Fatos interessantes sobre pinturas. Fatos desconhecidos sobre artistas famosos Fatos interessantes sobre as obras-primas da pintura mundial

Não é segredo que personalidades famosas entram em situações de vida extraordinárias e várias histórias com mais frequência do que outras, que, graças a testemunhas oculares, estão impressas em suas biografias há séculos. Via de regra, essas histórias são anedoticamente engraçadas, às vezes curiosas e pouco agradáveis, além de instrutivas, que passaram à categoria de parábolas. Hoje falaremos sobre fatos interessantes da vida de famosos artistas clássicos russos e europeus.

O autógrafo de um artista vale dez vezes mais que a própria pintura

Ilya Efimovich Repin. Certa vez, uma certa senhora comprou uma pintura com a assinatura “I. Repin”, pagando 100 rublos por isso. Depois de um tempo, vindo ao ateliê do pintor, ela mostrou ao artista sua aquisição. Repin, rindo do infeliz cliente, escreveu na parte inferior da tela: "Isso não é Repin." Depois disso, a senhora revendeu a pintura, mas por mil rublos.

A pintura é imortal

Pablo Picasso. Um médico bastante conhecido na exposição se aproximou de Picasso e disse importante: - Conheço muito bem a estrutura anatômica do corpo humano. Então, posso dizer que as pessoas em suas telas causam certo arrependimento e perplexidade. “É bem possível”, retrucou Picasso. - Mas posso garantir que eles viverão muito mais do que seus pacientes.

individualismo infantil

Auto-retratos. Pablo Picasso aos 15 e aos 90. Certa vez, ao visitar uma exposição de desenhos infantis, Pablo Picasso disse pensativamente: - Quando eu tinha a idade deles, podia pintar como Rafael, mas levei toda a minha vida para aprender a desenhar como eles. Retrato da mãe do artista (1896), pintado por Picasso aos 15 anos.

cheque caro

Salvador Dalí. Salvador Dali tinha uma manobra muito inteligente para donos de restaurantes. Visitando um local de entretenimento pela primeira vez, reuniu uma grande companhia de amigos e conhecidos, e durante toda a noite presenteou a todos com todos os pratos e bebidas do cardápio. Quando chegou a hora de pagar as contas, o artista preencheu desafiadoramente um cheque de uma quantia enorme e depois... virou o cheque e escreveu algumas palavras gentis no verso em agradecimento ao dono do estabelecimento e colocou seu autógrafo. O cálculo do mestre era simples e sem problemas: usando sua fama de gênio vivo, Dali tinha certeza de que o dono do restaurante nunca ousaria descontar um cheque com a assinatura original do próprio Dali! Geralmente acontecia assim: os donos de restaurantes entendiam que com o tempo poderiam ganhar muito mais dinheiro com esse cheque do que apenas o valor da conta, mas o patrão economizou muito dinheiro.

Quem é louco?

Salvador Dalí. Certa vez, em conversa com seus amigos, Salvador Dali disse que todos os cataclismos que ocorrem na natureza não o surpreendem mais. Então o interlocutor começou a dar com entusiasmo um exemplo de uma situação possível: - Pois bem, mas se à meia-noite uma luz surgisse repentinamente no horizonte, anunciando o amanhecer da manhã? Você olha e vê que o sol está nascendo. Isso não o surpreenderia? Você não acha que enlouqueceu? “Pelo contrário”, disse Dali sem hesitar, “eu teria pensado que este sol tinha enlouquecido.

Sindicatos criativos

Isaac Levitan./“Dia de outono. Sokolniki. (1879)./Nikolai Chekhov. Como você sabe, o artista Isaac Levitan "especializou-se" apenas em pintura de paisagem, mas em seu legado há uma tela que retrata uma figura feminina caminhando no parque. "Dia de outono. Sokolniki "- este é o nome desta foto, escrita por ele em seus anos de estudante. O artista nunca se comprometeu a desenhar pessoas e, para ser justo, deve-se notar que a única imagem de uma mulher foi pintada não pelo próprio artista, mas por seu amigo da escola de arte, irmão do famoso escritor - Nikolai Chekhov.
Ivan Aivazovsky./ "Pushkin à beira-mar"./ Ilya Repin. A propósito, esta não foi a única colaboração criativa na história da arte. Por que não ajudar um amigo artista que está falhando de alguma forma? Poucas pessoas sabem que a figura de Pushkin na pintura de Aivazovsky "Pushkin on the Seashore" foi pintada por Ilya Repin.
K. A. Savitsky e I. I. Shishkin. início dos anos 1880 Foto. / "Manhã em uma floresta de pinheiros". E os famosos ursos da pintura de Shishkin "Morning in a Pine Forest" foram pintados pelo artista Savitsky. Bem, esses animais engraçados não funcionaram para o brilhante mestre da paisagem. Mas a taxa de quatro mil rublos da venda desta pintura foi dividida fraternalmente, e originalmente havia dois autógrafos na tela. Tudo é justo... No entanto, o dono da pintura, Pavel Tretyakov, decidiu deixar a autoria para Shishkinin e apagou pessoalmente a assinatura de Savitsky.

Complementado pela letra "B" ao nome do artista pelo próprio imperador

Karl e Alexander Bryullov. Até o início do século 19, o nome Bryullov não existia na Rússia. Karl Bryullov, o famoso artista russo, nasceu na família do acadêmico da escultura ornamental Pavel Bryullo, cujos ancestrais eram da França. A letra “v” no final do sobrenome foi concedida a Karl e seu irmão Alexandre, arquiteto de profissão, pelo mais alto decreto imperial antes da viagem de um aposentado à Itália.

Exposição de uma obra-prima

Arkhip Kuindzhi. Em 1880, um evento sem precedentes ocorreu no mundo da arte russa. Em São Petersburgo, pela primeira vez, a pintura "Moonlight Night on the Dnieper" de Arkhip Kuindzhi foi exposta ao público. Era surpreendente que ela fosse a única na exposição. Rumores sobre a extraordinária tela se espalharam pela cidade muito antes de sua exibição e, no próprio dia da inauguração, parecia que toda a cidade iria vê-la. Muitas carruagens bloquearam todas as ruas próximas e as pessoas se aglomeraram em longas filas na entrada. Muitos visitaram a exposição várias vezes.
"Noite de luar no Dnieper". O público ficou fascinado com o extraordinário realismo do luar na foto, muitos sugeriram que o artista usasse tintas luminosas, alguns até olharam secretamente por trás da foto, tentando descobrir se havia uma lâmpada iluminando a lua.

