Idéias científicas e filosóficas do Renascimento na cosmovisão de Shakespeare. Shakespeare e as ideias renascentistas de Shakespeare nas obras

Podemos dizer com segurança que este homem mudou o mundo, a mentalidade, a percepção, a atitude em relação à arte como tal. William Shakespeare, cujas obras são estudadas no currículo escolar, foi um verdadeiro gênio. Suas peças e poemas podem ser chamados de uma verdadeira enciclopédia das relações humanas, uma espécie de espelho da vida, um refletor das deficiências e qualidades do ser humano.

grande gênio

As obras de Shakespeare são uma contribuição impressionante para a literatura mundial. Durante sua vida, o grande britânico criou dezessete comédias, onze tragédias, uma dúzia de crônicas, cinco poemas e cento e cinquenta e quatro sonetos. É interessante que seus assuntos, os problemas neles descritos, sejam relevantes até hoje. Mesmo muitos pesquisadores da obra do dramaturgo não conseguem responder como no século XVI uma pessoa poderia criar obras que emocionam todas as gerações. Foi até levantada a hipótese de que as obras foram escritas não por uma pessoa, mas por um determinado grupo de autores, mas sob um pseudônimo. Mas a verdade ainda não foi estabelecida.

Curta biografia

Shakespeare, cujas obras são tão amadas por muitos, deixou atrás de si muitos mistérios e pouquíssimos fatos históricos. Acredita-se que ele tenha nascido perto de Birmingham, na cidade de Stratford-upon-Avon, em 1564. Seu pai estava envolvido no comércio e era um cidadão rico. Mas as questões de literatura e cultura não eram discutidas com o pequeno Guilherme: naquela época não havia ambiente na cidade propício ao desenvolvimento de talentos.

O menino foi para uma escola gratuita, aos dezoito anos casou-se (à força) com uma moça rica, ela era oito anos mais velha que ele. Aparentemente, Shakespeare não gostava da vida familiar, então ele se juntou a um grupo errante de artistas e partiu para Londres. Mas ele não teve sorte de se tornar ator, então escreveu poemas em homenagem a pessoas influentes, serviu os cavalos de ricos visitantes do teatro, trabalhou como ponto, terminou de escrever peças. As primeiras obras de Shakespeare apareceram quando ele tinha 25 anos. Então ele escreveu mais e mais. Eles foram entregues e foram bem sucedidos. Em 1599, às custas dos artistas do grupo, incluindo Shakespeare, foi construído o famoso Globe Theatre. Nele, o dramaturgo trabalhou incansavelmente.

Características das obras

As obras de Shakespeare já diferiam dos dramas e comédias tradicionais. Sua marca registrada era o conteúdo profundo, a presença da intriga que muda as pessoas. William mostrou quão baixo até mesmo uma pessoa nobre pode cair sob a influência das circunstâncias e, inversamente, como vilões notórios realizam grandes feitos. O dramaturgo obrigou seus personagens a se revelarem aos poucos, conforme a trama se desenvolvia, e o público a simpatizar com os personagens, a acompanhar a cena. As obras de Shakespeare também são caracterizadas por alto pathos moral.

Não é de estranhar que o gênio da dramaturgia já em vida tenha privado a renda de muitos autores, já que o público exigia justamente sua obra. E ele atendeu aos requisitos da demanda - escreveu novas peças, repetiu histórias antigas, usou crônicas históricas. O sucesso deu prosperidade a William e até o brasão da nobreza. Ele morreu, como geralmente se acredita, após uma alegre festa em homenagem ao seu aniversário em um círculo de amigos.

Obras de Shakespeare (lista)

Não podemos listar todas as obras do maior dramaturgo inglês neste artigo. Mas vamos apontar as obras mais famosas de Shakespeare. A lista é a seguinte:

• "Romeu e Julieta".
• "Aldeia".
• "Macbeth".
• "Um sonho em uma noite de verão".
• "Otelo".
• "Rei Lear".
• "O mercador de Veneza".
• "Muito barulho por nada".
• "Tempestade".
• "Dois Verona".

Essas peças podem ser encontradas no repertório de qualquer teatro que se preze. E, claro, parafraseando o famoso ditado, podemos dizer que o ator que não sonha em interpretar Hamlet é ruim, a atriz que não quer interpretar Julieta é ruim.

Ser ou não ser?

A obra de Shakespeare "Hamlet" é uma das mais brilhantes e penetrantes. A imagem do príncipe dinamarquês emociona até o fundo da alma, e sua eterna pergunta faz você pensar sobre sua vida. Para quem ainda não leu a tragédia na íntegra, contaremos um resumo. A peça começa com o aparecimento de um fantasma nos reis. Ele se encontra com Hamlet e diz a ele que o rei não morreu de morte natural. Acontece que a alma do pai exige vingança - o assassino Cláudio não apenas levou a esposa do falecido rei, mas também o trono. Querendo verificar a veracidade das palavras da visão noturna, o príncipe se faz de louco e convida artistas errantes ao palácio para encenar a tragédia. A reação de Cláudio o delatou e Hamlet decide se vingar. Intrigas palacianas, traição de sua amada e ex-amigos fazem um príncipe vingador sem coração. Ele mata vários deles em defesa de si mesmo, mas é morto pela espada do irmão da falecida Ofélia. No final, todos morrem: tanto Cláudio, que assumiu o trono mentindo, quanto a mãe, que bebeu o vinho envenenado pelo marido, preparado para Hamlet, e o próprio príncipe e seu oponente Laertes. Shakespeare, cujas obras levam às lágrimas, descreveu o problema não apenas na Dinamarca. Mas o mundo inteiro, a monarquia hereditária em particular.

Tragédia de dois amantes

"Romeu e Julieta" de Shakespeare é uma história comovente sobre dois jovens que estão prontos para se sacrificar para estar com o escolhido. Esta é uma história sobre famílias em guerra que não permitiam que seus filhos ficassem juntos, para serem felizes. Mas os filhos dos nobres guerreiros não se importam com as regras estabelecidas, eles decidem ficar juntos. Seus encontros são cheios de ternura e sentimentos profundos. Mas o noivo foi encontrado para a menina, e seus pais dizem a ela para se preparar para o casamento. O irmão de Julieta é morto em uma briga de rua entre representantes de duas famílias em guerra, e Romeu é considerado o assassino. O governante quer mandar o criminoso para fora da cidade. Os jovens são ajudados por um monge e uma enfermeira, mas não contam todos os detalhes da fuga. Como resultado, Julieta bebe uma poção, da qual cai em Romeu, mas considera seu amado morto e bebe veneno em sua cripta. Ao acordar, a moça se mata com a adaga do rapaz. Os Montecchios e os Capuletos se reconciliam, lamentando seus filhos.

Outros trabalhos

Mas William Shakespeare escreveu obras e outras. São comédias engraçadas que são edificantes, leves e animadas. Eles falam sobre pessoas, embora famosas, mas aquelas que não são alheias ao amor, à paixão, à luta pela vida. Jogos de palavras, mal-entendidos, acidentes felizes levam os personagens a um final feliz. Se a tristeza está presente nas peças, então ela é passageira, de modo a enfatizar o tumulto alegre no palco.

Os sonetos do grande gênio também são originais, repletos de pensamentos, sentimentos e experiências profundas. Em verso, o autor se volta para um amigo, amado, lamenta a separação e se alegra em um encontro, fica desapontado. Uma linguagem melódica especial, símbolos e imagens criam uma imagem indescritível. Curiosamente, na maioria dos sonetos, Shakespeare refere-se a um homem, talvez Henry Risley, conde de Southampton, patrono do dramaturgo. E só então, em obras posteriores, aparece uma senhora morena, uma coquete cruel.

Em vez de um posfácio

Cada pessoa é simplesmente obrigada a ler pelo menos na tradução, mas o conteúdo completo das obras mais famosas de Shakespeare, para se certificar de que o maior gênio tinha a capacidade de um profeta, porque foi capaz de identificar os problemas até da sociedade moderna . Ele era um pesquisador das almas humanas, percebeu suas deficiências e vantagens e pressionou por mudanças. E não é esse o propósito da arte e do grande mestre?

William Shakespeare

A obra do grande escritor inglês William Shakespeare é de importância mundial. O gênio de Shakespeare é querido por toda a humanidade. O mundo de ideias e imagens do poeta humanista é verdadeiramente enorme. O significado universal de Shakespeare reside no realismo e na nacionalidade de sua obra.

William Shakespeare nasceu em 23 de abril de 1564 em Stratford-on-Avon na família de um glover. O futuro dramaturgo estudou em uma escola primária, onde ensinavam latim e grego, além de literatura e história. A vida em uma cidade provinciana proporcionou uma oportunidade de contato próximo com o povo, de quem Shakespeare aprendeu o folclore inglês e a riqueza do vernáculo. Por um tempo, Shakespeare foi um professor júnior. Em 1582 ele se casou com Anna Hathaway; ele teve três filhos. Em 1587, Shakespeare partiu para Londres e logo começou a tocar no palco, embora não tivesse muito sucesso como ator. A partir de 1593 trabalhou no Burbage Theatre como ator, diretor e dramaturgo, e a partir de 1599 tornou-se acionista do Globe Theatre. As peças de Shakespeare eram muito populares, embora poucas pessoas soubessem seu nome na época, porque o público prestava atenção principalmente aos atores.

Em Londres, Shakespeare conheceu um grupo de jovens aristocratas. Um deles, o conde de Southampton, dedicou seus poemas Venus and Adonis (Venus and Adonis, 1593) e Lucrece (Lucrece, 1594). Além desses poemas, ele escreveu uma coleção de sonetos e trinta e sete peças.

Em 1612, Shakespeare deixou o teatro, parou de escrever peças e voltou para Stratford-on-Avon. Shakespeare morreu em 23 de abril de 1616 e foi enterrado em sua cidade natal.

A falta de informações sobre a vida de Shakespeare deu origem à chamada questão de Shakespeare. A partir do século XVIII. alguns pesquisadores começaram a expressar a ideia de que as peças de Shakespeare não foram escritas por Shakespeare, mas por outra pessoa que quis esconder sua autoria e publicou suas obras com o nome de Shakespeare. Herbert Lawrence afirmou em 1772 que o dramaturgo era o filósofo Francis Bacon; Delia Bacon afirmou em 1857 que as peças foram escritas por membros do círculo de Walter Raleigh, que incluía Bacon; Carl Bleibtrey em 1907, Dumblon em 1918, F. Shipulinsky em 1924 tentou provar que Lord Rutland era o autor das peças. Alguns estudiosos atribuíram a autoria ao Conde de Oxford, Conde de Pembroke, Conde de Derby. Em nosso país, essa teoria foi apoiada por V.M. Friche. I.A. Aksenov acreditava que muitas peças não foram escritas por Shakespeare, mas apenas editadas por ele.

As teorias que negam a autoria de Shakespeare são insustentáveis. Surgiram com base na desconfiança daquelas tradições que serviram de fonte à biografia de Shakespeare e com base na relutância em ver o talento genial em uma pessoa de origem democrática que não se formou na universidade. O que se sabe sobre a vida de Shakespeare confirma plenamente sua autoria. Mente filosófica, visão de mundo poética, amplitude de conhecimento, visão profunda dos problemas morais e psicológicos - Shakespeare possuía tudo isso graças ao aumento da leitura, comunicação com o povo, participação ativa nos assuntos de sua época, atitude atenta à vida.

A carreira de Shakespeare é dividida em três períodos. No primeiro período (1591-1601), foram criados os poemas "Vênus e Adonis" e "Lucretia", sonetos e quase todas as crônicas históricas, com exceção de "Henrique VIII" (1613); três tragédias: "Titus Andronicus", "Romeu e Julieta" e "Júlio César". O gênero mais característico desse período era uma comédia alegre e brilhante ("A Megera Domada", "Sonho de uma Noite de Verão", "O Mercador de Veneza", "As Alegres Comadres de Windsor", "Muito Barulho por Nada" , “As You Like It”, “The Twelfth night”).

O segundo período (1601-1608) foi marcado pelo interesse pelos conflitos trágicos e pelos heróis trágicos. Shakespeare cria tragédias: Hamlet, Otelo, Rei Lear, Macbeth, Antônio e Cleópatra, Coriolano, Timão de Atenas. As comédias escritas nesse período já carregam um reflexo trágico; nas comédias "Troilus and Cressida" e "Measure for Measure" o elemento satírico é intensificado.

O terceiro período (1608-1612) inclui as tragicomédias "Péricles", "Cymbeline", "O Conto de Inverno", "A Tempestade", nas quais aparecem a fantasia e o alegorismo.

Os sonetos de Shakespeare (1592-1598, publicados em 1699) foram o ápice da poesia renascentista inglesa e um marco na história da poesia mundial. Até o final do século XVI. o soneto tornou-se o principal gênero da poesia inglesa. Os sonetos de Shakespeare, em sua profundidade filosófica, força lírica, sentimento dramático e musicalidade, ocupam um lugar de destaque no desenvolvimento da arte do soneto da época. Os 154 sonetos criados por Shakespeare são unidos pela imagem de um herói lírico que canta sua devotada amizade com um jovem maravilhoso e seu amor ardente e doloroso por uma senhora morena (A Dama Negra dos Sonetos). Os sonetos de Shakespeare são uma confissão lírica; o herói fala sobre a vida de seu coração, sobre seus sentimentos conflitantes; este é um monólogo apaixonado, denunciando com raiva a hipocrisia e a crueldade que reinavam na sociedade e se opondo a eles com valores espirituais duradouros - amizade, amor, arte. Os sonetos revelam o mundo espiritual complexo e multifacetado do herói lírico, que responde vivamente aos problemas do seu tempo. O poeta exalta a beleza espiritual do homem e ao mesmo tempo retrata a tragédia da vida nas condições da época.

A perfeição artística na expressão de profundas ideias filosóficas é inseparável da forma concisa e concisa do soneto. O soneto de Shakespeare usa o seguinte esquema de rimas: abab cdcd efef gg. Em três quadras, é dado um desenvolvimento dramático do tema, muitas vezes com a ajuda de contrastes e antíteses e na forma de uma imagem metafórica; o dístico final é um aforismo que formula o pensamento filosófico do tema.

A imagem de uma senhora morena no soneto 130 se distingue pela habilidade de um retrato lírico verdadeiro. Shakespeare recusa comparações educadas e eufemísticas, tentando retratar o rosto real de uma mulher:

Seus olhos não parecem estrelas, Seus lábios não podem ser chamados de corais, Sua pele aberta não é branca como a neve, E um fio se enrola como um fio preto. Com uma rosa damascena, escarlate ou branca, A tonalidade dessas bochechas não pode ser comparada. E o corpo cheira como o corpo cheira, Não como uma delicada pétala de violeta. (Traduzido por S. Marshak)

Entre os sonetos em que se expressam as ideias sociais mais importantes, destaca-se o soneto 66. Esta é uma denúncia raivosa de uma sociedade baseada na baixeza, na mesquinhez e no engano. Em frases lapidárias, nomeiam-se todas as úlceras de uma sociedade injusta. O herói lírico está tão preocupado com a terrível imagem do mal triunfante que se abriu diante dele que começa a clamar pela morte. O soneto, no entanto, termina com um vislumbre de humor leve. O herói se lembra de sua amada, por quem deve viver:

Tudo que vejo por aí é vil, Mas é uma pena te deixar, querido amigo!

