En konstnär som inte har tavlor utan dubbar. Mästerverk eller daub? Målningar värda tiotals miljoner dollar är falska! Public Relations effektivitet: "Lysande" muffar
Jag tror fortfarande att konceptet med ett mästerverk inte kan vara allmänt för alla. Inte konstigt att det finns ett talesätt "smaken och färgen, det finns inga kamrater." En betydande del av folket kommer att titta på bilden i början av inlägget och säga - dubba, den andra delen av folket kommer att titta på Da Vincis "La Gioconda" och säga - en vanlig tant, vad är det för fel med det. Detta är i allmänhet normalt, men i så fall vad är det för slags mästerverk. Ett mästerverk kan vara något så allmänt erkänt att ingen kommer att våga förringa eller säga att det inte är coolt! Tja, låt oss säga. Eller så kanske något sådant och allmänt erkänt inte alls existerar eller kommer att dyka upp någon gång, men nu nöjer vi oss ofta med lokala mästerverk för en viss grupp människor.
Till exempel har jag, som överväger mästerverk, alltid varit intresserad av hur sådana mästerverk som det första fotot i inlägget föds.
Men det här är...
... höjdpunkten för Wassily Kandinskys "Komposition VII. 1913". Föreställ dig början av 1900-talet - eran av förändringar inom alla områden av livet och konsten. Målning stod inte heller åt sidan. Konstnärer letade efter nya uttrycksformer inom bildkonsten. Abstraktionismen blev en logisk fortsättning på kubismen och futurismen. Kandinsky och blev en av de mest framstående representanterna för denna trend
Wassily Kandinsky på jobbet, 1936
Personligen förefaller det mig att duken bara avbildar fläckar och fläckar. Jag var dock nyfiken på att veta att konstnären, innan han började måla bilden, gjorde en hel del förarbete. Han gjorde över trettio skisser i blyerts, olja och akvarell. Själva duken målades av Kandinsky på fyra dagar från 25 till 28 november 1913.
Wassily Kandinsky vid staffliet, 1936
Experter säger om konstnären att han var en synestetisk som uppfattade världen på sitt eget sätt. Han kunde se ljud, höra färger. "Komposition VII" - dessa är färgfragment av olika intensitet, varvat med spetsvinklade och jämna kombinationer. Genom att studera konstnärens arkiv kom konsthistoriker till slutsatsen att Vasily Vasilyevich avbildade flera teman i sin bild: uppståndelsen från de döda, domedagen, syndafloden och Edens lustgård. Jag vet inte ens hur jag ska känna om det. Antingen kan detta betraktas som något slags faktum, eller så är det allt påhittat och "suget ur luften" för den som fortfarande inte förstår något om det.
Nåväl, något sånt här:
eller så
Författaren beskrev själv skapandet så här: ”Rosa och vitt skum så att de verkar ligga utanför dukens plan eller något annat, idealiskt plan. Snarare svävar de i luften och ser ut som om de är insvepta i ånga. En liknande brist på plan och osäkerhet om avstånd kan observeras, till exempel i det ryska ångbadet. En person som står mitt i ångan är varken nära eller långt, han är någonstans. Placeringen av huvudcentret - "någonstans" - bestämmer det inre ljudet av hela bilden. Jag arbetade hårt med den här delen tills jag nådde det som först bara var min vaga önskan, och sedan blev tydligare och tydligare internt.
Har du länge velat prova på att måla, men inte kunnat bestämma dig för att ta upp en pensel och palett och ställa dig vid staffliet? Tycker alla omkring dig att dina kreativa ansträngningar är patetiska? Så du är en förlorare! Så, ett urval av målningar av den kanadensiska konstnären Kim Dorland (Kim Dorland) kommer att tjäna dig som en god tröst. Eller kanske inspiration också.
