Da saia longa à "nuvem de gás": a história do tutu. Traje de balé: o que as bailarinas dançam em Como o tutu se enraizou na Rússia
Escola Secundária MBOU Nº 26
Ensaio
na disciplina "Dança Clássica"
"História do traje de balé"
Concluído:
Kuyanichenko Daria
Verificado:
Zaitseva LA
Kurgan, 2012
1. Conceito: balé e figurino de balé.
BALÉ(Ballet francês, do italiano balletto, do latim tardio ballo - eu danço), um tipo de arte musical e teatral, cujo conteúdo é expresso em imagens coreográficas. Em regra, o termo serve para designar uma forma de arte que se desenvolveu durante os séculos XVI-XIX. na Europa e na Rússia, e se espalhou pelo mundo no século 20. Entre outras artes, o balé pertence aos espetaculares tipos sintéticos e espaço-temporais de criatividade artística. Inclui dramaturgia, música, coreografia, artes visuais. Mas todos eles existem no balé não por si mesmos e não estão unidos mecanicamente, mas subordinados à coreografia, que é o centro de sua síntese.
traje de balé faz parte da intenção artística geral. Um traje de balé não deve apenas revelar as características históricas, sociais, nacionais e individuais de um determinado personagem, mas também ser leve, confortável para dançar e enfatizar a estrutura do corpo e da dança. movimento. A base do traje de balé é o "uniforme" de dança (collant, túnica, "collant", túnica, tutu), desenvolvido visualmente em função de imagens específicas.
Em maior medida, os trajes dos personagens principais costumam ser individualizados. O corpo de balé costuma se vestir da mesma maneira (ao mesmo tempo, os trajes dos grupos às vezes diferem), exceto quando representa uma multidão real e diversificada (os exemplos são o primeiro ato de Dom Quixote no design de K . Korovin, as danças folclóricas de Romeu e Julieta na concepção de P. Williams e outros). A unificação de trajes em uma dança de massa (por exemplo, nas danças de jipes, cisnes, nereidas de balés clássicos ou amigos de Katerina em "A Flor de Pedra", os "pensamentos" de Mekhmene Baku em "A Lenda do Amor", etc.) enfatiza seu significado emocional e simbólico e corresponde à unidade e generalização da composição da dança. Ao criar figurinos para personagens individuais, o artista de balé alcança a unidade do personagem pictórico e da dança.
Todos estes são requisitos importantes, mas mais ou menos externos à coreografia. Além disso, o artista enfrenta uma tarefa mais complexa e profunda - harmonizar a solução pictórica com as características específicas da figuratividade coreográfica: a musicalidade e sinfonia da ação de dança, sua generalização, conteúdo emocional e lírico e, muitas vezes, significado metafórico. Assim, a naturalidade do cenário e dos figurinos pode entrar em conflito com a convencionalidade da ação coreográfica e, inversamente, a abstração e o esquematismo da solução pictórica podem contradizer a vitalidade e a concretude emocional e psicológica da coreografia.
A tarefa do bailarino é expressar o núcleo ideológico da performance, criar o ambiente e a aparência da ação em formas que correspondam à essência figurativa da coreografia. Nesse caso, a integridade artística da performance é alcançada, na qual a solução visual incorpora dramaturgia, música e coreografia em sua unidade.
traje de balé, um dos componentes importantes do projeto da performance, que atende aos requisitos de um conteúdo ideológico e figurativo específico, e às especificidades da coreografia. arte. O papel de K. em b. mais significativo do que no drama ou na ópera, já que o balé é desprovido de texto verbal e seu lado espetacular carrega uma carga maior. Como em outros tipos de teatro, K. em b. caracteriza os personagens, revela suas características históricas, sociais, nacionais, individuais. No entanto, K. em b. deve atender aos requisitos da dançabilidade, ou seja, ser leve e confortável para dançar, não esconder, mas revelar a estrutura do corpo, não restringir os movimentos, mas auxiliá-los e enfatizá-los. Requisitos figurativamente característicos. a concretude e a dançabilidade muitas vezes entram em conflito uma com a outra. Como "tudo" excessivo e esquemático. esgotamento K. em b. são extremos que podem ser justificados em casos individuais apenas pelo conteúdo especial e gênero de uma obra particular. A habilidade do artista no balé está em superar essas contradições e extremos, em alcançar uma unidade orgânica de imagem e dança.
K. em b., sendo as roupas dos personagens, ao mesmo tempo há um elemento de uma arte holística. resolvendo a performance, que propõe a tarefa de sua coordenação colorística e cromática com o cenário, “encaixando” em um único quadro pictórico. O traje é o elemento mais "móvel" a ser retratado. decoração de balé. Portanto, ele pode trazer dinâmica para ele. o começo, para preencher com ritmos correspondentes aos ritmos da música. Nesse sentido, K. em b. é, por assim dizer, um elo de ligação na síntese de imagens. arte e música em uma apresentação de balé.
Os figurinos dos personagens principais costumam ser mais individualizados do que os do corpo de balé. A unificação dos figurinos do corpo de balé enfatiza seu emocional e não retrata. significado, corresponde à unidade e generalização das danças. composições. A diferença de cores, e às vezes na forma de figurinos, muitas vezes revela um contraste de decomposição. grupos de corpo de balé em uma dança de massa ou em coreografia polifonicamente complexa. composições (por exemplo, na cena da procissão na "Legend of Love", encenada por Yu. N. Grigorovich, artista S. B. Virsaladze). Nos casos em que o corpo de balé representa uma multidão real e diversificada, seus trajes também podem ser individualizados (por exemplo, as pessoas no 1º ato de Dom Quixote, encenada por A. A. Gorsky, artista K. A. Korovin , 1900). Os trajes dos personagens principais costumam ser coerentes no corte e na cor com os trajes do corpo de balé, combinados com eles segundo o princípio da unidade ou contraste, dependendo do conteúdo figurativo específico da dança.
K. em b. mudou historicamente em conexão com a evolução da coreografia. arte. Nos primeiros estágios de desenvolvimento, quase não diferia das roupas cotidianas da aristocracia da corte. ambiente. Nas apresentações barrocas, o traje era especialmente exuberante e muitas vezes pesado. Durante o período do classicismo, uma túnica antiga estilizada (túnica) apareceu e os trajes folclóricos começaram a penetrar nos balés cômicos. O reformador do teatro de balé J. J. Nover em con. século 18 Ele fez grandes mudanças no código de vestimenta, tornando-o mais leve, simplificando os sapatos e encurtando os vestidos das mulheres. No entanto, a reforma radical de K. em b., que levou à formação de sua moderna. fundações, ocorreu na arte do romantismo ("La Sylphide", 1832, "Giselle" no post. F. Taglioni e outros). Em vez de saia doméstica, passaram a usar túnica longa (não confundir com túnica antiga!), Que se tornou a antecessora da matilha; os sapatos com salto foram substituídos por sapatilhas de balé especiais que permitiam dançar nas pontas. Contraste real e fantástico. mundos eram enfatizados por fantasias. A natureza generalizada-idealizada da sinfonia. composições de dança foi expressa na unidade dos figurinos do corpo de balé. Nas atuações de A. Saint-Leon e M. I. Petipa, o romântico. a túnica foi transformada em um pacote, que depois foi ficando cada vez mais curto.
