Il significato di Molière nello sviluppo del dramma francese, la formazione del genere di "alta commedia" nel suo lavoro. Caratteristiche del genere dell'alta commedia L'alta commedia di Molière

Combinando le migliori tradizioni dei francesi. teatro popolare con idee umanistiche avanzate ereditate dal Rinascimento, utilizzando l'esperienza del classicismo, Molière ne creò uno nuovo un tipo di commedia rivolta al presente, che denuncia le deformità sociali della società nobile-borghese. Nelle commedie che riflettono "come in uno specchio, l'intera società", ha proposto M. nuovi principi artistici: la verità della vita, l'individualizzazione dei personaggi con una brillante tipizzazione dei personaggi e la conservazione della forma scenica, che trasmette l'elemento allegro del teatro quadrato.

Le sue commedie sono dirette contro l'ipocrisia, nascondendosi dietro la pietà e la virtù ostentata, contro il vuoto spirituale e il cinismo arrogante dell'aristocrazia. Gli eroi di queste commedie acquisiti grande potere tipizzazione sociale.

La risolutezza, l'intransigenza di M. era particolarmente pronunciata nei caratteri delle persone del popolo: servi e cameriere attivi, intelligenti, allegri, pieni di disprezzo per gli aristocratici oziosi e i borghesi soddisfatti di sé.

Una caratteristica essenziale dell'alta commedia era elemento tragico , manifestato più chiaramente in Misanthrope, che a volte viene chiamato tragicommedia e persino tragedia.

Le commedie di Molière tocca una vasta gamma di problemi della vita moderna Parole chiave: rapporti tra padri e figli, educazione, matrimonio e famiglia, stato morale della società (ipocrisia, avidità, vanità, ecc.), classe, religione, cultura, scienza (medicina, filosofia), ecc.

Diventa il metodo di costruzione scenica dei personaggi principali e l'espressione delle questioni sociali nello spettacolo evidenziando un tratto, la passione dominante del protagonista. Anche il conflitto principale dell'opera, ovviamente, è "legato" a questa passione.

La caratteristica principale dei personaggi di Molière - indipendenza, attività, capacità di organizzare la propria felicità e il proprio destino nella lotta contro il vecchio e l'obsoleto. Ognuno di loro ha le proprie convinzioni, il proprio sistema di opinioni, che difende davanti al suo avversario; la figura dell'avversario è obbligatoria per la commedia classica, perché l'azione in essa si sviluppa nell'ambito di controversie e discussioni.

Un'altra caratteristica dei personaggi di Moliere è la loro ambiguità. Molti di loro non hanno una, ma diverse qualità (Don Juan), o nel corso dell'azione c'è una complicazione o un cambiamento nei loro personaggi (Argon in Tartuffe, Georges Dandin).

Ma tutti i caratteri negativi hanno una cosa in comune - violazione di misura. La misura è il principio fondamentale dell'estetica classica. Nelle commedie di Molière, è identico al buon senso e alla naturalezza (e quindi alla moralità). I loro portatori si rivelano spesso rappresentanti del popolo (una cameriera in Tartufo, una moglie plebea di Jourdain in filisteo nella nobiltà). Mostrando l'imperfezione delle persone, Moliere implementa il principio principale del genere commedia: armonizzare il mondo e le relazioni umane attraverso il riso .

Complotto molte commedie semplice. Ma una trama così semplice ha reso più facile per Molière fornire caratteristiche psicologiche laconiche e veritiere. Nella nuova commedia, il movimento della trama non era più il risultato dei trucchi e delle complessità della trama, ma "seguito dal comportamento dei personaggi stessi, era determinato dai loro personaggi". Nelle forti risate accusatorie di Molière c'erano note di indignazione delle masse civili.

Molière era estremamente indignato per la posizione degli aristocratici e del clero e "il primo duro colpo alla società nobile-borghese di Molièrenanes con la sua commedia" Tartufo ". Usando l'esempio di Tartufo, ha mostrato con forza brillante che la morale cristiana consente a una persona di essere completamente irresponsabile delle sue azioni. Un uomo privato della propria volontà e completamente abbandonato alla volontà di Dio. La commedia è stata bandita e per tutta la vita Molière ha continuato a lottare per essa.

Importante nel lavoro di Molière, secondo il signor Boyadzhiev, e l'immagine di Don Juan. “Nell'immagine di Don Juan, Molière stigmatizzava l'odiato tipo di aristocratico dissoluto e cinico, un uomo che non solo commette impunemente le sue atrocità, ma ostenta anche il fatto che, per la sua nobiltà di origine, ha il diritto di non fare i conti con le leggi della moralità, vincolanti solo per le persone di rango semplice.

Molière fu l'unico scrittore del XVII secolo che contribuì al riavvicinamento della borghesia alle masse. Credeva che ciò avrebbe migliorato la vita delle persone e limitato l'illegalità del clero e l'assolutismo.

1. Aspetti filosofici e morale-estetici di J.-B. Molter ("Tartufo", "Don Juan"). Sintesi di istruttività e divertimento nell'opera del drammaturgo.

Moliere evidenzia compiti non divertenti, ma educativi e satirici. Le sue commedie sono caratterizzate da satira tagliente e flagellante, intransigenza con il male sociale e, allo stesso tempo, frizzante sano umorismo e allegria.

"Tartufo"- la prima commedia di Molière, in cui si riscontrano alcuni tratti di realismo. In generale, come le sue prime opere teatrali, obbedisce alle regole chiave e alle tecniche compositive dell'opera classica; tuttavia, Molière si allontana spesso da loro (ad esempio, in Tartuffe la regola dell'unità del tempo non è completamente osservata - la trama include una storia di fondo sulla conoscenza di Orgon e del santo).

In Tartuffe, Molière castiga l'inganno, personificato dal protagonista, così come la stupidità e l'ignoranza morale, rappresentate da Orgon e Madame Pernel. Con l'inganno, Tartuffe inganna Orgon, e quest'ultimo cade nell'esca a causa della sua stupidità e natura ingenua. È proprio la contraddizione tra l'ovvio e l'apparente, tra la maschera e il volto, la principale fonte di commedia nella commedia, perché grazie ad essa l'ingannatore e il sempliciotto fanno ridere di cuore lo spettatore.

Il primo - perché ha tentato senza successo di impersonare una persona completamente diversa, diametralmente opposta, e ha persino scelto una qualità del tutto specifica che gli era estranea - che potrebbe essere più difficile per uno zhuir e un libertino interpretare il ruolo di un asceta, zelante e casto pellegrinaggio. Il secondo è ridicolo perché non vede assolutamente quelle cose che avrebbero attirato l'attenzione di qualsiasi persona normale, ammira e si diletta in estrema gioia con ciò che dovrebbe provocare, se non risate omeriche, almeno indignazione. In Orgon, Moliere ha evidenziato, prima di altri aspetti del carattere, la scarsità, la chiusura mentale, la limitatezza di una persona sedotta dalla brillantezza del misticismo rigoristico, drogata dalla moralità e dalla filosofia estremiste, la cui idea principale è la completa rinuncia al mondo e disprezzo per tutti i piaceri terreni.

Indossare una maschera è una proprietà dell'anima di Tartufo. L'ipocrisia non è il suo unico vizio, ma viene messa in primo piano e altre caratteristiche negative rafforzano e sottolineano questa proprietà. Molière è riuscito a sintetizzare un vero e proprio concentrato di ipocrisia, pesantemente condensato quasi all'assoluto. In realtà, questo sarebbe impossibile.

Molière merita meritatamente gli allori del creatore del genere della "commedia alta" - una commedia che pretende non solo di divertire e ridicolizzare, ma anche di esprimere elevate aspirazioni morali e ideologiche.

Nei conflitti compaiono chiaramente commedie di un nuovo tipo le principali contraddizioni della realtà. Ora i personaggi vengono mostrati non solo nella loro essenza esteriore, oggettivamente comica, ma con esperienze soggettive che a volte hanno per loro un carattere veramente drammatico. Questa drammatica esperienza conferisce veridicità ai personaggi negativi della nuova commedia, motivo per cui la denuncia satirica acquista un potere speciale.

Evidenziando un tratto caratteriale. Tutte le commedie "d'oro" di Molière - "Tartuffe" (1664), "Don Juan" (1665), "The Misanthrope" (1666), "The Miser" (1668), "The Imaginary Sick" (1673) - sono costruite sulla base di questo metodo. È interessante notare che anche i titoli delle commedie appena elencate sono o i nomi dei personaggi principali oi nomi delle loro passioni dominanti.

Per quanto riguarda la persona di Tartuffe, lo spettatore (lettore) fin dall'inizio dell'azione non ha dubbi: un ipocrita e un mascalzone. Inoltre, questi non sono peccati individuali inerenti in un modo o nell'altro a ciascuno di noi, ma la natura stessa dell'anima del protagonista. Tartuffe appare in scena solo nel terzo atto, ma a quel punto tutti sanno già chi appare esattamente, chi è il colpevole della situazione elettrizzata che il drammaturgo scrive abilmente nei due atti precedenti.

Quindi, prima dell'uscita di Tartuffe, ci sono ancora due azioni complete e il conflitto nella famiglia Orgon sta già infuriando a pieno regime. Tutti gli scontri - tra i parenti del proprietario e sua madre, con lui personalmente, e infine con lo stesso Tartufo - nascono dall'ipocrisia di quest'ultimo. Possiamo dire che nemmeno lo stesso Tartufo è il protagonista della commedia, ma il suo vizio. Ed è il vizio che porta alla rovina il suo portatore, e per niente i tentativi di attori più onesti di portare l'ingannatore all'acqua pulita.

Le commedie di Molière sono commedie diagnostiche che mette sulle passioni e sui vizi umani. E come notato sopra, sono queste passioni che diventano i protagonisti delle sue opere. Se in Tartuffe questa è ipocrisia, allora dentro "Don Juan" una passione così dominante è senza dubbio l'orgoglio. Vedere in lui solo un maschio lussurioso che non conosce la moderazione significa primitizzare. La lussuria da sola non è in grado di portare alla ribellione contro il Cielo che vediamo in Don Giovanni.
Molière ha saputo vedere nella sua società contemporanea una vera forza che si oppone alla doppiezza di Tartuffe e al cinismo di Don Juan. Questa forza è l'Alceste protestante, l'eroe della terza grande commedia di Molière, Il misantropo, in cui il comico esprimeva la sua ideologia civica con la massima passione e completezza. L'immagine di Alceste, essendo nelle sue qualità morali l'esatto opposto delle immagini di Tartuffe e Don Juan, è del tutto simile a loro nel suo ruolo funzionale nella commedia, portando il carico del motore della trama. Tutti i conflitti si svolgono attorno alla persona di Alceste (e in parte attorno alla sua "versione femminile" - Célimène), si oppone all '"ambiente" come si oppongono Tartufo e Don Giovanni.

Come già accennato, la passione dominante del protagonista è solitamente la causa dell'epilogo in una commedia (non importa se è felice o viceversa).

19. Teatro tedesco dell'Illuminismo. G.-E. Lessing e teatro. Attività di regia e recitazione di F.L. Schröder.

Il principale rappresentante del teatro tedesco è Gotthold LESSING - è il teorico del teatro tedesco, il creatore del dramma sociale, l'autore della commedia nazionale e della tragedia educativa. Realizza le sue convinzioni umanistiche nella lotta contro l'assolutismo sul palcoscenico del teatro di Amburgo (la scuola del realismo educativo).

Nel 1777, il Teatro Nazionale di Monheim apre in Germania. Il ruolo più importante nel suo lavoro è stato interpretato dall'attore-regista-drammaturgo-Iffland. Gli attori del teatro Magheim si sono distinti per la loro tecnica virtuosa, hanno trasmesso con precisione i tratti caratteriali dei personaggi, il regista ha prestato attenzione ai piccoli dettagli, ma non ha contenuto ideologico gioca.

Il teatro Weymour è famoso per il lavoro di drammaturghi come Goethe e Schiller. Ci sono state esibizioni di drammaturghi come Goethe, Shilir, Lesing e Walter. Sono state gettate le basi della regia artistica. furono gettate le basi del gioco realistico. Principio d'insieme.

20. Teatro italiano dell'Illuminismo: K. Goldoni. C.Gozzi.

Teatro italiano: i seguenti tipi di spettacoli teatrali erano popolari nel teatro: commedia delarta, opera buff, opera seria, teatro di marionette. Idee illuministiche in teatro italiano sono stati realizzati nelle opere di due drammaturghi.

Per Galdoni è caratteristico: il rifiuto delle maschere della tragedia del delarte a favore della formazione del carattere della rivelazione degli eroi, i tentativi di abbandonare l'improvvisazione nella recitazione, la scrittura di un'opera teatrale in quanto tale, le persone del XVIII secolo compaiono in il lavoro.

Gozzi, drammaturgo e figura di teatro, è venuto in difesa delle maschere, che ha posto come suo compito più importante: la ripresa dell'improvvisazione. (re cervo, principessa turandot). Sviluppa il genere della fiaba teatrale.

22. La nascita della tradizione teatrale nazionale nel contesto della cultura del XVII secolo.

Caratteristiche del teatro russo del XVII secolo.

Il teatro apparirà alla corte di Alexei Mikhailovich. Non ci sono informazioni esatte quando la prima rappresentazione è apparsa a Mosca. Si ritiene che dopo l'invasione degli impostori, le commedie europee potessero essere messe in scena nelle case delle ambasciate. Ci sono indicazioni per l'anno 1664, secondo le informazioni dell'ambasciatore inglese - la casa dell'ambasciata sulla pokrovka. La seconda versione è che i boiardi potrebbero mettere in scena le commedie. Atamon Medvedev poté mettere in scena spettacoli teatrali nella sua casa nel 1672.

Ufficialmente, il teatro nella cultura russa appare grazie agli sforzi di due persone. Alexei Mikhailovich, la seconda persona sarà Johann Gotward Gregory.

Le prime rappresentazioni erano associate a trame mitologiche e religiose, la lingua di queste rappresentazioni si distingueva per il peso letterario e pesante (a differenza del folk, dei buffoni), inizialmente le commedie erano in tedesco, poi in russo. Le prime esibizioni erano estremamente lunghe e potevano arrivare fino a 10 ore.

La tradizione del teatro è scomparsa con la morte di Alexei Mikhailovich ed è stata ripresa con Peter 1.

23. Il ruolo del teatro nel sistema delle riforme petrine e nel contesto del processo di secolarizzazione della cultura russa.

Teatro russo nell'era del XVIII secolo. Il rinnovamento della tradizione teatrale nelle condizioni del XVIII secolo avvenne sotto l'influenza delle riforme di Pietro il Grande. Nel 1702, Peter crea un teatro PUBBLICO. Inizialmente era previsto che questo teatro apparisse sulla Piazza Rossa. Il teatro è stato chiamato "COMMEDY STORAGE". Il repertorio è stato formato da KUNSOM.

Peter voleva fare del teatro un luogo che diventasse la piattaforma più importante per spiegare le sue riforme politiche e militari. Il teatro a quel tempo avrebbe dovuto svolgere una funzione ideologica, tuttavia, sul palco venivano rappresentate principalmente opere di drammaturgia tedesca, che non avevano successo con il pubblico. Peter ha chiesto che le rappresentazioni non durassero più di tre atti, che non contenessero una storia d'amore, che queste commedie non fossero né troppo allegre né troppo tristi. Voleva che le commedie fossero in russo, e quindi offrì servizio ad attori polacchi.

Peter considerava il teatro un mezzo per educare la società. E quindi si aspettava che il teatro diventasse una piattaforma per la realizzazione delle cosiddette "commedie trionfanti", che sarebbero state dedicate alle vittorie militari. Tuttavia, i suoi progetti non hanno avuto successo, non sono stati accettati dalla troupe tedesca, di conseguenza gli attori hanno interpretato ciò che potevano interpretare, principalmente i tedeschi erano gli attori, ma in seguito hanno iniziato ad apparire attori russi, hanno iniziato a insegnare le basi della recitazione, che hanno permesso di mettere in scena produzioni in lingua russa.

Anche le iniziative di Peter non furono accolte dal pubblico, l'occupazione del teatro era molto ridotta.

Le ragioni dell'impopolarità del teatro sono legate a una compagnia straniera, un dramma straniero, l'isolamento dalla vita di tutti i giorni, da vita di tutti i giorni... Le canzoni erano poco dinamiche, molto retoriche, l'alta retorica poteva coesistere con l'umorismo maleducato. Anche se a teatro veniva eseguita una traduzione in russo, questa lingua non era viva, poiché ci sono molte parole in antico slavo dal vocabolario tedesco. Il pubblico non ha percepito bene il gioco degli attori, poiché anche i gesti delle espressioni facciali e della morale erano scarsamente adattati alla vita russa.

1706 - la commedia chromina fu chiusa, gli attori furono licenziati, nonostante tutti gli sforzi del successore del kunst, oto furst. Tutte le scene ei costumi sono stati trasferiti al teatro della sorella di Peter, NAtelya Alekseevna. Nel 1708 tentarono di smantellare Khramina, fu smantellata fino a 35.

Oltre a Khramina, verrà costruito quanto segue: Palazzo dei divertimenti del boiardo Miloslavsky, - è stato aperto un teatro in legno nel villaggio di Pereobrazhensky. Teatro a casa di Lefort.

A differenza del teatro di Alexei Mikhailovich, che era più elitario, il teatro al tempo di Pietro il Grande era più accessibile e il pubblico era formato dalla gente di città.

Tuttavia, dopo la morte di Pietro 1, il teatro non si sviluppò.

24. Teatro nel contesto vita culturale Russia XVIII-XIX secolo. Il teatro della fortezza come fenomeno della cultura russa.

Teatro sotto l'imperatrice ANNA IUANOVNA, poiché Caterina I e Pietro 2 erano indifferenti arte teatrale, scene teatrali raramente messe in scena a corte. C'era un teatro scolastico presso le istituzioni educative teologiche.

Anna Ionovna amava le rotatorie e le esibizioni, le esibizioni erano di natura comica. Anna amava molto le commedie tedesche, in cui gli attori alla fine devono battersi a vicenda. Oltre alle compagnie tedesche, le compagnie d'opera italiane vengono in Russia in questo momento. Durante il suo regno erano in corso i lavori per costruire un teatro permanente nel palazzo. Il pubblico in questo momento è la nobiltà di Pietroburgo.

Teatro al tempo di Elisabetta Petrovna. Insieme alle compagnie straniere, si terranno spettacoli teatrali nel corpo dei cadetti della nobiltà. Fu qui che nel 1749 sarebbe andata in scena per la prima volta la tragedia di Sumorokov "KHOREF", il corpo dei codet addestrò l'élite dei nobili russi, lingue straniere, letteratura, balli preparati per il futuro servizio diplomatico. Per gli studenti è stato creato un circolo di amanti della letteratura, guidato da Sumorokov. Il teatro è diventato parte del lavoro di questo circolo. Spettacoli teatrali considerata parte di programma educativo ed erano considerati una sorta di intrattenimento. In questo corpo di nobiltà studiavano non solo i figli della nobiltà, ma anche persone di altri strati sociali. In questa istituzione, lo stato assume la missione di pagare per l'educazione delle persone dotate.