Seu monólogo acusatório, que é uma explosão direta de indignação, o herói lírico profere de uma só vez. Isso é transmitido pela repetição da união "e" em dez versos poéticos. O uso das palavras "tir" d com todos esses "(estar exausto de tudo...) no início e no final do soneto enfatiza a conexão direta entre as vivências do herói lírico e os problemas sociais da época . O herói absorve em seu mundo espiritual tudo o que preocupa uma pessoa no mundo público. As experiências dramáticas do herói lírico são expressas na força de frases enérgicas, cada uma das quais é uma antítese que reproduz uma verdadeira contradição social. ver mais o Nada em trajes luxuosos, E uma falsa sentença à perfeição, E a virgindade, abusada rudemente, E a honra inadequada, a vergonha, E o poder no cativeiro na fraqueza desdentada...

Os intensos sentimentos do herói lírico correspondem à frequente e estrita alternância de assonâncias e aliterações:

E loucura - como um médico - habilidade de controle... E cativo bom cuidando do capitão doente...

Por meio da linguagem e do estilo, toda a força das emoções do herói excitado é transmitida com perfeição. O Soneto 146 é dedicado à grandeza de uma pessoa que, graças à sua busca espiritual e incansável ardor criativo, consegue alcançar a imortalidade.

Domine a morte em uma vida fugaz, E a morte morrerá, e você permanecerá para sempre.

As diversas conexões do mundo espiritual do herói lírico com vários aspectos da vida social da época são enfatizadas por imagens metafóricas baseadas em conceitos políticos, econômicos, jurídicos e militares. O amor é revelado como um sentimento real, então a relação dos amantes é comparada com as relações sócio-políticas da época. No soneto 26, aparecem os conceitos de dependência vassalo (vassalagem) e deveres diplomáticos (ambassagem); no soneto 46 - termos legais: "o réu nega provimento ao pedido" (o réu nega provimento ao recurso); no soneto 107, uma imagem associada à economia: “o amor é como um arrendamento” (o arrendamento do meu verdadeiro amor); no 2º soneto - termos militares: "Quando quarenta invernos sitiarem sua testa, E cavarem trincheiras profundas no campo da beleza .. .).

Os sonetos de Shakespeare são musicais. Toda a estrutura figurativa de seus poemas se aproxima da música.

A imagem poética em Shakespeare também se aproxima da imagem pictórica. Na arte verbal do soneto, o poeta se vale da lei da perspectiva descoberta pelos artistas renascentistas. O soneto 24 começa com as palavras: Meu olho se tornou um gravador e sua imagem Impressa em meu peito com verdade. Desde então tenho servido como uma moldura viva, E a melhor coisa na arte é a perspectiva.

O senso de perspectiva era uma forma de expressar a dinâmica do ser, a multidimensionalidade da vida real, a singularidade da individualidade humana*.

* Veja: Samarin P.M. realismo de Shakespeare. - M., 1964, cap. "A problemática estética dos sonetos de Shakespeare". A tragédia lírica dos sonetos é desenvolvida nas tragédias de Shakespeare. O soneto 127 antecipa o trágico tema de Otelo:

O preto não era considerado bonito, Quando a beleza era valorizada no mundo. Mas, aparentemente, a luz branca mudou, - O belo foi denegrido com desgraça.

O 66º soneto em miniatura contém o conteúdo filosófico e o tom lírico característico da tragédia "Hamlet".

Os sonetos de Shakespeare foram traduzidos para o russo por I. Mamun, N. Gerbel, P. Kuskov, M. Tchaikovsky, E. Ukhtomsky, N. Kholodkovsky, O. Rumer. As traduções de S.Ya. Marshak, publicadas em 1949, foram reconhecidas como as melhores, pois conseguiram transmitir a profundidade filosófica e a musicalidade dos sonetos de Shakespeare.

A visão de mundo humanista de Shakespeare é revelada com força especial na análise artística dos conflitos sócio-políticos e trágicas contradições na vida de uma pessoa e da sociedade, que é apresentada em suas crônicas históricas. A essência do gênero crônica histórica consiste na representação dramática de pessoas reais e eventos da história nacional. Ao contrário das tragédias, onde Shakespeare, no interesse do design, partiu de uma representação fiel dos fatos históricos, a crônica é caracterizada por uma reprodução fiel dos eventos históricos, que, no entanto, pressupõe conjectura artística e recriação artística do material*.

* Veja: Shvedov Yu.F. William Shakespeare: Estudos. - M., 1977; Komarova V.P. Personalidade e Estado nos Dramas Históricos de Shakespeare. - L., 1977.

As crônicas históricas de Shakespeare incluem dez peças:

"Henrique VI. Parte um "(A primeira parte do rei Henrique VI, 1590-1592);

"Henrique VI. Parte Dois "(A Segunda Parte do Rei Henrique VI, 1590-1592);

"Henrique VI. Parte Três "(A Terceira parte do Rei Henrique VI, 1590-1592);

"Richard III" (A Tragédia do Rei Ricardo III, 1592-1593);

"Richard II" (A Tragédia do Rei Ricardo II, 1595-1597);

"King John" (A Vida e Morte do Rei John, 1595-1597);

"Henrique IV. Parte um "(A primeira parte do rei Henrique IV, 1597-1598);

"Henrique IV. Parte dois "(A segunda parte do rei Henrique IV, 1597-1598);

"Henrique V" (A Vida do Rei Henrique V, 1598-1599);

"Henrique VIII" (A Famosa História da Vida do Rei Henrique VIII, 1612-1613).

Nas crônicas históricas, Shakespeare dá sua compreensão e sua interpretação de eventos históricos e ações de pessoas históricas. No material do passado, ele resolve os problemas que preocupavam os contemporâneos. A história em suas crônicas serve para conhecer o estado atual da sociedade. As crônicas, assim como as tragédias, são caracterizadas por um pathos ético, uma formulação filosófica do problema do bem e do mal, um interesse humanista pelo indivíduo e seu destino. As crônicas estão, de muitas maneiras, próximas não apenas das tragédias de Shakespeare, mas também das comédias de Shakespeare; eles dão uma descrição cômica do "fundo Falstaffiano".

O surgimento do gênero crônica histórica se deve às contradições da própria realidade inglesa. V. G. Belinsky justificou o desenvolvimento da crônica histórica na Inglaterra desta forma: “O drama histórico só é possível se os elementos heterogêneos da vida do estado lutarem. Não é à toa que o drama alcançou seu maior desenvolvimento apenas entre os ingleses; não é por acaso que Shakespeare apareceu na Inglaterra, e não em qualquer outro estado: em nenhum outro lugar os elementos da vida do estado estavam em tal contradição, em tal luta entre si, como na Inglaterra.

* Belinsky V. G. Poly. col. cit.: Em 13 volumes - M, 1954.-T. 5. - S. 496.

O apelo de Shakespeare ao gênero da crônica histórica também se deveu ao aumento do interesse público pela história nacional durante o período de luta para fortalecer o estado nacional. A fonte das tramas das crônicas históricas foi a já mencionada obra de R. Holinshed "Crônicas da Inglaterra, Escócia e Irlanda".

Na trilogia "Henrique VI" uma tela ampla é desenhada: a guerra das Rosas Escarlate e Branca é retratada, quando os barões ingleses se exterminaram brutalmente na luta destrutiva entre Lancasters e Yorks. Shakespeare mostrou corretamente as rixas sangrentas dos senhores feudais, condenando os dois lados em guerra. O dramaturgo defende um forte poder real que possa acabar com as guerras feudais. Portanto, ele condena o rei Henrique VI, um homem fraco, incapaz de governar o país, incapaz de pacificar os barões em guerra. Henrique VI não comete nenhuma atrocidade, mas é culpado de fugir do dever de chefe de estado e sonhar em abrir mão da coroa para se tornar pastor. Henrique VI morre justamente porque falhou em usar sabiamente o poder que lhe foi dado.

As crônicas históricas de Shakespeare mostram a força do povo. Os barões são forçados a levar em conta o humor das massas. A segunda parte de "Henry VI" retrata a revolta de John Cad em 1450. Shakespeare revelou o padrão de protesto popular que surgiu em conexão com a situação dos camponeses e artesãos urbanos devido ao conflito civil feudal. No entanto, Shakespeare viu como os senhores feudais usaram a revolta popular para seus próprios propósitos egoístas.

A trilogia "Henrique VI" descreve tais condições na vida da sociedade que levam ao surgimento de um tirano. A sangrenta rivalidade dos aristocratas foi um pré-requisito para a ascensão ao poder de Ricardo de Gloucester, o futuro Ricardo III. No final da trilogia, a personalidade sombria de Richard Gloucester torna-se cada vez mais influente.

Na peça "Richard III" esse personagem se torna central. A peça em si está próxima da tragédia em sua estrutura. A atenção ao curso dos acontecimentos históricos, característica de "Henrique VI", é substituída em "Ricardo III" pela atenção ao caráter do herói e seu conflito com os outros. Ricardo III aparece não apenas como um personagem que usurpa o poder, mas como uma personalidade psicologicamente convincente. Shakespeare desenvolve a caracterização acusatória dele como tirano, dada a ele no livro de Thomas More, The History of Richard III (1514-1518). Ricardo III é condenado por Shakespeare como um político que usa meios maquiavélicos para chegar ao poder, recorrendo a ações criminosas na luta pelo trono. Ele encobre sua crueldade e planos criminosos com argumentos hipócritas sobre o bem. Ao mesmo tempo, sozinho consigo mesmo, ele fala diretamente de sua astúcia, de sua intenção consciente de não contar com sua consciência.

Ricardo III é inteligente e corajoso, tem grande força de vontade, conquistando aqueles que o tratam com desconfiança e hostilidade. Seu comportamento é um jogo que engana muitos. Ele conseguiu seduzir Anna, sabendo que havia matado o marido dela. Há um começo titânico na aparência vil de Ricardo III. Não é por acaso que V. G. Belinsky escreveu: “Um rosto trágico certamente deve despertar a participação. O próprio Ricardo III é um monstro da vilania, desperta a participação em si mesmo com um poder gigantesco do espírito. Ricardo III, que justificou sua crueldade com as palavras: “O punho é nossa consciência e a lei é nossa espada”, finalmente experimenta dores de consciência e, diante da morte, se condena por quebrar seu juramento, cometer assassinatos e, assim, condenando-se à solidão.

* Belinsky V. G. Poly. col. cit.: Em 13 volumes - M, 1955. - T. 7. - S. 534.

A ação da peça é a concretização dos astutos planos vilões do protagonista, demonstra a arte da intriga de Ricardo III, que ele próprio atua como ator e diretor em cenas de violência e assassinato. Ele joga com confiança e ousadia, suas ações levam ao sucesso: ele busca o trono. Mas, tendo se tornado rei, o tirano sente que não pode fortalecer seu poder por meio de crimes.

Condenando a tirania, Shakespeare apresenta a ideia de uma monarquia que possa estabelecer a paz e a tranquilidade no país. O tirano Ricardo III se opõe ao conde de Richmond, o fundador da dinastia Tudor. Esta imagem é apenas delineada aqui, mas seu significado ideológico e compositivo é grande: a ideia da necessidade de lutar contra o despotismo, das leis da vitória sobre a tirania, está ligada a ela. O tema do monarca, cuidando do bem do país, delineado na imagem de Richmond, cresce na próxima crônica - "King John" - no tema de um monarca patriótico. A peça foi criada em um momento em que a Inglaterra se sentia ameaçada pela Espanha católica. Portanto, o tema do patriotismo e o tema da condenação do catolicismo tornaram-se centrais na crônica. O tema do patriotismo é revelado nas imagens de John the Landless e Bastard Fockenbridge.

A posição patriótica de Shakespeare é o principal critério para avaliar o comportamento dos personagens da peça "Ricardo II". Em sua trama, este drama se aproxima de "Edward II" de Christopher Marlowe. Em ambas as obras, a recusa do rei depravado da coroa e sua morte são retratadas. No entanto, a semelhança da situação do enredo é explicada não tanto pela influência do drama de Marlo no drama de Shakespeare, mas pela proximidade dos destinos de figuras históricas. O astuto Ricardo II sente que o tempo se voltou contra ele. Em estado de profunda crise espiritual, ele recusa a coroa.

O duque Henry Bolingbroke, o antagonista de Ricardo II, é um político inteligente e sutil. A coragem e coragem de Bolingbroke despertou a simpatia do povo por ele. O duque usa habilmente sua popularidade entre as pessoas comuns para realizar seus planos ambiciosos. Shakespeare trata o patriotismo de Bolingbroke com grande simpatia, mas fala com óbvia hostilidade de sua hipocrisia, prudência e ambição. A usurpação do poder é representada por um ato imoral que leva a um crime - o assassinato de Richard P.

Os melhores dramas históricos de Shakespeare são as duas partes "Henry IV" e "Henry V". Bolingbroke, que se tornou o rei Henrique IV, entra em conflito com os senhores feudais. Seus principais adversários são os barões da família Percy. Levantando uma rebelião contra o rei, os senhores feudais agem de forma inconsistente, interesses egoístas os impedem de se unir. Como resultado dessa desunião durante a rebelião, o bravo Henry Percy, apelidado de Hotspur ("Hot Spur"), morre tragicamente. E nesta crônica, Shakespeare mostra a inevitabilidade da derrota dos senhores feudais em confronto com o poder real. No entanto, o Cavaleiro de Hotspur é retratado em termos positivos. Ele evoca simpatia por sua lealdade ao ideal de honra militar, coragem e destemor. Shakespeare é atraído pelas qualidades morais de um bravo cavaleiro. Mas ele não aceita Hotsper como uma pessoa que expressa os interesses dos senhores feudais e está associado a forças que estão desaparecendo no passado. Hotspur atua como adversário de Henrique IV, Príncipe Harry e Falstaff, e ele é claramente inferior a esses heróis, que representam as novas forças em evolução da sociedade. A peça reflete a regularidade objetiva do tempo: a morte trágica dos senhores feudais e o estabelecimento gradual de uma nova força - o absolutismo.

O rei Henrique IV, tendo se encontrado no trono graças a habilidosas ações diplomáticas, acaba perdendo sua atividade e, como seus predecessores, encontra-se em estado de crise moral. Henrique IV está preocupado por não ter conseguido livrar o país das guerras fratricidas. Pouco antes da morte do doente Henrique IV, afastando-se de sua antiga suspeita e sigilo, em conversa com seu filho, ele expressa diretamente sua preocupação com o destino da Inglaterra, dando conselhos ao príncipe Harry sobre assuntos públicos. Henrique IV não conseguiu encerrar a luta contra os senhores feudais porque ele próprio sempre agiu como senhor feudal e chegou ao poder como senhor feudal, tendo usurpado o trono.

O papel mais importante na trama de ambas as partes de "Henrique IV" é desempenhado pela imagem do Príncipe Harry, o futuro Rei Henrique V. De acordo com a lenda que existia no Renascimento, Shakespeare apresentou o Príncipe Harry como um sujeito dissoluto, entregando-se a divertidas e engraçadas aventuras na companhia de Falstraff. Mas, apesar de sua devassidão, o príncipe Harry é um homem moralmente puro. Embora na realidade o príncipe Harry fosse um aventureiro cruel, Shakespeare o retratou como um jovem maravilhoso. A idealização do príncipe é causada pela crença de Shakespeare na natureza progressiva de uma monarquia absoluta que unifica a nação.

O personagem do Príncipe Harry é multifacetado. Ele age de forma decisiva e corajosa na batalha, vivo e direto ao lidar com o povo, inteligente e perspicaz nos assuntos de estado. O príncipe Harry passa sua vida no entretenimento, junto com Falstaff, Bardolph e Pistol, ele se diverte na Boar's Head Tavern. Mas mesmo nas cenas de farra, Harry continua sendo um homem nobre. Ele atrai com uma atitude gentil para com as pessoas comuns, a capacidade de encontrar uma linguagem comum com elas. Levando a vida de um sujeito dissoluto, o príncipe ao mesmo tempo pensa muito seriamente em como chegará ao poder e governará o país. A comunicação democrática com as classes mais baixas da sociedade para o príncipe Harry é uma forma de amplo conhecimento daqueles que se tornarão seus súditos.