Uma contribuição significativa para o desenvolvimento de K. em b. trouxe russo. primeiros artistas século 20 Em L. S. Bakst, a própria ideia de K. em b. nasceu em conexão com o coreográfico. movimento; em seus esboços, os figurinos são apresentados nos movimentos nitidamente característicos, muitas vezes exagerados, dos dançarinos. Os trajes de K. A. Korovin diferem em cores. riqueza e unidade pitoresca com a paisagem. O sutil senso da época e a individualidade do personagem, característicos de A. N. Benois, também se refletiam em seus figurinos. Nos trajes de N. K. Roerich, o poder elementar e o exotismo primitivo de seus personagens são transmitidos. Os artistas do "Mundo da Arte" muitas vezes absolutizaram o significado colorido de K. em b. e o interpretou como um ponto puramente pitoresco no quadro geral, às vezes ignorando ou mesmo suprimindo o dançarino (por exemplo, B. I. Anisfeld). Mas, ao mesmo tempo, enriqueceram as artes de maneira incomum. expressividade e figuratividade de K. em b.
nas corujas trajes de balé criados na década de 1920. F. F. Fedorovsky e A. Ya. Golovin, estava parcialmente próximo das tradições de pintura do "Mundo da Arte". Ao mesmo tempo, representantes da dança livre (seguidores de A. Duncan) reviveram a antiga túnica (túnica). Nos experimentos de K. Ya. Goleizovsky, os dançarinos realizavam seus números em collants, "collants", que expunham o corpo, mas ao mesmo tempo o traje era reduzido a um uniforme de balé. Studio "Drum Ballet" N. S. Gremina cultivou o traje do dia a dia. As características do construtivismo foram refletidas nos esboços de A. A. Exter, em "Dances of Machines" de N. M. Forreger, na introdução de uniformes de produção em balés sobre a modernidade ("The Bolt" no design de T. G. Bruni, etc.). No drama de balé dos anos 30-50. os artistas buscavam a máxima concretização histórica, social e cotidiana do figurino, aproximando-o dos figurinos dramáticos. teatro ("Lost Illusions" de Asafiev na concepção de V.V. Dmitriev, 1936, etc.). De grande importância nesses anos foi a criação do palco. opções para nar. trajes, em conexão com a ampla distribuição de conjuntos de beliches. dança, nacional trupes de balé e cenas populares em apresentações de balé (The Flames of Paris, 1932, e Partisan Days de Asafiev, 1937, desenhado por Dmitriev; Heart of the Mountains, 1938, e Laurencia, 1939, desenhado por S. B. . Virsaladze e outros). Em contraste com as tendências no desenvolvimento de um traje de balé, característico desse período, desde o final. anos 50 características de abstração e esquematismo, monotonia e monotonia do balé no balé começaram a aparecer, especialmente na encenação de balés sem enredo para a sinfonia. música.
Excelente mestre K. em b. é S. B. Virsaladze. Suas obras (especialmente nas performances encenadas por Yu. N. Grigorovich) são caracterizadas pelo orgânico. unidade de caracterização figurativa e dançabilidade. O artista nunca empobrece o figurino, nunca o transforma em um uniforme limpo e em um esquema abstrato. Seu figurino sempre reflete os traços figurativos do herói e ao mesmo tempo é concebido em movimento, criado em unidade com a ideia e obra do coreógrafo. Virsaladze veste não tanto os personagens quanto a dança. Seus trajes se distinguem pelo gosto elevado e muitas vezes refinado. Seu corte e cor destacam e enfatizam a dança. movimento. Os figurinos nas apresentações de Virsaladze são trazidos para um determinado sistema que corresponde às peculiaridades da coreografia. Combinam-se na cor com o cenário, desenvolvendo o seu tema pictórico, acrescentando-lhes novas pinceladas coloridas, dinamizando-as de acordo com a dança e a música. As obras de Virsaladze são caracterizadas por uma espécie de "sinfonismo pitoresco", o que significa. o mínimo criado pelo sistema K. em b.
Moderno O teatro de balé é caracterizado por uma variedade de artes. soluções de fantasias. Ele transforma toda a história. experiência no desenvolvimento de k. em b., subordinando-o a artes especiais. objetivos de uma determinada mostra.
(Fonte: Ballet. Encyclopedia, SE, 1981)
Balet tutué de dois tipos. "Chopin"
Ambos são costurados de acordo com o padrão "solar" mais comum - ou seja, círculo com um buraco no meio. Apenas o círculo é feito com um diâmetro deliberadamente maior e o orifício é feito maior que a circunferência da cintura. Em seguida, o "anel" resultante é recolhido em dobras e costurado no cinto.
Para um tutu clássico, eles pegam um tule muito duro, que custa uma aposta. Para o tutu de Chopin, a organza é mais usada, é mais macia.
Em geral, um tutu de balé clássico (curto) costuma levar pelo menos 2,5 metros de material, um de Chopin pode levar de 5 a 6.
sapatilhas de ponta são um tipo especial de calçado, que é fixado na perna com o auxílio de fitas, sendo a biqueira reforçada com um bloco rígido. A palavra pointe vem do francês "ponta".
Balé - início do século XVII.
As danças de salão, realizadas na corte dos monarcas, transformaram-se em espetáculos onde a dança era uma clara figura geométrica. A habilidade dos profissionais de balé era garantir que cada dançarino fosse capaz de realizar piruetas e passos complexos. Pela primeira vez, o professor da Royal Dance Academy, Pierre Beauchamp, delineou claramente as regras básicas do balé. Este coreógrafo destacou os principais movimentos do ator, sem os quais ele simplesmente não poderia imaginar o balé. Pierre Beauchamp acreditava que, se você seguir todos os critérios, poderá não apenas alcançar a perfeição na dança, mas também executar com maestria sua parte do balé no palco. Nas suas regras, o coreógrafo da Royal Academy considerou as posições das pernas e dos braços, que se tornaram fundamentais e é nelas que se baseia toda a dança. A partir dessa época, a dança da corte se transformou em balé e passou a ser exibida nos grandes palcos.
O balé clássico francês foi muito influenciado pelas habilidades da dança italiana. O que era uma tradição inquebrantável para os bailarinos franceses, um afastamento do qual era inaceitável, para os coreógrafos italianos o principal na dança era o virtuosismo, que determinava a habilidade do bailarino. Nos séculos XVII-XVIII, não só a dança em si começou a se transformar, mas também os trajes dos atores. Além disso, se antes apenas os dançarinos do sexo masculino brilhavam no palco, na era do Renascimento e do Romantismo, as mulheres se tornaram símbolos do balé. Porém, muitas vezes o traje feminino era bastante pesado e não permitia que a performer realizasse movimentos mais complexos, por isso acreditava-se que os homens eram dançarinos muito mais hábeis. Mas os estereótipos estabelecidos são quebrados em uma hora pela bailarina Marie Camargo. Ela recusa saias longas, encurtando as dela o máximo possível. E isso dava liberdade nos movimentos e contribuía para o virtuosismo da performance. Gradualmente, os coreógrafos melhoram a técnica da performance de dança.
Muito contribuiu para isso o francês Jean Nover, que criticava os bailarinos que usavam máscaras e figurinos para expressar o caráter do herói, enquanto os movimentos corporais correspondiam apenas às ideias clássicas sobre o balé. Nover defende que o balé deve expressar todas as características do personagem por meio da dança e da música. Só o corpo, segundo a coreógrafa, é tão perfeito que todos conseguem entender sua linguagem. Nessa época, o balé adquire o status de gênero de arte dramática e é ativamente encenado nos palcos de diferentes países do mundo.
A aparência do tutu de balé.
O balé, como arte, surgiu muito antes do surgimento das roupas e acessórios modernos para o balé. O primeiro tutu de balé, semelhante ao que conhecemos hoje, apareceu como parte do traje geral da bailarina Marie Taglioni durante o espetáculo de "La Sylphide" em 1839. Como muitas outras modas da época, foi criada pelo estilista francês Eugène Lamy.
