finska konstnärer. Genom Ateneummuseets salar: de mest kända och intressanta utställningarna av finska konstnärer i Eremitaget

Akseli Gallen-Kallela

Sammon puolustus (1896)

Illustrationer för Kalevala. " Sampo försvar«.

Sampo(Fena. Sampo) - i karelsk-finsk mytologi, ett unikt magiskt föremål som har magiska krafter och är en källa till lycka, välstånd och överflöd. I Kalevala-eposet presenterade dess skapare Elias Lönnrot Sampo i form av en väderkvarn.

Hugo Simberg

hallå (1895)

hallå- Det här glasera, om jag förstår det rätt, till exempel på sommaren på natten eller tidigt på morgonen

I denna mening förmedlar bilden bilden väl.

Helene Schjerfbeck

Toipilas (1888)

toipilas — konvalescent

Hugo Simberg

Kuoleman puutarha —dödsträdgården

Det finns flera versioner av denna målning, denna teckning är en fresk från katedralen i Tammerfors.

Den här bilden rekommenderades till mig av en finsk tjej, när jag märkte att den på något sätt var dyster även för dystra finländare, svarade hon mig varmt: "Dödsfall tar hand om blommor - människor mitt i öknen, och när de tvingas skära dem, de gör det försiktigt, som om de ber om förlåtelse ...”

Hugo Simberg

Haavoittunut enkeli -Sårad ängel
(1903)

Handlingen i bilden utspelar sig mot en igenkännbar historisk bakgrund: det här är Eleintarhaparken (lit. ”zoo”) och Tölöviken i Helsingfors. I början av 1900-talet var parken ett populärt rekreationsområde för arbetare, och den inrymde även välgörenhetsinstitutioner. Vägen längs vilken karaktärerna rör sig har överlevt till denna dag: processionen går längs den mot den då befintliga skolan för blinda flickor och ett härbärge för funktionshindrade.

Målningen föreställer två pojkar som bär på en bår en kvinnlig ängel med ögonbindel med en blödande vinge. En av pojkarna stirrar intensivt och rynkade pannan direkt på betraktaren, hans blick uttrycker antingen sympati för den sårade ängeln, eller förakt. Bakgrundslandskapet är medvetet hårt och glest, men ger intryck av lugn. Den icke-triviala handlingen öppnar utrymme för en lång rad tolkningar. Pojkarnas grova kläder och skor, deras rynkande, allvarliga ansikten kontrasteras mot den bräckliga ängelfiguren klädd i en ljus klänning, vilket antyder motsättningen mellan liv och död, blodet på ängelns vinge och ögonbindeln är ett tecken på sårbarhet och tillfällig existens, men i sin hand håller ängeln en bukett snödroppar är en symbol för återfödelse och återhämtning. Livet här verkar vara nära döden. En av pojkarna vände sig till publiken och bröt bildens hermetiska utrymme och gjorde det klart att frågorna om liv och död är direkt relaterade till dem. Simberg vägrade själv att ge någon tolkning av Den sårade ängeln och lämnade betraktaren att dra sina egna slutsatser.

Målningen hade en enorm inverkan på den finska kulturen. Referenser till det finns i många verk av hög- och masskonst. Det finska metalbandet Nightwishs video till låten "Amaranth" spelar på motivet "The Wounded Angel".

Albert Edelfelt

Parisin Luxemburgin puistossa — I Luxembourgträdgården i Paris.

Akseli Gallen-Kallela

Akka ja kissa — gammal kvinna och katt

I Gallen-Kallela är i allmänhet alla målningar mästerverk, det här är verkligen en konstnär i världsklass.

Denna bild är skriven på ett eftertryckligt naturalistiskt sätt, men trots all sin osmyckhet är den full av sympati och kärlek till de enklaste och fattigaste människorna.

Målningen förvärvades av Åbo konstmuseum 1895 och finns kvar än idag.

Ord akka Jag översätter alltid med svårighet – både "kvinna" och "mormor".

Här ska jag visa lite smakprov och lägga till en bild till Helene Schjerfbeck– på ryska läser vi hennes namn Helena Schjerfbeck.

Och här finns en stråle av ljus och värme.

1882 målning, Tanssiaiskengat —dansskor.

Det här är nog den sorgligaste finska bilden. Åtminstone enligt mig.

Albert Edelfelt

Lapsen ruumissaatto — Begravning av ett barn(bokstavligen begravningståg av ett barn)

Detta är den första utomhusgenrekompositionen inom finsk bildkonst. Hon blev liksom ett fragment av det verkliga livet, sedd och fångad av konstnären. Bilden berättar om mänsklig sorg. Edelfelt avbildade en enkel familj som bar en liten kista på en båt. Det hårda landskapet motsvarar stämningen hos människor som ser av sitt barn på sin sista resa. I deras sorgsna ansikten, återhållna rörelser - högtidlig sorg, som ekar av sjöns vita stilla yta, den ljusa kalla himlen, de avlägsna låga stränderna.

"The Funeral of a Child" gav honom titeln akademiker, och verket köptes in i en privat samling i Moskva. Samtidigt anordnades en personlig utställning i Tsarskoje Selo och Edelfelt presenterades för Alexander III och Maria Feodorovna, som också var förtjust i att måla.

Konstnärens närhet till hovet bidrog till den finska måleriets popularitet i Ryssland. Vi kan säga att Edelfelt var en av dem som upptäckte Finlands konst för Ryssland.

1907 återvände målningen till Finland och finns nu på Ateneummuseet i Helsingfors.

Ändå skulle jag för mina egna vägnar tillåta att notera att i den här bilden förmedlas finländarnas inställning till döden mycket exakt (vilket tyvärr är en del, den sista delen av livet). Det är väldigt strikt och återhållsamt, även här är det skillnad mot ryssarna. Men denna stränghet och återhållsamhet talar inte om deras oemotionalitet, det är bara att finnarna bär allt detta djupt inom sig. Djupare än vi ryssar. Men sorgen från detta upphör inte att vara sorg för dem.

Pekka Halonen

Tienraivaajia Karjalassa — Vägbyggare i Karelen.

Bokstavligen skulle det vara "vägröjare i Karelen".

raivata- bra verb rensa vägen
Jag vet inte om det har något gemensamt med ordet raivo — ilska, frenesi

Men tittar vi på den här bilden - vi kan anta att ja.

Det finns ett annat drag hos finnarna i bilden - historiskt sett var de tvungna att leva i en extremt ogynnsam naturlig miljö, det vill säga ibland kämpar de bara häftigt för sin existens, därav förmodligen denna uthållighet som de visar i arbete och motgångar. Åtminstone var det så förr.

Hugo Simberg

Ytterligare en bild på Hugo Simberg - " Dröm«.

Simberg anses med rätta vara symbolist, hans målningar är extremt öppna för tolkningar och tolkningar.

Och samtidigt finns det alltid något väldigt nationellt i hans målningar.

Akseli Gallen-Kallela

Poika ja varis — Pojken och kråkan.

(1884) Personligen lärde jag mig det förresten först som vuxen gala (varis), relativt sett, inte en fru/kvinna gala (korppi). I själva verket förekommer sådan förvirring lyckligtvis bara på ryska. Till exempel, på ukrainska är en korp en "skurk", och en kråka kommer att vara en "kråka". På engelska låter ordet för korp "korp", och kråkan kallas för "kråka".

Målningen finns nu i Ateneum.

Akseli Gallen-Kallela.

Lemminkäisen aiti — Lemminkäinens mamma.
(1897)

Målningen finns i Ateneum, Helsingfors.

Målningen beskriver en scen från Kalevala där Lemminkäinen dödas och styckas, och kroppsdelarna kastas i den mörka floden, Tuonela. Hjältens mamma samlade delarna av sin sons kropp med en kratta och sydde dem till en helhet. På bilden väntar hon på ett bi – så hon tittar upp – som ska ta med sig magisk honung från seniorguden Ukko, som måste återuppliva Lemminkäinen.

Grundades 1933 i Helsingfors. Inledningsvis förenade det 23 konstnärer av olika specialiteter, i slutet av 1930-talet - cirka 45. Den första ordföranden i sällskapet var arkitekten och inredningskonstnären L. E. Kurpatov, från 1934 ockuperades denna post av E. A. Buman-Kolomiytseva, från 1935 - Baron R. A. Shtakelberg (vald till hedersmedlem 1936), sedan 1936 - V. P. Shchepansky. Sällskapet var värd för årliga utställningar av sina medlemmars arbete (med kontanta priser) och årliga välgörenhetsbaler (vanligtvis på Hotel Grand); det fanns en ömsesidig förmånsfond, vänskapskvällar hölls och offentliga rapporter om konst lästes. Bland rapporterna lästa under olika år: "Rysk teater under de senaste 25 åren" av S. M. Veselov (1935), "Ryska landskapsmålare" av V. P. Shchepansky (1936; tillägnad minnet av konstnären M. A. Fedorova), "Kultur hemma " L. E. Kurpatova (1936) och andra. Sällskapet deltog i att organisera den årliga dagen för rysk kultur, som firades på A. S. Pushkins födelsedag, och 1937 - i händelser relaterade till hundraårsdagen av poetens död. 1934 beslutades att anordna en konstverkstad och på sommaren att gemensamt hyra en sommarstuga för arbete med skisser.

Sällskapets utställningar deltog av: M. Akutina-Shuvalova, N. P. Bely, A. P. Blaznov, N. Blinov, E. A. Buman-Kolomiytseva, P. Varlachev, V. A. Veiner, S. M. Veselov, V. I. Voutilainen, E. V. Deters, H. Shmakov, S. Dobrovolsky, P. S. Zakharov, S. G. Irmanova, I. M. Karpinsky, I. Krasnostovsky, L. Kratz, L. L. Kuzmin, N. G. Kuzmina, I. Kurkiranta, L. E. Kurpatov, O. Kurpatova, T. Kurto, A. Lindenberg P. Lomakin, Baronessan M. B. Maidel, M. Milova, M. M. von Mingin, V. Mitinin, M.N. Nemilova, M. Pets-Blaznova, L. Platan, G. Presas, Yu. I. Repin, V. I. Repina, M. Romanov, S. Rumbin, V. P. Semenov-Tyan-Shansky, M. A. Fedorova, T. Schwank, V. Shermanova -Brown, M. N. Shilkin, A. L. von Schultz, G. Schumacher, M. N. Shchepanskaya, V. P. Shchepansky.

