Argomenti nel teatro tedesco. "Al cinema"

DAS TEATRO

1. Im vorigen Sommer war ich bei meinen Verwandten in Moskau zu Besuch.

2. Einmal kam mein Onkel freudig nach Hause.

3. Er hatte Karten furs Bolschoi- Theater fur den Sonntag besorgt.

4. Man gab die Oper "Eugen Onegin" di Tschaikowski.

5. Ich hatte immer den Wunsch, das Bolschoi-Theater zu besuchen.

6. Das Bolschoi-Theater ist eines der schonsten Gebaude Moskaus.

7. Es befindet sich im Zentrum der Stadt.

8. Um halb sieben waren wir schon im Theater.

9. In der Garderobe legten wir unsere Jacken ab.

10. Am Eingang zeigten wir unsere Eintrittskarten vor und betraten den Zuschauer-raum.

11. Alles war schon: Roter Samt, Gold, schöne Kronleuchter.

12. Wir hatten unsere Platze im Parkett und wir brauchten keine Opernglaser.

13. Es klingelte zum dritten Mal.

14. Der Vorhang ging auf. Der Dirigent Hob den Taktstock.

15. Inizia Die Ouverture.

16. Wir sahen begeistert auf die Buhne.

17. Die Besetzung war sehr gut.

18. In der Pause gingen wir ins Foyer.

19. Dort war eine interessante Fotoausstellung von beruhmten Sangern wie Schaljapin, Sobinow, Koslowski.

20. Es klingelte und wir gingen wieder in den Zuschauerraum.

21. Am Schluss der Vorstellung klatschten wir Beifall.

22. Die Schhauspieler wurden 3mal hervorgerufen.

23. Wir verbbrachten einen wunderschonen Abend.

24. Dieser Theater besuch machte auf mich einen unvergesslichen Eindruck

Sul tema: sviluppi metodologici, presentazioni e note

SCOPO DEL PROGETTO: Creare le condizioni per: - risolvere compiti di ricerca vocale-intellettuale nel processo di lavoro sul materiale linguistico e sviluppare su questa base i principali tipi di attività linguistica ...

la lezione ha lo scopo di consolidare il vocabolario sull'argomento Scuola / 6a elementare / e consolidare il materiale grammaticale / l'ordine delle parole in una frase tedesca / ...

Argomenti in tedesco per lo sviluppo del discorso monologo

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Tema: Theaterbesuch in Germania

Oggetto: Andare a teatro in Germania

Ich heiße Lena und lerne in einem Lyzeum mit vertieftem Sprachunterricht. Mein Hauptfach ist Deutsch. Im vorigen Jahr unterrichtete bei uns eine junge Lehrerin aus Deutschland. Sie hat mich und meine Freundin Angela zu sich nach Hamburg eingeladen. Ich war sehr froh darauf, Deutschland mit eigenen Augen zu sehen und deutsch zu sprechen.

Mi chiamo Lena, studio al Liceo con approfondimento delle lingue straniere. La mia materia principale è il tedesco. L'anno scorso abbiamo avuto un giovane insegnante dalla Germania. Ha invitato me e la mia amica Anita a casa sua ad Amburgo. Ero molto felice di poter vedere la Germania con i miei occhi e parlare tedesco.

Wir waren ad Amburgo 2 settimane lang. Alles classe di guerra! Unsere Lehrerin zeigte uns die Stadt. Und einmal hat sie uns ins Theater eingeladen. Das war eine Premiere im Hamburg Ballett. Es wurde das Ballett "Orpheus" gegeben. Wir bekamen die Eintrittskarten im Voraus. Dadurch bekamen wir Zeit, in Ruhe diese alte Sage über Orpheus und Eurydike zu lesen.

Siamo stati ad Amburgo per 2 settimane. Tutto è stato fantastico! Il nostro insegnante ci ha mostrato la città. E un giorno ci ha invitato a teatro. Era la prima al balletto di Amburgo. Hanno dato il balletto "Orpheus". Abbiamo i biglietti in anticipo. Pertanto, abbiamo avuto il tempo di leggere tranquillamente l'antica leggenda di Orfeo ed Euridice.