Falando sobre o tutu de balé, é bastante difícil não entrar na história.
A história do traje de balé é bastante lógica. Quando minuetos lentos dominavam o palco, os figurinos eram longos, pesados, bordados com pedras preciosas, com muitas anáguas e anáguas. À medida que a dança se tornava mais complexa, o figurino também evoluía. A princípio, os espartilhos foram retirados, as saias ficaram mais curtas e leves e o decote cada vez mais franco.
Pela primeira vez no que hoje é chamado de “tutu”, a bailarina Maria Taglioni, a primeira Sylphide e progenitora do “balé romântico” agitou-se no palco (* Taglioni também é conhecida pelo fato de ter sido a primeira bailarina em o mundo para se tornar sapatilhas de ponta, mas mais sobre isso na próxima vez).
A até então desconhecida saia de gaze, tecida, ao que parecia, do nada, legitimava o traje de balé. No início, os dançarinos (principalmente com pernas feias e tortas) até protestaram violentamente contra as inovações, mas depois se acalmaram - essa nuvem de ar parecia muito bonita.
Em geral, como você entende, quanto mais técnica a dança se tornava, o traje ficava mais simples e curto. Os pacotes chegaram à forma a que estamos acostumados agora em meados do século XX.
Agora vamos lidar com os nomes. Os tutus são diferentes e mudam de aparência, dependendo do balé.
tutu- uma palavra francesa engraçada que se traduz apenas como um pacote. É essa palavra que é usada em inglês para se referir a uma saia de balé.
tutu clássico- saia rodada tipo panqueca. As bailarinas dançam assim, como você provavelmente adivinhou, nos balés mais clássicos: O Lago dos Cisnes, Paquita, Corsário, Atos 2 e 3 de La Bayadère, O Quebra-Nozes, etc.
O raio padrão do tutu é de 48 cm, mas na maioria das vezes o tamanho do círculo varia - dependendo da altura da bailarina, da festa e do estilo geral da apresentação. Os solistas, dependendo dos seus dados físicos, podem escolher independentemente a forma da mochila - decorando as pernas: são planas, paralelas ao chão, ligeiramente rebaixadas, com um fundo magnífico, ou, pelo contrário, totalmente planas.
Mas eis o seguinte: o clássico tutu é uma verdadeira cama de Procusto. Mostra as menores falhas na figura, joelhos curtos e falta de ensaios.
Existe até uma coisa como bailarina sem tutu". Normalmente, trata-se de uma bailarina com membros não muito longos, pernas de formato irregular ou que vão além do permitido - enfim, com formas magníficas. A "bailarina sem pacote" também pode ser chamada de bailarina, cujo papel é um semi-caráter de bravura ou, inversamente, peças românticas. Isto é, Kitri, Giselle, Sylphide, mas não Odette-Odile ou Nikiya. Os exemplos mais marcantes de "bailarinas sem tufos" são Natalya Osipova e Diana Vishneva.
Diana Vishneva
Natalya Osipova
Eles conseguiram ultrapassar o papel que lhes foi prescrito, e mesmo em tutus que não os enfeitam muito, ficam lindos - é isso que o carisma faz com os artistas! Aliás, a contraditória Osipova, a melhor Kitri do mundo, apareceu recentemente no Lago dos Cisnes - parece que o papel de Odette-Odile era contra-indicado para ela. E nada, muitos choraram)
Tutu romântico ou "chopinka"- saia longa de tule. É ela a responsável pela criação de imagens fantásticas "sobrenaturais" - o fantasma da falecida Giselle, o belo espírito de Sylph. E a apoteose do balé romântico "Chopiniana" é totalmente impossível de imaginar sem essas maravilhosas saias arejadas - elas criam a ilusão de vôo, ar, liberdade, a absoluta irrealidade do que está acontecendo.
Uma saia longa e fofa, claro, esconde as pernas da bailarina. Por um lado, distrai de possíveis deficiências e, por outro, chama toda a atenção para os pés. Mas os balés românticos estão saturados de técnica refinada e pés feios que não funcionam, sem um levantamento alto, derrubam um pouco o clima romântico.
Também existe algo como túnica ou túnica- este é o mesmo tutu, saia de balé.
Chiton- Esta é uma saia de uma camada geralmente feita de chiffon. No chiton, por exemplo, é feito o papel de Julieta.
Alforjes, chopins, túnicas, etc. há palco e ensaio.
Se o traje, por exemplo, de Odette, com o qual a bailarina entra em cena, for um todo único - ou seja, a parte superior (corpete) e a parte inferior (na verdade, o tutu) são costuradas juntas, então o traje de ensaio é apenas uma saia com "calcinha" que é colocada no collant de ensaio (shopenki - sem calcinha, só saia na canga).
Os pacotes de ensaio consistem em menos camadas.
Você pergunta, por que um tutu em um ensaio? Afinal, é bem possível conviver com o padrão roupa de ensaio- collant e maiô. Mas é imprescindível ensaiar o que a bailarina vai levar para o palco - assim você pode garantir que a saia não suba, que o parceiro não se agarre a ela, para controlar o padrão geral da dança .
Maria Taglioni é sua contribuição para a história do traje de balé.
Antes das pontas, elas dançavam com sapatos de salto alto estilo Luís XVI ou sandálias gregas. Em busca de leveza, as bailarinas subiam na ponta dos pés (daí o termo sur les pointes, para dançar na ponta dos dedos): para isso colocavam pedaços de cortiça nos sapatos. Tal truque, junto com os salões que ajudavam a “voar” sobre o palco, foi utilizado em 1796 pelo francês Charles Didelot. Ele, junto com o italiano Carlo Blasis, que descreveu essa técnica de dança no livro "Dance of Terpsichore", é creditado com a invenção das sapatilhas de ponta. A primeira bailarina que dançou o balé Zephyr e Flora em 1830 apenas com sapatilhas de ponta é a italiana Maria Taglioni. Após a turnê em São Petersburgo, os fãs compraram seus sapatos e ... os comeram com molho. "Não é daí que vem a expressão 'bife igual ao linguado', que tanto ouvimos nos restaurantes?" - pensou o historiador do balé Alexander Pleshcheev.
Existe uma lenda: quando Maria Taglioni cruzou a fronteira da Rússia, na alfândega ela foi questionada: "Madame, onde estão suas joias?" Taglioni levantou as saias e, apontando para as pernas, respondeu: "Aqui estão." Sim, suas pernas realmente eram diamantes, e sua dança literalmente fez o público chorar de felicidade. Taglioni apareceu pela primeira vez perante o público de São Petersburgo em 1837. Não foi um sucesso, mas um triunfo. Seu nome ganhou tanta popularidade que o caramelo Taglioni, a valsa O Retorno de Maria Taglioni e até os chapéus Taglioni apareceram, mas além das sapatilhas de ponta de balé, Maria Taglioni presenteou a arte e o público com outra novidade, também apresentada pela primeira vez. no balé La Sylphide, - um tutu branco como a neve, que logo se tornou um símbolo do balé romântico. Essa "nuvem de gás" foi inventada pelo artista e estilista Eugene Lamy. A túnica leve e leve, em forma de flor meio desabrochada, não só ajudava a dançarina a realizar saltos leves, mas tecnicamente complexos, mas parecia irradiar uma luz especial e sobrenatural, tão necessária para o balé romântico. É verdade que a imagem que Taglioni incorporou no palco, muito antes da estreia, foi oferecida aos parisienses por todas as revistas de moda. Ombros abertos, correntes fluidas de tecido leve, algum desprendimento.