När fientligheterna mot Finland bröt ut 1939 upphörde sällskapets verksamhet och blev mer aktiv först efter kriget. År 1945 omvandlades sällskapet till Förbundet för ryska konstnärer i Finland, som leds av I. M. Karpinsky. Året därpå blev denna organisation en kollektiv medlem av den ryska kulturdemokratiska unionen, och 1947 hölls dess första utställning på Harhammer Art Salon.

Bibliografi:	Krönika om ryskas litterära liv utomlands: Finland (1918–1938) / Sammanställd av: E. Hämäläinen, Yu. A. Azarov // Litterär tidskrift. Sektion för språk och litteratur vid Ryska vetenskapsakademin. Institutet för vetenskaplig information om samhällsvetenskap vid den ryska vetenskapsakademin. – 2006. Nr 20. S. 271–319.
Anslutningar:
Geografi:
Sammanställd av:
Startdatum:

Permanent utställning av Ateneummuseet upptar tredje våningen i byggnaden (små tematiska utställningar arrangeras också där), och tillfälliga utställningar hålls på andra våningen (plan över salarna). I denna anteckning kommer vi att prata om några av de mest intressanta och berömda målningarna och skulpturerna i Ateneum-samlingen, såväl som deras författare: den berömda Finska målare och skulptörer. Mer om Ateneums museums historia och museibyggnadens arkitektur kan läsas. Den ger också användbar information om biljettpriser, öppettider och proceduren för att besöka Ateneummuseet. Observera: inte alltid i museet kan du se alla berömda verk samtidigt.

Verk av finska skulptörer

Låt oss börja vår vandring genom Ateneum-museet direkt från entrén.

I lobbyn möts vi av en marmorgrupp" Apollo och Marsyas» (1874) av den berömde finske skulptören Walter Runeberg (Walter Magnus Runeberg) (1838-1920), författare till monument över Johan Runeberg och kejsar Alexander II i Helsingfors. Skulptörens far, poeten Johan Runeberg, en representant för den nationalromantiska trenden inom litteraturen, introducerade den grekiska och romerska civilisationens ideal i den finländska kulturen, inklusive värdet av mod och hängivenhet. Hans son fortsatte att uttrycka dessa ideal, men med hjälp av skulptur. Åren 1858-62. Walter Runeberg studerade vid Konsthögskolan i Köpenhamn under ledning av den danske skulptören Hermann Wilhelm Bissen, elev till den berömda Thorvaldsen, en internationellt erkänd mästare i nyklassisk skulptur. Åren 1862-1876. Runeberg arbetade i Rom och fortsatte att studera det klassiska arvet.

I denna skulpturgrupp avbildade Runeberg ljusets gud, Apollon, som besegrade satyren Marsyas med sin konst, och personifierade mörker och jordnära. Figuren av Apollo är gjord i en anda av antika ideal, medan denna bild är tydligt motsatt den barock-vilda herden Marsyas. Kompositionen var ursprungligen avsedd att pryda det nya Helsingfors studenthus och beställdes av kvinnoföreningen, men då bestämde damerna tydligen att det var för mycket nakenhet i Runebergs skulptur. På ett eller annat sätt överlämnades till slut verket som en gåva till Finlands Konstförening – och så hamnade det i Ateneums museums samling.

Vid ingången till Ateneums huvudutställningshallar på tredje våningen kan du se några fler intressanta verk finska skulptörer. Särskilt attraktiva är skulpturer i marmor och brons, eleganta figurer och vaser tillverkade av Ville Wallgren (Ville Wallgren) (1855–1940).Ville Wallgren var en av de första finska skulptörerna som efter att ha fått en grundutbildning i Finland bestämde sig för att fortsätta sina studier inte i Köpenhamn utan i Paris. Hans val präglades av den kände konstnären Albert Edelfelt, även han bosatt i Borgå. Edelfelt hjälpte den impulsive landsmannen i andra livs- och yrkesärenden: det var till exempel med hans hjälp som Wallgren fick en order att färdigställa den berömda Havis Amanda-fontänen (1908) på Esplanad Boulevard in.

Ville Wallgren, som bott i Frankrike i nästan 40 år, är mest känd för sina sensuella kvinnofigurer i jugendstil. Men i ett tidigt skede av sitt arbete porträtterade han ofta unga män och höll sig till en mer klassisk stil (exempel är poetiska marmorskulpturer " Eko"(1887) och" pojke leker med krabba(1884), där Wallgren förbinder mänskliga karaktärer och den naturliga världen).

I slutet av 1800-talet blev Ville Wallgren världsberömd som en märklig mästare av dekorativa figurer, samt vaser, begravningsurnor och tårar, dekorerade med figurer av sörjande sörjande flickor. Men med inte mindre övertalningsförmåga skildrade bon vivant Wallgren livets glädjeämnen, inklusive flirtiga och förföriska kvinnor, som samma Havis Amanda. Förutom den tidigare nämnda skulpturen "Pojke som leker med en krabba" (1884) kan du på tredje våningen i Ateneum-museet se bronsverk av Wille Wallgren: "Tårdroppar" (1894), "Vår (renässans)" (1895), "Två ungdomar" (1893) och en vas (ca 1894). Dessa utsökta verk med perfekt genomarbetade detaljer är små i storleken, men de gör ett starkt känslomässigt intryck och kommer ihåg för sin skönhet.

Ville Wallgren har kommit långt till en karriär som skulptör, men när han väl hittade sin riktning och tog stöd av proffs blev han en av de mest respekterade och internationellt erkända konstnärerna i historien. finsk konst. Han var till exempel den ende finländaren som fick Grand Prix-medaljen för sitt arbete på världsutställningen i Paris (detta hände 1900). Wallgren uppmärksammades först av kollegor och kritiker under världsutställningen 1889, där hans relief "Kristus" presenterades. Återigen gjorde den finske skulptören sig känd under de symbolistiska parisiska salongerna Rose + Croix 1892 och 1893. Wallgrens hustru var den svenska konstnären och skulptören Antoinette Rostrem ( Antoinette Råström) (1858-1911).

Finsk konsts guldålder: Albert Edelfelt, Akseli Gallen-Kallela, Eero Järnefelt, Pekka Halonen

I en av de största salarna på tredje våningen Ateneum-museet klassiska målningar presenteras, inklusive vän Ville Wallgrens verk - Albert Edelfelt (Albert Edelfelt) (1854-1905), den mest kända i världen finsk konstnär.

Publikens uppmärksamhet lockas med nödvändighet av den fantastiska bilden " Drottning Blanca"(1877) - en av de mest populära och älskade målningarna i Finland, en riktig hymn till moderskapet. Tryckta reproduktioner av denna målning och broderier som föreställer den kan hittas i tusentals hem över hela landet. Edelfelt inspirerades av novellen "De nio silversmederna" av Zacharias Topelius ( De nio silverpenningarna), där den medeltida drottningen av Sverige och Norge, Blanca av Namur, underhåller sin son, prins Håkon Magnusson, den blivande maken till Margareta I av Danmark, med sånger. Resultatet av detta äktenskap, organiserade bara Drottning Blanca, blev Sveriges, Norges och Danmarks union - Kalmarunionen (1397-1453). Pretty Blanca sjunger om alla dessa framtida händelser för sin lilla son.

Under skapandet av denna duk ansågs historisk målning vara den ädlaste formen av konst och efterfrågades av de bildade delarna av det finska samhället, eftersom den nationella identiteten vid den tiden bara började ta form. Albert Edelfelt var bara 22 år när han bestämde sig för att skapa en målning på temat medeltida skandinavisk historia, och drottning Blanca blev hans första seriösa verk. Konstnären försökte möta sitt folks förväntningar och förkroppsliga den historiska scenen så levande och autentiskt som möjligt (vid tiden för målningen bodde Edelfelt på en trång vind i Paris och studerade på sin lärare Jean-Leon Geromes insisterande kostymerna från den perioden, läste böcker om medeltida arkitektur och möbler, besökte det medeltida Cluny-museet). Titta på skickligheten med vilken det glänsande sidenet i drottningens klänning, björnskinnet på golvet och många andra detaljer skrivs ut (konstnären hyrde speciellt björnskinnet i varuhuset). Men det viktigaste i bilden, åtminstone för den moderna betraktaren (och för Edelfelt själv, som älskade sin mamma mer än någon annan i världen), är dess varma känsloinnehåll: moderns ansikte och barnets gester, som uttrycker kärlek, glädje och intimitet.

En vacker 18-årig parisare fungerade som modell för drottning Blanca, och en vacker italiensk pojke poserade för prinsen. Målning "Queen Blanca" presenterades först för allmänheten 1877 på Parissalongen, var en stor framgång och replikerades i franska konstpublikationer. Sedan visades hon i Finland, varefter duken såldes till Aurora Karamzina. Därefter hamnade målningen i magnaten Hjalmar Linders samling som skänkte den Ateneum-museetår 1920.

Ytterligare ett exempel på tidig kreativitet Albert Edelfelt den sorgsna målningen" Begravning av ett barn"("Transport av kistan") (1879). Vi har redan sagt att Edelfelt i sin ungdom skulle bli historiemålare; han förberedde sig på detta medan han studerade i Antwerpen och sedan i Paris. Men i slutet av 1870-talet hade hans ideal förändrats, han blev vän med den franske konstnären Bastien-Lepage och blev en predikant för friluftsmåleriet. Nästa fungerar Edelfeltär redan en realistisk återspegling av bondelivet och det levande livet i sitt hemland. Men målningen "The Funeral of a Child" speglar inte bara scenen i vardagen: den förmedlar en av de grundläggande mänskliga känslorna - sorg.

Det året besökte Edelfelt för första gången den dacha som hans mor hyrde på godset Haikko nära Borgå (senare kom konstnären till dessa vackra platser varje sommar). Bilden målades helt i det fria, för vilken en stor duk måste fästas på kustblocken för att den inte skulle fladdra i vinden. "Jag tyckte inte att det var så svårt att måla utomhus", sa Edelfelt till en av sina vänner. Edelfelt skissade upp de vittrade ansiktena på invånarna i Borgå skärgård, drog ut på havet med fiskare mer än en gång och specialplacerade till och med en avsågad fiskebåt i sin verkstad för att exakt återge detaljerna. Edelfeltsmålning « Funeral of a Child" ställdes ut på Parissalongen 1880 och belönades med en 3:e gradensmedalj (för första gången finsk konstnär fick en sådan ära). Franska kritiker noterade bildens olika förtjänster, inklusive det faktum att den saknar överdriven sentimentalitet, men återspeglar den värdighet med vilken karaktärerna accepterar det oundvikliga.

