Hem › Transmission (växellåda) › Teater som konstform, och dess grundläggande skillnad från andra konstformer. Teaterns historia: uppkomsten och utvecklingen av teaterkonst, underhållande fakta Lista över använda källor

Teater som konstform, och dess grundläggande skillnad från andra konstformer. Teaterns historia: uppkomsten och utvecklingen av teaterkonst, underhållande fakta Lista över använda källor

KLASSIFICERING AV KONST

Konst (kreativ reflektion, reproduktion av verkligheten i konstnärliga bilder.) existerar och utvecklas som ett system av sammanhängande typer, vars mångfald beror på mångsidigheten i sig själv (den verkliga världen, som visas i processen för konstnärligt skapande.

Typer av konst är historiskt etablerade former av skapande verksamhet som har förmågan att konstnärligt förverkliga livets innehåll och skiljer sig åt i sättet för dess materiella förkroppsligande (ord i litteratur, ljud i musik, plast och färgmaterial i konst, etc.) .

I modern konsthistorisk litteratur har ett visst system och system för klassificering av konster utvecklats, även om det fortfarande inte finns någon enda och de är alla relativa. Det vanligaste schemat är dess indelning i tre grupper.

Den första inkluderar rumslig eller plastisk konst. För denna grupp av konster är rumslig konstruktion i avslöjandet av den konstnärliga bilden väsentlig - konst, dekorativ konst och tillämpad konst, arkitektur, fotografi.

Den andra gruppen inkluderar tillfälliga eller dynamiska konster. I dem är kompositionen som utspelar sig i tiden av central betydelse - musik, litteratur. Den tredje gruppen representeras av rumsliga-temporala typer, som också kallas syntetiska eller spektakulära konster - koreografi, litteratur, teaterkonst, kinematografi.

Förekomsten av olika typer av konster beror på att ingen av dem på egen hand kan ge en konstnärligt heltäckande bild av världen. En sådan bild kan bara skapas av hela mänsklighetens konstnärliga kultur som helhet, bestående av enskilda typer av konst.

TEATER

Teater är en konstform som konstnärligt bemästrar världen genom en dramatisk handling utförd av ett kreativt team.

Teaterns grund är dramaturgi. Teaterkonstens syntetiska natur avgör dess kollektiva natur: föreställningen kombinerar kreativa ansträngningar från en dramatiker, regissör, konstnär, kompositör, koreograf, skådespelare.

Teaterföreställningar är indelade i genrer:

Tragedi;

Komedi;

Musikal osv.

Teaterkonsten har sina rötter i antiken. Dess viktigaste element fanns redan i primitiva riter, i totemiska danser, i att kopiera djurs vanor, etc.

Teater är en kollektiv konst (Zahava)

Det första som stoppar vår uppmärksamhet när vi tänker på teaterns särdrag är det väsentliga faktum att ett verk av teaterkonst - en föreställning - skapas inte av en konstnär, som i de flesta andra konster, utan av många deltagare i den kreativa bearbeta. Dramatiker, skådespelare, regissör, makeupartist, dekoratör, musiker, illuminator, kostymdesigner m.fl. Alla bidrar med sin del av kreativt arbete till den gemensamma saken. Därför är den sanna skaparen inom teaterkonst inte en individ, utan ett team - en kreativ ensemble. Teamet som helhet är författare till ett färdigt verk av teaterkonst - en föreställning. Teaterns natur kräver att hela föreställningen genomsyras av kreativ tanke och levande känsla. De måste vara mättade med varje ord i pjäsen, varje rörelse av skådespelaren, varje mise-en-scen skapad av regissören. Allt detta är manifestationer av livet för den enda, integrerade, levande organism, som, föds genom kreativa ansträngningar från hela teatrallaget, får rätten att kallas ett sant verk av teaterkonst - en föreställning. Kreativiteten hos varje enskild artist som är involverad i skapandet av föreställningen är inget annat än ett uttryck för de ideologiska och kreativa ambitionerna hos hela laget som helhet. Utan ett enat, ideologiskt sammanhållet team, brinner för gemensamma kreativa uppgifter, kan det inte bli någon fullfjädrad föreställning. Fullfjädrad teatralisk kreativitet förutsätter närvaron av ett team som har en gemensam världsbild, gemensamma ideologiska och konstnärliga strävanden, en kreativ metod som är gemensam för alla dess medlemmar och som lyder under den strängaste disciplin. "Kollektiv kreativitet", skrev K. S. Stanislavsky, "som vår konst är baserad på, kräver med nödvändighet en ensemble, och de som bryter mot den begår ett brott inte bara mot sina kamrater utan också mot själva konsten de tjänar." Uppgiften att utbilda en skådespelare i kollektivismens anda, som härrör från teaterkonstens själva natur, smälter samman med den kommunistiska utbildningens uppgift, som förutsätter utvecklingen av en känsla av hängivenhet för kollektivets intressen på alla möjliga sätt, och den mest bittra kampen mot alla yttringar av borgerlig individualism.

