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Variantes do nome da exposição batik e porcelana. Exposição de batik de Tatyana Kapustina

No final de janeiro, uma exposição de batik de um artista local foi inaugurada em Cherepovets Kapustina Tatiana chamado "O Círculo".

Você pode ver suas pinturas batik no Panteleev Memorial Workshop. No centro regional, tal evento é o primeiro para o autor. Embora Kapustina pinte em tecido há mais de 20 anos.

Tatyana Igorevna nasceu em 1949, em 1973 formou-se no Moscow Textile Institute.

A exposição apresenta trabalhos realizados na técnica de batik frio e quente. São painéis decorativos, pinturas e outros itens de interior. Uma característica distintiva das obras é a predominância de motivos abstratos, associativos e vegetais. Tatyana adora especialmente linhas torcidas e giratórias em composições, e é provavelmente por isso que ela chamou isso coleção "Círculo".

Irina Balashova, que abriu a exposição, percebeu que quase sempre o batik frio da artista é feito em cores vivas e contrastantes, mas sua técnica quente adora combinações monocromáticas.

Muitas críticas lisonjeiras foram deixadas sobre as pinturas não apenas por amadores, mas também por colegas. Eis as palavras do presidente do Sindicato dos Artistas local:

“Existem obras - deu uma olhada e continuou, e estas - elas cantam! O desenho é sutil, atento. Se considerarmos esta exposição em termos espirituais, então é muito brilhante, não pressiona o espectador, mas, pelo contrário, inspira.”

Seu trabalho é bastante moderno, porque entrelaça harmoniosamente a experiência milenar dos mestres têxteis e os mais recentes desenvolvimentos e tecnologias, bem como sua própria visão espiritual do mundo.

As obras são brilhantes, positivas, incomuns. Acima de tudo, Tatyana Igorevna adora fazer painéis, porque as coisas interiores ajudam a expressar sua individualidade criativa de forma mais vívida. É sempre interessante o que inspira o autor para esta ou aquela imagem? Aqui está o que a própria Kapustina diz sobre isso.

Por alguma razão, nunca percebi o batik como uma arte, ou melhor, simplesmente não pensei nisso. Batik são lindos xales, bordados interessantes, todos os tipos de gotas, pingos, transbordamentos e seda.
E então, por acaso, ao visitar o Museu da Água, nos encontramos em uma pequena sala forrada de telas. Sob o corte vou contar e mostrar o que era)

Descobriu-se que se tratava de uma exposição de alunos da Faculdade de Artes e Ofícios com o nome de Carl Faberge. Aqui novamente uma descoberta: sempre me pareceu que instituições com nomes tão grandes são algo antigo, que já foi uma escola para aprendizes, depois uma espécie de escola para jovens trabalhadores, depois uma escola profissionalizante e agora uma faculdade. Mas não! Esta escola foi fundada em 2005!

Para minha surpresa, todas as obras não foram assinadas, o que é uma pena e, na minha opinião, um tanto errado. No entanto, você verá agora que é possível distinguir a mão de um autor em várias obras.

De acordo com a anotação da exposição, a palavra "batik" vem do batik indonésio, em que ba é um pano e tik é uma gota.

E então vou citar a descrição da exposição: "Toda a exposição é composta por 19 obras de "arte em seda" sobre o tema da água, mas são todas muito diferentes. Jovens artistas se distinguem por seu próprio estilo, técnica, visão, cada imagem é uma parte da alma e atitude do autor.

Aqui batik de duas camadas - a técnica de pintura mais complexa usando cera derretida, rolos, etc. E tudo isso se expressa no gênero paisagem, que dá ao autor uma liberdade de expressão incrível. Transmitir em uma linguagem especial a beleza do mundo aquático - essa é a tarefa que os artistas "batikistas" se propuseram e com a qual, sem dúvida, lidaram.

Nas telas - rios, cercas de ferro fundido de aterros, ruas tranquilas de cidades com casas de pedra, becos, templos - música congelada através da qual os artistas transmitem sua percepção da água.

As paisagens das pinturas são calmas e espirituais, suaves e refinadas, predispostas à reflexão. A exposição parece convidar o espectador a fazer uma viagem ao longo da superfície das águas dos mares, grandes rios e pequenos riachos, e até mesmo olhar para o misterioso mundo subaquático."

Claro, sinto muito, nunca fui um crítico de arte, mas na minha opinião eles foram muito espertos com a descrição;) Você pode sentir claramente uma tentativa de unir toda a exposição com um tema, atraindo mesmo claramente fora de -the-way traça para ele. Por que não chamá-la de Batik Symphony, por exemplo? Ou então seria impossível expor no Museu da Água?

Fosse o que fosse, o trabalho em si impressionou! Sou eu, de novo, desculpe, cliquei no telefone, além disso, os monitores geralmente distorcem. Em geral, aceite minha palavra: cores, transições são simplesmente mágicas!

Com muito prazer olhei as fotos de perto - fiquei curioso para saber "como foi feito") Com admiração - de longe. Todos os traços se fundem em uma imagem muito realista (quando o enredo exige) para que pareça volumosa.

Uma variedade de estilos convence que a tecnologia é imerecidamente privada de atenção. Pelo menos por mim) Você costuma encontrar o batik - como arte e não como arte aplicada?

Aqui, me despeço por isso) Obrigado por compartilhar um pouco mais de impressões comigo))

p.s. Incrivelmente, até o próprio Museu da Água não possui seu próprio site, mas apenas uma seção miserável no site do Mosvodokanal. Portanto, não preciso dizer que não encontrei informações sobre as datas desta exposição e, portanto, infelizmente, não posso recomendá-la para uma visita. Mas, se alguém realmente quiser, acho que pode ligar para o museu.

