Denna abstrakta konst är värd miljontals dollar. Beundra denna skönhet! Världens dyraste tavlor eller daub? Målningar daub stil
Skandal i USA:s konstnärliga kretsar! Dussintals målningar som ansågs vara nyfunna mästerverk av abstrakt målning visade sig vara förfalskningar. Vad är det - ett ödesdigert misstag av experter eller en otrolig talang av bedragare?
Eller bara en objektiv bekräftelse på att originalen till dessa "mästerverk" i verkligheten bara är en publicerad daub, som helt enkelt är lätt att kopiera?
Stängningen av Centrum för visuell kultur vid Mohylaakademin ledde inte bara till en skarp kontrovers i samhället. Men det fick mig också att fundera på vad allt som erbjuds under sken av konstverk egentligen är.
Skandal i USA:s konstnärliga kretsar! Dussintals målningar som ansågs vara nyfunna mästerverk av abstrakt målning visade sig vara förfalskningar. Vad är det - ett ödesdigert misstag av experter eller en otrolig talang av bedragare? Eller bara en objektiv bekräftelse på att originalen till dessa "mästerverk" i verkligheten bara är en publicerad daub, som helt enkelt är lätt att kopiera?
För nästan 17 år sedan gick en föga känd konsthandlare från Long Island (New York) Glafira Rosales in i de lyxiga lokalerna på Knoedler & Companys galleri, med en målning som, enligt henne, målades av konstnären Mark Rothko (en ledande representant). of the art direction). .n abstrakt expressionism - ca).
Hon visade en liten tavla med två mörka moln på en blek persikobakgrund för Ann Friedman, den nya presidenten för Knoedler, New Yorks äldsta konstgalleri.
"Omedelbart, vid första anblicken, intresserade detta arbete mig," mindes fru Friedman senare. Hon var så passionerad att det slutade med att hon fick jobbet åt sig själv.
Under de följande tio åren besökte fru Rosales Knoedler Gallerys herrgård med dess överdådigt dekorerade tak, och bar verk av kända modernistiska konstnärer som Jackson Pollock, Willem de Kooning och Robert Motherwell.
Alla dök först upp på marknaden. Allt, sa hon, tillhörde en samlare som Rosales vägrade att namnge.
Målningarna mottogs entusiastiskt av både Knoedler Gallery och Ann Friedman: minst tjugo verk såldes vidare, varav ett såldes för 17 miljoner dollar.
.
Idag kallar ett antal experter dessa verk för förfalskning. En stämplades officiellt som "falsk" genom ett domstolsbeslut, medan andra utreds av FBI. Knoedler Gallery, efter 165 år i branschen, har stängt sina dörrar och stämmer en kund som köpt en av Rosales målningar (galleriet säger att stängningen var ett affärsbeslut relaterat till rättegången). Ms Friedman, som fortfarande hävdar att målningarna är verkliga, förekommer också i denna rättegång.
Det har varit få händelser de senaste åren som har skakat konstmarknaden som denna mystiska berättelse om hur en obskyr konsthandlare kunde upptäcka en svindlande mängd obskyra målarskatter skapade av den abstrakta expressionismens titaner. Var och en av de möjliga förklaringarna bär bördan av osannolikhet.
Om tavlorna är verkliga, varför innehåller då färgen på vissa av dem pigment som ännu inte hade uppfunnits när de skapades?
Om de är falska, vilka är då dessa övernaturligt begåvade förfalskare som kunde vilseleda experterna?
Och om tavlorna är riktiga men stulna, varför trädde inte deras ägare fram efter att historien blivit offentlig?
Tyvärr vägrar den enda personen som kunde lösa detta mysterium, Rosales, att tala, åtminstone offentligt. Däremot "läcktes" några detaljer från domstolshandlingar och intervjuer med andra deltagare i det här fallet. Och de räcker för att beskriva vad som hände.
Dame Rosales, 55, en karismatisk och utbildad kvinna av mexikanskt ursprung, och hennes man, Jose Carlos Bergantinos Diaz, ursprungligen från Spanien, drev en gång ett litet galleri, King Fine Arts, beläget på Manhattan på West 19th Street. Paret, som hade konton på toppauktionerna Sotheby's och Christie's, sa i rättegångsvittnesmål att de ägde eller sålde målningar av kända konstnärer, inklusive Andy Warhol, som Bergantinos beskrev som en vän.
Baserat på dessa uppgifter verkar det konstigt att Rosales kontaktade mellanhänder som Knoedler Gallery, vars uppdrag "biter av en bit" i hennes egna uppdrag. En del av svaret på detta kan ligga i avståndet mellan Rosales och Friedmans status i konstvärlden.
Lång, mycket smal och mycket självsäker, Mrs. Friedman drev ett av de mest respekterade gallerierna i USA. Hon träffade vid frukosten exklusiva samlare, köpare som utan att slå ett ögonlock la ut flera miljoner för en tavla. Hon och hennes man, fastighetsaffärsmannen Robert Friedman, var själva samlare.
De två kvinnorna presenterades av gallerianställde Jaime Andrade, som korsades med Rosales på ett cocktailparty. Enligt Ann Friedman berättade Rosales först bara för henne att hon företrädde sin väns intressen, som äger fastigheter i Mexico City och Zürich, och vars namn hon åtog sig att hålla hemligt. Detta förvånade ingen, förklarade Friedman, privata samlare föredrar ofta att vara anonyma. Men med tiden dök det upp fler detaljer om ägaren. Rosales berättade för henne att hon hade ärvt målningen från sin far, som samlade in målningarna med hjälp av David Herbert, en New York-handlare som dog 1995.
Herbert påstås ha planerat att skapa ett nytt galleri baserat på dessa verk, som skulle finansieras av ägaren till samlingen. Men de två grundarna flydde, och till slut hamnade målningarna i samlarens källare, där de förvarades till hans död.
Rosales har ett porträtt av Herbert av Ellsworth Kelly, som nyligen var en del av en utställning på Brooklyn Museum. Vad hon inte har är några register över äganderätt till de mer än två dussin modernistiska målningar hon har lagt ut på marknaden.
Att sälja verk av en välkänd konstnär utan bevis på härkomst är en sällsynt situation. När hon hanterade odokumenterade målningar som i teorin, som en advokat sa, kunde ha målats "i Ms Rosales garage", fokuserade Ann Friedman, sa hon, på det som verkligen var viktigt – kvalitet.