Teater är en syntetisk konst. Skådespelare - bärare av teaterns detaljer

I det närmaste samband med den kollektiva principen i teaterkonsten finns ett annat särdrag hos teatern: dess syntetiska natur. Teater är en syntes av många konster som interagerar med varandra. Dessa inkluderar litteratur, måleri, arkitektur, musik, vokalkonst, danskonst, etc. Bland dessa konster finns en som bara tillhör teatern. Detta är skådespelarens konst. Skådespelaren är oskiljaktig från teatern, och teatern är oskiljaktig från skådespelaren. Det är därför vi kan säga att skådespelaren är bärare av teaterns detaljer. Syntesen av konsterna i teatern - deras organiska kombination i föreställningen - är möjlig endast om var och en av dessa konster fyller en viss teatralisk funktion. När man utför denna teatrala funktion får verket av någon av konsterna en ny teatralisk kvalitet för det. För teatermålning är inte detsamma som rent måleri, teatermusik är inte detsamma som ren musik, och så vidare. Endast skådespeleriet är teatraliskt. Naturligtvis är pjäsens värde för föreställningen ojämförligt med kulissernas värde. Kulisserna uppmanas att spela en hjälproll, medan pjäsen är den ideologiska och konstnärliga grunden för den framtida föreställningen. Och ändå är en pjäs inte detsamma som en dikt eller en berättelse, även om den är skriven i form av en dialog. Vad är den viktigaste skillnaden (i den mening som intresserar oss) mellan en pjäs och en dikt, sceneri från en målning, scenkonstruktion från en arkitektonisk struktur? En dikt, en bild har en självständig betydelse. Poeten, målaren vänder sig direkt till läsaren eller betraktaren. Författaren till en pjäs som litteraturverk kan också vända sig direkt till sin läsare, men bara utanför teatern. På teatern talar dock dramatikern, regissören, dekoratören och musikern till publiken genom skådespelaren eller i anslutning till skådespelaren. Visst, låter dramatikerns ord på scenen, som författaren inte har fyllt med liv, inte gjort det till sitt eget ord, uppfattas som levande? Kan regissörens instruktioner formellt utföras eller den mise-en-scene som föreslagits av regissören men som inte upplevts av skådespelaren visa sig vara övertygande för tittaren? Självklart inte! Det kan tyckas att situationen är annorlunda med dekoration och musik. Föreställ dig att föreställningen börjar, ridån öppnar sig, och även om det inte finns en enda skådespelare på scenen, applåderar auditoriet det storslagna landskapet skapat av konstnären. Det visar sig att artisten vänder sig till betraktaren direkt, och inte alls genom skådespelaren. Men här kommer skådespelarna ut, en dialog uppstår. Och du börjar känna att allt eftersom handlingen utvecklas, byggs en dov irritation gradvis upp inom dig mot landskapet som du just beundrade. Du känner att det distraherar dig från scenhandlingen, hindrar dig från att uppfatta skådespeleriet. Du börjar förstå att det finns någon slags intern konflikt mellan uppsättningen och skådespeleriet: antingen beter sig inte skådespelarna som de borde bete sig under de förhållanden som är förknippade med denna uppsättning, eller så karaktäriserar uppsättningen scenen på ett felaktigt sätt. Det ena håller inte med det andra, det finns ingen syntes av konsten, utan vilken det inte finns någon teater. Det händer ofta att publiken, som entusiastiskt möter den ena eller den andra scenen i början av akten, skäller ut den när handlingen är över. Detta innebär att allmänheten positivt bedömde konstnärens verk, oavsett denna föreställning, som ett konstverk, men inte accepterade det som en teatralisk kuliss, som en del av föreställningen. Det gör att kulisserna inte har fyllt sin teatrala funktion. För att uppfylla sitt teatrala syfte måste det återspeglas i skådespeleriet, i karaktärernas beteende på scenen. Om artisten sätter upp en magnifik kuliss på baksidan av scenen som perfekt skildrar havet, och skådespelarna beter sig på scenen på det sätt som människor i rummet, och inte på stranden, beter sig, kommer bakgrunden att förbli död. Vilken del av sceneriet som helst, vilket som helst föremål som placeras på scenen, men som inte animeras av suddets attityd som uttrycks genom handlingen, förblir döda och måste tas bort från scenen. Varje ljud som lät efter regissörens eller musikerns vilja, men som inte uppfattas av skådespelaren på något sätt och inte återspeglas i hans scenbeteende, måste tystas, eftersom han inte förvärvade en teatralisk kvalitet. Teaterväsen till allt som står på scenen, upplyser skådespelaren. Allt som skapas på teatern för att genom skådespelaren ta emot sitt livs fullhet är teatraliskt. Allt som gör anspråk på självständig betydelse, på självförsörjande vara, är antiteatraliskt. Detta är tecknet med vilket vi skiljer en pjäs från en dikt eller en berättelse, ett sceneri från en målning, en scenkonstruktion från en arkitektonisk struktur.

Teater är en kollektiv konst

Teater är en syntetisk konst. Skådespelare-bärare av detaljerna i teatern

Handling är huvudmaterialet i teaterkonsten

Dramaturgi är teaterns ledande komponent

Skådespelarens kreativitet är huvudmaterialet i regikonsten

Åskådaren är den kreativa komponenten i teatern ZAKHAVA!!!

TEATER(från den grekiska teatern - platser för ett spektakel, spektakel), den huvudsakliga typen av spektakulär konst. Teaterns generiska koncept är indelat i typer av teaterkonst: dramateater, opera, balett, pantomimeteater, etc. Ursprunget till begreppet är kopplat till den antika grekiska antikteatern, där platserna i auditoriet kallades så (från det grekiska verbet "teaomai" - jag tittar). Men idag är innebörden av denna term extremt varierande. Det används dessutom i följande fall:

1. En teater är en byggnad speciellt byggd eller anpassad för visning av föreställningar ("Teatern är redan full, lådorna lyser" A.S. Pushkin).

2. En institution, ett företag som är engagerat i att visa föreställningar, såväl som hela teamet av dess anställda som tillhandahåller uthyrning av teaterföreställningar (Mossovet-teatern; rundturer i Taganka-teatern, etc.).

3. En uppsättning dramatiska eller sceniska verk strukturerade enligt en eller annan princip (Tjechovs teater, renässansteater, japansk teater, Mark Zakharovs teater, etc.).

4. I en föråldrad mening (bevarad endast i teatralisk professionell slang) - scen, scen ("Adel fattigdom är bra bara på teater" A.N. Ostrovsky).

5. I bildlig mening - platsen för alla pågående händelser (teater för militära operationer, anatomisk teater).

Teaterkonst har specifika egenskaper som gör dess verk unika, oöverträffade i andra genrer och typer av konst.

För det första är det teaterns syntetiska natur. Hans verk inkluderar lätt nästan all annan konst: litteratur, musik, skön konst (målning, skulptur, grafik, etc.), sång, koreografi, etc.; och även använda de många prestationerna från en mängd olika vetenskaper och teknikområden. Så till exempel utgjorde den vetenskapliga utvecklingen av psykologi grunden för att agera och styra kreativitet, såväl som forskning inom semiotik, historia, sociologi, fysiologi och medicin (särskilt i undervisningen i scental och scenrörelse). Utvecklingen av olika teknikgrenar gör det möjligt att förbättra och flytta till en ny nivå av scenmaskineri; teaterns ljud- och bullerekonomi; ljusutrustning; uppkomsten av nya sceneffekter (till exempel rök på scenen, etc.). För att parafrasera det berömda talesättet om Moliere kan vi säga att teatern "tar sitt bästa där den finner det."

