Belas Artes e Arquitetura na URSS. Construtivismo no cartaz político soviético
O plano de "propaganda monumental", adotado por sugestão de V. I. Lenin, foi a expressão mais marcante dos princípios gerais da nova arte. Lenin viu o objetivo principal da "propaganda monumental" em colocar a arte a serviço da revolução, em educar o povo no espírito da nova visão de mundo comunista.
Juntamente com a abolição de alguns monumentos que "glorificaram o czarismo", foi ordenada a mobilização de forças artísticas e a organização de um concurso para desenvolver projetos de monumentos em homenagem à Revolução Socialista de Outubro.
A partir do outono de 1918, as primeiras obras de “propaganda monumental” apareceram nas ruas de Petrogrado, Moscou e outras cidades: monumentos a Radishchev, Stepan Razin, Robespierre, Kalyaev, T. Shevchenko e outros.
Muitos escultores representando várias tendências criativas trabalharam na implementação do plano - N. Andreev, S. Konenkov, A. Matveev, V. Mukhina, S. Merkurov, V. Sinaisky, arquitetos L. Rudnev, I. Fomin, D. Osipov , V. Mayat. As ideias do plano leninista também influenciaram o campo mais amplo da arte monumental e decorativa - a decoração festiva das cidades, procissões em massa, etc. Artistas proeminentes, incluindo K. Petrov-Vodkin, participaram do projeto das ruas de Moscou e Petrogrado em os dias do primeiro aniversário da Revolução de Outubro , B. Kustodiev, S. Gerasimov.
Uma característica das artes visuais da era da revolução e da guerra civil era a orientação da propaganda, que determinava o significado e o lugar de seus tipos individuais. A par de monumentos e placas memoriais, o cartaz tornou-se porta-voz de ideias e slogans revolucionários, falando a linguagem da alegoria (A. Apsit), da sátira política (V. Denis) e atingindo então o seu apogeu nas obras clássicas de D. Moor (“Já se inscreveu como voluntário?”, “Ajuda”).
Insuperáveis em seu tipo também foram "ROSTA Windows" de V. Mayakovsky e M. Cheremnykh. A linguagem "telegráfica" desses cartazes, deliberadamente simplificada, era nítida e concisa.
A arte do pôster estava intimamente associada aos gráficos políticos, amplamente popularizados pelas revistas "Flame", "Krasnoarmeyets" e outros periódicos. Os temas revolucionários também penetraram nos gráficos de cavalete (desenhos de B. Kustodiev), especialmente nas gravuras em madeira e linóleo. "Tropas" de V. Falileev, "Carro blindado" e "Cruiser Aurora" de N. Kupreyanov são obras gráficas típicas da época. Eles são caracterizados por contrastes intensos de forma preto e branco, aumentando o protagonismo da silhueta.
A era da revolução também se refletiu nas ilustrações de livros (desenhos de Yu. Annenkov para "Os Doze" de A. Blok, capas e marcadores de S. Chekhonin), mas esse tipo de arte estava mais associado a novas edições da literatura clássica , principalmente a "Biblioteca do Povo ”(obras de B. Kardovsky, E. Lansere e outros).
Nos gráficos de retratos, os esboços de V. I. Lenin feitos da natureza (N. Altman, N. Andreev) eram de particular valor. Uma galáxia de grandes mestres (A. Benois, M. Dobuzhinsky, A. Ostroumova-Lebedeva) desenvolveu gráficos de paisagem.
A pintura de cavalete dos primeiros anos pós-revolucionários, mais do que qualquer outra forma de arte, experimentou a pressão da “frente de esquerda”. As pinturas "Novo Planeta" de K. Yuon, "Bolchevique" de B. Kustodiev, etc. testemunharam o desejo de seus autores de revelar o significado histórico do que está acontecendo. A alegoria característica de toda a arte soviética do período inicial penetrou até na pintura de paisagem, dando origem a uma resposta tão peculiar a eventos contemporâneos como, por exemplo, a pintura de A. Rylov “In the Blue Space”.
Entre outras artes, ocupava uma posição especial a arquitetura, cujas possibilidades neste período não iam além do desenho de novas tarefas.
20s
Nos anos 20. havia muitos grupos diferentes entre os artistas soviéticos: a Associação de Artistas da Rússia Revolucionária, a Sociedade de Artistas de Cavalete, a Sociedade de Artistas de Moscou, a Sociedade de Escultores Russos, etc.
Apesar do fato de a arte soviética então ter um caráter de transição, um estilo comum foi gradualmente desenvolvido nela. Na pintura, as tradições clássicas, e especialmente as tradições da escola realista russa, adquirem importância decisiva. Os artistas estão cada vez mais voltados para o presente. Juntamente com os mestres da geração mais velha, os jovens pintores também se apresentam. Desta vez, as obras de S. Malyutin, A. Arkhipov, G. Ryazhsky no gênero retrato, B. Ioganson no gênero cotidiano, M. Grekov, I. Brodsky, A. Gerasimov no gênero histórico e revolucionário, A .. Rylov, N. Krymov, B. Yakovlev - na paisagem, etc. P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Kuprin estão experimentando o florescimento de seu talento; o trabalho estilístico de K. Petrov-Vodkin foi recentemente preenchido com conteúdo real e vital; uma nova abordagem dos problemas da expressividade figurativa se reflete nas obras de M. Saryan, S. Gerasimov e outros.As tendências inovadoras da pintura soviética foram especialmente pronunciadas na pintura “Defesa de Petrogrado” de A. Deineka (1928).
A caricatura política (B. Efimov, L. Brodaty e outros) ocupava um lugar de destaque nos gráficos. Ao mesmo tempo, a importância da ilustração de livros, especialmente xilogravuras de livros, está crescendo (A. Kravchenko, P. Pavlinov e outros). Seu maior mestre, V. Favorsky, lançou as bases para todo um movimento criativo. O desenvolvimento de desenhos de cavalete feitos a carvão, lápis, litografia ou aquarela preta também teve sucesso (N. Kupreyanov, N. Ulyanov, G. Vereisky, M. Rodionov).
escultura dos anos 20 continuou a seguir as idéias do plano de "propaganda monumental" de Lenin. O alcance de suas tarefas se expandiu visivelmente, a escultura de retratos alcançou grande sucesso (A. Golubkina, V. Domogatsky, S. Lebedeva).