As crônicas históricas "Henrique IV" e "Henrique V" retratam os heterogêneos estratos plebeus da sociedade - camponeses, servos, soldados, comerciantes, o chamado "fundo de Falstaff". O realismo do drama histórico foi determinado pela representação multifacetada e multifacetada da sociedade. Levantar a questão da posição do povo, da relação do monarca com o povo, adquire grande importância. "O passado de Falstaff" é um retrato realista da vida das classes mais baixas da sociedade, não apenas da época em que se passa a ação das crônicas, mas também da Inglaterra contemporânea a Shakespeare.

Entre os personagens do “fundo Falstaffiano”, a brilhante imagem cômica de Sir John Falstaff se destaca em primeiro lugar. Este cavaleiro gordo causa risos com suas travessuras sem fim e fala espirituosa. Existem muitos vícios em Falstaff. Ele é um libertino, um bêbado, um mentiroso e um ladrão. Daí os toques satíricos nesta imagem. Mas o principal em Falstaff é o elemento diversão, jogo artístico, engenhosidade sem fim. Esta imagem transmite o encanto da natureza humana não limitada por convenções sociais. Falstaff é bem-humorado e franco, alegre e alegre, empreendedor e sábio. O malandro e travesso Falstaff, que aparece rodeado de personagens cômicos, encarna o espírito alegre do Renascimento, opondo-se tanto à moral religiosa da Idade Média quanto à hipocrisia puritana dos círculos burgueses. Falstaff ri do fanatismo religioso. Um nobre e cavaleiro empobrecido, ele vive de roubos nas estradas. Consciente do poder do dinheiro, ele ao mesmo tempo não se curva diante deles. Ao contrário da burguesia, Falstaff é privado da sede de entesouramento ou mesquinharia e frugalidade. Ele precisa de dinheiro para aproveitar a vida.

Falstaff se opõe a Hotspur com sua rejeição à honra de cavaleiro. A honra cavalheiresca dos senhores feudais foi reduzida à participação obrigatória em guerras internas. O cavaleiro Falstaff tem uma atitude negativa em relação à honra cavalheiresca precisamente porque vê a crueldade sem sentido da guerra. Falstaff é uma imagem cômica de um guerreiro da época. Ele está muito preocupado com sua vida, que é mais cara para ele do que qualquer coisa no mundo, portanto, ele não serve muito, encobrindo sua falta de zelo de serviço com astúcia e mentiras.

Falstaff é encantador com seu amor ilimitado pela vida, fantasia desenfreada, bufonaria lúdica, autoconfiança, crítica perspicaz e espirituosa da moralidade feudal. Os julgamentos cínicos de Falstaff são uma forma na qual a essência pouco atraente das relações na sociedade feudal é revelada e enfatizada.

Uma das imagens mais significativas criadas por Shakespeare, Falstaff representa o mundo cômico do drama shakespeariano, enquanto Hamlet marca o mundo da tragédia. A imagem de Falstaff é uma correspondência cômica ao plano trágico do conteúdo principal das crônicas históricas. Aqueles problemas que são revelados no enredo principal em um aspecto trágico, no "fundo Falstaffiano" são apresentados de forma cômica. A fala de Falstaff é apresentada em prosa, em contraste com a fala poética de personagens trágicos. Sua fala é direta, revela com muita naturalidade a cultura do riso da língua popular. Freqüentemente, as piadas de Falstaff são baseadas em jogar com o som homônimo das palavras, na paródia. A imagem cômica de Falstaff também se baseia na discrepância sublinhada entre a aparência de um ativista idoso e gordo e as ações e declarações alegres e ousadas de um jovem em espírito.

O príncipe Harry é amigo do espirituoso hedonista Falstaff. Quando o príncipe se torna o rei Henrique V, ele remove Falstaff de si mesmo. Nessas relações de personagens, há ecos da relação real entre Henrique V e Sir John Oldcastle, considerado o protótipo de Falstaff.

A relação entre Falstaff e o príncipe Harry é cheia de significado profundo. Graças à amizade com Falstaff, o príncipe Harry se une ao espírito renascentista de crítica e alegria, conhece a vida e os costumes do povo. Nas relações com o príncipe Harry, Falstaff está confiante; ele considera o príncipe seu verdadeiro amigo. Nesse afeto amigável, generosidade espiritual da personalidade renascentista, a superioridade de Falstaff sobre o "monarca ideal" se manifesta. Mas Falstaff é inferior ao príncipe Harry em uma avaliação sóbria de novas circunstâncias. A ruptura do príncipe Harry com Falstaff é inevitável. O “monarca ideal” Henrique V, tendo chegado ao poder, abandona os ex-homens livres renascentistas. Nem humor nem generosidade são necessários para fortalecer um regime absolutista.

No primeiro período de criatividade, junto com as crônicas históricas, Shakespeare criou comédias alegres e otimistas nas quais uma pessoa atua como criadora de sua própria felicidade, superando situações dramáticas às vezes difíceis. As comédias incluem as seguintes peças: A Comédia dos Erros (1591), A Megera Domada (1594), Os Dois Cavalheiros de Verona (1594-1595), Os esforços infrutíferos do amor "(Love "s Labor" s Lost, 1594 -1595), "Sonho de uma noite de verão" (Sonho de uma noite de verão, 1594-1595), "O Mercador de Veneza" (O Mercador de Veneza, 1595), "As Alegres Comadres de Windsor" (As Alegres Comadres of Windsor, 1597), "Much Ado about Nothing" (Much Ado about Nothing, 1598-1599), "As You Like It" (As You Like It, 1599-1600), "Twelfth Night, or Anything" (Twelfth Night ; ou What You Will, 1600).

Na divertida farsa A Megera Domada, aparecem os brilhantes personagens de Catarina e Petruchio, destacando-se entre os calculistas citadinos de Pádua. Katarina tem fama de ser uma garota teimosa, enquanto sua irmã Bianca é conhecida por sua mansidão. A obstinação e grosseria de Katarina é apenas uma forma de defender a sua dignidade, uma forma de resistir aos cálculos mesquinhos, ao despotismo do pai e aos pretendentes que assediam a casa. Katharina se irrita com a falta de rosto de Bianchi, a planície dos pretendentes. Com sua grosseria de sempre, ela também conhece Petruchio. Um longo duelo começa entre eles, pelo que ambos sentem que não são inferiores um ao outro em energia, fortaleza, amor pela vida e inteligência, que são dignos um do outro em mente e vontade.

A ideia do triunfo da vida e do amor também é revelada na comédia Sonho de uma noite de verão. O mundo poético desta comédia está numa bizarra mistura do terreno, do real, com o fabuloso, o fantástico. Nesta comédia, o humanista Shakespeare contrasta a natureza convencional da moralidade tradicional com a naturalidade natural dos sentimentos e paixões humanas. O tema do amor é abordado aqui de forma lírica e bem-humorada. O amor dos jovens heróis é um sentimento puro e brilhante. Ele vence, apesar de todos os caprichos e peculiaridades dos personagens humanos e do comportamento humano.

Existem conflitos profundamente dramáticos e até motivos trágicos na comédia de Shakespeare. A este respeito, a comédia "O Mercador de Veneza" é típica. Tendo como pano de fundo a alegre atmosfera carnavalesca de Veneza, há um choque agudo entre o mundo da alegria, confiança e nobreza e o mundo do interesse próprio, ganância e crueldade. Nesta comédia, Shakespeare desenvolveu os motivos do conto de Giovanni Fiorentino, dando-lhes profundidade dramática. A peça contrasta fortemente aqueles que valorizam mais a amizade altruísta - Portia, Antonio, Bassanio e aqueles que subordinam todas as relações humanas a interesses proprietários. Antonio pede dinheiro emprestado ao penhorista Shylock para ajudar seu amigo Bassanio, que é apaixonado por Portia. Antonio, que não devolveu o dinheiro emprestado no prazo, compareceu ao tribunal. O cruel Shylock, segundo o projeto de lei, exige de Antonio meio quilo de sua carne pelo não pagamento da dívida. Portia, disfarçada de advogada, fala em defesa de Antonio. O bem triunfa sobre o mal. Os jovens derrotam o usurário.

A imagem de Shylock é apresentada na comédia não apenas como a personificação do mal. O personagem de Shylock é complexo. A versatilidade de Shylock foi notada por Pushkin: "Shylock é mesquinho, perspicaz, vingativo, amante de crianças, espirituoso"*. Há um começo trágico nesta imagem. Shylock é mostrado como um usurário cruel e vingativo, mas ao mesmo tempo como um homem que sofre por sua posição humilhada na sociedade. Com grande senso de dignidade humana, Shylock diz que as pessoas são iguais por natureza, apesar da diferença de nacionalidades. Shylock ama sua filha Jessica e fica chocado por ela ter fugido de sua casa. Algumas de suas características Shylock podem causar simpatia, mas em geral ele é condenado como um predador, como uma pessoa que não conhece a misericórdia, como "aquele que não tem música na alma". O mundo maligno de Shylock se opõe na comédia ao mundo brilhante e alegre de generosidade e nobreza. Heinrich Heine, em Shakespeare's Girls and Women (1838), escreveu: "Portia é uma personificação harmoniosamente clara de alegria brilhante, em oposição ao infortúnio sombrio que Shylock incorpora" **.

* Pushkin-crítico. - M, 1950. - S. 412. See More

** Heine G. Sobr. cit.: Em 10 volumes - M; L., 1958. - T. 7. - S. 391.

Na alegre comédia doméstica As Alegres Comadres de Windsor, toda uma galeria de imagens cômicas é apresentada: a estupidez do juiz Shallow, seu sobrinho Slender, é ridicularizada, o pastor Hugh Evans está brincando. Todo um grupo de personagens cômicos da crônica histórica "Henry IV" passou para esta comédia - Falstaff, Bardolph, Shallow, Pistol, Mrs.

A imagem de Falstaff sofre mudanças significativas em As Alegres Comadres de Windsor. Ele perdeu seu pensamento livre, humor, engenhosidade. Agora Falstaff desempenha o papel de uma burocracia infeliz, que aprendeu uma lição com as esposas de Windsor. Uma vez em um ambiente de classe média, ele se torna um habitante miserável e monótono, torna-se prudente e econômico.

A comédia "As Alegres Comadres de Windsor" está imbuída de uma divertida atmosfera carnavalesca. Mas, ao contrário de outras comédias, a ação nela se passa em um ambiente burguês, o que dá a Shakespeare a oportunidade de transmitir em maior medida a vida real e os costumes da época, principalmente em cenas que retratam a existência cotidiana dos Pages e Fords, a vida de uma pousada, o duelo de Caius com Evans, o exame de Page.

A intriga caprichosa e o cenário da ação na comédia Muito Barulho por Nada são retirados das obras de Bandello e Ariosto. Shakespeare introduziu no conhecido enredo, que também foi usado por Spencer, uma combinação original do trágico e do cômico.

A comédia As You Like It, baseada no romance pastoral Rosalind, or the Golden Legacy of Euphues, de Thomas Lodge, é essencialmente uma paródia do estilo pastoral. A vida no seio da natureza, na floresta das Ardenas, é uma espécie de utopia, uma expressão do sonho de uma vida simples e natural. A cor geral da comédia é determinada não pelo elemento pastoral, mas pelas tradições folclóricas das baladas sobre Robin Hood. Não apenas os pastores Sylvius e Phoebe vivem na floresta das Ardenas, mas também exilados: o duque destronado, Rosalind, perseguido por seu tio cruel, roubado por seu irmão Orlando. O mundo humano dos habitantes da floresta das Ardenas se opõe à cruel e gananciosa sociedade moderna. A crítica satírica aos vícios da sociedade aristocrática é dada nas declarações do espirituoso bobo da corte Touchstone com seu humor popular e o melancólico Jacques. Jester Touchstone julga de maneira muito simples e correta a vida da camponesa Audrey.

O elemento humorístico da peça é combinado com o tema lírico dos sentimentos ternos de Orlando e Rosalinda. Um resultado peculiar da comédia de Shakespeare do primeiro período de criatividade foi a comédia Twelfth Night, or Anything. Escrito no enredo de um dos contos de Bandello, ganhou esse nome porque foi encenado na décima segunda noite depois do Natal, quando acabou a diversão das festas natalinas. Noite de Reis foi a última das alegres comédias carnavalescas de Shakespeare.

Na Noite de Reis, Shakespeare penetra nas profundezas do coração humano, fala de surpresas no comportamento humano, de movimentos espirituais imprevistos, da seletividade dos sentimentos. A base da intriga cômica é uma coincidência acidental que mudou abruptamente o destino de uma pessoa. A comédia afirma a ideia de que, apesar de todos os caprichos do destino, uma pessoa deve lutar pela sua própria felicidade.

O cenário da peça é o exótico país da Ilíria. Seu governante, o duque Orsino, vive no mundo encantador do amor e da música. O maior valor para ele é o amor. Orsino está apaixonado por Olivia, que não retribui seus sentimentos. Ela vive reclusa, passando o tempo em pensamentos tristes sobre seu irmão morto. Viola, que sobreviveu ao naufrágio, encontra-se nos domínios do duque. Disfarçada de homem, ela, sob o nome de Cesário, entra ao serviço do duque. Viola Cesário se apaixona por Orsino, mas abnegadamente atende ao pedido do duque de ir até Olivia e contar a ela sobre seu amor.

A perseverança de Cesário, que procurou entrar na casa de Olívia, a sua eloquência dirigida a ela, cativam o recluso. Olívia se apaixona por Cesário, confessa sua paixão por ele e fala de amor:

O amor é sempre belo e desejável, principalmente quando é inesperado. (Traduzido por E. Lipetskaya)

Pela vontade do destino, o irmão de Viola, Sebastian, que desapareceu durante um naufrágio, acaba na Ilíria, muito parecido com sua irmã. Olivia, que conheceu Sebastian, o confunde com Cesario. Quando o segredo é revelado, casamentos felizes acontecem.

No sistema de imagens da comédia, um lugar importante pertence ao bufão Festa. A peculiaridade de Feste é que seu humor é triste. Ele fala da transitoriedade da vida e da felicidade, da inevitabilidade da morte. Jester Feste, junto com uma companhia de companheiro alegre e brincalhão Toby Belch, provoca o mordomo de Olivia, o arrogante puritano Malvolio. Malvolio carece de senso de humor. As piadas de Feste o irritam. O sombrio Malvolio é inimigo da diversão e da alegria. Tudo o que ele diz é uma contínua edificação e censura. Em resposta à severidade puritana de Malvolio, Toby Belch diz a ele as palavras que se tornaram aladas na Inglaterra: “Você acha que se você for um santo, não haverá mais tortas ou cerveja bêbada no mundo?”

No primeiro período de criatividade, Shakespeare criou três tragédias: "Titus Andronicus" (Titus Andronicus, 1594), "Romeu e Julieta" (Romeu e Julieta, 1595), "Júlio César" (Júlio César, 1599).

"Titus Andronicus" foi escrito no gênero de "tragédia sangrenta", na tradição das tragédias de Sêneca. Os episódios da trama desta peça são assassinatos seguidos um após o outro. Vinte filhos de Titus Andronicus morrem, sua filha e ele mesmo, muitos outros personagens morrem. O comandante Titus Andronicus é fiel ao seu dever patriótico para com Roma. No entanto, a alta moralidade de um patriota não salva mais Roma da decadência. Os insidiosos e cruéis Saturninus, Tamora e o mouro Aron entram na luta com Titus Andronicus. A colisão dramaticamente aguda é revelada, no entanto, como uma cadeia de atrocidades sangrentas, sem tocar profundamente na essência do trágico conflito.