Der Sänger Orpheus wurde in der ganzen Welt geliebt. Ihm hörten Vögel in der Luft, Fische im Wasser, Tiere im Wald zu. Apollon hat ihm eine wundervolle Leier geschenkt. Orpheus liebte sehr seine Frau Eurydike. Die Hochzeit haben sie vor kurzem gefeiert. Aber sie wurden nicht lange glücklich. Eurydike wurde von einer giftigen Schlange todlich gebissen. Orpheus beschloss seine Geliebte im Reich der Toten zu finden und zu retten. Er stieg in die Unterwelt hinab. Vor dem Thron des Herrschers Hades ha cantato Orpheus zum Klang der Leier. Er bat ihn, seine Geliebte Eurydike zu befreien. Alle Totenschatten weinten. Der düstere Herrscher hatte Mitleid mit dem Sänger. Orpheus bekam seine Gemahlin zurück. Aber während des Rückwegs durfte er nicht zurückblicken. Orpheus blickte aber nach der Geliebten um und verlor sie für ewig. Der Sänger lebte 3 Jahre in seiner Trauer und wollte keine andere Frau sehen. Er wurde dadurch von den wütenden Weibern getötet. Die Nymphen brachten ihn zu seiner Eurydike in die Totenwelt.

Tutti adoravano il cantante Orfeo. Gli uccelli nel cielo, i pesci nell'acqua, gli animali nella foresta furono ascoltati con il suo canto. Lo stesso Apollo gli regalò una bellissima lira. Orfeo amava molto Euridice. Di recente hanno celebrato il loro matrimonio. Ma furono felici per pochissimo tempo. Euridice fu morsa da un serpente velenoso. È morta. Orfeo decise di trovare la sua amata nel regno dei morti e salvarla. È disceso agli inferi. Di fronte al trono del sovrano dell'Ade, Orfeo iniziò a cantare le sue canzoni e suonare la lira. Ha chiesto di rilasciare Euridice. Tutte le ombre piangevano. Il cupo re dei morti ebbe pietà del cantante. Orfeo ebbe la sua Euridice. Ma durante il ritorno dovette andarsene senza voltarsi indietro. Orfeo guardò indietro, guardò la sua amata e nello stesso momento la perse per sempre. Il cantante è stato triste per 3 anni e non voleva guardare nessuna donna. Di conseguenza, donne locali arrabbiate lo hanno ucciso lanciandogli pietre. Le ninfe lo portarono nel regno dei morti da Euridice.

Das Gebäude des Ballettzentrums gefiel mir auch sehr. Es sah wie ein Museum aus. Der Regieführer des Hamburger Balletts hat eine neue Interpretation dem Publikum vorgestellt. Er wollte das Sujet modern machen. Die Bühnenbilder sind auch stilistisch geandert. Der Sänger Orpheus bekam eine Geige statt der alten Leier. Die Musik unterstutzte den neuen Blick. Neben Stravinsky und Barock erklangen Melodien aus einem aktuellen Musical. Sie wurden auch durch Lautsprecher gespielt. Somit wurde Orpheus wie ein Künstler von heute für Zuschauer gegeben. Was aber blieb - das ist die Idea der ewigen Liebe. Das Publikum im Saal würdigte die moderne Variante der alten Sage durch ihren heftigen Applaus sehr hoch. Die neue Interpretation fand auch in der Choreographie ihren Ausdruck. Der Orpheus-Darsteller Otto Bubenicek tanzte technisch glänzend. Musik und Tanz verschmelzen sich in mir eng zusammen. Die Kostüme waren elegant neoklassisch, dem Tanzstil angepasst.

Mi è piaciuto molto l'edificio del Ballet Center. Sembrava un museo. Il regista dello spettacolo ha offerto al pubblico il suo nuova versione balletto. Ha modernizzato la trama della leggenda. Anche lo stile decorativo è stato aggiornato stilisticamente. Il cantante Orfeo non suonava la lira, ma il violino. La musica enfatizzava la novità. Oltre ai classici di Stravinsky e all'antichità del barocco, dagli altoparlanti risuonavano le melodie di un musical moderno. Pertanto, Orfeo appare davanti al pubblico come il cantante di oggi. Ma l'idea principale della leggenda è rimasta invariata: l'eternità dell'amore. Il pubblico in sala ha espresso la sua gioia con un fragoroso applauso. La nuova interpretazione si riflette nella coreografia. L'esecutore del ruolo di Orfeo - Otto Bubenchik ha ballato brillantemente. Musica e danza si intrecciano nella mia mente in un tutt'uno. I costumi degli artisti enfatizzavano elegantemente i classici in uno spirito moderno.