No entanto, os principais esforços dos escultores ainda estão direcionados para a criação de monumentos. Ao contrário dos primeiros monumentos de gesso, que eram de natureza temporária, novos monumentos estão sendo construídos em bronze e granito. Isso inclui monumentos a V. I. Lenin na Estação Finlândia em Leningrado (V. Schuko, V. Gelfreich, S. Yeseev), na barragem da usina hidrelétrica Zemo-Avchal na Transcaucásia (I. Shadr) e em Petrozavodsk (M. Manizador).
Imagens de significado generalizado foram criadas por A. Matveev ("Revolução de Outubro"), I. Shadr ("O paralelepípedo é a arma do proletariado"), V. Mukhina ("Vento", "Mulher camponesa"), que já naquela época o tempo determinou a face da escultura soviética com seu trabalho.
Após o fim da guerra civil, surgiram condições favoráveis ao desenvolvimento da arquitetura. Sua tarefa principal e mais premente era a construção de moradias (complexos de edifícios residenciais na Rua Usacheva em Moscou, na Rua Traktornaya em Leningrado, etc.). Mas logo os arquitetos concentraram sua atenção nos problemas urbanos, na construção de conjuntos públicos e na construção industrial. A. Shchusev e I. Zholtovsky estão desenvolvendo o primeiro plano para a reconstrução de Moscou. Sob sua liderança, é realizado o planejamento e a construção da Exposição Agrícola de toda a Rússia de 1923. A. Shchusev cria o mausoléu de V. I. Lenin. Até o final dos anos 20. de acordo com os planos dos arquitetos soviéticos, foram construídos vários edifícios para diversos fins (casa Izvestia de G. Barkhin; Banco do Estado da URSS de I. Zholtovsky; Telégrafo Central de I. Rerberg), complexos industriais (central hidrelétrica Volkhovskaya por O. Muntz, N. Gundobin e V. Pokrovsky ; Usina hidrelétrica de Dnieper V. Vesnin), etc.
Um dos aspectos importantes da atividade criativa dos arquitetos soviéticos foi o desejo de desenvolver novas formas de arquitetura que correspondam a novas tarefas, materiais modernos e tecnologia de construção.
30s
Os sucessos da pintura soviética desses anos são especialmente representados por uma nova etapa na obra de M. Nesterov, em cujas obras (retratos do acadêmico I. Pavlov, os irmãos Korin, V. Mukhina, cirurgião S. Yudin) a profundidade e o alívio da imagem de personagens humanos é combinado com um amplo tema geral do trabalho criativo do povo soviético. Um alto nível de pintura de retratos é apoiado por P. Korin (retratos de A. Gorky, M. Nesterov), I. Grabar (retrato de seu filho, retrato de S. Chaplygin), P. Konchalovsky (retrato de V. Meyerhold, retrato de um estudante negro), N. Ulyanov e outros O tema da guerra civil foi incorporado na pintura de S. Gerasimov "O juramento dos guerrilheiros siberianos". Kukryniksy (M. Kupriyanov, P. Krylov, N. Sokolov) também escreveu "Velhos Mestres" e "Manhã de um oficial do exército czarista" com base em assuntos históricos. A. Deineka ("Mãe", "Future Pilots", etc.) torna-se um excelente mestre de pinturas sobre um tema moderno. Yu Pimenov ("Nova Moscou") e A. Plastov ("Rebanho de fazenda coletiva") dão um passo importante para o desenvolvimento do gênero cotidiano.
O desenvolvimento de gráficos neste período está associado principalmente à ilustração de livros. Mestres da geração mais velha - S. Gerasimov ("O Caso Artamonov" de M. Gorky), K. Rudakov (ilustrações para as obras de G. Maupassant) e jovens artistas - D. Shmarinov ("Crime e Castigo" F . Dostoiévski, "Pedro I" de A. Tolstói), E. Kibrik ("Cola Breugnon" de R. Rolland, "A Lenda de Ulenspiegel" de Charles de Coster), Kukryniksy ("A Vida de Klim Samgin" de M. Gorky e outros), A. Kanevsky (obras de Saltykov-Shchedrin). A ilustração do livro infantil soviético foi visivelmente desenvolvida (V. Lebedev, V. Konashevich, A. Pakhomov). Uma mudança fundamentalmente importante em relação ao período anterior foi que os mestres soviéticos da ilustração mudaram (embora um tanto unilateralmente) do design decorativo do livro para a divulgação do conteúdo ideológico e artístico das imagens literárias, para o desenvolvimento de personagens humanos e a dramaturgia da ação, expressa em uma sequência de outras imagens sucessivas.
Na ilustração de livros, juntamente com o desenho realista, a aquarela, a litografia, a gravura também mantém sua importância, representada pelas obras de mestres reconhecidos como V. Favorsky (“Vita Nuova” de Dante, “Hamlet” de Shakespeare), M. Pikov, A. Goncharov.
No campo dos gráficos de cavalete, o gênero retrato ganhou destaque naquela época (G. Vereisky, M. Rodionov, A. Fonvizin).
Um sério obstáculo ao desenvolvimento da arte soviética nesses anos é o artesanato, a tendência da falsa monumentalidade, o esplendor associado ao culto à personalidade de Stalin.
Na arte da arquitetura, as tarefas mais importantes foram resolvidas em conexão com os problemas de planejamento urbano e construção de edifícios residenciais, administrativos, teatrais e outros, bem como grandes instalações industriais (como, por exemplo, uma fábrica de automóveis em Moscou, uma fábrica de processamento de carne em Leningrado, uma fábrica de aquecimento em Gorky, etc.). Entre as obras arquitetônicas, a Casa do Conselho de Ministros em Moscou (A. Lengman), o Hotel Moscou (A. Shchusev, L. Savelyev, O. Stapran), o Teatro do Exército Soviético em Moscou (K. Alabyan, V. Simbirtsev) são especialmente característicos desses anos. ), o sanatório Ordzhonikidze em Kislovodsk (M. Ginzburg), a estação fluvial em Khimki (A. Rukhlyadyev), etc. às formas tradicionais da arquitetura de ordem clássica. O uso acrítico de tais formas, sua transferência mecânica para o presente, muitas vezes levou a esplendor externo desnecessário e excessos injustificados.