A arte trágica de Shakespeare, em toda a sua perfeição, apareceu pela primeira vez na tragédia Romeu e Julieta. Como fonte, Shakespeare usou o poema "Romeu e Julieta" de Arthur Brooke (1562), que em seu enredo remonta às obras de autores italianos. Partindo do poema de Brooke, Shakespeare criou uma obra que é original em ideia e habilidade artística. Ele canta nele a sinceridade e a pureza do sentimento juvenil, canta o amor, livre dos grilhões da moral feudal medieval. V. G. Belinsky diz o seguinte sobre a ideia desta peça: “O pathos do drama de Shakespeare Romeu e Julieta é a ideia de amor e, portanto, discursos patéticos entusiásticos saem dos lábios dos amantes em ondas de fogo, brilhando com a luz brilhante das estrelas ... Este é o pathos do amor, porque nos monólogos líricos de Romeu e Julieta pode-se ver não só a admiração mútua, mas também um reconhecimento solene, orgulhoso, extático do amor como sentimento divino.

* Belinsky V. G. Poly. col. cit.: Em 13 volumes - T. 7. - S. 313.

Em "Romeu e Julieta" há uma conexão tangível com as comédias de Shakespeare. A proximidade com a comédia se reflete no protagonismo do tema do amor, na personagem cômica da ama, na sagacidade de Mercutio, na farsa com os criados, no clima carnavalesco do baile na casa dos Capuleto, na coloração brilhante e otimista de toda a peça. Porém, no desenvolvimento do tema principal - o amor de jovens heróis - Shakespeare se volta para o trágico. O início trágico aparece na peça na forma de um conflito de forças sociais, e não como o drama de uma luta espiritual interna.

A causa da trágica morte de Romeu e Julieta é a rixa familiar das famílias Montague e Capulet e a moralidade feudal. O conflito entre famílias tira a vida de outros jovens - Tybalt e Mercutio. Este último, antes de sua morte, condena esta contenda: "Uma praga em ambas as suas casas." Nem o duque nem os habitantes da cidade conseguiram impedir a inimizade. E somente após a morte de Romeu e Julieta vem a reconciliação dos guerreiros Montagues e Capulets.

O sentimento elevado e brilhante dos amantes marca o despertar de novas forças na sociedade no alvorecer de uma nova era. Mas o choque entre a velha e a nova moral inevitavelmente leva os heróis a um fim trágico. A tragédia termina com uma afirmação moral da vitalidade dos belos sentimentos humanos. A tragédia de "Romeu e Julieta" é lírica, é permeada pela poesia da juventude, pela exaltação da nobreza da alma e pelo poder conquistador do amor. As palavras finais da peça são alimentadas com tragédia lírica:

Mas não há história mais triste no mundo do que a história de Romeu e Julieta. (Traduzido por T. Shchepkina-Kupernik)

Nos personagens da tragédia, revela-se a beleza espiritual de um homem do Renascimento. O jovem Romeu é uma pessoa livre. Ele já se afastou de sua família patriarcal e não está preso à moral feudal. Romeu encontra alegria em se comunicar com os amigos: seu melhor amigo é o nobre e corajoso Mercutio. O amor por Julieta iluminou a vida de Romeu, fez dele uma pessoa corajosa e forte. Na rápida ascensão dos sentimentos, na explosão natural da paixão juvenil, começa o florescimento da personalidade humana. Em seu amor, cheio de alegria vitoriosa e pressentimento de problemas, Romeu age como uma natureza ativa e enérgica. Com que coragem ele suporta a dor causada pela notícia da morte de Julieta! Quanta determinação e valor ao perceber que a vida sem Julieta é impossível para ele!

Para Julieta, o amor se tornou uma façanha. Ela heroicamente luta contra a moralidade Domostroy de seu pai e desafia as leis da rixa de sangue. A coragem e a sabedoria de Julieta se manifestaram no fato de ela ter superado o antigo conflito entre duas famílias. Apaixonada por Romeu, Julieta rejeita as convenções cruéis das tradições sociais. O respeito e o amor por uma pessoa são mais importantes para ela do que todas as regras consagradas pela tradição. Julieta diz:

Afinal, apenas seu nome é meu inimigo, E você - é você, não os Montagues.

No amor, a bela alma da heroína é revelada. Juliet é cativante com sinceridade e ternura, ardor e devoção. Apaixonada por Romeu a vida inteira. Após a morte de seu amado, não pode haver vida para ela, e ela corajosamente escolhe a morte.

O monge Lorenzo ocupa um lugar importante no sistema de imagens da tragédia. O Irmão Lorenzo está longe do fanatismo religioso. Este é um cientista humanista, ele simpatiza com as novas tendências e aspirações de amor à liberdade emergentes na sociedade. Então, ele ajuda, do que pode, Romeu e Julieta, que são forçados a esconder seu casamento. O sábio Lorenzo entende a profundidade dos sentimentos dos jovens heróis, mas vê que seu amor pode levar a um fim trágico.

Pushkin apreciou muito essa tragédia. Ele chamou as imagens de Romeu e Julieta de "criações encantadoras da graça de Shakespeare" e Mercutio - "refinado, afetuoso, nobre", "a face mais maravilhosa de toda a tragédia". No geral, Pushkin falou dessa tragédia da seguinte maneira: “Ela refletia a Itália, contemporânea do poeta, com seu clima, paixões, feriados, felicidades, sonetos, com sua linguagem luxuosa, cheia de brilho e concetti”.

A tragédia "Júlio César" completa o ciclo das crônicas históricas e prepara o surgimento das grandes tragédias de Shakespeare. O dramaturgo usou o material das Vidas Comparadas de Plutarco e criou uma tragédia histórica original, na qual deu uma compreensão profunda dos problemas do poder do estado, a natureza de um político, a relação entre as visões filosóficas de um político e suas ações práticas, os problemas de moralidade e política, personalidade e pessoas. Voltando em "Júlio César" aos conflitos históricos do século I. AC, quando em Roma se deu a transição do domínio republicano para o regime autocrático, Shakespeare também tinha em mente os conflitos sócio-políticos da Inglaterra contemporânea, onde a posição isolada dos senhores feudais foi substituída pelo poder absolutista.

Shakespeare simpatiza com os republicanos, mostrando seu valoroso serviço à sociedade, mas ao mesmo tempo sabe que os cesarianos agem de acordo com as exigências da época. As tentativas de Brutus de restaurar a república estão fadadas ao fracasso, pois ele age contrariando os ditames da época. Ele concorda com o assassinato de César porque vê nele o principal oponente da república. Mas Brutus não consegue convencer o povo do bem do governo republicano, já que o povo, de acordo com o espírito da época, mantém um regime de autocracia na época. O povo está pronto para reconhecer Brutus como governante, mas quer ver nele um novo e melhor César. A voz do povo está tragicamente em desacordo com o que Brutus está lutando; o povo diz: "que ele se torne César", "nele coroaremos tudo de melhor de César". Convencido de que a república está condenada, Brutus comete suicídio.

Se nas crônicas o povo era uma das forças ativas, um dos muitos heróis, então em "Júlio César" o povo pela primeira vez nos dramas de Shakespeare se torna o personagem principal. Tanto os republicanos quanto os cesarianos são forçados a contar com ele. A imagem do povo é especialmente expressiva no cenário da disputa política entre republicanos e cesarianos no fórum sobre o cadáver do recém assassinado César. Essa disputa é resolvida pelo povo, que fica do lado do cesariano Marco Antônio. A tragédia "Júlio César" atesta a profunda penetração de Shakespeare nas contradições sócio-históricas, nos trágicos conflitos da sociedade.

No segundo período de criatividade na visão de mundo de Shakespeare, ocorrem mudanças significativas. Eles foram determinados pela atitude do dramaturgo em relação a novos fenômenos na vida sócio-política da sociedade inglesa. O poder absolutista revelava cada vez mais claramente sua corrupção, perdia seu significado progressivo. Surgiram contradições entre o Parlamento e a Rainha Elizabeth. Com a chegada ao poder de James I Stuart (1603), um regime feudal reacionário foi estabelecido no país. As contradições entre o parlamento e o poder real se aprofundaram ainda mais. As massas do povo estavam em uma situação angustiante. A crise do sistema feudal-absolutista e a discrepância entre a política dos Stuarts e os interesses da burguesia causaram o crescimento da oposição burguesa ao absolutismo. Os pré-requisitos para uma revolução burguesa estão surgindo no país.

Nessas condições, Shakespeare parte da crença em um monarca ideal. O pathos crítico de sua obra se intensifica. Shakespeare se opõe tanto à reação feudal quanto ao egoísmo burguês.

O caráter alegre, ensolarado e carnavalesco de muitas obras do primeiro período de criatividade é substituído por pesadas reflexões sobre os problemas da vida em sociedade, sobre a desordem do mundo. O novo período da obra de Shakespeare é caracterizado pela formulação de grandes problemas sociais, políticos e filosóficos, uma análise profunda dos trágicos conflitos da época e da tragédia da personalidade do tempo de transição. Este foi o período da criação de grandes tragédias, nas quais Shakespeare transmitiu a natureza histórica das trágicas colisões e catástrofes que surgiram na era do colapso do mundo patriarcal-cavaleiro e da entrada na arena da história de predadores cínicos representando novas relações capitalistas.

O segundo período da obra de Shakespeare abre com a tragédia Hamlet (Hamlet, Príncipe da Dinamarca, 1600-1601). As fontes da tragédia foram a "História dos dinamarqueses" de Saxo Grammaticus, "Os contos trágicos" de Belforet, "A tragédia espanhola" de Thomas Kyd e a peça de Thomas Kyd sobre Hamlet, que não chegou até nós.

Em diferentes épocas, o "Hamlet" de Shakespeare foi percebido de maneira diferente. É conhecido o ponto de vista de Goethe, expresso por ele no romance “Os anos do ensino de Wilhelm Meister” (1795-1796). Goethe via a tragédia como puramente psicológica. No personagem de Hamlet, ele enfatizou a fraqueza da vontade, que não correspondia ao grande feito que lhe foi confiado.

VG Belinsky no artigo “Hamlet, o drama de Shakespeare. Mochalov como Hamlet (1838) expressa uma visão diferente. Hamlet, segundo V. G. Belinsky, derrota a fraqueza de sua vontade e, portanto, a ideia principal da tragédia não é a fraqueza da vontade, mas “a ideia de desintegração devido à dúvida”, a contradição entre os sonhos da vida e a própria vida, entre o ideal e a realidade. Belinsky considera o mundo interior de Hamlet em formação. A fraqueza de vontade, portanto, é considerada um dos momentos do desenvolvimento espiritual de Hamlet, um homem forte por natureza. Usando a imagem de Hamlet para caracterizar a trágica situação do povo pensante na Rússia dos anos 30 do século XIX, Belinsky criticou a reflexão, que destruiu a integridade de uma personalidade ativa.

I.S. Turgenev nos anos 60 do século XIX. refere-se à imagem de Hamlet para dar uma avaliação sócio-psicológica e política do "Hamletismo" de "pessoas supérfluas". No artigo "Hamlet e Dom Quixote" (1860), Turgenev apresenta Hamlet como um egoísta, um cético que duvida de tudo, não acredita em nada e, portanto, não é capaz de agir. Ao contrário de Hamlet, Dom Quixote na interpretação de Turgenev é um entusiasta, um servo de uma ideia que acredita na verdade e luta por ela. I.S. Turgenev escreve que pensamento e vontade estão em uma lacuna trágica; Hamlet é um homem pensante, mas obstinado, Dom Quixote é um entusiasta obstinado, mas meio louco; se Hamlet é inútil para as massas, então Dom Quixote inspira o povo à ação. Ao mesmo tempo, Turgenev admite que Hamlet está próximo de Dom Quixote em sua implacabilidade com o mal, que as pessoas percebem as sementes do pensamento de Hamlet e as espalham pelo mundo.

Na crítica literária soviética, uma interpretação profunda da tragédia "Hamlet" foi dada nas obras de A.A. Anikst, A.A. Smirnov, R.M. Samarin, I.E. Vertsman, L.E. Pinsky, Yu.F. .* * Veja: Anikst A.A. A obra de Shakespeare. - M., 1963; seu próprio. Shakespeare: O ofício do dramaturgo. - M., 1974; Smirnov A.A. Shakespeare. - EU.; M., 1963; Samarin P.M. realismo de Shakespeare. - M., 1964; V e r c m a n I.E. Hamlet de Shakespeare. - M., 1964; Pinsky L.E. Shakespeare: Fundamentos da Dramaturgia. - M., 1971; Shvedov Yu.F. A evolução da tragédia de Shakespeare. -M., 1975.

Aluno da Universidade de Wittenberg, Hamlet na corte do rei dinamarquês Cláudio em Elsinore sente-se solitário. A Dinamarca parece uma prisão para ele. Já no início da tragédia, é indicado um conflito entre o pensador humanista Hamlet e o mundo imoral de Cláudio, entre uma personalidade amante da liberdade e o poder absolutista. Hamlet percebe o mundo tragicamente. O Príncipe entende profundamente o que está acontecendo em Elsinore. Conflitos na corte de Cláudio, ele compreende como um estado de paz. O intelecto de Hamlet, seus sábios julgamentos aforísticos revelam a essência das relações na sociedade da época. Em Hamlet, como uma tragédia de uma pessoa pensante em uma sociedade injusta, o intelecto do herói é poetizado. A mente de Hamlet se opõe à irracionalidade e obscurantismo do despótico Cláudio.

O ideal moral de Hamlet é o humanismo, de cujas posições se condena o mal social. As palavras do Fantasma sobre o crime de Cláudio serviram de impulso para o início da luta de Hamlet contra o mal social. O príncipe está determinado a se vingar de Claudius pelo assassinato de seu pai. Claudius vê Hamlet como seu principal antagonista, então ele diz a seus cortesãos Polonius, Rosencrantz e Guildenstern para espioná-lo. O perspicaz Hamlet desvendou todas as artimanhas do rei, que tentava descobrir seus planos e destruí-lo. O crítico literário soviético L. E. Pinsky chama Hamlet de tragédia do conhecimento da vida: “... Um herói que é ativo por natureza não realiza o ato esperado porque conhece perfeitamente seu mundo. Esta é uma tragédia de consciência, consciência ... "*

*Pinsky LE Shakespeare: Fundamentos da Dramaturgia. - S. 129.

A visão trágica de Hamlet, suas reflexões filosóficas são causadas não tanto pelo que aconteceu em Elsinore (o assassinato do pai de Hamlet e o casamento de sua mãe, a rainha Gertrudes, com Cláudio), mas pela consciência da injustiça geral que prevalece no mundo. Hamlet vê o mar do mal e reflete em seu famoso monólogo "Ser ou não ser" sobre como uma pessoa deve agir diante da podridão da sociedade. O monólogo "Ser ou não ser" revela a essência da tragédia de Hamlet - tanto em relação ao mundo externo quanto em seu mundo interior. A questão surge antes de Hamlet: como agir ao ver o abismo do mal - reconciliar ou lutar?

Ser ou não ser é a questão; O que é mais nobre - em espírito submeter-se às fundas e flechas de um destino furioso Ou, pegando em armas contra o mar de problemas, para matá-los com o Confronto? (Traduzido por M. Lozinsky)

Hamlet não pode se submeter ao mal; ele está pronto para lutar contra a crueldade e a injustiça que reinam no mundo, mas sabe que perecerá nessa luta. Hamlet tem a ideia do suicídio como uma forma de acabar com a "saudade e mil tormentos naturais", porém, o suicídio não é uma opção, pois o mal permanece no mundo e na consciência de uma pessoa ("Essa é a dificuldade; o que sonhos serão sonhados em sonho de morte..." ). Além disso, Hamlet fala do mal social, causando indignação em uma pessoa honesta e humana:

Quem suportaria os chicotes e a zombaria do século, A opressão dos fortes, a zombaria dos orgulhosos, A dor do amor desprezível, a lentidão dos juízes, A arrogância das autoridades e os insultos, Infligidos por mérito manso...