Därför - följande specifika egenskap hos teaterkonsten: den kreativa processens kollektivitet. Det är dock inte så enkelt här. Det handlar inte bara om de många teaterpersonalens gemensamma arbete (från föreställningens rollbesättning till representanter för de tekniska verkstäderna, vars välkoordinerade arbete till stor del avgör föreställningens "renhet"). I vilket verk av teaterkonst som helst finns det en annan fullfjädrad och viktigaste medförfattare - åskådaren, vars uppfattning korrigerar och transformerar föreställningen, placerar accenter på olika sätt och ibland radikalt förändrar föreställningens allmänna innebörd och idé. . En teaterföreställning utan åskådare är omöjlig - själva namnet på teatern förknippas med åskådarplatser. Publikens uppfattning om en föreställning är ett seriöst skapande verk, oavsett om publiken är medveten om det eller inte.

Följaktligen är teaterkonstens nästa kännetecken dess momentana natur: varje föreställning existerar endast i ögonblicket för dess reproduktion. Denna egenskap är inneboende i alla typer av scenkonst. Det finns dock en del egenheter här.

Så, på en cirkus, när artisteriet hos föreställningsdeltagarna krävs, blir trickets tekniska renhet fortfarande en grundläggande faktor: dess kränkning innebär en fara för cirkusartistens liv, oavsett närvaro eller frånvaro av åskådare. I princip är aktivt medförfattarskap med publiken kanske bara en cirkusartist - en clown. Härifrån kom utvecklingen av en av teatertyperna, teaterclowning, som utvecklas enligt lagar som ligger nära cirkusens, men ändå annorlunda: allmänt teatraliskt.

Att framföra musik och vokalkonst, med utvecklingen av ljudinspelningsteknik, fick möjligheten till fixering och ytterligare multipel reproduktion, identisk med originalet. Men en adekvat videoinspelning av en teaterföreställning är i princip omöjlig: handlingen utvecklas ofta samtidigt i olika delar av scenen, vilket ger volym åt det som händer och bildar en skala av toner och halvtoner i scenatmosfären. Med närbilder av fotografering finns nyanserna i det allmänna scenlivet kvar bakom kulisserna; allmänna planer är för små och kan inte förmedla alla detaljer. Det är ingen slump att bara regi, författares tv eller filmversioner av teaterföreställningar gjorda enligt tvärkulturella lagar blir kreativa framgångar. Det är som med en litterär översättning: den torra fixeringen av en teaterföreställning på film liknar interlinjär: allt verkar vara korrekt, men konstens magi försvinner.

Varje tomt utrymme kan kallas en tom scen. Människan rör sig

i rymden, någon tittar på honom, och detta är redan tillräckligt för en teater

handling. Men när vi pratar om teater menar vi oftast något annat. Röd

gardiner, spotlights, blank vers, skratt, mörker – allt detta blandas slumpmässigt in

vårt sinne och skapar en suddig bild, som vi utser i alla fall

i ett ord. Vi säger att biografen dödade teatern, alltså teatern det

existerade vid tiden för biofilmens tillkomst, det vill säga en teater med kassa, foajé, hopfällbar

fåtöljer, fotlampor, scenbyten, pauser och musik, som om själva ordet

"teater" betyder per definition just det och nästan inget annat.

Jag ska försöka dela in detta ord på fyra sätt och lyfta fram fyra olika.

betydelser, så jag kommer att prata om Dead Theatre, the Sacred Theatre, the Rough Theatre.

och om teatern som sådan. Ibland finns dessa fyra teatrar i grannskapet någonstans i

West End i London eller nära Times Square i New York. Ibland är de åtskilda av hundratals

miles, och ibland är denna uppdelning villkorad, eftersom två av dem kombineras till

en kväll eller en akt. Ibland för ett ögonblick alla fyra teatrarna -

Heligt, grovt, livlöst och teatern som sådan smälter samman till ett. P.Bäck"Tomt utrymme"

1. TEATER OCH SANNING Oscar Remez "The Mastery of the Director"

Om det är sant att "teatralitet" och "sanning" är dethuvuddelar av en dramatisk föreställning, lika santOCHdet faktum att kampen mellan dessa två principer är källan till utvecklinguttrycksfullmedel i teaterkonsten. Den här kampen är lättgissadenär vi kartlägger teaterns förflutna, och mycketsvårareavslöjas när man betraktar den levande kreativabearbetautvecklas framför våra ögon.

3. TEATERHISTORIA CYKEL

Genom att jämföra det välkända förflutna och den framväxande nutiden kan man komma till slutsatsen om ett speciellt mönster av förändringar i teatraliska trender, en speciell, strikt mätt, cyklikalitet av teatraliska epoker.

Prinsessan Turandot ersattes av ett nytt kriterium för scenisk sanning - metoden för fysiska handlingar. Den nya teatraliska traditionen fortsatte i verk av M. Kedrov. Samtidigt och i samma veva fungerade teatrarna för A. Popov och A. Lobanov. Vidare ersätts den allt mer strikta och konsekventa scenens "vitalitet" av N. Okhlopkovs romantiska teatralitet. Syntesen av två principer, toppen av teatern i slutet av 40-talet - "The Young Guard", en pjäs av N. Okhlopkov, som mest fullständigt uttryckte verkligheten med hjälp av modernt konstnärligt språk. I mitten av 50-talet - en ny våg - triumfen för metoden för effektiv analys: verken av M. Knebel, födelsen av Sovremennik, föreställningarna av G. A. Tovstonogov.

Som du kan se utvecklas varje teaterriktning till en början, så att säga latent, mognar ofta i tarmarna i den tidigare (och, som det visar sig senare, polära) riktningen, uppstår oväntat, utvecklas i konflikt med traditionen och passerar väg betingad av dialektik - uppstigning, fyllighetsuttryck, kreativ kris. Varje period av teaterhistorien har sin egen ledare. De följer honom, de imiterar honom, de argumenterar häftigt med honom, som regel, från två sidor - de som är kvar och de som är framför.