A arte da escultura adquire novas características importantes. O reforço das ligações entre a escultura e a arquitetura monumental e decorativa torna-se uma característica deste período. A obra escultórica - o grupo "Operária e Mulher da Fazenda Coletiva" - Mukhina surgiu com base no projeto arquitetônico do pavilhão da URSS na Exposição Internacional de 1937 em Paris. A síntese da escultura com a arquitetura também se manifestou no projeto do Metrô de Moscou, do Canal de Moscou, da Exposição Agrícola da União e do pavilhão da URSS na Exposição Internacional de Nova York.
Das obras de escultura monumental desses anos, os monumentos a Taras Shevchenko em Kharkov (M. Manizer) e Kirov em Leningrado (N. Tomsky) foram os de maior importância.
O retrato escultural foi desenvolvido (V. Mukhina, S. Lebedeva, G. Kepinov, Z. Vilensky e outros). Muitos escultores estão trabalhando com sucesso em uma generalização típica das imagens de seus contemporâneos (Metallurg de G. Motovilov, Young Worker de V. Sinaisky).
A cultura do período soviético e pós-soviético é uma bobina brilhante em grande escala da herança russa. Os acontecimentos de 1917 tornaram-se um ponto de referência no desenvolvimento de um novo modo de vida, na formação de um novo modo de pensar. O clima da sociedade no final do século XIX - início do século XX. resultou na Revolução de Outubro, um ponto de viragem na história do país. Agora ela estava esperando por um novo futuro com seus próprios ideais e objetivos. A arte, que de certa forma é um espelho da época, tornou-se também uma ferramenta para colocar em prática os princípios do novo regime. Ao contrário de outros tipos de criatividade artística, a pintura, que forma e molda o pensamento de uma pessoa, penetrou na consciência das pessoas da maneira mais precisa e direta. Por outro lado, a arte pictórica era a menos subordinada à função de propaganda e refletia as experiências do povo, seus sonhos e, acima de tudo, o espírito da época.
vanguarda russa
A nova arte não evitou completamente as velhas tradições. A pintura, nos primeiros anos pós-revolucionários, absorveu a influência dos futuristas e da vanguarda em geral. A vanguarda, com seu desprezo pelas tradições do passado, tão próxima das idéias destrutivas da revolução, encontrou adeptos nos jovens artistas. Paralelamente a essas tendências, desenvolveram-se tendências realistas nas artes plásticas, que ganharam vida com o realismo crítico do século XIX. Essa bipolaridade, amadurecida na época da mudança de época, tornava a vida do artista da época especialmente estressante. Os dois caminhos que surgiram na pintura pós-revolucionária, embora opostos, podemos observar a influência da vanguarda na obra dos artistas realistas. O próprio realismo naqueles anos era diverso. As obras desse estilo têm um aspecto simbólico, agitador e até romântico. Transmite com absoluta precisão de forma simbólica uma mudança grandiosa na vida do país, a obra de B.M. Kustodiev - "Bolchevique" e, cheio de tragédia patética e júbilo incontrolável, "Novo Planeta" de K.F. Yuon.
Pintura de P.N. Filonov, com seu método criativo especial - "realismo analítico" - é uma fusão de dois movimentos artísticos contrastantes, que podemos ver no exemplo de um ciclo com título de propaganda e significando "Entrando no auge do mundo".
P.N. Filonov envia do ciclo Entrando no auge do mundo. 1919 GTG
A natureza inquestionável dos valores humanos universais, inabaláveis mesmo em tempos tão difíceis, é expressa pela imagem da bela “Madona de Petrogrado” (nome oficial “1918 em Petrogrado”) de K.S. Petrov-Vodkin.
Uma atitude positiva em relação aos eventos revolucionários infecta o trabalho claro, ensolarado e arejado do pintor de paisagens A.A. Rylov. A paisagem “Pôr do Sol”, na qual o artista expressou a premonição do fogo da revolução, que se acenderá a partir da chama crescente do incêndio apocalíptico da era passada, é um dos símbolos inspiradores desta época.
A par das imagens simbólicas que organizam a elevação do espírito nacional e carregam consigo, como uma obsessão, surgiu também uma tendência na pintura realista, com ânsia de transferência concreta da realidade.
Até hoje, as obras desse período guardam uma centelha de rebeldia que pode se manifestar dentro de cada um de nós. Muitas obras não dotadas de tais qualidades ou contrárias a elas foram destruídas ou esquecidas, e jamais serão apresentadas aos nossos olhos.
A vanguarda deixa para sempre sua marca na pintura realista, mas começa um período de intenso desenvolvimento da direção do realismo.
O tempo das associações artísticas
A década de 1920 é a época de criar um novo mundo sobre as ruínas deixadas pela Guerra Civil. Para a arte, este é um período em que várias associações criativas lançaram suas atividades com força total. Seus princípios foram parcialmente moldados pelos primeiros agrupamentos artísticos. A Associação dos Artistas da Revolução (1922 - AHRR, 1928 - AHRR), cumpria pessoalmente as ordens do Estado. Sob o lema do "realismo heróico", os artistas que dele fizeram parte documentaram em suas obras a vida e a vida de uma pessoa - ideia da revolução, em vários gêneros de pintura. Os principais representantes do AHRR foram I.I. Brodsky, que absorveu as influências realistas de I.E. Repin, que trabalhou no gênero histórico-revolucionário e criou toda uma série de obras retratando V.I. Lênin, E. M. Cheptsov é um mestre do gênero cotidiano, M.B. Grekov, que pintou cenas de batalha de uma forma bastante impressionista. Todos esses mestres foram os fundadores dos gêneros em que realizaram a maior parte de suas obras. Entre eles, destaca-se a tela "Lenin in Smolny", na qual I.I. Brodsky da forma mais direta e sincera transmitiu a imagem do líder.
Na pintura "Reunião de uma célula membro" E.I. Cheptsov retrata de forma muito confiável, sem artificialidade, os acontecimentos que ocorreram na vida das pessoas.
Uma magnífica imagem alegre e barulhenta cheia de movimento tempestuoso e celebração da vitória é criada por M.B. Grekov na composição "Trompetes do Primeiro Exército de Cavalaria".
