Σχετικά με τους καλλιτέχνες και τη δουλειά τους. Πίνακες και καλλιτέχνες (θέμα στα Αγγλικά) Εμφάνιση φόρουμ πώς απεικονίζει ο καλλιτέχνης
Αποδεικνύεται ότι άλλες εικόνες κρύβονται κάτω από τους πίνακες ορισμένων διάσημων καλλιτεχνών. Μερικές φορές, αν κοιτάξετε προσεκτικά, είναι ορατά με γυμνό μάτι. Αλλά πιο συχνά βρίσκονται από ιστορικούς τέχνης ενώ μελετούν τους πίνακες διάσημων δασκάλων ή αναστηλωτών που εργάζονται για την αποκατάσταση πινάκων. Στην ανασκόπησή μας, υπάρχουν έξι πιο ενδιαφέρουσες περιπτώσεις όπου οι πίνακες ήταν γεμάτοι με κρυμμένες εικόνες.
Απαντώντας στην ερώτηση σχετικά με τους κρυφούς πίνακες, οι επιστήμονες σημειώνουν ότι οι λόγοι για την εμφάνισή τους σε γνωστούς καμβάδες είναι διαφορετικοί. Μερικές φορές στον καλλιτέχνη απλά δεν άρεσε η αρχική έκδοση, μερικές φορές η εικόνα έπρεπε να ξανασχεδιαστεί λόγω της κοινής γνώμης και συνέβαινε επίσης ότι οι καλλιτέχνες βρέθηκαν σε οικονομική δυσπραγία, δεν είχαν την οικονομική δυνατότητα να αγοράσουν έναν νέο καμβά και χρησιμοποίησαν παλιούς για τα νέα τους έργα.
1. Προτομή του μονάρχη στον πίνακα του Jean Auguste Ingres
Στην αριστερή πλευρά του πίνακα του Γάλλου νεοκλασικού καλλιτέχνη Ingres «Portrait of Jacques Marquet, Baron de Montbreton de Norvin» (1811-12), που απεικονίζει τον αρχηγό της αστυνομίας στη Ρώμη μετά την κατάκτηση της πόλης από τον Ναπολέοντα, ακόμη και με με γυμνό μάτι μπορείτε να δείτε την προτομή του κεφαλιού ενός παιδιού. Πιστεύεται ότι πρόκειται για προτομή του κεφαλιού του γιου του Ναπολέοντα, τον οποίο ο πατέρας του ανακήρυξε βασιλιά της Ρώμης. Το 1814, όταν ο Ναπολέων τελικά ηττήθηκε και παραιτήθηκε από το θρόνο, ο Ingres ζωγράφισε τον πίνακα για πολιτικούς λόγους και ζωγράφισε ένα νέο πάνω του.
2. Γυναίκα στον «Παλιό κιθαρίστα» του Πικάσο
Ο Πάμπλο Πικάσο είχε μια δύσκολη περίοδο το 1901-1904, όταν δεν είχε χρήματα ούτε να αγοράσει νέα υλικά για δουλειά. Συχνά αστάριζε παλιούς καμβάδες και τους χρησιμοποιούσε για να δημιουργήσει νέους πίνακες. Ένα από τα πιο διάσημα παραδείγματα pentimento στα έργα του Πικάσο είναι ο πίνακας «Ο γέρος κιθαρίστας», στον οποίο ανακαλύφθηκε μια ζωγραφική φιγούρα γυναίκας.
Οι κριτικοί τέχνης είχαν παρατηρήσει προηγουμένως ένα ασαφές περίγραμμα πίσω από τον καμπύλο λαιμό του κιθαρίστα, αλλά μόνο φωτίζοντας την εικόνα με ακτίνες Χ αποκάλυψαν μια παλιά εικόνα μιας γυναίκας που ταΐζει ένα μικρό παιδί και δίπλα τους ένας ταύρος και ένα πρόβατο.
3. Ο γενειοφόρος άνδρας στο Μπλε Δωμάτιο του Πικάσο
Ο πίνακας του Πικάσο The Blue Room, ζωγραφισμένος το 1901, περιέχει επίσης ένα μυστικό που αποκαλύφθηκε πρόσφατα από την υπέρυθρη οπτική τομογραφία. Εάν βάλετε την εικόνα κάθετα, ένας γενειοφόρος άνδρας με πολλά δαχτυλίδια στα δάχτυλά του βρίσκεται κάτω από ένα στρώμα μπογιάς.
