Sowjetische Artefakte durch die Augen eines italienischen Designers. Artefakte der sowjetischen Artefakte der späten UdSSR

Film von Nikita Michalkow

Die Schöpferin des Buches über die Abenteuer der gelben Aktentasche, die den größten Teil der Kindergeneration der 70er Jahre mit dem Märchen „Ich werde nicht um Vergebung bitten“ erzogen hat, Sofya Prokofieva hat nur ein „Erwachsenen“ -Stück geschrieben (immer noch nicht als separates Buch erschienen) - „Gespräch ohne Zeugen“ , über den Preis des Verrats, die unerträgliche Bürde der menschlichen Moral und die Unumkehrbarkeit der Vergangenheit. Nach der Lektüre in einer Zeitschrift war Nikita Mikhalkov, der sich damals am Rande einer Midlife-Crisis befand, so begeistert, dass er sich zunächst sogar für ein Theaterdebüt entschied und versuchte, „Ohne Zeugen“ in Wachtangow zu inszenieren. Und dann, nachdem er sich mit dem Chefregisseur des Theaters gestritten hatte, drehte er ein sengend ergreifendes Kammerspiel auf der Grundlage des Stücks, das Bergman alle Ehre gemacht hätte - dafür verzichtete er auf Merezhkos verlockendes Drehbuch über das Fliegen im Traum und hinein Wirklichkeit. Vielleicht nie zuvor haben die Helden auf der sowjetischen Leinwand in so bodenlose existenzielle Abgründe geblickt wie die Figur von Michail Uljanow in seinen dämonischen Monologen, und nirgendwo wurde die Maxime vom Guten, die sich ohnehin durchsetzen wird, mit solch grandioser Wörtlichkeit illustriert. Es ist eine Art trauriges Paradox, dass das einzige Gemälde von Mikhalkov, auf das die klassischen aktuellen Beschimpfungen gegen seinen Schöpfer keineswegs anwendbar sind, sich als das am wenigsten bekannte herausstellte, als ob es für immer genau in Andropovs Zeitlosigkeit hänge zwischen zwei Trilogien - über das Drama des russischen Adels und über die Tragödie des sowjetischen Adels. Georgy Mkheidze

Roman von Vladimir Tendryakov

„Einmal fragte ich Tendryakov“, erinnerte sich der Kunstkritiker Kamil Ikramov, „wem dient er, der Muse oder der Wahrheit? Er sagte, dass natürlich die Wahrheit. Der düstere Wologdaer Vladimir Tendryakov wird manchmal unwissentlich den Dorfbewohnern zugeschrieben, was nicht stimmt: Sein Stift wurde nicht von Hass auf Urbanismus und nicht von Schmerz für Russland getrieben, sondern vor allem von dem Wunsch, alles über ihn herauszufinden eigen. Metaphysische Fragen waren keine Ausnahme: Tendryakov (nach Juri Nagibins Definition „ein schwerer Mann mit kolossaler Einbildung und Überzeugung in seinem Messianismus“) bleibt der Schöpfer des einzigen „atheistischen Zyklus“ in der sowjetischen Literatur - des Pentateuch, der begonnen hat In den Jahren von Chruschtschows Kampf gegen Sektierer mit hellen, aber beliebten Volksromanen "Wunder" und "Apostolische Geschäftsreise", endete das 83. trotzige und konfessionelle "Evangelium aus dem Computer". „Eclipse“ ist zweifellos die Spitze dieser Reihe. Das Familiendrama des reflexiven Agrarchemikers Pavel Krokhalev, den seine geliebte schöne Frau Maya zum sektiererischen Prediger Gosha Chugunov verlässt, verwandelt sich auf knapp 170 Seiten in eine psychopathologische Suche über eine verzweifelte Suche nach dem Sinn des Lebens - ein "winziges, Hairy Gap" in der endlosen galaktischen Leere. Fünfzehn Jahre vor der offiziellen Wiederbelebung der Orthodoxie zeigte Tendryakov, vielleicht der erste seiner Generation, überzeugend, dass Religion und alltäglicher Materialismus gleichermaßen unfähig sind, die Frage „Woher kommen wir und warum?“ zu beantworten oder zumindest einfach zu verstehen zu lehren ohne dafür mit "Blut und Lebensstücken" zu bezahlen. Georgy Mkheidze

1923-2001

Gorovets, der aus der jüdischen Stadt Gaysin stammt, begann als Solist am jüdischen Theater von Mikhoels und wechselte in einem ziemlich reifen Alter vom Jiddischen zum Russischen. Vielleicht war ihm deshalb die Melodie schon immer viel wichtiger als der Text: Coverversionen von The Beatles, Sinatra, Celentano, Adamo, Aznavour und so weiter sind zu seiner Visitenkarte geworden (das Staatskonzert kaufte die Rechte an den meisten modische Lieder speziell für Gorovets). Als starker lyrischer Tenor, der äußerlich an den singenden Danny DeVito erinnert, wurde Gorovets zur perfekten Verkörperung der sowjetischen 60er Jahre – einer kurzen kosmopolitischen Ära, als Gelena Velikanova „Someone dreams of fesseling Nice“ sang und Gorovets selbst – „People träumen manchmal von ihrem Heimatstädte, wem Moskau, wem Paris. 1972 emigrierte er nach Israel, dann in die USA und versuchte fast dreißig Jahre lang, das Publikum für Lieder auf Jiddisch zu interessieren - eher erfolglos. Gorovets wird natürlich mit dem Song „I Love Pasta“ in die Geschichte eingehen, aber seine strahlenden Aufnahmen, die Comedy und absolut glückselige Romantik perfekt kombinieren, sind eindeutig mehr wert. Alexey Munipov

Vokal- und Instrumentalensemble

Die georgische Bühne ist nie schlecht, aber manchmal ist sie einfach unglaublich. Das trifft voll und ganz auf VIA „Orera“ zu – den Stolz der georgischen SSR, wo der junge Vakhtang Kikabidze mit einem Lächeln hinter den Trommeln funkelte und die dünne Nani Bregvadze am Mikrofon erstarrte. Oreras frühe Aufnahmen, vor allem die ersten beiden Riesenalben, die 1967 auf Melodiya veröffentlicht wurden, hinterlassen noch heute ein Gefühl von völlig hemmungsloser, grenzenloser, unbändiger Glückseligkeit. Zum Teil wird dieser Effekt durch georgische Polyphonie erzeugt, die auf einem starken Beat-basierten Fundament und einer für die sowjetische Bühne beispiellosen Improvisationsfreiheit besteht (für einige Zeit war der aus Baku entlassene junge Jazzman-Nugget Vagif Mustafazade der künstlerische Leiter Regisseur und Arrangeur von "Orera"), zum Teil - die Energie der ehemaligen Absolventen der Fremdsprache Tiflis . In der Union wurden Pappeln in ihrer Leistung am meisten geschätzt, aber jetzt hört man am besten den Hit Lalebi - über die Tatsache, dass die Mädchen, wenn sie Stars würden, sie zu Verabredungen auf Raumschiffen bringen müssten. „Orera“ existiert und tritt immer noch auf, aber es lohnt sich, sich ihre Aufnahmen von 1967-1975 anzuhören. Alexey Munipov

Roman von Anatoly Kuznetsov

Anatoly Kuznetsov war ein äußerst ungewöhnlicher sowjetischer Schriftsteller und später ein ebenso ungewöhnlicher Dissident. Aus der Hauptstadt nach Tula verbannt, nachdem sein Roman The Legend Continued nicht autorisiert in Frankreich veröffentlicht worden war, schockierte der Exzentriker mit dicken Linsen die Provinzen, indem er unkonventionelle Nacktpartys und erotische Fotoshootings in einer Wohnung in der Mira Street veranstaltete und als zu Hause ein Feuer ausbrach Auf Reparaturen, damit Gäste Autogramme an der schwarzen Decke hinterlassen könnten, verzichtete sie. Nachdem sein berühmtestes Buch, der autobiografische Roman Babi Yar, zunächst zerrissen und dann gegen den Willen des Autors in einer kastrierten Fassung veröffentlicht wurde, begann er, sich auf seine Flucht vorzubereiten – doch drei Monate vor der Reise nach London, wo der 40 -jähriger Kuznetsov um politisches Asyl bat, gelang es "Jugend", seinen neuen Roman "Feuer" zu drucken. In der Form ist dies ein Produktionsdrama über die Reise eines Journalisten, um einen neuen Hochofen im Uraldorf Kosoluchye zu sprengen, wo er einst seine Kindheit verbrachte, tatsächlich ist es eine erstaunlich mächtige Sache, die buchstäblich eine Art heulende Hoffnungslosigkeit ausstrahlt , Ohnmacht, irgendetwas zu ändern, in einem Knallen an den Nähten und Zerbröckeln, wohin man sieht, die Welt. Dieses Buch, das mit der Beerdigung eines selbstmörderischen Helden beginnt, in dem sie mit den Toten sprechen und die Version zum Ausdruck bringen, dass das Buch des Propheten Hesekiel den ersten Kontakt mit Außerirdischen beschreibt, scheint unendlich weit über alles hinauszugehen, was darin enthalten ist in der sowjetischen Literatur grundsätzlich zulässig und möglich. Das vielleicht tragischste der Leitmotive von "Feuer" ist die völlige Unfähigkeit eines Menschen, die Zukunft vorherzusagen: Auf dem Weg zum Hochofen schätzt der Held, wie sich das Schicksal seiner Mitschüler entwickelt hat - und dann das Ganze Roman stellt er fassungslos fest, wie tragikomisch seine Prognosen nicht mit ihren realen Schicksalen übereinstimmen, jede neue Begegnung ist wie ein weiterer Nagel im Sarg jugendlicher Illusionen. Georgy Mkheidze