Naturligtvis är vägen för uppstigning till teatersyntes många komplex. Vändpunkterna inom teaterkonsten är inte nödvändigtvis förknippade med namnen på de regissörer som nämns här. Den pedantiska indelningen av teaterarbetare i "grupper", "strömmar", "läger" är knappast heller motiverad. Låt oss inte glömma - under perioden av teatral syntes på 20-talet skapade ingen mindre än K. S. Stanislavsky föreställningar där den vinnande trenden uttryckte sig mest fullständigt och levande - "Hot Heart" (1926) och "The Marriage of Figaro" (1927) . Det var i dessa verk som briljant teatralitet kombinerades med djup psykologisk utveckling.

En fortsättning på denna typ av tradition på konstteatern var en föreställning som The Pickwick Club (1934), iscensatt av regissören V. Ya. Stanitsyn.

Man kan få intrycket att teatern upprepar sig, efter en förutbestämd cirkel. Ett begrepp som ligger mycket nära denna typ av förståelse (med viss skiftning och tvetydighet i terminologin) föreslogs en gång av J. Gassner i sin bok "Form and Idea in Modern Theatre".

Men begreppet en sluten cyklisk utveckling av teaternfelaktig. En objektiv bild av teaterhistoriens utveckling -rörelse, utförs i en spiralgrundläggande, Vad tittar du påvarje husi sin nya vändning för teatern fram fundamentalt nyttkriterier sanning och teatralitet som kröner varje, från utvecklingscyklerna, syntesen uppstår varje gång på en annan grund. Samtidigt kan den nya teatraliteten inte annat än bemästra (även trots kontroversen) den tidigare erfarenheten, och detta är förutsättningen oundviklig i framtiden för dynamisk jämvikt. Därmed blir kampen mellan teatralitet och sanning innehållet i historien om att styra uttrycksfulla medel, en källa till utveckling av nya, moderna teaterformer.

1. Teater som konstform har en syntetisk karaktär. Teaterföreställningar inkluderar uttrycksmöjligheter, medel för nästan alla typer av konst (litteratur, musik, konst, koreografi, etc.). Samtidigt kommer ingen av konstformerna att spela en ledande roll. För närvarande uppnås syntesen av teatern genom användning av utvecklingen av modern vetenskap och teknik (psykologi, semiotik, teknik).

2. Teater är en kollektiv kreativ process. Det handlar inte bara om den gemensamma kreativiteten hos medlemmarna i truppen, utan det handlar om interaktionen, medförfattarskapet hos betraktaren. Publikens uppfattning kan korrigera och modifiera föreställningen. Föreställningen är inte möjlig utan publik. Publikens uppfattning är ett seriöst, kreativt, intellektuellt verk, även om betraktaren själv inte inser det.

3. Teater existerar som en momentan föreställning. Varje föreställning existerar endast i ögonblicket för dess reproduktion. Detta ger en förståelse för idén om historicitet i uppfattningen av teatern. Det är på teatern som åskådaren har direkt tillgång, engagemang i arbetet. Oavsett vilken epok skådespelarna spelar.

4. Ett teaterverk är inte bevarat på grund av ögonblicket, det existerar bara i det aktuella ögonblicket. Varje överföring till film gör det bara möjligt att fixa handlingen. I det här fallet försvinner konstens magi.

5. Teatern, liksom all konst, är föremål för en viss konstnärlig tid, händelserna på scenen (ett verks födelse) äger rum samtidigt med betraktarens perceptionshandling. På teatern, den sk. scentid - under vilken föreställningen äger rum. För närvarande är föreställningen 2,5-3 timmar, men vissa produktioner föreslår en längd på 5-10 timmar. Ibland tar det flera dagar.

6. Den främsta bäraren av den teatrala idén, handlingen är skådespelaren. Skådespelarens bild skapas inom ramen för pjäsens idé, dess tolkning av regissören, men trots detta förblir skådespelaren en konstnär som självständigt förkroppsligar levande bilder på scenen.

7. Teater som konstform är föremål för tolkning. Tolkningsproblemet uppstår inte så mycket i förhållande till den moderna dramaturgins texter som till klassikernas texter. Tolkning på teater är en variant av en nyläsning av ett välkänt verk, där man kan spåra författarens filosofiska, politiska, moraliska ställning.

I teatern gör tolkningen det möjligt att korrelera dagens problem med historiska fakta från den gångna dagen.

I analysen av teatralisk tolkning spelas en viktig roll av förståelsen av regissörens attityder, hans världsbild, såväl som klargörandet av några eviga problem som rör människans väsen. Betraktaren, som uppfattar ett klassiskt verk i teatern, går in i en dialog inte så mycket med författaren utan med regissören, vilket låter dig avslöja kärnan i det moderna samhällets konflikter. Men samtidigt är betraktaren i dialog med den tid då verket skapades. Regissörer vänder sig till klassiska verk, tolkar dem, eftersom. i dem är konflikten inte löst, den är evig. Regissören befinner sig i ett tillstånd av "tolkande överklagande" (W. Eco). Tolkning i teatern är möjlig, det är möjligt på nivån av en dramatiker, på nivån av en regissör, skådespelare, åskådare, teaterkritiker (Anatoly Smenlyansky, A.V. Protashevich).

Skriv en uppsats om ämnet: Vilka är likheterna mellan teater och skulptur? 1 sida

TEATER (Grekisk teater - en plats för skådespel) - en konstform baserad på livets konstnärliga reflektion, utförd genom en dramatisk handling utförd av skådespelare inför publiken. Teaterkonsten är sekundär. Grunden för scenkonsten är drama, som får en ny kvalitet i den teatrala gestaltningen - teatralitet, teatral bild. Teaterns utveckling hänger nära samman med dramats utveckling och monologens och dialogens dramatiska, uttrycksfulla medel. Teaterkonstens huvudsakliga verk är en föreställning, konstnärligt organiserad, spektakulär och lekfull handling. Föreställningen är resultatet av det kreativa teamets ansträngningar. Samtidigt kännetecknas föreställningen av bildlig enhet. Föreställningens figurativa struktur skapas av enheten av alla delar av lekhandlingen, underordnad en enda konstnärlig uppgift - "superuppgiften", och ett enda scenmål som organiserar scenhandlingen i tid och rum, "genom handling ”.