4. Λουράκι ώμου στο "Portrait of Madame X" του John Singer Sargent
Το «Portrait of Madame X», που εκτίθεται στο Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, θεωρείται σύμβολο του στυλ λόγω των απλών μαύρων ενδυμάτων της κυρίας που απεικονίζονται σε αυτό, της αρχοντικής της σιλουέτας και της αγέρωχης έκφρασης του προσώπου της. Ωστόσο, κάποτε αυτό το πορτρέτο θεωρήθηκε σκανδαλώδης προσβολή της ευπρέπειας και είχε πολύ αρνητικό αντίκτυπο στην καριέρα του καλλιτέχνη στην Ευρώπη.
Η γυναίκα στο πορτρέτο είναι η διάσημη παριζιάνα σοσιαλλίτισσα Virginie Gautreau. Η ωχρότητα του δέρματός της, που θεωρούνταν η επιτομή της ομορφιάς εκείνη την εποχή, οδήγησε έναν σύγχρονο κριτικό να περιγράψει τον τόνο του δέρματος του Gautreau ως «πτωματικό». Αυτό το αποτέλεσμα επιτεύχθηκε με τη χρήση αρσενικού. Η Gautreau έβαψε επίσης τα μαλλιά της με χέννα για μεγαλύτερη αντίθεση. Για να τονίσει την ασυνήθιστη ομορφιά της Gautreau, ο Sargent την απεικόνισε με ένα μαύρο φόρεμα, ένα από τα λουράκια του οποίου έπεσε φιλικά στον ώμο της.
Όταν το πορτρέτο παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στο Σαλόνι του Παρισιού, το κοινό εξερράγη από αγανάκτηση, καθώς ο ιμάντας ώμου που είχε πέσει κατά το ήμισυ ήταν πολύ άσεμνος. Ως αποτέλεσμα, ο Sargent ξαναέγραψε αυτή τη λεπτομέρεια του φορέματος, σηκώνοντάς το στον ώμο του.
5. Γυναίκα στο παράθυρο
Στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου, στη διαδικασία αποκατάστασης ενός καμβά του 1500 από έναν άγνωστο καλλιτέχνη, ανακαλύφθηκε ένα ασυνήθιστο «μακιγιάζ». Αποδείχθηκε ότι η ξανθιά στην εικόνα είναι στην πραγματικότητα μελαχρινή και το χρώμα των μαλλιών της ξαναγράφτηκε από τον καλλιτέχνη πάνω από το πρωτότυπο. Σήμερα, ο πίνακας έχει αποκατασταθεί στην αρχική του κατάσταση και στεγάζεται στην Εθνική Πινακοθήκη.
6. Φάλαινα στη «Παραλιακή σκηνή» του Hendrick van Antonissen
Όταν αυτός ο ολλανδικός πίνακας του δέκατου έβδομου αιώνα δωρήθηκε στο Μουσείο Fitzwilliam, απεικόνιζε απλώς μια σκηνή στην παραλία. Ωστόσο, οι ιστορικοί τέχνης έχουν προβληματιστεί για το γιατί ο πίνακας απεικονίζει ένα πλήθος συγκεντρωμένο κοντά στο νερό χωρίς προφανή λόγο. Μετά την αποκατάσταση, κάτω από ένα στρώμα χρώματος, ανακαλύφθηκε μια εικόνα μιας φάλαινας που ξεβράστηκε στην ακτή. Η φάλαινα πιστεύεται ότι ζωγραφίστηκε για αισθητικούς λόγους τον 18ο ή 19ο αιώνα.
Οι γνώστες της τέχνης θα ενδιαφέρονται να μάθουν.
Σήμερα παρουσιάζουμε στην προσοχή σας είκοσι πίνακες που αξίζουν προσοχής και αναγνώρισης. Αυτοί οι πίνακες ζωγραφίστηκαν από διάσημους καλλιτέχνες και θα πρέπει να τους γνωρίζει όχι μόνο ο άνθρωπος που ασχολείται με την τέχνη, αλλά και οι απλοί θνητοί, αφού η τέχνη ζωγραφίζει τη ζωή μας, η αισθητική εμβαθύνει την άποψη μας για τον κόσμο. Δώστε στην τέχνη τη θέση που της αρμόζει στη ζωή σας...
