Skisser av blommor i akvarell. Grafisk tolkning av en akvarellskiss (från arbetslivserfarenhet)
Bibliotek
material
Syktyvkar, Ryssland
(från arbetslivserfarenhet)
anteckning
Denna artikel diskuterarmöjlighetenvattenfärgsom en konstteknologioch metoderstylingmotiv, som en metod förformningframtidenkreativitetav konstnären.
Författaren analyserartekniskknep ocharbetssättiakvareller ochupphovsrätterbjudsrekommendationerför genomförandet avakvarell skisseratt stå emotgrafisktuttrycksfullstil avarbete.
Nyckelord:
vattenfärg, målningteknologi, tekniker, uttrycksmedel, Plein luftvattenfärg, vattenfärgskiss; konstnärtips;
Den akademiska kursen "målning" i systemet för yrkesutbildning syftar till att behärska teknikerna för olika målningstekniker i processen att studera teorin om färgvetenskap och färgning. I den klassiska undervisningen i "Academic Painting" var det lämpligt att börja med studiet av akvarellteknik och därför började eleverna i praktiken att uppfatta "akvarell" som en teknik för målning och följaktligen, utbildningen bygger på praktiken att bemästra målningstekniker. Det är inte populärt idag att börja kursen för att bemästra målningstekniker med att behärska tekniken för akvarellfärger, eftersom tekniken kräver tålamod, uthållighet, uppmärksamhet från studenter, vilket inte alltid är lätt för studenter och är svårt att tillgodogöra sig i utbildningsprocessen. Ändå kan den akvarell som används i processen att undervisa i målning bilda elevernas sätt att tänka kreativt om de inkluderar träningsuppgifter i utbildningen som låter dem tolka det pittoreska i akvarelltekniker i grafiskt uttrycksfulla fläckar och linjer som förstärker innehållet i "motiv" bild.
Artur Fonvizin.
Bibliografi
1.Magisk akvarell av Artur Fonvizin. Behörighetskod
Ansökan
Torlopova N.G. Pepparkakshus. 2007, boom. vattenfärg
Torlopova N.G. Gammal björk. 2007, boom. vattenfärg
Torlopova N.G. hydda. 2013, boom. vattenfärg
Torlopova N.G. Obyachevsky gav 2007, boom. vattenfärg
Hitta material för alla lektioner,
anger ditt ämne (kategori), klass, lärobok och ämne:
du kan också välja typ av material:
Kort beskrivning av dokumentet:
Natalya Gennadievna Torlopova
Syktyvkar, Ryssland
GRAFISK TOLKNING AV EN VATTENFÄRGSSTUDIE
(från arbetslivserfarenhet)
anteckning
Artikeln diskuterar vattenfärgens möjligheter som konstnärlig teknik och sätt att stilisera ett motiv som en metod som formar kreativiteten hos en framtida konstnär.
Författaren till artikeln analyserar teknikerna och de tekniska metoderna för att arbeta i akvarell och ger författarens rekommendationer för genomförandet av en akvarellskiss, vilket gör det möjligt att bibehålla verkets grafiskt uttrycksfulla stil.
Denna artikel diskuterar möjligheten av akvarell som en konst teknik och metoder styling motiv, som en metod för att forma framtida kreativitet av konstnären.
Författaren analyserar tekniska knep och sätt att arbeta i akvarell och upphovsrätt erbjuds rekommendationer för implementering av akvarellskisser för att motstå grafiskt uttrycksfull arbetsstil.
Nyckelord: vattenfärg; målningsteknik; Metod; uttrycksmedel; akvarell utomhus; akvarellstudie; konstnärsrådgivning;
vattenfärg, målarteknik, tekniker, uttrycksmedel, akvarell i luften, akvarellskiss;konstnär tips;
Den akademiska kursen "målning" i systemet för yrkesutbildning syftar till att behärska teknikerna för olika målningstekniker i processen att studera teorin om färgvetenskap och färgning. I den klassiska undervisningen i "Academic Painting" var det tillrådligt att börja med studiet av akvarellteknik och därför började eleverna i praktiken att uppfatta "akvarell" som en teknik för målning och följaktligen är utbildningen baserad på praktiken att behärska målningstekniker. Det är inte populärt idag att börja kursen för att bemästra målningstekniker med att behärska tekniken för akvarellfärger, eftersom tekniken kräver tålamod, uthållighet, uppmärksamhet från studenter, vilket inte alltid är lätt för studenter och är svårt att tillgodogöra sig i utbildningsprocessen. Ändå kan den akvarell som används i processen att undervisa i målning bilda elevernas sätt att tänka kreativt om de inkluderar träningsuppgifter i utbildningen som låter dem tolka det pittoreska i akvarelltekniker i grafiskt uttrycksfulla fläckar och linjer som förstärker innehållet i "motiv" bild.
Akvarell är en intressant men komplex konstteknik. Med hjälp av akvarell kan du skapa underbara pittoreska skisser som förmedlar en liten nyans av färg och har milda övergångar från en färg till en annan. De klassiska teknikerna för akvarellmålning låter dig subtilt förråda det bildmässiga utrymmet och skulptera volymen av de avbildade föremålen med en illusorisk överföring av materialitet.