Bilden genomsyras av en helt annan, solig och bekymmerslös stämning. Albert Edelfelt « luxemburgska trädgården» (1887). När Edelfelt målade denna duk var han redan en mycket känd figur i den parisiska konstvärlden. Fascinerad av de parisiska parkerna med många barn och barnskötare som njuter av det fina vädret, bestämde han sig för att fånga denna skönhet. Vid den tiden hade målaren redan bott i Paris i mer än tio år, och det är till och med märkligt att denna målning är hans enda större verk som skildrar livet i Paris. Det beror troligen på den hårda konkurrensen mellan konstnärer: det var lättare att sticka ut i den här miljön och arbeta med mer "exotiska" finska ämnen. Målningen "Luxemburgs trädgårdar" är också ovanlig eftersom Edelfelt använde många impressionismtekniker i den. Samtidigt arbetade han, till skillnad från impressionisterna, på denna duk i mer än ett år, både i det fria och i ateljén. Arbetet bromsades ofta av banala skäl: på grund av dåligt väder eller sena modeller. Den självkritiske Edelfelt omarbetade gång på gång duken och gjorde förändringar till sista stund, då det var dags att ta verket till utställningen.

Målningen visades för första gången på en utställning i Galleri Petit i maj 1887. Edelfelt själv var inte särskilt nöjd med resultatet: mot bakgrund av färgexplosioner i de franska impressionisternas målningar såg hans duk, som det verkade honom, anemisk, "flytande". Verket mottogs dock väl av kritiker och allmänhet. Sedermera blev denna målning ett slags symbol för den finska konstens - och Edelfelts i synnerhet - nära band med Paris, som vid den tiden var det konstnärliga universums epicentrum.

Bild " Kvinnor i kyrkan i Ruokolahti» (1887) Albert Edelfelt skrev i sin sommarverkstad i Haikko - där skapade han nästan alla sina verk på temat folkliv. Även om målningen återspeglar intrycken från en resa till östra Finland, är det känt att kvinnor från Haikko var förebilder för målningen (fotografier av dem som poserar för Edelfelt i hans ateljé har bevarats). Liksom andra stora kompositioner skapades inte denna över en natt, noggranna preliminära skisser gjordes alltid. Konstnärens huvudmål har dock alltid varit att uppnå en spontan, levande effekt av "snapshot".

Bredvid Albert Edelfelts verk i Ateneummuseet kan du se målningar av en annan representant för den finländska konstens guldålder, Eero Jarnefelta (Eero Järnefelt) (1863-1937). Efter avslutade studier i Finland gick Järnefelt till Sankt Petersburg där han studerade Konstakademin med sin farbror Mikhail Klodt, blev nära Repin och Korovin och gick sedan för att fortsätta sin utbildning i Paris. Trots utländska influenser speglar Järnefelts verk sökandet efter nationell identitet, viljan att betona den säregna karaktären hos hans inhemska kultur ( mer om kreativitet Eero Jarnefelta läsa ).

Jarnefelt är mest känd som porträttmålare och författare till de majestätiska landskapen i Koliområdet och Tuusulanjärvis omgivningar, där hans villaateljé Suviranta låg (intill huset Ainola, där tonsättaren Sibelius bodde med sin hustru, Jarnefelts syster).

Men Eero Järnefelts viktigaste och mest kända verk är förstås målningen "Under oket" ("bränna ut skogen")(1893) (andra varianter av namnet - " Ryggböjning för pengar», « tvångsarbete"). Dukens tomt hänger samman med den uråldriga jordbruksmetoden, som består i att bränna skogen för att få åkermark (det så kallade slash-and-burn-jordbruket). Målningen skapades sommaren 1893 på en gård Rannan Puurula i Lapinlahti, i norra Savolax. Det året förstörde frosten skörden för andra gången. Järnefelt arbetade på en rik familjs gård och iakttog de hårda levnads- och arbetsvillkoren för jordlösa arbetare som endast fick betalt för sitt arbete om skörden var god. Parallellt gjorde Järnefelt skisser av ett brinnande skogslandskap, studerade eldens och rökens beteende och filmade även bybor, som så småningom blev huvudpersonerna i hans bild.

Bara en karaktär i bilden ser direkt på betraktaren: det här är en tjej som avbröt arbetet ett tag och tittar på oss med ett uttryck av förebråelse. Magen var svullen av hunger, ansiktet och kläderna var svärtade av sot, och runt hennes huvud avbildade Jarnefelt rök som liknade en gloria. Konstnären målade den här bilden från en 14-årig flicka som heter Johanna Kokkonen ( Johanna Kokkonen), tjänare på gården. Personen i förgrunden är Heikki Puurunen ( Heikki Puurunen), bondens bror och gårdens ägare avbildas i bakgrunden.

När du tittar på bilden kan du bokstavligen känna eldens hetta, höra det dova bruset från lågan och knarret av grenar. Bilden har flera tolkningar, men dess huvudsakliga innebörd ses som hård kritik mot det förtryckta folket. Flickan från bilden har blivit en generaliserad bild av alla fattiga och hungriga barn, alla missgynnade människor i Finland. Duken presenterades först för allmänheten 1897.

En hel stor sal Ateneum Museum tillägnad arbetet av en annan berömd representant för den finska konstens guldålder - Akseli Gallena-Kallela (Akseli Gallen-Kallela) (1865-1931). Liksom andra stora finska konstnärer under den tiden studerade han vid. Gallen-Kallela fick särskild uppmärksamhet av den parisiska allmänheten under världsutställningen 1900, då han utförde ett antal fresker för den finska paviljongen baserade på det finska eposet Kalevala.

Under studera i paris Gallen-Kallela skissade ofta scener som han lade märke till på gatorna och på kaféerna. Ett exempel på den här periodens kreativitet är målningen "Naken" ("utan mask") (Demasquee ) (1888) - nästan den enda erotiska duken i Gallen-Kallelas verk. Det är känt att den skapades av en 23-årig konstnär på uppdrag av den finske samlaren och filantropen Fridtjof Antell, som ville fylla på sin samling av sexuellt explicita målningar. Men när Antell såg målningen vägrade han att ta den, uppenbarligen ansåg han tavlan för obscen även för hans smak.

Målningen föreställer en naken parisisk kvinna (uppenbarligen en prostituerad) som sitter i konstnärens ateljé på en soffa täckt med en traditionell finsk matta. Bilden ger en uppfattning om den bohemiska livsstilen, men antyder samtidigt att hans glädje är fylld av döden, ett fall. Konstnären avbildar en lilja som symboliserar oskuld, som kontrasteras med en eftertryckligt sensuell modell och en gitarr, vars form ytterligare förstärker den erotiska känslan. Kvinnan ser både förförisk och skrämmande ut. Krucifix, Buddhastaty och antik finsk matta ruyu, avbildad bredvid det självbelåtna kvinnoköttet, anspelar på helgonets skändning. En skalle flinade på bordet i bakgrunden - ett frekvent inslag i målningarna av Vanitas-genren, som påminner betraktaren om de jordiska njutningarnas svaghet och dödens oundviklighet. duk Demasquee visades första gången i Ateneum Museumår 1893.

Många senare verk Gallena-Kallela tillägnad "Kalevale". När han skildrar sådana hjältar från det finska eposet som Väinämöinen och Lemminkäinen, använder konstnären en speciell stil, hård och uttrycksfull, full av oefterhärmligt ljusa färger och stiliserade ornament. Från denna cykel är det värt att notera den fantastiska bilden " Lemminkäinens mamma» (1897). Även om målningen är en illustration av eposet har den ett mer globalt, universellt ljud och kan betraktas som ett slags Northern Pieta. Denna genomträngande sång om moderlig kärlek är ett av Gallen-Kallelas mest fantastiska verk på temat " Kalevala».

Lemminkäinens mamma- en glad kille, en smart jägare och förförare av kvinnor - hittar sin son vid Dödens svarta flod (Tuonelafloden), där han försökte skjuta den heliga svanen. Svanen är avbildad i det mörka vattnet i bakgrunden, och dödskallar och ben är utspridda på den klippiga stranden och dödens blommor spirar. Kalevala berättar hur en mamma kammar vattnet med en lång kratta, krattar ut alla bitar och viker ut sin son igen ur dem. Med hjälp av trollformler och salvor återupplivar hon Lemminkäinen. Bilden skildrar ögonblicket som föregår uppståndelsen. Det verkar som att allt är borta, men solens strålar tränger in i dödsriket och ger hopp, och biet bär på en livgivande gudomlig balsam för hjältens uppståndelse. Mörka, dämpade färger förhöjer stillheten i denna undre värld, medan den intensiva blodröda mossan på klipporna, den dödliga vitheten hos Lemminkäinens växter och hud, kontrasterar mot biets gudomliga gyllene färg och strålarna som strömmar ner från himlen.

För denna målning poserades konstnären av sin egen mamma. Han lyckades skapa en mycket realistisk bild med en livlig, intensiv blick (detta är en äkta känsla: Gallen-Kallela talade medvetet med sin mamma om något sorgligt som fick henne att gråta). Samtidigt är bilden stiliserad, vilket gör det möjligt att skapa en speciell mytisk atmosfär, känslan av att händelser äger rum "på andra sidan" av verkligheten. För att förstärka den känslomässiga påverkan använde Gallen-Kallela tempera istället för oljefärger. Förenklade former, tydliga konturer av figurer och stora färgplan bidrar till att skapa en kraftfull komposition. För att bättre förmedla bildens dystra stämning utrustade konstnären ett helt svart rum i sitt ateljéhus i Ruovesi, den enda ljuskällan där ett takfönster fanns. Dessutom fotograferade han sig själv liggandes naken på golvet och använde dessa bilder när han målade Lemminkäinens figur.

I en helt annan, idyllisk och nästan oseriös stil, Gallen-Kallelas triptyk " Legenden om Aino» (1891). Kompositionen är tillägnad handlingen från Kalevala om den unga flickan Aino och den gamle vismannen Väinämöinen. Aino skulle, efter hennes föräldrars beslut, giftas med Väinämöinen, men hon flyr ifrån honom och vill helst dränka sig. På vänster sida av triptyken visas det första mötet mellan en gammal man och en flicka klädda i en traditionell karelsk outfit i skogen och på höger sida ser vi den sorgsna Aino. Hon förbereder sig på att kasta sig i vattnet och gråter på stranden och lyssnar på ropen från sjöjungfrur som leker i vattnet. Slutligen skildrar den centrala panelen slutet på berättelsen: Väinämöinen tar en båt ut på havet och fiskar. Efter att ha fångat en liten fisk känner han inte igen flickan i den som drunknade genom hans fel och kastar tillbaka fisken i vattnet. Men i det ögonblicket förvandlas fisken till Aino - en sjöjungfru som skrattar åt den gamle mannen som saknade henne och sedan försvinner ut i vågorna för alltid.

