As fotos mais misteriosas do mundo. Pinturas místicas "Desconhecidas"

2005) tratava-se de obras em que, além da trama principal, há mais uma - oculta. Ela se manifesta quando você se aproxima da imagem, se afasta dela ou olha de um determinado ângulo. Agora você aprenderá sobre as pinturas mais verdadeiras, que ainda são chamadas de "truques", sobre silhuetas fantasmagóricas, "visualizadores duplos", "visualizadores triplos" e também sobre um tipo raro de ícones.

G. Teplov. A natureza morta é um truque. 1737. State Hermitage, São Petersburgo.

P. Drozhdin. "Retrato do artista A. P. Antropov com seu filho na frente de um retrato de sua esposa." 1776. Museu Russo, São Petersburgo.

R. Magritte. "O Destino do Homem". 1933 Galeria Nacional de Arte, Washington.

Artista desconhecido. "Lírios da França" (seis silhuetas da família Bourbon). 1815.

O. Kanyu. "Violets corporais (silhuetas de Bonaparte, sua esposa e filho)". 1815. O título da imagem lembra que Napoleão começou seu serviço militar com o posto de cabo.

S. Del Prete. "O segredo entre as folhas de outono" 1991 Galeria em Berna, Suíça.

V. Bregeda. "Profecia". 1994

N. Zamyatina. "Sonhos da Grécia". 2004

Palavras - "olhos duplos": tubarões - bandidos, murmúrios - não hum, paz - Universidade Estadual de Moscou, durável - preciso. Os autores são Olga e Sergey Fedin.

Cartão postal. "Minha esposa e minha sogra." Início do século XX. Rússia.

I. Botvinik. "Meu marido e meu sogro." Primeira metade do século XX. EUA.

G. Fisher. "Mãe, pai e filha." 1968 EUA.

S. Orlov. "Rosa para dois". 2004 Moscou.

S. Dalí. "Busto desaparecido de Voltaire". 1940 Museu Dali, São Petersburgo, EUA.

Duas pinturas de Salvador Dali: à esquerda - "A cabeça de uma mulher em forma de batalha". 1936; à direita - "Espanha". 1938

V. Koval. "Kovalland (auto-retrato do artista)". 1994

O ícone da Trindade "A Ordem Deesis". Século XIX. Rússia.

Ciência e vida // Ilustrações

Ícone com rostos de Jesus e Maria Madalena. Primeira metade do século XVII. Melheim, Alemanha.

Retrato de Alexandre III com sua esposa e filho. Final do século XIX. Museu da Igreja na Igreja de São Mitrofan de Voronezh, Moscou.

Gabriel von Max. "Lenço de Santa Verônica". 1870. Alemanha.

"Salvador não feito por mãos". Fotografia dos anos 1970 de uma pintura de um artista desconhecido, a Rússia.

ENGANO VERDADEIRO

Dois artistas discutiram - Zeuxis e Parrhasius: qual deles é melhor. Zeuxis desenhou um cacho de uvas e colocou a imagem perto da janela aberta. Os pássaros voando viram as uvas, sentaram-se e tentaram bicar as bagas pintadas. Foi a vez de Parrásio. "Bem, onde é o seu trabalho?" - "Ali, atrás da cortina." Zeuxis foi até a cortina e tentou puxá-la. E ela foi pintada. A lenda nasceu na Grécia antiga, cerca de 500 anos antes de nossa era.

É mais verdade do que pode parecer à primeira vista. O fato é que muitos pássaros não têm visão estereoscópica, pois seus olhos estão localizados em ambos os lados da cabeça. O que um olho vê, o outro não vê. Devido à falta de um campo de visão comum, o cérebro não consegue formar uma imagem tridimensional. E caçadores experientes sabem que um modelo primitivo e sem pintura de um pato atrai um pato voador não pior do que um pássaro chamariz vivo.

O que é importante para nós na lenda grega é que o quadro não enganou os pássaros, mas o olho do mestre pintor. O artista russo do século 19 Fyodor Tolstoy tem pinturas que ecoam o enredo de uma antiga lenda grega. Em um deles - uma natureza morta, "coberta" com uma folha de papel vegetal. Um de seus cantos está dobrado. E essa parte da natureza morta parece tão autêntica que você involuntariamente sente o desejo de mover o papel vegetal para baixo para ver a imagem inteira. Pinturas desse tipo são chamadas de "enganos", embora estejamos falando talvez do mais verdadeiro de todos os gêneros de pintura.

O surgimento desse tipo de pintura só foi possível após a invenção da perspectiva, claro-escuro e ... tintas a óleo. As receitas para a sua preparação encontram-se nos livros do século XIII. Mas apenas no início do século XV, o artista holandês Jan van Eyck (1390-1441) aprimorou tanto a tecnologia de preparação de tintas que costuma ser chamado de inventor da técnica de pintura a óleo. Ele foi o primeiro a aplicá-lo de uma maneira nova, aplicando finas camadas transparentes de tinta umas sobre as outras, obtendo profundidade e riqueza de cores excepcionais, além de sutileza de luz e sombra e transições de cores. Depois de Jan van Eyck, os artistas conseguiram alcançar essa imagem, que era fácil de confundir com o original.

O fundador do gênero snag na Rússia é Grigory Teplov, artista, poeta, músico, filósofo, estadista do século XVIII. Uma de suas obras está na página anterior. É uma pena que as reproduções de iscas em revistas e livros não consigam transmitir a sensação que surge ao olhar para o original. A propósito, é por isso que truques raramente são vistos em livros de arte. Isso se deve em grande parte à diferença de tamanho da pintura e sua reprodução impressa, bem como ao fato de que o efeito desejado geralmente ocorre dependendo da distância entre a imagem e o observador.

Existe outro tipo de engano. No Museu Russo de São Petersburgo, por exemplo, há uma pintura de Pyotr Drozhdin, um artista do século XVIII. Nela, o autor retratou a família de seu professor, o artista Antropov. Olhando de perto, você percebe que o pai e o filho não estão ao lado da esposa e da mãe, mas com o retrato dela. A borda do cavalete, que a princípio parecia uma abertura de luz na parede, separa os que estão de pé da imagem.

O artista belga do século XX, Rene Magritte, também utilizou a técnica do "cavalete". Suas bordas são quase invisíveis e os desenhos se fundem imperceptivelmente no enredo principal da imagem, fundindo-se com ele. Em uma paisagem - a floresta, começando do lado de fora da janela, continua no cavalete pintado, por outro - o mar do cavalete deságua no mar "real".

Magritte é um mestre das pinturas paradoxais. Em uma tela, ele conectou objetos e fenômenos incompatíveis na vida; por exemplo, o céu diurno e uma casa imersa na escuridão da noite, ou uma pessoa que se olha no espelho à sua frente vê apenas a nuca nele. Ele também usou o princípio do paradoxo nos títulos de suas pinturas. Quando, como confessa o próprio artista, lhe faltou imaginação, juntou amigos e pediu ajuda para encontrar um nome. Uma paisagem com cavalete, por exemplo, é chamada de “O Destino do Homem”.

SILHUETAS FANTASMAS

Existe uma técnica especial para criar uma imagem oculta: quando os artistas usam os contornos dos objetos desenhados. Pela primeira vez, pinturas com "silhuetas ocultas" apareceram, aparentemente, na França medieval. Seus principais heróis eram, claro, os reis. O fato de o lírio ser um símbolo da dinastia Bourbon já é bem conhecido por nós, pelo menos pelos figurinos dos personagens principais dos filmes baseados no romance de Alexandre Dumas "Os Três Mosqueteiros". Duzentos anos atrás, desenhando buquês de lírios reais, os artistas transformaram as curvas dos caules, os contornos das folhas e das pétalas em rostos humanos. Quando você adivinha o segredo, o buquê se transforma em um retrato da família real. Depois que a dinastia Bourbon foi derrubada, os artistas começaram a pintar o imperador Napoleão com sua esposa e filho. Mas Josephine amava violetas, então elas substituíram os lírios.