Das Zentrum wurde 1929 eingerichtet. Das Innere wurde mit einem schönen Wandgemälde „"Orpheus mit den Tieren" von der Kunstmalerin Anita Rée geschmückt. Das Gemälde zeigt Orpheus auf einer Antilope reitend. Um ihn herum liegen Tiere, die sein Spiel und Singen bewundern. Die Ballettsäle werden nach berühmten Choreografen benannt: Petipa, Nijinsky, Balanchine, und anderen.

Parlando del teatro tedesco della seconda metà dell'Ottocento, bisogna andare alla fine degli anni '60. La difficile situazione socio-politica ha influito in modo significativo vita teatrale. I teatri permanenti erano solo cortigiani (nelle residenze dei governanti). Il sistema dei tour era molto diffuso. Nella Berlino leader teatro reale le opere classiche sono state messe in scena senza alcun tentativo di sbarazzarsi del pathos di routine e declamatorio. E le commedie che sono state mostrate qui erano di direzione sciovinista e sono state scritte da autori ordinari.

Allo stesso tempo, un fenomeno degno di nota fu il teatro di corte nella capitale del ducato di Sassonia-Meiningen, nella città di Meiningen. La sua origine risale al XVIII secolo.

Teatro Meiningenè stato uno dei teatri più importanti della Germania nella seconda metà del XIX secolo. Ma, nonostante il teatro fosse di corte, fu influenzato dai gusti del pubblico borghese.

Dal 1869, un attore che aveva precedentemente lavorato in questo teatro è diventato regista e regista del teatro. Ludovico Kroneg (1837-1891). E il teatro entra nel suo periodo di massimo splendore negli anni '70 e '80.

Tre persone erano a capo del teatro: il duca Giorgio II, che era principalmente impegnato nella parte decorativa dello spettacolo, ma che aveva una voce decisiva in tutte le questioni della vita del teatro; sua moglie, ex attrice di questo teatro, Helene Franz, i cui compiti includevano principalmente lavorare alla recitazione, e Ludwig Kroneg, un regista di talento e una persona istruita in modo completo.

Nello sviluppo dei piani del regista, Kroneg ha cercato la verità della vita, l'accuratezza della rappresentazione dell'era storica, il suo modo di vivere e le sue usanze. È stato anche l'organizzatore del tour teatrale. Meiningen viaggiò in tutta la Germania, visitò Olanda, Svezia, Belgio, Danimarca, Svizzera, Inghilterra, visitò due volte la Russia - nel 1885 e nel 1890. Dopo la morte di Kroneg, nel 1891, la tournée cessò e il teatro iniziò a funzionare senza interruzione a Meiningen.

La direzione artistica del teatro Meiningen si basava sui principi del lavoro di Goethe nel teatro di Weimar e sugli esperimenti KL Immermann(1796-1840), uno dei primi registi del teatro tedesco. Continuando le tradizioni di Goethe, il Teatro Meiningen ha cercato di mantenere un alto livello ideologico e artistico del repertorio, concentrandosi principalmente sui classici. Continuando le tradizioni del teatro di Weimar, i Meiningeniti affermarono il ruolo principale del regista nello spettacolo. Da Immermann, i Meiningeniani hanno ereditato il desiderio di un insieme, per l'accuratezza storica e quotidiana dell'esecuzione.

Oltre alle tradizioni nazionali della regia tedesca, il Teatro Meiningen ha ampiamente utilizzato i principi del regista inglese Charles Keane, che ha combinato il requisito dell'autenticità storica con la vistosità esteriore e lo splendore della performance.