Film von Teodor Vulfovich

Das Debüt von Regisseur Vulfovich war eine atemberaubende Verfilmung von Aldridges „The Last Inch“, einer Geschichte über einen 11-jährigen Jungen, der am Steuer eines Flugzeugs sitzen muss, um das Leben seines von einem Hai verletzten Vaters zu retten. Neun Jahre später bewies Vulfovich, dass er auch im Light-Genre Dinge auf kongenialem Niveau schaffen konnte. Ein romantischer Filmwitz über den Helden-Kavalleristen Iwan der Schreckliche (Vitaly Solomin), den Ärzte nach einer Verwundung „ins Exil schicken“, um einen Frauen-Luftschiff (!)-Zug zu kommandieren, wo er Angriffe der Fritz auf keinen Fall abwehren muss, aber die scharfzüngige Raechka Oreshkina (Nadezhda Rumyantseva) benötigt buchstäblich 20 Minuten, um sich in eine schwindelerregende, exzentrische Burleske zu verwandeln – mit gelegentlichen Überflügen, Travestie-Verkleidungen, Kellenschlägereien und der Übernahme eines Nazi-Vans, der mit einer geheimen x-z-Brutaline vollgestopft ist Pulver, das Soldaten zur Wut anspornt. Unmittelbar nach der Veröffentlichung von "Nutlet" wurde Kritik ausgesetzt, die ihm einen inakzeptablen Spott über das heilige Blut der Kämpfer vorwarf, und wurde lange Zeit ins Regal gestellt. Die Dreharbeiten zum Krieg als Comic in Russland werden erst nach über vierzig Jahren wieder aufgenommen – aber leider viel weniger talentiert. Georgy Mkheidze

1945-1995

Er hatte die stimmlichen Fähigkeiten eines Teenager-Idols – er könnte sehr gut unser Lou Christie oder Gene Pitney sein. In der UdSSR gewann er keine jugendliche, sondern eher kindliche Liebe, indem er in der Verfilmung von Dragons „In Secret to the Whole World“ „Ich steige an einer entfernten Station aus“ sang. Die Blütezeit von Gennady Belovs Karriere kam Mitte der siebziger Jahre, und niemandes Stimme strahlte damals eine so seltsame, fast bösartige Glückseligkeit aus. In dem herrlichen Heidentum, mit dem er von Kräutern, gefallenen Sternen und „Brot zur Linken“ sang, schimmerte eine unbestimmte Angst durch. Galich nannte diese „armen Tenor“, und es ist kein Zufall, dass Belovskys Hits beim Sänger blieben: Als die Ära der alten Lieder über die Hauptsache begann, versuchte niemand, entweder „Grass“ oder „Star Song of“ zu covern der Himmel“ oder die großen „Drosseln“. Das Letzte ist geheimnisvoll; versuchen Sie es zu erklären - worum geht es? Eine seltsame Trägheit lässt vermuten, dass es um den Krieg geht (als ob es sich um ein paar „Nachtigallen“ handeln würde), obwohl der Text im Wesentlichen kein Wort über den Krieg enthält. Als Belov 1973 „Drozdov“ auf „Song of the Year“ aufführte, warf er nach der ersten Strophe einen erstaunlichen Blick irgendwo über seine rechte Schulter - scheinbar auf den Dirigenten Yuri Silantiev, aber tatsächlich - in den Abgrund: So geht es Peter Lorre hat in „M“ Fritz Lang gesucht. Die Aufzeichnung dieses Konzerts wird regelmäßig auf dem Nostalgie-Kanal abgespielt. Aber diese Ansicht wurde bereits von jemandem herausgeschnitten. Maxim Semeljak

Sänger und Künstler

1918-2009

Benzion Noevich Barranchik, ein geborener Witzbold, der bei Boris Babochkin studierte, bestand ohne Verletzungen oder Befehle den Finnischen und den Vaterländischen Krieg und schaffte es dann, viel auf der Bühne zu spielen, bevor er schließlich sein Talent dem Varieté-Entertainer schenkte , immer der beste in diesem Genre in der Union. Mit dem unveränderten Rhythmus-Ensemble bereiste Benzianov alljährlich das halbe Land, stand mit Vertinsky auf einer Bühne, scherzte vor Chruschtschow und Breschnew, ertrug die antisemitischen Attacken des Leningrader Chefs Romanov und gab sich alle Mühe, „alles zu verspotten, was stört mit dem Leben, aber gleichzeitig alles Schöne leidenschaftlich bejahen". Bentsianovs in Amateuraufnahmen erhaltene Parodielieder sind ein wahres Hologramm der Alltagskultur der 70er Jahre, ein grandioses Potpourri aus Fragmenten des sowjetischen kollektiven Unbewussten, dessen Archetypen er mit betörender virtuoser Leichtigkeit handhabt. Niemand scheint besser als er es geschafft zu haben, die Ästhetik des „kleinen Stils“ der Stagnation einzufangen: den Tausch von Altpapier gegen Dumas, die Gesichter von Popstars auf Einkaufstüten, das „Ledersyndrom“, das kollektive Gewerkschaftskomiteesaufen in der Natur und so weiter und so fort. Um den Materialisten, Faulenzern, Tratschern und Huren zu schaden, sezierte er brillant die gesamte sowjetische Popkultur, von den Musketieren und Pugacheva bis zu Leshchenko und den Nikitin-Barden. Die Uraufführungen seiner Auftritte fanden immer in seiner Heimatstadt Leningrad statt, aber sein wahres Erbe waren die peripheren Kulturpaläste, Rasthäuser und Kurhaus-Schalenszenen. Benzianov hat 8 große Konzertprogramme gemacht, aber nie eine Schallplatte oder eine CD bekommen; bis in die letzten Tage leitete er den Konzertverein weiter - hatte aber keine Zeit, das autobiografische Buch "Moments" fertigzustellen, in dem er sich wohl an seinen Leitsatz erinnern würde: "Sobald ich erkannt habe, dass Erfolg kommen kann, wenn ich auf der Bühne lebe wie ich lebe - das heißt, lüge nicht und fürchte dich nicht. Georgy Mkheidze

Musiker und Komponist

1940-1979

Die Platten des aserbaidschanischen Klaviervirtuosen sind vielleicht das Beste, was vom sowjetischen Jazz übrig geblieben ist (wenn wir das Ganelin-Trio auslassen). Er hat viel aufgenommen und Melodiya hat es bereitwillig veröffentlicht. Vor seinem Tod, im Alter von weniger als 39 Jahren, schaffte es Mustafazade, neun Alben zu veröffentlichen – mehr als jeder sowjetische Jazzmusiker. Er konnte leicht „unter Monk“, „unter Jarrett“ oder „unter Evans“ spielen (wegen seiner Lyrik wurde er oft als sowjetischer Evans bezeichnet), aber seine Haupterfindung ist Jazz-Mugham, eine Verschmelzung von Jazz mit sehr komplexer aserbaidschanischer Tradition Musik. Es sind diese melodiösen Aufnahmen, die die Mode der Weltmusik vorwegnahmen, und heute können Sie jeden leicht überraschen. Außerdem sind sie heute nicht mehr so ​​schwer zugänglich wie früher: Mustafazade ist heute eine wichtige kulturelle Ikone in Aserbaidschan, seine Anthologie auf sechs CDs und ein Doppel-Yollar sind dort erschienen; in unserem Land hat Melodiya vor nicht allzu langer Zeit Jazz Variations wieder herausgebracht. Wirklich völlig vergessen ist das von Mustafazade gegründete Sevil Girl Ensemble – eine experimentelle Synthese aus aserbaidschanischer Folklore und progressiver Popmusik der späten 1960er und frühen 1970er Jahre. „Sevil“ klingt nicht schlechter als türkischer Psychedelic und Funk der gleichen Zeit – auf dem Label Finders Keepers können sie mit geschlossenen Augen veröffentlicht werden. Alexey Munipov

Roman von Robert Stillmark

Es ist nicht klar, was überraschender ist: der Roman selbst oder die Geschichte seiner Entstehung. In der Erstausgabe sind zwei Autoren angegeben - R. Shtilmark und V. Vasilevsky; in zweitem - nur Schtilmark, und im Vorwort wird Vasilevsky "ein selbstbewusster Buchhalter" genannt, der dem Autor geholfen hat; der Autor selbst war angeblich Geologe und schrieb den Roman auf einer langen Expedition in die Arktis. Was für eine Expedition es wirklich war, stellte sich 30 Jahre später heraus. Der wegen "antisowjetischer Agitation" verurteilte Schriftsteller Shtilmark wurde Anfang der 50er Jahre vom Verbrecher Vasilevsky in einem Lager beim Bau der Salechard-Igarka-Eisenbahn entdeckt. Vasilevsky war exzentrisch: Seine fixe Idee war es, einen Roman zu schreiben und ihn an Stalin zu schicken, damit er seine Strafe kürzen könnte. Shtilmark wurde gebeten, sein literarischer Neger zu werden; im Gegenzug wurden Schutz und Befreiung vom Holzeinschlag garantiert. Es gab zwei Bedingungen: nicht über Modernität und dass es interessant war. Shtilmark wählte das England des 18. Jahrhunderts und verfasste in 14 Monaten von Grund auf, zusammengekauert auf dem Dachboden der Kaserne, 20 Stunden am Tag arbeitend, einen riesigen Abenteuerroman (4 Bände in einem Manuskript, gebunden in ein Hemd, das speziell einem unglücklichen Gefangenen abgenommen wurde). , mit Piraten, Jesuiten, Indianern, Ludditen, Sklavenhändlern, Betrügern, Seeschlachten und Verfolgungsjagden. Ja, ähnlich wie Stevenson, Jules Verne, Boussinard und Dumas, ja, vollgestopft mit Klischees, ja, unglaublich infantil – aber gleichzeitig ist es immer noch unglaublich faszinierend und verblüffend mit seiner komplexen Intrige, der Fantasie des Autors und der Breite der geografischen Abdeckung: Es ist unmöglich, sich zu lösen. Der Erbe ist der perfekte Roman für die Adventure Library; Die Sache ist jedoch, dass dies eine Nistpuppe ist, ein Geheimnis in einem Geheimnis, ein Detektiv in einem Detektiv. Seltsam: Wie kann man unter dem Gebell von Camp Sheep Dogs beim Essen von Gipspasteten englische Gentlemen aus „good old Bulton“ und Piraten der Karibik beschreiben? Seltsam: Es war ein Bestseller, der die gesamte Buchindustrie der UdSSR jahrzehntelang ernähren konnte, aber nachdem er Ende der 50er Jahre auf Empfehlung von Ivan Efremov ein paar Mal veröffentlicht wurde, blieb er halb im Untergrund. Lew Danilkin