Ao longo dos últimos séculos, os artistas, é claro, expandiram o assunto de tais obras. Um exemplo é uma pintura em que você vê pela primeira vez algumas folhas secas voando pelo ar. E na tela está um pedaço de papel com a inscrição em francês: “Um sonho levado pelo vento e pelo tempo”. Normalmente, os artistas não escrevem seu nome na frente da imagem. Aqui, no canto inferior esquerdo da tela, está escrito em alemão: "O segredo entre as folhas de outono". Este não é apenas o nome da pintura, mas também a chave que revela a intenção do artista - Sandro Del Prete. Seu nome é conhecido em todo o mundo hoje. E começou como amador (relato isso especialmente para os participantes do concurso de pinturas misteriosas). Na juventude, Del Prete estudou desenho por apenas seis meses, até os 44 anos não se considerava um artista profissional e trabalhava em uma seguradora em sua cidade natal, Berna, na Suíça, onde ainda mora.

Em uma pintura do artista de Taganrog, Viktor Bregeda, que também foi atraído por essa técnica, figuras ajoelhadas em oração contra o pano de fundo de uma paisagem montanhosa desértica. Esta é apenas uma parte do enredo que você vê de imediato, mas o título - "Profecia" - sugere que o conteúdo principal não é tão óbvio e ainda não foi revelado. Invisível no primeiro momento, a imagem contém aqueles diante dos quais os peregrinos se curvaram: Deus Pai, Deus Filho e o cavaleiro alado - um anjo que desceu do céu.

A pintura "Sonhos da Grécia" da moscovita Natalya Zamyatina parece uma natureza morta comum com um vaso de porcelana e frutas. O título não parece combinar muito bem com a imagem. Mas dê uma olhada mais de perto na cortina. O que as dobras do tecido e os contornos do vaso escondem (ou revelam)?

OLHOS DUPLOS

O termo que deu nome à seção do artigo foi inventado pelo escritor e autor de diversas publicações na revista "Ciência e Vida" Sergei Fedin. Ele chamou textos de olhos duplos que podem ser lidos de duas maneiras. Tomemos como exemplo a palavra "tubarões". As duas primeiras letras "ak" podem ser escritas como uma letra "zh". E "s" é fácil de retratar semelhante a "e". Vamos deixar as letras do meio inalteradas e obter uma palavra fácil de ler de duas maneiras: "tubarões" e "bandidos". Vários exemplos de tais inscrições são dados aqui.

A palavra "double-eyed" corresponde ao inglês "ambigram" - dual. Falamos aqui de duplos olhares verbais porque, a partir de seu exemplo, é mais fácil compreender a percepção de imagens duais na pintura.

O que estamos procurando, movendo nosso olhar pelas linhas da visão dupla? Alguma carta conhecida. A mesma coisa acontece nas fotos. O cérebro procura imagens familiares já na memória, o que é bem diferente do armazenamento de imagens fotográficas. A memória é uma espécie de "codificador" que captura as propriedades da imagem, como a presença de seções retas e curvas de linhas, os limites da mudança de brilho, cor e afins.

Olhando para os dois olhos mais de perto, encontramos as letras que não notamos inicialmente e adicionamos a segunda palavra delas. A mesma coisa acontece com a imagem oculta.

Até agora, ninguém inventou a palavra "três olhos", ou seja, a imagem de três palavras com significados diferentes em uma entrada. Se você for bem-sucedido, certifique-se de enviar seu trabalho para a competição de pintura misteriosa. Mas os trigêmeos pitorescos já foram criados e agora falaremos sobre eles.

PINTURA DE DUAS CARAS E TRÊS CARAS

Na edição anterior da revista, na matéria “Invisível-Visível” você conheceu a imagem de uma cabeça feminina, que parece jovem ou velha, dependendo da posição da foto. Agora vamos nos familiarizar com um retrato que não precisa ser virado. À pergunta: "Retrata uma jovem ou uma velha?" Pessoas diferentes dão respostas diferentes. Alguns dizem - uma menina, outros - uma velha. A imagem há muito se tornou um clássico. Mas para quem a vê pela primeira vez, cada vez tem que explicar como ver a segunda imagem: "O olho da senhora é a orelha da menina, e o nariz é o oval de um rosto jovem". Segundo os fisiologistas, o espectador, olhando para o retrato, presta mais atenção aos olhos e ao nariz. Portanto, a primeira impressão geralmente depende de qual parte da imagem seus olhos caíram no primeiro momento. Depois de um pouco de treinamento, você pode aprender a ordenar a si mesmo quem deseja ver.

Em termos de número de publicações em livros e revistas, a trama com uma jovem e uma velha está muito à frente de todas as outras imagens ilusórias. O autor às vezes é chamado de cartunista americano W. Hill, que publicou o trabalho em 1915 na revista "Pak" (traduzido para o russo "Puck" - um elfo, um espírito de conto de fadas). Às vezes, a imagem é atribuída ao psiquiatra E. Boring, que usou o retrato na década de 1930 como ilustração para seu trabalho. Na comunidade científica, "Two Ladies" ainda é chamada de "figura chata". De fato, nos primeiros anos do século 20, um cartão postal foi colocado em circulação na Rússia com a mesma foto e a inscrição: "Minha esposa e minha sogra". O postal alemão de 1880 serviu de protótipo (o autor é desconhecido).

A foto com duas senhoras é reproduzida regularmente em livros de psicologia. Mas ainda é amplamente desconhecido como a mente humana percebe imagens dualísticas. Os artistas apenas continuam a desenvolver uma técnica já conhecida. Na primeira metade do século 20, apareceu um retrato semelhante de um homem idoso e jovem. Então, em 1968, o artista G. Fischer fez um novo penteado para as duas mulheres e ganhou um terceiro personagem. Na verdade, ele adicionou apenas um elemento, e a imagem ficou conhecida como "Mãe, Pai e Filha". O cabelo da mulher ficou no perfil de um homem, graças ao qual havia três pessoas no retrato.

Em uma pintura moderna do artista moscovita Sergei Orlov (ver p. 132), existem não apenas dois rostos diferentes, mas também duas figuras femininas que pertencem tanto à menina quanto à velha. A velha está olhando para a flor que está segurando na mão. A jovem está sentada de costas para nós, alisando o cabelo e virando a cabeça para a esquerda.

As obras de Sergei Orlov, Victor Bregeda e outros artistas que trabalham dessa maneira podem ser vistas na Internet. Existe um projeto especial "Dualities" http://hiero.ru/project/Dubl do site "Hieroglyph", onde os autores expõem seus trabalhos para discussão.

Nem um único livro sobre pinturas ilusórias está completo sem uma história sobre a obra do espanhol Salvador Dali. 300 anos depois de Arcimboldo, ele reviveu a direção de pinturas ilusórias.

Na primeira foto, o espectador vê duas mulheres ricamente vestidas. O homem de turbante os conduz para a galeria. A artista transforma essa cena em uma segunda trama. O contorno de uma cabeça humana é formado a partir do arco da galeria - uma imagem de um retrato escultórico do filósofo francês Voltaire de Houdon.

O enredo com Voltaire é encontrado repetidamente nas obras de Dali. Por duas vezes ele também usou o enredo da pintura "A cabeça de uma mulher em forma de batalha" (canto superior esquerdo), onde as figuras de cavaleiros a galope e pessoas correndo por um campo amarelo se somam ao rosto de uma mulher. Mas então "A cabeça de uma mulher em forma de batalha" entrou como detalhe de outra tela: "Espanha". Esse fato mostra como é difícil encontrar uma solução nova e original para uma imagem de duas faces.