Oltre che nelle città capoluogo, tra la fine degli anni '40 e l'inizio degli anni '50, i centri di intrattenimento iniziarono a concentrarsi nelle città di provincia, le ragioni di questo fenomeno sono legate al fatto che in questo periodo i commercianti cominciano ad avere autonomia finanziaria . I commercianti conoscono le conquiste della cultura dell'Europa occidentale. Essendo uno. dagli strati più mobili della società russa. Le città mercantili russe si stanno arricchendo, il che diventa la condizione più importante per l'organizzazione degli affari teatrali. Il centro di tale teatralità è la provincia di Yaroslavl. È a Yaroslavl che verrà aperto un teatro amatoriale locale sotto la direzione di Fyodor Volkov, che verrà successivamente trasferito a San Pietroburgo nel 1752, e questo diventerà una condizione per l'emissione di un decreto sull'istituzione di un teatro russo a San Pietroburgo Pietroburgo, che includerà la troupe Yaroslavl come attori. Il decreto sorgerà nel 1756.

Teatro di Caterina 2. Il teatro percepito come una condizione necessaria per l'educazione e l'illuminazione del popolo, vi avrebbero operato tre compagnie di corte: la compagnia italiana Oprah, la compagnia di balletto e la compagnia teatrale russa.

Nascono per la prima volta teatri didattici per la rappresentazione a pagamento di opere teatrali. Attuerà una serie di riforme relative alla libertà di impresa a scopo di intrattenimento.

Nel 1757 fu inaugurata a Mosca un'opera italiana e nel 1758 fu aperto un teatro imperiale. Sono state date esibizioni, Bolkonsky.

Teatri del Castello.

I teatri della fortezza sono un fenomeno unico nella storia della cultura mondiale, riceveranno uno sviluppo speciale a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo, le ragioni della formazione di questo fenomeno sono dovute al fatto che i ricchi nobili iniziarono a plasmare il loro modo di vita con un occhio alla corte imperiale, avendo un'educazione europea, i nobili iniziarono a radunare compagnie teatrali per l'intrattenimento degli ospiti, tra i propri servi, poiché le compagnie straniere erano costose. Mosca, Yaroslavl divennero i centri di sviluppo del teatro dei servi, i più famosi furono i cadaveri dei Muromsky, gli Sheremetev. Galitsin.

Il teatro della fortezza si è sviluppato come uno spettacolo sintetico, musicale e drammatico con inserti di opera e balletto. Tali spettacoli richiedevano una formazione speciale degli attori, insegnavano lingue, maniere, coreografia, dizione e capacità di recitazione. Tra le attrici più famose del teatro dei servi: Zhemchugova, Shilokova-garnet, Izumrudova.

Il cosiddetto sistema di canna è stato messo in scena molto seriamente, questo era particolarmente caratteristico delle compagnie in cui c'erano spesso spettacoli di balletto.

Il teatro della fortezza stimolerà l'emergere della drammaturgia russa. Nel teatro della fortezza era molto sviluppata l'arte stenografica.

La pratica teatrale dell'Europa occidentale (dramma, insegnanti occidentali) ha avuto un'influenza molto seria sul teatro della gleba, mentre la formazione di caratteristiche nazionali nel teatro della gleba rende questo fenomeno molto importante dal punto di vista del teatro dell'Europa occidentale.

26. Riforma del teatro dell'Europa occidentale a cavallo tra il XIX e il XX secolo. Fenomeno nuovo dramma».

La svolta del 20 ° secolo nella storia della letteratura dell'Europa occidentale è segnata da un potente aumento dell'arte drammatica. I contemporanei chiamavano la drammaturgia di questo periodo il "nuovo dramma", sottolineando la radicalità dei cambiamenti avvenuti in essa.

Il "New Drama" è sorto nell'atmosfera del culto della scienza, causato dallo sviluppo insolitamente rapido delle scienze naturali, della filosofia e della psicologia, e, scoprendo nuovi ambiti della vita, ha assorbito lo spirito dell'analisi scientifica onnipotente e penetrante. Ha percepito un'ampia varietà di fenomeni artistici, è stata influenzata da varie tendenze ideologiche e stilistiche e scuole letterarie, dal naturalismo al simbolismo. "New Drama" è apparso durante il regno di "ben fatto", ma lontano dalle commedie della vita, e fin dall'inizio ha cercato di attirare l'attenzione sui suoi problemi più scottanti e scottanti. Le origini del nuovo dramma furono Ibsen, Bjornson, Strindberg, Zola, Hauptmann, Shaw, Hamsun, Maeterlinck e altri scrittori eccezionali, ognuno dei quali diede un contributo unico al suo sviluppo. Nella prospettiva storico-letteraria, il “nuovo dramma”, che ha rappresentato una radicale ristrutturazione della drammaturgia dell'Ottocento, ha segnato l'inizio della drammaturgia del Novecento.

I rappresentanti del "nuovo dramma" fanno appello a sociale e pubblico importante problemi filosofici ; resistono accento dall'azione esterna e dal dramma dell'evento rafforzare lo psicologismo, creare sottotesto e simbolismo multivalore .

Secondo Eric Bentley, "una caratteristica importante è insita negli eroi di Ibsen e Cechov: portano tutti in sé e, per così dire, si diffondono intorno a loro un senso di rovina, più ampio di un senso del destino personale. Poiché l'impronta della sventura nelle loro commedie è contrassegnata dall'intera via della cultura, entrambi agiscono come drammaturghi sociali nel senso più ampio del termine. Allevato da loro i personaggi sono tipici della loro società e della loro epoca". Ma ancora al centro delle loro opere, Cechov, Ibsen, Strindberg non hanno messo in scena un evento catastrofico, ma esteriormente senza eventi, la vita di tutti i giorni con le sue impercettibili esigenze, con il suo caratteristico processo di cambiamento costante e irreversibile. Questa tendenza è stata particolarmente chiaramente espressa nella drammaturgia di Cechov, dove invece dello sviluppo dell'azione drammatica stabilita dal dramma rinascimentale, c'è un corso narrativo uniforme della vita, senza alti e bassi, senza un inizio e una fine definiti. Anche la morte degli eroi o la tentata morte non è essenziale per la risoluzione del drammatico conflitto, poiché il contenuto principale del "nuovo dramma" diventa non un'azione esterna, ma peculiare "trama lirica", il movimento dell'anima dei personaggi, non un evento ma essendo , non il rapporto delle persone tra loro, ma il loro rapporto con la realtà.
Conflitto esterno in "nuovo dramma" inizialmente indecidibile . La tragedia dell'esistenza quotidiana da lei scoperta non è tanto la forza trainante del dramma, quanto lo sfondo dell'azione che si svolge, che determina il tragico pathos dell'opera. Autentico asta drammatico Azioni diventa Conflitto interno . Può anche essere irrisolvibile nell'ambito dell'opera teatrale a causa di circostanze esterne fatalmente soggioganti. Pertanto, l'eroe, non trovando supporto nel presente, cerca linee guida morali in un passato invariabilmente bello o in un futuro luminoso indefinito. Solo allora sente una sorta di appagamento spirituale, acquisisce la pace della mente.

Comune a "nuovo dramma" si potrebbe considerare concetto di simbolo , con l'aiuto del quale l'artista ha cercato di integrare il dipinto, rivelare il significato invisibile dei fenomeni e, per così dire, continuare la realtà con accenni al suo significato profondo. "Nel desiderio di mettere il simbolo al posto di un'immagine specifica, senza dubbio, ha influito la reazione contro la terrosità naturalistica, la fattografia". Inteso nel senso più ampio della parola, il più delle volte il simbolo fungeva da immagine , collegare due mondi : privato, quotidiano, singolo e universale, cosmico, eterno. Il simbolo diventa un "codice della realtà", necessario per "dare forma visiva all'idea".

In "nuovo dramma" cambiando l'idea della presenza dell'autore nel testo dell'opera e, di conseguenza, nella sua incarnazione scenica. L'organizzazione soggetto-oggetto diventa la pietra angolare. Questi cambiamenti hanno trovato la loro espressione nel sistema di commenti, che ora non svolgono più un ruolo puramente ausiliario, ma sono chiamati a esprimere lo stato d'animo, il sentimento, designare il leitmotiv lirico del dramma, il suo sfondo emotivo, unire la natura e le circostanze di la biografia dei personaggi, e talvolta l'autore stesso. Sono rivolti non tanto al regista quanto allo spettatore e al lettore. Possono contenere la valutazione dell'autore su ciò che sta accadendo.

in corso modifica in "nuovo dramma" e nella struttura del dialogo drammatico . Le osservazioni dei personaggi perdono la loro qualità generica di parola-azione, trasformandosi in monologhi lirici che dichiarano le opinioni dei personaggi, raccontano il loro passato, rivelano speranze per il futuro. Allo stesso tempo, il concetto del discorso individuale dei personaggi diventa condizionale. Il ruolo scenico determina non tanto le qualità personali dei personaggi, le loro differenze socio-psicologiche o emotive, ma l'universalità, l'uguaglianza della loro posizione, stato d'animo. Gli eroi del "nuovo dramma" si sforzano di esprimere i loro pensieri ed esperienze in una moltitudine di monologhi.
Il concetto stesso di "psicologismo" nel "nuovo dramma" acquisisce un concetto condizionale. Tuttavia, ciò non significa l'esclusione dei personaggi dalla sfera degli interessi degli artisti di questa direzione. "Il personaggio e l'azione nelle opere di Ibsen sono così ben coordinati che la questione della priorità dell'uno o dell'altro perde ogni significato. Gli eroi delle opere di Ibsen non hanno solo carattere, ma anche destino. Il carattere non è mai stato il destino in sé. La parola "destino" ha sempre significato forza esterna in relazione alle persone che sono cadute su di loro, "quella forza che, vivendo al di fuori di noi, fa giustizia" o, al contrario, ingiustizia.

Cechov e Ibsen hanno sviluppato " nuovo metodo di rappresentazione del personaggio , che può essere chiamato " biografico ". Ora il personaggio acquisisce una storia di vita, e se il drammaturgo non può presentarlo in un monologo, riporta qua e là informazioni sulla vita passata del personaggio in pezzi, in modo che il lettore o lo spettatore possa successivamente metterle insieme. Questo " il La natura biografica dei personaggi, insieme all'introduzione alle commedie - sotto l'influenza del romanzo - di capienti dettagli realistici, a quanto pare, è la caratteristica più peculiare del "nuovo dramma" in termini di creazione dei personaggi. nella rappresentazione di un personaggio sono compensati da una riproduzione concreta delle dinamiche della vita"

La tendenza principale del "nuovo dramma" è nel suo lottando per un'immagine affidabile, visualizzazione veritiera mondo interiore, caratteristiche sociali e quotidiane della vita dei personaggi e dell'ambiente. Il colore esatto del luogo e dell'ora dell'azione è la sua caratteristica e una condizione importante per l'incarnazione scenica.

"New Drama" ha stimolato la scoperta nuovi principi delle arti dello spettacolo basato sul requisito di una riproduzione veritiera e artisticamente affidabile di ciò che sta accadendo. Grazie al "nuovo dramma" e alla sua incarnazione scenica nell'estetica teatrale, concetto di quarta parete ”, quando l'attore, che è sul palco, come se non tenesse conto della presenza dello spettatore, secondo K.S. Stanislavskij, “deve smettere di recitare e iniziare a vivere la vita della commedia, diventandone il protagonista”, e il pubblico, a sua volta, credendo in questa illusione di plausibilità, osserva con entusiasmo la vita facilmente riconoscibile dei personaggi della commedia.

"Nuovo dramma" sviluppato generi di "dramma delle idee" sociale, psicologico e intellettuale , che si è rivelato insolitamente produttivo nella drammaturgia del XX secolo. Senza un "nuovo dramma" è impossibile immaginare l'emergere del dramma espressionista o esistenzialista, o teatro epico Brecht, né l'"antidramma" francese. E sebbene più di un secolo ci separi dal momento della nascita del "nuovo dramma", non ha ancora perso rilevanza, profondità speciale, novità artistica e freschezza.

27. Riforma del teatro russo a cavallo tra il XIX e il XX secolo.

All'inizio del secolo, il teatro russo era in fase di rinnovamento.

evento principale nella vita teatrale del paese è diventato apertura del Teatro d'Arte a Mosca (1898), fondata da K.S. Stanislavskij e V.N. Nemirovich-Danchenko. Artistico di Mosca il teatro ha attuato una riforma che copre tutti gli aspetti della vita teatrale - repertorio, regia, recitazione, organizzazione della vita teatrale; qui, per la prima volta nella storia, è stata creata la metodologia del processo creativo. Il nucleo della troupe era costituito da alunni del dipartimento di recitazione della Scuola di musica e teatro della Società filarmonica di Mosca (O. L. Knipper, I. M. Moskvin, V. E. Meyerhold), dove la recitazione era insegnata da V. I. Nemirovich-Danchenko, e i partecipanti a spettacoli amatoriali diretti di K. S. Stanislavsky "Society of Art and Literature" (M. P. Lilina, M. F. Andreeva, V. V. Luzhsky, A. R. Artyom). Successivamente, la troupe includeva V. I. Kachalov, L. M. Leonidov.

La prima esibizione Il Moscow Art Theatre è diventato " Tsar Fyodor Ioannovich" basato sull'opera teatrale di A. K. Tolstoy; tuttavia, la vera nascita del nuovo teatro è associata alla drammaturgia di A.P. Cechov e M. Gorky. La sottile atmosfera del lirismo, dell'umorismo tenero, della malinconia e della speranza di Cechov è stata trovata nelle esibizioni di The Seagull (1898), Uncle Vanja (1899), Three Sisters (1901), The Cherry Orchard e Ivanov (entrambi nel 1904). Avendo compreso la verità della vita e della poesia, l'essenza innovativa della drammaturgia di Cechov, Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko hanno trovato un modo speciale della sua esecuzione, hanno scoperto nuovi metodi per rivelare il mondo spirituale dell'uomo moderno. Nel 1902, Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko misero in scena le commedie di M. Gorky The Petty Bourgeoises e At the Bottom, intrise di una premonizione di imminenti eventi rivoluzionari. Nel lavoro sulle opere di Cechov e Gorky, a nuovo tipo di attore , trasmettendo sottilmente le caratteristiche della psicologia dell'eroe, principi della regia , cercando un cast d'insieme, creando uno stato d'animo, un'atmosfera generale di azione, una soluzione decorativa (artista V. A. Simov), erano sono stati sviluppati mezzi scenici per trasmettere il cosiddetto sottotesto nascosto nelle parole ordinarie (contenuto interno). Per la prima volta nel mondo delle arti dello spettacolo, il Moscow Art Theatre è cresciuto il significato del regista - interprete creativo e ideologico dell'opera.

Negli anni della sconfitta della Rivoluzione del 1905-07 e del diffondersi di varie tendenze decadentiste, Mosca Teatro artistico per un breve periodo fu portato via dalle ricerche nel campo del teatro simbolista ("La vita di un uomo" di Andreev e "Il dramma della vita" di Hamsun, 1907). Successivamente, il teatro si è rivolto al repertorio classico, ma messo in scena in un modo registico innovativo: Griboedov's Woe from Wit (1906), Gogol's The Inspector General (1908), Turgenev's A Month in the Country (1909), Enough Simplicity for Every Wise Man Ostrovsky (1910), "The Brothers Karamazov" da Dostoevsky (1910), "Hamlet" di Shakespeare, "Reluctant Marriage" e "Imaginary Sick" di Molière (entrambi nel 1913).

28. Innovazione della drammaturgia di A. P. Cechov e del suo significato mondiale.

I drammi di Cechov permeano un clima di infelicità . In loro nessuna persona felice . I loro eroi, di regola, non sono fortunati né in grande né in piccolo: si rivelano tutti falliti in un modo o nell'altro. Ne Il gabbiano, per esempio, ci sono cinque storie amore fallito, in The Cherry Orchard, Epikhodov con le sue disgrazie è la personificazione dell'imbarazzo generale della vita, di cui soffrono tutti gli eroi.

I problemi generali peggiorano sempre di più una sensazione di totale solitudine . Deaf Firs in The Cherry Orchard è una figura simbolica in questo senso. Apparendo per la prima volta davanti al pubblico con una vecchia livrea e con un cappello alto, attraversa il palco, parlando da solo, ma non si riesce a distinguere una sola parola. Lyubov Andreevna gli dice: "Sono così felice che tu sia ancora vivo" e Firs risponde: "L'altro ieri". In sostanza, questo dialogo è un modello approssimativo di comunicazione tra tutti i personaggi del dramma di Cechov. Dunyasha in The Cherry Orchard condivide con Anya, arrivata da Parigi, un evento gioioso: "L'impiegato Epikhodov mi ha fatto un'offerta dopo il Santo", Anya ha risposto: "Ho perso tutte le forcine". Nei drammi regna Cechov un'atmosfera speciale di sordità - sordità psicologica . Le persone sono troppo assorbite da se stesse, dai propri affari, dai propri problemi e fallimenti, e quindi non si sentono bene. La comunicazione tra loro difficilmente si trasforma in un dialogo. Con interesse e buona volontà reciproci, non riescono a mettersi in contatto in alcun modo, poiché "parlano di più con se stessi e per se stessi".

Cechov ha una sensazione speciale dramma della vita . Il male nelle sue commedie, per così dire, viene schiacciato, penetrando nella vita di tutti i giorni, dissolvendosi nella vita di tutti i giorni. Pertanto, in Cechov è molto difficile trovare un ovvio colpevole, una fonte specifica di fallimenti umani. Il portatore schietto e diretto del male sociale è assente nei suoi drammi . C'è una sensazione che in un pasticcio di relazioni tra le persone è in una certa misura colpevole ogni eroe individualmente e tutti insieme . Ciò significa che il male è nascosto nelle fondamenta stesse della vita della società, nella sua stessa composizione. La vita nelle forme in cui esiste ora, per così dire, si annulla, gettando un'ombra di rovina e inferiorità su tutte le persone. Pertanto, nelle commedie di Cechov, i conflitti sono smorzati, assente adottato nel teatro classico una chiara divisione degli eroi in positivi e negativi .

Peculiarità della poetica del "nuovo dramma". Prima di tutto Cechov distrugge "attraverso l'azione" , un evento chiave che organizza l'unità della trama del dramma classico. Tuttavia, il dramma non si disgrega, ma si assembla sulla base di una diversa unità interna. I destini dei personaggi, con tutte le loro differenze, con tutta la loro indipendenza di trama, "rima", si riecheggiano e si fondono in un comune "suono orchestrale". Da tante vite diverse e parallele che si sviluppano, dalle tante voci di vari eroi, cresce un unico "destino corale", si forma uno stato d'animo comune per tutti. Ecco perché parlano spesso della "polifonia" dei drammi di Cechov e li chiamano persino "fughe sociali", tracciando un'analogia con forma musicale dove da due a quattro temi musicali e melodie suonano e si sviluppano simultaneamente.

Con la scomparsa dell'azione nelle commedie di Cechov anche l'eroismo classico viene eliminato, la concentrazione della trama drammatica attorno al protagonista principale. La consueta divisione degli eroi in positivo e negativo, principale e secondario viene distrutta, ciascuno dirige la propria parte e il tutto, come in un coro senza solista, nasce nella consonanza di tante voci ed echi uguali.