Schauspieler und Regisseur

1923-1987

Als Vladimir Basov noch nicht Vladimir Basov Sr. und sogar Duremar und andere singende böse Geister war, inszenierte er einen großen Schwarz-Weiß-Film, der auf der großen konservativen Prosa des Jahrhunderts basierte – von Bulgakovs The White Guard und Priestleys Dangerous Turn bis Bondarevs Schweigen und der Roman des düsteren Idioten Vadim Kozhevnikov "Schild und Schwert", über den Dovlatov anscheinend schrieb, dass Kozhevnikov nur über den Krieg weiß, dass ein Deutscher Fritz heißt und der andere Hans. Basov selbst ging als Artilleriekapitän im Tolstoi-Stil durch den Krieg - deshalb gelang es ihm sogar, aus diesem Müll einen sowjetischen Treffer zu machen, der den Beginn einer neuen Mode für Auslandsnachrichtendienste markierte (Stirlitz, Koltsov und Ladeinikov waren etwas später) und stellte den ersten von drei Sash Belovs vor (der zweite war Zhigunov in den "Midshipmen", und der dritte, Sie wissen schon, wer). Komponist Basner schrieb zu seinen Filmen oft Folk-Hits nach den Worten von Matusovsky, aber auch vor dem Hintergrund von „Nameless Height“ („Silence“) und „White Acacia“ („Days of the Turbins“), „How the Motherland Begins“ aus „Schild und Schwert“ wurde zum tragischen Diamanten: Basov erzielte es mit einem Scharfschützen am Ende der ersten Serie, als ein Bewohner, ein Cameo-Auftritt des Regisseurs selbst, bei Leutnant Belov stirbt, der sich in einem fremden Land eingebürgert hat, und er, unter den Worten von guten und treuen Kameraden versteht, dass er am ersten Kriegstag im tiefsten deutschen Rücken allein gelassen wurde. Diese Einsamkeit eines anständigen Menschen zwischen nah und fern wird zu einem Wahrzeichen sowohl von Myagkov - Turbine als auch von Vokhmintsev in "Silence" und Yakovlev - Kaplen in "Dangerous Turn". Der Stempel des leichten Molls wird auch den schlaksigen Feen-Ghulen im Bass auffallen. Das gleiche Motiv teilte ihm ein Veteran der spanischen internationalen Brigaden - ein britischer Staatsbürger, Sir Thomas Botting, der sich in unserer Auslandssendung niederließ, eingeladen, "über Stil" "A Dangerous Turn" zu beraten - deshalb ähnelt der Film dem besten Englische Beispiele und nicht die baltischen Preiselbeeren.

Im Allgemeinen machte Basov gerne lange und detaillierte Filme, deshalb arbeitete er oft für das Fernsehen, das hinsichtlich des Filmmaterials nicht restriktiv war, und daher ging die Tatsache seiner Regie irgendwie verloren. Von den Schauspielregisseuren bleiben die Griffe häufiger im Gedächtnis der Menschen - Michalkow, Menschow, Govorukhin -, er blieb wie Bykow als brillante Comic-Episode im Massenbewusstsein. Dünner Wolf. Kotschewrjaschnew. Arturka. Das Lied "Lasst uns Kunst zu den Menschen bringen."

"UM? Ein Komplott", würde sein Polier sagen, und Millionen würden sofort zustimmen: in der Tat, ein Komplott. Denis Gorelow

Fernsehserie von Semyon Aranovich

Eine fünfteilige Serie basierend auf Yulian Semenov, die 1985 im Zentralfernsehen darüber gezeigt wurde, wie der langweilige Oberst des Innenministeriums Kostenko einen Serienmörder und einen Werwolf Krotov fängt, wie es in solchen Fällen üblich ist, war ein wenig seiner Zeit voraus. Hergestellt vom ehemaligen Dokumentarfilmer Aranovich, dem Autor von "Torpedobombers", einer wichtigen Figur der "Leningrader Schule", einem Kameraden und Hauptkonkurrenten von Herman, wurde er sowohl von der sowjetischen Filmkritik als auch vom Publikum erfolgreich ignoriert (die Straßen während Die Sendung war nicht leer, wie es bei Semenovs „Seventeen Moments“ und „TASS ist autorisiert zu verkünden“). Von denen, die ihn in der Kindheit gesehen haben, erinnern sich nur wenige an Aranovichs Film, und wer sich erinnert, erinnert sich seltsamerweise: "Konfrontation" wurde im Kopf tendenziell nicht nach der Kategorie kultureller Eindrücke aufgezeichnet, sondern in jenem Segment des Gehirns, in dem frühkindliche Alpträume lagen und Erinnerungen an einen Scharlachanfall werden gespeichert. Umso stärker ist der Kulturschock, den man jetzt beim Anschauen erlebt. Fünf Jahre vor den revolutionären Lynchian Dreams in der amerikanischen Primetime, zehn Jahre vor Triers „Kingdom“ und „Dogma-95“, zwanzig Jahre vor Beginn der Massenexperimente zur Kreuzung von Dokumentarfilm und Fiktion, verschmolz Aranovich all diese Techniken, die es noch nicht gab wurden damals gemeinsam erfunden. Halb in s/w gefilmt, durch Raum und Zeit gewandert (von den ohnmächtigen sowjetischen 80ern bis nach Deutschland am Ende des Krieges und zurück), weniger mit Wochenschau-Aufnahmen vermischt als vielmehr daraus erwachsend, ist "Confrontation" eine der großartigste Demonstrationen hypnotischer Möglichkeiten.TV. Zwei großartige Schauspielwerke – der müde verhörende Engel Basilashvili und der germanische Lapschin – Andrey Boltnev in der Rolle eines kleinen Dämons, der vor ihm davonläuft (Jahre später stiehlt der eingebürgerte Leningrader Balabanov respektvoll sein spezifisches Lächeln für den spektakulärsten Moment von „Cargo 200“) . Sowjetische Zwillingsgipfel, sowjetisches Engelsherz, sowjetisches Sleepy Hollow. Die Frage, die immer noch umgeht, lautet: Wo hat Krotov die abgetrennten Köpfe hingelegt? Roman Wolobjew

Film von Vytautas Žalakyavičius

Das Format einer actiongeladenen baltischen Produktion aus dem fremden Leben, ein beliebtes Fenster für den unbewussten Teil des Publikums in die Welt der schönen Laster, trotzigen Kleider und Treffsicherheit - litauische Detektive über Korruption in Deutschland, lettische Adaptionen von Chase, bösartige Musik, bösartige Gespräche, bösartige Mirdza Martinsone in einem bösartigen Badeanzug - mit der Öffnung der Grenzen (noch früher - mit dem Aufkommen von Videos) wurde sie zu einer großen Kuriosität. All dies (insbesondere Mirdza Martinsone) war im Alter von 12 Jahren schrecklich aufregend, aber im Gegensatz zu polnischen Kriminalromanen und jugoslawischen Filmen über den Wilden Westen war das Genre ursprünglich ein Ersatz, sowohl für diejenigen, die zuschauten, als auch für diejenigen, die es anscheinend taten gefilmt - eine Rückkehr zu diesen einstigen Lieblingsfilmen ist heute nur noch aus nostalgischen Gründen möglich. Die 1979 erschienenen „Centaurs“ des litauischen Klassikers Zhalakyavichyus heben sich ab, obwohl sie formal zum selben Clip gehören – der Regisseur des großen Partisanen-Westerns „Nobody Wanted to Die“ wurde einst aus der Mosfilm-Heimat ins litauische Filmstudio repatriiert Urteil des künstlerischen Rates „Autor begabt, arbeitet aber besser an nationalen und internationalen Themen“, also drehte er sein halbes Leben lang etwas über lateinamerikanische Freiheitskämpfer und Dürrenmatts Comicverfilmungen. Aber Žalakyavičius war erstens ein Genie, zweitens interessierte ihn ausgerechnet ausgerechnet der Tod, und drittens die Arbeit an dem sowjetisch-tschechisch-ungarischen Blockbuster über den Putsch in Chile (gedreht in Kolumbien, das befreundet war damals) fiel seine Leidenschaft für Bergman und gleichzeitig für Costa-Gavras zusammen. Das Ergebnis ist eine fantastische Mischung aus Polit-Thriller und Weltuntergangsfilm mit Banionis als verzweifeltem Allende, dem teuflisch gutaussehenden Adomaitis, der im frisch gebügelten Hemd in den Tod geht, durch beschlagenes Glas gefilmten Schießereien und einem verrückten Finale , wo die Botschaft des Regisseurs an die Menschheit im Allgemeinen und die Sowjetregierung im Besonderen einen plötzlichen Tritt an die ursächliche Stelle effektiv zusammenfasste. Der Hinweis wurde verstanden, teurere gemeinsame Produktionen wurden Zhalakyavichyus nicht anvertraut. Roman Wolobjew