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Enigmas de padrões de pinturas russas

Os pratos Gzhel sempre foram azuis e brancos, que pintura tradicional nasceu após a Revolução de Outubro e por que os caixões pintados brilham? Nós entendemos os segredos do artesanato de arte popular.

Tigelas douradas. pintura Khokhloma

O mestre começou seu trabalho batendo nos baldes - ele preparou blocos de madeira (fivelas) de tília, álamo ou bétula. Com eles fizeram colheres e conchas de madeira, xícaras e saleiros. Os pratos ainda não decorados com pintura eram chamados de linho. O linho foi preparado e seco várias vezes e depois pintado em tons de amarelo, vermelho e preto. Ornamentos florais, flores, bagas, galhos de renda eram motivos populares. Os pássaros da floresta em pratos Khokhloma lembravam os camponeses do Firebird dos contos de fadas russos, eles disseram: “O Firebird passou voando pela casa e tocou a tigela com sua asa, e a tigela ficou dourada”.

Depois de desenhar o padrão, os produtos foram cobertos com óleo secante duas ou três vezes, estanho ou pó de alumínio foi esfregado na superfície e seco no forno. Depois de endurecer com o calor, eles adquiriram uma tonalidade de mel e realmente brilhavam como ouro.

No início do século 18, os pratos começaram a ser trazidos para a Feira Makariev, onde se reuniam vendedores e compradores de toda a Rússia. Os produtos Khokhloma eram conhecidos em todo o país. Desde o século 19, quando convidados de toda a Europa e Ásia começaram a chegar à feira de Nizhny Novgorod, pratos pintados apareceram em muitas partes do mundo. Comerciantes russos vendiam produtos na Índia e na Turquia.

Fundo nevado e padrões azuis. Gzhel

Fundo nevado e padrões azuis. Gzhel. Foto: rusnardom.ru

Fundo nevado e padrões azuis. Gzhel. Foto: gzhel-spb.ru

Fundo nevado e padrões azuis. Gzhel. Foto: Sergey Lavrentiev / Photobank Lori

A argila Gzhel é conhecida desde a época de Ivan Kalita - do século XIV. Os artesãos locais usaram para criar "vasos para as necessidades do boticário", pratos e brinquedos infantis. No início do século XIX, surgiram fábricas no Gzhel volost, onde era feita a porcelana. A primeira empresa aqui foi fundada em 1810 pelo comerciante Pavel Kulichkov. A princípio, a pintura em pratos de porcelana era colorida, mas em meados do século 19 chegou à Rússia a moda dos azulejos holandeses brancos e azuis e da porcelana chinesa dos mesmos tons. Logo, padrões azuis em um fundo nevado se tornaram uma marca registrada da pintura de Gzhel.

Para verificar a qualidade do porcelanato, antes da pintura, o produto era mergulhado em fucsina - tinta anilina vermelha. A porcelana foi pintada em uma cor rosa uniforme e qualquer rachadura era perceptível nela. Os mestres pintaram com tinta cobalto - antes de disparar, parece preto. Com o auxílio de técnicas especiais, trabalhando apenas com pincel e tinta, os artistas criaram mais de 20 tons de azul.

As tramas de Gzhel são rosas exuberantes (elas eram chamadas de "agashki" aqui), paisagens de inverno, cenas de contos folclóricos. As crianças andam de trenó, Emelya pega um lúcio na lagoa, os aldeões celebram Maslenitsa ... Depois de fazer o desenho, os pratos foram cobertos com esmalte e queimados. Produtos rosa com padrões pretos adquiriram seu visual tradicional.

Alfinetes luminosos e porta-jóias. Fedoskino miniatura de laca

“Quando organizamos o artel, tínhamos apenas uma coleção das obras de Pushkin para sete pessoas ... Isso explica em grande parte o fato de termos escrito a maioria de nossas miniaturas nas histórias de Pushkin.”
Alexander Kotukhin, miniaturista

Em 1932, os artistas de Palekh se encontraram com Maxim Gorky, que chamou a miniatura de laca de Palekh "um dos milagres criados pela Revolução de Outubro". A seu pedido, Ivan Golikov pintou miniaturas para a edição de luxo de The Tale of Igor's Campaign.

De 23 de maio a 29 de junho de 2014, no Salão Central de Exposições da cidade de Kolomna, há uma exposição "Convite para viajar" Vamos admirar o batik apresentado na exposição.

Lyubov Toshcheva é membro do Sindicato dos Artistas da Rússia, laureado com o Prêmio Malyutin, participante regular de exposições republicanas, regionais e zonais. Algumas de suas obras estão em Moscou, muitas outras em galerias e coleções particulares na Rússia, Alemanha, República Tcheca, Hungria, França e Itália. Suas estolas são usadas por mulheres famosas, incluindo Hillary Clinton.