A ideia de uma nova pessoa, uma nova imagem de uma pessoa é expressa pelas tendências emergentes no gênero retrato, cujos mestres mais brilhantes foram S.V. Malyutin e G.G. Ryazhsky. No retrato do escritor-lutador Dmitry Furmanov, S.V. Malyutin mostra um homem do velho mundo que conseguiu se encaixar no novo mundo. Uma nova tendência está se manifestando, originada na obra de N.A. Kasatkina e desenvolvido ao máximo nas imagens femininas de G.G. Ryazhsky - "Delegado", "Presidente", em que o início pessoal é apagado e o tipo de pessoa criado pelo novo mundo é estabelecido.
Uma impressão absolutamente precisa é formada sobre o desenvolvimento do gênero paisagístico ao ver a obra do pintor paisagista avançado B.N. Yakovleva - "O transporte está melhorando."
B.N. O transporte Yakovlev está melhorando. 1923
Este gênero retrata um país renovador, a normalização de todas as esferas da vida. Durante esses anos, a paisagem industrial ganha destaque, cujas imagens se tornam símbolos da criação.
A Society of Easel Painters (1925) é a próxima associação de arte neste período. Aqui o artista procurou transmitir o espírito da modernidade, o tipo de pessoa nova, recorrendo a uma transmissão de imagens mais distante devido ao número mínimo de meios expressivos. Nas obras de "Ostovtsev" o tema do esporte é frequentemente demonstrado. Sua pintura é repleta de dinâmica e expressão, o que pode ser visto nas obras de A.A. Deineka "Defesa de Petrogrado", Yu.P. Pimenov "Futebol", etc.
Os membros de outra conhecida associação - as "Quatro Artes" - escolheram a expressividade da imagem, pela forma concisa e construtiva, bem como uma atitude especial para com a sua riqueza cromática, como base da sua criatividade artística. O representante mais memorável da associação é K.S. Petrov-Vodkin e uma de suas obras mais marcantes desse período - "Morte do Comissário", que, por meio de uma linguagem pictórica especial, revela uma imagem simbólica profunda, símbolo da luta por uma vida melhor.
Da composição das "Quatro Artes" P.V. Kuznetsov, obras dedicadas ao Oriente.
A última grande associação artística desse período é a Sociedade dos Artistas de Moscou (1928), que se diferencia das demais pela forma de modelagem enérgica dos volumes, atenção ao claro-escuro e expressividade plástica da forma. Quase todos os representantes eram membros do "Tambourine Volt" - adeptos do futurismo - o que afetou muito seu trabalho. As obras de P. P. Konchalovsky, que trabalhou em diferentes gêneros. Por exemplo, retratos de sua esposa O.V. Konchalovskaya transmite as especificidades não apenas da mão do autor, mas também da pintura de toda a associação.
Em 23 de abril de 1932, todas as associações artísticas foram dissolvidas pelo Decreto "Sobre a Reestruturação das Organizações Literárias e Artísticas" e foi criado o Sindicato dos Artistas da URSS. A criatividade caiu nos grilhões sinistros da ideologização rígida. A liberdade de expressão do artista, base do processo criativo, foi violada. Apesar de tal ruptura, os artistas antes reunidos em comunidades continuaram suas atividades, mas novas figuras ocuparam o protagonismo no meio pictórico.
B.V. Loganson foi influenciado por I.E. Repin e V. I. Surikov, suas telas mostram uma busca composicional e possibilidades interessantes no esquema de cores, mas as pinturas do autor são marcadas por uma atitude satírica excessiva, inadequada de maneira tão naturalista, que podemos observar no exemplo da pintura "No Velho Ural Fábrica".
A.A. Deineka não fica alheio à linha de arte "oficial". Ele ainda é fiel aos seus princípios artísticos. Agora ele continua a trabalhar em temas de gênero, além de pintar retratos e paisagens. A pintura "Future Pilots" mostra bem sua pintura nesse período: romântica, leve.
O artista cria um grande número de obras sobre o tema esportivo. Deste período, permaneceram suas aquarelas, escritas após 1935.
A pintura da década de 1930 representa um mundo fictício, a ilusão de uma vida brilhante e festiva. Era mais fácil para o artista permanecer sincero no gênero da paisagem. O gênero de natureza morta está se desenvolvendo.
O retrato também está sujeito a um desenvolvimento intensivo. PP Konchalovsky escreve uma série de figuras culturais ("V. Sofronitsky ao piano"). As obras de M. V. Nesterov, que absorveu a influência de V.A. Serov, mostre uma pessoa como criadora, cuja essência da vida é uma busca criativa. É assim que vemos os retratos do escultor I.D. Shadr e o cirurgião S.S. Yudin.
P.D. Korin continua a tradição retratista do artista anterior, mas seu estilo pictórico consiste em transmitir a rigidez da forma, uma silhueta mais nítida e expressiva e um colorido áspero. Em geral, o tema da intelectualidade criativa é de grande importância no retrato.
Um artista em guerra
Com o advento da Grande Guerra Patriótica, os artistas começam a participar ativamente das hostilidades. Pela unidade direta com os acontecimentos, surgiram nos primeiros anos obras cuja essência é a fixação do que está acontecendo, um “esboço pitoresco”. Freqüentemente, essas pinturas careciam de profundidade, mas sua transmissão expressava a atitude totalmente sincera do artista, o cúmulo do pathos moral. O gênero do retrato chega a uma relativa prosperidade. Os artistas, vendo e experimentando a influência destrutiva da guerra, admiram seus heróis - pessoas do povo, persistentes e nobres de espírito, que mostraram as mais altas qualidades humanísticas. Tais tendências resultaram em retratos cerimoniais: “Retrato do Marechal G.K. Zhukov" por P.D. Korina, rostos alegres de P.P. Konchalovsky. De grande importância são os retratos da intelligentsia M.S. Saryan, criado durante os anos de guerra - esta é a imagem do acadêmico "I.A. Orbeli”, escritor “M.S. Shahinyan" e outros.
De 1940 a 1945, também se desenvolveu a paisagem e o gênero cotidiano, que A.A. Plastov. "O fascista voou" transmite a tragédia da vida desse período.