Film von Gennady Shpalikov

1966

Ein Geologe (Kirill Lavrov), der von einer Expedition zurückkehrt, trifft ein Mädchen (Inna Gulaya), geht mit ihr in ihre kleine Stadt, verbringt mit ihr keusche Abende und Nächte, wird aber von Träumen gestört und nimmt am Morgen ein malerisches Frühstück mit Wodka zu sich zum Lied „Lerne Mundharmonika spielen und geht ohne Abschied. Im einzigen Film von Gennady Shpalikov kann man die formalen Techniken der französischen „Neuen Welle“ oder der charakteristischen italienischen „Verfremdung“ (Antonioni schätzte „DSZH“) erkennen, aber es scheint, dass es in „Ein langes glückliches Leben“ eher um Überwindung geht Tschechow (nicht umsonst sehen sich die Charaktere die Produktion "The Cherry Orchard" an). Tschechows Hauptbotschaft formulierte er selbst so: "Die Leute essen auf der Bühne zu Mittag, trinken Tee, und in dieser Zeit bröckelt ihr Schicksal." Shpalikov ist naiver als Chekhov - er entfernt den schweren Einbruch der letzten Phrase. Bei Shpalikov wird gegessen, Tee getrunken und das war's. Und das macht es völlig unerträglich. Die Geschütze hängen, feuern aber nicht. Der Schaffner verführt vergeblich mit einem langen Ticketband. Schwebt in Angst ein unerklärliches Mädchen mit einem Akkordeon ins Nirgendwo. Und Luspekaev will sich erschießen. Shpalikov gelang es, diese göttliche Einseitigkeit von Bild und Wort zu erreichen, die sich als höher als Ironie, höher als Metapher, höher als Ästhetik herausstellte. Wie der Held des Films sagt: „Ich habe immer einfache, verständliche Absichten.“ Maxim Semeljak

Film von Larisa Shepitko

Der zweite (und letzte) Farbfilm von Larisa Shepitko über zwei Kolleginnen, die einst unter verschiedenen Umständen ihr Talent für Seelenfrieden aufgegeben haben und dann plötzlich feststellen mussten, dass weder der eine noch der andere übrig war, entpuppte sich als eins einer der deprimierendsten - und gleichzeitig erschreckend ungewöhnlichen Bilder einer Reihe von Dramen im sowjetischen Kino. Wie Yuri Vizbor zugab (dessen Held in einer der Szenen zur Musik von Schnittke auf einer Sicherheitslounge unter der Zirkuskuppel fliegt), „wurden die inneren Federn des Films nicht durch aufdringliche Erklärungen gestützt; seine Straßenschilder sollten mit hoher Gedankengeschwindigkeit gelesen werden.“ Zuerst ist dieses Band entweder wild oder gruselig anzuschauen; gegen Ende verschmelzen beide Emotionen zu einer ohrenbetäubenden Pavane über menschliche Impotenz. Wie Maxim Semelyak über diesen Film schrieb: „Alle Charaktere sind entweder bereits hysterisch oder erstarren vor Erwartung; es gibt einfach keine anderen Bedingungen für die Menschen hier. Das Klingeln eines Telefons, bei dem niemand abnimmt, Shirvindts absurder Cameo-Auftritt, Yefremovs seltsame Rolle, Natalia Bondarchuks Selbstmord, der durch die Nachahmung von Korney Chukovsky behandelt wird, das Bond-Thema - all dies zusammen stürzt in den Abgrund einer solchen Hoffnungslosigkeit, zu der es keine Entsprechungen gibt abholen. „Soll ich mich erhängen oder soll ich zum Essen gehen? - eine der Heldinnen formuliert den Hauptkonflikt des Films. „Ich will nicht leben, aber ich will essen.“ Shepitko wurde von einem Krankenwagen von den Dreharbeiten der Szene im Zirkus weggebracht - die nächsten Szenen mussten von ihrem Ehemann Elem Klimov gedreht werden. Der Drehbuchautor Gennady Shpalikov erhängte sich drei Jahre später im Haus der Kreativität in Peredelkino mit seinem eigenen Schal. Dem Publikum war das Bild allerdings zu elitär: „You and Me“ holte gleichzeitig Silber beim venezianischen Jugendwettbewerb – und die letzte Zeile in Sachen Zuschauerzahlen zu Hause. Georgy Mkheidze

* In der gedruckten Version des Materials wurde aus Gründen, die außerhalb der Kontrolle des Autors des Textes liegen, kein Zitat von Maxim Semelyak angegeben. Die Redaktion entschuldigt sich.

Film von Michail Uljanow

Der Junior-Polizeileutnant Semyon Mitrofanovich Kovalev, der ein volles Vierteljahrhundert im Dienst war, reicht einen Rücktrittsbericht ein und wartet fast auf eine neue Polizeiuniform. Seinen letzten Tag im Dienst verbringt er, wie alle vorangegangenen, auf seinem Vierblock-Gelände. Er schafft es, den anonymen Byzin zu beschämen und die ausschweifende Witwen-Gulena Agnessa Pavlovna daran zu erinnern, dass sie mit jeder einsamen Nacht mehr und mehr unbehaglich und beängstigend von ihrem eigenen zabubenny-Leben wird, und verspricht Verka Kukushkina, sie und den Jungen morgen mitzunehmen ihr vom Alkoholiker-Ehemann weg ins Dorf - alles vor dem Wunsch, dem Sperlingsmädchen zu helfen, das gerade für den Raubüberfall auf die Vetkin-Rentner verantwortlich gemacht werden soll, führt ihn nicht zu einem dunklen Park hinter der letzten Bushaltestelle, wo er sich aufhält wird sich einer Herde von Raubtieren in Menschengestalt gegenübersehen, die nur mit einer Spielzeugpistole in einem Halfter bewaffnet sind. Boris Vasiliev, der Autor dieser Geschichte, die die 70er Jahre eröffnete und den Leser langsam zur Katharsis führte, schaffte es, einen Helden von erstaunlicher Stärke und Integrität zu schreiben: einen weisen Polizei-Samurai in Uniform mit einem Stern auf dem Streifen, der bereit ist, sich alles anzuhören und akzeptiere alles in diesem Leben - alles außer dem Bösen. Das Buch wurde geschätzt, im Maly-Theater wurde eine Aufführung mit Zharov in der Titelrolle aufgeführt - aber es war Mikhail Ulyanov, für den "The Very Last Day" zum Regiedebüt wurde (außerdem spielte er den 65-Jährigen Hauptfigur in 45), gelang es, eine traurige Geschichte eines guten Mannes in eine der wichtigsten sowjetischen Sagen über Adel, Ehre und Gewissen zu verwandeln. Georgy Mkheidze

Film von Sergei Tarasov

Der Grenzwächter Bakhteev, gespielt von Andrei Rostotsky, bemerkt einen blonden Mann mit militärischer Haltung an der untergeordneten Küste und eilt ihm unbewaffnet durch das halbe Land nach - von einem Ort zum anderen (die Verfolgung beginnt in der Ostsee, endet im Schwarzen Meer). Der Lieblingsfilm aller Schulkinder im Jahr 1987, "Interception", zeichnet sich nicht so sehr durch seinen allgemein schneidigen, handgreiflichen und kompromisslosen Einsatz von KamAZ aus - und nicht einmal durch die Tatsache, dass Filmregisseur Vladimir Menshov einen amerikanischen Saboteur spielt Sie sieht hier an Steve McQueen aus wie zwei Wassertropfen. Regisseur Tarasov, bisher vor allem für Ritterfilme bekannt („Ivanhoe“, „Quentin Dorward“, „Black Arrow“ – das ist alles), brach ritterlich den arroganten Kanon des sowjetischen Spionagefilms und drehte ihn – fast zum ersten Mal in eine heimische Praxis - in einem Duell auf Augenhöhe und gleichwertig. Der eine ist ein Feind, der andere gehört uns, einer ist ein Grenzschutz, der andere ein Marine, aber gleichzeitig sind beide ernsthafte Menschen, die ehrlich und vor allem professionell ihre Pflicht erfüllen. Am Ende, als sich die Helden endlich an einem strategisch wichtigen Damm von Angesicht zu Angesicht begegnen und das Undenkbare passiert – der böse Karateka Menshov verwandelt den guten Sambo-Wrestler Rostotsky in einem fairen Kampf respektvoll in ein Kotelett, trifft das Capture-Team gerade rechtzeitig ein er entscheidet, ob er den Feind erledigt oder nicht. Das Finale, in dem ein verkrüppelter sowjetischer Midshipman und ein gefesselter, aber unversehrter US-Marine einen langen, respektvollen Blick in einem Hubschrauber tauschen, der einen nach Hause und den anderen zur Lubyanka trägt, verwandelt Interception von nur einem guten B-Movie in einen grandiosen. Die heutigen "Personal Numbers" und "D-Days" haben nie von einem solchen Adel geträumt. Roman Wolobjew

