Pintores flamengos do século XVII. Artistas belgas modernos Artistas belgas do século XX

Existem vários museus ao longo do caminho. Neste artigo, falarei sobre os Museus Reais de Belas Artes de Bruxelas. Em vez disso, é todo um complexo composto por seis museus.

Quatro no centro de Bruxelas:

*Museu de Arte Antiga.
Uma maravilhosa coleção de antigos mestres dos séculos XV a XVIII.
A maior parte desta coleção consiste em pinturas de artistas do sul da Holanda (flamengos). As obras-primas de mestres como Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Dirk Bouts, Hans Memling, Hieronymus Bosch, Lucas Cranach, Gerard David, Pieter Brueghel the Elder, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Rubens e outros…
A coleção teve origem durante a Revolução Francesa, quando muitas obras de arte foram apreendidas pelos invasores. Uma parte significativa foi transportada para Paris e, do que foi armazenado, o museu foi fundado por Napoleão Bonaparte em 1801. Todos os valores confiscados retornaram de Paris a Bruxelas somente após a deposição de Napoleão. Desde 1811, o museu tornou-se propriedade da cidade de Bruxelas. Com o surgimento do Reino Unido dos Países Baixos sob o rei Guilherme I, os fundos do museu se expandiram significativamente.

Roberto Campin. "Anunciação", 1420-1440

Jacob Jordanes. Sátiro e camponeses, 1620

*Museu de Arte Moderna.
A coleção de arte contemporânea abrange obras desde o final do século XVIII até os dias atuais. A base da coleção é o trabalho de artistas belgas.
A famosa pintura de Jacques-Louis David - a morte de Marat pode ser vista na parte antiga do museu. A coleção ilustra o neoclassicismo belga e é baseada em obras dedicadas à Revolução Belga e à fundação do país.
É agora apresentado ao público sob a forma de exposições temporárias na chamada sala “Pátio”. Estes permitem a rotação regular de peças de arte contemporânea.
O museu abriga "Salomé" de Alfred Stevens, o mais famoso representante do impressionismo belga. E também são apresentadas obras famosas como "Música Russa" de James Ensor e "Ternura da Esfinge" de Fernand Khnopf. Entre os mestres do século XIX representados no museu, destacam-se as obras-primas de Jean Auguste Dominique Ingres, Gustave Courbet e Henri Fantin-Latour. Pintura francesa do final do século XIX. representado por "Retrato de Suzanne Bambridge" de Paul Gauguin, "Primavera" de Georges Seurat, "Baía" de Paul Signac, "Dois Discípulos" de Edouard Vuillard, paisagem de Maurice Vlaminck e escultura de Auguste Rodin "Cariátide", "Retrato de um camponês" de Vincent van Gogh (1885. ) e Natureza morta com flores de Lovis Corinth.

Jean Luiz David. "Morte de Marat", 1793

Gustavo Wappers. "Episódio dos dias de setembro", 1834

* Museu Magritte.
Inaugurado em junho de 2009. Em homenagem ao pintor surrealista belga René Magritte (21 de novembro de 1898 - 15 de agosto de 1967). O acervo do museu contém mais de 200 obras de óleo sobre tela, guache, desenhos, esculturas e objetos pintados, além de cartazes publicitários (trabalhou muitos anos como cartazista e publicitário em uma fábrica de papel), fotografias antigas e filmes rodados pelo próprio Magritte.
No final dos anos 20, Magritte assinou um contrato com a Cento Gallery em Bruxelas e assim dedicou-se inteiramente à pintura. Ele criou a pintura surrealista "The Lost Jockey", que considerou sua primeira pintura bem-sucedida desse tipo. Em 1927 organiza a sua primeira exposição. No entanto, os críticos reconhecem que não teve sucesso e Magritte parte para Paris, onde conhece André Breton e se junta ao seu círculo de surrealistas. Ele adquire um estilo de assinatura que torna suas pinturas reconhecíveis. Ao retornar a Bruxelas, ele continua seu trabalho em um novo estilo.
O museu também é um centro de pesquisa do legado do artista surrealista.

*Museu do final do século (Fin de siècle).
O museu reúne obras do final do século XIX e início do século XX, o chamado “fim do século”, principalmente com caráter vanguardista. Pintura, escultura e gráficos, por um lado, mas também artes aplicadas, literatura, fotografia, cinema e música, por outro.
Estão representados maioritariamente artistas belgas, mas também obras de mestres estrangeiros que se enquadram no contexto. Obras de artistas integrantes dos grandes movimentos progressistas de artistas belgas da época.

E dois nos subúrbios:

*Museu Wirtz
Wirtz (Antoine-Joseph Wiertz) - pintor belga (1806-1865). Em 1835, ele pintou sua primeira pintura significativa, A luta dos gregos com os troianos pela posse do cadáver de Patroclus, que não foi aceita para uma exposição em Paris, mas despertou forte entusiasmo na Bélgica. Foi seguido por: “A morte de St. Dionísio", o tríptico "O Sepultamento" (com as figuras de Eva e Satã nas asas), "A Fuga para o Egito", "A Revolta dos Anjos" e a melhor obra do artista, "O Triunfo de Cristo" . A originalidade do conceito e da composição, o vigor das cores, o ousado jogo de efeitos de luz e a pincelada arrebatadora deram à maioria dos belgas uma razão para olhar para Wirtz como o revivalista de sua antiga pintura histórica nacional, como o direto herdeiro de Rubens. Quanto mais longe, mais excêntricas suas histórias se tornavam. Para suas obras, principalmente de tamanho enorme, bem como para experimentos na aplicação da pintura fosca inventada por ele, o governo belga construiu para ele uma extensa oficina em Bruxelas. Aqui Wirtz, que não vendeu nenhuma de suas pinturas e existiu apenas como encomenda de retratos, reuniu todas as suas, em sua opinião, obras capitais e as legou, junto com a própria oficina, como legado ao povo belga. Agora esta oficina é o Museu Wirtz. Ele armazena até 42 pinturas, incluindo as seis mencionadas acima.

*Museu Meunier
O museu foi inaugurado em homenagem a Constantin Meunier (1831-1905), nascido e criado em uma família pobre de imigrantes da região carbonífera belga de Borinage. Desde a infância, ele estava familiarizado com a difícil situação social e a existência muitas vezes miserável dos mineiros e suas famílias. Meunier capturou suas impressões sobre a vida da região mineira em formas plásticas, demonstrando um homem de trabalho como uma personalidade harmoniosamente desenvolvida. O escultor desenvolveu essa imagem de trabalhador, que reflete seu orgulho e força, e que não tem vergonha de sua profissão de carregador ou estivador. Reconhecendo-se alguma idealização com que Meunier criou seus heróis, deve-se reconhecer também seu grande mérito histórico no fato de ter sido um dos primeiros mestres a fazer do homem engajado no trabalho braçal o tema central de sua obra, ao mesmo tempo em que o mostra como um criador. cheio de dignidade interior.

L. Aleshina

Um pequeno país que no passado deu ao mundo alguns dos maiores artistas - basta citar os irmãos van Eyck, Brueghel e Rubens - Bélgica no início do século XIX. experimentou uma longa estagnação da arte. Um certo papel nisso foi desempenhado pela posição política e economicamente subordinada da Bélgica, que até 1830 não possuía independência nacional. Só quando, a partir do início do novo século, o movimento de libertação nacional se desenvolve cada vez com mais força, é que a arte ganha vida, que cedo ocupou um lugar muito importante na vida cultural do país. É no mínimo significativo que, em comparação com outros países europeus, o número de artistas na pequena Bélgica em relação à população seja muito grande.

Na formação da cultura artística belga do século XIX. as grandes tradições da pintura nacional desempenharam um papel importante. A ligação com as tradições não se expressava apenas na imitação direta de muitos artistas de seus proeminentes predecessores, embora isso fosse característico da pintura belga, especialmente em meados do século. A influência das tradições afetou as especificidades da escola de arte belga dos tempos modernos. Uma dessas características específicas é o compromisso dos artistas belgas com o mundo objetivo, com a carne real das coisas. Daí o sucesso da arte realista na Bélgica, mas também algumas limitações na interpretação do realismo.

Uma característica da vida artística do país foi a estreita interação ao longo do século da cultura belga com a cultura da França. Jovens artistas e arquitetos vão para lá para aprimorar seus conhecimentos. Por sua vez, muitos mestres franceses não apenas visitam a Bélgica, mas também vivem nela por muitos anos, participando da vida artística de seu pequeno vizinho.

No início do século XIX, o classicismo dominava a pintura, a escultura e a arquitetura da Bélgica, como em muitos outros países europeus. O pintor mais importante deste período foi François Joseph Navez (1787-1869). Ele estudou primeiro em Bruxelas, depois de 1813 em Paris com David, a quem acompanhou no exílio em Bruxelas. Durante os anos de seu exílio belga, o notável mestre francês gozou do maior prestígio entre os artistas locais. Navez era um dos alunos favoritos de David. Seu trabalho é incomparável. As composições mitológicas e bíblicas, nas quais seguiu os cânones do classicismo, são sem vida e frias. Os retratos, que compõem a maior parte de seu patrimônio, são muito interessantes. Em seus retratos, a observação atenta e atenta e o estudo da natureza foram combinados com uma ideia sublimemente ideal da personalidade humana. As melhores características do método clássico - forte construção composicional, plenitude plástica da forma - fundem-se harmoniosamente nos retratos de Navez com a expressividade e especificidade da imagem da vida. O retrato da família Hemptinne (1816; Bruxelas, Museu de Arte Moderna) parece ser o mais alto em suas qualidades artísticas.

A difícil tarefa de um retrato com três personagens é resolvida com sucesso pelo artista. Todos os membros da jovem família - um casal com uma filha pequena - são retratados em poses alegres e descontraídas, mas com uma sensação de forte conexão interior. O esquema de cores do retrato testemunha o desejo de Navez de compreender as tradições clássicas da pintura flamenga, que remontam a van Eyck. Cores puras e radiantes se fundem em um alegre acorde harmônico. Um excelente retrato da família Hemptinne é próximo em sua força plástica, precisão documental aos últimos retratos de David e, nas letras, o desejo de transmitir a vida interior da alma está associado ao romantismo já emergente. Ainda mais próximo do romantismo está o auto-retrato de Navez em tenra idade (década de 1810; Bruxelas, coleção particular), onde o artista se retratava com um lápis e um álbum nas mãos, olhando viva e atentamente para algo à sua frente. Navez desempenhou um papel muito significativo como professor. Muitos artistas estudaram com ele, que mais tarde formaram o núcleo da tendência realista na pintura belga.

O crescimento do sentimento revolucionário no país contribuiu para o triunfo da arte romântica. A luta pela independência nacional levou a uma explosão revolucionária no verão de 1830, como resultado da qual a Bélgica rompeu relações com a Holanda e formou um estado independente. A arte desempenhou um papel importante no desenrolar dos acontecimentos. Despertou sentimentos patrióticos, acendeu humores rebeldes. Como é bem sabido, a performance da ópera de Aubert, The Mute from Portici, serviu como causa imediata para o levante revolucionário em Bruxelas.

Às vésperas da revolução na pintura belga, uma direção patriótica do gênero histórico está tomando forma. O líder dessa tendência foi o jovem artista Gustave Wappers (1803-1874), que em 1830 exibiu a pintura “O auto-sacrifício do burgomestre van der Werf no cerco de Leiden” (Utrecht, Museu). Cantando os feitos heróicos de seus ancestrais, os mestres dessa direção se voltam para a linguagem romântica das formas. A exaltação patética da estrutura figurativa, o aumento do som colorido da cor foi percebido pelos contemporâneos como um renascimento das tradições pictóricas primordialmente nacionais, representadas de maneira mais vívida por Rubens.

Nos anos 30. A pintura belga, graças às telas do gênero histórico, está ganhando reconhecimento na arte européia. O seu carácter programático e patriótico, ao serviço das tarefas comuns do desenvolvimento do país, determinou este sucesso. Wappers, Nicaise de Keyser (1813-1887), Louis Galle estavam entre os artistas mais populares da Europa. No entanto, muito em breve essa direção revelou seus lados limitados. Os mais bem-sucedidos foram aqueles trabalhos que refletiam o pathos do movimento de libertação nacional do povo, inspirados no heroísmo das lutas pela liberdade do passado e do presente. Não é por acaso que os Dias de setembro de 1830 de Wappers (1834-1835; Bruxelas, Museu de Arte Moderna) tiveram o maior sucesso. O artista criou uma tela histórica em material moderno, revelou o significado de eventos revolucionários. Um dos episódios da revolução é mostrado. A ação acontece na praça central de Bruxelas. A onda tempestuosa do movimento popular é transmitida por uma composição diagonal desequilibrada. A disposição dos grupos e de algumas das figuras evocam a pintura de Delacroix "Liberdade Guiando o Povo", modelo incontestável para o artista. Ao mesmo tempo, Wappers nesta tela é um tanto externo e declarativo. Suas imagens são parcialmente caracterizadas pela ostentação teatral, demonstratividade na expressão de sentimentos.

Logo após a independência da Bélgica, a pintura histórica perdeu sua profundidade de conteúdo. O tema da libertação nacional está perdendo sua relevância, sua base social. A imagem histórica se transforma em um magnífico espetáculo fantasiado com um enredo divertido. Duas tendências estão se cristalizando na pintura histórica; por um lado, são telas monumentais e pomposas; a outra direção é caracterizada por uma interpretação de gênero da história. As tradições nacionais de pintura são entendidas de forma muito superficial - como a soma de técnicas e meios não determinados pela influência da época. São muitos os artistas que veem toda a sua vocação em géneros de pintura, como "mestres do século XVII", ou cenas históricas, "como Rubens".

Antoine Joseph Wirtz (1806-1865) pretensiosamente, mas sem sucesso, se esforça para combinar as realizações de Michelangelo e Rubens em suas enormes telas históricas e simbólicas. Hendrik Leys (1815-1869) primeiro pinta pequenas pinturas históricas de gênero, imitando as cores de Rembrandt. Dos anos 60. ele muda para extensas composições de várias figuras com cenas cotidianas do Renascimento do Norte, cuja forma de execução segue a precisão ingênua e o detalhe dos mestres desse período.

Entre os numerosos pintores históricos de meados do século, merece destaque Louis Galle (1810-1887), cujas pinturas se distinguem pela contenção e composição lacónica, e cujas imagens são conhecidas pelo seu significado interior e nobreza. Um exemplo típico é a pintura “Últimas homenagens aos restos mortais dos condes Egmont e Horn” (1851; Tournai, Museu, repetição de 1863 - Museu Pushkin). Essas mesmas qualidades são ainda mais características de suas pinturas de gênero, como "The Fisherman's Family" (1848) e "Slavonets" (1854; ambos Hermitage).

Gradualmente, a pintura histórica da Bélgica perde seu papel de liderança no sistema de gêneros e ganha destaque a partir dos anos 60. pintura doméstica sai. Os pintores de gênero de meados do século, via de regra, imitavam os artistas do século XVII, voltando-se para a criação de cenas divertidas em tabernas ou interiores aconchegantes de casas. Tais são as muitas pinturas de Jean Baptiste Madou (1796-1877). Hendrik de Brakeler (1840-1888) é muito tradicional em seus temas, retratando figuras solitárias em uma ocupação tranquila em interiores cheios de luz. Seu mérito está em resolver o problema da iluminação e do ambiente arejado por meio da pintura moderna.