Experter kallar Dorlands verk "naiv konst", illvilliga kritiker - slarviga smällar och fans av originaltalang tror att målningarna som Kim skapar är psykologiskt och stilistiskt oväntade. Och det är sant - ingen förväntar sig i stället för de utlovade landskapen och porträtten att se en duk putsad med målarfärg, på vilken författaren dessutom inte lämnade prydliga streck och linjer, utan grova fåror. Som om en traktor körde genom en gödslad och blöt åker ...
Principen med vilken Kim Dorland ritar sina originalmålningar kan beskrivas i en kort fras: "det viktigaste är att inte spara färg." När allt kommer omkring, om man tittar noga, är målningarna bokstavligen repade på ett tjockt lager av olja, med vilket författaren generöst smörjer sina dukar. Det visar sig att bilderna inte är tecknade, utan gjutna – som om de vore skulpturer.
Och konstnären strävar inte efter noggrannhet och realism. Han skapar i en speciell stil, en sorts barnslig abstraktion, som inte bryr sig om att bibehålla proportioner, eller ge volym åt bilder, eller dukars estetik. Det verkar som om författarens huvuduppgift är så avslappnat som möjligt, med vänster hand under sitt högra knä, att kasta färg på duken, att sätta en fläck - det här är att måla!
Även om det mycket väl kan vara, förefaller det bara oss, stadsborna, att det är lätt och enkelt att rita på detta sätt. När allt kommer omkring, på ett eller annat sätt, och Kim Dorland deltar ganska ofta i utställningar, presenteras hans målningar i gallerierna i Toronto, där han bor och arbetar, och säljer ganska framgångsrikt sina verk både i Kanada och långt utomlands.
Public Relations effektivitet: "Lysande" muffar
Om jag tar upp en pensel och målar någon form av landskap eller porträtt på duken, då kan vilken person som helst som tittar på mitt arbete säkert säga: vilken daub! Och det blir rätt, för jag kan inte rita. Men min daub skulle kunna sälja för miljontals dollar om jag hade ett rykte som en stor artist. Teoretiskt är det svårt att föreställa sig att mina omålade, men inte mindre hemska bilder skulle kunna marknadsföras som stora konstverk och säljas för "galna pengar". Men i det verkliga livet hände detta mer än en gång - andra hälften av 1800-talet och hela 1900-talet är en kontinuerlig triumf av daub i konsten.
Från det ögonblick som det moderna måleriet föddes, vars far anses vara italienaren Giotto di Bondone (1267-1337), och under de närmaste århundradena, konstnärens skicklighet att visa verkligheten på vilken yta som helst som lämpar sig för teckning (duk, vägg eller svart tavla) ). Fotografering fanns inte då, men många ville ha ett eget porträtt eller en bild av sina släktingar. Utsikten över de omgivande skogarna och fälten uppskattades också. Vi gillar fortfarande att hänga reproduktioner av olika målningar i våra lägenheter, och till vem det materiella tillståndet tillåter, sedan originalen själva. På medeltiden gillade rika människor att dekorera väggarna i hus och slott med målningar, och några av de rika samlade på sig enorma samlingar. Någon gjorde det av kärlek till att måla, andra - för att förbättra sin status.
Förutom de rika behövde kyrkan också konstverk. Kyrkan behövde inga målningar som skildrade det verkliga livet – de behövde bibliska scener som skulle se ut som verkliga – som fotografier av verkliga händelser (även om de inte hade någon aning om fotografier då). Människor var tvungna att tro på Kristus, Maria, apostlarna och andra religiösa gestalter, och för detta måste de bibliska karaktärerna se ut som levande människor.
Vad var kundernas önskemål - sådana var bilderna. Galna idéer skissade på duken av en oduglig hand var till ingen nytta för någon. Ingen skulle köpa ett porträtt av sig själv som inte skulle se ut som originalet, och ännu mer ett som i princip inte liknade bilden av en person. På den tiden, för att måla ett porträtt, behövdes en konstnär som behärskade en målares hantverk. Att inte vara ett proffs kunde man inte sälja tavlor och försörja sig. De som samlade tavlor behövde redan inte bara avgjutningar av verkligheten - de ville få exklusiva saker som ingen kunde upprepa. Det vill säga, konstnären var tvungen att lägga till något eget till en realistisk bild - en viss unik stil, så att hans bild stack ut bland huvuddelen av högkvalitativa hantverksprodukter. Det kan vara en unik teknik som Leonardo da Vinci, en innovativ användning av ljus och skugga som Van Eyck, fantastiska bilder som Bosch ...