Akvarell var ursprungligen en grafisk teknik: den utförde illustrationer av manuskript och böcker, arkitektoniska projekt och skisser av konstnärliga produkter. Och idag är det populärt bland grafiker för att skapa illustrationer och grafiska ark med staffli. I praktiken av moderna konstnärer som arbetar med akvareller är den bildmässiga lösningen av skissen inte så vanlig, vilket tekniskt representerar en mängd olika nyanser och färgnyanser av plastfläcken. För att göra en skiss mer pittoresk använder konstnärer ofta den "våta" tekniken, som gör att färger kan spridas fritt över papper, flyta och blandas godtyckligt, vilket skapar mjukhet och större associativitet för den använda färgen. Men det är inte ett faktum att bara vått papper hjälper till att lösa målningsproblem. I akvarellens historia finns ett exempel på ett annat tillvägagångssätt. Dessa är akvarellverk av en enastående rysk konstnärArtur Fonvizin."Vissa konstnärer och konsthistoriker tror att Fonvizin målade sina akvareller på den våta ytan av papperet. Det är inte sant. Konstnären arbetade inte på förfuktat papper, då han är helt beroende av nycklarna med färg som sprids på vått papper. Trots det faktum att konstnären arbetade i "torr-på-torr" akvarelltekniken, som innebar noggrant övervägande av sekvensen av applicering av färgskikt, blev resultatet friskhet och klang i färgen, omedelbar utförande och den skenbara ljusheten hos en akvarell fläck. En viss ofullständighet i hans verk ger intryck av en speciell koncisitet och uttrycksfullhet.
Konstnärligt arbete i akvarell innebär hög prestationskvalitet och kräver att konstnären är virtuos och modig när det gäller att bemästra det konstnärliga materialet. För många konstnärer är akvarell fortfarande favorittekniken i förverkligandet av kreativitet. Om vi i utbildningsprocessen med elever använder inte bara dess bildpotential, utan också dess verkliga grafiska möjligheter i akvarell, sätter uppgifter i pedagogiska skisser för tolkningen av en pittoresk plats till en grafiskt uttrycksfull bild av elementen i det avbildade " motiv", så ger detta oss verkliga sätt att forma elevernas kreativitet . Dessa kan vara uppgifter: att begränsa färgpaletten till 3 färger; med hänsyn till de associativa egenskaperna hos färgfläckformen; med hänsyn till platsens ton och dess position, för att lösa rumsliga planer; lösa skissen med linjer som skiljer sig åt i tekniskt utförande och typ av tryck, eller linjer som varierar beroende på vilken typ av utrustning som används (borste, sticka, palettkniv, borstborste, kam ...), etc.
Bland konstnärerna i vår republik finns det flera namn som, naturligtvis, föredrar denna teknik i sin kreativa verksamhet och använder dess tekniska kapacitet enligt deras personliga tolkningsmetod. Dessa är Vladimir Kokachev, Tatyana Vasilyeva och Vitaly Trofimov. Sålunda ger verken av V. Kokachev, gjorda i den "våta" tekniken, intrycket av mjuk plasticitet, lätthet och ovanligt glad, eftersom författaren inte är rädd för att introducera ren färg i bilden. Tatyana Vasilyevas akvarellverk är poetiska och subtila i färgnyanser, innehåller ett slags författares: mild, lyrisk och feminin tolkning. Vitaly Trofimovs akvarelllandskap är energiska, kraftfulla med sina våta fyllningar och samtidigt rika färgelement, skickligt organiserade i en återhållen nordlig färg, som förmedlar intrycket av monumentalitet och betydelse som bestäms av den begränsade palett av färger som används av konstnären. Det är det som gör hans akvareller så starka, att de implementerar konstnärens favorittema – ett unikt cirkumpolärt landskap. Varje konstnär vet hur man hittar lämpliga tekniker i akvarell, som motsvarar deras personliga uppfattning om världen omkring dem. Deras verk lever på gränsen till typerna av "målning" och "grafik".
För att en konstnär ska få praktisk erfarenhet av akvarell, förutom att arbeta i en träningsverkstad, kan det vara mer användbart att gå till det fria. Den snabbt föränderliga ljusmiljön begränsar tiden för att genomföra studien, under vilken konstnärens erfarenhet och kunskap fokuseras, vilket intuitivt leder konstnärens hand och omedelbart tolkar det observerade till en konstnärlig bild. Tack vare dess oförutsägbara flytbarhet, plasticitet, lätthet i tonen, kombinerat med en mängd olika tekniker och en mängd olika utrustning, är det möjligt att färdigställa en skiss, både med hjälp av bildfärgning, och lösa dess bild med hjälp av grafiska skissverktyg. Ett grafiskt ark kan också skapas från minnet i en verkstad på basis av en pittoresk akvarellskiss skapad i en utomhusmiljö, vilket gör att du kan tänka ut kompositionen av verket, förloppet för dess genomförande, så att säga, regissera och bygga en "image".