O desenvolvimento capitalista do país, que se deu a um ritmo muito acelerado após a independência, já na década de 60. colocou novos problemas para a arte. A modernidade começa cada vez mais a invadir a cultura artística da Bélgica. A geração mais jovem de artistas apresenta o slogan do realismo, exibindo os aspectos característicos da vida circundante. Em suas aspirações, eles contaram com o exemplo de Courbet. Em 1868, a Sociedade Livre de Belas Artes foi fundada em Bruxelas. Os mais significativos de seus participantes foram Charles de Groux, Constantin Meunier, Felicien Rops e Louis Dubois. Todos eles surgiram com o slogan do realismo, com um apelo à luta contra a velha arte, com seus temas distantes da vida e linguagem artística ultrapassada. A revista Free Art, que começou a ser publicada em 1871, tornou-se o arauto das visões estéticas dessa sociedade. ficou conhecido por pinturas da vida dos estratos mais baixos da sociedade. Sua maneira de escrever é próxima de Courbet. A coloração é mantida em tons escuros contidos, correspondendo emocionalmente à dolorosa melancolia do retratado. Tal é a imagem "Coffee Roaster" (anos 60; Antuérpia, Museu); aqui os pobres são mostrados se aquecendo em um dia escuro e frio de inverno do lado de fora de um braseiro onde os grãos de café são torrados. A profunda simpatia pelos desfavorecidos caracteriza o trabalho do artista.

O realismo na Bélgica logo conquistou uma posição forte em todos os gêneros de arte. Uma galáxia inteira de paisagistas aparece, exibindo com sinceridade e ao mesmo tempo diversamente sua natureza nativa - a chamada escola Tervuren (em homenagem a um lugar localizado em uma floresta perto de Bruxelas). O diretor da escola, Hippolyte Boulanger (1837-1874), pinta paisagens florestais sutis e um tanto melancólicas, com cores semelhantes às de Barbizon. Percebe com mais energia a natureza de Louis Artan (1837-1890). Na maioria das vezes, ele representava vistas do mar e da costa. Sua difamação é dinâmica e resiliente; o artista procura transmitir a mudança da atmosfera, o clima da paisagem.

Felicien Rops (1833-1898) ocupou um lugar especial na arte belga. Apesar de o mestre ter passado parte significativa de sua vida criativa na França, ele participou ativamente do processo artístico belga. A fama bastante escandalosa do artista - como cantor de cocottes parisienses, muitas vezes obscurece seu papel muito importante na vida cultural da Bélgica. Rops é um dos fundadores da revista literária e artística Ulenspiegel (fundada em Bruxelas em 1856) e o primeiro ilustrador do famoso romance de Charles de Coster (1867). As ilustrações feitas na técnica de gravura dão encarnações nítidas e interessantes das imagens dos personagens principais do romance. Rops foi um brilhante mestre do desenho e um atento observador da vida moderna, como evidenciam muitas de suas obras.

Arquitetura belga até o final do século XIX. não criou nada significativo. Na primeira metade do século, vários edifícios foram construídos no estilo do classicismo, marcado pelo gosto rigoroso (Palácio da Academia em Bruxelas -1823-1826, arquiteto Charles van der Straten; estufas no Jardim Botânico de Bruxelas - 1826- 1829, arquitetos F.-T. Seys e P.-F. Ginest). Desde meados do século, o ecletismo desenfreado e o desejo de criar magníficos edifícios pomposos foram crescendo na arquitetura. Característico, por exemplo, é o prédio da bolsa de valores em Bruxelas (1873-1876, arquiteto L. Seiss), o prédio do Museu de Arte Antiga no mesmo local (1875-1885, arquiteto A. Bala). O próspero capitalismo belga procura criar um monumento ao seu poder. Assim surge o edifício do Palácio da Justiça de Bruxelas (1866-1883, arquiteto J. Poulart) - uma das estruturas mais grandiosas da Europa, que se distingue por um pretensioso e absurdo empilhamento e mistura de todo tipo de formas arquitetônicas. Ao mesmo tempo, a estilização desempenha um papel importante na arquitetura da Bélgica: muitas igrejas estão sendo construídas, prefeituras e outros edifícios públicos imitando o estilo gótico, renascentista flamengo e românico.

Escultura belga até o último quartel do século XIX. ficou para trás em seu desenvolvimento a partir da pintura. Nos anos 30. sob a influência de idéias patrióticas, várias estátuas interessantes foram criadas. Em primeiro lugar, é necessário observar as obras de Willem Gefs (1805-1883 - sua lápide do Conde Frederic de Merode, que caiu em batalhas revolucionárias em Bruxelas (1837, Bruxelas, Catedral de Santa Gudula), e a estátua do General Belliard, erguido em uma das praças da capital (1836.) A metade do século na Bélgica, como em muitos outros países, foi marcada pelo declínio da arte da escultura.

Nestes anos difíceis para a arte monumental, a obra do maior artista belga Constantin Meunier (1831-4905) está sendo formada. Meunier iniciou seus estudos na Academia de Belas Artes de Bruxelas na classe de escultura. Aqui, em meados do século, dominava um sistema acadêmico conservador; os professores em seu trabalho e em seu ensino seguiam o padrão e a rotina, exigindo o embelezamento da natureza em nome de um ideal abstrato. As primeiras obras plásticas de Meunier ainda estavam muito próximas dessa direção ("Garland"; foi exibida em 1851, não foi preservada). Logo, porém, abandonou a escultura e voltou-se para a pintura, tornando-se aluno de Navez. Este último, embora naqueles anos um símbolo do classicismo obsoleto, poderia ensinar um domínio confiante do desenho, modelagem plástica da forma na pintura e uma compreensão do grande estilo. Outra corrente de influências sobre o jovem mestre da época estava ligada à sua amizade com Charles de Groux, ao seu conhecimento das obras dos realistas franceses - Courbet e Millet. Meunier procura uma arte profundamente significativa, a arte das grandes ideias, mas a princípio não se volta para um tema moderno, mas para a pintura religiosa e histórica. Particularmente interessante é a pintura "Episódio da Guerra dos Camponeses de 1797" (1875; Bruxelas, Museu de Arte Moderna). A artista escolhe uma das cenas finais da revolta, que terminou em derrota. Ele retrata o que aconteceu como uma tragédia nacional e ao mesmo tempo mostra a vontade inflexível do povo. A imagem é muito diferente de outras obras do gênero histórico belga daqueles anos. Aqui está uma abordagem diferente para entender a história, o realismo na representação dos personagens, a emoção penetrante do retratado e a introdução da paisagem como um ambiente sonoro ativo.

No final dos anos 70. Meunier cai no "país negro" - as regiões industriais da Bélgica. Aqui ele abre um mundo completamente novo, ainda não refletido na arte por ninguém. Os fenômenos da vida com seus aspectos completamente diferentes da beleza ditaram uma nova linguagem artística, sua própria cor especial. Meunier cria pinturas dedicadas ao trabalho dos mineiros, pinta tipos de mineiros e mulheres mineiras, capta as paisagens deste "país negro". A nota principal em suas pinturas não é a compaixão, mas a força do povo trabalhador. Este é precisamente o significado inovador da obra de Meunier. O povo não é objeto de pena e simpatia, o povo é criador de grandes valores de vida, exigindo assim uma atitude digna para consigo mesmo. Nesse reconhecimento da grande importância dos trabalhadores na vida da sociedade, Meunier se posicionou objetivamente no mesmo nível dos pensadores mais avançados da época.

Em suas pinturas, Meunier usa a linguagem da generalização. Ele esculpe a forma com a ajuda da cor. Sua coloração é estrita e contida - um ou dois pontos coloridos brilhantes são intercalados em tons de cinza terroso, fazendo com que toda a faixa áspera soe. A sua composição é simples e monumental, utiliza o ritmo de linhas simples e claras. Característica é a pintura "Retorno da Mina" (c. 1890; Antuérpia, Museu). Três trabalhadores, como se estivessem passando pela tela, são desenhados em uma silhueta clara contra o céu esfumaçado. O movimento das figuras se repete e ao mesmo tempo varia o motivo geral. O ritmo do grupo e o ritmo do espaço do quadro criam uma solução harmoniosa e equilibrada. As figuras são deslocadas para a borda esquerda da imagem, entre elas e a moldura do lado direito há um pedaço de espaço livre aberto. A clareza e generalização da silhueta do grupo, o laconismo da imagem de cada figura conferem à composição o caráter de um baixo-relevo quase plástico. Voltando-se para um novo tema que o fascinava, Meunier logo se lembrou de sua vocação original. A generalização, o laconismo dos meios de linguagem plástica não poderiam ser melhor utilizados para cantar a beleza do trabalho humano. Desde meados dos anos 80. uma após a outra, estátuas e relevos de Meunier aparecem, glorificando seu nome, constituindo uma época no desenvolvimento das artes plásticas no século XIX. O principal tema e imagem do escultor é o trabalho, os trabalhadores: marteleiros, mineiros, pescadores, mineiras, camponeses. A escultura, que antes se limitava a um círculo estreito de sujeitos condicionais e figuras distantes da modernidade, o povo do trabalho entrou com passo pesado e confiante. A linguagem plástica, até então completamente emasculada, voltou a adquirir força bruta pesada, poder de persuasão poderoso. O corpo humano mostrava as novas possibilidades de beleza nele escondidas. No relevo "Indústria" (1901; Bruxelas, Museu Meunier), a tensão de todos os músculos, a flexibilidade elástica e a força das figuras, a respiração difícil que dilacera o peito, as mãos pesadas e inchadas - tudo isso não desfigura uma pessoa, mas dá a ele poder e beleza especiais. Meunier tornou-se o fundador de uma nova tradição notável - a tradição de retratar a classe trabalhadora, a poesia do processo de trabalho.

As pessoas retratadas por Meunier não assumem poses primorosamente belas ou tradicionalmente clássicas. Eles são vistos e apresentados pelo escultor em uma posição verdadeiramente real. Seus movimentos são rudes, como, por exemplo, no forte e esnobe "The Hauler" (1888; Bruxelas, Museu Meunier), às vezes até desajeitado ("The Pudding Man", 1886; Bruxelas, Museu de Arte Antiga). Na maneira como essas figuras ficam de pé ou sentadas, você sente a marca deixada pelo trabalho em sua aparência e caráter. E, ao mesmo tempo, suas poses são repletas de beleza e força plásticas cativantes. Esta é uma escultura no verdadeiro sentido da palavra, vivendo no espaço, organizando-o em torno de si. O corpo humano revela sob a mão de Meunier toda a sua força elástica e intensa dinâmica severa.

A linguagem plástica de Meunier é generalizada e concisa. Assim, na estátua "O Carregador" (c. 1905; Bruxelas, Museu Meunier), não foi criado tanto um retrato como um tipo generalizado, e é isso que lhe confere grande poder de persuasão. Meunier recusa as cortinas acadêmicas convencionais, seu trabalhador usa, por assim dizer, "macacão", mas essas roupas não amassam e não encolhem a forma. As amplas superfícies do tecido parecem grudar nos músculos, algumas dobras separadas enfatizam o movimento do corpo. Uma das melhores obras de Meunier é Antuérpia (1900; Bruxelas, Meunier Museum). O escultor escolheu não algumas alegorias abstratas, mas uma imagem muito específica de um trabalhador portuário como personificação de uma cidade trabalhadora e ativa. Cabeça severa e masculina, moldada com o máximo laconismo, está firmemente plantada em ombros musculosos. Cantando o trabalho de parto, Meunier não fecha os olhos à sua gravidade. Uma de suas obras plásticas mais marcantes é o grupo Mine Gas (1893; Bruxelas, Museu de Arte Antiga). Esta é uma versão verdadeiramente moderna do eterno tema do luto da mãe de seu filho morto. Ele captura as trágicas consequências do desastre na mina. A triste figura feminina curvou-se em desespero contido e mudo sobre o corpo nu convulsivamente esticado.

Tendo criado inúmeros tipos e imagens de trabalhadores, Meunier concebeu nos anos 90. monumento monumental ao Trabalho. Deveria incluir vários relevos que glorificam vários tipos de trabalho - "Indústria", "Colheita", "Porto" etc., bem como uma escultura redonda - estátuas de "O Semeador", "Maternidade", "Trabalhador", etc. Esta ideia nunca encontrou a sua concretização final devido à morte do mestre, mas em 1930 foi realizada em Bruxelas de acordo com os originais do escultor. O monumento como um todo não causa uma impressão monumental. Mais convincentes são seus fragmentos individuais. Combiná-los na versão arquitetônica proposta pelo arquiteto Orta acabou sendo bastante externo e fracionário.

A obra de Meunier resumiu de forma peculiar o desenvolvimento da arte belga no século XIX. Acabou sendo a maior conquista do realismo neste país no período em análise. Ao mesmo tempo, o significado das conquistas realistas de Meunier ultrapassou os limites apenas da arte nacional. As notáveis ​​​​obras do escultor tiveram um grande impacto no desenvolvimento dos plásticos mundiais.

Mais variada e colorida que a arquitetura e a escultura flamengas, a pintura flamenga do século XVII revela-se no seu magnífico florescimento. Ainda mais claramente do que nestas artes, o eternamente flamengo surge aqui de uma mistura de fundamentos nortenhos e meridionais, como um tesouro nacional indestrutível. A pintura contemporânea em nenhum outro país capturou uma área tão rica e colorida de assuntos. Em templos novos ou restaurados, centenas de gigantescos altares barrocos aguardavam imagens de santos pintadas em grandes telas. Em palácios e casas, vastas paredes ansiavam por pinturas de cavalete mitológicas, alegóricas e de gênero; Sim, e o retrato, que se desenvolveu no século XVI para um retrato em tamanho natural, permaneceu uma grande arte no sentido pleno da palavra, combinando naturalidade cativante com nobreza de expressão.

Ao lado desta grande pintura, que a Bélgica partilhou com a Itália e a França, aqui floresceu, continuando as velhas tradições, pintura original de gabinete, na sua maioria em pequenas tábuas de madeira ou cobre, de riqueza invulgar, abrangendo tudo o que é representado, não descurando temas religiosos, mitológicos ou alegóricos, preferindo a vida cotidiana de todas as classes da população, especialmente camponeses, taxistas, soldados, caçadores e marinheiros em todas as suas manifestações. As paisagens projetadas ou fundos de sala dessas pinturas de figuras pequenas se transformaram em pinturas arquitetônicas e de paisagens independentes nas mãos de alguns mestres. Esta série é completada por imagens de flores, frutas e animais. Para os viveiros e zoológicos dos arquiduques reinantes em Bruxelas, o comércio ultramarino trouxe maravilhas da flora e da fauna. A riqueza de suas formas e cores não poderia passar despercebida pelos artistas que dominam tudo.

Por tudo isso, na Bélgica não havia mais espaço para pinturas murais monumentais. Com exceção das pinturas de Rubens na Igreja Jesuíta de Antuérpia e algumas séries eclesiásticas de paisagens, os grandes mestres da Bélgica criaram suas grandes pinturas em tela, pinturas de parede e teto para governantes estrangeiros e o declínio da técnica de tapeçaria de Bruxelas, para qual a participação de Rubens deu apenas um aumento temporário, tornando supérflua a participação de outros mestres belgas, como Jordans e Teniers. Mas os mestres belgas tiveram uma participação bem conhecida, embora não tão profunda quanto a dos holandeses, no desenvolvimento posterior da gravura e da água-forte. Os holandeses de nascimento foram até os melhores gravadores antes de Rubens, e a participação dos maiores pintores belgas: Rubens, Jordanses, Van Dycks, Brouwers e Teniers na "gravura de pintura" - gravura, é em parte apenas um assunto secundário, em parte até duvidoso.