15-17 århundraden i Europa är världsmåleriets storhetstid. Vid den här tiden, i de ekonomiskt utvecklade staterna i Europa (Venedig, Florens, Nederländerna, Flandern, Tyskland), dök ett tillräckligt antal kunder för målningar upp - tack vare detta fick vi en hel galax av enastående konstnärer, vars verk fortfarande pryder de mest kända museerna i världen. Tillsammans med sådana universellt erkända stora renässansmålare som Leonardo da Vinci, Raphael och Michelangelo Buonarroti verkade flera dussin mer lika framstående konstnärer på den tiden: holländaren Robert Campin, Jan Van Eyck, Hieronymus Bosch, Peter Brueghel Sr., Peter Paul Rubens, Antonis Van Dyck, Jan Vermeer, italienarna Giorgione, Titian, Correggio, Caravaggio, tyskarna Albrecht Dürer, Hans Holbein Jr., spanjoren Diego Velazquez... Alla hade de ett originellt sätt att avbilda verkligheten, men vid samtidigt förenades de av det faktum att de alla skrev suveränt exklusivt realistiska bilder. Realistiskt inte enligt handlingen - samma bibliska bilder har aldrig varit så. Realistisk - av likheten som skildras med det verkliga livet. Ingen målade några kuber eller rutor - förmodligen är det så han ser på världen, eftersom "mästerverk" i liknande stil inte skulle hitta sin köpare. Kunderna till målningarna på den tiden var enkla människor - som vår Nikita Chrusjtjov. Det finns en historia som han en gång frågade om en av målningarna på en abstraktionistisk utställning: "Vad är det här för röv?". Jag noterar att när det gäller målningarna av Raphael eller Correggio har ingen någonsin sagt något liknande, inklusive Chrusjtjov - alla som har syn förstår vad som avbildas på dem: Madonnor i form av vackra kvinnor, och inte några fruktansvärda och obegripliga varelser som i Picassos målningar. Varje framstående konstnär var en innovatör på något sätt, men alla innovativa tekniker inom måleriet var meningsfulla bara om konstnären kunde skildra livet i alla dess yttringar på ett adekvat sätt. Nyheten i bilden användes för realismens skull, och inte i sig själv. Vi kan säga att målarna försökte arbeta som byggare - varje hus måste ha en grund, väggar och tak, och alla experiment var tillåtna endast inom denna ram.
Som proffs nådde renässanskonstnärer höjdpunkten av måleri. Och vi kan lugnt säga att det är omöjligt att överträffa Raphael eller Van Eyck - de kan bara upprepas. Eller skapa något eget, som har blivit svårare och svårare med åren. Redan på 1600-talet fanns det färre framstående konstnärer än på 1500-talet och på 1700-talet kan de räknas på fingrarna. Mot bakgrund av renässansens mästare är det extremt svårt att sticka ut - detta är den högsta nivån av skicklighet, som i princip bara ett fåtal kan uppnå.
Och mot en sådan bakgrund, när det finns många hantverkare, och det finns få framstående mästare, äger en verklig revolution rum i konstvärlden - "stora konstnärer" började skapas på konstgjord väg. Detta var svårt att göra på medeltiden.- Utan media är PR-tekniker ineffektiva, eftersom information måste överföras genom rykten som förvränger den. Särskilt när det gäller spridning av information över långa avstånd. Endast media kan snabbt och effektivt skapa och införa i massmedvetandet bilden av alla objekt (produkt, varumärke) som ideal och nödvändig i livet. Det är ingen slump att när pressen under andra hälften av 1800-talet började spela en allt viktigare roll i livet för staterna i Västeuropa, som redan hade gått in i den industriella revolutionens era, då ”stora konstnärer av en ny typ” började dyka upp. Med andra ord – muffins.