As reflexões sobre os desastres de longo prazo da humanidade, no mar do mal, fazem Hamlet duvidar da eficácia dos métodos de luta que eram possíveis naquela época. E as dúvidas levam ao fato de que a determinação de agir por muito tempo não se concretiza na própria ação.

Hamlet é uma natureza obstinada, enérgica e ativa. Com todas as forças de sua alma, ele se dirige à busca da verdade, à luta pela justiça. Os pensamentos dolorosos e as hesitações de Hamlet são a busca de uma forma mais correta de lutar contra o mal. Ele hesita em cumprir seu dever de vingança também porque deve finalmente se convencer e convencer os outros da culpa de Cláudio. Para fazer isso, ele organiza uma cena de “ratoeira”: pede a atores errantes que representem uma peça que possa expor Cláudio. Durante a apresentação, Cláudio se trai com sua confusão. Hamlet está convencido de sua culpa, mas continua adiando a vingança. Isso causa nele um sentimento de insatisfação consigo mesmo, discórdia mental.

Hamlet recorre ao derramamento de sangue apenas em casos excepcionais, quando ele não pode deixar de reagir ao óbvio mal e baixeza. Então, ele mata Polonius, envia Rosencrantz e Guildenstern para espioná-lo até a morte e depois mata o próprio Claudius. Ele fala dura e cruelmente com sua amada Ofélia, que acabou se tornando uma ferramenta nas mãos de seus inimigos. Mas esse mal dele não é intencional, é da tensão de sua consciência, da confusão de sua alma, dilacerada por sentimentos conflitantes.

O nobre personagem de Hamlet, poeta e filósofo, parece fraco do ponto de vista de quem não hesita diante de seus objetivos. Na verdade, Hamlet é um homem forte. Sua tragédia reside no fato de que ele não sabe como mudar o estado injusto do mundo, que ele está ciente da ineficácia dos meios de luta que possui, que uma pessoa honesta e pensante pode provar seu caso apenas no custo de sua morte.

A melancolia de Hamlet surge como resultado da compreensão de que "o tempo saiu de suas juntas" e está em estado de desordem e problemas. Na composição da tragédia, os monólogos líricos e filosóficos do príncipe ocupam um grande lugar, nos quais se expressa uma profunda consciência do espírito da época.

A natureza filosófica geral das reflexões de Hamlet aproxima esta tragédia de outras épocas. Hamlet percebe que não pode vencer o mal que reina no mundo; sabe que após a morte de Cláudio, o mal não desaparecerá, pois está contido na própria estrutura da vida social da época. Referindo-se às pessoas ao seu redor, Hamlet diz: "Nenhuma das pessoas me agrada." E, ao mesmo tempo, para Hamlet, o humanista, o ideal é uma bela personalidade humana: “Que criação magistral - um homem! Quão nobre de espírito! Quão ilimitado em suas habilidades, formas e movimentos! Quão preciso e maravilhoso em ação! Como ele é como um anjo em profunda percepção! Como ele é semelhante a um deus! A beleza do universo! A coroa de todos os vivos! Hamlet vê a personificação desse ideal em seu pai e em seu amigo Horácio.

O desenvolvimento da trama na tragédia é amplamente determinado pela loucura fingida do príncipe. Qual é o significado das ações e declarações supostamente insanas de Hamlet? Para atuar no mundo louco de Cláudio, Hamlet é forçado a colocar uma máscara de loucura. Nesse papel, ele não precisa ser hipócrita e mentiroso, ele fala a amarga verdade. A máscara da loucura corresponde à discórdia espiritual do príncipe, à impulsividade de suas ações, à coragem insana na luta pela verdade sob a tirania de Cláudio.

Acidente trágico desempenha um grande papel na trama. Ao final da tragédia, ocorre um aglomerado de acidentes - os heróis que participam do duelo trocam floretes, um copo com uma bebida envenenada cai para a pessoa errada e assim por diante. O desfecho trágico se aproxima com inevitabilidade inexorável. Mas vem de uma forma inesperada e em um momento imprevisto. A irracionalidade da estrutura social confunde planos razoáveis ​​​​e imprudentes e causa a trágica inevitabilidade de "punições acidentais, assassinatos inesperados".

Hamlet demora a cumprir o seu dever, mas está pronto para agir a qualquer momento, e na cena final para ele "a prontidão é tudo". Hamlet é uma personalidade heróica. Ele está pronto para lutar contra o mal e afirmar a verdade mesmo à custa de sua própria morte. Não é por acaso que depois de todos os trágicos acontecimentos do falecido Hamlet, a mando de Fortinbras, eles são enterrados com honras militares. Antes de sua morte, Hamlet expressa seu desejo de que as pessoas saibam sobre sua vida e luta. Ele pede a Horatio que revele ao mundo as causas dos trágicos acontecimentos, que conte a história do Príncipe da Dinamarca.

Hamlet é uma tragédia realista que refletiu a complexidade da época em que o humanismo renascentista entrou em crise. A própria tragédia expressa a ideia da necessidade de uma representação objetiva da vida. Em conversa com os atores, Hamlet expressa opiniões sobre a arte que são totalmente consistentes com as posições estéticas de Shakespeare. Antes de tudo, os efeitos chamativos daqueles que estão prontos para "regenerar Herodes" são rejeitados; propõe-se conformar "ação com fala, fala com ação" e "não ultrapassar a simplicidade da natureza"; a essência da arte é formulada; “segurar, por assim dizer, um espelho diante da natureza, para mostrar as virtudes de seus próprios traços, arrogância - sua própria aparência e para todas as idades e estados - sua semelhança e impressão.”

A principal colisão histórica do final do século XVI. - o conflito entre o mundo do heroísmo cavalheiresco e a criminalidade do poder absolutista - está respectivamente incorporado nas imagens de dois irmãos, o pai de Hamlet e Cláudio. Hamlet admira seu pai-herói e odeia o hipócrita e traiçoeiro Cláudio e tudo o que está por trás dele, ou seja, um mundo de intrigas vis e corrupção geral.

A tragédia "Otelo" (Otelo, o Mouro de Veneza, 1604) foi criada com base na novela "O Mouro de Veneza" de Geraldi Cinthio. A história de amor e a trágica morte de Otelo e Desdêmona é mostrada por Shakespeare em um contexto social amplo. Representantes do governo de Veneza aparecem na tragédia - o doge, os senadores Brabantio, Gratiano, Lodovico; o ambiente militar é retratado - Iago, Cássio, Montano. Nesse contexto, o destino de Otelo e Desdêmona adquire um profundo significado sociopsicológico.

Moor Othello é uma personalidade marcante. Graças à sua bravura, alcançou uma posição elevada na sociedade, tornou-se comandante veneziano, general. A vida desse guerreiro era cheia de perigos, ele teve que ver muito e aguentar muito. De todas as provações, Otelo emergiu como um homem valente e corajoso, mantendo a pureza e o ardor dos sentimentos. Ele incorpora o ideal renascentista de uma pessoa bonita. O nobre mouro é inteligente e ativo, corajoso e honesto. Por isso, a filha do senador veneziano Desdemona se apaixonou por ele:

Eu me apaixonei por ela com meu destemor, Ela se apaixonou por mim com sua simpatia. (Traduzido por B. Pasternak)

O amor de Otelo e Desdêmona foi um desafio heróico às convenções tradicionais. Esse amor era baseado em profunda compreensão e confiança mútuas.

O personagem de Desdêmona está relacionado ao personagem de Otelo. Desdêmona também é caracterizada por destemor e credulidade. Pelo bem de seu amado, ela foge de casa e deixa Veneza quando Otelo é nomeado governador de Chipre. Otelo a chama de sua "bela guerreira". Na aparência cativante de Desdêmona, a coragem se combina com a ternura. Mas se Desdêmona permanece uma pessoa harmoniosa e inteira até o fim, então Otelo deixou o "caos" entrar em sua alma, e isso causou uma catástrofe. Desdêmona mantém a confiança em Otelo; mas sua confiança é abalada sob a influência das intrigas do baixo e traiçoeiro Iago.

Sem saber explicar o motivo pelo qual Otelo mudou por ela, Desdêmona entende que esse motivo não é ciúme. Ela diz:

Otelo é esperto e não parece gente vulgar ciumenta...

E quando a serva Emília pergunta a Desdêmona se Otelo está com ciúmes, ela responde com segurança:

Claro que não. Sol tropical Todas essas deficiências queimavam nele.

Desdêmona, como ninguém, compreende a alma de Otelo. De fato, o ciúme surge em Otelo não como resultado de suspeita, vingança ou ambição, mas como manifestação de um sentimento de confiança enganada, dignidade ofendida. Por trágica ironia, Otelo considera não Iago, que enganou o crédulo mouro, mas a pura e fiel Desdêmona, o culpado do sentimento de confiança enganada. Otelo diz sobre si mesmo:

Ele não era facilmente ciumento, mas em uma tempestade de sentimentos ele ficou furioso ...

A.S. Pushkin assim caracterizou Otelo: “Otelo não é ciumento por natureza - pelo contrário: ele é confiante”.

Otelo ama Desdêmona profundamente, mesmo quando decide matá-la. Ele pensa que está restaurando a justiça, cumprindo seu dever. Acreditando na calúnia de Iago, ele acredita que não pode permitir que Desdêmona engane os outros. Ele está cheio de consciência de um grande dever para com as pessoas: o assassinato de Desdêmona significa para ele a eliminação da mentira como perigo geral. A tragédia de Otelo é a tragédia da confiança enganada, a tragédia de ser cegado pela paixão. O amor por ela determinou a atitude de Otelo para com as pessoas, para com o mundo. Quando sua união era harmoniosa, Otelo percebia o mundo como belo; quando ele acreditou na desonestidade de Desdêmona, tudo apareceu diante dele de uma forma sombria e caótica.

O honesto Otelo se torna vítima das intrigas malignas de Iago, sem perceber que o está enganando. Shakespeare não indica diretamente os motivos do ódio de Iago por Otelo, embora Iago fale de seu desejo de fazer carreira, ciúme de Otelo, seu sentimento lascivo por Desdêmona. O principal no personagem de Iago é o desejo maquiavélico de obter vantagens sobre outras pessoas a qualquer custo. Iago, claro, é inteligente e ativo, mas suas habilidades, seu "valor" estão inteiramente subordinados a seus planos egoístas. O "valor" de Iago é individualista e imoral. Ele formula seu principal interesse da seguinte forma: "Enche bem a carteira". O intrigante Iago é cínico e hipócrita. Seu ódio por Otelo é explicado pela diferença fundamental entre suas naturezas, seus pontos de vista, sua atitude perante a vida. A nobreza de Otelo é a negação do egocentrismo burguês de Iago. É por isso que ele não consegue se conformar com a afirmação dos princípios éticos de Otelo na vida. Iago recorre a meios básicos para afastar o direto Otelo de seu nobre caminho de vida, para mergulhá-lo no caos das paixões individualistas.

Shakespeare, o realista, mostrou para onde uma pessoa pode ir, liberta dos grilhões feudais. Uma pessoa pode se tornar brilhante e moralmente bela, como a figura heróica de Otelo, ou vil, imoral, como o cínico Iago. A inferioridade moral transforma a liberdade do indivíduo em seu oposto, ou seja, em dependência servil de paixões obscuras e interesses egoístas. Iago age contra Otelo e Desdêmona com calúnia e engano. Ele se aproveita da credulidade de Otelo, joga com o temperamento ardente do herói, com sua ignorância dos costumes da sociedade. A rápida transição do nobre Otelo do heroísmo para a cegueira pela paixão sombria indica que a personalidade renascentista de espírito livre era vulnerável, porque o nível das relações sociais da época não permitia que o ideal humanístico da personalidade fosse plenamente realizado na realidade. Shakespeare mostrou esta tragédia de uma personalidade valente que se viu arrastada para as relações reais de base da sociedade burguesa e incapaz de se proteger da paixão sombria.

O episódio do "reconhecimento" revela a dignidade humana do herói, sua grandeza moral. Com alegria espiritual, Otelo descobre que Desdêmona o amava e era fiel a ele, mas ao mesmo tempo fica chocado porque o pior aconteceu: ele matou o inocente e dedicou a ele Desdêmona. O suicídio de Otelo na cena final é a punição de si mesmo por seu afastamento da fé no homem. O final trágico, portanto, afirma a vitória moral da nobreza sobre as forças obscuras do mal.

O conflito entre o indivíduo e a sociedade sob um novo aspecto é mostrado na tragédia "Rei Lear" (Rei Lear, 1605-1606). Esta é uma tragédia da dignidade humana em uma sociedade injusta.

A essência e a evolução do caráter de Lear foram definidas com muita precisão por N.A. Dobrolyubov: “Lear tem uma natureza muito forte, e o servilismo geral para com ele apenas a desenvolve de maneira unilateral - não para grandes atos de amor e bem comum, mas apenas para a satisfação de seus próprios caprichos pessoais. Isso é perfeitamente compreensível para uma pessoa que está acostumada a se considerar a fonte de toda alegria e tristeza, o começo e o fim de toda a vida em seu reino. Aqui, com o alcance externo das ações, com a facilidade de realizar todos os desejos, não há nada que expresse sua força espiritual. Mas agora a sua auto-adoração ultrapassa todos os limites do bom senso: transfere diretamente para a sua personalidade todo aquele brilho, todo aquele respeito que tinha pela sua dignidade; ele decide se livrar do poder, confiante de que mesmo depois disso as pessoas não pararão de tremer diante dele. Essa convicção insana o faz dar seu reino às filhas e, com isso, de sua posição bárbara e sem sentido, passar para o simples título de pessoa comum e experimentar todas as tristezas associadas à vida humana. “Olhando para ele, primeiro sentimos ódio por esse déspota dissoluto; mas, acompanhando o desenrolar do drama, nos reconciliamos cada vez mais com ele como com um homem e acabamos cheios de indignação e malícia ardente não mais para com ele, mas para ele e para o mundo inteiro - para aquela situação selvagem e desumana isso pode levar a tal devassidão até mesmo de pessoas como Lear.

*Dobrolyubov N.A. Sobr. cit.: Em 9 volumes - M; L., 1962. T. 5. - S. 52.

** Ibidem. - S. 53.

"Rei Lear" é uma tragédia social. Mostra a delimitação de diferentes grupos sociais na sociedade. Os representantes da antiga honra cavalheiresca são Lear, Gloucester, Kent, Albany; o mundo da predação burguesa é representado por Goneril, Regan, Edmond, Cornwall. Entre esses mundos há uma luta aguda. A sociedade está em um estado de profunda crise. Gloucester caracteriza a destruição das bases sociais da seguinte forma: “O amor está esfriando, a amizade está enfraquecendo, a luta fratricida está em toda parte. Há tumultos nas cidades, nas aldeias da discórdia, nos palácios da traição, e o vínculo familiar entre pais e filhos está se desintegrando ... Nosso melhor momento já passou. Amargura, traição, agitação desastrosa nos acompanharão até o túmulo ”(Traduzido por B. Pasternak).

