Οι πιο μυστηριώδεις εικόνες του κόσμου. Μυστικοί πίνακες "Άγνωστος"
2005) επρόκειτο για έργα στα οποία, εκτός από την κύρια πλοκή, υπάρχει ακόμα ένα - κρυμμένο. Εκδηλώνεται όταν πλησιάζετε την εικόνα, απομακρύνεστε από αυτήν ή κοιτάζετε από μια συγκεκριμένη γωνία. Τώρα θα μάθετε για τους πιο αληθινούς πίνακες, που ωστόσο ονομάζονται «κόλπα», για φανταστικές σιλουέτες, «διπλούς θεατές», «τριπλούς θεατές» και επίσης για ένα σπάνιο είδος εικονιδίων.
G. Teplov. Η νεκρή φύση είναι ένα κόλπο. 1737. Κρατικό Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη.
P. Drozhdin. "Πορτρέτο του καλλιτέχνη A. P. Antropov με τον γιο του μπροστά από ένα πορτρέτο της γυναίκας του." 1776. Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη.
R. Magritte. «Το πεπρωμένο του ανθρώπου». 1933 Εθνική Πινακοθήκη Τέχνης, Ουάσιγκτον.
Αγνωστος καλλιτέχνης. «Κρίνοι της Γαλλίας» (έξι σιλουέτες της οικογένειας Bourbon). 1815.
O. Kanyu. «Σωματικές βιολέτες (σιλουέτες του Βοναπάρτη, της γυναίκας και του γιου του)». 1815. Ο τίτλος της εικόνας περιέχει μια υπενθύμιση ότι ο Ναπολέων ξεκίνησε τη στρατιωτική του θητεία με τον βαθμό του δεκανέα.
S. Del Prete. "Το μυστικό ανάμεσα στα φύλλα του φθινοπώρου" 1991 Γκαλερί στη Βέρνη, Ελβετία.
V. Bregeda. "Προφητεία". 1994
Ν. Ζαμυατίνα. «Όνειρα Ελλάδας». 2004
Λέξεις - "διπλό μάτια": καρχαρίες - απατεώνες, μουρμούρα - μην βουίζει, ειρήνη - Κρατικό Πανεπιστήμιο της Μόσχας, ανθεκτικό - ακριβές. Συγγραφείς είναι η Όλγα και ο Σεργκέι Φεντίν.
Καρτ ποστάλ. «Η γυναίκα μου και η πεθερά μου». Αρχές του ΧΧ αιώνα. Ρωσία.
Ι. Μποτβίνικ. «Ο άντρας μου και ο πεθερός μου». Πρώτο μισό του εικοστού αιώνα. ΗΠΑ.
G. Fisher. «Μαμά, μπαμπάς και κόρη». 1968 ΗΠΑ.
S. Orlov. «Τριαντάφυλλο για δύο». 2004 Μόσχα.
Σ. Νταλί. «Η προτομή του Βολταίρου που εξαφανίζεται». 1940 Μουσείο Dali, Αγία Πετρούπολη, Η.Π.Α.
Δύο πίνακες του Salvador Dali: στα αριστερά - "Το κεφάλι μιας γυναίκας με τη μορφή μιας μάχης". 1936; στα δεξιά - "Ισπανία". 1938
V. Koval. "Kovalland (αυτοπροσωπογραφία του καλλιτέχνη)". 1994
Η εικόνα της Τριάδας "The Deesis Order". XIX αιώνα. Ρωσία.
Επιστήμη και ζωή // Εικονογραφήσεις
Εικόνα με τα πρόσωπα του Ιησού και της Μαρίας Μαγδαληνής. Το πρώτο μισό του 17ου αιώνα. Melheim, Γερμανία.
Πορτρέτο του Αλέξανδρου Γ' με τη γυναίκα και τον γιο του. Τέλη 19ου αιώνα. Εκκλησιαστικό Μουσείο στην Εκκλησία του Αγίου Mitrofan του Voronezh, Μόσχα.
Γκάμπριελ φον Μαξ. «Μαντήλι της Αγίας Βερονίκης». δεκαετία του 1870. Γερμανία.
«Σωτήρας που δεν έγινε από τα χέρια». Φωτογραφία της δεκαετίας του 1970 από πίνακα ενός άγνωστου καλλιτέχνη, τη Ρωσία.
ΑΛΗΘΙΝΟΣ ΔΟΛΟΣ
Δύο καλλιτέχνες μάλωναν - ο Ζευξής και ο Παρράσιος: ποιος από αυτούς είναι καλύτερος. Ο Ζευξής τράβηξε ένα τσαμπί σταφύλι και τοποθέτησε την εικόνα κοντά στο ανοιχτό παράθυρο. Πουλιά που πετούσαν από δίπλα είδαν τα σταφύλια, κάθισαν και προσπάθησαν να ραμφίσουν τα ζωγραφισμένα μούρα. Ήταν η σειρά του Παρράσιου. «Λοιπόν, πού είναι η δουλειά σου;» - «Εκεί, πίσω από την κουρτίνα». Ο Ζευξής πήγε στην κουρτίνα και προσπάθησε να την τραβήξει πίσω. Και ήταν βαμμένη. Ο θρύλος γεννήθηκε στην αρχαία Ελλάδα, περίπου 500 χρόνια πριν από την εποχή μας.
Είναι πιο αληθινό από όσο φαίνεται με την πρώτη ματιά. Το γεγονός είναι ότι πολλά πουλιά δεν έχουν στερεοσκοπική όραση, αφού τα μάτια τους βρίσκονται και στις δύο πλευρές του κεφαλιού. Ό,τι βλέπει το ένα μάτι, το άλλο δεν το βλέπει. Λόγω της έλλειψης κοινού οπτικού πεδίου, ο εγκέφαλος δεν μπορεί να σχηματίσει τρισδιάστατη εικόνα. Και οι έμπειροι κυνηγοί γνωρίζουν ότι ένα πρωτόγονο, άβαφο μοντέλο πάπιας προσελκύει έναν ιπτάμενο δράκο όχι χειρότερα από ένα ζωντανό πουλί δόλωμα.
Αυτό που είναι σημαντικό για εμάς στον ελληνικό μύθο είναι ότι η εικόνα δεν ξεγέλασε τα πουλιά, αλλά το μάτι του μάστορα ζωγράφου. Ο Ρώσος καλλιτέχνης του 19ου αιώνα Φιοντόρ Τολστόι έχει πίνακες που απηχούν την πλοκή ενός αρχαίου ελληνικού θρύλου. Σε ένα από αυτά - μια νεκρή φύση, "καλυμμένη" με ένα φύλλο χαρτιού εντοπισμού. Μια από τις γωνίες του είναι λυγισμένη. Και αυτό το μέρος της νεκρής φύσης φαίνεται τόσο αυθεντικό που νιώθεις άθελά σου την επιθυμία να μετακινήσεις το χαρτί εντοπισμού χαμηλότερα για να δεις ολόκληρη την εικόνα. Οι πίνακες αυτού του τύπου ονομάζονται «απάτες», αν και μιλάμε ίσως για το πιο αληθινό από όλα τα είδη ζωγραφικής.
Η εμφάνιση αυτού του είδους των πινάκων έγινε δυνατή μόνο μετά την εφεύρεση της προοπτικής, του chiaroscuro και των... λαδομπογιών. Συνταγές για την παρασκευή τους βρίσκονται στα βιβλία του XIII αιώνα. Αλλά μόνο στις αρχές του 15ου αιώνα, ο Ολλανδός καλλιτέχνης Jan van Eyck (1390-1441) βελτίωσε την τεχνολογία παρασκευής χρωμάτων τόσο πολύ που συχνά αποκαλείται ο εφευρέτης της τεχνικής ελαιογραφίας. Ήταν ο πρώτος που το εφάρμοσε με νέο τρόπο, εφαρμόζοντας λεπτές διαφανείς στρώσεις μπογιάς το ένα πάνω στο άλλο, επιτυγχάνοντας εξαιρετικό βάθος και πλούτο χρώματος, καθώς και λεπτότητα φωτός και σκιάς και χρωματικές μεταβάσεις. Μετά τον Jan van Eyck, οι καλλιτέχνες μπόρεσαν να επιτύχουν μια τέτοια εικόνα, η οποία ήταν εύκολο να συγχέεται με την αρχική.
Ο ιδρυτής του είδους snag στη Ρωσία είναι ο Grigory Teplov, καλλιτέχνης, ποιητής, μουσικός, φιλόσοφος, πολιτικός του 18ου αιώνα. Ένα από τα έργα του βρίσκεται στην προηγούμενη σελίδα. Είναι κρίμα που οι αναπαραγωγές δολωμάτων σε περιοδικά και βιβλία δεν μπορούν να μεταδώσουν την αίσθηση που εμφανίζεται όταν κοιτάς το πρωτότυπο. Παρεμπιπτόντως, αυτός είναι ο λόγος που τα κόλπα σπάνια συναντώνται σε βιβλία τέχνης. Αυτό οφείλεται σε μεγάλο βαθμό στη διαφορά στο μέγεθος του πίνακα και στην έντυπη αναπαραγωγή του, καθώς και στο γεγονός ότι το επιθυμητό αποτέλεσμα εμφανίζεται συνήθως ανάλογα με την απόσταση μεταξύ της εικόνας και του θεατή.
Υπάρχει ένα άλλο είδος εξαπάτησης. Στο Ρωσικό Μουσείο της Αγίας Πετρούπολης, για παράδειγμα, υπάρχει ένας πίνακας του Pyotr Drozhdin, ενός καλλιτέχνη του 18ου αιώνα. Σε αυτό, ο συγγραφέας απεικόνισε την οικογένεια του δασκάλου του, του καλλιτέχνη Antropov. Κοιτάζοντας προσεκτικά, παρατηρείτε ότι πατέρας και γιος δεν στέκονται δίπλα στη γυναίκα και τη μητέρα τους, αλλά με το πορτρέτο της. Η άκρη του καβαλέτου, που στην αρχή φαινόταν σαν ένα ελαφρύ άνοιγμα στον τοίχο, χωρίζει όσους στέκονται από την εικόνα.
Την τεχνική του «καβαλέτου» χρησιμοποίησε και ο Βέλγος καλλιτέχνης του 20ου αιώνα, Ρενέ Μαγκρίτ. Οι άκρες τους είναι σχεδόν αόρατες και τα σχέδια συγχωνεύονται ανεπαίσθητα στην κύρια πλοκή της εικόνας, συγχωνεύονται με αυτήν. Στο ένα τοπίο -το δάσος, ξεκινώντας έξω από το παράθυρο, συνεχίζει στο ζωγραφισμένο καβαλέτο, στο άλλο - η θάλασσα από το καβαλέτο χύνεται στην «πραγματική» θάλασσα.
Ο Μαγκρίτ είναι μάστορας των παράδοξων ζωγραφιών. Σε έναν καμβά συνέδεσε αντικείμενα και φαινόμενα που είναι ασύμβατα στη ζωή. για παράδειγμα, ο ουρανός της ημέρας και ένα σπίτι βυθισμένο στο νυχτερινό σκοτάδι ή ένα άτομο που κοιτάζει σε έναν καθρέφτη μπροστά του βλέπει μόνο το πίσω μέρος του κεφαλιού του σε αυτό. Χρησιμοποιούσε επίσης την αρχή του παράδοξου στους τίτλους των έργων του. Όταν, κατά την παραδοχή του ίδιου του καλλιτέχνη, του έλειπε η φαντασία, συγκέντρωσε φίλους και ζήτησε βοήθεια για να βρει ένα όνομα. Ένα τοπίο με καβαλέτο, για παράδειγμα, ονομάζεται «The Destiny of Man».
ΣΙΛΟΥΕΤΕΣ ΦΑΝΤΑΣΜΑΤΩΝ
Υπάρχει μια ειδική τεχνική για τη δημιουργία μιας κρυφής εικόνας: όταν οι καλλιτέχνες χρησιμοποιούν τα περιγράμματα των σχεδιαζόμενων αντικειμένων. Για πρώτη φορά, πίνακες με «κρυμμένες σιλουέτες» εμφανίστηκαν, προφανώς, στη μεσαιωνική Γαλλία. Οι κύριοι ήρωές τους ήταν φυσικά οι βασιλιάδες. Το ότι ο κρίνος είναι σύμβολο της δυναστείας των Βουρβόνων είναι ήδη γνωστό σε εμάς, τουλάχιστον από τα κοστούμια των βασικών χαρακτήρων από τις ταινίες που βασίζονται στο μυθιστόρημα του Αλέξανδρου Δουμά «Οι Τρεις Σωματοφύλακες». Πριν από διακόσια χρόνια, σχεδιάζοντας μπουκέτα από βασιλικούς κρίνους, οι καλλιτέχνες μετέτρεψαν τις καμπύλες των μίσχων, τα περιγράμματα των φύλλων και τα πέταλα σε ανθρώπινα πρόσωπα. Όταν μαντέψετε το μυστικό, η ανθοδέσμη μετατρέπεται σε πορτρέτο της βασιλικής οικογένειας. Μετά την ανατροπή της δυναστείας των Βουρβόνων, οι καλλιτέχνες άρχισαν να ζωγραφίζουν τον Αυτοκράτορα Ναπολέοντα με τη γυναίκα και τον γιο του. Αλλά η Josephine αγαπούσε τις βιολέτες, έτσι αντικατέστησαν τα κρίνα.