Vem omdirigerade specifikt köpare av målning till att renodla? Det finns många av dem. I grund och botten handlar det om personer som ägnat sig åt konstkritik i media, samt de som anordnade utställningar. Till exempel "tvättade" kritikern Roger Fry postimpressionisterna, fransmannen Guillaume Apollinaire marknadsförde Matisses och Picassos produkter till konsumenterna. Men ännu viktigare för målarmarknaden var det faktum att allt fler förmögna samlare dök upp i världen – särskilt under andra hälften av 1900-talet. I förhållanden när verkligt enastående konstverk finns på statliga museer eller ägs av kyrkor som inte säljer sina mästerverk för några pengar, varför samla in samlingar? – Från vad som anses vara på modet. Det som blev på modet förvärvades av köpare.
Och hur skapades modet för den eller den "målaren"? I princip började allt med en skandal. I slutet av 1800-talet innebar blotta uppvisningen av en fruktansvärd daub offentligt under sken av konstverk en offentlig skandal. Det var en verklig utmaning för samhället. Människor som såg "sådana" var indignerade, allt detta förhalades i pressen och bohemiska platser, författarens och hans målningars berömmelse växte - och så här såg modet för den eller den karaktären ut. Först, i smala kretsar, och sedan, om du har tur, fick allmänheten veta om framväxten av en ny "stor målare". "Om de pratar om dig, då finns du" - detta är grundregeln för PR. Om du blir känd kommer åtminstone någon att köpa dina målningar - oavsett deras konstnärliga värde. Så fort mediokra människor i en bohemisk miljö insåg det där kladd - det här är också en het handelsvara, så sådana målningar svepte bokstavligen över marknaden. Många stora muffar i framtiden började med realistiska målningar, men gick över till att kladda i tid. Och vissa behövde inte ändra något - de visste från början inte hur man ritar.
Under olika perioder fanns det ett mode för en konstnärlig riktning, sedan för en annan - impressionism, postimpressionism, abstraktionism, kubism, expressionism .... Och mode är handelns huvudmotor. Så snart "konstnären" blev ett varumärke - sedan dess såldes allt som producerades under detta varumärke "som smör." Det spelade ingen roll vad exakt den eller den "konstnären" målade - modeindustrin fungerar enligt andra lagar än hantverksindustrin. Modet för den här eller den muffen uppstod naturligtvis inte omedelbart, och först gick "lagurerna" i form av enorma pengar inte till konstnärerna själva, utan till köparna av målningar. De galna pengarna som började betalas för fashionabla daubs på auktioner dök upp först mot slutet av andra hälften av 1900-talet. Ett stort antal människor med lätta pengar som erhållits på världens finansmarknader, såväl som under plundringen av statlig egendom i Ryssland, visste helt enkelt inte var de skulle placera dem - som ett resultat blev eventuell avföring utsmetad på duk en extremt het handelsvara .
Med vem började klättringens triumf inom konsten?Vägen för impressionisterna och kubisterna banades av engelsmannen Joseph Turner, som "skapade" under första hälften av 1800-talet. Hans enda förtjänst som konstnär var att han inte var särskilt bra på att måla landskap. Han hade också nästan bra målningar, men han blev känd för uppriktiga daubs, som duken "Segling till Venedig". Om Venedig var samma som på hans bild, skulle knappast någon ha seglat till det alls ... Turner chockade en gång helt enkelt allmänheten, tack vare vilken han blev känd. Det finns en karikatyr av honom - Turner står framför en tavla med en pensel (som användes för att måla staket på den tiden) och målar något ...
Fransmannen Edgar Degas plockade upp stafettpinnen nästa - han visste hur man ritade, och ibland gjorde han underbara bilder, men av någon anledning drogs Edgar till att måla de fulaste nakna kvinnorna som gjorde sig redo att tvätta, tvätta eller precis avslutade vattenprocedurer. .. – För sådana teckningar blir de uteslutna från 1 konstskolekurs på grund av inkompetens, men Degas blev populärt till stor del tack vare dem.