Antuérpia, a rica cidade comercial da Baixa Alemanha no Scheldt, é agora, mais do que nunca, a capital da pintura da Baixa Holanda. A pintura de Bruxelas, talvez apenas na paisagem em busca de caminhos independentes, tornou-se um ramo da arte de Antuérpia; mesmo a pintura dos antigos centros flamengos de arte, Bruges, Ghent e Mecheln, a princípio viveu apenas por sua relação com as oficinas de Antuérpia. Mas na parte valona da Bélgica, ou seja, em Lüttich, pode-se traçar uma atração independente para os italianos e os franceses.

Para a história geral da pintura flamenga do século XVII, além das coleções de fontes literárias de Van Mander, Goubraken, de Bie, Van Gool e Weyermann, os léxicos de Immerseel, Kramm e Wurzbach, livros consolidados, apenas parcialmente desatualizados de Michiels, Waagen, Waters, Rigel e Philippi são importantes. Tendo em vista a importância predominante da arte de Scheldt, pode-se também mencionar a história da arte de Antuérpia de Van den Branden e Rooses, que, é claro, requer acréscimos e mudanças. O capítulo relacionado do autor deste livro em sua História da pintura e de Woltmann já está desatualizado em detalhes.

A pintura flamenga do século XVII alcançou total liberdade de arranjo e execução pictórica, unidade interna de desenho e cores, a mais suave amplitude e força nas mãos criativas de seu grande mestre Peter Paul Rubens, que fez de Antuérpia o local central para a exportação de pinturas para toda a Europa. Não faltaram, porém, mestres na transição entre a velha e a nova direção.

Nos setores realistas nacionais, com pequenas figuras tendo como pano de fundo uma paisagem desenvolvida, ainda viviam apenas ecos da grandeza e imediatismo de Pieter Brueghel, o Velho. A representação da paisagem na era de transição permanece dentro do "estilo de palco" criado por Giliss Van Coninxloo, com sua folhagem de árvore tufada e contornando as dificuldades da perspectiva aérea e linear desenvolvendo tons separados, alternando um após o outro, de cores diferentes. Os fundadores da atual pintura de paisagem, os irmãos Antwerp Matthäus e Paul Bril (1550-1584 e 1554-1626), também procederam desse estilo condicional, cujo desenvolvimento quase nada se sabe. Matthäus Bril apareceu repentinamente como um pintor de afrescos de paisagens no Vaticano em Roma. Após sua morte prematura, Paul Bril, amigo de seu irmão no Vaticano, desenvolveu ainda mais o então novo estilo paisagístico holandês. Poucas pinturas autênticas de Matthäus sobreviveram; o mais veio de Paulo, cujas paisagens eclesiásticas e palacianas no Vaticano, em Latrão e no Palácio Rospigliosi em Santa Cecilia e Santa Maria Maggiore em Roma, relatei em outros lugares. Só gradativamente passam sob a influência do mais livre, com maior unidade das paisagens executadas por Annibale Carracci, ao equilibrado estilo de transição indicado acima. O desenvolvimento posterior de Bril, que faz parte da história geral da pintura de paisagem, reflete-se em suas numerosas, em parte marcadas por anos, pequenas paisagens em placas (1598 em Parma, 1600 em Dresden, 1601 em Munique, 1608 e 1624 em Dresden , 1609, 1620 e 1624 - no Louvre, 1626 - em São Petersburgo), geralmente abundante em árvores, raramente tentando transmitir uma determinada área. De qualquer forma, Paul Bril pertence aos fundadores do estilo paisagístico, de onde surgiu a arte de Claude Lorrain.

Na Holanda, o Antuérpia Josse de Momper (1564 - 1644), melhor representado em Dresden, desenvolveu o estilo de palco Koninxloo em paisagens montanhosas elegantemente pintadas, não particularmente ricas em árvores, sobre as quais "três fundos", às vezes com a adição de um quarta iluminada pelo sol, geralmente aparece em toda a sua beleza marrom-verde-cinza-azul.

A influência das pinturas mais antigas de Bril se reflete no segundo filho de Peter Brueghel, o Velho, Jan Brueghel, o Velho (1568 - 1625), antes de seu retorno a Antuérpia, em 1596, que trabalhou em Roma e Milão. Criveli e Michel dedicaram-lhe trabalhos separados. Ele pintou principalmente quadros pequenos, às vezes em miniatura, que dão a impressão de uma paisagem, mesmo quando representam temas bíblicos, alegóricos ou de gênero. São eles que aderem firmemente ao estilo Coninksloo com folhagem tufada, embora transmitam as transições mútuas dos três fundos de forma mais sutil. A característica da versatilidade de Jan Brueghel é que ele pintou fundos de paisagens para pintores de figuras como Balin, figuras para pintores de paisagens como Momper, coroas de flores para mestres como Rubens. Conhecido por sua "Queda" sutilmente executada do Museu de Haia, na qual Rubens pintou Adão e Eva, e paisagens e animais de Jan Brueghel. Suas próprias paisagens, abundantemente equipadas com uma vida folclórica heterogênea, ainda não particularmente expressivas em transmitir o céu com suas nuvens, são predominantemente áreas montanhosas irrigadas por rios, planícies com moinhos de vento, ruas de aldeias com cenas de tabernas, canais com margens arborizadas, estradas rurais movimentadas em alturas arborizadas e estradas florestais com lenhadores e caçadores, observados de forma vívida e fiel. As primeiras pinturas dele podem ser vistas na Ambrosiana de Milão. Está melhor representada em Madrid, bem como em Munique, Dresden, São Petersburgo e Paris. De particular importância no sentido de buscar novos caminhos foi a pintura de flores, que transmitia de forma mais convincente não só a beleza das formas e o brilho das cores de cores raras, mas também suas combinações. Fotos das cores de seu pincel possuem Madri, Viena e Berlim.

De seus colaboradores, não podemos deixar de mencionar Hendrik van Balen (1575 - 1632), cujo professor é considerado o segundo professor de Rubens, Adam van Noort. Suas pinturas de altar (por exemplo, na Igreja de Jacob em Antuérpia) são insuportáveis. Ele ficou famoso por suas pequenas pinturas açucaradas e suavemente pintadas em quadros com conteúdo principalmente de fábulas antigas, por exemplo, a Festa dos Deuses no Louvre, Ariadne em Dresden, Coletando Maná em Brunswick, mas suas pinturas desse tipo também carecem frescor artístico e imediatismo.

O estilo de paisagem de transição descrito acima continuou, no entanto, entre imitadores fracos até o início do século XVIII. Aqui podemos observar apenas os mestres mais fortes dessa direção, que a transferiram para a Holanda, David Winkboons de Mecheln (1578 - 1629), que se mudou de Antuérpia para Amsterdã, pintou novas cenas de floresta e aldeia, ocasionalmente também episódios bíblicos em uma paisagem cenário, mas de bom grado feriados no templo em frente às tabernas da aldeia. Suas melhores pinturas em Augsburg, Hamburgo, Braunschweig, Munique, São Petersburgo são observadas diretamente e pintadas com cores floridas, não sem força. Rellant Savery de Courtrai (1576 - 1639), a quem Kurt Erasmus dedicou um estudo escrito com amor, estudou as montanhas arborizadas alemãs a serviço de Rodolfo II, após o que se estabeleceu como pintor e gravador, primeiro em Amsterdã e depois em Utrecht. Suas paisagens cheias de luz, gradualmente fundindo três planos, mas um tanto secas na execução, montanhosas, rochosas e florestais, que podem ser bem vistas em Viena e Dresden, ele equipou com grupos vivos de animais selvagens e domesticados em cenas de caça, em imagens de paraíso e Orfeu. Ele também pertence aos primeiros pintores de flores independentes. Adam Willaerts de Antuérpia (1577, falecido após 1649), que se mudou para Utrecht em 1611, foi um representante da paisagem marítima desse estilo de transição. Suas vistas costeiras e marinhas (por exemplo, em Dresden, em Weber em Hamburgo, na Galeria Liechtenstein) ainda são secas no padrão das ondas, ainda rudes em retratar a vida do navio, mas cativantes pela honestidade de sua relação com a natureza. Finalmente, Alexander Kerrinx de Antuérpia (1600 - 1652), que transferiu sua arte da paisagem flamenga para Amsterdã, ainda segue Coninxloe nas pinturas com sua assinatura, mas nas pinturas posteriores de Brunswick e Dresden, é obviamente influenciado pelo tonal holandês acastanhado de Van Goyen pintura. . Ele pertence, portanto, aos mestres de transição no sentido mais amplo da palavra.

Dos mestres deste tipo de Antuérpia que permaneceram em casa, Sebastian Vranks (1573 - 1647) revela sucesso indubitável como pintor de paisagens e pintor de cavalos. Ele também retrata a folhagem em forma de cachos, na maioria das vezes pendurados como uma bétula, mas dá uma conexão mais natural, dá uma nova clareza ao tom arejado e sabe como transmitir um caráter vital às ações do escrito com confiança e coerência cavalos e cavaleiros de sua batalha e cenas de ladrões que podem ser vistas. , por exemplo, em Braunschweig, Aschaffenburg, Rotterdam e em Weber em Hamburgo.

Finalmente, na pintura arquitetônica já no século XVI, seguindo os caminhos de Steenwick the Elder, ele desenvolveu um estilo de transição, consistindo na substituição gradual da letra seguindo a natureza com charme artístico, seu filho Gendrik Steenwick the Younger (1580 - 1649 ), que se mudou para Londres, e ao lado dele, o principal Assim, Peter Neefs, o Velho (1578 - 1656), cujas vistas internas de igrejas podem ser encontradas em Dresden, Madri, Paris e São Petersburgo.

Em geral, a pintura flamenga estava obviamente no caminho certo para retornar à pequena arte, quando a grande arte de Rubens se ergueu sobre ela como o sol e a carregou consigo para o reino da luz e da liberdade.

Peter Paul Rubens (1577 - 1640) - o sol em torno do qual gira toda a arte belga do século XVII, mas ao mesmo tempo um dos grandes luminares da arte pan-europeia desse período. Ao contrário de todos os pintores barrocos italianos, é o principal representante do barroco na pintura. A plenitude das formas, a liberdade de movimento, o domínio sobre as massas, que confere pitoresco ao estilo barroco da arquitetura, nas pinturas de Rubens, renunciam ao peso da pedra e, com o luxo inebriante das cores, recebem um direito novo e independente existir. Com o poder das formas individuais, a grandeza da composição, a plenitude florescente de luz e cores, a paixão da vida na transferência de ações repentinas, a força e o fogo em excitar a vida corporal e espiritual de seu homem e mulher carnudos, figuras vestidas e despidas, ele supera todos os outros mestres. O corpo luxuoso de suas mulheres loiras com bochechas cheias, lábios carnudos e um sorriso alegre brilha com brancura. Queimada pelo sol, a pele de seus heróis masculinos brilha, e sua testa ousada e convexa é animada por um poderoso arco de sobrancelhas. Seus retratos são os mais frescos e saudáveis, não os mais individuais e íntimos para a época. Ninguém soube reproduzir animais selvagens e domesticados com tanta vivacidade quanto ele, embora por falta de tempo, na maioria das vezes, deixasse seus assistentes para retratá-los em suas pinturas. Na paisagem, cuja execução também confiou a assistentes, viu, antes de mais nada, o efeito geral devido à vida atmosférica, mas ele mesmo pintou, mesmo na velhice, paisagens incríveis. Sua arte abrangia todo o mundo dos fenômenos espirituais e físicos, toda a complexidade do passado e do presente. Pinturas de altar e novamente pinturas de altar que ele pintou para a igreja. Ele pintou retratos e retratos principalmente para si e seus amigos. Imagens mitológicas, alegóricas, históricas e cenas de caça que ele criou para os grandes deste mundo. As pinturas de paisagem e de gênero eram trabalhos ocasionais.

As encomendas choveram sobre Rubens. Pelo menos duas mil pinturas saíram de seu estúdio. A grande demanda por sua arte ocasionou a frequente repetição de pinturas inteiras ou partes individuais pelas mãos de seus alunos e assistentes. No auge de sua vida, ele costumava deixar pinturas pintadas à mão para seus assistentes. Há todas as transições entre seus próprios trabalhos manuscritos e as pinturas do ateliê, para as quais ele apenas deu esboços. Com toda a semelhança das formas básicas e humores básicos, suas próprias pinturas revelam mudanças significativas no estilo, as mesmas de muitos de seus contemporâneos, de modelagem de plástico rígido e escrita grossa e pesada para uma execução mais leve, livre e brilhante, para contornos mais vivos, até modelagens mais suaves, arejadas e cheias de humor, iluminadas pelas cores floridas da pintura tonal.

No topo da literatura mais recente sobre Rubens está a obra cumulativa amplamente concebida de Max Rooses: The Works of Rubens (1887-1892). As melhores e mais importantes obras biográficas são as de Rooses e Michel. Obras coletadas, depois de Waagen, também foram publicadas por Jakob Burchardt, Robert Fischer, Adolf Rosenberg e Wilhelm Bode. Questões separadas sobre Rubens foram analisadas por Ruelens, Voltman, Riegel, Geller von Ravensburg, Grossman, Riemanns e outros. Rubens, como gravador, estava envolvido em Gimans e Voorthelm-Schnevogt.

Rubens nasceu em Siegen, perto de Colônia, da respeitada Antuérpia e recebeu sua primeira educação artística na cidade de seus pais com Tobias Verhegt (1561 - 1631), um pintor de paisagens medíocre do estilo de transição, depois estudou por quatro anos com Adam Van Noort (1562 - 1641), um dos médios mestres do italiano educado, como agora é conhecido, e depois trabalhou por mais quatro anos com Otto Van Ven, um rico em ficção, vazio nas formas de um falso clássico, a quem ao primeiro ele se juntou de perto e em 1598 tornou-se um mestre de guilda. Em 1908, Habertzwil dedicou artigos detalhados aos três professores de Rubens. É impossível estabelecer com certeza uma única imagem do início do período de Rubens na Antuérpia. De 1600 a 1608 viveu na Itália; primeiro em Veneza, depois principalmente a serviço de Vincenzo Gonzaga em Mântua. Mas já em 1601, em Roma, para os três altares da igreja de Santa Croce in Gerusalemme, pintou O Encontro da Cruz, A Coroação de Espinhos e A Exaltação da Cruz. Estas três pinturas, agora pertencentes à capela de um hospital em Grasse, no sul da França, revelam o estilo de seu primeiro período italiano, ainda em busca de si mesmo, ainda influenciado por cópias de Tintoretto, Ticiano e Correggio, mas já cheio de vontade independente para força e movimento. Em 1603, o jovem mestre foi para a Espanha com uma ordem de seu príncipe. Das pinturas que aí pintou, as figuras dos filósofos Heráclito, Demócrito e Arquimedes no Museu de Madrid revelam formas ainda pomposas e dependentes, mas também uma forte impressão à profundidade psicológica. Voltando a Mântua, Rubens pintou um grande retábulo de três partes, cujo quadro do meio, com a homenagem da família Gonzaga a St. Trindade, foi preservado em duas partes na biblioteca de Mântua, e das amplas e abundantes pinturas laterais, mostrando o poder cada vez maior das formas e ações das massas, o Batismo de Cristo acabou no Museu de Antuérpia e a Transfiguração em o Museu de Nancy. Então, em 1606, o mestre pintou novamente em Roma para Chiesa Nuova um magnífico, já cheio de poder rubensiano em suas figuras cheias de luz, o retábulo da Assunção de St. Gregory”, agora propriedade do Museu de Grenoble, e em Roma substituído já em 1608 por outros três, nem um pouco as melhores pinturas do mesmo mestre. Mais claramente reminiscente do estilo de Caravaggio é a espetacular "Circuncisão de Cristo" de 1607 em Sant'Ambrogio em Gênova. No entanto, pesquisadores como Rooses e Rosenberg atribuem o mestre ao período italiano, quando copiou as obras de Ticiano, Tintoretto, Correggio, Caravaggio, Leonardo, Michelangelo e Rafael, e uma série de pinturas de seu pincel, aparentemente, porém, escritas mais tarde. Grandes alegorias de exibição e virtude em Dresden, originárias de Mântua, fortes em forma e cor, se não foram escritas, como Michel pensa conosco, por volta de 1608 em Mântua, então admitimos, juntamente com Bode, que apareceram de acordo com retorno de Rubens à sua terra natal do que com Roosers, que foram escritos antes de sua viagem italiana a Antuérpia. A imagem confiantemente desenhada e plasticamente modelada de Jerônimo em Dresden também revela uma peculiar maneira rubensiana, talvez até desenvolvida demais para seu período italiano, ao qual agora atribuímos esta imagem. Com o retorno de Rubens em 1608 a Antuérpia, já em 1609 foi nomeado pintor da corte de Albrecht e Isabella, e seu estilo, já independente, desenvolveu-se rapidamente para grandioso poder e grandeza.