Cechov arriva nelle sue commedie a una nuova rivelazione del carattere umano. Nel dramma classico, l'eroe si è rivelato in azioni e azioni volte a raggiungere l'obiettivo. Pertanto, il dramma classico era costretto, secondo Belinsky, a correre sempre, e il ritardo nell'azione comportava ambiguità, mancanza di chiarezza dei personaggi, trasformata in un fatto antiartistico.

Cechov ha aperto nuove possibilità per interpretare il personaggio nel dramma. Si rivela non nella lotta per raggiungere l'obiettivo, ma nell'esperienza delle contraddizioni dell'essere. Il pathos dell'azione è sostituito dal pathos della riflessione. Sconosciuto al dramma classico, "secondo

Nonostante il successo di The Laughing Cossacks, la troupe di Molière recita ancora spesso tragedie, anche se ancora senza molto successo. Dopo una serie di fallimenti, Molière arriva a un'idea straordinariamente audace. La tragedia attrae con l'opportunità di sollevare grandi problemi sociali, morali, ma non porta successo, non è vicina al pubblico del Palais Royal. La commedia attira il pubblico più vasto, ma non è così ottimo contenuto. Ciò significa che è necessario trasferire le questioni morali dalla tragedia con i suoi caratteri antichi condizionali a una commedia che descrive la vita moderna. persone normali. Questa idea fu implementata per la prima volta nella commedia The School for Husbands (1661), seguita dalla commedia ancora più brillante The School for Wives (1662). Hanno posto il problema dell'educazione. Per rivelarlo, Molière unisce le trame della farsa francese e della commedia delle maschere italiana: raffigura guardiani che allevano ragazze rimaste senza genitori per poi sposarle.

Opera matura di Molière. Per il 1664-1670. rappresenta la più alta fioritura della creatività del grande drammaturgo. Fu durante questi anni che creò le sue migliori commedie: Tartuffe, Don Juan, Misanthrope, The Miser, The Trader in the Nobility.

Alla più grande commedia di Molière Tartufo, o l'ingannatore» (1664-1669) fu il destino più difficile. Fu messo in scena per la prima volta nel 1664 durante una grande festa organizzata dal re in onore di sua moglie e sua madre. Molière scrisse un'opera satirica in cui esponeva la "Società dei Santi Doni", un'istituzione religiosa segreta che cercava di soggiogare al suo potere tutte le sfere della vita del paese. Al re piaceva la commedia, poiché temeva il rafforzamento del potere degli ecclesiastici. Ma la regina madre Anna d'Austria era profondamente indignata per la satira: dopotutto, era la tacita protettrice della Società dei Santi Doni. Gli ecclesiastici chiesero che Molière fosse brutalmente torturato e bruciato sul rogo per aver insultato la chiesa. La commedia è stata bandita. Ma Moliere ha continuato a lavorarci, aggiunge due nuove azioni alla versione originale, migliora le caratteristiche dei personaggi e passa dalla critica di fenomeni abbastanza specifici a questioni più generalizzate. "Tartuffe" acquisisce le caratteristiche di "alta commedia".

Nel 1666 morì Anna d'Austria. Molière ne approfittò e nel 1667 presentò sul palcoscenico del Palais Royal la seconda versione di Tartuffe. Ha ribattezzato l'eroe Panyulf, chiamato la commedia "The Deceiver", ha buttato fuori o ammorbidito passaggi satirici particolarmente duri. La commedia ebbe un grande successo, ma fu nuovamente bandita dopo la prima rappresentazione. Il drammaturgo non si è arreso. Infine, nel 1669, mise in scena la terza versione del Tartufo. Questa volta Molière ha intensificato il suono satirico dell'opera, portando alla perfezione la sua forma artistica. È stata questa terza versione di Tartuffe che è stata pubblicata ed è stata letta ed eseguita sul palco per più di trecento anni.

Molière si è concentrato sulla creazione del personaggio di Tartuffe e sull'esposizione delle sue vili attività. Tartufo (il suo nome, coniato da Molière, deriva dalla parola "inganno") è un terribile ipocrita. Si nasconde dietro la religione, finge di essere un santo, ma lui stesso non crede in niente, compie segretamente le sue azioni. A. S. Pushkin ha scritto di Tartuffe: “In Molière, un ipocrita si trascina dietro la moglie del suo benefattore, un ipocrita; chiede un bicchier d'acqua, l'ipocrita". L'ipocrisia per Tartuffe non è affatto un tratto caratteriale dominante, è il carattere stesso. Questo personaggio di Tartuffe non cambia nel corso del gioco. Ma si sviluppa gradualmente. Creando il ruolo di Tartuffe, Molière è stato insolitamente laconico. Dei 1962 versi della commedia di Tartufo appartengono 272 versi completi e 19 incompleti (meno del 15% del testo). Per fare un confronto: il ruolo di Amleto è cinque volte più voluminoso. E nella stessa commedia di Molière, il ruolo di Tartuffe è di quasi 100 righe ruolo minore Orgone. La distribuzione del testo per azioni è inaspettata: completamente assente dalla scena negli atti I e II, Tartufo domina solo nell'atto III (166 versi interi e 13 incompleti), il suo ruolo è notevolmente ridotto nell'atto IV

(89 righe complete e 5 righe incomplete) e quasi scompare nell'Atto V (17 righe complete e una riga incompleta). Tuttavia, l'immagine di Tartuffe non perde il suo potere. Si rivela attraverso le idee del personaggio, le sue azioni, la percezione di altri personaggi, l'immagine delle conseguenze catastrofiche dell'ipocrisia.

La composizione della commedia è molto originale e inaspettata: il protagonista Tartuffe appare solo nel terzo atto. I primi due atti sono una disputa su Tartufo. Il capo della famiglia in cui Tartuffe si è strofinato, Orgon e sua madre, Madame Pernel, considerano Tartuffe una persona santa, la loro fiducia nell'ipocrita è sconfinata. L'entusiasmo religioso che Tartuffe ha suscitato in loro li rende ciechi e ridicoli. All'estremo opposto: il figlio di Orgon Damis, la figlia Mariana con la sua amante Valera, la moglie Elmira, altri eroi. Tra tutti questi personaggi che odiano Tartuffe, spicca in particolare la cameriera Dorina. In Molière, in molte commedie, le persone del popolo sono più intelligenti, più intraprendenti, più energiche, più talentuose dei loro padroni. Per Orgon, Tartuffe è l'apice di ogni perfezione, per Dorina è "un mendicante che è venuto qui magro e scalzo", e ora "si immagina un maestro".

Il terzo e il quarto atto sono strutturati in modo molto simile: Tartufo, che finalmente appare, cade due volte nella "trappola per topi", la sua essenza diventa evidente. Questo sant'uomo ha deciso di sedurre la moglie di Orgon, Elmyra, e si comporta in modo completamente spudorato. Per la prima volta franche confessioni Elmira viene ascoltata dal figlio di Orgon, Damis. Ma Orgon non crede alle sue rivelazioni, non solo non espelle Tartuffe, ma, al contrario, gli dà la sua casa. Ci è voluto che l'intera scena fosse ripetuta appositamente per Orgon affinché potesse vedere chiaramente. Questa scena del quarto atto, in cui Tartuffe chiede nuovamente amore a Elmira, e Orgon si siede al tavolo e ascolta tutto, è una delle scene più famose di tutta l'opera di Molière.

Ora Orgon capiva la verità. Ma all'improvviso Madame Pernel si oppone a lui, che non può credere al crimine di Tartufo. Non importa quanto Orgon sia arrabbiato con lei, niente può convincerla fino a quando Tartuffe non espelle l'intera famiglia dalla casa che ora gli appartiene e porta un ufficiale ad arrestare Orgon come traditore del re (Orgon ha affidato a Tartuffe i documenti segreti della Fronda partecipanti). Quindi Moliere sottolinea il pericolo speciale dell'ipocrisia: è difficile credere alla bassezza e all'immoralità di un ipocrita finché non si incontra direttamente la sua attività criminale, non si vede il suo volto senza una pia maschera.

Il quinto atto, in cui Tartuffe, togliendosi la maschera, minaccia Orgon e la sua famiglia con i più grandi guai, acquisisce caratteristiche tragiche, la commedia si trasforma in tragicommedia. La base del tragicomico in Tartuffe è l'intuizione di Orgon. Finché credeva ciecamente a Tartuffe, provocava solo risate e condanne. Una persona che ha deciso di dare sua figlia in moglie a Tartuffe, sebbene sapesse che lei ama Valera, potrebbe evocare altri sentimenti? Ma alla fine Orgon si rese conto del suo errore, se ne pentì. E ora inizia a evocare pietà e compassione come persona che è diventata vittima di un cattivo. La drammaticità della situazione è accresciuta dal fatto che tutta la famiglia era in strada con Orgon. Ed è particolarmente drammatico che non ci sia nessun posto dove aspettarsi la salvezza: nessuno degli eroi dell'opera può superare Tartuffe.

Ma Molière, obbedendo alle leggi del genere, conclude la commedia con un lieto fine: si scopre che l'ufficiale che Tartuffe ha portato per arrestare Orgon ha un ordine reale per arrestare lo stesso Tartuffe. Il re seguiva da tempo questo truffatore e non appena le attività di Tartufo divennero pericolose, fu immediatamente inviato un decreto per il suo arresto. Tuttavia, la fine di "Tartuffe" è un epilogo apparentemente felice. Tartufo non è una persona specifica, ma un'immagine generalizzata, un tipo letterario, dietro di lui ci sono migliaia di ipocriti. Il re, al contrario, non è un tipo, ma unica persona nello stato. È impossibile immaginare che potesse conoscere tutti i tartufi. Pertanto, la sfumatura tragicomica dell'opera non viene rimossa dal suo lieto fine.

Per secoli, Tartuffe è stata la commedia più popolare di Molière. Questo lavoro è stato molto apprezzato da Hugo e Balzac, Pushkin e Belinsky. Il nome Tartuffe è diventato un nome familiare per un ipocrita.

Il divieto di "Tartufo" nel 1664 arrecò un danno significativo alla compagnia di Molière: lo spettacolo doveva diventare la prima principale dell'anno. Il drammaturgo scrive con urgenza una nuova commedia: Don Juan. Terminato nel 1664, fu consegnato all'inizio dell'anno successivo. Se ricordiamo che Tartuffe del 1664 non è ancora quel grande Tartuffe, ma un'opera in tre atti che doveva essere migliorata e rifinita, diventa chiaro perché Don Giovanni, apparso più tardi della versione iniziale di Tartuffe, è considerato il primo grande commedia di Molière.

La trama è tratta dall'opera teatrale dello scrittore spagnolo del XVII secolo. "Seville Mischievous, or Stone Guest" (1630) di Tirso de Molina, dove apparve per la prima volta Don Juan (in francese - Don Juan). Quindi conosciamo questo tipo letterario mondiale sotto il nome dato all'eroe da Molière. Il drammaturgo francese semplifica enormemente la trama dell'opera di Tirso de Molina. Si concentra sullo scontro tra Don Giovanni e il suo servitore Sganarello.

Il nome Don Juan è diventato un nome familiare per un dissoluto che seduce molte donne e poi le abbandona. Questa proprietà di Don Juan nella commedia di Molière deriva dalla sua appartenenza all'aristocrazia, a cui tutto è permesso e che non vuole sentirsi responsabile di nulla.

Don Juan è un egoista, ma non lo considera un male, perché l'egoismo è pienamente coerente con la posizione privilegiata di un aristocratico nella società. Il ritratto di un aristocratico è completato dall'empietà, dal completo disprezzo per la religione.

Al libero pensiero aristocratico di Doi Juan si contrappone la bontà borghese di Sganarello. Da che parte sta Molière? Nessuno. Se il libero pensiero di Don Juan è comprensivo, allora questo sentimento scompare quando Doi Juan ricorre all'ipocrisia come Tartufo. Il suo avversario Sganarello, che difende la morale e la religione, è codardo, ipocrita, ama il denaro più di ogni altra cosa.

Pertanto, nel finale della commedia, che si sviluppa anche da una commedia in una tragicommedia, entrambi gli eroi saranno puniti in proporzione ai loro personaggi: Don

Juan cade all'inferno, trascinato lì dalla statua del Comandante che ha ucciso, e Sganarello pensa che il proprietario, cadendo all'inferno, non lo abbia ripagato. "Il mio stipendio, il mio stipendio, il mio stipendio!" - con queste dolorose grida di Sganarello finisce la commedia.

Gli ecclesiastici si resero subito conto che non era un caso che Molière avesse incaricato nella commedia di difendere la religione a una nullità come Sganarello. La commedia è andata in onda 15 volte ed è stata bandita. Fu pubblicato dopo la morte del drammaturgo e nuovamente messo in scena in Francia solo nel 1841.

Nella commedia "Misantropo"(1666) Molière decise di esplorare un altro vizio: la misantropia. Tuttavia, non fa del misantropo Alceste, un eroe della commedia, un personaggio negativo. Al contrario, disegna un eroe onesto e diretto che vuole preservare l'elemento umano in se stesso. Ma la società in cui vive fa un'impressione terribile, "la vile ingiustizia regna ovunque".

Molière porta in scena il protagonista della commedia Alceste subito dopo l'alzarsi del sipario, senza alcuna preparazione. È già eccitato: "Lasciami, per favore, solo!" (tradotto da T. L. Shchepkina-Kupernik) - dice al ragionevole Filint e aggiunge: "Sono stato davvero amico di te fino ad ora, / Ma, sai, non ho più bisogno di un simile amico". Il motivo del divario è che Alceste fu testimone dell'accoglienza troppo calorosa di Filinte nei confronti di un uomo che conosceva a malapena, come ammise in seguito. Philint cerca di riderci sopra ("... Anche se la colpa è pesante, / Lascia che non mi impicchi ancora"), che evoca un rimprovero da parte di Alceste, che non accetta affatto e non capisce l'umorismo: "Come fai diventare scherzoso al momento sbagliato!”. La posizione di Philint: "Girando nella società, siamo affluenti della decenza, / che sono richiesti sia dai costumi che dai costumi". La risposta di Alceste: "No! Dobbiamo punire con mano spietata / Tutta la viltà delle bugie secolari e tale vuoto. / Dobbiamo essere umani...”. La posizione di Philint: “Ma ci sono casi in cui questa veridicità / sarebbe ridicola o dannosa per il mondo. / A volte - possa la tua severità perdonarmi! - / Dobbiamo nascondere ciò che è nel profondo del cuore. L'opinione di Alceste: “Ovunque - tradimento, tradimento, truffa, adulazione, / Ovunque regna vile ingiustizia; / Sono furioso, non ho la forza di far fronte a me stesso, / E vorrei chiamare alla battaglia l'intera razza umana! A titolo di esempio, Alceste cita un certo ipocrita con il quale ha una causa. Filinto concorda con la caratterizzazione devastante di quest'uomo e per questo suggerisce ad Alceste di occuparsi non della sua critica, ma dell'essenza della questione. Ma Alceste, in attesa della decisione del tribunale, non vuole fare nulla, perderebbe volentieri la causa, se non altro per trovare conferma della "bassezza e malizia tra la gente". Ma perché, apprezzando così in basso il genere umano, soffre i difetti della frivola Célimène, non li nota davvero, Philinte chiede all'amico. Alceste risponde: “Oh no! Il mio amore non conosce cecità. / Tutte le carenze in esso contenute mi sono chiare senza dubbio.<...>Il fuoco del mio amore - ci credo profondamente - / Purificherà la sua anima dalla bilancia del vizio. Alceste è venuta qui, a casa di Célimène, per parlarle. Appare Oronte, ammiratore di Célimène. Chiede ad Alceste di diventargli amico, esaltando smisuratamente le sue virtù. A questo, Alceste pronuncia parole meravigliose sull'amicizia:

“In fondo l'amicizia è un sacramento, e il segreto le è più caro; / Non dovrebbe giocare così distrattamente. / Unione per scelta - questa è l'espressione dell'amicizia; Prima - conoscenza, poi - riavvicinamento. Oronte accetta di aspettare in amicizia e chiede consiglio ad Alceste se può presentare al pubblico il suo ultimo sonetto. Alceste avverte di essere troppo sincero come critico, ma questo non ferma Oronte: ha bisogno della verità. Philint ascolta il suo sonetto “Hope”: “Non ho mai sentito un verso più elegante” - e Alceste: “È solo bene buttarlo via! /<...>Un vuoto gioco di parole, disegno o moda. / Ma, mio ​​Dio, lo dice la natura? - e legge due volte i versi di una canzone popolare, dove si parla d'amore semplicemente, senza abbellimenti. Oronte è offeso, la disputa porta quasi a un duello e solo l'intervento di Philint alleggerisce la situazione. Il prudente Philint si lamenta: “Ti sei fatto un nemico! Bene, avanti la scienza. / E varrebbe che tu lodassi un po' il sonetto...”, la risposta di Alceste: “Non una parola di più.

Il secondo atto, come il primo, inizia senza alcuna preparazione con una tempestosa spiegazione di Alceste e Célimène: “Vuoi che ti dica tutta la verità? / Signora, il tuo carattere ha tormentato la mia anima, / Mi tormenti con un simile trattamento. / Dobbiamo disperderci - vedo con dispiacere. Alceste rimprovera alla sua amata la frivolezza. Célimène ribatte: non guidare i tifosi con un bastone. Alceste: “Qui non serve un bastone - significa completamente diverso: / Meno morbidezza, cortesia, civetteria<...>/ Nel frattempo, ti piacciono questi corteggiamenti! - e poi Molière mette in bocca ad Alceste le parole, che alcuni ricercatori considerano l'incarnazione delle sue esperienze personali rivolte alla moglie Armande Bejart, che interpretava il ruolo di Célimène: “Come bisogna amarti per non separarti da te ! / DI! Se potessi strappare il mio cuore dalle tue mani, / salvarlo da un tormento insopportabile, / ringrazierei il cielo per questo in modo toccante.<...>/ Ti amo per i miei peccati.<...>/ La mia folle passione è incomprensibile! / Nessuno, signora, ha amato quanto me.

Célimène riceve gli ospiti, con i quali tocca molte conoscenze. La sua calunnia è geniale. Alceste accusa gli ospiti di incoraggiare questa calunnia, mentre all'incontro con il popolo da loro deriso, si gettano tra le loro braccia assicurando loro l'amicizia. Quindi Célimène dà una dura caratterizzazione ad Alceste: “La contraddizione è il suo dono speciale. / L'opinione pubblica è terribile per lui, / E concordare con lui è un crimine diretto. / Si considererebbe disonorato per sempre, / Se andasse coraggiosamente contro tutti! Il gendarme in arrivo ha l'ordine di scortare Alceste all'ufficio: la critica al sonetto ha avuto un effetto in forma così inaspettata. Ma Alceste rifiuta ogni consiglio per ammorbidire il suo giudizio: "Fino a quando il re stesso non mi ha costretto, / Affinché io lodi e glorifichi tali versi, / Sosterrò che il suo sonetto è cattivo / E il poeta stesso merita un giro per questo!"

