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Teoria da Literatura. A comédia na literatura é uma variedade multivariada de dramaturgia Características de uma peça como obra dramática

As obras dramáticas são organizadas pelas falas dos personagens. De acordo com Gorky, "a peça exige que cada unidade de atuação seja caracterizada por palavra e ação por conta própria, sem a solicitação do autor" (50, 596). Uma narrativa detalhada e uma imagem descritiva estão faltando aqui. Na verdade, a fala do autor, com a ajuda da qual o retratado é caracterizado de fora, é auxiliar e episódica no drama. Estes são o título da peça, seu subtítulo de gênero, uma indicação do local e hora da ação, uma lista de personagens, às vezes

acompanhados por sua breve caracterização resumida, atos preliminares e episódios da descrição da situação do palco, bem como comentários feitos na forma de comentários sobre réplicas individuais dos personagens. Tudo isso constitui um texto secundário de uma obra dramática. Da mesma forma, seu texto é uma cadeia de comentários dialógicos e monólogos dos próprios personagens.

Daí alguma limitação das possibilidades artísticas do drama. O escritor-dramaturgo usa apenas uma parte dos meios visuais que estão à disposição do criador de um romance ou épico, conto ou conto. E os personagens dos personagens são revelados no drama com menos liberdade e plenitude do que no épico. “Eu ... percebo o drama”, observou T. Mann, “como a arte da silhueta e sinto apenas a pessoa contada como uma imagem volumosa, integral, real e plástica” (69, 386). Ao mesmo tempo, os dramaturgos, ao contrário dos autores de obras épicas, são obrigados a se limitar à quantidade de texto verbal que atenda aos requisitos da arte teatral. O tempo da trama no drama deve se encaixar dentro da estrita estrutura do tempo do palco. E a representação nas formas familiares ao teatro europeu dura, como você sabe, não mais do que três ou quatro horas. E isso requer um tamanho adequado do texto dramático.

Ao mesmo tempo, o autor da peça também tem vantagens significativas sobre os criadores de contos e romances. Um momento retratado no drama está intimamente ligado a outro, vizinho. O tempo dos acontecimentos reproduzidos pelo dramaturgo durante o episódio cênico (ver Capítulo X) não é comprimido ou esticado; os personagens do drama trocam comentários sem nenhum intervalo de tempo perceptível, e suas declarações, como observou Stanislavsky, formam uma linha contínua e contínua. Se com a ajuda da narração a ação é impressa como algo passado, então a cadeia de diálogos e monólogos no drama cria a ilusão do tempo presente. A vida aqui fala como se fosse de sua própria face: entre o que é retratado e o leitor não há intermediário - o narrador. A ação do drama ocorre como se estivesse diante dos olhos do leitor. “Todas as formas narrativas”, escreveu F. Schiller, “transferem o presente para o passado; todo dramático torna o passado presente" (106, 58).

O gênero dramático da literatura recria a ação com

imediatismo máximo. O drama não permite características resumidas de eventos e ações que substituiriam seus detalhes. E ela é, como observou Yu. Olesha, "um teste de rigor e ao mesmo tempo a fuga do talento, um senso de forma e tudo de especial e surpreendente que compõe o talento" (71, 252). Bunin expressou uma ideia semelhante sobre o drama: “Você tem que comprimir o pensamento em formas precisas. E é tão emocionante."

FORMAS DE COMPORTAMENTO DO PERSONAGEM

Personagens dramáticos se revelam em comportamento (principalmente em palavras faladas) de forma mais proeminente do que personagens em obras épicas. E isso é natural. Em primeiro lugar, a forma dramática dispõe os personagens para uma "conversa longa". Em segundo lugar, as palavras dos personagens do drama são orientadas para o amplo espaço do palco e do auditório, de modo que o discurso seja percebido como dirigido diretamente ao público e potencialmente alto. "O teatro requer ... linhas gerais exageradas tanto na voz, recitação e nos gestos" (98, 679), escreveu N. Boileau. E D. Diderot observou que "não se pode ser dramaturgo sem possuir eloqüência" (52, 604).

O comportamento dos personagens do drama é marcado por atividade, cativante, ostentação. É, em outras palavras, teatral. A teatralidade é a condução da fala e dos gestos, realizada no cálculo de um efeito público, de massa. É o antípoda da intimidade e das formas inexpressivas de ação. O comportamento repleto de teatralidade torna-se o assunto mais importante da representação no drama. A ação dramática é muitas vezes realizada com a participação ativa de uma ampla gama de pessoas. Tais são muitas cenas nas peças de Shakespeare (especialmente as finais), as culminações de O Inspetor Geral de Gogol e A Tempestade de Ostrovsky, e os episódios cruciais da Tragédia Otimista de Vishnevsky. O espectador é especialmente afetado por episódios em que há público no palco: a imagem de reuniões, comícios, apresentações de massa, etc. Eles deixam uma impressão vívida e episódios de palco mostrando poucas pessoas se seu comportamento for aberto, não inibido, espetacular . “Como ele atuou no teatro”, Bubnov (At the Bottom de Gorky) comenta o discurso frenético do desesperado Klesh sobre a verdade, que, por uma intrusão inesperada e aguda na conversa geral, deu a ela um caráter teatral adequado .