Och de var extraordinära, sa Friedman. Hon bjöd in flera experter för att kontrollera sina egna intryck av målningar av Rothko, Pollock, Barnett Newman, Clifford Stills och andra - dukar från återförsäljaren Rosales. Claude Cernuchi, som är författare till boken om Pollock, har autentiserat den lilla målningen "Untitled, 1950" signerad "J. Pollock. National Gallery of Art, som har en kraftfull samling av Rothkos verk på papper, sa att två av Rothkos målningar var verkliga.
Före 2000 hade fru Friedman själv köpt tre av Rosales förslag: Rothko från deras första möte, Untitled 1959 för 200 000 dollar, Pollock för 300 000 dollar och Motherwell för 20 000 dollar. "Om Ann Friedman hade några tvivel om dessa verk, skulle hon och hennes man inte ha investerat hundratusentals dollar i dem", sa hennes advokat vid detta tillfälle.
Moln började samlas 2003, när en ledande befattningshavare på investmentbanken Goldman Sachs ville autentisera en (förmodligen) Pollock-målning, Untitled 1949, som han köpte från Knoedler Gallery. Han gav Cortin till International Foundation for Artistic Research, en oberoende ideell organisation. Och efter analysen vägrade den anonyma kommissionen att bekräfta målningens äkthet och ifrågasatte dess stil och ursprung.
Köparen krävde återbetalning. Fru Friedman gav honom omedelbart två miljoner dollar och köpte den vita, svarta och rödfärgade duken själv i samarbete med galleriet och den kanadensiska teaterimpresariot David Mirvish. Mr. Mirvish, själv en före detta konsthandlare, sa att han inte brydde sig om anonyma betyg (han och Knoedler investerade också i två andra verk av Pollock från Rosales).
Men uppskattningar erhölls också från andra källor. Mirvis tog 2006 till galleriet konstnären Frank Stella, som var en samtida med de abstrakta expressionisterna. Efter att ha undersökt flera dukar som kom från Rosales sa Stella: "Var och en av dem är för bra för att vara verkliga, men när du ser dem i ett allmänt sammanhang, som en grupp, förstår du att de är verkliga" - åtminstone så är det så. handlar om det.Samtalet vittnades i rätten av Ann Friedman.
Mest imponerande är att Rosales-målningarna har bekräftats på marknaden. Friedman intygade att hon sålde 15 eller 16 verk totalt genom Knoedler Gallery, totalt mellan 27 miljoner och 37 miljoner USD.
Den dyraste målningen var "Untitled 1950", enligt uppgift av Pollock, som köptes genom en mellanhand 2007 av en London hedgefonddirektör vid namn Pierre Lagrange. Galleriet, tillsammans med Mr. Mirvish, hade köpt en tavla med ett virrvarr av svarta, röda och vita linjer på en ljus silverbakgrund för 2 miljoner dollar några år tidigare. Lagrange betalade 17 miljoner.
Det här är den riktiga Pollock. Och så snart experterna inte omedelbart märkte hur mycket dessa linjer utsmetade på duken är överlägsna linjerna som smetats ut på den förfalskade duken?
Några dagar efter affären med Lagrange bjöd fru Friedman in flera anställda vid den ideella Daedalus Foundation, som Robert Motherwell skapade för att skydda modernitetens konstnärliga arv, till Knoedler Gallery. Hon ville att de skulle se hennes sista Motherwell.
Det var den sjunde målningen som konsthandlaren Rosales hade sålt till antingen Friedman eller en annan New York-handlare, Julian Weisman, inom åtta år. Målningen, med stora svarta drag och fläckar utspridda över duken, verkar ha tillhört Motherwells framstående serie som kallas de spanska elegierna. Stiftelsens personal har redan sett flera av dessa nya "elegier" och erkänt dem som äkta.
Men några veckor efter besöket på Knoedler Gallery, under ett möte i stiftelsens kommitté, började några av dess medlemmar ifrågasätta signaturernas äkthet och stilen på de nyupptäckta "elegierna". Foundations ordförande Jack Flam sa att han snart fick veta att andra verk "från Rosales" som tillskrivs Pollock och Richard Diebenkorn mottogs med skepsis.
Alla i stiftelsen bestämde sig inte för att de behövde slå larm. Joan Banach, Motherwells personliga assistent och en veterananställd i stiftelsen, sa att Flam gjorde okvalificerade påståenden om målningarnas äkthet och därmed brutit mot stiftelsens målningsutvärderingsrutiner. Hon stämde därefter stiftelsen och påstod att hon fick sparken på grund av kritik mot Flem (stiftelsen förnekar detta).
"Mer troligt än inte," är hur Mrs. Banach bedömde äktheten av Motherwell-målningarna, som Knoedler Gallery förvärvade genom Rosales, i domstolshandlingarna.
Men stiftelsens ordförande, Jack Flam, var fast besluten att bevisa att dessa målningar var förfalskade. Han anlitade en privatdetektiv för att undersöka Rosales och hennes mans aktiviteter och insisterade på en rad rättsmedicinska undersökningar.
En sval januarikväll 2009 träffades Flem och Friedman för att diskutera resultaten. De satte sig i fel sal där två "elegier" hängde, varav den ena tillhörde fru Friedman. Rättsmedicinaren drog slutsatsen att båda innehöll pigment som uppfanns tio år efter 1953 och 1955 - de datum som anges på dukarna.
Ann Friedman höll inte med om dessa resultat. Konstnärer fick ofta nya pigment att experimentera med, redan innan de patenterades och släpptes ut på marknaden. Men Daedalus Foundation stod på sitt: konsthandlaren Rosales bekräftades senare i domstolsdokument att vara "nyckelpersonen som förde till marknaden en serie av sju falska "spanska elegier".
Tvisten om Motherwells målningar nådde snart FBI, som inledde en utredning. Rosales advokat erkände att hans klient var under utredning och tillade att hon "aldrig medvetet sålde tavlor i vetskap om att de var falska."
Ann Friedman fick en arresteringsorder från FBI i september 2009, även om hennes advokat säger att FBI inte anser att hon är föremål för en utredning. Hon gick i pension från galleriet månaden därpå. Både Friedman och galleriet hävdar att utredningen inte hade något att göra med hennes uppsägning, vilket berodde på Friedmans ovilja att slå samman Knoedler Gallery med ett annat galleri.