Teaterns lekfulla väsen håller på att förändras historiskt. Efter att ha uppstått från ritualen bevaras systemet med spektakulärt inflytande som helhet i alla skeden av teaterns utveckling - omvandlingen av skådespelaren, som använder sina psykofysiska data för att skapa bilden av en annan person - ordets karaktär och plasticitet är de viktigaste förutsättningarna för att involvera betraktaren i handlingen. Modern teater känner till olika former av organisering av lekhandling. I en realistisk, psykologisk upplevelseteater innebär principen att reflektera livet i själva livets former principen om en "fjärde vägg", som om den skiljer betraktaren från scenen och skapar en illusion av verkligheten. I teatern av performance - den "episka teatern" kanske lekens princip inte sammanfaller med sanningen i livets omständigheter och föreslår en poetisk-generaliserad, metaforisk, figurativ lösning.

Teater är en kollektiv konst (se). I den historiska utvecklingsprocessen etablerades principen för ensemblen. I den moderna teatern tillhör rollen som arrangören av scenhandlingen och lagets kreativa insatser regissören, som ansvarar för scentolkningen av den dramatiska grunden. Med hjälp av så figurativa och uttrycksfulla medel som mise-en-scene, tempo-rytm, komposition skapar regissören en konstnärlig bild av föreställningen.

Till sin natur är teaterkonsten syntetisk (se). Syntesens natur i teaterkonstens historia förändrades, balett stod ut, musikteatern blev självständig. Den samtida teatern tenderar att kombinera de mest olika konstformerna. Organisationen av den spektakulära syntesen beror till stor del på medverkan av kompositören, kostymdesignern, ljusdesignern och framför allt scenografen. Den materiella miljö som skapas av scenografens medel kan ha olika funktioner, men alltid, i enlighet med helhetens sammanhang, organiserar utföraren, bäraren av den psykologiska sanningen, betraktarens uppmärksamhet.

Teaterkonsten är designad för kollektiv uppfattning. Åskådaren, hans reaktion är en del av handlingen. Teatern existerar inte utan publikens omedelbara reaktion. En föreställning som repeteras men inte visas för publiken är inget konstverk. Det är betraktaren som ges rätten att skilja mellan innebörden av det uttryckssätt som den utövande har valt och dess användning. Åskådaren av den moderna teatern påverkas av många spektakulära former som utökar hans associationer och förändrar hans preferenser. Teatern kan inte annat än att ta hänsyn till dessa förändringar i sin utveckling, öka de teatraliska formernas roll och betydelse, stärka kopplingen mellan scenhandlingen och publiken.

Teaterkonsten är en form av socialt medvetande, ett medel för konstnärlig kunskap och utbildning. Teaterns särart ligger i reflektionen av betydande konflikter och karaktärer som påverkar den moderna publikens intressen och behov. Teaterns originalitet som konstform ligger i denna modernitet, vilket gör den till en viktig faktor i utbildningen.

2. Teaterkonst

Teaterkonst är en av de mest komplexa, mest effektiva och äldsta konsterna. Dessutom är den heterogen, syntetisk. Som komponenter inkluderar teaterkonst arkitektur, målning och skulptur (landskap) och musik (det låter inte bara i musik, utan ofta i en dramatisk föreställning) och koreografi (igen, inte bara i balett, utan också i drama). , och litteratur (texten på vilken en dramatisk föreställning är uppbyggd), och skådespelarkonsten, etc. Bland allt ovanstående är skådespelarkonsten den främsta, avgörande för teatern. Den berömda sovjetiske regissören A. Tairov skrev, "... i teaterns historia fanns det långa perioder när den existerade utan pjäser, när den gjorde utan några scenerier, men det fanns inte ett enda ögonblick när teatern var utan skådespelare " Tairov A. Ya, Regissörens anteckningar. Artiklar. Samtal. Tal. Brev. M., 1970, sid. 79. .

Skådespelaren i teatern är huvudkonstnären som skapar det som kallas scenbilden. Mer exakt, en skådespelare i teatern är samtidigt en konstnär-skapare, och kreativitetens material, och dess resultat är en bild. Skådespelarens konst låter oss se med våra egna ögon inte bara bilden i dess slutliga uttryck, utan också själva processen för dess skapelse, bildning. Skådespelaren skapar en bild av sig själv, och skapar den samtidigt i betraktarens närvaro, framför hans ögon. Detta är kanske scenens främsta särart, teaterbilden - och här är källan till det speciella och unika konstnärliga nöje som det levererar till betraktaren. Åskådaren på teatern, mer än någon annanstans i konsten, är direkt involverad i skapelsens mirakel.

Teaterkonsten är, till skillnad från andra konster, en levande konst. Det inträffar bara vid mötet med tittaren. Den bygger på den oumbärliga känslomässiga, andliga kontakten mellan scenen och publiken. Det finns ingen sådan kontakt, vilket gör att det inte finns något skådespel som lever enligt sina egna estetiska lagar.

Det är en stor plåga för en skådespelare att uppträda framför en tom sal, utan en enda åskådare. Ett sådant tillstånd är liktydigt med att vara i ett utrymme stängt från hela världen. I tiden för föreställningen riktas skådespelarens själ mot åskådaren, precis som åskådarens själ riktas mot skådespelaren. Teaterkonsten lever, andas, upphetsar och fångar åskådaren i de lyckliga ögonblicken när det genom de osynliga ledningarna av högspänningsöverföringar sker ett aktivt utbyte av två andliga energier som ömsesidigt strävar efter varandra - från skådespelare till tittare , från tittare till skådespelare.

Läser en bok, står framför en målning, läsaren, betraktaren ser inte författaren, målaren. Och bara på teatern möter en person öga mot öga med en kreativ konstnär, möter honom i skapelseögonblicket. Han gissar uppkomsten och rörelsen av hans hjärta, lever med honom alla växlingar av händelserna som ägde rum på scenen.

Ensam läsaren, ensam med den uppskattade boken, kan uppleva spännande, glada stunder. Och teatern lämnar inte sin publik ensam. Allt på teatern bygger på ett aktivt känslomässigt samspel mellan de som skapar ett konstverk på scen den kvällen och de för vilka det skapas.