O psicologismo da paisagem aqui enche ainda mais a obra de tristeza e silêncio da alma humana, só o uivo de um amigo devoto corta o vento da confusão. No final, o significado da paisagem é repensado e passa a incorporar a dura imagem dos tempos de guerra.
As pinturas narrativas se destacam separadamente, por exemplo, "A Mãe do guerrilheiro" de S.V. Gerasimov, que se caracteriza pela recusa em glorificar a imagem.
A pintura histórica oportuna cria imagens de heróis nacionais do passado. Uma dessas imagens inabaláveis e inspiradoras é "Alexander Nevsky" de P.D. Korin, personificando o espírito orgulhoso invencível do povo. Nesse gênero, ao final da guerra, desenha-se uma tendência de dramaturgia simulada.
O tema da guerra na pintura
Na pintura do pós-guerra, ser. 1940 - con. Na década de 1950, o destaque da pintura era ocupado pelo tema da guerra, como prova moral e física, da qual saiu vitorioso o povo soviético. Gêneros histórico-revolucionários e históricos estão se desenvolvendo. O tema principal do gênero cotidiano é o trabalho pacífico, sonhado por muitos anos de guerra. As telas desse gênero são permeadas de alegria e felicidade. A linguagem artística do gênero cotidiano torna-se narrativa e gravita em torno da semelhança com a vida. Nos últimos anos deste período, a paisagem também sofre alterações. A vida da região é revivida nela, a conexão entre o homem e a natureza é novamente fortalecida, surge uma atmosfera de tranquilidade. O amor pela natureza também é cantado na natureza morta. Um desenvolvimento interessante é o retrato na obra de vários artistas, que se caracteriza pela transferência do indivíduo. Uma das obras marcantes deste período foram: "Carta da frente" de A.I. Laktionov, uma obra semelhante a uma janela para um mundo radiante;
a composição "Descanso após a batalha", na qual Yu.M. Neprintsev alcança a mesma vitalidade da imagem que A.I. Laktionov;
obra de A. A. Mylnikova "On Peaceful Fields", regozijando-se alegremente com o fim da guerra e a reunificação do homem e do trabalho;
imagem original da paisagem de G.G. Nissky - "Sobre as neves", etc.
Estilo severo para substituir o realismo socialista
Arte 1960-1980 é uma nova etapa. Um novo "estilo severo" está sendo desenvolvido, cuja tarefa era recriar a realidade sem tudo o que priva a obra de profundidade e expressividade e prejudica as manifestações criativas. Ele foi caracterizado pela concisão e generalização da imagem artística. Os artistas desse estilo glorificaram o início heróico dos duros dias de trabalho, que foi criado por uma estrutura emocional especial da imagem. "Estilo severo" foi um passo definitivo para a democratização da sociedade. O retrato tornou-se o principal gênero para o qual os adeptos do estilo trabalharam, um retrato de grupo, um gênero cotidiano, um gênero histórico e histórico-revolucionário também está se desenvolvendo. V.E. Popkov, que pintou muitos auto-retratos-pinturas, V.I. Ivanov é um defensor de um retrato de grupo, G.M. Korzhev, que criou telas históricas. A revelação da essência do "estilo severo" pode ser vista na pintura "Geólogos" de P.F. Nikonov, "exploradores polares" A.A. e P.A. Smolins, "Capa do Pai" de V.E. Popkov. No gênero da paisagem, há um interesse pela natureza do norte.
Simbolismo da era da estagnação
Nos anos 1970-1980. uma nova geração de artistas está se formando, cuja arte influenciou até certo ponto a arte de hoje. Eles são caracterizados por linguagem simbólica, entretenimento teatral. Sua pintura é bastante artística e virtuosa. Os principais representantes desta geração são T.G. Nazarenko ("Pugachev"),
cujo tema favorito era um feriado e um baile de máscaras, A.G. Sitnikov, que usa metáfora e parábola como forma de linguagem plástica, N.I. Nesterova, criadora de pinturas ambíguas ("A Última Ceia"), I.L. Lubennikov, N.N. Smirnov.
A última Ceia. N.I. Nesterov. 1989
Assim, este tempo aparece em sua variedade de estilos e diversidade como o elo final e formativo das artes plásticas de hoje.
A nossa época descobriu uma enorme riqueza do património pitoresco das gerações anteriores. Um artista moderno não é limitado por quase nenhum quadro definidor e, às vezes, hostil ao desenvolvimento das artes plásticas. Alguns dos artistas de hoje estão tentando aderir aos princípios da escola realista soviética, alguém se encontra em outros estilos e tendências. As tendências da arte conceitual, percebidas de forma ambígua pela sociedade, são muito populares. A amplitude de meios e ideais artísticos e expressivos que o passado nos proporcionou deve ser repensada e servir de base a novos caminhos criativos e à criação de uma nova imagem.
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Este período (devido a mudanças históricas óbvias) é caracterizado por uma mudança na principal linha principal da arte oficial em comparação com o estágio anterior no desenvolvimento da arte russa. O conteúdo ideológico começa a vir à tona.
A arte pertence ao povo. Deve ter suas raízes mais profundas nas profundezas das massas trabalhadoras, deve ser compreendida por essas massas e amada por elas. Deve expressar os sentimentos, pensamentos e vontade dessas massas, elevá-los. Deve despertar os artistas neles e desenvolvê-los.
As principais "tarefas" da arte soviética: "servir ao povo, defender a causa comum da luta pelo socialismo e comunismo, trazer a verdade ao povo, dar origem à criatividade neles".
Além disso, nacionalidade e multinacionalidade eram conceitos importantes.
Periodização 1917-1990:
1 1917-1922 - arte do período da revolução e da guerra civil
2 1922-1932 - A teoria de Marx deixa de funcionar, a teoria de Nep
3 1932-1941 - arte dos anos 30, princípios partidários, realismo socialista
4 1941-1945 - a arte da Segunda Guerra Mundial, toda a arte para a frente, para a vitória, gráficos, um pôster político soviético, na pintura de um quadro histórico de uma paisagem vêm à tona.
5 1945-1960-arte dos anos pós-guerra
6 1960-1980 - a era da estagnação de Brezhnev
A história da arte soviética dividiu os mestres da pintura soviética desse período em dois grupos:
Artistas que buscaram capturar as tramas na linguagem pictórica usual da exibição factual
Artistas que usaram uma percepção figurativa mais complexa da modernidade. Eles criaram imagens simbólicas nas quais tentaram expressar sua percepção "poética e inspirada" da época em seu novo estado.