Film von Konstantin Ershov

Ein „Penny“ mit drei Banditen rast über die nächtlichen Straßen des russischen Südens, ein Restaurant VIA singt „Fly away, cloud!“, Leonid Filatov, der auf dem Markt eine Wassermelone kauft, gerät aus irgendeinem Grund in einen Kampf - die Wassermelone selbst Natürlich wird mit einem großen Messer geschnitten, aus dem natürlich irgendwann Blut tropft. Es gibt drei Banditen - zwei Brüder und einen Onkel, der Onkel wurde während der Verhaftung getötet, und der ältere Bruder überredet den jüngeren zu sagen, dass dieser Onkel der einzige Mörder in der Bande ist. Der jüngere Bruder, der ebenfalls getötet hat, steht kurz vor dem Zusammenbruch, aber der scharfsinnige Richter (Aleksey Petrenko) hat bereits verstanden, worum es hier geht. Das Debütwerk von Regisseur Konstantin Ershov, Viy, gilt als erster sowjetischer Horrorfilm. Von Yershov 15 Jahre nach „Vii“ gedreht, ist „Rooks“ vielleicht sogar zu Hollywood für die UdSSR der frühen 80er Jahre, ein Gerichtsdrama (und sogar mit Elementen eines Hollywood-Roadmovies). Es gab keinen Titel „Basierend auf wahren Begebenheiten“ im Film, aber aus irgendeinem Grund sahen ihn alle als Verfilmung der realen Gefangennahme einer im Süden operierenden Bande an (obwohl nicht genau bekannt ist, welcher Fall die Grundlage des Films bildete Verschwörung - ob Ershov die Brüder Tolstopyatov oder die Brüder Bilykov im Sinn hatte, die in der Region Rostow Autos ausgeraubt haben). Zum ersten Mal im sowjetischen Kino wird der Mörderbandit in Rooks nicht als unbestreitbarer Feind der Gesellschaft dargestellt, sondern als Opfer der Umstände – eines schwachen Willens, dazu ein Onkel, der Zeit abgesessen hat, und ein autoritärer Bruder. Im November 1982 wird der neue Generalsekretär Juri Andropow sagen, dass wir das Land, in dem wir leben, nicht kennen. Konstantin Ershov in Rooks sagte im Allgemeinen dasselbe - und sehr schön. Oleg Kaschin

ein Film von Grigory Pozhenyan

1944 - Jalta ist bereits sowjetisch, Sewastopol ist noch besetzt. Sie können bereits rosa Muskatnuss trinken, flirten (die junge Angelina Vovk ist eine der Leidenschaften) und Lieder von Strizhenov über das Land Tra-la-la-la hören. Aber Sie müssen immer noch tödliche Einsätze in Torpedobooten machen. An den rosa Muskateller erinnert man sich nicht zufällig, er ist gewissermaßen der Motor der Handlung: Die Hauptfigur (Viktor Avdyushko) ging betrunken schwimmen, erkältete sich, durfte die Aufgabe nicht erfüllen, wodurch a Kollege gestorben. Es gibt Filme, die im Prinzip sofort nach dem Abspann fertig sein könnten – „Farewell“ von Grigory Pozhenyan ist nur einer davon. Torpedoboote schneiden durch das Meer, und zur Begleitung des Klaviers erklingen Phrasenfragmente: „Und die Gesundheit ist nicht ewig, aber das Glück wird später kommen.“ In dieser maritimen Geschichte steckt etwas von der romantischen Prosa des Anfangs des letzten Jahrhunderts, es ist kein Zufall, dass Avdyushko irgendwann den Satz fallen lässt: „Alles ist wie bei Grin.“ Die Menschen befinden sich nicht so sehr zwischen Krieg und Frieden, sondern zwischen Meer und Land. Und der großartige Tariverdiev, der seine Lieder zu Pozhenyans Versen singt (übrigens, von hier aus hat Letov bei Starfall "I made a Decision" gesungen), klingt wie ein Gott aus dem Maschinenraum. Maxim Semeljak

Schriftsteller

1914-1997

Die Schulkomödien von Yuriy Sotnik („Kuprum Esas Elixier“, „Mashka Sambo und Splinter“, „Clairvoyant“) sind eine permanent funkelnde Welt, in der Kinder in erstaunliche Interaktionen mit Erwachsenen eintreten. Ein Chemielehrer erfindet ein Elixier, nach dessen Anwendung man von anderen alles verlangen kann; prompt zwingt die schülerin den erfinder unter den tisch zu kriechen. Ein 12-jähriges Mädchen entreißt einem Polizisten, der eine Kompanie Minderjährige wegen Alkoholkonsum festgenommen hat, eine Flasche Wermut und schluckt genüsslich die verbotene Flüssigkeit: „Tut mir leid, mein Mund ist trocken!“ Schrecklich unglaubwürdige Annahmen und Quasi-Detektivhandlungen lebten sehr gut in der späten sowjetischen Literaturwelt - weil jede Wunde, die dem gesunden Menschenverstand, der konservativen Ethik und im Allgemeinen gut zugefügt wurde, sofort geheilt wurde; die Welt kehrte mit überraschender Leichtigkeit zur Normalität – Ruhe – zurück, egal was passierte. Tatsächlich ist der Centurion nur die Spitze eines riesigen Eisbergs. Golyavkin, Veltistov, Moshkovsky, Dragunsky, Bulychev, Krapivin – es gab in den 1970er und 1980er Jahren so viele gute Kinderbuchautoren wie in den 1990er und 2000er Jahren schlechte Science-Fiction-Autoren; aber sobald sich das Leben änderte, sahen Kinder, die versuchten, Erwachsene nachzuahmen, weniger lustig als beängstigend aus; Hier brach das Genre zusammen. Seitdem ist er weg – aber Sie können ihn in diesen Geschichten sehen. Wie eine Fliege im Bernstein. Lew Danilkin

Cola Belda-Album

Vaterlos und stotternd (der Sprachfehler verschwand, als er zu singen begann) gelang es Nikolai Ivanovich Beldy, bevor er offizieller Delegierter der kleinen nördlichen Völker auf der sowjetischen Bühne wurde, in der Pazifikflotte zu dienen und an der Befreiung Koreas teilzunehmen von den japanischen Eindringlingen. Heute ist er vor allem für die kuriosen Hymnen der Taiga und Tundra bekannt und wird oft mit Polad Bul-Bul-ogly verwechselt, was unfair ist – Beldas nicht-opportunistisches Repertoire der 60er und 70er Jahre ist schon wegen seiner Art zu singen interessant : wie unbeholfen trampelnd in diesen frivolen Wendungen und erhabenen Hymnen, die Beherrschung einer fremden Sprache. Noch wichtiger ist Beldas neuestes Werk, das Album „White Island“, das veröffentlicht wurde, als sich niemand um die sowjetische Bühne kümmerte und nichts mit dieser Bühne zu tun hatte. Zehn Jahre lang sammelte Beldy die Originallieder der Völker des Hohen Nordens – von den Dolgans bis zu den Ulchi, übersetzte sie ins Russische und nahm sie dann in einem vollen Klang auf. Maultrommel, schamanische Percussion und ein minimalistischer Synthesizer summieren sich zu plumpen Liedern über Jäger, Fischer und Möwen, ähnlich entweder Einstürzende Neubauten in Sibirien oder Animal Collective in Chukotka. „White Island“ – so die Stimmen aus den Außenbezirken des zusammenbrechenden Imperiums, wo sie sich nicht sehr bewusst zu sein schienen, dass dieses Imperium existierte. Ein Jahr nach der Veröffentlichung dieser Platte wird Peter Gabriel das Label Real World in London gründen – Cola Beldy hat seine Ideen noch gerechter und genauer zum Leben erweckt, aber mitten in der Perestroika hat niemand darauf geachtet. Alexander Gorbatschow

« Besitzer des Waldes»

1945-1976

Laut der Biografie von Matveeva können Sie das Konzept des "Sowjetvolkes" studieren: Sie lebte ein sehr armes und sehr reiches Leben. Sie arbeitete in Gelegenheits- und Non-Profit-Jobs - als Korrektorin, Laborassistentin. Sie liebte Wissenschaften - Physik, Kybernetik. Viel im Land gereist. Ich lese viel. Irgendwann fing sie an, Lieder zu komponieren und sie mit einer Gitarre zu singen. Der Kreis des Lesens macht sich auch in den Liedern bemerkbar - Cinderella, Solveig, Peer Gynt. Sie starb im Alter von 31 Jahren an einem Gehirnsarkom. Die meisten Songs sind in den Jahren der Krankheit und mit dem klaren Bewusstsein für die Unausweichlichkeit des Endes entstanden. Nach formalen Zeichen ist es üblich, dass Matveeva zu den Barden gezählt wird; Hört man sich ihre Aufnahmen an, würde ein Kritiker, der mit der Ästhetik des Grushinsky-Festivals nicht vertraut ist, in ihren Liedern wahrscheinlich „Gothic Folk“ erkennen – so etwas wie Marissa Nadler, aber auf Russisch. Tatsächlich steht ihre Musik über allen Genregrenzen: Schlanke, klingende, kompromisslose, ruhig verzweifelte Songs, gesungen mit starker und zugleich wehrloser Stimme. Brodsky sagte über Tsvetaeva, dass es sich eine Frau leisten könne, ethisch kompromisslos zu sein. Matveeva konnte es sich doppelt leisten. Am Rande des Abgrunds stehend, erzeugt sie keinen mystischen Nebel, nennt nüchtern und klar die Dinge beim Namen und erlebt gleichzeitig unglaublich scharf die ganze Schönheit – und Vergänglichkeit – des Lebens: Probleme schmelzen nicht dahin, und Tage verfliegen, aber irgendwo wedelt die Hoffnung mit der Hand. Juri Saprikin