Toshcheva Lyubov "Night Fairy" Batik frio, seda

Toshcheva Lyubov "Beleza Russa" Frio batik, seda

Toshcheva Lyubov "Amantes" Frio batik, seda

Toshcheva Lyubov "Porta secreta" Batik frio, seda

Toshcheva Lyubov "Prosperidade" Batik frio, seda

Toshcheva Lyubov "Paz" Frio batik, seda

Toshcheva Lyubov "No topo" Batik frio, seda

Toshcheva Lyubov "Infinity" Frio batik, seda

Toshcheva Lyubov "Rainha do inverno" Batik frio, seda

Toshcheva Lyubov "Rainha da Primavera" Frio batik, seda

Toshcheva Lyubov "Rainha do verão" Batik frio, seda

Toshcheva Lyubov "Rainha do Outono" Batik frio, seda

Toshcheva Lyubov "Música da tristeza" Batik frio, seda

Toshcheva Lyubov "Canção da Alegria" Frio batik, seda

Toshcheva Lyubov Batik frio, seda

Marina Edmundovna Orlova

Artista Homenageada da Federação Russa Marina Edmundovna Orlova formou-se na Escola de Desenho Artístico e Industrial de Ivanovo, departamento de desenho artístico de tecidos. Trabalhou como artista têxtil. Desde 1979 participa de exposições de arte. Membro do Sindicato dos Artistas da Rússia (1991), membro do Sindicato dos Designers da Rússia (2002). Um dos mestres importantes que trabalham na técnica do batik é conhecido na Rússia e no exterior, participante de inúmeras exposições de toda a União, republicanas, regionais e internacionais. Em 2012 foi premiada com o Grande Prêmio pelo tríptico “Confronto. Shadows of the Past" numa exposição dedicada à guerra de 1812, realizada no Museu de Artes Decorativas e Aplicadas de Moscovo.

Artista Homenageada da Rússia Marina Orlova "Segredos do Oceano" (tríptico) Gor. batik, nat. seda

Artista Homenageado da Rússia Marina Orlova "Folhas Velhas" (díptico) Gor. batik, nat. seda

Artista Homenageado da Rússia Orlova Marina Gor. batik, nat. seda

Irina Nikolaevna Kazimirova é uma das batikistas mais talentosas. nasceu em Ivanovo. Em 1974 ela se formou na Faculdade Química-Tecnológica de Ivanovo em design têxtil. Seu trabalho é bastante conhecido entre artistas e especialistas em artes decorativas. Suas obras foram exibidas não apenas na Rússia, mas também na Alemanha, Índia, Itália, Luxemburgo. Ela é membro da União dos Artistas da Rússia e da associação internacional de artes plásticas AIAP - UNESCO.

Kazamirova Irina "Saudações aos vencedores" Nat. seda, montanha batik

Kazimirova Irina "Forbs 1" Nat. seda, montanha batik

Kazimirova Irina "Pela água 1" Nat. seda, montanha batik

Kazimirova Irina "Pela água 2" Nat. seda, montanha batik

Kazimirova Irina "Alpine Hill 1" Nat. seda, montanha batik

Kazimirova Irina "Alpine Hill 2" Nat. seda, montanha batik

Kazimirova Irina "Cachoeira" Nat. seda, montanha batik

Kazimirova Irina "Espelho" Nat. seda, montanha batik

Kazimirova Irina “Guardiões. Pássaro" Nat. seda, montanha batik

Kazimirova Irina “Guardiões. Leão" Nat. seda, montanha batik

Kazimirova Irina "Íris Vermelhas" Nat. seda, montanha batik

Kazimirova Irina "Vitamina" Nat. seda, montanha batik

Kazimirova Irina "Na janela" Nat. seda, montanha batik

Kazimirova Irina "Evening" Nat. seda, montanha batik

Miloserdova Ana
Anna ingressou na arte duas vezes: a primeira vez - tendo nascido e formado em uma família de artistas, a segunda - já uma pessoa madura com sólida experiência no campo da filologia alemã, na qual Anna recebeu sua educação na Faculdade de Filologia de Moscou State University, onde foi impulsionada pelo sonho de traduzir poesia.
A educação artística (além da atmosfera inestimável de sua casa) Anna recebeu na Moscow State Textile Academy. A peculiaridade do caminho criativo de Anna reside no entrelaçamento de aspirações poéticas, de pesquisa e artísticas. Amor pela sabedoria das culturas pagãs, pesquisa na interseção da linguagem, psicologia e etnologia, inúmeras traduções de poesia, ficção, literatura popular e especializada de várias línguas, a criação da Faculdade de Linguística e Estudos Regionais no Eslavo Internacional Universidade de Moscou e liderança da Faculdade Unificada de Humanidades, ensino de idiomas e cultura antiga - esse é o leque de interesses e atividades dessa pessoa. O trabalho de Anna é igualmente atraente tanto para especialistas, colegas de loja quanto para o público mais amplo. Ela recebeu repetidamente certificados de honra e diplomas no campo da criatividade artística. Em 2008, Anna Miloserdova recebeu o Diploma da Academia Russa de Artes por uma série de painéis de batik e pintura. No momento, o artista é membro do AHDI do Sindicato dos Artistas de Moscou, do Sindicato dos Artistas da Federação Russa, do IHF e da Sociedade de Cultura e Arte.

Miloserdova Anna "Chuva de junho" da série "Ano nas asas das borboletas" seda, mista. algodão/batik

Miloserdova Anna "Dragão" da série "Calendário Oriental" seda, batik, mix. técnica

Continuação.

"Alma derramada com tinta"

Na verdade, usar os "portadores" rígidos usuais é muito mais conveniente. Até os artistas primitivos sabiam disso e suas criações foram preservadas para sempre. Porém, alguns artistas enfrentam dificuldades - optam pela pintura em tecido. Ao mesmo tempo, todos selecionam a técnica “a gosto”, de acordo com o temperamento. Alguém se inspira no cheiro de cera aquecida e no mistério dos tetos, alguém se inspira na conveniência da pintura gratuita e dos corantes modernos.