1. «Ο Μυστικός Δείπνος». Λεονάρντο Ντα Βίντσι, 1495 - 1498
Μνημειώδης πίνακας του Λεονάρντο ντα Βίντσι που απεικονίζει τη σκηνή του τελευταίου γεύματος του Χριστού με τους μαθητές του. Δημιουργήθηκε στα έτη 1495-1498 στο δομινικανό μοναστήρι Santa Maria delle Grazie στο Μιλάνο.
Ο πίνακας παραγγέλθηκε από τον Λεονάρντο στον προστάτη του, Δούκα Λοδοβίκο Σφόρτσα και τη σύζυγό του Μπεατρίς ντ' Έστε. Το οικόσημο του Sforza είναι ζωγραφισμένο στα λουνέτα πάνω από τον πίνακα, που σχηματίζεται από μια οροφή με τρεις καμάρες. Η ζωγραφική ξεκίνησε το 1495 και ολοκληρώθηκε το 1498. η εργασία ήταν διακοπτόμενη. Η ημερομηνία έναρξης των εργασιών δεν είναι ακριβής, γιατί «τα αρχεία της μονής καταστράφηκαν, και ένα ασήμαντο μέρος των εγγράφων που έχουμε χρονολογήσει το 1497, όταν σχεδόν είχε ολοκληρωθεί η ζωγραφική».
Ο πίνακας έγινε ορόσημο στην ιστορία της Αναγέννησης: το σωστά αναπαραγόμενο βάθος της προοπτικής άλλαξε την κατεύθυνση ανάπτυξης της δυτικής ζωγραφικής.
Πιστεύεται ότι πολλά μυστικά και υποδείξεις κρύβονται σε αυτήν την εικόνα - για παράδειγμα, υπάρχει η υπόθεση ότι οι εικόνες του Ιησού και του Ιούδα έχουν διαγραφεί από ένα άτομο. Όταν ο Ντα Βίντσι ζωγράφισε την εικόνα, στο όραμά του, ο Ιησούς προσωποποίησε την καλοσύνη, ενώ ο Ιούδας ήταν καθαρό κακό. Και όταν ο κύριος βρήκε τον «Ιούδα του» (έναν μέθυσο από το δρόμο), αποδείχθηκε ότι, σύμφωνα με τους ιστορικούς, αυτός ο μεθυσμένος είχε χρησιμεύσει ως πρωτότυπο για τη ζωγραφική της εικόνας του Ιησού λίγα χρόνια πριν. Έτσι, μπορούμε να πούμε ότι αυτή η εικόνα απαθανάτισε ένα άτομο σε διαφορετικές περιόδους της ζωής του.
2. «Ηλιοτρόπια». Vincent van Gogh, 1887
Όνομα δύο κύκλων ζωγραφικής του Ολλανδού καλλιτέχνη Vincent van Gogh. Η πρώτη σειρά έγινε στο Παρίσι το 1887. Είναι αφιερωμένο στα ψέματα λουλούδια. Η δεύτερη σειρά ολοκληρώθηκε ένα χρόνο αργότερα, στην Αρλ. Απεικονίζει ένα μπουκέτο με ηλιοτρόπια σε ένα βάζο. Δύο παριζιάνικους πίνακες απέκτησε ο φίλος του Βαν Γκογκ, Πολ Γκογκέν.
Ο καλλιτέχνης ζωγράφισε ηλιοτρόπια έντεκα φορές. Οι πρώτοι τέσσερις πίνακες δημιουργήθηκαν στο Παρίσι τον Αύγουστο-Σεπτέμβριο του 1887. Τα μεγάλα κομμένα λουλούδια βρίσκονται σαν κάποια παράξενα πλάσματα που πεθαίνουν μπροστά στα μάτια μας.
3. «Το ένατο κύμα». Ιβάν Κωνσταντίνοβιτς Αϊβαζόφσκι;, 1850.
