Lapin I.L., Golubovich N.V.: Literatura Estrangeira. literatura do seculo 17

Literatura estrangeira dos séculos XVII-XVIII
Século XVII no desenvolvimento literário mundial.

O processo literário na Europa do século XVII é muito complexo e contraditório. O século XVII é a época que marcou a transição do Renascimento para o Iluminismo, e isso determinou as características do desenvolvimento histórico e cultural nos países europeus, a posição da reação católica feudal foi fortalecida e isso causou uma crise do humanismo renascentista, expresso com mais força na arte barroca.

O barroco como estilo é formado não apenas na literatura, mas também na pintura e na música. Como tendência literária, o barroco tem uma série de princípios filosóficos e artísticos gerais.

O Barroco parte da polêmica concepção do homem em relação às tradições renascentistas. Uma criatura fraca e frágil, uma pessoa, como acreditavam os escritores barrocos, está condenada a vagar no trágico caos da vida. Uma concepção profundamente pessimista do ser conduz a literatura barroca a ideais religiosos ascéticos.

O barroco cria uma teoria elitista da arte, afirma um estilo ornamental metafórico especial. Baseados na ideia de desarmonia do mundo, os escritores barrocos, tentando expressar a ideia de desarmonia no próprio sistema figurativo da obra, se deixam levar por contrastes semânticos e pictóricos. Os princípios barrocos foram incorporados de maneira mais vívida na obra do grande dramaturgo espanhol P. Calderon.

No barroco europeu, duas correntes são formadas - alta e popular, ou democrática, barroca. Às ideias elitistas, a retórica sublime do alto barroco, representada pelo teatro de P. Calderon, a poesia de L. de Gongora, D. Donne, o romance pastoral e galante-heroico, o barroco popular opõe o estilo cômico burlesco, que em muitos aspectos parodia conscientemente as imagens sublimes (essas tendências foram mais claramente expressas em um romance picaresco do século XVII).

Outra tendência literária do século XVII foi o classicismo, que recebeu um florescimento especial na França. É preciso lembrar que as origens do classicismo remontam à estética do Renascimento, que criou o culto da antiguidade como foco do ideal artístico. Classicismo refletiu a ascensão da consciência nacional da sociedade francesa. No primeiro terço do século XVII, uma monarquia absoluta estava sendo estabelecida na França, o que levou à eliminação das lutas civis feudais e à formação de um único estado centralizado. Este processo historicamente progressivo cria os pré-requisitos objetivos para o desenvolvimento do classicismo. As ideias de R. Descartes, o criador da escola filosófica racionalista, tiveram um impacto profundo na estética do classicismo.

Em seu desenvolvimento, o classicismo do século XVII passou por duas etapas principais. Na primeira metade do século XVII, afirmou as elevadas ideias de cidadania e heroísmo, que se reflectiram nas tragédias políticas de P. Corneille.

Na segunda metade do século XVII, após os trágicos acontecimentos da Fronda, os motivos trágicos se aprofundaram no classicismo. O classicismo criou uma teoria estética coerente, que foi completada no tratado "Poetic Art" de N. Boileau. Os classicistas desenvolveram uma teoria normativa da arte, incluindo uma clara diferenciação entre "alto" e "baixo", cânones estritos de gênero e estilo. A atitude racionalista determinou o conceito de homem, as características do conflito nas obras clássicas. Ao mesmo tempo, os classicistas defendiam o princípio da "imitação da natureza", da "verossimilhança razoável", que lhes permitia recriar nas suas obras os traços típicos da vida social do século XVII.
^ Século XVII no desenvolvimento literário mundial

É difícil separar o Renascimento da história e da cultura do século XVII. No início do século XVII, os luminares do Renascimento continuaram a criar. A transição entre as eras é muito suave e dura várias gerações. A mesma coisa acontece nos limites superiores do período. Séculos XVII - XVIII - uma época fundamental para o desenvolvimento da cultura europeia moderna. Nesta era, os estados do tipo moderno são criados. Na França, sob a influência da cultura do classicismo, são criadas as normas da literatura e da linguagem, que se enraizaram até o século XX. O movimento iluminista e a literatura racionalista tiveram uma função reguladora semelhante na Inglaterra.

O Renascimento é uma era de otimismo social, a descoberta do universo e das capacidades humanas. O sistema social se torna mais dinâmico, as possibilidades da personalidade e do destino humano se abrem. Há uma crença na superação de obstáculos sociais em diversas áreas. O ideal do homem renascentista é tipologicamente semelhante em diferentes culturas. O ideal universal incorporava a trindade de beleza, bondade e verdade. Mas já no final do Renascimento, no século XVI, esse ideal começa a abalar. No século XVI, há guerras religiosas, a luta dos estados pelas colônias, a competição na arena européia. Uma única cultura europeia está sendo abalada. A influência generalizadora da origem latina se perde. Aparece uma cultura nacional e criam-se diferentes tipos de Estados: o burguês (revolução na Holanda e na Inglaterra), que surgiu como resultado do processo de refudalização, um retorno às velhas relações sociais (Espanha, Alemanha, Itália). Na Alemanha, reinava o "absolutismo anão", o estado estava em estado de fragmentação. A situação foi agravada pela Guerra dos Trinta Anos, ocorrida no século XVI. Na França, houve um movimento gradual em direção ao capitalismo. A França daquela época é uma das principais potências europeias. Ela é considerada um clássico para a literatura da época. Ele manifesta mais claramente as tendências de centralização: as diferenças regionais desaparecem, o centro se fortalece, um único sistema legal e cultural é criado - e o absolutismo (o papel exclusivo do poder real).

No século XVII, surge o conceito de poder. O poder torna-se uma força transpessoal que não pode ser controlada. O filósofo inglês Hobbes imaginou o estado na forma do monstro Leviatã, que tudo controla, exige submissão e age com métodos severos. Há uma unificação completa da vida, submissão ao rei. A categoria de gerenciabilidade torna-se a principal da época. Na Europa, existem rituais que controlam a vida cultural e social, a etiqueta é introduzida. Na era de Luís XIV, a etiqueta era exagerada. O rígido controle estatal torna-se uma força restritiva. Ocorrem revoluções, seguidas pela ditadura e a subsequente restauração da monarquia.

Durante o século XVII, um novo ideal religioso estava sendo formado. Há uma busca de um Deus "pessoal", sua abordagem da vida cotidiana. A burguesia pressupõe a iniciativa pessoal. A personificação dessa busca é a Reforma em suas manifestações extremas (puritanismo, calvinismo). O lado ritual é descartado e a fé nua permanece. O postulado básico do protestantismo é a prova individual de que você é digno da salvação divina. O conteúdo da época é também o movimento de contra-reforma, que se desenvolve especialmente na Espanha e na Itália. Segundo os contra-reformadores, Deus é relegado ao empíreo, age como uma força cega e irracional. A portadora desta fé é a Igreja, também ela relegada ao empíreo. Esta estratégia é implementada pela ordem dos jesuítas, cujo slogan é “Os fins justificam os meios”.

O século 17 é um ponto de virada, quando os valores humanos estão mudando catastroficamente. Os símbolos da época são buscas sem fim, confiança em categorias irracionais e rebeldia, o tumulto da própria vontade. O homem da época busca apoio na busca. Esse apoio se torna razão ou sentimento. Verdade, bondade e beleza começam a existir separadamente uma da outra. Como resultado, surgem duas tendências opostas: o racionalismo e o irracionalismo, respectivamente.

O sintoma mais distinto do racionalismo é a ascensão da ciência. Nas pesquisas sobre o empirismo, surge o problema do método, aproximando a ciência da literatura (Rene Descartes, Spinoza, Hobbes). Essas pesquisas científicas encontram sua continuação até o século XX.

O reverso dessas buscas é o irracionalismo. O irracionalismo duvida das possibilidades do conhecimento humano. Ele procura identificar áreas do desconhecido, para mostrar a diversidade e o jogo dos fenômenos. No irracionalismo, destaca-se a categoria de conceito - a convergência de categorias diferentes, mas misticamente relacionadas. A metáfora se desenvolve a partir do conceito. A literatura desta época é metafórica. A escolha entre verdades particulares depende da própria vontade.

Um dos universais da época é uma sensação de crise, um ponto de inflexão, uma reavaliação dos ideais do Renascimento. A literatura da época é polêmica e propagandística. O ideal do Renascimento é tentar restaurá-lo ou negá-lo. Há também uma rejeição do princípio da harmonia. No século XVII, há uma instalação nas categorias dominantes. A dialética é determinada pela unidade e luta dos opostos: a interação de razão e sentimentos, personalidade e sociedade. A era barroca está interessada em processos pessoais. O humanismo está mudando - torna-se "humanismo apesar de". O valor de uma pessoa não é estabelecido inicialmente, é adquirido. Outra característica da época é o analyticism, uma abordagem de pesquisa. Um método é desenvolvido para desmembrar a realidade em detalhes e sua combinação inesperada. A era busca amplos panoramas épicos. Os escritores enfatizam a centralização da ideia. Graças à descoberta da ideia, há uma interação entre a criatividade jornalística e artística. A própria ideia em um texto literário é revelada através do pathos e da lógica. A lógica organiza a composição, a ligação das partes. Uma das principais questões da época é a verdade e a credibilidade. Há uma busca por critérios de verdade.
^ Literatura barroca (descrição geral).

Escritores e poetas da era barroca percebiam o mundo real como uma ilusão e um sonho. Descrições realistas eram frequentemente combinadas com sua representação alegórica. Símbolos, metáforas, técnicas teatrais, imagens gráficas (linhas de poesia formam uma imagem), saturação com figuras retóricas, antíteses, paralelismos, gradações, oxímoros são amplamente utilizados. Existe uma atitude satírica burlesca em relação à realidade. A literatura barroca caracteriza-se pelo desejo de diversidade, de somatória de conhecimentos sobre o mundo, inclusão, enciclopedismo, que por vezes se transforma em caos e colecionismo de curiosidades, vontade de estudar o ser em seus contrastes (espírito e carne, escuridão e luz, tempo e eternidade). A ética barroca é marcada pela ânsia do simbolismo da noite, tema da fragilidade e impermanência, sonho de vida (F. de Quevedo, P. Calderon). A peça de Calderon "A vida é um sonho" é bem conhecida. Gêneros como o romance galante-heróico (J. de Scudery, M. de Scudery), o romance da vida real e satírico (Furetière, C. Sorel, P. Scarron) também estão se desenvolvendo. No quadro do estilo barroco, nascem as suas variedades e direções: Marinismo, Gongorismo (Culteranismo), Conceptismo (Itália, Espanha), Escola Metafísica e Eufuísmo (Inglaterra) (Ver Literatura Precisa).

As ações dos romances são frequentemente transferidas para o mundo fictício da antiguidade, para a Grécia, cavaleiros e damas da corte são retratados como pastoras e pastoras, que são chamadas de pastorais (Honoré d'Urfe, "Astrea"). A poesia floresce a pretensão, o uso de metáforas complexas. Formas comuns como soneto, rondo, concetti (um poema curto que expressa algum pensamento espirituoso), madrigais.

No oeste, no campo do romance, um representante destacado é G. Grimmelshausen (o romance "Simplicissimus"), no campo do drama - P. Calderon (Espanha). V. Voiture (França), D. Marino (Itália), Don Luis de Gongora y Argote (Espanha), D. Donne (Inglaterra) tornaram-se famosos na poesia. Na Rússia, a literatura barroca inclui S. Polotsky, F. Prokopovich. Na França, a "literatura preciosa" floresceu durante esse período. Foi então cultivado principalmente no salão de Madame de Rambouillet, um dos salões aristocráticos de Paris, o mais elegante e famoso. Na Espanha, a tendência barroca na literatura foi chamada de "gongorismo" em homenagem ao representante mais proeminente (veja acima).
literatura barroca (características gerais).

os universais da época aparecem no barroco e no classicismo. Na literatura europeia, o classicismo é apresentado como uma versão simplificada do barroco; na literatura russa, o barroco e o classicismo são considerados diferentes movimentos artísticos. Mas na obra de um escritor, essas duas tendências podem convergir. Na Espanha, o barroco ocupava uma posição dominante. Sua estética e poética foram desenvolvidas por representantes da escola Lope de Vega. O classicismo ali se desenvolveu apenas teoricamente. Na Inglaterra, nenhum dos métodos era dominante, pois as tradições do Renascimento eram fortes ali. Somente em meados do século as características clássicas cresceram na arte inglesa (teoria de Ben Jonson), mas não criaram raízes neste país. O barroco popular está se desenvolvendo na Alemanha, cujos gêneros preferidos são o drama sangrento e o romance picaresco. O classicismo torna-se o método fundamental na França, mas as tendências barrocas também aparecem aqui. Junto com o clássico, há também a literatura de salão, a poesia dos libertinos.

O barroco é realizado não apenas na literatura. Inicialmente, teve destaque na arquitetura (as obras de Bernini, as fontes de Versalhes). Na música, o barroco foi representado pelas obras de Bach e Handel, na pintura de Ticiano e Caravaggio, na literatura de Jean-Baptiste Marino e Calderon. O barroco está intimamente relacionado com o Renascimento. Yu.B. Wipper fala do maneirismo, o humanismo trágico do final do Renascimento. Esta é uma saída para espaços alegóricos com conflitos filosóficos que demonstram a fé no homem e a tragédia da existência humana.

A própria palavra "barroco" não tem uma explicação exata. Este termo refere-se a uma ampla gama de fenômenos. O barroco, por definição, não tem cânones. O cânone é individual, a diversidade reina aqui.
Configurações de visão de mundo do barroco:
1. Sentir a natureza contraditória do mundo, a falta de formas estabelecidas, a luta sem fim. A tarefa do autor é capturar a realidade em sua variabilidade.

2. Tom emocional pessimista. Vem da fragmentação, da dualidade do mundo. Na literatura dessa tendência, o motivo do duplo é frequentemente encontrado.

3. Motivos principais - a luta da carne e do espírito, o visível e o real. Um tema favorito é a luta entre a vida e a morte. Os autores barrocos costumam retratar uma pessoa em seus estados limítrofes (sono, doença, loucura, um banquete durante uma praga).

4. Teatralidade, jogo, experiências de heróis com a vida, atitude reverente para com as alegrias terrenas, admirando as pequenas coisas da vida. As obras barrocas exibem um caleidoscópio da vida.

5. O herói barroco é um individualista completo. Esta é uma criatura brilhante, mas inicialmente cruel que precisa expiar seus pecados, ou uma pessoa que é inicialmente gentil, mas desfigurada pelas circunstâncias da vida. O segundo tipo de herói procura escapar do mundo para a criatividade ou criando utopias de vida.
A estética barroca é exposta nos tratados Wit or the Art of a Quick Mind (Balthasar Grassian) e Aristóteles's Spyglass (Emmanuel Tesauro). A arte do ponto de vista do barroco é criatividade subjetiva. Não expressa a verdade, mas cria uma ilusão, obedecendo à vontade do autor. A tarefa do escritor é a transformação da realidade. A fuga do pensamento deve ser exagerada. Os autores barrocos estão interessados ​​\u200b\u200bem tudo o que é incomum. Conhecendo o inédito, o leitor pode se surpreender. A principal ferramenta artística é a metáfora. A metáfora se cruza com a amplificação - o exagero. O mesmo objeto é girado de lados diferentes.
^ Características da literatura inglesa do século XVII.

A primeira metade do século XVII foi marcada na Inglaterra pelo florescimento da poesia barroca, representada principalmente pela escola de poetas metafísicos. Um dos poetas mais talentosos dessa direção, que abriu novos horizontes à poesia européia dos tempos modernos, foi John Donne (1572 - 1631), cuja obra é recomendada para o conhecimento dos alunos. A revolução burguesa inglesa (1640-1650) teve uma influência decisiva no desenvolvimento da literatura inglesa no século XVII. Foi realizada sob slogans religiosos puritanos, que determinaram as especificidades do pensamento artístico da época.

A atenção principal no estudo da literatura inglesa do século XVII deve ser dada à obra de D. Milton (1608 - 1674). Destacado publicitário revolucionário, Milton refletiu em seus poemas os conflitos políticos mais prementes de nosso tempo. Seu poema "Paradise Lost" é uma tentativa de compreensão sociofilosófica do desenvolvimento do mundo e da humanidade como um todo. No mundo artístico do poema combinam-se organicamente tendências barrocas e classicistas, o que deve ser notado ao analisá-lo.

Enviar seu bom trabalho na base de conhecimento é simples. Use o formulário abaixo

Alunos, alunos de pós-graduação, jovens cientistas que usam a base de conhecimento em seus estudos e trabalhos ficarão muito gratos a você.

Hospedado em http://www.allbest.ru/

Literatura estrangeira do século XVII

Principais movimentos literários

O século XVII foi interpretado durante quase toda a metade do século XX como a “era do classicismo”. Todos os fenômenos artísticos emergentes da categoria do classicismo foram considerados ou como obras artisticamente imperfeitas (na crítica literária estrangeira, por excelência), ou como criações realistas, as mais importantes na perspectiva do desenvolvimento literário (na crítica literária soviética). Uma peculiar moda barroca que surgiu na ciência ocidental nas décadas de 30-40 do século XX e está se espalhando cada vez mais, inclusive a nossa, deu vida ao fenômeno oposto, quando o século XVII se transformou na “era barroca” e o classicismo começou a ser considerada uma variante da arte barroca na França, de modo que, nos últimos tempos, o estudo do classicismo talvez exija mais esforço e coragem científica do que o estudo do barroco.

Atenção especial deve ser dada ao problema do "realismo do século XVII". Este conceito foi muito popular em um determinado estágio do desenvolvimento da crítica literária doméstica: apesar da exigência proclamada em meados da década de 1950 por grandes e autorizados estudiosos literários de não usar o "realismo" como um conceito complementar e avaliativo, no entanto, os especialistas viram o desenvolvimento da literatura como uma espécie de "acumulação" de elementos de realismo, movimentos literários democráticos voluntariamente associados, literatura cômica e satírica popular, etc. com tendências realistas. Afirmações de que no processo literário do século XVII, o realismo participa de uma forma ou de outra. Veracidade artística, autenticidade e poder de persuasão de imagens, motivos, conflitos, etc. foram alcançados e incorporados de acordo com outras leis estéticas do que seria no realismo, um fenômeno da literatura do século XIX.

Boroque e Classicismo

Na ciência moderna, agora é praticamente universalmente reconhecido que as principais tendências literárias do século XVII foram o barroco e o classicismo. Seu desenvolvimento foi contraditório e desigual, entre as poéticas dessas tendências havia semelhanças e diferenças, influência mútua e controvérsia. O barroco e o classicismo se espalharam em graus variados em diferentes regiões e em diferentes estágios dentro dessa era histórica e literária.

Em primeiro lugar, detenhamo-nos nos pontos-chave do estudo da literatura barroca. É necessário entender a complexa etimologia do termo "barroco": os cientistas discutiram sobre isso desde o início dos anos 30 até meados dos anos 50 do nosso século. Deve-se lembrar também que os escritores a quem a ciência de hoje se refere ao movimento barroco não conheciam esse termo (pelo menos como literário) e não se autodenominavam escritores barrocos. A própria palavra "barroco" como termo na história da arte começou a ser aplicada a uma certa gama de fenômenos artísticos do século XVII apenas no século XVIII seguinte, e com uma conotação negativa. Assim, na "Enciclopédia" dos Iluministas franceses, a palavra "barroco" é usada com o significado de "estranho, bizarro, sem gosto". É difícil encontrar uma fonte linguística única para esse termo, porque a palavra foi usada, com nuances de significado, em italiano, em português e em espanhol. Deve-se enfatizar que, embora a etimologia não esgote o significado moderno desse conceito literário, ela permite captar algumas características da poética barroca (estranheza, inusitado, ambigüidade), correlaciona-se com ela, prova que o nascimento da terminologia na história da literatura, embora acidental, não é totalmente arbitrário, tem uma certa lógica.