Voto de Modigliani

Amedeo Modigliani. Amedeo Modigliani, um famoso artista italiano, interessou-se por desenho e pintura desde muito cedo. Ele tomou a decisão final de se tornar um artista aos onze anos após uma forte pleurisia, quando, em delírio, Amedeo decidiu: se sobrevivesse, dedicar-se-ia à pintura. E ele manteve sua palavra.

Kuindzhi e pássaros

Arkhip Kuindzhi. Arkhip Kuindzhi gostava muito de pássaros. Ele podia ficar horas sentado no telhado de sua casa, "conversando" com pombos e corvos. E ele costumava dizer a seus amigos que os pássaros entendem suas palavras e caem facilmente em suas mãos. Bem, ainda ... Afinal, todo mês o artista gastava muito dinheiro na alimentação dos pássaros, comprando 60 pãezinhos franceses, até 10 kg de carne e 6 sacos de aveia. E uma vez que o ilustrador Pavel Shcherbov publicou um desenho animado no qual Kuindzhi coloca um enema em um pássaro. Dizem que Arkhip Ivanovich, que não tinha um senso de humor especial, ficou terrivelmente ofendido por seu colega.
Caricatura. Pacientes emplumados (A.I. Kuindzhi no telhado de sua casa). Autor: Pavel Shcherbov.

Cinco mil para o teto

Konstantin Egorovich Makovsky. / Menina vestida de Flora. Konstantin Makovsky era famoso não apenas pelos retratos de salão das esposas de maridos ricos, mas também por seus preços exorbitantes. E o artista gostava muito de comida deliciosa, que se chama um verdadeiro gourmet. Mas um dia ele quase teve problemas. O barão Akkurti, acabando de comprar uma luxuosa mansão com plafonds pintados por Makovsky, mas sem seus autógrafos, convidou o artista mais popular para tomar café da manhã em um restaurante. Na esperança de que o artista assine os plafonds gratuitamente como sinal de gratidão. Assim teria acontecido se não fosse por um "mas" ... Makovsky já estava amolecido em antecipação a uma refeição requintada e prometeu ir imediatamente depois dela e assinar os três plafonds de graça. E o barão de punho cerrado finalmente fez um pedido: mandou servir cheiro e pão. “Cheirava? Eu?” Makovsky protestou para si mesmo. E ele disse em voz alta: "Cinco mil rublos para uma assinatura em cada teto!"

Valentin ou Anton Serov

Retrato de Mika Morozov. / Valentin Serov. Amigos e parentes chamados Valentin Serov Anton. Esse nome ficou firmemente preso a ele na infância, quando os pais, por excesso de sentimentos pelo bebê, chamavam o pequeno Valentim de Valentosha, Tosha, às vezes Tonya. Um pouco mais tarde, na família Mamontov, Tosha se transformou em Antosha. E as cartas que Ilya Repin escreveu ao já adulto Serov muitas vezes começavam com um apelo: “Anton, Anton!”.

pequeno chantagista

*Menina com pêssegos*. Autor: V. Serov. O fato de Valentin Serov trabalhar devagar era especialmente conhecido por seus parentes. E quando o artista decidiu pintar um retrato da filha de 11 anos de Savva Mamontov, Vera, (e a tela foi concebida como presente de aniversário para Elizabeth Mamontova, a mãe da menina), Serov se deparou com um protesto categórico do futuro modelo . Vera percebeu imediatamente o que ameaçava seu consentimento em posar para o artista. Ela não ficou nem um pouco tentada a ficar sentada por semanas em uma pose imóvel, em vez de correr pelo campo com seus colegas. Vera era teimosa e Serov não teve escolha a não ser concordar com suas condições: depois de cada sessão, cavalgue com ela.
*Menina com pêssegos*. fragmento. / Verochka Mamontova.

Texto do pedido: "Olá!
Gostei da sua revista!
Sou um "visualista" porque fotografo e estou mais interessado em imagens visuais. A carga semântica não é tão importante.
Se você leu, estou especialmente interessado em tudo relacionado à história das belas artes, não apenas na fotografia. Eu tenho enormes lacunas educacionais.
Mas me parece que tais materiais reduziriam a direção e até a frequência de sua revista. Então, estou muito feliz com o que vejo de você.
Seriamente :)"
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Não creio que tal post vá diminuir a frequência da revista :)...
mas alguns fatos são realmente muito interessantes - aconselho você a ler

Fatos não muito comuns da vida de talentos lendários.

Você pode encontrar uma grande quantidade de informações sobre artistas famosos - como eles viveram, como criaram suas obras imortais. Muitos geralmente não pensam nas características do personagem e no estilo de vida do artista. Mas alguns fatos da biografia ou da história da criação de uma determinada imagem às vezes são muito divertidos e até desafiadores.

Pablo Picasso

Bons artistas copiam, grandes artistas roubam.

Quando Pablo Picasso nasceu, a parteira pensou que ele era natimorto. A criança foi salva pelo tio, que fumava charutos e viu o bebê deitado na mesa, soprou fumaça em seu rosto, após o que Pablo rugiu. Assim, pode-se dizer que fumar salvou a vida de Picasso.

Aparentemente, Pablo nasceu um artista - sua primeira palavra foi PIZ, abreviação de LAPIZ ("lápis" em espanhol).

Nos primeiros anos de sua vida em Paris, Picasso era tão pobre que às vezes era forçado a aquecer com suas pinturas em vez de lenha.

Picasso usava roupas compridas e também tinha cabelos compridos, o que era inédito na época.

O nome completo de Picasso consiste em 23 palavras: Pablo-Diego-Jose-Francisco-de-Paula-Juan-N epomuseno-Maria de los Remedios-Cypriano-d e-la-Santisima-Trinidad-Martir-Patricio-C lito -Ruiz- e-Picasso.

Vincent van Gogh

Não tenha medo de cometer erros. Muitos acreditam que se tornarão bons se não fizerem nada de errado.

Acredita-se que a abundância de amarelo e manchas amarelas de diferentes tonalidades em suas pinturas seja causada pela grande quantidade de medicamentos para epilepsia, que se desenvolveu a partir do uso excessivo de absinto. "Noite Estrelada", "Girassóis".

Durante sua vida agitada, Van Gogh visitou mais de um hospital psiquiátrico com diagnósticos que variavam de esquizofrenia a psicose maníaco-depressiva. Sua pintura mais famosa, Starry Night, foi pintada em 1889 em um hospital na cidade de San Remy.

Cometeu suicídio. Ele deu um tiro no estômago enquanto se escondia no quintal da fazenda atrás de uma pilha de esterco. Ele tinha 37 anos.