Κατά τους περασμένους αιώνες, οι καλλιτέχνες, φυσικά, έχουν διευρύνει τη θεματολογία τέτοιων έργων. Ένα παράδειγμα είναι ένας πίνακας όπου βλέπετε πρώτα μερικά ξερά φύλλα να πετούν στον αέρα. Και στον καμβά είναι ένα κομμάτι χαρτί με μια επιγραφή στα γαλλικά: «Ένα όνειρο που παρασύρεται από τον άνεμο και τον χρόνο». Συνήθως, οι καλλιτέχνες δεν γράφουν το όνομά του στην μπροστινή πλευρά της εικόνας. Εδώ, στην κάτω αριστερή γωνία του καμβά, γράφει στα γερμανικά: «Το μυστικό ανάμεσα στα φύλλα του φθινοπώρου». Αυτό δεν είναι μόνο το όνομα του πίνακα, αλλά και το κλειδί που αποκαλύπτει την πρόθεση του καλλιτέχνη - Sandro Del Prete. Το όνομά του είναι γνωστό σήμερα σε όλο τον κόσμο. Και ξεκίνησε ερασιτεχνικά (το αναφέρω ειδικά για τους συμμετέχοντες στον διαγωνισμό μυστηριωδών ζωγραφιών). Στα νιάτα του, ο Del Prete σπούδασε σχέδιο μόνο για έξι μήνες, μέχρι την ηλικία των 44 ετών δεν θεωρούσε τον εαυτό του επαγγελματία καλλιτέχνη και εργάστηκε σε μια ασφαλιστική εταιρεία στη γενέτειρά του ελβετική πόλη της Βέρνης, όπου ζει ακόμα.
Σε έναν πίνακα του καλλιτέχνη Viktor Bregeda με έδρα το Ταγκανρόγκ, ο οποίος επίσης έλκεται από αυτή την τεχνική, φιγουράρει γονατισμένος στην προσευχή με φόντο ένα τοπίο έρημου βουνού. Αυτό είναι μόνο ένα μέρος της πλοκής που βλέπετε αμέσως, αλλά ο τίτλος - "Prophecy" - υποδηλώνει ότι το κύριο περιεχόμενο δεν είναι τόσο προφανές και δεν έχει ακόμη αποκαλυφθεί. Αόρατη την πρώτη στιγμή, η εικόνα περιέχει εκείνους μπροστά στους οποίους προσκύνησαν οι προσκυνητές: ο Θεός Πατέρας, ο Θεός ο Υιός και ο φτερωτός καβαλάρης - ένας άγγελος που κατέβηκε από τον ουρανό.
Ο πίνακας «Dreams of Greece» της Μοσχοβίτης Natalya Zamyatina μοιάζει με μια συνηθισμένη νεκρή φύση με πορσελάνινο βάζο και φρούτα. Ο τίτλος δεν φαίνεται να ταιριάζει πολύ με την εικόνα. Αλλά ρίξτε μια πιο προσεκτική ματιά στην κουρτίνα. Τι κρύβουν (ή αποκαλύπτουν) οι πτυχές του υφάσματος και τα περιγράμματα του αγγείου;
ΔΙΠΛΑ ΜΑΤΙΑ
Ο όρος που έδωσε το όνομα στην ενότητα του άρθρου επινοήθηκε από τον συγγραφέα και συγγραφέα πολλών δημοσιεύσεων στο περιοδικό "Science and Life" Sergei Fedin. Ονόμασε κείμενα με διπλά μάτια που μπορούν να διαβαστούν με δύο τρόπους. Ας πάρουμε ως παράδειγμα τη λέξη «καρχαρίες». Τα δύο πρώτα γράμματα "ak" μπορούν να γραφτούν ως ένα γράμμα "zh". Και το "s" είναι εύκολο να απεικονιστεί παρόμοια με το "e". Ας αφήσουμε τα γράμματα στη μέση αμετάβλητα και ας πάρουμε μια λέξη που διαβάζεται εύκολα με δύο τρόπους: «καρχαρίες» και «απατεώνες». Εδώ δίνονται αρκετά παραδείγματα τέτοιων επιγραφών.
Η λέξη "double-eyed" αντιστοιχεί στο αγγλικό "ambigram" - dual. Μιλάμε για λεκτικές διπλές όψεις εδώ γιατί, χρησιμοποιώντας το παράδειγμά τους, είναι ευκολότερο να κατανοήσουμε την αντίληψη των διπλών εικόνων στη ζωγραφική.
Τι ψάχνουμε, κινώντας το βλέμμα μας στις γραμμές της διπλής όρασης; Κάποιο γνώριμο γράμμα. Το ίδιο συμβαίνει και στις εικόνες. Ο εγκέφαλος αναζητά οικείες εικόνες που βρίσκονται ήδη στη μνήμη, κάτι που δεν μοιάζει με την αποθήκευση φωτογραφικών εικόνων. Η μνήμη είναι ένα είδος «κωδικοποιητή» που καταγράφει τις ιδιότητες της εικόνας, όπως η παρουσία ευθύγραμμων και καμπύλων τμημάτων γραμμών, τα όρια αλλαγής φωτεινότητας, χρώματος και παρόμοια.
Βλέποντας πιο προσεκτικά τα δύο μάτια, βρίσκουμε τα γράμματα που δεν προσέξαμε αρχικά και προσθέτουμε τη δεύτερη λέξη από αυτά. Το ίδιο συμβαίνει και με την κρυφή εικόνα.
Μέχρι στιγμής, κανείς δεν έχει καταλήξει στη λέξη «τρία μάτια», δηλαδή την εικόνα τριών λέξεων διαφορετικής σημασίας σε ένα λήμμα. Αν τα καταφέρετε, υποβάλετε οπωσδήποτε τη δουλειά σας στον διαγωνισμό ζωγραφικής μυστηρίου. Όμως τα γραφικά τρίδυμα έχουν ήδη δημιουργηθεί, και τώρα θα μιλήσουμε για αυτά.
ΔΙΠΡΟΣΩΠΗ ΚΑΙ ΤΡΙΠΡΟΣΩΠΗ ΖΩΓΡΑΦΙΚΗ
Στο προηγούμενο τεύχος του περιοδικού, στο άρθρο «Αόρατο-Ορατό» συναντήσατε την εικόνα ενός γυναικείου κεφαλιού, το οποίο μοιάζει είτε νέο είτε μεγάλο, ανάλογα με τη θέση της εικόνας. Τώρα ας εξοικειωθούμε με ένα πορτρέτο που δεν χρειάζεται να αναποδογυριστεί. Στην ερώτηση: «Απεικόνιση νέας ή μεγάλης γυναίκας; Διαφορετικοί άνθρωποι δίνουν διαφορετικές απαντήσεις. Κάποιοι λένε - ένα κορίτσι, άλλοι - μια γριά. Η εικόνα έχει γίνει από καιρό κλασική. Αλλά για όσους τη βλέπουν για πρώτη φορά, κάθε φορά πρέπει να εξηγούν πώς να δουν τη δεύτερη εικόνα: «Το μάτι της κυρίας είναι το αυτί της κοπέλας και η μύτη είναι το οβάλ ενός νεαρού προσώπου». Σύμφωνα με τους φυσιολόγους, ο θεατής, κοιτάζοντας το πορτρέτο, δίνει τη μεγαλύτερη προσοχή στα μάτια και τη μύτη. Επομένως, η πρώτη εντύπωση εξαρτάται συνήθως από το σε ποιο σημείο της εικόνας έπεσαν τα μάτια σας την πρώτη στιγμή. Μετά από λίγη εκπαίδευση, μπορείτε να μάθετε να παραγγέλνετε μόνοι σας αυτόν που θέλετε να δείτε.
Όσον αφορά τον αριθμό των δημοσιεύσεων σε βιβλία και περιοδικά, η πλοκή με μια νεαρή και ηλικιωμένη γυναίκα είναι πολύ μπροστά από όλες τις άλλες απατηλές εικόνες. Ο συγγραφέας αποκαλείται μερικές φορές ο Αμερικανός σκιτσογράφος W. Hill, ο οποίος δημοσίευσε το έργο το 1915 στο περιοδικό "Pak" (μεταφρασμένο στα ρωσικά "Puck" - ένα ξωτικό, ένα πνεύμα παραμυθιού). Μερικές φορές η εικόνα αποδίδεται στον ψυχίατρο E. Boring, ο οποίος χρησιμοποίησε το πορτρέτο στη δεκαετία του 1930 ως εικονογράφηση για το έργο του. Στην επιστημονική κοινότητα, το «Two Ladies» εξακολουθεί να αποκαλείται η «Βαρετή φιγούρα». Μάλιστα, στα πρώτα χρόνια του 20ου αιώνα, στη Ρωσία κυκλοφόρησε μια καρτ ποστάλ με την ίδια εικόνα και την επιγραφή: «Η γυναίκα μου και η πεθερά μου». Η γερμανική καρτ ποστάλ του 1880 χρησίμευσε ως πρωτότυπο γι 'αυτό (ο συγγραφέας είναι άγνωστος).
Η εικόνα με δύο κυρίες αναπαράγεται τακτικά σε βιβλία ψυχολογίας. Αλλά είναι ακόμα σε μεγάλο βαθμό άγνωστο πώς αντιλαμβάνεται ο ανθρώπινος νους τις δυιστικές εικόνες. Οι καλλιτέχνες απλώς συνεχίζουν να αναπτύσσουν μια ήδη γνωστή τεχνική. Στο πρώτο μισό του 20ου αιώνα, εμφανίστηκε ένα παρόμοιο πορτρέτο ενός ηλικιωμένου και ενός νεαρού άνδρα. Στη συνέχεια, το 1968, ο καλλιτέχνης G. Fischer έφτιαξε ένα νέο χτένισμα και για τις δύο κυρίες και πήρε έναν τρίτο χαρακτήρα. Μάλιστα, πρόσθεσε μόνο ένα στοιχείο και η εικόνα έγινε γνωστή ως «Μαμά, Μπαμπάς και Κόρη». Τα μαλλιά της γυναίκας μετατράπηκαν σε προφίλ άνδρα, χάρη στο οποίο υπήρχαν τρία άτομα στο πορτρέτο.
Σε έναν μοντέρνο πίνακα του καλλιτέχνη της Μόσχας Σεργκέι Ορλόφ (βλ. σελ. 132), υπάρχουν όχι μόνο δύο διαφορετικά πρόσωπα, αλλά και δύο γυναικείες φιγούρες που ανήκουν τόσο στο κορίτσι όσο και στη γριά. Η ηλικιωμένη κυρία κοιτάζει το λουλούδι που κρατά στο χέρι της. Η νεαρή κάθεται με την πλάτη της προς το μέρος μας, ισιώνει τα μαλλιά της και γυρίζει το κεφάλι της αριστερά.
Τα έργα του Sergei Orlov, του Victor Bregeda και άλλων καλλιτεχνών που εργάζονται με αυτόν τον τρόπο μπορούν να προβληθούν στο Διαδίκτυο. Υπάρχει ένα ειδικό έργο "Dualities" http://hiero.ru/project/Dubl του ιστότοπου "Hieroglyph", όπου οι συγγραφείς εκθέτουν τα έργα τους για συζήτηση.
Ούτε ένα βιβλίο για απατηλούς πίνακες δεν είναι πλήρες χωρίς μια ιστορία για το έργο του Ισπανού Σαλβαδόρ Νταλί. 300 χρόνια μετά τον Arcimboldo, αναβίωσε την κατεύθυνση των απατηλών ζωγραφιών.
Στην πρώτη εικόνα, ο θεατής βλέπει δύο πλούσια ντυμένες γυναίκες. Ο άντρας με το τουρμπάνι τους οδηγεί στη στοά. Ο καλλιτέχνης μεταμορφώνει αυτή τη σκηνή σε δεύτερη πλοκή. Το περίγραμμα ενός ανθρώπινου κεφαλιού σχηματίζεται από την αψίδα της γκαλερί - μια εικόνα ενός γλυπτικού πορτρέτου του Γάλλου φιλοσόφου Βολταίρου από τον Houdon.
Η πλοκή με τον Βολταίρο βρίσκεται στα έργα του Νταλί επανειλημμένα. Δύο φορές χρησιμοποίησε επίσης την πλοκή του πίνακα «Το κεφάλι μιας γυναίκας με τη μορφή μάχης» (πάνω αριστερά), όπου οι φιγούρες καλπαζόντων ιππέων και ανθρώπων που ορμούν σε ένα κίτρινο χωράφι προστίθενται στο πρόσωπο μιας γυναίκας. Στη συνέχεια όμως «Το κεφάλι μιας γυναίκας με τη μορφή μάχης» μπήκε ως λεπτομέρεια ενός άλλου καμβά: «Ισπανία». Αυτό το γεγονός δείχνει πόσο δύσκολο είναι να βρεθεί μια νέα, πρωτότυπη λύση για μια εικόνα δύο όψεων.