Se eu me tornasse o organizador de uma exposição das melhores pinturas dualistas, ao lado das obras de Dali colocaria pinturas do artista contemporâneo de Volgogrado, Vladislav Koval. E certamente - a "Madona de Stalingrado", na qual a imagem de uma mulher com um bebê nos braços é tecida com galhos de bétula. Na pintura "Decommissioning to Shore", as distantes falésias costeiras visíveis no horizonte transformam-se na figura solitária e caída de um marinheiro. Na pintura "Ícaro", seu herói é visto voando ou caindo. Na próxima tela, um soldado envolto em uma capa de chuva, congelando, se transforma em uma Madonna com uma criança. Na obra "Pirâmide", V. Koval pela primeira vez na história da arte combinou várias imagens duplas em uma obra de arte integral. E ele usou quase todas as técnicas de pintura que eu falei. Aqui e a construção de novas imagens a partir dos detalhes da paisagem, e pinturas, cujo conteúdo depende do ângulo de visão ou distância. Hoje Koval é um dos artistas russos mais famosos. Sua fama tem um começo curioso. Enquanto estudava em Moscou, ele enviou cartas para seus parentes em Volgogrado e não colou selos em envelopes, mas desenhou. Todas as cartas enviadas chegaram aos destinatários sem pagamento adicional. Quando o ministério da imprensa anunciou um concurso entre artistas, o estudante Vladislav Koval trouxe um pacote de envelopes para os organizadores. E ele se tornou o vencedor, o mais jovem entre os participantes.

ÍCONES INCOMUNS

Exemplos de pinturas misteriosas são encontrados até mesmo em uma forma de arte tão estrita e canônica como os ícones. O ícone "Jesus na masmorra" já foi levado ao Museu de Arte Russa Antiga em Moscou. Na frente dela, Jesus é representado com grilhões nos pés, e ao redor estão os instrumentos da Paixão, ou seja, a tortura. Cada um tem um nome ao lado. Com base nas peculiaridades de escrever palavras, os críticos de arte determinaram que o autor era um Velho Crente. A singularidade do ícone era que a imagem era atravessada por faixas verticais estreitas. Tem sido sugerido que estes são vestígios de uma treliça que uma vez cobriu a imagem de Cristo. No entanto, a pista para as listras escuras acabou sendo muito mais interessante e pertence ao chefe da oficina de pintura de ícones da Canon, historiador de arte e artista Alexander Renzhin.

Acontece que o ícone já continha não uma, mas três imagens. As listras nada mais são do que vestígios de placas verticais que foram fixadas na moldura (ambiente) do ícone. Eles aderiram intimamente à sua superfície e, portanto, deixaram vestígios. Em ambos os lados de cada placa foram desenhadas (costuma-se dizer - escritas) partes de mais dois ícones. De pé na frente do ícone, você pode ver uma imagem, movendo-se para a esquerda - outra, para a direita - a terceira. As placas do ícone foram perdidas, mas Rezhin conseguiu encontrar exatamente o mesmo ícone inteiro. Descobriu-se que partes das imagens da Mãe de Deus e de João Batista foram escritas em ambos os lados de 12 placas. Quando você olha para o ícone de lado, as partes da imagem são combinadas em um único todo.

Os depósitos do Museu de História das Religiões de São Petersburgo contêm ícones desse tipo, mas com um enredo diferente. Em um deles em primeiro plano está uma pomba, símbolo do Espírito Santo. Mas assim que você se mover para a direita, a imagem de Deus Pai aparecerá, à esquerda - a face de Deus Filho. É difícil para um espectador moderno, estragado por efeitos de luz, imaginar o poder da impressão dos ícones tripartidos nos crentes dos séculos passados, e mesmo no crepúsculo de uma igreja iluminada apenas por velas. Além disso, no século 20, uma técnica semelhante foi usada na publicidade e, portanto, perdeu seu caráter incomum.

Existem ícones cuja superfície não é plana, mas perfilada, com sulcos triangulares verticais. De um lado de cada sulco está escrita uma imagem, visível à esquerda, e do outro, visível à direita. Quando você olha de frente, vê uma "mistura" das duas imagens. Portanto, na igreja, um grande castiçal foi colocado na frente de tal ícone para que pudesse ser visto apenas dos dois lados.

Na igreja de St. Mitrofan de Voronezh em Moscou, na 2ª rua Khutorskaya, há um museu da igreja. Lá, entre outras exposições interessantes, você pode ver uma imagem tripartida. Este não é um ícone, mas um retrato da família real. Em frente ao retrato, você vê o imperador Alexandre III. Vá para a direita - a imagem da Imperatriz Maria Feodorovna aparece. Os espectadores, à esquerda, veem o jovem herdeiro, o futuro imperador Nicolau II. Uma característica curiosa da imagem ajudou a estabelecer a época de sua criação. Na têmpora direita de Nikolai, uma mancha de sangue é visível. Esta é a pegada de uma espada japonesa. Em 1890-1891, o herdeiro viajou ao redor do mundo e uma tentativa de assassinato foi feita no Japão. Um policial japonês atingiu Nikolai com uma espada, mas o jovem herdeiro desviou e recebeu apenas um ferimento leve. Na segunda vez o atacante não teve tempo de rebater, foi derrubado, mas não pelos donos da casa que receberam o ilustre convidado, mas sim pelo príncipe grego Jorge que acompanhava Nicolau.

A LENDA DE SANTA VERÔNICA

Em 1879, uma exposição de artistas alemães foi realizada em São Petersburgo. Um deles, Gabriel von Max, apresentou o quadro “O Lenço de Santa Verônica” com a imagem de um pedaço de tela tosca pregado na parede com o rosto de Cristo ao centro. A peculiaridade da imagem era que o público podia ver os olhos do Salvador fechados ou abertos. Os jornais da época escreveram que os organizadores tiveram que colocar cadeiras no corredor, pois algumas das senhoras desmaiaram, exclamando: "Olha! Olha!"

Claro, a misteriosa imagem atraiu a atenção dos artistas da capital que tentaram desvendar o segredo, e o artista Ivan Kramskoy escreveu um artigo sobre ela para a revista Novoe Vremya, onde revelou a técnica pela qual o autor alemão conseguiu o efeito desejado .

A lenda de Santa Verônica se espalhou pela Europa na Idade Média. Mais tarde, tornou-se a Tradição oficial da Igreja, ou seja, foi reconhecida como verdadeira como as registradas no Evangelho. Quando Jesus Cristo foi levado ao Monte Calvário para ser ali crucificado, uma mulher compassiva chamada Verônica enxugou o suor de seu rosto com um lenço que cobria seus olhos. Ao mesmo tempo, o rosto do Salvador na coroa de espinhos foi milagrosamente impresso no lenço. A tradição formou a base do ícone ortodoxo "Salvador não feito por mãos". É mais fácil para nós, não especialistas, reconhecer este ícone pela imagem de um lenço no qual está escrito o rosto de Jesus, embora o próprio lenço (mais frequentemente dizem "plats") seja desenhado de forma diferente e bastante convencional. Entre os cristãos ocidentais, uma imagem semelhante é chamada de "Lenço de Santa Verônica".

De um conhecedor de arte russa, o padre Valentin Dronov, ouvi uma história que cito aqui textualmente: “Duas ou três vezes na minha vida tive que ver o ícone do Salvador Não Feito por Mãos, que mostrava uma propriedade milagrosa. os olhos de Jesus pareciam abertos ou fechados. Dependia do estado espiritual da pessoa que orava. Se ele estava calmo, o Salvador parecia estar dormindo. Se ele estava agitado, seus olhos se abriram." Em casa, o Padre Valentin guardou uma fotografia desta imagem, que aqui se dá.

Ainda não consegui encontrar nada semelhante em nossos museus. Num guia de Belém, cidade onde, segundo a lenda, Cristo nasceu, é dito que um dos afrescos da coluna da Igreja da Natividade tem a mesma propriedade: "o rosto do ícone abre e fecha olhos."