Ao longo de sua vida, Van Gogh sofreu de baixa auto-estima. Ele vendeu apenas uma de suas obras durante sua vida - Red Vineyard em Arles. E a fama veio a ele somente após sua morte. Se ao menos Van Gogh soubesse o quão popular seu trabalho se tornaria.

Van Gogh não cortou a orelha inteira, mas apenas um pedaço do lóbulo da orelha, o que praticamente não dói. No entanto, ainda é difundida a lenda de que o artista amputou toda a orelha. Essa lenda se refletiu até nas características do comportamento de um paciente que se opera ou insiste em uma determinada operação - ele foi chamado de síndrome de Van Gogh.

Leonardo da Vinci

Quem vive com medo morre de medo.

Leonardo foi o primeiro a explicar por que o céu é azul. No livro "On Painting" ele escreveu: "O azul do céu é devido à espessura das partículas iluminadas do ar, que está localizada entre a Terra e a escuridão acima"

Leonardo era ambidestro - ele era igualmente proficiente com as mãos direita e esquerda. Diz-se até que ele poderia escrever simultaneamente textos diferentes com mãos diferentes. No entanto, ele escreveu a maioria de suas obras com a mão esquerda da direita para a esquerda.

Ele tocava lira com maestria. Quando o caso de Leonardo foi julgado no tribunal de Milão, ele apareceu lá precisamente como músico, e não como artista ou inventor.

Leonardo foi o primeiro pintor a desmembrar cadáveres para entender a localização e a estrutura dos músculos.

Leonardo da Vinci era vegetariano estrito e nunca bebia leite de vaca, por considerá-lo um roubo.

Salvador Dalí

Se eu não tivesse inimigos, não seria quem sou. Mas, graças a Deus, havia inimigos suficientes.

Chegando a Nova York em 1934, ele carregava um pão de 2 metros de comprimento nas mãos como acessório e, ao visitar uma exposição de arte surrealista em Londres, vestiu um traje de mergulho.

A tela “A Persistência da Memória” (“Soft Clock”) Dali escreveu sob a impressão da teoria da relatividade de Einstein. A ideia na cabeça de El Salvador tomou forma quando ele olhou para um pedaço de queijo Camembert em um dia quente de agosto.

Salvador Dali costumava dormir com uma chave na mão. Sentado em uma cadeira, ele adormeceu com uma chave pesada entre os dedos. Aos poucos, o aperto enfraqueceu, a chave caiu e atingiu uma placa caída no chão. Os pensamentos que surgiram durante a soneca podem ser novas ideias ou soluções para problemas complexos.

O grande artista, durante sua vida, legou enterrá-lo para que as pessoas pudessem caminhar sobre o túmulo, então seu corpo foi encerrado na parede do Museu Dali em Figueres. Fotografias com flash não são permitidas neste quarto.

O apelido de Salvador Dali era "Avida Dollars", que significa "dólares apaixonados".

O logotipo da Chupa Chups foi desenhado por Salvador Dali. De uma forma ligeiramente modificada, sobreviveu até hoje.

Quase todas as obras de Dali têm um retrato ou uma silhueta dele.

Henrique Matisse

As flores desabrocham em todos os lugares para todos que só querem vê-las.

Em 1961, Le Bateau, de Henri Matisse, exposto no Museu de Arte Moderna de Nova York, ficou pendurado de cabeça para baixo por 47 dias. A foto foi pendurada na galeria no dia 17 de outubro, e somente no dia 3 de dezembro alguém viu o erro.

Henri Matisse sofria de depressão e insônia, às vezes soluçando durante o sono e acordando gritando. Um dia, sem qualquer motivo, ele de repente teve medo de ficar cego. E ele até aprendeu a tocar violino para poder ganhar a vida como artista de rua quando perdeu a visão.

Por muitos anos Matisse viveu na pobreza. Ele tinha cerca de quarenta anos quando finalmente conseguiu sustentar sua família sozinho.

Henri Matisse nunca pintou rochas, casas de cristal transparente, campos cultivados.

Durante os últimos 10 anos de sua vida, ele foi diagnosticado com câncer duodenal e teve que permanecer em uma cadeira de rodas.

Edvard Munch

Em minha arte, tentei explicar a vida e seu significado para mim, também tentei ajudar os outros a explicar suas vidas.

Munch tinha apenas cinco anos quando sua mãe morreu de tuberculose, e então ele perdeu sua irmã mais velha. Desde então, o tema da morte tem aparecido repetidamente em sua obra, e a trajetória de vida do artista desde os primeiros passos se declarou um drama de vida.

Sua pintura "O Grito" é a obra de arte mais cara já vendida em leilão público.

Ele era obcecado pelo trabalho e ele mesmo falava assim: “Escrever para mim é uma doença e uma intoxicação. Uma doença da qual não quero me livrar e uma intoxicação na qual quero estar."

Paul Gauguin

A arte é uma abstração, extraia-a da natureza, fantasie a partir dela e pense mais no processo de criação do que no resultado.

O artista nasceu em Paris, mas passou a infância no Peru. Daí seu amor pelos países exóticos e tropicais.

Gauguin mudou facilmente as técnicas e os materiais. Ele também gostava de escultura em madeira. Muitas vezes passando por dificuldades financeiras, ele não conseguia comprar tinta. Então ele pegou a faca e a madeira. Ele decorou as portas de sua casa nas Marquesas com painéis esculpidos.

Paul Gauguin trabalhava como operário no Canal do Panamá.

O artista escreveu naturezas mortas principalmente sem recorrer a um modelo.

Em 1889, tendo estudado a fundo a Bíblia, pintou quatro telas, nas quais se retratou à imagem de Cristo.

Freqüente e promiscuidade com meninas levou ao fato de que Gauguin adoeceu com sífilis.

Renoir Pierre Augusto

Aos quarenta, descobri que o rei de todas as cores é o preto.

Por volta de 1880, Renoir quebra o braço direito pela primeira vez. Em vez de ficar chateado e triste com isso, ele leva o pincel para a esquerda e, depois de um tempo, ninguém duvida que ele será capaz de escrever obras-primas com as duas mãos.

Conseguiu pintar cerca de 6.000 quadros em 60 anos.

Renoir era tão apaixonado pela pintura que não parava de trabalhar mesmo na velhice, sofrendo de várias formas de artrite, e pintava com um pincel amarrado na manga. Um dia, seu amigo íntimo Matisse perguntou: “Auguste, por que você não deixa de pintar, você está sofrendo tanto?” Renoir limitou-se apenas a responder: “La douleur passe, la beauté reste” (A dor passa, mas a beleza fica).

Nesta seção do site, tentamos coletar os fatos mais surpreendentes e interessantes sobre as pinturas criadas por artistas de todos os tempos.

Uma vigarista que se autodenominava Princesa Tarakanova

Na famosa pintura de Flavitsky "Princesa Tarakanova", a heroína é retratada antes de sua morte durante a enchente de São Petersburgo em 1777. No entanto, o verdadeiro vigarista, que se chamava princesa Tarakanova e fingia ser filha de Elizabeth Petrovna e irmã de Emelyan Pugachev, morreu em cativeiro por tuberculose dois anos antes.

"Black Square" está pendurado de cabeça para baixo na Galeria Tretyakov

Estudos do "Quadrado Negro" de Malevich com a ajuda de um microscópio e raios-X revelaram que duas obras anteriores pintadas com tintas coloridas estão escondidas sob ele ao mesmo tempo - uma pertence ao período cubo-futurista da obra do artista, a segunda ao proto-suprematista. Além disso, sob uma camada de tinta, foi encontrada a inscrição “Batalha dos Negros à Noite”, feita por Malevich, referindo-se à tela em quadrinhos absolutamente preta de Alphonse Allais, escrita 30 anos antes. E a localização e a direção da inscrição indicam que a imagem está pendurada de cabeça para baixo na Galeria Tretyakov.

Que falsificador ficou tão famoso que falsificações de suas falsificações apareceram à venda?

O artista húngaro Elmir de Hory tornou-se famoso como um dos mais habilidosos falsificadores de pintores famosos. Iniciando sua “carreira” com a imitação das obras de Picasso, de Hory conseguiu vender milhares de falsificações em sua vida, embora legalmente não seja totalmente correto chamá-las de falsificações, já que de Hory não assinou uma única pintura com o nome do criador do original. O fato de seu domínio da imitação tornou-se tão famoso no mundo da arte que agora existem falsificações sob o comando do próprio Hory. Em 2014, duas pinturas atribuídas a ele no estilo de Claude Monet foram colocadas em leilão na Nova Zelândia, mas um especialista nas obras de Hory conseguiu reconhecer o fato de uma dupla falsificação.

Os cientistas imploraram a Kustodiev para pintar seu retrato, ainda não sendo famoso

Em 1921, dois jovens cientistas abordaram o artista Boris Kustodiev com um pedido para pintar seu retrato. O argumento deles era que Kustodiev atrai apenas celebridades, e eles têm certeza de que também ficarão famosos, mesmo que agora não sejam particularmente conhecidos por ninguém. Esses cientistas eram Pyotr Kapitsa e Nikolai Semyonov, futuros prêmios Nobel de física e química, respectivamente. Como pagamento, deram ao artista um saco de painço e um galo recebido pela reparação do moinho.

O título de qual pintura de Rembrandt é o oposto da intenção do artista?

Escrito em 1642, a pintura de Rembrandt "O desempenho da companhia de rifles do capitão Frans Banning Cock e do tenente Willem van Ruytenbürg" acabou se tornando mais conhecida como "Night Watch". Porém, durante a restauração da tela em 1947, descobriu-se que a palavra "noite" não é muito apropriada aqui. Rembrandt cobriu a pintura com várias camadas de verniz escuro e, ao longo dos longos anos na Prefeitura de Amsterdã, ela também foi vítima da fuligem da lareira. A limpeza da tela, aliada à análise das sombras dos personagens, mostrou que a ação ocorre entre meio-dia e duas da tarde.

Por que os professores americanos pintaram as decorações de George Washington na pintura?

Washington Crossing the Delaware, de Emanuel Leutze, retrata uma força rebelde cruzando o rio em barcos durante a Revolução Americana. No próprio George Washington, em pose com a perna direita dobrada na altura do joelho, é possível notar dois enfeites vermelhos arredondados saindo de baixo da bainha da camisola, que são um detalhe da corrente do relógio. Como a imagem foi repetidamente impressa em livros didáticos de escolas americanas, muitos professores tentaram pintar essas decorações para que as crianças não as associassem aos órgãos genitais.

Mona Lisa Nua

Um dos alunos de Leonardo da Vinci era um jovem chamado Salai. Muitos críticos de arte têm certeza de que foi ele quem serviu de modelo para as pinturas de Leonardo "João Batista" e "Baco". Há também versões de que Salai, vestido de mulher, servia como a imagem da própria Mona Lisa, e que havia uma relação íntima entre a aluna e a professora. As obras do próprio Salai são pouco conhecidas, uma delas é uma versão nua da Gioconda chamada "Monna Vanna".

Que famosa pintura russa foi inspirada nas touradas?

Ilya Repin foi inspirado a criar a pintura "Ivan, o Terrível e seu filho Ivan" por vários eventos. O primeiro é o assassinato do czar Alexandre II pela explosão de uma bomba, o segundo é a visita de Repin ao concerto de Rimsky-Korsakov no mesmo ano, onde ficou impressionado com a música da suíte sinfônica Antar e quis transmitir esse clima na tela. E o estímulo final para o artista foi uma visita a uma tourada na Espanha, após a qual escreveu em seu diário: “Infortúnios, morte em vida, assassinatos e sangue constituem uma força de atração ... E eu, provavelmente infectado com isso sangrenta, ao chegar em casa, imediatamente começou para a cena sangrenta.

Quem, além do artista Manet, pintou o quadro "Café da manhã na grama"?

Os artistas Edouard Manet e Claude Monet às vezes se confundem - afinal, ambos eram franceses, viveram na mesma época e trabalharam no estilo do impressionismo. Mesmo o nome de uma das pinturas mais famosas de Manet, "Breakfast on the Grass", Monet pegou emprestado e escreveu seu "Breakfast on the Grass".

Por que a "Breton Village in the Snow" de Gauguin foi vendida sob o nome de "Niagara Falls"?

A pintura Breton Village in the Snow, de Paul Gauguin, foi vendida em leilão após sua morte. O leiloeiro erroneamente o pendurou de cabeça para baixo e o colocou sob o nome de "Cataratas do Niágara".

Por que um dos cossacos na foto "Cossacks" está sentado sem camisa?

Na pintura "Cossacos" de Repin, há apenas um cossaco à mesa, nu acima da cintura. O fato é que esse personagem é um jogador ávido, há um baralho ao lado dele. Ao jogar a dinheiro no Sich, havia a tradição de tirar a camisa para que ninguém trapaceasse escondendo as cartas nas mangas.

Qual artista gostava de colocar reproduções de suas outras pinturas nas paredes das salas retratadas?

