dipinti, sculture di grandi dimensioni e abiti alla moda. Lo stile di Murakami è influenzato da manga e anime. È il fondatore del movimento Superflat, che sostiene le tradizioni artistiche giapponesi e la cultura del dopoguerra del paese. Murakami ha promosso molti dei suoi colleghi contemporanei e oggi ne incontreremo alcuni. Le opere “sottoculturali” di Takashi Murakami sono presentate nei mercati dell'arte della moda e dell'arte. Il suo provocatorio My Lonesome Cowboy (1998) è stato venduto a New York da Sotheby's nel 2008 per la cifra record di 15,2 milioni di dollari. Murakami ha collaborato con marchi di fama mondiale Marc Jacobs, Louis Vuitton e Issey Miyake.

Silenziosamente Ashima e il suo universo surreale

Membro della società di produzione artistica Kaikai Kiki e del movimento Superflat (entrambi fondati da Takashi Murakami), Chicho Ashima è nota per i suoi fantastici paesaggi urbani e le strane creature pop. L'artista crea sogni surreali abitati da demoni, fantasmi, giovani bellezze, raffigurati sullo sfondo di una natura stravagante. Le sue opere sono solitamente di grandi dimensioni e stampate su carta, pelle e plastica. Nel 2006, questo artista contemporaneo giapponese ha partecipato ad Art on the Underground a Londra. Ha creato 17 archi consecutivi per la piattaforma: il paesaggio magico è gradualmente passato dal giorno alla notte, da urbano a rurale. Questo miracolo sbocciò alla stazione della metropolitana di Gloucester Road.

Chiharu Shima e i fili infiniti

Un altro artista, Chiharu Shiota, lavora su installazioni visive su larga scala per punti di riferimento specifici. È nata a Osaka, ma ora vive in Germania, a Berlino. I temi centrali del suo lavoro sono l'oblio e la memoria, i sogni e la realtà, il passato e il presente, e anche il confronto con l'ansia. Le opere più famose di Chiharu Shiota sono reti impenetrabili di filo nero che avvolgono una varietà di oggetti quotidiani e personali, come vecchie sedie, un abito da sposa, un pianoforte bruciato. Nell'estate del 2014, Shiota ha legato insieme le scarpe e gli stivali donati (di cui erano più di 300) con fili di filo rosso e li ha appesi a dei ganci. La prima mostra di Chiharu nella capitale tedesca si è svolta durante la Berlin Art Week nel 2016 e ha suscitato scalpore.

Ehi Arakawa: ovunque, da nessuna parte

Hei Arakawa si ispira a stati di cambiamento, periodi di instabilità, elementi di rischio e le sue installazioni spesso simboleggiano temi di amicizia e lavoro di squadra. Il credo dell’artista giapponese contemporaneo è definito dal performativo, indefinito “ovunque, ma da nessuna parte”. Le sue creazioni spuntano in luoghi inaspettati. Nel 2013 le opere di Arakawa sono state esposte alla Biennale di Venezia e nella mostra di arte contemporanea giapponese al Mori Museum of Art (Tokyo). L'installazione Hawaiian Presence (2014) è stata una collaborazione con l'artista newyorkese Carissa Rodriguez ed è stata inclusa nella Biennale del Whitney. Sempre nel 2014, Arakawa e suo fratello Tomu, esibendosi in un duo chiamato United Brothers, hanno offerto ai visitatori di Frieze London il loro "lavoro" "The This Soup Taste Ambivalent" con le radici "radioattive" dei daikon di Fukushima.

Koki Tanaka: Relazioni e ripetizioni

Nel 2015, Koki Tanaka è stata riconosciuta come “Artista dell'anno”. Tanaka esplora l'esperienza condivisa di creatività e immaginazione, incoraggia lo scambio tra i partecipanti al progetto e sostiene nuove regole di collaborazione. La sua installazione nel padiglione giapponese alla Biennale di Venezia del 2013 consisteva in video di oggetti che trasformavano lo spazio in una piattaforma di scambio artistico. Le installazioni di Koki Tanaka (da non confondere con il suo omonimo attore) illustrano la relazione tra oggetti e azioni, ad esempio il video contiene registrazioni di gesti semplici eseguiti con oggetti comuni (un coltello che taglia le verdure, la birra versata in un bicchiere , aprendo un ombrello). Non succede nulla di significativo, ma la ripetizione ossessiva e l'attenzione ai più piccoli dettagli fanno sì che lo spettatore apprezzi il banale.