Αν γινόμουν διοργανωτής μιας έκθεσης με τους καλύτερους δυϊστικούς πίνακες, τότε δίπλα στα έργα του Νταλί θα τοποθετούσα πίνακες του σύγχρονου καλλιτέχνη του Βόλγκογκραντ Βλάντισλαβ Κοβάλ. Και σίγουρα - η "Μαντόνα του Στάλινγκραντ", στην οποία η εικόνα μιας γυναίκας με ένα μωρό στην αγκαλιά της υφαίνεται από κλαδιά σημύδας. Στον πίνακα «Decommissioning to Shore», οι μακρινοί παράκτιοι βράχοι που φαίνονται στον ορίζοντα μετατρέπονται σε μια μοναχική, γερασμένη φιγούρα ναύτη. Στον πίνακα «Ίκαρος» ο ήρωάς της φαίνεται είτε να πετάει είτε να πέφτει. Στον επόμενο καμβά, ένας στρατιώτης τυλιγμένος με αδιάβροχο, παγωμένος, μετατρέπεται σε Madonna με ένα παιδί. Στο έργο «Πυραμίδα» ο V. Koval για πρώτη φορά στην ιστορία της τέχνης συνδύασε πολλές διπλές εικόνες σε ένα αναπόσπαστο έργο τέχνης. Και χρησιμοποίησε σχεδόν όλες τις τεχνικές ζωγραφικής για τις οποίες μίλησα. Εδώ και η κατασκευή νέων εικόνων από τις λεπτομέρειες του τοπίου, και πίνακες ζωγραφικής, το περιεχόμενο των οποίων εξαρτάται από τη γωνία θέασης ή την απόσταση. Σήμερα ο Koval είναι ένας από τους πιο διάσημους Ρώσους καλλιτέχνες. Η φήμη του έχει μια περίεργη αρχή. Ενώ σπούδαζε στη Μόσχα, έστελνε γράμματα στους συγγενείς του στο Βόλγκογκραντ και δεν κόλλησε γραμματόσημα σε φακέλους, αλλά σχεδίαζε. Όλες οι απεσταλμένες επιστολές έφτασαν στους παραλήπτες χωρίς πρόσθετη πληρωμή. Όταν το υπουργείο Τύπου ανακοίνωσε διαγωνισμό μεταξύ καλλιτεχνών, ο μαθητής Vladislav Koval έφερε ένα πακέτο φακέλους στους διοργανωτές. Και έγινε ο νικητής, ο νεότερος μεταξύ των συμμετεχόντων.
Ασυνήθιστα εικονίδια
Παραδείγματα μυστηριωδών πινάκων υπάρχουν ακόμη και σε μια τόσο αυστηρή και κανονική μορφή τέχνης όπως οι εικόνες. Η εικόνα «Ο Ιησούς στο μπουντρούμι» μεταφέρθηκε κάποτε στο Μουσείο Παλαιάς Ρωσικής Τέχνης στη Μόσχα. Στο μπροστινό μέρος του εικονίζεται ο Ιησούς με δεσμά στα πόδια και τριγύρω τα όργανα του Πάθους, δηλαδή του βασανισμού. Κάθε ένα έχει ένα όνομα δίπλα του. Με βάση τις ιδιαιτερότητες της γραφής λέξεων, οι κριτικοί τέχνης προσδιόρισαν ότι ο συγγραφέας ήταν παλιός πιστός. Η μοναδικότητα της εικόνας ήταν ότι η εικόνα διασταυρώθηκε από στενές κάθετες ρίγες. Έχει προταθεί ότι πρόκειται για ίχνη ενός πλέγματος που κάποτε κάλυπτε την εικόνα του Χριστού. Ωστόσο, το στοιχείο για τις σκοτεινές ρίγες αποδείχθηκε πολύ πιο ενδιαφέρον και ανήκει στον επικεφαλής του εργαστηρίου ζωγραφικής της Canon, ιστορικό τέχνης και καλλιτέχνη Alexander Renzhin.
Αποδεικνύεται ότι το εικονίδιο κάποτε περιείχε όχι μία, αλλά τρεις εικόνες. Οι ρίγες δεν είναι τίποτε άλλο από ίχνη κάθετων πλακών που είχαν προσαρτηθεί στο πλαίσιο (ρύθμιση) του εικονιδίου. Κολλούσαν στενά στην επιφάνειά του και επομένως άφησαν ίχνη. Και στις δύο πλευρές κάθε πλάκας σχεδιάζονταν (είναι είθισται να λέγεται - γραπτά) τμήματα δύο ακόμη εικόνων. Στεκόμενος μπροστά από το εικονίδιο, μπορούσες να δεις μια εικόνα, να κινείται προς τα αριστερά - μια άλλη, προς τα δεξιά - την τρίτη. Οι πλάκες της εικόνας χάθηκαν, αλλά ο Renzhin κατάφερε να βρει ακριβώς το ίδιο ολόκληρο εικονίδιο. Αποδείχθηκε ότι τμήματα των εικόνων της Μητέρας του Θεού και του Ιωάννη του Βαπτιστή ήταν γραμμένα και στις δύο πλευρές των 12 πλακών. Όταν κοιτάτε το εικονίδιο από το πλάι, τα μέρη της εικόνας συνδυάζονται σε ένα ενιαίο σύνολο.
Οι αποθήκες του Μουσείου Ιστορίας των Θρησκειών στην Αγία Πετρούπολη περιέχουν εικόνες αυτού του τύπου, αλλά με διαφορετική πλοκή. Σε ένα από αυτά σε πρώτο πλάνο είναι ένα περιστέρι, σύμβολο του Αγίου Πνεύματος. Αλλά μόλις κινηθείτε προς τα δεξιά, θα εμφανιστεί η εικόνα του Θεού Πατέρα, στα αριστερά - το πρόσωπο του Θεού Υιού. Είναι δύσκολο για έναν σύγχρονο θεατή, χαλασμένο από φωτεινά εφέ, να φανταστεί τη δύναμη της εντύπωσης των τριμερών εικόνων στους πιστούς των περασμένων αιώνων, ακόμη και στο λυκόφως μιας εκκλησίας που φωτίζεται μόνο από κεριά. Επιπλέον, τον 20ο αιώνα, μια παρόμοια τεχνική χρησιμοποιήθηκε στη διαφήμιση, και ως εκ τούτου έχασε την ασυνήθιστα.
Υπάρχουν εικονίδια των οποίων η επιφάνεια δεν είναι επίπεδη, αλλά με προφίλ, με κάθετες τριγωνικές αυλακώσεις. Στη μία πλευρά κάθε αυλάκωσης, αναγράφεται μια εικόνα, ορατή στα αριστερά και στην άλλη, ορατή στα δεξιά. Όταν κοιτάς από μπροστά, βλέπεις ένα «μίγμα» των δύο εικόνων. Επομένως, στην εκκλησία τοποθετήθηκε ένα μεγάλο κηροπήγιο μπροστά από μια τέτοια εικόνα, ώστε να φαίνεται μόνο από δύο πλευρές.
Στην εκκλησία του Αγίου Mitrofan του Voronezh στη Μόσχα στη 2η οδό Khutorskaya υπάρχει εκκλησιαστικό μουσείο. Εκεί, ανάμεσα σε άλλα ενδιαφέροντα εκθέματα, μπορείτε να δείτε μια τριμερή εικόνα. Αυτό δεν είναι ένα εικονίδιο, αλλά ένα πορτρέτο της βασιλικής οικογένειας. Μπροστά στο πορτρέτο, βλέπετε τον αυτοκράτορα Αλέξανδρο Γ'. Μετακινηθείτε προς τα δεξιά - εμφανίζεται η εικόνα της αυτοκράτειρας Maria Feodorovna. Οι θεατές, όρθιοι στα αριστερά, βλέπουν τον νεαρό κληρονόμο, τον μελλοντικό αυτοκράτορα Νικόλαο Β'. Ένα περίεργο χαρακτηριστικό της εικόνας βοήθησε στον καθορισμό του χρόνου δημιουργίας της. Στον δεξιό ναό του Νικολάι, είναι ορατός ένας ματωμένος λεκές. Αυτό είναι το αποτύπωμα ενός ιαπωνικού σπαθιού. Το 1890-1891, ο κληρονόμος ταξίδεψε σε όλο τον κόσμο και έγινε μια απόπειρα δολοφονίας στην Ιαπωνία. Ένας Ιάπωνας αστυνομικός χτύπησε τον Νικολάι με ξίφος, αλλά ο νεαρός κληρονόμος εξετράπη της πορείας του και δέχθηκε μόνο ένα ελαφρύ τραύμα. Τη δεύτερη φορά που ο επιτιθέμενος δεν πρόλαβε να χτυπήσει, χτυπήθηκε, όχι όμως από τους οικοδεσπότες που υποδέχτηκαν τον εκλεκτό καλεσμένο, αλλά από τον Έλληνα πρίγκιπα Γεώργιο που συνόδευε τον Νικόλαο.
Ο ΘΡΥΛΟΣ ΤΗΣ ΑΓΙΑΣ ΒΕΡΟΝΙΚΗΣ
Το 1879 πραγματοποιήθηκε έκθεση Γερμανών καλλιτεχνών στην Αγία Πετρούπολη. Ένας από αυτούς, ο Γκάμπριελ φον Μαξ, παρουσίασε τον πίνακα «Το μαντήλι της Αγίας Βερόνικας» με την εικόνα ενός κομματιού ακατέργαστου καμβά καρφωμένο στον τοίχο με το πρόσωπο του Χριστού στο κέντρο. Η ιδιαιτερότητα της εικόνας ήταν ότι το κοινό μπορούσε να δει τα μάτια του Σωτήρα είτε κλειστά είτε ανοιχτά. Οι εφημερίδες εκείνης της εποχής έγραψαν ότι οι διοργανωτές έπρεπε να βάλουν καρέκλες στην αίθουσα, καθώς μερικές από τις κυρίες λιποθύμησαν, αναφωνώντας: "Κοίτα!
Φυσικά, η μυστηριώδης εικόνα τράβηξε την προσοχή των καλλιτεχνών της πρωτεύουσας που προσπάθησαν να αποκαλύψουν το μυστικό και ο καλλιτέχνης Ivan Kramskoy έγραψε ένα άρθρο γι 'αυτό για το περιοδικό Novoe Vremya, όπου αποκάλυψε την τεχνική με την οποία ο Γερμανός συγγραφέας πέτυχε το επιθυμητό αποτέλεσμα. .
Ο θρύλος της Αγίας Βερόνικας εξαπλώθηκε σε όλη την Ευρώπη τον Μεσαίωνα. Αργότερα έγινε η επίσημη Εκκλησιαστική Παράδοση, αναγνωρίστηκε δηλαδή ως αληθινή με αυτές που καταγράφονται στο Ευαγγέλιο. Όταν ο Ιησούς Χριστός οδηγήθηκε στο όρος Γολγοθά για να σταυρωθεί εκεί, μια συμπονετική γυναίκα με το όνομα Βερόνικα σκούπισε τον ιδρώτα από το πρόσωπό του με ένα μαντήλι που είχε καλύψει τα μάτια της. Ταυτόχρονα, στο μαντίλι αποτυπώθηκε ως εκ θαύματος το πρόσωπο του Σωτήρος στο αγκάθινο στεφάνι. Η παράδοση αποτέλεσε τη βάση της Ορθόδοξης εικόνας «Σωτήρας που δεν έγινε από τα χέρια». Είναι πιο εύκολο για εμάς, τους μη ειδικούς, να αναγνωρίσουμε αυτή την εικόνα από την εικόνα ενός κασκόλ στο οποίο είναι γραμμένο το πρόσωπο του Ιησού, αν και το ίδιο το κασκόλ (συχνότερα λένε "πλατάκια") σχεδιάζεται διαφορετικά και μάλλον συμβατικά. Μεταξύ των Δυτικών Χριστιανών, μια παρόμοια εικόνα ονομάζεται «Μαντίλι της Αγίας Βερόνικας».
Από έναν γνώστη της ρωσικής τέχνης, τον ιερέα Βαλεντίν Ντρόνοφ, άκουσα μια ιστορία που παραθέτω εδώ επί λέξει: «Δύο ή τρεις φορές στη ζωή μου χρειάστηκε να δω την εικόνα του Σωτήρος που δεν έγινε από τα χέρια, η οποία έδειξε μια θαυματουργή ιδιότητα. Τα μάτια του Ιησού πάνω του φαινόταν είτε ανοιχτά είτε κλειστά. Εξαρτάται από την πνευματική κατάσταση του ατόμου που προσεύχεται. Αν ήταν ήρεμος, ο Σωτήρας φαινόταν να κοιμάται. Αν ήταν σε ταραχή, τα μάτια του άνοιγαν." Στο σπίτι, ο πατέρας Βαλεντίν κράτησε μια φωτογραφία αυτής της εικόνας, η οποία δίνεται εδώ.