Mas as fashionistas parisienses, por sua vez, pegaram emprestado seu xale arejado da heroína do balé: jogado sobre os ombros e caindo sobre os braços, ela deu à silhueta da dama um aspecto melancólico, como uma sílfide parada em fuga. Mas, claro, o principal na arte de Taglioni, nascida em 23 de abril de 1804 em Estocolmo, era sua dança. Começou a aprender os fundamentos da dança aos oito anos de idade, e sua estreia ocorreu em 1º de junho de 1822 no Teatro de Viena na peça de Nyfma, no balé Recepção de uma Jovem Ninfa na Corte de Terpsícore, encenado por o pai dela. Os contemporâneos de Taglioni dizem que, após a lição diária que seu pai lhe dava, ela frequentemente caía inconsciente no chão. Com um trabalho tão sangrento, ela conseguiu uma celebração noturna de meia hora.
A história de Sylphide, o espírito do ar, misterioso e belo, que, com seu amor pela juventude terrena, destrói a si mesma e a ele, acabou sendo o ponto de aplicação de todas as forças criativas de pai e filha. Fantasia! Foi em "Sylphide" que ele foi levado à perfeição e permaneceu inalterado até hoje. O conhecido artista e estilista E. Lamy esteve envolvido em sua criação, usando tecido leve de várias camadas para criar uma túnica exuberante e ao mesmo tempo leve, ou mochila, como era chamada na Rússia.
Além da saia arejada em forma de sino atrás dos ombros de Taglioni, asas claras e transparentes foram presas às alças do corpete. Esse detalhe teatral agora parece uma adição completamente natural à figura do Sylph, igualmente capaz de subir no ar e afundar no chão ao seu capricho. A cabeça de Mary estava bem penteada e adornada com uma elegante corola branca.
Pela primeira vez em La Sylphide, Taglioni dançou não com meia ponta, mas com sapatilhas de ponta, o que criou a ilusão de um toque leve, quase acidental, na superfície do palco. Foi um novo meio de expressão - o público viu Sylphide e seus amigos literalmente pairando acima do solo.
Taglioni parecia ser tecido do luar, iluminando misteriosamente o palco. O público involuntariamente se encolheu em suas cadeiras, envolvido por um sentimento de admiração ansiosa pela irrealidade do que estava acontecendo: a bailarina havia perdido sua concha humana - ela estava flutuando no ar. Isso era contrário ao senso comum.
Em suma, "La Sylphide" de Taglioni tornou-se um evento com tal ressonância que apenas tempestades sociais e grandes batalhas podem reivindicar. As pessoas experimentaram um choque genuíno, viram com seus próprios olhos o que é talento. Mas a parte do Sylph era estranha a todos os tipos de efeitos técnicos. Mas é nisso que consistia a revolução silenciosa de Taglioni - uma mudança de orientações, preferências, no triunfo do romantismo como uma nova era na coreografia. Quantos anos se passaram desde então, quantos aplausos a cena viu quando parecia que em um salto fácil o Sylph seria levado para sempre!
Em 1832, Marie se casou com o conde de Voisin, mas continuou com o nome de solteira e não desistiu dos palcos. Deixando o teatro em 1847, ela viveu principalmente na Itália, em suas próprias vilas. Maria, nos primeiros dois anos de casamento, deu à luz dois filhos: um filho e uma filha. Ela dava aulas de balé. Mais uma vez, ela apareceu em Paris, mas apenas para encorajar sua aluna Emma Levy, uma estrela em ascensão que reviveu as tradições do balé clássico que haviam sido esquecidas por algum tempo após a partida de Taglioni. Para a mesma debutante, ela escreveu o balé "Butterfly".
Maria Taglioni morreu em Marselha em 1884 e foi enterrada no cemitério Père Lachaise. Na lápide está o seguinte epitáfio: "Ô terre ne pèse pas trop sur elle, elle a si peu pesé sur toi" (Terra, não pressione muito, porque ela pisou em você com tanta facilidade).
sapatilhas de ponta
Continuando a explorar a Internet em busca de uma correspondência com a palavra de pesquisa "ballet", me deparei com meu recurso favorito Gey.ru, cujos habitantes, como descobri, gostam muito de balé. E eles dão muita atenção a ele.
Aqui está o que descobri sobre o tópico mais interessante (e discutido mais de uma vez) do traje de balé.
Traje de balé masculino: de camisola e pantalonas a nudez total
Para os homens em trajes de balé, tudo começou com tantos sinos e assobios que hoje é impossível imaginar como com tais trajes alguém poderia não apenas dançar, mas simplesmente se movimentar no palco. Mas os dançarinos se mostraram verdadeiros lutadores pela libertação total do corpo das algemas de trapos. É verdade que o caminho que eles tiveram que percorrer para aparecer diante do público quase nus, apenas cobrindo a "vergonha" com uma folha de figueira chamada bandagem, ou mesmo nus, acabou sendo longo, espinhoso e escandaloso.
saia na armação
O que era uma bailarina nos primórdios do balé? O rosto do artista estava escondido por uma máscara, sua cabeça enfeitada com uma peruca alta com cabelos fofos e fofos, cujas pontas caíam nas costas. Sobre a peruca foi colocado outro cocar incrível. Os tecidos dos ternos eram pesados, densos, generosamente batidos. A dançarina apareceu no palco com uma saia em um quadro, chegando quase ao joelho, e com sapatos de salto alto. Mantos de brocado de ouro e prata também eram usados no traje masculino, chegando até os calcanhares. Bem, apenas uma árvore de Natal, mas não brilhando com lâmpadas elétricas multicoloridas.
No final do século XVIII, o traje do balé começou a mudar gradativamente, tornando-se mais leve e elegante. O motivo é a técnica de dança mais complicada, que exige a liberação do corpo masculino de roupas pesadas. As inovações de figurino, como sempre, são ditadas pelo criador de tendências - Paris. A protagonista veste agora uma túnica grega e sandálias, cujas tiras envolvem o tornozelo e a base da panturrilha das pernas nuas. A dançarina do gênero semi-personagem se apresenta de camisola curta, calcinha e meias compridas, a dançarina do papel característico - de camisa teatral com gola aberta, paletó e calça. Na segunda metade do século XVIII, surge um atributo tão importante do traje masculino, que, aliás, sobreviveu até hoje, como meia-calça cor de carne. Esta incrível invenção é atribuída ao figurinista da Ópera Mallo de Paris. Mas é improvável que esse talentoso monsieur imaginasse que seu produto unido se transformaria em algo elástico no século XX.
Alberto sem calça
Tudo correu de acordo com a tradição e a decência, até que o grande reformador do teatro de balé e um apaixonado admirador do corpo masculino quente, Sergei Diaghilev, mostrou ao mundo sua empresa - as temporadas russas de Diaghilev. Foi aqui que tudo começou - escândalos, barulho, histeria e todos os tipos de histórias associadas ao próprio Diaghilev e a seus amantes. Afinal, se antes uma bailarina reinava no palco, e a dançarina desempenhava o papel de um cavalheiro obediente com ela - ela ajudava na rotação para que não caísse, levantava-a mais alto para mostrar aos balémanes o que havia sob suas saias, então Diaghilev faz do dançarino o personagem principal de suas apresentações.