É contra esse amplo pano de fundo social que a trágica história do Rei Lear se desenrola. No início da peça, Lear é um rei com poder, comandando o destino das pessoas. Shakespeare nesta tragédia (onde ele penetra mais profundamente nas relações sociais da época do que em suas outras peças) mostrou que o poder de Lear não está em seu reinado, mas no fato de ele possuir riquezas e terras. Assim que Lear dividiu seu reino entre suas filhas Goneril e Regan, deixando para si apenas a realeza, ele perdeu seu poder. Sem suas posses, o rei se viu na posição de mendigo. A propriedade na sociedade destruiu as relações humanas de parentesco patriarcal. Goneril e Regan juraram seu amor pelo pai quando ele estava no poder e viraram as costas para ele quando ele perdeu seus bens.

Tendo passado por provações trágicas, por uma tempestade em sua própria alma, Lear se torna um homem. Reconheceu a dura sorte dos pobres, juntou-se à vida do povo e compreendeu o que se passava à sua volta. Rei Lear ganha sabedoria. No surgimento de uma nova visão de mundo, um encontro na estepe, durante uma tempestade, com um desabrigado e infeliz Pobre Tom desempenhou um grande papel. (Era Edgar Gloucester, que estava se escondendo da perseguição de seu irmão Edmond.) Na mente chocada de Lear, a sociedade aparece sob uma nova luz, e ele a submete a críticas impiedosas. A loucura de Lear torna-se epifania. Lear simpatiza com os pobres e censura os ricos:

Sem-teto, miserável nu, Onde você está agora? Como repelirás os golpes deste tempo feroz - Em farrapos, com a cabeça descoberta E a barriga magra? Quão pouco eu pensava nisso antes! Aqui está uma lição para você, rico arrogante! Tome o lugar dos pobres, Sinta o que eles sentem, E dê-lhes uma parte de seu excesso Como um sinal da mais alta justiça do céu. (Traduzido por B. Pasternak)

Lear fala com indignação sobre uma sociedade dominada pela arbitrariedade. O poder aparece para ele na forma de uma imagem simbólica de um cachorro perseguindo um mendigo que foge dele. Lear chama o juiz de ladrão, um político que finge entender o que os outros não entendem é um canalha.

O nobre Kent e o bobo da corte permanecem leais a Lear até o fim. A imagem do bobo da corte desempenha um papel muito importante nessa tragédia. Seus gracejos, piadas paradoxais revelam com ousadia a essência das relações entre as pessoas. O bobo da corte tragicômico conta a amarga verdade; suas observações espirituosas expressam o ponto de vista das pessoas sobre o que está acontecendo.

O enredo relacionado com o destino do Conde de Gloucester, pai de dois filhos, desencadeia o destino de Lear, dando-lhe um significado generalizante. Gloucester também vive a tragédia da ingratidão. Ele se opõe a seu filho ilegítimo, Edmond.

O ideal humanístico está incorporado na imagem de Cordelia. Não aceita tanto o velho mundo cavalheiresco quanto o novo mundo maquiavélico. Em sua personagem, o senso de dignidade humana é enfatizado com força especial. Ao contrário de suas irmãs hipócritas, ela é sincera e verdadeira, não teme o temperamento despótico de seu pai e diz a ele o que pensa. Apesar da contenção na manifestação de sentimentos, Cordelia realmente ama seu pai e corajosamente aceita seu desfavor. Posteriormente, quando Lear, tendo passado por severas provações, ganhou dignidade humana e senso de justiça, Cordelia estava ao lado dele. Essas duas pessoas lindas estão morrendo em uma sociedade cruel.

No final da tragédia, o bem triunfa sobre o mal. O nobre Edgar se tornará rei. Como governante, ele recorrerá à sabedoria que Lear encontrou em seu trágico destino.

A tragédia "Macbeth" (Macbeth, 1606), criada com base no material das "Crônicas da Inglaterra, Escócia e Irlanda" de R. Holinshed, é dedicada ao problema do estado trágico do estado e do indivíduo sob um regime tirânico.

Macbeth é um tirano e um assassino. Mas ele não se tornou imediatamente assim. A imagem revela-se no desenvolvimento, na dinâmica, em toda a complexidade e inconsistência do seu mundo interior. A luta entre o remorso e os impulsos ambiciosos na alma de Macbeth, a realização no final da falta de sentido de seus atos sangrentos - tudo isso o distingue de um vilão comum e o torna um personagem trágico.

No primeiro ato, Macbeth aparece como herói em uma majestosa cena de vitória sobre os inimigos da Escócia. Este é um guerreiro forte, corajoso e corajoso. Macbeth é gentil por natureza e não desprovido de humanidade. Ele alcançou a fama por meio de suas façanhas. A confiança em suas forças e nas possibilidades de sua natureza provoca nele o desejo de se tornar ainda mais majestoso, de alcançar uma glória ainda maior. No entanto, a estrutura social da época impôs limites ao desenvolvimento do indivíduo, perverteu as habilidades ilimitadas de uma pessoa. Assim, o valor de Macbeth se transforma em ambição, e a ambição o leva a cometer um crime - o assassinato de Duncan para alcançar o poder supremo. A perversão do valor pela ambição é muito justamente caracterizada pelas palavras das bruxas da primeira cena da tragédia: "O belo é vil e o vil é belo". Nas ações de Macbeth, a linha entre o bem e o mal está cada vez mais tênue.

As imagens de bruxas nojentas, prevendo o destino futuro de Macbeth, simbolizam a desumanidade que havia em suas intenções e ações. As bruxas não representam nenhuma força fatal que dirija o comportamento do herói. Eles expressam exatamente o que já surgiu no pensamento de Macbeth. As decisões criminais tomadas por Macbeth são determinadas por sua própria vontade, não pela força fatal. Atos criminosos estão cada vez mais empurrando para o renascimento do indivíduo. De homem bondoso e valente, Macbeth torna-se assassino e tirano. Um crime leva a outro. Macbeth não pode mais se recusar a matar, tentando manter o trono:

Já estou tão atolado na lama sangrenta, Que será mais fácil para mim dar um passo à frente, Do que voltar no pântano. No cérebro, meu plano terrível ainda está para nascer, E a mão se esforça para realizá-lo. (Traduzido por Yu. Korneev)

À medida que o despotismo de Macbeth se torna aparente para todos, ele se vê sozinho. Todos recuaram diante do tirano.

Por meio de crimes, Macbeth quer mudar o destino, intervir no curso do tempo. Ele já tem medo de perder alguma coisa e por atos sangrentos incessantes está tentando se antecipar às ações de supostos oponentes. O tirano abre caminho para o seu “amanhã” com a ajuda de crimes, e o “amanhã” o empurra cada vez mais para um fim inevitável. As atrocidades do tirano provocam oposição. Toda a sociedade se levanta contra o déspota. Parece a Macbeth que as forças da natureza também foram contra ele - a Floresta de Birnam está marchando para Dunsinan. Estes são os guerreiros de Macduff e Malcolm, escondidos atrás de galhos verdes, movendo-se em uma avalanche irresistível contra Macbeth e esmagando-o. Um dos personagens da tragédia, o nobre escocês Ross, fala da essência da ânsia de poder:

Oh amor de poder, Você devora o que você vive!

Tendo falado contra a humanidade, Macbeth se condena ao completo isolamento, solidão e morte. Lady Macbeth é fanaticamente devotada ao marido, a quem ela considera um grande homem. Ela é tão ambiciosa quanto ele. Ela quer que Macbeth seja o rei da Escócia. Lady Macbeth está determinada a alcançar o poder e apóia o marido, ajudando-o a superar a dúvida moral quando planeja matar Duncan. Lady Macbeth acha que basta lavar o sangue de suas mãos - e o crime será esquecido. No entanto, sua natureza humana falha e ela enlouquece. Em seu estado insano e sonâmbulo, ela tenta lavar o sangue das mãos e não consegue. No dia da morte do marido, Lady Macbeth comete suicídio.

Em comparação com outras tragédias de Shakespeare, a atmosfera trágica em Macbeth é muito densa. É bombeado em conexão com o desenvolvimento do tema da chegada ao poder por meio do crime. A ação torna-se mais comprimida, concentrada e impetuosa; geralmente ocorre à noite e em meio a uma tempestade; um grande lugar é ocupado pelo elemento sobrenatural (bruxas, visões), desempenhando o papel de presságios e presságios sinistros. No entanto, no final, a escuridão se dissipa, a humanidade triunfa sobre o mal.

As tragédias de Shakespeare são caracterizadas por uma visão profunda da essência das trágicas contradições de seu tempo. Na dramaturgia de Shakespeare, os conflitos sócio-políticos do Renascimento são refletidos com surpreendente veracidade. As profundas mudanças na vida associadas a uma gigantesca reviravolta na história, quando o feudalismo foi substituído por um novo sistema burguês - esta é a base do trágico em Shakespeare. O historicismo de Shakespeare consiste em compreender as principais tendências da luta real que se desenvolvia entre o velho e o novo, em revelar o significado trágico das relações sociais da época. Com toda a sua visão ingênua-poética do mundo, Shakespeare conseguiu mostrar a importância das pessoas na vida da sociedade.

O historicismo poético de Shakespeare introduziu novos conteúdos no tema trágico, reestruturou o trágico como problema estético, conferindo-lhe qualidades novas e únicas. O trágico em Shakespeare difere das noções medievais do trágico, da visão de Chaucer do trágico expressa em The Canterbury Tales (The Monk's Prologue e The Monk's Tale). De acordo com a ideia medieval, a tragédia poderia acontecer com pessoas de alta posição, vivendo em felicidade e esquecendo o poder da Providência. Essas pessoas estão sujeitas aos caprichos da fortuna, independentemente de seu caráter, seus méritos e deméritos. Sua posição muito elevada era motivo de orgulho, então a catástrofe estava sempre próxima. De acordo com as idéias medievais, a fortuna trouxe infortúnios para uma pessoa de forma totalmente inesperada e sem motivo. O homem é impotente diante da sabedoria da providência e ninguém pode escapar dos golpes do destino. O conceito medieval de trágico não procedeu do caráter de uma pessoa e sua colisão com o destino, mas da crença na onipotência das forças sobrenaturais, portanto, nas obras trágicas da literatura medieval, o início épico e narrativo prevaleceu sobre o dramático.

O trágico em Shakespeare está livre da ideia de fatalismo, destino. E embora seus heróis se refiram tanto a Deus quanto à fortuna, Shakespeare mostra que as pessoas agem com base em seus desejos e vontade, mas na forma como encontram as circunstâncias da vida, ou seja, com a vontade e os desejos de outras pessoas expressando interesses pessoais, públicos e estatais. Do embate entre os próprios povos, que representam a sociedade e a humanidade, fluem vitórias e derrotas. O trágico é inerente ao próprio homem, à sua luta, e não depende de uma predeterminação fatalista. O trágico destino do herói, a inevitabilidade de sua morte é consequência de seu caráter e das circunstâncias de sua vida. Muito acontece por acaso, mas no final tudo está sujeito à necessidade - Tempo.

O sobrenatural nas tragédias de Shakespeare - fantasmas e bruxas - é mais uma homenagem aos motivos folclóricos do que uma manifestação da superstição do próprio dramaturgo, é uma convenção poética e uma técnica peculiar de retratar personagens e forçar uma atmosfera trágica. Tanto Hamlet quanto Macbeth agem de acordo com suas próprias aspirações e vontade, e não a mando de poderes sobrenaturais. Shakespeare e seus heróis nem sempre entendem o significado dos acontecimentos trágicos, mas é sempre claro que eles ocorrem de acordo com as leis da causalidade, de acordo com as duras leis do tempo.

A necessidade em Shakespeare aparece não apenas como o movimento histórico do Tempo, mas também como a certeza e a indiscutibilidade dos fundamentos morais naturais da vida humana. Na vida pública, a humanidade universal é necessária. A moralidade baseada na justiça humana é o ideal pelo qual as pessoas devem lutar e cuja violação leva a consequências trágicas.

O trágico em Shakespeare é dialético. A sociedade pode violar as relações morais naturais e levar heróis à morte (Romeu e Julieta), e o herói, devido a várias de suas propriedades negativas, pode cometer maldades e causar danos à sociedade (Macbeth), e ao mesmo tempo o herói e a sociedade pode ser culpada uma em relação à outra (Rei Lear). Tudo depende da real complexidade das contradições sociais da época e dos conflitos psicológicos de cada indivíduo. A luta entre o bem e o mal ocorre não apenas na arena pública, mas também na alma humana.

O conflito nas tragédias de Shakespeare é extremamente tenso, agudo e irreconciliável, e se desenrola como um choque de duas forças antagônicas. Em primeiro plano - a luta de dois heróis fortes, incorporando diferentes personagens, diferentes princípios de vida e pontos de vista, diferentes paixões. Hamlet e Cláudio, Otelo e Iago, Lear e Goneril, César e Brutus - esses são os personagens opostos que entraram em uma briga. Mas o nobre herói de Shakespeare luta não apenas contra algum antagonista individual, ele entra em uma luta com todo o mundo do mal. Essa luta revela as melhores possibilidades espirituais do herói, mas também causa o mal. A luta continua simultaneamente na alma do próprio herói. O herói busca dolorosamente a verdade, a verdade, a justiça; verdadeiramente trágicos são os sofrimentos mentais do herói ao ver o abismo do mal que se abriu diante dele; mas ele mesmo, em busca da verdade, em algum lugar comete um erro, em algum momento entra em contato com o mal, escondendo-se sob o disfarce do bem, e assim acelera o trágico desenlace.

As ações dos heróis trágicos de Shakespeare, pessoas notáveis, afetam toda a sociedade. Os personagens são tão significativos que cada um deles é um mundo inteiro. E a morte desses heróis choca a todos. Shakespeare cria personagens grandes e complexos de pessoas ativas e fortes, pessoas de razão e grandes paixões, valor e alta dignidade. As tragédias de Shakespeare afirmam o valor da personalidade humana, a singularidade e a individualidade do caráter de uma pessoa, a riqueza de seu mundo interior. A vida da alma humana, experiências e sofrimento, a tragédia interior de uma pessoa interessam a Shakespeare acima de tudo. E isso também afetou sua inovação no campo do trágico. A imagem do mundo interior dos personagens revela sua humanidade tão profundamente que causa admiração e profunda simpatia por eles.

Vários heróis de Shakespeare - Macbeth, Brutus, Anthony ("Antônio e Cleópatra") - são culpados de sua tragédia. Mas a noção de culpa é incompatível com muitos nobres heróis. O fato de os jovens Romeu e Julieta estarem morrendo é culpa de uma sociedade hostil aos sentimentos humanos sinceros e integrais. Hamlet, Otelo, Rei Lear cometeu erros e erros que não mudaram a base moral de seus personagens nobres, mas no mundo do mal e da injustiça levaram a consequências trágicas. Somente neste sentido pode-se falar de sua "culpa trágica". Junto com esses heróis, naturezas completamente puras, como Ophelia, Cordelia, Desdemona, sofrem e morrem.

Na catástrofe causada, perecem tanto os verdadeiros perpetradores do mal, como os que carregam a “culpa trágica” e os que são completamente inocentes. A tragédia de Shakespeare está longe daquela "justiça poética", que consiste em uma regra simples: o vício é punido, a virtude triunfa. O mal eventualmente se pune, mas o bem suporta um sofrimento trágico, imensuravelmente maior do que o erro do herói merece.

O herói trágico de Shakespeare é ativo e capaz de escolhas morais. Ele se sente responsável por suas ações. Se as circunstâncias, a sociedade contradizem os ideais de moralidade e os violam, então a escolha moral dos personagens está na luta contra as circunstâncias; na irreconciliabilidade com o mal, mesmo que isso leve à sua própria destruição. Isso é mais evidente em Hamlet.