L'atto III è dedicato alla rappresentazione dei costumi secolari: i marchesi Clitandre e Akaet, cercando il favore di Célimène, sono pronti a cedere l'un l'altro se lei preferisce uno di loro; Célimène, caratterizzando causticamente la sua amica Arsinoe, raffigura una gioia tempestosa al suo arrivo, ognuna racconta all'altra tutte le cose brutte che si dicono su di loro nel mondo, aggiungendo iodio con questo schermo al veleno e da se stessa. Alceste appare solo nel finale. Sente da Arsinoe elogi della sua mente e di altre qualità che "la corte dovrebbe notare", a cui lei può contribuire attraverso i suoi contatti. Ma Alceste rifiuta questa strada: “Non sono stato creato dal destino per la vita di corte, / Non sono incline a un gioco diplomatico, - / Sono nato con un'anima ribelle, ribelle, / E non posso avere successo tra i servi del Tribunale. / Ho un dono: sono sincero e coraggioso, / E non potrei mai giocare con le persone ”; una persona che non sa nascondere i propri pensieri e sentimenti deve lasciare l'intenzione di prendere un posto nel mondo, “Ma, avendo perso la speranza dell'esaltazione, / Non abbiamo bisogno di sopportare rifiuti, umiliazioni. / Non dobbiamo mai fare gli scemi, / Non dobbiamo lodare rime mediocri, / Non dobbiamo sopportare i capricci di belle dame / E sopportare l'arguzia di vuoti marchesi! Quindi Arsinoe va da Celimene e assicura di avere prove esatte della sua infedeltà nei confronti di Alceste. Lui, dopo aver condannato Arsinoe per aver calunniato l'amica, vuole comunque conoscere questa prova: “Vorrei una cosa: che si facesse luce. / Per conoscere tutta la verità, non ci sono altri desideri.

Nell'atto IV della storia di Philint, viene ripristinata la scena nell'ufficio, dove i giudici tentarono di costringere Alceste a cambiare idea sul sonetto di Oronte. Ha ostinatamente mantenuto la sua posizione: “È un nobile onesto, non c'è dubbio, / È coraggioso, degno, gentile, ma è un cattivo poeta;<...>/ Perdonalo poesie, potrei solo, credimi, / se le scrivesse sotto pena di una morte feroce. La riconciliazione è stata raggiunta solo quando Alceste ha accettato di pronunciare la frase in un piano presuntivo: "Io, signore, mi dispiace molto che giudico così rigorosamente, / Ia, per amicizia per te, vorrei dirti dal profondo del mio cuore / Ti dico che le poesie sono innegabilmente buone!”. La cugina di Celimena, Eliante, a cui Filinte racconta questa storia, dà ad Alceste un punteggio elevato per la sua sincerità e ammette al suo interlocutore di non essere indifferente ad Alceste. Philint, a sua volta, confessa il suo amore per Eliante. Molière, quindi, un anno prima della prima di Andromaca, Racine costruisce una catena d'amore simile a quella di Racine, dove i personaggi sono dotati di un amore non corrisposto, ognuno ama chi ama l'altro. Ne Il misantropo, Philinte ama Eliante, che ama Alceste, che ama Célimène, che non ama nessuno. Per Racine, tale amore porta alla tragedia.

Eliante è pronto a incoraggiare l'amore di Alceste per Célimène, sperando che lo stesso Alceste si accorga dei suoi sentimenti; Filinta è altrettanto pronta ad attendere il favore di Eliante quando sarà libera dai sentimenti per Alceste; Célimène non è infastidita dall'assenza di amore. Arsinoe, che si innamorò di Alceste e si innamorò di Célimène, Akaetes, Clitander, Orontes, i cui sentimenti superficiali complicano la catena dell'amore in The Misanthrope, non si preoccuperà a lungo, non avendo raggiunto il desiderato, non reagisce in alcun modo alle vicissitudini dell'amore di Eliant. E solo la tensione dei sentimenti di Alceste rende la sua situazione vicina al tragico. Non è incline a fidarsi delle voci. Ma Arsinoe gli consegna una lettera di Célimène a Oronte, piena di teneri sentimenti. Convinto dell'infedeltà di Célimène, Alceste si precipita da Eliante con una proposta di matrimonio, non nascondendo di essere spinto dalla gelosia e dal desiderio di vendicarsi di Célimène. L'aspetto di Célimène cambia tutto: assicura di aver scritto questa lettera a un amico. La mente critica di Alceste gli dice che questo è solo un trucco, ma è incline a credere, perché è innamorato: "Io sono tuo, e voglio seguire fino alla fine, / Come ingannerai il cieco innamorato. " Una tale biforcazione dell'eroe, quando una creatura in lui ne osserva criticamente un'altra, è uno degli esempi che ci permette di giungere alla conclusione: in The Misanthrope, Molière è davanti a Racine nello stabilire il principio dello psicologismo nella letteratura francese.

Nell'atto V l'intensità del conflitto di Alceste con la società raggiunge il suo massimo sviluppo. Alceste perse la causa in tribunale, anche se il suo avversario aveva torto e usò i mezzi più bassi per raggiungere il suo obiettivo - e tutti lo sapevano. Alceste vuole lasciare la società e aspetta solo quello che gli dirà Célimène: "Devo, devo sapere se sono amato o no, / E la sua risposta deciderà il resto della vita". Ma per caso, Alceste sente esattamente la stessa domanda posta da Célimène Orontes. È perplessa, non vuole perdere nessuno dei giovani che si lascia trasportare da lei. L'apparizione di Acaste e Clytandra con lettere di Célimène, in cui calunnia tutti i suoi ammiratori, inclusa Alceste, provoca uno scandalo. Tutti lasciano Célimène, tranne Alceste: non trova la forza di odiare la sua amata e lo spiega a Eliante e Filinto con versi così simili alle future invettive degli eroi tragici di Racine: “Vedi, io sono schiavo del mio sfortunato passione: / La debolezza del mio io criminale è al potere! / Ma questa non è la fine - e, con mia vergogna, / Innamorato, vedi, andrò fino alla fine. / Ci chiamano saggi... Cosa significa questa saggezza? / No, ogni cuore umano nasconde la debolezza umana ... "È pronto a perdonare tutto a Célimène, a giustificare l'infedeltà con l'influenza di qualcun altro, la sua giovinezza, ma chiama la sua amata a condividere la vita con lui al di fuori della società, nel deserto, nel deserto: "Oh, se amiamo, a cosa ci serve il mondo intero? Célimène è pronta a diventare la moglie di Alceste, ma non vorrebbe lasciare la società, un futuro del genere non la attrae. Non fa in tempo a finire la frase. Alceste prima capiva tutto, ora è maturo per una decisione: “Basta! Sono stato guarito subito: / L'hai fatto ora con il tuo rifiuto. / Poiché non puoi nel profondo del tuo cuore - / Come ho trovato tutto in te, così trova tutto in me, / Addio per sempre; come un pesante fardello, / Liberamente, finalmente, ti libererò dalle tue catene! Alceste decide di lasciare la società: “Tutti mi hanno tradito e tutti sono crudeli con me; / Lascerò lo stagno dove regnano i vizi; / Forse esiste un angolo del genere nel mondo, / Dove una persona è libera di amare il proprio onore ”(tradotto da M. E. Levberg).

L'immagine di Alceste è psicologicamente complessa, il che rende difficile l'interpretazione. Dal fatto che The Misanthrope è scritto in versi, era destinato a grandi scopi e non a risolvere i problemi dell'attuale repertorio del Palais-Royal. Il drammaturgo ha tolto il sottotitolo originale - "Ipocondriaco innamorato", che permette di indovinare in quale direzione si è sviluppata inizialmente l'idea e cosa ha abbandonato l'autore alla fine. Moliere non ha spiegato la sua comprensione dell'immagine di Alceste. Nella prima edizione della commedia, ha inserito "Lettera sul" Misantropo "del suo ex nemico Donno de Vize. Da questa recensione è seguito che il pubblico approva Filint come una persona che evita gli estremi. "Quanto al misantropo, deve suscitare nella sua specie il desiderio di perire." Si ritiene che Molière, inserendo questa recensione nella pubblicazione della commedia, si identifichi così con lui.

Nel secolo successivo la situazione cambia. J.-J. Rousseau ha condannato Molière per aver preso in giro Alceste: "Dovunque il misantropo è ridicolo, svolge solo il dovere di una persona perbene" ("Lettera a D'Alembert").

Alceste è davvero divertente? È così che lo caratterizzano i personaggi della commedia (il primo è Philint: Act I, yavl. 1), ma non le situazioni create dal drammaturgo. Così, nella scena con il sonetto di Oronte, Oronte, non Alceste, sembra buffo (Oronte cerca l'amicizia di Alceste, gli chiede di parlare del sonetto, lui stesso sminuisce il significato del poema, riferendosi al fatto di averlo scritto “in qualche minuto”, ecc.). Le poesie sono francamente deboli, quindi le lodi di Philint si rivelano inappropriate e non gli fanno onore. La critica al sonetto non è da poco, a giudicare dalle conseguenze: il gendarme accompagna Alceste in ufficio, dove i giudici decidono sulla riconciliazione di Oronte e Alceste. E in altri casi, i rappresentanti della società secolare mostrano inadeguatezza. Molière, interpretando Alceste, ha sottolineato la causticità e la causticità, e non la comicità del personaggio.

Alceste è davvero un misantropo? Le sue dichiarazioni sulle persone non sono più acute degli attacchi di Célimène, Arsinoe, altri partecipanti alla "scuola della calunnia", Filinto, che dice: "Sono d'accordo che le bugie e la dissolutezza sono ovunque, / Che la malizia e l'interesse personale regnano ovunque, / Che solo l'astuzia porta ora alla fortuna, / Che le persone avrebbero dovuto essere create diversamente. Il titolo della commedia "Il misantropo" è fuorviante: Alceste, capace di amori passionali, è meno misantropo di Célimène, che non ama nessuno. La misantropia di Alceste si manifesta sempre in situazioni specifiche, ad es. ha motivazioni e non costituisce il suo carattere, che distingue questo eroe dagli altri personaggi. È caratteristico che se i nomi di Tartuffe o Harpagon sono diventati nomi propri in francese, allora il nome Alceste non lo ha sostituito, al contrario, il nome proprio "misantropo" nome personale, come Rousseau, che lo scriveva con la maiuscola, ma cambiò significato, diventando simbolo non di misantropia, ma di franchezza, onestà, sincerità.

Molière sviluppa il sistema di immagini e la trama della commedia in modo tale che non sia Alceste a raggiungere la società, ma la società a lui. Cosa fa sì che la bella e giovane Célimène, il giudizioso Eliante, l'ipocrita Arsina cerchino il suo amore, e la sensibile Filinte e il preciso Oronte cerchino la sua amicizia? Alceste non è giovane e brutto, non è ricco, non ha legami, non è conosciuto a corte, non brilla nei salotti, non si occupa di politica, scienza o arte. Ovviamente, è attratto da qualcosa che gli altri non hanno. Eliante chiama questo tratto: “Tale sincerità è una qualità speciale; / C'è una sorta di nobile eroismo in lei. / Ecco un tratto molto raro per questi giorni, / vorrei incontrarla più spesso. La sincerità è il carattere di Alceste (quella qualità fondamentale che sta in tutte le manifestazioni della sua personalità). La società vuole spersonalizzare Alceste, per renderlo come tutti gli altri, ma invidia anche la straordinaria resistenza di questa persona. C'è una lunga tradizione per credere che Moliere si sia ritratto nell'immagine di Alceste e sua moglie Armande Bejart nell'immagine di Célimène. Ma il pubblico della prima ha visto prototipi completamente diversi nei personaggi della commedia: Alceste - il duca ds Montosier, Orontes - il duca di Saint-Aignan, Arsinoe - la duchessa di Navay, ecc. Molière, a giudicare dai suoi messaggi al re, le dediche, il Versailles Impromptu, è più simile a Philinte. Ciò è confermato dalla descrizione superstite del personaggio di Molière, come veniva ricordato dai suoi contemporanei: "Quanto al suo carattere, Molière era gentile, disponibile, generoso". Alceste non è piuttosto un ritratto del drammaturgo, ma il suo ideale nascosto. Pertanto, esteriormente, viene data una ragione per deridere Alceste per la sua tendenza agli estremi, ma nella struttura dell'opera c'è uno strato nascosto che esalta Alceste come un vero eroe tragico che sceglie il proprio destino. Pertanto, nel finale, non risuonano solo note tristi, ma anche la confessione di liberazione di Alceste, avvenuta quando lui, come gli eroi di Corneille, ha scelto la strada giusta. Nel suo lavoro, Molière ha brillantemente anticipato le idee dell'Illuminismo. Alceste - un uomo del XVIII secolo. Ai tempi di Molière è ancora troppo solo, è una rarità, e come ogni rarità può provocare sorpresa, ridicolo, simpatia, ammirazione.

La trama de "Il misantropo" è originale, sebbene il motivo della misantropia non fosse nuovo nella letteratura (la storia di Timone di Atene, vissuto nel V secolo a.C., riflessa nel dialogo di Luciano "Timone il misantropo", nella biografia di Mark Anthony, incluso nelle biografie comparative "Plutarco, in" Timon of Athens "di W. Shakespeare e altri). Il tema della sincerità è indubbiamente connesso con il tema dell'ipocrisia in Tartuffe, per la rimozione del divieto su cui Molière si batté negli anni della creazione de Il misantropo.

Per Boileau, Molière era principalmente l'autore di The Misanthrope. Anche Voltaire ha apprezzato molto questo lavoro. Rousseau e Mercy hanno criticato il drammaturgo per aver preso in giro Alceste. All'inizio della Rivoluzione francese, Fabre d'Eglantin creò la commedia Il filotto di Molière, o La continuazione del misantropo (1790). Alceste in esso è stato allevato come un vero rivoluzionario, e Philinte - un ipocrita come Tartufo. Molto apprezzata l'immagine dell'Alceste di Goethe, romanticismo. C'è motivo di parlare della vicinanza dell'immagine di Alceste e dell'immagine di Chatsky dalla commedia di Griboedov "Woe from Wit".

L'immagine del Misantropo è una delle più grandi creazioni del genio umano, è alla pari di Amleto, Don Chisciotte, Faust. "Misantropo" è l'esempio più eclatante di "alta commedia". Questo pezzo è in perfetta forma. Molière ci ha lavorato più che su qualsiasi altra sua opera teatrale. Questa è la sua opera preferita, ha lirismo, indicando la vicinanza dell'immagine di Alceste al suo creatore.

Poco dopo Il misantropo, Molière, che continua a combattere per Tartuffe, scrive in breve tempo una commedia in prosa "Avaro"(1668). E ancora una vittoria creativa, legata principalmente all'immagine del protagonista. Questo è Harpagon, il padre di Cleanthe ed Eliza, innamorato di Mariana. La storia raccontata dall'antico drammaturgo romano Plauto, Molière si trasferisce nella Parigi contemporanea. Harpagon vive a casa sua, è ricco, ma avaro. L'avarizia, avendo raggiunto il limite più alto, sostituisce tutte le altre qualità della personalità del personaggio, diventa il suo carattere. L'avarizia trasforma Harpagon in un vero predatore, che si riflette nel suo nome, formato da Molière dal latino arpago- "arpione" (il nome di ancore speciali, che durante le battaglie navali tiravano su le navi nemiche prima di una battaglia di abbordaggio, in senso figurato - "grabber").

Il fumetto in "The Miser" acquisisce non tanto un carnevale quanto un personaggio satirico, che fa della commedia l'apice della satira di Molière (insieme a "Tartuffe"). Nell'immagine di Harpagon, l'approccio classico al carattere, in cui la diversità è inferiore all'unità, l'individuo - al tipico generalizzato, è stato particolarmente chiaramente influenzato. Confrontando gli eroi di Shakespeare e Molière, A.S. vizi; le circostanze sviluppano davanti allo spettatore i loro personaggi diversi e sfaccettati. Da Molière avaro avaro, e solo...” (“Tavolata”). Tuttavia, l'approccio di Molière alla rappresentazione del personaggio dà un grande effetto artistico. I suoi personaggi sono così significativi che i loro nomi diventano nomi comuni. Il nome Harpagon divenne anche un nome familiare per denotare la passione per l'accaparramento e l'avarizia (il primo caso noto di tale uso risale al 1721).

L'ultima grande commedia di Molière "Il commerciante nella nobiltà"(1670), era scritto nel genere della "commedia-balletto": su indicazione del re era necessario inserire danze che contenessero una presa in giro delle cerimonie turche. Era necessario collaborare con il famoso compositore Jean-Baptiste Lully (1632-1687), originario dell'Italia, meraviglioso musicista, che era legato a Molière da precedenti lavori sui balletti comici e allo stesso tempo da reciproca inimicizia. Moliere ha abilmente introdotto scene di danza nella trama della commedia, preservando l'unità del suo design.

La legge generale di questa costruzione è che la commedia di carattere appare sullo sfondo della commedia di costume. I portatori di morale sono tutti gli eroi della commedia, ad eccezione del personaggio principale, Jourdain. La sfera della morale sono i costumi, le tradizioni, le abitudini della società. I personaggi possono esprimere questa sfera solo in forma aggregata (come la moglie e la figlia di Jourdain, i suoi servi, insegnanti, gli aristocratici Dorant e Dorimena, che vogliono trarre profitto dalla ricchezza del borghese Jourdain). Sono dotati di tratti caratteristici, ma non di carattere. Queste caratteristiche, anche comicamente appuntite, tuttavia non violano la plausibilità.

Jourdain, a differenza dei personaggi della commedia di buone maniere, agisce come un personaggio comico. La particolarità del carattere di Molière è che la tendenza che esiste nella realtà è portata a un tale grado di concentrazione che l'eroe esce dal quadro del suo ordine naturale, "ragionevole". Tali sono Don Juan, Alceste, Harpagon, Tartuffe, Orgon - l'eroe della massima onestà e disonestà, martiri di nobili passioni e sciocchi.

Tale è Jourdain, un borghese che ha deciso di diventare un nobile. Per quarant'anni ha vissuto nel suo mondo, non conosceva contraddizioni. Questo mondo era armonioso, perché ogni cosa in esso era al suo posto. Jourdain era abbastanza intelligente, arguto in modo borghese. Il desiderio di entrare nel mondo dei nobili, che è diventato il carattere del borghese Jourdain, distrugge l'armonioso ordine familiare. Jourdain diventa un tiranno, un tiranno, impedendo a Cleont di sposare Lucille, la figlia di Jourdain, che lo ama, solo perché non è un nobile. E allo stesso tempo assomiglia sempre di più a un bambino ingenuo facile da ingannare.

Jourdain evoca sia risate allegre che risate satiriche e di condanna (ricordiamo che questa distinzione tra i tipi di risate è stata profondamente confermata da M. M. Bakhtin, anche riferendosi alle opere di Molière).

Per bocca di Cleont, si afferma l'idea dell'opera: “Le persone senza un pizzico di coscienza si appropriano di un titolo nobiliare - questo tipo di furto, a quanto pare, è diventato un'usanza. Ma su questo punto, lo confesso, sono più scrupoloso. Credo che ogni inganno getti un'ombra su una persona perbene. Vergognarsi di coloro da cui il cielo ti ha destinato a nascere nel mondo, brillare nella società con un titolo fittizio, fingere di non essere quello che sei veramente - questo, secondo me, è un segno di bassezza spirituale.