Alla radice del repertorio c'era la drammaturgia di Schiller (ʼʼThe Fiesco Conspiracyʼʼ, ʼʼRobbersʼʼ, ʼʼWallenstein's Campʼʼ, ʼʼThe Death of Wallensteinʼʼ, ʼʼWilliam Tellʼʼ). Le opere di Shakespeare: ʼʼJulius Caesarʼʼ, ʼʼTwelfth Nightʼʼ, ʼʼThe Merchant of Veniceʼʼ, ʼʼMacbethʼʼ, ʼʼThe Winter's Taleʼʼ, ʼʼThe Taming of the Shrewʼʼ. Inoltre nel repertorio c'erano: ʼʼIfigenia in Aulidʼʼ Goethe, ʼʼMrs Sarah Sampsonʼʼ Lessing, commedie di Kleist. Da drammaturgia francese il repertorio del teatro comprendeva le commedie di Molière ʼʼIl paziente immaginarioʼʼ e ʼʼDonne istruiteʼʼ.

Giorgio II ha determinato la selezione delle opere teatrali e la loro interpretazione. Per questo motivo, il repertorio del teatro non includeva opere socialmente significative del dramma tedesco: ʼʼIntrigue and Loveʼʼ di Schiller, ʼʼEmilia Galottiʼʼ di Lessing. Ma c'erano commedie che intensificavano i sentimenti nazionalisti.

Regia al Teatro Meiningen si è sforzato di creare un'opera d'arte completa e integrale, in cui tutte le parti costitutive sono subordinate al compito dell'espressione più completa dell'idea dell'opera. Ciò ha determinato l'ordine e la natura speciali del lavoro sulla performance. È iniziato con uno studio dettagliato della direzione dell'era storica, della vita. Quindi hanno proceduto alla lettura della commedia, che è stata discussa prima nel suo insieme, quindi per singoli atti, scene, ruoli. Gli attori dovevano conoscere non solo il loro ruolo, ma l'intera commedia. Durante il lavoro di prova si sono svolte numerose conversazioni, durante le quali i ruoli sono stati analizzati in dettaglio, è stata fatta la loro analisi letteraria e psicologica. Dopo che il regista e l'artista hanno creato il piano di produzione, sono iniziate le prove scene di folla. Il loro attento sviluppo è stato uno dei mezzi più importanti per creare l'unità artistica della performance. Le scene delle esibizioni di Meiningen erano vivaci, dinamiche, così che la folla partecipava organicamente all'azione. Le comparse erano divise in gruppi, in ogni gruppo veniva nominato un leader (ʼʼʼʼʼʼʼ) tra gli artisti di teatro, che si assicurava che i partecipanti alle scene di massa non assumessero le stesse pose, compiva i gesti necessari in tempo, dava accuratamente repliche che sono stati scritti appositamente per loro.

La regia ha prestato particolare attenzione al lavoro su ruoli episodici. Il compito di creare un ensemble teatrale richiedeva il rifiuto del sistema di ruolo. Attore che si esibisce ruolo di primo piano, nella performance successiva potrebbe recitare in modo episodico o addirittura uscire come comparsa nella scena di massa.

L'immagine artistica unificata della performance e la massima plausibilità della rappresentazione della vita sul palco hanno richiesto un attento sviluppo del design. Per questo motivo l'attenzione principale è stata rivolta all'accuratezza della riproduzione della vita quotidiana, per la quale sono state studiate a fondo le fonti storiche della cultura materiale. Ad esempio, durante la messa in scena di Ifigenia in Tauris, il teatro ha utilizzato materiali provenienti dagli scavi archeologici di Schliemann; nella messa in scena di ʼʼMary Stuartʼʼ, hanno studiato la storia dei luoghi indicati da Schiller; durante la messa in scena di ʼʼThe Maid of Orleansʼʼ, l'artista si è recato nella patria di Giovanna d'Arco, il villaggio francese di Domrem E - e ha realizzato schizzi di paesaggi sul posto.

I padiglioni standard e anonimi furono sostituiti da decorazioni che non solo erano etnograficamente accurate, ma portavano anche l'impronta dello stato sociale, dello stile di vita e della professione degli abitanti della casa. Invece di scene dipinte con colonne, hanno posizionato colonne sul palco. Il piano della scena è stato suddiviso in sezioni separate (colline, gole), sono state introdotte scale, piattaforme, passaggi, che hanno permesso di costruire messe in scena pittoresche e dinamiche.