No canto superior esquerdo da pintura de Reshetnikov "Again a deuce" há uma reprodução de sua outra pintura famosa - "I Arrived on Vacation". Por sua vez, uma reprodução de "Again deuces" está no canto superior esquerdo da pintura "Re-exame", para a qual o mesmo menino posou. Seu protagonista se senta à mesa no verão em uma casa rural e estuda, enquanto o resto das crianças brinca lá fora.

Que negócio multimilionário não deu certo por causa de uma cotovelada desajeitada?

Em 2006, o magnata americano Steve Wynn concordou em vender O Sonho, de Pablo Picasso, por US$ 139 milhões, um dos preços mais altos da história para uma obra de arte. Porém, durante a demonstração da pintura, Wynn agitou demais os braços e rasgou a tela com o cotovelo. O proprietário considerou isso um sinal de cima e decidiu não vender a pintura após a restauração.

Quando Repin quase estragou sua pintura "Ivan, o Terrível, e seu filho Ivan"?

Em 1913, um pintor de ícones com problemas mentais cortou a pintura de Repin "Ivan, o Terrível, e seu filho Ivan" com uma faca. Graças ao trabalho oportuno dos restauradores, a pintura foi restaurada à sua forma original. O próprio Repin veio a Moscou e repintou a cabeça do Terrível em uma desagradável escala lilás, que não combinava com o resto da escala do quadro - a visão do artista sobre a pintura mudou muito em 20 anos. Os restauradores removeram essas correções e trouxeram a pintura para uma correspondência exata com suas fotografias detalhadas. E Repin, vendo a foto restaurada depois, não percebeu nada.

Por que Picasso aqueceu o fogão com suas pinturas?

Nos primeiros anos de sua vida em Paris, Picasso era tão pobre que às vezes era forçado a aquecer com suas pinturas em vez de lenha.

Qual pintura está pendurada de cabeça para baixo no museu há muito tempo?

No Museu de Arte Moderna de Nova York em 1961, a pintura "O Barco" de Henri Matisse foi exibida. Somente após 47 dias alguém notou que a pintura estava pendurada de cabeça para baixo.

Cada criação do artista é única, em cada quadro há um pedaço da alma de seu criador. Mas como qualquer outra coisa, a pintura tem suas próprias nuances, os artistas têm seus próprios truques. Cada imagem está associada Fatos interessantes, a maioria o curioso de que vamos apresentar a você.

1. Apeles(370 - 306 aC) foi um excelente artista grego antigo, amigo de Alexandre, o Grande. Muitos fatos interessantes estão associados ao seu nome. Segundo uma das lendas, Apelles fez um concurso com outro artista pelo realismo da imagem. Quando a tela foi removida da pintura do competidor, os pássaros imediatamente se aglomeraram no ramo de videira surpreendentemente vivo. Em seguida, começaram a retirar o véu da pintura de Apeles, mas os assistentes não conseguiram - o véu estava retratado na foto!

2. Em uma das pinturas mais famosas rubens"A Festa dos Deuses no Olimpo" por muito tempo permaneceu desconhecida a data de criação. Finalmente, os astrônomos examinaram mais de perto e descobriram que os personagens estavam localizados exatamente como estavam localizados no céu do planeta em 1602.

3. Nos tempos soviéticos, todo artista tinha que ser capaz de passar sua imagem por uma comissão, muitas vezes pouco versada nas artes plásticas. Tive que inventar os movimentos mais interessantes e inesperados. Então, um artista pintou um cachorro amarelo completamente inapropriado no canto da imagem. Foi esse cachorro amarelo que se tornou o principal tema de discussão da comissão, que não deu mais atenção a mais nada. Um veredicto foi aprovado - aceitar a foto, após a remoção do cachorro.

4. Van Meegeren era um talentoso artista holandês. Infelizmente, suas obras não foram apreciadas, mas suas cópias de pinturas de pintores famosos gozaram de uma popularidade sem precedentes. Foram essas cópias que ele vendeu aos nazistas. Após a guerra, ele enfrentou um dilema - ser acusado de vender o tesouro nacional ou provar que eram falsos. Curiosamente, em apenas alguns dias, sob a supervisão do tribunal, ele realmente criou uma nova imagem.

5. Vasily Dmitrievich Polenov(1844-1927) foi um reconhecido mestre da pintura histórica. Seu pincel pertence a uma pintura interessante com o título original "Cristo e o Pecador". Mas a imagem não foi aceita na época, pois o artista retratou Cristo sem a auréola obrigatória, de fato, como a pessoa mais comum. A imagem conseguiu ser exibida para o público somente após renomeá-la para "A Esposa Pródiga".

6. Um artista conseguiu apresentar sua falsificação da maneira mais original. Ele pintou outro quadro em cima de uma tela falsa e levou tudo para o restaurador. No decorrer de seu trabalho, ele descobriu esse fato interessante “dual” e foi anunciado que ele havia encontrado um “desconhecido”. Monet”, cuja autenticidade não esteve em dúvida por muito tempo.

7. Outra forma original permite vender uma falsificação. Duas pinturas são inseridas na moldura, uma das quais é genuína. Todo esse “sanduíche” é testado e recebe uma conclusão oficial sobre a autenticidade da obra. Em seguida, uma das pinturas é retirada e a segunda é vendida a um comprador ingênuo.

8. Imagens Viktor Mikhailovich Vasnetsov em histórias épicas entre outros artistas russos não eram particularmente populares, alguns até chamavam de "Morto" seu "Depois da batalha de Igor Svyatoslavovich com o Polovtsy", e "Tapete com orelhas" seu fabuloso "Tapete voador".

9. Um negócio interessante foi feito por uma senhora em uma pintura autografada por Ilya Efimovich Repin. Ela acabou de comprar uma certa pintura por apenas 10 rublos, mas com uma assinatura orgulhosa " I. Repin"A senhora mostrou este trabalho para Ilya Efimovich depois de algum tempo. O artista riu e acrescentou "Isso não é Repin", após o que a senhora vendeu seu autógrafo (claro, junto com a foto) por 100 rublos.

10. Os artistas costumam se ajudar, porque todos têm suas histórias favoritas, mas também há pontos fracos. Naturalmente, neste caso, use a ajuda de um amigo - Repin escreveu Pushkin para a foto Aivazovsky"Pushkin à beira-mar", Nikolai Chekhov retratou uma senhora de preto para a pintura "Dia de outono. Sokolniki" levita, e os ursos mais famosos de "Morning in a Pine Forest" de Shishkin escreveram Savitsky.

Curiosidades sobre a pintura
Algumas pinturas famosas têm uma história de criação muito interessante e às vezes até engraçada. Os fatos lhe dirão o que você pode não saber sobre artistas famosos e suas obras-primas.