Ma questa idea è in conflitto con l'ulteriore sviluppo della trama della commedia. Il nobile Cleont alla fine della commedia, per ottenere il permesso di Jourdain di sposare Lucile, finge di essere suo figlio sultano turco, e l'onesta Madame Jourdain e Lucille lo aiutano in questo inganno. L'inganno ha avuto successo, ma alla fine vince Jourdain, perché ha costretto le persone oneste, i suoi parenti e servi, contrariamente alla loro onestà e decenza, a ingannare. Sotto l'influenza dei Jourdain, il mondo sta cambiando. Questo è un mondo di limitazioni borghesi, un mondo dove regna il denaro.

Molière ha elevato il linguaggio poetico e prosaico della commedia ai massimi livelli, ha padroneggiato brillantemente le tecniche e la composizione della commedia. Particolarmente significativi sono i suoi meriti nella creazione di personaggi comici, in cui la massima generalizzazione è completata dall'autenticità della vita. I nomi di molti dei personaggi di Molière sono diventati nomi familiari.

È uno dei drammaturghi più apprezzati al mondo: solo sul palcoscenico del teatro parigino Comédie Francaise per trecento anni, le sue commedie sono state proiettate più di trentamila volte. Moliere ha avuto un enorme impatto sul successivo sviluppo della cultura artistica mondiale. Moliere era completamente dominato dalla cultura russa. L. N. Tolstoy ha detto magnificamente di lui: "Molière è forse il più popolare, e quindi un meraviglioso artista della nuova arte".

Composizione

A metà degli anni 1660, Molière crea le sue migliori commedie, in cui critica i vizi del clero, della nobiltà e della borghesia. Il primo di questi era "Tartuffe, or the Deceiver" (editato nel 1664, 1667 e 1669)._Lo spettacolo doveva essere rappresentato durante la grandiosa celebrazione di corte "Divertimento dell'isola incantata", che ebbe luogo nel maggio 1664 a Versailles. Tuttavia, lo spettacolo ha sconvolto la vacanza. Sorse una vera cospirazione contro Molière, guidata dalla regina madre Anna d'Austria. Moliere è stato accusato di aver insultato la religione e la chiesa, chiedendo una punizione per questo. Le rappresentazioni dello spettacolo sono state annullate.

Moliere ha tentato di mettere in scena lo spettacolo in una nuova edizione. Nella prima edizione del 1664, Tartuffe era un sacerdote. Il ricco borghese parigino Orgon, nella cui casa entra questo ladro, fingendosi un santo, non ha ancora una figlia: il prete Tartuffe non poteva sposarla. Tartuffe esce abilmente da una situazione difficile, nonostante le accuse del figlio Orgon, che lo ha colto al momento di corteggiare la matrigna Elmira. Il trionfo di Tartufo testimoniava inequivocabilmente il pericolo dell'ipocrisia.

Nella seconda edizione (1667; come la prima, non ci è pervenuta), Molière ampliò l'opera, aggiunse altri due atti ai tre esistenti, dove raffigurò i legami dell'ipocrita Tartufo con la corte, la corte e la polizia . Tartuffe si chiamava Panyulf e si trasformò in un uomo di mondo, con l'intenzione di sposare la figlia di Orgon, Marianna. La commedia, intitolata "The Deceiver", si è conclusa con l'esposizione di Panyulf e la glorificazione del re. Nell'ultima edizione che ci è pervenuta (1669), l'ipocrita era di nuovo chiamato Tartufo, e l'intera opera si chiamava "Tartufo, o l'ingannatore".

Il re sapeva della commedia di Moliere e approvava la sua idea. Combattendo per Tartuffe, Molière nella prima Petizione al Re difese la commedia, si difese dalle accuse di empietà e parlò del ruolo sociale dello scrittore satirico. Il re non ha tolto il divieto alla commedia, ma non ha ascoltato il consiglio dei santi rabbiosi “di bruciare non solo il libro, ma anche il suo autore, un demone, un ateo e un libertino che ha scritto un diabolico, pieno di commedia abominevole in cui prende in giro la chiesa e la religione, le funzioni sacre” (“Il più grande re del mondo”, opuscolo del Dr. Sorbonne Pierre Roullet, 1664).

Il permesso di mettere in scena lo spettacolo nella sua seconda edizione fu dato dal re oralmente, in fretta, quando partì per l'esercito. Subito dopo la prima, la commedia è stata nuovamente bandita dal Presidente del Parlamento (la massima istituzione giudiziaria) Lamoignon, e l'arcivescovo parigino Perefix ha pubblicato un messaggio in cui vietava a tutti i parrocchiani e al clero di “presentare, leggere o ascoltare una commedia pericolosa ” pena la scomunica. Molière ha avvelenato la seconda petizione al quartier generale del re, in cui ha dichiarato che avrebbe smesso completamente di scrivere se il re non lo avesse difeso. Il re ha promesso di risolverlo. Nel frattempo, la commedia viene letta nelle case private, distribuita in manoscritto, rappresentata in spettacoli chiusi in casa (ad esempio, nel palazzo del Principe di Condé a Chantilly). Nel 1666, la regina madre morì e questo diede a Luigi XIV l'opportunità di promettere a Molière un permesso anticipato per mettere in scena. Arrivò l'anno 1668, anno della cosiddetta "pace ecclesiastica" tra cattolicesimo ortodosso e giansenismo, che contribuì a una certa tolleranza in materia religiosa. Fu allora che fu consentita la produzione di Tartuffe. Il 9 febbraio 1669, la rappresentazione dell'opera ebbe un enorme successo.

Qual è stata la ragione di attacchi così violenti a "Tartuffe"? Molière era stato a lungo attratto dal tema dell'ipocrisia, che vedeva ovunque nella vita pubblica. In questa commedia, Molière si rivolse al tipo più comune di ipocrisia dell'epoca - quello religioso - e lo scrisse sulla base delle sue osservazioni sulle attività di una società religiosa segreta - la "Società dei Santi Doni", patrocinata da Anna d'Austria e i cui membri erano e Lamoignon e Perefix, e i principi della chiesa, e i nobili e i borghesi. Il re non ha dato il permesso per l'attività aperta di questa organizzazione ramificata, che esisteva da più di 30 anni, l'attività della società era circondata dal più grande mistero. Agendo sotto il motto "Sopprimere ogni male, promuovere ogni bene", i membri della società hanno fissato il loro compito principale come lotta contro il libero pensiero e l'empietà. Avendo accesso a case private, essi, in sostanza, svolgevano le funzioni di una polizia segreta, conducendo una sorveglianza segreta dei sospetti, raccogliendo fatti presumibilmente comprovanti la loro colpevolezza e su questa base consegnando presunti criminali alle autorità. I membri della società predicavano l'austerità e l'ascetismo nella morale, trattavano negativamente qualsiasi tipo intrattenimento sociale e teatro, coltiva la passione per la moda. Moliere ha visto come i membri della "Società dei Santi Doni" si sono insinuati e abilmente strofinati nelle famiglie di altre persone, come soggiogano le persone, catturando completamente la loro coscienza e la loro volontà. Ciò ha suggerito la trama dell'opera, mentre il personaggio di Tartuffe era formato dai tratti tipici inerenti ai membri della "Società dei Santi Doni".

Come loro, Tartuffe è legato alla corte, alla polizia, è patrocinato a corte. Nasconde il suo vero aspetto, fingendosi un nobile impoverito, in cerca di cibo sotto il portico della chiesa. Penetra nella famiglia Orgon perché in questa casa, dopo il matrimonio del proprietario con la giovane Elmira, invece dell'ex pietà, si sentono discorsi di morale libera, divertenti e critici. Inoltre, l'amico di Orgon Argas, esule politico, membro della Fronda parlamentare (1649), gli ha lasciato documenti compromettenti che sono conservati in una scatola. Una tale famiglia poteva benissimo sembrare sospetta alla "Società", e per tali famiglie era stata istituita la sorveglianza.

Tartuffe non è l'incarnazione dell'ipocrisia come vizio universale, è un tipo socialmente generalizzato. Non c'è da stupirsi che non sia solo nella commedia: il suo servitore Laurent, l'ufficiale giudiziario Loyal e la vecchia - la madre di Orgon, la signora Pernel, sono ipocriti. Tutti nascondono le loro azioni sgradevoli con discorsi devoti e osservano con attenzione il comportamento degli altri. L'aspetto caratteristico di Tartufo è creato dalla sua immaginaria santità e umiltà: “Pregava vicino a me ogni giorno in chiesa, / In un pio impulso, inginocchiandosi. // Attirava su di sé l'attenzione di tutti" (I, 6). Tartufo non è privo di attrattiva esterna, ha modi cortesi e insinuanti, dietro i quali si nascondono prudenza, energia, ambiziosa sete di potere, capacità di vendicarsi. Si stabilì bene nella casa di Orgon, dove il proprietario non solo soddisfa i suoi minimi capricci, ma è anche pronto a dargli in moglie sua figlia Marianna, una ricca ereditiera. Orgon gli confida tutti i segreti, compreso l'affidamento della custodia della preziosa scatola con documenti incriminanti. Tartuffe ha successo perché è un sottile psicologo; giocando sulla paura del credulone Orgon, costringe quest'ultimo a rivelargli ogni segreto. Tartufo copre i suoi piani insidiosi con argomenti religiosi. È ben consapevole della sua forza e quindi non frena le sue inclinazioni viziose. Non ama Marianne, lei è solo una sposa redditizia per lui, era affascinato dalla bella Elmira, che Tartuffe sta cercando di sedurre. Il suo ragionamento casistico secondo cui il tradimento non è un peccato se nessuno lo sa oltraggia Elmira. Damis, il figlio di Orgon, testimone di un incontro segreto, vuole smascherare il cattivo, ma lui, avendo assunto una posa di autoflagellazione e pentimento per peccati presumibilmente imperfetti, fa di nuovo Orgon il suo protettore. Quando, dopo il secondo appuntamento, Tartuffe cade in una trappola e Orgon lo caccia di casa, comincia a vendicarsi, mostrando appieno la sua natura viziosa, corrotta ed egoista.

Ma Molière non solo smaschera l'ipocrisia. In Tartuffe, solleva una domanda importante: perché Orgon si è lasciato ingannare così? Quest'uomo già di mezza età, ovviamente non stupido, con un carattere forte e una forte volontà, ha ceduto alla diffusa moda della pietà. Orgon credeva nella pietà e nella "santità" di Tartuffe e lo vede come il suo mentore spirituale. Tuttavia, diventa una pedina nelle mani di Tartuffe, il quale dichiara spudoratamente che Orgon preferirebbe credergli "piuttosto che ai suoi stessi occhi" (IV, 5). La ragione di ciò è l'inerzia della coscienza di Orgon, educata alla sottomissione alle autorità. Questa inerzia non gli dà l'opportunità di comprendere criticamente i fenomeni della vita e valutare le persone che lo circondano. Se Orgon acquisisce comunque una solida visione del mondo dopo l'esposizione di Tartuffe, allora sua madre, la vecchia Pernel, stupidamente devota sostenitrice di inerti visioni patriarcali, non ha mai visto il vero volto di Tartuffe.

La generazione più giovane, rappresentata nella commedia, che ha visto subito il vero volto di Tartuffe, è unita dalla cameriera Dorina, che ha servito a lungo e fedelmente nella casa di Orgon e qui è amata e rispettata. La sua saggezza, buon senso, intuizione aiutano a trovare i mezzi più appropriati per combattere l'astuto ladro.

La commedia "Tartuffe" era di grande importanza sociale. In esso, Molière non descriveva relazioni familiari private, ma il vizio sociale più dannoso: l'ipocrisia. Nella Prefazione al Tartufo, importante documento teorico, Molière spiega il significato della sua commedia. Afferma lo scopo pubblico della commedia, dichiara che “il compito della commedia è castigare i vizi, e qui non dovrebbero esserci eccezioni. Il vizio dell'ipocrisia dal punto di vista statale è uno dei più pericolosi nelle sue conseguenze. Il teatro ha la capacità di contrastare il vizio. Fu l'ipocrisia, secondo la definizione di Molière, il principale vizio di stato della Francia del suo tempo, a diventare l'oggetto della sua satira. In una commedia che evoca risate e paura, Molière ha ritratto un quadro profondo di ciò che stava accadendo in Francia. Ipocriti come Tartufo, despoti, truffatori e vendicatori, dominano impunemente il paese, commettono atrocità autentiche; l'illegalità e la violenza sono il risultato delle loro attività. Moliere ha dipinto un quadro che avrebbe dovuto allertare coloro che governavano il paese. E sebbene il re ideale alla fine dell'opera faccia giustizia (cosa spiegata dall'ingenua fede di Molière in un monarca giusto e ragionevole), la situazione sociale delineata da Molière sembra minacciosa.
Moliere l'artista, creando "Tartuffe", ha utilizzato un'ampia varietà di mezzi: qui si possono trovare elementi di farsa (Orgon si nasconde sotto il tavolo), commedie di intrighi (la storia della scatola con documenti), commedie di costume (scene in la casa di un ricco borghese), commedie di personaggi (dipendenza delle azioni di sviluppo dalla natura dell'eroe). Allo stesso tempo, il lavoro di Molière è una tipica commedia classica. Tutte le "regole" sono rigorosamente osservate in esso: è progettato non solo per intrattenere, ma anche per istruire lo spettatore. Nella "Prefazione" a "Tartufo" si dice: "Non puoi catturare persone così descrivendo i loro difetti. Ascoltano i rimproveri con indifferenza, ma non sopportano il ridicolo. La commedia nell'insegnamento piacevole rimprovera le persone per i loro difetti.

Durante gli anni della lotta per Tartuffe, Molière creò le sue commedie satiriche e di opposizione più significative.

La commedia di Molière

Jean-Baptiste Poquelin (Molière) (1622-1673) fu il primo a fare della commedia un genere pari alla tragedia. Ha sintetizzato i migliori risultati della commedia da Aristofane alla commedia contemporanea del classicismo, compresa l'esperienza di Cyrano de Bergerac, che gli scienziati citano spesso tra i creatori diretti dei primi esempi di commedia nazionale francese.

La vita e il percorso creativo di Molière sono stati studiati abbastanza. È noto che il futuro comico è nato nella famiglia di un tappezziere di corte. Tuttavia, non volle ereditare l'attività del padre, rifiutando i corrispondenti privilegi nel 1643.

Grazie a suo nonno, il ragazzo ha conosciuto presto il teatro. Jean Baptiste era seriamente appassionato di lui e sognava di diventare un attore. Dopo essersi diplomato alla scuola dei gesuiti di Clermont (1639) e aver conseguito il diploma di avvocato nel 1641 a Orleans, nel 1643 organizzò la compagnia del Brilliant Theatre, che comprendeva i suoi amici e collaboratori per molti anni: Mademoiselle Madeleine Bejart, Mademoiselle Dupary, Mademoiselle Debry e altri. Sognando una carriera da attore tragico, il giovane Poquelin prende il nome di Molière come pseudonimo teatrale. Tuttavia, come attore tragico, Moliere non ha avuto luogo. Dopo una serie di battute d'arresto nell'autunno del 1645, il Brilliant Theatre fu chiuso.

Gli anni 1645-1658 sono gli anni dei vagabondaggi della compagnia Molière nelle province francesi, arricchendo il drammaturgo di impressioni e osservazioni indimenticabili sulla vita. Durante il viaggio sono nate le prime commedie, la cui scrittura ha rivelato subito il talento di Molière come futuro grande comico. Tra i suoi primi esperimenti di successo c'erano "Naughty, or Everything at random" (1655) e "Love Annoyance" (1656).

1658 - Molière e la sua troupe tornano a Parigi e suonano davanti al re. Luigi XVI permette loro di rimanere a Parigi e nomina suo fratello patrono della compagnia. Alla troupe viene assegnata la costruzione del Palazzo Petit Bourbon.

Dal 1659, con la produzione de "I ridicoli pretendenti", inizia effettivamente la gloria del drammaturgo Molière.

Nella vita di Molière, il comico, ci sono stati alti e bassi. Nonostante tutte le polemiche che circondano la sua vita personale e i rapporti con la corte, l'interesse per le sue creazioni continua a non svanire, che sono diventate una sorta di criterio di alta creatività per le generazioni successive, come la "Scuola dei mariti" (1661), " Scuola delle mogli" (1662), "Tartufo" (1664), "Don Giovanni, o l'ospite di pietra" (1665), "Il misantropo" (1666), "Il medico riluttante" (1666), "Il commerciante nella Nobiltà" (1670) e altri.

Studiando le tradizioni di Molière nelle opere di scrittori di altri secoli, scienziati come, ad esempio, S. Mokulsky, G. Boyadzhiev, J. Bordonov, R. Brae, hanno cercato di svelare il fenomeno di Molière, la natura e il contenuto del divertente nelle sue opere. E. Faguet ha affermato: "Molière è l'apostolo del 'buon senso', cioè quelle opinioni generalmente accettate del pubblico, che aveva davanti ai suoi occhi e che voleva accontentare". L'interesse per Molière non si indebolisce e dentro critica letteraria moderna. Negli ultimi anni sono apparse opere dedicate non solo alle questioni di cui sopra, ma anche alle questioni della romanticizzazione del conflitto classicista (A. Karelsky), valutando il teatro di Molière nel concetto di M. Bulgakov (A. Grubin).

Nell'opera di Molière, commedia ricevuta ulteriori sviluppi come un genere. Ne furono formate forme come commedia "alta", commedia-"scuola" (termine di N. Erofeeva), commedia-balletto e altre. G. Boyadzhiev nel libro "Molière: Historical Ways of the Formation of the High Comedy Genre" ha sottolineato che le norme del nuovo genere sono emerse quando la commedia si è avvicinata alla realtà e, di conseguenza, ha acquisito una problematica determinata da problemi sociali oggettivamente esistenti nella realtà stessa. Basata sull'esperienza di antichi maestri, commedia dell'arte e farsa, la commedia classicista, secondo lo scienziato, ha ricevuto il suo massimo sviluppo da Molière.

Moliere ha delineato le sue opinioni sul teatro e sulla commedia nelle polemiche commedie Critica della scuola per mogli (1663), Impromptu di Versailles (1663), nella Prefazione al tartufo (1664) e altre. Il principio fondamentale dell'estetica dello scrittore è "insegnare divertendosi". Difendendosi per un vero riflesso della realtà nell'arte, Molière ha insistito su una percezione significativa dell'azione teatrale, il soggetto di cui ha spesso scelto le situazioni, i fenomeni, i personaggi più tipici. Allo stesso tempo, il drammaturgo si è rivolto a critici e spettatori: "Non prendiamo per noi ciò che è inerente a tutti, e trarremo il maggior beneficio possibile dalla lezione, senza dare l'impressione che si tratti di noi".

Anche nelle prime opere di Molière, secondo G. Boyadzhiev, “comprendeva la necessità del trasferimento eroi romantici nel mondo della gente comune. Da qui le trame di "Funny Pretenders", "School of Wives", "School of Husbands" e incluso "Tartuffe".

Parallelamente allo sviluppo del genere della commedia "alta" nell'opera di Molière, si sta formando una "scuola" di commedia. Ciò è già evidenziato dalle "Divertenti timidezze" (1659). Nella commedia, il drammaturgo si è rivolto all'analisi delle norme del gusto aristocratico su un esempio specifico, nel valutare queste norme, concentrandosi sul gusto naturale e sano delle persone, quindi, si è spesso rivolto alla sua esperienza di vita e si è rivolto al suo osservazioni e osservazioni più acute al parterre.