L'espressività scenica è stata esaltata dall'uso di effetti sonori e luminosi: un'immagine luminosa di pioggia che cade, alba e tramonto, chiaro di luna, nuvole in movimento, ecc. Nella commedia ʼʼWilhelm Tellʼʼ, un'intera gamma di suoni è stata utilizzata nell'immagine della tempesta: l'ululato del vento, il fragore del tuono, il suono della pioggia, l'impatto delle onde di un lago di montagna. Il teatro con effetti sonori è riuscito a creare l'illusione di un grande spazio che va oltre il palcoscenico.

Ma l'innovazione nel campo delle tecniche di messa in scena non si armonizzava con la recitazione; Vi si conservavano ancora falso pathos declamatorio, artificiosità e cliché. I Meiningeniani ʼʼ non hanno aggiornato le vecchie tecniche puramente recitative del giocoʼʼ (Stanislavskij). Il mezzo principale per trasmettere l'idea della performance non era l'attore, ma le tecniche di regia e messa in scena.

Il requisito della regia di Meiningen che i grandi attori interpretassero ruoli episodici, a volte con una scarsa interpretazione dei ruoli principali, ha portato alla distruzione dell'ensemble e all'integrità dell'impressione artistica. UN. Ostrovsky ha attirato l'attenzione su come nella commedia "Giulio Cesare" una delle scene più importanti sia distorta da un'esibizione infruttuosa: ʼʼIl bellissimo discorso pronunciato da Shakespeare ad Anthony è stato pronunciato debolmente dall'attore, e la folla abilmente addestrata era eccitata e animata come se il discorso fosse stato pronunciato con forza e con entusiasmoʼʼ.

Sostituzione naturalistica di generalizzazioni e tipizzazioni con plausibilità naturalistica esternaè stato trovato nella selezione degli attori. Quindi, per il ruolo di Giulio Cesare, Croneg ha scelto un attore che assomiglia a Cesare, ma manca di talento. E in questa occasione, A.N. Ostrovsky lo ha notato ʼʼ tra i Meiningeniani e lo stesso Giulio Cesare appartiene a cose false ʼʼ.

Nell'articolo ʼʼConsiderazioni e conclusioni sulla compagnia di Meiningenʼʼ UN. Ostrovsky rileva gli aspetti positivi del teatro Meiningen: lo sviluppo di scene di massa, l'uso sapiente degli effetti di luce, la buona qualità della scenografia e degli oggetti di scena. Ma in generale, definisce questo teatro come ʼʼuna troupe disciplinata in modo eccellente, composta da attori mediocri e attrici disgustosamente piagnucolose e irrequieteʼʼ e fa la sua ʼʼfraseʼʼ: ʼʼ…quello che abbiamo visto in loro non è arte, ma abilità, ᴛ.ᴇ. mestiere.

KS Stanislavsky apprezzava molto il talento, l'ingegnosità registica e la rigida disciplina teatrale di Kroneg, ma allo stesso tempo condannava il dispotismo del regista, che sopprime l'individualità dell'attore, e il trasferimento del centro di gravità della performance dall'attore al regista tecniche di stadiazione.

VI.I. Nemirovich-Danchenko era solidale con la valutazione della performance di Ostrovsky ʼʼJulius Caesarʼʼ.

Il teatro Meiningen non aveva un proprio chiaro programma ideologico ed estetico e non era associato al dramma moderno, in relazione a ciò l'immagine creativa del teatro sembrava eclettica. Ma un'alta cultura della produzione basata sullo sviluppo del principio di unificazione forma d'arte la performance, un piano di produzione attentamente studiato, la stretta osservanza del colore storico e nazionale, hanno avuto una grande influenza sullo sviluppo del pensiero registico alla fine del XIX secolo.

ambientazione storica continuò ad essere difficile. Condizioni socio-politiche in Europa centrale erano abbastanza taglienti: la Francia rivendicava l'egemonia ed era interessata alla frammentazione della Germania. La ragione della guerra funko-prussiana del 1870-1871. c'era una disputa sull'Alsazia sulla Lorena, territori di confine.

Nel 1871 ᴦ. La guerra franco-prussiana si concluse con la completa sconfitta della Francia, in cui cadde il Secondo Impero e fu proclamata una repubblica (la Comune di Parigi). La Francia fu occupata dalle truppe prussiane coinvolte nella soppressione della Comune.