O episódio do "reconhecimento", da consciência do erro e da culpa, do insight antes da morte está saturado nas tragédias de Shakespeare com as experiências mais intensas dos personagens e as ideias morais mais importantes. Este episódio é caracterizado por um profundo conteúdo ideológico e psicológico. O episódio do "reconhecimento" é importante na tragédia como triunfo dos princípios morais da verdade e do bem, fruto da luta interna e do sofrimento que o herói suportou. Este episódio ilumina toda a vida do herói com uma nova luz, afirma a grandeza do espírito humano e a importância dos fundamentos morais da vida.

Os personagens dos vilões nas peças de Shakespeare também diferem em sua individualidade. Eles têm uma vontade, uma mente que serve ativamente a planos insidiosos e ambiciosos. Esses vilões são a personificação de um fenômeno real da época - o maquiavelismo. A mente livre aparece neles de forma extremamente individualista, como uma busca efetiva de objetivos egoístas. Os vilões de Shakespeare não são de forma alguma figuras convencionais do mal abstrato; eles são o mal concreto e típico do sistema burguês. Inveja, malícia e ódio são os personagens principais dos vilões. Mas Shakespeare não tentou apresentá-los como demônios. Os vilões também são pessoas, mas por vários motivos perderam sua humanidade. Às vezes desperta neles para enfatizar a inutilidade de sua existência, desprovida de princípios morais (Edmond, Lady Macbeth).

Shakespeare expressou a fé humanística na bondade e nobreza do homem, em seu espírito indomável e energia criativa. Ele afirmou a dignidade humana e a grandeza das realizações humanas. De todas as catástrofes e problemas, a natureza humana emerge invencível. O verdadeiro humanismo de Shakespeare é seu otimismo. Esse otimismo não era justo, pois Shakespeare estava ciente do poder do mal e dos infortúnios que ele traz. O otimismo das tragédias de Shakespeare está no triunfo sobre o desespero e na poderosa crença na vitória do homem sobre o mal social.

A versatilidade da representação da vida e da representação das personagens revela-se invariavelmente na combinação e interpenetração do trágico e do cómico. Esta foi a inovação de Shakespeare, a descoberta de uma nova maneira de retratar o homem e a sociedade.

Shakespeare também foi um inovador no enredo e na estrutura composicional das tragédias. Em suas tragédias, um segundo enredo aparece. As histórias secundárias dão a impressão da versatilidade da vida e uma ampla cobertura da realidade. A técnica de paralelismo de personagens e enredos, usada para comparações e contrastes, é complementada nas tragédias de Shakespeare com imagens da natureza. A confusão na alma dos personagens, a trágica luta das paixões, atingindo a mais alta tensão, são muitas vezes acompanhadas por uma tempestade na natureza ("Rei Lear", "Macbeth").

A complexidade da estrutura, o fluxo livre de eventos nas tragédias de Shakespeare em muitos aspectos antecipam a poética do romance dos séculos XIX e XX. Saturação de ação, drama de personagens, mistério de eventos, imagem panorâmica da história, liberdade no tempo e no espaço, contraste brilhante - todas essas características das tragédias de Shakespeare encontram maior desenvolvimento no gênero do romance.

No último, terceiro período da obra de Shakespeare, ele permaneceu fiel aos ideais do humanismo, embora não tivesse mais ilusões sobre o humanismo da nova ordem capitalista. Não tendo encontrado uma forma de realização na vida, os ideais do humanismo na fantasia criativa de Shakespeare assumiram a forma de um sonho sobre o futuro, sobre um belo mundo novo. Este sonho, na ausência da possibilidade de realizá-lo na realidade, concretizou-se na forma de elementos fantásticos, cenas pastorais e alegorias, características da obra de Shakespeare do último período. O método artístico de O Conto de Inverno e A Tempestade é profundamente lógico, esteticamente necessário e é mais um passo na evolução da obra de Shakespeare.

Péricles, Cymbeline, The Winter's Tale, The Tempest representam uma nova qualidade estética. Eles combinam características de gênero de tragicomédia, drama pastoral e alegoria. Nos dramas do terceiro período, Shakespeare passa a misturar fantasia com realidade, a motivos folclóricos, a contos de fadas e situações utópicas, a cenas pitorescas que se desenrolam no cenário da natureza. Nas tragicomédias tardias de Shakespeare, domina o princípio lírico-heróico, o romance de eventos excepcionais. Essas peças são caracterizadas pelo tema da oposição entre sociedade e natureza, costumes cruéis da corte e vida rural idílica. No entanto, a ruptura com a sociedade é aqui uma forma de crítica moral e ética a esta sociedade, e não um apelo a fugir dela. Não é por acaso que os heróis voltam à sociedade para continuar a luta contra o mal.

A tragicomédia Conto de Inverno (1610-1611) foi escrita no espírito da poesia popular. Esta obra condena o despotismo dos reis e poetiza a bondade dos aldeões. Toda a peça é construída sobre um nítido contraste entre a tirania da corte real e a humanidade dos pastores camponeses. O rei siciliano Leontes, que goza de poder ilimitado, decidiu lidar brutalmente com sua esposa Hermione, com ciúmes de seu rei boêmio Polyxenus. E Hermione, encontra abrigo na Boêmia com um velho pastor que se torna seu pai nomeado . Loss apaixonou-se pelo filho do rei Polyxenes, príncipe Florizel. Desconsiderando as diferenças de classe, Florizel quer se casar com Loss. Quando Polixenes se recusa a consentir neste casamento, Florizel e Loss deixam a Boêmia. O ideal da igualdade das pessoas é afirmado no palavras da Perda sobre o que está acima do barraco e o Orc o mesmo sol brilha no céu.

O bem nesta peça triunfa sobre o mal. Leontes finalmente percebe sua culpa e recupera a felicidade com Hermione.

De grande importância no conteúdo filosófico da peça é a imagem do coro - Tempo. No prólogo do quarto ato, comentando o destino dos heróis da peça, o Tempo expressa a ideia de desenvolvimento, a ideia de mudanças incessantes na vida da sociedade. O tempo define a perspectiva dos acontecimentos, coloca a triste história de Hermione em um determinado lugar no fluxo geral da história. Do ponto de vista das leis eternas do desenvolvimento, os eventos trágicos são apenas momentos separados que são superados, tornam-se coisas do passado, tornam-se uma lenda. Na escala do tempo histórico, o bem inevitavelmente vence. Em The Winter's Tale, Shakespeare expressou sua crença em um futuro maravilhoso para a humanidade.

Os sonhos de uma sociedade justa de Shakespeare são expressos no fantástico enredo da tragicomédia A Tempestade (A Tempestade, 1611). Desembarcado na ilha após o naufrágio, Gonzalo sonha em organizar tudo aqui de maneira diferente do que no Reino de Nápoles. Ele quer abolir funcionários e juízes, destruir a pobreza e a riqueza, abolir os direitos de herança e os cercamentos de terra. Assim, Gonzalo busca erradicar o mal que impera em uma sociedade injusta. No entanto, Gonzalo também expressa desejos ingênuos: abolir o comércio, a ciência e o trabalho e viver apenas com o que a própria natureza dá. No monólogo de Gonzalo, a influência das ideias da "Utopia" de Thomas More é tangível.

Os sonhos utópicos de Gonzalo se opõem a uma sociedade real onde atrocidades são cometidas. Doze anos atrás, Antonio tomou o poder em Milão, expulsando o legítimo duque, seu irmão Próspero. Próspero e sua filha Miranda se encontram em uma ilha habitada por criaturas fantásticas. No entanto, há maldade aqui também. O feio selvagem Caliban, um monstro nascido de uma bruxa, aproveitando a confiança de Próspero, que lhe fez muito bem, decidiu desonrar Miranda. O mago Próspero conquista Caliban, que personifica o poder dos instintos sombrios, e faz boas ações com a ajuda do bom espírito do ar Ariel.

A peça revela o conflito entre o bem e o mal. A imagem do cientista humanista Próspero é a personificação de uma boa mente e seu efeito benéfico nas pessoas. O sábio Próspero transforma as pessoas, tornando-as razoáveis ​​e belas.

Próspero é onipotente na ilha, os espíritos das montanhas, riachos, lagos, florestas estão sujeitos a ele, mas ele quer voltar para sua terra natal, a Itália, e mergulhar novamente na vida agitada da sociedade, lutar contra o mal. Shakespeare expressou em A Tempestade amor pela humanidade, admiração pela beleza do homem, fé no advento de um belo mundo novo. O poeta humanista deposita esperança nas mentes das gerações futuras que criarão uma vida feliz.

No artigo “Um raio de luz no reino das trevas”, N.A. Dobrolyubov definiu o significado global de Shakespeare da seguinte forma: “Muitas de suas peças podem ser chamadas de descobertas no campo do coração humano; sua atividade literária moveu a consciência geral das pessoas para vários níveis, aos quais ninguém havia escalado antes dele e que apenas foram apontados à distância por alguns filósofos. E é por isso que Shakespeare tem um significado tão universal: ele designa vários novos estágios do desenvolvimento humano.

*Dobrolyubov N.A. Sobr. cit.: Em 9 volumes - M; L. -1963. - T. 6. - S. 309-310.

Os personagens criados por Shakespeare são multifacetados, combinam os primórdios do trágico e do cômico, como acontece na própria vida.

No realismo do Renascimento e na obra de Shakespeare existem suas próprias formas convencionais. Condicionalmente, por exemplo, o local da ação. A ação das peças de Shakespeare pode se passar na Dinamarca, Escócia, Sicília, Boêmia, mas o dramaturgo sempre teve a Inglaterra em mente, retratou os conflitos, personagens e costumes de sua terra natal. Os dramas de Shakespeare são polifônicos. Eles combinam vários elementos poéticos, diferentes motivos de enredo e se revelam em diferentes aspectos e variações. O realismo shakespeariano freqüentemente se manifesta de uma forma fabulosamente romântica, em imagens fantásticas e alegóricas, em um estilo hiperbólico e metafórico, em um clima patético e musical, em uma forma de palco eficaz. O problema mais importante para Shakespeare é o problema do caráter humano. No centro da trama da maioria dos dramas de Shakespeare está uma pessoa que se revela na luta que ocorre no presente. Shakespeare não dá nenhum pano de fundo para seus personagens. A pessoa nas obras de Shakespeare está ligada à vida da sociedade contemporânea para o dramaturgo. A.S. Pushkin falou sobre a versatilidade dos personagens de Shakespeare: “Os rostos criados por Shakespeare não são, como os de Moliere, tipos de tal e tal paixão, tal e tal vício, mas seres vivos, cheios de muitas paixões, muitos vícios; as circunstâncias desenvolvem diante do espectador seus personagens diversos e multifacetados.

* Pushkin-crítico. - S. 412.

Shakespeare transmitiu o sabor nacional da realidade inglesa, o caráter da cultura folclórica inglesa. Ninguém antes dele poderia retratar o curso da própria história, mostrar os vários estratos da sociedade em um único sistema dinâmico.

Shakespeare capturou em suas obras o ponto de virada da época, a luta dramática entre o velho e o novo. Suas obras refletiam o movimento da história em suas trágicas contradições. A tragédia de Shakespeare é baseada no enredo da história e da lenda, que reflete o estado heróico do mundo. Mas nesse material lendário e histórico, Shakespeare levantou problemas contemporâneos agudos. O papel do povo na vida da sociedade, a relação entre a personalidade heróica e o povo são revelados com incrível profundidade filosófica na tragédia Coriolanus (Coriolanus, 1608). O valente comandante Coriolano é grande quando representa os interesses de sua Roma natal, os interesses do povo, obtendo uma vitória em Corioli. As pessoas admiram seu herói, apreciam sua coragem e franqueza. Coriolanus também ama o povo, mas sabe pouco de sua vida. A consciência patriarcal de Coriolano ainda não é capaz de compreender as contradições sociais em desenvolvimento na sociedade; portanto, ele não pensa na situação do povo, recusa-se a dar-lhes pão. O povo se afasta de seu herói. Em Coriolanus, expulso da sociedade, encontrou-se sozinho, orgulho exorbitante, ódio pela plebe desperta; isso o leva à traição contra a pátria. Ele se opõe a Roma, contra seu povo, e com isso se condena à morte.

A nacionalidade de Shakespeare é que ele viveu de acordo com os interesses de sua época, foi fiel aos ideais do humanismo, incorporou o princípio ético em suas obras, extraiu imagens do tesouro da arte popular, retratou heróis em um amplo cenário folclórico. Nas obras de Shakespeare - as origens do desenvolvimento do drama, das letras e do romance dos tempos modernos.

O caráter popular do drama de Shakespeare também é determinado pela linguagem. Shakespeare aproveitou a riqueza da língua falada dos habitantes de Londres, deu às palavras novos matizes, novo significado *. O animado discurso folclórico dos heróis das peças de Shakespeare é cheio de trocadilhos. A imagem da linguagem nas peças de Shakespeare é alcançada pelo uso frequente de comparações e metáforas precisas e pictóricas. Muitas vezes a fala dos personagens, principalmente nas peças do primeiro período, torna-se patética, o que se consegue com o uso de eufemismos. Posteriormente, Shakespeare se opôs ao estilo eufuístico.

* Veja: Artigos de Morozov M. sobre Shakespeare. -M, 1964.

Nas peças de Shakespeare, a fala em verso (verso em branco) se alterna com a prosa. Os heróis trágicos falam principalmente em versos e personagens cômicos, bobos da corte - em prosa. Mas às vezes a prosa também é encontrada na fala de heróis trágicos. Os poemas se distinguem por uma variedade de formas rítmicas (iâmbico de cinco pés, seis pés e iâmbico de quatro pés, hifenização).

A fala dos personagens é individualizada. Os monólogos de Hamlet são de natureza filosófica e lírica; O discurso lírico de Otelo é caracterizado por imagens exóticas; O discurso de Osric ("Hamlet") é pretensioso. A linguagem de Shakespeare é idiomática e aforística. Muitas expressões de Shakespeare tornaram-se bordões.

A crítica literária soviética considera a obra de Shakespeare realista. O teatro soviético desempenhou um grande papel ao revelar a essência realista das obras de Shakespeare. Os tradutores soviéticos fizeram muito para desenvolver a herança criativa de Shakespeare.

Nas obras de vários estudiosos soviéticos de Shakespeare, são levantados os problemas da visão de mundo de Shakespeare, a periodização de sua obra, a história teatral de suas peças, os problemas de realismo e nacionalidade. A atenção social na Shakespeareologia soviética foi dada ao problema de "Shakespeare e a literatura russa".

As comédias de Shakespeare estão entre os exemplos mais notáveis ​​da comédia européia renascentista. Shakespeare voltou-se antes de tudo para a comédia romana antiga e para a "comédia erudita" italiana do século XVI, que foi significativamente influenciada por ela. Os heróis das comédias, superando as dificuldades no caminho da vida, constroem sua felicidade com o otimismo inerente, que afirma a fé na pessoa e em suas capacidades. Os heróis são enérgicos, alegres, engenhosos e espirituosos. Os jovens são amantes lutando por seu amor, cercados por muitos personagens - pessoas de diferentes origens. O tema do amor e da verdadeira amizade.; atmosfera de férias, comédias risonhas. Síntese das tradições do povo e das comédias renascentistas-italianas. Espírito de juventude.

A estrutura da comédia: os amantes não conseguem se conectar. Eles são ativos, eles criam seu próprio destino. Termina em casamento, superando obstáculos externos (proibições, pais) e internos (caráter dos personagens). Elemental da natureza/homem. Empate!! O herói importante - o bobo da corte - é esperto, usa apenas a máscara de tolo. Tolos são simplórios.