2 Pintura do período de revolução e guerra civil 1917-1922. Arte do período da Revolução e da Guerra Civil Já nos primeiros meses após a chegada ao poder, o governo soviético adotou uma série de resoluções importantes para o desenvolvimento da cultura:
Em novembro de 1917, o Collegium for Museum Affairs and the Protection of Monuments of Art and Antiguity foi criado pelo Comissariado do Povo para a Educação.
"Sobre o registro, registro e armazenamento de monumentos de arte e antiguidade" (5 de outubro de 1918) sobre o registro geral de obras e monumentos de arte e antiguidade. Essa contabilidade foi realizada pelo departamento de museus do Comissariado do Povo para a Educação.
"Sobre o reconhecimento de obras científicas, literárias, musicais e artísticas como propriedade do Estado" (26 de novembro de 1918)
A questão dos museus tornou-se um aspecto importante da política governamental no campo da arte. Nos primeiros anos, o governo soviético nacionalizou museus de arte, coleções particulares e coleções. Para o estudo e sistematização dos valores artísticos, o Estado fundo museológico, onde se concentravam os valores museológicos. Após contabilização, sistematização e estudo, iniciou-se a fase de aquisição dos museus - os valores foram distribuídos de forma aproximadamente igualitária entre os diversos museus do país. Paralelamente, começou a construção do museu em grande escala. Pintura Nos primeiros anos da revolução, as formas tradicionais de cavalete continuaram a se desenvolver. Muitos dos artistas soviéticos mais antigos dos primeiros anos do poder soviético foram formados, é claro, nos anos pré-revolucionários e, é claro, “o contato com a nova vida foi associado a dificuldades consideráveis para eles, associadas ao quebra das individualidades criativas já estabelecidas pelo período da revolução”. história da arte soviética dividida mestres da pintura soviética deste período em dois grupos:
Artistas que buscaram capturar as tramas na linguagem pictórica usual da exibição factual
Artistas que usaram uma percepção figurativa mais complexa da modernidade. Eles criaram imagens simbólicas nas quais tentaram expressar sua percepção "poética e inspirada" da época em seu novo estado.
As formas de arte capazes de "viver" nas ruas nos primeiros anos após a revolução desempenharam um papel crucial na "formação da consciência social e estética do povo revolucionário". Portanto, junto com a escultura monumental, o cartaz político recebeu o desenvolvimento mais ativo. Acabou sendo a forma de arte mais móvel e operacional.
Durante a Guerra Civil, esse gênero foi caracterizado pelas seguintes qualidades:
"Nitidez de fornecimento de material,
Reação instantânea a eventos que mudam rapidamente,
Orientação agitacional, graças à qual se formaram as principais características da linguagem plástica do cartaz.
Eles acabaram sendo laconismo, convencionalidade da imagem, clareza de silhueta e gesto. Os cartazes eram extremamente comuns, impressos em grande número e afixados em todos os lugares.
Antes da revolução, não havia cartaz político (como um tipo de gráfico formado) - havia apenas cartazes publicitários ou teatrais. O pôster político soviético herdou as tradições dos gráficos russos, em primeiro lugar - a sátira da revista política. Muitos dos mestres do pôster se desenvolveram precisamente em revistas. Decoração festiva das cidades
A decoração artística das festividades é outro fenômeno novo da arte soviética que não tinha tradição. Os feriados incluíam os aniversários da Revolução de Outubro, 1º de maio, 8 de março e outros feriados soviéticos.
Isso criou uma nova forma de arte não tradicional que deu à pintura um novo espaço e função.
Para as férias, foram criados painéis monumentais, caracterizados por um enorme pathos de propaganda monumental. Os artistas criaram esboços para o desenho de praças e ruas. O primeiro pós-revolucionário o quinquênio (1917-1922) foi marcado pela diversidade e fragilidade das plataformas artísticas, atividade de artistas de esquerda que viam nas novas condições a possibilidade de concretizar as mais ousadas ideias inovadoras.
A maioria dos artistas pré-revolucionários começou a colaborar com as autoridades soviéticas, entre as quais os Wanderers e os impressionistas russos (Rylov, Yuon), e o mundo da arte (Lancere, Dobuzhinsky) e os Blue Bearers (Kuznetsov, Saryan ) e o Valete de Ouros (Konchalovsky, Mashkov, Lentulov).
A princípio, os abstracionistas V. Kandinsky e K. Malevich ocuparam um lugar de destaque no Departamento de Belas Artes do Comissariado do Povo para a Educação. As ideias da revolução deram origem a novas direções. Entre eles, a nova vanguarda revolucionária russa "Unovis" ("Afirmativa da Nova Arte", 1919-1920. Malevich, Chagall, Lissitzky) declarou uma luta pela arte "pura" e começou a desenvolver formas de propaganda. "KNIFE" (Nova Sociedade de Pintores) estava perto dos valetes de ouros.
Proletkult aceitou uma tentativa de criar uma organização de uma nova cultura proletária “nas ruínas do passado”, abandonando a herança clássica, mas não durou muito, sem apoio de artistas e espectadores.
Os artistas das associações "Quatro Artes" (Kravchenko, Tyrsa, Petrov-Vodkin) e "Makovets" (Chekrygin, Padre Pavel Florensky) se opuseram ao vanguardismo pela profundidade filosófica da arte e pelo monumentalismo tradicional das formas.
O romantismo dos primeiros anos pós-revolucionários foi transmitido de forma simbólica e alegórica por P. Filonov na série de pinturas “Entering the World Heyday” (1919); K. Yuon "Novo Planeta", B. Kustodiev "Bolchevique". Já no início do século 20, K. Petrov-Vodkin (1878-1939) expressou uma premonição de mudanças iminentes na Rússia na pintura Banhando um Cavalo Vermelho (1912, Galeria Estadual Tretyakov). Ele transmitiu a ameaça à vida pacífica das pessoas comuns durante os anos da guerra civil no filme “1919. Ansiedade "(1934, Museu Russo).