1 Leonardo da Vinci por muito tempo não conseguiu encontrar um modelo para a imagem de Judas em A Última Ceia.

Para muitos historiadores e historiadores da arte, A Última Ceia de Leonardo da Vinci é a maior obra de arte mundial. Em O Código Da Vinci, Dan Brown concentra a atenção dos leitores em alguns dos elementos simbólicos da pintura quando Sophie Neveu, enquanto estava na casa de Lee Teabing, descobre que Leonardo pode ter codificado algum grande segredo em sua obra-prima.
A Última Ceia é um afresco na parede do refeitório do mosteiro de Santa Maria della Grazie, em Milão. Mesmo na época do próprio Leonardo, ela era considerada sua melhor e mais famosa obra. O afresco foi criado entre 1495 e 1497, mas já durante os primeiros vinte anos de sua existência, como fica claro pelas evidências escritas daqueles anos, começou a se deteriorar. Suas dimensões são de aproximadamente 15 por 29 pés. O afresco foi pintado com uma espessa camada de têmpera de ovo sobre gesso seco. Abaixo da camada principal de tinta está um esboço de composição, um estudo, inscrito em vermelho de uma maneira que antecipa o uso usual de papelão. É uma espécie de ferramenta preparatória.
Sabe-se que o cliente da pintura era o duque de Milão Lodovico Sforza, em cuja corte Leonardo ganhou fama como grande pintor, e não os monges do mosteiro de Santa Maria della Grazie.
O tema da imagem é o momento em que Jesus Cristo anuncia aos seus discípulos que um deles o trairá. Pacioli escreve sobre isso no terceiro capítulo de seu livro Proporção Divina. Foi esse momento - quando Cristo anuncia a traição - que Leonardo da Vinci capturou. Para obter precisão e semelhança com a vida, ele estudou as posturas e expressões faciais de muitos de seus contemporâneos, que mais tarde retratou na foto. A identidade dos apóstolos tem sido repetidamente objeto de controvérsia, no entanto, a julgar pelas inscrições na cópia da imagem armazenada em Lugano, estes são (da esquerda para a direita): Bartolomeu, Tiago, o Jovem, André, Judas, Pedro, João, Tomé, Tiago, o Velho, Filipe, Mateus, Tadeu e Simão, o Zelote.
Muitos historiadores da arte acreditam que esta composição deve ser tomada como uma interpretação iconográfica da Eucaristia - comunhão, já que Jesus Cristo aponta com as duas mãos para a mesa com vinho e pão.
Quase todos os estudiosos da obra de Leonardo concordam que o local ideal para olhar a pintura é de uma altura de cerca de 13 a 15 pés acima do chão e a uma distância de 26 a 33 pés dele. Há uma opinião - agora contestada - de que a composição e o sistema de sua perspectiva são baseados no cânone musical da proporção.
O caráter único de A Última Ceia é dado pelo fato de que, ao contrário de outras pinturas desse tipo, mostra a incrível variedade e riqueza das emoções dos personagens causadas pelas palavras de Jesus de que um dos discípulos o trairia. Nenhuma outra pintura baseada na Última Ceia pode chegar perto da composição única e atenção aos detalhes da obra-prima de Leonardo.
Então, que segredos o grande artista poderia criptografar em sua criação? Em The Discovery of the Templars, Clive Prince e Lynn Picknett argumentam que vários elementos da estrutura de A Última Ceia são indicativos dos símbolos codificados dentro dela.
Primeiro, eles acreditam que a figura à direita de Jesus (para o observador está à esquerda) não é João, mas uma certa mulher. Ela está vestindo um manto, cuja cor contrasta com as roupas de Cristo, ela está inclinada na direção oposta a Jesus, que está sentado no centro. O espaço entre esta figura feminina e Jesus é em forma de V, e as próprias figuras formam a letra M.
Em segundo lugar, na foto, na opinião deles, uma certa mão é visível ao lado de Peter, apertando uma faca. Prince e Picknett argumentam que esta mão não pertence a nenhum dos personagens da foto.
Em terceiro lugar, sentando-se diretamente à esquerda de Jesus (à direita - para o público), Tomé, voltando-se para Cristo, levantou o dedo. Segundo os autores, esse é um gesto típico de João Batista.
E, finalmente, existe a hipótese de que o apóstolo Tadeu, sentado de costas para Cristo, seja na verdade um auto-retrato do próprio Leonardo.

A proporção áurea de Leonardo da Vinci

A obra mais famosa de Leonardo, a famosa "Última Ceia" no mosteiro dominicano de Santa Maria delle Grazie em Milão, foi executada entre 1495 e 1497.
O pincel de Leonardo capturou a última refeição conjunta (jantar) de Jesus Cristo e os doze apóstolos na véspera do dia (sexta-feira santa) da morte de Cristo na cruz.

Leonardo preparou cuidadosamente e por muito tempo para a pintura milanesa. Ele fez muitos esboços nos quais estudou as posturas e gestos de figuras individuais. A Última Ceia o atraiu não com seu conteúdo dogmático, mas com a oportunidade de revelar um grande drama humano diante do espectador, mostrar vários personagens, revelar o mundo espiritual de uma pessoa e descrever com precisão e clareza suas experiências. Ele tomou A Última Ceia como uma cena de traição e se propôs a introduzir nessa imagem tradicional aquele começo dramático, graças ao qual ela adquiriria um som emocional completamente novo.

Pensando no conceito de A Última Ceia, Leonardo não apenas fez esboços, mas também escreveu seus pensamentos sobre as ações dos participantes individuais dessa cena: olha para o companheiro, o outro mostra as palmas das mãos, levanta os ombros para o ouvidos e expressa surpresa com a boca ... "O registro não indica os nomes dos apóstolos, mas Leonardo, aparentemente, imaginou claramente as ações de cada um deles e o lugar que cada um foi chamado ocupa na composição geral. Especificando poses e gestos nos desenhos, buscava formas de expressão que envolvessem todas as figuras em um único turbilhão de paixões. Ele queria capturar pessoas vivas nas imagens dos apóstolos, cada um respondendo ao evento à sua maneira.

A Última Ceia é a obra mais madura e completa de Leonardo.
Existem várias lendas que contam sobre o grande Mestre e sua pintura.

Assim, segundo um deles, ao criar o afresco "A Última Ceia", Leonardo da Vinci enfrentou uma enorme dificuldade: ele teve que retratar o Bem, personificado na imagem de Jesus, e o Mal - na imagem de Judas, que decidiu traí-lo nesta refeição. Leonardo interrompeu o trabalho no meio e só o retomou depois de encontrar os modelos ideais.