In generale, il concetto di "virtù" occupa un posto importante nell'estetica di Molière. Davanti agli illuministi, il drammaturgo ha sollevato la questione del ruolo della moralità e della moralità nell'organizzazione della vita privata e pubblica di una persona. Molto spesso, Molière ha combinato entrambi i concetti, chiedendo di rappresentare i costumi senza toccare le personalità. Tuttavia, ciò non contraddiceva la sua richiesta di ritrarre correttamente le persone, di scrivere "dal vero". La virtù è sempre stata un riflesso della moralità e la moralità è stata un concetto generalizzato del paradigma morale della società. Allo stesso tempo, la virtù come sinonimo di moralità è diventata un criterio, se non bello, allora buono, positivo, esemplare e quindi morale. E l'umorismo di Moliere era anche in gran parte determinato dal livello di sviluppo della virtù e delle sue componenti: onore, dignità, modestia, cautela, obbedienza e così via, cioè quelle qualità che caratterizzano un eroe positivo e ideale.

Il drammaturgo ha tratto esempi positivi o negativi dalla vita, mostrando sul palco situazioni, tendenze sociali e personaggi più tipici rispetto ai suoi colleghi scrittori. L'innovazione di Molière è stata notata da G. Lanson, che ha scritto: “Nessuna verità priva di commedia, e quasi nessuna commedia priva di verità: ecco la formula di Molière. Il fumetto e la verità sono estratti da Molière dalla stessa fonte, cioè dall'osservazione dei tipi umani.

Come Aristotele, Molière vedeva il teatro come lo "specchio" della società. Nelle sue commedie-"scuole" consolidò "l'effetto di alienazione" di Aristofane attraverso l'"effetto di apprendimento" (termine di N. Erofeeva), che fu ulteriormente sviluppato nell'opera del drammaturgo.

La performance - una forma di spettacolo - è stata presentata come uno strumento didattico per lo spettatore. Doveva risvegliare la coscienza, la necessità di discutere e in una disputa, come sai, nasce la verità. Il drammaturgo ha costantemente (ma indirettamente) offerto a ogni spettatore una "situazione speculare", in cui l'ordinario, familiare e quotidiano era percepito come dall'esterno. Sono state assunte diverse varianti di tale situazione: percezione ordinaria; una svolta inaspettata dell'azione, quando ciò che è familiare e comprensibile è diventato sconosciuto; l'emergere di una linea d'azione che duplica la situazione, evidenziando le possibili conseguenze della situazione presentata e, infine, il finale, alla cui scelta lo spettatore deve avvicinarsi. Inoltre, il finale della commedia era uno dei possibili, sebbene desiderabili per l'autore. Non è noto come verrà valutata la situazione di vita reale che si è svolta sul palco. Moliere rispettava la scelta di ogni spettatore, la sua opinione personale. I personaggi sono stati sottoposti a una serie di lezioni morali, filosofiche e psicologiche, che hanno dato alla trama il contenuto ultimo, e la trama stessa, in quanto portatrice di informazioni, è diventata un'occasione per una conversazione e un'analisi sostanziali di una situazione o fenomeno specifico in le vite della gente. Sia nella commedia "alta" che nella commedia "scolastica", il principio didattico del classicismo era pienamente realizzato. Tuttavia, Molière è andato oltre. Rivolgersi al pubblico alla fine dello spettacolo significava un invito alla discussione, e lo vediamo, ad esempio, in La scuola dei mariti, quando Lisette, voltandosi verso la platea, dice testualmente quanto segue:

Tu, se conosci mariti lupo mannaro, mandali almeno alla nostra scuola.

L'invito “alla nostra scuola” rimuove la didattica come confine tra l'autore-insegnante e lo spettatore-studente. Il drammaturgo non si separa dal pubblico. Si concentra sulla frase "a noi". Nella commedia, Molière usava spesso le possibilità semantiche dei pronomi. Così, Sganarello, pur convinto di avere ragione, dice con orgoglio al fratello “le mie lezioni”, ma non appena si sente in ansia, informa subito Arist sulla “conseguenza” delle “nostre lezioni”.

Nel creare la "Scuola dei mariti", Molière ha seguito Gessendy, che ha affermato il primato dell'esperienza sulla logica astratta, e Terence, nella cui commedia "Brothers" è stato risolto il problema della vera educazione. In Molière, come in Terence, due fratelli discutono sul contenuto dell'educazione. Divampa una disputa tra Arist e Sganarello su come e con quali mezzi ottenere una buona educazione di Leonora e Isabella per poterle sposare in futuro ed essere felici.

Ricordiamo che il concetto di "l "? ducation" - "educazione, educazione" - è apparso nel dizionario secolare degli europei del XV secolo. Deriva dal latino educatio e denota il processo e i mezzi per influenzare una persona nel corso di educazione, educazione Osserviamo entrambi i concetti nella commedia " School of Husbands. "I punti di partenza che hanno determinato l'essenza della disputa tra i fratelli erano due scene: la seconda nel primo atto e la quinta nel secondo.

Sull'argomento della disputa, Molière fu il primo a far parlare Ariste. È più vecchio di Sganarelle, ma più capace di correre rischi, aderisce a visioni progressiste sull'educazione, concede a Leonora alcune libertà, come visitare il teatro, i balli. È convinto che il suo allievo debba frequentare una "scuola laica". La "scuola secolare" è più preziosa dell'edificazione, poiché la conoscenza acquisita in essa è verificata dall'esperienza. La fiducia costruita sulla ragionevolezza dovrebbe dare un risultato positivo. In tal modo, Moliere ha distrutto la nozione tradizionale di un anziano tutore conservatore. Il fratello minore di Arista Sganarelle si è rivelato un tale conservatore. Secondo lui, l'educazione è prima di tutto rigore, controllo. La virtù e la libertà non possono essere compatibili. Sganarello legge le annotazioni a Isabella e così le ispira il desiderio di ingannarlo, sebbene questo desiderio non sia espresso apertamente dalla ragazza. L'aspetto di Valera è una goccia che Isabella afferra e sfugge al suo tutore. Tutto il paradosso sta nel fatto che il giovane tutore non è in grado di comprendere i bisogni del giovane allievo. Non è un caso che nel finale il comico sia sostituito dal drammatico. La “lezione” impartita da Isabella al tutore è del tutto naturale: bisogna fidarsi di una persona, rispettarne la volontà, altrimenti la protesta cresce, assumendo varie forme.

Lo spirito di libertinaggio determina non solo le azioni di Isabella, ma anche il comportamento di Aristo e Leonora. Come Terenzio, Moliere usa "liberalitas" non come nell'età dell'oro - "liberalis" - "generoso", ma nel senso di "artes liberales, homo liberalis" - uno il cui comportamento è degno del titolo di uomo libero, nobile (Z.Kors).

L'idea ideale di educazione di Sganarello viene distrutta. Di conseguenza, Leonora si rivela virtuosa, poiché il suo comportamento è guidato da un sentimento di gratitudine. La cosa principale per se stessa, definisce l'obbedienza al guardiano, di cui rispetta sinceramente l'onore e la dignità. Tuttavia, anche Molière non condanna l'atto di Isabella. Mostra il suo naturale bisogno di felicità e libertà. L'unico modo per raggiungere la felicità e la libertà per una ragazza è l'inganno.

Per il drammaturgo, la virtù era il risultato finale del processo educativo parte integrale catene di concetti "scuola" - "lezione" - "educazione (educazione)" - "scuola". C'è un collegamento diretto tra il titolo e il finale. La "scuola" di cui parla Lisette alla fine della commedia è la vita stessa. È necessario padroneggiare determinate norme e regole di comportamento, abilità comunicative per rimanere sempre una persona rispettata. Ciò è aiutato dalle collaudate "lezioni della scuola secolare". Si basano sui concetti universali di bene e male. L'istruzione e la virtù non dipendono dall'età, ma dalla visione della vita di una persona. Ragionevole ed egoista sono incompatibili. L'egoismo porta a un effetto negativo. Ciò è stato pienamente dimostrato dal comportamento di Sganarello. La lezione appare non solo come base della struttura dell'azione teatrale, ma anche come il risultato della formazione dei personaggi nella "scuola della comunicazione umana".

Già nella prima commedia-"scuola" Molière scoprì un nuovo sguardo sull'etica della sua società contemporanea. Nel valutare la realtà, il drammaturgo è stato guidato da un'analisi razionalistica della vita, esaminando esempi specifici delle situazioni e dei personaggi più tipici.

In The School for Wives, l'obiettivo principale del drammaturgo era la "lezione". La parola "lezione" è usata sette volte in tutte le scene chiave della commedia. E questa non è una coincidenza. Moliere definisce più chiaramente l'oggetto dell'analisi: la tutela. Lo scopo della commedia è dare consigli a tutti i guardiani che si sono dimenticati dell'età, della fiducia, della vera virtù, che è alla base della tutela in generale.

Man mano che l'azione si sviluppa, osserviamo come il concetto di "lezione" si espande e si approfondisce, così come la situazione stessa, familiare agli spettatori dalla vita di tutti i giorni. La tutela acquisisce le caratteristiche di un fenomeno socialmente pericoloso. A conferma di ciò, suonano i piani egoistici di Arnolf, per il quale, sotto le spoglie di una persona virtuosa, è pronto a dare ad Agnes un'educazione strettamente mirata, limitando i suoi diritti come persona. Per l'allievo, Arnolf sceglie la posizione di un recluso. Questo ha messo la sua vita in completa dipendenza dalla volontà del tutore. La virtù, di cui Arnolf parla così tanto, diventa in realtà un mezzo per schiavizzare un'altra persona. Dal concetto stesso di "virtù", il guardiano è interessato solo a componenti come l'obbedienza, il pentimento, l'umiltà e la giustizia e la misericordia sono semplicemente ignorate da Arnolf. È sicuro di aver già favorito Agnes, cosa che non esita a ricordarle di tanto in tanto. Si considera autorizzato a decidere il destino della ragazza. In primo piano c'è la dissonanza etica nel rapporto dei personaggi, che spiega oggettivamente il finale della commedia.

Nel corso dello sviluppo dell'azione, lo spettatore comprende il significato della parola "lezione" come concetto etico. Prima di tutto, viene sviluppata una "istruzione-lezione". Quindi, Georgette, adulando il proprietario, gli assicura che ricorderà tutte le sue lezioni. L'esecuzione rigorosa delle lezioni, cioè istruzioni, regole, richiede Arnolf da Agnes. Insiste perché lei impari a memoria le regole della virtù: "Devi imparare queste lezioni con il cuore". Una lezione-istruzione, un compito, un esempio da seguire - ovviamente, è poco compreso da un giovane che non sa come potrebbe essere altrimenti. E anche quando Agnes resiste alle lezioni del tutore, non si rende pienamente conto della sua protesta.

L'azione culmina nel quinto atto. Le sorprese determinano le ultime scene, la principale delle quali è il rimprovero di Agnes, espresso al tutore: “E tu sei l'uomo che dice che vuole prendermi in moglie. Ho seguito le tue lezioni e mi hai insegnato a sposarmi per mondare il peccato. Allo stesso tempo, le "tue lezioni" cessano di essere solo lezioni-istruzioni. Nelle parole di Agnes - una sfida al tutore, che l'ha privata di una normale educazione e di una società secolare. Tuttavia, la dichiarazione di Agnes è una sorpresa solo per Arnolf. Gli spettatori guardano mentre questa protesta cresce gradualmente. Le parole di Agnese portano alla comprensione della lezione morale ricevuta dalla ragazza nella vita.

Arnolf riceve anche una lezione morale, che è strettamente connessa con la "lezione ammonitrice". Questa lezione nel primo atto è insegnata dall'amico di Arnolf Chrysald. In una conversazione con Arnolf, lui, prendendo in giro un amico, disegna l'immagine di un marito cornuto. Arnolf ha paura di diventare proprio un tale marito. Lui, non più giovane, scapolo inveterato che ha deciso di sposarsi, spera di poter evitare la sorte di tanti mariti, che la sua esperienza di vita ha dato molti buoni esempi e saprà evitare errori. Tuttavia, la paura di offuscare il proprio onore si trasforma in passione. Guida anche il desiderio di Arnolf di isolare Agnes da vita secolare pieno, a suo avviso, di pericolose tentazioni. Arnolf ripete l'errore di Sganarello e la "lezione di avvertimento" suona per tutti i guardiani dimenticati.

Viene infine chiarito anche il nome della commedia, che funge sia da materia (tutela) sia da metodo didattico, che ricorda le leggi della natura, che non possono essere rifiutate, e suona anche come consiglio, monito ai mariti che , come Arnolf, osano violare il diritto umano naturale alla libertà e alla libera scelta. La "scuola" è apparsa di nuovo come un sistema di metodi di vita, il cui corretto sviluppo protegge una persona da situazioni ridicole e drammi.

Riassumendo i primi risultati, possiamo dire che già nell'opera di Molière si sviluppava attivamente la “scuola” della commedia come forma di genere. Il suo compito è educare la società. Tuttavia, questa educazione, contrariamente alla drammaturgia moralistica, è priva di didattica aperta, si basa su un'analisi razionalistica volta a cambiare le idee tradizionali dello spettatore. L'educazione non era solo un processo durante il quale la visione del mondo dello spettatore è cambiata, ma anche un mezzo per influenzare la sua coscienza e la coscienza della società nel suo insieme.

Gli eroi della commedia-"scuola" erano l'esempio più caratteristico di passione, carattere o fenomeno nella vita sociale. Hanno seguito una serie di lezioni morali, ideologiche e persino psicologiche, padroneggiato alcune abilità comunicative, che gradualmente hanno formato un sistema di nuove concetti etici forzare una diversa percezione del mondo quotidiano. Allo stesso tempo, la "lezione" nella commedia-"scuola" è stata rivelata in quasi tutti i significati lessicali storicamente stabiliti - da "compito" a "conclusione". L'opportunità morale delle azioni di una persona inizia a determinare la sua utilità nella vita. singola famiglia e anche l'intera società.

Il concetto principale di commedia-"scuola" diventa "virtù". Moliere lo associa principalmente alla moralità. Il drammaturgo introduce nel contenuto di "virtù" concetti come "razionalità", "fiducia", "onore", "libera scelta". La "virtù" funge anche da criterio di "bello" e "brutto" nelle azioni delle persone, determinando in gran parte la dipendenza del loro comportamento dall'ambiente sociale. In questo Molière era davanti agli illuministi.

La situazione dello "specchio" ha aiutato a superare il dogmatismo della visione del mondo ordinaria e attraverso il metodo dell '"alienazione" per ottenere il desiderato "effetto di apprendimento". L'azione scenica reale rappresentava solo un modello di comportamento come un chiaro esempio per l'analisi razionalistica della realtà da parte dello spettatore.

La commedia di Molière era strettamente legata alla vita. Pertanto, c'è spesso un elemento drammatico in esso. I suoi portatori sono personaggi che, di regola, incarnano nei loro personaggi certe qualità personali che sono in conflitto con le norme generalmente accettate. Gravi conflitti sociali spesso suonano sul palco. Nella loro decisione, un posto speciale è dato ai personaggi di origine semplice: i servi. Agiscono anche come portatori di sani principi della vita sociale. A. S. Pushkin ha scritto: "Notiamo che l'alta commedia non si basa esclusivamente sulle risate, ma sullo sviluppo dei personaggi e che spesso si avvicina alla tragedia". Questa osservazione può essere pienamente attribuita alla commedia-"scuola", che si sviluppa nell'opera di Molière parallelamente alla commedia "alta".

Il classicista Moliere si è espresso contro la pomposità e l'innaturalità del teatro classico. I suoi personaggi parlavano in un linguaggio ordinario. Per tutta la sua vita creativa, il drammaturgo ha seguito la sua richiesta di riflettere in modo veritiero la vita. I portatori di buon senso, di regola, erano personaggi giovani. La verità della vita è stata esposta attraverso la collisione di tali eroi con il principale personaggio satirico, nonché attraverso la totalità delle collisioni e delle relazioni dei personaggi nella commedia.

Deviando in molti modi dalle rigide norme classiciste, Molière rimase comunque nell'ambito di questo sistema artistico. I suoi scritti sono razionalistici nello spirito; tutti i personaggi sono uni lineari, privi di dettagli e dettagli storici specifici. Eppure, furono le sue immagini comiche a diventare un vivido riflesso dei processi associati alle principali tendenze nello sviluppo della società francese nella seconda metà del XVII secolo.

Le caratteristiche della commedia "alta" si sono manifestate più chiaramente nella famosa commedia "Tartufo". A. S. Pushkin, confrontando l'opera di Shakespeare e Molière, ha osservato: “I volti creati da Shakespeare non sono, come quelli di Molière, tipi di tale e tale passione, tale e tale vizio; ma esseri viventi, pieni di tante passioni, di tanti vizi; le circostanze sviluppano davanti allo spettatore i loro personaggi diversi e sfaccettati. Molière è avaro - e solo in Shakespeare Shylock è avaro, arguto, vendicativo, amante dei bambini, spiritoso. In Molière, l'ipocrita trascina dietro la moglie del suo benefattore, l'ipocrita, accetta il patrimonio per la conservazione, l'ipocrita; chiede un bicchier d'acqua, l'ipocrita". Le parole di Pushkin sono diventate un libro di testo, perché hanno trasmesso in modo molto accurato l'essenza del carattere del personaggio centrale dell'opera, che ha determinato una nuova fase nello sviluppo della commedia nazionale francese.

Lo spettacolo fu presentato per la prima volta a un festival a Versailles il 12 maggio 1664. “La commedia su Tartufo è iniziata con un'attenzione generale entusiasta e favorevole, che ha subito lasciato il posto al più grande stupore. Alla fine del terzo atto, il pubblico non sapeva più cosa pensare, e qualche pensiero balenò che forse Monsieur de Molière non era del tutto sano di mente. È così che M.A. Bulgakov descrive la reazione del pubblico alla performance. Secondo le memorie dei contemporanei e negli studi di letteratura del XVII secolo, compresa la storia del teatro, si nota che lo spettacolo fece subito scandalo. Era diretto contro la "Società dei Santi Doni" gesuita, il che significava che Molière stava invadendo un'area di relazioni proibita a tutti, compreso il re stesso. Su insistenza del cardinale Hardouin de Beaumont de Perefix e sotto l'assalto di cortigiani indignati, Tartufo fu bandito dalla messa in scena. Per diversi anni il drammaturgo ha rielaborato la commedia: ha rimosso dal testo le citazioni del Vangelo, ha cambiato il finale, ha tolto gli abiti da chiesa a Tartuffe e lo ha presentato solo come una persona pia, e ha anche ammorbidito alcuni momenti e ha costretto Cleante a pronunciare un monologo sulle persone veramente pie. Dopo un'unica produzione in forma rivista nel 1667, la commedia tornò finalmente in scena solo nel 1669, cioè dopo la morte della madre del re, una fanatica cattolica.

Quindi, l'opera è stata scritta in relazione a eventi specifici della vita sociale della Francia. Sono vestiti da Molière sotto forma di una commedia neo-attica. Non è un caso che i personaggi portino nomi antichi: Orgon, Tartuffe. Il drammaturgo ha voluto innanzitutto ridicolizzare i membri della "Società dei Santi Doni", che traggono profitto dalla fiducia dei loro concittadini. Tra i principali ispiratori della "Società" c'era la madre del re. L'Inquisizione non esitò ad arricchirsi di denunce contro i creduloni francesi. Tuttavia, la commedia si trasformò in una denuncia della pietà cristiana in quanto tale, e il personaggio centrale Tartufo divenne una parola familiare per un bigotto e un ipocrita.