A evolução das comédias shakespearianas: a primeira "Comédia dos Erros" - uma comédia de situações. O motivo da dualidade, através dos gêmeos. “A Megera Domada” é o tema de uma dupla personalidade, um movimento em direção à tragédia de um conflito insolúvel. 12ª Noite é uma comédia de humor negro. O mundo dos sentimentos poéticos e divertidos coexiste nas comédias com conflitos dramáticos e até motivos trágicos. Embora a diversão brilhante triunfe sobre a hipocrisia sombria, os sentimentos desinteressados ​​prevalecem sobre os preconceitos de classe. A base das situações de comédia são coincidências aleatórias de circunstâncias que mudam drasticamente o destino das pessoas. Apesar dos caprichos do destino, a própria pessoa deve lutar por sua felicidade.

A comédia "A Megera Domada" foi escrita por Shakespeare em 15 (93?), Mas pela primeira vez foi publicada somente após sua morte - em 1623. Ainda existem disputas não resolvidas sobre as fontes desta comédia.

Em 1594, uma peça anônima foi publicada - "Uma história inventada engraçada, chamada - a domesticação de uma megera." Tudo na peça anônima - os personagens com suas personalidades, até a principal "moral" da peça - corresponde à comédia de Shakespeare. Existem apenas pequenas diferenças. Anonymous não se passa em Pádua, mas em Atenas; todos os nomes dos personagens são diferentes: o personagem principal se chama Ferrando, a heroína é sempre abreviada como Ket; ela não tem uma, mas duas irmãs - Emilia e Filena, cada uma das quais é cortejada por um jovem, enquanto Shakespeare tem uma irmã que tem vários admiradores; Anonymous não tem um casamento secreto e todo o resultado não é claro.

A alternância de episódios e o desenvolvimento da ação em ambas as peças são os mesmos, e em alguns lugares um copia diretamente o outro. No entanto, o próprio texto é diferente e há apenas seis linhas em toda a peça que correspondem exatamente.

Shakespeare caracterizou-se por uma forma de processar as peças alheias quando, tomando emprestado o enredo e as imagens, cria um texto completamente novo, onde usa apenas duas ou três frases ou expressões da peça antiga, mas ao mesmo tempo, todas as suas o conteúdo extraordinariamente se aprofunda, decora e preenche com um significado completamente novo. . Em A Megera Domada, Shakespeare mostrou uma compreensão sutil da natureza humana. Há controvérsia entre os comentaristas sobre esta peça sobre sua moralidade. Alguns tentaram ver na peça uma defesa do princípio medieval da subordinação incondicional da mulher ao homem, outros a consideraram simplesmente uma piada, desprovida de conteúdo ideológico.

De todos os personagens da peça, apenas três são personagens brilhantes e bem desenvolvidos: são Katarina e Petruchio e Bianca. O herói da comédia Petruchio é um homem típico dos tempos modernos, corajoso, livre de preconceitos, cheio de força. Ele anseia por luta, sucesso, riqueza e encontra um oponente digno na pessoa de Katarina. Catarina, pacificada pelo esperto noivo Petruchio, transformou-se em uma esposa ideal de boas maneiras. A duplicidade da dura Bianca é contrastada com a sinceridade da obstinada Katarina. No final da peça, quando ocorre uma espécie de teste de esposas, descobre-se que Bianca, que costumava ser mansa por natureza, se transformou em uma caprichosa briguenta, enquanto a própria Katarina se tornou a personificação da mansidão e da simpatia. A peça termina com seu famoso monólogo, no qual ela afirma a fraqueza natural das mulheres e as chama à submissão aos maridos.

Todos os outros heróis da peça são figuras condicionais, grotescos estereotipados. Isso corresponde ao caráter farsesco da ação: todo tipo de travessuras, brigas, puro riso, sem lirismo, sentimentos ternos, ideais, que estão na quase simultânea e farsesca “Comédia dos Erros”.

Shakespeare compartilhava da opinião geralmente aceita em sua época de que o marido deveria ser o chefe da família. Mas, ao mesmo tempo, ao mostrar a riqueza da natureza de Katarina, ele enfatiza a ideia humanística da equivalência interna de mulheres e homens.

O leitor moderno não entende bem a conexão composicional entre o início e o tema principal da peça.

No entanto, Shakespeare queria mostrar o que distinguia os aristocratas na sociedade contemporânea. Ele mostra isso com um exemplo bastante marcante de um latoeiro.

O latoeiro Christopher Sly cai em um sono bêbado na soleira da taverna. O senhor volta da caçada com caçadores e criados e, ao encontrar o homem adormecido, decide pregar uma peça nele. Seus servos levam Sly para uma cama luxuosa, lavam-no em água perfumada e vestem um vestido caro. Quando Sly acorda, ele é informado de que é um nobre senhor que foi dominado pela loucura e dormiu por quinze anos, sonhando que era um latoeiro. A princípio, Sly insiste que é um mascate de nascimento, um vaqueiro por educação, um bicho-papão por vicissitudes do destino e um latoeiro por seu ofício atual, mas aos poucos ele se deixa convencer de que é realmente uma pessoa importante e casado. para uma senhora encantadora (na verdade, este é o pajem do senhor disfarçado) . O senhor convida cordialmente uma trupe de atores itinerantes para seu castelo, inicia seus membros em um plano de pegadinha e, em seguida, pede-lhes que representem uma comédia hilária, aparentemente para ajudar um aristocrata imaginário a se livrar de uma doença.

Portanto, deve-se notar que tal introdução e mostrar o aspecto necessário da vida dos aristocratas é um elemento muito importante neste trabalho.

Assim, Shakespeare revela não apenas a ideia principal, mas também mostra como a sociedade está se divertindo.

No entanto, o principal na peça pode ser chamado de uma condição na qual toda a comédia se sustenta. Esta é a condição batista.

Ele anuncia aos pretendentes de Bianca que não se casará com Bianca até encontrar um marido para sua filha mais velha. Ele pede ajuda para encontrar professores de música e poesia para Bianchi, para que o pobre não fique entediado na reclusão forçada. Hortênsio e Grêmio decidem deixar temporariamente de lado a rivalidade para encontrar um marido para Katarina. Esta não é uma tarefa fácil, porque o próprio diabo não consegue lidar com isso, o personagem principal é tão malicioso e teimoso por tudo isso.

No entanto, como observado acima, o final é imprevisível. Katarina assume o lugar de Bianchi, surpreendendo a todos com sua mansidão e simpatia.

Assim, cabe destacar que a obra de Shakespeare é diversa, cada um de seus dramas, comédias, tragédias é único, pois abrange, além dos problemas do presente, o aspecto psicológico da personalidade. A visão de mundo do dramaturgo foi influenciada por eventos e mudanças políticas. A obra de Shakespeare de todos os períodos é caracterizada por uma visão de mundo humanista: um profundo interesse por uma pessoa, por seus sentimentos, aspirações e paixões, tristeza pelo sofrimento e erros irreparáveis ​​\u200b\u200bdas pessoas, um sonho de felicidade para uma pessoa e toda a humanidade como um todo .

A ideia principal do Renascimento era a ideia de uma pessoa digna. O tempo submeteu essa ideia a um teste trágico, cuja prova foi a obra de Shakespeare. Ao criar suas obras, Shakespeare estava frequentemente à mercê da herança literária de seus predecessores, mas o apelo a ele serviu apenas como uma forma para as obras que ele dotou de um conteúdo completamente novo e profundo. É verdade que os sentimentos são o principal princípio estético de Shakespeare. Sem falsa falsidade, sem falso pathos, e é por isso que tudo o que saiu de sua caneta é tão impressionante.

A essência da tragédia em Shakespeare sempre reside no choque de dois princípios - sentimentos humanísticos, ou seja, humanidade pura e nobre, e vulgaridade ou mesquinhez, baseada no egoísmo e no egoísmo.

Segundo Shakespeare, o destino de cada pessoa é resultado da interação de seu personagem e das circunstâncias que o cercam. Shakespeare com lógica de ferro mostra como as melhores pessoas, as mais nobres, inteligentes e talentosas, perecem sob o ataque das forças das trevas (Hamlet, Lear), com que facilidade o mal às vezes se apodera da alma de uma pessoa e a que consequências terríveis isso leva (Macbeth ).

Aqui encontra expressão aquele sentimento especial da vida, trágico e ao mesmo tempo heróico, que no final do Renascimento surge entre os humanistas como resultado do colapso de seus ideais sob o ataque das forças reacionárias. Isso, por um lado, é um sentimento de colapso das crenças e instituições medievais, de todos os “laços sagrados” do feudalismo, que deram origem a um sentimento de catástrofe gigantesca, colapso de um grande mundo que viveu por muitos séculos, por outro lado, esta é a consciência de que o novo mundo, que está substituindo o antigo, traz consigo formas ainda piores de escravização humana, o espírito de predação desenfreada, o reino do “chistogan”, esses são os fundamentos características do capitalismo emergente. Daí a sensação de um cataclismo global, o colapso de todos os alicerces, a sensação de que as pessoas estão vagando à beira de um abismo no qual podem cair e caem a cada minuto. A lealdade à natureza, seguindo as inclinações naturais da natureza humana, já não são critérios suficientes de comportamento e garantias de felicidade. O homem, liberto de todas as ilusões, chega à conclusão de que é apenas um "pobre animal nu e bípede" (palavras de Lear).

Com base nisso, muitos críticos falam sobre o "pessimismo" do segundo período da obra de Shakespeare. No entanto, este termo requer uma reserva. O pessimismo depressivo, levando ao desânimo e à recusa em lutar, é estranho a Shakespeare. Em primeiro lugar, por mais terríveis que sejam os sofrimentos e as catástrofes retratadas por Shakespeare, elas nunca são sem objetivo, mas revelam o significado e a profunda regularidade do que está acontecendo com uma pessoa. A morte de Macbeth, Brutus ou Coriolanus mostra a força fatal das paixões ou delírios que dominam uma pessoa quando ela não encontra o caminho certo. Por outro lado, mesmo as tragédias mais graves de Shakespeare não respiram desespero: abrem perspectivas para um futuro melhor e afirmam a vitória interior da verdade sobre a baixeza humana. A morte de Romeu e Julieta é ao mesmo tempo seu triunfo, pois sobre seu caixão se dá a reconciliação entre as famílias em guerra, que dão sua palavra de erguer um monumento ao seu amor. "Hamlet" termina com a morte de Cláudio e a derrota da cruel corte dinamarquesa; com a adesão da Fortinbras, uma nova era deve começar, permitindo a esperança de uma vida melhor. Da mesma forma, Macbeth termina com a morte do tirano e a coroação de um governante legítimo e bom. Em Lear, o velho rei morre iluminado e imbuído de amor pela verdade e pelas pessoas. À custa dos sofrimentos que suportou, Lear de “pobre animal nu e bípede” transforma-se em Homem, na sua simples humanidade maior que o antigo Lear, investido de uma dignidade real. As tragédias de Shakespeare exalam alegria, um chamado corajoso à luta, embora essa luta nem sempre prometesse sucesso. O caráter heróico desse pessimismo está muito longe do desespero fatalista.

A obra de Shakespeare se distingue por sua escala - a extraordinária amplitude de interesses e alcance do pensamento. Suas peças refletiam uma enorme variedade de tipos, posições, épocas, povos, ambiente social. Essa riqueza da fantasia, assim como a rapidez da ação, a riqueza das imagens, a força das paixões retratadas e a tensão volitiva dos personagens são típicas do Renascimento. Shakespeare retrata o florescimento da personalidade humana e a riqueza da vida com toda a abundância de suas formas e cores, mas trouxe tudo isso a uma unidade em que prevalece a regularidade.

As fontes da dramaturgia de Shakespeare são diversas e, no entanto, ele dominou tudo emprestado de maneira peculiar. Ele tirou muito da antiguidade. Sua primeira Comédia dos Erros é uma imitação do Manechmas de Plauto. Em "Titus Andronicus" e "Richard III" a influência de Sêneca é muito perceptível. As tragédias "romanas" de Shakespeare remontam não apenas no enredo, mas também em parte ideologicamente a Plutarco, que no Renascimento foi um professor de amor à liberdade e sentimentos cívicos. Nas obras de Shakespeare, imagens sensualmente alegres e expressivas da mitologia antiga são constantemente encontradas.

Outra fonte para Shakespeare foi a arte do Renascimento italiano. Os enredos de "Otelo", "O Mercador de Veneza" e várias outras comédias foram emprestados por ele de romancistas italianos. Em A Megera Domada e em algumas outras comédias, pode-se detectar a influência da commedia dell'arte italiana. Muitas vezes encontramos trajes italianos, nomes próprios e todo tipo de motivos nas peças de Shakespeare, que vêm de fontes completamente diferentes. Se desde a antiguidade Shakespeare aprendeu a concretude e a clareza das imagens, a lógica artística, a nitidez da fala, então as influências do Renascimento italiano contribuíram para o fortalecimento dos traços estéticos e pictóricos de sua obra, sua percepção da vida como um turbilhão de cores e formas. Ainda mais significativamente, essas duas fontes fortaleceram a base humanística da obra de Shakespeare.

Mas basicamente, junto com essas atrações, Shakespeare continua as tradições do drama folclórico inglês. Isso inclui, por exemplo, a mistura do trágico e do cômico que ele usou sistematicamente, o que foi proibido pelos representantes da erudita corrente classicista na dramaturgia do Renascimento.

Em Shakespeare, observamos uma mistura heterogênea de pessoas e eventos, um ritmo de ação extraordinariamente rápido, sua rápida transferência de um lugar para outro. Essa vivacidade, brilho, facilidade de estilo, abundância de movimento e efeitos marcantes são muito característicos do drama popular. Sua manifestação mais elevada reside no fato de que para suas idéias humanísticas ele encontra uma forma de expressão verdadeiramente popular - concreta, extremamente clara e verdadeira em sua sincera simplicidade. Isso se aplica não apenas às falas do bobo da corte em Rei Lear, que representam a quintessência da sabedoria popular, mas também às falas de personagens de educação refinada, como Hamlet.

O realismo de Shakespeare está inextricavelmente ligado ao povo. O realismo shakespeariano é baseado em uma relação viva e direta com todos os fenômenos da vida. Ao mesmo tempo, Shakespeare não apenas retrata a realidade com fidelidade, mas também sabe como penetrá-la profundamente, perceber e revelar o que há de mais essencial nela. As próprias opiniões de Shakespeare sobre a essência realista da arte são expressas na conversa de Hamlet com os atores (ato III, cena 2), onde Hamlet condena toda afetação, hiperbolismo, efeito pelo efeito, exigindo a observância de medida e proporção, naturalidade, correspondência com a realidade.

O realismo de Shakespeare se manifesta no fato de ele retratar os fenômenos em seu movimento e condicionamento mútuo, percebendo todas as nuances e transições de sentimentos. Isso lhe dá a oportunidade de atrair pessoas inteiras em toda a sua complexidade e ao mesmo tempo em seu desenvolvimento. A esse respeito, a construção do personagem de Shakespeare também é profundamente realista. Enfatizando traços típicos em seus personagens, tendo um significado geral e fundamental, ele ao mesmo tempo os individualiza, dotando-os de vários traços adicionais que os tornam verdadeiramente vivos. Os personagens de Shakespeare mudam e crescem na luta.

O realismo de Shakespeare também é encontrado na precisão da análise das experiências emocionais de seus personagens e na motivação de suas ações e motivos.

Uma mudança brusca de atitude é experimentada por todos os heróis de grandes tragédias. Seus motivos pessoais e condições específicas para o desenvolvimento de uma crise espiritual são diferentes para eles, suas reações e comportamentos espirituais não são os mesmos, o grau de choque moral em todos eles é extremo e suas experiências dolorosas não se limitam ao destino pessoal. e indicam um estado de crise de convicção de época. As dúvidas dos heróis trágicos são multifacetadas, mas dirigidas a um determinado centro, centradas no estado da sociedade e no problema do homem.