Tatyana Shikhireva diz: “Me empolguei com o batik quente e tento não me desviar ... Quem já trabalhou nessa técnica sabe que primeiro é preciso fazer o mais claro, depois cada vez mais escuro. E o tempo todo você tem que ter em mente o que tinha luz, o que era escuro. É tão interessante e emocionante que é difícil recusar tal trabalho.
Outros preferem pintar tecidos especificamente para roupas: “Gosto de viver de algodão ou seda - enrugar, esvoaçar ao vento, às vezes ser visível na luz e, o mais importante, que às vezes toca a bochecha de alguém e é necessário para alguém” ( Veronika Pavlenko).
Alguns mestres da tapeçaria também trabalham em batik, outros param em uma coisa. “Quando está calor o tempo todo, você tem que pensar em como está, o tempo todo diante de seus olhos não é trabalho, mas uma crosta de cera. Risco de incêndio ao fazer (aconteceu uma vez!). No frio - algum tipo de frivolidade. E em todos os lugares - tecnologia - 90 por cento! Com uma tapeçaria, tudo é exatamente o oposto. Sim, há muita preparação. Mas o processo é um conto de fadas. É simples, tipo 2x2, ou seja, toda a tensão criativa na trama, composição, solução plástica... As canetas estão limpas. A imagem fica visível na hora, bom, talvez nem tudo esteja do lado, mas isso não é nada comparado ao batik quente”, diz Olga Popova.
Elena Dorozhkina prefere pintar em seda: “Quanto mais faço batik, mais me afasto de suas técnicas clássicas (frio, quente). Eles limitam meus desejos criativos, não me permitem fazer ideias complexas de composição de enredo. O batik frio é um contorno - uma borda, não permite criar tons sutis e pitorescos. Quente - totalmente com cera, onde tudo é muito decorativo, mas monossilábico e plano, essas técnicas, via de regra, envolvem a decoração de tecidos para roupas, aliás, para os quais o batik foi inventado. Não é o suficiente para mim. No processo de muitos anos de trabalho em batik, descobri minha própria técnica que me permite realizar minhas tramas em seda. Minha técnica é a pintura livre. Por via de regra, de acordo com um esboço preliminar. A seda permite que a tinta se espalhe lindamente, suavemente e muitas vezes sugere novos efeitos, você só precisa capturá-los, mostrá-los e enfatizá-los. O processo é complexo, sutil, mas interessante. Podemos dizer que interagimos com esta tecnologia” .
Dorozhkina Elena(cidade de Korolev). Verão. 2005. Seda. Pintura grátis. 49x50 cm. COM ai

Voltemos às origens, desta vez - a origem do batik do autor na URSS. O fundador da escola letã de tapeçaria, o artista Rudolf Heimrat (1926–1992), iniciou sua carreira na década de 1950 com batik e cerâmica. No início dos anos 1960, Juozas Balchikonis (1924–2010), fundador da escola lituana de têxteis artísticos, iniciou seus experimentos na técnica de batik quente. Eram cortinas de linho e painéis de parede baseados em canções e lendas folclóricas lituanas. A sua experiência ainda é interessante, em particular porque parece ser o único artista (na URSS e na Rússia actual) que utilizou corantes vegetais no batik. Por exemplo, o artista obteve tons esverdeados e marrons de casca de árvore, musgo e ferrugem. Seu filho Kestutis também criou obras poéticas originais.
Balchikonis Kestutis(Lituânia). Férias no Neman. 1978. Algodão. Batik quente. 230x304 cm Museu Nacional da Lituânia.
Figuras refinadas estão sentadas em remos, três "graças" dançam à direita, no centro da composição há uma Árvore e cisnes.

Batiks monumentais, próximos à pintura a fresco, causaram forte impressão nas exposições. Ficou claro que o batik é bastante digno de ocupar um lugar no interior público.
A exposição de Juozas Balchikonis em Moscou no início dos anos 1970 causou uma impressão tão grande em Irina Trofimova que ela dedicou toda a sua vida artística a essa forma de arte. O artista estudou a técnica do batik em Delhi. Ela visitou muitas repúblicas asiáticas e países do Sudeste Asiático. Por meio século de trabalho (desde 1962) no batik da autora, ela nunca traiu o batik quente, seu estilo próprio e o tamanho monumental das telas (geralmente têm 265x100 cm). Irina Trofimova acredita que a técnica antiga tradicional não limita as possibilidades do autor, mas ajuda na criatividade. Artista Homenageada da Rússia, ela trabalhou na associação "Primavera" por mais de 30 anos. Ela criou mais de 1.000 designs temáticos e de souvenirs premiados para lenços de cabeça. São mais de 100 painéis monumentais, muitos dos quais se encontram em museus do país e do estrangeiro. E todos os anos há novas séries dedicadas a vários tópicos. Nas telas costumam aparecer grandes figuras em trajes que correspondem exatamente à época, objetos que simbolizam o tema escolhido. Os personagens rezam, leem, dançam, conversam, nos observam de lá, de sua eternidade congelada.
Trofimova Irina(Moscou). Egito. China. Idade Média. Tríptico. 2010. Algodão. Batik quente. 265 x 100 cm.