Nello stesso 1871 ᴦ. i monarchi degli stati ʼʼnaniʼʼ, riuniti a Versailles, proclamarono il re prussiano Guglielmo I imperatore tedesco. Ciò significava l'unificazione nazionale della Germania. Ma lo stato unificato era parlamentare solo nella forma, ma in realtà conservava molte vestigia feudali, l'apparato burocratico era sotto l'influenza della borghesia ed era presidiato dalla polizia. Gli Junker prussiani occupavano una posizione influente in tutto l'impero. Il popolo tedesco è stato allevato nello spirito dello sciovinismo (ᴛ.ᴇ. nazionalismo estremo). Il rapido sviluppo del capitalismo iniziò e alla fine del XIX secolo. La Germania è diventata una grande potenza monopolistica.

Il regime reazionario provocò opposizione e nacque il Partito Socialista dei Lavoratori di Germania (August Bebel e Wilhelm Liebknecht). I rappresentanti dell'intellighenzia progressista furono gradualmente attratti dal movimento operaio.

Confronto delle forze sociali tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. caratterizzato una situazione difficile, ma questa circostanza ha anche dato origine a una complessa cultura spirituale.

Durante questo periodo, i circoli conservatori dell'intellighenzia tedesca caddero sotto l'influenza degli insegnamenti filosofici di Friedrich Nietzsche, che avanzò la teoria reazionaria della "moralità padronale" e della "forte personalità".

Ma c'erano forze contrarie allo sciovinismo. Ha dato un grande contributo all'estetica realistica Franz Mehring (1846-1919): nei suoi articoli di critica letteraria si occupò dei problemi e dei fenomeni fondamentali del teatro di fine Ottocento.

Era urgente aggiornare sia il repertorio che le tecniche artistiche. Questo è stato avviato dal Teatro Meiningen.

Il prossimo passo importante è stato compiuto dal regista Otto Brahm, che per la prima volta in Germania ha iniziato a mettere in scena drammi moderni - opere di Ibsen, Hauptmann, L. Tolstoy, I. Turgenev.

L'apice della ricerca creativa nel teatro del primo Novecento. in Germania ci sono state esibizioni innovative di M. Reinhardt. Il suo teatro si distingueva per un'armoniosa combinazione di repertorio classico e moderno; inoltre, il repertorio moderno rifletteva le tendenze e le contraddizioni più acute dell'epoca.

Gerhard Hauptmann(1852-1946) - un eccezionale drammaturgo tedesco della fine del XIX - inizio del XX secolo. Ha iniziato come pittore ed è stato fortemente influenzato dal naturalismo. Ma il suo interesse per i processi sociali e i conflitti morali gli ha permesso di fare generalizzazioni realistiche nelle sue opere.

Prime commedie ( prima dell'alba, 1889) corrispondono al naturalismo. In essi incarna l'idea della completa dipendenza di una persona dall'ambiente e la psicologia è determinata dall'ereditarietà. Lo spettacolo è dedicato al tema del crollo di una ricca famiglia contadina, contagiata dall'alcolismo e priva di principi morali. Nel 1891 ᴦ. emerge il dramma psicologico solitario e dramma sociale ʼʼWeaversʼʼ(in esso si basa sulla rivolta dei tessitori di Slesia nel 1844 ᴦ.). L'azione nel gioco si sviluppa in modo dinamico. All'inizio dell'opera, i tessitori sono una massa oppressa e affamata, sfinita dal duro lavoro. Man mano che l'azione si sviluppa, si trasformano da schiavi obbedienti in combattenti attivi. Hauptmann dà nel dramma nuovo tipo un eroe combattente nelle immagini di un soldato in pensione Moritz Jaeger e del suo amico Becker, un tessitore. Il dramma mostra l'evoluzione di molte immagini: il vecchio Baumert viene gradualmente coinvolto nella lotta, Louise Gilse è una giovane tessitrice che va alla lotta insieme ad altri tessitori. Alla fine anche suo marito Gottlieb si unisce alla ribellione. Coloro che sono al potere sono raffigurati in modo satirico.