Στο Ρωσικό Μουσείο φυλάσσεται ένας από τους πιο διάσημους πίνακες του Ρώσου ναυτικού ζωγράφου Ιβάν Αϊβαζόφσκι.
Ο ζωγράφος απεικονίζει τη θάλασσα μετά την ισχυρότερη νυχτερινή καταιγίδα και ανθρώπους που ναυάγησαν. Οι ακτίνες του ήλιου φωτίζουν τα τεράστια κύματα. Ο μεγαλύτερος από αυτούς - ο ένατος άξονας - είναι έτοιμος να πέσει πάνω σε ανθρώπους που προσπαθούν να ξεφύγουν στα συντρίμμια του ιστού.
Παρά το γεγονός ότι το πλοίο έχει καταστραφεί και έχει απομείνει μόνο ο ιστός, οι άνθρωποι στον ιστό είναι ζωντανοί και συνεχίζουν να πολεμούν ενάντια στα στοιχεία. Οι ζεστοί τόνοι της εικόνας κάνουν τη θάλασσα όχι τόσο σκληρή και δίνουν στον θεατή την ελπίδα ότι ο κόσμος θα σωθεί.
Δημιουργήθηκε το 1850, ο πίνακας "Το ένατο κύμα" έγινε αμέσως ο πιο διάσημος από όλες τις μαρίνες του και αποκτήθηκε από τον Νικόλαο Α'.
4. «Nude Maja». Francisco Goya, 1797-1800
Πίνακας του Ισπανού καλλιτέχνη Francisco Goya, ζωγραφισμένος γύρω στο 1797-1800. Ταιριάζει με τον πίνακα «Maja dressed» (La maja vestida). Οι πίνακες απεικονίζουν τη Maja - μια Ισπανίδα πολίτη του 18ου-19ου αιώνα, ένα από τα αγαπημένα αντικείμενα της εικόνας του καλλιτέχνη. Το Maja Nude είναι ένα από τα πρώτα έργα της δυτικής τέχνης που απεικονίζει μια εντελώς γυμνή γυναίκα χωρίς μυθολογικές ή αρνητικές συνδηλώσεις.
5. «Flight of lovers». Marc Chagall, 1914-1918
Οι εργασίες στον πίνακα "Above the City" ξεκίνησαν το 1914 και ο πλοίαρχος εφάρμοσε τις τελευταίες πινελιές μόνο το 1918. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, η Bella μετατράπηκε από αγαπημένη όχι μόνο σε λατρεμένη σύζυγο, αλλά και μητέρα της κόρης τους Ida, και έγινε για πάντα η κύρια μούσα του ζωγράφου. Η ένωση μιας πλούσιας κόρης ενός κληρονομικού κοσμηματοπώλη και μιας απλής Εβραϊκής νεολαίας, της οποίας ο πατέρας έβγαζε τα προς το ζην ξεφορτώνοντας τη ρέγγα, μπορεί να ονομαστεί μόνο συμμαχία, αλλά η αγάπη ήταν πιο δυνατή και ξεπέρασε όλες τις συμβάσεις. Αυτή η αγάπη τους ενέπνευσε, ανεβάζοντάς τους στον ουρανό.
Η Καρίνα απεικονίζει τους δύο έρωτες του Σαγκάλ ταυτόχρονα - την Μπέλα και τον αγαπητό Βίτεμπσκ. Οι δρόμοι παρουσιάζονται με τη μορφή σπιτιών, που χωρίζονται από έναν ψηλό σκοτεινό φράχτη. Ο θεατής δεν θα παρατηρήσει αμέσως μια κατσίκα που βόσκει στα αριστερά του κέντρου της εικόνας και έναν απλό άντρα με το παντελόνι του στο πρώτο πλάνο - ένα χιούμορ από τον ζωγράφο, που ξεφεύγει από το γενικό πλαίσιο και τη ρομαντική διάθεση του έργου, αλλά αυτό είναι ολόκληρος ο Σαγκάλ...
6. «Το πρόσωπο του πολέμου». Σαλβαδόρ Νταλί, 1940
Πίνακας του Ισπανού καλλιτέχνη Salvador Dali, ζωγραφισμένος το 1940.