Em novembro de 2011, Irina Trofimova tornou-se a inspiradora e organizadora da exposição Textile Fresco na Galeria Belyaevo em Moscou. Apenas obras em grande escala (a partir de 2 metros) de artistas de diferentes cidades russas foram apresentadas aqui. Cm.
Quando temos uma obra de grande formato à nossa frente, esperamos dela um conteúdo profundo. Esta exposição incomum pretendia lembrar essa hipóstase espiritual não utilitária, mas elevada do batik.
As origens do atual batik monumental remontam a tempos antigos. As complexas composições dos afrescos dos templos das cavernas da Índia mais tarde mudaram para tecidos criados usando diferentes técnicas de pintura. Eram desenhos sagrados nas cortinas das paredes, nichos e portas dos templos, carruagens rituais. Tecidos preservados desde a Idade Média têm tramas míticas e épicas, às vezes cenas da vida da corte. As cortinas do templo são conhecidas, atingindo o tamanho de 3x6 (8) metros. O desenho sobre eles foi aplicado com um bastão de tinta grossa. O batik de cera foi desenvolvido no sul da Índia.
Mas voltando ao nosso país. Seguindo Irina Trofimova, outros começaram a se envolver no batik. Assim, da Europa, de forma indireta, por meio dos artistas bálticos, a técnica de reserva para criar um padrão em tecido voltou para a Rússia.
Para um artista que trabalha na indústria têxtil (design de tecidos, lenços de cabeça, cortinas), o batik do autor tornou-se uma válvula de escape desde os anos 70, permitindo-lhe dedicar-se à criatividade livre.
Durante o período da perestroika, o batik foi uma boa ajuda para os artistas não reclamados. Muitos mestres da tapeçaria mudaram para a pintura. Desde o final da década de 1990, mais e mais alunos escolhem o batik para seus trabalhos de tese, cada vez menos - tapeçaria trabalhosa. Nos últimos anos, a arte decorativa ganhou vida após o "Tempo das Perturbações", bienais de grande escala, trienais (embora com reservas ao gosto dos organizadores) proporcionam a oportunidade de ver artistas de todas as regiões ao mesmo tempo. Nunca houve tais exposições sobre batik, mas a Internet está gradualmente destruindo fronteiras e distâncias, permitindo ver muito, embora as impressões de uma obra “ao vivo” e de uma virtual possam ser muito diferentes.
Bulychev Yuri. Tempo. Mecânica. Álbum.

Existem artistas que trabalharam com sucesso durante toda a vida na técnica escolhida e em um estilo. Existem autores multifacetados, é impossível impressionar sua obra a partir de uma obra, por isso dou, sempre que possível, os endereços de seus sites. Conhecemos alguns deles há muitos anos, outros estão apenas começando a trabalhar de maneira interessante em várias técnicas de pintura têxtil. Para não criar "avaliações" da moda agora, apresento os artistas em ordem aleatória.

Nas obras de Elena Kosulnikova, o formato alongado do tecido estreito (250 (300) x 90 cm) não atrapalha a visão da amplitude dos espaços abertos russos “nos bastidores”. Paisagem nativa e sempre um pouco triste, pouco alterada ao longo dos séculos e da perestroika. No trabalho recente desta série - "Russian North" apareceu mais cor, como se o sol tivesse saído, derretido a neve, quebrado o monocromático sombrio e nos agradado com a chegada da primavera.
Kosulnikova Elena(Moscou). Norte da Rússia. 2011. Batik quente.

As últimas obras do autor refletem as impressões

As obras da Artista Homenageada da Rússia Tatyana Shikhireva são um "teatro de um artista" brilhando com todas as cores do arco-íris. Seus trabalhos na técnica de batik quente sobre seda são imediatamente reconhecíveis. Estas são histórias sobre as paixões sérias da Bela Dama, Columbine, Pierrot, Harlequin. Cada composição se torna uma história requintada da história de diferentes países e épocas. “Quero mostrar o drama, a tragédia que se desenvolve nesta imagem. Eu sempre vou de alguma intriga. Gosto muito de desenhar detalhes, por exemplo, um pescoço com babado, um casamento com flores. Interessante referência a alguma outra época. Pesquiso muito em livros de história, moda de diferentes épocas, encontro alguma imagem para mim e crio meu próprio quadro”, conta a artista. Freqüentemente, várias cenas são representadas ao mesmo tempo em várias telas de formatos diferentes, que não constituem uma série, mas uma única composição. A ação, por vezes, continua no quadro, onde também é possível conhecer o autor, que se preocupa com seus personagens. E quem está se escondendo atrás da coluna? Não é Ele mesmo...?
Shikhireva Tatiana(Moscou). Aviso. O lado esquerdo da composição. 2000. Hot batik Álbum.

Em uma série de batiks de Ivan Kharchenko, a diferença de tirar o fôlego na escala de um homem, sua cabeça quase invisível e a colossal, mas graciosa carcaça de um touro que não cabia na tela, parece insuportável. Como se estivéssemos olhando para ele em uma perspectiva fortemente comprimida devido a um ponto baixo muito próximo. E, no entanto, um homenzinho vestido com um traje folclórico russo vence esta tourada. Supera o "animal em si".
Kharchenko Ivan(Sergiev Posad). A Megera Domada. OK. 2010. Algodão. batik quente

E uma trama tão ousada como a de Tatyana Chagorova ("Muitas garotas - estou sozinha"), ao que parece, ainda não existiu no batik. A forma também é incomum - é uma composição única composta por cinco grandes telas.
Chagorova Tatiana(Pença). "Muitas garotas - estou sozinho." Políptico. 2010. Algodão. Batik quente. 180x80cm. cada parte

A neve é um assunto fértil para artistas que trabalham com tecido, porque o batik geralmente começa com uma tela branca. Resta apenas aplicar manchas de cor nos locais restantes ... Os trípticos de Olga Gamayunova lembram incrustações de madrepérola, sedutoras com um brilho misterioso e um jogo de tons suave: “O mundo das minhas obras é uma Idade Média idealizada: castelos e pequenas aldeias entre as extensões infinitas de campos e florestas, montanhas e rios. As estações mudam lá e a vida continua como de costume. Claro que existe a influência de Walter Scott e Tolkien, mas tudo isso já faz parte do meu mundo interior, que procuro contar nas minhas obras. As três partes não estão formalmente conectadas, mas são uma única composição.
Gamayunova Olga(Moscou). Inverno. A parte central do tríptico. 2006. Seda. batik frio