Början av 1890-talet Gallen-Kallela var en anhängare av naturalismen, och han behövde definitivt genuina modeller för alla figurer och föremål på bilden. Så, för bilden av Väinämöinen med sitt långa vackra skägg, poserade en invånare i en av de karelska byarna för konstnären. Dessutom torkade konstnären sittpinnar för att få den mest exakta bilden av en fisk skrämd av en gammal man. Till och med silverarmbandet som glittrar på Ainos hand fanns i verkligheten: Gallen-Kallela presenterade detta smycke till sin unga fru Mary. Hon fungerade tydligen som modell för Aino. Landskapen för triptyken skissades av konstnären under deras smekmånad i Karelen.

Kompositionen är inramad av en träram med ornament och citat från Kalevala skriven av Gallen-Kallelas hand. Denna triptyk blev startpunkten för rörelsen nationalromantik i Finland- Finsk version av jugend. Konstnären gjorde den första versionen av denna målning i Paris 1888-89. (ägs nu av Finlands Bank). När målningen först presenterades i Helsingfors möttes den av stor entusiasm och senaten beslutade att beställa en ny version på offentlig bekostnad. En sådan idé ser ganska naturlig ut i kölvattnet av Fennomani-rörelsen, som idealiserade och romantiserade den finska nationen. Dessutom uppfattades konsten som ett kraftfullt sätt att uttrycka finländska nationella ideal. Samtidigt började expeditioner av konstnärer till Karelen i jakten på en "riktig finsk stil". Karelen sågs som det enda orörda landet där spår av Kalevala fanns bevarade, och Gallen-Kallela själv uppfattade detta epos som en berättelse om tidigare tider av nationell storhet, som en bild av ett förlorat paradis.

Målning av Gallen-Kallela" Kullervos förbannelse"(1899) berättar om en annan hjälte från Kalevala. Kullervo var en ungdom med extraordinär styrka, en föräldralös som gavs till slaveri och skickades ut i vildmarken för att valla kor. Den onda älskarinnan, smeden Ilmarinens hustru, gav honom bröd för resan, i vilket en sten låg gömd. Kullervo försökte skära brödet och bröt kniven, det enda minnet av sin far. Rasande samlar han ihop en ny flock vargar, björnar och lodjur, som sliter sönder älskarinnan. Kullervo flyr från slaveriet och återvänder hem efter att ha fått veta att hans familj lever. Kullervos missöden slutar dock inte där. En oändlig spiral av hämnd förstör inte bara hans nyfunna familj, utan honom själv. Han träffar och förför först en tjej som visar sig vara hans syster, och på grund av denna syndiga relation begår systern självmord. Snart dör alla hans släktingar. Då dödar Kullervo sig själv genom att kasta sig på svärdet.

Målningen av Gallen-Kallela visar en episod när Kullervo fortfarande tjänstgör som herde (hans flock syns i bakgrunden, och bröd med en bakad sten avbildas framför). Den unge mannen skakar näven och lovar att hämnas på sina fiender. Konstnären avbildade den rasande hjälten mot bakgrund av ett soligt landskap tidigt på hösten, men molnen samlas redan i bakgrunden, och den röda rönnen fungerar som en varning, en profetia om framtida blodsutgjutelse. I den här bilden förenas tragedin med den karelska naturens skönhet och den hämnande hjälten kan på sätt och vis ses som en symbol för finsk kämparanda och växande nationellt medvetande. Å andra sidan har vi framför oss ett porträtt av ilska och besvikelse, impotensen hos en man som uppfostrats av främlingar som utrotade hans familj, i en atmosfär av våld och hämnd, och detta lämnade ett tragiskt avtryck i hans öde.

Mer om kreativitet Gallena-Kallela läs.

Vi avslutar detta avsnitt med en berättelse om arbetet av en annan framstående representant för finsk nationalromantik i måleriet, den berömda konstnären från den finska guldåldern - Pekka Halonen. Pekka Halonen (Pekka Halonen) (1865-1933) blev en framträdande plats på 1890-talet och visade sig vara en fulländad mästare på vinterlandskap. Ett av mästerverken i denna genre är målningen " Unga tallar under snön"(1899), betraktade som ett exempel finsk japanism och jugend i måleriet. Mjuk fluffig snö som täcker plantorna, leker med olika nyanser av vitt, skapar en fridfull atmosfär av en skogssaga. Den dimmiga luften är mättad med kall vinterdis, och frodiga lager av snö framhäver den bräckliga skönheten hos unga tallar. Träd i allmänhet var ett av favoritmotiven inom kreativitet. Pekki Halonena. Under hela sitt liv avbildade han entusiastiskt träd vid olika tider på året och han älskade särskilt våren, men ändå blev han mest känd just som mästare. vinterlandskap– få målare vågade skapa i kylan. Pekka Halonen var inte rädd för vintern och arbetade utomhus i alla väder under hela sitt liv. Han var en anhängare av utomhusarbete och hånade konstnärer som "tittar på världen genom ett fönster." I Halonens målningar spricker grenar av frost, träden sjunker under tyngden av snömössor, solen kastar blåaktiga skuggor på marken och skogsbor lämnar fotspår på en mjuk vit matta.

Vinterlandskap blev en sorts nationalsymbol för Finland och Pekka Halonen gjorde ett dussin dukar på temat finsk natur och folkliv till den finska paviljongen på världsutställningen i Paris år 1900. Denna cykel inkluderar till exempel målningen " Vid hålet"(Tvätta på is") (1900). Halonens intresse för att skildra "nordländsk exotism" uppstod när han studerade hos Paul Gauguin i Paris 1894.

Typiskt konstnärer den finska måleriets guldålder kom från den urbana medelklassen. En annan sak är Pekka Halonen, som kom från en familj av upplysta bönder och hantverkare. Han föddes i Lapinlahti (Östra Finland) och började ganska tidigt intressera sig för konst - inte bara måleri, utan också musik (konstnärens mamma var en begåvad kantele-artist; hon ingav också sin son en omtänksam attityd och kärlek till naturen, och senare denna kärlek förvandlades nästan till en religion). Den unge mannen började studera måleri lite senare än sina jämnåriga, men efter fyra års studier vid Finlands konstsällskaps ritskola och en utmärkt examen från den kunde Halonen få ett stipendium som gjorde att han kunde gå till studera i dåtidens konstnärliga Mecka. Han studerade först vid Académie Julian och började sedan, 1894, ta privatlektioner från Paul Gauguin tillsammans med sin vän Vyaino Bloomstead. Under denna period bekantade sig Halonen med symbolik, syntetism och till och med teosofi. Bekantskapen med de senaste konstnärliga trenderna ledde dock inte till att han övergav det realistiska sättet, och han lånade inte Gauguins ljusa palett, men under inflytande av Gauguin blev Halonen en djup kännare av japansk konst och började samla kopior av japanska gravyrer.

Till exempel har hans verk ofta en böjd tall, ett populärt motiv i japansk konst. Dessutom, i många målningar, ägnar Halonen särskild uppmärksamhet åt detaljer, dekorativa mönster av grenar eller ett speciellt mönster av snö, och själva temat vinterlandskap är inte ovanligt i japansk konst. Halonen kännetecknas också av en preferens för vertikala smala dukar som "kakemono", asymmetriska kompositioner, närbilder och ovanliga vinklar. Till skillnad från många andra landskapsmålare målade han inte typiska panoramavyer från ovan; hans landskap är målade djupt inne i skogen, nära naturen, där träden bokstavligen omger betraktaren och bjuder in honom i sin tysta värld. Det var Gauguin som inspirerade Halonen att upptäcka sin egen stil när det gäller naturskildring och uppmuntrade honom att leta efter sina teman i nationella rötter. Liksom Gauguin sökte Halonen med hjälp av sin konst hitta något primärt, primordialt, men bara om fransmannen letade efter sitt ideal på Stillahavsöarna, försökte den finska konstnären återuppliva det finska folkets "förlorade paradis" i urskogar, de heliga vildmarkerna som beskrivs i Kalevala.

Pekka Halonens verk har alltid kännetecknats av sökandet efter fred och harmoni. Konstnären ansåg att "konst inte borde irritera nerverna som sandpapper - den borde skapa en känsla av frid." Även med skildring av bondearbete uppnådde Halonen lugna, balanserade kompositioner. På jobbet alltså Pionjärer i Karelen» (« Vägbyggen i Karelen”) (1900) framställde han finska bönder som självständiga, intelligenta arbetare som inte behövde göra alltför stora ansträngningar för att få jobbet gjort. Dessutom betonade konstnären att han strävade efter att skapa ett allmänt dekorativt intryck. Detta var hans svar till samtida som kritiserade bildens orealistiska "fridfulla söndagsstämning" och blev förvånade över arbetarnas alltför rena kläder, den lilla mängden spån på marken och det konstiga utseendet på båten mitt i skog. Men konstnären hade en helt annan idé. Pekka Halonen ville inte skapa en bild av hårt, utmattande arbete, utan förmedla bondearbetets lugna, avmätta rytm.

Halonen var också starkt influerad av sina resor till Italien (1896-97 och 1904), inklusive mästerverk från tidiga renässanser som han såg i Florens. Därefter flyttade Pekka Halonen med fru och barn (paret hade totalt åtta barn) till Tusbysjön, vars lugna pittoreska omgivning fungerade som en outtömlig källa till inspiration och fruktbart arbete bort från Helsingfors, "källan till allt prosaiskt och fult. " Här, på sjöskidåkning, letade konstnären efter en plats för sitt framtida hem och 1899 köpte paret en tomt i strandkanten, där några år senare Pekka Halonens ateljéhus växte upp - en villa som han döpt till. Haloseniemi (Halosenniemi) (1902). Denna mysiga träbostad i nationalromantisk anda designades av konstnären själv. Idag inrymmer huset Pekka Halonens museum.

Finska symbolister

En av de mest intressanta avdelningarna i Ateneummuseets samling är Hugo Simbergs och andra finländska symbolisters unika verk.

I ett separat rum på Ateneum-museet, den berömda målningen " Sårad ängel» (1903) finsk konstnär Hugo Simberg. Denna melankoliska duk skildrar en märklig procession: två surmulna pojkar bär på en bår en flicka klädd i vitt, en ängel, med ögonbindel och med en sårad vinge. Bakgrunden på bilden är ett kallandskap från tidig vår. I ängelns hand finns en bukett snödroppar, vårens första blommor, symboler för helande och nytt liv. . Processionen leds av en pojke klädd i svart, som liknar en begravningsentreprenör (troligen en symbol för döden). Utseendet på en annan pojke vänds mot oss, tränger direkt in i betraktarens själ och påminner oss om att ämnena liv och död är relevanta för var och en av oss. Den fallna ängeln, utvisningen från paradiset, tankar om döden - alla dessa ämnen var särskilt angelägna för konstnärer - symbolister. Konstnären själv vägrade att erbjuda några färdiga tolkningar av målningen och lämnade betraktaren att dra sina egna slutsatser.