Ο πίνακας δημιουργήθηκε στο δρόμο για τις ΗΠΑ. Εντυπωσιασμένος από την τραγωδία που ξέσπασε στον κόσμο, την αιμοσταγία των πολιτικών, ο πλοίαρχος ξεκινά τη δουλειά στο πλοίο. Βρίσκεται στο Μουσείο Boijmans-van Beuningen στο Ρότερνταμ.
Έχοντας χάσει κάθε ελπίδα για μια κανονική ζωή στην Ευρώπη, ο καλλιτέχνης αφήνει το αγαπημένο του Παρίσι για την Αμερική. Ο πόλεμος καλύπτει τον Παλαιό Κόσμο και επιδιώκει να καταλάβει τον υπόλοιπο κόσμο. Ο πλοίαρχος δεν γνωρίζει ακόμη ότι η παραμονή του στον Νέο Κόσμο για οκτώ χρόνια θα τον κάνει πραγματικά διάσημο, και τα έργα του - αριστουργήματα της παγκόσμιας τέχνης.
7. «Κραυγή». Edvard Munch, 1893
Η Κραυγή (Νορβηγικά Skrik) είναι μια σειρά έργων ζωγραφικής που δημιουργήθηκε μεταξύ 1893 και 1910 από τον Νορβηγό εξπρεσιονιστή ζωγράφο Edvard Munch. Απεικονίζουν μια ανθρώπινη φιγούρα να ουρλιάζει σε απόγνωση σε έναν κόκκινο-κόκκινο ουρανό και σε ένα πολύ γενικευμένο φόντο τοπίου. Το 1895, ο Μουνκ δημιούργησε μια λιθογραφία για το ίδιο θέμα.
Ο κόκκινος, φλογερός ζεστός ουρανός σκέπασε το κρύο φιόρδ, το οποίο, με τη σειρά του, δημιουργεί μια φανταστική σκιά, παρόμοια με κάποιο είδος θαλάσσιου τέρατος. Η ένταση παραμορφώνει το χώρο, οι γραμμές σπάνε, τα χρώματα δεν ταιριάζουν, η προοπτική καταστρέφεται.
Πολλοί κριτικοί πιστεύουν ότι η πλοκή της εικόνας είναι ο καρπός μιας άρρωστης φαντασίας ενός ψυχικά άρρωστου ατόμου. Κάποιος βλέπει στο έργο ένα προαίσθημα μιας οικολογικής καταστροφής, κάποιος λύνει το ερώτημα τι είδους μούμια ενέπνευσε τον συγγραφέα να κάνει αυτό το έργο.
8. «Κορίτσι με μαργαριταρένιο σκουλαρίκι». Γιαν Βερμέερ, 1665
Ο πίνακας «Κορίτσι με μαργαριταρένιο σκουλαρίκι» (ολλανδικά. «Het meisje met de parel») γράφτηκε γύρω στο 1665. Αυτή τη στιγμή φυλάσσεται στο Μουσείο Mauritshuis, στη Χάγη, στην Ολλανδία και είναι το σήμα κατατεθέν του μουσείου. Ο πίνακας, με το παρατσούκλι η ολλανδική Μόνα Λίζα, ή Μόνα Λίζα του Βορρά, είναι γραμμένος στο είδος Tronie.
Χάρη στην ταινία Girl with a Pearl Earring του 2003 του Peter Webber, ένας τεράστιος αριθμός ανθρώπων που απέχουν πολύ από τη ζωγραφική έμαθαν για τον υπέροχο Ολλανδό καλλιτέχνη Jan Vermeer, καθώς και για τον πιο διάσημο πίνακα του, Girl with a Pearl Earring.
9. «Πύργος της Βαβέλ». Pieter Brueghel, 1563
Διάσημος πίνακας του Pieter Brueghel. Ο καλλιτέχνης δημιούργησε τουλάχιστον δύο πίνακες με αυτό το θέμα.
Ο πίνακας βρίσκεται στο Kunsthistorisches Museum της Βιέννης.
Υπάρχει μια ιστορία στη Βίβλο για το πώς οι κάτοικοι της Βαβυλώνας προσπάθησαν να χτίσουν έναν ψηλό πύργο για να φτάσουν στον ουρανό, αλλά ο Θεός τους έκανε να μιλούν διαφορετικές γλώσσες, έπαψαν να καταλαβαίνουν ο ένας τον άλλον και ο πύργος έμεινε ημιτελής.