No entanto, dramaturgos (especialmente os defensores de

arte realista) sentem a necessidade de ir além da teatralidade: recriar o comportamento humano em toda a sua riqueza e diversidade, captando a vida privada, doméstica, íntima, onde as pessoas se expressam em palavras e gestos com parcimônia e despretensão. Ao mesmo tempo, a fala dos personagens, que, segundo a lógica do que é retratado, não deve ser espetacular e brilhante, é apresentada em dramas e performances como longas, cheias de voz, hiperbolicamente expressivas. Uma certa limitação das possibilidades do drama entra em cena aqui: os dramaturgos (assim como os atores no palco) são forçados a elevar o “não teatral na vida” ao patamar de “teatral na arte”.

Em sentido amplo, qualquer obra de arte é condicional, ou seja, não idêntica à vida real. Ao mesmo tempo, o termo convenção (no sentido estrito) refere-se a formas de reproduzir a vida, nas quais se enfatiza a discrepância e mesmo o contraste entre as formas retratadas e as formas da própria realidade. A esse respeito, as convenções artísticas se opõem à "plausibilidade" ou à "semelhança com a vida". “Tudo deve ser essencialmente semelhante à vida, não necessariamente tudo deve ser semelhante à vida”, escreveu Fadeev. “Entre as muitas formas, pode haver uma forma condicional” (96, 662) (ou seja, "semelhante à vida". - V. X.).

Em obras dramáticas, onde o comportamento dos personagens é teatral, as convenções são especialmente amplamente utilizadas. A iminente partida do drama da semelhança com a vida foi mencionada mais de uma vez. Assim, Pushkin argumentou que "de todos os tipos de composições, as composições mais implausíveis são dramáticas" (79, 266), e Zola chamou o drama e o teatro de "a cidadela de tudo o que é convencional". (61, 350).

Os personagens dramáticos costumam falar não porque precisam disso no decorrer da ação, mas porque o autor precisa explicar algo aos leitores e espectadores, para causar uma certa impressão neles. Assim, personagens adicionais às vezes são introduzidos em obras dramáticas, que ou contam sobre o que não é mostrado no palco (mensageiros em peças antigas), ou, tornando-se interlocutores dos personagens principais, os encorajam a falar sobre o que aconteceu (coros e seus luminares em tragédias antigas); confidentes e servos nas comédias da antiguidade, renascimento, classicismo). Nos chamados dramas épicos, os atores-personagens voltam-se de vez em quando para o público, “saem do papel” e, como se fossem de fora, relatam o que está acontecendo.

Uma homenagem à convenção é, ainda, a saturação da fala no drama com máximas, aforismos e raciocínios sobre o que está acontecendo. Os monólogos proferidos pelos heróis na solidão também são condicionais. Esses monólogos não são realmente ações de fala, mas um recurso puramente encenado para trazer à tona a fala interior; há muitos deles tanto nas tragédias antigas quanto na dramaturgia dos tempos modernos. Ainda mais condicionais são os comentários “aparte”, que, por assim dizer, não existem para outros personagens no palco, mas são claramente audíveis para o público.

Seria errado, é claro, "reforçar" a hipérbole teatral apenas para o gênero dramático da literatura. Fenômenos semelhantes são característicos de épicos clássicos e romances de aventura, mas se falamos dos clássicos do século XIX. - para as obras de Dostoiévski. No entanto, é no drama que a convencionalidade da fala auto-revelada dos personagens se torna a principal tendência artística. O autor do drama, montando uma espécie de experimento, mostra como uma pessoa se expressaria se expressasse seu estado de espírito com a máxima plenitude e brilho nas palavras que pronunciou. Naturalmente, diálogos e monólogos dramáticos acabam sendo muito mais volumosos e eficazes do que aquelas observações que poderiam ser proferidas em uma situação de vida semelhante. Como resultado, a fala no drama muitas vezes se assemelha à fala artístico-lírica ou oratória: os heróis das obras dramáticas tendem a se expressar como improvisadores - poetas ou oradores sofisticados. Portanto, Hegel estava parcialmente certo, considerando o drama como uma síntese do início épico (eventualidade) e do lírico (expressão da fala).

Da antiguidade à era do romantismo - de Ésquilo e Sófocles a Schiller e Hugo - as obras dramáticas na grande maioria dos casos gravitavam em direção à teatralização de agudos e demonstrativos. L. Tolstoi censurou Shakespeare pela abundância de hipérboles, por causa das quais a possibilidade de impressão artística é supostamente violada. Desde as primeiras palavras, - escreveu sobre a tragédia "Rei Lear", - percebe-se um exagero: um exagero de acontecimentos, um exagero de sentimentos e um exagero de expressões " (89, 252). L. Tolstoi errou ao avaliar a obra de Shakespeare, mas a ideia do compromisso do grande dramaturgo inglês com a hipérbole teatral é totalmente justificada. O que foi dito sobre "Rei Lear" com não menos razão pode ser atribuído a comédias e tragédias antigas.

dias, as obras dramáticas do classicismo, as tragédias de Schiller, etc.