I slutet av 1800-talet och början av 1900-talet började antalet muffins att öka dramatiskt.
Vid den här tiden skapar de "stora impressionisterna" Claude Monet (som inte ska förväxlas med den berömda konstnären Edouard Manet) och Auguste Renoir. Renoir visste hur man ritade, men han, precis som Degas, fördes ofta till rent utskällning. Monet försökte till en början också bli en riktig konstnär, men insåg att han inte skulle lyckas – som ett resultat kan han kallas en av de mest slående efterföljarna till Joseph Turners verk – Monets landskap är nästan lika hemska som hans föregångares.
Hans främsta "mästerverk" är "Rouen-katedralen, västfasad i solljus" - en typisk barnkladd. Monet nitade många verk i denna "stil", och alla är fortfarande populära: "Näckrosor" (utan namn känner man inte direkt igen att det är liljor på vattnet ...) gick på auktion för 36,7 miljoner dollar (2007. ), Waterloo Bridge (bilden nedan) såldes för 35,9 miljoner dollar (2007),
"Dam med näckrosor..." (jämfört med "Waterloo Bridge" kan det till och med kallas en målning) - för 33 miljoner dollar (1998). Tidningen Times 2009 genomförde en undersökning bland läsare, vars resultat bestämde de mest populära artisterna på 1900-talet - Claude Monet tog 4:e plats!
Vid sekelskiftet kom även postimpressionisterna igång: Vincent van Gogh, Henri Toulouse-Lautrec, Edvard Munch, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Gustav Klimt. Vem av dem var vår tids "större" eller med andra ord den mer fashionabla konstnären? Cezanne har åtminstone en tavla som kan beskrivas som "intressant" - han målade den vid 27 års ålder. Sedan gick allt mycket sämre - utan upplysning, kladd efter kladd. Han är dock definitivt inte den "största". Priserna för några av hans målningar uppgår till tiotals miljoner dollar (den dyraste av dem - "Still Life with a Jug and Draperie" köptes för 60,5 miljoner dollar (!), men hans verks popularitet bland samlare är uppenbarligen underlägsen populariteten för Gauguins verk, och ännu mer Van Gogh Men läsarna av The Times placerade Cezanne på andra plats bland 1900-talets konstnärer!
Den psykiskt sjuke Van Gogh målade upp som en obegåvad 5-7-årig pojke som aldrig växte upp. En gång behandlades han på en psykiatrisk klinik, men det hjälpte inte, och vid 40 års ålder begick han självmord. Hans biografi är mer som en biografi om en "stor konstnär". Detta bevisas av priserna på hans målningar - 40,3 miljoner dollar för ett fruktansvärt porträtt av Madame Ginoux, 40,5 miljoner dollar för "Solrosor", 47,5 miljoner dollar för "Bondekvinna i en stråhatt", 53, 9 miljoner dollar för Irises, 57 dollar miljoner för Cypress Wheat Field, 71 miljoner dollar för ett självporträtt och 82,5 miljoner dollar för Dr. Gachet. Den här Gachet tog förresten hand om Van Gogh strax före sitt självmord - förmodligen bestämde sig "konstnären" för att hämnas på doktorn för hans arbete med hans signaturporträtt.
Van Goghs älskare Gauguin målade som pojke lite äldre än Van Goghs pojke. Detta är ett klart minus för honom som "stor artist". Dessutom var Gauguin inte lika galen som Van Gogh, även om det finns ett underbart avsnitt i hans biografi när han kom för att besöka Van Gogh och så småningom skar av sig örat - detta är verkligen ett tungt vägande anspråk på "storhet"! Efterfrågan på Gauguins målningar är dock inte lika stor som på Van Gogh – endast ett fåtal av hans målningar har sålts för över 30 miljoner dollar.