10. «Γυναίκες της Αλγερίας». Πάμπλο Πικάσο, 1955
"Γυναίκες της Αλγερίας" - μια σειρά από 15 πίνακες που δημιουργήθηκαν από τον Πικάσο το 1954-1955 με βάση τους πίνακες του Ευγένιου Ντελακρουά. οι πίνακες διακρίνονται από τα γράμματα που έδωσε ο καλλιτέχνης από το Α έως το Ω. Η "έκδοση Ο" γράφτηκε στις 14 Φεβρουαρίου 1955. για κάποιο διάστημα ανήκε στον διάσημο Αμερικανό συλλέκτη έργων τέχνης του 20ου αιώνα, Victor Ganz.
Το έργο του Πάμπλο Πικάσο «Γυναίκες του Αλγερίου (έκδοση Ο)» πουλήθηκε για 180 εκατομμύρια δολάρια.
11. «Νέος πλανήτης». Konstantin Yuon, 1921
Ρώσος Σοβιετικός ζωγράφος, δεξιοτέχνης του τοπίου, καλλιτέχνης του θεάτρου, θεωρητικός της τέχνης. Ακαδημαϊκός της Ακαδημίας Τεχνών της ΕΣΣΔ. Λαϊκός καλλιτέχνης της ΕΣΣΔ. Βραβευμένος με το Βραβείο Στάλιν πρώτου βαθμού. Μέλος του ΚΚΣΕ από το 1951.
Αυτός ο εκπληκτικός, που δημιουργήθηκε το 1921 και καθόλου χαρακτηριστικός του ρεαλιστή καλλιτέχνη Yuon, ο πίνακας «New Planet» είναι ένα από τα πιο λαμπερά έργα που ενσαρκώνουν την εικόνα των αλλαγών που έγιναν η Οκτωβριανή Επανάσταση στη δεύτερη δεκαετία του 20ού αιώνα. Ένα νέο σύστημα, ένας νέος τρόπος και ένας νέος τρόπος σκέψης της νεογέννητης σοβιετικής κοινωνίας. Τι περιμένει τώρα την ανθρωπότητα; Λαμπρό μέλλον? Αυτό δεν είχε ακόμη σκεφτεί τότε, αλλά το γεγονός ότι η Σοβιετική Ρωσία και ολόκληρος ο κόσμος εισέρχονται σε μια εποχή αλλαγών είναι προφανές, όπως και η ραγδαία γέννηση ενός νέου πλανήτη.
12. «Σιξτίνα Μαντόνα». Ραφαήλ Σάντι, 1754
Πίνακας του Ραφαήλ, που βρίσκεται στην Πινακοθήκη Old Masters στη Δρέσδη από το 1754. Ανήκει στις γενικά αναγνωρισμένες κορυφές της Υψηλής Αναγέννησης.
Τεράστιο σε μέγεθος (265 × 196 εκ., όπως το μέγεθος του πίνακα αναφέρεται στον κατάλογο της Πινακοθήκης της Δρέσδης) ο καμβάς δημιουργήθηκε από τον Ραφαήλ για τον βωμό της εκκλησίας του μοναστηριού του Αγίου Σίξτου στην Πιατσέντσα, με παραγγελία του Πάπα Ιούλιος Β'. Υπάρχει η υπόθεση ότι ο πίνακας ζωγραφίστηκε το 1512-1513 προς τιμήν της νίκης επί των Γάλλων, οι οποίοι εισέβαλαν στη Λομβαρδία κατά τη διάρκεια των Ιταλικών Πολέμων, και την επακόλουθη ενσωμάτωση της Πιατσέντσα στα Παπικά κράτη.
13. «Μετανοούσα Μαρία Μαγδαληνή». Τιτσιάνο (Tiziano Vecellio), ζωγραφισμένο γύρω στο 1565
Ένας πίνακας ζωγραφισμένος γύρω στο 1565 από τον Ιταλό καλλιτέχνη Titian Vecellio. Ανήκει στο Κρατικό Μουσείο Ερμιτάζ στην Αγία Πετρούπολη. Μερικές φορές η ημερομηνία δημιουργίας δίνεται ως "δεκαετία 1560".