Nos séculos XIX-XX, quando o desejo de autenticidade cotidiana das imagens artísticas prevalecia na literatura, as convenções inerentes ao drama começaram a ser reduzidas ao mínimo. Na origem desse fenômeno está o chamado "drama pequeno-burguês" do século XVIII, cujos criadores e teóricos foram Diderot e Lessing. Obras dos maiores dramaturgos russos do século XIX. e o início do século 20 - de A. Ostrovsky, Chekhov e Gorky - se distinguem pela confiabilidade das formas de vida recriadas. Mas mesmo quando os dramaturgos se fixaram na plausibilidade do que foi retratado, o enredo, a hipérbole psicológica e a fala real persistiram. Mesmo na dramaturgia de Chekhov, que mostrava o limite máximo da "semelhança com a vida", as convenções teatrais se faziam sentir. Vamos dar uma olhada na cena final de As Três Irmãs. Uma jovem terminou com um ente querido dez ou quinze minutos atrás, provavelmente para sempre. Mais cinco minutos atrás descobriu sobre a morte de seu noivo. E agora eles, junto com a terceira irmã mais velha, resumem os resultados morais e filosóficos do que aconteceu, pensando ao som de uma marcha militar sobre o destino de sua geração, sobre o futuro da humanidade. Dificilmente é possível imaginar isso acontecendo na realidade. Mas não percebemos a implausibilidade do final de As Três Irmãs, porque estamos acostumados com o fato de que o drama muda significativamente as formas de vida das pessoas.

O gênero dramático da literatura recria a ação com

FORMAS DE COMPORTAMENTO DO PERSONAGEM

No entanto, dramaturgos (especialmente os defensores de

dias, as obras dramáticas do classicismo, as tragédias de Schiller, etc.

Mas não há uma imagem narrativa-descritiva detalhada no drama. Na verdade, a fala do autor aqui é auxiliar e episódica. Tais são as listas de atores, às vezes acompanhadas de breves características, designação de tempo e local de atuação; descrições da situação cênica no início dos atos e episódios, bem como comentários sobre réplicas individuais dos personagens e indicações de seus movimentos, gestos, expressões faciais, entonações (observações). tudo isso constitui lado texto dramático. básico seu texto é uma cadeia de enunciados de personagens, suas réplicas e monólogos.

Daí algumas possibilidades artísticas limitadas do drama. O escritor-dramaturgo usa apenas uma parte dos meios visuais que estão à disposição do criador de um romance ou épico, conto ou conto. E os personagens dos personagens são revelados no drama com menos liberdade e plenitude do que no épico. "Drama eu<...>Eu percebo, - observou T. Mann, - como a arte da silhueta e sinto apenas a pessoa contada como uma imagem volumosa, integral, real e plástica. Ao mesmo tempo, os dramaturgos, ao contrário dos autores de obras épicas, são obrigados a se limitar à quantidade de texto verbal que atenda aos requisitos da arte teatral. O tempo da ação retratada no drama deve se encaixar na estrutura estrita do tempo do palco. E a representação nas formas familiares ao novo teatro europeu dura, como você sabe, não mais do que três ou quatro horas. E isso requer um tamanho adequado do texto dramático.

Ao mesmo tempo, o autor de uma peça tem vantagens significativas sobre os criadores de contos e romances. Um momento retratado no drama está intimamente ligado a outro, vizinho. O tempo dos eventos reproduzidos pelo dramaturgo durante o “episódio do palco não é comprimido ou esticado; os personagens do drama trocam comentários sem intervalos perceptíveis de tempo, e suas declarações, como observou K.S. Stanislavsky, formam uma linha contínua e contínua. capturado como algo passado, então a cadeia de diálogos e monólogos no drama cria a ilusão do tempo presente. A vida aqui fala como se fosse de sua própria face: entre o que é retratado e o leitor não há narrador intermediário. A ação é recriada no drama com o máximo de imediatismo. Flui como se estivesse diante dos olhos do leitor." Todas as formas narrativas,- escreveu F. Schiller, - eles transferem o presente para o passado; todo o dramático torna o passado presente."

O drama é orientado para o palco. O teatro é uma arte pública e de massa. A performance afeta diretamente muitas pessoas, como se se fundissem em uma em resposta ao que está acontecendo diante delas. O objetivo do drama, segundo Pushkin, é atuar sobre a multidão, ocupar sua curiosidade” e para isso captar a “verdade das paixões”: “O drama nasceu na praça e constituiu a diversão do povo. As pessoas, como as crianças, exigem entretenimento, ação. O drama o apresenta com acontecimentos extraordinários e estranhos. As pessoas exigem sensações fortes<..>Riso, pena e horror são os três fios da nossa imaginação, abalada pela arte dramática. O gênero dramático da literatura está especialmente ligado à esfera do riso, pois o teatro se consolidou e se desenvolveu em estreita ligação com as festividades de massa, em clima de jogo e diversão. “O gênero cômico é universal para a antiguidade”, observou O. M. Freidenberg. O mesmo é verdade para dizer sobre o teatro e o drama de outros países e épocas. T. Mann estava certo quando chamou o "instinto do comediante" de "o princípio fundamental de qualquer habilidade dramática".

Não é de surpreender que o drama gravite em direção a uma apresentação externamente espetacular do que é retratado. Suas imagens acabam sendo hiperbólicas, cativantes, teatrais e brilhantes. “O teatro exige<...>linhas gerais exageradas tanto na voz, recitação e nos gestos,- escreveu N. Boileau. E essa propriedade da arte cênica invariavelmente deixa sua marca no comportamento dos heróis das obras dramáticas. “Como ele atuou no teatro”, comenta Bubnov (At the Bottom de Gorky) sobre o discurso frenético do desesperado Klesch, que, por uma intrusão inesperada na conversa geral, deu-lhe um efeito teatral. Significativas (como uma característica do tipo dramático de literatura) são as críticas de Tolstói a W. Shakespeare pela abundância de hipérboles, por causa das quais, por assim dizer, "a possibilidade de uma impressão artística é violada". "Desde as primeiras palavras,- ele escreveu sobre a tragédia "Rei Lear",- pode-se ver um exagero: um exagero de eventos, um exagero de sentimentos e um exagero de expressões. L. Tolstoi errou ao avaliar a obra de Shakespeare, mas a ideia do compromisso do grande dramaturgo inglês com a hipérbole teatral é totalmente justificada. O que foi dito sobre "Rei Lear" com não menos razão pode ser atribuído a comédias e tragédias antigas, obras dramáticas do classicismo, às peças de F. Schiller e V. Hugo, etc.

Em XIX - XX séculos, quando o desejo de autenticidade mundana prevaleceu na literatura, as convenções inerentes ao drama tornaram-se menos óbvias, muitas vezes reduzidas ao mínimo. Na origem desse fenômeno está o chamado "drama filisteu" XVIII século, cujos criadores e teóricos foram D. Diderot e G.E. Lesing. Obras de grandes dramaturgos russos século 19 e início de XX século - A.N. Ostrovsky, A.P. Chekhov e M. Gorky - distinguem-se pela confiabilidade das formas de vida recriadas. Mas mesmo quando os dramaturgos se voltavam para a plausibilidade, o enredo, a hipérbole psicológica e, na verdade, verbal persistiam. As convenções teatrais se faziam sentir até na dramaturgia de Chekhov, que era o limite máximo da "semelhança com a vida". Vamos dar uma olhada na cena final de As Três Irmãs. Uma jovem terminou com um ente querido dez ou quinze minutos atrás, provavelmente para sempre. Mais cinco minutos atrás descobriu sobre a morte de seu noivo. E agora eles, junto com a terceira irmã mais velha, resumem os resultados morais e filosóficos do passado, pensando ao som de uma marcha militar sobre o destino de sua geração, sobre o futuro da humanidade. Dificilmente é possível imaginar isso acontecendo na realidade. Mas não percebemos a implausibilidade do final de As Três Irmãs, porque estamos acostumados com o fato de que o drama muda significativamente as formas de vida das pessoas.

O exposto acima convence da justiça do julgamento de A. S. Pushkin (de seu artigo já citado) de que “a própria essência da arte dramática exclui a plausibilidade”; “Lendo um poema, um romance, muitas vezes podemos esquecer de nós mesmos e acreditar que o incidente descrito não é ficção, mas a verdade. Numa ode, numa elegia, podemos pensar que o poeta retratou seus sentimentos reais, em circunstâncias reais. Mas onde está a credibilidade em um prédio dividido em duas partes, das quais uma está repleta de espectadores que concordaram etc" .

O papel mais importante nas obras dramáticas pertence às convenções de auto-revelação do discurso dos personagens, cujos diálogos e monólogos, muitas vezes saturados de aforismos e máximas, acabam sendo muito mais extensos e eficazes do que aqueles comentários que poderiam ser proferidos em uma situação de vida semelhante. As réplicas “à parte” são convencionais, que, por assim dizer, não existem para outros personagens no palco, mas são claramente audíveis para o público, assim como monólogos proferidos pelos personagens sozinhos, sozinhos consigo mesmos, que são um palco puramente técnica para trazer à tona a fala interior (existem muitos monólogos como nas tragédias antigas e na dramaturgia dos tempos modernos). O dramaturgo, montando uma espécie de experimento, mostra como uma pessoa se expressaria se expressasse seu estado de espírito com a máxima plenitude e brilho nas palavras faladas. E a fala em uma obra dramática muitas vezes se assemelha à fala artística lírica ou oratória: os personagens aqui tendem a se expressar como improvisadores-poetas ou mestres da oratória. Portanto, Hegel estava parcialmente certo, considerando o drama como uma síntese do início épico (eventualidade) e do lírico (expressão da fala).

O drama tem, por assim dizer, duas vidas na arte: teatral e literária. Constituindo a base dramática dos espetáculos, existindo em sua composição, a obra dramática também é percebida pelo público leitor.

Mas esse não foi sempre o caso. A emancipação do drama do palco foi realizada gradualmente - ao longo de vários séculos e terminou relativamente recentemente: em XVIII - XIX séculos Exemplos mundiais significativos de dramaturgia (da antiguidade à XVII c.) na época de sua criação, praticamente não eram reconhecidos como obras literárias: existiam apenas como parte das artes cênicas. Nem W. Shakespeare nem J. B. Molière foram vistos por seus contemporâneos como escritores. A “descoberta” na segunda metade do séc. XVIII séculos de Shakespeare como um grande poeta dramático. A partir de agora, os dramas começaram a ser lidos intensamente. Graças a inúmeras publicações em XIX - XX séculos obras dramáticas provou ser uma importante variedade de ficção.

No século XIX v. (especialmente em sua primeira metade) os méritos literários do drama foram muitas vezes colocados acima dos cênicos. Assim, Goethe acreditava que "as obras de Shakespeare não são para olhos corporais", e Griboedov chamou seu desejo de ouvir os versos de "Woe from Wit" do palco de "infantil". O assim chamadoLesedrama(drama para ler) criado com a instalação principalmente na percepção na leitura. Tais são o Fausto de Goethe, as obras dramáticas de Byron, as pequenas tragédias de Pushkin, os dramas de Turgenev, sobre os quais o autor comentou: "Minhas peças, insatisfatórias no palco, podem ser de algum interesse para a leitura".

As diferenças fundamentais entre Lesedrama e uma peça encenada pelo autor não existe. Dramas criados para leitura são muitas vezes dramas potencialmente teatrais. E o teatro (incluindo o moderno) busca obstinadamente e às vezes encontra as chaves para eles, prova disso são as produções de sucesso de "Um mês no campo" de Turgenev (em primeiro lugar, esta é a famosa performance pré-revolucionária do Teatro de Arte) e numerosas (embora nem sempre bem-sucedidas) leituras de palco das pequenas tragédias de Pushkin século 20

A velha verdade continua em vigor: o mais importante, o principal objetivo do drama é o palco. “Apenas quando encenada no palco”, observou A. N. Ostrovsky, “a ficção dramática do autor assume uma forma completamente acabada e produz exatamente a ação moral que o autor se propôs como meta a alcançar”.

A criação de uma performance baseada em uma obra dramática está associada à sua finalização criativa: os atores criam desenhos entonativo-plásticos dos papéis que representam, o artista projeta o espaço do palco, o diretor desenvolve as mise-en-scenes. Nesse sentido, o conceito da peça muda um pouco (mais atenção é dada a alguns de seus lados, menos atenção a outros), muitas vezes é concretizado e enriquecido: a produção teatral introduz novos elementos no drama. semântico tons. Ao mesmo tempo, o princípio de suma importância para o teatro é fidelidade de leitura literatura. O diretor e os atores são chamados a transmitir a obra encenada ao público com a máxima integridade possível. A fidelidade na leitura cênica ocorre onde o diretor e os atores compreendem profundamente a obra dramática em sua principal conteúdo, gênero, características de estilo. As produções teatrais (assim como as adaptações cinematográficas) só são legítimas nos casos em que há concordância (mesmo que relativa) entre o diretor e os atores e o círculo de ideias do dramaturgo, quando as figuras cênicas estão atentas ao significado a obra encenada, às características de seu gênero, às características de seu estilo e ao próprio texto.

na estética clássica XVIII - XIX Durante séculos, em particular por Hegel e Belinsky, o drama (principalmente o gênero da tragédia) foi considerado a forma mais elevada de criatividade literária: como a "coroa da poesia". De fato, toda uma série de épocas artísticas se manifestou predominantemente na arte dramática. Esquilo e Sófocles no auge da cultura antiga, Molière, Racine e Corneille na época do classicismo não tiveram igual entre os autores de obras épicas. Significativo a esse respeito é o trabalho de Goethe. Todos os gêneros literários estavam à disposição do grande escritor alemão, mas ele coroou sua vida na arte com a criação de uma obra dramática - o imortal Fausto.

Nos séculos passados (até XVIII séculos) o drama não apenas competiu com sucesso com o épico, mas muitas vezes se tornou a principal forma de reprodução artística da vida no espaço e no tempo. Isto é devido a uma série de razões. Em primeiro lugar, a arte teatral desempenhou um papel enorme, acessível (ao contrário dos livros manuscritos e impressos) aos mais amplos estratos da sociedade. Em segundo lugar, as propriedades das obras dramáticas (a representação de personagens com traços pronunciados, a reprodução das paixões humanas, a atração pelo pathos e pelo grotesco) na era "pré-realista" correspondiam plenamente às tendências literárias e artísticas gerais. cit. Citado de: Leitor sobre a história do teatro da Europa Ocidental / Comp. e ed. S. Mokulsky: Em 2 volumes, 2ª ed. M.; L., 1953. T. 1. S. 679.

Tolstói L. N. Completo col. cit.: V 90 t. M., 1950. T. 35. S. 252.

Pushkin A. S. Completo col. cit.: Em 10 vols. T. 7. S. 212.

Goethe I. V. Sobre arte. pp. 410–411.

Turgenev I.S. Sobr. cit.: V. 12 t. M., 1956. T. 9. S. 542.

Ostrovsky A.N. Completo col. cit.: V 12 t. M., 1978. T. 10. S. 63.

Características do estudo de obras dramáticas

1. Drama é uma espécie de literatura. Sinais e características do tipo dramático.

Drama - um dos três tipos de literatura, junto com o épico e a letra, pertence simultaneamente a dois tipos de arte: literatura e teatro.

Drama denota um dos gêneros do tipo dramático. O drama é para o palco. Meios de palco são os meios de criar imagens. As principais características do drama: 1 Reproduz eventos externos ao autor (proximidade com o épico).

2 diálogo.

3 objetividade.

4 domina a ação

Ação dramática - reações emocionalmente volitivas de uma pessoa. O drama imita a ação por meio da ação, não a história (Aristóteles).

5 O drama é caracterizado por situações de conflito agudo em que os personagens revelam seus personagens. O drama se formou na Grécia antiga, em Atenas, nas obras de Sófocles, Aristófanes, Ésquilo e outros, houve um colapso nas relações sociais, na consciência pública. Tomou uma forma que dominaria rapidamente os conflitos sociais. As obras dramáticas, como as épicas, recriam a série de eventos, as ações das pessoas e seus relacionamentos. O dramaturgo está sujeito à lei do desenvolvimento da ação. Mas não há uma imagem narrativa-descritiva detalhada no drama. Nesse sentido, a fala do autor aqui é auxiliar e episódica. Estas são as listas de atores (às vezes acompanhadas de uma breve descrição), a designação do tempo e local da ação, comentários. Tudo isso é um texto paralelo de um projeto dramático. O texto principal é uma cadeia de falas dos personagens, suas réplicas, monólogos. Daí uma certa limitação das piores possibilidades do drama. O escritor dramaturgo usa apenas uma parte dos meios pictóricos disponíveis para criar um romance, épico, história, conto. => a natureza dos personagens se revela no drama com menos liberdade e plenitude do que no épico. Mas o autor da peça tem vantagens significativas sobre os criadores de contos e romances. Um momento retratado no drama está intimamente ligado ao próximo. O tempo dos eventos executados durante a sequência do palco não é comprimido ou estendido. A vida aqui fala como se fosse sua própria face: entre o que é retratado e o leitor não há narrador-intermediário. O drama é voltado para a demanda do palco. O teatro é uma arte de massa. Não é de surpreender que o drama gravite em direção à apresentação externa efetiva do que é retratado. Suas imagens são hiperbólicas, cativantes. E essa propriedade da arte cênica invariavelmente deixa sua marca no comportamento dos personagens.

A base do drama é a ação. Ao contrário do épico, onde a ação é descrita como tendo ocorrido, ocorrendo no passado, a ação no drama se desenrola no tempo presente, ocorre diretamente na frente do espectador, distinguindo-se pela atividade, continuidade, propósito e compacidade . Em outras palavras, o drama reproduz a própria ação realizada pelos personagens e não conta sobre essa ação. A ação é mostrada através do conflito que está no centro da obra dramática, que determina todos os elementos estruturais da ação dramática (em particular, a composição da peça está sujeita à revelação do conflito). Inextricavelmente ligados entre si, a ação dramática e o conflito são as principais características do drama como gênero literário. O desenvolvimento da ação e do conflito se manifesta na organização do enredo da obra. Em um drama clássico, não há amplitude e diversidade de enredo, como em uma obra épica. O enredo dramático concentra apenas eventos-chave e marcantes no desenvolvimento da ação e do conflito. Nas obras do tipo dramático, o enredo se distingue pela tensão e rapidez de desenvolvimento, maior nudez do conflito. O conflito dramático, refletindo contradições históricas e universais específicas, revelando a essência do tempo, das relações sociais, se materializa no comportamento e nas ações dos personagens e, acima de tudo, nos diálogos, monólogos, réplicas. O diálogo no drama é o principal meio de desenvolver a ação e o conflito e a principal forma de retratar os personagens (as funções mais importantes do diálogo dramático). (Na prosa, o diálogo se combina com a fala do autor.) Revela a vida externa e interna dos personagens: suas opiniões, interesses, posição de vida e sentimentos, experiências, humores. Em outras palavras, a palavra no drama, sendo ampla, precisa, expressiva, emocionalmente saturada, uma palavra-ação, é capaz de transmitir a plenitude das características dos personagens. Uma forma de caracterização da fala dos personagens do drama também é um monólogo - a fala do personagem, dirigida a si ou aos outros, mas, ao contrário do diálogo, não depende de comentários recíprocos. Na prosa, o monólogo não tem o papel mais importante, mas prevalece nas letras. No drama, o monólogo revela os ideais, as crenças dos personagens, sua vida espiritual, a complexidade do personagem.

2. Métodos e técnicas para trabalhar em uma obra dramática

Na fase inicial do estudo de uma obra dramática, simultaneamente com o esclarecimento do conflito principal, os alunos primeiro conhecem os personagens, qual o papel que desempenham na luta. Você pode perguntar sobre seus agrupamentos. Abre-se o caminho para o esclarecimento do conflito principal, e o estabelecimento dos limites da peça - como começou e como terminou, o que ajuda a esclarecer a visão geral da peça.

Grande atenção é dada ao apelo da turma ao tempo abrangido pela peça. O tempo do espectador e o tempo da ação da peça parecem estar combinados, mas dias, semanas e até anos se passam entre os fenômenos.

Por exemplo, a ação "Woe from Wit" abrange o período da manhã à noite, embora no teatro seja compactado para algumas horas. Entre III e 1U as ações do "Thunderstorm" passam duas semanas. Os alunos devem aprender que o que é importante no drama não é apenas o que acontece no próprio ato entre os atos.

Para análise em sala de aula, o professor deve selecionar os principais fenômenos que determinam o desenvolvimento da ação. Não devemos esquecer a explicação de palavras incompreensíveis; e comentários históricos e teatrais, pré-selecione o que ler e quando ligar o player.

Os métodos e técnicas de trabalhar no drama são variados.

1. "Ponto de vista do público", instalação sobre percepção visual. Os alunos devem se imaginar vendo mentalmente a peça, para isso é útil usar fragmentos de memórias de apresentações.

2. É importante estimular os alunos a IMAGINAR o que está acontecendo no palco para propor uma situação: “Imagine que você está sentado no palco” (antes do início do 1º ato de “Tempestade”).

Resposta: as vastas extensões da região do Trans-Volga, as extensões do Volga, que fazem Kuligin exclamar: a vista é extraordinária, a beleza - a alma se alegra! ou "Como você imagina o prefeito no momento em que ele entra na sala de Khlestakov?"