Desordenado na composição, inquieto nos contornos, desigual nos efeitos de iluminação é a sua Adoração dos Magos (1609-1610) em Madrid, marcada, porém, por um movimento poderoso. Cheio de vida e paixão, poderoso na modelagem muscular de corpos, sua famosa imagem em três partes "Exaltação da Cruz" na Catedral de Antuérpia. Memórias italianas mais fortes são sentidas em imagens mitológicas simultâneas, como Vênus, Cupido, Baco e Ceres em Kassel, e o corpulento e acorrentado Prometeu em Oldenburg. Exemplos característicos de um retrato em grande escala desta época são os retratos de paisagens de Albrecht e Isabella em Madri e a magnífica pintura de Munique, representando em um caramanchão de madressilvas o próprio mestre com sua jovem esposa, Isabella Brant, trazida de volta à sua terra natal em 1609 , uma imagem incomparável de calma pura felicidade amor.

A arte de Rubens descobriu uma nova fuga entre 1611 e 1614. A enorme pintura "Descida da Cruz" com a majestosa "Visit Mary Elizabeth" e "Entrada no Templo" nas alas, na Catedral de Antuérpia, é considerada a primeira obra em que o mestre trouxe seus tipos e seu método de escrita ao pleno desenvolvimento. Maravilhosa é a vitalidade apaixonada dos movimentos individuais, ainda mais maravilhosa é o poder penetrante da performance pictórica. Pinturas mitológicas como "Romulus and Remus" na Galeria Capitolina, "Fauno e Fauno" na Galeria Schonborn em Viena também pertencem a esses anos.

Pinturas de Rubens em 1613 e 1614, confiantes na composição, com formas e cores bem definidas, são algumas das pinturas marcadas como exceção pelo seu nome e ano de execução. Tais são as formas puras, belas nas cores pintando “Júpiter e Calisto” (1613), cheias de luz mágica “Flight into Egypt” em Kassel, “Frozen Venus” (1614) em Antuérpia, patética “Lamentation” (1614) em Viena e "Susanna" (1614) em Estocolmo, cujo corpo é sem dúvida mais agradável e mais bem compreendido do que o corpo excessivamente luxuoso de sua Susana anterior em Madri; em termos de pintura, imagens simbólicas poderosas do solitário Cristo crucificado contra o fundo de um céu escuro em Munique e Antuérpia contíguas a essas pinturas.

A partir de então, as encomendas se acumularam no ateliê de Rubens a tal ponto que ele deu a seus assistentes uma participação mais marcante na execução de suas pinturas. O mais antigo, além de Jan Brueghel, pertence ao notável pintor de animais e frutas Frans Snyders (1579 - 1657), segundo o próprio Rubens, que pintou a águia no quadro de Oldenburg com Prometeu acima mencionado, e ao animado paisagista Jan Wildens ( 1586 - 1653), que trabalhou desde 1618 para Rubens. O colaborador mais notável foi Anton van Dyck (1599 - 1641), que mais tarde se tornou uma figura independente. Em todo caso, tendo-se tornado mestre em 1618, foi até 1620 o braço direito de Rubens. As próprias pinturas de Rubens desses anos geralmente contrastam a penumbra azulada do corpo com uma mancha de luz amarelo-avermelhada, enquanto as pinturas com a cooperação claramente estabelecida de Van Dyck se distinguem por um claro-escuro quente uniforme e uma transmissão pictórica mais nervosa. Entre eles estão seis grandes imagens pintadas com entusiasmo da vida do cônsul romano Decius Moussa, no Palácio de Liechtenstein, em Viena, os cartões que Rubens fez para tapetes tecidos em 1618 (as cópias sobreviventes estão em Madri) e grandes pinturas decorativas em plafond (conservados apenas esboços em várias coleções), e alguns dos espetaculares na composição, com muitas figuras dos retábulos desta igreja, “O Milagre de St. Xavier" e "Milagre de S. Inácio”, guardado pelo Museu do Tribunal de Viena. A colaboração de Van Dyck também é inegável na enorme Crucificação em Antuérpia, na qual Longinus, a cavalo, perfura o lado do Salvador com uma lança, na Madona com pecadores penitentes em Kassel e, segundo Bode, também no Dia da Trindade de Munique e no Berlin Lazar, segundo Rooses também na dramática caça ao leão e no não menos dramático, apaixonado e rápido sequestro das filhas de Leucipo em Munique. Todas essas pinturas brilham não apenas com o poder ousado da composição de Rubens, mas também com a sutileza penetrante do sentimento da pintura de Van Dyck. Entre as pinturas feitas à mão, pintadas nas partes principais pelo próprio Rubens entre 1615 e 1620, encontram-se também as melhores pinturas religiosas - cheias de movimentos de massa efervescentes e agitados "O Juízo Final" em Munique e cheias de animação interior "Assunção de Nossa Senhora" em Bruxelas e em Viena, bem como pinturas mitológicas magistrais, luxuosas "bacanais" e imagens de "Thiazos" em Munique, Berlim, São Petersburgo e Dresden, nas quais o poder da transbordante alegria sensual da vida, traduzido do romano para o flamengo, aparentemente atinge sua plena expressão pela primeira vez. A “Batalha das Amazonas” em Munique (cerca de 1620), uma criação inacessível no sentido da transmissão pitoresca da mais violenta briga e batalha, embora escrita em tamanho pequeno, aqui se junta. Depois, há crianças nuas em tamanho natural, como excelentes putti com uma guirlanda de frutas em Munique, depois cenas violentas de caça, caça ao leão, das quais a melhor está em Munique, e caça ao javali, da qual a melhor está em Dresden. Seguem-se as primeiras pinturas de paisagens com acréscimos mitológicos, por exemplo, o ambiente completo do Naufrágio de Enéias em Berlim, ou com ambientes naturais, como a radiante paisagem romana com ruínas no Louvre (cerca de 1615) e as paisagens cheias de vida "Verão" e "Inverno (c. 1620) em Windsor. Transmitidas de forma majestosa, escritas de forma ampla e verdadeira, sem vestígios dos velhos maneirismos, iluminadas pela luz de todos os tipos de manifestações celestes, elas permanecem como marcos na história da pintura de paisagem.

Claramente, majestosamente, poderosamente, os retratos de Rubens deste período de cinco anos finalmente aparecem. Um trabalho magistral de seu auto-retrato no Uffizi, seu grupo de retratos "Quatro Filósofos" no Palácio Pitti é magnífico. No auge de sua beleza está sua esposa Isabella nos nobres retratos de Berlim e Haia. Por volta de 1620, um retrato incrível de Susanna Fuhrman em um chapéu com uma pena, abanado com o mais delicado claro-escuro, também foi pintado na London National Gallery. Os famosos retratos masculinos do mestre desses anos podem ser vistos em Munique e na Galeria Liechtenstein. Com que paixão Rubens retratou episódios da história sagrada do mundo, cenas de caça e até paisagens, ele pintou suas figuras de retrato com a mesma calma, sendo capaz de transmitir sua concha corporal com poder e verdade monumentais, mas sem tentar espiritualizar internamente, apreendido apenas em geral , características faciais.

Van Dyck deixou Rubens em 1620, e sua esposa Isabella Brant morreu em 1626. Um novo impulso para sua arte foi seu novo casamento com a bela jovem Helena Furman em 1630. No entanto, suas viagens artísticas e diplomáticas a Paris também serviram de impulso (1622, 1623, 1625), Madrid (1628, 1629) e Londres (1629, 1630). Das duas grandes séries históricas com alegorias, 21 enormes pinturas da vida de Marie de Medici (a história foi escrita por Grossman) pertencem agora às melhores decorações do Louvre. Esboçadas pela mão magistral de Rubens, pintadas por seus alunos, finalizadas por ele mesmo, essas pinturas históricas estão repletas de muitos retratos modernos e figuras mitológicas alegóricas no espírito do barroco moderno e apresentam uma massa de belezas individuais e uma harmonia artística que eles permanecerão para sempre as melhores obras de pintura do século XVII. De uma série de pinturas da vida de Henrique IV da França, duas inacabadas foram parar na Uffizi; esboços para outros são mantidos em diferentes coleções. As nove pinturas que glorificam Jaime I da Inglaterra, com as quais Rubens alguns anos depois decorou os campos de plafond do salão principal do White Hall, enegrecidas pela fuligem de Londres, são irreconhecíveis, mas elas mesmas não pertencem às obras de maior sucesso do mestre .

Das pinturas religiosas pintadas por Rubens nos anos 20, a grande e ardente "Adoração dos Magos" em Antuérpia, concluída em 1625, marca novamente um ponto de virada em seu desenvolvimento artístico com seu pincel mais livre e amplo, linguagem de formas mais leve e cores mais douradas. , coloração arejada. . A leve e arejada "Assunção de Maria" da Catedral de Antuérpia foi concluída em 1626. Segue-se a pitoresca e gratuita "Adoração dos Magos" no Louvre e "A Educação da Virgem Maria" em Antuérpia. Em Madri, onde o mestre voltou a estudar Ticiano, sua coloração ficou mais rica e "florida". A "Madonna" com santos que a adoram na igreja agostiniana em Antuérpia é uma repetição mais barroca da Frari Madonna de Ticiano. Uma parte significativamente revisada do "Triunfo de César" de Mantegna, localizada em 1629 em Londres (agora na National Gallery), a julgar por sua carta, também poderia aparecer somente após esse período. Esta década é especialmente rica em grandes retratos do mestre. Mais velha, mas ainda cheia de boa aparência, é Isabella Brant em um belo retrato do Hermitage; características já mais nítidas são representadas pelo retrato no Uffizi. Entre os melhores e mais coloridos está o retrato duplo de seus filhos na Galeria Liechtenstein. O retrato expressivo de Caspar Gevaert em sua mesa em Antuérpia é famoso. E o próprio velho mestre aparece diante de nós com um leve sorriso diplomático nos lábios em um belo busto de Aremberg em Bruxelas.

A última década que coube a Rubens (1631 - 1640) esteve sob a estrela de sua amada segunda esposa, Elena Furman, a quem pintou de todas as formas, e que lhe serviu de natureza para pinturas religiosas e mitológicas. Seus melhores retratos de Rubens pertencem aos mais belos retratos femininos do mundo: meio corpo, em um vestido rico, em um chapéu com uma pena; em tamanho natural, sentada, em luxuoso vestido aberto no peito; em forma pequena, ao lado do marido para passear no jardim - ela está na Pinakothek de Munique; nu, apenas parcialmente coberto por um manto de pele - no Museu do Tribunal de Viena; de terno para caminhar no campo - no Hermitage; com o primogênito nas faixas, de braços dados com o marido, e também na rua, acompanhada de um pajem - no Barão Alphonse Rothschild em Paris.

As obras de igreja mais significativas desta florescente e radiante era tardia do mestre são a composição majestosa e calma, brilhando com todas as cores do arco-íris, o altar de St. Ildefons com figuras poderosas de doadores nas portas do Museu da Corte de Viena e um magnífico retábulo na própria capela funerária de Rubens na Igreja de Jacob em Antuérpia, com santos da cidade pintados de rostos próximos ao mestre. Obras mais simples, como: St. Cecilia em Berlim e a magnífica Bate-Seba em Dresden não são inferiores a elas em tom e cores. Entre as preciosas imagens mitológicas desse período estão os brilhantes Julgamentos de Paris em Londres e Madri; e que vitalidade apaixonada respira a caçada de Diana em Berlim, quão fabulosamente luxuosa é a festa de Vênus em Viena, que luz mágica ilumina Orfeu e Eurídice em Madri!

Preparatório para este tipo de pintura são algumas imagens de gênero do mestre. Assim, o personagem do gênero mitológico captura a ousadamente sensual "Hora do Encontro" em tamanho real em Munique.

Os protótipos de todas as cenas seculares de Watteau são os famosos, com deuses voadores do amor, pinturas chamadas "Jardins do Amor", com grupos de casais apaixonados luxuosamente vestidos em um festival no jardim. Uma das melhores obras desse tipo pertence ao Barão Rothschild em Paris, a outra está no Museu de Madri. As mais importantes pinturas de gênero com pequenas figuras da vida popular, pintadas por Rubens, são a majestosa e vital dança camponesa puramente rubensiana em Madri, o torneio de meia paisagem em frente ao fosso do castelo, no Louvre, e a feira na mesma coleção, cujos motivos já lembram Teniers.

A maioria das paisagens reais de Rubens também pertence aos últimos anos de sua vida: tal é a paisagem radiante com Odisseu no Palácio Pitti, tais são as paisagens, novas em design, artisticamente explicativas, com uma imagem simples e ampla dos arredores , a área plana em que a dacha de Rubens estava localizada, e com uma majestosa, cheia de mudanças de céu de transferência de humor. As mais belas são o pôr do sol ardente em Londres e as paisagens com arco-íris em Munique e São Petersburgo.

O que quer que Rubens empreendesse, ele transformava tudo em ouro brilhante; e quem entrasse em contato com sua arte, como colaborador ou seguidor, não conseguia mais sair de seu círculo vicioso.

Dos numerosos alunos de Rubens, apenas Anton van Dyck (1599 - 1641) - cuja luz, claro, se refere à luz de Rubens, como a luz lunar do sol - atinge os céus da arte com a cabeça iluminada pelo brilho. Embora Balen seja considerado seu verdadeiro professor, o próprio Rubens o chamou de aluno. Em todo caso, seu desenvolvimento juvenil, tanto quanto sabemos, foi sob a influência de Rubens, do qual ele nunca se desvia completamente, mas, de acordo com seu temperamento mais impressionável, retrabalha de maneira mais nervosa, suave e sutil na pintura. e menos forte no desenho. . Uma longa estada na Itália finalmente o transformou em pintor e mestre das cores. Não era seu negócio inventar e exacerbar dramaticamente a ação ao vivo, mas ele sabia como colocar figuras em suas pinturas históricas em relações claramente pensadas entre si e comunicar a seus retratos as características sutis do status social, que se tornou o pintor favorito dos nobres de seu tempo.