Det var dock mycket svårare att komma bort från problemen med Rosales målningar. Förra året blev en av "elegierna" grunden för en stämningsansökan av ett irländskt galleri som köpte denna tavla och efter en skandal krävde att den skulle återbetalas 650 000 dollar.
Daedalus Foundation var indragen i denna rättegång eftersom det efter rättsmedicinska kontroller var han som förklarade att alla "elegier" som mottagits genom Rosales var falska. Inklusive de som han tidigare informellt hade erkänt som äkta – och bland dem var tavlan som såldes till irländarna.
Rättegången avslutades i oktober. Rosales gick med på att betala större delen av målningens kostnader och advokatkostnader, och själva målningen, på begäran av Daedalus Foundation, stämplades på baksidan med en "Fake" bläckstämpel som inte gick att ta bort. Daedalus förklarade en gång att målningen var verklig, och en annan gång att den var falsk. Trots detta hävdar den andra sidan, via sina advokater, fortfarande att tavlan är äkta.
Några veckor senare blev en annan bild orsaken till tvisten. Pierre Lagrange höll på att skilja sig från sin fru och de ville sälja Untitled 1950. Men auktionerna Sotheby's och Christie's vägrade att ta itu med denna målning på grund av tvivel om dess ursprung och dess frånvaro i den fullständiga katalogen över Pollocks verk. Lagrange krävde att Knoedler Gallery skulle ta tillbaka målningen och beordrade sin egen rättsmedicinska undersökning av duken.
Den 29 november kom resultatet av analysen: de två gula pigmenten som användes i målningen uppfanns inte förrän efter Pollocks död 1956. Slutsatsen skickades till Knoedler Gallery. Dagen efter meddelade hon att hon skulle stänga.
I december träffades Rosales och Friedman igen – men den här gången ägde mötet rum i den federala distriktsdomstolen på Manhattan, där de kallades efter lagrange. Han ville ha tillbaka sina 17 miljoner.
Denna målning av Motherwell är nu permanent stämplad "förfalskning" på baksidan. Samtidigt bekräftade samma konstfond som insisterade på utseendet på detta märke, innan dess, målningens äkthet. Foto: Robert Caplin för The New York Times
De två kvinnorna sa kort hej, varefter Rosales vände sig till det femte tillägget till den amerikanska konstitutionen, som ger en medborgare rätt att inte inkriminera sig själv. Sedan dess har de inte kommunicerat, enligt deras advokater.
Det är omöjligt att nu säga om en domstol eller en brottsutredning kommer att kunna ge ett övertygande svar om mysteriet med dessa verk.
Äktheten är svår att verifiera. Pigmentdatering anses generellt vara en pålitlig metod, men detta är inte nödvändigtvis det avgörande argumentet. Till exempel har Golden Artist Colors VD Mark Golden, vars far Sam skapade experimentella färger för konstnärer som Pollock, uttalat sin tro att hans far aldrig gjort de gula färgerna i den tvivelaktiga målningen. Han noterade dock att individuella beståndsdelar av dessa pigment fanns i slutet av 1940-talet.
I brottmål är ribban ännu högre. Åklagaren måste bevisa att Rosales verk är falska – och det är då även experter inte är överens om detta. Och om de är falska måste myndigheterna bevisa att Rosales var inblandad i bedrägerier och inte vilseleds på samma sätt.
Samtidigt tar målningen i epicentret av den civila rättegången, "Untitled 1950," inte längre en stolthet på väggen i herr Lagranges vardagsrum. 15" x 28" brädan har blivit föräldralös i konstvärlden och befinner sig i ett slags konsthelvete. Och han väntar på att hon antingen ska lyftas till skyarna som ett mästerverk, eller så kommer de att förtalas som en falsk.
Patricia Cohen, New York Times
Översättning från original till ukrainska:TEXTER , original"Lämplig för att stämma" Av PATRICIA COHEN Publicerad: 22 februari 2012
Nuförtiden finns det många konstiga människor som ger tiotals miljoner dollar för vad en vanlig människa som mig verkar vara rent klottrig). Jag föreslår i alla fall att bekanta mig med de tio dyraste målningarna i världen för tillfället!
Någon kommer att gilla dem, någon kommer inte att förstå sådan konst, men det faktum att det fanns människor som var redo att ge mycket pengar för dem är ett obestridligt faktum.
Alltså nummer 10 på listan dyraste tavlor vi har Gustav Klimts andra porträtt av Adele Bloch-Bauer, sålt för 89,1 miljoner dollar. Lite historia. År 1912 målade den österrikiske konstnären Gustav Klimt ett porträtt av Adele Bloch-Bauer II - fru till Ferdinand Bloch-Bauer, en förmögen industriman på den tiden som sponsrade olika typer av konst, inklusive Gustav Klimt själv) Adele Bloch-Bauer var enda modellen som Klimt målat två gånger - hon förekommer också i The First Portrait of Adele Bloch-Bauer. Tydligen sponsrade Ferdinand artisten väl ;)
9:e plats - ett självporträtt av Vincent van Gogh, för vilket 90,1 miljoner dollar betalades på auktionen. I allmänhet gillade dansken Van Gogh att måla självporträtt - och alla av dem, tillsammans med de berömda "Solrosorna", är populära och är hans mest kända målningar. Totalt målade han mer än 12 självporträtt från 1886 till 1889.
På 8:e plats - målningen "Dora Maar med en kattunge" av Pablo Picasso, vars pris var 97 miljoner dollar. Målningen, målad 1941, föreställer Picassos kroatiska älskarinna, Dora Maar, sittande på en stol, med en kattunge på axeln (även om det mer ser ut som om kattungen fortfarande går på stolsryggen). När jag såg den här bilden insåg jag plötsligt att Picassos kattungar blev bäst))
Den 7:e platsen är återigen upptagen av en målning av Van Gogh, men den här gången inte ett självporträtt) Köparen fick betala 97,5 miljoner dollar för målningen "Irises", men den ser åtminstone mer eller mindre ut som en målning - jag skulle inte ångra ens 10 spänn för detta! Detta är ett av de första verken av Van Gogh, skrivet av honom under hans vistelse på sjukhuset i St. Paul de Mousol i den franska provinsen Sanremo ett år före sin död 1890
På 6:e raden - Picasso igen) Det verkar som att de bestämde sig för att "mäta" med Van Gogh =) I alla fall för målningen av Pablo Picasso "Boy with a pipe" från John Hay Whitneys personliga samling på Sothebys auktion som hölls i New York den 5 maj 2004, gav 104,1 miljoner dollar till ett utgångspris på 70 miljoner dollar. Men många konsthistoriker tror att ett så skyhögt pris var mer troligt att förknippas med konstnärens stora namn än med det faktiska historiska värdet av hans målning.