Akvarellskisser, utförda av oss i det fria, kan definieras som genren "reportagegrafik". Snabba skisser fångar ett landskap eller arkitektoniskt motiv, ljusets tillstånd eller färgrikedomen i den naturliga miljön, nästan som "fotoreportage" från scenen. Men nästan varje motiv som skapas i processen att observera naturens tillstånd och utförs med akvareller ger sin egen personliga, känslomässiga upplevelse. Albumet med skisser och studier bevarar i minnet vad den likgiltiga betraktaren såg: landskap och arkitektur, sevärdheter och landskapsdrag. I en etyd kan konstnären fixa det momentana intrycket av tid på dygnet eller årstid, vilket kan uttryckas genom valet av en palett av färger, färgen eller karaktären av utförandet av fläckar i bilderna, eller deras kombinationer. Verkets tillstånd och innehåll påverkas också av den känslomässiga impuls som konstnären upplever när han uppfattar det eller det landskapet han för närvarande färdas genom. Miljöns ljustillstånd förändras så snabbt att man inte behöver anstränga sig för att göra långa studier i det fria. Inte nödvändigtvis i färd med att utföra en akvarellstudie, vi strävar efter att endast förmedla en exakt "kopia" av det observerade fenomenet eller det valda landskapsmotivet eller miljöns färg. Under arbetet med skissen finns det en engångstolkning av det han såg på bilden på arket. Fläckarnas form och konfiguration förstärker den konstnärliga bilden som konstnären skapar. Hans val av färg och färgtonala lösningar, variationen eller, omvänt, nyansernas begränsning förstärker och konkretiserar det avbildade. Den formade konturen av färgkombinationer och fläckar ger estetik till den färdiga studien. Tiden för utförandet av etuden är så kort som möjligt, den utförs inom 20-30 minuter, därför kräver det att artisten koncentrerar maximal uppmärksamhet när han observerar. Efter att ha fyllt motivets huvudfläckar med färg, ges det första lagret möjlighet att torka. Detaljer avslutas torra, samtidigt som borstens storlek och karaktär ändras, eller annan utrustning används (palettkniv, torra borst). Den beskrivna metoden för att utföra etuden återspeglar vårt individuella sätt och författarskap till den framförande stilen i akvarelletyder utomhus. Ett sådant beslut kommer inte från början, det kräver teknisk och kreativ erfarenhet samlad i akvarell.
Bildandet av hans egen grafiska akvarellstil hjälptes åt av många experiment för att konsolidera bestämmelserna i teorin om färgvetenskap och en noggrann studie av publikens kompositionsmedel och tekniker när de framför olika stilleben.
Sekvensen och några metoder för att arbeta med akvareller när du skapar en skiss av ett landskapsmotiv, stilistiskt generaliserat till ett grafiskt ark, kommer vi att försöka avslöja i den här artikeln och ge några rekommendationer för studenter att bemästra en sådan upplevelse.
Vad definierar våra akvarellskisser som grafiska bilder? Grafikkonstens uttrycksfulla medel är den tonala fläcken, linjen och det streckade sättet att få platsen, vilket till stor del beror på konstnärens temperament. Bilderna i det grafiska arket har uttrycksfulla tonövergångar och tydligt identifierbara silhuetter eller konturer. I processen att skriva ett landskapsmotiv är det första ögonblicket att tänka över ordningen för applicering av färgfläckar mycket viktigt: stora och medelstora, som bestämmer de stora tonala förhållandena för det avbildade. Sedan antas elementens skalor, deras form och dynamik hos silhuetter, arrangemanget av kombinationer av fläckar i ett givet format, så att deras stabila balans erhålls. Och först efter det fortsätter vi till skissen. Ritningen ska vara tillräckligt noggrann och detaljerad. I den löser vi omedelbart problemen med den övergripande kompositionen av motivet, med hänsyn till skalan av stora massor av landskapet: himmel, jord, panoramaobjekt och bilder, element som bestämmer kompositionscentrum och idén om \ u200b\u200bmotivet. När du arbetar med en landskapsritning bör du inte aktivt använda ett radergummi som skadar arkets yta. När du utför en lång studie med flera sessioner är det bäst att göra en preliminär detaljerad kartong på tunt papper och försiktigt överföra den till brännaren. Om studien utförs i en session, rekommenderar vi att ritningen görs med utspädd ultramarin med en tunn borste.
Innan du börjar arbeta i färger är det nödvändigt att fukta hela ytan av arket med vatten med en svamp för att bli av med överflödigt lim, damm eller överdriven torrhet av brännaren. Arbete i färg ska börja med de ljusaste tonerna och avsluta med mörka, varma och täta färger och halvtorra penslar.
För varje enskilt arbete begränsar vi gruppen av färger, den så kallade färgpaletten: det är bättre att begränsa den till 4-5 färger. Färger, som tack vare sin mångsidiga blandning gör att du kan skapa både tonal rikedom och holistiskt kombinera elementen i motivet till en nödvändig och enhetlig färg. För att uppnå en rikedom av färgkontraster och framhäva motivets kompositionsaccenter innehåller den valda gruppen färger alltid färger av varma och kalla toner.
När du arbetar med akvareller är det mycket viktigt att följa tekniken för att blanda färger och sekvensen för att applicera dem på arbetsbladet. Varje efterföljande lager appliceras över det grundligt torkade föregående. Det tar oss från tjugo minuter till en timme att färdigställa en skiss av ett landskapsmotiv, paradoxalt nog behövs ingen brådska i arbetet, och till och med skadlig. Varför är det så viktigt för nybörjare att följa den tekniska kedjan i akvarell? Detta är först och främst kopplat till de tekniska egenskaperna hos akvarell och med bevarandet av dess huvudegenskap - transparens.
Traditionellt börjar vi arbetet med en landskapsstudie genom att fylla i himlen, samtidigt som vi försöker omedelbart skapa en eventuell molngrafik. Eller med en bred pensel fylld med färg spelar vi dynamiskt och häller färgen över ytan, som vi definierar som himlen. Så länge färgen glider fritt på vått papper går det att komplicera färgsättningen när man lägger till andra färger, som ockra eller rosa. När du arbetar på en plats på himlen bör du agera med en pensel snabbt och försiktigt för att lämna områden med vitt papper på vissa ställen för att lösa ljuset, mönstret eller bländningen från vissa delar av molnen, himlen.