"Ich will so"

Film von Michail Kalik

In einem Raum mit weißen Wänden und einem Porträt von Mayakovsky tanzen Paare zu einem Tonbandgerät. Ein Mann in einem langen zweireihigen Regenmantel und eine Frau in etwas Schwarzem fahren in einem Taxi, gehen lange durch den Wald, sagen fast nichts, dann eskortiert er sie zum Bahnhof, und sie geht. Ein prominenter Typ trägt Heu auf einem Karren, eine schwarzäugige Schönheit am Straßenrand bittet um Mitfahrgelegenheit, sie spielen bald eine Hochzeit. Ein Mädchen in einer weißen Baskenmütze mit Bommel raucht nervös in einem Straßencafé. Der Priester spricht darüber, was Liebe ist. In dem Film von Mikhail Kalik, der aus vier nicht zusammenhängenden Kurzgeschichten sowie auf der Straße gedrehten Interviews, einem Monolog von Alexander Men und einer eingefügten Musiknummer mit einem Lied von Tariverdiev mit Texten von Yevtushenko besteht, passiert fast nichts und zu viel passiert gleichzeitig. Dies ist ein erstaunlicher Schwarz-Weiß-Film, in dem selbst in den unbedeutendsten Episoden Schauspieler von erstaunlicher Schönheit mit den dünnsten und klügsten Gesichtern engagiert sind - von Valentin Nikulin bis Andrei Mironov, von Alisa Freindlich bis Svetlana Svetlichnaya, wo jede Bewegung, Aussehen, Kopfdrehung spricht so viel, wie in keiner der wortreichsten Schriften geschrieben werden kann. Dies ist eine fast wortlose, subtil nuancierte Meditation über die Eigenschaften der Liebe, wie sie nur Ende der 60er Jahre möglich war: Nie wird die schwarz-weiße Luft im Kino so transparent sein, die Menschen so mühelos natürlich, der Regen so Juli. Der Film war gerade rechtzeitig zum Einmarsch der Truppen in die Tschechoslowakei fertig, er wurde ohne Wissen des Regisseurs geschnitten und dann ins Regal gestellt, gegen Kalik selbst wurde ein Strafverfahren eröffnet und er wurde nach seiner Rückkehr ins Exil gezwungen Ende der 80er Jahre existierte die Autorenkopie des Films nicht mehr : Was wir heute sehen, ist der Anschein eines für immer verlorenen Bildes, zusammengesetzt aus zufällig erhaltenen Fragmenten. Juri Saprikin

1942-1997

Ein Autodidakt aus Odessa, der als Kind am Strand seine Taschen putzte, entpuppte sich als fast der einzige unbedingt originelle Popstar der Union. Valery Obodzinsky konzentrierte sich bewusst auf den Stil der "Westler", aber am Ende fand er seinen eigenen Stil: Es war die nicht-sowjetische Stimme, die keinem westlichen Analogon im geringsten ähnelte. Das Kopieren nicht vorhandener Samples auf gute Weise kostete Obodzinsky eine Karriere: Zeitungsfeuilletonisten spülten ihn wegen Kriechens ab, der Vorsitzende der staatlichen Fernseh- und Rundfunkgesellschaft Lapin schnitt ihn aus Blue Lights heraus, er wurde jahrelang von Konzerten in Moskau ausgeschlossen und sogar im Kino durften sie exklusiv hinter den Kulissen singen. Der Mangel an Aufnahmen und Ausstrahlungen tat seiner Berühmtheit jedoch keinen Abbruch: Die erste Michael-Jackson-Platte verkaufte sich in einer Auflage von 13 Millionen Exemplaren, große Hallen der Metropolen luden seine Konzerte ruhig einen Monat lang täglich ein – wenn die Konzerte nicht waren auf Anordnung des Kultusministeriums abgesagt. Nur wenige Menschen stellten sich vor, wie er aussah (vielleicht zum Besseren), aber jeder kannte die Stimme, und diese Stimme enthüllte andere Dimensionen, die der sowjetischen Kultur nicht vertraut waren - in keiner ihrer Versionen. Obodzinskys Gesang ist wie ein Mensch, der einem langsamen Tanzpartner etwas Verlockendes ins Ohr flüstert und gleichzeitig in einen Abgrund stürzt; das ist Allwissenheit und Vergebung, multipliziert mit einem klaren Vertrauen in die Unausweichlichkeit eines tragischen Ausganges, das ist eine sanfte und tröstende Stimme, in der man - selbst in den Worten "Everything will come true", auf die meisten Dur-Akkorde gesetzt - einen vernimmt klare Erkenntnis, dass nichts eintreten wird und nicht eintreten wird und im Prinzip anscheinend auch nie eingetreten ist. Dies ist besonders in seinen späteren Werken hörbar – hören Sie sich zumindest „White Wings“ an, Yevgeny Martynovs manierierten Tango, den Obodzinsky nicht nur in seinem letzten Atemzug, sondern fast am Rande des Herzstillstands singt. Mitte der 80er landete er, von allen vergessen, allein mit einem Glas im Wachschrank der Krawattenfabrik und saß dort, bis ein alter Verehrer ihn zufällig entdeckte, zur Besinnung brachte und auf die Bühne brachte den Rossiya-Saal, wo er zum letzten Mal Zeit zum Singen haben wird - schon nach dem Verschwinden seiner an Talenten so reichen und ihnen so unfreundlichen Heimat. Juri Saprikin

"Orientalisches Lied"

Film von Valentin Selivanov

Aus Gründen, die nur Goskino aus der UdSSR bekannt waren, erschienen Mitte der 70er Jahre mehrere Filme über Kinder im Weltraum gleichzeitig auf den Bildschirmen: Unbestätigten Berichten zufolge wurden sie sogar in derselben Kulisse und mit denselben silbernen Anzügen gedreht. Bei allen Ähnlichkeiten war es die "Große Weltraumreise", die sich als die naivste, zerbrechlichste und wertvollste unter diesen intergalaktischen Überfällen von Teenagern herausstellte. Was ist der Grund dafür? Oder die Musik von Alexei Rybnikov, die seitdem gespielt wird, bis er blau im Gesicht ist, aber trotzdem nicht an Aprilfrische eingebüßt hat. Entweder ein berührendes retrofuturistisches Gefolge – die Helden laufen in hohen silbernen Stiefeln um die Orbitalstation herum, steuern sie mit Hilfe natürlich eines Autolenkrads, reparieren den Bordcomputer mit einem Schraubenzieher und unterhalten sich hin und wieder in der Sprache von verrückte Roboter: „Alpha Dog! Schwebe 240 Grad! Sektor 30!“ Oder Flashbacks in die sowjetische Kindheit – ein Radio in der Küche, Go-Kart-Rennen, barfuß im Regen auf der Wiese laufen; plötzlich für sie (wie auch für uns) zu einer unerreichbaren Vergangenheit werden. Ist es das süße Flüstern, mit dem Mila Berlinskaya, die später berühmte Pianistin, den Satz „Glaubst du mir oder nicht?“ ausspricht. Aber höchstwahrscheinlich - eine völlig Pelevin-Geschichte, in der sich der Weltraumflug als nur eine Simulation, ein Experiment, ein grandioser Hightech-Initiationsritus entpuppt, dessen einzige sichtbare Bedeutung darin besteht, dass Kinder den Schrecken des Todes, die kosmische Sehnsucht, überleben können und galaktische Ausmaße der Enttäuschung, als sich im Finale herausstellt, dass sie die Erde nirgendwo verlassen haben. Vor dem Abspann erscheint der Pilot-Kosmonaut Leonov vor dem Hintergrund eines unvollendeten Bildes auf dem Bildschirm – und sagt, dass es angeblich zu Ihren Lebzeiten eine Raumfahrt geben wird; Gleichzeitig zeigt das Bild – ein weiteres Detail im Sinne von Pelevin – das Andocken von Sojus und Apollo, das in Wirklichkeit erst ein Jahr nach den Dreharbeiten stattfinden wird. Juri Saprikin

Ich weiß nicht, ob Sie mir zustimmen oder nicht, aber musikalisch verlief das Ende der 80er Jahre in unserem Land unter dem Banner des russischen Rocks. Tsoi, Butusov, Grebenshchikov, Shevchuk ertönten dann fast aus jedem Fenster. Gleichzeitig verstand die ältere Generation die Leidenschaft der Jugend für die Musik „dieser Rebellen und Haarigen“ überhaupt nicht.

Und wenn sie bis Mitte der 80er Jahre im sogenannten "Underground" waren, dann tauchten sie in der zweiten Hälfte des Jahrzehnts auf der offiziellen Bühne auf. Konzerte und Festivals begannen abgehalten zu werden. Genau den Artefakten dieser Zeit ist dieser Beitrag gewidmet – Plakate dieser allerersten Konzerte von Gruppen, die aus dem Underground kamen, Tickets für diese Konzerte aus meiner Sammlung und der seine Raritäten mit mir teilte Seelenweg

Hier sah zum Beispiel wie das Plakat des ersten Konzerts in Moskau der Gruppen "Alisa" und "Television" aus. Das ist 1989.