O ícone descrito é muito raro, portanto, qualquer evidência de pessoas que viram ou pelo menos ouviram falar dessas imagens é importante. Pedimos aos leitores que informem os editores da revista sobre isso.

15 de janeiro de 2013, 20h34

1. "Menino Chorando"- pintura do artista espanhol Giovanni Bragolin. Reza a lenda que o pai do menino (que também é o autor do retrato), tentando dar brilho, vitalidade e naturalidade à tela, acendeu fósforos diante do rosto do bebê. O fato é que o menino morria de medo do fogo. O menino estava chorando - seu pai estava desenhando. Uma vez o garoto não aguentou e gritou com o pai: “Você mesmo queima!”. Um mês depois, a criança morreu de pneumonia. E algumas semanas depois, o corpo carbonizado do artista foi encontrado em sua própria casa ao lado de uma pintura de um menino chorando que sobreviveu ao incêndio. Isso poderia ter acabado aí, mas em 1985, jornais britânicos relataram que os bombeiros encontraram reproduções do Menino Chorão em quase todos os prédios incendiados, que o fogo nem tocou. 2. "As mãos resistem a ele"- pintura do artista americano Bill Stoneham. A autora conta que a figura retrata a si mesmo aos cinco anos, que a porta é uma representação da linha divisória entre o mundo real e o mundo dos sonhos, e a boneca é um guia que pode conduzir o menino por este mundo. As mãos representam vidas ou possibilidades alternativas. A pintura se tornou uma lenda urbana bem conhecida em fevereiro de 2000, quando foi colocada à venda no eBay com uma história de fundo que dizia que a pintura era "assombrada". Segundo a lenda, após a morte do primeiro dono da pintura, a pintura foi encontrada em um aterro sanitário entre uma pilha de lixo. A família que a encontrou a trouxe para casa e, já na primeira noite, uma filhinha de quatro anos correu para o quarto dos pais gritando que "as crianças da foto estão brigando". Na noite seguinte - que "as crianças na foto estavam do lado de fora da porta". Na noite seguinte, o chefe da família instalou uma câmera de vídeo com sensor de movimento na sala onde a pintura estava pendurada. A filmadora funcionou várias vezes, mas nada foi capturado. 3. "Mulher Chuva"- pintura do artista Vinnitsa Svetlana Telets. Mesmo seis meses antes da criação da imagem, algumas visões começaram a visitá-la. Por muito tempo pareceu a Svetlana que alguém a estava observando. Às vezes ela até ouvia sons estranhos em seu apartamento. Mas tentei afastar esses pensamentos. E depois de um tempo, surgiu a ideia de uma nova foto. A imagem de uma mulher misteriosa nasceu repentinamente, mas parecia a Svetlana que ela a conhecia há muito tempo. Traços faciais, como se fossem tecidos de neblina, roupas, linhas fantasmagóricas da figura - a artista pintou uma mulher sem pensar um minuto. Era como se uma força invisível estivesse guiando sua mão. Um boato se espalhou pela cidade de que esta pintura estava amaldiçoada, depois que um terceiro comprador devolveu a pintura alguns dias depois, sem nem mesmo pegar o dinheiro. Todos que tinham essa foto disseram que à noite ela parecia ganhar vida e caminhar como uma sombra por perto. As pessoas começaram a ter dores de cabeça e, mesmo depois de esconder a foto no armário, a sensação de presença não desapareceu. 4. Na época de Pushkin, o retrato de Maria Lopukhina, pintado por Vladimir Borovikovsky, foi uma das principais "histórias de terror". A menina viveu uma vida curta e infeliz, e depois de pintar o retrato morreu de tuberculose. Seu pai, Ivan Tolstoi, era um famoso místico e mestre da Loja Maçônica. Portanto, espalharam-se rumores de que ele conseguiu atrair o espírito da filha falecida para este retrato. E que se as meninas olharem para a foto, elas logo morrerão. Segundo a versão das fofocas do salão, o retrato de Maria matou pelo menos dez nobres em idade de casar ... 5. "Lírios"- Paisagem impressionista de Claude Monet. Quando o artista e seus amigos comemoravam a conclusão da pintura, um pequeno incêndio começou no estúdio. A chama rapidamente se encheu de vinho e não deu importância a isso. Apenas um mês a foto pendurou em um cabaré em Montmartre. E então, uma noite, o lugar queimou até o chão. Mas os "lírios" conseguiram salvar. A pintura foi comprada pelo filantropo parisiense Oscar Schmitz. Um ano depois, sua casa pegou fogo. O fogo começou no escritório, onde estava pendurada a malfadada tela. Sobreviveu milagrosamente. Outra vítima da paisagem de Monet foi o Museu de Arte Moderna de Nova York. Os Nenúfares foram trazidos para cá em 1958. Quatro meses depois, explodiu aqui também. E a maldita foto estava muito carbonizada.
6. Em uma pintura de Edvard Munch "Gritar" retrata uma criatura sofredora sem pelos com uma cabeça que lembra uma pêra invertida, com as mãos pressionadas contra as orelhas de horror e com a boca aberta em um grito silencioso. As ondas convulsivas da angústia dessa criatura ecoam pelo ar ao redor de sua cabeça. Esse homem (ou mulher) parece estar preso em seu próprio grito-grito e, para não ouvi-lo, tapou os ouvidos. Seria estranho se não houvesse lendas em torno desta imagem. Dizem que todos que entraram em contato com ela sofreram de um destino maligno. Um funcionário do museu, que acidentalmente deixou cair a pintura, começou a sofrer de fortes dores de cabeça e acabou cometendo suicídio. Outro funcionário, que aparentemente também tinha as mãos tortas, deixou cair a pintura e sofreu um acidente no dia seguinte. Alguém até queimou um dia após o contato com a pintura. 7. Outra tela que acompanha constantemente os problemas é "Vênus com um espelho" Diego Velázquez. O primeiro dono da pintura - um comerciante espanhol - faliu, seu comércio piorava a cada dia, até que a maior parte de suas mercadorias foi capturada por piratas no mar e vários outros navios afundaram. Vendendo tudo o que tinha sob o martelo, o comerciante também vendeu a pintura. Foi adquirido por outro espanhol, também comerciante, que possuía ricos armazéns no porto. Quase imediatamente após a transferência do dinheiro para a tela, os armazéns do comerciante pegaram fogo com um raio repentino. O dono estava falido. E novamente o leilão, e novamente a pintura é vendida entre outras coisas, e novamente é comprada por um espanhol rico ... Três dias depois ele foi morto a facadas em sua própria casa durante um assalto. Depois disso, a pintura demorou muito para encontrar seu novo dono (tinha uma reputação muito prejudicada), e a tela viajou para diferentes museus, até que em 1914 uma louca a cortou com uma faca.
8. "Demônio Derrotado" Mikhail Vrubel teve um efeito prejudicial na psique e na saúde do próprio artista. Ele não conseguia se afastar da foto, ele continuou a terminar o rosto do espírito derrotado e mudar a cor. O "Demônio Derrotado" já estava pendurado na exposição, e Vrubel continuou entrando no corredor, sem dar atenção aos visitantes, sentou-se em frente ao quadro e continuou a trabalhar, como se estivesse possuído. Parentes estavam preocupados com sua condição e ele foi examinado pelo famoso psiquiatra russo Bekhterev. O diagnóstico foi terrível - um tabes da medula espinhal, quase insanidade e morte. Vrubel foi internado no hospital, mas o tratamento não ajudou muito e ele logo morreu.

As pinturas de grandes artistas podem não apenas encantar e dar prazer estético, mas também causar admiração mística e até medo. Muitas pinturas de mestres estão repletas de mistérios. Nossa história é sobre eles.