O tipo de um novo herói - um trabalhador, um atleta e um ativista social, é criado no gênero retrato por A.N. Samokhvalov "Garota de camiseta". durante os anos da guerra civil, a arte da propaganda de massa ganhou destaque: a decoração de feriados e comícios, a pintura de trens de propaganda, etc. (B. Kustodiev, K. Petrov-Vodkin, N. Altman); cartaz político (A. Apsit “Peito em defesa de Petrogrado”, D. Moor “Você se inscreveu como voluntário?”, “Ajuda!”. Windows of CRESCIMENTO (1919-1921, Mayakovsky e Cheremnykh).
Em 1922, foi criada a AHRR (Associação de Artistas da Rússia Revolucionária), que existiu até 1932. Seus organizadores foram A. Arkhipov, N. Dormidontov, S. Malyutin e outros andarilhos tardios. A propaganda de seu "novo curso" atraiu artistas de diferentes visões sobre arte - ex-valetes de ouro, artistas da Sociedade "FACA", "4 Artes", etc.
Não apenas em Leningrado, mas também em Moscou - os dois centros artísticos mais ativos do país - há cada vez mais apelos para opor o pôster soviético ao ocidental, cada vez mais o conhecimento de artistas russos com as obras de seus Colegas alemães, as conquistas dos gráficos franceses ou americanos são vistas como uma influência prejudicial. Mesmo um mestre como Lissitzky, cujo trabalho na década de 1920. esteve intimamente ligada ao processo artístico mundial, mais uma vez enfatizado no prefácio do catálogo Exposição de impressão de toda a União de 1927 que foi a Revolução de Outubro de 1917 que contribuiu para a criação de uma nova gráfica industrial. Observando que na Alemanha o pôster "foi usado politicamente", Lissitzky, no entanto, insistiu que "somente em nosso país ele assumiu uma forma social e artística clara". .
As teses de Lissitzky sobre a essência inovadora e a atividade social da fotomontagem russa foram vividamente ilustradas na exposição de 1927 por pôsteres Klutsis E Senkina. Em seu trabalho, a fotomontagem, que foi tema de intenso debate ao longo da década de 1920, encontrou uma vida especial. Eles souberam dar versatilidade ao enredo e uma polifonia visual especial às folhas dedicadas aos apelos do partido e aos planos industriais. Agudamente, comparando ativamente fragmentos de fotografia documental natural com elementos gráficos condicionais, esses mestres aumentaram a escala da forma do pôster, dando-lhe uma monumentalidade aumentada e até uma certa qualidade épica.
Klutsis foi membro fundador Associação "Outubro", cuja declaração, publicada em junho de 1928, afirmava que todo tipo de arte - tanto tradicional - pintura, gráfica, quanto "industrial" - cartaz, fotografia ou cinema - deveria antes de tudo "servir o povo trabalhador" no campo da "propaganda ideológica ", bem como na esfera da "produção e organização direta da vida cotidiana". E quase todas as folhas Klutsis, em que molduras de fotos são combinadas com composições de tipo ("Da NEP, a Rússia será a Rússia socialista" (nº 14)) ou em que contrastes de cores são usados \u200b\u200bcom vivacidade ("membros do Komsomol, semeando para chocar!" (nº 15)) são dedicados especificamente à propaganda ideológica. Distinguidos por seu poder visual e dinamismo especial, muitas vezes criado por acentos visuais inesperados (“O desenvolvimento dos transportes é uma das tarefas mais importantes para a implementação do plano quinquenal” (nº 16)), os cartazes de Klutsis ou seu seguidor Senkin foram vistos por muitos como aquelas mesmas “pinturas proletárias”, sobre as quais foram escritas por teóricos construtivistas. É interessante que o nascimento de algumas folhas foi precedido - como acontece com os artistas de cavalete - pelo "período de estudo", o tempo de acúmulo de material natural. Fizeram viagens às regiões industriais do país, e no Donbass, por exemplo, fotografaram os expressivos tipos de mineiros, que mais tarde se tornaram as imagens centrais das composições de cartazes ("Vamos devolver a dívida do carvão ao país" (nº. 13)).
Essas teses Klutsis também defendeu na discussão no Instituto de Literatura, Arte e Língua da Academia Comunista, que se desenrolou graças à decisão do Comitê Central do Partido Comunista da União dos Bolcheviques adotada em março de 1931 "Sobre a Literatura de Cartazes". Declarava "uma atitude inaceitavelmente feia em relação ao negócio de pôsteres e imagens por parte de vários editores ... que se refletiu no lançamento de uma porcentagem significativa de pôsteres anti-soviéticos".
A gestão da "produção de pôsteres" a esse respeito foi transferida Departamento de Agitação e Campanhas de Massa do Comitê Central, foi introduzido um sistema de revisão ideológica estrita, envolvendo não apenas a censura oficial, mas também os alunos do Instituto de Professores Vermelhos. Também foi proposto organizar "discussões preliminares" nas empresas, onde os trabalhadores comuns deveriam desenvolver tópicos, bem como ver esboços e terminar a "produção de fotos e pôsteres".
Assim, o cartaz foi um dos primeiros a ser submetido a estrita regulamentação pelas autoridades partidárias, as disputas artísticas terminavam em total controle ideológico.
Em 1932 foi publicado um livro "Pelo cartaz bolchevique", no prefácio do qual foi enfatizado: "As instruções do camarada Stalin exigem que a frente das artes proletárias dê a mais severa rejeição a todos os desvios do leninismo." Eis a principal indicação: “O primeiro e principal requisito que devemos apresentar ao cartaz é a riqueza política, ideológica; deve conter conteúdos que venham da nossa realidade em sua interpretação materialista dialética”.
O estilo do lubok teve grande influência sobre como eram os primeiros cartazes políticos russos, que apareceram apenas durante a Primeira Guerra Mundial (1914-1918) e os eventos revolucionários de 1917. Vera Panfilova, chefe do Departamento de Belas Artes do Museu Central de História Contemporânea da Rússia, disse à BBC sobre os cartazes de 1917.