Certa vez, quando o artista assistia a uma apresentação do coral, viu em um dos jovens cantores a imagem perfeita de Cristo e, convidando-o para seu estúdio, fez vários esboços e esboços dele.
Três anos se passaram. A Última Ceia estava quase completa, mas Leonardo ainda não havia encontrado uma babá adequada para Judas. O cardeal, encarregado de pintar a catedral, apressou-se, exigindo que o afresco fosse concluído o mais rápido possível.
E depois de muitos dias de busca, o artista viu um homem caído na sarjeta - jovem, mas prematuramente decrépito, sujo, bêbado e maltrapilho. Não sobrou tempo para os estudos, e Leonardo ordenou a seus assistentes que o entregassem diretamente na catedral, o que eles fizeram.
Com grande dificuldade, eles o arrastaram até lá e o colocaram de pé. Ele realmente não entendia o que estava acontecendo, e Leonardo capturou na tela a pecaminosidade, o egoísmo, a maldade que seu rosto respirava.
Quando terminou o trabalho, o mendigo, que já estava um pouco sóbrio, abriu os olhos, viu a tela à sua frente e gritou de medo e angústia:
- Já vi essa foto antes!
- Quando? perguntou Leonardo perplexo.
“Três anos atrás, antes de perder tudo. Naquela época, quando eu cantava no coral e minha vida era cheia de sonhos, algum artista pintou Cristo de mim.

Segundo outra lenda, insatisfeito com a lentidão de Leonardo, o prior do mosteiro exigiu insistentemente que ele terminasse sua obra o mais rápido possível. “Pareceu-lhe estranho ver que Leonardo estava imerso em pensamentos durante toda a metade do dia. Queria que o artista não largasse os pincéis, como não para de trabalhar no jardim. Não se limitando a isso, reclamou com o duque e passou a importuná-lo tanto que foi obrigado a mandar chamar Leonardo e de forma delicada pedir-lhe que assumisse a obra, deixando claro de todas as formas que estava fazendo tudo isso por insistência do prior. Tendo iniciado uma conversa com o duque sobre temas artísticos gerais, Leonardo então apontou para ele que estava perto de terminar a pintura e que faltavam apenas duas cabeças para pintar - Cristo e o traidor Judas. “Ele gostaria de procurar esta última cabeça, mas no final, se não encontrar nada melhor, está pronto para usar a cabeça deste prioritário, tão intrusivo e indiscreto. Essa observação divertiu muito o duque, que lhe disse que ele estava mil vezes certo. Desta forma, o pobre prior envergonhado continuou a empurrar o trabalho no jardim e deixou Leonardo sozinho, que terminou a cabeça de Judas, que acabou por ser a verdadeira personificação da traição e da desumanidade.

2 Acontece que o termo "miniatura" não tem nada a ver com tamanhos pequenos. Esta palavra vem do latim "minium" - o nome da tinta de chumbo vermelha, que tinha a cor do cinábrio vermelho. As letras iniciais dos textos foram escritas com essa tinta e pequenas ilustrações foram desenhadas em livros antigos e medievais.

3 Marcelino Sanz de Sautola, cuja filha foi a primeira a encontrar as pinturas rupestres na gruta de Altamira, foi acusado de ter forjado as imagens. Supostamente, os povos primitivos não poderiam criar uma obra-prima com uma composição tão complexa.

4 Pesquisadores, após examinarem dezenas de quadros de grandes artistas pintados entre 1000 e 1800, concluíram que a quantidade de comida representada aumentou 69% nesse período.

Esta conclusão foi feita por cientistas que analisaram a dinâmica das mudanças nas porções de alimentos retratadas nas telas de...

O homem moderno come o dobro de seu ancestral que viveu há mil anos. Essa conclusão foi feita por cientistas americanos que analisaram a dinâmica das mudanças nas porções de alimentos retratadas nas telas de mestres de diferentes épocas.

Os especialistas estudaram 52 pinturas da série Última Ceia, que foram pintadas de 1000 a 2000. Os pesquisadores compararam os tamanhos dos pratos representados nas telas e os volumes das porções de comida. Para um indicador constante, com base no qual a comparação foi feita, foram medidos os tamanhos das cabeças dos discípulos de Cristo.

Descobriu-se que, de século em século, o volume de alimentos retratados nas pinturas aumentou. Em particular, nos últimos mil anos, a porção do prato principal aumentou 69%, o pedaço de pão ficou 25% maior e o tamanho dos pratos aumentou 66%.

O homem moderno engorda não só porque come mais. A maioria dos produtos modernos tem alto teor calórico e baixo valor nutricional. Além do fato de que as pessoas modernas não recebem nutrientes suficientes, as células renais e hepáticas podem lidar com conservantes, corantes e fermento em pó, que são ricos nos produtos de hoje. Portanto, a carga nesses órgãos aumenta e o metabolismo é perturbado.

Recentemente, a chamada dieta da caverna está ganhando popularidade. Seus adeptos acreditam que se você recusar a comida moderna, em 3-4 meses poderá perder de 7 a 18 kg de excesso de peso e ao mesmo tempo limpar o corpo de substâncias nocivas.

A quantidade de comida nas pinturas que retratam a última ceia de Cristo e dos apóstolos aumentou significativamente nos últimos 1000 anos. Como mostrou um estudo de 52 obras-primas da arte mundial, essa tendência está alinhada com o desenvolvimento de uma sociedade de consumo que tende a comer cada vez mais.

Dois irmãos professores - especialista em psicologia nutricional e teólogo - Brian e Craig Wansinky, analisaram juntos a quantidade de comida retratada em 52 das pinturas mais famosas da história bíblica da Última Ceia. Foi então que Jesus disse aos seus discípulos: "Em verdade vos digo que um de vós me trairá." Além disso, foi a última refeição de Cristo que se tornou o protótipo do rito da comunhão, onde o pão personifica o corpo do Senhor e o vinho é o seu sangue.

Os cientistas estudaram pinturas criadas nos últimos mil anos. Ela mediu o tamanho da comida retratada e o correlacionou com o tamanho médio da cabeça do apóstolo em cada pintura para chegar a um tamanho específico independente do tamanho da tela. Aconteceu uma coisa curiosa: o tamanho das porções, o tamanho dos pratos e o tamanho dos pedaços de pão desde o século 11 até os dias atuais aumentaram constantemente. Assim, o tamanho do prato principal aumentou 69%, o tamanho dos pratos 66% e o tamanho dos pães 23%.