Um grande escândalo, relacionado não com a orientação sexual especial de Diaghilev, mas apenas com uma fantasia de palco, estourou em 1911 na peça "Giselle", na qual Vaslav Nijinsky - o amante oficial de Diaghilev - dançou o Conde Albert. A dançarina vestia tudo o que era necessário para o papel - collant, camisa, túnica curta, mas não havia calcinha, que era obrigatória para uma dançarina na época. E, portanto, os quadris expressivos de Nijinsky apareceram para o público em sua franca apetência, o que indignou a imperatriz Maria Feodorovna, que estava presente na apresentação. A história escandalosa terminou com a demissão de Nijinsky "por desobediência e desrespeito" ao palco imperial. Mas a busca pela dança pelo artista não parou, ele continuou sua luta pela liberdade do corpo na dança. No mesmo ano, Nijinsky apareceu no balé "O Fantasma da Rosa" com figurino desenhado por Lev Bakst, ajustando-se à figura como uma luva. Um pouco mais tarde, em A Tarde de um Fauno, a dançarina Nijinsky aparece no palco com um collant tão ousado, que ainda hoje parece moderno e sexy. É verdade que todas essas revelações já estão ocorrendo fora da Rússia nativa, mas teimosa.
Essa doce palavra é bandagem
Nos anos cinquenta, o mago da dança, idolatrando o corpo, principalmente o masculino, Maurice Bejart surgiu com um traje universal para dançarino e dançarino: uma menina de meia-calça preta, um jovem de meia-calça e sem camisa. Então a roupa do jovem é melhorada e o jovem fica com apenas um curativo. Mas na União Soviética, como você sabe, não havia sexo. Ele também não estava no palco do balé. Sim, claro, o amor existia, mas puro - "A Fonte de Bakhchisaray", "Romeu e Julieta", mas sem franqueza. Isso também se aplica às roupas masculinas. A dançarina vestiu uma cueca justa, por cima da meia-calça e por cima da meia-calça também uma calça de algodão. Mesmo que você olhe pelo telescópio mais poderoso, você não verá nenhum encanto. No entanto, havia aventureiros desavergonhados na pátria soviética que não queriam tolerar tal uniforme. Dizem que em uma das apresentações no Teatro Kirov (Mariinsky), em 1957, o destacado dançarino Vakhtang Chabukiani apareceu no palco de uma forma muito franca: com leggings brancas usadas diretamente sobre o corpo nu. O sucesso ultrapassou todos os limites concebíveis. De língua afiada, a destacada professora de balé Agrippina Vaganova, ao ver a dançarina, voltou-se para os que estavam sentados com ela no camarote e brincou: "Vejo um buquê assim mesmo sem oculares!"
Seguindo os passos de Chabukiani, outro dançarino de Kirovsky seguiu, na época ainda não um dissidente do balé e um gay mundialmente famoso, mas apenas um solista de teatro, Rudolf Nureyev. Os dois primeiros atos de "Dom Quixote" ele dançou em traje tradicional, permitido pelas autoridades soviéticas - de meia-calça, sobre a qual foram usadas calças curtas com puffs. Antes do terceiro ato, um verdadeiro escândalo estourou nos bastidores: o artista queria usar apenas um collant branco justo sobre uma bandagem especial de balé e sem calças: “Não preciso desses abajures”, disse ele. As autoridades teatrais prolongaram o intervalo por uma hora, tentando persuadir Nureyev. Quando a cortina finalmente se abriu, o público ficou chocado: parecia a todos que ele havia se esquecido de vestir as calças.
Rudolf geralmente se esforçava para obter o máximo de nudez. Em Corsair, ele saiu com o peito nu, e em Don Quixote, um collant incrivelmente fino criou a ilusão de pele nua. Mas com força total, o artista deu a volta por cima já fora da pátria soviética. Assim, na "Bela Adormecida", encenada por ele para o Balé Nacional do Canadá, Nureyev aparece envolto em uma capa até o chão. Então ele vira as costas para o público e lentamente abaixa a capa até congelar logo abaixo das nádegas.
Entre as pernas - ombro do casaco
A artista de teatro Alla Kozhenkova diz:
- Fizemos uma apresentação de balé. Durante a prova do figurino, o solista me diz que não gostou do figurino. Não consigo entender qual é o problema: cabe tudo bem, ele fica lindo nesse terno ... E de repente me dou conta - ele não gosta do tapa-sexo, parece que é muito pequeno. No dia seguinte digo à costureira: "Por favor, tire o ombro do casaco e coloque-o no curativo." Ela me disse: "Por quê? Por quê?" Eu disse a ela: "Olha, eu sei o que estou dizendo, ele vai gostar." Na próxima prova, a dançarina veste a mesma fantasia e me diz alegremente: "Veja, ficou muito melhor." E depois de um segundo acrescenta: "Só me parece que você inseriu um ombro feminino, mas é pequeno ... você precisa inserir um masculino." Não pude deixar de rir, mas fiz o que ele pediu. A costureira costurou um ombro da manga raglã de um casaco masculino na bandagem. O artista estava no sétimo céu de felicidade.
Uma vez que o pé de lebre foi inserido, mas agora não está mais na moda - não o formato, mas o ombro do casaco é o que você precisa.
Nureyev foi um pioneiro da nudez em Leningrado e em Moscou rivalizou com Maris Liepa. Como Nureyev, ele adorava seu corpo e o expunha com a mesma determinação. Foi Liepa quem foi o primeiro da capital a subir ao palco com uma bandagem usada por baixo da meia-calça.
Homem ou mulher?
Mas o mais interessante é que os homens do século XX tentaram não apenas expor seus corpos o máximo possível, mas também cobri-los. Alguns gostaram especialmente dos trajes de balé das mulheres. Um verdadeiro choque foi causado na Rússia pela criação do Balé Masculino de Valery Mikhailovsky, cujos artistas, com toda a seriedade, representavam o repertório feminino nos trajes femininos mais reais.
- Valery, quem teve a ideia de criar uma trupe tão inusitada? Eu pergunto a Mikhailovsky.
- A ideia é minha.
- Agora é difícil impressionar o público com alguma coisa, mas como eram percebidas as vossas danças, por assim dizer, feminino-masculino há dez anos, quando surgiu a equipa. Você foi acusado de chocar homossexuais?
- Sim, não foi fácil. Havia todo tipo de fofoca. No entanto, o público nos recebe com prazer. E não houve acusações de homossexualidade. Embora cada um seja livre para pensar e ver o que quiser. Não vamos convencer ninguém.
- Existia algo semelhante no mundo da dança antes do balé masculino?
- Existe uma empresa Trocadero de Monte Carlo em Nova York, mas o que eles fazem é completamente diferente. Eles têm uma paródia grosseira da dança clássica. Também parodiamos o balé, mas o fazemos, possuindo uma profissão.
- Você quer dizer que domina perfeitamente a técnica da dança clássica feminina?
- Em geral, inicialmente não tentamos substituir uma mulher no balé. Uma mulher é tão bonita que não vale a pena invadi-la. E por mais elegante, refinado e plástico que seja um homem, ele nunca dançará como uma mulher dança. Portanto, as peças femininas devem ser dançadas com humor. O que estamos demonstrando.
Mas primeiro, claro, era preciso dominar a técnica feminina.
- E qual é o tamanho dos sapatos dos seus rapazes? Macho ou fêmea?
- De quarenta e um a quarenta e três. E isso também era um problema - não existem sapatilhas femininas desse tamanho na natureza, então elas são feitas sob encomenda para nós. A propósito, cada um dos dançarinos tem seu próprio bloco de nomes.
- Como você esconde sua masculinidade - músculos, pelos no peito e todos os tipos de outros detalhes suculentos?
- Não escondemos nada e não tentamos enganar o público; pelo contrário, enfatizamos que não são as mulheres, mas os homens que falam diante delas.