Δεν έχω καταφέρει ακόμα να βρω κάτι αντίστοιχο στα μουσεία μας. Σε έναν οδηγό για τη Βηθλεέμ, την πόλη όπου, σύμφωνα με το μύθο, γεννήθηκε ο Χριστός, λέγεται ότι μια από τις τοιχογραφίες της στήλης στον Ναό της Γεννήσεως έχει την ίδια ιδιότητα: «το πρόσωπο στην εικόνα ανοίγει και κλείνει μάτια."
Το εικονίδιο που περιγράφεται είναι πολύ σπάνιο, επομένως οποιαδήποτε απόδειξη ανθρώπων που έχουν δει ή τουλάχιστον έχουν ακούσει για τέτοιες εικόνες είναι σημαντική. Ζητάμε από τους αναγνώστες να ενημερώσουν σχετικά τους συντάκτες του περιοδικού.
15 Ιανουαρίου 2013, 20:341. "Αγόρι που κλαίει"- πίνακας του Ισπανού καλλιτέχνη Giovanni Bragolin. Υπάρχει ένας μύθος ότι ο πατέρας του αγοριού (ο οποίος είναι και ο συγγραφέας του πορτρέτου), προσπαθώντας να επιτύχει τη φωτεινότητα, τη ζωτικότητα και τη φυσικότητα του καμβά, άναβε σπίρτα μπροστά στο πρόσωπο του μωρού. Το γεγονός είναι ότι το αγόρι φοβόταν τη φωτιά μέχρι θανάτου. Το αγόρι έκλαιγε - ο πατέρας του ζωγράφιζε. Κάποτε το παιδί δεν άντεξε και φώναξε στον πατέρα του: «Και εσύ!». Ένα μήνα αργότερα, το παιδί πέθανε από πνευμονία. Και μερικές εβδομάδες αργότερα, το απανθρακωμένο σώμα του καλλιτέχνη βρέθηκε στο σπίτι του δίπλα σε έναν πίνακα ζωγραφικής ενός αγοριού που έκλαιγε που επέζησε από τη φωτιά. Αυτό θα μπορούσε να είχε τελειώσει εκεί, αλλά το 1985, βρετανικές εφημερίδες ανέφεραν ότι οι πυροσβέστες βρήκαν αναπαραγωγές του αγοριού που έκλαιγε σχεδόν σε κάθε καμένο κτίριο, το οποίο η φωτιά δεν άγγιξε καν. 
2. «Τα χέρια του αντιστέκονται»- πίνακας του Αμερικανού καλλιτέχνη Bill Stoneham. Ο συγγραφέας λέει ότι η εικόνα απεικονίζει τον εαυτό του σε ηλικία πέντε ετών, ότι η πόρτα είναι μια αναπαράσταση της διαχωριστικής γραμμής μεταξύ του πραγματικού κόσμου και του κόσμου των ονείρων και η κούκλα είναι ένας οδηγός που μπορεί να οδηγήσει το αγόρι σε αυτόν τον κόσμο. Τα χέρια αντιπροσωπεύουν εναλλακτικές ζωές ή δυνατότητες. Ο πίνακας έγινε γνωστός αστικός μύθος τον Φεβρουάριο του 2000, όταν τέθηκε προς πώληση στο eBay με ένα παρασκήνιο που έλεγε ότι ο πίνακας ήταν «στοιχειωμένος». Σύμφωνα με το μύθο, μετά τον θάνατο του πρώτου ιδιοκτήτη του πίνακα, ο πίνακας βρέθηκε σε μια χωματερή ανάμεσα σε ένα σωρό σκουπίδια. Η οικογένεια που τη βρήκε την έφερε στο σπίτι και ήδη το πρώτο βράδυ, μια μικρή τετράχρονη κόρη έτρεξε στην κρεβατοκάμαρα των γονιών της ουρλιάζοντας ότι «τα παιδιά της φωτογραφίας τσακώνονται». Το επόμενο βράδυ - ότι «τα παιδιά της εικόνας ήταν έξω από την πόρτα». Το επόμενο βράδυ, ο αρχηγός της οικογένειας έστησε μια βιντεοκάμερα με ανίχνευση κίνησης στο δωμάτιο όπου ήταν κρεμασμένος ο πίνακας. Η βιντεοκάμερα λειτούργησε πολλές φορές, αλλά τίποτα δεν καταγράφηκε. 3. "Γυναίκα της βροχής"- πίνακας της καλλιτέχνιδας Vinnitsa Svetlana Telets. Ακόμη και έξι μήνες πριν από τη δημιουργία της εικόνας, κάποια οράματα άρχισαν να την επισκέπτονται. Για πολλή ώρα φαινόταν στη Σβετλάνα ότι κάποιος την παρακολουθούσε. Μερικές φορές άκουγε ακόμη και περίεργους ήχους στο διαμέρισμά της. Αλλά προσπάθησα να διώξω αυτές τις σκέψεις. Και μετά από λίγο, εμφανίστηκε μια ιδέα για μια νέα εικόνα. Η εικόνα μιας μυστηριώδους γυναίκας γεννήθηκε ξαφνικά, αλλά φαινόταν στη Σβετλάνα ότι την ήξερε για πολύ καιρό. Χαρακτηριστικά του προσώπου, σαν υφασμένα από ομίχλη, ρούχα, απόκοσμες γραμμές της φιγούρας - ο καλλιτέχνης ζωγράφισε μια γυναίκα χωρίς να σκεφτεί ούτε λεπτό. Ήταν σαν μια αόρατη δύναμη να οδηγούσε το χέρι της. Μια φήμη διαδόθηκε στην πόλη ότι αυτός ο πίνακας ήταν καταραμένος, αφού ένας τρίτος αγοραστής επέστρεψε τον πίνακα πίσω λίγες μέρες αργότερα χωρίς καν να πάρει τα χρήματα. Όλοι όσοι είχαν αυτή τη φωτογραφία είπαν ότι τη νύχτα φαινόταν να ζωντανεύει και να περπατά σαν σκιά κοντά. Οι άνθρωποι άρχισαν να έχουν πονοκεφάλους, και ακόμη και μετά την απόκρυψη της εικόνας στην ντουλάπα, οι αισθήσεις της παρουσίας δεν εξαφανίστηκαν. 
4. Την εποχή του Πούσκιν, το πορτρέτο της Μαρίας Λοπουχίνα, ζωγραφισμένο από τον Βλαντιμίρ Μποροβικόφσκι, ήταν μια από τις κύριες «ιστορίες τρόμου». Το κορίτσι έζησε μια σύντομη και δυστυχισμένη ζωή και αφού ζωγράφισε το πορτρέτο πέθανε από κατανάλωση. Ο πατέρας της, Ιβάν Τολστόι, ήταν διάσημος μυστικιστής και κύριος της Μασονικής Στοάς. Ως εκ τούτου, διαδόθηκαν φήμες ότι κατάφερε να δελεάσει το πνεύμα της αποθανούσας κόρης σε αυτό το πορτρέτο. Και ότι αν τα νεαρά κορίτσια δουν την εικόνα, σύντομα θα πεθάνουν. Σύμφωνα με την εκδοχή των κουτσομπολιών σαλονιού, το πορτρέτο της Μαρίας σκότωσε τουλάχιστον δέκα ευγενείς σε ηλικία γάμου ... 
5. "Νούφαρα"- Ιμπρεσιονιστικό τοπίο του Κλοντ Μονέ. Όταν ο καλλιτέχνης και οι φίλοι του γιόρταζαν την ολοκλήρωση του πίνακα, ξέσπασε μια μικρή φωτιά στο στούντιο. Η φλόγα γέμισε γρήγορα με κρασί και δεν έδωσε καμία σημασία σε αυτό. Μόνο ένα μήνα η φωτογραφία κρεμόταν σε ένα καμπαρέ στη Μονμάρτρη. Και τότε ένα βράδυ ο τόπος κάηκε ολοσχερώς. Όμως οι «Κρίνοι» κατάφεραν να σώσουν. Ο πίνακας αγοράστηκε από τον Παριζιάνο φιλάνθρωπο Oscar Schmitz. Ένα χρόνο αργότερα, το σπίτι του κάηκε. Η φωτιά ξεκίνησε από το γραφείο, όπου κρεμόταν ο δύσμοιρος καμβάς. Επέζησε από θαύμα. Ένα άλλο θύμα του τοπίου του Μονέ ήταν το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης. Τα νούφαρα έφεραν εδώ το 1958. Τέσσερις μήνες αργότερα φούντωσε και εδώ. Και η καταραμένη εικόνα ήταν πολύ απανθρακωμένη. 
6. Σε έναν πίνακα του Edvard Munch "Κραυγή"απεικονίζει ένα άτριχο πλάσμα που υποφέρει με κεφάλι που μοιάζει με ανεστραμμένο αχλάδι, με τα χέρια του πιεσμένα στα αυτιά με φρίκη και με το στόμα ανοιχτό σε μια σιωπηλή κραυγή. Τα σπασμωδικά κύματα της αγωνίας αυτού του πλάσματος αντηχούν στον αέρα γύρω από το κεφάλι του. Αυτός ο άντρας (ή η γυναίκα) φαίνεται να είναι παγιδευμένος στη δική του κραυγή-κραυγή και, για να μην την ακούσει, κάλυψε τα αυτιά του. Θα ήταν περίεργο αν δεν υπήρχαν θρύλοι γύρω από αυτήν την εικόνα. Λέγεται ότι όλοι όσοι ήρθαν σε επαφή μαζί της υπέφεραν από κακή μοίρα. Ένας υπάλληλος του μουσείου, που έπεσε κατά λάθος τον πίνακα, άρχισε να υποφέρει από έντονους πονοκεφάλους και τελικά αυτοκτόνησε. Ένας άλλος υπάλληλος, ο οποίος προφανώς είχε επίσης στραβά χέρια, άφησε τον πίνακα και είχε ένα ατύχημα την επόμενη μέρα. Κάποιος μάλιστα κάηκε μια μέρα μετά την επαφή με τον πίνακα. 
7. Ένας άλλος καμβάς που συνοδεύει συνεχώς μπελάδες είναι "Αφροδίτη με καθρέφτη"Ντιέγκο Βελάσκεθ. Ο πρώτος ιδιοκτήτης του πίνακα - ένας Ισπανός έμπορος - χρεοκόπησε, το εμπόριο του χειροτέρευε κάθε μέρα, ώσπου τα περισσότερα από τα αγαθά του αιχμαλωτίστηκαν από πειρατές στη θάλασσα και πολλά άλλα πλοία βυθίστηκαν. Πουλώντας ό,τι είχε στο σφυρί, ο έμπορος πούλησε και τον πίνακα. Το απέκτησε άλλος Ισπανός, επίσης έμπορος, που είχε πλούσιες αποθήκες στο λιμάνι. Σχεδόν αμέσως μετά τη μεταφορά των χρημάτων για τον καμβά, οι αποθήκες του εμπόρου πήραν φωτιά από έναν ξαφνικό κεραυνό. Ο ιδιοκτήτης ήταν σπασμένος. Και πάλι η δημοπρασία, και πάλι ο πίνακας πωλείται μεταξύ άλλων, και πάλι αγοράζεται από έναν πλούσιο Ισπανό... Τρεις μέρες αργότερα μαχαιρώθηκε μέχρι θανάτου στο σπίτι του κατά τη διάρκεια μιας ληστείας. Μετά από αυτό, ο πίνακας δεν μπορούσε να βρει τον νέο του ιδιοκτήτη για πολύ καιρό (είχε μια φήμη που ήταν πολύ κατεστραμμένη) και ο καμβάς ταξίδεψε σε διάφορα μουσεία, μέχρι που το 1914 μια τρελή γυναίκα τον έκοψε με ένα μαχαίρι. 
8. "Ο δαίμονας νικήθηκε"Ο Mikhail Vrubel είχε επιζήμια επίδραση στην ψυχή και την υγεία του ίδιου του καλλιτέχνη. Δεν μπορούσε να απομακρυνθεί από την εικόνα, συνέχισε να τελειώνει το πρόσωπο του ηττημένου Πνεύματος και να αλλάζει το χρώμα. Ο «Ηττημένος δαίμονας» ήταν ήδη κρεμασμένος στην έκθεση και ο Βρούμπελ συνέχιζε να μπαίνει στην αίθουσα, χωρίς να δίνει σημασία στους επισκέπτες, κάθισε μπροστά στην εικόνα και συνέχισε να εργάζεται, σαν δαιμονισμένος. Οι συγγενείς ανησυχούσαν για την κατάστασή του και εξετάστηκε από τον διάσημο Ρώσο ψυχίατρο Bekhterev. Η διάγνωση ήταν τρομερή - μια λωρίδα του νωτιαίου μυελού, κοντά σε παράνοια και θάνατο. Ο Vrubel εισήχθη στο νοσοκομείο, αλλά η θεραπεία δεν βοήθησε πολύ και σύντομα πέθανε. 
Οι πίνακες μεγάλων καλλιτεχνών όχι μόνο μπορούν να απολαύσουν και να δώσουν αισθητική ευχαρίστηση, αλλά και να προκαλέσουν μυστικιστικό δέος και ακόμη και φόβο. Πολλοί πίνακες από δασκάλους είναι γεμάτοι μυστήρια. Η ιστορία μας αφορά αυτούς.