Outra técnica que estimula os alunos a penetrar no texto da peça é a criação de mise-en-scenes imaginárias, ou seja, os alunos são convidados a pensar como organizariam os personagens em determinado momento da ação, a imaginar suas posições, gestos, movimentos.

Por exemplo, antes do início do Ato IV "At the Bottom", Gorky indica onde, em que posição cada um dos personagens está no momento em que a cortina se abre. Mas no decorrer do desenvolvimento da ação, a localização dos personagens no palco muda, em que casos, por que e como isso acontece? Marque essas cenas."

O cerne do trabalho em cada ato é a observação consistente do desenvolvimento da ação, da lógica interna desse desenvolvimento no ato dado. A observação dos alunos sobre o desenvolvimento da ação deve ser inseparável da penetração nos personagens dos personagens. Isso é facilitado por perguntas: “Tikhon e Varvara se voltam para Kabanikha com “você” e Katerina com “você”. Por que?

Na análise do drama, o objeto de atenção constante é discurso personagem, sua originalidade, pois o caráter do personagem, sua face social, estado de espírito revela a fala. Ouvindo, por exemplo, como Katerina conta à mãe sobre sua vida, poderemos julgá-la também. "Eu vivi ... como um pássaro na selva ... aqui tudo parece ser do cativeiro." Compreendemos como foi bom para ela, como ela regou as flores, como ela se lembra de tudo isso com carinho. Em sua fala, há muitas palavras e expressões relacionadas às ideias religiosas e ao cotidiano: templos, rezo, anjos, cheira a cipreste, porque ela cresceu em uma família patriarcal, não pode ser diferente.

Na forma como um discurso soa, a pessoa a quem se dirige também desempenha um grande papel. A fala do governador soa diferente quando ele se dirige a Lyapkin-Tyapkin, Strawberry ou Khlopov.

Deve ser lembrado que a seleção de palavras e seu som - entonação está diretamente associada ao SUB-TEXTO. Revelar o subtexto significa revelar a essência da peça, a relação entre as causas das ações do personagem e sua manifestação externa. Se os alunos são ensinados a entender o subtexto, criamos um bom leitor e visualizador.

Não se deve esquecer que, ao analisar uma peça, a fala dos personagens é de grande importância, e as falas dos autores, do pôster e da observação a ela (muitas vezes o aluno omite isso durante a leitura). as seguintes tarefas são importantes: faz isso em "O Inspetor Geral" ou "O que diz o comentário no segundo ato de A Tempestade na cena da despedida de Katerina ao marido".

A leitura expressiva é de grande importância no trabalho da peça. Ao mesmo tempo, o aluno passa da posição de espectador para a posição de performer.

O autor, sua atitude em relação ao que está acontecendo - a principal questão diante do estudo de qualquer obra. Em uma obra dramática, a posição do autor está mais escondida do que em obras de outro tipo. Para tanto, o professor terá que: chamar a atenção dos alunos para os comentários feitos pelo autor para os atores e convidá-los a pensar sobre como o escritor se relaciona com seus personagens? Ou ele se oferece para responder à pergunta: “Como Ostrovsky faz o espectador, assistindo ao 3º ato, justificar Katerina?”

No processo de análise das observações recebidas, o professor deverá generalizar para o efeito questões de síntese importantes, tais como: “O que aprendemos sobre a vida da vila do concelho? Como eram as autoridades da cidade? Qual é a natureza das medidas tomadas em Gorodniche? ou "O que há de comum nos personagens de Dikoy e Kabanikh e quais são suas diferenças? Por que o conflito entre Katerina e o mundo de Kabanova é inevitável?"

Nas aulas finais, de forma generalizada, surgem aquelas questões que os alunos buscavam respostas no processo de análise do drama.

A lição final, aliás, começa já com o trabalho no último ato da peça, quando o conflito é resolvido e o autor-dramaturgo, por assim dizer, faz um resumo. Para este propósito, a leitura expressiva dos alunos é de particular importância: este é um teste da profundidade de sua compreensão dos personagens dos personagens.

A leitura por papéis também mostra o grau de compreensão dos alunos sobre uma obra dramática. O professor pode abordar a distribuição de papéis de diferentes maneiras. O dever de casa para tal lição pode ser uma compilação escrita ou oral das características do herói, cujo papel o aluno desempenhará.

Nas aulas finais - competições de leitores de cenas individuais, a história do palco do drama, assistir à adaptação cinematográfica e discuti-la.

Questões de teoria da literatura

Em conexão com o estudo do drama, o aluno deve dominar uma série de conceitos teóricos e literários. Vários deles devem ser incluídos no vocabulário ativo dos alunos: ato, ação, fenômeno, monólogo, diálogo, lista de personagens, comentários. À medida que penetram no drama, o vocabulário dos alunos é reabastecido: conflito, enredo, exposição, enredo, clímax, desenlace, gêneros: comédia, drama, tragédia.; jogar jogar. A performance não é uma ilustração de uma peça, mas uma nova obra de arte criada pelo teatro, interpretando à sua maneira as peças do dramaturgo.

Revelando para nós mesmos a teoria da dramaturgia, parecemos nos encontrar em um universo que opera segundo leis que surpreendem por sua beleza e precisão matemática. A dramaturgia é baseada na lei principal, cuja essência está na unidade harmônica. O drama, como qualquer obra de arte, deve ser uma imagem artística holística.

Dramaturgia é a teoria e a arte de construir obras dramáticas.