Os últimos resumos sobre Van Dyck são de Michiels, Giffrey, Kust e Schaeffer. Páginas separadas de sua vida e arte foram explicadas por Vibiral, Bode, Hymans, Rooses, Lau, Menotti e o autor deste livro. Mesmo agora eles estão discutindo sobre a distinção entre diferentes períodos da vida, que estavam relacionados principalmente com viagens. Segundo as últimas pesquisas, trabalhou até 1620 em Antuérpia, em 1620 - 1621 em Londres, em 1621 - 1627 na Itália, principalmente em Gênova, com uma pausa de 1622 a 1623, realizada, como Rooses mostrou, provavelmente em casa, em 1627 - 1628 na Holanda, depois novamente em Antuérpia, e a partir de 1632 como pintor da corte de Carlos I em Londres, onde morreu em 1641, e durante este período, em 1634 - 1635 esteve em Bruxelas, em 1640 e 1641 em Antuérpia e Paris.

Dificilmente existem trabalhos iniciais de Van Dyck em que a influência de Rubens não seja perceptível. Mesmo suas primeiras séries apostólicas já mostram traços da maneira rubensiana. Destas, algumas das cabeças originais são preservadas em Dresden, outras em Althorp. Entre as pinturas religiosas pintadas por Van Dyck de acordo com seu próprio projeto, por sua própria conta e risco, de 1618 a 1620, enquanto ele estava a serviço de Rubens, pertencem ao “Martírio de St. Sebastian", com a sobrecarregada composição antiga "Lamentation of Christ" e "Bathing Susanna" em Munique. "Thomas em São Petersburgo", "A Serpente de Cobre" em Madri. Nenhuma dessas pinturas pode se orgulhar de uma composição perfeita, mas são bem pintadas e de cores floridas. O Dresden “Jerome” é pitoresco e profundamente sentido na alma, representando um contraste vívido com o vizinho mais calmo e rudemente escrito Jerome Rubens.

Em seguida, siga: A Zombaria de Cristo em Berlim, a mais forte e expressiva dessas pinturas semi-Rubens, e bela na composição, sem dúvida esboçada por Rubens, St. Martin" em Windsor, sentado em um cavalo, estendendo uma capa para um mendigo. A repetição simplificada e mais fraca deste Martin na igreja de Saventham está mais próxima da maneira posterior do mestre.

Van Dyck é um grande artista nesta era Rubens, especialmente em seus retratos. Alguns deles, combinando as conhecidas vantagens de ambos os mestres, foram atribuídos a Rubens no século XIX, até que Bode os devolveu a Van Dyck. Eles são mais individuais em traços individuais, mais nervosos na expressão, mais suaves e profundos na escrita do que os retratos simultâneos de Rubens. Os mais antigos desses retratos semi-Rubens de Van Dyck são ambos retratos de busto de um casal idoso em 1618 em Dresden, os mais belos são as meias figuras de dois casais na galeria de Liechtenstein: uma mulher com laço de ouro no peito , um cavalheiro calçando luvas e sentado em frente a uma senhora de cortina vermelha com uma criança no colo, em Dresden. A magnífica Isabella Brant do Hermitage pertence a ele, e do Louvre um retrato duplo do suposto Jean Grusset Richardeau e seu filho ao lado dele. Dos retratos duplos, são conhecidos os cônjuges próximos um do outro - o retrato de Frans Snyders e sua esposa com poses muito forçadas, Jan de Wael e sua esposa em Munique, é o mais pitoresco. Finalmente, nos auto-retratos juvenis do mestre, com olhar pensativo e autoconfiante, em São Petersburgo, Munique e Londres, sua própria idade, cerca de vinte anos, indica um período precoce.

De pinturas religiosas pintadas por Van Dyck entre 1621 - 1627. na Itália, no sul, ficou uma bela cena, inspirada em Ticiano, com a "Moeda de Pedro" e "Maria com o Menino" em um halo de fogo, no Palazzo Bianco, lembrando Rubens, a "Crucificação" em o palácio real de Gênova, sentido com ternura em termos pitorescos e espirituais, o sepultamento da Galeria Borghese em Roma, a lânguida cabeça de Maria no Palácio Pitti, a família magnífica e radiante na Pinacoteca de Turim e os poderosos, mas bem educados retábulo da Madonna del Rosario em Palermo com figuras alongadas. Das pinturas seculares, mencionaremos aqui apenas as belas, no espírito de Giorgione, a pintura que retrata as três idades da vida no museu da cidade de Vincenza e a simples composição, mas a pintura ardente "Diana e Endimon" em Madri.

Uma modelagem de traços confiante, firme e ao mesmo tempo suave em claro-escuro escuro e uma coloração rica e profunda das cabeças italianas que buscam a unidade de humor também se manifestam em seus retratos italianos, especialmente genoveses. Pintado em um escorço ousado, quase de frente para o espectador, o retrato equestre de Antonio Giulio Brignole Sale, acenando com o chapéu na mão direita em sinal de saudação, localizado no Palazzo Rossi em Gênova, foi um verdadeiro indicador do novo caminho. Nobre, com colunas e cortinas barrocas ao fundo, os retratos da Signora Geronimo Brignole Sale com sua filha Paola Adorio em um vestido de seda azul escuro com bordados dourados e um jovem com roupas de nobre, da mesma coleção, destacam-se no auge da arte absoluta do retrato. A eles se juntam retratos da marquesa Durazzo em vestido damasco de seda amarelo claro, com crianças, diante de uma cortina vermelha, um animado retrato de grupo de três crianças com um cachorro e um nobre retrato de um menino de vestido branco, com um papagaio, mantido no Palazzo Durazzo Pallavicini. Em Roma, a Galeria Capitolina tem um retrato duplo muito vital de Luca e Cornelis de Wael; em Florença, no Palazzo Pitti, há um retrato espiritualmente expressivo do cardeal Giulio Bentivoglio. Outros retratos do período italiano de Van Dyck chegaram ao exterior. Uma das melhores é de propriedade de Pierpont Morgan em Nova York, mas também pode ser encontrada em Londres, Berlim, Dresden e Munique.

O período de cinco anos (1627 - 1632) passado pelo mestre em sua terra natal após o retorno da Itália foi extremamente frutífero. Grandes, cheios de retábulos de movimento, quais são os poderosos Crucifixos da igreja de S. Zhen em Dendermonde, na igreja de Michael em Ghent, e na igreja de Romuald em Meheln, e a adjacente "Exaltação da Cruz" na igreja de St. Gens em Courtrai não o representa tão bem quanto as obras cheias de vida interior, às quais incluímos a Crucificação com a estrear no Museu de Lille, "Descanso durante o Voo" em Munique e Crucificações individuais cheias de sentimento em Antuérpia, Viena e Munique. Essas pinturas traduzem as imagens de Rubens da linguagem heróica para a linguagem do sentimento. As mais belas pinturas desse período incluem a Madona com um casal de doadores ajoelhados e anjos derramando flores no Louvre, a Madona com o Menino Jesus em pé em Munique e o clima completo de "Lament over Christ" em Antuérpia, Munique, Berlim e Paris. Madonas e lamentações em geral eram os temas favoritos de Van Dyck. Ele raramente assumiu imagens de deuses pagãos, embora seu Hércules na Encruzilhada no Uffizi, as imagens de Vênus, Vulcano, Viena e Paris mostrem que ele foi capaz de lidar com eles até certo ponto. Ele permaneceu principalmente um pintor de retratos. Cerca de 150 retratos de seu pincel foram preservados desse período de cinco anos. Seus traços faciais são ainda mais nítidos, em mãos tipicamente graciosas e inativas há ainda menos expressão do que nas pinturas italianas dele do mesmo tipo. Uma facilidade um pouco mais aristocrática foi adicionada à sua postura, e um humor geral mais sutil apareceu na coloração mais fria. As roupas geralmente caem fácil e livremente, mas materialmente. Entre os mais belos, pintados em tamanho real, estão os retratos característicos da governante Isabella em Turim, no Louvre e na Galeria Liechtenstein, Philippe de Roy e sua esposa na coleção Wallace em Londres, retratos duplos de um cavalheiro e uma senhora com uma criança nos braços no Louvre e no Museu Gótico e mais alguns retratos de cavalheiros e damas em Munique. Entre os retratos de cintura e geração mais expressivos, incluímos os retratos do Bispo Mulderus e Martin Pepin em Antuérpia, Adrian Stevens e sua esposa em São Petersburgo, Conde Van den Berg em Madrid e Canon Antonio de Tassis na Galeria Liechtenstein. O organista Liberty olha languidamente, o escultor Colin de Nole, sua esposa e filha parecem enfadonhos no grupo de retratos em Munique. Os retratos de um cavalheiro e uma dama em Dresden e Marie Louise de Tassis na Galeria Liechtenstein distinguem-se por uma postura nobre e pitoresca. A influência de Van Dyck em todos os retratos de sua época, especialmente ingleses e franceses, foi enorme; porém, em caráter natural e verdade interior, seus retratos não podem ser comparados aos de seus contemporâneos Velázquez e Frans Hals, para não citar outros.

Ocasionalmente, porém, Van Dyck também pegou a agulha de gravação. Conhecido por 24 facilmente e com grande significado executado folha de seu trabalho. Por outro lado, encomendou a outros gravadores a reprodução de uma grande série de pequenos retratos de contemporâneos famosos por ele pintados, pintados em um tom de cinza. Na coleção completa, esta "Iconografia de Van Dyck" em cem folhas apareceu somente após sua morte.

Como pintor da corte de Charles I, Van Dyck pintou pequenas pinturas religiosas e mitológicas durante os últimos oito anos de sua vida. No entanto, várias das melhores pinturas escritas durante sua curta estada na Holanda pertencem a esse período tardio do mestre. Foi a última e mais pitoresca representação do "Descanso na Fuga para o Egito", com uma dança redonda de anjos e perdizes voadoras, agora no Hermitage, a mais madura e bela "Lamentação de Cristo" no Museu de Antuérpia, não só clara, calma e comovente na composição, mas uma expressão de verdadeira dor, mas também nas cores, com seus belos acordes de azul, branco e ouro escuro, representando uma obra magistral e encantadora. Em seguida, siga os retratos extremamente numerosos do período inglês. É verdade que, sob a influência do tipo da corte londrina, suas cabeças se tornam cada vez mais como máscaras, suas mãos se tornam cada vez menos expressivas; mas os vestidos são mais refinados e mais materiais na escrita, as cores, cujo tom prateado só começou a desbotar gradualmente, ganham cada vez mais em terno encanto. Claro, Van Dyck também montou uma oficina em Londres com produção em larga escala, na qual vários alunos estavam envolvidos. O retrato de família em Windsor, mostrando o casal real sentado com dois filhos e um cachorro, é uma exibição bastante fraca. O retrato equestre do rei no mesmo local em frente ao arco triunfal foi pintado com muito bom gosto, seu retrato equestre na National Gallery é ainda mais pitoresco, o encantador retrato do rei em traje de caça no Louvre é realmente pitoresco . Dos retratos da rainha Henrietta Maria de Van Dyck, o de propriedade de Lord Northbrook em Londres e retratando a rainha com seus anões em um terraço com jardim está entre os mais recentes e antigos, e o da galeria de Dresden, por toda a sua nobreza, está entre os mais fracos e mais recentes. Vários retratos dos filhos do rei inglês são famosos, pertencentes às obras-primas mais atraentes de Van Dyck. Turim e Windsor têm os melhores retratos das três crianças reais; mas o mais luxuoso e bonito de todos é o retrato de Windsor com os cinco filhos do rei, com um cachorro grande e um cachorro pequeno. Dos outros numerosos retratos de Van Dyck em Windsor, o retrato de Lady Venice Digby, com seus acréscimos alegóricos na forma de pombas e deuses do amor, anuncia uma nova era, e o retrato duplo de Thomas Killigrew e Thomas Carew atinge com o relacionamentos de vida retratados que são incomuns para nosso mestre. O retrato de James Stuart, com um grande cachorro agarrado a ele, no Metropolitan Museum of Art de Nova York, distingue-se por uma graça especial, um retrato dos noivos, filhos de Guilherme II de Orange e Henrietta Maria Stuart, em o museu da cidade em Amsterdã é encantador. Cerca de cem retratos do período inglês do mestre foram preservados.

Van Dyck morreu jovem. Como artista, ele falou, aparentemente, tudo. Ele carece da versatilidade, plenitude e poder de seu grande mestre, mas superou todos os seus contemporâneos flamengos na sutileza de um humor puramente pictórico.

Outros importantes pintores, colaboradores e alunos de Rubens na Antuérpia antes e depois de Van Dyck, vivem apenas ecos da arte de Rubens, Even Abraham Dipepbeck (1596 - 1675), Cornelis Schut (1597 - 1655), Theodor van Thulden (1606 - 1676) , Erasmus Quellinus (1607 - 1678), irmão do grande escultor, e seu neto Jan Erasmus Quellinus (1674 - 1715) não são tão significativos a ponto de insistir neles. Representantes de vários departamentos realistas da oficina de Rubens são de importância mais independente. Frans Snyders (1579 - 1657) começou com uma natureza morta, que gostava de representar em tamanho real, de forma ampla, realista e, por tudo isso, decorativa; durante toda a sua vida pintou imagens de observação grandes e saudáveis ​​de utensílios de cozinha e frutas, como as disponíveis em Bruxelas, Munique e Dresden. Na oficina de Rubens, aprendeu também a retratar viva e fascinantemente, quase com a força e o brilho de seu mestre, o mundo vivo, animais em tamanho natural em cenas de caça. Suas grandes pinturas de caça em Dresden, Munique, Viena, Paris, Kassel e Madri são clássicas à sua maneira. Às vezes confundido com Snyders está seu cunhado Paul de Vos (1590 - 1678), cujas grandes pinturas de animais não podem igualar o frescor e o calor das pinturas de Snyders. O novo estilo paisagístico, desenvolvido sob a influência de Rubens, que eliminou quase completamente os antigos fundos de palco tricolores e a tradicional folhagem de árvores em forma de tufo, aparece diante de nós com mais clareza nas pinturas e gravuras de Lucas van Oudens (1595 - 1672), um assistente no período tardio do mestre na paisagem. Suas numerosas, mas principalmente pequenas pinturas de paisagens, das quais nove estão penduradas em Dresden, três em São Petersburgo e duas em Munique, são imagens simples e naturais das encantadoras paisagens fronteiriças locais entre a região montanhosa de Brabante e a planície flamenga. O desempenho é amplo e meticuloso. Suas cores se esforçam para transmitir não apenas a impressão natural de árvores e prados verdes, terra marrom e distâncias montanhosas azuladas, mas também um céu claro e ligeiramente nublado. Os lados ensolarados de suas nuvens e árvores geralmente brilham com manchas amarelas de luz e, sob a influência de Rubens, às vezes também aparecem nuvens de chuva e arco-íris.