Uma análise das pinturas revelou uma série de pontos interessantes. Na Idade Média, os apóstolos eram retratados como ascetas. No entanto, a refeição que aparece nas pinturas anteriores a 1498 (este é o ano em que foi pintada a Última Ceia de Leonardo da Vinci mais famosa do mundo) era bastante farta. A comida mais “generosa” era do artista do século XVI, o maneirista Jacopo Tintoretto: no seu quadro, os pratos são os mais cheios.

Os cientistas acreditam que o aumento gradual do tamanho das porções nas pinturas reflete o aumento geral do consumo no mundo. Segundo os autores do trabalho científico, as pinturas são apenas um reflexo do “impressionante crescimento sócio-histórico da produção, disponibilidade, segurança, abundância e barateamento dos alimentos”.

5 "Black Square" não foi a primeira pintura neste estilo. Muito antes de Malevich, Alle Alphonse exibiu sua obra-prima “Batalha dos negros em uma caverna na calada da noite” na Galeria Vivienne - uma tela retangular totalmente preta.

Black Square" foi escrito pela primeira vez não por Malevich, mas pelo poeta francês Bilo, chamando a pintura de "Batalha dos Negros no Túnel".

Em 1882 (33 anos antes da Praça Negra de Malevich) na exposição Exposition des Arts Incohérents em Paris, o poeta Paul Bilot apresentou a pintura Combat de nères dans un tunnel (A Batalha dos Negros no Túnel). É verdade que não era um quadrado, mas um retângulo.

O jornalista, escritor e excêntrico humorista francês Alphonse Allais gostou tanto da ideia que a desenvolveu em 1893, chamando seu retângulo negro de "Combat de nègres dans une cave, pendente la nuit" ("Batalha dos negros em uma caverna nos mortos de noite"). Sem parar com o sucesso alcançado, Alle colocou uma folha branca virgem de papel Bristol chamada "A primeira comunhão de meninas que sofrem de clorose na estação de neve"

. Seis meses depois, a próxima foto de Alphonse Allais foi percebida como uma espécie de “explosão colorística”. A paisagem retangular "Colhendo tomates nas margens do Mar Vermelho por cardeais apopléticos" era uma pintura monocromática vermelha brilhante sem o menor sinal de imagem (1894). No final, em 1897, Allais publicou um livro de 7 pinturas "Album primo-avrilesque" (Álbum do Dia da Mentira).

Assim, vinte anos antes das revelações suprematistas de Kazimir Malevich, o venerável artista Alphonse Allais tornou-se o "autor desconhecido" das primeiras pinturas abstratas. Alphonse Allais também ficou famoso pelo fato de em quase setenta anos ter antecipado inesperadamente a famosa peça musical minimalista “4′33″” de John Cage, que são quatro e meio “minutos de silêncio”. Talvez a única diferença entre Alphonse Allais e seus seguidores seja que ele, exibindo seu trabalho incrivelmente inovador, não tentou parecer um filósofo significativo ou um descobridor sério.

6 Uma pintura abstrata de Henri Matisse, O Barco, ficou pendurada de cabeça para baixo no Museu de Arte Moderna por 47 dias. Nesse período, 116 mil pessoas conseguiram assisti-lo.

É representado um barco navegando e seu reflexo na superfície da água)) E você precisa olhar para ele girando 90 graus
texto flutuante
Wash, uma ilustração maravilhosa do verdadeiro "valor" dessa arte.

7 A ideia de retratar um relógio macio surgiu em Salvador Dali quando ele observou o queijo Camembert derreter ao sol.

8 Vincent van Gogh vendeu apenas um quadro em toda a sua vida.

A trágica vida de Vincent van Gogh é popular hoje como uma espécie de lenda sagrada de que as pessoas parecem precisar mais do que o brilho de suas estrelas e girassóis. Uma existência faminta, quase miserável, cheia de solidão e desprezo pelos outros, já se tornou um hype e interesse mundial no século XX. Durante sua vida, Van Gogh vendeu apenas uma pintura ("Red Vineyards in Arles"), e exatamente cem anos depois, no leilão da Christie's em Nova York, seu "Retrato do Dr. Gachet" foi comprado por $ 82,5 milhões (um recorde entre pinturas). No pano de fundo desse culto doentio, perde-se a imagem do próprio artista, poderoso e vulnerável ao mesmo tempo, que encerrou sua dramática jornada na terra em desespero e suicídio. Van Gogh viveu apenas 37 anos, dos quais apenas os últimos sete anos e meio foram dedicados à pintura. No entanto, sua herança criativa é incrível. São cerca de mil desenhos e quase o mesmo número de pinturas criadas como resultado de erupções criativas vulcânicas, quando Van Gogh pintou uma ou duas pinturas diariamente por longas semanas. Van Gogh tornou-se o último artista verdadeiramente grande da história, um exemplo inatingível para outros, cuja arte altruísta e heróica, como uma tocha, como um arco-íris, agora brilha sobre a humanidade. Suas pinturas são um diálogo deslumbrante cheio de amor e sofrimento - consigo mesmo, com Deus, com o mundo...

9 Edgar Degas pintou cerca de 1.500 quadros de bailarinos. .

10 Pintura de Ivan Aivazovsky “Caos. A Criação do Mundo”, escrita com base na Bíblia, foi comprada pelo Papa Gregório XVI, que premiou o artista com uma medalha de ouro.

As pinturas "italianas" de Aivazovsky, apresentadas em exposições em Nápoles e Roma, trouxeram reconhecimento e sucesso ao pintor. Os críticos escreveram que ninguém jamais havia retratado a luz, o ar e a água de forma tão vívida e autêntica. O artista inglês Joseph Mallord William Turner, que visitou uma das exposições onde estavam expostas as obras do pintor russo, ficou tão chocado com o que viu que lhe dedicou um poema:

Perdoe-me, grande artista, se eu estiver errado,
Levando sua foto para a realidade.
Mas seu trabalho me fascinou,
E o êxtase tomou posse de mim.
Sua arte é alta e monumental,
Porque a genialidade te inspira.

Criação do mundo. Caos. 1841

A obra de maior escala criada pelo mestre na Itália é “A Criação do Mundo. Caos” (1841, Museu da Congregação Mkhitarista Armênia, Veneza).

Apostando na habilidade de Karl Petrovich Bryullov, Aivazovsky criou uma tela, grandiosa em sua expressividade, retratando o confronto e ao mesmo tempo a relação de dois elementos primordiais - o céu e a água, que a luz divina ilumina, perfurando e unindo-os. Esta obra, que se baseia nas palavras do livro do Gênesis: “A terra era sem forma e vazia, e as trevas encheram o abismo, e o Espírito de Deus pairava sobre as águas” foi muito apreciada pelo Papa Gregório XVI.

Obrigado..

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