Em que outros significados essa palavra é usada? Quais são seus fundamentos? O que é dramaturgia na literatura?

Definição de conceito

Existem vários significados desse conceito.

Em primeiro lugar, a dramaturgia é a base da composição do enredo (conceito figurativo do enredo) de uma obra cinematográfica ou teatral independente. Seus princípios básicos são historicamente mutáveis. Frases como dramaturgia de um filme ou performance são conhecidas.

teoria do drama. Foi interpretado não como uma ação que já havia ocorrido, mas como uma ação em andamento.
E em terceiro lugar, a dramaturgia é uma coleção de obras de uma determinada época, algumas pessoas ou escritor.

Uma ação é uma mudança conhecida em um determinado período de tempo. Uma mudança na dramaturgia corresponde a uma mudança no destino. Na comédia ela é alegre, na tragédia ela é triste. O intervalo de tempo pode variar. Pode durar várias horas (como no drama clássico francês) ou abranger muitos anos (como em William Shakespeare).

Etapas da dramaturgia

A exposição coloca o leitor, ouvinte ou espectador em ação. Aqui está o primeiro contato com os personagens. Esta seção revela a nacionalidade das pessoas, esta ou aquela época e outros pontos. A ação pode começar rápida e ativamente. Ou talvez, vice-versa, gradualmente.
Gravata. O nome fala por si. Um elemento chave da dramaturgia. A aparência de conflito ou o conhecimento dos personagens uns com os outros.
Desenvolvimento de ações e imagens. tensão gradativa.
O clímax pode ser brilhante e impressionante. O ponto mais alto da peça. Aqui há uma explosão emocional, a intensidade das paixões, a dinâmica da trama ou o relacionamento dos personagens.
Intercâmbio. Termina uma ação. Pode ser gradual ou, inversamente, instantâneo. Pode terminar abruptamente a ação ou se tornar o final. Este é o resumo do ensaio.

Segredos da Maestria

Para compreender os segredos da arte literária ou teatral, você deve conhecer os fundamentos da dramaturgia. Em primeiro lugar, é uma forma como meio de expressar o conteúdo. Também em qualquer forma de arte há sempre uma imagem. Muitas vezes, trata-se de uma versão imaginária da realidade, retratada por meio de anotações, telas, palavras, plásticos etc. Ao criar uma imagem, o autor deve levar em consideração que o principal cúmplice será o espectador, leitor ou ouvinte (dependendo do tipo de arte). O próximo elemento importante no drama é a ação. Implica a presença de contradição e necessariamente contém conflito e drama.

O drama é baseado na supressão do livre arbítrio, o ponto alto é uma morte violenta. A velhice e a inevitabilidade da morte também são dramáticas. Os desastres naturais tornam-se dramáticos quando as pessoas morrem no processo.

O trabalho do autor na obra começa quando o tema surge. A ideia resolve a questão do tema escolhido. Não é estático ou aberto. Se parar de se desenvolver, morre. O conflito é o nível mais alto de manifestação das contradições dramáticas. Para sua implementação, é necessário um enredo. A cadeia de eventos é organizada em uma trama, que detalha o conflito por meio da concretização da trama. Existe também uma cadeia de eventos como intriga.

Dramaturgia da segunda metade do século XX

O drama moderno não é apenas um determinado período do tempo histórico, mas todo um processo ardente. Envolve dramaturgos de gerações inteiras e várias direções criativas. Representantes como Arbuzov, Vampilov, Rozov e Shvarts são inovadores do gênero do drama sociopsicológico. O drama moderno não fica parado, é constantemente atualizado, se desenvolvendo e se movendo. Entre o grande número de estilos e gêneros que engolfaram o teatro desde o final dos anos 50 do século XX e até nossos dias, predomina claramente a peça sócio-psicológica. Muitos deles tinham conotações filosóficas profundas.

Há várias décadas, o drama moderno tenta superar os estereótipos estabelecidos, para se aproximar da vida real do herói na solução de seus problemas.

O que é dramaturgia na literatura?

A dramaturgia é um tipo especial na literatura que tem uma forma dialógica e se destina a ser incorporada no palco. Na verdade, esta é a vida dos personagens no palco. Na peça, eles ganham vida e reproduzem a vida real com todos os conflitos e contradições decorrentes.

Os momentos necessários para que a obra escrita ganhe vida no palco e evoque certas emoções no público:

A arte da dramaturgia e da direção deve estar inextricavelmente ligada à inspiração.
O diretor deve ser capaz de ler obras dramáticas corretamente, verificar sua composição e levar em consideração a forma.
Compreender a lógica de um processo holístico. Cada ação subsequente deve fluir suavemente da anterior.
O diretor tem o método da técnica artística.
Trabalhe para o resultado de toda a equipe criativa. A performance deve ser cuidadosamente pensada, ideologicamente rica e claramente organizada.

obras dramáticas

Há um grande número deles. Alguns deles devem ser listados como exemplo:

"Otelo", "Sonho de uma noite de verão", "Romeu e Julieta" de Shakespeare.
"Tempestade" Ostrovsky.
"Inspetor" Gogol.

Assim, a dramaturgia é a teoria e a arte de construir obras dramáticas. É também a base da composição do enredo, a totalidade das obras e a teoria do drama. Existem níveis de dramaturgia. início, desenvolvimento, clímax e desfecho. Para compreender os segredos do drama, você precisa conhecer seus fundamentos.

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