Οι ταλαντούχοι πίνακες πάντα προκαλούν εσωτερικό δέος και θαυμασμό στους λάτρεις της τέχνης. Οι καμβάδες των μεγάλων δασκάλων συναρπάζουν και αιχμαλωτίζουν, γιατί οι όμορφοι πίνακες ξυπνούν τους πιο οικείους στις ψυχές, κάτι που συχνά ο άνθρωπος επιδιώκει να κρύψει ακόμα και από τον εαυτό του. Ο Καρλ Γιουνγκ το ονόμασε ασυνείδητο.
Ως εκ τούτου, οι πίνακες διάσημων καλλιτεχνών γίνονται αντιληπτοί ως μυστηριώδη μηνύματα στα οποία αποκαλύπτονται τα μυστικά του κόσμου. Για να τα λύσετε, πρέπει να είστε όσο το δυνατόν πιο προσεκτικοί στις λεπτομέρειες και τα σύμβολα των πινάκων.
Περισσότερες από μία γενιά κριτικών τέχνης θα προσπαθήσουν να ξετυλίξουν τους κρυπτογράφους του Hieronymus Bosch, θα σκεφτούν τον κώδικα των έργων ζωγραφικής του Leonardo da Vinci και του Michelangelo και του Botticelli, θα παγώσουν από χαρά μπροστά στους πίνακες των Ολλανδών. Τι να πούμε για τους πίνακες της εποχής του μοντερνισμού και του μεταμοντερνισμού, όπου η ομορφιά, η πνευματικότητα και η ακρίβεια των γραμμών έχουν δώσει τη θέση τους σε πολιτιστικά σύμβολα, συνυφές γραμμών και κυβικών μορφών.
Πίνακες με την έννοια του Πάμπλο Πικάσο και της Φρίντα Κάλο, του Τζάκσον Πόλοκ και του Σαλβαδόρ Νταλί αποκαλύπτουν τις τραγικές και μυστικιστικές πτυχές του να είσαι σύγχρονος άνθρωπος. Για να τα διαβάσετε, πρέπει να έχετε εκτεταμένες γνώσεις και δημιουργική διαίσθηση.
Σας προσκαλούμε να επισκεφτείτε την εικονική γκαλερί και να μάθετε ποιοι διάσημοι πίνακες καλλιτεχνών είναι γεμάτοι αινίγματα ή με ποιες δραματικές ιστορίες συνδέονται:
Ο Μυστικός Δείπνος (Λεονάρντο Ντα Βίντσι)
Πολλοί θα παρατηρήσουν ότι αυτό το αριστούργημα δεν είναι ακριβώς πίνακας ζωγραφικής, αλλά τοιχογραφία. Ωστόσο, μια τοιχογραφία είναι ο ίδιος καμβάς, φτιαγμένος μόνο σε βρεγμένο γύψο. Άρχισαν να μιλούν για το μυστήριο αυτής της εικόνας τον 19ο αιώνα, όταν τα μυαλά της αριστοκρατίας αιχμαλωτίστηκαν από διάφορες μυστικιστικές διδασκαλίες, μασονικές στοές και διάφορες μυστικές εταιρείες άκμασαν στην Ευρώπη. Τον 21ο αιώνα, το ενδιαφέρον για την τοιχογραφία αναζωπυρώθηκε χάρη στο βιβλίο του Dan Brown The Da Vinci Code και στη σειρά Da Vinci's Demons.
Πράγματι, αυτή η δημιουργία του μεγαλύτερου καλλιτέχνη της Αναγέννησης περιέχει πολλά μυστικά σημάδια που αποτελούν το υποκείμενο της τοιχογραφίας. Πρώτα απ 'όλα, πρέπει να σημειωθεί ότι ο καλλιτέχνης εργάστηκε για τη δημιουργία του για τρία χρόνια, μέχρι το 1498 (ο Λεονάρντο προφανώς δεν έγραψε σε υγρό έδαφος - αυτός είναι ένας λόγος να θεωρήσουμε τον Μυστικό Δείπνο πίνακα, όχι τοιχογραφία). Η σύνθεση παραγγέλθηκε από τον Δόγη της Βενετίας, Λουδοβίκο Σφόρτσα, διάσημο τσουγκράνα, μυστικιστή, έμπορο και ραδιουργό.
Οι έννοιες της πίστης στην οικογενειακή ζωή ήταν ξένες στον Σφόρτσα, ήταν ακούραστος στα πάθη του, από τα οποία υπέφερε η ευσεβής σύζυγός του, Δούκισσα Βεατρίκη ντ' Εστ. Παρά το γεγονός ότι ήταν μια από τις πιο όμορφες γυναίκες της Αναγέννησης, ο Λουδοβίκος την απάτησε με εκπληκτική σταθερότητα με τους καλύτερους παίκτες της Βενετίας.
Μόνο ο θάνατος της Beatrice ανάγκασε τον Sforza να ξανασκεφτεί τις προτεραιότητές του και να σταματήσει να αναζητά ερωτικές απολαύσεις. Για να διαιωνίσει τη μνήμη της, ο Δούκας της Βενετίας ανέθεσε τον Μυστικό Δείπνο του Ντα Βίντσι.
Ο πρώτος γρίφος του καμβά συνδέεται με αυτό το φόντο: ο απόστολος Ιωάννης, που κάθεται στα δεξιά του Χριστού, εξωτερικά μοιάζει περισσότερο με γυναίκα παρά με άντρα. Έτσι, γεννήθηκε η εικασία ότι αυτή ήταν η Μαρία η Μαγδαληνή, η σύζυγος του Ιησού. Επιβεβαιώθηκε και από το σημάδι που δημιουργούν οι κλίσεις αυτών των δύο χαρακτήρων. Αποδεικνύεται μια φιγούρα που μοιάζει με συνδυασμό δύο τριγώνων, που στις μυστικιστικές διδασκαλίες σήμαινε τη σύνδεση των θηλυκών και αρσενικών αρχών ως βάση του σύμπαντος.
Ο δεύτερος γρίφος είναι η εικόνα του Ιούδα. Στην αρχή της εργασίας για τον πίνακα, ο Λεονάρντο βρήκε πολύ γρήγορα έναν καθήμενο για την εικόνα του Ιησού. Έγιναν νέος τραγουδιστής από την εκκλησιαστική χορωδία. Η ομορφιά και η εμφάνισή του εντυπωσίασαν τον καλλιτέχνη.
Αλλά για τον Ιούδα, η φύση έπρεπε να αναζητηθεί για σχεδόν τρία χρόνια. Μια φορά, σε ένα χαντάκι, ο Λεονάρντο είδε έναν μεθυσμένο να κατεβαίνει. Τον έφερε στην τραπεζαρία και σε λίγες μέρες έγραψε τον αντίποδα του Χριστού. Αφού μίλησε με τον καθήμενο, ο καλλιτέχνης έμαθε ότι η ζωή του κατηφόρησε από τη στιγμή που πόζαρε για την εικόνα του Ιησού ντα Βίντσι. Έτσι ο Χριστός και αυτός που τον πρόδωσε διαγράφονται από ένα άτομο με διαφορά τριών ετών.
Ο τρίτος γρίφος είναι ότι υπάρχει μια αυτοπροσωπογραφία του Λεονάρντο στον πίνακα. Αυτός είναι ο Απόστολος Θαδδαίος, που κάθεται δεύτερος από τα δεξιά.
Ο τέταρτος κωδικός είναι ο επαναλαμβανόμενος αριθμός τρία. Ρίξτε μια πιο προσεκτική ματιά στον καμβά, όλοι οι χαρακτήρες είναι ομαδοποιημένοι σε τρία. Αυτό δείχνει τον συμβολικό κρυπτογράφηση της Αγίας Τριάδας - τον Υιό, το Πνεύμα και τον Θεό.
Η Δημιουργία του Αδάμ (Μιχαήλ Άγγελος)
Μια τοιχογραφία του 16ου αιώνα από έναν από τους φημισμένους δεξιοτέχνες της Αναγέννησης απεικονίζει τον Θεό να απλώνει το χέρι του στον Αδάμ. Αυτή είναι η τέταρτη από τις εννέα σκηνές της Γένεσης, που ο συγγραφέας απεικόνισε στην Καπέλα Σιξτίνα. Ο πίνακας απεικονίζει πώς ο Θεός αναπνέει ψυχή σε έναν νεοδημιουργημένο άνθρωπο.
Οι ανατόμοι έχουν διαπιστώσει ότι ο πορφυρός μανδύας του Δημιουργού, κάτω από τον οποίο είναι συγκεντρωμένοι οι άγγελοι, μοιάζει με τον ανθρώπινο εγκέφαλο στο περίγραμμα. Ο Μιχαήλ Άγγελος, όπως όλοι οι καλλιτέχνες εκείνης της εποχής, μελέτησε λεπτομερώς την ανατομία, οπότε ήξερε πολύ καλά πώς μοιάζει αυτό το όργανο. Γιατί όμως τον απεικόνισε σε πίνακα με θρησκευτική πλοκή;
Οι κριτικοί τέχνης πρότειναν ότι με αυτόν τον τρόπο ο προοδευτικός καλλιτέχνης και στοχαστής επεσήμανε ότι η δύναμη που κινεί και αναπτύσσει έναν άνθρωπο είναι το μυαλό. Επιπλέον, υπάρχουν πολλές άλλες αποχρώσεις που πρέπει να δώσετε προσοχή:
- Η στάση του Αδάμ είναι συμμετρική με τη στάση του Θεού. Ωστόσο, ο πρώτος άνθρωπος είναι χαλαρός, και μόνο ο θεϊκός νους είναι σε θέση να τον γεμίσει με ενέργεια.
- Οι ήρωες, τυλιγμένοι με τον μανδύα του Δημιουργού, δημιουργούν το περίγραμμα του ανθρώπινου εγκεφάλου. Επιπλέον, ο Μιχαήλ Άγγελος περιέγραψε την υπόφυση, το pons varolii (μεταδίδει ώσεις από τον εγκέφαλο στο νωτιαίο μυελό) και τις σπονδυλικές αρτηρίες με γραμμές.
Ο πίνακας είναι ένα εύγλωττο μήνυμα από έναν προοδευτικό ουμανιστή καλλιτέχνη που πίστευε στη δύναμη του ανθρώπινου μυαλού.
«Φλαμανδικές Παροιμίες» (Πίτερ Μπρίγκελ ο Πρεσβύτερος)
Ο πίνακας δημιουργήθηκε από έναν Ολλανδό ζωγράφο στα μέσα του 16ου αιώνα. Με την πρώτη ματιά, η πλοκή του είναι απλή - μια συνηθισμένη μέρα στην πλατεία της αγοράς. Ωστόσο, υπάρχουν 112 ξεχωριστά συνθετικά στοιχεία στον καμβά που ενσωματώνουν δημοφιλείς φρασεολογικές στροφές.
Κοιτάξτε προσεκτικά την εικόνα και δείτε εικόνες για ιδιωματισμούς: χτυπήστε το κεφάλι σας στον τοίχο. δέστε τον διάβολο στο μαξιλάρι. κρεμάστε ένα κουδούνι σε μια γάτα (μια παράλογη πράξη). Μίλα με δύο στόματα. τηγανίζουμε τη ρέγγα για αυγά κ.λπ.
Αυτή η εικόνα παρουσιάζει μεγάλο ενδιαφέρον όχι μόνο για τους ιστορικούς τέχνης και τους πολιτισμολόγους, αλλά και για τους φιλολόγους.
Δανάη (Ρέμπραντ Χάρμενς βαν Ράιν)
Ο Ολλανδός καλλιτέχνης ζωγράφιζε αυτή την εικόνα για 11 χρόνια (1636–1647). Με την πρώτη ματιά, ο καμβάς απεικονίζει την ηρωίδα του αρχαίου ελληνικού μύθου Δανάη, την οποία είχε κρύψει στο μπουντρούμι ο ίδιος της ο πατέρας. Ο λόγος για αυτό είναι η προφητεία, σύμφωνα με την οποία ο βασιλιάς του Άργους θα πέσει στα χέρια του εγγονού του.
Η Δανάη του Ρέμπραντ είναι σύμβολο της ανδρικής παροδικότητας. Μελετώντας την εικόνα, οι ιστορικοί τέχνης διαπίστωσαν ότι η Δανάη έχει μια βέρα στο δάχτυλό της, αν και, σύμφωνα με το μύθο, ήταν ανύπαντρη νεαρή κοπέλα όταν φυλακίστηκε. Επιπλέον, δεν υπήρχε χρυσή βροχή στην εικόνα, την οποία έριξε ο Δίας για να γεννήσει τη ζωή στη Δανάη.