Den nästan dvärgen Toulouse-Lautrec var galen i de fula franska hororna, som han förkroppsligade i sina inte mindre fula målningar. Om du tittar på bilden nedan under det villkorliga namnet "horor på inspektion", kommer du att ha en uppfattning om Toulouse-Lautrecs kreativa sätt.
Han var snarare en mästare på sketchen, men han brydde sig aldrig om att skriva en fullfjädrad bild. Jämfört med Gauguin och Van Gogh är Toulouse-Lautrec helt impopulär, och norrmannen Munch är helt klart inte upp till dem, även om hans biografi är mycket personlig: han led hela tiden av fruktansvärd depression och behandlades flera gånger för psykiska störningar. Flera av hans målningar förekommer i listan över "100 dyraste målningar i historien", men det är allt.
Men österrikaren Gustav Klimt är verkligen den störste postimpressionisten. Han är lika populär som Van Gogh, och hans dyraste målning köptes för 135 miljoner dollar! Och det som är mest överraskande för 1900-talets store konstnär - bilden visar en kvinna med ett mänskligt ansikte! Allt det återstående utrymmet upptas av en typisk daub, men ansiktet visade sig vara realistiskt. Och andra målningar av Klimt, där människor avbildas, liknar den här bilden - samma ansikten bland den "postimpressionistiska" dubben.
Folket respekterar också Klimt - 3:e plats bland 1900-talets bästa artister - bara Picasso och Cezanne ligger före.
Låt oss gå vidare till 1900-talet. Som Wendy Beckett skrev i sin History of Painting, "två regerar i 1900-talets konst - Henri Matisse och Pablo Picasso." Det är svårt att säga varför just dessa två, eftersom det fanns hundratals sådana muffar, men modets sätt är outgrundliga. Pablo, förresten, och enligt en undersökning av läsare av The Times, tog 1:a plats.
Spanjoren Pablo Picasso visste hur man ritade, men ville inte. Han var långt ifrån Da Vincis nivå (vem tror inte - se hans tidiga målning "Boy with a Pipe" - inte dålig, men inte enastående), men bra målningar var helt enkelt irrelevanta redan på 1900-talet. Daubing blev mer och mer på modet, och Pablo bestämde sig för att segla på vågornas befallning. Och han gjorde det jättebra!
1907 målade han tavlan "The Girls of Avignon" - det blev det första verket i den kubistiska genren. Först skämdes konstnären för att visa denna daub för främlingar, vilket i allmänhet är förståeligt: fem helt fruktansvärda varelser tittar på dig från bilden och att visa sådana nonsens för andra är som att säga offentligt: Jag är galen! Jag är en fullständig psykopat! Men Pablo vågade avslöja sitt "mästerverk" och gissade inte. Ingen gömde honom på ett sjukhus och Picasso fortsatte att förstöra dukarna. Han omsatte den dialektiska materialismens postulat: kvantitet utvecklas till kvalitet. I det här fallet rykte. Picasso målade i cirka 70 år och det är inte förvånande att han blev vår tids populäraste muff.
Hans porträtt av Dora Maar (köpt för 95,2 miljoner dollar på auktion 2006, bilden ovan), Woman Seated in a Garden (49,5 miljoner dollar 1999), Dream (48,4 miljoner dollar 1997), "Nude in a black chair" (45,1 miljoner dollar) dollar 1999) - gick in i "gyllene fonden" för 1900-talets daub.
Det fanns många härliga målare på 1900-talet - mycket mer än stora konstnärer under renässansen, vilket inte är förvånande: att bryta - inte bygga, förstöra dukar - inte måla. Våra Vasya Kandinsky och Kazimir Malevich noterades också inom detta område - även om de är enastående, är de inte stora muffar med världsstandarder. Naturligtvis har ryssarna sin egen speciella andlighet, men i smeten visade det sig inte för mycket. I mitten av 1900-talet började amerikanen Pollack och holländaren de Kooning, "abstrakta expressionister", sätta tonen för det.