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Depois de fevereiro de 1917, representantes de quase todos os movimentos políticos, com exceção dos bolcheviques e mencheviques-internacionalistas, declararam a necessidade de continuar a guerra até a vitória e lealdade às obrigações aliadas da Rússia. Para continuar esta guerra, o governo precisava das contribuições monetárias da população. Em 1916, surgiu o chamado empréstimo do Estado de 5,5%. Depois de fevereiro de 1917, tornou-se o Liberty Loan. O soldado Kustodievsky tornou-se um símbolo: contra o fundo de bandeiras vermelhas, ele pede dinheiro para continuar a guerra. No futuro, o soldado estará em quase todos os cartazes de 1917 - de fevereiro a outubro. Material de Alexandra Semenova, BBC Russian Service.
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Outro estilo. Cartaz do evento. É como uma imagem de TV. O pôster mostra a Praça Voskresenskaya e o prédio da Duma da cidade de Moscou (mais tarde o Museu Lenin e agora o Museu Histórico). Aqui tudo estava em pleno andamento em março de 1917. Esta é uma foto do evento. Registre um evento, um impulso. Porque a revolução era esperada e recebida com entusiasmo. A população percebeu a revolução como o início de uma nova era na história do país. As massas mais amplas apoiaram fevereiro. E tudo isso aconteceu no contexto da guerra em curso. E daí a demanda e desenvolvimento de gráficos.
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Não é exatamente um pôster. Este é um panfleto ilustrado. Por que é que? Porque na Rússia o poder é personificado. O poder vai para os líderes, para os líderes. Com base na personificação e na necessidade de popularizar os líderes da nova Rússia, esses folhetos ilustrados foram publicados. Membros do Governo Provisório estão aqui, chefiados pelo presidente da Duma, Mikhail Rodzianko. Na fileira de baixo, terceiro a partir da esquerda, Alexander Kerensky, o primeiro socialista no governo. Kerensky e impresso em folhas separadas, foi um dos mais populares. O movimento de esquerda promoveu ativamente o seu. Sua avaliação foi muito alta. Aqui no cartaz, no folheto - o Palácio Tauride, bandeiras, slogans. Atrás estão os berradores. Com uma bandeira de montanha. Carro revolucionário. Muitos homens armados. Esquerda. E os slogans da esquerda. E os slogans dos socialistas-revolucionários "Terra e liberdade" e "Na luta você encontrará o seu direito". Até agora, não há bolcheviques aqui.
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Este é um cartaz da editora Parus, uma editora de esquerda. Já era conhecido antes mesmo da revolução. Nas origens desta editora estava Maxim Gorky. A editora publicou não apenas revistas, mas também livros, incluindo as obras de Lenin. Para cartazes de esquerda, poetas e artistas famosos como Vladimir Mayakovsky e Alexei Radakov foram atraídos. Neste cartaz, há uma tradição de desenho popular multicomposto e, ao mesmo tempo, uma espécie de precursor dos quadrinhos. Esta é uma história em uma imagem. Primeiro - quem o soldado protegeu antes? Estes são burgueses. E o soldado é forçado a defender o sistema podre até o fim.
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Em março de 1917, Nikolai abdicou do trono e, ao mesmo tempo, foi criado o Governo Provisório. E neste pôster - "Memorando da vitória do povo". As mesmas forças revolucionárias estão aqui: um soldado armado, um trabalhador armado. Manto de arminho removido. Nicolau ajoelhado entrega a coroa. Cetro e esfera pisoteados. E ao fundo está o Palácio Tauride, onde se reuniam os deputados da Duma Estatal. E acima dela o sol nasce como símbolo de liberdade. Este símbolo será então repetido em cartazes. A revolução neste curto período (até outubro) foi apresentada como algo brilhante, gentil, ensolarado, mas depois de outubro, com a eclosão da Guerra Civil, a revolução deixou de ser uma jovem de roupas brancas.
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Um pôster de Alexei Radakov, colega de Mayakovsky na editora Parus. Esta é a chamada pirâmide social. Os enredos da pirâmide social têm sido surpreendentemente populares desde o início do século XX. A primeira pirâmide social do artista Lokhov foi publicada em Genebra em 1891. E então redesenhos e com base em motivos - muitas opções foram criadas. Aqui, também, um apelo às tradições da imprensa popular com um significado claro para as grandes massas. De cima, tudo é coberto com um manto de arminho. Você se lembra do que Nicolau II escreveu sobre sua profissão durante o censo de toda a Rússia em 1897? Ele escreveu: "O dono da terra russa". As tramas satíricas mais populares antes do verão de 1917 eram anticlericais e antimonarquistas, voltadas especificamente para o imperador Nicolau II e sua esposa, a imperatriz Alexandra Feodorovna.
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No outono de 1917, a primeira campanha eleitoral geral da história começou na Rússia. E ela era feroz e intransigente. Várias dezenas de partidos e associações, tanto políticas como nacionais, participaram nas eleições. Entre os que participaram nas eleições, o Partido Socialista-Revolucionário foi o mais numeroso.
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"A anarquia será derrotada pela democracia." Esta é uma festa de cadetes. Um detalhe essencial do pôster é uma combinação de animalismo e imagens mitológicas - um pangolim (anarquia) e um cavaleiro em um cavalo branco (democracia). O congestionamento de texto reduziu a eficácia do impacto no telespectador, o que posteriormente influenciou em certa medida os resultados das eleições.
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Compare o cartaz anterior com este. Socialistas-Revolucionários. Conduziu adequadamente a campanha eleitoral. A vitória dos socialistas-revolucionários foi predeterminada por uma agitação tão bem organizada. Está tudo certo no cartaz. Dirigido aos trabalhadores e camponeses. Slogans claros e precisos - "Terra e liberdade". "Vamos quebrar as correntes e todo o globo estará livre." Dois riachos, operários e camponeses, segundo o plano do autor, se unindo, chegarão definitivamente ao posto de votação.
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Quanto aos bolcheviques, o RSDLP, eles não consideraram necessário prestar atenção à propaganda artística - ou seja, o cartaz. Mas eles sabiam tirar conclusões dos erros. E quando a Guerra Civil estourou, todas as forças dos "vermelhos" foram lançadas na propaganda de arte política. O mesmo Radakov, Mayakovsky e outros participaram da criação das famosas "Janelas do CRESCIMENTO", que se tornaram a "marca" soviética e um clássico da arte do pôster mundial. E o Branco perdeu em termos de agitação visual - como antes, muitos detalhes desnecessários e muito texto. Ninguém lerá um programa Denikin bem escrito, com várias colunas, em um pôster.