Το δεύτερο σημείο που μπέρδεψε τους ερευνητές είναι ότι το πρόσωπο της ηρωίδας δεν έμοιαζε με τη Saskia van Uylenbürch, τη νεαρή σύζυγο του Ρέμπραντ, που λειτούργησε ως μοντέλο για όλους τους πίνακές του της δεκαετίας του 1630. Αυτό είναι ακόμη πιο περίεργο, αφού τη «Δανάη» ζωγράφισε ο καλλιτέχνης για να διακοσμήσει το δικό του σπίτι. Ποιον, λοιπόν, απαθανάτισε στον καμβά αντί για τη γυναίκα του;
Η απάντηση ήρθε τη δεκαετία του 1950, όταν οι ιστορικοί τέχνης άρχισαν να χρησιμοποιούν ακτίνες Χ για να μελετούν πίνακες ζωγραφικής. Αποδείχθηκε ότι αρχικά η Δανάη παρ' όλα αυτά διαγράφηκε από τη Saskia και αργότερα ο καλλιτέχνης ξαναέγραψε την εικόνα της, δίνοντας τα χαρακτηριστικά της νοσοκόμας του γιου του Gertje Dirks. Μετά τον θάνατο του Saskia έγινε ερωμένη, συγκατοικούσα και νέα του μούσα.
"Bedroom at Arly" (Βίνσεντ βαν Γκογκ)
Μη μπορώντας να αντέξει τη δίωξη του παριζιάνικου beau monde, ο Vincent van Gogh δραπετεύει από την πρωτεύουσα της Γαλλίας. Την άνοιξη του 1888, αποσύρεται σε ένα μικρό βοηθητικό κτίριο στο Arly, που αγοράστηκε με χρήματα από την κληρονομιά. Ο καλλιτέχνης βρήκε επιτέλους το σπίτι του και το δικό του εργαστήριο. Στο Arly, έζησε για κάποιο διάστημα εν αναμονή ενός άλλου Παριζιάνου δραπέτη, του Paul Gauguin. Μαζί του, ο Βαν Γκογκ ήθελε να δημιουργήσει μια αδελφότητα καλλιτεχνών.
Ο πίνακας «Bedroom at Arly», ή «Yellow Bedroom», είναι μια τεκμηριωμένη απόδειξη της ψυχικής ασθένειας του ζωγράφου. Σύμφωνα με αυτήν, οι ψυχίατροι μπορούν να μελετήσουν τις αλλαγές σε ένα άτομο που πάσχει από σχιζοφρένεια. Εδώ είναι τα σημάδια που πρέπει να προσέξετε:
- Κορεσμένο, ακόμη και παρεμβατικό κίτρινο χρώμα. Φαίνεται αφύσικο στο εσωτερικό της κρεβατοκάμαρας. Είναι όλα για το foxglove, με το οποίο ο Vincent van Gogh πάλεψε τις κρίσεις επιληψίας. Η τακτική χρήση αυτού του φαρμάκου οδηγεί σε αλλαγή στην αντίληψη του χρώματος. Οι άνθρωποι βλέπουν τον κόσμο με κιτρινοπράσινο χρώμα.
- Ο συνδυασμός αντικειμένων στο δωμάτιο: δύο καρέκλες, δύο μαξιλάρια, δύο πορτρέτα, ένα ζευγάρι χαρακτικά του Βαν Γκογκ. Έτσι, ο συγγραφέας προσπάθησε να βρει ηρεμία, να αντιμετωπίσει τη μοναξιά.
- Τα κλειστά παντζούρια είναι σύμβολο της εσωτερικής απομόνωσης του καλλιτέχνη και της αίσθησης ασφάλειας.
- Ο καθρέφτης στον τοίχο αγοράστηκε από τον Βαν Γκογκ για αυτοπροσωπογραφίες. Ο κόσμος αρνήθηκε να του ποζάρει γιατί δεν αντιλαμβανόταν τους πίνακές του ως τέχνη.
- Η κόκκινη κουβέρτα στο κρεβάτι έπαιξε δραματικό ρόλο στη ζωή του ζωγράφου. Κατά τη διάρκεια μιας από τις επιθέσεις, έκοψε τον λοβό του αυτιού του και, τυλιγμένος σε αυτή την κουβέρτα, προσπάθησε να ξεπεράσει τον φόβο που τον είχε καταλάβει.
Η εικόνα είναι μια αντανάκλαση του εσωτερικού κόσμου του καλλιτέχνη. Στην περίπτωση του Βαν Γκογκ, το «Bedroom at Arly» είναι η ιστορία της μοναξιάς και της τρέλας του.
"Scream" (Έντβαρντ Μουνκ)
Η Κραυγή είναι ένας από τους πιο μυστικιστικούς πίνακες του 20ου αιώνα. Ενσάρκωσε το προαίσθημα μιας παγκόσμιας τραγωδίας που έπιασε τον καλλιτέχνη σε μια από τις βόλτες του. Ο Μουνκ είδε ένα αιματηρό ηλιοβασίλεμα να φλέγεται στον ουρανό και μέσα του άκουσε την κραυγή του πόνου της φύσης. Αυτό ήθελε να δείξει στον καμβά του.
Ο άτριχος άντρας, που μοιάζει με σκελετό στο περίγραμμα, ανοίγει διάπλατα το στόμα του και κλείνει τα αυτιά του με φρίκη - έτσι τον χτυπάει το διαπεραστικό ουρλιαχτό της φύσης. Το συναίσθημα που βίωσε ο καλλιτέχνης και εμφανίστηκε στον καμβά έγινε προφητικό. Το "The Scream" έχει γίνει σύμβολο του εικοστού αιώνα - ένας αιώνας βίας, πολέμων, σκληρότητας, μίσους για τον άνθρωπο και βασανιστηρίων για το περιβάλλον.
Μια σειρά από μυστικιστικές ιστορίες συνδέονται με την εικόνα. Έτσι, όλοι οι ιδιοκτήτες του "Scream" υπέστησαν ατυχία - καταστροφή, θάνατο, ατυχήματα. Όταν η εικόνα έφτασε στο μουσείο, αρκετοί εργάτες έδειξαν αμέλεια να δουλέψουν μαζί της - έριξαν τον καμβά. Μετά από λίγο, ο ένας αυτοκτόνησε και ο άλλος κάηκε σε τροχαίο. Αυτές οι ατυχίες συνδέθηκαν με τη μοιραία δράση του αριστουργήματος.
Οι επιστήμονες είναι σίγουροι ότι, όπως και στην περίπτωση του Βαν Γκογκ, ο καμβάς είναι η ενσάρκωση της ψυχικής διαταραχής του δημιουργού του, Έντουαρντ Μουνκ.
"Old Fisherman" (Tivadar Kostka Chontvari)
Ένας φαρμακοποιός από την Ουγγαρία, έχοντας δει ένα προφητικό όνειρο, πούλησε το φαρμακείο, αγόρασε όλα τα απαραίτητα για το σχέδιο και πήγε να μάθει τη δεξιότητα από Λιβανέζους ζωγράφους.
Επιστρέφοντας στην πατρίδα του στις αρχές του 20ου αιώνα, παρουσίασε ένα πρωτότυπο έργο - τον πίνακα "Ο γέρος ψαράς". Φαινόταν ότι δεν υπήρχε τίποτα ιδιαίτερο σε αυτό: το κοινό δεν ήξερε τι ήταν τόσο μυστηριώδες σε αυτόν τον καμβά. Όλα έχουν να κάνουν με το υποκείμενο, το οποίο δεν διαβάζεται τόσο εύκολα. Ήταν δυνατό να λυθεί μόνο μετά από 50 χρόνια.
Ο Chontwari ζωγράφιζε περίεργους και ελαφρώς τρομακτικούς πίνακες, επομένως δεν ήταν δημοφιλείς. Ως αποτέλεσμα, πέθανε στη φτώχεια και οι καμβάδες του κατέληξαν στον σωρό των σκουπιδιών. Μόνο λίγοι πίνακες του πλοιάρχου έχουν διασωθεί και κατέληξαν στο μουσείο της πόλης Pec. Ανάμεσά τους ήταν και ο «Γέρος Ψαράς».
Ένας από τους υπαλλήλους του μουσείου σκέφτηκε να χρησιμοποιήσει έναν καθρέφτη για να αποκαλύψει το υποκείμενο του αριστουργήματος. Αποδείχθηκε ότι αν διαιρέσετε την εικόνα στη μέση με έναν καθρέφτη, τότε σχηματίζονται δύο ανταγωνιστικές πλοκές: η πρώτη απεικονίζει τον Θεό να πλέει σε μια βάρκα σε μια ήρεμη θάλασσα και η δεύτερη απεικονίζει τον διάβολο σε μια μανιασμένη θάλασσα. Αυτή είναι μια τέτοια μεταφορά για την πολυπλοκότητα της δημιουργίας από έναν Ούγγρο καλλιτέχνη.
Αυτό είναι μόνο ένα μικρό μέρος από εκείνους τους διάσημους πίνακες που προκαλούν μυστικιστικό δέος και λατρεία. Οι δημιουργίες των Mikhail Vrubel, Paul Gauguin, Pablo Picasso, Gustav Klimt και Kazemir Malevich προκαλούν απόλαυση, φρίκη και λατρεία. Λύνονται, θαυμάζονται, χρειάζονται χρόνια για να καταλάβει κανείς το περιεχόμενό τους. Η γνώση των μυστηρίων των μεγάλων καμβάδων είναι ένα βήμα προς τη γνώση του ανθρώπου και του κόσμου.
Επιλεγμένα Νέα
17:56
Μερικά έργα τέχνηςσαν να χτυπούσε τον θεατή στο κεφάλι, άναυδος και καταπληκτικός. Μερικά από αυτά σε παρασύρουν στη σκέψη και σε αναζήτηση σημασιολογικών στρωμάτων, μυστικού συμβολισμού. Μερικοί πίνακες καλύπτονται με μυστικά και μυστικιστικά μυστήρια, και κάποιοι εκπλήσσουν σε υπερβολική τιμή.
Ζωγραφική, αν δεν λάβεις υπόψη σου τους ρεαλιστές, ήταν πάντα, είναι και θα είναι περίεργο. Μεταφορικό, αναζητώντας νέες μορφές και εκφραστικά μέσα. Αλλά μερικές παράξενες εικόνες είναι πιο παράξενες από άλλες.
Φυσικά, το «παράξενο» είναι ένας μάλλον υποκειμενικός όρος., και το καθένα έχει τους δικούς του εκπληκτικούς πίνακες που ξεχωρίζουν από μια σειρά άλλων έργων τέχνης.
Δεν συμπεριλάβαμε εσκεμμένα σε αυτή τη συλλογήΟ Salvador Dali, τα έργα του οποίου εμπίπτουν πλήρως στη μορφή αυτού του υλικού και είναι τα πρώτα που έρχονται στο μυαλό.
1. Edvard Munch "Scream"
1893, χαρτόνι, λάδι, τέμπερα, παστέλ. 91x73,5 εκ
Εθνική Πινακοθήκη, Όσλο
Το «The Scream» θεωρείται γεγονός ορόσημοεξπρεσιονισμός και ένας από τους πιο διάσημους πίνακες στον κόσμο.
«Περπατούσα στο μονοπάτι με δύο φίλους- ο ήλιος έδυε - ξαφνικά ο ουρανός έγινε κόκκινος, σταμάτησα, αισθάνθηκα εξαντλημένος και έγειρα στον φράχτη - Κοίταξα το αίμα και τις φλόγες πάνω από το γαλαζομαύρο φιόρδ και την πόλη - οι φίλοι μου συνέχισαν και στάθηκα τρέμοντας από ενθουσιασμό, νιώθοντας μια ατελείωτη κραυγή να διαπερνά τη φύση», είπε ο Έντβαρντ Μουνκ για την ιστορία του πίνακα.
Υπάρχουν δύο ερμηνείες του εικονιζόμενου: είναι ο ίδιος ο ήρωας που καταλαμβάνεται από φρίκη και σιωπηλά ουρλιάζει, πιέζοντας τα χέρια του στα αυτιά του. ή ο ήρωας κλείνει τα αυτιά του από την κραυγή του κόσμου και της φύσης που ηχεί γύρω του. Ο Μουνκ έγραψε 4 εκδοχές του The Scream και υπάρχει μια εκδοχή ότι αυτός ο πίνακας είναι ο καρπός μιας μανιοκαταθλιπτικής ψύχωσης από την οποία υπέφερε ο καλλιτέχνης. Μετά από μια πορεία θεραπείας στην κλινική, ο Munch δεν επέστρεψε για να εργαστεί στον καμβά.
2. Paul Gauguin «Από πού ήρθαμε; Ποιοι είμαστε? Που πάμε?"
1897-1898, λάδι σε καμβά. 139,1x374,6 εκ
Μουσείο Καλών Τεχνών, Βοστώνη
Βαθιά φιλοσοφική εικόναΟ μετα-ιμπρεσιονιστής Paul Gauguin γράφτηκε από τον ίδιο στην Ταϊτή, όπου έφυγε από το Παρίσι. Στο τέλος της δουλειάς ήθελε ακόμη και να αυτοκτονήσει, γιατί «πιστεύω ότι αυτός ο καμβάς όχι μόνο υπερτερεί όλων των προηγούμενων μου, και ότι δεν θα δημιουργήσω ποτέ κάτι καλύτερο ή έστω παρόμοιο».