- E, no entanto, alguém pode ser enganado. Deve ter havido muitos episódios engraçados?
- Sim, isso foi o suficiente. Foi, ao que parece, foi em Perm. Os caras, já maquiados, de peruca, estão se aquecendo no palco antes do início da apresentação, e eu fico nos bastidores e ouço a conversa de duas faxineiras. Um diz ao outro: "Escute, você já viu bailarinas tão corpulentas?" Ao que ela responde: "Não, nunca, mas você ouve de que baixo eles estão falando?" - "Sim, o que há para se surpreender, tudo esfumaçado."
- Algum dos espectadores do sexo masculino ofereceu a seus artistas uma mão e um coração?
- Não. É verdade que uma vez que um espectador que pagou muito dinheiro por um ingresso veio aos bastidores e exigiu que lhe provassem que não eram mulheres, mas homens que falavam na frente dele, dizem, olhando do auditório, ele não se deu conta.
- E como você provou isso?
- Os caras já estavam nus, sem mochilas, e ele entendeu tudo.
tudo é filmado
Na verdade, hoje não dá para surpreender o público com nada: nem um homem de tutu, nem o collant mais justo, nem mesmo um curativo. Se ao menos com o corpo nu... Hoje, cada vez mais, o corpo nu aparece nos grupos que praticam a dança moderna. Este é um tipo de isca e brinquedo sedutor. Um corpo nu pode ser triste, patético ou brincalhão. Essa piada foi feita em Moscou há alguns anos pela trupe americana Ted Shawn's Dancing Men. Os jovens subiram ao palco, modestamente vestidos com vestidos femininos curtos, que lembram combinações. Assim que a dança começou, o auditório entrou em êxtase. O fato é que sob as saias os homens não usavam nada. A platéia, em um desejo louco de ver melhor a economia dos homens ricos, que de repente se abriu para eles, quase voou de seus assentos. As cabeças dos espectadores entusiasmados giraram após as piruetas dançantes, e os olhos pareciam estar saindo das oculares dos binóculos, que em um instante se fixaram no palco onde os dançarinos brincavam com entusiasmo em sua dança travessa. Foi engraçado e emocionante, mais forte do que qualquer um dos melhores strip-teases.
Nosso ex-compatriota e agora estrela internacional Vladimir Malakhov se apresenta completamente nu em um dos balés. A propósito, quando Vladimir ainda morava em Moscou, ele foi severamente espancado na entrada de sua própria casa (por isso teve que levar pontos na cabeça) justamente por causa de sua orientação sexual não tradicional. Agora Malakhov dança em todo o mundo, inclusive completamente nu. Ele mesmo acredita que a nudez não é chocante, mas o imaginário artístico do balé em que dança.
No final do século XX, o corpo venceu o traje na luta pela sua liberdade. E é natural. Afinal, o que é uma apresentação de balé? É uma dança de corpos despertando os corpos dos espectadores. E é melhor assistir a tal performance com o corpo, não com os olhos. É para esse despertar corporal do público que o corpo da dança precisa de total liberdade. Então viva a liberdade!
O artigo foi retirado do recurso de informação www.gay.ru.
História do tutu de balé. Foto – thevintagenews.com
Uma bailarina na mente de qualquer pessoa certamente é representada em um tutu.
Este traje de palco tornou-se parte integrante do balé clássico.
No entanto, nem sempre foi esse o caso. A imagem moderna de uma bailarina, antes de ser finalmente formada, passou por muitas mudanças e percorreu um longo caminho.
Muitos podem se surpreender, mas até a segunda metade do século 19, as bailarinas se apresentavam no palco simplesmente com vestidos elegantes, que pouco diferiam daqueles com os quais os espectadores vinham.
Era um vestido com espartilho, um pouco mais curto que o normal, bastante volumoso. As bailarinas sempre se apresentavam de salto. A participação das bailarinas foi um pouco facilitada pela nova moda da antiguidade. Aliás, no balé começaram a ser utilizadas tramas mitológicas, por exemplo, Cupido e Psique.
Maria Tiglioni no balé Zephyr e Flora. Assim era a primeira embalagem, agora se chama “shopenka” As senhoras começaram a usar vestidos arejados e translúcidos com cintura alta. Eles foram até levemente molhados para que o tecido se ajustasse melhor ao corpo. Meias-calças foram usadas sob os vestidos e sandálias foram usadas nos pés.
Mas com o tempo, a técnica das bailarinas foi se tornando mais complicada e roupas mais leves foram exigidas para o palco. Primeiro, a prima abandonou os espartilhos, depois encurtou as saias e o próprio vestido começou a caber como uma segunda pele.
Quem inventou o pacote
Pela primeira vez em um tutu de balé, Maria Taglione apareceu diante do público em 12 de março de 1839. Neste dia, houve a estreia de "La Sylphide", em que a bailarina interpretou o papel principal da fada fada.
Para tal função, era necessária uma roupa apropriada. Foi inventado para a filha de Filippo Taglioni.
De acordo com uma versão, a figura desajeitada de Maria tornou-se o ímpeto para a criação das roupas de balé clássicas posteriores. Para esconder as falhas, Taglioni inventou um vestido que dava toda a aparência da leveza e graça da heroína.
O vestido foi criado de acordo com os esboços de Eugene Lamy. Então a saia foi costurada de tule. É verdade que naquela época o tutu não era tão curto quanto agora.
A próxima "transformação" da matilha aconteceu um pouco depois. Mas, a princípio, o mundo do balé encarou com hostilidade até mesmo um traje tão modesto.
O tutu não era especialmente do gosto de bailarinas com pernas não muito bonitas. Mas o deleite do público e dos críticos de arte, que admiravam a leveza dos dançarinos, não teve limites. Nem o último papel nisso foi desempenhado por um bando. Então esse traje criou raízes e se tornou um clássico.
Aliás, existe uma lenda sobre Maria Taglioni. Quando ela passou pela fronteira com a Rússia, os funcionários da alfândega perguntaram se ela carregava joias. Então a bailarina levantou a saia e mostrou as pernas. Maria foi a primeira a levar sapatilhas de ponta.
Como o tutu se acostumou na Rússia
A Rússia czarista era conservadora e não aceitou de imediato a novidade. Isso aconteceu apenas meio século depois. Mas foi no nosso país que a matilha voltou a mudar.
O inovador foi o prima do Teatro Bolshoi Adeline Dzhuri no início de 1900. A caprichosa dama não gostou da saia longa com que posaria para os fotógrafos. A bailarina apenas pegou a tesoura e cortou um pedaço decente da bainha. Desde então, a moda das mochilas curtas acabou.
De que outra forma o pacote mudou
Embora desde o início do século 20 o tutu tenha adquirido a forma e a forma que conhecemos até hoje, as pessoas sempre o experimentaram. Em produções, como Marius Petipa, a bailarina podia se vestir com figurinos de diversos estilos.
Em algumas cenas, ela apareceu com o habitual vestido "civil" e, para as partes solo, vestiu um tutu para demonstrar todas as suas habilidades e talento. Anna Pavlova se apresentou com uma saia longa e larga.
Nas décadas de 1930 e 1940, o tutu de balé do século 19 voltou aos palcos. Só agora ela foi chamada de forma diferente - "shopenka". E tudo porque Mikhail Fokin vestiu os dançarinos em sua Chopiniana. Outros diretores ao mesmo tempo usaram um tutu curto e exuberante.
E desde os anos 60, tornou-se apenas um círculo plano. O que quer que a embalagem seja decorada: strass, contas de vidro, penas, pedras preciosas.
Do que são feitas as embalagens?
Os tutus de balé são costurados a partir de um tecido translúcido leve - tule. Primeiro, os designers criam um esboço. Claro, as características da figura de cada bailarina são levadas em consideração e, portanto, o esboço do vestido para cada dançarina é diferente.
A largura do tutu depende da altura da bailarina. Em média, seu raio é de 48 cm.
Um pacote leva mais de 11 metros de tule. Demora cerca de duas semanas para fazer um pacote. Com toda a variedade de modelos, existem regras rígidas para a alfaiataria.
Por exemplo, nem zíperes nem botões são costurados nas mochilas, que podem se soltar durante uma apresentação. Apenas ganchos são usados como fixadores, mas em uma sequência estrita, ou melhor, em um padrão quadriculado. E às vezes, se a produção é particularmente difícil, os tutus são costurados à mão na bailarina antes de subir ao palco.
Quais são os pacotes
O pacote tem muitos nomes. Então, se você ouvir as palavras “túnica” ou “tutu” em algum lugar, saiba que elas significam a mesma mochila. Agora vamos descobrir quais são os tipos de pacotes.
Alexander Radunsky e Maya Plisetskaya no balé de R. Shchedrin, O Pequeno Cavalo Corcunda O tutu clássico é uma saia em forma de panqueca. Aliás, os solistas estão diretamente envolvidos na criação de seu figurino. Podem optar por uma forma de tutu que pode ser paralela ao chão ou com uma saia ligeiramente caída.
"Shopenka", uma saia longa, também costuro de tule. Esta forma de saia é muito boa para criar personagens míticos ou criaturas inanimadas.
A vantagem de tal roupa é que ela esconde joelhos insuficientemente apertados e outras deficiências, mas chama a atenção para os pés.
Outro tipo de vestido que não sai do uso do balé é a túnica. Sua saia é de camada única, costurada com mais frequência de chiffon. Neste vestido, o papel de Julieta é desempenhado.
Por que precisamos de tutus durante os ensaios
Para ensaios de apresentações de balé, os tutus são costurados separadamente. Eles são mais fáceis de colocar e tirar do que aqueles em que as bailarinas sobem ao palco.
Assim, todas as partes do figurino podem ser costuradas juntas, enquanto para os ensaios não é necessário corpete, mas apenas saia com calcinha. Além disso, os pacotes de ensaio não têm tantas camadas.
Um tutu de ensaio é obrigatório. Afinal, os dançarinos devem ver imediatamente onde o tutu vai interferir, onde pode subir ou ser ferido por um parceiro. E o diretor poderá formar um padrão de dança.
O tutu é tão firmemente entrincheirado que é usado não apenas no palco do balé. É verdade que fora de seu pacote serve para números cômicos de artistas de variedades e até mesmo no circo.
A história dos trajes de balé começou há vários séculos. As primeiras bailarinas prima eram obrigadas a usar vestidos, embora de aparência luxuosa, mas extremamente pesados: saias longas e bufantes e espartilhos decorados com pedras espalhadas, pérolas, babados, que tornavam os movimentos restritos. As roupas de balé para mulheres mudaram completamente graças ao coreógrafo Filippo Taglioni, que no século 19 desenvolveu pela primeira vez um traje completamente novo e inventou sapatilhas de ponta para sua filha. Outros conhecedores da história afirmam que Maria Taglioni se tornou a descobridora, mas o próprio design de roupas foi criado pelo artista Eugene Lamy. E pela primeira vez em março de 1839, o mundo viu Maria Taglioni na ponta, executando graciosamente passos complexos de balé.
Desde então, as roupas de balé começaram a mudar rapidamente, tornando-se mais curtas e leves. Afinal, era muito difícil dançar com sapatilhas de ponta em saias volumosas com espartilhos pesados. As saias começaram a ser costuradas com tecidos arejados, seu comprimento ia até os joelhos, mudando ligeiramente para cima ou para baixo. O volume também diminuiu gradualmente.
Toda uma época no desenvolvimento do balé na URSS foi o período da "Cortina de Ferro". Então o clássico tutu se tornou o mais comum. E pelo fato de as tendências dos fashionistas ocidentais terem se fechado para as bailarinas soviéticas, com o tempo, a comunidade mundial reconheceu que a escola russa não tem igual em técnica e beleza de atuação. Linhas graciosas do corpo, ajustadas ao ideal de movimento - as bailarinas russas são admiradas por todos desde o momento em que a "cortina" caiu até os dias atuais.
Na dança moderna, não existem requisitos tão rígidos para roupas. Por exemplo, uma fantasia de balé para uma menina pode consistir em uma saia de treino e meia-calça, um collant e meias brancas. Claro, para apresentações, o traje será completamente diferente. Mas, no entanto, as bailarinas hoje se apresentam com vestidos justos, meia-calça, saias de corte livre e, claro, não podem prescindir de uma clássica saia de sol.
A embalagem sempre merece atenção especial. Afinal, é com ela que a fantasia de bailarina consegue a completude da imagem. Os tipos de embalagens mais comuns são:
1. Tutu clássico - uma saia redonda e ereta de 10 a 12 camadas, que pode ser vista em bailarinas em produções como, por exemplo, Lago dos Cisnes, Dom Quixote, Paquita, etc. Na maioria das vezes, um aro de aço é inserido nele para fixação rígida. Uma exceção pode ser embalagens para os menores. Para que a saia esteja sempre em forma, é preferível guardá-la em pé em um estojo especial.
2. Tutu-bell ou chopinka - uma saia alongada e arejada. Não possui argolas rígidas, e o número de camadas de tecido é bem menor que no clássico. Graças a isso, as bailarinas parecem especialmente reverentes e ternas. Chopinka é ideal para interpretar papéis românticos. Por exemplo, para a produção de "Sylphilia", "Vision of the Rose".
3. Chiton - uma saia de guipura de camada única que adiciona fragilidade a um corpo feminino já esbelto no palco. Mais frequentemente usado para a produção de "Romeu e Julieta".
Qualquer roupa de balé que você pode comprar de nós reflete a individualidade, enfatiza a sofisticação e a feminilidade. Embora pareça que, por exemplo, uma saia clássica não pode ser costurada de maneira diferente, abaixar levemente as bordas ou levantá-las resultará em um visual completamente novo! Decore com miçangas, strass, pérolas, listras, penas - e agora você ganha um traje completamente novo que ninguém mais tem. Entre em contato conosco - e faremos sua imagem perfeita!
A elegância da arte do balé sempre toca a alma de adultos e crianças. As meninas estão prontas para passar horas olhando os looks mais lindos com lindas saias de tutu e tops bordados com miçangas ou strass. E se uma criança não pratica balé, mas sonha em experimentar tal roupa, por que não agradar sua filhinha e transformá-la em bailarina em uma festa de ano novo? Além disso, criar essa imagem não é nada difícil e nem caro.
O traje de bailarina é adequado não apenas para a festa de ano novo. Você pode facilmente usá-lo para um aniversário ou apenas para jogar. Portanto, você não deve adiar sua criação e pensar que agora não é o momento certo. A descrição abaixo facilitará a compreensão da sequência do trabalho, da qual certamente sairá uma deliciosa fantasia de bailarina.