5:e plats så att säga, listans ekvator dyraste tavlor, upptas av Pierre-August Renoir med målningen "Ball at Montmartre". Vid tidpunkten för försäljningen var denna målning, tillsammans med Van Goghs "Porträtt av Dr. Gachet", den dyraste målningen som någonsin sålts - och båda tillhörde den japanske industrimannen Saito. En intressant historia är kopplad till honom - faktum är att Saito testamenterade efter sin död (och det hände 1991) för att kremera dessa två målningar med honom, vilket orsakade en våg av indignation runt om i världen. Men hans följeslagare bestämde sig för att göra annat och, inför hotet om konkurs, sålde Renoir på Sotheby's för 122,8 miljoner dollar - köparen ville vara anonym, men det antas att tavlan nu finns i Schweiz.
På 4:e plats - Van Gogh igen, med det tidigare nämnda "Porträtt av doktor Gachet". Det finns faktiskt två versioner av denna målning, båda målade 1890, under de sista månaderna av konstnärens liv - och i båda versionerna sitter doktorn vid bordet och vilar huvudet på höger hand, men skillnaden mellan dem kan ses även med blotta ögat. Denna målning såldes för 129,7 miljoner dollar.
Vi nämnde redan målningen, som är på "brons", tredje steget på vår lista i början - det här är "Första porträttet av Adele Bloch-Bauer" av Gustav Klimt. Som du kan se blev detta porträtt bättre och dyrare) Det målades 1907 och, enligt information från specialiserade källor, såldes 2006 till ägaren av New York-galleriet Neue Galerie Ronald Lauder för 135 miljoner dollar, vilket gjorde tavlan till den dyraste någonsin eller såldes på den tiden
På andra plats kommer en för mig helt obegriplig dubb som kallas "Woman 3" av den abstrakta expressionisten Willem de Kooning, även om man tittar på konstnären själv och på hans andra målningar så kan man i princip säga att detta är kronan på hans arbete))) "Woman 3" är en av sex målningar av konstnären, där det centrala temat, överraskande nog, är en kvinna) Duken på 170 x 121 cm målades 1953 och såldes i november 2006 av David Geffen till miljardären Stephen Cohen för 137,5 miljoner dollar, vilket gör den till den näst dyraste målningen i världen som någonsin sålts.
Så först på listan “Världens dyraste målningar” just nu är "No. 5, 1948", skriven av Jackson Pollock, en amerikansk konstnär som gjorde ett betydande bidrag till den abstrakta expressionismens rörelse. Tavlan målades på en 2,5 x 1,2 meter fiberskiva genom att applicera en liten mängd bruna och gula stänk ovanpå, vilket fick tavlan att se ut som ett enormt bo. Detta Pollock-mästerverk såldes för rekordstora $142,7 miljoner.
lifeglobe.net/entry/1228
När jag tittar på några av tavlorna som säljs på auktion idag vill jag gråta. Gråt, för de här dukarna ser ut som en klick av ett barn, men står som en villa i Miami. Det är dags att presentera de dyraste absurda mästerverken som lämnat auktionen för miljontals dollar.
"Green and White" av Ellsworth Kelly - 1,6 miljoner dollar
blogspotDetta är inte bara en taggig grön cirkel på en vit bakgrund. Detta är ett exempel på målning, där huvudobjektet är själva färgen. Denna skapelse köptes på Christie's auktion i New York 2008.
Faktiskt, i resten av konstnärens målningar hittar du inte komplexa mönster och realistiska landskap - bara de enklaste figurerna på en vit, svart eller ljus bakgrund.
The Blue Fool, Christopher Wool - 5 miljoner dollar
Pinterest Målningen lämnade auktionen på Christie's (New York) 2010. Den moderna amerikanske konstnären Christopher Wool gick längre än sina kollegor och började förutom att "kladda" och "klottra" att placera inskriptioner med stora bokstäver på dukar.
Det finns en ansenlig mängd ironi i det faktum att ett av de dyraste verken från denna serie var en duk med inskriptionen "FOOL" (Fool).
”Rymdbegreppet. Väntar, Lucio Fontana - 12,8 miljoner dollar
källa: forbes Den vita slitsduken såldes på Sotheby's London 2015. Konstnären Lucio Fontana är känd för sin "barbariska" attityd till sina dukar - han klippte och genomborrade dem skoningslöst. Men han gjorde det på ett sådant sätt att han senare kunde visa den "stympade" bilden för betraktaren.
För mästaren personifierade dess slots själva oändligheten. ”När jag sätter mig framför en av mina slitsar och börjar begrunda den känner jag plötsligt att min ande är fri. Jag känner mig som en person som har undkommit materiens bojor, som tillhör nuets och framtidens oändliga vidd, säger Fontana.
Målning "Duva stjärnan i Joan Miró 36,9 miljoner dollar
karenruimy En av de dyraste föremålen på Sotheby's-auktionen, som hölls i den brittiska huvudstaden 2012. Detta är den första tavlan på vår lista som verkar ha målats på. Bara vad?
Duken skapades av den spanska surrealistiska konstnären Joan Miro. En gång var målaren svältande, varför han ofta observerade hallucinationer på väggarna. Skaparen överförde bilderna han såg till målningarna. Nu säljs hans målningar för miljontals dollar.
Sleeping Girl av Roy Lichtenstein - 44,8 miljoner dollar
NY Times Sleeping Girl gick under klubban 2012 på Sotheby's i New York. För verk av Lichtenstein, som en gång kallades "den värsta artisten i Amerika" ger de idag fantastiska pengar.
Roy Lichtenstein är känd för att ha skapat tavlor baserade på serier: konstnären tog och ritade om andras verk helt enkelt och lade till något eget. För detta fick han utstå kritikernas attacker, men detta gjorde honom också känd. Målningar av Liechtenstein dyker ständigt upp i listorna över de dyraste målningarna.