A arte de Rubens revolucionou a gravura holandesa em cobre. Numerosos gravadores, cujo trabalho ele examinou, estavam a seu serviço. O mais antigo deles, o Antwerp Cornelis Galle (1576 - 1656) e o holandês Jacob Matham (1571 - 1631) e Jan Müller, ainda traduziram seu estilo para uma linguagem de formas mais antiga, mas os gravadores da escola de Rubens, vários que são inauguradas por Peter Southman do Harlem (1580 - 1643), e continuam a brilhar com nomes como Lukas Forstermann (n. 1584), Paul Pontius (1603 - 1658), Boethius e Schelte. Bolswerth, Pieter de Jode o mais jovem e, acima de tudo, o grande gravador de claro-escuro Jan Wittdöck (n. 1604) conseguiram imbuir suas folhas com força e movimento rubensianos. A nova técnica de mezzotint, que ruge a superfície da placa por meio de uma picareta para raspar nela um desenho em massas macias, foi, se não inventada, pela primeira vez amplamente utilizada por Vallerand Vaillant de Lille (1623 - 1677), aluno do aluno de Rubens, Erasmus Quellinus, um famoso e excelente pintor de retratos e pintor original da natureza morta. Como, porém, Vaillant estudou essa arte não na Bélgica, mas em Amsterdã, para onde se mudou, a história da arte flamenga só pode mencioná-lo.

Alguns mestres importantes da Antuérpia desse período, que não tiveram relações diretas com Rubens ou seus alunos, que se juntaram a Caravaggio em Roma, formaram um grupo romano. Contornos claros, modelagem plástica, sombras pesadas de Caravaggio suavizam apenas em suas pinturas posteriores de uma pintura mais livre, mais quente, mais ampla que falava da influência de Rubens. À frente deste grupo está Abraham Janssens Van Nuessen (1576 - 1632), cujo aluno Gerard Zegers (1591 - 1651) em suas pinturas posteriores indubitavelmente mudou-se para o fairway de Rubens, e Theodore Rombouts (1597 - 1637) revela a influência de Caravaggio em seu gênero, em tamanho natural, com cores metálicas lustrosas e sombras negras, pinturas em Antuérpia, Gante, São Petersburgo, Madri e Munique.

O mais antigo dos então pintores flamengos que não estavam na Itália, Caspar de Crayer (1582 - 1669), mudou-se para Bruxelas, onde, competindo com Rubens, não foi além do ecletismo tomado. Eles são chefiados pelo Antuérpia Jacob Jordaens (1583 - 1678), também aluno e genro de Adam Van Noort, o chefe dos realistas belgas verdadeiramente independentes da época, um dos mais importantes pintores flamengos proeminentes do Século XVII, ao lado de Rubens e Van Dyck. Rooses também lhe dedicou uma extensa obra. Mais rude que Rubens, é mais direto e original que ele. Seus corpos são ainda mais maciços e carnudos que os de Rubens, suas cabeças são mais redondas e comuns. Suas composições, geralmente repetidas, com pequenas alterações para diferentes pinturas, são muitas vezes mais simples e muitas vezes sobrecarregadas, seu pincel, por toda a sua habilidade, é mais seco, mais liso, às vezes mais denso. Por tudo isso, ele é um colorista maravilhoso e original. A princípio, ele escreve de maneira fresca e rápida, modelando fracamente em cores locais saturadas; depois de 1631, levado pelos encantos de Rubens, ele passa para um claro-escuro mais delicado, para cores intermediárias mais nítidas e para um tom de pintura acastanhado, do qual brilham tons básicos suculentos e profundos. Ele também retratou tudo retratado. Ele deve seu maior sucesso às pinturas alegóricas e de gênero em tamanho real, na maioria dos casos sobre o tema de provérbios populares.

A pintura mais antiga conhecida por Jordaens "Crucificação" em 1617 na igreja de St.. Paul em Antuérpia revela a influência de Rubens. Jordaens é ele mesmo em 1618 na "Adoração dos Pastores" em Estocolmo e em uma pintura semelhante em Braunschweig, e especialmente nas primeiras imagens de um sátiro visitando um camponês, a quem ele conta uma história inacreditável. A pintura mais antiga desse tipo pertence ao Sr. Celst em Bruxelas; seguido por cópias em Budapeste, Munique e Kassel. As primeiras pinturas religiosas também incluem as imagens expressivas dos Evangelistas no Louvre e dos Discípulos no Túmulo do Salvador em Dresden; das primeiras pinturas mitológicas, Meleager e Atlanta em Antuérpia merecem menção. A mais antiga de suas composições vivas de grupos de retratos de família (cerca de 1622) pertence ao Museu de Madri.

A influência rubensiana é novamente evidente nas pinturas de Jordaens, escritas depois de 1631. Em sua sátira a um camponês de Bruxelas, uma virada já é perceptível. Suas famosas representações do "Rei do Feijão", das quais Kassel possui a cópia mais antiga - outras estão no Louvre e em Bruxelas -, bem como suas inúmeras imagens do provérbio "O que os velhos cantam, os pequenos guincham", um antuérpia cópia da qual é datada de 1638. cores ainda mais frescas que as de Dresden, escritas em 1641 - outras no Louvre e em Berlim - já pertencem à maneira mais suave e suave do mestre.

Antes de 1642, as pinturas mitológicas grosseiras "Procissão de Baco" em Kassel e "Ariadne" em Dresden, também foram pintados excelentes retratos animados de Jan Wirth e sua esposa em Colônia; depois, até 1652, pinturas animadas externamente e internamente, apesar das linhas mais calmas, como St. Ivo em Bruxelas (1645), um soberbo retrato de família em Kassel e um vibrante "Rei do Feijão" em Viena.

Em 1652, o mestre estava em pleno vigor com um convite a Haia para participar da decoração do "Castelo da Floresta", ao qual dão a "Deificação do Príncipe Friedrich Heinrich" e "A Vitória da Morte sobre a Inveja" de Jordaens sua marca e, em 1661, um convite para Amsterdã, onde pintou pinturas sobreviventes, mas agora quase indistinguíveis, para a nova prefeitura.

A melhor e mais religiosa pintura de seus últimos anos é Jesus entre os escribas (1663) em Mainz; esplendidamente em cores, "Entrada no Templo" em Dresden e a "Última Ceia" permeada de luz em Antuérpia.

Se Jordaens é muito tosco e desigual para ser classificado entre os maiores dos grandes, então, como pintor burguês de Antuérpia e pintor dos burgueses, ele ocupa um lugar de honra ao lado de Rubens, príncipe dos pintores e pintor dos príncipes. Mas precisamente por causa de sua originalidade, ele não criou discípulos ou seguidores notáveis.

Cornelis de Vos (1585 - 1651) foi um mestre, como Jordans, que uniu independentemente o passado pré-rubensiano da arte flamenga, destacando-se especialmente como pintor de retratos, lutando pela verdade e sinceridade sem arte com um estilo de pintura calmo e penetrante, um peculiar brilho nos olhos de suas figuras e cheio de coloração clara. O melhor grupo de retratos de família, com uma composição descontraída, pertence ao Museu de Bruxelas, e o retrato individual mais forte do mestre da guilda Grapheus pertence a Antuérpia. Seus retratos duplos do casal e de suas filhas pequenas em Berlim também são muito típicos.

Ao contrário do seu estilo puramente flamengo, com um toque italiano, mantido com maiores ou menores desvios pela grande maioria dos pintores belgas do século XVII, a escola Luttich Walloon, explorada por Gelbier, desenvolveu o estilo romano-belga de a tendência Poussin seguindo os franceses. À frente desta escola está Gerard Duffet (1594 - 1660), um acadêmico inventivo e altamente polido, mais conhecido em Munique. Gérard Leresse (1641 - 1711), aluno de seu pupilo Bartolet Flemalle ou Flemal (1614 - 1675), lento imitador de Poussin, que já se mudara para Amsterdã em 1667, transplantou de Lüttich para a Holanda esse estilo acadêmico imitando o francês, que ele perseguiu não apenas como pintor e gravador de temas mitológicos, mas também com uma caneta em seu livro, que tem um impacto significativo. Ele era um reacionário extremo e, acima de tudo, contribuiu na virada do século para a virada da saudável tendência nacional da pintura holandesa para o campo românico. "Seleuco e Antioquia" em Amsterdã e Schwerin, "Parnaso" em Dresden, "Partida de Cleópatra" no Louvre dão uma idéia suficiente dele.

Leres, finalmente, nos devolve da grande pintura belga à pequena; e este último, sem dúvida, ainda experimentou em pinturas de pequenas figuras com fundos paisagísticos ou arquitetônicos a madura floração nacional do século XVII, que cresceu diretamente do solo preparado pelos mestres do período de transição, mas alcançou total liberdade de movimento graças a o onipotente Rubens, em alguns lugares também graças a novas influências, francesas e italianas, ou mesmo ao impacto da jovem arte holandesa sobre a flamenga.

Uma imagem de gênero real, e agora, como antes, desempenhou o primeiro papel na Flandres. Ao mesmo tempo, nota-se uma fronteira bastante nítida entre os mestres que retratavam a vida das classes altas em cenas seculares ou retratos de pequenos grupos e os pintores da vida popular em tabernas, feiras e estradas rurais. Rubens criou exemplos de ambos os gêneros. Os pintores seculares, no espírito dos Jardins do Amor de Rubens, retratam damas e cavalheiros em seda e veludo, jogando cartas, festejando, tocando música alegre ou dançando. Um dos primeiros entre esses pintores foi Christian van der Lamen (1615 - 1661), conhecido por pinturas em Madrid, Gotha, especialmente em Lucca. Seu aluno de maior sucesso foi Jérôme Janssens (1624 - 1693), o "Dançarino" e cujas cenas de dança podem ser vistas em Braungschweig. Acima dele, como pintor, está Gonzales Kokvets (1618 - 1684), um mestre dos retratos aristocráticos de pequenos grupos retratando membros da família unidos em casa em Kassel, Dresden, Londres, Budapeste e Haia. Os retratistas flamengos mais prolíficos da vida folclórica das classes mais baixas foram os Teniers. David Teniers the Elder (1582 - 1649) e seu filho David Teniers the Younger (1610 - 1690) destacam-se da grande família desses artistas. O mais velho provavelmente foi aluno de Rubens, o Rubens mais novo provavelmente deu conselhos amigáveis. Ambos são igualmente fortes tanto na paisagem quanto no gênero. No entanto, não foi possível separar todas as obras do mais velho das pinturas juvenis do mais novo. Sem dúvida, o ancião é o dono das quatro paisagens mitológicas do Museu do Tribunal de Viena, ainda ocupado transmitindo os "três planos", "A Tentação de St. Anthony" em Berlim, "Mountain Castle" em Braunschweig e "Mountain Gorge" em Munique.

Como David Teniers, o Jovem, foi influenciado pelo grande Adrien Brouwer de Oudenard (1606-1638), damos preferência a este último. Brouwer é o criador e leigo de novos caminhos. Bode pesquisou exaustivamente sua arte e vida. Em muitos aspectos, ele é o maior dos pintores holandeses da vida popular e, ao mesmo tempo, um dos mais inspirados pintores de paisagens belgas e holandeses. A influência da pintura holandesa na flamenga no século XVII foi vista pela primeira vez com ele, aluno de Frans Hals em Haarlem, já antes de 1623. Ao retornar da Holanda, estabeleceu-se em Antuérpia.

Ao mesmo tempo, sua arte prova que os epítetos mais simples da vida do povo podem, graças à sua atuação, adquirir o mais alto valor artístico. Dos holandeses, tomou o imediatismo da percepção da natureza, a performance pictórica, em si artística. Como holandês, declara-se pelo estrito isolamento na transmissão de momentos de várias manifestações da vida, como um holandês, com humor precioso, destaca cenas de fumo, brigas, jogos de cartas e bebedeiras de taberna.

As primeiras pinturas que ele pintou na Holanda, bebedeiras de camponeses, brigas, em Amsterdã, revelam em seus personagens rudes e intrometidos as respostas da antiga arte de transição flamenga. As obras-primas desta época já são seus “Card Players” de Antuérpia e as cenas de taberna do Städel Institute em Frankfurt. O desenvolvimento posterior surge nitidamente em "Knife" e "Village Bath" da Pinakothek de Munique: aqui a ação é dramaticamente forte já sem figuras secundárias supérfluas; a execução em todos os detalhes é pensada de forma pitoresca; do claro-escuro dourado da cor, tons de vermelho e amarelo ainda brilham. Segue-se o período tardio maduro do mestre (1633 - 1636), com figuras mais individualizadas, um tom de cor mais frio, em que se destacam os locais de tinta verde e azul. Estes incluem 12 de seus dezoito quadros de Munique e o melhor de seus quatro quadros de Dresden. Schmidt-Degener anexou a eles uma série de pinturas de coleções particulares em Paris, mas sua autenticidade, aparentemente, nem sempre é estabelecida com precisão. As melhores paisagens de Brouwer, nas quais os motivos mais simples da natureza dos arredores de Antuérpia são ventilados com uma transmissão quente e radiante de fenômenos de ar e luz, também pertencem a esses anos. "Dunas" em Bruxelas, uma pintura com o nome do mestre, prova a autenticidade de outras. Eles têm uma sensação mais moderna do que todas as suas outras paisagens flamengas. Entre os melhores estão o luar e a paisagem pastoral em Berlim, a paisagem de dunas com telhado vermelho na Bridgewater Gallery e a poderosa paisagem do pôr do sol atribuída a Rubens em Londres.

As pinturas de gênero dos últimos dois anos da vida do mestre de grandes tamanhos preferem uma escrita leve e sombreada e uma subordinação mais clara das cores locais a um tom cinza geral. Camponeses cantores, soldados jogando dados e o casal anfitrião na casa de bebidas da Pinakothek de Munique são acompanhados por fortes pinturas retratando operações no Staedel Institute e no Louvre "Smoker". A arte original de Brouwer é sempre o completo oposto de todas as convenções acadêmicas.

David Teniers, o Jovem, o pintor de gênero favorito do mundo nobre, convidado em 1651 pelo pintor da corte e diretor da galeria do arquiduque Leopold Wilhelm de Antuérpia a Bruxelas, onde morreu em velhice, não pode ser comparado a Brouwer no imediatismo da transferência da vida, na experiência emocional do humor, mas é por isso que o supera com refinamento externo e estilização urbana da vida popular compreendida. Gostava de retratar citadinos vestidos de forma aristocrata em suas relações com os aldeões, ocasionalmente pintava cenas seculares da vida da aristocracia, e até transmitia episódios religiosos no estilo de suas pinturas de gênero, dentro de salas primorosamente decoradas ou entre fielmente observadas, mas paisagens decorativas. Tentação de S. Anthony (em Dresden, Berlim, São Petersburgo, Paris, Madrid, Bruxelas) pertence aos seus tópicos favoritos. Mais de uma vez ele também pintou uma masmorra com a imagem de Pedro ao fundo (Dresden, Berlim). Dos temas mitológicos no estilo de suas pinturas de gênero, nomearemos "Netuno e Anfitrite" em Berlim, a pintura alegórica "Cinco Sentidos" em Bruxelas, obras poéticas - doze pinturas de "Jerusalém Libertada" em Madri. Suas pinturas representando alquimistas (Dresden, Berlim, Madri) também podem ser classificadas como um gênero da alta sociedade. A grande maioria de suas pinturas, das quais 50 em Madri, 40 em São Petersburgo, 30 em Paris, 28 em Munique, 24 em Dresden, retratam o ambiente dos aldeões se divertindo nas horas de lazer. Ele os retrata festejando, bebendo, dançando, fumando, jogando cartas ou dados, em uma festa, em uma taverna ou na rua. Sua escrita leve e livre em sua linguagem natural das formas, arrebatadora e ao mesmo tempo suave experimentou mudanças apenas na cor. O tom de seu “Temple Feast in the Half Light” de 1641 em Dresden é pesado, mas profundo e frio. Em seguida, ele retorna ao tom marrom dos primeiros anos, que rapidamente se transforma em um tom dourado ardente em pinturas como a masmorra de 1642 em São Petersburgo, a "cervejaria Guild" em 1643 em Munique e "O filho pródigo" em 1644 no Louvre, brilha mais intensamente em como a "Dança" de 1645 em Munique e os "Jogadores de Dados" de 1646 em Dresden, depois, como mostram os "Fumantes" de 1650 em Munique, gradualmente se torna mais cinza e, finalmente, em 1651, em "Casamento camponês" em Munique, adquire um tom prateado refinado e é acompanhado pela escrita cada vez mais leve e fluida que distingue as pinturas de Teniers dos anos cinquenta, como sua "Guarda" de 1657 no Palácio de Buckingham. Finalmente, depois de 1660 seu pincel fica menos confiante, a coloração é novamente mais marrom, seca e turva. Munique possui uma pintura representando um alquimista, com características de uma pintura de um mestre idoso de 1680.