Marina Lukashevich (1968–2000) refutou o preconceito há muitos anos de que nem todos os assuntos são adequados para batik - uma vez ela criou um título para suas exposições: “Existe vida na seda?”. E em sua seda, de fato, havia uma vida real e fabulosa. Em seus trabalhos na técnica de batik frio, frouxidão absoluta, luz, desenho livre, imaginação sem limites, humor, decoração brilhante e caligrafia original são visíveis.
As imagens, como se estivessem em uma corrida, têm pressa de se tornar realidade, de escapar da inexistência: “Minha alma, derramando tinta, pode ser impressa com tanta liberdade e precisão na matéria de seda”. Ela inventou a técnica do batik de duas camadas, na qual duas composições quase transparentes em seda fina estão localizadas em paralelo: “Basta deixar duas imagens transparentes e planas em uma maca por um tempo - elas se fundirão imediatamente em ... uma terceira, já imagem “volumétrica”. O resultado é a ilusão de imagens vivas e em movimento, especialmente se o próprio espectador estiver se movendo.
Lukashevich Marina(Moscou). Anjo. Seda.

Lukashevich Marina. Homem e gato. Seda. duplo batik

(Foto do site pessoal)

O talento costuma ser multifacetado: sendo atriz do teatro de cabaré "The Bat", escreveu contos de fadas e ensaios sobre temas filosóficos e se dedicou à animação. As obras de Marina Lukashevich, falecida precocemente, podem ser vistas em o site dela.

As obras decorativas incomuns de Anna Miloserdova podem ser consideradas por muito tempo, encontrando gradualmente detalhes cada vez mais significativos. Aparentemente, William Blake escreveu sobre esses artistas (traduzido por S. Ya. Marshak):
“Em um momento para ver a eternidade,
O vasto mundo é um grão de areia,
Em um único punhado - infinito
E o céu está em uma xícara de uma flor.
A partir de um caleidoscópio dos mínimos detalhes e símbolos, formam-se imagens fascinantes, graficamente precisas e concisas, atrás das quais grandes camadas culturais são sentidas. Pássaros reais, tigres, cobras e ovelhas se transformam em criaturas fabulosamente belas. As obras atraem ângulos inesperados, hiperbolicidade, uma visão próxima e gentil do mundo. Os pássaros são especialmente bons: um peru arrogante, o conforto sonolento e quente de penugem e penas de alguém, a alegria de um pardal espirrando em uma poça de primavera. Padrões em alegres elefantes multicoloridos acabam sendo saias femininas sem dimensões ...
Uma técnica engenhosa para conectar painéis individuais em um único trabalho, juntando alguns detalhes, por exemplo, presas de elefante.
Miloserdova Ana(Moscou). O curso das coisas. Tríptico. 2007. Seda. Batik frio, pintura. 70x210 cm Moscou, Museu Darwin Álbum

É interessante observar como os símbolos tradicionais ganham vida na obra de artistas contemporâneos não como uma citação formal, um conjunto de signos conhecidos, mas organicamente. Quando um símbolo assume uma nova forma, é como se renascesse, refratando com a compreensão atual da vida do autor. Na obra de O. Lozhkina. "Canção dos Ancestrais" - desenhos primitivos de alces e caçadores, movidos das rochas para um tecido fino para que pudessem ser vistos em terras distantes. Desenhos e símbolos se multiplicam e se multiplicam, transformando as costas rochosas do tecido em uma mistura de signos antigos de diferentes épocas. As letras vêm à superfície da terra, aglomerando-se, como se dissessem: “Aqui estamos! Estamos vivos, estamos com você, não se esqueça de nós, porque somos as vozes de seus ancestrais, o primeiro livro escrito pela humanidade! A ilha inferior se eleva, ganha vida e cresce até o céu, um dos míticos alces celestes - a dona do mundo, e o segundo já está separado dela ...
Lozhkina O.(Izhevsk). Canção dos ancestrais. Batik frio. 145 x 60 cm.

Sério (não feito sob medida), às vezes temas filosóficos em batik são uma raridade, e os resolvidos também são interessantemente decorativos - duplamente. Svetlana Shikhova adicionou uma técnica tradicional de acolchoamento uzbeque à pintura. O ponto passa ao longo das linhas da reserva e separa os pontos de cor.
Shikhova Svetlana(Uzbequistão, Fergana). Vendedor de melão. 2010. Seda. 70x60 cm.

Assim que o artista toma como base até uma técnica simples, por exemplo, uma pintura totalmente livre, como nas obras de Alexander Talaev, e a tela se transforma em arte monumental.
Alexandre Talaev. noite de natal. 2009. Seda. pintura grátis

As tramas de Maria Kaminskaya são infinitamente variadas. São flores do campo e do jardim, vida marinha e insetos, personagens reais e fictícios cercados por detalhes realistas do cotidiano, paisagens, composições decorativas elegantes, ora misteriosas, ora poéticas, ora brilhantes, ora sombrias. No mundo deste artista, até os peixes têm cara e personalidade próprias. O interior tem sempre uma janela atrás da qual a cidade é real ou inventada. Painéis multicoloridos ou sutilmente monocromáticos, lacônicos ou com detalhes que podem ser vistos infinitamente. O que quer que seja retratado na obra, é sempre decorativo, pitoresco e realista ao mesmo tempo. Álbum.
Kaminskaya Maria(Moscou). Ulya. Da série Rota da Seda. 2011. Seda. Pintura. 70 × 70 cm.

Kaminskaya Maria. Libélulas. Da série Rota da Seda. 2009. Seda. Batik frio. 33 × 80 cm.