Utan titel, Cy Twombly - 69,6 miljoner dollar
gazeta Målningen såldes på auktionen i New York hos auktionshuset Christie's 2014. När ett barn ritar detta är det en kladdkaka. Men när en hajpad artist gör det är det ett mästerverk värt att betala galna pengar för. Andra verk av Twombly är alla samma klotter och är lika oanständigt dyra.
"Black Fire" av Barnett Newman - 84,2 miljoner dollar
bloomberg Detta mästerverk såldes på Christie's i New York 2014. Signatur Barnett Newman - vertikala linjer, som har smeknamnet "blixt".
Andra målningar av mästaren skiljer sig från den som presenteras ovan, utom kanske i färg, men i bredden på just dessa blixtar. Priserna på konstnärens målningar stiger från auktion till auktion.
"Orange, Red, Yellow" av Marco Rothko - 86,9 miljoner dollar
Public Relations effektivitet: "Lysande" muffar
Om jag tar upp en pensel och målar någon form av landskap eller porträtt på duken, då kan vilken person som helst som tittar på mitt arbete säkert säga: vilken daub! Och det blir rätt, för jag kan inte rita. Men min daub skulle kunna sälja för miljontals dollar om jag hade ett rykte som en stor artist. Teoretiskt är det svårt att föreställa sig att mina omålade, men inte mindre hemska bilder skulle kunna marknadsföras som stora konstverk och säljas för "galna pengar". Men i det verkliga livet hände detta mer än en gång - andra hälften av 1800-talet och hela 1900-talet är en kontinuerlig triumf av daub i konsten.
Från det ögonblick som det moderna måleriet föddes, vars far anses vara italienaren Giotto di Bondone (1267-1337), och under de närmaste århundradena, konstnärens skicklighet att visa verkligheten på vilken yta som helst som lämpar sig för ritning (duk, vägg eller svart tavla) ). Fotografering fanns inte då, men många ville ha ett eget porträtt eller en bild av sina släktingar. Utsikten över de omgivande skogarna och fälten uppskattades också. Vi gillar fortfarande att hänga reproduktioner av olika målningar i våra lägenheter, och till vem det materiella tillståndet tillåter, sedan originalen själva. På medeltiden gillade rika människor att dekorera väggarna i hus och slott med målningar, och några av de rika samlade på sig enorma samlingar. Någon gjorde det av kärlek till att måla, andra - för att förbättra sin status.
Förutom de rika behövde kyrkan också konstverk. Kyrkan behövde inga målningar som skildrade det verkliga livet – de behövde bibliska scener som skulle se ut som verkliga – som fotografier av verkliga händelser (även om de inte hade någon aning om fotografier då). Människor var tvungna att tro på Kristus, Maria, apostlarna och andra religiösa gestalter, och för detta måste de bibliska karaktärerna se ut som levande människor.
Vad var kundernas önskemål - sådana var bilderna. Galna idéer skissade på duken av en oduglig hand var till ingen nytta för någon. Ingen skulle köpa ett porträtt av sig själv som inte skulle se ut som originalet, och ännu mer ett som i princip inte liknade bilden av en person. På den tiden, för att måla ett porträtt, behövdes en konstnär som behärskade en målares hantverk. Att inte vara ett proffs kunde man inte sälja tavlor och försörja sig. De som samlade tavlor behövde redan inte bara avgjutningar av verkligheten - de ville få exklusiva saker som ingen kunde upprepa. Det vill säga, konstnären var tvungen att lägga till något eget till en realistisk bild - en viss unik stil, så att hans bild stack ut bland huvuddelen av högkvalitativa hantverksprodukter. Det kan vara en unik teknik som Leonardo da Vinci, en innovativ användning av ljus och skugga som Van Eyck, fantastiska bilder som Bosch ...
15-17 århundraden i Europa är världsmåleriets storhetstid. Vid den här tiden, i de ekonomiskt utvecklade staterna i Europa (Venedig, Florens, Nederländerna, Flandern, Tyskland), dök ett tillräckligt antal kunder för målningar upp - tack vare detta fick vi en hel galax av enastående konstnärer, vars verk fortfarande pryder de mest kända museerna i världen. Tillsammans med sådana universellt erkända stora renässansmålare som Leonardo da Vinci, Raphael och Michelangelo Buonarroti verkade flera dussin mer lika framstående konstnärer på den tiden: holländaren Robert Campin, Jan Van Eyck, Hieronymus Bosch, Peter Brueghel Sr., Peter Paul Rubens, Antonis Van Dyck, Jan Vermeer, italienarna Giorgione, Titian, Correggio, Caravaggio, tyskarna Albrecht Dürer, Hans Holbein Jr., spanjoren Diego Velazquez... Alla hade de ett originellt sätt att avbilda verkligheten, men vid samtidigt förenades de av det faktum att de alla skrev suveränt exklusivt realistiska bilder. Realistiskt inte enligt handlingen - samma bibliska bilder har aldrig varit så. Realistisk - av likheten som skildras med det verkliga livet. Ingen målade några kuber eller rutor - förmodligen är det så han ser på världen, eftersom "mästerverk" i liknande stil inte skulle hitta sin köpare. Kunderna till målningarna på den tiden var enkla människor - som vår Nikita Chrusjtjov. Det finns en historia som han en gång frågade om en av målningarna på en abstraktionistisk utställning: "Vad är det här för röv?". Jag noterar att när det gäller målningarna av Raphael eller Correggio har ingen någonsin sagt något liknande, inklusive Chrusjtjov - alla som har syn förstår vad som avbildas på dem: Madonnor i form av vackra kvinnor, och inte några fruktansvärda och obegripliga varelser som i Picassos målningar. Varje framstående konstnär var en innovatör på något sätt, men alla innovativa tekniker inom måleriet var meningsfulla bara om konstnären kunde skildra livet i alla dess yttringar på ett adekvat sätt. Nyheten i bilden användes för realismens skull, och inte i sig själv. Vi kan säga att målarna försökte arbeta som byggare - varje hus måste ha en grund, väggar och tak, och alla experiment var tillåtna endast inom denna ram.