Åskådaren kommer till en teaterföreställning inte som en utomstående betraktare. Han kan inte annat än uttrycka sin inställning till vad som händer på scenen. En explosion av bifallande applåder, glada skratt, spänd, ostörd tystnad, en lättnadens suck, tyst indignation - åskådarens medverkan i scenisk handling manifesteras i den rikaste variationen. En festlig atmosfär uppstår på teatern när sådan medverkan, sådan empati når sin högsta intensitet...

Detta är vad levande konst betyder. Konst, där det mänskliga hjärtats slag hörs, själens och sinnets subtilaste rörelser fångas känsligt, i vilken hela världen av mänskliga känslor och tankar, förhoppningar, drömmar, önskningar är innesluten.

Naturligtvis, när vi tänker och pratar om en skådespelare, förstår vi hur viktigt för teatern är inte bara en skådespelare, utan en ensemble av skådespelare, enhet, kreativ interaktion mellan skådespelare. "En riktig teater," skrev Chaliapin, "är inte bara individuell kreativitet, utan också en kollektiv handling som kräver fullständig harmoni av alla delar."

Teater är så att säga dubbelt kollektiv konst. Åskådaren uppfattar en teatral produktion, en scenisk handling inte ensam, utan kollektivt, "känner en grannes armbåge", vilket i hög grad förstärker intrycket, den konstnärliga smittan av det som sker på scenen. Samtidigt kommer själva intrycket inte från en person-aktör, utan från en grupp skådespelare. Både på scenen och i auditoriet, på båda sidor om rampen, lever, känner och agerar de - inte separata individer, utan människor, ett samhälle av människor, förbundna med varandra under en tid genom gemensam uppmärksamhet, syfte, gemensam handling .

Till stor del är det just detta som avgör teaterns enorma sociala och pedagogiska roll. Konst, som skapas och uppfattas tillsammans, blir en skola i ordets rätta bemärkelse. "Teatern", skrev den berömda spanska poeten Garcia Lorca, "är en skola av tårar och skratt, en gratis plattform från vilken människor kan fördöma föråldrad eller falsk moral och med hjälp av levande exempel förklara det mänskliga hjärtats och människans eviga lagar. känsla."

En person vänder sig till teatern som en återspegling av sitt samvete, sin själ - han känner igen sig själv i teatern, sin tid och sitt liv. Teatern öppnar för honom fantastiska möjligheter till andlig och moralisk självkännedom.

Och låt teatern, genom sin estetiska natur, en betingad konst, liksom andra konster, på scenen framträda inför betraktaren, inte verkligheten i sig, utan endast dess konstnärliga reflektion. Men det finns så mycket sanning i den reflektionen att den i all sin absoluthet uppfattas som det mest genuina, sanna livet. Betraktaren erkänner den högre verkligheten av existensen av scenkaraktärer. Den store Goethe skrev: "Vad kan vara mer natur än Shakespeares folk!"

På teatern, i en livlig gemenskap av människor som samlats för en scenföreställning, är allt möjligt: skratt och tårar, sorg och glädje, oförställd indignation och våldsam förtjusning, sorg och lycka, ironi och misstro, förakt och sympati, vaksam tystnad och högljutt godkännande - med ett ord, alla rikedomar av känslomässiga manifestationer och omvälvningar i den mänskliga själen.

Radziwill-familjens inflytande på bildandet av den vitryska kulturen

Det andra livet av onödiga saker. Restaurering och modernisering av gamla saker genom att skriva ut delar till dem på en 3D-skrivare från olika material

I vårt land diskuteras mer och mer projektet om samhällets kulturella utveckling. Alla vet att detta fenomen representerar en entusiasm för en sorts filosofisk analys av samhällets djupa tendenser ...

antik grekisk kultur

Andlig kultur i historicismens sammanhang

De gamla grekerna kallade konsten "förmågan att skapa saker i enlighet med vissa regler." Förutom arkitektur och skulptur, hänvisade de till konst som hantverk, och aritmetik, och i allmänhet alla företag ...

Ursprunget till den antika grekiska teatern

Teatern var kanske den största gåvan som antikens Grekland lämnade till det nya Europa. Från dess födelse ansågs denna helt ursprungliga skapelse av det grekiska geniet inte underhållning, utan en helig handling ...

Vitrysslands kultur under andra hälften av 1800-talet och början av 1900-talet

rysk kultur

Forntida rysk konst - målning, skulptur, musik - upplevde också påtagliga förändringar med antagandet av kristendomen. Pagan Rus' kände till alla dessa typer av konst, men i ett rent hedniskt, folkligt uttryck. Gamla träsnidare...

Moraliska och filosofiska problem i Mark Zakharovs arbete

Under 1800-talet utvecklades teaterkonsten snabbt på grund av flera faktorer: öppnandet av nya teatrar, kreativiteten hos en ny generation dramatiker, framväxten av specialiserade teateryrken, utvecklingen av litterära trender ...

Medeltida arabisk-muslimsk kultur

Medeltida arabisk arkitektur absorberade traditionerna i de erövrade länderna - Grekland, Rom, Iran, Spanien. Konsten i islams länder utvecklades också, som interagerar med religionen på ett komplext sätt. Moskéer...

medeltida samhälle

Kyrklig-religiös världsbild hade ett avgörande inflytande på utvecklingen av medeltida konst. Kyrkan såg sina uppgifter i att stärka de troendes religiösa känsla...

Teatral Art of the 20th Century: Searching for Ways to Dialogue

När en linje dikteras av en känsla - Den skickar en slav till scenen Och här tar konsten slut Och jorden och ödet andas. B. Pasternak Idén om dialog, konversation är förknippad i våra sinnen med språksfären, med muntligt tal, med kommunikation ...

FRÅGA 1

Teater som konstform. Det speciella med teatralisk kreativitet.

Teater som konstform.

Teater är en dubbelt kollektiv konst. Åskådaren uppfattar en teatral produktion, en scenisk handling inte ensam, utan kollektivt, "känner en grannes armbåge", vilket i hög grad förstärker intrycket, den konstnärliga smittan av det som sker på scenen. Samtidigt kommer själva intrycket inte från en person-aktör, utan från en grupp skådespelare. Både på scenen och i auditoriet, på båda sidor om rampen, lever, känner och agerar de - inte separata individer, utan människor, ett samhälle av människor, förbundna med varandra under en tid genom gemensam uppmärksamhet, syfte, gemensam handling .