När man arbetar med en etyd bör man också ta hänsyn till de rumsliga egenskaperna hos varma och kalla toner, som hjälper till att korrekt lösa tonproblemen i bildplaner. Därför kan du ta på en pensel mycket blått (ultramarin, FC, crelium eller kobolt, beroende på dagens tillstånd) och medan papperet är vått, skissera bakgrundslinjen med ett dynamiskt horisontellt streck. Här behövs inga detaljer, här är det viktigt att få fram kontrasten mellan himlen och marklinjen.
Studiens grafiska stil kännetecknas också av hur eller av vilka metoder vi introducerar färgfläckar i rummet i formatet som utvecklas. Flygperspektiv kräver kompetent användning av färgens rumsliga kvaliteter: tonal utveckling av planer kräver användning av blå färger och färger utspädda med vatten i bilden av bakgrunden; och varma bilder av stora element med starka färgkontraster när man skildrar studiens förgrund. Silhuetterna av elementen i motivet som avbildas av oss avslöjas tydligt genom metoden med platt hällda och stiliserade fläckar, utan att förmedla illusionen av volym. Färgen på fläcken i studierna kommer aldrig att visa sig vara enhetlig och enfärgad, eftersom. detta kommer inte att tillåta dig att göra själva akvarellen - flytande och mobil. I det första steget av registreringen fyller vi formatet helt, med ljusare toner och färger, vilket sedan gör att vi kan gå in i förgrundselementen i nästa steg, enligt den tidigare skrivna färgplattan. En av de viktiga egenskaperna hos akvareller manifesteras i att få en färgfläck som är tydligt synlig på papper, även med en låg färgmättnad. Därför är det inte nödvändigt att uppnå en riktigt observerbar tonalitet och färg på de avbildade föremålen (du kan ta ett par toner ljusare eller omvänt mörkare). Men de ljus-tonala förhållandena mellan de stora elementen i landskapet och i överföringen av ljus och volymen av detaljer måste observeras så noggrant som möjligt.
Efter att ha bestämt stora färg-tonala relationer, när det praktiskt taget inte finns några delar av vitt papper kvar, börjar vi en mer detaljerad studie av individuella uttrycksfulla silhuetter: de mest uttrycksfulla och karakteristiska detaljerna i landskapsmotivet introduceras: hus, träd, gräs, etc. (se "Gammal björk"). Deras fläckar behöver inte ha ett tätt enhetligt plan, färgen i det kan fördelas från ljust till mörkt, eller vice versa. På själva platsen är det möjligt att fylla med olika nyanser, men med en enda tonalitet. Det bör inte glömmas att färgen på etuden är villkorad. Allt detta gör att du kan korrelera denna plats med en specifik bild, till exempel kan kronan på ett träd ha en plats, som berikas med olika nyanser på ett fritt "a la prima" sätt i ett steg, men inte mer än 2 -3 färger. I detta skede av arbetet hjälper organisationen av arkets sammansättning, genomtänkt tidigare, oss: att styra huvudelementen och detaljerna, välja viktiga och karakteristiska detaljer. Arbetet utförs med penslar av medelstorlek, fyllningarna görs när det är rikare, och när det är mer transparent. Nyansen av objektets färg uppnås både genom att blanda flera färger och genom en ren färg utspädd med olika mängder vatten. Detta är tillåtet i diagrammet. Du kan mycket noggrant introducera lösningar av sotgas, eftersom denna färg låter dig dämpa en mycket ljus ton på platsen eller ta den in i djupet av studiens utrymme. För att förtydliga de rumsliga förhållandena i skissen är det användbart att använda utspädda ultramarin- eller smaragdfärger, som har den subjektiva kvaliteten att ta bort bilden i formatets djup och har egenskaperna av glasering.
För att bilda de tonala massorna av elementen i landskapet i verket bör du använda de olika tekniska potentialerna hos konstnärliga penslar och utrustning. För himmel och jord: breda flöjtborstar eller runda stora antal. För detaljer - den tunnaste tråden första siffrorna "ekorrar" och "kolumner", fläkt eller till och med borstar. För storformatskisser kan du även använda en svamp. För grafik och detaljering av element kan följande tekniker användas: "stänka", "peta", "skrapa" med en kam, kniv, omvänd ände av borsten eller palettkniven; för att skapa en textur eller ett slags grafiskt mönster, används "embossing"-tekniken: när ett fragment av texturerade material (stickat plagg, wellpapp, läder, etc.) appliceras på en våt färgstark yta. Valet av mottagning är principlöst, det föranleds av vårt känslomässiga humör i arbetet och materialet till hands.
För att slutföra studien kan du återigen uppmärksamma den grafiska linjära bearbetningen av detaljer för att ge landskapet en stilistisk grafisk fullständighet. Arbetet utförs med tunna penslar. Du kan också rita linjer som förfinar formen och kännetecknar några av de fina detaljerna i bilderna. Ritningens genombrutna arbete kan föreslås av själva siluettfyllningen eller av konturerna av landskapsbildens huvudelement. Införandet av en sådan teknik mjukar upp silhuettens överdrivna kontrast och ger teckningen mjukhet och plasticitet. Finjustering, alltså en etyd är typisk för arbete som utförs i flera sessioner.