Pinturas talentosas sempre evocam reverência e admiração entre os amantes da arte. As telas dos grandes mestres fascinam e cativam, pois belas pinturas despertam o que há de mais íntimo nas almas, algo que muitas vezes a pessoa procura esconder até de si mesma. Carl Jung chamou isso de inconsciente.

Portanto, as pinturas de artistas famosos são percebidas como mensagens misteriosas nas quais os segredos do mundo são revelados. Para resolvê-los, é preciso estar o mais atento possível aos detalhes e símbolos das pinturas.

Mais de uma geração de críticos de arte tentará desvendar as cifras de Hieronymus Bosch, pensar no código das pinturas de Leonardo da Vinci, Michelangelo e Botticelli, congelar de alegria diante das pinturas dos holandeses. O que podemos dizer sobre as pinturas da era do modernismo e pós-modernismo, onde a beleza, a espiritualidade e a precisão das linhas deram lugar a símbolos culturais, entrelaçamento de linhas e formas cúbicas.

Pinturas com o significado de Pablo Picasso e Frida Kahlo, Jackson Pollock e Salvador Dali revelam os aspectos trágicos e místicos de ser uma pessoa moderna. Para lê-los, você precisa ter amplo conhecimento e intuição criativa.

Convidamos você a visitar a galeria virtual e descobrir quais pinturas famosas de artistas estão repletas de enigmas ou quais histórias dramáticas estão associadas a:

A Última Ceia (Leonardo da Vinci)

Muitos perceberão que esta obra-prima não é exatamente uma pintura, mas um afresco. No entanto, um afresco é a mesma tela, feita apenas em gesso úmido. Eles começaram a falar sobre o mistério dessa imagem no século 19, quando as mentes da aristocracia foram cativadas por vários ensinamentos místicos, lojas maçônicas e várias sociedades secretas floresceram na Europa. No século 21, o interesse pelo afresco foi reavivado graças ao livro de Dan Brown, O Código Da Vinci, e à série Da Vinci's Demons.

De fato, esta criação do maior artista renascentista contém muitos sinais secretos que formam o subtexto do afresco. Em primeiro lugar, deve-se notar que o artista trabalhou em sua criação por três anos, até 1498 (Leonardo obviamente não escreveu em solo úmido - este é um motivo para considerar A Última Ceia uma pintura, não um afresco). A composição foi encomendada pelo Doge de Veneza, Ludovico Sforza, um famoso libertino, místico, comerciante e intrigante.

Os conceitos de fidelidade na vida familiar eram estranhos a Sforza, ele era incansável em suas paixões, das quais sofria sua piedosa esposa, a duquesa Beatrice d'Este. Apesar de ser uma das mulheres mais bonitas do Renascimento, Ludovico a traiu com incrível constância com os melhores getters de Veneza.

Apenas a morte de Beatrice forçou Sforza a repensar suas prioridades e parar de buscar prazeres amorosos. Para perpetuar sua memória, o Duque de Veneza encomendou A Última Ceia de da Vinci.

O primeiro enigma da tela está relacionado a este pano de fundo: o apóstolo João, sentado à direita de Cristo, externamente se parece mais com uma mulher do que com um homem. Assim, nasceu a conjectura de que se tratava de Maria Madalena, a esposa de Jesus. Também foi confirmado pelo sinal que as inclinações desses dois personagens criam. Acontece uma figura que se assemelha a uma combinação de dois triângulos, que nos ensinamentos místicos significava a conexão dos princípios feminino e masculino como base do universo.

O segundo enigma é a imagem de Judas. No início do trabalho na pintura, Leonardo rapidamente encontrou um modelo para a imagem de Jesus. Eles se tornaram um jovem cantor do coro da igreja. Sua beleza e boa aparência impressionaram o artista.

Mas para Judas, a natureza teve que ser buscada por quase três anos. Certa vez, em uma vala, Leonardo viu um bêbado descendo. Ele o levou ao refeitório e em questão de dias escreveu o antípoda de Cristo. Depois de conversar com a modelo, o artista soube que sua vida piorou a partir do momento em que posou para a imagem de Jesus da Vinci. Assim, Cristo e aquele que o traiu são eliminados de uma pessoa com uma diferença de três anos.

O terceiro enigma é que há um auto-retrato de Leonardo na pintura. Este é o Apóstolo Tadeu, sentado em segundo à direita.

O quarto código é o número três repetido. Dê uma olhada na tela, todos os personagens estão agrupados em três. Isso mostra a cifra simbólica da Santíssima Trindade - o Filho, o Espírito e Deus.

A Criação de Adão (Michelangelo)

Um afresco do século 16 de um dos famosos mestres da Renascença retrata Deus estendendo a mão para Adão. Esta é a quarta das nove cenas do Gênesis, que o autor retratou na Capela Sistina. A pintura retrata como Deus sopra a alma em um homem recém-criado.

Os anatomistas estabeleceram que o manto púrpura do Criador, sob o qual os anjos estão reunidos, se assemelha ao contorno do cérebro humano. Michelangelo, como todos os artistas da época, estudou detalhadamente a anatomia, por isso sabia perfeitamente como era esse órgão. Mas por que ele o retratou em uma pintura com um enredo religioso?

Os críticos de arte sugeriram que dessa forma o artista e pensador progressista apontou que a força que move e desenvolve uma pessoa é a mente. Além disso, existem várias outras nuances às quais você deve prestar atenção:

1. A postura de Adão é simétrica à postura de Deus. No entanto, o primeiro homem está relaxado e somente a mente divina é capaz de enchê-lo de energia.
2. Os heróis, envoltos no manto do Criador, criam o contorno do cérebro humano. Além disso, Michelangelo delineou a glândula pituitária, a ponte varolii (transmite impulsos do cérebro para a medula espinhal) e as artérias vertebrais com linhas.

A pintura é uma mensagem eloquente de um artista humanista progressista que acreditava no poder da mente humana.

"Provérbios flamengos" (Peter Brueghel, o Velho)

A pintura foi criada por um pintor holandês em meados do século XVI. À primeira vista, seu enredo é simples - um dia comum na praça do mercado. No entanto, existem 112 componentes composicionais separados na tela que incorporam viradas fraseológicas populares.

Observe atentamente a imagem e veja ilustrações de expressões idiomáticas: bata a cabeça contra a parede; amarre o diabo no travesseiro; pendurar um sino em um gato (um ato irracional); falar com duas bocas; frite o arenque para os ovos, etc.

Esta imagem é de grande interesse não apenas para historiadores de arte e culturólogos, mas também para filólogos.

Danae (Rembrandt Harmens van Rijn)

O artista holandês pintou esta imagem por 11 anos (1636-1647). À primeira vista, a tela retrata a heroína do antigo mito grego Danae, que foi escondida na masmorra por seu próprio pai. A razão para isso é a profecia, segundo a qual o rei de Argos cairá nas mãos de seu neto.

Danae de Rembrandt é um símbolo da impermanência masculina. Estudando a imagem, os historiadores da arte estabeleceram que Danae tem uma aliança de casamento em seu dedo anelar, embora, segundo a lenda, ela fosse uma jovem solteira quando foi presa. Além disso, não havia chuva de ouro na foto, que Zeus derramou para dar à luz a vida em Danae.

O segundo ponto que confundiu os pesquisadores é que o rosto da heroína não se parecia com Saskia van Uylenbürch, a jovem esposa de Rembrandt, que serviu de modelo para todas as suas pinturas da década de 1630. Isso é ainda mais estranho porque "Danae" foi pintado pelo artista para decorar sua própria casa. Então, quem, em vez de sua esposa, ele capturou na tela?

A resposta veio na década de 1950, quando os historiadores da arte começaram a usar raios-x para estudar pinturas. Descobriu-se que inicialmente Danae foi eliminado de Saskia, e mais tarde a artista reescreveu sua imagem, dando as características da enfermeira de seu filho Gertje Dirks. Após a morte de Saskia, ela se tornou sua amante, coabitante e nova musa.

"Quarto em Arly" (Vincent van Gogh)

Incapaz de resistir à perseguição do beau monde parisiense, Vincent van Gogh foge da capital da França. Na primavera de 1888, retira-se para um pequeno anexo em Arly, comprado com o dinheiro da herança. O artista finalmente encontrou sua casa e sua própria oficina. Em Arly, ele viveu por algum tempo na expectativa de outro fugitivo parisiense, Paul Gauguin. Junto com ele, Van Gogh queria criar uma irmandade de artistas.

A pintura "Quarto em Arly", ou "Quarto Amarelo", é uma prova documental da doença mental do pintor. Segundo ele, os psiquiatras podem estudar as mudanças em uma pessoa que sofre de esquizofrenia. Aqui estão os sinais a serem observados:

1. Cor amarela saturada e até intrusiva. Parece antinatural no interior do quarto. É tudo sobre dedaleira, com a qual Vincent van Gogh lutou contra ataques epiléticos. O uso regular deste medicamento leva a uma mudança na percepção das cores. As pessoas veem o mundo na cor verde-amarelo.
2. O emparelhamento de objetos na sala: duas cadeiras, duas almofadas, dois retratos, um par de gravuras de Van Gogh. Assim, o autor procurou encontrar paz de espírito, para lidar com a solidão.
3. As persianas fechadas são um símbolo do isolamento interior do artista e uma sensação de segurança.
4. O espelho na parede foi comprado por Van Gogh para autorretratos. As pessoas se recusavam a posar para ele porque não viam suas pinturas como arte.
5. O cobertor vermelho sobre a cama desempenhou um papel dramático na vida do pintor. Durante um dos ataques, ele cortou o lóbulo da orelha e, envolvendo-se neste cobertor, tentou vencer o medo que se apoderou dele.

A imagem é um reflexo do mundo interior do artista. No caso de Van Gogh, "Bedroom at Arly" é a história de sua solidão e loucura.

"Grito" (Edvard Munch)

O Grito é uma das pinturas mais místicas do século XX. Ela encarnou a premonição de uma tragédia universal que tomou conta do artista durante uma de suas caminhadas. Munch viu um pôr do sol sangrento brilhando no céu e ouviu interiormente o grito do sofrimento da natureza. Isso é o que ele queria exibir em sua tela.

O homem sem pelos, de contorno semelhante a um esqueleto, abre bem a boca e fecha os ouvidos de horror - é assim que o atinge o uivo penetrante da natureza. A sensação vivida pelo artista e exposta na tela tornou-se profética. "O Grito" tornou-se um símbolo do século XX - um século de violência, guerras, crueldade, ódio ao homem e tortura do meio ambiente.

Várias histórias místicas estão associadas à imagem. Assim, todos os donos do "Scream" sofreram infortúnios - ruína, morte, acidentes. Quando a imagem chegou ao museu, vários trabalhadores mostraram negligência ao trabalhar com ela - deixaram cair a tela. Depois de um tempo, um cometeu suicídio e o outro foi queimado em um acidente de carro. Esses infortúnios foram associados à ação fatal da obra-prima.

Os cientistas têm certeza de que, como no caso de Van Gogh, a tela é a personificação do transtorno mental de seu criador, Edvard Munch.

"Velho Pescador" (Tivadar Kostka Chontvari)

Um farmacêutico da Hungria, tendo tido um sonho profético, vendeu a farmácia, comprou todo o necessário para desenhar e foi aprender a arte com pintores libaneses.

Ao regressar à sua terra natal no início do século XX, apresentou uma obra original - a pintura "O Velho Pescador". Parecia que não havia nada de especial nisso: o público não sabia o que havia de tão misterioso nessa tela. É tudo sobre o subtexto, que não é tão fácil de ler. Só foi possível resolvê-lo depois de 50 anos.

Chontwari pintou pinturas estranhas e ligeiramente assustadoras, então elas não eram populares. Como resultado, ele morreu na pobreza e suas telas acabaram no lixo. Apenas algumas pinturas do mestre sobreviveram e foram parar no museu da cidade de Pec. Entre eles estava o "Velho Pescador".

Um dos funcionários do museu pensou em usar um espelho para revelar o subtexto da obra-prima. Descobriu-se que se você dividir a imagem ao meio com um espelho, duas tramas antagonistas são formadas: a primeira retrata Deus navegando em um barco em um mar calmo, e a segunda retrata o diabo em um mar revolto. Esta é uma metáfora para a complexidade de ser criado por um artista húngaro.

Esta é apenas uma pequena parte daquelas pinturas famosas que causam admiração e adoração mística. As criações de Mikhail Vrubel, Paul Gauguin, Pablo Picasso, Gustav Klimt e Kazemir Malevich evocam prazer, horror e adoração. Eles são resolvidos, são admirados, leva anos para entender seu conteúdo. O conhecimento dos mistérios das grandes telas é um passo para o conhecimento do homem e do mundo.

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17:56

Algumas obras de arte como se batesse na cabeça do espectador, estupefato e surpreendente. Alguns deles nos levam ao pensamento e à busca de camadas semânticas, simbolismos secretos. Algumas pinturas estão cobertas de segredos e mistérios místicos, e algumas surpreendem a um preço exorbitante.

Pintura, se você não levar em conta os realistas, sempre foi, é e será estranho. Metafórica, em busca de novas formas e meios de expressão. Mas algumas imagens estranhas são mais estranhas do que outras.

Claro, "estranho" é um termo bastante subjetivo., e cada um tem suas próprias pinturas incríveis que se destacam de várias outras obras de arte.

Nós deliberadamente não incluímos nesta coleção Salvador Dali, cujas obras se enquadram totalmente no formato desse material e são as primeiras que vêm à mente.

1. Edvard Munch "Grito"

1893, cartão, óleo, têmpera, pastel. 91x73,5 cm

Galeria Nacional, Oslo

"O Grito" é considerado um evento marcante expressionismo e uma das pinturas mais famosas do mundo.

"Eu estava andando pelo caminho com dois amigos- o sol estava se pondo - de repente o céu ficou vermelho-sangue, parei, exausto, e me encostei na cerca - olhei para o sangue e as chamas sobre o fiorde preto-azulado e a cidade - meus amigos continuaram e eu me levantei tremendo de emoção, sentindo um grito interminável perfurando a natureza”, disse Edvard Munch sobre a história da pintura.

Existem duas interpretações da representação: é o próprio herói que é tomado de horror e grita silenciosamente, pressionando as mãos nos ouvidos; ou o herói fecha os ouvidos ao grito do mundo e da natureza que soa ao seu redor. Munch escreveu 4 versões de O Grito, e há uma versão que esta pintura é fruto de uma psicose maníaco-depressiva da qual o artista sofria. Após um tratamento na clínica, Munch não voltou a trabalhar na tela.

2. Paul Gauguin “De onde viemos? Quem somos nós? Onde estamos indo?"

1897-1898, óleo sobre tela. 139,1x374,6 cm

Museu de Belas Artes, Boston

imagem filosófica profunda o pós-impressionista Paul Gauguin foi escrito por ele no Taiti, para onde fugiu de Paris. No final da obra, quis mesmo suicidar-se, porque “acredito que esta tela não só é superior a todas as minhas anteriores, como nunca criarei algo melhor ou mesmo semelhante”.

Sob a direção do próprio Gauguin, a pintura deve ser lido da direita para a esquerda - três grupos principais de figuras ilustram as questões colocadas no título. Três mulheres com um filho representam o início da vida; o grupo do meio simboliza a existência diária da maturidade; no grupo final, segundo a artista, "uma velha que se aproxima da morte parece reconciliada e entregue aos seus pensamentos", a seus pés "um estranho pássaro branco ... representa a futilidade das palavras".