^ Det speciella med teatralisk kreativitet.

Varje konst, som har särskilda inflytandemedel, kan och måste ge sitt bidrag till det allmänna systemet för estetisk utbildning.

Teatern har som ingen annan konstform störst "kapacitet". Han absorberar litteraturens förmåga att återskapa livet i ett ord i dess yttre och inre manifestationer, men detta ord är inte berättande, utan livligt klingande, direkt verksamt. Samtidigt, till skillnad från litteraturen, återskapar teatern verkligheten inte i läsarens sinne, utan som objektivt existerande bilder av liv (performance) lokaliserade i rymden. Och i detta avseende ligger teatern nära att måla. Men den teatrala handlingen är i ständig rörelse, den utvecklas i tiden – och detta ligger nära musiken. Fördjupning i betraktarens upplevelsevärld är besläktad med det tillstånd som en musiklyssnare upplever, nedsänkt i sin egen värld av subjektiv uppfattning av ljud.

Teatern är förstås inte på något sätt en ersättning för andra konstformer. Det speciella med teatern är att den bär på litteraturens, måleriets och musikens "egenskaper" genom bilden av en levande skådespelare. Detta direkta mänskliga material för andra former av konst är bara utgångspunkten för kreativiteten. För teatern fungerar "naturen" inte bara som material, utan bevaras också i sin omedelbara livlighet. Som filosofen G. G. Shpet noterade: ”Skådespelaren skapar av sig själv i en dubbel bemärkelse: 1) som vilken konstnär som helst, från sin kreativa fantasi; och 2) specifikt ha i sin egen person materialet från vilket den konstnärliga bilden skapas.

Teaterkonsten har en fantastisk förmåga att smälta samman med livet. Scenframträdandet, även om det utspelar sig på andra sidan rampen, suddar i stunder av hög spänning ut gränsen mellan konst och liv och uppfattas av publiken som själva verkligheten. Teaterns attraktionskraft ligger i att "livet på scenen" fritt gör sig gällande i betraktarens fantasi.

En sådan psykologisk vändning uppstår eftersom teatern inte bara är utrustad med verklighetens drag, utan i sig är en konstnärligt skapad verklighet. Den teatrala verkligheten, som skapar intryck av verkligheten, har sina egna speciella lagar. Teaterns sanning kan inte mätas med kriterierna för livets rimlighet. Den psykologiska belastningen som dramats hjälte tar på sig kan inte en person uthärda i livet, eftersom det på teatern finns en extrem komprimering av hela händelsecykler. Pjäsens hjälte upplever ofta sitt inre liv som ett gäng passioner och en hög koncentration av tankar. Och allt detta tar publiken för givet. "Otroligt" enligt normerna för objektiv verklighet är inte alls ett tecken på opålitlig konst. På teatern har "sanning" och "osanning" olika kriterier och bestäms av det bildliga tänkandets lag. "Konst upplevs som en verklighet av fullheten av våra mentala "mekanismer", men samtidigt utvärderas den i sin specifika kvalitet som ett konstgjort spel "inte verkligt", som barn säger, illusorisk fördubbling av verkligheten. ”

Teaterbesökaren blir en teatralisk åskådare när han uppfattar denna dubbla aspekt av scenhandlingen, inte bara ser en vital konkret handling framför sig, utan också förstår den inre meningen med denna handling. Det som händer på scenen upplevs både som sanningen om livet och som dess bildliga återskapande. Samtidigt är det viktigt att notera att betraktaren, utan att tappa känslan av det verkliga, börjar leva i teaterns värld. Relationen mellan verklig och teatral verklighet är ganska komplicerad. Det finns tre faser i denna process:

1. Verkligheten av objektivt visade verklighet, förvandlad av dramatikerns fantasi till ett dramatiskt verk.

2. Ett dramatiskt verk förkroppsligat av teatern (regissör, skådespelare) i scenlivet - en föreställning.

3. Scenlivet, uppfattat av publiken och blivit en del av deras upplevelser, smälte samman med publikens liv och återvände därmed till verkligheten igen.

Men "återgången" är inte analog med den ursprungliga källan, nu är den berikad andligt och estetiskt. "Ett konstverk är skapat för att leva - att leva nästan bokstavligt

Detta ord, dvs. gick in, som upplevda händelser i det verkliga livet,

I den andliga upplevelsen av varje person och hela mänskligheten.

Korsningen av två typer av aktiv fantasi - skådespelarens och publikens - ger upphov till vad som kallas "teaterns magi". Fördelen med teaterkonsten ligger i att den förkroppsligar det imaginära till en levande handling som utspelar sig på scenen med klarhet och konkretion. Inom andra konster uppträder fantasivärlden antingen i människans fantasi, som i litteratur och musik, eller avbildas i sten eller på duk, som i skulptur eller målning. På teatern ser betraktaren det imaginära. "Varje föreställning innehåller några fysiska och objektiva element som är tillgängliga för alla tittare" .

Scenkonsten förutsätter till sin natur inte passiv, utan aktiv entusiasm för publiken, för i ingen annan konst finns det ett sådant beroende av den skapande processen av dess uppfattning som i teatern. På G.D. Gachev är publiken "som himla väsen, som en tusenögd Argus<...>tända handlingen på scenen<...>ty själva scenens värld uppstår, framträder, men är i samma utsträckning åskådarens verk.

Teaterns grundläggande lag - publikens inre delaktighet i händelserna som äger rum på scenen - involverar spänningen av fantasin, oberoende, inre kreativitet hos var och en av åskådarna. Denna fascination för handlingen skiljer åskådaren från den likgiltiga betraktaren, som också finns i teatersalar. Åskådaren är, till skillnad från skådespelaren, den aktiva konstnären, en kontemplativ konstnär.

Publikens aktiva fantasi är inte alls någon speciell andlig egenskap hos de utvalda konstälskarna. Naturligtvis är den utvecklade konstnärliga smaken av stor betydelse, men det här är en fråga om utvecklingen av de känslomässiga principer som är inneboende i varje person. ”Konstnärlig smak öppnar vägen för läsaren, lyssnaren, betraktaren från den yttre formen till den inre och från den till verkets innehåll. För att denna väg ska lyckas passeras, deltagande av fantasi och minne, psykets känslomässiga och intellektuella krafter, vilja och uppmärksamhet, och slutligen tro och kärlek, det vill säga samma integrerade mentala komplex av andliga krafter som utför kreativ handling, är nödvändig.