Το μοντέλο του πίνακα ήταν η Giulia Festina, η οποία χτύπησε τον καλλιτέχνη με ένα σοκ από χρυσά μαλλιά. Ο τελειωμένος καμβάς εντυπωσίασε πολύ τον Δούκα της Γκονζάγκα και αποφάσισε να παραγγείλει ένα αντίγραφό του. Αργότερα, ο Τιτσιάν, αλλάζοντας το φόντο και ποζάροντας τη γυναίκα, ζωγράφισε μερικά ακόμη παρόμοια έργα.
14. Μόνα Λίζα. Λεονάρντο Ντα Βίντσι, 1503-1505
Πορτρέτο της κυρίας Lisa del Giocondo, (ital. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) - ένας πίνακας του Leonardo da Vinci, που βρίσκεται στο Λούβρο (Παρίσι, Γαλλία), ένας από τους πιο διάσημους πίνακες στον κόσμο, ο οποίος πιστεύεται ότι είναι ένα πορτρέτο της Lisa Gherardini, συζύγου ενός εμπόρου μεταξιού από τη Φλωρεντία, Francesco del Giocondo, ζωγραφισμένο γύρω στο 1503-1505.
Σύμφωνα με μια από τις προβαλλόμενες εκδοχές, η "Mona Lisa" είναι μια αυτοπροσωπογραφία του καλλιτέχνη.
15. «Πρωί σε ένα πευκοδάσος», Shishkin Ivan Ivanovich, 1889.
Πίνακας των Ρώσων καλλιτεχνών Ivan Shishkin και Konstantin Savitsky. Ο Savitsky ζωγράφισε τις αρκούδες, αλλά ο συλλέκτης Pavel Tretyakov έσβησε την υπογραφή του, έτσι ένας πίνακας αναφέρεται συχνά ως συγγραφέας.
Η ιδέα για τον πίνακα προτάθηκε στον Shishkin από τον Savitsky, ο οποίος αργότερα ενήργησε ως συν-συγγραφέας και απεικόνισε τις φιγούρες των μωρών. Αυτές οι αρκούδες, με κάποιες διαφορές στη στάση και τον αριθμό (στην αρχή ήταν δύο), εμφανίζονται σε προπαρασκευαστικά σχέδια και σκίτσα. Τα ζώα έγιναν τόσο καλά για τον Σαβίτσκι που υπέγραψε ακόμη και τον πίνακα μαζί με τον Σίσκιν.
16. «Δεν περιμέναμε». Ilya Repin, 1884-1888
Πίνακας του Ρώσου καλλιτέχνη Ilya Repin (1844-1930), ζωγραφισμένος το 1884-1888. Αποτελεί μέρος της συλλογής της Κρατικής Πινακοθήκης Τρετιακόφ.
Ο πίνακας που παρουσιάζεται στη 12η περιοδεύουσα έκθεση είναι μέρος ενός αφηγηματικού κύκλου αφιερωμένου στη μοίρα του Ρώσου λαϊκιστή επαναστάτη.
17. Μπάλα στο Moulin de la Galette, Pierre-Auguste Renoir, 1876.
Πίνακας ζωγραφισμένος από τον Γάλλο καλλιτέχνη Pierre-Auguste Renoir το 1876.
Το μέρος όπου βρίσκεται ο πίνακας είναι το Musée d'Orsay. Το Moulin de la Galette είναι μια φθηνή ταβέρνα στη Μονμάρτρη όπου συγκεντρώθηκαν οι φοιτητές και η εργαζόμενη νεολαία του Παρισιού.
18. Έναστρη νύχτα. Vincent van Gogh, 1889
De sterrennacht- ένας πίνακας του Ολλανδού καλλιτέχνη Βίνσεντ βαν Γκογκ, γραμμένος τον Ιούνιο του 1889, με θέα τον ουρανό πριν την αυγή πάνω από μια φανταστική πόλη από το ανατολικό παράθυρο της κατοικίας του καλλιτέχνη στο Saint-Remy-de-Provence. Από το 1941 φυλάσσεται στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης. Θεωρείται ένα από τα καλύτερα έργα του Βαν Γκογκ και ένα από τα πιο σημαντικά έργα της δυτικής ζωγραφικής.