3. Pablo Picasso "Guernica"

1937, óleo sobre tela. 349x776 cm

Museu Reina Sofia, Madri

Enorme afresco "Guernica", escrito por Picasso em 1937, conta a história de um ataque de uma unidade voluntária da Luftwaffe à cidade de Guernica, que resultou na destruição total da cidade de seis mil habitantes. O quadro foi pintado em apenas um mês - nos primeiros dias de trabalho no quadro, Picasso trabalhou de 10 a 12 horas e já nos primeiros esboços dava para ver a ideia principal. Esta é uma das melhores ilustrações do pesadelo do fascismo, bem como da crueldade e da dor humanas.

"Guernica" apresenta cenas de morte, violência, atrocidades, sofrimento e desamparo, sem especificar suas causas imediatas, mas são óbvias. Diz-se que em 1940 Pablo Picasso foi convocado para a Gestapo em Paris. A conversa imediatamente se voltou para a pintura. "Você fez isso?" - "Não, você fez isso."

4. Jan van Eyck "Retrato do Arnolfini"

1434, óleo sobre madeira. 81,8 x 59,7 cm

Galeria Nacional de Londres, Londres

Retrato presumivelmente por Giovanni di Nicolao Arnolfini e sua esposa é uma das obras mais complexas da escola ocidental de pintura do Renascimento do Norte.

A famosa pintura é completamente preenchida com símbolos, alegorias e referências diversas - até a assinatura "Jan van Eyck esteve aqui", que a transformou não apenas em uma obra de arte, mas em um documento histórico que confirma um evento real a que o artista esteve presente.

Na Rússia nos últimos anos a imagem ganhou grande popularidade devido à semelhança do retrato de Arnolfini com Vladimir Putin.

5. Mikhail Vrubel "Demônio Sentado"

1890, óleo sobre tela. 114x211 cm

Galeria Tretyakov, Moscou

A pintura de Mikhail Vrubel surpreende com a imagem de um demônio. O cara triste de cabelos compridos não é nada parecido com as idéias universais de como um espírito maligno deveria ser. O próprio artista falou de sua pintura mais famosa:

“O demônio não é tanto um espírito maligno, quão sofrido e triste, com tudo isso o espírito é poderoso, majestoso. Esta é uma imagem da força do espírito humano, luta interna, dúvidas. De mãos entrelaçadas tragicamente, o Demônio está sentado com olhos tristes e enormes voltados para longe, cercado por flores. A composição enfatiza o constrangimento da figura do demônio, como que imprensado entre as travessas superior e inferior da moldura.

6. Vasily Vereshchagin "A Apoteose da Guerra"

1871, óleo sobre tela. 127x197 cm

Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Vereshchagin é um dos principais russos pintores de batalha, mas ele pintou guerras e batalhas não porque as amasse. Pelo contrário, ele tentou transmitir às pessoas sua atitude negativa em relação à guerra. Certa vez, Vereshchagin, no calor da emoção, exclamou: “Não vou escrever mais fotos de batalha - basta! Levo o que escrevo muito perto do meu coração, choro (literalmente) a dor de cada ferido e morto. Provavelmente, o resultado dessa exclamação foi a terrível e fascinante pintura "A Apoteose da Guerra", que retrata um campo, corvos e uma montanha de crânios humanos.

A imagem é escrita tão profunda e emocionalmente que por trás de cada crânio nesta pilha, você começa a ver as pessoas, seus destinos e os destinos daqueles que não verão mais essas pessoas. O próprio Vereshchagin, com triste sarcasmo, chamou a tela de “natureza morta” - ela retrata a “natureza morta”.

Todos os detalhes da imagem, incluindo a cor amarela, simbolizam a morte e a devastação. O céu azul claro enfatiza a morte da imagem. A ideia da "Apoteose da Guerra" também é expressa pelas cicatrizes de sabres e buracos de bala nos crânios.

7. Grant Wood "Gótico Americano"

1930, petróleo. 74x62 cm

Instituto de Arte de Chicago, Chicago

"American Gothic" é um dos mais reconhecíveis imagens na arte americana do século 20, o meme artístico mais famoso dos séculos 20 e 21.

Pintura com pai e filha sombrios repleto de detalhes que indicam a severidade, o puritanismo e o retrógrado das pessoas retratadas. Rostos raivosos, um forcado bem no meio da foto, roupas antiquadas até para os padrões de 1930, cotovelo exposto, costuras nas roupas do fazendeiro que repetem o formato de um forcado e, portanto, uma ameaça dirigida a qualquer um quem invade. Todos esses detalhes podem ser vistos infinitamente e se encolher de desconforto.

Curiosamente, os juízes da competição no Chicago Institute As artes perceberam o "gótico" como um "dia dos namorados bem-humorado", e o povo de Iowa ficou terrivelmente ofendido por Wood por retratá-los sob uma luz tão desagradável.

8. Rene Magritte "Amantes"

1928, óleo sobre tela

Pintando "Amantes" ("Amantes") existe em duas versões. Num deles, um homem e uma mulher, cujas cabeças estão envoltas num pano branco, beijam-se e, no outro, “olham” para o espectador. A imagem surpreende e fascina. Com duas figuras sem rosto, Magritte transmitiu a ideia à cegueira do amor. Sobre a cegueira em todos os sentidos: os amantes não veem ninguém, não vemos seus verdadeiros rostos e, além disso, os amantes são um mistério até um para o outro. Mas com essa aparente clareza, ainda continuamos a olhar para os amantes de Magritte e pensar neles.

Quase todas as pinturas de Magritte- são quebra-cabeças que não podem ser totalmente resolvidos, pois levantam questões sobre a própria essência do ser. Magritte fala o tempo todo sobre o engano do visível, sobre seu mistério oculto, que geralmente não percebemos.

9. Marc Chagall "Caminhada"

1917, óleo sobre tela

Galeria Estatal Tretyakov

Geralmente extremamente grave em sua pintura, Marc Chagall escreveu um delicioso manifesto de sua própria felicidade, repleto de alegorias e amor. "Walk" é um auto-retrato com sua esposa Bella. Sua amada paira no céu e parece ser arrastada para o vôo e Chagall, que está de pé no chão precariamente, como se a tocasse apenas com a ponta dos sapatos. Chagall tem uma teta na outra mão - ele está feliz, tem uma teta nas mãos (provavelmente sua pintura) e uma garça no céu.

10. Hieronymus Bosch "O Jardim das Delícias Terrenas"

1500-1510, óleo sobre madeira. 389x220 cm

Prado, Espanha

"O Jardim das Delícias Terrenas"- o tríptico mais famoso de Hieronymus Bosch, que recebeu o nome do tema da parte central, é dedicado ao pecado da voluptuosidade. Até o momento, nenhuma das interpretações disponíveis da imagem foi reconhecida como a única verdadeira.

Encanto duradouro e estranheza ao mesmo tempo o tríptico é como o artista expressa a ideia principal através de muitos detalhes. O quadro está repleto de figuras transparentes, estruturas fantásticas, monstros que se tornaram alucinações, caricaturas infernais da realidade, que ele contempla com um olhar penetrante e extremamente aguçado. Alguns cientistas queriam ver no tríptico uma imagem da vida humana através do prisma de sua vaidade e imagens do amor terreno, outros - o triunfo da voluptuosidade. No entanto, a inocência e algum distanciamento com que as figuras individuais são interpretadas, bem como a atitude favorável a esta obra por parte das autoridades eclesiásticas, fazem duvidar que a glorificação dos prazeres corporais possa ser o seu conteúdo.

11. Gustav Klimt "Três Idades da Mulher"

1905, óleo sobre tela. 180x180 cm

Galeria Nacional de Arte Moderna, Roma

"Três Idades da Mulher" é alegre ao mesmo tempo, e triste. Nele, a história da vida de uma mulher é escrita em três figuras: descuido, paz e desespero. A jovem é tecida organicamente no ornamento da vida, a velha se destaca dela. O contraste entre a imagem estilizada de uma jovem e a imagem naturalista de uma velha assume um significado simbólico: a primeira fase da vida traz consigo infinitas possibilidades e metamorfoses, a última é uma constância imutável e conflito com a realidade.