I vissa verk är detta stadium utelämnat. Detta händer när, under den initiala utvecklingen av färg-tonala relationer, lakoniska och karakteristiska färgfläckar erhålls nästan omedelbart, tydligt avgränsar de nödvändiga elementen i motivet och exakt karakteriserar dem. Sådana skisser återspeglar "a la prima"-metoden som är känd inom målarpraktiken. I det här fallet är ritning med små penslar lämpligt för att utarbeta detaljerna i förgrunden.
På grundval av den beskrivna praktiska erfarenheten kan ett antal rekommendationer göras. En akvarellskiss av ett landskap på ett grafiskt sätt är utan att misslyckas en lösning på följande uppgifter:
1. observation av bildobjekt, framhävning av karaktäristiska och typiska i dem;
2. skapa tydliga rumsliga planer (fjärr, mitten och förgrunden);
3. överensstämmelse med den tekniska kedjan i arbetet med akvareller;
4. få en vacker och uttrycksfull siluett, utförd av akvarellfyllning;
5. utarbeta tekniken för att fylla en fläck av silhuetten av ett bildobjekt, skapa en kombination av tunna fläckar i färg och transparens;
6. grafisk förfining - linjerna i ritningen av motivet och elementen, gjorda med tunna penslar.
Bibliografi
1.Magisk akvarell av Artur Fonvizin. Behörighetskod http://mizrah.ru/post155983442/
Lämna din kommentar
Att fråga frågor.
Tekniken för akvarell är ganska varierande, men samtidigt komplex. Färger måste spädas med vatten, på grund av detta blir de mer rörliga. I sin tur låter detta dig använda olika tekniker: träna ut fina detaljer, utföra breda fyllningar, häll ett slag i ett annat.
När du lär dig att rita är det användbart att göra skisser i akvarell. Det är väldigt viktigt att se verket som en helhet och känna den pittoreska miljön.
- Var inte rädd för att rita. Alla kan avbilda grönsaker, frukter eller landskap, huvudsaken är att tro på sig själv och hitta inspiration i sig själv.
- Kvalitet spelar en viktig roll, det slutliga resultatet beror på det. Det är nödvändigt att prova alla sorters ark som du stöter på för att välja det perfekta papperet för dig själv. Det är nödvändigt att göra anteckningar på arken (papprets vikt, dess betyg och vad resultatet är).
- När du besöker en park eller annan pittoresk plats måste du ta med dig en kamera. När allt kommer omkring kommer bilder i framtiden att kunna inspirera till skapandet av nya verk. Börjar skapa nya skisser i akvarell, det är bilderna som kommer att påminna dig om hur de ska se ut.
- För att ta bort överflödig fukt från penslarna behöver du servetter eller pappershanddukar.
Skisser i akvarell: frukt och grönsaker
Inlärning av akvarellmålning sker i etapper. De börjar med enklare uppgifter och går sedan vidare till mer komplexa. Till att börja med kan vilken frukt eller grönsak som helst användas som natur. Huvuduppgiften i det här fallet är överföringen av toner och ritningen av volymen av föremål med hjälp av bakgrunden och fallande skuggor.
I det första skedet måste du rita konturerna med en enkel penna. Det är bättre att inte använda ett sudd, utan helt enkelt att rita en tunn, något märkbar förfiningslinje. För att inte glömma skuggorna kan du skugga de nödvändiga områdena något.
Genom att lämna höjdpunkter på rätt ställen är hela bildens yta fylld med den ljusaste nyansen. När det råa substratet är klart, börja skriva den valda grönsaken eller frukten. Den första ska vara en halvton, sedan skrivs skuggor och ljus från den. Sammanfattningsvis återstår det att klargöra de tonala lösningarna.
Efter att ha bemästrat skisserna av grönsaker kommer akvarell inte längre att vara ett problem, och sedan kan du gå vidare till att skildra flera grönsaker eller frukter, sedan en kanna och ett stilleben.
Hur man målar ett landskap i akvarell
Atmosfären i akvarellskisser är bara ett ögonblick, ett flyktigt naturtillstånd, som akvarellkonstnären lyckades fånga.
Börja rita skisser, först och främst måste du föreställa dig i ditt huvud. Konstnären måste bestämma hur mycket utrymme på arket som kommer att upptas av himlen och hur mycket - av jorden. Ofta sänks horisontlinjen en bit under mitten, och det är kompositionsmässigt korrekt. En akvarellskiss börjar avbildas från himlen, särskilt om konstnären har valt en våt teknik.
I det andra steget ritas landskapsplan. Förstärker mörka områden. I detta skede är det nödvändigt att koncentrera sig inte bara på planen utan också på enskilda detaljer. Det sista steget är arbetet med tunna penslar, de ritar små detaljer och gör bilden komplett.
Skisser av blommor i akvarell
När en blivande konstnär börjar rita en bukett blommor är det första han ser en massa små kvistar och blommor. Var dock inte förvirrad. Att komma till jobbet, det första du behöver för att harmoniskt arrangera blommorna i rätt ordning. Bakgrunden skapas av små blommor, de avbildas vidare och de ska vara mindre.
Du måste dra dig tillbaka 3-4 cm från kanterna på arket - det här kommer att vara en ram som du inte kan gå utanför. Den preliminära bilden måste skissas med en penna, medan du inte bör sätta press på den för att inte deformera papperet. Kompositionen ska likna en geometrisk figur (triangel eller oval).