Allt i vår värld är relativt, och mot bakgrund av Pollack och hans bröder ser till och med Monet eller Gauguin ut som bra artister. Konstkritiker har kallat denna högsta grad av smutskastning för "abstrakt expressionism", och jag skulle säga att detta är fullständigt vansinnesdådande! Dess mest framstående representanter var inte bara de tidigare nämnda Willem de Kooning och Jackson Pollack, utan även Mark Rothko, en amerikan av ryskt ursprung. Dessa tre är bara höjdpunkten på 1900-talets smäll!
En abstrakt expressionist är en person som i princip inte ritar. Van Gogh målade åtminstone på nivån av ett 5-årigt barn, men Pollak kunde inte ens nå denna nivå. För att citera The History of Painting av Wendy Beckett: "Pollack var den första som övergav penseln, paletten och alla konventioner i handlingen. Han dansade i extas på dukarna utspridda på golvet, helt nedsänkt i kreativitet, stänkte och hällde färger under full kontroll. ”Mållandet”, sa han, ”har ett eget liv. Jag försöker låta henne." Det finns inte ens något att kommentera här - mannen var mycket, mycket sjuk. Fotot av hans målning bekräftar detta.
Mark Rothko är en ännu sämre artist än Pollack. Du kommer att säga att det inte kan vara så - trots allt sa jag bara att Pollak inte kunde rita. Kanske! Pollacks målningar liknade åtminstone kaotiska tapeter, Rothkos är bara dukar målade med olika färger – till exempel är toppen svart och botten grå. Eller ännu mer "enastående arbete" - längst ner är crimson, upptill - någon sorts mörkgul, och i mitten - vit.
Tavlan heter "White Center" och köptes på Sotheby's 2007. för 72,8 miljoner dollar. - nästan 73 miljoner för en skadad duk! Och detta är förresten den 12:e platsen i listan över de dyraste målningarna i världen! Men den dyraste målningen i världen idag (2010) tillhör Jackson Pollack och heter "No. 5" - såldes 2006 på Sotheby's för 140 miljoner dollar! Västvärlden är inte bara fylld av galna artister – det finns ett enormt antal galna miljonärer. Allmogen är förresten inte heller särskilt frisk i väst - i en undersökning av tidningen Times tog Pollack 7:e plats bland 1900-talets mest populära artister.
Hans, som man säger, "eviga rival" Willem de Kooning i denna omröstning blev 9:a. Jag skulle kalla honom den roligaste av alla muffar. Koonings dyraste målning, Woman No. 3 (köpt 2006 för 137,5 miljoner dollar!) kommer att få alla friska människor att skratta högt. Ännu roligare är Kvinna med cykel.
Jag tror att Willem hade problem med kvinnor, så han hämnades subtilt på dem.
På exemplet med Pollack, Kooning och Rothko ser vi tydligt vad konstmarknaden har kommit fram till idag. Om Chrusjtjov hade levt skulle han ha sagt: till fulla rumpan!
Så tack vare den magiska kraften hos Pu blic relationer några mentalt störda individer erkändes som enastående konstverk och ställdes i nivå med de stora renässanskonstnärernas dukar. För första gången manifesterades PR-kraften så tydligt just i marknadsföringen av muffar. Fram till 1800-talet PR verkade effektivt endast inom politiken (historia och religion tjänade också politiska mål och kan inte betraktas isolerat från politiken). När det gäller tillkännagivandet av mediokra muffar som briljanta artister stöter vi på ett fenomen när PR utmärkt sig inom modeområdet. Och det var så effektivt och varaktigt att vi redan nu, mer än ett sekel efter att klättringen av mediokra psykopater kom på modet, möter många människor som uppriktigt tror att Van Gogh är en stor artist. Ännu fler miljoner vet vem Van Gogh är. Flera hundra rika sysslolösa som inte vet vad de ska göra med sina pengar köper fashionabla daubs på auktioner. Alla andra hör om ett köp av daub för flera miljoner dollar och sedan ett till. Tja, de kan väl inte betala 30 miljoner dollar för uppriktig avföring? – så resonerar lekmannen. – De kan, precis som de kan ... Huvudsaken är att det är på modet.