Encontrar o seu próprio tema na arte, o seu próprio estilo, para que seja reconhecido sem olhar para a assinatura, é uma tarefa séria para o artista. A caligrafia brilhante do autor cria o principal milagre da arte.
Quanta paciência, tempo e engenhosidade às vezes um artista precisa para realizar seus planos! Às vezes, os experimentos dão origem a técnicas bastante incomuns, como nas obras de Sergei Pushkarev (1954–2006). Ele usou serigrafia de esboços em papel de cera com aquarelas. O artista desenvolveu uma técnica própria de pintura com tintas sobre tecidos dispostos em dobras. Em uma forma plana, a imagem foi adicionada com um aerógrafo. Álbum.
Serguei Pushkarev(Sergiev Posad). Sol de inverno. 1985. Seda. Técnica do autor. 90x160 cm

Serguei Pushkarev. Música antiga. Parte de um tríptico. 1980. Seda. Técnica do autor. 90x110 cm, Moscou, Museu de Arte Moderna

Uma técnica inusitada ajudou a transmitir na obra o que é tão difícil de expressar: impressões, emoções, buscas filosóficas pelo sentido da vida:
“... Voamos o infinito em nós e acima de nós,
É triste no firmamento da terra.
(Dos poemas do artista).

Ao combinar diferentes tipos de arte, muitas vezes surge algo interessante.
Victoria Kravchenko(1941–2009) complementou o batik com a gravura. Mais trabalho.

A artista gráfica de livros Elena Uzdenikova, trabalhando em batik ao mesmo tempo, combinou organicamente pintura em seda com ilustrações de livros para contos de fadas persas. Quando publicadas (ao contrário dos pergaminhos antigos), as ilustrações serão feitas da maneira usual de impressão, mas as miniaturas manterão o efeito incomum de desenho no tecido. Álbum.
Uzdenikova Elena. Ilustração para o conto de fadas persa "A Carpa Dourada". 2002. Seda. Batik frio, pintura. 15x25 cm.

Sobre a alma, o acrílico e os têxteis museológicos

Quaisquer sentimentos e pensamentos vivos que excitam o artista, por mais estranho que pareça para alguém quando se fala em arte decorativa, podem ser transmitidos em uma pintura sobre tecido. E se o autor realmente os possui, é fácil encontrar uma solução de composição natural não padronizada correspondente. Então não haverá necessidade de métodos formais de divisão do plano com quadrados, listras e outras formas geométricas, esses "andaimes" que não carregam nenhuma carga semântica.
Certa vez, estive presente em Stroganovka em uma discussão sobre um esboço do projeto de graduação de um aluno com um professor. Sua tapeçaria foi dedicada à imagem de Jorge, o Vitorioso, em uma versão totalmente canônica. O esboço foi dividido com competência em três partes e até em partes diferentes por dentro ... Pensei: “O que é Hécuba para ela?”. Não parecia que a jovem fosse tão apaixonada por esse enredo que pudesse passar muitos meses de sua vida criativa nele ...
“Derrame sua alma com tinta”, e você, querendo ou não, compartilha sua dor e alegria com o espectador. Então haverá uma resposta em sua alma.
Para o espectador, se ele não entende as técnicas de pintura, não importa em que técnica o trabalho é feito. Ele percebe a imagem como um todo.
Flores que parecem tremular com pétalas, ou uma onda que está prestes a cair sobre um espectador entusiasmado, surpreendem com autenticidade ilusória e habilidade técnica. A habilidade profissional é inegavelmente necessária. Mas a técnica é o principal em uma obra de arte e a precisão fotográfica é o objetivo do artista? Lembre-se de Anatoly Zverev, que sabia desenhar de forma engenhosa e concisa um retrato em um guardanapo com qualquer coisa.
Trabalhar com cera quente é fascinante, é semelhante à magia antiga. Se um artista trabalha na técnica "pura" do batik quente, isso é de particular interesse, mas isso não significa que o batik frio e outras técnicas mistas do autor sejam "piores". São apenas formas diferentes de decorar tecidos. As técnicas para criar um padrão diretamente com um corante em um tecido provavelmente são ainda mais antigas do que os métodos de reserva. A pintura em seda com tintas minerais é tradicional na China. Os artistas japoneses há muito costumavam criar, por exemplo, um quimono ao mesmo tempo reserva, estêncil, pintura requintada, bordado, douramento.
Quimono. Fragmento. Japão