L'immagine di Tartufo è costruita sulla contraddizione tra parole e fatti, tra apparenza ed essenza. A parole, "flagella pubblicamente tutte le cose peccaminose" e vuole solo "quello che piace al cielo". Ma in realtà, fa ogni sorta di bassezza e meschinità. Mente costantemente, incoraggia Orgon a cattive azioni. Quindi, Orgon espelle suo figlio dalla casa perché Damis parla contro il matrimonio di Tartuffe con Mariana. Tartufo si abbandona alla gola, commette tradimento impossessandosi fraudolentemente della donazione alla proprietà del suo benefattore. La cameriera Dorina caratterizza questo "santo" come segue:

... Tartuffe è un eroe, un idolo. Il mondo dovrebbe meravigliarsi delle sue virtù; Le sue azioni sono miracolose, e qualunque cosa dica è un giudizio dal cielo. Ma, vedendo un tale sempliciotto, lo inganna con il suo gioco senza fine; Ha fatto dell'ipocrisia una fonte di guadagno E si prepara ad insegnarcelo mentre siamo in vita.

Se analizziamo attentamente le azioni di Tartufo, scopriremo che sono presenti tutti e sette i peccati capitali. Allo stesso tempo, è peculiare il metodo utilizzato da Molière per costruire l'immagine del personaggio centrale.

L'immagine di Tartufo è costruita solo sull'ipocrisia. L'ipocrisia è proclamata attraverso ogni parola, azione, gesto. Non ci sono altri tratti nel carattere di Tartuffe. Lo stesso Molière ha scritto che in questa immagine, dall'inizio alla fine, Tartufo non pronuncia una sola parola che non rappresenterebbe una persona cattiva per il pubblico. Disegnando questo personaggio, il drammaturgo ricorre anche all'iperbolizzazione satirica: Tartufo è così pio che quando ha schiacciato una pulce durante la preghiera, si scusa con Dio per aver ucciso una creatura vivente.

Per evidenziare l'inizio ipocrita in Tartufo, Molière costruisce due scene in successione. Nella prima il "sant'uomo" Tartufo, imbarazzato, chiede alla cameriera Dorina di coprirsi il décolleté, ma dopo poco cerca di sedurre la moglie di Orgon, Elmira. La forza di Molière sta in ciò che ha mostrato: la moralità cristiana, la pietà non solo non interferisce con il peccato, ma aiuta anche a coprire questi peccati. Così, nella terza scena del terzo atto, utilizzando la tecnica dello "strappo delle maschere", Molière attira l'attenzione dello spettatore su quanto abilmente Tartufo usi la "parola di Dio" per giustificare la passione per l'adulterio. Così si espone.

L'appassionato monologo di Tartufo si conclude con una confessione che priva finalmente l'alone di santità della sua natura pia. Molière, per bocca di Tartuffe, sfata sia i costumi dell'alta società che i costumi degli uomini di chiesa, che differiscono poco l'uno dall'altro.

I sermoni di Tartufo sono pericolosi quanto le sue passioni. Cambiano una persona, il suo mondo a tal punto che, come Orgon, cessa di essere se stesso. Lo stesso Orgon confessa la disputa con Cleanthes:

... Chi lo segue, assaggia il mondo benedetto, e tutte le creature dell'universo sono un abominio per lui. Sono diventato completamente diverso da queste conversazioni con lui: d'ora in poi non ho attaccamenti e non apprezzo più nulla al mondo; Lascia che mio fratello, mia madre, mia moglie e i miei figli muoiano, ne sarò così sconvolto, lei-lei-lei!

Il ragionatore comico Cleante agisce non solo come osservatore degli eventi che si svolgono nella casa di Orgon, ma cerca anche di cambiare la situazione. Lancia apertamente accuse contro Tartufo e simili santi. Il suo famoso monologo è un verdetto sull'ipocrisia e l'ipocrisia. Come Tartuffe, Cleante si oppone alle persone con un cuore puro, ideali nobili.

Anche la cameriera Dorina affronta Tartuffe, difendendo gli interessi dei suoi padroni. Dorina è il personaggio più spiritoso della commedia. Inonda letteralmente Tartuffe di ridicolo. La sua ironia ricade anche sul proprietario, perché Orgon è una persona dipendente, troppo fiduciosa, motivo per cui Tartuffe lo inganna così facilmente.

Dorina personifica un sano principio popolare. Il fatto che il combattente più attivo contro Tartufo sia portatore del buon senso popolare è profondamente simbolico. Non è un caso che Cleanthe, che impersona la mente illuminata, diventi l'alleata di Dorina. Questo era l'utopismo di Molière. Il drammaturgo credeva che il male nella società potesse essere contrastato dall'unione del buon senso popolare e della ragione illuminata.

Dorina aiuta anche Mariana nella sua lotta per la felicità. Esprime apertamente la sua opinione al proprietario sui suoi piani di sposare sua figlia con Tartuffe, sebbene questo non fosse accettato dai servi. Il battibecco tra Orgon e Dorina richiama l'attenzione sul problema dell'educazione familiare e sul ruolo del padre in essa. Orgon si considera autorizzato a controllare i bambini, i loro destini, quindi prende una decisione senza ombra di dubbio. Il potere illimitato del padre è condannato da quasi tutti i personaggi della commedia, ma solo Dorina, nel suo solito modo caustico, castiga aspramente Orgon, quindi l'osservazione coglie accuratamente l'atteggiamento del maestro nei confronti delle dichiarazioni della cameriera: “Orgon è sempre pronto a schiaffeggiare Dorina e ad ogni parola che dice alla figlia si volta a guardare Dorina…”

Gli eventi si sviluppano in modo tale che la natura utopica del finale della commedia diventa evidente. Era, ovviamente, più sincero nella prima versione. Monsieur Loyal è venuto per adempiere all'ordine del tribunale: liberare la casa da tutta la famiglia, poiché ora Monsieur Tartuffe è il proprietario di questo edificio. Moliere include un elemento drammatico nelle scene finali, rivelando al limite il dolore in cui si trovava la famiglia per capriccio di Orgon. La settima manifestazione del quinto atto permette finalmente di comprendere l'essenza della natura di Tartuffe, che ora si rivela come una persona terribile e crudele. A Orgon, che ha ospitato questo ipocrita nella sua casa, Tartufo dichiara con arroganza:

Taci, mio ​​signore! Dove corri così? Hai una breve strada per un nuovo alloggio per la notte, e, per volere del re, ti arresterò.

Molière promulgò abbastanza coraggiosamente ciò che era proibito: per volontà del re, i membri della "Società dei Santi Doni" furono guidati nelle loro attività. I. Glikman nota la presenza movente politico in azione connesso al destino passato degli eroi dell'opera. In particolare, il quinto atto menziona una certa cassa con documenti di importanza statale, di cui i parenti di Orgon non erano a conoscenza. Questi sono i documenti dell'emigrante Argas, fuggito dalla repressione del governo. A quanto pare, Tartuffe si impossessò del baule delle carte con l'inganno e le presentò al re, chiedendo l'arresto di Orgon. Ecco perché si comporta così senza tante cerimonie quando un ufficiale e un ufficiale giudiziario vengono a casa di Orgon. Secondo Tartuffe, fu inviato dal re alla casa di Orgon. Quindi, tutto il male nello stato viene dal monarca! Un finale del genere non poteva che provocare uno scandalo. Tuttavia, già nella versione rivista, il testo dell'opera contiene un elemento di miracolo. Nel momento in cui Tartuffe, fiducioso nel suo successo, chiede che venga messo in atto l'ordine reale, l'ufficiale chiede inaspettatamente a Tartuffe di seguirlo in prigione. Molière fa una riverenza al re. L'ufficiale, indicando Tartuffe, fa notare a Orgon quanto sia misericordioso e giusto il monarca, quanto saggiamente governa i suoi sudditi.

Quindi, secondo i requisiti dell'estetica del classicismo, il bene alla fine vince e il vizio viene punito. La finale è il massimo Punto debole recita, ma non ha ridotto il suono sociale complessivo della commedia, che non ha perso la sua rilevanza fino ad oggi.

Tra le commedie che testimoniano le opinioni opposte di Molière, si può citare la commedia Don Juan, o l'ospite di pietra. Questa è l'unica commedia in prosa in cui è uguale attori sono l'aristocratico Don Juan e i contadini, i servi, persino il mendicante e il bandito. E ognuno di loro ha il suo discorso caratteristico. Qui Molière, più che in tutte le sue commedie, si discosta dal classicismo. È anche una delle commedie più rivelatrici del drammaturgo.

Il gioco è basato su una trama presa in prestito. È stato introdotto per la prima volta nella grande letteratura dal drammaturgo spagnolo Tirso de Molina nella commedia L'uomo dispettoso di Siviglia. Molière conobbe questa commedia grazie ad attori italiani che la rappresentarono in tournée durante la stagione del 1664. Molière, invece, realizza un'opera originale, di schietto orientamento antinobiliare. Ogni spettatore francese riconosceva in Don Juan un tipo familiare di aristocratico: cinico, dissoluto, che ostentava la sua impunità. La morale di cui parlava don Juan regnava a corte, soprattutto tra la "giovinezza d'oro" dell'entourage del re Luigi XIV. I contemporanei di Molière chiamavano i nomi dei cortigiani, famosi per la dissolutezza, il "coraggio" e la bestemmia, ma i tentativi di indovinare chi il drammaturgo portava sotto il nome di Don Juan furono vani, perché il personaggio principale della commedia somigliava in modo sorprendente a molte persone e nessuno in particolare. E il re stesso spesso dava un esempio di tale morale. Numerose avventure frivole e vittorie sui cuori delle donne erano considerate a corte come un male. Molière, d'altra parte, ha guardato ai trucchi di Don Juan da una posizione diversa, dal punto di vista dell'umanesimo e della cittadinanza. Rifiuta deliberatamente il titolo della commedia "La Siviglia maliziosa" perché non considera il comportamento di Don Juan come malizia e scherzi innocenti.

Il drammaturgo rompe coraggiosamente i canoni del classicismo e viola l'unità di tempo e luogo per disegnare l'immagine del suo eroe nel modo più vivido possibile. L'ambientazione generale è in Sicilia, ma ogni atto è accompagnato da un'osservazione: il primo, "la scena rappresenta il palazzo", il secondo, "la scena rappresenta la zona in riva al mare", il terzo, "la scena rappresenta la foresta ," la quarta, "la scena rappresenta gli appartamenti di Don Giovanni", e la quinta - "la scena rappresenta un'area aperta". Ciò ha permesso di mostrare Don Juan nei rapporti con persone diverse, inclusi rappresentanti di classi diverse. L'aristocratico incontra sulla sua strada non solo Don Carlos e Don Alonso, ma anche contadini, un mendicante e il mercante Dimansh. Di conseguenza, il drammaturgo riesce a ritrarre i tratti più essenziali della "giovinezza d'oro" dell'entourage del re nel personaggio di Don Juan.

Sganarello dà subito una caratterizzazione completa del suo padrone, nella prima apparizione del primo atto, quando dichiara allo stalliere Guzman:

“... il mio maestro Don Juan è il più grande di tutti i cattivi che la terra abbia mai indossato, un mostro, un cane, un diavolo, un turco, un eretico che non crede nel paradiso, né nei santi, né in Dio, né nel diavolo che vive come un vile bestiame, come un maiale epicureo, come un vero Sardanapalus, che non vuole ascoltare gli insegnamenti cristiani e considera tutto ciò in cui crediamo un'assurdità ”(tradotto da A. Fedorov). Ulteriori azioni confermano solo tutto quanto sopra.

Don Juan di Molière è un uomo cinico e crudele che distrugge spietatamente le donne che si fidavano di lui. Inoltre, il drammaturgo spiega il cinismo e la crudeltà del personaggio dal fatto che è un aristocratico. Già nel primo atto del primo fenomeno, questo è indicato tre volte. Sganarelle confessa a Guzman: “Quando anche un nobile gentiluomo uomo cattivo, allora questo è terribile: devo rimanergli fedele, anche se sono insopportabile. Solo la paura mi rende diligente, frena i miei sentimenti e mi costringe ad approvare ciò che è contrario alla mia anima. Diventa così chiaro perché Sganarello appaia allo spettatore stupido e divertente. La paura guida le sue azioni. Finge di essere uno sciocco, nascondendo la sua naturale saggezza e purezza morale dietro capricci clownesci. L'immagine di Sganarello vuole oscurare tutta la bassezza della natura di Don Juan, fiducioso nell'impunità, perché suo padre è un aristocratico di corte.

Il tipo libertino ha dato al drammaturgo un terreno fertile per esporre l'irresponsabilità morale dal punto di vista dell'etica razionalista. Ma allo stesso tempo, Molière espone Don Juan principalmente da un punto di vista sociale, che porta l'immagine del personaggio principale oltre la natura astratto-logica dei classicisti. Molière presenta Don Juan come un tipico portatore dei vizi del suo tempo. Sulle pagine della commedia, vari personaggi menzionano costantemente che tutti i gentiluomini sono ipocriti, libertini e ingannatori. Allora, Sganarello dichiara al suo padrone: “O forse pensi che se sei di famiglia nobile, che se hai una parrucca bionda, abilmente arricciata, un cappello con piume, un vestito ricamato d'oro, e nastri color fuoco. .. forse pensi di essere più intelligente per questo, che tutto ti è permesso e nessuno osa dirti la verità? Della stessa opinione il contadino Pierrot, allontanando Don Giovanni da Carlotta: “Dannazione! Dato che sei un maestro, allora puoi infastidire le nostre donne sotto il nostro naso? No, vai avanti e attieniti al tuo."

Va notato che Molière mostra anche esempi di grande onore provenienti da un ambiente aristocratico. Uno di loro è il padre di Don Juan, Don Luis. Il nobile rimane fedele alla gloria dei suoi antenati, si oppone al comportamento indecente del figlio. È pronto, senza aspettare la punizione celeste, a punire lui stesso suo figlio e porre fine alla sua dissolutezza. Non c'è un ragionatore tradizionale nella commedia, ma è Don Luis che è chiamato a recitare la sua parte. Il discorso rivolto al figlio è un appello alla sala: “Come sei caduto in basso! Non arrossisci perché sei così poco degno della tua origine? Hai, dimmi, qualche motivo per essere fiero di lui? Cosa hai fatto per giustificare il titolo di nobile? O pensi che basti un nome e uno stemma e quel sangue nobile già di per sé ci esalta, anche se abbiamo agito vilmente? No, no, la nobiltà senza virtù non è niente. Partecipiamo alla gloria dei nostri antenati solo nella misura in cui noi stessi ci sforziamo di essere come loro ... Infine, comprendi che un nobile che conduce una brutta vita è un mostro della natura, che la virtù è il primo segno di nobiltà, che io attribuisco molta meno importanza ai nomi, che alle azioni, e che il figlio di qualche governante, se è un uomo onesto, metto più in alto del figlio di un re, se vive come te. Le parole di Don Luis riflettevano sia le opinioni dello stesso drammaturgo sia l'umore di quella parte della nobiltà che era pronta a opporsi alla permissività dei rappresentanti di questa classe e casta nella vita pubblica.

L'orientamento antinobiliare della commedia è esaltato anche dal modo in cui è costruita l'immagine del protagonista. Nel raffigurare Don Juan, Molière si discosta dall'estetica del classicismo e conferisce al personaggio negativo una serie di qualità positive che contrastano con le caratteristiche date da Sganarello.

A Don Juan non si può negare l'arguzia, il coraggio, la generosità. Scende a corteggiare le contadine, a differenza, ad esempio, del comandante nel dramma di Lope de Vega. Ma poi Molière in modo molto accurato, e in questa sua abilità di artista, smaschera ogni qualità positiva del suo eroe. Don Juan è coraggioso quando combatte due contro tre. Tuttavia, quando Don Juan viene a sapere che dovrà combattere i dodici, concede al servo il diritto di morire al suo posto. Questo mostra il livello più basso carattere morale un nobile che dichiara: "Felice è il servo che è dato a morire di una morte gloriosa per il suo padrone".

Don Juan lancia generosamente un mendicante d'oro. Ma la scena con l'usuraio Dimansh, in cui è costretto a umiliarsi davanti al creditore, indica che la generosità di Don Juan è uno spreco, perché butta i soldi degli altri.

All'inizio dell'azione, lo spettatore è attratto dalla franchezza di Don Juan. Non vuole essere ipocrita, dichiarando onestamente a Elvira che non la ama, che l'ha lasciata deliberatamente, la sua coscienza lo ha spinto a farlo. Ma, partendo dall'estetica del classicismo, Molière, nel corso dello sviluppo dell'opera, priva il Don Giovanni anche di questa qualità positiva. Colpisce il suo cinismo nei confronti della donna che lo ama. Un sentimento sincero non evoca una risposta nella sua anima. Lasciando Doña Elvira, Don Juan rivela tutta l'insensibilità della sua natura:

Don Juan. Ma sai, ho sentito di nuovo qualcosa in lei, in questa sua forma insolita ho trovato un fascino speciale: negligenza nel vestire, sguardo languido, lacrime: tutto questo ha risvegliato in me i resti di un fuoco spento.

Sganarello. In altre parole, i suoi discorsi non hanno avuto alcun effetto su di te.

Don Juan. Mangia, vivi!

Moliere presta particolare attenzione all'ipocrisia. Viene utilizzato non solo per raggiungere una carriera dai cortigiani, ma anche nei rapporti tra persone vicine. Ciò è evidenziato dal dialogo tra Don Juan e suo padre. L'ipocrisia è un mezzo per raggiungere i propri obiettivi egoistici. Don Juan giunge alla conclusione che l'ipocrisia è conveniente e persino redditizia. E lo confessa al suo servo. Moliere mette in bocca a Don Juan un inno all'ipocrisia: “Oggi non se ne vergognano più: l'ipocrisia è un vizio alla moda, e tutti i vizi alla moda passano per virtù. Il ruolo di un uomo di buone regole è il migliore di tutti i ruoli che si possono interpretare. Nel nostro tempo, l'ipocrisia ha enormi vantaggi. Grazie a quest'arte, l'inganno è sempre rispettato, anche se viene rivelato, tuttavia nessuno oserà dire una sola parola contro di esso. Tutti gli altri vizi umani soggetti a critiche, ognuno è libero di attaccarli apertamente, ma l'ipocrisia è un vizio che gode di particolari benefici, chiude tutti con la propria mano e gode con calma della completa impunità ... "

Don Juan è un'immagine con cui è collegato anche il tema antireligioso della commedia. Molière fa del suo eroe negativo anche un libero pensatore. Don Juan dichiara di non credere in Dio o nel monaco nero, ma crede che due due faccia quattro.

A prima vista, può sembrare che Molière, facendo dell'eroe negativo un libero pensatore, abbia egli stesso rifiutato il libero pensiero. Tuttavia, per comprendere l'immagine di Don Juan, va ricordato che nella Francia del XVII secolo esistevano due tipi di libero pensiero: aristocratico e genuino. Per l'aristocrazia, la religione era una briglia che impediva loro di condurre uno stile di vita dissoluto. Ma il libero pensiero dell'aristocrazia era immaginario, poiché la religione era usata da essa per i propri interessi. Il vero libero pensiero ha trovato espressione negli scritti di Descartes, Gassendi e altri filosofi. È questo tipo di libero pensiero che permea l'intera commedia di Molière.