In quanto patetico dramma popolare, ʼʼʼʼʼʼ era molto apprezzato dalle figure progressiste del teatro.

fiaba drammatica ʼʼLa campana affondataʼʼ(1896) - ϶ᴛᴏ un inno alla natura. La trama è creata dall'immaginazione creativa di Hauptmann, ma ha anche fatto ampio uso di temi Fiabe tedesche. Qui si esprime un pensiero importante: sulla libertà della creatività dell'artista, non vincolata dalle convenzioni del dogma della chiesa, sulla creatività, ĸᴏᴛᴏᴩᴏᴇ può trovare armonia solo in prossimità della natura. Stilisticamente, l'opera intreccia romanticismo, immagini di poesia popolare, realismo e simbolismo.

L'opera più significativa di Hauptmann è un dramma realistico ϶ᴛᴏ prima del tramonto(1932). In questo dramma, due battute sono magistralmente combinate: lirica e socialmente accusatoria. Οʜᴎ sono strettamente intrecciati. Matthias Clausen ha visto come prendono vita il calcolo commerciale, il cinismo; condannò il mondo e se ne allontanò. Questo è un mondo non solo di mercanteggiamenti, ipocrisia e cinismo, questo è il mondo del fascismo che avanza, incarnato nella figura di suo genero Klamroth.

È durante questo periodo di liberazione interiore da tutto il passato che la giovane Inken Peters invade la vita di Clausen. Ha dato vita alla sua esistenza. Dopo lunghi dubbi, esitazioni, arriva alla decisione di entrare in contatto con lei. Dopo aver appreso di ciò, la famiglia si sta preparando per un ʼʼattaccoʼʼ: dopotutto, una colossale eredità può andare alla ʼʼpovera sartaʼʼ Inken. E stanno cercando un ordine del tribunale per stabilire la tutela del padre, che avrebbe perso la testa. Mattias è stupito, non ha la forza di combatterli. Lascia la sua stessa casa. I bambini stanno cercando di metterlo in un ospedale psichiatrico. E Matthias decide di morire.

Durante gli anni del fascismo, Hauptmann visse in isolamento nella sua tenuta e creò una tetralogia su temi antichi: ʼʼIfigenia ad Aulideʼʼ, ʼʼLa morte di Agamennoneʼʼ, ʼʼElettraʼʼ e ʼʼIfigenia a Delfiʼʼ. Con questo ha protestato contro il regime. La drammaturgia di Hauptmann ha dato un contributo significativo alla letteratura e al teatro della Germania.

Teatro tedesco - concetto e tipi. Classificazione e caratteristiche della categoria "teatro tedesco" 2017, 2018.

Andare a teatro - Argomento tedesco

Es gibt viele Moglichkeiten, die Freizeit zu verbringen. Einige sitzen die ganze Zeit vor dem Fernseher und sehen alle Sendungen, die anderen besuchen Diskotheken. Viele gehen aber ins Theatre. In jeder Grostadt gibt es viele Theatre, in denen Opern, Ballette, Dramen, Operetten aufgefuhrt werden.

Die Geschichte des Theaters ist sehr reich und interessant. Es gibt verschiedene formen des Theatres: griechisches Theatre, Barocktheater und modernes Theatre.

Jede Grostadt in unserer RB hat ihr eigenes Theater mit seinem einmaligen Antlitz. Die bekanntesten Theatre in Bielorussia sind das Sprechtheater a Grodno, das Jakub-Kolas-Theater a Witebsk. Mit vollem Recht nennt man Minsk eine Theaterstadt. Das Janka-Kupala-Theater, das russische Sprechtheater e a. M. sind weit uber die Grenzen der Republik bekannt. Das Janka-Kupala-Theater trogt den Namen des belorussischen Dichters Iwan Dominikowitsch Luzewitsch, dessen Pseudonimo Kupala ist. Sein Pseudonym Kupala idt mit dem belorussischen Volksfest, die so genannte Kupala-Nacht verbunden. Dieses fest ist sehr schon und wird heutzutage gefeiert. Auf dem spielplan stehen die Werke von den belorussischen Schriftstellern, auch auslandischen Autoren. Die bekanntesten belorussischen Schauspieler sind Stanyta, Garbuk, Jeremenko.