Mariko Mori e le forme aerodinamiche

Un'altra artista giapponese contemporanea, Mariko Mori, “evoca” oggetti multimediali, combinando video, fotografie e oggetti. È caratterizzata da una visione futuristica minimalista e da forme surreali ed eleganti. Un tema ricorrente nel lavoro di Mori è la giustapposizione della leggenda occidentale con la cultura occidentale. Nel 2010, Mariko ha fondato la Fau Foundation, un'organizzazione culturale educativa senza scopo di lucro, per la quale ha creato una serie di installazioni artistiche in onore dei sei continenti abitati. Più recentemente, l'installazione permanente della Fondazione "Ring: One with Nature" è stata eretta sopra una pittoresca cascata a Resende vicino a Rio de Janeiro.

Ryoji Ikeda: sintesi audio e video

Ryoji Ikeda è un artista e compositore dei nuovi media il cui lavoro si occupa principalmente del suono in vari stati "grezzi", dalle onde sinusoidali al rumore, utilizzando frequenze ai margini dell'udito umano. Le sue installazioni immersive includono suoni generati dal computer che vengono trasformati visivamente in proiezioni video o modelli digitali. L'arte audiovisiva di Ikeda utilizza scala, luce, ombra, volume, suoni elettronici e ritmo. La famosa struttura di prova dell'artista è composta da cinque proiettori che illuminano un'area lunga 28 metri e larga 8 metri. L'installazione converte i dati (testo, suoni, foto e filmati) in codici a barre e modelli binari di uno e zero.

Tatsuo Miyajima e i contatori LED

Lo scultore e artista di installazioni giapponese contemporaneo Tatsuo Miyajima utilizza circuiti elettrici, video, computer e altri gadget nella sua arte. I concetti fondamentali di Miyajima sono ispirati da idee umanistiche e insegnamenti buddisti. I contatori LED nelle sue installazioni lampeggiano continuamente in ripetizione da 1 a 9, simboleggiando il viaggio dalla vita alla morte, ma evitando la finalità rappresentata dallo 0 (lo zero non appare mai nel lavoro di Tatsuo). I numeri onnipresenti nelle griglie, nelle torri e nei diagrammi esprimono l'interesse di Miyajima per le idee di continuità, eternità, connessione e flusso di tempo e spazio. Recentemente, la "Arrow of Time" di Miyajima è stata esposta alla mostra inaugurale "Unfinished Thoughts Visible in New York".

Nara Yoshimoto e i bambini malvagi

Nara Yoshimoto crea dipinti, sculture e disegni di bambini e cani, soggetti che riflettono i sentimenti infantili di noia e frustrazione e la fiera indipendenza che viene naturale ai bambini piccoli. L'estetica del lavoro di Yoshimoto ricorda le tradizionali illustrazioni di libri, un misto di tensione irrequieta e amore dell'artista per il punk rock. Nel 2011, presso l'Asia Society Museum di New York, si è tenuta la prima mostra personale di Yoshimoto, intitolata "Yoshitomo Nara: Nessuno's Fool", che copre i vent'anni di carriera dell'artista giapponese contemporaneo. Le mostre erano strettamente legate alle sottoculture giovanili globali e la loro alienazione e protesta.

Yayoi Kusama e lo spazio assumono strane forme

La straordinaria biografia creativa di Yayoi Kusama dura sette decenni. Durante questo periodo, la straordinaria donna giapponese è riuscita a studiare i campi della pittura, della grafica, del collage, della scultura, del cinema, dell'incisione, dell'arte ambientale, dell'installazione, nonché della letteratura, della moda e del design dell'abbigliamento. Kusama ha sviluppato uno stile di dot art molto particolare che è diventato il suo marchio di fabbrica. Le visioni illusorie raffigurate nelle opere dell'88enne Kusama, in cui il mondo sembra essere ricoperto di forme tentacolari e stravaganti, sono il risultato di allucinazioni che ha vissuto fin dall'infanzia. Le stanze con punti colorati e specchi “infiniti” che riflettono i loro gruppi sono riconoscibili e non possono essere confuse con nient'altro.