Aber das ist schon 1991 - "Sabbat"

Nach dem „Sabbat“ wurde die „Armee von Alice“ organisiert. So sahen die Bedingungen für den Beitritt aus

Und hier ist ein interessantes Foto - Kostya vor dem Hintergrund des Filmplakats mit seiner Teilnahme

Nun, von dem Foto von Kinchev gehen wir ein ähnliches Foto wie Tsoi durch

Von der Kino-Gruppe blieben noch viel mehr Artefakte übrig - in den späten 80er Jahren hatte Tsoi eine fantastische Popularität und Tourneen waren alles andere als ungewöhnlich. Hier ist 1988

Und dies ist der 90., zusammen mit dem Anführer des französischen Rock

Hier ist ein interessantes Artefakt - eine Einladungskarte zur "Nadel"

Und das sind Tickets für das letzte Konzert

Nach dem Abgang von Tsoi sank seine Popularität nicht nur nicht, im Gegenteil, sie nahm zu

Sie begannen sogar in der Pionerskaya Pravda über ihn zu schreiben

Schwieriger für andere Gruppen.

Hier sind die erhaltenen Plakate von Grebenshchikov (Wahr, aus irgendeinem Grund, auf dem ersten wurde er Grebennikov)

Und das ist der Zoo.

Interessanterweise ist der Anführer der Gruppe auf dem zweiten Poster nicht Mike Naumenko, sondern Yuri Naumov

Was gibt es sonst noch in der Sammlung...

Zadery

Fernseher

Kurjochin

Ein ziemlich interessantes 3-tägiges Festival

Und ich weiß nicht einmal das - eine Art Hörsaal

Nun, ich werde diese beiden Typen nicht einmal vor dem Hintergrund des Posters vorstellen

Aber eine interessante Symbiose aus Pop und Rock

Besondere Erwähnung verdient der Leningrader Rockclub, der Ende der 80er Jahre sogar eine eigene gedruckte Ausgabe hatte.

Und dies ist die Ankündigung und das Plakat von Jubiläumskonzerten anlässlich des 10-jährigen Jubiläums

Und ich möchte auch an das Rabotnitsa-Magazin erinnern, das Beilagen für Audiokassetten veröffentlichte (ich habe einmal eine lange Geschichte über diese Beilagen geschrieben

Seit 28 Jahren haben die Menschen nicht mehr auf diesem Land gelebt. Die Häuser befinden sich in einem verlassenen Zustand, die Natur erobert sich nach und nach das Territorium zurück, das der Mensch zuvor weggenommen hat. Die Sperrzone von Tschernobyl selbst ist heute eine verlassene postapokalyptische Welt, die ein Symbol der größten von Menschen verursachten Katastrophe ist, sowie eine Art Freilichtmuseum der UdSSR. Die Verbindung mit einer vergangenen Epoche wird durch die erhaltenen Plakate der visuellen Agitation und der ideologischen Positionen deutlich nachgezeichnet. Häuser sind zerstört, das Gelände ist überwuchert, aber die verbliebenen ideologischen Artefakte stehen weiter, halten die Verbindung zur Sowjetzeit aufrecht und fungieren auch als Symbol einer angehaltenen Zeit.
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Sowjetische Agitation in einer ländlichen Schule, dem Dorf Ilintsy, einer 30 Kilometer langen Sperrzone.
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Plakat für visuelle Agitation, Sekundarschule Nr. 3, Pripyat.
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Agitationszug "Komsomolets of Ukraine", Erholungszentrum "Energetik", Pripyat. Zu Sowjetzeiten gab es solche Züge :)
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Auf den ersten Blick ein unscheinbares Hinweisschild mit dem zu Sowjetzeiten reichlich vorhandenen Roten Stern. Die Besonderheit dieser Platte ist, dass sie ... im Leichenschauhaus MSCh-126 in Pripyat liegt. Verstehen Sie, wie Sie wollen.
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Ein Stand mit visueller Propaganda, der sich hinter dem Energetik-Kulturpalast in Pripyat befindet. Es gibt mehrere andere ähnliche Eigenschaften in der Gegend.
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Einerseits ist das "Bajan" -Objekt, das von absolut allen Besuchern der verlassenen Stadt gesehen wurde, andererseits ein echtes Attribut des modernen Pripyat. Wappen der UdSSR auf einem sechzehnstöckigen Gebäude, Lazareva-Straße, Stadtzentrum. Das Emblem wurde im Sommer 2012 von Stalkern neu gestrichen.
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Wappen der Ukrainischen SSR, eines benachbarten sechzehnstöckigen Gebäudes auf Lazareva. Diese beiden Embleme bestätigen die These, dass die UdSSR für immer hier ist.
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Agitationszentrum in MSCh-126, Pripjat.
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Sowjetische Parteiführer, Mitglieder des Politbüros des Zentralkomitees der KPdSU. Links - Leiter der internationalen Abteilung des Zentralkomitees der KPdSU, Kandidat für das Politbüro B.N. Ponomarev, rechts - D.A. Kunaev, Erster Sekretär des Zentralkomitees der Kommunistischen Partei Kasachstans. Das Porträt in der Mitte kann ich noch nicht identifizieren.
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Die UdSSR ist eine freundliche Familie der Sowjetvölker, Sekundarschule Nr. 3, Pripyat.
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Stehen Sie im Kulturhaus "Energetik", Pripyat.
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Militärische Propaganda. Kaserne im Bereich des Luftverteidigungssystems "Volkhov", einer 10 Kilometer langen Sperrzone.
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Matrose, Infanterist und Pilot. Kommunikationszentrum des Militärlagers Tschernobyl-2, 10 Kilometer Sperrzone.
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Stellen Sie sich hinter das Erholungszentrum "Energetik" in Pripyat.
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Es ist notwendig, mit beispielhafter Arbeit auf die Entscheidungen des Plenums des Zentralkomitees der KPdSU, der Schule, des Dorfes Ilintsy, der 30-Kilometer-Sperrzone zu reagieren.
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Sport-Friendship-Mir, Sekundarschule Nr. 4, Pripyat.
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Widmung an den Helden der Sowjetunion Richard Sorge, Sekundarschule Nr. 3, Pripjat.
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"Volk und Armee sind vereint!" Kommunikationszentrum von Tschernobyl-2.
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Wahrscheinlich das bekannteste Symbol der Sowjetzeit. Interessanterweise in der Ukraine während der Ereignisse von 2013-2014. Im ganzen Land gab es einen "Leninfall", als die Menschen die Lenin-Denkmäler stürzten. Aber in Tschernobyl steht immer noch der Führer des Weltproletariats. Tschernobyl ist übrigens einer der wenigen Orte in der Ukraine, wo es noch Lenin gibt.
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Und ich wollte den Fotoessay, der den Artefakten der Sowjetzeit gewidmet ist, mit einem solchen Foto vervollständigen, das in einer ländlichen Schule in Ilintsy aufgenommen wurde. " Lasst den Kommunismus leben – die strahlende Zukunft der ganzen Menschheit!„Die Zukunft in Wirklichkeit stellte sich als völlig anders heraus. Wie sie sagen, nichts dauert ewig, Imperien brechen zusammen, Epochen folgen aufeinander, alles fließt, alles ändert sich.
Aber in der Sperrzone von Tschernobyl wird die Sowjetzeit immer spürbar sein. Hier für immer die UdSSR ...

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Eine dreieckige Milchpackung, ein buckliger Zaporozhets, ein Zil-Kühlschrank, eine Dose Kondensmilch, dreifaches Köln und eine Schuluniform mit weißen Schürzen - viele von uns kennen das alles seit ihrer Kindheit. Und wie wird die Person, die sie zum ersten Mal gesehen hat, darauf reagieren? Der Designer Umberto Giraudo ist Dozent an der British Higher School of Design. Ich schlage vor, sowjetische Artefakte mit den Augen eines gebürtigen Italieners zu betrachten.
1. Avoska

„Eines der besten Beispiele auf dem Gebiet des sowjetischen Designs. Wenn Sie sich für die Probleme der Ökologie und Umweltverschmutzung und des übermäßigen Konsums interessieren, wissen Sie, dass diese Tasche vor vielen Jahren zu einer praktikablen Lösung für eine Reihe von Problemen wurde. Die Einkaufstasche scheint mir Teil eines vernünftigen Systems zu sein, einer Art Systematik, bei der Produkte genau in der Menge gekauft werden, in der sie benötigt werden, und nicht „auf Vorrat“. Sie werden nicht mehrfach verpackt und die Tasche kann mehrfach verwendet und ständig mitgenommen werden - die Tasche ist kompakt und nimmt keinen Platz ein. Ich bin sicher, dass moderne Designer diesem Thema größte Aufmerksamkeit schenken sollten.“

2. Abreißkalender

„Solche Kalender waren auch in westlichen Ländern beliebt. Außerdem sind sie bis heute aktuell. Trotz der Tatsache, dass viel Papier für sie ausgegeben wird, erscheinen mir diese Kalender niedlich, da sie die Möglichkeit bieten, durch Abreißen der Blätter das Vergehen der Zeit körperlich zu spüren.

3. Wasserkocher

„Der Wasserkocher ist wie ein Wasserkocher, nichts Besonderes. Meine Oma hatte ein ähnliches.

4. Kaffee

"Schöne Verpackung. Einfach, günstig in der Herstellung, nur zweifarbig und sieht trotzdem sehr modern aus. Ich würde gerne Kaffee in so einer Verpackung kaufen – das sieht viel authentischer aus als dieser ganze Plastikmüll, in dem Kaffee heute verpackt ist.