Entre os alunos de Brouwer, destaca-se Joos van Kreesbeek (1606 - 1654), em cujas pinturas as lutas às vezes terminam tragicamente; Gillis van Tilborch (cerca de 1625 - 1678) é conhecido dos alunos de Teniers, o Jovem, que também pintou retratos de grupos familiares no estilo de Kokves. Junto com eles estão membros da família de pintores Rikavert, dos quais especialmente David Rikaert III (1612 - 1661) alcançou certa amplitude de independência.

Ao lado da pintura nacional flamenga de pequenas figuras, há uma tendência italianizante simultânea, embora não equivalente, cujos mestres trabalharam temporariamente na Itália e retrataram a vida italiana em todas as suas manifestações. No entanto, o maior desses membros da “comunidade” holandesa em Roma, levados por Rafael ou Michelangelo, eram os holandeses, aos quais voltaremos a seguir. Pieter Van Laer de Gaarlem (1582 - 1642) é o verdadeiro fundador desta tendência, que influenciou igualmente os italianos do tipo Cherkvozzi e os belgas do tipo Jan Mils (1599 - 1668). Menos independentes são Anton Goubau (1616 - 1698), que encheu as ruínas romanas de vida colorida, e Peter Van Blemen, apelidado de Standardaard (1657 - 1720), que preferiu feiras de cavalos italianas, batalhas de cavalaria e cenas de acampamento. A vida folclórica italiana permaneceu desde a época desses mestres uma área que atrai anualmente multidões de pintores do norte.

Pelo contrário, a pintura de paisagem desenvolveu-se no espírito nacional flamengo, com temas de batalhas e ladrões, ao lado de Sebastian Vranks, cujo aluno Peter Snyers (1592 - 1667) mudou-se de Antuérpia para Bruxelas. As primeiras pinturas de Sniers, como as de Dresden, o mostram em uma trilha bastante pitoresca. Mais tarde, como pintor de batalha da Casa de Habsburgo, ele enfatizou a fidelidade topográfica e estratégica mais do que a fidelidade pictórica, como mostram suas grandes pinturas em Bruxelas, Viena e Madri. Seu melhor aluno foi Adam Frans Van der Meulen (1631 - 1690), pintor de batalhas de Luís XIV e professor da Academia de Paris, que transplantou para Paris o estilo de Snyers, refinado por ele em perspectiva aérea e luminosa. No Palácio de Versalhes e no Hotel des Invalides em Paris, ele pintou grandes séries de pinturas murais, impecáveis ​​em suas formas confiantes e na impressão de uma paisagem pitoresca. Suas pinturas em Dresden, Viena, Madri e Bruxelas com campanhas, cercos de cidades, acampamentos, entrada vitoriosa do grande rei também são notáveis ​​​​por sua brilhante sutileza pictórica de percepção. Esta nova pintura de batalha holandesa foi transferida para a Itália por Cornelis de Wael (1592-1662), que se estabeleceu em Gênova e, tendo adquirido aqui um pincel mais perfeito e cores quentes, logo passou a retratar a vida popular italiana.

Na pintura de paisagem belga propriamente dita, descrita com mais detalhes pelo autor deste livro em The History of Painting (sua e de Woltmann), pode-se distinguir claramente o original, nativo, apenas levemente tocado pelas influências do sul, tendência do pseudo-clássico tendência que se juntou a Poussin na Itália. A pintura de paisagem belga nacional reteve, em comparação com a holandesa, deixando de lado Rubens e Brouwer, uma característica de certa forma decorativa externa; com esse recurso, ela apareceu na decoração de palácios e igrejas com séries decorativas de pinturas em abundância como em nenhum outro lugar. O antuérpico Paul Bril incutiu esse tipo de pintura em Roma; mais tarde, os belgas afrancesados ​​François Millet e Philippe de Champagne decoraram igrejas parisienses com pinturas de paisagens. O autor deste livro escreveu um artigo separado sobre paisagens de igrejas em 1890.

Dos mestres de Antuérpia, deve-se primeiro apontar para Caspar de Witte (1624 - 1681), depois Peter Spirincks (1635 - 1711), que possui paisagens de igrejas erroneamente atribuídas a Peter Risbrak (1655 - 1719) no coro da igreja agostiniana igreja em Antuérpia, e especialmente em Jan Frans Van Bloemen (1662 - 1748), apelidado de "Horizonte" pela clareza das distâncias das montanhas azuis de suas pinturas bem-sucedidas, fortemente reminiscentes de Duguet, mas duras e frias.

A pintura de paisagem belga nacional deste período floresceu predominantemente em Bruxelas. Seu ancestral foi Denis Van Alsloot (cerca de 1570 - 1626), que, baseado no estilo de transição, desenvolveu grande força, firmeza e clareza de pintura em suas pinturas semi-rurais e semi-urbanas. Seu grande discípulo Lucas Achtschellingx (1626 - 1699), influenciado por Jacques d'Artois, participou da decoração de igrejas belgas com paisagens bíblicas com exuberantes árvores verde-escuras e distâncias montanhosas azuis, de forma ampla, livre, um tanto arrebatadora. Jacques d'Artois (1613 - 1683), o melhor paisagista de Bruxelas, aluno do quase desconhecido Jan Mertens, também decorou igrejas e mosteiros com grandes paisagens, cujas cenas bíblicas foram pintadas por seus amigos, pintores históricos. Suas paisagens da capela de St. O autor deste livro viu as esposas da Catedral de Bruxelas na sacristia desta igreja. Paisagens de igrejas eram, em todo caso, também suas grandes pinturas do Museu da Corte e da Galeria Liechtenstein em Viena. Com suas pequenas pinturas de quarto, representando a natureza exuberante da floresta nos arredores de Bruxelas, com suas gigantescas árvores verdes, estradas de areia amarela, distâncias montanhosas azuis, rios e lagoas brilhantes, você pode conhecer melhor Madri e Bruxelas e também perfeitamente em Dresden. , Munique e Darmstadt. Com uma luxuosa composição fechada, profunda, saturada de cores vivas, com um ar límpido com nuvens, caracterizadas por lados iluminados amarelo-ouro, transmitem perfeitamente o geral, mas ainda apenas o caráter geral da área. Dourado, mais quente, mais decorativo, se preferir, mais veneziano em cores do que d'Artois, seu melhor aluno Cornelis Huysmans (1648 - 1727), cuja melhor paisagem de igreja é "Cristo em Emaús" da Igreja de St. Wives em Mecheln .

Na cidade litorânea de Antuérpia, uma marina também se desenvolveu naturalmente. O desejo de liberdade e naturalidade do século XVII foi realizado aqui nas pinturas que representam as batalhas costeiras e marítimas de Andries Aartvelt ou Van Ertvelt (1590 - 1652), Buonaventura Peters (1614 - 1652) e Hendrik Mindergout (1632 - 1696), que, no entanto, não consegue alcançar os melhores artesãos holandeses do mesmo setor.

Na pintura arquitetônica, que retratava de bom grado o interior das igrejas góticas, os mestres flamengos, como Peter Neefs, o jovem (1620 - 1675), que dificilmente ultrapassava um estilo de transição tosco, também carecia do charme pitoresco interno, cheio de luz dos holandeses imagens de igrejas.

Quanto mais ousadia e brilho os belgas traziam para as imagens de animais, frutas, natureza morta e flores. No entanto, mesmo Jan Fit (1611 - 1661), pintor de utensílios de cozinha e frutas, não foi além de Snyders, que executou cuidadosamente e fundiu decorativamente todos os detalhes. A pintura de flores também não foi em Antuérpia, pelo menos por conta própria, além de Jan Brueghel, o Velho. Mesmo o aluno de Brueghel nessa área, Daniel Seghers (1590 - 1661), o superou apenas na amplitude e no luxo do layout decorativo, mas não na compreensão dos encantos das formas e cores iridescentes das cores individuais. De qualquer forma, as coroas de flores de Seghers nas Madonas de grandes pintores de figuras e suas raras imagens independentes de flores, como um vaso de prata em Dresden, revelam a luz clara e fria de execução incomparável. Antuérpia no século XVII é o principal local da pintura holandesa de flores e frutas, mas deve isso não tanto aos mestres locais quanto ao grande utrechtiano Jan Davids de Gey (1606 - 1684), que se mudou para Antuérpia e criou sua filho Cornelis, que nasceu em Leiden.de Gay (1631 - 1695), mais tarde também mestre de Antuérpia. Mas são eles, os maiores de todos os pintores de flores e frutas, que se distinguem pelo amor infinito pelos detalhes de acabamento e pelo poder da pintura, capazes de fundir internamente esses detalhes, como mestres dos holandeses, e não do tipo belga.

Vimos que havia conexões significativas entre a pintura flamenga e a arte holandesa, italiana e francesa. Os flamengos souberam apreciar a percepção direta e íntima dos holandeses, a patética elegância dos franceses, o luxo decorativo das formas e cores dos italianos, mas, deixando de lado desertores e fenômenos isolados, sempre permaneceram apenas um quarto de eles próprios em sua arte, por outro lado, eles eram internamente romanizados e externamente germânicos holandeses, que eram capazes de compreender e reproduzir a natureza e a vida com entusiasmo forte e impetuoso e, em um sentido decorativo, com humor.

Entre eles, você também pode ver um retrato de um dos mais famosos mestres da Flandres da época, Adrian Brauer. (1606-1632) , cujas pinturas foram colecionadas pelo próprio Rubens (havia dezessete deles em sua coleção). Cada obra de Brauer é uma pérola da pintura. O artista era dotado de um enorme talento colorístico. Escolheu como tema da sua obra o quotidiano dos pobres flamengos - camponeses, mendigos, vagabundos - enfadonho na sua monotonia e vazio, com o seu entretenimento miserável, por vezes perturbado por um surto de paixões animalescas. Brouwer continuou as tradições de Bosch e Brueghel na arte com sua rejeição ativa da miséria e feiúra da vida, a estupidez e a baixeza animal da natureza humana e, ao mesmo tempo, um grande interesse pela característica única. Ele não pretende desvendar diante do espectador um amplo pano de fundo da vida social. Sua força está na representação de situações específicas de gênero. Ele possui especialmente a habilidade de expressar em expressões faciais vários afetos de sentimentos e sensações experimentados por uma pessoa. Ao contrário de Rubens, van Dyck e até Jordans, ele não pensa em nenhum ideal e nobre paixão. Ele sarcasticamente observa a pessoa como ela é. No museu você pode ver sua pintura "Drinking Buddies", notável por sua delicada coloração de luz, transmitindo de forma impressionante a iluminação e as condições atmosféricas. A paisagem urbana miserável perto das muralhas, junto com os jogadores vagabundos, evoca uma melancolia de partir o coração. Esse estado de espírito do próprio artista, falando da desesperança monótona da existência, é certamente profundamente dramático.

Frans Hals

O departamento holandês de pintura é relativamente pequeno, mas contém pinturas de Rembrandt, Jacob Ruisdael, o Pequeno Holandês, mestres da paisagem, natureza morta e cenas de gênero. Curioso retrato do comerciante Willem Heithuissen, obra do grande artista holandês Frans Hals (1581/85-1666) . Heithuissen era um homem rico, mas tacanho e extremamente vaidoso. Rústico por natureza, procurava, no entanto, assemelhar-se aos nobres aristocratas pela elegância que a sua riqueza parecia poder adquirir. Hals é ridículo e alheio às reivindicações deste arrivista. Porque com tanta persistência, com certo sarcasmo, ele torna a imagem do retrato dupla. Primeiro notamos a pose relaxada de Heithuissen, seu terno ricamente elegante, seu chapéu de aba elegante e, em seguida, seu rosto inexpressivo, pálido, não mais jovem, com uma aparência monótona. A essência prosaica desse homem emerge, apesar de todos os truques para escondê-la. A inconsistência interna e a instabilidade da imagem são reveladas principalmente pela composição originalmente resolvida do retrato. Heithuissen, com um chicote na mão, como se depois de um passeio, senta-se em uma cadeira, que parece estar balançando. Essa pose sugere a rápida fixação do artista sobre o estado do modelo em um curto período de tempo. E a mesma postura dá à imagem um tom de relaxamento interior e letargia. Há algo de lamentável neste homem, que tenta esconder de si mesmo o inevitável definhamento, a vaidade dos desejos e o vazio interior.

Lucas Cranach

Na seção de pintura alemã do Museu de Bruxelas, chama a atenção o brilhante trabalho de Lucas Cranach, o Velho. (1472-1553) . Este é um retrato do Dr. Johann Schering datado de 1529. A imagem de um homem forte e obstinado é típica da arte do Renascimento alemão. Mas Cranach sempre capta as qualidades individuais da mente e do caráter e as revela na aparência física do modelo, nitidamente captado por sua singularidade. No olhar severo de Shering, em seu rosto pode-se sentir algum tipo de obsessão fria, rigidez e intransigência. Sua imagem seria simplesmente desagradável se a enorme força interior não evocasse um sentimento de respeito pelo caráter peculiar dessa pessoa. O virtuosismo da habilidade gráfica do artista é impressionante, transmitindo com tanta nitidez as feias grandes feições do rosto e muitos pequenos detalhes do retrato.

coleções italianas e francesas

A coleção de pinturas de artistas italianos pode despertar o interesse dos visitantes do museu, pois contém obras de Tintoretto, o grande pintor, o último titã do Renascimento italiano. "Execução de S. Marcos” é a tela de um ciclo dedicado à vida de um santo. A imagem é permeada de drama tempestuoso, pathos apaixonado. Não apenas as pessoas, mas também o céu em nuvens rasgadas e o mar revolto pareciam lamentar a morte de uma pessoa.

As obras-primas da coleção francesa são o retrato de um jovem de Mathieu Lenin e a paisagem de Claude Lorrain.

Na sua secção de arte antiga, encontram-se actualmente mais de mil e cem obras de arte, muitas das quais capazes de proporcionar um profundo prazer estético ao espectador.

Jacques Louis David

A segunda parte do Museu Real de Belas Artes - coleções de arte dos séculos XIX e XX. Eles contêm principalmente obras de mestres belgas. A obra mais marcante da escola francesa, guardada no museu, é a "Morte de Marat" de Jacques Louis David (1748-1825) .

David é um famoso artista da França, o chefe do classicismo revolucionário, cujas pinturas históricas desempenharam um papel importante no despertar da consciência cívica de seus contemporâneos nos anos anteriores à revolução burguesa francesa. A maioria das pinturas pré-revolucionárias do artista foi pintada sobre temas da história da Grécia e Roma Antigas, mas a realidade revolucionária forçou David a se voltar para o presente e encontrar nele um herói digno de ser um ideal.