Som proffs nådde renässanskonstnärer höjdpunkten av måleri. Och vi kan lugnt säga att det är omöjligt att överträffa Raphael eller Van Eyck - de kan bara upprepas. Eller skapa något eget, som har blivit svårare och svårare med åren. Redan på 1600-talet fanns det färre framstående konstnärer än på 1500-talet och på 1700-talet kan de räknas på fingrarna. Mot bakgrund av renässansens mästare är det extremt svårt att sticka ut - detta är den högsta nivån av skicklighet, som i princip bara ett fåtal kan uppnå.
Och mot en sådan bakgrund, när det finns många hantverkare, och det finns få framstående mästare, äger en verklig revolution rum i konstvärlden - "stora konstnärer" började skapas på konstgjord väg. Detta var svårt att göra på medeltiden.- Utan media är PR-tekniker ineffektiva, eftersom information måste överföras genom rykten som förvränger den. Särskilt när det gäller spridning av information över långa avstånd. Endast media kan snabbt och effektivt skapa och införa i massmedvetandet bilden av alla objekt (produkt, varumärke) som ideal och nödvändig i livet. Det är ingen slump att när pressen under andra hälften av 1800-talet började spela en allt viktigare roll i livet för staterna i Västeuropa, som redan hade gått in i den industriella revolutionens era, då ”stora konstnärer av en ny typ” började dyka upp. Med andra ord – muffins.
Vem omdirigerade specifikt köpare av målning till att renodla? Det finns många av dem. I grund och botten handlar det om personer som ägnat sig åt konstkritik i media, samt de som anordnade utställningar. Till exempel "tvättade" kritikern Roger Fry postimpressionisterna, fransmannen Guillaume Apollinaire marknadsförde Matisses och Picassos produkter till konsumenterna. Men ännu viktigare för målarmarknaden var det faktum att allt fler förmögna samlare dök upp i världen – särskilt under andra hälften av 1900-talet. I förhållanden när verkligt enastående konstverk finns på statliga museer eller ägs av kyrkor som inte säljer sina mästerverk för några pengar, varför samla in samlingar? – Från vad som anses vara på modet. Det som blev på modet förvärvades av köpare.
Och hur skapades modet för den eller den "målaren"? I princip började allt med en skandal. I slutet av 1800-talet innebar blotta uppvisningen av en fruktansvärd daub offentligt under sken av konstverk en offentlig skandal. Det var en verklig utmaning för samhället. Människor som såg "sådana" var indignerade, allt detta förhalades i pressen och bohemiska platser, författarens och hans målningars berömmelse växte - och så här såg modet för den eller den karaktären ut. Först, i smala kretsar, och sedan, om du har tur, fick allmänheten veta om framväxten av en ny "stor målare". "Om de pratar om dig, då finns du" - detta är grundregeln för PR. Om du blir känd kommer åtminstone någon att köpa dina målningar - oavsett deras konstnärliga värde. Så fort mediokra människor i en bohemisk miljö insåg det där kladd - det här är också en het handelsvara, så sådana målningar svepte bokstavligen över marknaden. Många stora muffar i framtiden började med realistiska målningar, men gick över till att kladda i tid. Och vissa behövde inte ändra något - de visste från början inte hur man ritar.
Under olika perioder fanns det ett mode för en konstnärlig riktning, sedan för en annan - impressionism, postimpressionism, abstraktionism, kubism, expressionism .... Och mode är handelns huvudmotor. Så snart "konstnären" blev ett varumärke - sedan dess såldes allt som producerades under detta varumärke "som smör." Det spelade ingen roll vad exakt den eller den "konstnären" målade - modeindustrin fungerar enligt andra lagar än hantverksindustrin. Modet för den här eller den muffen uppstod naturligtvis inte omedelbart, och först gick "lagurerna" i form av enorma pengar inte till konstnärerna själva, utan till köparna av målningar. De galna pengarna som började betalas för fashionabla daubs på auktioner dök upp först mot slutet av andra hälften av 1900-talet. Ett stort antal människor med lätta pengar som erhållits på världens finansmarknader, såväl som under plundringen av statlig egendom i Ryssland, visste helt enkelt inte var de skulle placera dem - som ett resultat blev eventuell avföring utsmetad på duk en extremt het handelsvara .
Med vem började klättringens triumf inom konsten?Vägen för impressionisterna och kubisterna banades av engelsmannen Joseph Turner, som "skapade" under första hälften av 1800-talet. Hans enda förtjänst som konstnär var att han inte var särskilt bra på att måla landskap. Han hade också nästan bra målningar, men han blev känd för uppriktiga daubs, som duken "Segling till Venedig". Om Venedig var samma som på hans bild, skulle knappast någon ha seglat till det alls ... Turner chockade en gång helt enkelt allmänheten, tack vare vilken han blev känd. Det finns en karikatyr av honom - Turner står framför en tavla med en pensel (som användes för att måla staket på den tiden) och målar något ...
Fransmannen Edgar Degas plockade upp stafettpinnen nästa - han visste hur man ritade, och ibland gjorde han underbara bilder, men av någon anledning drogs Edgar till att måla de fulaste nakna kvinnorna som gjorde sig redo att tvätta, tvätta eller precis avslutade vattenprocedurer. .. – För sådana teckningar blir de uteslutna från 1 konstskolekurs på grund av inkompetens, men Degas blev populärt till stor del tack vare dem.
I slutet av 1800-talet och början av 1900-talet började antalet muffins att öka dramatiskt.
Vid den här tiden skapar de "stora impressionisterna" Claude Monet (som inte ska förväxlas med den berömda konstnären Edouard Manet) och Auguste Renoir. Renoir visste hur man ritade, men han, precis som Degas, fördes ofta till rent utskällning. Monet försökte till en början också bli en riktig konstnär, men insåg att han inte skulle lyckas – som ett resultat kan han kallas en av de mest slående efterföljarna till Joseph Turners verk – Monets landskap är nästan lika hemska som hans föregångares.
Hans främsta "mästerverk" är "Rouen-katedralen, västfasad i solljus" - en typisk barnkladd. Monet nitade många verk i denna "stil", och alla är fortfarande populära: "Näckrosor" (utan namn känner man inte direkt igen att det är liljor på vattnet ...) gick på auktion för 36,7 miljoner dollar (2007. ), Waterloo Bridge (bilden nedan) såldes för 35,9 miljoner dollar (2007),
"Dam med näckrosor..." (jämfört med "Waterloo Bridge" kan det till och med kallas en målning) - för 33 miljoner dollar (1998). Tidningen Times 2009 genomförde en undersökning bland läsare, vars resultat bestämde de mest populära artisterna på 1900-talet - Claude Monet tog 4:e plats!
Vid sekelskiftet kom även postimpressionisterna igång: Vincent van Gogh, Henri Toulouse-Lautrec, Edvard Munch, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Gustav Klimt. Vem av dem var vår tids "större" eller med andra ord den mer fashionabla konstnären? Cezanne har åtminstone en tavla som kan beskrivas som "intressant" - han målade den vid 27 års ålder. Sedan gick allt mycket sämre - utan upplysning, kladd efter kladd. Han är dock definitivt inte den "största". Priserna för några av hans målningar uppgår till tiotals miljoner dollar (den dyraste av dem - "Still Life with a Jug and Draperie" köptes för 60,5 miljoner dollar (!), men hans verks popularitet bland samlare är uppenbarligen underlägsen populariteten för Gauguins verk, och ännu mer Van Gogh Men läsarna av The Times placerade Cezanne på andra plats bland 1900-talets konstnärer!
Den psykiskt sjuke Van Gogh målade upp som en obegåvad 5-7-årig pojke som aldrig växte upp. En gång behandlades han på en psykiatrisk klinik, men det hjälpte inte, och vid 40 års ålder begick han självmord. Hans biografi är mer som en biografi om en "stor konstnär". Detta bevisas av priserna på hans målningar - 40,3 miljoner dollar för ett fruktansvärt porträtt av Madame Ginoux, 40,5 miljoner dollar för "Solrosor", 47,5 miljoner dollar för "Bondekvinna i en stråhatt", 53, 9 miljoner dollar för Irises, 57 dollar miljoner för Cypress Wheat Field, 71 miljoner dollar för ett självporträtt och 82,5 miljoner dollar för Dr. Gachet. Den här Gachet tog förresten hand om Van Gogh strax före sitt självmord - förmodligen bestämde sig "konstnären" för att hämnas på doktorn för hans arbete med hans signaturporträtt.
Van Goghs älskare Gauguin målade som pojke lite äldre än Van Goghs pojke. Detta är ett klart minus för honom som "stor artist". Dessutom var Gauguin inte lika galen som Van Gogh, även om det finns ett underbart avsnitt i hans biografi när han kom för att besöka Van Gogh och så småningom skar av sig örat - detta är verkligen ett tungt vägande anspråk på "storhet"! Efterfrågan på Gauguins målningar är dock inte lika stor som på Van Gogh – endast ett fåtal av hans målningar har sålts för över 30 miljoner dollar.
Den nästan dvärgen Toulouse-Lautrec var galen i de fula franska hororna, som han förkroppsligade i sina inte mindre fula målningar. Om du tittar på bilden nedan under det villkorliga namnet "horor på inspektion", kommer du att ha en uppfattning om Toulouse-Lautrecs kreativa sätt.
Han var snarare en mästare på sketchen, men han brydde sig aldrig om att skriva en fullfjädrad bild. Jämfört med Gauguin och Van Gogh är Toulouse-Lautrec helt impopulär, och norrmannen Munch är helt klart inte upp till dem, även om hans biografi är mycket personlig: han led hela tiden av fruktansvärd depression och behandlades flera gånger för psykiska störningar. Flera av hans målningar förekommer i listan över "100 dyraste målningar i historien", men det är allt.
Men österrikaren Gustav Klimt är verkligen den störste postimpressionisten. Han är lika populär som Van Gogh, och hans dyraste målning köptes för 135 miljoner dollar! Och det som är mest överraskande för 1900-talets store konstnär - bilden visar en kvinna med ett mänskligt ansikte! Allt det återstående utrymmet upptas av en typisk daub, men ansiktet visade sig vara realistiskt. Och andra målningar av Klimt, där människor avbildas, liknar den här bilden - samma ansikten bland den "postimpressionistiska" dubben.
Folket respekterar också Klimt - 3:e plats bland 1900-talets bästa artister - bara Picasso och Cezanne ligger före.
Låt oss gå vidare till 1900-talet. Som Wendy Beckett skrev i sin History of Painting, "två regerar i 1900-talets konst - Henri Matisse och Pablo Picasso." Det är svårt att säga varför just dessa två, eftersom det fanns hundratals sådana muffar, men modets sätt är outgrundliga. Pablo, förresten, och enligt en undersökning av läsare av The Times, tog 1:a plats.
Spanjoren Pablo Picasso visste hur man ritade, men ville inte. Han var långt ifrån Da Vincis nivå (vem tror inte - se hans tidiga målning "Boy with a Pipe" - inte dålig, men inte enastående), men bra målningar var helt enkelt irrelevanta redan på 1900-talet. Daubing blev mer och mer på modet, och Pablo bestämde sig för att segla på vågornas befallning. Och han gjorde det jättebra!
1907 målade han tavlan "The Girls of Avignon" - det blev det första verket i den kubistiska genren. Först skämdes konstnären för att visa denna daub för främlingar, vilket i allmänhet är förståeligt: fem helt fruktansvärda varelser tittar på dig från bilden och att visa sådana nonsens för andra är som att säga offentligt: Jag är galen! Jag är en fullständig psykopat! Men Pablo vågade avslöja sitt "mästerverk" och gissade inte. Ingen gömde honom på ett sjukhus och Picasso fortsatte att förstöra dukarna. Han omsatte den dialektiska materialismens postulat: kvantitet utvecklas till kvalitet. I det här fallet rykte. Picasso målade i cirka 70 år och det är inte förvånande att han blev vår tids populäraste muff.
Hans porträtt av Dora Maar (köpt för 95,2 miljoner dollar på auktion 2006, bilden ovan), Woman Seated in a Garden (49,5 miljoner dollar 1999), Dream (48,4 miljoner dollar 1997), "Nude in a black chair" (45,1 miljoner dollar) dollar 1999) - gick in i "gyllene fonden" för 1900-talets daub.
Det fanns många härliga målare på 1900-talet - mycket mer än stora konstnärer under renässansen, vilket inte är förvånande: att bryta - inte bygga, förstöra dukar - inte måla. Våra Vasya Kandinsky och Kazimir Malevich noterades också inom detta område - även om de är enastående, är de inte stora muffar med världsstandarder. Naturligtvis har ryssarna sin egen speciella andlighet, men i smeten visade det sig inte för mycket. I mitten av 1900-talet började amerikanen Pollack och holländaren de Kooning, "abstrakta expressionister", sätta tonen för det.