„Der Typ auf dem Etikett sieht ziemlich beängstigend aus! Spaß beiseite, ich finde den Kontrast zwischen der sorgfältig ausgearbeiteten grafischen Gestaltung des Etiketts und der Form des Behälters amüsant. An Hals und Kappe können Sie erkennen, dass solche Flaschen nicht nur für Toilettenwasser, sondern für alles verwendet werden können. Aufbewahrung von Haushaltschemikalien oder billigem Alkohol zum Beispiel. Die Flasche ist sehr praktisch. Andererseits ist unklar, warum man in Ermangelung eines Wettbewerbsmarktes in spezifische und aggressive Verpackungslayouts investieren sollte. Leider verstehen auch viele der heutigen „jungen Unternehmer“ den Wert von Design im Handel nicht und investieren in die falschen Dinge.“

6. Kondensmilch

„Ein echtes russisches Meisterwerk. Ich weiß, dass so viele Menschen dieses Produkt lieben, auch weil es direkt im Glas gekocht werden kann.“

7. Kondome

„Ehrlich gesagt bin ich überrascht. Ich war mir sicher, dass Kinder in Sowjetrussland aus Kohl auftauchten! Gab es also Sex in der UdSSR oder nicht? Es sieht so aus, als wäre es doch... Zur Verpackung des Kondoms kann ich sagen, dass sie sehr funktional ist. Gleichzeitig ist es überhaupt nicht „emotional“, aber ich glaube nicht, dass unter Umständen jemand darauf geachtet hat. Gefällt mir".

8. Spielzeug

„Als Kind hatte ich ein ähnliches Spielzeug, ich sehe fast keinen Unterschied. Es sei denn, der Kontrast der amerikanischen Mickey Mouse und der kyrillischen Inschrift ist interessant - es ist schön.

9. Facettiertes Glas

„Schlicht und elegant, ein gewöhnliches Glas, das Stabilität symbolisiert. Ich hoffe, sie füllen es nicht bis zum Rand mit Wodka."

10. Dreieckige Milchtüte

„Kürzlich habe ich eine keramische Neuauflage der ersten Tetrapack-Verpackung gesehen. Ich weiß, dass dies eine kanonische Verpackung ist, ein Symbol der Ära – und ich bin froh, dass Designer heute mit diesem Symbol spielen.“

11. Schuluniform

„Sehr elegant und spiegelt den formalen hierarchischen Status perfekt wider. Ich trug auch eine Uniform, als ich zur Schule ging. Allerdings kann ich nicht umhin anzumerken, dass eine solche Uniform heute eher auf Kellnerinnen oder Schüler aussehen würde, aber nicht auf Schüler in der Schule.

12. Fernseher

„So ein Fernseher hätte auch im Wohnzimmer meiner Großeltern stehen können. Ich erinnere mich, als ich zum ersten Mal das Glas zum Vergrößern des Bildes auf dem Bildschirm sah, war ich sehr überrascht.

13. "Saporozhets"

„Ein echtes Meisterwerk des sowjetischen Designs – trotz der Tatsache, dass es auf dem Design von FIAT basierte. Der Zaporozhets hat einzigartige Merkmale, zum Beispiel einen Kühlergrill auf der Motorhaube, der dem Auto eine gewisse Aggressivität verleiht. Ich habe "Zaporozhets" in meinem Leben noch nie gesehen, aber ich habe viele Geschichten über diese Maschinen gehört. Insbesondere darüber, wie sie repariert und dekoriert wurden.

14. Kühlschrank

"Erstaunliches Design und ich verstehe absolut nicht, warum die Russen chinesische Kühlschränke kaufen und sie umbenennen, anstatt alten Formen neues Leben einzuhauchen."

Usw.). Eine wirklich einzigartige Sammlung sowjetischer Retro, ohne die politisierte Angst und kommerzielle Vulgarität, die in den beiden Hauptstädten so in Mode ist. Als ich Anfang Februar in Kasan war, habe ich natürlich noch einmal dort nachgesehen. Bin pünktlich nach Vesti-Tatarstan gekommen. Die Monitorhaie haben auch meine Rede über sowjetische Sportgeräte aufgezeichnet, obwohl ich am Ende nicht in die Nachrichten gekommen bin :) Na, okay, ist egal.

Der Direktor des Museums (Rustem Valiakhmetov) erkannte mich und erzählte mir von Neuankömmlingen. Also bin ich dann in Ruhe herumgelaufen und habe mir angeschaut, was die Sammlung wieder aufgefüllt und was sich im Vergleich zum Vorjahr geändert hat. In dieser Auswahl - etwas Neues, von jenen Artefakten, die ich letztes Mal nicht gezeigt habe.

2. Shampoo für Kinder. Die Bedeutung ist nicht ganz klar. Du öffnest den Deckel und sprühst auf deinen Bruder-Schwester? (in den Kommentaren erklärten sie, dass es nur ein Rasseln war)

3. Primäre Ergänzung der Sammlung von Makarevich. Natürlich erscheint sein Nachname angesichts der ukrainischen Ereignisse jetzt zweifelhaft, aber Tatsache ist, dass der Anführer der Zeitmaschinengruppe nicht aus der späten Geschichte der UdSSR entfernt werden kann, was auch immer er jetzt sein mag.

4. Berührende Militärfigur.

5. Die Haupthalle des Museums, die größte verfügbare. Zu diesem Zeitpunkt gab es 1980 (noch vier Tage bis zur Eröffnung der Olympischen Spiele in Sotschi) eine zentrale Ausstellung sowjetischer Sportgeräte und olympischer Symbole.

6. Radioempfänger Russia-303, sehr einprägsam aus meiner Schulzeit. Genau das gleiche war bei meinem Großvater, Pavel Stepanovich, stand in der Sommerküche in seinem Haus. Wir nahmen ihn zum Mähen mit und fuhren mit meinem Großvater für anderthalb bis zwei Wochen zu den Ausläufern der Kizhininsky-Kette. Von seinen Sprechern hörte ich Berichte über die Verleihung des Siegesordens an Leonid Iljitsch Breschnew (ich erinnere mich, dass mein Großvater mit jahrelangen Kriegsveteranen dies auf Mayak hörte, während sie Brei aus einer Aluminiumflasche gossen und schrecklich verflucht auf die "arrogante Lyonya"), sowie über den Tod von Marschall Grechko, Verteidigungsminister der UdSSR.

7. Comet-212M, ebenfalls ein gängiges Gerät mit gutem Klang.

8. Eine Art Parodie auf das Walkie-Toki, oder sind es sie selbst (?). So etwas habe ich damals noch nie gesehen.

9. Spring-310-C1, Schönheit und Freude der Rädelsführer-Gopniks. Man nimmt ein solches Gerät am Griff, dreht es lauter auf und läuft mit Deffs und Posons durch die Gegend und wedelt mit einem Kassettenrekorder.

10. Computer "Quantum".

11. Geister der Sowjetzeit. Es gibt auch nominelle - Sasha, Natasha. In der zweiten Hälfte der 1960er-Jahre sei „vielleicht“ viel zitiert worden, heißt es.

12. Dieses St. Petersburg - "Lieblingsstadt".

13. Das ikonische sowjetische Cologne und das Thema des Konsums von gehärteten Khanuriks: Er wurde für den hohen Alkoholgehalt in der Flüssigkeit respektiert.

14. Sowjetische Schwätzer. Übrigens, das hat mir in der sowjetischen Realität nicht gefallen - es ist eine große Verbreitung von Gemurmel. Wenn ich an den Geschmack dieses verdammten Agdam denke, wird mir grauenhaft... Brrr... Übrigens haben wir erst 1985, nach Beginn der Alkoholreform von Gorbatschow, mit der (Zwangs-) Einnahme angefangen, davor nur Geißel und gekauft Beweger. Auch "Drei Äxte" (links) sind qualitativ nicht weit von "Abram" entfernt.

15. Agdam-Etiketten. Anscheinend später - denn 3,40 kostete er in Chabarowsk (II-Gürtel) nur unter Gorbach.

16. Space-Zigarettenetui.

17. Puppe in Schuluniform.

18. Selbstgemachte Fotokalender, Vorderseite ohne Jahreszahl. Ich habe solche mit Vysotsky (2 Optionen), Pugacheva, Willy Tokarev und Stalin.

19. Als ich meine Grundierung sah, nach der ich in der ersten Klasse unterrichtet wurde, erinnerte ich mich plötzlich an den Buchstaben Y und beschloss, nachzusehen, wie es damit läuft.

20. Es stellte sich heraus - ausgezeichnet! Es gab auch Ё und Texte mit "ё". Schande über die Redakteure und Autoren, die das ignorieren!

21. Clubs für sowjetische Jungen.

23. Oh, das wäre in den 1970ern ein furchtbar modisches T-Shirt gewesen! Nur in den Tagen der UdSSR erinnere ich mich nicht daran.

24. Ein Mädchen aus einem Museum erzählt Fernsehleuten von Sportgeräten.

25. Olympische Symbole-1980. Minimatte...

26. Sparren...

27. ... und sogar Linsen! (Ich habe solche Fälle in der Sowjetzeit noch nie im wirklichen Leben gesehen).

28. Olympische Bären. Übrigens scheint mir das olympische Symbol von 1980 grafisch stärker zu sein als das Sotschi-Symbol von 2014.

29. Abschließend - ein selbstgebauter Kämpfer auf dem Rücken einer Bauteamjacke des Kasaner KAI. Die sowjetische Leichtindustrie kämpfte für den Frieden und druckte keine militaristischen Bilder auf ihre Produkte – die Studenten mussten selbst malen.

Es gibt auch eine "Buch"-Auswahl aus diesem Museum, wenn ich Zeit habe, werde ich auch versuchen, sie zu veröffentlichen.