Hugo Simberg arbetade länge med denna målning: de första skisserna finns i hans album från 1898. Vissa skisser och fotografier återspeglar enskilda fragment av kompositionen. Ibland körs en ängel i en skottkärra, ibland inte pojkar, men små djävlar representeras som bärare, samtidigt förblir en ängelfigur alltid central, och bakgrunden är ett riktigt landskap. Arbetet med målningen avbröts när Simberg blev allvarligt sjuk: från hösten 1902 till våren 1903 behandlades konstnären på diakonissanstaltens sjukhus i Helsingfors ( Helsingin Diakonissalaitos) i Kallioområdet. Han hade en allvarlig nervös sjukdom, förvärrad av syfilis (som konstnären sedan dog).

Det är känt att Simberg fotograferade sina modeller (barn) i verkstaden och i Eleintarcha-parken, som ligger intill det tidigare nämnda sjukhuset. Stigen som avbildas på bilden finns kvar än idag - den går längs Tölönlahtis kust. Under Simbergs tid var Eleintarchaparken ett populärt rekreationsområde för arbetarklassen. Dessutom fanns många välgörenhetsinstitutioner där, bland annat en flickskola för blinda och ett barnhem för handikappade. Simberg observerade upprepade gånger parkens invånare när han våren 1903 vandrade dit och gav sig av från en allvarlig sjukdom. Under dessa långa promenader tog tydligen idén om bilden äntligen form. Förutom filosofiska tolkningar av målningen "The Wounded Angel" (en symbol för utvisning från paradiset, en sjuk mänsklig själ, en persons hjälplöshet, en trasig dröm), ser vissa det som personifieringen av konstnärens smärtsamma tillstånd och till och med specifika fysiska symtom (enligt vissa rapporter led Simberg också av hjärnhinneinflammation).

Simbergs målning Sårad ängel blev en stor framgång omedelbart efter att den var klar. Presentationen ägde rum på Finlands konstsällskaps höstutställning 1903. Inledningsvis ställdes duken ut utan titel (mer exakt, istället för en titel fanns det ett streck), vilket antydde omöjligheten av någon tolkning. För detta djupt individuella och känslomässiga verk tilldelades konstnären ett statligt pris 1904. Den andra versionen av Den sårade ängeln utfördes av Simberg när han dekorerade Tammerfors domkyrkas inre med fresker, där han arbetade tillsammans med Magnus Enckel.

Enligt en undersökning gjord i Finland 2006, " Sårad ängel”erkändes som det populäraste verket i Ateneums samling, Finlands mest älskade ”nationalmålning” och landets konstnärliga symbol.

Hugo Simberg (Hugo Simberg) (1873-1917) föddes i Fredrikshamn, bodde och studerade sedan i, och sedan i, där han gick i Finlands Konstförenings skola. Han tillbringade ofta somrarna på familjegården i Niemenlautta (Syakkijärvi) vid Finska vikens kust. Simberg reste mycket i Europa, besökte London och Paris, besökte Italien och Kaukasus. Ett viktigt skede i hans utveckling som konstnär kom vid en tidpunkt då Simberg, desillusionerad av den stereotypa akademiska utbildningen, började ta privatlektioner från Akseli Gallen-Kallela i ett avlägset område i Ruovesi, där Gallen-Kallela byggde sitt verkstadshus. Gallen-Kallela värderade högt sin elevs talang och förutspådde en stor framtid för honom i konstvärlden, och jämförde Simbergs verk med sanningsenliga och passionerade predikningar som alla borde höra. Simberg besökte Ruovesi tre gånger mellan 1895 och 1897. Här, i en atmosfär av konstnärlig frihet, fann han snabbt sitt eget språk. Till exempel skrev han den första hösten av sin vistelse i Ruovesi det berömda verket " Frysning(1895), något som påminner om Munchs Skriet. I det här fallet har väderfenomenet, rädslan för bönder runt om i världen, fått en synlig gestaltning, ansikte och form: det är en dödsblek figur med stora öron, som sitter ovanpå en kärve och förgiftar allt runt omkring med sin dödliga andetag. . Till skillnad från Munchs Skriet, avslutad några år tidigare, framkallar Simbergs Frost inte fullständig fasa och förtvivlan, utan en märklig känsla av hot och medlidande på samma gång.

Ett viktigt ögonblick i Simbergs liv var höstutställningen 1898, varefter han antogs i Förbundet för finska konstnärer. Simberg reste mycket i Europa, undervisade och deltog i utställningar. Men omfattningen av konstnärens talang uppskattades verkligen först efter hans död. Fokus på det läskiga och övernaturliga var långt ifrån alla kritiker och tittare på den tiden.

Hugo Simberg var en av de största Finska symbolister. Han attraherades inte av banala vardagliga situationer - tvärtom, han skildrade något som öppnade dörrar till en annan verklighet, berörde betraktarens sinne och själ. Han förstod konsten ”som en möjlighet att mitt i vintern överföra en människa till en vacker sommarmorgon och känna hur naturen vaknar och man själv är i harmoni med den. Det är vad jag letar efter i ett konstverk. Den ska tala till oss om något och tala högt, så att vi förs bort till en annan värld.

Simberg var särskilt förtjust i att skildra det som bara kan ses i fantasin: änglar, djävlar, troll och bilder av själva döden. Men även dessa bilder gav han mjukhet och mänsklighet. Döden i Simberg är ofta välvillig och full av sympati och utför sina plikter utan entusiasm. Hit kom hon med tre vita blommor för att hämta gumman. Döden har dock ingen brådska, hon har råd att lyssna på pojken som spelar fiol. Endast klockan på väggen markerar tidens gång (" Döden lyssnar", 1897).

I arbetet " dödsträdgården”(1896), skapad under den första studieresan till Paris, Simberg, som han själv sa, skildrade platsen dit den mänskliga själen går omedelbart efter döden, innan han går till himlen. Tre skelett i svarta dräkter vårdar ömt växtsjälar med samma kärlek som munkar vårdar en klosterträdgård. Detta arbete var av stor betydelse för konstnären. Nästan tio år senare upprepade Simberg det i form av en stor fresk i Tammerfors domkyrka. Den märkliga charmen med detta verk ligger i söta vardagliga detaljer (en vattenkanna, en handduk som hänger i en krok), en fridfull atmosfär och en ödmjuk bild av själva döden, som inte är en förstörelsekraft, utan förkroppsligandet av omsorg. Intressant nog, i HC Andersens saga "Berättelsen om en mamma" finner vi också en liknande bild: berättaren beskriver ett enormt växthus av Döden - ett växthus, där en mänsklig själ är "fixerad" bakom varje blomma eller träd. Döden kallar sig själv Guds trädgårdsmästare: "Jag tar hans blommor och träd och omplanterar dem till Edens stora trädgård, till ett okänt land."

Först bild av döden medverkade i Simbergs verk " Döden och bonden» (1895). En kort svart cape och korta byxor ger Death en mild, nedslående look. Detta arbete utfördes av Simberg i Ruovesi när han studerade hos Akseli Gallen-Kallela. Den våren dog lärarens yngsta dotter i difteri, och "Döden och bonden" kan ses som ett uttryck för sympati för en man som har förlorat ett barn.

Likt djävlar är Hugo Simbergs änglar humaniserade och därför sårbara. De försöker leda människor till godhetens väg, men verkligheten är långt ifrån idealisk. Jobb " Dröm”(1900) väcker frågor från betraktaren. Varför gråter en kvinna medan en ängel dansar med sin man? Kanske lämnar mannen sin fru för en annan värld? Ett annat namn för detta verk var "Omvändelse", så det kan tolkas på olika sätt.

Änglabilderna dök upp första gången i Simbergs verk hösten 1895 (verket " Fromhet"). I detta busiga stycke märker inte den bedjande ängeltjejen att grannängeln har något helt annat i åtanke. Och verkligen, vingarna på denna andra ängel är långt ifrån så vita. Det finns en kamp mellan sensualitet och andlighet.

Banvallen i Niemenlauttaområdet, där Simberg nästan alltid tillbringade sin sommartid i familjens hem, var en populär mötesplats för unga på sommarkvällarna. Attraherade av dragspelets ljud gick unga män och kvinnor hit för att dansa med båt, även på långt håll. Simberg gjorde flera gånger skisser av dansare. Men på jobbet Dansa vid vattnet"(1899) dansar flickorna inte med killarna, utan med Dödens gestalter, som så ofta finns i Simberg. Kanske Döden den här gången inte kom för en hemsk skörd, utan bara vill ta del av det allmänna roliga? Av någon anledning spelar inte dragspelet.

Som du kan se Hugo Simberg- en mycket originell konstnär, vars verk inte saknar en egen ironi, men samtidigt är genomsyrad av mystik och fokuserar på teman av gott och ont, liv och död, karaktäristiska för konst symbolister. I Simbergs verk är djupa filosofiska frågor sammanflätade med mild humor och djup sympati. "Stackars djävulen", "smjuk död", kungen av brownies - alla dessa karaktärer kom till hans arbete från drömmar och sagor. Inga förgyllda ramar och blanka dukar: ”Bara kärlek gör konstverk verkliga. Om förlossningsvärk kommer utan kärlek, kommer barnet att födas olyckligt.

Förutom Hugo Simbergs verk visar Ateneummuseet verk av finsk symbolistisk målare Magnus Enkel (Magnus Enckell) (1870-1925), som Simberg, som arbetade med fresker för Tammerfors domkyrka (1907). Enkel föddes i en prästfamilj i Fredrikshamn, studerade måleri i och åkte 1891 till Paris, där han fortsatte sin utbildning vid Julian Academy. Där blev han intresserad av rosenkreuzaren J. Peladans symbolik och mystiska idéer. Från den senare antog Magnus Enkel det androgyna skönhetsidealet, som han började använda i sina verk. Enckel var fascinerad av idén om ett förlorat paradis, en förlorad renhet hos människan, och mycket unga pojkar med sin androgyna skönhet representerade för konstnären den renaste formen av en människa. Man bör inte heller glömma att Enkel var homosexuell och ofta målade nakna pojkar och män med ett rent erotiskt, sensuellt utseende. Åren 1894-95. konstnären reste runt i Italien och i början av 1900-talet, under inflytande av klassisk italiensk konst, såväl som postimpressionism, blir hans palett mycket mer färgstark och ljus. 1909 grundade han gruppen tillsammans med koloristerna Werner Thomé och Alfred Finch september.