Detalhes da imagem
Para não esquecer nenhum detalhe, vale a pena determinar imediatamente quais elementos da imagem devem estar presentes no traje. É melhor tirar uma foto como exemplo ou esboçar você mesmo um esboço da roupa desejada. Uma fantasia de bailarina também deve ter um lindo top ou uma camiseta justa de manga comprida. Você pode jogar golfe pronto com uma garganta. Você também vai precisar de meias. As sapatilhas de ponta podem facilmente substituir os tchecos ou sapatos, nos quais você pode prender pedaços de fitas de cetim que precisarão ser enroladas nas canelas. Se uma camiseta com alças finas for usada para a parte de cima, as luvas brancas complementarão perfeitamente o traje. Flores artificiais podem ser tecidas em cabelos longos, e grampos de cabelo ou uma tiara com uma bela decoração são adequados para um corte de cabelo curto.
cor do terno
O traje de bailarina infantil pode ser feito em absolutamente qualquer cor. Um detalhe chave como uma saia tutu fará com que o visual seja instantaneamente reconhecível, seja em branco ou preto ou qualquer outro tom do arco-íris. Aqui é melhor consultar uma pequena fashionista e dar a ela a oportunidade de participar da criação de sua imagem.
Criando uma saia
A principal questão ao criar é como costurar um pacote. É essa peça de roupa que na maioria das vezes causa dificuldades. Porém, o processo de criação de uma saia tutu é complicado apenas à primeira vista. Existem várias opções para criar essa coisa, uma delas não requer nenhuma habilidade de costura. Para o trabalho, você precisará de um elástico grosso de acordo com o volume da cintura da criança e três metros de tule, cortado em tiras de 10 a 15 cm de largura e 60 ou 80 cm de comprimento, dependendo do tipo de saia necessária. Todo o processo consiste no fato de que as tiras de tecido precisam ser amarradas com um elástico próximo umas das outras. É muito importante que o tule seja bem passado, pois o produto acabado é muito difícil de arrumar se o tecido estiver amassado.
Também vale a pena considerar a opção de costurar um pacote usando uma máquina de costura. Aqui também tudo é bastante simples. Três tiras de tule com largura igual ao comprimento da saia + 3 cm e comprimento de 4,5-6 metros são dobradas ao longo dos cortes, é traçada uma linha, partindo da borda de 1 cm, depois a costura traseira da a saia é costurada e um cordão é feito na parte superior para um elástico, prendendo a borda costurada do tecido para dentro. Depois disso, resta colocar um elástico forte no cordão. Tudo, o pacote está pronto!
Melhor criação
Se uma camiseta adequada não foi encontrada no guarda-roupa da criança, ela pode ser costurada em tecido de malha. Para isso, é necessária uma tira de tecido com largura igual à medida do ombro e logo abaixo da cintura, e o comprimento da cintura da criança. O tecido é dobrado ao meio, o pescoço e as cavas são desenhados, o excesso é cortado e, em seguida, as costuras dos ombros e laterais são processadas. Se você usar um suplex para o trabalho, as fatias podem ser deixadas simplesmente abertas. Eles não vão desmoronar ou ir flechas. No caso das lonas de algodão, você pode processá-las com um elástico. Como você pode ver na descrição, costurar um top em uma fantasia de bailarina com as próprias mãos não é muito difícil, todo o processo não levará mais de 20 minutos.
Fazendo luvas
As luvas são melhor costuradas com suplex ou óleo. O algodão não é adequado para esta finalidade. Claro, uma fantasia de bailarina ficará mais harmoniosa, na qual a blusa e as luvas são costuradas do mesmo material. No entanto, não é necessário usar uma tela idêntica. Além disso, as luvas podem ser costuradas com guipura de malha, que ficarão muito delicadas e românticas.
Assim, para costurar as luvas, é necessário cortar uma tira de tecido igual ao comprimento desejado e largura do pulso da criança + 1 cm, deve-se costurar um elástico em uma das bordas da tira (topo da luva). Depois que a peça de trabalho é dobrada em seções longas e um pequeno canto é cortado ao longo da parte inferior da luva para fazer uma sobreposição na mão. Um laço de fita de cetim para um dedo é costurado no colo. E por último feche a costura da luva.
elementos decorativos
Uma fantasia de bailarina para menina deve ser decorada com várias flores, pedras, strass ou lantejoulas. São esses elementos que irão adicionar elegância e brilho à imagem criada. O traje de bailarina pode ser bordado com chuva. Ao mesmo tempo, a roupa em si deve ser feita em verde, como se a bailarina fizesse o papel de uma árvore de Natal, ou deixasse a imagem branca como a neve, associando-a a flocos de neve macios e fofos.
A opção ideal para criar um pacote é o tule. Mas tem muitas variedades. Existem telas com revestimento brilhante, com pequenas bolinhas em loop e até com padrão. Também se distingue pela dureza. Tule muito denso mantém sua forma bem e pode ser usado como uma das camadas de um tutu costurado para uma forma mais curvilínea.
Também é impossível ignorar um material como renda de organza. Muitas vezes é bordado com lantejoulas e parece muito incomum. Pode ser combinado com tule duro e macio e fazer uma saia original. Porém, com uma decoração tão rica da embalagem, o topo deve ficar fosco e liso. Uma fantasia de bailarina para o Ano Novo pode ser feita de tule em um pequeno floco de neve, combinado com um top calmo. Ou faça um pacote de tiras de material e cole pedaços de enfeites por cima.
Uma fantasia de bailarina para uma menina pode ser temática. O que impede, por exemplo, fazer um personagem de "O Lago dos Cisnes"? Um lindo tutu com cisne colado e uma tiara combinando - e a roupa de um cisne encantador está pronta.
Opções de criação de pacotes
Claro, o tule é muito fácil de trabalhar, mas existem outros materiais valiosos aos quais você deve prestar atenção. A fantasia de carnaval "Bailarina" ficará ótima com um tutu de chiffon ou a organza já mencionada acima. A técnica de corte e costura dessa saia é um pouco diferente e requer algumas habilidades.
Para criar tal produto, você precisará de um modelo de saia de sol, regelin fino, para processar a bainha e um elástico na cintura. A quantidade de tecido é calculada com base no número de camadas da saia. Para deixar o produto bonito, deve haver pelo menos três camadas.
O processo de criação consiste em cortar três ou mais círculos do tecido principal de acordo com o padrão, fazer um recorte na cintura com um elástico, conectar todas as camadas e depois processá-las na borda externa com regelin e uma guarnição oblíqua, esticando a tela para formar ondas. Uma saia tão original é boa para combinar com um top de cetim, flores de organza, pedras e strass.
Acessórios adicionais
Muitas vezes, para uma fantasia de bailarina, pequenas saias são costuradas nas mãos, que são colocadas no antebraço. E devo dizer que esses elementos parecem bastante interessantes. Para costurar tal acessório, você precisará de uma tira do tecido principal com o qual é feita a mochila, com cerca de 50 cm de comprimento e não mais que 7 cm de largura, ela é costurada em um corte menor, uma das bordas é transformada em gola ou uma guarnição oblíqua e no segundo cordão para elástico.
Para tornar a imagem mais realista, não se pode prescindir de sapatilhas de ponta ou de sua imitação. Sapatos ou sapatos checos e fitas de cetim já foram mencionados, mas todo o problema é que, se a criança se mexer muito, todo o arnês em volta da perna simplesmente cairá. Portanto, você pode usar um pequeno truque: pegue meias, coloque na perna de uma criança, enrole o linho e amarre com um lindo laço e, em seguida, prenda cuidadosamente a fita no golfe com pequenos pontos. Com um ajuste tão seguro, você pode dançar por horas a fio.
Outro acessório interessante que costuma ser usado pelas bailarinas é uma flor no pulso. Você pode pegar um tamanho adequado de rosa ou lírio em um salão de noivas, mesmo com penugem de cisne e pingentes de contas, e costurá-lo em uma faixa de cabelo branco comum. Você pode decorar seu cabelo com uma flor semelhante.