Σε σκηνοθεσία του ίδιου του Γκωγκέν, ο πίνακαςπρέπει να διαβαστεί από τα δεξιά προς τα αριστερά - τρεις κύριες ομάδες σχημάτων απεικονίζουν τις ερωτήσεις που τίθενται στον τίτλο. Τρεις γυναίκες με ένα παιδί αντιπροσωπεύουν την αρχή της ζωής. η μεσαία ομάδα συμβολίζει την καθημερινή ύπαρξη της ωριμότητας. Στην τελευταία ομάδα, σύμφωνα με τον καλλιτέχνη, «μια ηλικιωμένη γυναίκα που πλησιάζει στον θάνατο φαίνεται συμφιλιωμένη και παραδομένη στις σκέψεις της», στα πόδια της «ένα παράξενο λευκό πουλί… αντιπροσωπεύει τη ματαιότητα των λέξεων».
3. Πάμπλο Πικάσο «Γκουέρνικα»
1937, λάδι σε καμβά. 349x776 εκ
Μουσείο Reina Sofia, Μαδρίτη
Τεράστια τοιχογραφία "Guernica", που γράφτηκε από τον Πικάσο το 1937, λέει για μια επιδρομή εθελοντικής μονάδας της Luftwaffe στην πόλη Guernica, ως αποτέλεσμα της οποίας η πόλη των έξι χιλιάδων καταστράφηκε ολοσχερώς. Η εικόνα ζωγραφίστηκε σε μόλις ένα μήνα - τις πρώτες ημέρες εργασίας στην εικόνα, ο Πικάσο εργάστηκε για 10-12 ώρες και ήδη στα πρώτα σκίτσα μπορούσε κανείς να δει την κύρια ιδέα. Αυτή είναι μια από τις καλύτερες απεικονίσεις του εφιάλτη του φασισμού, καθώς και της ανθρώπινης σκληρότητας και θλίψης.
Η «Γκουέρνικα» παρουσιάζει σκηνές θανάτου,βία, φρικαλεότητες, βάσανα και ανικανότητα, χωρίς να διευκρινίζονται τα άμεσα αίτια τους, αλλά είναι προφανή. Λέγεται ότι το 1940 ο Πάμπλο Πικάσο κλήθηκε στην Γκεστάπο στο Παρίσι. Η συζήτηση στράφηκε αμέσως στον πίνακα. «Εσύ το έκανες αυτό; - «Όχι, το έκανες».
4. Γιαν βαν Άικ «Πορτρέτο του Αρνολφίνι»
1434, λάδι σε ξύλο. 81,8x59,7 εκ
London National Gallery, Λονδίνο
Πορτρέτο πιθανώς από τον Giovanni di Nicolao Arnolfiniκαι η γυναίκα του είναι ένα από τα πιο σύνθετα έργα της δυτικής σχολής ζωγραφικής της Βόρειας Αναγέννησης.
Ο διάσημος πίνακας είναι πλήρως γεμάτος μεσύμβολα, αλληγορίες και διάφορες αναφορές - μέχρι την υπογραφή «Ο Jan van Eyck ήταν εδώ», που το μετέτρεψε όχι απλώς σε έργο τέχνης, αλλά σε ιστορικό ντοκουμέντο που επιβεβαιώνει ένα πραγματικό γεγονός στο οποίο ήταν παρών ο καλλιτέχνης.
Στη Ρωσία τα τελευταία χρόνιαη εικόνα κέρδισε μεγάλη δημοτικότητα λόγω της ομοιότητας πορτρέτου του Arnolfini με τον Βλαντιμίρ Πούτιν.
5. Μιχαήλ Βρούμπελ «Καθισμένος Δαίμονας»
1890, λάδι σε καμβά. 114x211 εκ
Γκαλερί Tretyakov, Μόσχα
Ο πίνακας του Mikhail Vrubel εκπλήσσει με την εικόνα ενός δαίμονα.Ο λυπημένος μακρυμάλλης τύπος δεν μοιάζει καθόλου με τις καθολικές ιδέες για το πώς πρέπει να μοιάζει ένα κακό πνεύμα. Ο ίδιος ο καλλιτέχνης μίλησε για τον πιο διάσημο πίνακα του:
«Ο δαίμονας δεν είναι τόσο κακό πνεύμα,πόσο πονεμένο και πένθιμο, με όλα αυτά το πνεύμα είναι δυνατό, μεγαλειώδες. Αυτή είναι μια εικόνα της δύναμης του ανθρώπινου πνεύματος, της εσωτερικής πάλης, των αμφιβολιών. Τα χέρια σφιγμένα τραγικά, ο Δαίμονας κάθεται με λυπημένα, τεράστια μάτια στραμμένα στην απόσταση, περιτριγυρισμένος από λουλούδια. Η σύνθεση τονίζει τον περιορισμό της φιγούρας του δαίμονα, σαν να βρίσκεται ανάμεσα στην άνω και κάτω εγκάρσια ράβδο του πλαισίου.
6. Vasily Vereshchagin "Η αποθέωση του πολέμου"
1871, λάδι σε καμβά. 127x197 εκ
Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα
Το Vereshchagin είναι ένα από τα κύρια ρωσικάζωγράφους μάχης, αλλά ζωγράφιζε πολέμους και μάχες όχι επειδή τους αγαπούσε. Αντίθετα, προσπάθησε να μεταφέρει στον κόσμο την αρνητική του στάση απέναντι στον πόλεμο. Κάποτε ο Vereshchagin, μέσα στη ζέστη της συγκίνησης, αναφώνησε: «Δεν θα γράψω περισσότερες φωτογραφίες μάχης - αυτό είναι αρκετό! Παίρνω πολύ κοντά στην καρδιά μου ό,τι γράφω, φωνάζω (κυριολεκτικά) τη θλίψη κάθε πληγωμένου και σκοτωμένου. Πιθανώς, το αποτέλεσμα αυτού του θαυμασμού ήταν ο τρομερός και μαγευτικός πίνακας «Η Αποθέωση του Πολέμου», που απεικονίζει ένα χωράφι, κοράκια και ένα βουνό από ανθρώπινα κρανία.
Η εικόνα είναι γραμμένη τόσο βαθιά και συναισθηματικάότι πίσω από κάθε κρανίο που βρίσκεται σε αυτόν τον σωρό, αρχίζεις να βλέπεις ανθρώπους, τη μοίρα τους και τη μοίρα εκείνων που δεν θα βλέπουν πια αυτούς τους ανθρώπους. Ο ίδιος ο Vereshchagin, με θλιβερό σαρκασμό, ονόμασε τον καμβά "νεκρή φύση" - απεικονίζει "νεκρή φύση".
Όλες οι λεπτομέρειες της εικόνας, συμπεριλαμβανομένου του κίτρινου χρώματος, συμβολίζουν τον θάνατο και την καταστροφή. Ο καταγάλανος ουρανός τονίζει τη νεκρότητα της εικόνας. Η ιδέα της «Αποθέωσης του Πολέμου» εκφράζεται επίσης από τα σημάδια από τα σπαθιά και τις τρύπες από σφαίρες στα κρανία.
7. Grant Wood "American Gothic"
1930, λάδι. 74x62 εκ
Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο, Σικάγο
Το «American Gothic» είναι ένα από τα πιο αναγνωρίσιμαεικόνες στην αμερικανική τέχνη του 20ου αιώνα, το πιο διάσημο καλλιτεχνικό μιμίδιο του 20ου και 21ου αιώνα.
Ζωγραφική με μελαγχολικούς πατέρα και κόρηγεμάτη με λεπτομέρειες που υποδηλώνουν τη σοβαρότητα, τον πουριτανισμό και την οπισθοδρόμηση των εικονιζόμενων ανθρώπων. Θυμωμένα πρόσωπα, ένα δίκρανο ακριβώς στη μέση της εικόνας, παλιομοδίτικα ρούχα ακόμα και στα πρότυπα του 1930, ένας εκτεθειμένος αγκώνας, ραφές στα ρούχα του αγρότη που επαναλαμβάνουν το σχήμα του πιρουνιού και επομένως μια απειλή που απευθύνεται σε οποιονδήποτε που καταπατά. Όλες αυτές οι λεπτομέρειες μπορούν να εξεταστούν ατελείωτα και να ανατριχιάσουν από τη δυσφορία.
Είναι ενδιαφέρον ότι οι κριτές του διαγωνισμού στο Ινστιτούτο του ΣικάγοΟι τέχνες αντιλαμβάνονταν το "Gothic" ως έναν "χιουμοριστικό Βαλεντίνο" και οι κάτοικοι της Αϊόβα προσβλήθηκαν τρομερά από τον Γουντ που τους απεικόνιζε με τόσο δυσάρεστο φως.
8. Ρενέ Μαγκρίτ «Εραστές»
1928, λάδι σε καμβά
Ζωγραφική "Lovers" ("Lovers")υπάρχει σε δύο παραλλαγές. Στη μία, ένας άνδρας και μια γυναίκα, των οποίων τα κεφάλια είναι τυλιγμένα σε ένα λευκό πανί, φιλιούνται και στην άλλη «κοιτάζουν» τον θεατή. Η εικόνα εκπλήσσει και συναρπάζει. Με δύο φιγούρες χωρίς πρόσωπα, ο Μαγκρίτ μετέφερε την ιδέα στην τύφλωση της αγάπης. Σχετικά με την τύφλωση από κάθε άποψη: οι ερωτευμένοι δεν βλέπουν κανέναν, δεν βλέπουμε τα αληθινά τους πρόσωπα, και επιπλέον, οι εραστές είναι ένα μυστήριο ακόμη και για τον άλλον. Αλλά με αυτή τη φαινομενική σαφήνεια, συνεχίζουμε να κοιτάμε τους λάτρεις του Magritte και να τους σκεφτόμαστε.
Σχεδόν όλοι οι πίνακες του Μαγκρίτ- πρόκειται για γρίφους που δεν μπορούν να λυθούν πλήρως, αφού εγείρουν ερωτήματα σχετικά με την ίδια την ουσία της ύπαρξης. Ο Μαγκρίτ μιλάει συνέχεια για την απάτη του ορατού, για το κρυφό του μυστήριο, που συνήθως δεν παρατηρούμε.
9. Marc Chagall "Walk"
1917, λάδι σε καμβά
Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ
Συνήθως εξαιρετικά σοβαρόστον πίνακα του, ο Marc Chagall έγραψε ένα απολαυστικό μανιφέστο της δικής του ευτυχίας, γεμάτο αλληγορίες και αγάπη. Το "Walk" είναι μια αυτοπροσωπογραφία με τη σύζυγό του Bella. Η αγαπημένη του πετάει στον ουρανό και μοιάζει να σύρεται στην πτήση και ο Σαγκάλ, που στέκεται επισφαλής στο έδαφος, σαν να την αγγίζει μόνο με τις μύτες των παπουτσιών του. Ο Σαγκάλ έχει ένα βυζιάκι στο άλλο του χέρι - είναι χαρούμενος, έχει ένα βυζιάκι στα χέρια του (πιθανώς ο πίνακας του) και έναν γερανό στον ουρανό.
10. Ιερώνυμος Μπος «Ο κήπος των γήινων απολαύσεων»
1500-1510, λάδι σε ξύλο. 389x220 εκ
Prado, Ισπανία
"Ο κήπος των γήινων απολαύσεων"- το πιο διάσημο τρίπτυχο του Ιερώνυμου Μπος, που πήρε το όνομά του από το θέμα του κεντρικού τμήματος, είναι αφιερωμένο στην αμαρτία της ηδονίας. Μέχρι σήμερα, καμία από τις διαθέσιμες ερμηνείες της εικόνας δεν έχει αναγνωριστεί ως η μόνη αληθινή.
Διαρκής γοητεία και παραξενιές ταυτόχρονατο τρίπτυχο είναι το πώς ο καλλιτέχνης εκφράζει την κύρια ιδέα μέσα από πολλές λεπτομέρειες. Η εικόνα είναι γεμάτη από διάφανες φιγούρες, φανταστικές δομές, τέρατα που έχουν γίνει παραισθήσεις, κολασμένες καρικατούρες της πραγματικότητας, τις οποίες κοιτάζει με ένα ψαγμένο, εξαιρετικά κοφτερό βλέμμα. Μερικοί επιστήμονες ήθελαν να δουν στο τρίπτυχο μια εικόνα της ανθρώπινης ζωής μέσα από το πρίσμα της ματαιοδοξίας της και τις εικόνες της επίγειας αγάπης, άλλοι - τον θρίαμβο της ηδονίας. Ωστόσο, η αθωότητα και κάποια αποστασιοποίηση με την οποία ερμηνεύονται μεμονωμένες μορφές, καθώς και η ευνοϊκή στάση απέναντι σε αυτό το έργο εκ μέρους των εκκλησιαστικών αρχών, αμφισβητούν ότι η εξύμνηση των σωματικών απολαύσεων θα μπορούσε να είναι το περιεχόμενό του.