Magnus Enkels tidiga verk präglas tvärtom av en dämpad bredd, färgasketicism. På den tiden var konstnärens palett begränsad till nyanser av grått, svart och ockra. Ett exempel är målningen Uppvaknande"(1894), skriven av Enkel under konstnärens andra besök i. Duken kännetecknas av färgminimalism, en förenklad komposition och en understruken linje i ritningen - allt detta används för att betona bildens betydelse. Den unge mannen, som har nått puberteten, har vaknat och sitter naken på sängen, huvudet böjt med ett allvarligt ansiktsuttryck, nedsänkt i sina tankar. Den vridna kroppsställningen är inte bara en välbekant gest för att gå upp ur sängen; detta motiv, som ofta finns bland symbolistiska konstnärer, är mer komplext. Puberteten och sexuellt uppvaknande/förlust av oskuld var teman som lockade många av Enckels samtida (jfr t.ex. Munchs störande målning Mognad (1894/95)). Det svartvita gamma understryker den melankoliska stämningen i mötet med den förtryckande världen.

Annan finsk symbolistisk målare, även om inte den mest kända, är Väinö Bloomstedt (Blomstedt) (Vaino Blomstedt) (1871-1947). Bloomstedt var konstnär och textildesigner och var influerad av framför allt japansk konst. Han studerade först i Finland och sedan hos Pekka Halonen i. Som vi redan vet träffade dessa finska konstnärer under sitt besök i Paris Gauguin, som nyligen hade återvänt från Tahiti, och började ta lektioner av honom. Den impulsive Bloomstedt blev omedelbart under påverkan av Gauguin och hans färgandas dukar. Sökandet efter det förlorade paradiset i Gauguins verk låg Bloomstedt mycket nära. Bara om Gauguin letade efter detta paradis i exotiska länder, då var Väinö Bloomstedt, liksom många finländska konstnärer på den tiden, inriktad på att söka efter ursprunget till sitt hemland, jungfrulandet Kalevala. Hjältarna i Bloomstedts målningar är ofta imaginära eller mytologiska karaktärer.

Efter att ha träffat Gauguin övergav Bloomstedt det realistiska måleriet i mitten av 1890-talet och vände sig till symbolism och ljus flerfärgad syntetisk palett. Enligt symbolismens ideologi är realistisk konst baserad på visuell observation för begränsad och tillåter inte en att fånga det viktigaste i en person, hans känslomässiga och andliga väsen, hemligheten med livet självt. Bortom den vardagliga verkligheten finns en annan värld, och symbolisternas mål är att uttrycka denna värld genom konst. Istället för att försöka skapa en tredimensionell illusion av verkligheten, tog symbolistiska konstnärer till stilisering, förenkling, dekorativitet och sökte hitta något rent och poetiskt. Därav deras intresse för den tidiga italienska renässansen, användningen av tempera- och fresktekniker. Ett av de tydligaste exemplen symbolik i finska konstnärers verkär en bild Väinö Bloomstedt « Francesca"(1897), fördjupar betraktaren i en värld av sömn och glömska, en statisk och magisk atmosfär med den berusande lukten av vallmo.

Inspirationen till denna målning var Dantes gudomliga komedi, där poeten möter Francesca da Rimini i helvetet och hon berättar historien om sin tragiska kärlek till Paolo. Bilden av en flicka som påminner om Madonnan, "renässans"-landskapet med mörka cypresser och den genomskinliga färgytan på målningen (duken lyser tydligt genom färgerna) antyder gamla fresker i italienska kyrkor. Dessutom, på grund av den speciella utförandetekniken, liknar bilden delvis en shabby gobeläng. Tavlan målades av Bloomstedt under en resa till Italien. Den ser också inflytandet av prerafaeliternas konst.

Women in Art: Finska konstnärer

Ateneum Museumär också anmärkningsvärt för att en betydande del av hans samling utgörs av verk kvinnliga konstnärer, inklusive världsberömda sådana som t.ex finsk konstnär Helena Schjerfbeck. År 2012 stod Ateneummuseet värd för en omfattande utställning med Helena Schjerfbecks verk, tillägnad 150-årsminnet av hennes födelse. Ateneummuseet rymmer den största och mest kompletta samlingen av Helena Schjerfbecks verk i världen (212 målningar, teckningar, skissböcker).

Helena Schjerfbeck (Helena Schjerfbeck) (1862-1946) föddes i Helsingfors, började tidigt studera måleri och uppnådde redan i sin ungdom en märkbar skicklighet. Helenas liv präglades av en svår höftskada efter ett barndomsfall i trappor. På grund av detta fick flickan en hemutbildning - hon gick inte i en vanlig skola, men hon hade mycket tid att rita, och hon accepterades i en konstskola i en ovanligt tidig ålder. (Tyvärr påminde höftskadan om sig själv med en halt för resten av livet). Efter studier i Finland, bland annat vid Adolf von Beckers privata akademi, fick Schjerfbeck ett stipendium och lämnade där hon studerade vid Colarossi-akademin. Åren 1881 och 1883-84. hon arbetade också i konstnärskolonierna i Bretagne (målade " Pojke som matar sin lillasyster(1881), skriven i denna region av Frankrike, anses nu till och med vara början på den finska modernismen). I Bretagne träffade hon en okänd engelsk konstnär och gifte sig med honom, men 1885 bröt fästmannen förlovningen (hans familj trodde att Helenas höftproblem var relaterade till tuberkulos, som hennes far dog av). Helena Schjerfbeck gifte sig aldrig.

På 1890-talet undervisade Schjerfbeck vid Konstföreningens skola, från vilken hon själv en gång tagit examen. 1902, på grund av hälsoproblem, lämnade hon undervisningen och flyttade med sin mor till en avlägsen provins i Hyvinge. Konstnären behövde tystnad levde ett tillbakadraget liv, men fortsatte att delta i utställningar. "Upptäckten" av Schjerfbeck för allmänheten ägde rum 1917: den första separatutställningen av konstnären hölls i konstsalongen Ëst Stenman i Helsingfors, som gjorde stor framgång bland tittare och kritiker och kränkte hennes avskilda tillvaro. Nästa stora utställning hölls i Stockholm 1937 med strålande recensioner, följt av en rad liknande utställningar över hela Sverige. 1935, när hennes mamma dog, flyttade Helena till Tammisaari och tillbringade sina sista år i Sverige, på ett sanatorium i Saltsjöbaden. I Finland var inställningen till Schjerfbecks verk kontroversiell länge (hennes talang uppmärksammades först under andra hälften av 1900-talet), medan i Sverige mottogs hennes konst ganska tidigt med stor entusiasm. Men Schjerfbecks verkligt breda internationella erkännande kom 2007, då storskaliga retrospektiva utställningar av hennes verk hölls i Paris, Hamburg och Haag.

Bland alla målningar av Helena Schjerfbeck är världens mest kända ett flertal självkritiska självporträtt, som gör det möjligt att spåra både utvecklingen av hennes stil och förändringarna hos konstnären själv, som skoningslöst fixade hennes åldrande ansikte. Sammanlagt skrev Schjerfbeck ett 40-tal självporträtt, det första vid 16 års ålder, det sista vid 83 års ålder. Sex av dem finns i Ateneums samling.

Men kanske den mest kända målningen Helena Schjerfbeckär duken konvalescent"(1888), ofta kallad en pärla Ateneum-museet. Denna målning av den 26-årige konstnären, som är mycket uppskattad av allmänheten, belönades med en bronsmedalj på världsutställningen i Paris 1889 (där denna duk ställdes ut under titeln "First Green" ( Premier grönska) - så kallade Schjerfbeck själv bilden från början). Temat sjuka barn var vanligt inom 1800-talets konst, men Schjerfbeck skildrar inte bara ett sjukt barn, utan ett barn som håller på att bli frisk. Hon målade den här bilden i den pittoreska kuststaden St. Ives, i Cornwall, i sydvästra England, dit konstnären gick på råd från sin österrikiska vän 1887-1888 och igen 1889-1890.

Detta verk kallas ofta det sista exemplet på naturalistiskt ljusmåleri i Schjerfbecks verk (senare övergick hon till stiliserad modernism och nästan abstrakt expressionism med en asketisk palett). Här arbetar konstnären skickligt med ljus och drar betraktarens blick mot ansiktet på en tillfrisknande tjej med rufsigt hår och febrilt rödbruna kinder, som håller en mugg med en ömtålig blommande kvist i händerna - en symbol för vår och nytt liv. Ett leende spelar på barnets läppar och uttrycker hopp om återhämtning. Denna spännande bild fångar betraktaren, får honom att känna empati. Bilden kan på sätt och vis kallas ett självporträtt av konstnären, som vid den tiden bara försökte återhämta sig från uppbrottet i hennes förlovning. Det är också möjligt att Schjerfbeck i den här bilden avbildade sig själv som ett barn, berättande om vad hon själv kände, ofta sängliggande och glad över de första vårtecknen.

Observera att för närvarande är Helena Schjerfbecks mest kända verk "på turné" i Sverige. En utställning hålls i Stockholm och pågår till slutet av februari 2013, den andra - i Göteborg (till augusti 2013).

En till finsk konstnär, vars verk finns i Ateneummuseet, är Trouble Shernschanz (Sternshantz)(Beda Stjernschantz) (1867–1910). Förresten, en storskalig utställning med verk av denna konstnär är planerad till 2014 på museet. Beda Shernschanz var en viktig representant för generationen Finska symbolistkonstnärer vid 1800- och 1900-talsskiftet. Hon föddes i en aristokratisk familj i Borgå stad. 1886 dog hennes far och familjen stod inför ekonomiska svårigheter. Till skillnad från andra kvinnliga konstnärer var Shernschantz tvungen att arbeta för att försörja sig. 1891, samtidigt som en annan välkänd finländsk konstnär, Ellen Tesleff, kom hon till Paris, och flickorna skrevs in tillsammans vid Colarossi-akademin. Bedes mentor var Magnus Enckell, under vars inflytande hon tog till sig symbolismens idéer. Representanter för denna trend var övertygade om att konst inte slaviskt borde kopiera naturen, utan bör renas för skönhetens skull, uttrycket för subtila känslor och upplevelser. På grund av brist på pengar bodde Shernschanz i Paris i endast ett år. När hon återvände till Finland kunde hon inte hitta en plats för sig själv och begav sig 1895 till den estniska ön Vormsi, där det fanns en gammal svensk bosättning som behöll sitt språk, seder och kläder. Där målade konstnären bilden Överallt kallas vi av en röst» (1895). Titeln på målningen är ett citat från den då berömda "Finlands sånger" ( Suomen laulu), vartill orden skrevs av poeten Emil Kwanten. Som ni kan se var inte bara Karelen platsen dit finländska konstnärer sökte efter orörd natur och människor.