A tela não solta, sobe na alma e faz você pensar sobre a profundidade da mensagem do artista, bem como sobre a profundidade e inevitabilidade da vida.

12. Egon Schiele "Família"

1918, óleo sobre tela. 152,5 x 162,5 cm

Galeria Belvedere, Viena

Schiele foi aluno de Klimt, mas, como qualquer aluno excelente, não copiava o professor, mas procurava um novo. Schiele é muito mais trágico, estranho e assustador do que Gustav Klimt. Em suas obras há muito do que poderia ser chamado de pornografia, várias perversões, naturalismo e, ao mesmo tempo, um desespero doloroso.

"Família" - seu último trabalho, em que o desespero é levado ao absoluto, apesar de ser a imagem menos estranha dele. Ele o pintou pouco antes de sua morte, depois que sua esposa grávida, Edith, morreu de gripe espanhola. Ele morreu aos 28 anos apenas três dias depois de Edith, tendo conseguido desenhar ela, ele e seu filho ainda não nascido.

13. Frida Kahlo "Duas Fridas"

1939

A história da vida difícil de um artista mexicano Frida Kahlo tornou-se amplamente conhecida após o lançamento do filme "Frida", com Salma Hayek no papel-título. Kahlo pintou principalmente auto-retratos e explicou de forma simples: “Eu me pinto porque passo muito tempo sozinha e porque sou o assunto que conheço melhor”.

Nenhum dos autorretratos de Frida Kahlo não sorri: um rosto sério, até triste, sobrancelhas grossas fundidas, um bigode ligeiramente perceptível acima dos lábios fortemente comprimidos. As ideias de suas pinturas estão cifradas nos detalhes, no fundo, nas figuras que aparecem ao lado de Frida. O simbolismo de Kahlo é baseado em tradições nacionais e está intimamente ligado à mitologia indiana do período pré-hispânico.

Em uma das melhores pinturas - "Duas Fridas"- ela expressava os princípios masculino e feminino, conectados nela por um único sistema circulatório, demonstrando sua integridade.

14. Claude Monet “Ponte de Waterloo. Efeito nevoeiro»

1899, óleo sobre tela

Museu Estadual Hermitage, São Petersburgo

Ao visualizar a imagem de uma distância próxima o espectador não vê nada além de uma tela na qual são aplicadas frequentes pinceladas grossas de óleo. Toda a magia da obra se revela quando aos poucos começamos a nos afastar da tela para uma distância maior. Primeiro, semicírculos incompreensíveis começam a aparecer diante de nós, passando pelo meio da imagem, então vemos os contornos claros dos barcos e, tendo percorrido uma distância de cerca de dois metros, todas as obras de conexão são desenhadas e alinhadas em um cadeia lógica à nossa frente.

15. Jackson Pollock "Número 5, 1948"

1948, fibra, óleo. 240x120 cm

A estranheza desta imagem é que a tela do líder americano do expressionismo abstrato, que ele pintou, derramando tinta sobre um pedaço de papelão estendido no chão, é a pintura mais cara do mundo. Em 2006, no leilão da Sotheby's, eles pagaram US$ 140 milhões por ela. David Giffen, produtor e colecionador de filmes, vendeu-o ao financista mexicano David Martinez.

"Continuo me afastando das ferramentas convencionais artista, como cavalete, paleta e pincéis. Prefiro paus, pás, facas e derramar tinta ou uma mistura de tinta com areia ou cacos de vidro ou o que quer que seja. Quando estou dentro de uma pintura, não tenho consciência do que estou fazendo. A compreensão vem depois. Não tenho medo de mudar ou destruir a imagem, pois a pintura tem vida própria. Só estou ajudando-a a sair. Mas se eu perder o contato com a pintura, ela fica suja e bagunçada. Caso contrário, isso é pura harmonia, a facilidade de como você recebe e dá.

16. Joan Miro "Homem e mulher em frente a uma pilha de excrementos"

1935, cobre, óleo, 23x32 cm

Fundação Joan Miró, Espanha

Bom título. E quem diria que esta imagem nos fala sobre os horrores das guerras civis.

A foto foi feita em uma folha de cobre para a semana de 15 a 22 de outubro de 1935. Segundo Miro, trata-se de uma tentativa de retratar a tragédia da Guerra Civil Espanhola. Miro disse que esta é uma foto sobre um período de agitação. A pintura retrata um homem e uma mulher estendendo a mão um para o outro, mas sem se mover. Os genitais aumentados e as cores sinistras foram descritos como "cheios de repulsa e sexualidade repugnante".

17. Jacek Yerka "Erosão"

Neo-surrealista polonês conhecido mundialmente graças às suas incríveis pinturas, nas quais as realidades se combinam, criando outras novas. É difícil considerar seus trabalhos extremamente detalhados e até certo ponto tocantes um a um, mas esse é o formato do nosso material, e tivemos que escolher um - para ilustrar sua imaginação e habilidade. Recomendamos que você leia mais.

18. Bill Stoneham "As mãos resistem a ele"

1972

Este trabalho, é claro, não pode ser consideradoàs obras-primas da arte mundial, mas o fato de ser estranho é um fato.

Ao redor da foto com um menino, uma boneca e palmas das mãos, pressionado contra o vidro, há lendas. De "por causa desta foto eles morrem" para "as crianças nela estão vivas". A imagem parece realmente assustadora, o que gera muitos medos e conjecturas em pessoas com uma psique fraca.

O artista garantiu que na foto ele próprio é retratado aos cinco anos, que a porta é uma representação da linha divisória entre o mundo real e o mundo dos sonhos, e a boneca é um guia que pode conduzir o menino por este mundo. As mãos representam vidas ou possibilidades alternativas.

A pintura ficou famosa em fevereiro de 2000. quando foi colocado à venda no eBay com uma história de fundo dizendo que a pintura é "assombrada". "Hands Resist Him" ​​foi comprado por US $ 1.025 por Kim Smith, que foi inundado com cartas com histórias assustadoras e exigências para queimar a pintura.

Histórias e mistérios místicos estão associados a muitas obras de pintura. Além disso, alguns especialistas acreditam que forças obscuras e secretas estão envolvidas na criação de várias telas. Há fundamentos para tal afirmação. Muitas vezes, fatos surpreendentes e eventos inexplicáveis ​​\u200b\u200baconteciam a essas obras-primas fatais - incêndios, mortes, loucura dos autores ... Uma das pinturas "amaldiçoadas" mais famosas é "Crying Boy" - uma reprodução de uma pintura do artista espanhol Giovanni Bragolin . A história de sua criação é a seguinte: o artista queria pintar o retrato de uma criança chorando e levou seu filho pequeno como babá. Mas, como o bebê não conseguia chorar por ordem, o pai deliberadamente o levou às lágrimas, acendendo fósforos diante de seu rosto.

Se você olhar para ela por 5 minutos seguidos, a garota mudará (os olhos ficarão vermelhos, o cabelo ficará preto, as presas aparecerão). Na verdade, é claro que a imagem claramente não foi desenhada à mão, como muitos gostam de afirmar. Embora ninguém dê respostas claras sobre como essa imagem apareceu. A próxima foto está pendurada modestamente sem moldura em uma das lojas de Vinnitsa. "Rain Woman" é a obra mais cara de todas: custa US$ 500. Segundo os vendedores, a pintura já foi comprada três vezes e depois devolvida. Os clientes explicam que estão sonhando com ela. E alguém até diz que conhece essa senhora, mas não lembra onde. E todos que já olharam em seus olhos brancos se lembrarão para sempre da sensação de um dia chuvoso, silêncio, ansiedade e medo.