A concepção do barroco como conceito terminológico não significa que não existam pontos discutíveis em sua interpretação hoje. Muitas vezes, esse termo recebe interpretações opostas de historiadores da cultura. Assim, uma certa parte dos pesquisadores coloca um conteúdo muito amplo no conceito de "barroco", vendo nele um certo estágio repetitivo no desenvolvimento do estilo artístico - o estágio de sua crise, "doença", levando a algum tipo de falha de gosto. O conhecido cientista G. Wölfflin, por exemplo, contrasta a arte "saudável" do Renascimento com a arte "doente" do Barroco. E. Ors distingue o chamado barroco helenístico, medieval, romanístico, etc. Em contraste com essa interpretação, a maioria dos estudiosos prefere uma compreensão histórica específica do termo "barroco". É essa interpretação da arte barroca que se tornou mais difundida na crítica literária russa. Mas mesmo entre nossos cientistas há divergências na análise da poética barroca, discussões sobre certos aspectos de sua teoria.

Você precisa saber que por muito tempo a interpretação do barroco em nosso país foi influenciada por seu conceito sociológico vulgar e francamente ideológico. Até agora, pode-se encontrar afirmações na literatura de que a arte do barroco é a arte da Contra-Reforma, que floresceu principalmente onde os círculos nobres prevaleceram sobre a burguesia, que expressa as aspirações estéticas da nobreza da corte etc. . Por trás disso está a crença no estilo “reacionário” do barroco: se os escritores dessa tendência são valorizados pela sofisticação formal do estilo, eles não podem perdoá-los por sua “inferioridade ideológica”. Este, aparentemente, é o significado da infame definição de barroco no livro didático de S.D. Artamonova: "Baroque é uma criança doentia, nascida de uma aberração de pai e de uma linda mãe." Assim, para uma compreensão verdadeiramente profunda e correta das características da literatura barroca, não são livros didáticos desatualizados que são especialmente necessários, mas novas pesquisas científicas.

Tentemos caracterizar brevemente os principais parâmetros da poética barroca, conforme aparecem nesses estudos, antes de recomendar a literatura adicional correspondente.

A importância que os cientistas, inclusive os russos, atribuem no estágio atual à cultura e à literatura do barroco às vezes leva à afirmação de que o barroco "não é um estilo, nem uma direção". Esse tipo de afirmação parece ser um extremo polêmico. O barroco, é claro, é um estilo artístico e um movimento literário. Mas é também um tipo de cultura, que não anula, mas inclui os significados anteriores deste termo. Deve-se dizer que o pathos geral do artigo de A.V. Mikhailov é muito importante, pois o barroco é muitas vezes percebido como um estilo no sentido estrito da palavra, ou seja, como a soma de dispositivos estéticos formais.

A atitude do homem barroco para com o mundo, o barroco como sistema artístico ainda é estudado, ao que parece, um pouco menos e pior. Como observou o conhecido especialista em barroco suíço J. Rousset, “a ideia de barroco é uma daquelas que nos escapa, quanto mais você a examina, menos a domina”. É muito importante entender como o objetivo e o mecanismo da criação artística são pensados ​​no barroco, qual é a sua poética, como ela se relaciona com a nova visão de mundo, a capta. Claro, A.V. está certo. Mikhailov, que enfatiza que o barroco é a cultura da “palavra pronta”, ou seja, uma cultura retórica que não tem saída direta para a realidade. Mas essa mesma ideia do mundo e do homem, passada pela “palavra pronta”, permite sentir a profunda mudança sócio-histórica que ocorreu na mente de uma pessoa do século XVII, refletida na crise de visão de mundo renascentista. É necessário traçar como o Maneirismo e o Barroco se relacionam a partir dessa crise, que faz com que o Maneirismo ainda faça parte do processo literário da literatura tardo-renascentista, e o Barroco o ultrapasse, incluindo o século XVII em uma nova etapa literária. Observações que permitem sentir a diferença entre Maneirismo e Barroco estão no excelente artigo de L.I. Tanaeva "Alguns Conceitos de Maneirismo e o Estudo da Arte da Europa Oriental nos Finais dos Séculos XVI e XVII".

A base filosófica da cosmovisão barroca é a noção da estrutura antinômica do mundo e do homem. É possível comparar alguns aspectos construtivos da visão barroca (a oposição entre corporal e espiritual, alto e baixo, trágico e cômico) com a percepção dualista medieval da realidade. Ressaltemos, no entanto, que as tradições da literatura medieval estão incluídas na literatura barroca de forma alterada e se correlacionam com uma nova compreensão das leis do ser.

Em primeiro lugar, as antinomias barrocas são uma expressão do desejo de dominar artisticamente a dinâmica contraditória da realidade, de transmitir em palavras o caos e a desarmonia da existência humana. A própria bookiness do mundo da arte barroca vem das ideias herdadas da Idade Média sobre o Universo como um livro. Mas para uma pessoa barroca, este livro é desenhado como uma enorme enciclopédia do ser e, portanto, as obras literárias do barroco também se esforçam para ser enciclopédias, para desenhar o mundo em sua totalidade e decomponibilidade em elementos separados - palavras, conceitos. Nas criações barrocas, podem-se encontrar as tradições do estoicismo e do epicurismo, mas esses opostos não apenas lutam, mas também convergem em um senso pessimista comum da vida. A literatura barroca expressa um senso de impermanência, variabilidade e natureza ilusória da vida. Atualizando a tese “a vida é um sonho” já conhecida na Idade Média, o barroco chama a atenção principalmente para a fragilidade dos limites entre sono” e “vida”, para a dúvida constante de uma pessoa se ela está em estado de sono ou acordado, a contrastes ou aproximações bizarras entre rosto e máscara. , "ser" e "parecer".

O tema da ilusão, da aparência, é um dos mais populares da literatura barroca, muitas vezes recriando o mundo como um teatro. Deve-se esclarecer que a teatralidade do barroco se manifesta não apenas na percepção dramática dos altos e baixos da vida externa de uma pessoa e de seus conflitos internos, não apenas no confronto antinômico entre as categorias de rosto e máscara, mas em uma predileção por uma espécie de estilo artístico demonstrativo, decoratividade e esplendor dos meios visuais, seu exagero. É por isso que o barroco às vezes é justamente chamado de arte da hipérbole, eles falam do domínio na poética barroca do princípio do desperdício de meios artísticos. Deve-se atentar para a natureza polissemântica do mundo e da linguagem, a interpretação multivariada de imagens, motivos, palavras na literatura barroca. Por outro lado, não se deve perder de vista que o barroco combina e expressa o emocional e o racional na poética de suas obras, possui uma certa “extravagância racional” (S.S. Averintsev). A literatura barroca não só não é alheia, mas organicamente inerente a um didatismo profundo, mas esta arte procurou, acima de tudo, emocionar e surpreender. É por isso que é possível encontrar entre as obras literárias do barroco aquelas em que as funções didáticas não se expressam de maneira direta, o que é muito facilitado pela rejeição da linearidade na composição, pelo desenvolvimento do conflito artístico (é assim que surgem labirintos barrocos espaciais e psicológicos), um complexo sistema ramificado de imagens e a natureza metafórica da linguagem.

Sobre as especificidades do metaforismo no barroco, encontramos observações importantes em Yu.M. Lótman: "... aqui nos deparamos com o fato de que os tropos (os limites que separam um tipo de tropos de outros adquirem um caráter excepcionalmente instável nos textos barrocos) não são uma substituição externa de alguns elementos do plano de expressão por outros, mas uma forma de formar uma estrutura especial de consciência. " A metáfora no barroco não é apenas um meio de embelezar a narrativa, mas um ponto de vista artístico particular.

Também é necessário aprender as características do sistema de gênero barroco. Os gêneros mais característicos que se desenvolvem de acordo com essa tendência literária são a poesia pastoral, as pastorais dramáticas e o romance pastoral, as letras filosóficas e didáticas, a satírica, a poesia burlesca, o romance cômico, a tragicomédia. Mas atenção especial deve ser dada a um gênero como o emblema: ele incorpora as características mais importantes da poética barroca, seu alegorismo e enciclopedismo, uma combinação de visual e verbal.

Sem dúvida, deve-se conhecer as principais correntes ideológicas e artísticas dentro do movimento barroco, mas é preciso alertar contra uma interpretação sociológica estreita dessas correntes. Assim, a divisão da literatura barroca em “alta” e “baixa”, embora se correlacione com os conceitos de barroco “aristocrático” e “democrático”, não se resume a eles: afinal, na maioria das vezes o apelo à poética de a ala “alta” ou “popular” do barroco não é ditada pela posição social do escritor ou por suas simpatias políticas, mas é uma escolha estética, muitas vezes guiada pela tradição do gênero, pela hierarquia estabelecida dos gêneros e, às vezes, conscientemente oposta a esta tradição. Pode-se facilmente constatar, analisando a obra de muitos escritores barrocos, que eles, por vezes, criaram obras de “alto” e “baixo” quase simultaneamente, recorrendo voluntariamente à contaminação de enredos “seculares-aristocráticos” e “democráticos”, introduzidos no sublime Versão barroca do mundo artístico do burlesco, personagens reduzidos e vice-versa. Portanto, os pesquisadores que sentem que no barroco "o elitista e o plebeu constituem lados diferentes do mesmo todo" têm toda a razão. Dentro da direção barroca, como vocês podem ver, há uma divisão ainda mais fracionária. É preciso ter uma ideia das características de fenômenos como o cultismo e o conceptismo na Espanha, o marinismo na Itália, a literatura libertina na França e a poesia dos metafísicos ingleses. Particular atenção deve ser dada ao conceito de “precisão” aplicado aos fenômenos do barroco na França, que é interpretado incorretamente tanto em nossos livros didáticos quanto em trabalhos científicos. Tradicionalmente, “precisão” é entendida pelos especialistas nacionais como sinônimo da literatura do barroco “aristocrático”. Enquanto isso, os estudos ocidentais modernos sobre esse fenômeno não apenas esclarecem suas raízes sócio-históricas (a precisão surge não na corte aristocrática, mas principalmente no ambiente urbano, salão burguês-nobre), o quadro cronológico - meados dos anos 40 - anos 50 XVII século (assim, por exemplo, o romance de Jurfe "Astrea" (1607-1627) não pode ser considerado preciso), mas também revela sua especificidade artística como um tipo especial de criatividade classicista-barroca, baseada na contaminação dos princípios estéticos de ambas as direções.

Recorde-se ainda a evolução do barroco ao longo do século XVII, o seu movimento relativo desde a “materialidade” do estilo herdado do Renascimento, o pitoresco e o colorido dos pormenores empíricos até ao reforço da generalização filosófica, do imaginário simbólico e alegórico , intelectualidade e psicologismo refinado (cf., por exemplo, barroco os romances picarescos do início do século XVII na Espanha com o romance filosófico espanhol de meados do século, ou a prosa de C. Sorel e Pascal na França, ou os escritos poéticos de o antigo Donne com a poesia de Milton na Inglaterra, etc.). Também é importante sentir a diferença entre as variantes nacionais do barroco: sua agitação especial, tensão dramática na Espanha, um grau significativo de análise intelectual que aproxima o barroco e o classicismo na França etc.

É necessário considerar outras perspectivas para o desenvolvimento das tradições barrocas na literatura. De particular interesse neste aspecto é o problema da relação entre o barroco e o romantismo. Os artigos listados na lista de referências ajudarão a se familiarizar com o nível moderno de solução desse problema. O problema de estudar as tradições do barroco no século XX também é relevante: quem se interessa pela literatura estrangeira moderna pode facilmente encontrar entre suas obras aquelas cuja poética ecoa claramente o barroco (isso vale, por exemplo, para o romance latino-americano do chamado “realismo mágico”, etc.).

Partindo do estudo de outra importante corrente literária da literatura estrangeira do século XVII - o classicismo, pode-se seguir a mesma sequência de análise, começando por esclarecer a etimologia do termo “clássico”, que é mais clara que a etimologia de “barroco”, como se captando a inclinação do próprio classicismo à clareza e à lógica. Tal como no caso do barroco, o "classicismo" como definição da arte do século XVII, centrado numa espécie de competição com os "antigos", antigos escritores, contém na sua acepção original alguns traços da poética clássica, mas não não explicá-los todos. E assim como os escritores do barroco, os classicistas do século XVII não se autodenominavam assim, começaram a ser definidos por essa palavra no século XIX, na era do romantismo.

Quase até meados do século XX, o século XVII foi considerado pelos historiadores da literatura como a "época do classicismo". Isso se deveu não apenas à subestimação das realizações artísticas do barroco ou, ao contrário, à superestimação do classicismo (já que para alguns países os classicistas também são os clássicos da literatura nacional, essa tendência é “difícil de superestimar”) , mas sobretudo com o significado objetivo desta arte no século XVII, nomeadamente com o facto de as reflexões teóricas sobre a criatividade artística serem predominantemente clássicas neste período. Isso pode ser visto referindo-se à antologia "Manifestos literários de clássicos da Europa Ocidental" (M., 1980). Embora houvesse teóricos barrocos no século XVII, seus conceitos muitas vezes tendiam a contaminar os princípios barrocos e clássicos, incluíam uma boa dose de racionalismo analítico e às vezes até normatividade (como a teoria do romance do escritor francês M. de Scuderi), que tentou criar as “regras” desse gênero ).

Classicismo não é apenas um estilo ou tendência, mas, como o barroco, um sistema artístico mais poderoso que começou a tomar forma no Renascimento. Ao estudar o classicismo, é necessário rastrear como as tradições do classicismo renascentista são refratadas na literatura clássica do século XVII, prestar atenção em como a antiguidade se transforma de um objeto de imitação e recriação exata, “revival”, em um exemplo de a correta observância das leis eternas da arte e um objeto de competição. É extremamente importante lembrar que o classicismo e o barroco foram gerados ao mesmo tempo, contraditórios, mas uma única visão de mundo. No entanto, as circunstâncias socioculturais específicas do desenvolvimento de um determinado país muitas vezes levaram a graus muito diferentes de sua prevalência na França e, por exemplo, na Espanha, Inglaterra e Alemanha, etc. Às vezes, na literatura, pode-se encontrar a afirmação de que o classicismo é uma espécie de arte "de estado", pois seu maior florescimento está associado a países e períodos caracterizados por um aumento na estabilização do poder monárquico centralizado. Porém, não se deve confundir ordem, disciplina de pensamento e estilo, hierarquia como princípios estéticos com hierarquia, disciplina, etc. como princípios de estado rígido e, mais ainda, ver no classicismo algum tipo de arte semioficial. É muito importante sentir o drama interior da visão classicista da realidade, que não é eliminada, mas, talvez, até potencializada pela disciplina de suas manifestações externas. O classicismo, por assim dizer, tenta superar artisticamente a contradição que a arte barroca captura caprichosamente, superá-la por meio de seleção rigorosa, ordenação, classificação de imagens, temas, motivos, todo o material da realidade.

Você também pode encontrar declarações de que a base filosófica do classicismo era a filosofia de Descartes. No entanto, gostaria de alertar contra a redução do classicismo a Descartes, assim como Descartes ao classicismo: lembremos que as tendências classicistas começaram a se formar na literatura antes de Descartes, lá no Renascimento, e Descartes, por sua vez, generalizou muito do que pairava no ar, sistematizava e sintetizava a tradição racionalista do passado. Ao mesmo tempo, merecem atenção os indubitáveis ​​princípios "cartesianos" na poética do classicismo ("separação de dificuldades" no processo de reconstrução artística de fenômenos complexos da realidade, etc.). Esta é uma das manifestações da "intencionalidade" estética geral (J. Mukarzhovsky) da arte clássica.

Tendo se familiarizado com as teorias mais importantes dos classicistas europeus, pode-se traçar a fundamentação lógica por eles dos princípios da primazia do design sobre a implementação, criatividade racional “correta” sobre a inspiração caprichosa. É muito importante prestar atenção especial à interpretação no classicismo do princípio da imitação da natureza: a natureza aparece como uma criação bela e eterna, construída “segundo as leis da matemática” (Galileu).

Um princípio específico de probabilidade desempenha um papel significativo no classicismo. Observe que esse conceito está longe de ser o uso cotidiano comum dessa palavra, não é de forma alguma sinônimo de “verdade” ou “realidade”. Como escreve um famoso estudioso moderno, "a cultura clássica viveu por séculos com a ideia de que a realidade não poderia de forma alguma ser misturada com a plausibilidade". A plausibilidade no classicismo implica, além da persuasão ética e psicológica de imagens e situações, decência e edificação, a implementação do princípio de "ensinar, entreter".

A caracterização do classicismo, portanto, não pode ser reduzida à enumeração das regras das três unidades, mas essas regras também não podem ser ignoradas. Para os classicistas, eles são, por assim dizer, um caso especial de aplicação das leis universais da arte, uma forma de manter a liberdade da criatividade dentro dos limites da razão. É necessário perceber a importância da simplicidade, da clareza, da sequência lógica da composição como importantes categorias estéticas. Os classicistas, ao contrário dos artistas barrocos, recusam detalhes artísticos "supérfluos", imagens, palavras, aderem à "economia" dos meios de expressão.

É preciso saber como se construiu o sistema hierárquico dos gêneros no classicismo, a partir da reprodução consistente de fenômenos "altos" e "baixos", "trágicos" e "cômicos" da realidade segundo diferentes formações de gêneros. Ao mesmo tempo, é necessário atentar para o fato de que a teoria do gênero do classicismo e a prática não coincidem completamente: dando preferência no raciocínio teórico aos gêneros "altos" - tragédia, épico, os classicistas tentaram o "baixo " gêneros - sátira, comédia e até mesmo nos gêneros não canônicos, saindo da hierarquia classicista (como o romance: veja abaixo sobre o romance clássico de M. de Lafayette).