Em nossa época, quando não apenas tipos separados de arte são misturados, mas também arte, tecnologia e ciência, não é surpreendente que um artista curioso combine diferentes técnicas em uma obra, embora a pureza de um certo tipo de pintura tenha seu próprio charme . Novos métodos de trabalho em tecido estão sendo constantemente inventados, e a indústria responde rapidamente a novos pedidos (ou os organiza ela mesma).
As tintas acrílicas são um análogo moderno de tintas minerais antigas e métodos anteriores de lidar com a dispersão de corantes, como adicionar sal às tintas, espessamento de amido, tragacanto, gelatina, etc. A tinta a óleo foi usada ativamente em gravuras antigas russas, na criação de figurinos teatrais . Um quadro pintado com tintas a óleo sobre tela também é pintura sobre tecido. Mas a pintura sobre tecido em outras técnicas, que podem ser confundidas com a pintura a óleo, por exemplo, dificilmente pode ser considerada um fenômeno positivo, assim como qualquer imitação de uma técnica por meio de outra. As tintas de cobertura densa deram aos artistas a oportunidade de desenhar livremente no tecido, como no papel. O artista escolhe os meios técnicos que o ajudarão a expressar o máximo possível suas ideias. Diferentes tipos de corantes são usados \u200b\u200bpara diferentes propósitos: corantes densos são convenientes para criar pinturas em tecidos, mas não são adequados para roupas.
“Um profissional, parece-me, é uma pessoa que conhece tudo o que é conhecido e possui todas as tecnologias disponíveis. Sou a favor da experimentação, pois dela surgem novos efeitos, novas técnicas e tecnologias, muitas vezes do próprio autor, e com elas - novos ânimos e sensações no espectador, até uma nova visão do mundo...
Eu uso ativamente acrílico, acho que boas invenções não devem ser negligenciadas. Isso é versatilidade, uma paleta ampla e ativa, durabilidade, longa vida, novos efeitos. É verdade que as tintas reagem de maneira diferente à luz, isso deve ser levado em consideração ... Por que acrílico em tecido e não em papel? Porque tecido não é papel. O acrílico não iguala papel e tecido e não determina a escolha da técnica. Propriedades diferentes, efeitos diferentes, portanto, soluções diferentes, resultados diferentes, percepções diferentes. Se o trabalho em têxteis sugere por que não no papel, então o autor não conhece e compreende totalmente o material e não sabe como usar suas características”, diz Anna Miloserdova.
Tendo passado da categoria de produto utilitário para obra de cavalete, o batik, por vezes, perde seu efeito decorativo e adquire características próprias da pintura: perspectiva, volume, claro-escuro. A técnica "pura" do batik quente ou frio obriga o artista (ou ajuda-o) a permanecer no quadro da arte decorativa, utilizando as especificidades dos métodos clássicos.
Escolhendo tintas acrílicas de cobertura, a artista aposta no fato de que sob elas ficará oculto um claro entrelaçamento de fios de algodão, um brilho vivo de fios de seda. “As pinturas corporais cobrem a superfície da seda com muita espessura e impedem que a pintura tenha um brilho e transparência adequados”, observou o manual de pintura em seda, já em 1624. O padrão permanece na superfície sem penetrar na estrutura do tecido, sem se tornar um todo com ele, como é o caso do tingimento tradicional do batik em cuba ou da pintura com tinta líquida.
Acontece que as técnicas são empilhadas umas sobre as outras, isso é percebido como uma violência contra a estampa e o tecido. A solução mais simples costuma ser a melhor.
O uso de rolos, carimbos ou técnicas mecanizadas que os lembram no batik de cavalete parece sem sentido. Por isso é de autor, único. O selo é apropriado para a produção replicada de tecidos ou produtos utilitários.
E o triste: cada vez mais o conceito de beleza está deixando as obras de arte, o conceito de beleza.
Cores brilhantes ainda não garantem um trabalho "brilhante". É a personalidade do artista que o torna assim. Aparentemente, ela também ajuda a encontrar sua própria caligrafia única.
Batiks, que são vendidos ativamente em nossos dias de abertura, em salões de arte e pela Internet, agora são feitos, às vezes, de forma bastante profissional. Mas são replicados, raramente têm estilo próprio de autor, pois são pensados para o gosto médio dos compradores (“assim como na foto, em detalhes, compreensíveis e bonitos”) e, portanto, não têm valor artístico sério.
Claro, o problema da implementação sempre confronta o artista. Os museus raramente prestam atenção ao batik. A vulnerabilidade do tecido fino, o medo da luz e da água, a fragilidade do batik, que nisso é inferior à tapeçaria, e ainda mais às telas pictóricas, reduzem seu valor aos olhos dos compradores (e reduzem os preços).
Em mãos talentosas, o batik é infinitamente diverso. São linhas claras de desenho desenhadas com um tubo de vidro, um alfinete ou canto, e pinceladas vivas e únicas com um pincel de cera. Isso é coloração com manchas locais dentro da linha de reserva ou transbordamentos suaves de pintura livre, combinados com gráficos claros de novos materiais.
Hoje, experimentos mais ativos com o uso do batik em síntese com outras formas de arte, em design de interiores, seriam interessantes.
As obras de artistas contemporâneos mostram que tudo está sujeito ao batik. Quaisquer temas e escalas: grande formato, alto formato e até serial, superando assim as limitações iniciais da largura do tecido.
Todos os gêneros estão disponíveis para o batik: paisagem e retrato, composições decorativas abstratas e cenas de gênero, naturezas-mortas e animalescos.
Godich Marina. Tarde de inverno. 2010. Seda. Batik frio. 56x56cm. Álbum.

O Batik pode impressionar o público antes do início da apresentação com uma cortina em grande escala ou tamanhos grandiosos em uma exposição, museu ou interior público. Pode agradar com uma pequena foto pendurada em casa acima do sofá ou no escritório de um diretor estrito. Batik pode se transformar em toalhas de mesa, guardanapos, roupas tradicionais nacionais e europeias.
Ele tem apenas um ponto fraco - indefesa contra o tempo. E, no entanto, um tecido de vida curta geralmente supera seus criadores. Se houvesse um arquivo de obras de arte, onde pudessem encontrar um refúgio para a obra de qualquer autor, seríamos muito mais ricos. Até agora, até certo ponto, apenas os museus superaram esse problema. É hora de criar um museu na Rússia, senão de batik, pelo menos de têxteis em geral. E pode-se começar com uma exposição séria e de grande escala dedicada tanto à história quanto ao batik moderno.

Agradeço a E. Dorozhkina, M. Kaminskaya, T. Mazhitova, E. Uzdenikova, I. Kharchenko e à família de Sergei Pushkarev pelas fotos.
PS Lembro que você pode escrever comentários mesmo que não seja membro do LiveJournal.

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