11. Γκούσταβ Κλιμτ «Τρεις εποχές της γυναίκας»
1905, λάδι σε καμβά. 180x180 εκ
Εθνική Πινακοθήκη Μοντέρνας Τέχνης, Ρώμη
Το «Three Ages of Woman» είναι ταυτόχρονα χαρμόσυνο, και λυπηρό. Σε αυτό, η ιστορία της ζωής μιας γυναίκας είναι γραμμένη σε τρεις μορφές: ανεμελιά, ειρήνη και απόγνωση. Η νέα γυναίκα υφαίνεται οργανικά στο στολίδι της ζωής, η γριά ξεχωρίζει από αυτήν. Η αντίθεση μεταξύ της στυλιζαρισμένης εικόνας μιας νεαρής γυναίκας και της νατουραλιστικής εικόνας μιας ηλικιωμένης γυναίκας αποκτά συμβολικό νόημα: η πρώτη φάση της ζωής φέρνει μαζί της ατελείωτες δυνατότητες και μεταμορφώσεις, η τελευταία είναι μια αμετάβλητη σταθερότητα και σύγκρουση με την πραγματικότητα.
Ο καμβάς δεν αφήνει να φύγει, σκαρφαλώνει στην ψυχήκαι σε κάνει να σκεφτείς το βάθος του μηνύματος του καλλιτέχνη, καθώς και το βάθος και το αναπόφευκτο της ζωής.
12. Έγκον Σίλε «Οικογένεια»
1918, λάδι σε καμβά. 152,5x162,5 εκ
Γκαλερί Belvedere, Βιέννη
Ο Σίλε ήταν μαθητής του Κλιμτ, αλλά, όπως κάθε αριστούχος μαθητής, δεν αντέγραψε τον δάσκαλό του, αλλά έψαχνε για νέο. Ο Σίλε είναι πολύ πιο τραγικός, παράξενος και τρομακτικός από τον Γκούσταβ Κλιμτ. Στα έργα του υπάρχουν πολλά από αυτά που θα μπορούσαν να ονομαστούν πορνογραφία, διάφορες διαστροφές, νατουραλισμός και, ταυτόχρονα, οδυνηρή απόγνωση.
"Οικογένεια" - η τελευταία του δουλειά, στο οποίο η απόγνωση μεταφέρεται στο απόλυτο, παρά το γεγονός ότι αυτή είναι η λιγότερο περίεργη εικόνα του. Το ζωγράφισε λίγο πριν το θάνατό του, αφού η έγκυος γυναίκα του Έντιθ πέθανε από ισπανική γρίπη. Πέθανε σε ηλικία 28 ετών μόλις τρεις μέρες μετά την Έντιθ, έχοντας καταφέρει να ζωγραφίσει εκείνη, τον εαυτό του και το αγέννητο παιδί τους.
13. Φρίντα Κάλο «Δύο Φρίντα»
1939
Η ιστορία της δύσκολης ζωής ενός Μεξικανού καλλιτέχνηΗ Φρίντα Κάλο έγινε ευρέως γνωστή μετά την κυκλοφορία της ταινίας «Φρίντα» με τη Σάλμα Χάγιεκ στον ομώνυμο ρόλο. Η Κάλο ζωγράφιζε κυρίως αυτοπροσωπογραφίες και το εξήγησε απλά: «Ζωγραφίζω τον εαυτό μου επειδή περνάω πολύ χρόνο μόνη μου και επειδή είμαι το θέμα που γνωρίζω καλύτερα».
Καμία από τις αυτοπροσωπογραφίες της Φρίντα Κάλοδεν χαμογελάει: ένα σοβαρό, ακόμη και πένθιμο πρόσωπο, λιωμένα πυκνά φρύδια, ένα ελαφρώς εμφανές μουστάκι πάνω από σφιχτά συμπιεσμένα χείλη. Οι ιδέες των έργων της είναι κρυπτογραφημένες στις λεπτομέρειες, το φόντο, τις φιγούρες που εμφανίζονται δίπλα στη Φρίντα. Ο συμβολισμός της Κάλο βασίζεται σε εθνικές παραδόσεις και συνδέεται στενά με την ινδική μυθολογία της προ-ισπανικής περιόδου.
Σε έναν από τους καλύτερους πίνακες - "Two Fridas"- εξέφρασε τις αρσενικές και γυναικείες αρχές, που συνδέονται μέσα της με ένα ενιαίο κυκλοφορικό σύστημα, επιδεικνύοντας την ακεραιότητά της.
14. Claude Monet «Γέφυρα του Βατερλό. Εφέ ομίχλης»
1899, λάδι σε καμβά
Κρατικό Μουσείο Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη
Κατά την προβολή της εικόνας από κοντινή απόστασηο θεατής δεν βλέπει τίποτα παρά έναν καμβά στον οποίο εφαρμόζονται συχνές χοντρές πινελιές λαδιού. Όλη η μαγεία του έργου αποκαλύπτεται όταν αρχίζουμε σταδιακά να απομακρυνόμαστε από τον καμβά σε μεγαλύτερη απόσταση. Αρχικά, αρχίζουν να εμφανίζονται μπροστά μας ακατανόητα ημικύκλια, περνώντας από τη μέση της εικόνας, στη συνέχεια, βλέπουμε τα ξεκάθαρα περιγράμματα των σκαφών και, έχοντας μετακινηθεί σε απόσταση περίπου δύο μέτρων, όλα τα συνδετικά έργα σχεδιάζονται έντονα και παρατάσσονται σε μια λογική αλυσίδα μπροστά μας.
15. Jackson Pollock "Number 5, 1948"
1948, ινοσανίδες, λάδι. 240x120 εκ
Το παράξενο αυτής της εικόνας είναιότι ο καμβάς του Αμερικανού ηγέτη του αφηρημένου εξπρεσιονισμού, που ζωγράφισε, ρίχνοντας μπογιά πάνω από ένα κομμάτι ινοσανίδας απλωμένο στο πάτωμα, είναι ο πιο ακριβός πίνακας στον κόσμο. Το 2006, στη δημοπρασία του Sotheby's, πλήρωσαν 140 εκατομμύρια δολάρια για αυτό. Ο David Giffen, παραγωγός και συλλέκτης ταινιών, το πούλησε στον Μεξικανό χρηματοδότη David Martinez.
«Συνεχίζω να απομακρύνομαι από τα συμβατικά εργαλείακαλλιτέχνη, όπως καβαλέτο, παλέτα και πινέλα. Προτιμώ μπαστούνια, φτυάρια, μαχαίρια και χύσιμο χρώματος ή μείγμα μπογιάς με άμμο ή σπασμένο γυαλί ή οτιδήποτε άλλο. Όταν είμαι μέσα σε έναν πίνακα, δεν έχω επίγνωση του τι κάνω. Η κατανόηση έρχεται αργότερα. Δεν φοβάμαι να αλλάξω ή να καταστρέψω την εικόνα, καθώς ο πίνακας έχει τη δική του ζωή. Απλώς τη βοηθάω να βγει έξω. Αλλά αν χάσω την επαφή με τον πίνακα, είναι βρώμικο και ακατάστατο. Αν όχι, τότε αυτή είναι η καθαρή αρμονία, η ευκολία του πώς παίρνεις και δίνεις.
16. Joan Miro «Άνδρας και γυναίκα μπροστά σε ένα σωρό περιττώματα»
1935, χαλκός, λάδι, 23x32 εκ
Joan Miro Foundation, Ισπανία
Καλός τίτλος.Και ποιος θα το φανταζόταν ότι αυτή η εικόνα μας μιλά για τη φρίκη των εμφυλίων πολέμων.
Η εικόνα ήταν φτιαγμένη σε φύλλο χαλκούγια την εβδομάδα μεταξύ 15 και 22 Οκτωβρίου 1935. Σύμφωνα με τον Miro, αυτό είναι το αποτέλεσμα μιας προσπάθειας απεικόνισης της τραγωδίας του ισπανικού εμφυλίου πολέμου. Ο Miro είπε ότι αυτή είναι μια εικόνα για μια περίοδο αναταραχής. Ο πίνακας απεικονίζει έναν άνδρα και μια γυναίκα να απλώνουν ο ένας την αγκαλιά του άλλου, αλλά να μην κινούνται. Τα διευρυμένα γεννητικά όργανα και τα δυσοίωνα χρώματα έχουν περιγραφεί ως «γεμάτα αποστροφή και αποκρουστική σεξουαλικότητα».
17. Jacek Yerka "Erosion"
Πολωνός νεοσουρεαλιστής γνωστός παγκοσμίωςχάρη στους εκπληκτικούς πίνακές του, στους οποίους οι πραγματικότητες συνδυάζονται, δημιουργώντας νέες. Είναι δύσκολο να εξετάσουμε τα εξαιρετικά λεπτομερή και ως ένα βαθμό συγκινητικά έργα του ένα προς ένα, αλλά αυτή είναι η μορφή του υλικού μας και έπρεπε να διαλέξουμε ένα - για να απεικονίσουμε τη φαντασία και την ικανότητά του. Σας συνιστούμε να διαβάσετε περισσότερα.
18. Bill Stoneham "Hands Resist Him"
1972
Αυτό το έργο, φυσικά, δεν μπορεί να εξεταστείστα αριστουργήματα της παγκόσμιας τέχνης, αλλά το ότι είναι περίεργο είναι γεγονός.
Γύρω από την εικόνα με ένα αγόρι, μια κούκλα και παλάμες, πιεσμένο στο γυαλί, υπάρχουν θρύλοι. Από «εξαιτίας αυτής της εικόνας πεθαίνουν» μέχρι «τα παιδιά σε αυτήν είναι ζωντανά». Η εικόνα φαίνεται πραγματικά ανατριχιαστική, γεγονός που προκαλεί πολλούς φόβους και εικασίες σε άτομα με αδύναμη ψυχή.
Ο καλλιτέχνης το διαβεβαίωσε στην εικόναΟ ίδιος απεικονίζεται σε ηλικία πέντε ετών, ότι η πόρτα είναι μια αναπαράσταση της διαχωριστικής γραμμής μεταξύ του πραγματικού κόσμου και του κόσμου των ονείρων και η κούκλα είναι ένας οδηγός που μπορεί να οδηγήσει το αγόρι σε αυτόν τον κόσμο. Τα χέρια αντιπροσωπεύουν εναλλακτικές ζωές ή δυνατότητες.
Ο πίνακας έγινε διάσημος τον Φεβρουάριο του 2000.όταν ήταν καταχωρημένος προς πώληση στο eBay με μια ιστορία που έλεγε ότι ο πίνακας είναι «στοιχειωμένος». Το «Hands Resist Him» αγοράστηκε για 1.025 δολάρια από την Kim Smith, η οποία στη συνέχεια πλημμύρισε με γράμματα με ανατριχιαστικές ιστορίες και απαιτεί να κάψει τον πίνακα.
Οι μυστικιστικές ιστορίες και μυστήρια συνδέονται με πολλά έργα ζωγραφικής. Επιπλέον, ορισμένοι ειδικοί πιστεύουν ότι σκοτεινές και μυστικές δυνάμεις εμπλέκονται στη δημιουργία πολλών καμβάδων. Υπάρχουν λόγοι για έναν τέτοιο ισχυρισμό. Πολύ συχνά συνέβησαν εκπληκτικά γεγονότα και ανεξήγητα γεγονότα σε αυτά τα μοιραία αριστουργήματα - πυρκαγιές, θάνατοι, τρέλα των συγγραφέων ... Ένας από τους πιο διάσημους «καταραμένους» πίνακες είναι το «Crying Boy» - μια αναπαραγωγή ενός πίνακα του Ισπανού καλλιτέχνη Giovanni Bragolin . Η ιστορία της δημιουργίας του έχει ως εξής: ο καλλιτέχνης θέλησε να ζωγραφίσει ένα πορτρέτο ενός παιδιού που έκλαιγε και πήρε τον μικρό του γιο ως καθιστή. Όμως, καθώς το μωρό δεν μπορούσε να κλάψει κατά παραγγελία, ο πατέρας το έβαλε επίτηδες σε κλάματα, ανάβοντας σπίρτα μπροστά στο πρόσωπό του.
Αν την κοιτάξετε για 5 λεπτά στη σειρά, η κοπέλα θα αλλάξει (τα μάτια θα κοκκινίσουν, τα μαλλιά θα μαυρίσουν, θα εμφανιστούν κυνόδοντες). Στην πραγματικότητα, είναι σαφές ότι η εικόνα σαφώς δεν είναι σχεδιασμένη με το χέρι, όπως πολλοί θέλουν να ισχυρίζονται. Αν και κανείς δεν δίνει ξεκάθαρες απαντήσεις πώς εμφανίστηκε αυτή η εικόνα. Η επόμενη εικόνα κρέμεται σεμνά χωρίς κορνίζα σε ένα από τα μαγαζιά στη Βίννιτσα. Το «Rain Woman» είναι το πιο ακριβό από όλα τα έργα: κοστίζει 500 δολάρια. Σύμφωνα με τους πωλητές, ο πίνακας έχει ήδη αγοραστεί τρεις φορές και στη συνέχεια έχει επιστραφεί. Οι πελάτες εξηγούν ότι την ονειρεύονται. Και κάποιος μάλιστα λέει ότι γνωρίζει αυτήν την κυρία, αλλά δεν θυμάται πού. Και όλοι όσοι έχουν κοιτάξει ποτέ στα λευκά της μάτια θα θυμούνται για πάντα την αίσθηση μιας βροχερής μέρας, τη σιωπή, το άγχος και τον φόβο.