Nell'immagine di Don Juan, Molière mette in ridicolo i sostenitori del libero pensiero aristocratico. In bocca a un personaggio comico, il servitore di Sganarello, mette il discorso del difensore della religione. Ma il modo in cui lo pronuncia Sganarello, testimonia le intenzioni del drammaturgo. Sganarello vuole dimostrare che Dio esiste, dirige gli affari dell'uomo, ma tutti i suoi argomenti dimostrano il contrario: “La fede è buona ei dogmi sono buoni! Si scopre che la tua religione è aritmetica? Che tipo di pensieri assurdi compaiono, a dire il vero, nella mente delle persone ... io, signore, grazie a Dio, non ho studiato come lei, e nessuno può vantarsi di avermi insegnato qualcosa, ma io, con la mia mente , con il mio minuscolo buon senso capisco tutto meglio di qualsiasi scrivano, e capisco perfettamente che questo mondo che vediamo non potrebbe crescere come un fungo da un giorno all'altro. Chi, lascia che te lo chieda, ha creato questi alberi, queste rocce, questa terra e questo cielo sopra di noi? Prendi, per esempio, almeno tu: sei venuto al mondo da solo, non doveva essere per questo che tua madre è rimasta incinta di tuo padre? Riesci a guardare tutte le cose intricate che compongono la macchina del corpo umano e non meravigliarti di come tutto si combini? Nervi, ossa, vene, arterie, proprio questi ... polmoni, cuore, fegato e altre parti che sono qui e ... "

Anche la scena con il mendicante è carica di un profondo significato antireligioso. Il mendicante è pio, sta morendo di fame, prega Dio, ma è comunque povero, e la buona azione discende dal bestemmiatore Don Juan, che gli getta oro per presunta filantropia. Allo stesso tempo, non è contrario a deridere il devoto mendicante, dal quale chiede la bestemmia per l'oro. Come scrive D. D. Oblomievsky, Don Juan è “un seduttore di donne, un blasfemo convinto e un ipocrita che imita la conversione religiosa. La depravazione è, ovviamente, la proprietà principale di Don Juan, ma non sopprime le sue altre caratteristiche.

Anche il finale dell'opera acquista un ampio suono antireligioso. L'ateo Don Juan dà la mano alla statua e muore. La statua interpreta il ruolo della più alta punizione, incarnata in questa immagine. Molière conserva esattamente il finale che era nella commedia di Tirso de Molina. Ma se, dopo la commedia del drammaturgo spagnolo, il pubblico ha lasciato il teatro scioccato dall'orrore, allora la fine della commedia di Molière è stata accompagnata dalle risate. Fatto sta che dietro la scena della punizione del peccatore è apparso subito Sganarello, che ha fatto ridere con le sue buffonate e le sue battute comiche. Le risate hanno rimosso ogni paura della punizione di Dio. In questo, Molière ha ereditato le tradizioni sia della commedia antica che della commedia rinascimentale e della letteratura in generale.

Lo spettacolo ha causato un enorme scandalo. Dopo la quindicesima rappresentazione, è stato bandito. La commedia è tornata sul palcoscenico francese solo dopo 176 anni. Molière fu rimproverato per il fatto che le sue opinioni coincidevano completamente con quelle di Don Juan. L'intenditore di teatro Rochemont dichiarò la commedia una "commedia diabolica", dedicando molte battute peggiorative alla sua analisi in "Osservazioni sulla commedia di Molière intitolata L'ospite di pietra" (1665).

Compiti per il lavoro indipendente

1. Conoscere la letteratura metodologica per l'insegnante: in quale classe si propone di studiare l'opera di Molière?

2. Prepara un piano riassuntivo sull'argomento "Studiare il lavoro di Molière a scuola".

Lavoro creativo sull'argomento

1. Sviluppa un piano di lezione sull'argomento "Mr. Jourdain e il suo mondo".

2. Scrivi un saggio sull'argomento: "The Misanthrope" di Moliere e "Woe from Wit" di Griboedov (somiglianza e differenza tra i personaggi).

Domanda da colloquio

L'opera comica di Molière.

Shlyakova Oksana Vasilievna
Titolo di lavoro: insegnante di lingua e letteratura russa
Istituto d'Istruzione: MBOU OSOSH n. 1
Località: insediamento Orlovsky, regione di Rostov
Nome materiale: sviluppo metodico
Soggetto: Lezione di letteratura in prima media "J.B. Moliere "Tartuffe". L'abilità e l'innovazione di Moliere. Attualità e rilevanza della commedia".
Data di pubblicazione: 20.02.2016
Capitolo: educazione secondaria

Riepilogo della lezione di letteratura (grado 9)

Argomento della lezione
:
J.B. Molière "Tartufo". L'abilità e l'innovazione di Molière. Attualità e

importanza della commedia.

Lo scopo della lezione
: creare una situazione pedagogica figurativo-emotiva in una lezione di letteratura per raggiungere i seguenti obiettivi: educativo - introdurre il contenuto della commedia J-B. Moliere "Tartuffe", per determinare qual è l'abilità di Moliere come comico, a quali tradizioni del classicismo aderisce l'autore, e anche qual è la sua innovazione. educativo - creare le condizioni per l'auto-sviluppo e l'autorealizzazione degli studenti nel processo di cooperazione nei gruppi, per instillare il desiderio di unirsi alla cultura mondiale, per portare alla coscienza l'idea che la cultura non esiste senza tradizioni. sviluppo - sviluppare la capacità di analizzare opere letterarie, formulare in modo indipendente ed esprimere ragionevolmente il proprio punto di vista.
Tipo di lezione
: lezione imparando nuovo materiale
Attrezzatura
: testi della commedia "Tartuffe" di J.B. Molière, installazione multimediale per la dimostrazione di diapositive sull'argomento della lezione e presentazioni degli studenti, illustrazioni per il lavoro.
Contenuto della lezione
IO.
Fasi organizzative, motivazionali
:
1. Saluto.

2. Creazione di una situazione pedagogica figurativo-emotiva
(durante tutta la lezione). Alla lavagna sono mostrate diapositive raffiguranti scene di rappresentazioni teatrali accompagnate da musica classica.
3. Parola dell'insegnante
Francia ... La metà del XVII secolo ... Le commedie di Jean-Baptiste Molière vengono rappresentate con straordinario successo sul palco. Le sue commedie sono così popolari che il re di Francia, lo stesso Luigi XIV, invita il Teatro Molière a mostrare la sua arte a corte e diventa un devoto ammiratore dell'opera di questo talentuoso drammaturgo. Molière è un genio unico nella storia della cultura mondiale. Era un uomo di teatro nel vero senso della parola. Molière è stato il fondatore e direttore della migliore compagnia di recitazione della sua epoca, il suo attore protagonista e uno dei migliori attori comici dell'intera storia del teatro, regista, innovatore e riformatore teatrale. Tuttavia, oggi è percepito principalmente come un talentuoso drammaturgo.
4. Definizione degli obiettivi
Oggi nella lezione cercheremo di scoprire qual è l'abilità e l'innovazione del drammaturgo Molière usando l'esempio della sua famosa commedia Tartufo e rifletteremo se la sua commedia può essere considerata rilevante e attuale oggi. Annota sui tuoi quaderni l'argomento della lezione “J.B. Molière "Tartufo". L'abilità e l'innovazione di Molière. Attualità e rilevanza della commedia.
II. Lavorare su nuovo materiale.

1. Presentazione del progetto studentesco individuale "Creatività di J. B. Molière"
Penso che sarà interessante per te prima di tutto apprendere alcuni fatti dalla biografia e dall'opera di Jean Baptiste Molière. Tanya Zvonareva, che, dopo aver ricevuto un compito individuale, ha preparato una presentazione, ce ne parlerà. Presentazione seguita dalla storia di uno studente. Gli studenti registrano sui quaderni le fasi principali del lavoro del drammaturgo.
- Grazie Tatiana. Il tuo lavoro merita una valutazione eccellente, vorrei solo aggiungere qualcosa:
2. Parola dell'insegnante
. Molière è il nome d'arte di Jean Baptiste Poquelin, figlio di un ricco borghese parigino che ricevette un'eccellente educazione classica. Preso dalla passione per il teatro, organizzò la sua prima compagnia all'età di 21 anni. Era il quarto teatro di Parigi, ma presto fallì. Molière lascia Parigi per 12 lunghi anni per la vita di un attore errante. Per ricostituire il repertorio della sua compagnia, Molière inizia a scrivere opere teatrali. Molière è un comico nato, tutte le commedie che sono uscite da sotto la sua penna appartengono al genere della commedia: commedie divertenti, sitcom, commedie di costume, commedie-balletti, "high" - commedie classiche. Un esempio di commedia "alta" è Tartuffe, o l'ingannatore, che hai letto per la lezione di oggi, questa commedia è stata la più difficile per Molière e allo stesso tempo gli ha portato il più grande successo della sua vita.
3. Lavora sul lavoro

UN)
- Ricordiamo
contenuto comico
. Passa brevemente
complotto…
- Certo, mentre leggi la commedia tu. Ognuno a modo suo ha immaginato i suoi personaggi, le scene della commedia.
B)
Prova ora a riprendere dal testo
parole adatte alla scena.

lavoro sul vocabolario
- Quale
vizi
l'autore prende in giro? (ipocrisia e ipocrisia)
Ipocrisia
- comportamento che copre insincerità, malizia con finta sincerità, virtù.
bigottismo
- comportamento caratteristico degli ipocriti. Un ipocrita è un ipocrita, che si nasconde dietro la virtù e la pietà.
G) -
Che ne dici di questa commedia
grandi persone hanno parlato
: AS Pushkin: "L'immortale" Tartufo "è il frutto della più forte tensione del genio comico ... L'alta commedia non si basa esclusivamente sulle risate, ma sullo sviluppo dei personaggi - e spesso si avvicina alla tragedia". V.G. Belinsky: “... Il creatore di Tartuffe non può essere dimenticato! Aggiungete a ciò la ricchezza poetica lingua parlata..., ricorda che molte espressioni e versi della commedia si sono trasformati in proverbi - e capirai il grato entusiasmo dei francesi per Molière! .. ”- Sei d'accordo con queste affermazioni? - Proviamo a dimostrare la loro giustizia lavorando in gruppo. Ora discuteremo quali domande prenderà in considerazione ciascuno dei gruppi, quindi sceglierai il gruppo in cui, secondo te, sarà interessante per te lavorare. Si prega di notare che AS Pushkin definisce la commedia "alta" e la confronta persino con la tragedia. C'è una contraddizione in questa affermazione?
e) Fase preparatoria: attualizzazione delle conoscenze necessarie per le risposte.
Discutiamone. Quindi, la commedia è stata scritta a metà del XVII secolo. Quale direzione letteraria dominare l'Europa in questo momento? (classicismo) Ricorda le caratteristiche principali di questo metodo artistico ...
Classicismo
- una direzione letteraria, la cui caratteristica principale è seguire un certo sistema di regole obbligatorie per ogni autore; appello all'antichità come modello classico e ideale. Le caratteristiche principali del classicismo 1. Il culto della ragione; il lavoro ha lo scopo di istruire lo spettatore o il lettore. 2. Rigorosa gerarchia dei generi. Alto Basso Tragedia La vita pubblica, gli eventi storici sono rappresentati; eroi, generali, monarchi recitano commedie La vita quotidiana della gente comune è raffigurata ode favola satira epica 3. I personaggi umani sono delineati in modo diretto, solo un tratto caratteriale è enfatizzato, positivo e cattivi ragazzi sono contrari. 4. C'è un eroe ragionatore nell'opera, un personaggio che pronuncia una lezione morale per lo spettatore, l'autore stesso parla per bocca del ragionatore 5. La regola classica delle tre unità: l'unità di tempo, luogo e azione . Una commedia di solito ha 5 atti. - COSÌ,
assegnazione al primo gruppo: "Considera la commedia" Tartuffe "in termini di conformità

o incoerenza con queste regole del classicismo"
(le domande sono visualizzate sulla lavagna)
- AS Pushkin, usando le parole
"alta commedia" molto probabilmente significava innovazione

Molière nel genere della commedia.

Cos'è l'innovazione in letteratura
? (continuazione della tradizione, superandola). - Non è un compito facile
, il secondo gruppo: "Perché A.S. Pushkin chiama la commedia "Tartufo"

"alta commedia"? Qual è stata l'innovazione di Molière come comico?
Puoi cercare la risposta a questa domanda nella prefazione che Molière ha scritto alla sua commedia. - E infine,
incarico al terzo gruppo: “Trova nel testo della commedia“ Tartuffe ”espressioni,

che possono essere considerati aforismi"
Cos'è un "aforisma"? (breve espressione)
e) Lavorare in gruppo. 3 ° gruppo - al computer
. Risposte a domande e compiti ...
1 gruppo. “Considera la commedia Tartuffe dal punto di vista della conformità o dell'incoerenza

queste regole del classicismo"
La commedia "Tartuffe" corrisponde alle regole del classicismo, perché: la commedia è un genere basso che contiene discorsi colloquiali. Quindi, ad esempio, in questa commedia si trova spesso un vocabolario comune: "Fool", "non una famiglia, ma un manicomio". "Tartuffe" è composto da cinque atti, tutte le azioni vengono eseguite in un giorno in un unico luogo, nella casa di Orgon - tutto questo è un tratto caratteristico del classicismo. Il tema della commedia è la vita della gente comune, non eroi e re. L'eroe di "Tartuffe" è il borghese Orgon e la sua famiglia. Lo scopo della commedia è ridicolizzare i difetti che impediscono a una persona di essere perfetta. In questa commedia vengono ridicolizzati vizi come l'ipocrisia e l'ipocrisia. I personaggi non sono complessi, in Tartuffe viene enfatizzata una caratteristica: l'ipocrisia. Cleante chiama Tartufo un "serpente scivoloso", esce da ogni situazione "asciutto dall'acqua", assumendo la forma di un santo e inveendo contro la volontà di Dio. La sua ipocrisia è fonte di guadagno. Grazie a falsi sermoni, soggiogò alla sua volontà il bonario e fiducioso Orgon. In qualunque posizione si trovi Tartuffe, si comporta solo come un ipocrita. Confessando il suo amore a Elmira, non è contrario a sposare Marianne; prega Dio in chiesa, attirando su di sé l'attenzione di tutti: ora improvvisamente scoppiava dalle sue labbra gemendo, ora alzava le mani al cielo in lacrime, e poi si sdraiava a lungo, baciando le ceneri. Ed è questa vera umiltà se "poi ha portato il pentimento in paradiso che lo ha distribuito senza un senso di compassione". Nell'eroe viene enfatizzata solo una qualità: anche questa è una caratteristica del classicismo. La commedia di Molière "Tartuffe" è un'opera classica tipica.
2 gruppo. "Perché A.S. Pushkin definisce la commedia "Tartuffe" una "commedia alta"? Che cosa

è stata l'innovazione di Molière il comico?"
AS Pushkin definisce la commedia di Molière "alta", perché denunciando l'ingannatore Tartuffe, è chiaro che l'autore denuncia l'ipocrisia e l'ipocrisia non di una persona, ma dei vizi sociali, dei vizi che hanno colpito la società. Non per niente Tartuffe non è solo nella commedia: il suo servitore Laurent, l'ufficiale giudiziario Loyal e la vecchia - la madre di Orgon, Madame Pernel, sono ipocriti. Tutti nascondono le loro azioni con discorsi devoti e osservano con attenzione il comportamento degli altri. E diventa anche un po' triste quando ti rendi conto di quante persone del genere possono esserci in giro. Aggiunta dell'insegnante alla risposta del 2° gruppo: - In effetti, Molière osserva le leggi del classicismo, come ha dimostrato il 1° gruppo, ma, come sapete, gli schemi non sono applicabili alle grandi opere. Il drammaturgo, seguendo le tradizioni del classicismo, porta la commedia (genere basso) ad un altro livello. I ragazzi hanno notato molto sottilmente che la commedia provoca non solo risate, ma anche sentimenti tristi. Questa è l'innovazione di Moliere: nel suo lavoro, la commedia ha cessato di essere un genere progettato per far ridere il pubblico, ha portato alla commedia contenuto ideologico e nitidezza sociale.
Lo stesso Molière, riflettendo sulla sua innovazione nel genere della commedia, ha scritto: (sottolineare alla lavagna): “Trovo molto più facile parlare di sentimenti elevati, combattere la fortuna in versi, incolpare il destino, maledire gli dei, piuttosto che prendere un guarda più da vicino le caratteristiche divertenti di persona e mostra sul palco i vizi della società in un modo divertente ... Quando ritrai persone normali, qui è necessario scrivere dalla natura. I ritratti dovrebbero essere simili, e se le persone del tuo tempo non sono riconosciute in essi, allora non hai raggiunto il tuo obiettivo ... Far ridere le persone perbene non è un compito facile ... "Molière, elevando così la commedia al livello di tragedia, dice che il compito di un comico è più difficile del compito delle tragedie dell'autore.
Gruppo 3 “Trova nel testo della commedia“ Tartuffe ”espressioni che possono essere considerate

aforismi"

G) Domande euristiche
- Sai già che Molière era un attore meraviglioso, in ognuna delle sue commedie c'era un ruolo che interpretava lui stesso, e il personaggio di questo personaggio è sempre il più ambiguo della commedia. Questa è anche l'innovazione di Molière.
- Cosa ne pensi, chi ha interpretato nella commedia "Tartuffe"?
(In Tartuffe ha interpretato Orgon)
-Perché?
(È questa immagine che non è tanto comica quanto tragica. Dopotutto, Tartufo è riuscito a soggiogare completamente la volontà del padrone di casa, Orgon, un adulto, di successo negli affari, un uomo, un padre di famiglia che è pronto a rompere con chiunque osi dirgli la verità su Tartufo, anche espulso dalla casa di suo figlio.)
"Perché Orgon si è lasciato ingannare così?"
(Credeva nella pietà e nella "santità" di Tartuffe, lo vede come il suo mentore spirituale, perché Tartuffe è un sottile psicologo, avverte i tentativi dei parenti di Orgon di smascherarlo. Il motivo è l'inerzia della coscienza di Orgon, educata alla sottomissione alle autorità Orgone nel piano spirituale, gli manca il proprio contenuto interiore, che cerca di compensare con la fede nella bontà e infallibilità di Tartufo.
- Cosa ne pensi, la commedia "Tartufo" può essere considerata rilevante e attuale,

di interesse oggi? Perché?
- In effetti, a molti di voi è piaciuta la commedia e alcuni ragazzi hanno espresso il desiderio di cimentarsi nella recitazione. (Gli studenti mostrano una scena).
III. Valutazione Risultato
(Per la presentazione di "TV-in Moliere", per il poster, per il lavoro di gruppo - gli studenti più attivi, che danno risposte ragionate e complete). Riassunto della lezione: - Cosa ti è piaciuto della lezione? -Qual è l'abilità di Molière come comico? La sua innovazione?
Compiti a casa:
scrivere una petizione al re con la richiesta di consentire la produzione di una commedia (a nome di un nobile del XVII secolo)