Allt i vår värld är relativt, och mot bakgrund av Pollack och hans bröder ser till och med Monet eller Gauguin ut som bra artister. Konstkritiker har kallat denna högsta grad av smutskastning för "abstrakt expressionism", och jag skulle säga att detta är fullständigt vansinnesdådande! Dess mest framstående representanter var inte bara de tidigare nämnda Willem de Kooning och Jackson Pollack, utan även Mark Rothko, en amerikan av ryskt ursprung. Dessa tre är bara höjdpunkten på 1900-talets smäll!
En abstrakt expressionist är en person som i princip inte ritar. Van Gogh målade åtminstone på nivån av ett 5-årigt barn, men Pollak kunde inte ens nå denna nivå. För att citera The History of Painting av Wendy Beckett: "Pollack var den första som övergav penseln, paletten och alla konventioner i handlingen. Han dansade i extas på dukarna utspridda på golvet, helt nedsänkt i kreativitet, stänkte och hällde färger under full kontroll. ”Mållandet”, sa han, ”har ett eget liv. Jag försöker låta henne." Det finns inte ens något att kommentera här - mannen var mycket, mycket sjuk. Fotot av hans målning bekräftar detta.
Mark Rothko är en ännu sämre artist än Pollack. Du kommer att säga att det inte kan vara så - trots allt sa jag bara att Pollak inte kunde rita. Kanske! Pollacks målningar liknade åtminstone kaotiska tapeter, Rothkos är bara dukar målade med olika färger – till exempel är toppen svart och botten grå. Eller ännu mer "enastående arbete" - längst ner är crimson, upptill - någon sorts mörkgul, och i mitten - vit.
Tavlan heter "White Center" och köptes på Sotheby's 2007. för 72,8 miljoner dollar. - nästan 73 miljoner för en skadad duk! Och detta är förresten den 12:e platsen i listan över de dyraste målningarna i världen! Men den dyraste målningen i världen idag (2010) tillhör Jackson Pollack och heter "No. 5" - såldes 2006 på Sotheby's för 140 miljoner dollar! Västvärlden är inte bara fylld av galna artister – det finns ett enormt antal galna miljonärer. Allmogen är förresten inte heller särskilt frisk i väst - i en undersökning av tidningen Times tog Pollack 7:e plats bland 1900-talets mest populära artister.
Hans, som man säger, "eviga rival" Willem de Kooning i denna omröstning blev 9:a. Jag skulle kalla honom den roligaste av alla muffar. Koonings dyraste målning, Woman No. 3 (köpt 2006 för 137,5 miljoner dollar!) kommer att få alla friska människor att skratta högt. Ännu roligare är Kvinna med cykel.
Jag tror att Willem hade problem med kvinnor, så han hämnades subtilt på dem.
På exemplet med Pollack, Kooning och Rothko ser vi tydligt vad konstmarknaden har kommit fram till idag. Om Chrusjtjov hade levt skulle han ha sagt: till fulla rumpan!
Så tack vare den magiska kraften hos Pu blic relationer några mentalt störda individer erkändes som enastående konstverk och ställdes i nivå med de stora renässanskonstnärernas dukar. För första gången manifesterades PR-kraften så tydligt just i marknadsföringen av muffar. Fram till 1800-talet PR verkade effektivt endast inom politiken (historia och religion tjänade också politiska mål och kan inte betraktas isolerat från politiken). När det gäller tillkännagivandet av mediokra muffar som briljanta artister stöter vi på ett fenomen när PR utmärkt sig inom modeområdet. Och det var så effektivt och varaktigt att vi redan nu, mer än ett sekel efter att mediokra psykopater kom på modet, möter många människor som uppriktigt tror att Van Gogh är en stor artist. Ännu fler miljoner vet vem Van Gogh är. Flera hundra rika sysslolösa som inte vet vad de ska göra med sina pengar köper fashionabla daubs på auktioner. Alla andra hör om ett köp av daub för flera miljoner dollar och sedan ett till. Tja, de kan väl inte betala 30 miljoner dollar för uppriktig avföring? – så resonerar lekmannen. – De kan, precis som de kan ... Huvudsaken är att det är på modet.
Har du länge velat prova på att måla, men inte kunnat bestämma dig för att ta upp en pensel och palett och ställa dig vid staffliet? Tycker alla omkring dig att dina kreativa ansträngningar är patetiska? Så du är en förlorare! Så, ett urval av målningar av den kanadensiska konstnären Kim Dorland (Kim Dorland) kommer att tjäna dig som en god tröst. Eller kanske inspiration också.
Experter kallar Dorlands verk "naiv konst", illvilliga kritiker - slarviga smällar och fans av originaltalang tror att målningarna som Kim skapar är psykologiskt och stilistiskt oväntade. Och det är sant - ingen förväntar sig i stället för de utlovade landskapen och porträtten att se en duk putsad med målarfärg, på vilken författaren dessutom inte lämnade prydliga streck och linjer, utan grova fåror. Som om en traktor körde genom en gödslad och blöt åker ...
Principen med vilken Kim Dorland ritar sina originalmålningar kan beskrivas i en kort fras: "det viktigaste är att inte spara färg." När allt kommer omkring, om man tittar noga, är målningarna bokstavligen repade på ett tjockt lager av olja, med vilket författaren generöst smörjer sina dukar. Det visar sig att bilderna inte är tecknade, utan gjutna – som om de vore skulpturer.
Och konstnären strävar inte efter noggrannhet och realism. Han skapar i en speciell stil, en sorts barnslig abstraktion, som inte bryr sig om att bibehålla proportioner, eller ge volym åt bilder, eller dukars estetik. Det verkar som om författarens huvuduppgift är så avslappnat som möjligt, med vänster hand under sitt högra knä, att kasta färg på duken, att sätta en fläck - det här är att måla!
Även om det mycket väl kan vara, förefaller det bara oss, stadsborna, att det är lätt och enkelt att rita på detta sätt. När allt kommer omkring, på ett eller annat sätt, och Kim Dorland deltar ganska ofta i utställningar, presenteras hans målningar i gallerierna i Toronto, där han bor och arbetar, och säljer ganska framgångsrikt sina verk både i Kanada och långt utomlands.