Arbeta med färger, på paletten är det nödvändigt att förbereda ett urval av önskade kalla och varma nyanser som kommer att finnas på bilden. De börjar arbeta från bakgrunden, till en början med ljusa färger och sedan mörkare områdena med en skugga.
Sedan går de över till att rita blommor. Inledningsvis är ljusa nyanser skisserade, och efter det läggs skuggor till kronbladen med ett tunt glasskikt. Du måste vara uppmärksam på att många små detaljer inte visas i bakgrunden.
Skisser i akvarell måste skrivas på ett generaliserat sätt, det är bättre att göra det "rå", så att en färg smidigt går över i en annan. Det är så unika nyanser skapas, och teckningen visar sig vara levande. Du behöver bara avsluta de små kronbladen och stjälkarna med en tunn borste.
Akvarell är mycket lik gouache, så de kan användas tillsammans. Skillnaden mellan dessa färger är transparens. Akvarell är mer transparent än gouache. Det är denna egenskap som avgör det slutliga resultatet. Dessa två tekniker är dock baserade på liknande tekniker.
När du skapar skisser med akvareller är det nödvändigt att kontrollera mängden vatten i vilken färgen måste spädas ut. Vätskan löser inte bara färgen och gör den mer transparent, utan bestämmer också graden av klarhet i den framtida ritningen. Därför är det bäst att lära sig akvarellteknik genom att bestämma den nödvändiga mängden vatten.
En av de mest anmärkningsvärda sakerna med Maine är dess klippiga stränder, fulla av småsten i alla former, färger och storlekar. I år bestämde jag mig äntligen för att fånga denna flerfärgade sten i akvarell. Och här är vad jag fick...
Vill du veta hur jag lyckades skapa dessa nyfikna texturer på stenarna och den här vågiga ramen? Läs och ta reda på det!
En kväll, vid lågvatten, gick jag och min vän till stranden för att göra ett par skisser.
Medan min vän flitigt ritade mig koncentrerade jag mig på stenhögen vid mina fötter.
Först skissade jag ut de allmänna konturerna av stenarna med en penna.
Jag spårade sedan teckningen med en reservoarpenna och svart bläck och applicerade det första lagret med akvarell över det våta.
Jag försökte uppnå färgmångfald, varvade mörkare nyanser med ljusa och kontrasterande.
I vissa fall väntade jag på att färgen skulle torka något och lade till lite fler, lite mörkare nyanser. Så här blev fläckarna, med hjälp av dem kan jag sedan skapa en textur på stenarna.
Det var allt jag hann med på stranden. Solen höll redan på att gå ner och jag behövde laga middag, så jag packade mina saker och åkte hem.
Hemma, i studion, fortsatte jag att arbeta med ritningen och fokuserade på att skapa texturer.Jag blötde lätt den grå kullerstenen i det övre vänstra hörnet och tog ett par mörka, jordnära akvarellnyanser, en svart akvarellpenna och färgspruta. . Jag höll sprutan över stenen och gned blyertspennan lite på den, som på ett rivjärn, så att pigmentpartiklarna föll på ritningen.
Efter att ha blivit lite blötlagda fastnade de vid papperet och började likna granitstrukturen.
(När papperet är torrt kan överflödiga pigmentpartiklar tas bort genom att vända arket med framsidan nedåt och lätt knacka det på baksidan)
Jag använde samma teknik på den grå stenen i nedre vänstra hörnet av ritningen, men den här gången tog jag en rundborste och rörde lätt på pennspånen med den på några ställen för att mjuka upp effekten lite och ge stenen en personlighet .
När jag ville ge stenen en prickig look, gjorde jag dessa fläckar genom att applicera spetsen av en rund borste på papperet ...
Och så smetade hon in färgen lite med fingret så att fläckarna inte såg så ordnade ut.
Denna metod är mycket effektiv för att skapa en fläckig textur.
När jag gick framåt lade jag till fler lager av akvarell ovanpå den torra baslacken för att fördjupa färgerna och konturera skuggorna. Jag saltade på några ställen.
Efter att saltet torkat blev resultatet en uttrycksfull textur som var perfekt för granitsten.
Så här såg teckningen ut i ett tidigt skede när jag precis började lägga till texturer...
När jag ville lägga till textur på en sten, men jag var orolig för att färgen skulle komma på de intilliggande, använde jag maskeringstejp för att isolera den.
Jag skar av en bit film (överdimensionerad med ca 2 cm på varje sida av stenen), applicerade den på området jag skulle arbeta på och med hjälp av en skärare skar jag försiktigt filmen runt stenen (var noga med att inte skär genom papperet).
Sedan tog jag bort den avskurna filmbiten från detta område.
Jag täckte de omgivande delarna av arket med pappersremsor. Nu när allt papper runtomkring är skyddat kan du lägga till textur på vilket sätt som helst. Här applicerade jag till exempel färgen med en skrynklig plastfolie...
Jag sprayade färg på den här kullerstenen och torkade sedan av en del av sprayen för att göra den lättare, medan andra lämnade orörda.
När alla kanter är täckta med film blir det lätt att applicera färg på små stenar med en svamp.
När jag var klar med svampen och stänken tog jag bort filmen.
Efter att jag var nöjd med texturerna och skuggorna på stenarna lade jag till skuggor. När jag tog skissbilden på stranden var solen redan på väg ner och skuggorna var väldigt uttrycksfulla. Nu bestämde jag mig för att ge mig själv lite kreativ frihet och vände tillbaka tiden genom att göra skuggorna kortare. (Jag ber om ursäkt, jag glömde ta en bild på steget med skuggorna).
De sista stegen var att lägga till sprickor och spår i några av stenarna.
och stänk av vit ogenomskinlig akvarell på denna sten.
Med ogenomskinlig vit färg utspädd med vatten målade jag ljusa ådror på en av de stora stenarna. Jag ville inte att den vita färgen skulle sticka ut för mycket mot den allmänna bakgrunden.
Målningen är klar! Jag hade den svåraste delen, jag var tvungen att bestämma mig för vad jag skulle göra med det omgivande vita utrymmet.
Jag bestämde mig för att göra en ram av tejp. Jag rev bitarna av grönt band på längden i två halvor så att kanterna blev ojämna och vågiga.
Sedan limmade jag tejpbitarna ca 5 mm från ritningen, med kanterna utåt, så att de skär varandra i hörnen. (Innan du använder maskeringstejpen, var noga med att klistra den ett par gånger på något tyg, det gör att det blir mindre klibbigt och du slipper riskera att slita sönder papperet om du måste pilla bort det).
Jag skar det översta lagret av tejpen i hörnen med en slicer i en vinkel på 45 grader.
Sedan klippte jag bort den extra tejpbiten som sticker ut från kanten.
Det blev ett snyggt hörn.
Det är dags att måla det återstående utrymmet runt kanterna. Eftersom jag skulle skriva vått lade jag pappershanddukar under det här arket för att hålla färgen borta från albumet. Efter att ha blandat samma nyanser som användes för stenarna började jag applicera färg generöst runt kanterna på ritningen.
Det var väldigt viktigt att hålla rätt konsistens. Färger ska flyta smidigt från en till en annan, men inte helt blandade. Jag uppnådde en sådan effekt att alla nyanser var tydligt urskiljbara och ekade med färgerna på stenarna och inte smälte samman till en smutsig röra.
Efter att kanterna var torra tog jag bort den självhäftande tejpen och upptäckte att färgen på några ställen i hörnen fortfarande rann under den. Helvete!
Ingen panik! Jag samlade en del av färgen med en torr pensel, och det jag inte kunde ta bort målade jag helt enkelt över med vit ogenomskinlig akvarell.
Nu kunde vi jobba vidare med utformningen av ramen. För att underlätta arbetet behövde jag en bit tät fönsternät. Jag satte det bara på papper och ritade raka linjer på det med en penna, som strålade från mitten av arket till kanterna på ett avstånd av cirka 5 mm från varandra.
Denna metod är bekväm att markera parallella linjer utan långa, noggranna mätningar.
Problemet var bara att en gång bröt jag pennan på gallret, men det gick i alla fall mycket snabbare än om jag hade använt en linjal.
Jag ringde in varje rad med en reservoarpenna...
Linjerna i hörnen ritades för hand.
Allt ser bra ut, men jag bestämde mig för att gå längre. Som alltid!
Jag limmade en remsa med maskeringstejp 1 cm från kanten på papperet för att använda som guide.
Jag ritade sedan linjer från bandet till kanten på papperet mellan de redan dragna linjerna för att mörka kanten runt kanterna.
Jobbet avklarat!
Jag var frestad att lägga till fler detaljer (rita ytterligare en tunn linje runt ritningen), men jag bestämde mig för att lämna mer ledigt utrymme. Jag var tvungen att påminna mig själv om att fritt andrum alltid är bra. Det är inte nödvändigt att fylla den med något.
När jag tittar på den här färgmålningen tar den mig tillbaka till Maine. Jag påminns om glada timmar på stranden, chatta med en vän, det mjuka ljudet av vågorna som slår mot stranden och en känsla av absolut lugn. Att rita låter mig känna ögonblicket när jag är i processen och tar mig tillbaka till de underbara tiderna när jag ser på det färdiga arbetet. Många trevliga minnen hittade skydd mellan sidorna i mina album.
(1) När ordet "fosterland" uttalades under Berg, flinade han. (2) Jag märkte inte skönheten i naturen runt omkring, jag förstod inte när kämparna sa:
"(3) Här kommer vi att återerövra vårt hemland och vattna hästarna från vår ursprungliga flod."
- (4) Prattar! sa Berg dystert. - (5) För människor som oss finns det nej och nej
kanske hemlandet.
- (6) Åh, Berg, knäcksjäl! – svarade kämparna med tung förebråelse. -
(7) Du älskar inte jorden, excentrisk. (8) Och även en artist!
(9) Kanske var det därför Berg inte lyckades med landskap.
(10) Några år senare, tidigt på hösten, åkte Berg till Murom
skogar, till sjön, där hans vän konstnären Yartsev tillbringade sina somrar, och bodde där
runt en månad. (11) Han skulle inte arbeta och tog inte olja
målar, och tog bara med sig en liten låda med akvareller.
(12) Hela dagen låg han på de fortfarande gröna gläntorna och såg på blommorna
och örter, plockade knallröda nypon och doftande enbär,
långa barr, blad av aspar, där citronfältet var utspritt
svarta och blå fläckar, ömtåliga lavar av en delikat askaktig nyans och
vissnande kryddnejlika. (13) Han undersökte noggrant höstlöven inifrån,
där gulheten var något vidrörd av blyfrost.
(14) Vid solnedgången flög flockar av tranor över sjön med ett kurrande
söderut, och Vanya Zotov, jägmästarens son, sa till Berg varje gång:
- (15) Det verkar som om fåglar kastar oss och flyger till de varma haven.
(16) Berg kände för första gången en dum förolämpning: tranorna tycktes honom
förrädare. (17) De kastade denna skog och högtidlig
land fullt av namnlösa sjöar, ogenomträngliga snår, torrt lövverk,
uppmätt mullret av tallar och luft som luktar kåda och fuktig kärr
mossor.
(18) En gång vaknade Berg med en konstig känsla. (19) Ljusa skuggor
grenar darrade på det rena golvet och bakom dörren lyste ett stilla blått. (20) Ord
"utstrålning" Berg träffade endast i poetböckerna, ansåg honom upphöjd och
utan klar mening. (21) Men nu insåg han hur korrekt detta ord är
förmedlar det där speciella ljuset som kommer från septemberhimlen och solen.
(22) Berg tog färger, papper och utan att ens dricka te gick han till sjön.
(23) Vanya tog honom till den bortre stranden.
(24) Berg hade bråttom. (25) Berg ville ha all färgens kraft, all sin skicklighet
händer, allt som darrade någonstans i hjärtat, för att ge detta papper, så att åtminstone
att i en hundradel skildra dessa skogars prakt, majestätiskt döende och
Bara. (26) Berg arbetade som en besatt man, sjöng och skrek.
... (27) Två månader senare kom ett meddelande om utställningen till Bergs hus,
där han skulle delta: de bad honom berätta hur många av hans
Konstnären kommer att ställa ut verken denna gång. (28) Berg satte sig vid bordet och skrev snabbt:
”Jag ställer bara ut en studie i akvarell, gjord i sommar, - min
första landskapet.
(29) Efter en stund satt Berg och funderade. (30) Han ville spåra vad
på svårfångade sätt uppenbarade sig en klar och glad känsla av hemland i honom.
(31) Den har varit mogen i veckor, år, decennier, men den sista pushen gav
skogsmark, höst, rop av tranor och Vanya Zotov.
- (32) Åh, Berg, knäcksjäl! han mindes soldaternas ord.
(33) Fighters hade rätt då. (34) Berg visste att han nu var förbunden med
sitt land inte bara med sitt sinne, utan av hela sitt hjärta, som konstnär, och det
kärleken till fosterlandet gjorde hans smarta, men torra liv varmt, muntert och
hundra gånger vackrare än tidigare.
(enligt K.G. Paustovsky*)
Visa hela texten
Förr eller senare får man känslan obegripligt, rörande förhållande med sitt lands natur och kultur. K. Paustovsky i berättelsen "Akvareller" beskrev konstnären Bergs världsbild före och efter att ha upptäckt denna känsla i sig själv, tog upp problemet med kärlek till fosterlandet.
Hur fruktansvärt det är att inte lägga märke till skönheten i skogar, fullflödande floder och tunna bäckar, att inte hämta inspiration och livskraft från dem! Människor av konst känner enighet med naturen särskilt djupt. Det är svårt att föreställa sig en skapare som flinar åt ordet "fosterland", och ändå är Berg sådan. Det är inte förvånande att han kallades "rusk soul", och tillägger: "Och också en artist!". Ja, han var sådan, men den lysande morgonen förändrade honom, hjälpte honom att se skönheten i sitt hemland och känna en ny glädje.
Just nu är jag på en lång roadtrip genom Ryssland. Jag skriver mina reseanteckningar med intryck av städer och orter längs vägen här:. Jag skulle bli glad om du kommer och kommenterar mina bidrag, berätta vilka städer som är värda att besöka.
En av de vackraste platserna på vår väg - Bajkalsjön.
Så, så här såg själva landskapet ut. I den lockades jag av ett träd och en fiskebåt på stranden.
1. Jag ritar ett landskap med en penna.
I den hittar jag huvudmassorna, storlekarna på föremål, utan att rita detaljer. Det är viktigt att markera var allt finns, för att skapa en stark komposition.
2. Blå färg.
Jag börjar måla med nyanser av blått. Det här är himlen, vattnet, skuggiga delar av träd.
Blått är en del av skuggsidan, så det finns överallt.
Himlen i den övre delen är mer blå, för den tar jag en blandning av blå fts och ultramarin. För botten - ljusare nyanser av blått. Jag sträcker ut dessa färger, och medan lagret är blött väljer jag med en pensel platsen för vita moln.
Vattnet reflekterar himlen. Därför har den samma färg, men mörkare.
Genom att föreskriva skuggorna på träden och falla, räknar jag ut vad de är när det gäller lätthet, jag väljer lämplig ton.
3. Ett lager gult.
Gul som en del av den upplysta sidan finns också på alla föremål, jag tilldelar den till den upplysta delen av trädkronan.
Jag målar de avlägsna träden med ockra. Detta gör att du kan skapa en mer komplex färgnyans och visuellt ta bort dessa träd på avstånd.
4. Gröna.
Nu börjar jag skriva ut gröna nyanser. Delvis överlappar detta lager nyanserna av blått och gult som lagts tidigare.
Jag ser förändringen i den gröna nyansen nära och fjärran. Närmare är det ljusare, mörkare, borta - ljusare, gråare.
När jag skriver grönska ändrar jag principen att skriva på olika träd. Långt jag skriver med breda drag, en platt pensel. Framträdet målades också ursprungligen av honom. Men i framtiden byter jag borsten till en elastisk rund för att ordinera mindre bladverk.