Ich interessiere mich fur Theater und besuche Theater gern. Ich kann also immer wahlen: entweder in die Oper oder ins Ballett zu gehen, entweder sich ein Drama oder ein Lustspiel anzusehen.

In Deutschland gibt es viele Theaterfreunde. Allein Berlin hat uber 150 Theater, darunter das "deutsche Theater", die komische Oper, das "Berliner Ensemble". Auch in der Provinz werden Theaterstücke gegeben. Auf deutschen Buhnen fuhrt man die Werke der Klassik auf, z.B. Schiller "Kabale und Liebe" Die zeitgenossischen Werke werden auch gegeben.

Neue Titel, neue Namen - das ist immer wieder interessant. Theater ist ewig, es kann nicht altmodisch sein. Ich konnte mir ein leben des Menschen ohne Theater gar nicht vorstellen. Es ware bestimmt ein langweiliges Leben. Ich glaube, ein jeder geht mit vielen Erwartungen ins Theater. Nicht alle konnen naturlich erfullt werden. Um einmal den Alltag zu vergessen, gehe ich ins Theater, vor allem ins Sprechtheater. Ich wahle mir etwas Lustiges, wenn ich schlechter Laune bin, wenn ich aber eine gute Laune habe, sehe ich mir etwas Trauriges an.

Naturlich besuche ich das Theater nicht allein. Viel interessanter geht es mit den Freunden: man kann in den Pausen das Stuck besprechen und Meinungen austauschen. Gewohnlich kaufe ich Einrittskarten im Vorverkauf auf, wenn naturlich keine Premiere gegeben wird. In diem Fall muss man unmittelbar im Theater tun. Ich erkundige mich immer nach den Schauspielern, die Hauptrollen spielen. Das ist doch sehr angenehm und spannend, bekanntes Kunstlerspielen zu sehen.

In der Regel beginnt die Auffuhrung um 1900 Uhr. Um halb 19 00 hole ich meine Freundin ab und wir machen uns auf den Weg. Das Wichtigste hier ist nicht zu spat zu kommen.

In der Garderobe legen wir ab und gehen ins Foyer. Dort flanieren auf und ab zahlreiche Theaterbesucher. Da sind viele Menschen: Kinder und Erwachsene warten auf den beginn der Vorstellung. Wir kaufen ein Programm und schlie?en uns ihnen an. Wenn es zum 2. Mal lautet, gehen wir zu unseren Platzen. Wir setzten uns, und jetzt haben wir die Zeit, unsere Umgebung zu betrachten. Es ist ein gro?er, festlicher Raum. Von links und rechts stromen durch die offnen Turen Menschen qui. Sie sind festlich gekleidet. Die meisten haben frohe Mienen. Sie lachen und scherzen, nicken einander freundlich zu und plaudern vergnugt, wahrend sie ihre Platze aufsuchen. Calvo klingelte es zum dritten Mal. Schnell fuhlte sich der Zuschauerraum. Das Licht nahm rasch ab und erlosch nach ein paar Sekunden ganz. Stille herrschte im Zuschauerraum, man vernahm nur das Rauschen der Programmhefte. Ganz leise erklang zarte Musik, die Scheinwerfer strahlen ihr helles Licht auf die Buhne, langsam ging der Vorgang auf. Wenn der erste Aufzug zu Ende ist, klatschen die Zuschauer Beifall. Der Vorgang geht zu.

In der Pause ging ich im Foyer auf und ab und beobachtete das Publikum. Einige Zuschauer unterhielten sich uber das Stuck, tauschten ihre Eindrucke und Meinungen aus, andere gingen in den Erfrischungsraum. È klingelte calvo. Der zweite Aufzug beginnt. Alle sehen gespannt zur Buhne. Die Schlusszene ist am schonsten.

Die Vorstellung ist zu Ende. Der Vorgang fallt und die Zuschauer klatschen Beifall. Die Schauspieler haben viele Vorhange, sie bekommen Blume.

Nach Hause kehrte ich spat am Abend zuruck, ziemlich mude und uberaus zufrieden. Das eben gesehene Stuck hat mich stark beeindruckt, aber ich habe schon einen neuen Theaterbesuch vor…