Medvetenheten om den konstnärliga verkligheten i perceptionsprocessen är ju djupare, ju mer fullständigt betraktaren är nedsänkt i erfarenhetssfären, desto mer flerskiktad konst kommer in i den mänskliga själen. Det är i denna föreningspunkt mellan två sfärer - omedveten upplevelse och medveten konstuppfattning som fantasin existerar. Det är inbyggt i det mänskliga psyket initialt, organiskt, tillgängligt för varje person och kan avsevärt utvecklas under ackumuleringen av estetisk erfarenhet.

Estetisk uppfattning är betraktarens kreativitet, och den kan nå stor intensitet. Ju rikare betraktaren själv är, desto mer utvecklad hans estetiska sinne, desto fullständigare hans konstnärliga erfarenhet, desto aktivare hans fantasi och desto rikare hans teatraliska intryck.

Perceptionens estetik är till stor del inriktad på den ideala betraktaren. I verkligheten kommer den medvetna processen att utbilda teaterkultur troligen att främja betraktaren att få kunskap om konst och behärska vissa färdigheter i uppfattning. En utbildad tittare kan mycket väl:

Känna till teatern i dess egna lagar;

Lär känna teatern i dess moderna processer;

Känna till teatern i dess historiska utveckling.

Samtidigt ska man vara medveten om att kunskapen mekaniskt invikt i betraktarens huvud inte är en garanti för en fullvärdig uppfattning. Processen för bildandet av åskådarkulturen har i viss utsträckning egenskaperna hos en "svart låda", där kvantitativa moment inte alltid sammanfaller i en rak linje till vissa kvalitativa fenomen.

Teater är en fantastisk konst. Om så bara för att han under det senaste århundradet förutspåddes flera gånger förestående död. Han blev hotad av den stora tysta, som hade hittat tal - det verkade som att ljudbio skulle ta bort all publik från teatern. Sedan kom hotet från tv, när spektaklet kom direkt till huset, senare började man frukta den kraftiga spridningen av video och internet.

Men om vi fokuserar på de allmänna trenderna i förekomsten av teaterkonst i världen, så finns det inget förvånande i det faktum att teatern i början av 2000-talet inte bara behöll sig själv, utan började tydligt betona icke- masskaraktär och, i viss mening, dess konsts "elitism". Men i samma bemärkelse kan man tala om elitismen av skön konst eller klassisk musik, om vi jämför den publik på många miljoner som populära artister samlar med ett begränsat antal personer på konservatoriet.

I den moderna tidens syntetiska teater framträder den traditionella korrelationen mellan de dominerande principerna – sanning och fiktion – i ett slags oupplöslig enhet. Denna syntes äger rum både som en upplevelsehandling (uppfattning om livets sanning) och som en handling av estetisk njutning (uppfattning om teaterpoesi). Då blir betraktaren inte bara en psykologisk deltagare i handlingen, det vill säga en person som "absorberar" hjältens öde och andligt berikar sig själv, utan också en skapare som utför en kreativ handling i sin fantasi, samtidigt med det som händer på scenen. Detta sista ögonblick är oerhört viktigt, och i publikens estetiska utbildning intar det en central plats.

Naturligtvis kan varje tittare ha sin egen uppfattning om den perfekta prestandan. Men i alla fall bygger det på ett visst "program" av krav på konst. Denna typ av ”kunskap” förutsätter en viss mognad hos publikkulturen.

Åskådarkulturen beror till stor del på arten av den konst som erbjuds betraktaren. Ju svårare uppgiften ställdes inför honom - estetisk, etisk, filosofisk, desto mer spänd är tanken, desto skarpare upplevelse, desto subtilare manifestation av betraktarens smak. För vad vi kallar kulturen för läsaren, lyssnaren, betraktaren är direkt relaterad till utvecklingen av själva personligheten hos en person, beror på hans andliga tillväxt och påverkar hans ytterligare andliga tillväxt.

Betydelsen av den uppgift som teatern ställer för betraktaren i psykologiska termer ligger i det faktum att den konstnärliga bilden, given i all sin komplexitet och inkonsekvens, av betraktaren först uppfattas som en verklig, objektivt existerande karaktär, och sedan, när de vänjer sig vid bilden och reflekterar över den, handlingar, avslöjar (som om de var självständigt) dess inre väsen, dess generaliserande mening.

Rent estetiskt ligger uppgiftens komplexitet i det faktum att betraktaren uppfattar scenbilden inte bara enligt sanningskriterierna, utan också vet hur (lärt sig) dechiffrera dess poetiska metaforiska betydelse.

Så, teatralisk konsts specificitet är en levande person, som en direkt upplevande hjälte och som en direkt skapande konstnär-konstnär, och teaterns viktigaste lag är en direkt inverkan på betraktaren.

"Teatereffekten", dess klarhet bestäms inte bara av själva konstens värdighet, utan också av värdigheten, den estetiska kulturen i auditoriet. Åskådaren som en obligatorisk medskapare av föreställningen skrivs och talas oftast om av teaterutövare själva (regissörer och skådespelare): ”Det finns ingen teaterföreställning utan allmänhetens medverkan, och pjäsen har bara en chans att lyckas. om åskådaren själv "förlorar" spelet, dvs ... accepterar dess regler och spelar rollen som en person som känner empati eller drar sig tillbaka.

Uppvaknandet av konstnären i betraktaren inträffar dock endast om betraktaren till fullo kan uppfatta innehållet i föreställningen, om han kan utöka sitt estetiska omfång och lära sig se det nya i konsten, om han förblir trogen mot hans favoritkonstnärliga stil visar han sig inte vara döv och till andra kreativa riktningar, om han kan se en ny läsning av ett klassiskt verk och kan skilja regissörens idé från dess genomförande av skådespelarna ... Där finns många fler sådana "om" sådana. Följaktligen, för att åskådaren ska bli involverad i kreativitet, så att konstnären vaknar i honom, i det nuvarande skedet av utvecklingen av vår teater, är en allmän ökning av åskådarens konstnärliga kultur nödvändig.

Populär i kategorin: