Spanische Renaissance-Künstler. Renaissance in Spanien

Eine neue Etappe in der Entwicklung der spanischen Renaissance, die sogenannte Hochrenaissance, geht auf die zweite Hälfte des 16. - frühen 17. Jahrhunderts zurück. Gemäß den strengen Grundsätzen der Gegenreformation (ab 1545) verfolgte Philipp II. (1527-1598) fortschrittliche Denker, förderte gleichzeitig die kulturelle Entwicklung, gründete eine Bibliothek in Escorial und unterstützte viele Universitäten. Kreative und denkende Menschen, denen die Möglichkeit genommen wurde, sich in Philosophie und Journalismus auszudrücken, wandten sich der Kunst zu, wodurch sie in der zweiten Hälfte des 16. und 17. Jahrhunderts überlebte. eine beispiellose Blüte, und diese Ära wurde das "goldene Zeitalter" genannt. Die säkularen Ideen des Humanismus einiger Dichter und Schriftsteller waren mit religiösen Motiven verflochten.

In der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts bis in die 30er Jahre des 17. Jahrhunderts. Poesie herrscht vor - lyrisch und episch. Darüber hinaus waren Hirtenromane beliebt, und realistische Romane und Dramen wurden geboren. In der spanischen Lyrik gab es zwei gegensätzliche Dichterschulen – Sevilla und Salamanca. Fernando de Herrera (1534-1597) und andere Dichter der Sevillaner Schule bevorzugten Liebeslyrik, erdig und sinnlich, in der oft zivile Motive erklangen und klangen.

An der Spitze der Salamanca-Schule stand der Augustinermönch und Theologieprofessor Luis de Leon (1527-1591), der Begründer der Poesie der „Mystiker“. Im Gegensatz zur katholischen Kirche befürworteten die Mystiker eine individuelle Art, Gott zu erkennen und mit ihm zu verschmelzen. Die prominentesten Vertreter dieser Richtung sind Teresa de Cepeda y Aumada (1515-1582), bekannt als die heilige Teresa de Jesus, und Juan de la Cruz (1542-1591), der dem Karmeliterorden angehörte. Auch der Dominikaner Luis de Granada (1504-1588), der in Latein, Portugiesisch und Spanisch schrieb, schloss sich den „Mystikern“ an.

Die Bewunderung für die antike Poesie, die als hohes Niveau galt, weckte den Wunsch, Werke im Geiste der epischen Gedichte von Homer und Virgil zu schaffen. Der erfolgreichste Versuch wurde von Alonso de Ercilla i Zúñiga (1533-1594) unternommen, der Araucan schrieb.

Zweite Hälfte des 16. Jahrhunderts geprägt von der Blütezeit des Hirtenromans. Der Vorfahr des Genres in Spanien war der Portugiese Jorge de Montemayor (ca. 1520-1561), der The Seven Books of Diana (1559) schrieb, gefolgt von vielen Fortsetzungen, zum Beispiel Diana in Love (1564) von Gaspar Gil Polo (1585) sowie Galatea (1585) von Cervantes und Arcadius (1598) von Lope de Vega.

Gleichzeitig erschienen „maurische“ Romane, die dem Leben der Mauren gewidmet sind: die anonyme Geschichte von Abenserrach und der schönen Kharifa und die Bürgerkriege in Granada (Teil I - 1595, Teil II - 1604) von Ginés Perez de Ita. Dank der Arbeit von Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616), der sich in verschiedenen literarischen Genres bewährte, erlangte die spanische Literatur weltweite Berühmtheit. Sein unsterbliches Werk, der als Parodie auf die damaligen Ritterromane konzipierte Roman Der schlaue Hidalgo Don Quixote von La Mancha, ist zu einem der markantesten Denkmäler der Weltliteratur geworden.

In dieser Ära ist die Entstehung des spanischen Nationaldramas abgeschlossen. Seine charakteristischen Merkmale wurden am vollständigsten in der Arbeit von Lope F. de Vega Carpio (1562-1635) verkörpert. Das Weltbild von Lope de Vega, einem Erneuerer auf dem Gebiet der Dramaturgie, verband humanistische und patriarchalische Ideen. Er skizzierte seine Ansichten über das Drama in der Abhandlung The New Art of Composing Comedies in Our Time (1609). Lope de Vega - der Schöpfer des Ehrendramas, erscheint in seinen Werken als Vorwegnahme des Klassizismus des 17. Jahrhunderts. die Vorstellung von der Unfreiheit eines Menschen, da sich herausstellt, dass Ehre für ihn wichtiger ist als Leidenschaften. Seine Komödien lassen sich bedingt in drei Gruppen einteilen - "Hofkomödien", "Mantel- und Schwertkomödien" und "Komödien der schlechten Sitten". Er beeinflusste Dramatiker wie Guillen de Castro y Belvis (1569-1631), Antonio Mira de Amescua (1574-1644), Luis Vélez de Guevara (1579-1644).

Zu Beginn des 17. Jahrhunderts. Spanien behauptete seine Position als Weltmarktführer, aber die wirtschaftliche Situation verschlechterte sich stark, trotz des enormen Goldzuflusses aus dem kolonialen Amerika. In der Endphase der Renaissance, die oft als Sonderepoche des Barock bezeichnet wird, herrscht die Tendenz vor, das Geschehen auf dem Lande als Folge der bösen Neigung des Menschen zu interpretieren, eine Vorstellung, die mit der christlichen Sündhaftigkeitslehre übereinstimmt. Der Ausweg wurde in einem Appell an den Verstand gesehen, dem Menschen zu helfen, den Weg zu Gott zu finden, was sich auch in der Literatur widerspiegelte, die dem Kontrast zwischen der menschlichen Natur und seinem Verstand, zwischen Schönheit und Hässlichkeit und dem Schönen besondere Aufmerksamkeit widmet wurde als etwas Vergängliches und praktisch Unzugängliches wahrgenommen.

Zwei Stilrichtungen dominierten die Poesie – „Gongorismus“, benannt nach dem größten Dichter dieser Zeit, Luis de Gongora y Argote (1561-1627), und „Konzeptismus“, vom Wort „concepto“, was „Gedanke“ bedeutet. "Gongorismus" wurde auch "Kulteranismus" genannt, vom Wort culto ("kultiviert"), da dieser Stil für ein ausgewähltes, gebildetes Publikum bestimmt war. Gongora war ein weltlicher Dichter und das Volksmotiv in seinem Werk, die Anziehungskraft auf die Genres der Volkspoesie (Romanzen und Letrilla) werden mit exquisiten künstlerischen Techniken kombiniert. "Conceptism", dessen Gründer A. de Ledesma ist, der die Gedichtsammlung Spirituelle Gedanken (1600) veröffentlichte, widersetzte sich dem "Gongorismus". Gleichzeitig wurde im "Konzeptismus" wie im "Gongorismus" viel Wert auf Form, die Schaffung komplexer Konzepte, Wortspiele und Witz gelegt.

Quevedo, einer der Vertreter des "Konzeptismus", versuchte sich in verschiedenen Genres, aber dieser Stil erreichte seine größte Entwicklung in seinen satirischen Essays Dreams (1606-1622). Ein herausragender Philosoph, Moralist und Schriftsteller war Baltasar Gracian y Morales (1601-1658), ein Mitglied des Jesuitenordens, der unter Pseudonymen sprach. In Wit, or the Art of the Sophisticated Mind (1648) formuliert er die Prinzipien des Konzeptismus.

Also: Die einzelnen Phasen der Renaissance in Spanien fielen nicht mit den entsprechenden Phasen der Renaissance in anderen Ländern zusammen.

• - Das 15. Jahrhundert repräsentiert in der spanischen Kunst die Zeit der Geburt einer neuen künstlerischen Weltanschauung.
• - In den ersten Jahrzehnten des 16. Jahrhunderts traten Stilphänomene auf, die mit der Hochrenaissance in Verbindung gebracht wurden, aber dennoch erwiesen sich die Traditionen der Frührenaissance als vorherrschend.
• - Die Zeit der höchsten Errungenschaften der spanischen Kultur ist die zweite Hälfte des 16. Jahrhunderts. Es reicht aus, den Namen des großen Cervantes zu nennen, um sich vorzustellen, welche tiefgreifenden und vielschichtigen Probleme der Realität in der Literatur dieser Zeit verkörpert waren. Bedeutende künstlerische Leistungen prägen Architektur und Malerei.

Der Bau eines so majestätischen Ensembles wie Escorial geht auf das zweite Viertel des 16. Jahrhunderts zurück; Zu dieser Zeit arbeitete der griechische Künstler Domenico Theotokopuli, bekannt als El Greco, in Spanien. Aber im Gegensatz zu den italienischen (insbesondere venezianischen) Meistern der Spätrenaissance, in deren Werk die Verbindung und Kontinuität mit dem künstlerischen Ideenkreis der vorangegangenen Stufen der Renaissance deutlich zum Ausdruck kam, sind die Merkmale der tragischen Krise der Spätrenaissance Die Renaissance wurde in der spanischen Malerei stärker verkörpert.

Allgemeine Merkmale der spanischen Renaissance.

Die Literatur der Renaissance in Spanien zeichnet sich durch ihre große Originalität aus, die sich in den Besonderheiten der historischen Entwicklung Spaniens erklärt. Bereits in der zweiten Hälfte des XV Jahrhunderts. hier sehen wir den Aufstieg der Bourgeoisie, das Wachstum der Industrie und des Außenhandels, die Geburt der kapitalistischen Verhältnisse und die Lockerung der feudalen Institutionen und der feudalen Weltanschauung. Letzteres wurde besonders durch die humanistischen Ideen untergraben, die aus dem fortschrittlichsten Land dieser Zeit - Italien - eindrangen. In Spanien verlief dieser Prozess jedoch im Vergleich zu anderen Ländern auf sehr eigentümliche Weise, was auf zwei Umstände zurückzuführen ist, die für die damalige spanische Geschichte typisch waren.

Der erste hängt mit den Bedingungen zusammen, unter denen die Reconquista verlief. Die Tatsache, dass einzelne Regionen Spaniens separat, zu unterschiedlichen Zeiten und unter unterschiedlichen Bedingungen erobert wurden, führte dazu, dass sich in jeder von ihnen besondere Gesetze, Bräuche und lokale Bräuche entwickelten. Die Bauernschaft und die Städte, die auf den eroberten Ländern an verschiedenen Orten basierten, erhielten unterschiedliche Rechte und Freiheiten. Die heterogenen lokalen Rechte und Freiheiten, die von den verschiedenen Regionen und Städten hartnäckig gehalten wurden, waren die Ursache für ständige Konflikte zwischen ihnen und der königlichen Macht. Oft kam es sogar vor, dass sich die Städte mit den Feudalherren dagegen schlossen. Daher wurde bis zum Ende des frühen Mittelalters in Spanien kein so enges Bündnis zwischen der königlichen Macht und den Städten gegen große Feudalherren geschlossen.

Ein weiteres Merkmal der historischen Entwicklung Spaniens im 16. Jahrhundert. ist wie folgt. Die Folge des außerordentlichen Goldzuflusses aus Amerika war ein starker Preisanstieg aller Produkte – eine „Preisrevolution“, die alle europäischen Länder betraf, sich aber in Spanien besonders stark manifestierte. Da es rentabler wurde, ausländische Produkte zu kaufen, entwickelte sich die spanische Industrie in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. stark reduziert. Auch die Landwirtschaft verfiel - teils aus dem gleichen Grund, teils als Folge des massiven Ruins der Bauern und der Verarmung einer großen Zahl adliger Kleinbauern, die der Konkurrenz mit Großgrundbesitzern mit diversen Privilegien nicht standhalten konnten.

Alle Merkmale der Geschichte Spaniens bestimmen den allgemeinen Charakter seiner Literatur im 16. - 17. Jahrhundert. Die Literatur der spanischen Renaissance ist klar in zwei Perioden unterteilt: 1). Frührenaissance (1475 - 1550) und 2). Reife Renaissance (1550 - die ersten Jahrzehnte des 17. Jahrhunderts).

Zu Beginn dieser Periode ist in Spanien, wie in den meisten anderen Ländern, das Aufkommen jener neuen, kritischen und realistischen Herangehensweise an die Realität zu beobachten, die für das Weltbild der Renaissance charakteristisch ist. Spanien hat eine Reihe herausragender Wissenschaftler und Denker, die alte Vorurteile über Bord geworfen und den Weg für moderne wissenschaftliche Erkenntnisse geebnet haben.

Es gibt Druckereien, intensiv übersetzte römische und griechische Schriftsteller. Die 1508 gegründete Universität in Alcala de Henares wird zum Zentrum der humanistischen Bewegung. Dennoch erhielten die humanistischen Ideen in Spanien nicht ihre volle philosophische Entwicklung. Als sie bei Hofe und in der Aristokratie auf die feindseligste Haltung gegen sich selbst stießen, keine Unterstützung von der Bourgeoisie fanden, wurden sie von der katholischen Reaktion stummgeschaltet.

Humanistische Ideen in der spanischen Renaissanceliteratur finden ihren Ausdruck fast ausschließlich in poetischen Bildern und nicht in theoretischen Schriften. Aus dem gleichen Grund war der Einfluss antiker und italienischer Gestaltung in Spanien insgesamt viel geringer als beispielsweise in Frankreich oder England. Ebenso ist der Formenkult weniger charakteristisch für die spanische Literatur der Renaissance. Sie zeichnet sich durch Männlichkeit, Strenge, Nüchternheit, große Konkretheit der Bilder und Ausdrücke aus, die auf die mittelalterliche spanische Tradition zurückgeht. In all diesen Aspekten hat die spanische Literatur der Renaissance einen eigentümlichen, spezifisch nationalen Charakter.

Die religiösen Einflüsse der Zeit spiegeln sich deutlich in dieser Literatur wider. Die Ideologie und Praxis des Katholizismus hinterließ starke Spuren sowohl im Leben der Menschen als auch im Leben der privilegierten Klassen.

Nirgendwo in der Literatur des XVI - XVII Jahrhunderts. Religiöse Themen nehmen keinen so prominenten Platz ein wie in Spanien. Wir finden hier ganz unterschiedliche "mystische" Literatur - religiöse Gedichte und Lyrik ( Ludwig von Leon, San Juan de la Cruz), Beschreibungen von „wundersamen Bekehrungen“, Ekstasen und Visionen ( Teresa von Jesus), theologische Abhandlungen und Predigten ( Luisde Granada). Größte Dramatiker Lope de Vega, Calderon) schreiben sie neben weltlichen Theaterstücken religiöse Stücke, dramatisierte Legenden und das Leben von Heiligen oder "heilige Handlungen", die das Thema der Verherrlichung des Sakramentes der "Kommunion" hatten. Aber auch in weltlichen Theaterstücken tauchen oft religiöse und philosophische Themen auf ( "Sevilla schelmisch" Tirso de Molina, Der standhafte Prinz Calderon).

Bei allem schmerzhaften Charakter, den die Entwicklung Spaniens trug, zeigte das Volk das Maximum an nationaler Energie. Er zeigte große Neugier, Entschlossenheit und Mut bei der Überwindung von Hindernissen. Die weiten Perspektiven, die sich den damaligen Menschen eröffneten, der Umfang politischer und militärischer Unternehmungen, die Fülle neuer Eindrücke und Möglichkeiten für verschiedene energische Aktivitäten - all dies spiegelte sich in der spanischen Literatur des 16. bis 17. Jahrhunderts wider geprägt von großer Dynamik, Leidenschaft und reicher Vorstellungskraft.

Dank dieser Qualitäten nimmt die spanische Literatur des „goldenen Zeitalters“ (wie die Zeit etwa vom zweiten Drittel des 16. Jahrhunderts bis zur Mitte des 17. Jahrhunderts genannt wird) einen der ersten Plätze unter den Nationalliteraturen der Renaissance ein . Die spanische Literatur, die sich in allen Genres brillant zeigt, hat besonders hohe Standards im Roman und im Drama gesetzt, d.h. in jenen literarischen Formen, in denen die für das damalige Spanien typischen Züge am vollsten zum Ausdruck kommen konnten - die Glut der Gefühle, Energie und Bewegung.

Schaffung eines nationalen spanischen Dramas.

In Spanien und Portugal sowie in anderen Ländern gab es ein mittelalterliches Theater - teils religiös (Mysterien und Wunder), teils völlig weltlich, komisch (Possen). Das mittelalterliche religiöse Theater in Spanien war aufgrund der enormen Rolle, die die katholische Kirche im Leben des Landes spielte, äußerst stabil – es verschwand nicht nur nicht während der Renaissance, wie es in Italien und Frankreich geschah, sondern entwickelte sich intensiv weiter im 16. und sogar im 17. Jahrhundert. .; Darüber hinaus wurden Stücke dieser Art von den größten Dramatikern der Ära geschrieben. In diesen Jahrhunderten blieben die Genres des volkstümlichen komischen Theaters, das auch von großen Meistern gepflegt wurde, ebenso beliebt.

Allerdings zusammen mit diesen alten dramatischen Gattungen bis zur Mitte des 16. Jahrhunderts. in Spanien wird ein neues System der Renaissance-Dramaturgie entwickelt, das auch die Interpretation der oben genannten alten Genres durch Renaissance-Autoren beeinflusst. Dieses neue dramaturgische System entstand aus der Kollision zweier Theaterprinzipien der mittelalterlichen Volks- oder Halbvolkstradition und der wissenschaftlich-humanistischen Strömungen, die aus Italien oder direkt aus der Antike, aber meist auch durch italienische Vermittlung kamen. Zunächst entwickeln sich die beiden Arten der Dramaturgie, die diese beiden Tendenzen zum Ausdruck bringen, parallel, voneinander getrennt oder treten miteinander in Konflikt, aber sehr bald beginnt eine Wechselwirkung zwischen ihnen, und am Ende verschmelzen sie zu einem einzigen dramatischen System . In diesem System des nationalen Dramas der Renaissance, dessen Höhepunkt als das Werk von Lope de Vega anerkannt werden sollte, ist das Volksprinzip immer noch das Hauptprinzip, obwohl italienische und antike Einflüsse, die ursprünglich beherrscht wurden, eine bedeutende Rolle dabei spielten Formation. Letzteres wurde durch das Erscheinen im 16. Jahrhundert erleichtert. Spanische Übersetzungen von Plautus und Terence.

Anders als in England, wo die Reformation siegte, entwickelte sich die Kultur Spaniens vor dem Hintergrund des Erstarkens der katholischen Ideologie, was sich in der beispiellosen Ausbreitung der Inquisition ausdrückte.

Im ersten Drittel des XVI Jahrhunderts. In der spanischen Malerei prallten zwei Einflüsse aufeinander: der Holländer und der neue Italiener, der durch den Manierismus repräsentiert wurde. Es wurde bereits im Zusammenhang mit der italienischen Renaissance diskutiert. Es ist jedoch sinnvoll, im Zusammenhang mit dem großen Einfluss des Manierismus auf die spanische Malerei, insbesondere auf El Greco, darauf zurückzukommen. Obwohl bis zum XIX Jahrhundert. Kunsthistoriker standen dem Manierismus ablehnend gegenüber, hielten ihn für durch und durch nachahmend, revidierten im 20. Jahrhundert ihre Positionen und bewiesen die stilistische Eigenständigkeit der Manieristen.

Es stellte sich heraus, dass der Manierismus tatsächlich eine originelle Tendenz in der Malerei ist, die auf eigenen und nicht geliehenen Prinzipien basiert. Vertreter des Manierismus entfernten sich von der harmonischen Weltanschauung der Renaissance. Äußerlich den Meistern der Hochrenaissance folgend, behaupteten die Manieristen die Tragödie des Lebens. Eine scharfe Wahrnehmung des Lebens verband sich mit dem Wunsch, die "innere Idee" des künstlerischen Bildes auszudrücken. Die Manieristen haben möglicherweise Pionierarbeit bei der Suche nach reiner Kunst geleistet, ein charakteristisches Merkmal praktisch aller nachfolgenden Generationen europäischer Künstler.

Surrealismus, Expressionismus und Abstraktionismus des 20. Jahrhunderts sind eine kreative Fortsetzung des Manierismus mit seinem Rückzug in den Subjektivismus, die Dramatisierung künstlerischer Bilder. Das Konzept der „Maniera“ konzentriert sich auf die Suche nach dem Ideal der formalen Perfektion und Virtuosität, es drückt den ständigen Trend des menschlichen Geistes aus.

Heute sehen Kunsthistoriker die Ursprünge des Manierismus bereits in der Antike, der Neugotik, der italienischen, deutschen und holländischen Kunst. Der Begriff „Manierismus“ kam in Mode und bezeichnete die gesamte Malerei des 16. Jahrhunderts vom Tod Raffaels (1520) bis zum Beginn von Klassizismus und Barock, die ihrerseits als Reaktion auf ihn entstanden. Viele Forscher bevorzugen

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verschmelzen, um diese Kunst als eine Periode zwischen Renaissance und Barock zu definieren.

Nach 1530 eroberte der Manierismus fast ganz Europa. Die Spanier und vor allem der große El Greco (1541-1614) bewunderten die eleganten Kreationen der Manieristen. Als Kind studierte er Ikonenmalerei bei den Kanadischen Mönchen auf Kreta und malte ab 1560 in Venedig an der Tintoretto-Schule weiter. Ab 1577 lebte der Künstler in Toledo, Spanien. Obwohl die kühne Leuchtkraft seiner Farben und die freie Interpretation biblischer Szenen Kritik hervorriefen, insbesondere von König Philipp II., erhielt er dennoch viele Aufträge von Kirche und Privatpersonen. In Spanien hat sich schließlich der einzigartige individuelle Stil von El Greco entwickelt. Er idealisierte die Menschen, die er porträtierte, und ordnete durch die Verlängerung ihrer Körper und Gesichter die natürlichen Proportionen der Ausdruckskraft des Bildes unter. Die byzantinische Tradition der Flächenmalerei wurde mit dem Kontrast von hellen und dunklen Tönen kombiniert, der der venezianischen Schule eigen ist. Der spanische Einfluss spiegelte sich in der mystischen Schreibweise wider. Er schuf religiöse, mythologische, Genrebilder, Porträts, Landschaften („Das Begräbnis des Grafen Orgaz“, 1586-1588; „Ansicht von Toledo“, 1610-1614).

Verläuft das 16. Jahrhundert in Spanien im Zeichen der italienischen Renaissance, so beginnt im 17. Jahrhundert die niederländische Malerei zu dominieren. Das 17. Jahrhundert gilt in Spanien wie in den Niederlanden als „goldenes Zeitalter“. Der Begriff „Goldenes Zeitalter“ bezieht sich vor allem auf die Blütezeit der spanischen Literatur in der Ära von Cervantes, Gongora und Lope de Vega. Aber es kann auch auf eine Galaxie großer Künstler wie Zurbaran, Velazquez und Murillo angewendet werden.

In der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts wirkte sich noch der Einfluss italienischer Künstler, vor allem venezianischer Meister, aus. In dieser Zeit waren die Kunsthochschulen von Valencia und Toledo führend. In der zweiten Hälfte des Jahrhunderts verdrängten jedoch die Arbeiten der Flamen, insbesondere von Rubens und Van Dyck, die italienische Malerei. Die komplexen dunklen Kompositionen der ersten Hälfte des Jahrhunderts wichen dynamischen Werken mit gleichmäßigerer Beleuchtung. Madrid und Sevilla wurden zu wichtigen künstlerischen Zentren.

Francisco de Zurbaran (1598-1664) war einer jener Meister, deren Kunst die spanische Malerei des 17. Jahrhunderts an einen der ersten Orte in Europa brachte. Ein ungewöhnlich starker Realitätssinn bestimmte das charakteristische Merkmal der künstlerischen Sprache Zurbarans – ein Bekenntnis zur Natur mit einer äußerst lakonischen, ja strengen Monumentalität. Seine Aufmerksamkeit konzentrierte sich auf zwei Bereiche - das Porträt und die Legenden, die mit dem Leben der Heiligen verbunden sind. Zurbaran stellte strenge Mönche dar, die von Kontemplation oder ekstatischem Gebet gefangen waren, und malte auch gerne Kinder, die er als Vorbilder für Gemälde zu den Themen der Kindheit von Christus und Maria verwendete.

Diego Velasquez (1599-1660) wird als „Porträtmaler des spanischen Hofes“ bezeichnet. Das Leben von Velasquez, dem unbestrittenen Oberhaupt der spanischen Schule, dem Hofmaler Philipps IV., ist ein anschauliches Beispiel für das Schicksal vieler Künstler: ein Nachkomme einer Adelsfamilie, ein Genie, ein Mann, der dank seiner Direktheit Vornehmheit und Galanterie, erwarb sich die Freundschaft des Königs und den Respekt zahlreicher Neider, führte er ein würdiges und weises Leben, fast unbelastet von Ereignissen, die selbst höfische Intrigen nicht erschüttern konnten.

Durch die Gnade des Königs erhält er 1659 nach langer Prüfung der „Reinheit“ des Blutes und des Fehlens von Handelsaktivitäten die Kleidung des Ritters von St. Jacob ist eine beispiellose Ehre für einen Künstler. Velasquez schuf nicht nur Porträts von Mitgliedern der königlichen Familie, sondern auch Gemälde zu religiösen und mythologischen Themen ("Bakh"), historische Gemälde ("Surrender of Breda"), wandte sich ständig Genreszenen zu ("Frühstück", "Spinners") . Die Werke des späten Velasquez, dessen poetische Welt einen etwas geheimnisvollen Charakter erhält, nehmen die Kunst der Impressionisten vorweg. Einer von ihnen, Manet, nannte Velasquez den „Maler der Maler“.

Im literarischen Bereich sind Ritter- und Schelmenromane weit verbreitet. Der größte Vertreter dieses Genres war der große Miguel de Cervantes (1547-1616), Autor des weltberühmten Romans Don Quijote. In seinem Buch parodiert Cervantes die überschwemmten Ritterromane

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Spanischer Buchmarkt. Die Ideale des Rittertums zu Beginn des 17. Jahrhunderts waren längst überholt. Trotzdem wurde Cervantes' Buch zu einer Geschichte über die zwei Prinzipien der menschlichen Natur – romantischer Idealismus und nüchterne Sachlichkeit. Cervantes selbst stammte aus einer verarmten Ritterfamilie, diente lange Zeit in der spanischen Armee und verdiente sich dann seinen Lebensunterhalt im Kommissardienst. Cervantes' Roman folgt den Abenteuern des idealistischen Ritters Don Quijote, der in einer durch und durch pragmatischen Welt stur an ritterlichen Werten festhält. Er verschließt die Augen vor der Realität um sich herum, kämpft mit Windmühlen. Und oft kommt er aus der Gefangenschaft seiner Illusionen nicht heraus und erklärt den Widerspruch zwischen Realität und Ideal durch die Machenschaften böser Mächte. Obwohl das Buch von der Autorin als unterhaltsame Lektüre konzipiert wurde, ist es zu einem Musterbeispiel ernsthafter Moralliteratur für die Weltliteratur geworden.

Der Begründer des spanischen Nationaldramas war Lope de Vega (1562-1635). Wie seine jüngeren Zeitgenossen Tirso de Molina (ca. 1583-1648) und Calderon de La Barca (1600-1681) trug der Dramatiker mit seinem wirklich immensen Werk (über 2000 Werke, 500 sind bekannt) zur raschen Blüte des Spanischen bei Komödie, die damals als ein in Versen geschriebenes Theaterstück mit drei Akten galt. Peru Lope de Vega besitzt ^ historische und gesellschaftspolitische Dramen, Komödien über die Liebe (die bekanntesten sind "Dance Teacher" und "Dog in the Manger").

Der Abschluss der Reconquista und die Vereinigung von Kastilien und Aragon gaben der Entwicklung der spanischen Kultur einen starken Impuls. Im 16.-17. Jahrhundert erlebte es eine Blütezeit, die als "goldenes Zeitalter" bekannt ist.

Am Ende des XV und der ersten Hälfte des XVI Jahrhunderts. In Spanien machte das fortgeschrittene Denken große Fortschritte und manifestierte sich nicht nur im Bereich der künstlerischen Kreativität, sondern auch im Journalismus und in wissenschaftlichen Arbeiten, die von freiem Denken durchdrungen waren. Die reaktionäre Politik Philipps II. versetzte der spanischen Kultur einen schweren Schlag. Aber die Reaktion konnte die schöpferischen Kräfte der Menschen nicht ersticken, die sich am Ende des 16. und in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts manifestierten. überwiegend im Bereich Literatur und Kunst.

Die spanische Kultur der Renaissance hatte tiefe volkstümliche Wurzeln. Die Tatsache, dass der kastilische Bauer niemals ein Leibeigener war (Siehe F. Engels, Brief an Paul Ernst, K. Marx und F. Engels, Über die Kunst, M.-L. 1937, S. 30.), und die spanischen Städte eroberten früh seine Unabhängigkeit schuf im Land eine ziemlich breite Schicht von Menschen, die ein Bewusstsein ihrer eigenen Würde hatten (siehe F. Engels, Brief an Paul Ernst, K. Marx und F. Engels, Über die Kunst, M.-L. 1937, S. 30. )

Obwohl die günstige Zeit in der Entwicklung der Städte und eines Teils der Bauernschaft Spaniens sehr kurz war, lebte das Erbe der heroischen Zeit in den Köpfen der Spanier weiter. Dies war eine wichtige Quelle für die hohen Errungenschaften der klassischen spanischen Kultur.

Allerdings war die Renaissance in Spanien umstrittener als in anderen europäischen Ländern. In Spanien gab es keinen so scharfen Bruch mit der feudal-katholischen Ideologie des Mittelalters, wie es beispielsweise in italienischen Städten in der Zeit des Aufschwungs ihres Wirtschaftslebens und ihrer Kultur geschah. Deshalb brechen selbst so fortgeschrittene Spanier wie Cervantes und Lope de Vega nicht vollständig mit der katholischen Tradition.

Spanische Humanisten der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts.

Vertreter des fortgeschrittenen Denkens in Spanien, die in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts tätig waren, erhielten den Namen "Erasmisten" (nach dem berühmten Humanisten Erasmus von Rotterdam). Unter ihnen allen voran Alfonso de Valdes (gestorben 1532), Autor scharfer und bissiger Dialoge im Geiste des griechischen Satirikers Lucian, in denen er das Papsttum und die katholische Kirche angreift und ihnen Egoismus und Zügellosigkeit vorwirft, muss erwähnt werden. Auch der herausragende spanische Philosoph Juan Luis Vives (1492-1540) war mit Erasmus verbunden. Vivss stammt aus Valencia, studierte in Paris und lebte in England und Flandern. Er beteiligte sich an der paneuropäischen Bewegung des Humanismus. Bereits in einem seiner frühen Werke, Der Triumph Christi, kritisiert Vives die aristotelische Scholastik und stellt ihr die Philosophie Platons im Geiste der italienischen Philosophen der Renaissance gegenüber.

Wichtiger ist, dass Vives in Abkehr von der mittelalterlichen Scholastik die Erfahrung in den Vordergrund rückt: Beobachtung und Experiment erlauben es, in die Tiefen der Natur einzudringen, öffnen den Weg zur Erkenntnis der Welt. Damit ist Vives einer der Vorgänger von Francis Bacon. Der Mensch steht im Mittelpunkt seines Konzepts. Vives spielte eine wichtige Rolle bei der Entwicklung der Psychologie als Wissenschaft. In seinem Werk „Von Seele und Leben“ geht er ausführlich auf das Problem der Wahrnehmung ein. In der Broschüre The Sage gibt Vivss eine humanistische Kritik an den alten scholastischen Lehrmethoden und entwickelt ein fortschrittliches pädagogisches System, das das Studium der klassischen Sprachen, der Geschichte und der Naturwissenschaften umfasst. Luis Vives war auch ein Unterstützer der Frauenbildung.

Ein weiterer spanischer Denker, der sich der Scholastik und dem von den Scholastikern sezierten Aristoteles widersetzte, war Francisco Sanchss (1550-1632). Im Gegensatz zu Luis Vives führt der Geist der freien Untersuchung Sanchez jedoch zu Skepsis. Sein Hauptwerk heißt „Dass es keine Erkenntnis gibt“ (1581). Sanchez untersucht die Widersprüche im menschlichen Erkenntnisprozess und gelangt zu einer rein negativen These: Alles, was wir wissen, ist unzuverlässig, relativ, bedingt. Eine solche pessimistische These, vorgebracht in der Zeit des Zusammenbruchs mittelalterlicher Ordnungen und dogmatischer Ideen, war nicht ungewöhnlich, insbesondere in Spanien mit seinen scharfen sozialen Widersprüchen und harten Lebensbedingungen.

Volkspoesie

Das 15. Jahrhundert war für Spanien die Blütezeit der Volkskunst. Zu dieser Zeit erschienen viele Romanzen. Die spanische Romanze ist eine nationale poetische Form, die ein kurzes lyrisches oder lyrisch-episches Gedicht ist. Die Romanzen besangen Heldentaten, dramatische Episoden des Kampfes mit den Mauren. Lyrische Romanzen schildern in einem poetischen Licht die Liebe und das Leiden von Liebenden. Die Romanzen spiegelten Patriotismus, Freiheitsliebe und eine poetische Weltanschauung wider, die für den kastilischen Bauern charakteristisch war.

Die Volksromantik befruchtete die Entwicklung der klassischen spanischen Literatur und wurde zum Boden, auf dem die große spanische Poesie des 16. und 17. Jahrhunderts entstand.

Humanistische Poesie

In Spanien wie in anderen Ländern entwickelte sich die Renaissanceliteratur auf der Grundlage einer Synthese aus nationaler Volkskunst und fortgeschrittenen Formen humanistischer Literatur. Einer der ersten Dichter der spanischen Renaissance - Jorge Manrique (1440-1478) war der Schöpfer des brillanten Gedichts "Paare über den Tod meines Vaters". In den feierlichen Strophen seines Werkes spricht er von der Allmacht des Todes und verherrlicht die Heldentaten unsterblicher Helden.

Bereits im XV Jahrhundert. In der spanischen Poesie tauchte ein aristokratischer Trend auf, der danach strebte, "gelehrte Texte" nach dem Vorbild der Literatur der italienischen Renaissance zu schaffen. Der größte Dichter der frühen spanischen Renaissance, Garcilaso de la Vega (1503-1536), gehörte dieser Richtung an. In seiner Poesie folgte Garcilaso den Traditionen von Petrarca, Ariosto und insbesondere dem berühmten Hirtendichter Italiens, Sannazaro. Das Wertvollste in Garcilasos Poesie sind seine Eklogen, die in idealisierter Form das Leben verliebter Hirten im Schoß der Natur darstellen.

Religiöse Texte waren in der spanischen Poesie der Renaissance weit verbreitet. Luis de Leon (1527-1591) war das Oberhaupt der Galaxie der sogenannten mystischen Dichter. Als Augustinermönch und Doktor der Theologie an der Universität von Salamanca, orthodoxer Katholik, wurde er dennoch der Ketzerei beschuldigt und ins Gefängnis der Inquisition geworfen, wo er über vier Jahre festgehalten wurde. Es gelang ihm, seine Unschuld zu beweisen, aber das Schicksal des Dichters an sich spricht dafür, dass in seinen Werken mehr als eine einfache Wiederholung religiöser Ideen vorhanden ist. Die großartigen Texte von Luis de Leon enthalten einen tiefen gesellschaftlich bedeutsamen Inhalt. Er spürt scharf die Disharmonie des Lebens, wo „Neid“ und „Lüge“ herrschen, wo ungerechte Richter urteilen. Er sucht sein Heil in einem einsamen kontemplativen Leben im Schoß der Natur (Ode „glückseliges Leben“).

Luis de Leon war nicht der einzige Dichter, der von der Inquisition ins Visier genommen wurde. In ihren Kerkern wurden viele talentierte Söhne des spanischen Volkes schmerzhafter Folter ausgesetzt. Einer dieser Dichter, David Abenator Malo, dem es gelang, sich zu befreien und nach Holland zu fliehen, schrieb über seine Freilassung: „Er kam aus dem Gefängnis, aus dem Grab gebrochen.“

In der zweiten Hälfte des XVI Jahrhunderts. in Spanien wird versucht, ein Heldenepos zu schaffen. Alonso de Ersilya (1533-1594), der sich der spanischen Armee anschloss und in Amerika kämpfte, schrieb ein langes Gedicht „Araucan“, in dem er die Heldentaten der Spanier besingen wollte. Als Vorlage wählte Ercilia Virgils Gedichtklassiker „Aeneis“. Das riesige, chaotische Werk von Ersilya ist insgesamt erfolglos. Es ist vollgestopft mit Scheinbeispielen und bedingten Episoden. In Araucan sind nur die Orte schön, an denen der Mut und die Entschlossenheit der freiheitsliebenden Araucaner, eines Indianerstammes, der seine Unabhängigkeit gegen die spanischen Konquistadoren verteidigte, dargestellt werden.

Wenn die Form eines epischen Gedichts im antiken Stil nicht geeignet war, die Ereignisse unserer Zeit zu reflektieren, so hat das Leben selbst eine andere epische Gattung vorgeschlagen, die für ihre Darstellung geeigneter ist. Dieses Genre war der Roman.

spanische romantik

Ab Anfang des 16. Jahrhunderts. in Spanien waren Ritterromane weit verbreitet. Die ungezügelte Fantasie dieser späteren Schöpfungen feudaler Literatur entsprach einigen Aspekten der Psychologie der Menschen der Renaissance, die sich auf riskante Reisen begaben und durch ferne Länder wanderten.

In der zweiten Hälfte des XVI Jahrhunderts. Auch das von Garcilaso de la Vega in die spanische Literatur eingeführte pastorale Motiv wurde in Form eines Romans entwickelt. Hier sind „Diana“ von Jorge de Montemayor (um 1559 geschrieben) und „Galatea“ von Cervantes (1585) zu erwähnen. In diesen Romanen wird das Thema des „goldenen Zeitalters“ auf seine Weise gebrochen, der Traum vom glücklichen Leben im Schoß der Natur. Die interessanteste und originellste Art des spanischen Romans war jedoch der sogenannte Schelmenroman (novela picaresca).

Diese Romane spiegelten das Eindringen der Geldbeziehungen in das spanische Leben, die Auflösung patriarchalischer Bindungen, den Ruin und die Verarmung der Massen wider.

Den Beginn dieser Richtung der spanischen Literatur legte die Tragikomödie von Calisto und Melibea, besser bekannt als Celestina (um 1492). Diese Kurzgeschichte (zumindest in ihrem Hauptteil) wurde von Fernando de Rojas geschrieben.

60 Jahre nach dem Erscheinen von Celestina, im Jahr 1554, erschien gleichzeitig in drei Städten das erste vollendete Beispiel eines Schelmenromans in Form eines kleinen Büchleins, das großen Einfluss auf die Entwicklung der europäischen Literatur hatte, der berühmte Lazarillo aus Tormes. Dies ist die Geschichte eines Jungen, eines Dieners vieler Herren. Um sein Existenzrecht zu verteidigen, muss Lazaro zu listigen Tricks greifen und verwandelt sich allmählich in einen kompletten Schurken. Die Haltung des Autors des Romans zu seinem Helden ist ambivalent. Er sieht in Tricks eine Manifestation von Geschicklichkeit, Intelligenz und Einfallsreichtum, die den Menschen des Mittelalters unzugänglich war. Aber in Lazaro zeigten sich auch die negativen Eigenschaften des neuen Menschentyps deutlich. Die Stärke des Buches liegt in seiner offenen Darstellung der sozialen Verhältnisse in Spanien, wo sich unter der Soutane und dem edlen Umhang die niedersten Leidenschaften verbargen, die vom Fieber des Profits zum Leben erweckt wurden.

Der Nachfolger des unbekannten Autors von Lazarillos Tormes war der herausragende Schriftsteller Mateo Alemán (1547-1614), Autor des beliebtesten Schelmenromans „Die Abenteuer und das Leben des Schurken Guzmán de Alfarache, Wachtturm des menschlichen Lebens“. Mateo Alemáns Buch unterscheidet sich vom Roman seines Vorgängers durch die Weite des gesellschaftlichen Hintergrunds und durch eine düsterere Einschätzung der neuen gesellschaftlichen Verhältnisse. Das Leben ist absurd und zynisch, sagt Aleman, Leidenschaften blinder Menschen. Nur wenn man diese unreinen Bestrebungen in sich selbst besiegt, kann man rational und tugendhaft leben. Aleman ist ein Anhänger der stoischen Philosophie, die von Denkern der Renaissance von antiken römischen Autoren übernommen wurde.

Miguel de Cervantes

Der Schelmenroman repräsentiert jene Linie in der Entwicklung der spanischen Literatur, die den Siegeszug des Realismus von Cervantes mit besonderer Wucht vorbereitet hat.

Das Werk des größten spanischen Schriftstellers Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616) – des Begründers der neuen spanischen Literatur – entstand auf der Grundlage der Synthese aller Errungenschaften seiner früheren Entwicklung. Er hat die spanische und gleichzeitig die Weltliteratur zu neuen Höhen erhoben.

Die Jugend von Cervantes wurde von der abenteuerlichen Natur seiner Zeit angefacht. Er lebte in Italien, nahm an der Seeschlacht von Lepanto teil und wurde von algerischen Piraten gefangen genommen. Fünf Jahre lang unternahm Cervantes einen heldenhaften Versuch nach dem anderen, sich zu befreien. Aus der Gefangenschaft freigekauft, kehrte er arm nach Hause zurück. Cervantes sah die Unmöglichkeit, von literarischer Arbeit zu leben, und war gezwungen, Beamter zu werden. In dieser Zeit seines Lebens begegnete er dem prosaischen realen Spanien, der ganzen Welt, die in seinem Don Quijote so brillant dargestellt wird.

Cervantes hinterließ ein reiches und vielfältiges literarisches Erbe. Beginnend mit dem Hirtenroman Galatea wandte er sich bald dem Schreiben von Theaterstücken zu. Einer von ihnen - die Tragödie "Numancia" zeigt den unsterblichen Heldenmut der Einwohner der spanischen Stadt Numancia, die gegen die römischen Legionen kämpfen und den Tod vorziehen, um sich den Gewinnern zu ergeben. Basierend auf den Erfahrungen mit italienischen Kurzgeschichten schuf Cervantes einen originellen Typus spanischer Kurzgeschichten, die eine breite Lebensdarstellung mit Predigten verbinden („Instructive Novels“).

Aber alles, was er geschaffen hat, verblasst vor seinem brillanten Werk Der schlaue Hidalgo Don Quijote von La Mancha (1605-1615). Cervantes stellte sich eine bescheidene Aufgabe – den Einfluss fantastischer und lebensferner Ritterromane zu zerstören. Aber seine hervorragende Kenntnis des Lebens der Menschen, seine scharfe Beobachtungsgabe und seine geniale Fähigkeit zur Verallgemeinerung führten dazu, dass er etwas unermesslich Bedeutenderes schuf.

Don Quijote und Sancho Pansa. Kupferstich vom Titelblatt einer der ersten Ausgaben von Don Quixote von Cervantes.

Don Quixote träumt davon, die ritterlichen Zeiten in einer längst vergangenen Ära wieder aufleben zu lassen. Er allein versteht nicht, dass das Rittertum seine Zeit überlebt hat und wie der letzte Ritter eine komische Figur ist. In der Feudalzeit wurde alles nach dem Faustrecht gebaut. Und nun will Don Quijote mit der Kraft seiner Hand die bestehende Ordnung ändern, Witwen und Waisen schützen, Übeltäter bestrafen. Tatsächlich schafft er Unruhe, verursacht Übel und Leid für die Menschen. „Don Quijote muss seinen Fehler teuer bezahlt haben, als er sich vorstellte, dass fahrende Ritter mit allen wirtschaftlichen Gesellschaftsformen gleichermaßen kompatibel seien“, sagt Marx.

Aber gleichzeitig sind die Motive von Don Quijotes Handeln human und edel. Er ist ein überzeugter Verteidiger von Freiheit und Gerechtigkeit, Schutzpatron der Liebenden, ein Fan von Wissenschaft und Poesie. Dieser Ritter ist ein wahrer Humanist. Seine progressiven Ideale haben ihren Ursprung in der großen antifeudalen Bewegung der Renaissance. Sie wurden im Kampf gegen die Klassenungleichheit, gegen überholte feudale Lebensformen geboren. Aber selbst die Gesellschaft, die sie ersetzte, konnte diese Ideale nicht verwirklichen. Der gefühllose reiche Bauer, geizige Gastwirte und Kaufleute verspotten Don Quijote, seine Absicht, die Armen und Schwachen zu schützen, seine Großzügigkeit und Menschlichkeit.

Die Dualität des Bildes von Don Quijote liegt darin, dass seine fortschrittlichen humanistischen Ideale in einer reaktionären, überholten ritterlichen Form erscheinen.

Neben Don Quijote spielt im Roman ein Bauernknappe Sancho Pansa. Die Beschränktheit der ländlichen Existenzverhältnisse hinterließen Spuren bei ihm: Sancho Panza ist naiv und manchmal sogar albern, er ist der einzige Mensch, der an den ritterlichen Unsinn von Don Quijote geglaubt hat. Aber Sancho ist nicht ohne gute Qualitäten. Dabei offenbart er nicht nur seinen Einfallsreichtum, sondern entpuppt sich auch als Träger von Volksweisheiten, die er in unzähligen Sprichwörtern und Redensarten niederlegt. Unter dem Einfluss des humanistischen Ritters Don Quijote entwickelt sich Sancho moralisch weiter. Seine bemerkenswerten Qualitäten werden in der berühmten Episode der Statthalterschaft offenbart, als Sancho seine weltliche Weisheit, Uneigennützigkeit und moralische Reinheit offenbart. In keinem der Werke der westeuropäischen Renaissance findet sich eine solche Apotheose des Bauern.

Die beiden Protagonisten des Romans mit ihren fantastischen und naiven Vorstellungen werden vor dem Hintergrund des realen Alltags Spanien gezeigt, einem Land des stolzen Adels, der Gastwirte und Kaufleute, der reichen Bauern und Maultiertreiber. In der Kunst, diesen Alltag darzustellen, sucht Cervantes seinesgleichen.

Don Quijote ist das größte Volksbuch Spaniens, ein wunderbares Denkmal der spanischen Literatursprache. Cervantes vervollständigte die Umwandlung des kastilischen Dialekts, eines der Dialekte des feudalen Spaniens, in die literarische Sprache der aufstrebenden spanischen Nation. Das Werk von Cervantes ist der Höhepunkt in der Entwicklung der Renaissancekultur auf spanischem Boden.

Luís de Gongora

in der Literatur des 17. Jahrhunderts. düstere, hoffnungslose Stimmungen verstärken sich immer mehr und spiegeln einen inneren Zusammenbruch im öffentlichen Bewusstsein der Ära des fortschreitenden Niedergangs Spaniens wider. Die Reaktion auf die Ideale des Humanismus kam am deutlichsten im Werk des Dichters Luis de Gongora y Argote (1561-1627) zum Ausdruck, der einen besonderen Stil namens „Gongorismus“ entwickelte. Aus Gongors Sicht kann nur das Außergewöhnliche, Bizarr Komplexe, Lebensferne schön sein. Gonyura sucht Schönheit in der Welt der Fantasie und verwandelt sogar die Realität in eine fantastische dekorative Extravaganz. Er lehnt Einfachheit ab, sein Stil ist dunkel, schwer zu verstehen, vollgestopft mit komplexen, komplizierten Bildern und Übertreibungen. In der Poesie von Gongora fand der literarische Geschmack der Aristokratie seinen Ausdruck. Der Gongorismus breitete sich wie eine Krankheit in der gesamten europäischen Literatur aus.

Francisco de Quevedo

Der größte spanische Satiriker war Francisco de Quevedo y Villegas (1580-1645). Aus einer aristokratischen Familie stammend, beteiligte sich Quevedo als Diplomat an den politischen Intrigen Spaniens in Italien. Die Bekanntschaft mit dem politischen Regime in den spanischen Besitzungen führte ihn zu tiefer Enttäuschung. Quevedo nutzte seine Nähe zum Gericht und reichte Philipp IV. eine Notiz in Versen ein, in der er den König aufforderte, die Steuern zu senken und die Situation des Volkes zu verbessern. Der Autor der Notiz wurde von der Inquisition gefangen genommen und eingesperrt, wo er 4 Jahre lang in Ketten lag und als körperlich gebrochener Mann herauskam. Kurz nach seiner Entlassung starb er.

Quevedos berühmter Schelmenroman Die Lebensgeschichte eines Schurken namens Pablos, ein Beispiel für Vagabunden und ein Spiegel der Betrüger, wurde offenbar in der frühen Phase seines Lebens geschrieben. Dieses Buch ist zweifellos der tiefgründigste aller Schelmenromane. Quevedo erzählt die Geschichte des Sohnes eines diebischen Friseurs und einer Prostituierten – des unglücklichen Pablos – und zeigt ein ganzes System des Kindesmissbrauchs. Unter solchen Bedingungen aufgewachsen, wurde Pablos ein Schurke. Er wandert durch Spanien, und ungeheuerliche Armut und Schmutz werden vor ihm offenbart. Pablos sieht, wie Menschen sich gegenseitig betrügen, um zu existieren, sieht, dass ihre ganze Energie auf das Böse gerichtet ist. Quevedos Roman ist voller Bitterkeit.

In der zweiten Phase seiner Tätigkeit wendet sich Quevedo der Erstellung von satirischen Broschüren zu. Einen besonderen Platz unter ihnen nehmen seine "Visionen" ein - mehrere satirische und journalistische Essays, die Bilder des Jenseits in einem grotesken und parodistischen Geist darstellen. So wird im Essay „Der vom Teufel besessene Polizist“ die Hölle dargestellt, in der Könige und Hofkamarilla, Kaufleute und Reiche braten. Es gibt keinen Platz in der Hölle für die Armen, denn sie haben keine Schmeichler und falschen Freunde und keine Gelegenheit zu sündigen. Im 17. Jahrhundert der Degenerationsprozess des Genres des Schelmenromans begann.

Spanisches Theater

Spanien erlebte wie England und Frankreich im 16. bis 17. Jahrhundert. große Blüte von Drama und Theater. Der soziale Inhalt des spanischen Dramas von Lope de Vega bis zur Caldera ist der Kampf der absoluten Monarchie mit den Freiheiten des alten Spaniens, die der spanische Adel, die Städte und die kastilischen Bauern während der Reconquista errungen haben, voller intensiver Dramatik.

Im Gegensatz zur französischen Tragödie, die sich an antiken Vorbildern orientierte, entstand in Spanien ein Nationaldrama, durchaus originell und populär. Dramatische Werke wurden für öffentliche Theater geschaffen. Patriotisch veranlagte Zuschauer wollten die Heldentaten ihrer Vorfahren und die aktuellen Ereignisse unserer Zeit auf der Bühne sehen.

Lope de Vega

Begründer des spanischen Nationaldramas war der große Dramatiker Lope Felix de Vega Carpio (1562-1635). Als Soldat der Armee der "Unbesiegbaren Armada", ein brillanter weltlicher Mann, ein berühmter Schriftsteller, blieb Lopo de Vega sein ganzes Leben lang ein religiöser Mann, und in seinem Alter wurde er Priester und sogar Mitglied der "Heiligen" Inquisition. In dieser Dualität zeigte Lope de Vega die charakteristischen Merkmale der spanischen Renaissance. Er brachte in seinem Werk die humanistischen Bestrebungen dieser bemerkenswerten Ära zum Ausdruck, und gleichzeitig konnte Lope de Vega, ein fortschrittlicher Mann seiner Zeit, nicht mit den Traditionen des feudal-katholischen Spaniens brechen. Ihr soziales Programm sollte versuchen, die Ideen des Humanismus mit den patriarchalischen Bräuchen in Einklang zu bringen.

Lope de Vega war ein Künstler von seltener kreativer Fruchtbarkeit, er schrieb 1800 Komödien und 400 allegorische Kultstücke in einem Akt (etwa 500 Werke sind uns überliefert). Er schrieb auch heroische und komische Gedichte, Sonette, Romanzen, Kurzgeschichten usw. Wie Shakespeare hat Lope de Vega die Handlung seiner Stücke nicht erfunden. Er benutzte verschiedene Quellen – spanische Volksromane und Chroniken, italienische Bücher und Bücher alter Historiker. Eine große Gruppe von Stücken von Lope de Vega sind historische Dramen aus dem Leben verschiedener Völker. Er hat auch ein Stück aus der russischen Geschichte - "Der Großherzog von Moskau", das den Ereignissen zu Beginn des 17. Jahrhunderts gewidmet ist.

In seinen Hauptwerken schildert Lope de Vega das Erstarken der königlichen Macht, den Kampf der spanischen Könige gegen die aufständischen Feudalherren und die maurischen Horden. Er schildert die fortschreitende Bedeutung der Einigung Spaniens und teilt gleichzeitig den naiven Glauben des Volkes an den König als Repräsentanten der klassenlosen Gerechtigkeit, der der Willkür der Feudalherren Widerstand leisten kann.

Unter den historischen Stücken von Lope de Vega sind volkstümliche Heldendramen („Peribanes und Kommandant Ocanyi“, „Der beste Alcalde ist der König“, „Fu-ente Ovejuna“) von besonderer Bedeutung, die das Verhältnis dreier gesellschaftlicher Kräfte darstellen - Bauern, Feudalherren und königliche Macht. Lope de Vega zeigt den Konflikt zwischen Bauer und Feudalherr und steht ganz auf der Seite des Bauern.

Das beste dieser Stücke ist "Fuente Ovejuna" - eines der größten Dramen nicht nur im spanischen, sondern auch im Welttheater. Hier besiegt Lone de Vega gewissermaßen seine monarchischen Illusionen. Das Stück spielt in der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts. Der Kommandant des Ordens von Calatrava wütet in seinem Dorf Fuente Ovehuna (Schafquelle) und verletzt die Ehre der Bauernmädchen. Einer von ihnen - Laurencia - erhebt die Bauern leidenschaftlich zum Aufstand, und sie töten den Täter. Trotz der Tatsache, dass die Bauern gehorsame Untertanen des Königs waren und der Kommandant am Kampf gegen den Thron teilnahm, befahl der König, die Bauern zu foltern, und forderte sie auf, den Mörder zu verraten. Nur die Standhaftigkeit der Bauern, die alle Fragen mit den Worten beantworteten: „Fkhonte Ovehuna hat es geschafft“, veranlasste den König, sie widerwillig gehen zu lassen. In Anlehnung an Cervantes, den Autor der Numancia-Tragödie, schuf Lope de Vega ein Drama über Nationalheldentum, seine moralische Stärke und Ausdauer.

In einer Reihe seiner Werke zeigt Lope die Despotie der königlichen Macht. Unter ihnen sticht das hervorragende Drama Star of Seville hervor. Der Tyrannenkönig steht den Einwohnern der Stadt Sevilla gegenüber, die ihre Ehre und alte Freiheiten verteidigen. Der König muss vor diesen Leuten zurücktreten, ihre moralische Größe anerkennen. Aber die soziale und psychologische Stärke des „Sterns von Sevilla“ kommt den Tragödien Shakespeares nahe.

Die Dualität von Lope de Vega zeigte sich am deutlichsten in Dramen, die dem Familienleben des spanischen Adels gewidmet waren, den sogenannten "Ehrendramen" ("Abwesenheitsgefahren", "Ehrensieg" usw.). Für Lopo de Vega muss die Ehe auf gegenseitiger Liebe basieren. Aber nachdem die Ehe geschlossen wurde, sind ihre Fundamente unerschütterlich. Der Ehemann verdächtigt seine Frau des Verrats und hat das Recht, sie zu töten.

Die sogenannten Mantel- und Schwertkomödien schildern den Kampf junger spanischer Adliger – Menschen neuen Typs – um die Freiheit der Gefühle, um ihr Glück, gegen die despotische Macht ihrer Väter und Vormünder. Lope de Vega baut eine Komödie auf einer schwindelerregenden Intrige, auf Zufällen und Unfällen auf. In diesen Komödien, die die Liebe und den freien Willen des Menschen verherrlichen, war Lope de Vegas Verbindung mit der humanistischen literarischen Bewegung der Renaissance am deutlichsten. Aber in Lope de Vega hat der junge Mann der Renaissance nicht jene innere Freiheit, die uns an Shakespeares Komödien erfreut. Die Heldinnen von Lope de Vega sind dem edlen Ehrenideal treu. In ihrem Aussehen sind grausame, unattraktive Züge, die damit verbunden sind, dass sie die Vorurteile ihrer Klasse teilen.

Dramatiker der Lope School

Lope de Vega tritt nicht alleine auf, sondern wird von einer ganzen Galaxie von Dramatikern begleitet. Einer der direkten Schüler und Nachfolger von Lope war der Mönch Gabriel Telles (1571-1648), bekannt als Tirso de Molina. Den Platz, den Tirso in der Weltliteratur einnimmt, bestimmt vor allem seine Komödie Der schelmische Mann von Sevilla oder der steinerne Gast, in der er das Bild des berühmten Frauenverführers Don Juan schuf. Der Held des Stücks, Tirso, hat noch nicht jenen Charme, der uns im Bild des Don Juan bei Schriftstellern späterer Epochen fesselt. Don Juan ist ein verdorbener Edelmann, eingedenk des Feudalrechts der ersten Nacht, ein Verführer, der nach Vergnügen strebt und keine Mittel verschmäht, um sein eigenes zu erreichen. Dies ist ein Vertreter der Hofkamarilla, der Frauen aller Klassen beleidigt.

Pedro Calderoy

Das spanische Drama erreichte im Werk von Pedro Calderón de la Barca (1600-1681) erneut große Höhen. Die Figur von Calderon ist zutiefst umstritten. Caldera stammte aus einer adligen Adelsfamilie und war Ritter des Sant'Iago-Ordens. Priester und ehrenamtlicher Kaplan von König Philipp IV. Er schrieb nicht nur für das Volks-, sondern auch für das Hoftheater.

Die weltlichen Stücke von Calderon grenzen direkt an die Dramaturgie von Lope. Er schrieb „Mantel-und-Schwert-Komödien“, aber Caldera erlangte in seinen „Ehrendramen“ besondere realistische Kraft. So malte Calderon in dem Drama Doctor of His Honor ein ausdrucksstarkes Porträt eines spanischen Adligen des 17. Jahrhunderts. Fanatische Religiosität und ebenso fanatische Hingabe an die eigene Ehre koexistieren in diesem Dgoryanin mit rücksichtsloser Nüchternheit, jesuitischer List und kalter Berechnung.

Drama Calderon „Salamei alcalde“ ist eine Überarbeitung des gleichnamigen Stücks von Lope de Vega. Der Dorfrichter Pedro Crespo, der einen ausgeprägten Sinn für Würde hat und stolz auf seine bäuerliche Herkunft ist, verurteilte und hingerichtete einen adligen Offizier, der seine Tochter entehrte. Mit großer künstlerischer Kraft wird der Kampf eines einfachen Dorfrichters gegen einen vergewaltigenden Adligen dargestellt.

Einen großen Platz im Erbe von Calderon nehmen religiöse Dramen ein - dramatisierte "Leben der Heiligen" usw. Die Grundidee dieser Stücke ist rein katholisch. Aber Calderon bringt normalerweise einen Narren heraus, der nüchtern über religiöse Wunder lacht.

Das wunderbare Drama "Der wunderbare Zauberer" steht in der Nähe von religiösen Stücken. Marx nannte dieses Werk „Katholischen Faust“. Der Held des Stücks ist ein suchender und wagemutiger Mensch. In seiner Seele gibt es einen Kampf zwischen einer sinnlichen Anziehung zu einer Frau und einer christlichen Idee. Calderons Stück endet mit dem Triumph des christlich-asketischen Anfangs, doch der große Künstler stellt das Irdisch-Sinnliche als etwas Mächtiges und Schönes dar. Es gibt zwei Narren in diesem Stück. Sie verspotten Wunder mit ihrem groben Misstrauen gegenüber religiöser Fiktion.

Mit besonderer Eindringlichkeit spiegelte sich das philosophische Konzept von Calderon in seinem Drama „Das Leben ist ein Traum“ wider. Die Ereignisse, die im Stück stattfinden, sind nicht nur real, sondern auch symbolisch. König von Polen Basilio, ein Astrologe und Zauberer, erfährt, dass sein neugeborener Sohn ein Schurke und Mörder sein wird. Er sperrt seinen Sohn Sehismundo in einem Turm in einem Wüstengebiet ein und hält ihn angekettet und in ein Tierfell gekleidet. Somit ist Sehismundo von Geburt an ein Gefangener. Dieses Bild eines in Ketten gefesselten jungen Mannes ist ein Symbolbild der Menschheit, die in sklavischer Abhängigkeit von gesellschaftlichen Verhältnissen steht. Um die Worte des Orakels zu überprüfen, befiehlt der König, den schlafenden Sehismundo in den Palast zu überführen. Als er aufwacht und erfährt, dass er der Herrscher ist, zeigt Sehismundo sofort die Züge eines Despoten und eines Bösewichts: Er droht den Höflingen mit dem Tod, erhebt die Hand gegen seinen eigenen Vater. Der Mensch ist ein Gefangener, ein in Ketten gefesselter Sklave oder ein Despot und Tyrann – so dachte Calderon.

Die Schlussfolgerungen, zu denen Calderón gelangt, sind phantastischer und reaktionärer Natur. Zum Turm zurückgekehrt, wacht Sehismundo auf und entscheidet, dass alles, was ihm im Palast widerfahren ist, ein Traum war. Er glaubt jetzt, dass das Leben ein Traum ist. Schlaf - Reichtum und Armut, Macht und Unterwerfung, Recht und Ungerechtigkeit. Wenn dem so ist, dann muss die Person ihre Bestrebungen aufgeben, sie unterdrücken und sich mit dem Fluss des Lebens abfinden. Die philosophischen Dramen von Calderón sind eine neue Art dramatischer Werke, die Lope de Vega noch nicht kannte.

Calderoy verbindet in seiner Arbeit tiefen Realismus mit reaktionären Zügen. Einen Ausweg aus den tragischen Widersprüchen der Wirklichkeit sieht er in der Anlehnung an die Ideen der feudalkatholischen Reaktion, im Kult der adeligen Ehre.

Trotz aller Widersprüche, die der spanischen Literatur des 16.-17. Jahrhunderts innewohnen, sind die von ihr geschaffenen künstlerischen Werte, insbesondere der spanische Roman und das spanische Drama, ein herausragender Beitrag zur Weltkultur.

Die Architektur

Auch die bildende Kunst erreichte in dieser Zeit große Höhen. Nach einer langen Zeit gotischer Dominanz und der Blütezeit der maurischen Architektur in Spanien im 16. Jahrhundert erwacht das Interesse an der Architektur der italienischen Renaissance. Aber nach seinen Mustern transformieren die Spanier ursprünglich die Formen der italienischen Architektur.

Die Tätigkeit des genialen Architekten Juan de Herrera (1530-1597), Schöpfer eines besonderen Stils der „herreresken“, geht auf die zweite Hälfte des 16. Jahrhunderts zurück. Dieser Stil nimmt die Form der antiken Architektur an. Und doch hat die größte Kreation von Herrera – der berühmte Palast von Philipp II. Escorial – wenig Ähnlichkeit mit den traditionellen Formen der klassischen Architektur.

Schon die Vorstellung von Escorial, das gleichzeitig Königspalast, Kloster und Grabstätte ist, ist sehr charakteristisch für die Zeit der Gegenreformation. Im Aussehen ähnelt Escorial einer mittelalterlichen Festung. Es ist ein quadratisches Gebäude mit Türmen an den Ecken. Ein Platz, der in eine Reihe von Quadraten unterteilt ist - so sieht der Plan des Escorial aus, der an ein Gitter erinnert (Gitter ist ein Symbol des heiligen Laurentius, dem dieses Gebäude gewidmet ist). Die düstere, aber majestätische Masse von Escorial symbolisiert sozusagen den harten Geist der spanischen Monarchie.

Renaissancemotive in der Architektur bereits in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts. verkommen in etwas Prätentiöses und Niedlichkeit, und die riskante Kühnheit der Formen kaschiert nur die innere Leere und Inhaltslosigkeit.

Malen

Die Malerei war nach der Literatur der zweite Bereich, in dem Spanien Werte von weltgeschichtlicher Bedeutung schuf. Die spanische Kunst kennt zwar keine harmonischen Werke im Geiste der italienischen Malerei des 15.-16. Jahrhunderts. Bereits in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Die spanische Kultur brachte einen Künstler von bemerkenswerter Originalität hervor. Das ist Domeviko Theotokopuli, gebürtig aus Kreta, bekannt als El Greco (1542-1614). El Greco lebte lange Zeit in Italien, wo er viel von den berühmten Meistern der venezianischen Schule, Tizian und Tintoretto, lernte. Seine Kunst ist einer der Ableger des italienischen Manierismus, ursprünglich auf spanischem Boden entstanden. Grecos Gemälde waren am Hof ​​nicht erfolgreich, er lebte in Toledo, wo er viele Bewunderer seines Talents fand.

In Grecos Kunst spiegelten sich die schmerzhaften Widersprüche seiner Zeit mit großer dramatischer Wucht. Diese Kunst ist in eine religiöse Form gekleidet. Aber die inoffizielle Interpretation kirchlicher Sujets distanziert Grecos Malerei von den staatlichen Vorlagen kirchlicher Kunst. Sein Christus und die Heiligen erscheinen vor uns in einem Zustand religiöser Ekstase. Ihre asketisch ausgemergelten, langgestreckten Gestalten neigen sich wie Flammen und scheinen nach dem Himmel zu greifen. Diese Leidenschaft und der tiefe Psychologismus von Grecos Kunst bringen ihn den ketzerischen Bewegungen der Ära näher.

Eskorial. Architekt Juan de Herrera. 1563

Ihre wahre Blüte erlebte die spanische Malerei im 17. Jahrhundert. Unter den spanischen Künstlern des XVII Jahrhunderts. An erster Stelle ist José Ribeiro (1591-1652) zu nennen. Er hält sich an die Traditionen des Italieners Caravaggio, entwickelt sie auf völlig originelle Weise weiter und ist einer der klügsten nationalen Künstler Spaniens. Den Hauptplatz in seinem Erbe nehmen Gemälde ein, die die Hinrichtungen christlicher Asketen und Heiliger darstellen. Der Künstler modelliert gekonnt menschliche Körper, die aus der Dunkelheit herausragen. Charakteristischerweise gibt Ribeira seinen Märtyrern die Züge von Menschen aus dem Volk. Francisco Zurbaran (1598-1664) war der Meister großer Kompositionen zu religiösen Themen, die andächtige Ekstase und eher kalten Realismus zu einem Ganzen verbanden.

Diego Velázquez

Der größte spanische Künstler Diego de Silva Velasquez (1599-1960) blieb bis zu seinem Lebensende Hofmaler Philipps IV. Im Gegensatz zu anderen spanischen Künstlern war Velasquez weit entfernt von religiöser Malerei, er malte Genrebilder und Porträts. Seine frühen Werke sind Szenen aus dem Volksleben. Die mythologischen Szenen von Velazquez' Bacchus (1628) und Vulcan's Forge (1630) sind in gewisser Hinsicht mit dieser Gattung verbunden. Auf dem Gemälde "Bacchus" (sonst - "Betrunkene") sieht der Gott des Weins und der Trauben aus wie ein Bauer und ist von unhöflichen Bauern umgeben, von denen er einen mit Blumen krönt. In The Forge of Vulcan taucht Apollo zwischen halbnackten Schmieden auf, die ihre Arbeit aufgegeben haben und ihn erstaunt ansehen. Velasquez erreichte eine erstaunliche Natürlichkeit bei der Darstellung von Volkstypen und -szenen.

Ein Beweis für die volle Reife des Künstlers war sein berühmtes Gemälde "Die Eroberung von Breda" (1634-1635) - eine festliche Militärszene mit einer tief durchdachten Komposition und einer subtilen psychologischen Interpretation von Gesichtern. Velázquez ist einer der größten Porträtmaler der Welt. Seine Arbeit ist geprägt von wahrheitsgemäßer psychologischer Analyse, oft gnadenlos. Zu seinen besten Werken gehört das Porträt des berühmten Favoriten des spanischen Königs - des Herzogs von Olivares (1638-1641), Papst Innozenz X. (1650) usw. In den Porträts von Velazquez werden Mitglieder des Königshauses in Posen dargestellt voller Bedeutung, Feierlichkeit und Erhabenheit. Aber prunkvolle Pracht kann nicht darüber hinwegtäuschen, dass diese Menschen mit dem Stempel der Degeneration gezeichnet sind.

Eine besondere Gruppe von Porträts von Velazquez sind Bilder von Narren und Freaks. Das Interesse an solchen Charakteren ist typisch für spanische Künstler dieser Zeit. Aber Velasquez weiß zu zeigen, dass Hässlichkeit ebenso zur Menschheit gehört wie die Schönheit. Trauer und tiefe Menschlichkeit leuchten oft in den Augen seiner Zwerge und Narren.

Einen besonderen Platz im Werk von Velasquez nimmt das Gemälde "Spinners" (1657) ein, das die königliche Manufaktur zur Herstellung von Wandteppichen darstellt. Im Vordergrund stehen Arbeiterinnen; sie spinnen Wolle, spinnen, tragen Körbe. Ihre Posen zeichnen sich durch freie Leichtigkeit aus, Bewegungen sind stark und schön. Dieser Gruppe stehen elegante Damen gegenüber, die die Manufaktur begutachten, ganz ähnlich den auf Wandteppichen gewebten. Sonnenlicht, das in den Arbeitsraum eindringt, hinterlässt überall seinen fröhlichen Eindruck, bringt Poesie in dieses Bild des Alltags.

Die Malerei von Velasquez vermittelt mit freien farbigen Strichen die Bewegung von Form, Licht und Transparenz der Luft.

Der prominenteste Schüler von Velázquez war Bartolome Esteban Murillo (1617-1682). Seine frühen Arbeiten zeigen Szenen mit Straßenjungen, die sich frei und selbstverständlich auf einer schmutzigen Straße der Stadt niederließen und sich wie echte Gentlemen in ihren Lumpen fühlten. Die religiöse Malerei Murillos ist von Zügen der Sentimentalität geprägt und zeugt vom beginnenden Niedergang der großen spanischen Schule.

Renaissance (Renaissance). Italien. XV-XVI Jahrhundert. Frühkapitalismus. Das Land wird von wohlhabenden Bankiers regiert. Sie interessieren sich für Kunst und Wissenschaft.

Die Reichen und Mächtigen scharen die Talentierten und Weisen um sich. Dichter, Philosophen, Maler und Bildhauer führen täglich Gespräche mit ihren Gönnern. Irgendwann schien es, als würden die Menschen von Weisen regiert, wie es Platon wollte.

Denken Sie an die alten Römer und Griechen. Sie bauten auch eine Gesellschaft freier Bürger auf, in der der Hauptwert eine Person ist (Sklaven natürlich nicht mitgezählt).

Die Renaissance kopiert nicht nur die Kunst der alten Zivilisationen. Dies ist eine Mischung. Mythologie und Christentum. Realismus der Natur und Aufrichtigkeit der Bilder. Körperliche und geistige Schönheit.

Es war nur ein Blitz. Die Periode der Hochrenaissance beträgt etwa 30 Jahre! Von den 1490er bis 1527 Vom Beginn der Blüte von Leonardos Kreativität. Vor der Plünderung Roms.

Das Trugbild einer idealen Welt verblasste schnell. Italien war zu zerbrechlich. Sie wurde bald von einem anderen Diktator versklavt.

Diese 30 Jahre bestimmten jedoch die Grundzüge der europäischen Malerei für 500 Jahre in der Zukunft! Bis zu .

Bildrealismus. Anthropozentrismus (wenn der Mensch der Mittelpunkt der Welt ist). Geradlinige Perspektive. Ölfarben. Porträt. Landschaft…

Unglaublicherweise haben in diesen 30 Jahren mehrere brillante Meister gleichzeitig gearbeitet. Zu anderen Zeiten werden sie alle 1000 Jahre geboren.

Leonardo, Michelangelo, Raffael und Tizian sind die Titanen der Renaissance. Aber es ist unmöglich, ihre beiden Vorgänger nicht zu erwähnen: Giotto und Masaccio. Ohne die es keine Renaissance geben würde.

1. Giotto (1267-1337)

Paulo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment des Gemäldes „Fünf Meister der Florentiner Renaissance“. Anfang des 16. Jahrhunderts. .

XIV Jahrhundert. Proto-Renaissance. Seine Hauptfigur ist Giotto. Dies ist ein Meister, der die Kunst im Alleingang revolutioniert hat. 200 Jahre vor der Hochrenaissance. Ohne ihn wäre die Ära, auf die die Menschheit so stolz ist, kaum gekommen.

Vor Giotto gab es Ikonen und Fresken. Sie wurden nach den byzantinischen Kanonen geschaffen. Gesichter statt Gesichter. flache Figuren. Proportionale Diskrepanz. Anstelle einer Landschaft - ein goldener Hintergrund. Wie zum Beispiel auf diesem Symbol.

Guido da Siena. Anbetung der Könige. 1275-1280 Altenburg, Lindenau-Museum, Deutschland.

Und plötzlich erscheinen Giottos Fresken. Sie haben große Figuren. Gesichter edler Menschen. Alt und Jung. Traurig. Traurig. Überrascht. Anders.

Fresken von Giotto in der Scrovegni-Kirche in Padua (1302-1305). Links: Beweinung Christi. Mitte: Kuss des Judas (Detail). Rechts: Verkündigung der heiligen Anna (Marias Mutter), Fragment.

Die Hauptschöpfung von Giotto ist ein Zyklus seiner Fresken in der Scrovegni-Kapelle in Padua. Als diese Kirche für Gemeindemitglieder geöffnet wurde, strömten Menschenmassen hinein. Das haben sie noch nie gesehen.

Immerhin hat Giotto etwas noch nie Dagewesenes getan. Er übersetzte die biblischen Geschichten in eine einfache, verständliche Sprache. Und sie sind für normale Menschen viel zugänglicher geworden.

Giotto. Anbetung der Könige. 1303-1305 Fresko in der Scrovegni-Kapelle in Padua, Italien.

Das wird für viele Meister der Renaissance charakteristisch sein. Lakonismus der Bilder. Live-Emotionen der Charaktere. Realismus.

Lesen Sie mehr über die Fresken des Meisters im Artikel.

Giotto wurde bewundert. Aber seine Innovation wurde nicht weiterentwickelt. Die Mode für den internationalen Gothic kam nach Italien.

Erst nach 100 Jahren wird ein würdiger Giotto-Nachfolger erscheinen.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Selbstbildnis (Fragment des Freskos „Heiliger Petrus auf der Kanzel“). 1425-1427 Die Brancacci-Kapelle in Santa Maria del Carmine, Florenz, Italien.

Anfang des 15. Jahrhunderts. Die sogenannte Frührenaissance. Ein weiterer Innovator betritt die Szene.

Masaccio war der erste Künstler, der die lineare Perspektive verwendete. Es wurde von seinem Freund, dem Architekten Brunelleschi, entworfen. Nun ist die abgebildete Welt der realen ähnlich geworden. Spielzeugarchitektur gehört der Vergangenheit an.

Masaccio. Der heilige Petrus heilt mit seinem Schatten. 1425-1427 Die Brancacci-Kapelle in Santa Maria del Carmine, Florenz, Italien.

Er übernahm den Realismus von Giotto. Im Gegensatz zu seinem Vorgänger kannte er sich jedoch bereits gut mit Anatomie aus.

Anstelle von blockigen Charakteren ist Giotto wunderschön gebaute Menschen. Genau wie die alten Griechen.

Masaccio. Taufe der Neophyten. 1426-1427 Brancacci-Kapelle, Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz, Italien.
Masaccio. Vertreibung aus dem Paradies. 1426-1427 Fresko in der Brancacci-Kapelle, Santa Maria del Carmine, Florenz, Italien.

Masaccio lebte ein kurzes Leben. Er starb, wie sein Vater, unerwartet. Mit 27 Jahren.

Er hatte jedoch viele Anhänger. Meister der folgenden Generationen gingen in die Brancacci-Kapelle, um von seinen Fresken zu lernen.

So wurde die Innovation von Masaccio von allen großen Künstlern der Hochrenaissance aufgegriffen.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Selbstportrait. 1512 Königliche Bibliothek in Turin, Italien.

Leonardo da Vinci ist einer der Titanen der Renaissance. Er beeinflusste die Entwicklung der Malerei maßgeblich.

Es war da Vinci, der den Status des Künstlers selbst erhöhte. Dank ihm sind Vertreter dieses Berufs nicht mehr nur Handwerker. Dies sind die Schöpfer und Aristokraten des Geistes.

Leonardo gelang vor allem in der Porträtmalerei der Durchbruch.

Er glaubte, dass nichts vom Hauptbild ablenken sollte. Das Auge sollte nicht von einem Detail zum anderen wandern. So entstanden seine berühmten Porträts. Prägnant. Harmonisch.

Leonardo da Vinci. Dame mit einem Hermelin. 1489-1490 Chertoryski-Museum, Krakau.

Die wichtigste Neuerung von Leonardo ist, dass er einen Weg gefunden hat, Bilder ... lebendig zu machen.

Vor ihm sahen die Figuren auf den Porträts aus wie Schaufensterpuppen. Die Linien waren klar. Alle Details sind sorgfältig gezeichnet. Eine gemalte Zeichnung kann unmöglich lebendig sein.

Leonardo erfand die Sfumato-Methode. Er verwischte die Linien. Den Übergang von Licht zu Schatten sehr weich gemacht. Seine Figuren scheinen in einen kaum wahrnehmbaren Schleier gehüllt zu sein. Die Charaktere erwachten zum Leben.

. 1503-1519 Louvre, Paris.

Sfumato wird in das aktive Vokabular aller großen Künstler der Zukunft eingehen.

Oft gibt es die Meinung, dass Leonardo natürlich ein Genie ist, aber nicht wusste, wie man etwas zu Ende bringt. Und er malte oft nicht zu Ende. Und viele seiner Projekte blieben auf Papier (übrigens in 24 Bänden). Im Allgemeinen wurde er in die Medizin geworfen, dann in die Musik. Sogar die Kunst des Dienens war einst beliebt.

Denken Sie jedoch selbst. 19 Gemälde – und er ist der größte Künstler aller Zeiten und Völker. Und jemand ist nicht einmal annähernd groß, während er in seinem Leben 6.000 Leinwände schreibt. Offensichtlich hat wer eine höhere Effizienz.

Lesen Sie im Artikel über das berühmteste Gemälde des Meisters.

4. Michelangelo (1475-1564)

Daniele von Volterra. Michelangelo (Ausschnitt). 1544 Metropolitan Museum of Art, New York.

Michelangelo betrachtete sich als Bildhauer. Aber er war ein universeller Meister. Wie seine anderen Renaissance-Kollegen. Daher ist sein bildnerisches Erbe nicht weniger grandios.

Er ist vor allem an körperlich entwickelten Charakteren erkennbar. Er stellte einen perfekten Mann dar, bei dem körperliche Schönheit geistige Schönheit bedeutet.

Deshalb sind alle seine Charaktere so muskulös und robust. Sogar Frauen und alte Leute.

Michelangelo. Fragmente des Freskos des Jüngsten Gerichts in der Sixtinischen Kapelle, Vatikan.

Oft malte Michelangelo die Figur nackt. Und dann fügte ich Kleidung oben hinzu. Um den Körper so geprägt wie möglich zu machen.

Er malte allein die Decke der Sixtinischen Kapelle. Obwohl dies ein paar hundert Zahlen sind! Er ließ nicht einmal jemanden die Farbe reiben. Ja, er war ungesellig. Er hatte eine zähe und streitsüchtige Persönlichkeit. Aber vor allem war er unzufrieden mit ... sich selbst.

Michelangelo. Fragment des Freskos "Erschaffung Adams". 1511 Sixtinische Kapelle, Vatikan.

Michelangelo lebte ein langes Leben. Überlebte den Niedergang der Renaissance. Für ihn war es eine persönliche Tragödie. Seine späteren Werke sind voller Traurigkeit und Trauer.

Im Allgemeinen ist der kreative Weg von Michelangelo einzigartig. Seine frühen Werke sind das Lob des menschlichen Helden. Frei und mutig. In den besten Traditionen des antiken Griechenlands. Wie sein David.

In den letzten Lebensjahren - das sind tragische Bilder. Ein absichtlich grob behauener Stein. Wie vor uns liegen Denkmäler für die Opfer des Faschismus des 20. Jahrhunderts. Schauen Sie sich seine "Pieta" an.

Skulpturen von Michelangelo in der Akademie der Schönen Künste in Florenz. Links: David. 1504 Rechts: Pietà von Palestrina. 1555

Wie ist das möglich? Ein Künstler hat in seinem Leben alle Stationen der Kunst von der Renaissance bis zum 20. Jahrhundert durchlaufen. Was werden die nächsten Generationen tun? Gehen Sie Ihren eigenen Weg. Zu wissen, dass die Messlatte sehr hoch gelegt wurde.

5. Raffael (1483-1520)

. 1506 Galerie der Uffizien, Florenz, Italien.

Raphael wurde nie vergessen. Sein Genie wurde immer anerkannt: sowohl zu Lebzeiten als auch nach dem Tod.

Seine Figuren sind mit sinnlicher, lyrischer Schönheit ausgestattet. Er gilt zu Recht als das schönste Frauenbild, das jemals geschaffen wurde. Äußere Schönheit spiegelt die spirituelle Schönheit der Heldinnen wider. Ihre Sanftmut. Ihr Opfer.

Raffael. . 1513 Galerie Alte Meister, Dresden, Deutschland.

Die berühmten Worte „Schönheit wird die Welt retten“ sagte Fjodor Dostojewski genau über. Es war sein Lieblingsbild.

Sinnliche Bilder sind jedoch nicht die einzige Stärke Raffaels. Er dachte sehr sorgfältig über die Komposition seiner Bilder nach. Er war ein unübertroffener Architekt in der Malerei. Außerdem fand er immer die einfachste und harmonischste Lösung in der Raumorganisation. Es scheint, dass es nicht anders sein kann.

Raffael. Athener Schule. 1509-1511 Fresko in den Räumen des Apostolischen Palastes, Vatikan.

Rafael lebte nur 37 Jahre. Er starb plötzlich. Von gefangenen Erkältungen und medizinischen Fehlern. Aber sein Vermächtnis ist nicht zu überschätzen. Viele Künstler vergötterten diesen Meister. Und sie multiplizierten seine sinnlichen Bilder auf Tausenden ihrer Leinwände.

Tizian war ein unübertroffener Kolorist. Er experimentierte auch viel mit Komposition. Im Allgemeinen war er ein wagemutiger Erneuerer.

Für solch ein brillantes Talent liebten ihn alle. Genannt "der König der Maler und der Maler der Könige".

Apropos Tizian, ich möchte nach jedem Satz ein Ausrufezeichen setzen. Schließlich war er es, der Dynamik in die Malerei brachte. Pathos. Begeisterung. Grelle Farbe. Glanz der Farben.

Tizian. Himmelfahrt Mariens. 1515-1518 Kirche Santa Maria Gloriosi dei Frari, Venedig.

Gegen Ende seines Lebens entwickelte er eine ungewöhnliche Schreibtechnik. Die Striche sind schnell und dick. Die Farbe wurde entweder mit einem Pinsel oder mit den Fingern aufgetragen. Dadurch werden die Bilder noch lebendiger und atmen. Und die Handlungen sind noch dynamischer und dramatischer.

Tizian. Tarquinius und Lucretia. 1571 Fitzwilliam-Museum, Cambridge, England.

Erinnert dich das an nichts? Natürlich ist es eine Technik. Und die Technik der Künstler des XIX Jahrhunderts: Barbizon und. Tizian wird wie Michelangelo in einem Leben 500 Jahre Malerei durchlaufen. Deshalb ist er ein Genie.

Lesen Sie im Artikel über das berühmte Meisterwerk des Meisters.

Renaissance-Künstler sind die Besitzer von großem Wissen. Um ein solches Vermächtnis zu hinterlassen, musste viel studiert werden. Im Bereich Geschichte, Astrologie, Physik und so weiter.

Daher regt uns jedes ihrer Bilder zum Nachdenken an. Warum wird es angezeigt? Was ist die verschlüsselte Nachricht hier?

Sie liegen fast nie falsch. Weil sie ihre zukünftige Arbeit gründlich durchdacht haben. Sie nutzten das ganze Gepäck ihres Wissens.

Sie waren mehr als Künstler. Sie waren Philosophen. Sie erklärten uns die Welt durch Malerei.

Deshalb werden sie für uns immer hochinteressant sein.

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