Classicistas julgavam obras de arte com base no que consideravam ser as leis "eternas" da arte, e leis não de acordo com o costume, autoridade, tradição, mas de acordo com o julgamento razoável. Portanto, deve-se notar que os classicistas pensam em sua teoria como uma análise das leis da arte em geral, e não como a criação de algum programa estético separado de uma escola ou direção. O raciocínio dos classicistas sobre o gosto não significa gosto individual, não o capricho da preferência estética, mas "bom gosto" como uma norma coletiva razoável de "pessoas bem-educadas". Porém, na realidade, descobriu-se que os julgamentos específicos dos classicistas sobre certas questões da criatividade artística, as avaliações de obras específicas, divergem bastante, o que levou tanto à polêmica dentro do classicismo quanto à diferença real entre as versões nacionais da literatura clássica . É necessário entender os padrões históricos, sociais e culturais do desenvolvimento das tendências literárias do século XVII, entender por que na Espanha, por exemplo, prevaleceu a arte barroca e na França - classicismo, por que os pesquisadores falam sobre "classicismo barroco " por M. Opitz na Alemanha, sobre uma espécie de harmonia ou equilíbrio dos princípios barroco e clássico na obra de Milton na Inglaterra, etc. É importante sentir que a vida real das tendências literárias da época não foi esquemática, que não se substituíram sucessivamente, mas se entrelaçaram, se combatendo e interagindo, entrando em relações diversas.

classicismo barroco poética literária

Hospedado em Allbest.ru

Documentos Similares

Literatura da Grécia Antiga e da Roma Antiga. Classicismo e barroco na literatura da Europa Ocidental do século XVII. Literatura do Iluminismo. Romantismo e realismo na literatura estrangeira do século XIX. Literatura estrangeira moderna (de 1945 até o presente).

manual de treinamento, adicionado em 20/06/2009


O romance "Dom Quixote" de Cervantes como o ápice da ficção espanhola. Milton é o criador dos poemas grandiosos "Paradise Lost" e "Paradise Regained". As principais tendências artísticas da literatura do século XVII: realismo renascentista, classicismo e barroco.

resumo, adicionado em 23/07/2009


Literatura barroca: tendência à complexidade das formas e desejo de grandeza e pompa. Aparição na literatura russa nos séculos XVII-XVIII. estilo barroco, formas de sua formação e significado. Características externas da semelhança das obras de Avvakum com as obras do barroco.

teste, adicionado em 18/05/2011


Análise geral da literatura estrangeira do século XVII. Características da época barroca do ponto de vista da época de intensas buscas no campo da moralidade. Transformação da lenda de Don Juan na obra de Tirso de Molina. Imagem "eterna" de Don Giovanni na interpretação de Molière.

trabalho final, adicionado em 14/08/2011


A pesada atmosfera de ruína na Alemanha no século XVII após a Guerra dos Trinta Anos. Poeta Martin Opitz e o tratado "O Livro da Poesia Alemã". O otimismo da poesia de Fleming. Tema anti-guerra e o romance Simplicissimus de Grimmelshausen. Barroco alemão, dramaturgia.

resumo, adicionado em 23/07/2009


Barroco e classicismo na literatura e arte da França no século XVII. Pierre Corneille e sua visão do mundo e do homem. O período inicial de criatividade. Formação do drama clássico. Tragédias da Terceira Maneira. Larisa Mironova e D. Oblomievsky sobre a obra de Corneille.

trabalho final, adicionado em 25/12/2014


Literatura russa no século XVI. Literatura russa no século XVII (Simeão de Polotsk). Literatura russa do século XIX. Literatura russa do século XX. Conquistas da literatura do século XX. literatura soviética.

relatório, adicionado em 21/03/2007


Literatura estrangeira e eventos históricos do século XX. Rumos da literatura estrangeira da primeira metade do século XX: modernismo, expressionismo e existencialismo. Escritores estrangeiros do século XX: Ernest Hemingway, Bertolt Brecht, Thomas Mann, Franz Kafka.

resumo, adicionado em 30/03/2011


Características gerais da situação do século XVII. Influência do cisma da Igreja Ortodoxa Russa no desenvolvimento da literatura russa antiga. O Movimento dos Velhos Crentes e o Fenômeno da "Ficção Anônima". O fenômeno da história satírica russa no cenário do século XVII "rebelde".

trabalho de controle, adicionado em 16/10/2009


A situação política da França no século XVII, o desenvolvimento da literatura e da arte. A posição do campesinato no final do século e sua descrição nas obras de La Bruyère. Tradições do realismo renascentista nas obras do falecido Racine ("Atalia"). Atividades do poeta Oração.

transcrição

1 Anotação A publicação, destinada a estudantes de filologia e escrita sob a forma de palestras, descreve as condições de formação da literatura europeia nos séculos XVII e XVIII, analisa a obra de escritores proeminentes, cujas obras refletiram as características do estilo artístico sistemas da época - realismo renascentista, barroco, classicismo, classicismo iluminista, realismo iluminista, sentimentalismo. Após cada tópico, é oferecida uma lista de referências, o que facilita muito a orientação dos alunos dentro deste curso.

2 Veraksich I.Yu. Curso de História da Literatura Estrangeira dos Séculos XVII-XVIII

3 Prefácio O curso "História da Literatura Estrangeira dos Séculos XVII-XVIII" é parte integrante do curso universitário "História da Literatura Estrangeira". O manual, escrito na forma de palestras, é projetado para ajudar os alunos a dominar um material difícil, mas interessante, para prepará-los para a percepção da literatura dos séculos XVII-XVIII. Todo o material é organizado de forma que, como resultado, os alunos tenham uma visão holística das peculiaridades do processo literário dos séculos XVII-XVIII. A literatura estrangeira do século XVII tem sido considerada um fenômeno anterior ao Iluminismo. No entanto, estudos das últimas décadas mostraram que ele possui características próprias, incluindo estilo. Foi o século XVII que por muito tempo determinou o desenvolvimento dos principais sistemas artísticos da época - classicismo, barroco, realismo renascentista. Os iluministas confiaram amplamente na experiência de seus predecessores no desenvolvimento de conceitos épicos (honra, razão, relação entre honra e dever, etc.). Os sistemas artísticos do século XVIII (classicismo iluminista, realismo iluminista, sentimentalismo) são considerados em detalhes. Material teórico complexo é complementado por uma análise das obras dos representantes mais proeminentes de um determinado sistema artístico. Isso leva em consideração os conceitos bem conhecidos da crítica literária, apresentados em livros didáticos, livros didáticos de história da literatura e publicações de referência, o que facilita muito a orientação dos alunos dentro deste curso. O número de horas alocadas pelo currículo para o estudo do curso "História da Literatura Estrangeira dos Séculos XVII-XVIII", infelizmente, é pequeno, portanto, este manual fornece um sistema de conhecimentos básicos necessários para os alunos. Após cada tópico, é oferecida aos alunos uma lista de referências, cujo estudo lhes permitirá resumir os conhecimentos adquiridos nas aulas, bem como durante o trabalho independente sobre o assunto.

4 Conteúdos Aula 1. Características gerais do processo literário do século XVII. A obra de Lope de Vega. Aula 2. Literatura barroca espanhola do século XVII. Aula 3. Literatura alemã do século XVII. Aula 4. Classicismo francês (Cornel, Racine, Molière). Aula 5. A Era do Iluminismo. Características gerais do Iluminismo inglês. Aula 6. Iluminismo inglês. D. Swift. R. Burns. Aula 7. Iluminismo Alemão. O programa estético de Lessing. Aula 8. A obra de Goethe. Aula 9. Iluminismo francês. Voltaire. J.-J. Rousseau. Aula 10. Criatividade de Beaumarchais.

5 Aula 1 Características gerais do processo literário do século XVII. Criatividade Plano Lope de Vega 1. Características do desenvolvimento do processo literário do século XVII. 2. Principais tendências literárias do século XVII: a) classicismo; b) barroco; c) Realismo renascentista. 3. A criatividade de Lope de Vega: a) uma breve panorâmica da vida e do percurso criativo do dramaturgo; b) a originalidade ideológica e artística do drama "Fuente Ovehuna"; c) a originalidade ideológica e artística do drama "A Estrela de Sevilha". 1. Peculiaridades do Desenvolvimento do Processo Literário do Século XVII As épocas literárias são difíceis de enquadrar no estrito quadro do calendário. Falando da literatura do século XVIII, temos em mente, antes de tudo, o Iluminismo. Existe um conteúdo ideológico e estético semelhante no conceito de "literatura estrangeira do século XVII"? Não há consenso sobre essa questão tanto na ciência nacional quanto no exterior. Muitos estudiosos da literatura respondem negativamente a essa pergunta e apresentam muitos argumentos que soam muito convincentes. Quem se volta para o estudo desta época fica impressionado, em primeiro lugar, com a variedade de processos econômicos, sociais, políticos e culturais que ocorreram naquela época em diferentes países da Europa. Na economia da Inglaterra e da Holanda, as relações burguesas no século XVII tornaram-se predominantes; na França, a ordem capitalista triunfou na indústria, no comércio e nos bancos, mas na agricultura o sistema feudal ainda era bastante forte; na Espanha, Itália, Alemanha, as relações burguesas eram pouco visíveis, assumindo a forma de usura. Igualmente óbvios são os contrastes na correlação de forças sociais. No início do século XVII, terminou a revolução burguesa na Holanda, que se fundiu com a luta de libertação nacional contra o domínio espanhol e levou ao surgimento do estado burguês da Holanda. Houve uma revolução burguesa na Inglaterra. No entanto, na Itália, Espanha e Alemanha, as forças feudais estão tentando consolidar seu poder.

6 Imagem não menos variada da vida política da Europa Ocidental. No século XVII, o absolutismo era a forma dominante de Estado. Não é por acaso que o século em questão é chamado de século do absolutismo. No entanto, as formas do sistema absolutista foram diversas nos países europeus. O século 17 é a era de guerras contínuas na Europa, conquistas coloniais contínuas no Novo Mundo, Ásia e África. Ao mesmo tempo, os antigos países coloniais da Espanha e Portugal são gradualmente empurrados para segundo plano pelos jovens estados da Holanda e da Inglaterra. Com tamanha diversidade de relações econômicas, políticas e sociais nos países da Europa, parece impossível falar de alguma unidade da cultura da Europa Ocidental no século XVII. E, no entanto, nos referiremos ao ponto de vista de S.D. Artamonova, Z. T. Civil, que consideram esta época como uma etapa independente na história da literatura estrangeira, uma vez que, através da variedade de formas específicas de desenvolvimento histórico e cultural de cada país, são visíveis características da comunidade tipológica de processos sociais, políticos e culturais desta época . Assim, o século XVII é um período independente na era de transição do feudalismo para o capitalismo, que se situa entre o Renascimento e o Iluminismo. Este é um período da história repleto de acontecimentos, marcado por uma luta de classes extremamente acirrada e caracterizado por uma crescente exploração da natureza. Dois grupos entram na arena política: a União Protestante (França, Holanda, Inglaterra, Dinamarca, Suécia fundada em 1607) e a Liga Católica (Áustria, Espanha, Vaticano fundada em 1609). A rivalidade entre esses dois campos políticos levou à Guerra dos 30 Anos, o evento chave do século XVII. A guerra começou em 1618 e foi caracterizada por uma luta entre a primeira ordem burguesa, estabelecida na Holanda como resultado do movimento de libertação, e uma forma reacionária especial do sistema feudal tardio. Por outro lado, surgiu um conflito armado entre países feudais com diferentes níveis de desenvolvimento. A guerra terminou com a conclusão da Paz de Vestfália em 1648, o reconhecimento final dos Estados Gerais (Holanda) e a revolução burguesa inglesa de 1649. Foi assim que surgiram os primeiros Estados-nação burgueses e quebrou-se o domínio da Espanha reacionária. Assim, vemos que o principal que caracteriza a história da Europa no século XVII é a transição, a crise da época. Fundações antigas estão desmoronando; a ordem feudal ainda mantém seu domínio, mas nas profundezas do feudalismo são reveladas as contradições mais agudas, que pressagiam o colapso do antigo sistema.

7 O início deste período foi estabelecido pela era anterior. A cosmovisão renascentista está sendo substituída por uma nova. Mudanças no campo da ciência também contribuíram para sua formação. Na Europa surgem as primeiras comunidades e academias científicas, inicia-se a publicação de revistas científicas. A ciência escolástica da Idade Média dá lugar ao método experimental. A matemática tornou-se o principal campo da ciência no século XVII. Nessas condições históricas, bem como sob a influência da tradição renascentista que se manteve em parte, desenvolveram-se conceitos de compreensão da realidade, baseados em visões opostas sobre o mundo e a finalidade do homem. Esses processos não podiam deixar de se refletir na esfera da criatividade literária e no desenvolvimento do pensamento filosófico da época. Se os escritores, por um lado, advogavam a libertação do indivíduo, por outro, observavam um gradual retorno à velha ordem social, que, ao invés da anterior submissão pessoal, estabelecia uma nova forma de dependência humana a um base material e ideológica. Este novo deu origem à fé no destino. Novidade no conceito de homem, apresentado pela literatura desse período, era o entendimento da responsabilidade por seus atos e ações, independentemente das relações políticas e religiosas com as quais estava preso. A questão da relação do homem com Deus ocupou um lugar decisivo no pensamento do século XVII. Deus representava a ordem mais elevada, a harmonia, que foi tomada como modelo para a caótica estrutura terrena. A participação em Deus deveria ajudar uma pessoa a suportar as provações da vida. 2. Principais tendências literárias do século XVII O agravamento da luta política e ideológica refletiu-se na formação e confronto dos dois sistemas artísticos do barroco e do classicismo. Normalmente, ao caracterizar esses sistemas, focamos em suas diferenças. A sua dissimilaridade é indiscutível, mas não há dúvida de que estes dois sistemas têm características tipologicamente comuns: 1) os sistemas artísticos surgiram como uma consciência da crise dos ideais renascentistas; 2) representantes do barroco e do classicismo rejeitaram a ideia de harmonia subjacente ao conceito humanístico renascentista: em vez de harmonia entre o homem e a sociedade, a arte do século XVII revela uma complexa interação entre o indivíduo e o meio ambiente; em vez da harmonia da razão e do sentimento, é apresentada a ideia de subordinar as paixões à razão.

8 A. Classicismo O classicismo do século XVII tornou-se uma espécie de reflexo do humanismo pós-renascentista. Os classicistas se caracterizam pelo desejo de explorar a personalidade em suas conexões com o mundo. O classicismo como sistema artístico combina uma orientação para a antiguidade com uma penetração profunda no mundo interior dos personagens. A luta entre sentimento e dever é o principal conflito do classicismo. Através de seu prisma, os escritores tentaram resolver muitas das contradições da realidade. Classicismo de lat. classicus first-class, exemplar originado na Itália no século XVI nos meios universitários como uma prática de imitação da antiguidade. Os estudiosos humanistas tentaram opor ao mundo feudal a arte altamente otimista dos antigos. Eles procuraram reviver o drama antigo, tentaram derivar das obras dos antigos mestres as regras gerais com base nas quais as antigas peças gregas foram supostamente construídas. Na verdade, a literatura antiga não tinha regras, mas os humanistas não entendiam que a arte de uma época não podia ser “transplantada” para outra. Afinal, qualquer trabalho surge não com base em certas regras, mas com base em condições específicas de desenvolvimento social. Na França do século XVII, o classicismo não apenas se desenvolve rapidamente, encontra sua justificação metodológica na filosofia, mas também se torna, pela primeira vez na história, um movimento literário oficial. Isso foi facilitado pela política do tribunal francês. O absolutismo francês (uma forma transitória do estado, quando a aristocracia enfraquecida e a burguesia, que ainda não ganhou força, estão igualmente interessados ​​​​no poder ilimitado do rei) procurou restaurar a ordem em todas as áreas da vida, estabelecer os princípios da disciplina civil. O classicismo, com seu rígido sistema de regras, era conveniente para o absolutismo. Ele permitiu que o poder real interferisse na esfera artística da vida pública, para controlar o processo criativo. Foi para esse controle que a famosa Académie de Reshelie foi criada na década de 40 do século XVII. A filosofia de René Descartes (), que defendia que o homem, e não Deus, é a medida de todas as coisas, em muitos aspectos se opôs à reação católica da época. Em vez de afirmar ascetismo e obediência, Descartes proclama "Cogito, ergo sum" "Penso, logo existo". A proclamação da razão humana tinha um caráter objetivamente anticlerical. Foi isso que atraiu os teóricos da estética do classicismo nos ensinamentos do pensador francês. A filosofia do racionalismo predeterminou a natureza das ideias dos classicistas sobre o ideal e o herói positivo. Os classicistas viam o objetivo da arte no conhecimento da verdade, que agia como o ideal de beleza. Eles apresentam um método para alcançá-lo, com base em três categorias centrais de sua

9 estética: razão, modelo, gosto. Todas essas categorias foram consideradas critérios objetivos de arte. Do ponto de vista dos classicistas, as grandes obras não são fruto do talento, nem da inspiração, nem da fantasia artística, mas seguindo teimosamente os ditames da razão, estudando as obras clássicas da antiguidade e conhecendo as regras do gosto. Os classicistas acreditavam que apenas aquela pessoa que pode subordinar seus sentimentos e paixões à razão é um exemplo digno. É por isso que uma pessoa que é capaz de sacrificar seus sentimentos pela razão sempre foi considerada um herói positivo da literatura clássica. Assim, na opinião deles, é Sid, o personagem da peça de mesmo nome de Corneille. A filosofia racionalista também predeterminou o conteúdo do sistema artístico do classicismo, que se baseia no método artístico como um sistema de princípios através do qual ocorre o desenvolvimento artístico da realidade em toda a sua diversidade. O princípio da hierarquia (ou seja, subordinação) dos gêneros aparece, afirmando sua desigualdade. Esse princípio estava de acordo com a ideologia do absolutismo, que comparava a sociedade a uma pirâmide, no topo da qual está o rei, bem como com a filosofia do racionalismo, que exigia clareza, simplicidade e uma abordagem sistemática de qualquer fenômeno. De acordo com o princípio da hierarquia, existem gêneros "altos" e "baixos". Os gêneros "altos" (tragédia, ode) receberam um tema nacional, eles só podiam contar sobre reis, generais e a mais alta nobreza. A linguagem dessas obras tinha um caráter solene e otimista (“alta calma”). Nos gêneros "baixos" (comédia, fábula, sátira) era possível tocar apenas em problemas particulares ou vícios abstratos (mesquinho, hipocrisia, vaidade, etc.), atuando como características privadas absolutizadas do caráter humano. Os heróis dos gêneros "baixos" podem ser representantes das classes mais baixas da sociedade. A remoção de pessoas nobres era permitida apenas em casos excepcionais. Na linguagem de tais obras, grosseria, insinuações ambíguas, trocadilhos ("baixa calma") eram permitidos. O uso das palavras "alta calma" aqui, via de regra, era de natureza paródica. De acordo com os princípios do racionalismo, os clássicos apresentam a exigência da pureza dos gêneros. Gêneros mistos, como a tragicomédia, estão sendo eliminados. Isso atinge a capacidade de um gênero específico de refletir a realidade de maneira abrangente. A partir de agora, apenas todo o sistema de gêneros é capaz de expressar a diversidade da vida. Em outras palavras, no classicismo a riqueza e a complexidade da realidade se revelam não pelo gênero, mas pelo método.

10 Em meados do século XVII, estava firmemente estabelecida a opinião de que o gênero literário mais importante era a tragédia (na arquitetura um palácio, na pintura de um retrato cerimonial). Nesse gênero, as leis eram as mais rigorosas. O enredo (histórico ou lendário, mas plausível) deve reproduzir os tempos antigos, a vida de estados distantes. Já deve ser adivinhado pelo nome, como a ideia das primeiras linhas. A fama da trama se opôs ao culto da intriga. Era preciso afirmar a lógica da vida, em que a regularidade triunfava sobre o acaso. Um lugar especial na teoria da tragédia foi ocupado pelo princípio das três unidades. Foi formulado nas obras dos humanistas italianos e franceses do século XVI (J. Trissino, J. Scaliger), que se apoiaram em Aristóteles em sua luta com o teatro medieval. Mas apenas os classicistas do século XVII (especialmente Boileau) a elevaram a uma lei indiscutível. A unidade da ação exigia a reprodução de uma ação integral e completa que unisse todos os personagens. A unidade de tempo foi reduzida à exigência de colocar ações em um dia. A unidade do lugar se expressava no fato de que a ação de toda a peça deveria se desenrolar em um só lugar. A principal obra teórica, que delineou os princípios que consideramos, foi o livro de N. Boileau "Poetic Art" (1674). Os representantes mais famosos do classicismo: Jean Lafontaine (), Pierre Corneille (), Jean Racine (), Jean-Baptiste Molière (). B. Barroco Existem diferentes explicações para o termo "barroco". E cada um deles dá muito para entender o próprio estilo. Acredita-se que o nome desta direção venha do português perola barrocca, que significa uma pérola preciosa de formato irregular, cintilante e cintilante com todas as cores do arco-íris. De acordo com a segunda versão do barroco, um intrincado silogismo escolástico. Finalmente, a terceira versão do barocco significa falsidade e engano. O facto de esta pérola de formato irregular contrastar de imediato o barroco com a arte harmoniosa do Renascimento, próximo do ideal clássico. Na aproximação com uma pérola preciosa, nota-se o desejo barroco de luxo, sofisticação e decoratividade. A menção do silogismo aponta para a ligação do barroco com a escolástica medieval. Por fim, o fato de o barroco ser interpretado como falsidade e engano enfatiza o momento ilusório, muito forte nessa arte.

11 O barroco é baseado na desarmonia e no contraste. Este é o contraste entre a natureza humana irracional e uma mente sóbria. O barroco também se caracteriza pelo contraste entre o prosaico e o poético, o feio e o belo, a caricatura e o ideal elevado. Os escritores barrocos enfatizaram a dependência do homem de condições objetivas, da natureza e da sociedade, do ambiente material e do meio ambiente. Sua visão de uma pessoa é sóbria e impiedosamente dura. Rejeitando a idealização do homem, que era a base da literatura renascentista, os artistas barrocos retratam as pessoas como más e egoístas ou prosaicas e comuns. O próprio homem é aos seus olhos o portador da desarmonia. Em sua psicologia, eles procuram contradições e esquisitices. Assim, eles sombreiam a complexidade do mundo interior de uma pessoa e enfatizam nele, por assim dizer, características mutuamente exclusivas. Mas não só o homem é desarmônico. Um dos princípios da literatura barroca é também o princípio da dinâmica, do movimento. O movimento é visto como baseado em contradições e antagonismos internos. Nessa desarmonia interna, refletida na literatura do barroco, manifestou-se o fato de a desarmonia reinar na própria sociedade, decorrente da luta de interesses egoístas. Uma característica importante da compreensão da beleza, a ideia de beleza na arte barroca, está ligada a isso. A vida é prosaica, o homem é por natureza fraco e vicioso. Portanto, tudo o que é belo está fora do princípio material natural. Só um impulso espiritual pode ser belo. O belo é fugaz, ideal e não pertence ao real, mas ao outro mundo, o mundo da fantasia. Para os escritores do Renascimento, a beleza estava contida na própria natureza, por exemplo, na poesia natural do povo. Para os escritores barrocos, a beleza é o resultado de habilidade consciente, atividade mental consciente. É bizarro, peculiar, pretensioso. Nos séculos 16 e 17, escritores de diferentes países discutiam sobre o que era superior: esse imediatismo da própria natureza ou da arte, do artesanato. As simpatias dos escritores barrocos estavam do lado do artesanato. Isso também se aplica ao estilo literário, que eles procuraram tornar inacessível, intrincado, cheio de metáforas e comparações complexas, hipérboles e figuras retóricas. Apesar de o barroco ser um estilo completo, do ponto de vista ideológico não era integral. Basta assinalar a feroz política seguida por Gongora e Quevedo. Gongora representava o barroco em sua forma aristocrática. Ele contrastou a realidade com um mundo ilusório, semelhante a um cenário condicional. A criação deste mundo também foi servida pelo estilo de Gongora, repleto de intrincadas hipérboles e imagens bizarras e

12 transforma a vida em uma fantasia. Esse estilo foi chamado de "culteranismo" (da palavra culto processado, vestido). Ao contrário de Gongora, seu adversário Quevedo buscava contrastes e contradições na própria realidade espanhola, levando os vícios da vida ao ponto da caricatura e do grotesco. Seu estilo de "concepcionismo" (da palavra conceito pensamento) se opõe ao que Gongora representava. Para completar a caracterização do barroco, deve-se acrescentar o seguinte. Os maiores escritores desta época, Quevedo, Tirso de Molina, Calderon, eram pessoas religiosas. Muitas de suas obras estão imbuídas de uma ideia religiosa e pertencem à arte religiosa. Com base nisso, é muito fácil declará-los reacionários. No entanto, os maiores deles (Calderon, Quevedo, Gracian, Tirso de Molina) entraram em contato em seus trabalhos com as ideias populares e o ponto de vista popular. Eles fizeram uma crítica sóbria e contundente ao mundo monetário emergente, pintaram uma pessoa comum e, assim, contribuíram para a democratização da arte. B. Realismo renascentista O realismo renascentista, que se desenvolveu paralelamente ao classicismo e ao barroco, lançou uma nova luz sobre as contradições da época, especialmente nas visões sobre os valores morais, dos quais o mais alto era o homem. Os representantes do realismo renascentista eram, em muitos aspectos, oponentes do classicismo com seu sistema de regras e normas e do barroco, aspirando ao mundo do exótico e da fantasia. Não aceitavam maneirismos, sofisticação excessiva das obras barrocas. Os seguidores do humanismo permaneceram defensores da clareza, da veracidade na arte, mas não tinham mais pressa em afirmar o poder da mente humana e as possibilidades ilimitadas do indivíduo. Experimentando a mesma decepção com os ideais humanísticos de seus contemporâneos, os escritores do realismo renascentista não tiveram medo de levantar questões candentes. Um lugar especial entre eles é ocupado pelo conceito de virtude, incluindo dignidade humana, orgulho, honra, que entram em conflito com os preconceitos de classe do feudalismo. Além disso, representantes do realismo renascentista se voltaram para a descrição da vida cotidiana das pessoas. Eles continuaram a desenvolver a tradição da literatura urbana. Pela primeira vez, representantes do realismo renascentista levantaram a questão da relação entre o caráter moral de uma pessoa e seu estado, com o ambiente em que foi educado. Ao mesmo tempo, os representantes do povo revelaram-se mais elevados e moralmente mais frequentes em suas obras, e Lope de Vega, por exemplo, pela primeira vez mostrou os camponeses como uma comunidade de indivíduos brilhantes, pessoas capazes de discutir assuntos elevados e, se necessário, defendendo até o fim sua dignidade humana.

13 A crítica feita pelos críticos aos escritores humanistas é a ausência de crítica social contundente em seus escritos. Mas não devemos esquecer que tanto na dramaturgia quanto na prosa, as questões éticas estão intimamente ligadas às questões políticas. Só agora eles não são colocados em primeiro plano. A vida cotidiana terrena de uma pessoa não requer grande pathos e sofisticação na expressão de pensamentos. Ao mesmo tempo, por trás de toda a aparente simplicidade de descrever a realidade, os escritores escondem sérias reflexões sobre o destino de seu país e povo. É por isso que a dramaturgia de Lope de Vega ou a dramaturgia precoce de Tirso de Molina ainda não perdeu sua sonoridade civil. E não é por acaso que, em várias fontes literárias, os escritores do realismo renascentista da primeira metade do século XVII são frequentemente classificados entre os autores do final do Renascimento, e suas obras são consideradas na seção de história da literatura renascentista. Encontramos tal abordagem nas obras de A.L. Stein, V. S. Uzina, N. I. Balashova. 3. A criatividade de Lope de Vega A. Visão geral da vida e do percurso criativo do dramaturgo Na virada dos séculos XVI e XVII, Lope de Vega (), apoiando-se nas tradições do teatro popular espanhol e na poderosa tradição realista de Renascimento, criou a dramaturgia espanhola. Entre a galáxia de dramaturgos de destaque, ele ocupa o primeiro lugar. Os espanhóis adoravam seu gênio nacional. Seu nome se tornou um símbolo de tudo o que é belo. Lope Felix de Vega Carpio nasceu em 25 de novembro de 1562 em Madri. Seu pai, natural de uma família de camponeses asturianos, era um homem rico que tinha seu próprio bordado de ouro em Madri. Deu ao filho uma boa educação e até a nobreza, tendo comprado, segundo o costume da época, uma patente de título nobre. Tendo recebido sua educação inicial em um colégio jesuíta, o jovem se formou na universidade. Já desde jovem esteve ao serviço de pessoas nobres, atuou desde cedo em trupes de representação para as quais escreveu peças, já foi soldado, casou-se várias vezes, teve um sem número de casos amorosos, na idade de cinquenta tornou-se funcionário da Inquisição, depois monge e padre , o que não o impediu de levar uma vida secular, sem interromper seus casos amorosos até a idade avançada. Pouco antes de sua morte, sob a influência de difíceis experiências pessoais (a morte de seu filho, o sequestro de sua filha), Lope de Vega começou a se entregar a crenças ascéticas e a mostrar uma tendência ao misticismo. Morreu rodeado de honra universal. Mais de cem poetas compuseram poemas para sua morte. A vida versátil de Lope de Vega reflete-se na sua obra literária. A facilidade com que escrevia, riqueza e brilho

14 de suas obras foram admiradas por seus contemporâneos, que o chamaram de "um milagre da natureza", "fênix", "um oceano de poesia". Aos cinco anos, Lope de Vega já escrevia poesia, e aos doze compôs uma comédia, que foi encenada. Posteriormente, como ele garantiu, ele escreveu a peça mais de uma vez em um dia. Ele tentou todos os gêneros poéticos e em prosa. Segundo o próprio Lope de Vega, escreveu 1800 comédias, às quais se devem acrescentar 400 peças religiosas e um número muito grande de interlúdios. No entanto, o próprio Lope de Vega pouco se preocupou com a segurança de suas obras dramáticas, consideradas a literatura mais baixa, pelo que a maioria delas não foi publicada durante sua vida. Chegou até nós o texto de apenas 400 peças de Lope de Vega (quase inteiramente poéticas), e outras 250 são conhecidas apenas pelo título. O dramaturgo notou desde cedo que as peças escritas de acordo com as regras estritas do classicismo não encontram uma resposta adequada entre o povo. As magníficas frases dos heróis são percebidas com frieza, as paixões parecem excessivas. Lope de Vega queria agradar ao público, escrevia para o povo. Os fundadores do teatro clássico exigiam unidade de impressão, trágico para a tragédia, engraçado para a comédia. Lope de Vega recusou, afirmando que nem tudo na vida é trágico ou tudo é engraçado, e pela verdade da vida estabeleceu para o seu teatro "uma mistura do trágico com o engraçado", "uma mistura do sublime e o engraçado." Lope de Vega acreditava que limitar o dramaturgo a um prazo de vinte e quatro horas, exigir dele a unidade do lugar é absurdo, mas a unidade do enredo é necessária, a unidade da ação é obrigatória. O dramaturgo desenvolve uma teoria da intriga do palco. A intriga é o nervo da peça. Ele une a peça e mantém o espectador cativado pelo palco. Desde o início, a intriga já deve amarrar firmemente o nó dos acontecimentos e conduzir o espectador por um labirinto de obstáculos do palco. Lope de Vega experimentou vários gêneros. Ele escreveu sonetos, poemas épicos, contos, poemas espirituais. No entanto, Lope de Vega foi um dramaturgo por excelência. A gama de tramas das obras é ampla: história humana, história nacional da Espanha, principalmente tempos heróicos, acontecimentos da vida de contemporâneos de vários estratos sociais do país, episódios vívidos da vida de todos os povos. Existem 3 períodos na obra do dramaturgo: I período () neste momento ele resume ativamente as conquistas do teatro nacional, afirma o direito do escritor à livre criatividade. As melhores peças desse período são A professora de dança (1594), A viúva valenciana (1599), O novo mundo descoberto por Cristóvão Colombo (1609).

15 No segundo período (), o escritor cria seus próprios dramas históricos nacionais, a partir dos enredos dos romances folclóricos Fuente Ovehuna (1613), Filho Ilegítimo de Mudarra (1612). Nesse período, surgiram as comédias mais famosas: “O Cachorro na Manjedoura” (1613), “O Louco” (1613). III período () escreve os dramas "O Melhor Rei Alcalde" (), "A Estrela de Sevilha" (1623), a comédia "Menina com um Jarro" (1623), "Amar Sem Saber Quem" (1622). Apesar da complexidade de classificar o legado do escritor por gênero, três grupos de obras costumam ser distinguidos: dramas folclóricos, histórico-nacionais e sociais; comédias domésticas, chamadas de "comédias de capa e espada"; atividades espirituais automáticas. B. A originalidade ideológica e artística do drama "Fuente Ovejuna" O drama "Fuente Ovejuna" é um dos pináculos da obra de Lope de Vega. Também pode ser atribuído ao número de peças históricas, já que sua ação ocorre no final do século XV, durante o reinado de Fernando e Isabel. O mais notável nesta peça, imbuída de um pathos verdadeiramente revolucionário, é que seu herói não é um personagem individual, mas as massas do povo. A cidade de Fuente Ovehuna, traduzida significa "Primavera do Carneiro", está localizada na Espanha perto da cidade de Córdoba. Aqui, em 1476, estourou uma revolta contra a arbitrariedade do comandante da Ordem de Calatrava, Fernand Gomez de Guzman. O comandante foi morto pelos rebeldes. Esse fato histórico foi reproduzido em sua peça pelo dramaturgo. O conceito de "ordem espiritual" nos leva à profunda antiguidade da Espanha. Já no século XII, ordens espirituais e cavalheirescas, organizações militares e monásticas foram criadas no país para combater os mouros. À frente da ordem estava o Grão-Mestre, que estava sujeito ao conselho da ordem e do Papa. O poder do Grão-Mestre era exercido pelos comandantes dos governadores militares regionais. Essas ordens logo conquistaram vastos territórios, tornaram-se economicamente mais fortes e, por estarem diretamente subordinadas ao Papa, e não ao rei, tornaram-se uma espécie de reduto da anarquia feudal no país. O comandante da Ordem de Calatrava, Fernand Gomez, que está estacionado com o seu destacamento na aldeia de Fuente Ovehuna, comete violência contra os habitantes, insulta o alcalde local e tenta desonrar a sua filha Laurencia. O camponês Frondoso, que a ama, consegue proteger a menina. Mas durante o casamento de Frondoso e Laurencia, o comandante aparece com seus capangas, dispersa os reunidos, espanca o alcalde, quer enforcar Frondoso e sequestra Laurencia para depois tomar posse dela à força. Os camponeses não suportam tamanha desonra: são todos homens,

16 mulheres, crianças sem exceção se armam e espancam os estupradores. Durante a investigação judicial nomeada pelo rei neste caso, quando os camponeses estão sendo torturados, que exatamente mataram Fernand Gomez, tudo como uma resposta: "Fuente Ovejuna!" O rei é forçado a interromper o tribunal: ele "perdoa" os camponeses e toma Fuente Ovejuna sob sua autoridade direta. Tal é o poder da solidariedade popular. O comandante Fernand Gomez, como diz a crônica histórica, tomou posse da cidade de Fuente Ovehuna arbitrariamente, contra a vontade do rei e das autoridades da cidade de Córdoba. Os camponeses que se rebelaram contra ele personificavam não apenas lutadores contra os opressores do povo, mas também lutadores pela unidade política do país, que Lope de Vega enfatizou em sua peça. Isso coincidiu com o programa político das autoridades espanholas. Portanto, foi possível glorificar os camponeses rebeldes com tanta ousadia. Os problemas políticos da peça são interpretados por Lope de Vega numa perspectiva histórica. O casamento do infante aragonês Fernando com Isabel de Castela significou a anexação do reino de Aragão de Castela, ou seja, a unificação de toda a Espanha. Em Lope de Vega, os camponeses de Fuente Ovehuna são devotos de Fernando e Isabel, enquanto o comandante, juntamente com toda a sua ordem, age como um traidor, apoiando as reivindicações ao trono castelhano de outro pretendente, o que levaria à fragmentação de Espanha. Assim, na peça de Lope de Vega, a unidade nacional, a nacionalidade e a verdadeira nobreza estão internamente ligadas. O personagem central da peça Laurencia. Esta é uma simples camponesa. Charmoso, orgulhoso, de língua afiada, inteligente. Ela tem uma auto-estima altamente desenvolvida e não se deixa ofender. Lawrencia é cortejada por meninos da aldeia, mas por enquanto ela e sua amiga Pascuala decidiram que os homens são todos bandidos. Os soldados tentam seduzir Laurencia com presentes, inclinando-a ao favor do comandante, mas a moça responde-lhes com desprezo: A galinha não é tão estúpida, sim, e dura com ele. (Traduzido por K. Balmont) Porém, a moça já sabe que o amor existe no mundo; Ela já tem uma certa filosofia a esse respeito. Em uma das cenas da peça, começa uma disputa de amor entre meninos e meninas camponeses. O que é o amor? Existe mesmo? O camponês Mengo, um dos personagens mais interessantes da peça, nega o amor. Barrildo discorda dele: Se não existisse o amor, também não existiria o mundo. (Traduzido por K. Balmont)

17 Este julgamento é assumido por outros. O amor, segundo Laurencia, é “o desejo de beleza” e seu objetivo final é “saborear o prazer”. Diante de nós está a filosofia de afirmação da vida do Renascimento. O personagem de Laurencia não é revelado imediatamente ao espectador. Ainda não sabemos que poderes de alma esta camponesa esconde em si mesma. Aqui está a cena à beira do rio: Laurencia está lavando roupas, o camponês Frondoso, definhando de amor por ela, conta a ela sobre seus sentimentos. A despreocupada Laurencia ri dele. Ela fica feliz em zombar de seu amante, mas ela gosta dele, esse jovem honesto e verdadeiro. O comandante aparece. Ao vê-lo, Frondoso se esconde, e o comandante, acreditando que a moça está sozinha, gruda-se rudemente nela. Laurencia está em grande perigo e ela não tem escolha a não ser pedir ajuda. Ela não menciona o nome de Frondoso, que se escondeu atrás de um arbusto, ela grita para o céu. Aqui está um teste para a coragem de Frondoso: seu amor é forte, ele é altruísta o suficiente? E o jovem corre para o resgate. Ele é ameaçado de morte, mas salva a garota. Frondoso é forçado a se esconder. Os soldados do comandante o caçam para pegá-lo e executá-lo. Mas ele é descuidado. Ele procura conhecer Laurencia, ele a ama e mais uma vez lhe conta sobre seu amor. Agora a garota não pode deixar de amá-lo, ela está pronta para se casar com ele. Assim, a descuidada Laurencia, que considerava todos os homens enganadores e malandros, apaixonou-se. Tudo promete sua felicidade. O casamento deve acontecer em breve. Os pais dos jovens concordam em uni-los. Enquanto isso, o comandante e seus soldados são ultrajantes, transbordando o cálice da paciência do povo. Coisas terríveis estão acontecendo em Fuente Ovehuna. Mas o poeta não pode ficar sombrio, falando mesmo sobre isso. Humores de desânimo e pessimismo são estranhos para ele, assim como para seus heróis camponeses. O espírito de alegria e fé na verdade está invisivelmente presente no palco. Frondoso e Laurencia são casados. Os camponeses cantam canções salutares. A procissão do casamento é ultrapassada pelo comandante com seus soldados. O comandante manda apreender os dois. E a multidão festiva se espalha, jovens cônjuges são capturados, pais infelizes lamentam seus filhos. Frondoso é ameaçado de morte. Depois de longas torturas, assédio sujo, Laurencia foge do comandante. E como ela mudou! Ela apareceu na assembléia nacional, onde as mulheres não eram permitidas: Eu não preciso do direito de voto, Uma mulher tem o direito de reclamar (Traduzido por K. Balmont) Mas ela não veio aqui para reclamar, mas para expressar seu desprezo para homens miseráveis ​​que são incapazes de se defender. Ela recusa o pai. Ela denuncia camponeses covardes:

18 Vocês são ovelhas, e a Chave da Ovelha é perfeita para vocês viverem!... Vocês são selvagens, não espanhóis, covardes, filhos de lebre. Infeliz! Você dá suas esposas a homens estranhos! Por que você carrega espadas? Pendure do lado do fuso! Eu juro a você, vou providenciar para que as próprias mulheres lavem sua honra manchada No sangue de tiranos traiçoeiros, E eles vão te deixar no frio (Traduzido por K. Balmont) O discurso de Laurencia incendiou os camponeses, eles se rebelaram. A fúria dos rebeldes é impiedosa. O comandante é morto. Alegre e tímida, uma camponesa bastante comum no início da peça, Laurencia no decorrer da ação se torna a reconhecida líder dos rebeldes. E não apenas o ressentimento pessoal e o amor por Frondoso guiam suas ações, mas também os interesses comuns da aldeia. A peça termina com um final feliz. Os camponeses venceram. E não poderia ser diferente, porque a vida sempre vence. Esta é a principal diferença entre Lope de Vega e os poetas e dramaturgos barrocos. A essência da questão não está nos temas e tramas, nem nos acontecimentos retratados, mas na atitude do autor em relação a esses temas, tramas e acontecimentos. B. Originalidade ideológica e artística do drama "A Estrela de Sevilha" (1623) A peça se passa em Sevilha, centro da Andaluzia, na antiguidade, quando o país era governado pelo rei camponês Sancho IV, o Temerário. O conflito se desenvolve entre o rei, que não considera a dignidade humana alheia, e a velha Espanha, que preserva as tradições e vive de acordo com as leis da alta honra. Dois conceitos de honra determinam o desenvolvimento do conflito. Ambos estão personificados no personagem central Sancho Ortiz. O rei gostava de Estrella, apelidada pelo povo pela sua beleza de "Estrela de Sevilha". Ele quer se apoderar da beldade, mas o irmão da moça, Busto Tabera, atrapalha. Encontrando o rei em sua casa, ele corre para ele com uma espada. O monarca decide matar o inimigo, mas para isso usa o nobre Sancho Ortiz, noivo de Estrella. O rei joga com a honestidade de Sancho. Antes de ordenar o assassinato de Busto Tabera, leva Sancho para uma conversa franca sobre

19 devoção e lealdade ao rei e leva sua palavra para cumprir todas as ordens do mestre sem questionar. Conhecendo muito bem a natureza orgulhosa de Sancho, ele entrega ao jovem um papel justificando todas as ações subsequentes, mas Sancho o rasga. E só depois que o rei finalmente se convenceu da prontidão de Sancho em vingar o insulto ao monarca, ele dá uma ordem escrita com o nome da vítima e sai imediatamente com uma observação indicando total indiferença ao destino de seus subordinados: Leia depois e descobrir quem você tem que matar. Embora o nome possa confundir você, mas não desista (Traduzido por T. Shchepkina-Kupernik) Ao saber que deve matar Busto Taber, seu melhor amigo e irmão de Estrella, Sancho se depara com uma escolha: cumprir a ordem do rei ordem ou recusar. Em ambos os casos, ele é refém da honra. Pela primeira vez, o dramaturgo falou sobre a falta de liberdade de uma pessoa em uma sociedade desumana e a falta de sentido da vida. Sancho mata Busto Tabera e perde Estrella para sempre. O clímax do debate sobre a honra será a cena do tribunal, em que Sancho se recusa a nomear o mandante do assassinato. Centrando-se nas questões de honra e nas tradições da velha Espanha, Lope de Vega sublinhou ao mesmo tempo que, educado no espírito dessas tradições, Sancho Ortiz se torna refém delas, tornando-se um instrumento nas mãos do poder régio. Uma característica da peça é que o autor introduz na narrativa cênica o sabor histórico inerente à época de Sancho IV, o Ousado, o que confere à ação uma poesia emocionante. Como muitas outras obras, a "Estrela de Sevilha" também é caracterizada pelo humor, uma piada maliciosa. Imediatamente após a explicação patética dos jovens amantes, ele faz com que os criados, que acabaram sendo testemunhas acidentais desse acontecimento, parodiem seus mestres. Aqui, Lope de Vega segue a sua tradição, trazendo "sublime e engraçado" para a narrativa cénica. Lista de literatura recomendada e usada 1. Artamonov, S.D. História da literatura estrangeira dos séculos XVII-XVIII / S.D. Artamonov. Moscou: Iluminismo, S. Artamonov, S.D. Literatura estrangeira dos séculos XVII-XVIII: uma antologia. Proc. subsídio para estudantes. ped. in-tov / S.D. Artamonov. M.: Iluminismo, S.

20 3. Vipper, Yu.B., Samarin, R.M. Um curso de palestras sobre a história das literaturas estrangeiras do século XVII / Yu.B. Vipper, R. M. Samarim; ed. SS Ignatov. M.: Universitetskoe, S Erofeeva, N.E. Literatura estrangeira. Século XVII: um livro didático para pedagogos. universidades / N.E. Erofeev. Moscou: Bustard, S Plavskin, Z.I. Lope de Vega / Z.I. Plavskin. M.; L., s. 6. Stein, A.L. História da Literatura Espanhola / A.L. Fosco. 2ª ed. Moscou: Editorial URSS, S

21 Aula 2 Literatura barroca espanhola do século XVII Plano 1. Características do desenvolvimento da literatura barroca espanhola. 2. Escolas literárias do barroco espanhol. 3. Luis de Gongora como um dos principais representantes das letras do barroco espanhol. 4. Dramaturgia barroca espanhola (Calderon). 5. Francisco de Quevedo e a prosa barroca espanhola. 1. Características do desenvolvimento da literatura barroca espanhola Século XVII na Espanha, a era do declínio econômico mais profundo, crise política e reação ideológica. Quando um estado espanhol unificado surgiu no final do século XV e a Reconquista foi concluída, nada parecia pressagiar uma rápida catástrofe. A colonização serviu primeiro como um impulso para o desenvolvimento da economia, o surgimento das primeiras relações burguesas na indústria e no comércio. Muito em breve, porém, o profundo declínio do estado espanhol, sua economia e política, foi revelado. O ouro da América permitiu que as classes dominantes e o poder real da Espanha negligenciassem o desenvolvimento da indústria e do comércio domésticos. Como resultado, no final do século 16, a indústria definhou. Ramos inteiros de produção desapareceram, o comércio estava nas mãos de estrangeiros. A agricultura entrou em colapso. O povo mendigava e a nobreza e o alto clero se afogavam no luxo. As contradições sociais e nacionais dentro do país aumentaram drasticamente. Em 1640, uma revolta separatista generalizada começou na Catalunha (a região mais industrializada da então Espanha), acompanhada por inúmeras revoltas e motins camponeses. Gradualmente, a Espanha começou a perder suas colônias. Tudo isso não poderia deixar de deixar uma marca na literatura espanhola do século XVII. Características distintivas da literatura espanhola do século XVII: 1) durante as primeiras décadas do século XVII, a arte renascentista manteve uma posição forte na Espanha, embora já apresentasse características de crise. Os principais escritores estão se tornando cada vez mais conscientes da inconsistência interna dos ideais do Renascimento, sua inconsistência com a realidade sombria;

22 2) o sistema artístico dominante na Espanha ao longo do século foi o barroco. Suas tendências são inerentes à obra dos artistas do século XVII Velázquez (“Vênus diante de um espelho”), Murillo (“Jesus distribui pão aos andarilhos”), entre outros. A interação do Barroco e do Renascimento na Espanha foi mais intenso do que em outros países da Europa Ocidental. Não é por acaso que na obra de grandes figuras da literatura do barroco espanhol Quevedo, Calderon e outros, ecos de ideais e problemas renascentistas são claramente traçados; 3) A arte barroca espanhola era voltada para a elite intelectual. Em geral, a arte do barroco espanhol se distingue por: severidade e tragédia; destacando o princípio espiritual; o desejo de escapar das garras da prosa da vida. Na segunda metade do século XVII, caracterizou-se por um aumento das tendências místicas. 2. Escolas literárias do barroco espanhol Na literatura do barroco espanhol (especialmente na primeira metade do século) houve uma luta entre suas duas principais escolas de cultismo (cultarianism) e conceptismo. O cultismo (do espanhol cultos processados, cultivados) foi projetado para ser percebido por pessoas selecionadas e educadas. Não aceitando a realidade, opondo-a ao mundo perfeito e belo da arte, os cultistas usaram a linguagem principalmente como meio de rejeitar a feia realidade. Eles criaram um "estilo sombrio" especial, sobrecarregando as obras com metáforas incomuns e complexas, neologismos (principalmente de origem latina) e construções sintáticas complexas. O maior e mais talentoso poeta-cultista foi Gongora (é por isso que o cultismo também é chamado de Gongorismo). O conceptismo (do pensamento espanhol conceito), em contraste com o cultismo, afirmava expressar a complexidade do pensamento humano. A principal tarefa dos conceptistas é revelar conexões profundas e inesperadas entre conceitos e objetos que estão distantes uns dos outros. Os conceitualistas exigiam o máximo de riqueza semântica do enunciado. Os truques favoritos dos conceptistas são o uso da polissemia de uma palavra, um trocadilho, a destruição de frases estáveis ​​​​e familiares. Sua linguagem é mais democrática do que a linguagem dos cultistas, mas não menos difícil de entender. Não é por acaso que o proeminente filólogo espanhol R. Menendez Pidal chamou o estilo dos conceitualistas de "estilo difícil". Os escritores conceituais mais proeminentes foram Quevedo, Guevara e Gracian (este último também é um teórico conceitual).

23 No entanto, ambas as escolas têm mais em comum do que diferenças. Ambas as direções, acima de tudo, colocaram uma metáfora em que a "mente rápida" combinava conceitos inesperados e distantes, combinava o incongruente. Com extrema adesão aos seus dogmas, as escolas enriqueceram a literatura com novos meios expressivos e influenciaram seu desenvolvimento posterior. O cultismo foi mais vividamente incorporado na poesia, o conceptismo na prosa. E isso não é coincidência. Os cultistas expressaram as nuances mais sutis de sentimento: sua poesia é emocionalmente saturada. Os conceituais transmitiam toda a riqueza e flexibilidade do pensamento agudo: sua prosa é seca, racionalista, espirituosa. 3. Luis de Gongora como um dos principais representantes das letras do barroco espanhol Luis de Gongora y Argote () um dos poetas mais complexos e talentosos da literatura mundial, há muito é considerado "abstruso", "escuro", inacessível ao leitor comum . O interesse por sua obra reviveu no século XX através dos esforços de poetas como R. Dario e F. Garcia Lorca. As obras de Gongora não foram publicadas durante sua vida. Eles foram publicados postumamente na coleção Works in the Verses of the Spanish Homer (1627) e na coleção de suas obras, publicada em 1629. Romance, letrilla (formas populares de poesia folclórica), soneto, poema lírico - gêneros nos quais o poeta imortalizou seu nome. Gongora criou um "estilo sombrio" especial na poesia, que excluía a leitura impensada da poesia e era para ele uma espécie de meio de rejeitar a feia realidade. De grande importância para a formação do estilo do poeta foram as letras medievais árabe-andaluzas (Gongora nasceu em Córdoba, antiga capital do califado árabe, que manteve as tradições de uma cultura milenar). Ela reproduziu a realidade em dois planos, real e condicional. A substituição constante de um plano real por um metafórico é o recurso mais comum na poesia de Gongora. Os temas de seus poemas são quase sempre simples, mas sua implementação é extremamente difícil. Suas linhas precisam ser desvendadas, e este é seu cenário criativo consciente. O autor acreditava que a imprecisão das expressões, o "estilo sombrio" induz a pessoa à atividade e à co-criação, enquanto as palavras e expressões habituais e obliteradas acalmam sua consciência. Por isso satura seu discurso poético com neologismos e arcaísmos exóticos, usando palavras familiares em um contexto inusitado, e abandona a sintaxe tradicional. A poesia de Gongora demonstra a multiplicidade de pontos de vista sobre o assunto (pluralismo) e a ambigüidade da palavra, típica do sistema artístico barroco. Em seu vocabulário poético há peculiaridades

24 palavras-chave sobre as quais se constrói todo um sistema de metáforas: cristal, rubi, pérola, ouro, neve, cravo. Cada um deles, dependendo do contexto, adquire um ou outro significado adicional. Assim, a palavra "cristal" pode significar não apenas água, uma fonte, mas também o corpo de uma mulher ou suas lágrimas. "Ouro" é ouro de cabelo, ouro de azeite, ouro de favo de mel; “neve voadora” um pássaro branco, “neve girada” uma toalha de mesa branca, “neve fugindo” o rosto branco como a neve de uma pessoa amada. Nos anos ainda muito jovem, Gongora cria cerca de 30 sonetos, que escreve a partir de Ariosto, Tasso e outros poetas italianos. Já esses, muitas vezes ainda poemas de estudantes, são caracterizados pela originalidade da intenção e polimento cuidadoso da forma. A maioria deles é dedicada ao tema da fragilidade da vida, da fragilidade da beleza. O motivo do famoso soneto "Enquanto o velo do seu cabelo flui" remonta a Horácio. Foi desenvolvido por muitos poetas, incluindo Tasso. Mas mesmo no trágico Tasso, não soa tão desesperador quanto em Gongora: a beleza não vai apenas desbotar ou desbotar, mas vai se transformar em um Nada todo-poderoso ... Corra para saborear o prazer do poder Escondido na pele, no cacho, na boca. Até que o buquê de seus cravos e lírios Não só inglório não murchou, Mas os anos não te transformaram em cinzas e terra, em cinzas, fumaça e pó. (Tradução de S. Goncharenko) A desarmonia do mundo, em que a felicidade é passageira diante do todo-poderoso Nada, é enfatizada pela composição harmoniosa do poema, pensada nos mínimos detalhes. O estilo poético de Gongora foi mais plenamente expresso em seus poemas The Tale of Polyphemus and Galatea (1612) e Solitude (1614). O enredo de Polifemo e Galatea é emprestado das Metamorfoses de Ovídio. Gongora foi atraído pelo enredo com seu personagem fantástico e imagens caprichosas. Partindo da imagem clássica, Gongora criou um poema barroco completo e perfeito, mais lírico do que narrativo. Ela é internamente musical. O pesquisador da obra de Gongora Belmas comparou-a com uma sinfonia. O poema, escrito em oitavas, é construído sobre as antíteses do mundo belo e brilhante de Galatea e seu amado Asis e o mundo sombrio de Polifemo, bem como a aparência feia do Ciclope e aquele sentimento gentil e poderoso que o preencheu completamente . No centro do poema está o encontro de Asis e Galatea. Não ouvimos a fala deles, é uma pantomima ou balé silencioso. A data parece um idílio, imbuída do espírito de harmonia e serenidade. Ele é interrompido pelo aparecimento de um monstro enfurecido pelo ciúme. Amantes correm, mas desastre

25 os ultrapassa. Irritado, Polifemo joga uma pedra em Assis e o enterra sob ela. Asis se transforma em um riacho. Gongora leva o leitor ao pensamento: o mundo é desarmonioso, a felicidade é inatingível nele, a beleza morre nele, assim como a bela Asis morre sobre os fragmentos de uma rocha. Mas a desarmonia da vida é equilibrada pela estrita harmonia da arte. O poema está completo. E com toda a desarmonia interna, tem um equilíbrio de suas partes constituintes. O verdadeiro auge da obra de Gongora é o poema "Solidão" (apenas a "Primeira Solidão" e parte da "Segunda" das 4 partes planejadas foram escritas). O próprio nome é ambíguo e simbólico: a solidão dos campos, das florestas, dos desertos, do destino humano. As andanças do andarilho solitário, o herói do poema, são percebidas como um símbolo da existência humana. Praticamente não há enredo no poema: um jovem sem nome, decepcionado com tudo, sofrendo por um amor não correspondido, em decorrência de um naufrágio acaba em uma praia desabitada. A trama serve apenas de pretexto para revelar as associações mais sutis da consciência do herói contemplando a natureza. O poema é supersaturado de imagens, metáforas, na maioria das vezes baseadas na fusão em uma imagem de conceitos muito distantes um do outro (o chamado "concetto"). A compactação figurativa do verso levado ao limite cria o efeito de "escuridão" do estilo. Assim, vemos que a obra de Gongora exigia um leitor atento, educado, familiarizado com mitologia, história, conhecedor de historicismos e aforismos. Para um leitor perfeito, sua poesia, é claro, é mais compreensível, mas para os contemporâneos de Gongora parecia misteriosa e sobrenatural. 4. Dramaturgia Barroca Espanhola (Calderón) O drama barroco formou-se no contexto da intensa luta ideológica do teatro. Os partidários mais fanáticos da contra-reforma repetidamente apresentaram demandas pela proibição de apresentações teatrais seculares. No entanto, não apenas as figuras humanistas do teatro espanhol, mas também representantes moderados da elite dominante da sociedade se opuseram a essas tentativas, vendo no teatro um meio poderoso de afirmar seus ideais. No entanto, desde o início do século XVII, as classes dominantes atacaram cada vez mais resolutamente as forças democráticas que se estabeleceram no teatro espanhol. Este objetivo foi alcançado pela redução do número de grupos teatrais, pelo estabelecimento de uma rigorosa censura secular e eclesiástica sobre o repertório e, em particular, pela restrição gradual das atividades dos teatros públicos da cidade (os chamados "currais") e o fortalecimento do papel dos teatros da corte. O legislador da moda teatral, claro, não é uma massa violenta e rebelde de citadinos, como nos "currais",

O processo histórico e literário da ILP é um conjunto de fenômenos geralmente significativos na literatura ao longo do tempo e sob a influência de eventos históricos. O desenvolvimento do processo literário é determinado pelos seguintes

Uma alegoria é uma alegoria, quando outro conceito está oculto sob uma imagem específica de um objeto, pessoa, fenômeno. A aliteração é a repetição de consoantes homogêneas, conferindo ao texto literário um caráter especial

Anotação da disciplina acadêmica Nome da disciplina Principais programas educacionais, que incluem a disciplina Literatura dos países de língua principal (espanhol) Linguística 035700 Volume da disciplina Volume

Gêneros de estilo artístico de discurso O estilo artístico é usado na ficção. Afeta a imaginação e os sentimentos do leitor, transmite os pensamentos e sentimentos do autor, usa toda a riqueza

Composição sobre o tema da batalha por uma pessoa na tragédia de Fausto A tragédia de Fausto de Johann Wolfgang Goethe: um resumo Deve trazer alegria e diversão para uma pessoa, e é melhor fazê-lo, irmão Valentine.

Literatura russa do século XIX no contexto da literatura mundial (palestra) Svyatova E.N., professora de língua e literatura russa, Ginásio 343, São Petersburgo

Compondo o tema dos principais temas da poesia da Idade da Prata Temas da poesia da Idade da Prata. A imagem de uma cidade moderna na poesia de V. Bryusov. A cidade na obra de Blok. Tema urbano na obra de V.V. Contextual

Um gênio para todos os tempos No 450º aniversário de seu nascimento Em Shakespeare O mundo inteiro é um teatro Nele, mulheres, homens, todos os atores Têm suas próprias saídas, saídas, E cada um faz mais de um papel Em Shakespeare a Uma breve biografia de Guilherme

Anotação ao programa de trabalho sobre literatura nas classes 6-9 MBOU SOSH 56 para o ano letivo de 2014-2015

Instituição educacional orçamentária do estado escola secundária 392 com estudo aprofundado da língua francesa do distrito de Kirovsky de São Petersburgo Adotado pelo Pedagógico

Disciplina de literatura Estágio (séries) escola básica (5ª a 9ª séries) Documentos regulamentares Materiais didáticos implementados Metas e objetivos do estudo da disciplina Padrão educacional do estado federal do principal geral

Uma característica distintiva do Renascimento é a natureza secular da cultura e sua. O termo Renascimento já é encontrado entre os humanistas italianos, por exemplo, Giorgio ... O teatro e o drama foram amplamente utilizados.

Maneirismo do italiano "maniera" "maneira", "estilo", é traduzido como pretensão. Estilo é um conjunto de características que caracterizam a arte de uma determinada época, direção ou estilo individual do artista.

Um ensaio sobre o tema das características artísticas do romance de Pushkin evgeny onegin As digressões líricas de Pushkin no romance Eugene Onegin sobre a criatividade, sobre o amor na vida do poeta. Amor pelo realismo e fidelidade

Programa de trabalho sobre música para o 2.º ano Resultados previstos do estudo da disciplina "Música" No final da formação do 2.º ano, os alunos são capazes de: - demonstrar um interesse constante pela música; - mostre vontade

Resultados planejados (no âmbito do Padrão Educacional Estadual Federal de Educação Geral - pessoal, disciplina e meta-disciplina) do desenvolvimento da disciplina de artes plásticas na 7ª série. Resultados pessoais de dominar as artes plásticas

Kovaleva T. V. TRADUÇÃO LITERÁRIA E A PERSONALIDADE DO TRADUTOR A tradução literária é um tipo de criatividade literária, durante a qual uma obra que existe em um idioma é recriada em outro.

SE Lyubimov, TI Mitsuk O PROBLEMA DO HOMEM E DA LIBERDADE DE VONTADE NA ÉTICA DE TOLSTOI A formação das opiniões de Tolstoi foi muito influenciada pela religião cristã. A princípio, Tolstoi compartilhou completamente,

Fabulistas Esopo (440-430 aC) Segundo as lendas, ele era um velho, participante de festas, um sábio interlocutor. Ele era um escravo, mas mais esperto que os cidadãos livres, feio, mas com uma bela alma. Esopo. Diego Velazquez

O papel da música clássica na vida de uma criança Amantes e conhecedores não nascem, tornam-se... Para se apaixonar pela música é preciso antes de tudo ouvi-la... Amar e estudar a grande arte da música. vai abrir

Administração da cidade de Magnitogorsk Instituição educacional municipal "Internato especial (correcional) 4" da cidade de Magnitogorsk 455026, região de Chelyabinsk, Magnitogorsk,

Ministério da Educação e Ciência da Federação Russa

Um ensaio sobre o tema da originalidade artística do romance Quiet Don O romance Quiet Don, que recebeu reconhecimento mundial, é um épico, e (mais de 700) é determinado pela originalidade do gênero do romance de Sholokhov. Ainda não vendo

1 Educação estética de crianças em aulas de música em uma organização educacional pré-escolar A tarefa mais importante da educação musical e estética é a formação da capacidade de perceber e

ORÇAMENTO MUNICIPAL INSTITUIÇÃO GERAL DE EDUCAÇÃO DA CIDADE DISTRITO DE TOLYATTI "ESCOLA 11" Despacho 130 de 14/06/2016

Plano para a análise de uma obra lírica (5ª a 7ª séries). 1. Tema do poema: paisagem, letras de amor, letras filosóficas, letras sociais (sobre o que é o texto?) 2. Enredo: imagens principais, eventos, sentimentos, humores

67 O PAPEL DAS ARTES NA FORMAÇÃO E DESENVOLVIMENTO DA PERSONALIDADE DO ESCOLAR Palestra de Loginova SA, professora de artes plásticas A formação e o desenvolvimento da personalidade de uma criança são complexos. Naquilo

E SOBRE. Shaitanov História da Literatura Estrangeira Renascimento WORKSHOP MOSCOU Dpofa 2009 Conteúdo Workshop: notas explicativas 3 Visão moderna do Renascimento: fundamentação teórica

Drama como uma espécie de literatura Teoria da literatura. Análise literária de uma obra de arte Drama (grego: drama, lit. action)

Instituição educacional orçamentária municipal Escola secundária Vasilchinovskaya Aprovado pelo Diretor I.A. Korneeva Order of 2017 PROGRAMA DE TRABALHO sobre a cultura artística mundial

Programa de trabalho de literatura 5ª a 9ª série RESUMO O programa de trabalho é baseado no Padrão Estadual Federal de Educação Geral, Programa Modelo de Educação Geral Secundária Completa

Mikhail Bulgakov é um escritor com um destino incomum: a parte principal de sua herança literária tornou-se conhecida do mundo da leitura apenas um quarto de século após sua morte. Ao mesmo tempo, seu último romance "Mestre

APÊNDICE 1.22 Instituição educacional orçamentária municipal da cidade de Mtsensk "Escola Secundária 7" PROGRAMA DE TRABALHO sobre o assunto "Arte (MHK)" Série: 10-11 Nível de ensino:

Concluído por: Golubeva K. Professor: Nemesh N.A. É. Turgenev (1818 1883) Biografia de I.S. Turgenev nasceu em 28 de outubro (9 de novembro) de 1818 em Orel. Seus anos de infância foram passados ​​no "ninho nobre" da família - a propriedade

ESTUDO DO CONCEITO "AMOR" EM UMA LIÇÃO DE LITERATURA NO ENSINO MÉDIO (NO EXEMPLO DAS LETRAS DE M.I. TsVETAEVA) Izmailova E.A. Aluno de Pós-Graduação, Departamento de Tecnologias Educacionais em Filologia, Estado da Rússia

Ministério da Educação e Ciência da Federação Russa Instituição Educacional Orçamentária do Estado Federal de Ensino Profissional Superior "Moscow Architectural Institute (State Academy)" (MARCHI) Departamento "Desenho"

ANOTAÇÃO AOS PROGRAMAS DE TRABALHO DA EDUCAÇÃO GERAL BÁSICA EM LITERATURA. Status do documento Nota explicativa Os programas de trabalho em literatura são baseados no componente federal do estado

Nova história 1500-1800. (Sétima série) O currículo usa o seguinte kit educacional e metodológico: Livros didáticos: "Nova História 1500-1800" Yudovskaya A.Ya., Baranov P.A., Vanyushkina L.M., - M .: "Iluminismo",

Instituição de Ensino Geral Autónoma Municipal "Escola Secundária 3" Eu aprovo: diretor da escola secundária MAOU 3 despacho 196 de 30 de agosto de 2017. "P

Um ensaio sobre o tema do destino da geração de 1830 nas letras de Lermontov Desde muito jovem, Lermontov reflete sobre o destino, sobre um destino elevado, passou dois anos em um nobre internato de Moscou e, em 1830, ingressou

Anotação ao programa de trabalho em literatura da 5ª série O programa de trabalho em literatura para a 5ª série foi desenvolvido com base nos seguintes documentos: 1. Norma Educacional do Estado Federal

Desenvolvimento musical e estético de pré-escolares. A influência da música no desenvolvimento integral da personalidade da criança Preparado pelo diretor musical Churakova N.L. A história nos ensina que a arte é

CALENDÁRIO E PLANEJAMENTO TEMÁTICO Para o ano letivo 2013-2014 Nota: 7ª Classe: história Carga horária segundo o currículo: história - 68, 2 horas semanais. 1. Compilado com base no programa de educação geral

Seção 4. HISTÓRIA DO NOVO TEMPO Tópico 4.2.Países da Europa e América do Norte nos séculos XVI-XVIII. Aula 4.2.2. A ascensão do absolutismo nos países europeus. Idade da iluminação. Plano 1. O conceito de absolutismo. 2.

NOTA EXPLICATIVA O objetivo do programa é ajudar o aluno, dominando criativamente sua língua nativa, a dominar a experiência espiritual da humanidade. Este objetivo determina as seguintes tarefas:. O aluno deve aprender as leis de uso

Pavel Andreevich Fedotov é uma figura solitária e trágica da arte russa de meados do século XIX. Como muitas pessoas talentosas da época, ele viveu e morreu insuficientemente compreendido e apreciado por seus contemporâneos. Destino

Anotação ao programa de trabalho em literatura Nota: 5 Nível de estudo do material didático: material didático básico, livro didático: O programa de trabalho é compilado de acordo com o conteúdo mínimo obrigatório de literatura

I. Resultados planejados do domínio da língua nativa (russo) e da literatura nativa na 8ª série. Os alunos devem saber: o significado dos meios visuais de fonética, vocabulário, sintaxe; uso de vários

ENSAIO FINAL 2017/2018 DIREÇÃO TEMÁTICA "LOIY AND TRAISON". No âmbito da direção, pode-se falar em fidelidade e traição como manifestações opostas da personalidade humana, considerando

(195º aniversário de N.A. Nekrasov) (10.12.1821-08.01.1878) 6+ “Dediquei a lira ao meu povo Talvez eu morra, desconhecido para eles. Mas eu o servi e meu coração está calmo "Na história da literatura russa, Nikolai Alekseevich

Grau 7 "História da Rússia do final do século XVI ao final do século XVIII", "História da Nova Era". O programa de trabalho foi desenvolvido com base no componente federal do Padrão Estadual de Educação Geral Básica

Anotação ao programa de trabalho na literatura (FSES). O programa de trabalho em literatura para 5ª a 9ª séries foi desenvolvido com base em um programa exemplar de educação geral básica em literatura, levando em consideração as recomendações

Prata Literatura da virada do século e início do século XX. reflexo das contradições e buscas da época. Vida literária ativa: livros e revistas, noites e concursos de poesia, salões literários e cafés,

Solodchik Olga 7-Zh A literatura russa do século 18 percorreu um longo caminho em seu desenvolvimento: do classicismo ao sentimentalismo, do ideal de um monarca esclarecido às experiências íntimas de uma pessoa. classicismo russo

Depois de estudar este capítulo, o aluno irá:

saber

• sobre a existência de vários princípios de periodização do processo histórico-cultural;
• causas da crise do humanismo renascentista;
• o conteúdo do novo conceito de homem, formado no século XVII;
• os princípios básicos da estética e da poética do classicismo e do barroco;

ser capaz de

• destacar o protagonista no conteúdo do século XVII, que determina a sua especificidade enquanto época cultural e histórica especial;
• caracterizar as mudanças de atitude e perspectiva de uma pessoa do século XVII;
• identificar elementos da poética barroca e clássica numa obra de arte;

ter

• uma ideia das principais tendências do processo histórico e cultural do século XVII;
• a ideia da relatividade do confronto entre barroco e classicismo;
• as principais disposições da poética e estética do classicismo.

Entre os historiadores e pesquisadores da cultura modernos, há aqueles que desconfiam dos princípios existentes de periodização da história da sociedade humana. Alguns deles acreditam que "a natureza humana sempre busca constância" e, portanto, a busca por diferenças entre gerações sucessivas é fundamentalmente sem sentido. Outros têm certeza de que as mudanças não ocorrem de acordo com alguma lógica histórica, mas sob a influência de personalidades brilhantes individuais, portanto, seria mais razoável chamar os períodos históricos pelos nomes de tais figuras (“A Era de Beethoven”, “ A Era de Napoleão”, etc.) . No entanto, essas ideias ainda não tiveram um impacto perceptível na ciência histórica, e a maioria das humanidades é baseada na periodização tradicional.

Ao mesmo tempo, o século XVII cria algumas dificuldades em determinar sua especificidade como uma época cultural e histórica independente. A complexidade já é indicada pela própria designação terminológica - "Século XVII". Eras adjacentes são chamadas de "Renascimento" e "Iluminismo", e já nos próprios nomes há uma indicação do conteúdo dessas épocas e das diretrizes ideológicas fundamentais. O termo "século XVII" marca apenas a posição no eixo cronológico. Repetidas tentativas foram feitas para encontrar outras designações para este período (a era da Contra-Reforma, a era do Absolutismo, a era barroca, etc.), mas nenhuma delas criou raízes, pois não refletiam totalmente a natureza do era. E ainda, apesar da inconsistência e heterogeneidade deste período histórico, muitos estudiosos apontam para transitividade como a principal característica do século XVII como uma era cultural e histórica.

Em uma perspectiva histórica ampla, qualquer época é transitória de uma etapa histórica para outra, mas o século XVII ocupa uma posição especial nessa série: ele atua como um elo entre o Renascimento e o Iluminismo. Muitas tendências em várias esferas da vida da sociedade européia, que se originaram nas profundezas do Renascimento, receberam sua conclusão lógica e formalização apenas no século 18, então o século “interino” tornou-se um momento de mudanças radicais. Essas mudanças afetaram principalmente a economia: as relações feudais foram ativamente substituídas pelas capitalistas, o que levou ao fortalecimento da posição da burguesia, que passou a reivindicar um papel mais influente na sociedade da Europa Ocidental. Em grande medida, a luta da nova classe por um lugar ao sol provocou cataclismos sociais em vários países - a revolução burguesa na Inglaterra, que culminou na execução do rei Carlos I, a tentativa de golpe de estado na França no meados do século, chamado de Fronda, as revoltas camponesas que varreram a Itália e a Espanha.

Como o fortalecimento de novas relações econômicas nos países da Europa Ocidental ocorreu em ritmos diferentes, o equilíbrio de poder na arena internacional também sofreu mudanças no século XVII. Espanha e Portugal perderam seu antigo poder econômico e influência política, Inglaterra, Holanda e França, onde o capitalismo se desenvolveu com mais dinamismo, entraram na vanguarda da história européia. Esta nova redistribuição da Europa Ocidental serviu de pretexto para a Guerra dos Trinta Anos (1618-1648), uma das mais longas e sangrentas guerras dos tempos modernos. Neste conflito militar, em que a Liga dos Habsburgos, que unia principalmente países católicos (Espanha, Áustria, os principados católicos da Alemanha), se opôs aos príncipes protestantes da Alemanha, França, Suécia, Dinamarca, apoiados pela Inglaterra e Holanda. Segundo os historiadores, mais de 7 milhões de pessoas de uma população de 20 milhões morreram apenas da Liga dos Habsburgos. Não é de surpreender que os contemporâneos tenham comparado este evento com o Juízo Final. A descrição dos horrores da Guerra dos Trinta Anos é frequentemente encontrada nas obras da literatura alemã desse período. Uma imagem extensa e muito sombria dos desastres que se abateram sobre a Alemanha durante os anos de guerra foi apresentada por Hans Jakob Christoffel Grimmelshausen em seu romance As Aventuras de Simplicius Simplicissimus (1669).

A base do conflito entre os estados europeus não eram apenas contradições econômicas e políticas, mas também religiosas. No século XVII a Igreja Católica, a fim de corrigir suas posições quebradas e recuperar sua influência anterior, inicia uma nova rodada de luta contra a Reforma. Este movimento é chamado Contra-reformas. A Igreja, consciente das possibilidades propagandísticas da arte, encoraja a penetração nela de temas e motivos religiosos. A cultura barroca revelou-se mais aberta a essa introdução, voltou-se com mais frequência e boa vontade para tramas e imagens religiosas. É natural que um dos países onde o barroco viveu seu apogeu tenha sido a Espanha, principal reduto da Coitreformação na Europa.

literatura do seculo 17

Desde o século XVII, é costume contar o Novo Tempo na história da civilização humana. Ocupando uma posição fronteiriça entre o Renascimento (séculos XIV-XVI) e o Iluminismo (século XVIII), o século XVII tirou muito do Renascimento e muito deixou para trás.

As principais tendências literárias do século XVII foram o Barroco e o Classicismo.

O barroco desempenha um papel significativo na literatura do século XVII. Os sinais de um novo estilo começaram a aparecer no final do século XVI, mas foi no século XVII que se tornou o seu apogeu. O barroco é uma resposta à instabilidade social, política, económica, a uma crise ideológica, à tensão psicológica da época fronteiriça, é a vontade de repensar criativamente o desfecho trágico do programa humanístico do Renascimento, é a procura de uma saída de um estado de crise espiritual.

O conteúdo tragicamente sublime também determinou as principais características do barroco como método artístico. As obras barrocas são caracterizadas pela teatralidade, natureza ilusória (não é por acaso que o drama de P. Calderon se chama "A vida é um sonho"), antinomia (o choque de princípios pessoais e deveres sociais), o contraste da natureza sensual e espiritual de homem, a oposição do fantástico e do real, do exótico e do ordinário, do trágico e do cômico. O barroco está repleto de metáforas complexas, alegorias, simbolismo, distingue-se pela expressividade da palavra, exaltação dos sentimentos, ambiguidade semântica, mistura de motivos da mitologia antiga com símbolos cristãos. Os poetas barrocos prestaram muita atenção à forma gráfica do verso, criaram poemas "encaracolados", cujas linhas formavam um padrão de coração, estrela, etc.

Tal obra não só poderia ser lida, mas também considerada uma obra de arte. Os escritores proclamaram a originalidade da obra como sua vantagem mais importante, e as características necessárias - a dificuldade de percepção e a possibilidade de várias interpretações. O filósofo espanhol Gracian escreveu: "Quanto mais difícil é conhecer a verdade, mais agradável é compreendê-la." Os artistas da palavra valorizavam muito a sagacidade, os julgamentos paradoxais: “Em nome da vida, não tenha pressa em nascer. / Pressa para nascer - pressa para morrer ”(Gongora).

Os escritores barrocos mais famosos foram: na Espanha Luis de Gongora (1561-1627), Pedro Calderon (1600-1681), na Itália Torquato Tasso (1544-1595), Giambattista Marino (1569-1625), na Alemanha Hans Jacob von Grimmelshausen ( ca. 1621-1676), na Bielo-Rússia e na Rússia Simeão de Polotsk (1629-1680). Os pesquisadores observam a influência do estilo barroco na obra dos escritores ingleses W. Shakespeare e J. Milton.

A segunda tendência literária, que se difundiu no século XVII, é o classicismo. Sua pátria era a Itália (século XVI). Aqui, o classicismo surgiu junto com o teatro antigo revivido e foi originalmente concebido como uma oposição direta ao drama medieval. Os humanistas do Renascimento decidiram especulativamente, sem levar em conta a singularidade de épocas e povos históricos específicos, reviver a tragédia de Eurípides e Sêneca, a comédia de Plauto e Terêncio. Eles foram os primeiros teóricos do classicismo. Assim, o classicismo atuou inicialmente como teoria e prática de imitação da arte antiga: rigor racionalista e lógica da ação cênica, abstração da imagem artística, pathos da fala, poses e gestos majestosos, versos sem rima de onze sílabas. Essas são as características da tragédia Sofonisba de Trissino (1478-1550), escrita no modelo das tragédias de Sófocles e Eurípides e abrindo a era do classicismo europeu.

Amostras de arte clássica foram criadas no século XVII na França. Foi aí que sua teoria se cristalizou.

A doutrina racionalista de Descartes tornou-se a base filosófica do método clássico. O filósofo acreditava que a única fonte de verdade é a razão. Partindo dessa afirmação, os classicistas criaram um rígido sistema de regras que harmonizaria a arte com os requisitos da necessidade razoável em nome da observância das leis artísticas da antiguidade. O racionalismo tornou-se a qualidade dominante da arte clássica.

A orientação da teoria clássica para a antiguidade estava associada principalmente à ideia de eternidade e ao absoluto do ideal de beleza. Essa doutrina confirmou a necessidade de imitação: se em uma época são criados exemplos ideais de beleza, a tarefa dos escritores das épocas subsequentes é chegar o mais próximo possível deles. Daí o rígido sistema de regras, cuja observância obrigatória era considerada uma garantia da perfeição de uma obra de arte e um indicador da habilidade do escritor.

Os classicistas também estabeleceram uma hierarquia claramente regulada de gêneros literários: os limites exatos do gênero e suas características foram determinados. Tragédia, épico, ode estavam em alta. Eles representavam a esfera da vida pública, eventos fatídicos, representavam heróis dignos de um gênero elevado - monarcas, líderes militares, pessoas nobres. Uma característica distintiva era um estilo elevado, sentimentos elevados, na tragédia - conflitos dramáticos, paixões desastrosas, sofrimento desumano. A tarefa dos gêneros altos é chocar o espectador.

Os gêneros baixos (comédia, sátira, epigrama, fábula) refletiam a esfera da vida privada, seu modo de vida e costumes. Os heróis eram pessoas comuns. Tais obras foram escritas em linguagem coloquial simples.

Os dramaturgos classicistas tinham que seguir as regras das "três unidades": tempo (não mais que um dia), lugar (um cenário), ação (sem histórias secundárias). As regras foram estabelecidas para criar a ilusão de certeza.

Um componente importante da teoria clássica é o conceito de tipos gerais de caráter humano. Daí a conhecida abstração das imagens artísticas. Eles enfatizaram características universais e "eternas" (Misanthrope, Miser). Os heróis foram divididos em positivos e negativos.

O caráter de palco dos classicistas é predominantemente unilateral, estático, sem contradições e desenvolvimento. Esta é uma ideia-caráter: é tão aberta quanto a ideia que ela contém exige. A tendência do autor, portanto, se manifesta de maneira bastante direta. Sem a representação do indivíduo, pessoal-indivíduo no caráter humano, era difícil para os classicistas evitar as imagens esquemáticas e convencionais. Seu herói corajoso é corajoso em tudo e até o fim; uma mulher amorosa ama até o túmulo; um hipócrita é hipócrita até o túmulo, mas um avarento é mesquinho. Uma qualidade distintiva do classicismo era a doutrina do papel educacional da arte. Punindo o vício e recompensando a virtude, os escritores classicistas buscavam melhorar a natureza moral do homem. As melhores obras do classicismo estão repletas de alto pathos cívico.

Literatura da Espanha

No início do século XVII, a Espanha estava em um estado de profunda crise econômica. A derrota da "Invencível Armada" (1588) na costa da Inglaterra, a política colonial irracional, a fraqueza do absolutismo espanhol, sua miopia política fizeram da Espanha um país europeu menor. Na cultura espanhola, pelo contrário, foram claramente identificadas novas tendências, que tinham um significado não só nacional, mas também pan-europeu.

Um poderoso eco da cultura renascentista é a obra de um talentoso dramaturgo espanhol Lope de Vega (1562-1635). Representante do realismo renascentista, ele contrastou a tragédia do barroco com energia otimista, visão brilhante, confiança na inesgotabilidade da vitalidade. O dramaturgo também rejeitou a normatividade "científica" da teoria clássica. O escritor afirmou os ideais de amor à vida, buscou a aproximação com o público popular e defendeu a livre inspiração do artista.

A extensa e variada herança dramatúrgica de Lope de Vega - segundo os contemporâneos, ele escreveu mais de 2.000 peças, das quais cerca de 500 foram publicadas - costuma ser dividida em três grupos. O primeiro deles são dramas sócio-políticos, na maioria das vezes construídos em material histórico (Fuente Ovejuna, O Grão-Duque de Moscou).

O segundo grupo inclui comédias cotidianas de natureza amorosa (“Professora de Dança”, “Cão na Manjedoura”, “Menina com Jarro”, “Camponesa de Getafe”, “Estrela de Sevilha”); às vezes são chamadas de comédias de “manto e espada”, já que o papel principal nelas pertence ao jovem nobre, que atua com esse traje característico delas (de capa de chuva e com espada).

O terceiro grupo inclui peças de caráter religioso.

Para entender as peculiaridades da obra dramática de Lope de Vega, o tratado "A nova arte de compor comédias em nossos dias" (1609) é de grande importância. Em essência, formulou as principais disposições da dramaturgia nacional espanhola com foco nas tradições do teatro popular, com o desejo de satisfazer as necessidades do público, com a verossimilhança mostrada no palco e a construção hábil da intriga, a nó firmemente amarrado que não permitiria que a peça se desfizesse em episódios separados.

As obras de arte que se seguiram ao tratado tornaram-se a concretização dos princípios estéticos do escritor. A melhor dessas peças é o drama "Fuente Ovejuna" ("The Sheep Spring", 1614). O drama tem uma base histórica. Em 1476, na cidade de Fuente Ovejuna, eclodiu uma revolta camponesa contra as atrocidades da ordem cavalheiresca de Calatavra e seu comandante, Fernand Gomez de Guzman, que cometeu atrocidades e todo tipo de violência. A revolta terminou com o assassinato do comandante. No drama de Lope de Vega, o Comandante é um tirano e estuprador que usurpa a honra das camponesas, uma das quais, a orgulhosa Laurencia, pede aos aldeões uma justa vingança. Existem muitas imagens vívidas na peça, mas o personagem principal aqui é o povo unido em seu desejo de restaurar a justiça.

As peças de Lope de Vega se distinguem pelo pathos de afirmação da vida, atitude simpática para com as pessoas comuns, fé em sua resistência moral.

Após a rápida ascensão vivida pela Espanha durante o Renascimento, a partir do final da década de 30 do século XVII, os sinais de declínio são cada vez mais nítidos, devido principalmente a razões sócio-políticas. A cessação do influxo de ouro da América, o colapso total da vida econômica interna do país, uma série de falhas na política externa - tudo isso acabou minando o poder econômico e político da Espanha.

Problemas sócio-políticos, a crise da consciência humanista, a mais severa reação feudal-católica, a destruição do sistema feudal como um todo causaram estados de espírito decadentes na sociedade. Uma tentativa de compreender o que está acontecendo, de sair de um estado de crise espiritual, de encontrar fundamentos morais nas novas condições históricas foi o barroco, mais claramente representado na obra de Luís de Gongora (1561-1627) E Pedro Calderón (1600-1681).

Gongora foi o maior poeta do barroco espanhol. O estilo de Gongora se distingue pela riqueza metafórica, pelo uso de neologismos, arcaísmos. O poeta abandona a sintaxe tradicional. O vocabulário está cheio de palavras ambíguas: "Os rubis de seus lábios na neve da moldura" - sobre a brancura do rosto, "neve voadora" - sobre um pássaro branco, "neve fugindo" - sobre Galatea fugindo de Polifemo. Apesar da riqueza figurativa, Gongora cria "poesia para a mente", exigindo do leitor um trabalho intelectual ativo. A habilidade poética de Gongora foi mais plenamente manifestada nos poemas O Conto de Polifemo e Galatea (1612) e Solidão (1614). O poema "Solidão" entrelaça estreitamente a ideia renascentista da coexistência harmoniosa do homem e da natureza com o conceito barroco da eterna solidão do homem no mundo.

A arte de Calderon absorveu as melhores tradições do Renascimento, mas, sendo gerada por uma época diferente, dá uma visão completamente diferente do mundo. Calderon escreveu 120 peças de vários conteúdos, 80 "autos sacramentales" (ou "ações sagradas") e 20 interlúdios. Com sua consciência artística, Calderon está conectado tanto com o Renascimento espanhol quanto com os fenômenos de crise de seu tempo.

Continuando a tradição do grande predecessor de Lope de Vega, Calderon escreveu comédias de "capa e espada". A mais famosa delas é a espirituosa e alegre comédia A Dama Invisível (1629), escrita em linguagem fácil e elegante. Expressa a ideia do jogo de azar dominando a vida. A aleatoriedade aqui, como em outras comédias, desempenha um papel formador de enredo.

No entanto, não foram as comédias renascentistas e os dramas folclóricos realistas que trouxeram fama mundial a Calderon. Vitalidade e otimismo não se tornaram o tom de seu trabalho. O verdadeiro Calderon pode ser encontrado em seus "autos sacramentales" e peças filosóficas e simbólicas, cheias de humores escatológicos, problemas existenciais que oprimem com sua insolubilidade, contradições que drenam a consciência. Já no drama juvenil da "Adoração da Cruz" de Calderon (1620), o clima cético em relação à religião, característico dos humanistas, é substituído por um sombrio frenesi religioso. God Calderon é uma força formidável e impiedosa, diante da qual a pessoa se sente insignificante e perdida.

No drama filosófico e alegórico A vida é um sonho (1634), a glorificação da dura doutrina católica é combinada com a pregação da necessidade de humildade e submissão à providência divina. O principal conceito dramático de Calderon é a ideia de que o destino humano é predeterminado pelo destino, que a vida terrena temporária é ilusória, é apenas uma preparação para a vida eterna após a morte.

O tempo e o ambiente determinaram não apenas a natureza da visão de mundo, a direção geral da obra de Calderon, mas também sua originalidade como artista. A dramaturgia de Calderon é notável por sua profundidade filosófica, o refinamento dos conflitos psicológicos e o lirismo agitado dos monólogos. O enredo nas peças de Calderon desempenha um papel secundário, toda a atenção é dada para revelar o mundo interior dos personagens. O desenvolvimento da ação é substituído por um jogo de ideias. O estilo de Calderon é caracterizado pelo pathos retórico, altas imagens metafóricas, o que o relaciona com o gongorismo, uma das correntes do barroco literário espanhol.

A audácia poética de Calderon foi muito apreciada por A. S. Pushkin.

Literatura da Itália

No século XVII, a Itália vive uma crise de ideais humanistas.

Nesta situação, o Barroco vem à tona, expresso mais claramente no Marinismo - uma tendência que recebeu o nome do poeta italiano Giambattista Marino (1569-1625). Nas obras dos pintores marinhos, seguidores de Marino, a forma obscurecia o conteúdo com sua sofisticação verbal e narcisismo. Não há tópicos socialmente importantes aqui, nem problemas atuais de nosso tempo. A peculiaridade da carta são metáforas complexas, imagens bizarras, comparações inesperadas. Marino foi o inventor dos chamados "concetti" - frases virtuosas, paradoxo verbal, epítetos usados ​​​​de maneira incomum, modos de falar incomuns ("ignorante erudito", "dor alegre").

A glória de Marino na Itália era onipresente. No entanto, os contemporâneos do poeta viram o perigo do marinismo e se opuseram a ele com poesia politicamente atual, expressando as necessidades e aspirações do povo italiano, contando sobre seu sofrimento (Fulvio Testi, Vincenzo Filicaia, Alessandro Tassoni).

Alexandre Tassoni (1565-1635) Ele rejeitou tanto os poetas barrocos (Marinistas) quanto os defensores da imitação e do autoritarismo na poesia italiana (os Classicistas). Como poeta patriótico, interferiu ativamente na vida política do país, opôs-se à fragmentação regional da Itália, convocou a luta pela sua independência (poema "O Balde Roubado").

A prosa italiana do século XVII é representada por nomes Galileu Galilei (1564-1642), que usou a arte polêmica do jornalismo para divulgar suas ideias científicas (“Diálogo sobre os dois principais sistemas do mundo”), Traiano Boccalini (1556-1613), protestando contra o domínio dos espanhóis na Itália, contra o esnobismo aristocrático, contra os apologistas do classicismo, que reconhecem apenas os cânones estéticos de Aristóteles (a sátira "Notícias do Parnaso").

literatura da frança

A política do Estado absolutista, voltada para a eliminação do regionalismo feudal e a transformação da França em potência poderosa na Europa Ocidental, correspondia à tendência historicamente progressista da época, que determinava o caráter do classicismo como fenômeno literário que avançava por seu tempo. O principal método artístico, oficialmente reconhecido pelo governo da França absolutista, era o classicismo. A literatura clássica refletiu a ascensão da autoconsciência nacional dos estratos progressistas da sociedade francesa durante o período de transição da fragmentação feudal para a unidade nacional.

Sob o cardeal Richelieu (1624-1642), a criação de um poderoso estado monárquico, iniciada pelo predecessor de Luís XIII, Henrique IV, foi basicamente concluída. Richelieu regulou e subordinou ao trono todos os aspectos da vida estatal, social e cultural. Em 1634 ele criou a Academia Francesa. Richelieu patrocinou a imprensa periódica que estava surgindo na França.

Durante seu reinado, Theophrastus Renaudeau fundou o primeiro jornal francês, o Gazett de France (1631). (O Prêmio Théophrastus Renaudeau é um dos maiores prêmios literários da França contemporânea.)

A progressividade histórica do classicismo se manifesta em sua estreita ligação com as tendências avançadas da época, em particular, com a filosofia racionalista. René Descartes (1596-1650), o chamado cartesianismo. Descartes lutou corajosamente contra a ideologia feudal medieval, sua filosofia foi baseada nos dados das ciências exatas. O critério de verdade para Descartes era a razão. “Penso, logo existo”, dizia.

O racionalismo tornou-se a base filosófica do classicismo. Contemporâneos de Descartes, teóricos do classicismo Francisco Malherbe (1555-1628) E Nicolau Boileau (1636-1711) acreditava no poder da razão. Eles acreditavam que os requisitos elementares da razão - o critério mais alto do valor objetivo de uma obra de arte - obrigam a arte à veracidade, clareza, consistência, clareza e harmonia composicional das partes e do todo. Eles também exigiam isso em nome da observância das leis da arte antiga, que orientaram na criação do programa clássico.

A admiração dos escritores do século XVII pela razão também se refletia nas notórias regras sobre as "três unidades" (tempo, lugar e ação) - um dos princípios centrais da dramaturgia clássica.

O poema didático de N. Boileau "Poetic Art" (1674) tornou-se o código do classicismo francês.

Foi observado acima que os classicistas, como os artistas do Renascimento, contavam com a arte antiga em sua estética e criatividade artística. No entanto, ao contrário dos escritores do Renascimento, os teóricos do classicismo voltaram-se principalmente não para o grego antigo, mas para a literatura romana do período do império. A monarquia de Luís XIV, o "Rei Sol", como ele se autodenominava, era comparada ao Império Romano, os heróis das tragédias clássicas eram dotados de valor e grandeza romana. Daí o conhecido convencionalismo da literatura do classicismo, seu caráter pomposo e decorativo.

E, no entanto, os classicistas franceses não eram imitadores insanos de escritores antigos. Seu trabalho tinha um caráter profundamente nacional, estava intimamente ligado às condições sociais da França durante o auge do absolutismo. Os classicistas, tendo conseguido combinar a experiência da literatura antiga com as tradições do seu povo, criaram o seu próprio estilo artístico original. Corneille, Racine e Molière criaram exemplos de arte clássica de forma dramática.

A concepção clássica da arte, por toda a sua monumentalidade, não pode ser imaginada como algo congelado e imutável. Dentro do campo classicista não havia unidade completa de pontos de vista sócio-políticos, filosóficos e éticos. Mesmo Corneille e Racine - os criadores da tragédia clássica - diferiam em muitos aspectos.

Ao contrário dos cartuxos ortodoxos Boileau e Racine, Molière e La Fontaine foram alunos do materialismo Gassendi (1592-1655), destacado cientista francês que considerava a experiência sensorial a principal fonte de todo o conhecimento. Seu ensinamento se refletiu tanto na estética desses escritores quanto no democratismo, otimismo e orientação humanista de suas obras.

O principal gênero do classicismo era a tragédia, retratando heróis elevados e paixões idealizadas. O criador do teatro da tragédia francesa foi Pierre Corneille (1608-1684). Corneille iniciou sua atividade literária com poesia e comédias, que não tiveram muito sucesso.

A glória chega a Corneille com a aparição no palco da tragédia "Sid" (1636). A peça é baseada no trágico conflito entre paixão e dever, sobre o qual a tragédia é construída.

O jovem e valente cavaleiro Rodrigo, vingando-se do insulto infligido a seu pai, mata em duelo o pai de sua amada Jimena. Jimena justifica o ato de Rodrigo, que cumpriu o dever de honra da família, e cumpre o seu - exige do rei a morte de sua amada. Cumprindo seu dever familiar, Rodrigo e Jimena ficam profundamente infelizes. Após o ataque a Castela pelos mouros, uma brilhante vitória sobre eles, Rodrigo torna-se um herói nacional. Corneille contrasta o dever familiar com o dever para com a pátria. A honra feudal deve dar lugar à honra cívica. Eles tentam convencer Jimena da inconsistência de suas demandas: os interesses da família devem ser sacrificados em nome da necessidade social. Jimena aceita a nova moralidade, especialmente porque responde aos seus sentimentos pessoais. Corneille provou de forma convincente que a nova moral do estado é mais humana do que a moral feudal. Ele mostrou o surgimento de um novo ideal de estado na era do absolutismo. O rei de Castela, Don Fernando, é retratado na peça como um autocrata ideal, garantidor do bem-estar geral e da felicidade pessoal de seus súditos, se eles conformarem suas ações aos interesses do Estado.

Assim, em “Sid” afirma-se a ideia da progressividade da monarquia absolutista, que, em condições históricas específicas, correspondia às exigências da época.

Apesar do sucesso de público, "Sid" causou sérias polêmicas nos meios literários. Na "Opinião da Academia Francesa ao Lado" (1638), a peça de Corneille foi condenada por inconsistência com os cânones do classicismo. Deprimido, Corneille parte para sua terra natal. No entanto, quatro anos depois, Corneille trouxe de Rouen duas novas tragédias, que já são bastante consistentes com os cânones clássicos (Horácio, Cinna). Como trágico, Corneille preferia a tragédia histórica e política. Os problemas políticos das tragédias também determinaram a norma de comportamento que Corneille queria ensinar ao espectador: essa é a ideia de consciência heróica, patriotismo.

Na tragédia "Horácio" (1640), o dramaturgo utilizou o enredo da história de Tito Lívio. No cerne do dramático conflito está o combate singular de duas cidades - Roma e Alba Longa, que deverá ser resolvido pelo duelo dos irmãos Horácios e Curianos, unidos por laços de amizade e parentesco. Na peça, o dever é entendido de forma inequívoca - é um dever patriótico.

Incapaz de perdoar seu irmão Horace pela morte de seu noivo, Camilla amaldiçoa Roma, que destruiu sua felicidade. Horace, considerando sua irmã uma traidora, a mata. A morte de Camila causa um novo conflito: segundo a lei romana, o assassino deve ser executado. O pai de Horace prova que a raiva justa, o dever cívico e o sentimento patriótico o levaram a matar o filho. Horácio, que salvou Roma, é necessário para sua pátria: ele realizará muito mais feitos. Rei Tull concede vida a Horace. O valor civil expiou o crime. A tragédia de "Horace" tornou-se a apoteose do heroísmo cívico.

A tragédia "Cinna, ou a Misericórdia de Augusto" (1642) retrata os primeiros dias do reinado do imperador Otaviano-Augusto, que descobre que uma conspiração está sendo preparada contra ele. O objetivo da tragédia é mostrar que tática o soberano escolherá em relação aos conspiradores. Corneille convence que os interesses do estado podem coincidir com as aspirações privadas das pessoas se um monarca inteligente e justo estiver no poder.

Os conspiradores da tragédia - Cinna, Maxim, Emilia - agem por dois motivos. A primeira razão é política: eles querem devolver Roma a uma forma republicana de governo, sem perceber sua miopia política. Defensores das liberdades políticas, eles não entendem que a república tornou-se obsoleta e Roma precisa de um governo firme. O segundo motivo é pessoal: Emília quer vingar o pai, morto por Augusto; Cinna e Maxim, apaixonados por Emilia, querem alcançar um sentimento recíproco.

O imperador, tendo reprimido sua ambição, vingança, crueldade, decide perdoar os conspiradores. Eles estão passando por um processo de renascimento. A misericórdia triunfou sobre suas paixões egoístas. Eles viram em Augusto um monarca sábio e se tornaram seus apoiadores.

A mais alta sabedoria do estado, de acordo com Corneille, se manifesta na misericórdia. Uma política pública sábia deve combinar o razoável com o humano. Um ato de misericórdia, portanto, é um ato político, realizado não pelo bom homem Otaviano, mas pelo sábio imperador Augusto.

Durante o período da “primeira maneira” (até aproximadamente 1645), Corneille clamava pelo culto do Estado razoável, acreditava na justiça do absolutismo francês (“Mártir Polyeuct”, 1643; “Morte de Pompeu”, 1643; “Teodora - virgem e mártir”, 1645; comédia “Mentiroso”, 1645).

Corneille da "segunda maneira" superestima muitos dos princípios políticos da monarquia francesa que pareciam tão fortes ("Rodogunda - a princesa parta", 1644; "Heraclius - Imperador do Oriente", 1646; "Nycomedes", 1651, etc. .). Corneille continua a escrever tragédias históricas e políticas, mas a ênfase está mudando. Isso se deve às mudanças na vida política da sociedade francesa após a ascensão ao trono de Luís XIV, que significou o estabelecimento de uma dominação ilimitada do regime absolutista. Agora Corneille, o cantor de um estado razoável, estava sufocando na atmosfera do absolutismo vitorioso. A ideia de serviço público sacrificial, interpretada como o dever supremo, não era mais um estímulo para o comportamento dos heróis das peças de Corneille. A fonte da ação dramática são os estreitos interesses pessoais, as ambições ambiciosas dos personagens. O amor de um sentimento moralmente elevado se transforma em um jogo de paixões desenfreadas. O trono real está perdendo estabilidade moral e política. Não a razão, mas o acaso decide o destino dos heróis e do estado. O mundo se torna irracional e instável.

As tragédias tardias de Corneille, próximas ao gênero da tragicomédia barroca, evidenciam um afastamento das rígidas normas classicistas.

O classicismo francês recebeu sua expressão mais completa e completa nas obras de outro grande poeta nacional da França. Jean Racine (1639-1690). Uma nova etapa no desenvolvimento da tragédia clássica está associada ao seu nome. Se Corneille desenvolveu principalmente o gênero da tragédia histórica e política heróica, Racine atuou como o criador de uma tragédia psicológica amorosa, saturada ao mesmo tempo de grande conteúdo político.

Um dos princípios criativos mais importantes de Racine era o desejo de simplicidade e plausibilidade, em oposição à atração de Corneille pelo extraordinário e excepcional. Além disso, esse desejo foi estendido por Racine não apenas à construção do enredo da tragédia e dos personagens de seus personagens, mas também à linguagem e ao estilo da obra cênica.

Baseando-se na autoridade de Aristóteles, Racine recusou o elemento principal do teatro de Corneille - o "herói perfeito". “Aristóteles não só está muito longe de exigir de nós heróis perfeitos, mas, ao contrário, deseja que os personagens trágicos, isto é, aqueles cujos infortúnios criam uma catástrofe na tragédia, não sejam nem completamente bons nem completamente maus.”

Era importante para Racine afirmar o direito do artista de retratar a “pessoa média” (não no sentido social, mas no psicológico), retratar as fraquezas de uma pessoa. Os heróis, segundo Racine, deveriam ter virtudes medianas, ou seja, uma virtude passível de fraqueza.

A primeira grande tragédia de Racine foi Andrômaca (1667). Voltando-se para o tema mitológico grego, já desenvolvido na antiguidade por Homero, Virgílio e Eurípides, Racine, porém, interpretou o enredo clássico de uma maneira nova. Cedendo à influência das paixões, os heróis da tragédia - Pirro, Hermione, Orestes - em seu egoísmo revelaram-se pessoas cruéis capazes de cometer crimes.

Ao criar a imagem de Pirro, Racine resolve um problema político. Pirro (monarca) deveria ser responsável pelo bem-estar do estado, mas, sucumbindo à paixão, sacrifica os interesses do estado por ela.

Hermione também se torna vítima da paixão, uma das imagens mais convincentes da tragédia, cujo estado interno é excelentemente motivado psicologicamente. Rejeitada por Pirro, a orgulhosa e rebelde Hermione torna-se egoísta e despótica em suas aspirações e ações.

Andrômaca foi seguida por Britannicus (1669) - a primeira tragédia de Racine dedicada à história da Roma antiga. Como em Andrômaca, o monarca é retratado aqui como um tirano implacável. O jovem Nero traiçoeiramente destrói seu meio-irmão Britannicus, cujo trono ocupou ilegalmente e a quem Júnia, que gostava dele, ama. Mas Racine não se limitou a condenar o despotismo de Nero. Ele mostrou a força do povo romano como juiz supremo da história.

"A cantora de mulheres e reis apaixonados" (Pushkin), Racine criou toda uma galeria de imagens de heroínas positivas, combinando um senso de dignidade humana, resistência moral, capacidade de auto-sacrifício, capacidade de resistir heroicamente a qualquer violência e arbitrariedade. Tais são Andromache, Junia, Berenice ("Berenice", 1670), Monima ("Mithridates", 1673), Ifigênia ("Ifigênia em Aulis", 1674).

O ápice da obra poética de Racine pela força artística de retratar as paixões humanas, pela perfeição do verso, é o Fedra escrito em 1677, que o próprio Racine considerava sua melhor criação.

A rainha Phaedra ama apaixonadamente seu enteado Hipólito, que está apaixonado pela princesa ateniense Arikia. Tendo recebido notícias falsas sobre a morte de seu marido Teseu, Fedra confessa seus sentimentos a Hipólito, mas ele a rejeita. Com o retorno de Teseu, Fedra, em um ataque de desespero, medo e ciúme, decide caluniar Hipólito. Então, atormentado pelas dores do arrependimento e do amor, ele toma veneno; confessando tudo ao marido, ela morre.

A principal inovação de Racine está ligada ao personagem de Phaedra. Em Racine, Phaedra é uma mulher sofredora. Sua trágica culpa é a incapacidade de lidar com o sentimento, que a própria Phaedra chama de criminoso. Racine compreende e incorpora em sua tragédia não apenas os conflitos morais e psicológicos de sua época, mas também descobre os padrões gerais da psicologia humana.

O primeiro tradutor russo de Racine foi Sumarokov, que recebeu o apelido de "Russian Racine". No século 19, A. S. Pushkin mostrou uma atitude pensativa em relação a Racine. Ele chamou a atenção para o fato de o dramaturgo francês conseguir colocar um conteúdo profundo na forma galantemente refinada de suas tragédias, o que lhe permitiu colocar Racine ao lado de Shakespeare. Em um artigo inacabado de 1830 sobre o desenvolvimento da arte dramática, que serviu de introdução à análise do drama “Martha Posadnitsa” de M. P. Pogodin, Pushkin escreveu: “O que se desenvolve na tragédia, qual é o seu propósito? Homem e gente. O destino do homem, o destino do povo. É por isso que Racine é grande, apesar da forma estreita de sua tragédia. É por isso que Shakespeare é ótimo, apesar da desigualdade, negligência, feiúra do acabamento ”(Pushkin - crítico. - M., 1950, p. 279).

Se os melhores exemplos de tragédia clássica foram criados por Corneille e Racine, então a comédia clássica foi inteiramente a criação de Molière (1622-1673).

A biografia do escritor de Molière (Jean Baptiste Poquelin) começa com a comédia poética de cinco atos "Naughty, or Everything Out of Place" (1655) - uma típica comédia de intriga. Em 1658, a fama chegará a Molière. Suas atuações terão grande sucesso, ele será patrocinado pelo próprio rei, mas pessoas invejosas, oponentes perigosos, dentre aqueles que Molière ridicularizava em suas comédias, o perseguiram até o fim de sua vida.

Molière riu, expôs, acusou. As flechas de sua sátira não pouparam nem membros comuns da sociedade nem nobres de alto escalão.

No prefácio da comédia "Tartuffe" Moliere escreveu: "O teatro tem um grande poder corretivo." "Damos um duro golpe nos vícios, expondo-os ao ridículo público." "O dever da comédia é corrigir as pessoas, divertindo-as." O dramaturgo estava bem ciente do significado social da sátira: "A melhor coisa que posso fazer é expor os vícios da minha época em imagens engraçadas".

Nas comédias "Tartufo", "O Avarento", "O Misantropo", "Don Juan", "O Filisteu na Nobreza" Moliere levanta profundos problemas sociais e morais, oferece o riso como o remédio mais eficaz.

Moliere foi o criador da "comédia do personagem", onde um papel importante foi desempenhado não pela ação externa (embora o dramaturgo tenha construído habilmente uma intriga cômica), mas pelo estado moral e psicológico do herói. O personagem em Moliere é dotado, de acordo com a lei do classicismo, de um traço de caráter dominante. Isso permite que o escritor dê uma imagem generalizada dos vícios humanos - avareza, vaidade, hipocrisia. Não é de admirar que alguns dos nomes dos personagens de Moliere, por exemplo, Tartufo, Harpagon, tenham se tornado substantivos comuns; um hipócrita e um hipócrita são chamados de tartufo, um avarento é chamado de arpão. Molière observou as regras do classicismo em suas peças, mas não se esquivou da tradição folclórica do teatro farsesco, escreveu não apenas "altas comédias", nas quais levantou sérios problemas sociais, mas também alegres "bailes de comédia" . Uma das famosas comédias de Moliere, "O filisteu na nobreza", combina com sucesso a seriedade e a relevância do problema colocado com a alegria e a graça do "balé de comédia". Moliere desenha nele uma vívida imagem satírica do rico burguês Jourdain, que se curva à nobreza e sonha em ingressar no ambiente aristocrático.

O espectador ri das afirmações infundadas de uma pessoa ignorante e rude. Embora Molière ria de seu herói, ele não o despreza. O crédulo e tacanho Jourdain é mais atraente do que os aristocratas que vivem com seu dinheiro, mas desprezam Jourdain.

Um exemplo de comédia clássica "séria" foi a comédia "O Misantropo", onde o problema do humanismo se resolve nas disputas entre Alceste e Philint. Nas palavras de Alceste, cheio de desespero, sobre os vícios e as injustiças reinantes no mundo humano, há uma crítica contundente às relações sociais. As revelações de Alceste revelam o conteúdo social da comédia.

Molière fez uma descoberta no campo da comédia. Utilizando o método da generalização, o dramaturgo, por meio de uma imagem individual, expressou a essência do vício social, retratou os traços sociais típicos de sua época, o nível e a qualidade de suas relações morais.

O classicismo francês se manifestou mais claramente na dramaturgia, mas também se expressou com bastante clareza na prosa.

Exemplos clássicos do gênero de aforismo foram criados na França por La Rochefoucauld, La Bruyère, Vauvenart, Chamfort. Um brilhante mestre do aforismo foi François de La Rochefoucauld (1613-1689). No livro "Reflexões, ou ditados e máximas morais" (1665), o escritor criou um modelo peculiar de "homem em geral", delineou uma psicologia universal, um retrato moral da humanidade. O quadro pintado era uma visão sombria. O escritor não acredita na verdade ou na bondade. Mesmo a humanidade e a nobreza, segundo o escritor, são apenas uma pose espetacular, uma máscara que cobre o interesse próprio e a vaidade. Ao generalizar suas observações, vendo no fenômeno histórico uma lei universal, La Rochefoucauld chega à ideia da essência egoísta da natureza humana. O egoísmo como um instinto natural, como um poderoso mecanismo do qual dependem as ações de uma pessoa, fundamenta seus motivos morais. Para uma pessoa, o ódio ao sofrimento e o desejo de prazer são naturais, portanto a moralidade é um egoísmo refinado, um "interesse" razoavelmente compreendido de uma pessoa. Para conter o amor-próprio natural, a pessoa recorre à ajuda da razão. Seguindo Descartes, La Rochefoucauld clama por um controle razoável sobre as paixões. Esta é a organização ideal do comportamento humano.

Jean La Bruyère (1645-1696) conhecido como o autor do único livro, Characters, or Morals of this Age (1688). Na última nona edição do livro, La Bruyère descreveu 1120 personagens. Voltando-se para a obra de Teofrasto como modelo, La Bruyère complicou muito a maneira do grego antigo: ele não apenas descobre as causas dos vícios e fraquezas das pessoas. O escritor estabelece a dependência do caráter humano do ambiente social. La Bruyère deriva regularidades típicas e mais gerais da diversidade concreta e individual. Os "Personagens" retratam os vários estratos da sociedade parisiense e provinciana da época de Luís XIV. Dividindo o livro em capítulos "Corte", "Cidade", "Soberano", "Nobres" etc., o autor constrói sua composição de acordo com a classificação interna dos retratos (príncipes, avarentos, fofoqueiros, faladores, bajuladores, cortesãos, banqueiros, monges, burgueses, etc.). La Bruyère, o último grande classicista do século XVII, combinando vários gêneros em seu livro (máximas, diálogo, retrato, conto, sátira, moral), segue uma lógica estrita, subordina suas observações a uma ideia geral, cria personagens típicos.

Em 1678, apareceu o romance A Princesa de Cleves, escrito por Maria de Lafayette (1634-1693). O romance foi distinguido por uma interpretação aprofundada de imagens e uma exibição precisa de circunstâncias reais. Lafayette conta a história do amor da esposa do Príncipe de Cleves pelo Duque de Nemours, enfatizando a luta entre a paixão e o dever. Experimentando uma paixão amorosa, a princesa de Cleves a supera com força de vontade. Tendo se retirado para uma morada pacífica, ela conseguiu com a ajuda de sua mente manter a paz e a pureza espiritual.

Literatura da Alemanha

No século XVII, a Alemanha carrega a marca trágica da Guerra dos Trinta Anos (1618-1648). A Paz de Vestfália formalizou sua divisão em muitos pequenos principados. A fragmentação, o declínio do comércio, a produção artesanal levaram ao declínio da cultura.

O poeta desempenhou um grande papel no renascimento da cultura alemã dos tempos modernos. Martin Opitz (1597-1639) e seu tratado teórico O Livro da Poesia Alemã.

Incutindo o cânone classicista na literatura alemã, Opitz clama pelo estudo da experiência poética da antiguidade, formula as principais tarefas da literatura e enfatiza a tarefa da educação moral. Opitz introduziu o sistema silábico-tônico de versificação, tentou regular a literatura e estabeleceu uma hierarquia de gêneros. Antes de Opitz, os poetas alemães escreviam principalmente em latim. Opitz procurou provar que obras-primas poéticas também poderiam ser criadas em alemão.

Opitz se tornou um dos primeiros cronistas da Guerra dos Trinta Anos. Uma das melhores obras é o poema "Uma palavra de consolo em meio aos desastres da guerra" (1633). O poeta convida seus compatriotas a se elevarem acima do caos da vida, a encontrarem apoio em suas próprias almas. O tema da condenação da guerra é ouvido nos poemas "Zlatna" (1623) e "Louvor ao Deus da Guerra" (1628). O "classicismo erudito" de Opitz não teve amplo desenvolvimento e, já na obra de seus alunos Fleming e Logau, a influência da poética barroca é claramente perceptível.

Um notável poeta do barroco alemão foi Andreas Gryphius (1616-1664), capturando em tons penetrantemente tristes a visão de mundo da era da Guerra dos Trinta Anos.

A poesia de Gryphius está saturada de imagens emocionais, visuais, símbolos, emblemas. Os truques favoritos de Gryphius são enumeração, amontoamento deliberado de imagens, comparação contrastante. “Uma floresta fria e escura, uma caverna, uma caveira, um osso - // Tudo diz que sou um hóspede do mundo, // Que não escaparei nem da fraqueza nem da decadência.”

Gryphius é também o fundador do drama alemão, o criador da tragédia barroca alemã (“O Leão do Armênio, ou o Regicídio” (1646), “A Majestade Assassinada, ou Charles Stewart, Rei da Grã-Bretanha” (1649) , etc).

Uma figura marcante do barroco alemão foi um poeta original Johann Gunther (1695-1723). Gunther desenvolve a ideia de Gryphius sobre os melhores sentimentos saqueados pela guerra, sobre a pátria que esqueceu seus filhos (“To the Fatherland”). O poeta se opõe ao embotamento da vida, à miséria, à realidade alemã, ao seu atraso e inércia. Muitos dos motivos de sua poesia seriam posteriormente retomados e desenvolvidos por representantes do movimento Sturm und Drang.

O maior representante da prosa barroca é Hans Jacob Christoffel Grimmelshausen (1622-1676). Sua melhor obra é o romance Simplicissimus (1669). O autor descreve a jornada incomum do herói, cujo nome - Simplicius Simplicissimus - se traduz como "o mais simples dos mais simples". Um jovem camponês ingênuo e desinteressado, caminhando pelo caminho da vida, encontra-se com representantes de vários estratos sociais da sociedade alemã. O herói se depara com a arbitrariedade, a crueldade reinando no mundo, a falta de honestidade, justiça, bondade.

No palácio do governante de Hanau, eles querem fazer de Simplício um bobo da corte: vestem uma pele de bezerro, conduzem-no por uma corda, fazendo caretas, zombando dele. A ingenuidade e a sinceridade do herói são percebidas por todos como loucura. Por meio da alegoria, Grimmelshausen quer contar ao leitor o mais importante: um mundo terrível em que o infortúnio de uma pessoa serve de diversão. A guerra endureceu o povo. Simplicissimus busca bondade nos corações humanos, chama todos à paz. No entanto, o herói encontra paz de espírito em uma ilha deserta, longe de uma civilização cruel.

Grimmelshausen foi o primeiro na literatura alemã a mostrar o efeito destrutivo que a guerra tem sobre as almas humanas. Em seu herói, o escritor incorporou o sonho de uma pessoa natural inteira vivendo de acordo com as leis da moralidade popular. É por isso que até hoje o romance é percebido como uma vívida obra anti-guerra.

Literatura da Inglaterra

No desenvolvimento da literatura inglesa do século XVII, inextricavelmente ligada aos acontecimentos políticos, distinguem-se tradicionalmente três períodos:

1. Período pré-revolucionário (1620-1630).

2. Período de revolução, guerra civil e república (1640-1650).

3. Período da Restauração (1660-1680).

No primeiro período (anos 20-30 do século XVII) na literatura inglesa, houve um declínio da dramaturgia e do teatro. A ideologia da reação absolutista triunfante encontra expressão nas atividades da chamada "escola metafísica", que cria literatura especulativa abstraída dos problemas da realidade, bem como da "escola Caroline", que incluía poetas monarquistas. Na obra de D. Donn, D. Webster,

Os motivos de T. Dekker de solidão, predestinação fatal, desespero são ouvidos.

Este foi o contemporâneo mais jovem de Shakespeare Ben Jonson (1573-1637), autor das comédias de afirmação da vida e realistas Volpone (1607), Episin, or the Silent Woman (1609), The Alchemist (1610), Bartholomew's Fair (1610).

Nas décadas de 1640 e 1650, o jornalismo (folhetos, panfletos, sermões) era de grande importância. As obras publicitárias e artísticas dos escritores puritanos muitas vezes tinham um colorido religioso e, ao mesmo tempo, estavam saturadas de protesto, o espírito de feroz luta de classes. Eles refletiam não apenas as aspirações da burguesia liderada por Cromwell, mas também os humores e expectativas das amplas massas populares, expressas na ideologia dos Levellers (“equalizadores”) e, especialmente, dos “verdadeiros Levellers” ou “diggers”. (“cavadores”), que dependiam dos pobres do campo.

A oposição democrática das décadas de 1640 e 1650 trouxe à tona o talentoso publicitário nivelador John Lilburn (1618-1657). O famoso panfleto de Lilburne "The New Chains of England" foi dirigido contra a ordem de Cromwell, que se transformou de um comandante revolucionário em um senhor protetor com modos despóticos. As tendências democráticas são distintas na obra de Gerald Winstanley (1609 - cerca de 1652). Seus tratados e panfletos acusatórios (The Banner Raised by the True Levellers, 1649; Declaração dos Pobres, Povo Oprimido da Inglaterra, 1649) são dirigidos contra a burguesia e a nova nobreza.

O representante mais proeminente do campo revolucionário na literatura inglesa dos anos 40-50 do século XVII foi John Milton (1608-1674).

No primeiro período de sua obra (década de 1630), Milton escreveu uma série de poemas líricos e dois poemas "Alegre" e "Pensivo", que delineiam as principais contradições da obra subsequente: a coexistência do puritanismo e do humanismo renascentista. Nas décadas de 1640 e 1650, Milton esteve ativamente envolvido na luta política. Quase não se volta para a poesia (escreve apenas 20 sonetos) e dedica-se inteiramente ao jornalismo, acabando por criar exemplares marcantes da prosa jornalística do século XVII. O terceiro período da obra de Milton (1660-1674) coincide com a época da Restauração (1660-1680). Milton se afasta da política. O poeta se volta para a criatividade artística e escreve poemas épicos em grande escala Paradise Lost (1667), Paradise Regained (1671) e a tragédia Samson the Wrestler (1671).

Escrito sobre temas bíblicos, essas obras estão imbuídas de um espírito revolucionário ardente. Em Paradise Lost, Milton conta a história da rebelião de Satanás contra Deus. A obra tem muitas características da era contemporânea de Milton. Mesmo no período de reação mais severa, Milton permanece fiel aos seus princípios tirânicos e republicanos. O segundo enredo está relacionado com a história da queda de Adão e Eva - esta é uma compreensão do difícil caminho da humanidade para o renascimento moral.

Em Paradise Regained, Milton continua sua reflexão sobre a revolução. A glorificação da fortaleza espiritual de Cristo, que rejeita todas as tentações de Satanás, serviu de edificação para os recentes revolucionários, que temeram a reação e apressadamente passaram para o lado dos monarquistas.

A última obra de Milton - a tragédia "Samson the Wrestler" - também está alegoricamente ligada aos eventos da Revolução Inglesa. Nele, assediado por inimigos políticos, Milton clama por vingança e pela continuação da luta do povo por uma existência digna.