“Maratu - David. Ano dois" - tal é a inscrição lacônica na foto. É percebido como um epitáfio. Marat - um dos líderes da Revolução Francesa - foi morto em 1793 (de acordo com o cálculo revolucionário no segundo ano) monarquista Charlotte Corday. "Amigo do povo" é retratado no momento da morte, imediatamente após o golpe. Uma faca ensanguentada é jogada perto do banho de cura onde ele trabalhava apesar do sofrimento físico. Um silêncio severo preenche a imagem, que soa como um réquiem para um herói caído. Sua figura é poderosamente esculpida com claro-escuro e comparada a uma estátua. A cabeça jogada e a mão caída pareciam congeladas em eterna paz solene. A composição impressiona pela severidade da seleção dos objetos e pela clareza dos ritmos lineares. A morte de Marat é percebida por David como um drama heróico do destino de um grande cidadão.

O belga François Joseph Navez tornou-se aluno de David, que viveu os últimos anos de sua vida no exílio e em Bruxelas. (1787-1863) . Até ao fim da vida, Navez manteve-se fiel à tradição criada pelo seu professor, sobretudo no retrato, embora tenha introduzido neste género um toque de interpretação romântica da imagem. Uma das famosas obras do artista “Retrato da família Emptinn” foi escrita em 1816. O espectador transmite involuntariamente que o jovem e belo casal está unido por sentimentos de amor e felicidade. Se a imagem de uma mulher está cheia de calma alegria, então a masculina está repleta de algum mistério romântico e um leve tom de tristeza.

pintura belga dos séculos 19 e 20

Nos corredores do museu você pode ver as obras dos maiores pintores belgas do século XIX: Henri Leys, Joseph Stevens, Hippolyte Boulanger. Jan Stobbarts é presenteado com uma de suas melhores pinturas, Farm in Kreiningen, que retrata verdadeiramente o trabalho camponês na Bélgica. Embora o artista tenha sido autodidata, a pintura é soberbamente construída e de alta qualidade na pintura. Seu tema pode ter sido inspirado em O Retorno do Filho Pródigo, de Rubens. Stobbarts foi um dos primeiros pintores do século XIX a proclamar os princípios do realismo.

O início de sua carreira artística foi difícil. Acostumado ao conceito romântico da imagem artística, o público de Antuérpia rejeitou indignado suas pinturas verdadeiras. Esse antagonismo provou ser tão forte que Stobbarts acabou sendo forçado a se mudar para Bruxelas.

O museu tem vinte e sete telas do famoso artista belga Henri de Brakeleur. (1840-1888) , que era sobrinho e aluno de A. Leys, um destacado pintor histórico. Maior interesse na história nacional da Bélgica, suas tradições, modo de vida, cultura combinada em de Brakeler com algum estranho sentimento de amor, cheio de leve arrependimento e saudade do passado. Suas cenas de gênero são permeadas de lembranças do passado, seus personagens lembram pessoas de séculos passados, estando rodeados de antiguidades e objetos. Na obra de de Brakelera há, sem dúvida, um elemento de estilização. Em particular, sua pintura "Geógrafo" se assemelha ao trabalho dos mestres holandeses do século XVII G. Metsu e N. Mas. Na fotografia vemos um velho sentado num banco de veludo do século XVII e imerso na contemplação de um velho cetim pintado.

Pintura de James Ensor (1860-1949) "Dama de Azul" (1881) carrega traços da forte influência do impressionismo francês. A escala pitoresca consiste em tons de azul, cinza-azulado e verde. Um traço vivo e livre transmite vibração e movimento do ar.

A interpretação pitoresca da imagem transforma o motivo cotidiano em uma cena poética. A percepção pictórica aguçada do artista, uma propensão à fantasia e um desejo constante de transformar o que vê em algo incomum também se refletem em suas brilhantes naturezas-mortas, cujo exemplo de maior sucesso é o Skat de Bruxelas. O peixe do mar é repulsivamente bonito com sua cor e forma rosa nítidas, como se estivesse embaçado diante dos olhos, e há algo desagradável e perturbador em seu olhar fascinantemente penetrante direcionado diretamente ao observador.

Ensor teve uma longa vida, mas a atividade da sua obra incide no período de 1879 a 1893. A ironia de Ensor, a rejeição dos traços feios da natureza humana com sarcasmo impiedoso, manifesta-se em inúmeras pinturas com máscaras de carnaval, que também podem ser vistas no Museu de Bruxelas. Sem dúvida a sucessiva ligação de Ensor com a arte de Bosch e Brueghel.

O melhor colorista e escultor mais talentoso que morreu na Primeira Guerra Mundial, Rick Wauters (1882-1916) representados no museu como pinturas e esculturas. O artista experimentou a influência mais forte de Cézanne, juntou-se à corrente do chamado "fauvismo de Brabante", mas mesmo assim tornou-se um mestre profundamente original. Sua arte temperamental é permeada por um amor apaixonado pela vida. Em A Dama do Colar Amarelo, reconhecemos sua esposa, Nel, empoleirada em uma poltrona. O som festivo da cor amarela das cortinas, o vermelho - xadrez xadrez, as guirlandas verdes no papel de parede, o azul - do vestido evoca uma sensação de alegria de ser, cativando toda a alma.

O museu abriga várias obras do notável pintor belga Permeke (1886-1952) .

Constant Permeke é amplamente considerado o chefe do expressionismo belga. A Bélgica foi o segundo país depois da Alemanha onde esta tendência ganhou grande influência no meio artístico. Os heróis de Permeke, principalmente pessoas do povo, são retratados com grosseria deliberada, o que, segundo o autor, deve revelar sua força e poder naturais. Permeke recorre à deformação, uma paleta de cores simplificada. No entanto, em seu "Noivo" sente-se uma espécie de monumentalização, embora imagens primitivas, um desejo de revelar o caráter e a relação de um marinheiro e sua namorada.

Entre os mestres da tendência realista do século XX, destacam-se Isidore Opsomer e Pierre Polus. O primeiro é conhecido como um pintor de retratos maravilhoso ("Retrato de Jules Deste"), o segundo - como um artista que, como C. Meunier, dedicou sua obra a retratar a difícil vida dos mineiros belgas. As salas do museu também apresentam obras de artistas belgas pertencentes a outras tendências da arte contemporânea, principalmente surrealismo e abstracionismo.

Bélgica Artistas da Bélgica (artistas belgas)

Reino da Bélgica

“Pintura belga contemporânea. Artistas da Bélgica»

Artistas da Bélgica e contemporâneos.

Bélgica!
Bélgica! País da Bélgica!
Bélgica! Estado da Bélgica!
Bélgica! O nome oficial do estado belga é Reino da Bélgica!

Bélgica! O Reino da Bélgica é um estado no noroeste da Europa.
Bélgica! O Reino da Bélgica é membro da União Europeia (UE), das Nações Unidas (ONU) e do bloco militar do Atlântico Norte (NATO).
Bélgica! O Reino da Bélgica cobre uma área de 30.528 km².
Bélgica! Reino da Bélgica! Hoje, mais de 10 milhões de pessoas vivem no reino. A grande maioria da população belga é urbana - aproximadamente 97% já em 2004.
Bélgica! Reino da Bélgica! A capital do reino belga é a cidade de Bruxelas.
Bélgica! Reino da Bélgica! A Bélgica faz fronteira com a Holanda ao norte, Alemanha a leste, Luxemburgo a sudeste e França ao sul e oeste. O Reino da Bélgica no noroeste tem acesso ao Mar do Norte.
Bélgica! Reino da Bélgica! A forma de governo na Bélgica é uma monarquia parlamentar constitucional, a forma de estrutura administrativo-territorial é uma federação.

Bélgica História da Bélgica
Pré-história da Bélgica
Bélgica História da Bélgica Os vestígios mais antigos da presença de hominídeos no território da futura Bélgica foram encontrados na colina de Allambe, nas proximidades do Monte Saint-Pierre (Sint-Petersberg), na província de Liege, e datam de cerca de 800 mil anos atrás.
Bélgica História da Bélgica No período 250-35 mil anos aC. e. o território da Bélgica era habitado por neandertais, principalmente nas províncias de Liege e Namur.
Bélgica História da Bélgica Por volta de 30.000 AC. e. Os Neandertais estão desaparecendo, expulsos pelos Cro-Magnons. A última glaciação nesta área terminou por volta de 10.000 AC. e. Naquela época, o nível do mar nesses locais era significativamente mais baixo do que atualmente, então havia uma conexão terrestre entre a Bélgica e a moderna Inglaterra, que mais tarde desapareceu.
Bélgica História da Bélgica Durante o período neolítico, o silício foi extraído ativamente na Bélgica, como evidenciado pela mina pré-histórica de Spienne.
Bélgica História da Bélgica Os primeiros sinais da Idade do Bronze na Bélgica datam de cerca de 1750 aC. e.
Bélgica História da Bélgica Desde o século V aC. e. e antes do início e. na Bélgica, floresce a cultura gaulesa La Tène, mantendo laços comerciais e culturais com o Mediterrâneo. A partir daqui, as tribos de língua gaulesa expandiram para o leste, até a Ásia Menor. A própria palavra "Bélgica" vem do nome da tribo gaulesa belgas, que habitou este país no início de nossa era. Entre as tribos que habitavam o território da Bélgica, Eburons, Aduatics, Nervii, Menaps são conhecidos de fontes históricas.

Bélgica História da Bélgica
Bélgica período romano
Bélgica História da Bélgica em 54 AC. e. o território da Bélgica moderna foi conquistado pelas tropas do imperador romano Júlio César e incluído na província romana da Gália.
Bélgica História da Bélgica Após a queda do Império Romano do Ocidente, no século V, a província romana da Gália foi conquistada pelas tribos germânicas dos francos.

Bélgica História da Bélgica
Bélgica História da Bélgica antes da independência
Bélgica História da Bélgica Na Idade Média, a Bélgica fazia parte do Ducado da Borgonha.
Bélgica História da Bélgica 1477-1556 Durante este período, o casamento dinástico de Maria da Borgonha trouxe a possessão da Borgonha para o Sacro Império Romano.
Bélgica História da Bélgica 1556-1713 durante esses anos o território da Bélgica moderna estava sob o controle da Espanha. A Guerra dos Trinta Anos marcou o início da separação dos territórios belgas da Holanda protestante.
Bélgica História da Bélgica 1713-1792 O território da Bélgica moderna foi incorporado ao Sacro Império Romano como Holanda Austríaca.
Bélgica História da Bélgica 1792-1815 O território da Bélgica moderna ficou sob o controle da França.
Bélgica História da Bélgica 1815-1830 O território da Bélgica moderna foi incluído, de acordo com a decisão do Congresso de Viena, no Reino dos Países Baixos Unidos. No entanto, muitos na Bélgica estavam insatisfeitos com a unificação forçada com a Holanda (principalmente a população francófona e o clero católico, que temiam o fortalecimento do papel da língua holandesa e da confissão protestante, respectivamente).

Bélgica História da Bélgica
Bélgica Revolução Belga Estado Belga
Bélgica História da Bélgica Em 1830, como resultado da revolução belga, a Bélgica retirou-se do reino holandês. Em 1830, o proclamado Reino da Bélgica recebeu pela primeira vez seu status de estado independente.
Bélgica História da Bélgica O Reino da Bélgica após a independência começou a desenvolver intensamente sua economia. Por exemplo, a Bélgica se tornou o primeiro país da Europa continental, onde a ferrovia Mechelen-Bruxelas foi construída em 1835.
Bélgica História da Bélgica A Bélgica sofreu muito durante a Primeira Guerra Mundial. Os belgas ainda chamam esta guerra de "Grande Guerra". Embora a maior parte da Bélgica estivesse ocupada, durante a guerra, as tropas belgas e britânicas mantiveram uma pequena parte do país, imprensada entre o Mar do Norte e o rio Yser.
Bélgica História da Bélgica A história da cidade belga de Ypres é especialmente trágica - durante a guerra foi quase completamente destruída. Aqui, perto da cidade de Ypres, pela primeira vez na história das guerras, foi usado gás venenoso (cloro). E o gás mostarda aplicado dois meses depois recebeu o nome desta cidade.
Bélgica História da Bélgica Em 3 de abril de 1925, foi concluído um acordo entre a Bélgica e a Holanda para revisar o tratado de 1839. Cancelamento da longa neutralidade da Bélgica e desmilitarização do porto de Antuérpia.
Bélgica História da Bélgica Segunda Guerra Mundial (1940-1944). Durante a Segunda Guerra Mundial, os alemães ocuparam a Bélgica. O governo belga foge para a Inglaterra e o rei Leopoldo III é deportado para a Alemanha, ao assinar o ato de rendição em 28 de maio de 1940. Durante a ocupação alemã na Bélgica, o regime de administração militar alemã é introduzido sob o comando do general von Falkenhausen.
Bélgica História da Bélgica A libertação da Bélgica das tropas alemãs começa em 3 de setembro de 1944, com a entrada das tropas britânicas em Bruxelas. 11 de fevereiro de 1945 A Bélgica inicia seu próprio governo.

Bélgica História da Bélgica
Bélgica Reino da Bélgica História moderna da Bélgica
Bélgica História da Bélgica 4 de abril de 1949 O Reino da Bélgica se junta à OTAN.
Bélgica História da Bélgica Em 1957, o Reino da Bélgica aderiu à Comunidade Económica Europeia (CEE).

Bélgica cultura belga

Bélgica Cultura da Bélgica Uma característica da vida cultural da Bélgica é a ausência de um único campo cultural.
Bélgica Cultura da Bélgica De fato, a vida cultural no reino belga concentra-se nas comunidades linguísticas. Não há televisão nacional, jornais ou outros meios de comunicação na Bélgica.

Bélgica Cultura da Bélgica Arte da Bélgica
Bélgica Arte Belga
Bélgica Já no Renascimento, a Flandres tornou-se famosa pela sua pintura (primitivos flamengos).
Bélgica Mais tarde, o famoso artista Rubens viveu e trabalhou na Flandres (na Bélgica, a cidade de Antuérpia ainda é frequentemente chamada de cidade de Rubens). Na segunda metade do século XVII, no entanto, a arte flamenga havia declinado gradualmente.
Bélgica A nova ascensão da arte pictórica na Bélgica pertence aos períodos do Romantismo, Expressionismo e Surrealismo. Artistas belgas mundialmente famosos: James Ensor (expressionismo e surrealismo), Constant Permeke (expressionismo), Leon Spilliart (simbolismo).
Bélgica O artista mais famoso da Bélgica é, sem dúvida, René Magritte, considerado um dos mais importantes expoentes do surrealismo.
Bélgica 02 de junho de 2009 em Bruxelas, no complexo dos Museus Reais de Belas Artes abriu um novo museu do artista surrealista belga Rene Magritte (1898-1967). A exposição inclui cerca de 250 obras. O novo museu se tornou a maior exposição de pinturas de René Magritte do mundo.

Bélgica Cultura da Bélgica Arte da Bélgica
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Bélgica! Artistas da Bélgica (pintores e escultores belgas), pintores belgas (mestres belgas da pintura) são bem conhecidos em todo o mundo e criam belas pinturas. O trabalho dos artistas belgas é muito diversificado. Artistas belgas (pintores belgas) costumam exibir suas obras em exposições internacionais em todo o mundo, inclusive na Rússia.

Bélgica! Artistas da Bélgica (artistas belgas) apoiam adequadamente as tradições históricas da escola belga de pintura.
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