På denna poetiska duk skildrade konstnären en grupp svenska barn som lyckades bevara sina nationella traditioner och språk i en främmande miljö. På grund av detta såg några kritiker en patriotisk mening i bilden, särskilt eftersom kanteleinstrumentet, spelat av en av flickorna, intar en viktig plats i kompositionen. En annan tjej sjunger, och dessa ljud fyller det asketiska landskapet med väderkvarnar. På grund av de helt statiska, frusna poserna och tomheten i det omgivande landskapet börjar betraktaren liksom också lyssna på musiken som låter i duken. Det verkar som att till och med vinden har lagt sig, varken löven eller väderkvarnarna rör sig, som om vi befinner oss i ett förtrollat ​​rike, en plats som har fallit ur tiden. Om vi ​​utgår från den symbolistiska tolkningen av bilden, så är de fromma och koncentrerade barnansiktena mot bakgrund av detta mystiska landskap ett sätt att förmedla oskuldstillståndet. Dessutom, som i många andra verk av symbolisterna, tilldelas musiken en speciell roll, den mest eteriska och ädlaste av konsterna.

Åren 1897-98. Beda Shernschanz, efter att ha fått ett bidrag från den finska regeringen, reste runt i Italien, men hennes kreativa verksamhet efter denna period blev intet. Även om konstnärsarvet är litet, tilldrar det sig forskarnas intresse och ett antal konferenser och publikationer väntas i framtiden, vilket kommer att göra det möjligt att lära sig mer om betydelsen av hennes arbete i den internationella kontexten av vändningen århundrade.

En annan intressant finsk konstnär från samma period är Elin Danielson-Gambogi (Elin Danielson-Gambogi) (1861-1919). Elin Danielson-Gambogi tillhörde den första generationen finska kvinnliga konstnärer som fått yrkesutbildning. Hon arbetade främst inom genren ett realistiskt porträtt, och både i livet och i sitt arbete skilde hon sig från sina kollegor i sin frigörelse och bohemiska livsstil. Hon kritiserade kvinnors ställning i samhället, bar byxor och rökte, levde ett antikonformistiskt liv och umgicks med många konstnärer, däribland den norske skulptören Gustav Vigeland (de hade en affär 1895). Hennes målningar av kvinnor i vardagliga situationer ansågs vulgära och oanständiga av många kritiker.

« självporträtt» Elin Danielson-Gambogi (1900) målades vid en tidpunkt då konstnären började få ett erkännande i Europa. Konstnären är avbildad i sin ateljé, med pensel och palett i handen, och ljuset strömmar genom gardinen framför fönstret och skapar en gloria runt hennes huvud. Dukens stora format, konstnärens pose och utseende - allt detta uttrycker en självständig och självsäker natur. För denna målning tilldelades Danielson-Gambogi en silvermedalj i Florens 1900.

Elin Danielson-Gamboji föddes i en by nära staden Björneborg. 1871 gick deras familjegård i konkurs och hennes far begick självmord ett år senare. Trots detta lyckades mamman hitta pengar så att Elin vid 15 års ålder flyttade till och började studera måleri. Flickan växte upp i en fri atmosfär, utanför strikta sociala tabun. 1883 reste Danielson-Gambogi dit, där hon fortsatte sin utbildning vid Colarossi-akademin, och på sommaren studerade hon målning i Bretagne. Sedan återvände konstnären till Finland, där hon kommunicerade med andra målare och undervisade på konstskolor, och fick 1895 ett stipendium och åkte till Florens. Ett år senare flyttade hon till byn Antignano och gifte sig med den italienske målaren Raffaello Gamboggi. Paret har deltagit i ett flertal utställningar i hela Europa; deras verk visades på 1900 års världsutställning i Paris och 1899 Venedigbiennalen. Men i början av 1900-talet började familjeproblem och ekonomiska svårigheter, svek och sjukdom mot hennes man. Elin Danielson-Gambogi dog av lunginflammation och begravdes i Livorno.

Slutligen bland Finska kvinnliga konstnärer kan inte kallas Ellen Thesleff (Ellen Thesleff) (1869-1954). Få finländska författare har fått ett så tidigt erkännande. Redan 1891 deltog den unga Thesleff i Finlands konstsällskaps utställning med sitt underbara verk " Eko» ( Kaiku) (1891) till kritikerros. Då hade hon precis tagit examen från Gunnar Berndtsons privata akademi ( GunnarBerndtson) och skulle på sin första resa till, där flickan gick in på Colarossi Academy med sin vän Beda Shernschanz. I Paris stiftade hon bekantskap med symboliken, men valde redan från början sin egen, självständiga väg inom konsten. Under denna period började hon skapa målningar i asketiska färger.

Den viktigaste inspirationskällan för Ellena Tesleff var italiensk konst. Redan 1894 åkte hon till den tidiga renässansens hemland, till Florens. Här såg konstnären många vackra verk av religiös målning, inklusive verk av Botticelli, vars verk hon beundrade tillbaka i Louvren. Thesleff kopierade också klosterfresker. Inflytandet från den andliga italienska måleriet stärkte hennes begär efter poetisk, sublim konst, och under de följande åren fick färgasketicismen i hennes verk maximalt uttryck. De typiska motiven för hennes verk är strikta, mörkfärgade landskap och människofigurer, spöklika och melankoliska.

Ett exempel på verk från denna period är den blygsamma storleken " självporträtt» (1894-95) Ellen Tesleff, tecknad med blyerts. Detta självporträtt, skapat i Florens, var resultatet av två års förberedande arbete. Det själfulla ansiktet som dyker upp ur mörkret berättar mycket om konstnären och hennes ideal vid den tiden. I linje med symbolismens filosofi ställde hon de grundläggande frågorna om att vara och studerade mänskliga känslor. I detta självporträtt kan man se den moderna inkarnationen av Leonardo da Vincis konst med hans frågor och livets mysterier. Samtidigt är bilden väldigt personlig: den speglar Thesleffs sorg över hennes älskade pappas bortgång, som inträffade två år tidigare.

Thesleff växte upp i en musikalisk familj och var från barndomen förtjust i att sjunga och spela musik med sina systrar. Ett av de vanligaste motiven i hennes verk var ekot eller skriket - den mest primitiva musikformen. Hon skildrade också ofta att spela fiol - ett av de mest sublima och komplexa musikinstrumenten. Till exempel en modell för målningen " fiolspel” (”Violinist”) (1896) framfördes av konstnärens syster, Tira Elizaveta, som ofta poserade för henne på 1890-talet.

Kompositionen upprätthålls i varma genomskinliga, pärlemor-opala toner. Violinisten vände sig bort från åskådaren och koncentrerade sig på spelet. Temat musik, vördad som den mest andliga, gudomliga konsten, var ett av de vanligaste inom symboliken, men konstnärer avbildade sällan kvinnliga musiker.

Liksom sin vän Magnus Enkkel föredrog Ellen Thesleff i ett tidigt skede av sitt arbete färgasketicism. Men sedan ändrades hennes stil. Under inflytande av Kandinsky och hans Münchenkrets blev konstnären den första fauvisten i Finland, och 1912 inbjöds hon att delta i Finska föreningens utställning september som stod upp för ljusa rena färger.

Hennes deltagande gick dock inte utöver utställningens ram: Tesleff gick inte med i några grupper, eftersom ensamhet ansågs vara ett normalt tillstånd för en stark personlighet. När Thesleff flyttade bort från det gamla gråbruna sortimentet började Thesleff i en mer mogen ålder skapa färgglada och skiktade färgfantasier. Hon besökte flera gånger Toscana med sin syster och mamma, där hon målade soliga italienska landskap.

Tesleff gifte sig aldrig, men hon tog sin plats som en kreativ person. Konstnären levde ett långt liv och fick ett erkännande.

Utländsk konst i Ateneum

Samlingen av utländsk konst från Ateneum Museum innehåller över 650 målningar, skulpturer och teckningar skapade av sådana kända mästare som Cezanne, Wag Gogh, Chagall, Modigliani, Munch, Repin, Rodin, Zorn.

Från en utländsk samling Ateneum-museet Välj ut Van Goghs "Street in Auvers-sur-Oise"(1890). Vincent van Gogh målade den här målningen kort före sin död, i den lilla staden Auvers-sur-Oise ( Auvers-sur-Oise), beläget i dalen av en biflod till Seine, cirka 30 km nordväst om. Van Gogh, som led av anfall av psykisk sjukdom, åkte till Auvers-sur-Oise på inrådan av sin bror Theo för behandling av Dr. Paul Gachet. I Auvers-sur-Oise fanns en klinik för denna läkare - en man som inte är likgiltig för konst, bekant med många franska konstnärer och som också blev en vän med Van Gogh.

Staden Auvers-sur-Oise blev så småningom dödsplatsen för konstnären, som kändes som en börda för sin bror och hans familj. Van Gogh sköt sig själv och förblödde sedan. Konstnären bodde i Auvers-sur-Oise under de sista 70 dagarna av sitt liv och färdigställde 74 målningar under denna korta period, varav en finns nu på huvudkonstmuseet i Helsingfors. Det är möjligt att målningen lämnades ofärdig (grundfärgen syns på vissa ställen). Himlens ljusstyrka sätter igång jordens lugnare gröna ton och tegeltakens rödaktiga nyans. Det verkar som att hela scenen är i andlig rörelse, genomsyrad av rastlös energi.

En mycket intressant historia är hur målningen "Street in Auvers-sur-Oise" kom in Ateneum Museum. Under en tid efter Van Goghs död tillhörde den konstnärens bror, Theo, och sedan till hans änka, från vilken Julien Leclerc köpte duken ( Julien Leclercq) är en fransk poet och konstkritiker. Det är känt att Leclerc år 1900 förvärvade minst 11 Van Gogh-målningar från Theos änka. Ett år senare organiserade han Van Goghs första retrospektiva utställning, men dog snart oväntat. Leclercs fru var pianisten Fanny Flodin ( FannyFlodin), syster till den finska konstnären och skulptören Hilda Flodin ( Hilda Flodin). 1903 sålde Fanny en Van Gogh-målning till företrädare för samlaren Fridtjof Antell, som upprepade gånger nämndes ovan, för 2 500 mark (cirka 9 500 euro i dagens pengar). Denna duk har blivit första målningen av Wag Gogh Old Church

Albert Gustav Aristide Edelfelt (1854–1905)

Albert Edelfelt föddes 1854 i Finland nära Borgå. Hans far var arkitekt. Från sin far anammade han en kärlek till musik och teckning. Mamman var dock den närmaste personen till den framtida konstnären. Albert Edelfelt var på många sätt skapelsen av sin ambitiösa mor.

Porträtt av konstnärens mor. 1883

Pojken fick sina första målarlektioner på Finska Konstföreningens skola i Helsingfors. Han bestämmer sig för att ägna sig åt måleri och går in på konstakademin i Antwerpen, men ett år senare flyttar han till Paris, där han tar lektioner av L. Jerome.

Realistisk representant. Upplevde impressionismens inflytande. Författaren till historiska dukar, målningar från folklivet, landskap, porträtt, präglade av den konstnärliga formens frihet och uttrycksfullhet, den subtila överföringen av ljus-luftmiljön, den festliga färgens ljusstyrka.

Redan vid tjugotre års ålder blev Edelfelt den mest framstående gestalten i det finländska måleriet och ledde den yngre generationens konstnärers kamp för realism och naturarbete. Albert tänkte ursprungligen bli historiemålare. Patriotiska målningar förväntades av honom. Den mest kända målningen av denna plan var hertig Karls skändning av C. Flemings kvarlevor (1878). Denna berättelse belyser den maktkamp i Finland som utspelade sig i slutet av 1500-talet.

Skande av hertig Karl över kvarlevorna av K. Fleming. 1878

Ett underbart färgspel och ungdomens friskhet lockar till målningen "Drottning Blanca med ett barn" (1877).

Men gradvis lockar det levande livet i hans hemland honom mer och mer. Målarens nästa verk skapades redan i stil med en realistisk skildring av folklivet. Hemma reste Albert med fiskare till öppet hav mer än en gång, och sedan i studion i Heiko satte han upp en sågad fiskebåt för exakt utförande av detaljer. Framgången med målningen "Ett barns begravning" (1879), liksom den verkliga framgången med målningen "Vid havet" (1883), gjorde Edelfelt till en erkänd mästare i sitt hemland.

Begravning av ett barn. 1879

På havet. 1883

A. Edelfelts rykte som nationalkonstnär bekräftades mest av hans målningar från vanliga människors liv i Finland: "Pojkar vid vattnet" (1884), "Flicka med en kratta" (1886), "Kvinnor från Ruoholahti" ( 1887).

Den ryske kritikern V.V. Stasov skrev: "Den bästa av alla deras finnar är naturligtvis Edelfelt, och han har den mest anmärkningsvärda bilden av Laundress (1889), full av frisk, fräsch realism och liv." Den här bilden fanns kvar i Ryssland och sedan 1930 har den legat i Eremitaget.

Tvättkvinnor. 1889

Publikens uppmärksamhet lockas alltid av målningen "In the Luxembourg Gardens" (1887) i sann "Parisisk ande". I dessa år ägnar A. Edelfelt stor uppmärksamhet åt problemen med ljus och färger.

I Luxembourgträdgården. 1887

Efter att ha gjort en resa runt i Europa stannade Edelfelt länge i S:t Petersburg. Han kom till S:t Petersburg första gången 1881. Ryska konstnärer och samhälle hälsade A. Edelfelt med entusiasm. År 1881 presenterade den unge finska målaren sina verk för S:t Petersburgs Akademis hov. Han var en stor framgång: han tilldelades titeln akademiker och organiserade en separatutställning i Tsarskoye Selo. Edelfelt introducerades till kungafamiljen. På begäran av tsar Alexander III gjorde han en kopia av målningen "På havet", och gjorde ett antal beställningsverk. Under samma period skapar konstnären flera genreporträtt, varav det mest populära var porträttet av konstnärens syster Berta med en hund i en dacha i Heiko.

Goda vänner. 1881

Under titeln "Goda vänner" (1881) förvaras kopior av denna målning i Ateneum och i Göteborg. Målningen "In the Nursery" (1885), nära karaktär, köptes av Alexander III för Gatchina-palatset. Athenium visar också ett porträtt av Sophie Manzey skapat under dessa år.

Porträtt av Sophie Manzey.

Tack vare A. Edelfelts popularitet och auktoritet fick Finlands konst ett erkännande i Ryssland. I S:t Petersburg träffade Edelfelt den nya ryska konstens unga gestalter, Sergej Diaghilev och Alexander Benois: "Vi hängde bokstavligen på Edelfelt, i våra ögon var hans huvud omgivet av en gloria av parisisk igenkänning", skrev Benois senare. Närheten till finska och ryska konstnärer präglades av flera gemensamma utställningar. Den största av dem fanns 1898 i museet vid baron Stieglitz skola. Verken av unga konstnärer vid den tiden presenterades där: Serov, Repin, Vrubel - från ryska; och M. Enkel, Gallen-Kallela, Yarnefeld - från finska sidan. Utställningen väckte stort intresse för finsk kultur och Finland självt hos den ryska allmänheten.

Men den huvudsakliga formen av kreativitet för A. Edelfelt i hans mogna år var porträttmåleri. Edelfelt arbetade mycket och framgångsrikt inom porträttgenren. Pom ordningen för Frankrikes regering, skrev hanporträtt av Louis Pasteur (1885). På 1880- och 1890-talen arbetade Edelfelt mycket på order från det ryska kungahovet. Men förutom officiella porträtt skapade han vackra skapelser: "Porträtt av en mamma", "Berättare Larin Paraske", porträtt av de stora finska skådespelerskorna Aine Akte och Ida Aalberg.

Landskap tar relativt lite plats i Edelfelts verk. Men i Eremitaget finns hans verk: "Utsikt över Borgå", akvarell "Utsikt över sjön i Kaukola", etsning "Tall i snön". Eremitaget har också ett antal teckningar och illustrationer av den märkliga finske mästaren.

En skiss av Edelfelts verk skulle vara ofullständig utan att nämna hans sista verk: 1900-1904 var konstnären sysselsatt med att skapa en monumental panel i Helsingfors universitets samlingssal med temat: "Uppvigningen av universitetet i Åbo 1640 ." Kompositionen gjordes i form av en paradprocession i dräkter från 1600-talet.

Stora invigningen av universitetet i Åbo 1640 1902 (Klickbar)

Albert Edelfelt dog plötsligt i en dacha nära Borgå i augusti 1905. Det var ett slag för finsk konst. Men hans målningar är också intressanta och förståeliga för oss, eftersom de stod hans samtida nära.

Vladimir Losev

Ung kvinna i boudoiren. 1879

På Champs Elysees. 1886

Porträtt av konstnärens syster Bertha Edelfelt. 1884

Porträtt av konstnärens mor. 1902

Kvinna under ett paraply. 1886

Tsar Alexander III:s barn

Parisisk modell. 1885

Maria Magdalena. 1891

Ve. 1894

finska fiskare. 1898

Kristus och Maria Magdalena. 1890

Porträtt av Louis Pasteur. 1885

Pojkar som leker på stranden. 1884

Liten båt. 1884

Kvinna i en båt. 1886

Grannar som sitter vid kyrkan efter mässan. 1887

Karelska kvinnor. 1887

Flicka som stickar en strumpa. 1886

Jordgubbe.

Omtänksam kvinna i kyrkan. 1893

Solveig

Gudstjänst i Nylands skärgård.

Hemkommen från dopet.

Porträtt av en ung kvinna. 1891

Läser parisiska. 1880

Porträtt av Madame Valerie Rado. 1888

Kultur och konst är varje stats arv och egendom. "Land of a Thousand Lakes" är inte bara ett skid- och fiskeparadis för resenärer och turister, utan också en plats för olika konsthistoriker och helt enkelt kännare av kreativitet. Konsten är mycket utvecklad i Finland, särskilt måleriet. Många konstgallerier, museer och utställningar kommer att glädja även de mest sofistikerade finsmakare.

Konstnärer från Suomi, som fick en europeisk utbildning på 1800-talet, blev den främsta och drivna faktorn som satte fart på den sköna konstens utveckling i Finland. Innan vi börjar bekanta oss med representanterna för finsk måleri, låt oss bekanta oss med arbetet av "fadern till finsk konst och måleri" Robert Ekman.

Robert Wilhelm Ekman

Född 1808, skildrade konstnären i sina målningar livet för vanliga finska bönder, alla deras livs svårigheter, fokuserade samhällets uppmärksamhet på den finska statens socialpolitik i förhållande till allmogen. När Robert var 16 år åkte han till Stockholm för att studera på Konsthögskolan. Som ung och lysande talang fick Ekman ett svenskt stipendium för sin talang och senare bidrog hans kallelse som konstnär till att han gick för att studera i Italien och Frankrike, och sedan till Holland. I dessa länder tillbringade borstens mästare sju hela år från 1837 till 1844.

När han återvände till Suomi-landet bosatte sig Robert Wilhelm i staden Åbo, där han började måla den lokala katedralen med sina väggfresker och teckningar. Därefter grundade han en ritskola i staden, som han ledde fram till 1873. Han beskrev mycket tydligt den avgrund som fanns mellan adeln och bönderna. Målarens målningar chockade alla med sin unika och inte påhittade realism. "Den finska måleriets och konstens fader" dog 1873.

Akseli Waldemar Gallen Kallela (Gallen-Kallela Akseli)

Akseli Gallen Kallela föddes i den lilla finska staden Björneborg (nutidsnamn Björneborg) i april 1863. En kämpe för Finlands självständighet gjorde konstnären i sitt arbete sitt bästa för att skildra en uppmaning till nationen att kämpa för sitt lands självständighet. Den modernism som var inneboende i målaren gjorde att Axel Gallen Kallela kunde skapa mycket realistiska målningar. Efter det finska inbördeskrigets slut (1918) engagerade sig konstnären i heraldik och flaggdesign. I mitten av 1900-talet bodde och verkade konstnären en tid i USA, där han framgångsrikt höll utställningar av sina verk. Målaren dog 1931 i Stockholm, han dog i lunginflammation.

Oscar Kleineh

Den mest kända finska marinlandskapsmålaren föddes i september 1846 i Finlands huvudstad. Oscars tyska rötter "kom till undsättning", vilket gjorde att han kunde studera i Tyskland, nämligen i Düsseldorf. Senare fortsatte Kleinech sina studier i St. Petersburg och Karlsruhe. Den största populariteten för marinmålaren kom med målningar som föreställer havsstilleben och landskap, en författares verk är till och med utställt i St Petersburg Hermitage. Konstnären dog i sin hemstad Helsingfors 1919.