19. «Δημιουργία του Αδάμ». Μιχαήλ Άγγελος, 1511.
Τοιχογραφία του Μιχαήλ Άγγελου, ζωγραφισμένη γύρω στο 1511. Η τοιχογραφία είναι η τέταρτη από τις εννέα κεντρικές συνθέσεις στην οροφή της Καπέλα Σιξτίνα.
Η Δημιουργία του Αδάμ είναι μια από τις πιο εξαιρετικές τοιχογραφίες στην Καπέλα Σιξτίνα. Σε ατελείωτο διάστημα, πετάει ο Θεός Πατέρας, περιτριγυρισμένος από άφτερά αγγέλους, με έναν κυματιστό λευκό χιτώνα. Το δεξί χέρι απλώνεται προς το χέρι του Αδάμ και σχεδόν το αγγίζει. Ξαπλωμένο σε έναν πράσινο βράχο, το σώμα του Αδάμ αρχίζει σταδιακά να κινείται, ξυπνά στη ζωή. Η όλη σύνθεση επικεντρώνεται στη χειρονομία των δύο χεριών. Το χέρι του Θεού δίνει την ώθηση και το χέρι του Αδάμ τη δέχεται, δίνοντας ζωτική ενέργεια σε ολόκληρο το σώμα. Με το γεγονός ότι τα χέρια τους δεν αγγίζουν, ο Μιχαήλ Άγγελος τόνισε την αδυναμία σύνδεσης του θείου με το ανθρώπινο. Στην εικόνα του Θεού, σύμφωνα με τον καλλιτέχνη, δεν επικρατεί μια θαυματουργή αρχή, αλλά μια γιγάντια δημιουργική ενέργεια. Στην εικόνα του Αδάμ, ο Μιχαήλ Άγγελος τραγουδά για τη δύναμη και την ομορφιά του ανθρώπινου σώματος. Στην πραγματικότητα, δεν είναι η ίδια η δημιουργία του ανθρώπου που εμφανίζεται μπροστά μας, αλλά η στιγμή που λαμβάνει μια ψυχή, μια παθιασμένη αναζήτηση για το θείο, μια δίψα για γνώση.
20. «Φιλί στον έναστρο ουρανό». Gustav Klimt, 1905-1907
Πίνακας του Αυστριακού καλλιτέχνη Gustav Klimt, ζωγραφισμένος το 1907-1908. Ο καμβάς ανήκει στην περίοδο του έργου του Κλιμτ, που ονομάζεται «χρυσή», το τελευταίο έργο του συγγραφέα στη «χρυσή περίοδο» του.
Σε έναν βράχο, στην άκρη ενός λιβαδιού με λουλούδια, σε μια χρυσή αύρα, οι ερωτευμένοι στέκονται εντελώς βυθισμένοι ο ένας στον άλλο, περιφραγμένοι από όλο τον κόσμο. Λόγω της αβεβαιότητας του τόπου του τι συμβαίνει, φαίνεται ότι το ζευγάρι που απεικονίζεται στην εικόνα κινείται σε μια κοσμική κατάσταση που δεν υπόκειται στον χρόνο και τον χώρο, πέρα από όλα τα ιστορικά και κοινωνικά στερεότυπα και κατακλυσμούς. Η πλήρης μοναξιά και το πρόσωπο του άντρα γυρισμένο προς τα πίσω τονίζουν μόνο την εντύπωση της απομόνωσης και της αποστασιοποίησης σε σχέση με τον παρατηρητή.
Πηγή - Wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me
20 πίνακες που πρέπει να γνωρίζουν όλοι (η ιστορία της ζωγραφικής)ενημερώθηκε: 23 Νοεμβρίου 2016 από: δικτυακός τόπος
Παιδιά, βάζουμε την ψυχή μας στο site. Ευχαριστώ γι'αυτό
για την ανακάλυψη αυτής της ομορφιάς. Ευχαριστώ για την έμπνευση και την έμπνευση.
Ελάτε μαζί μας στο FacebookΚαι Σε επαφή με
Η υψηλή τέχνη είναι κάτι πολύπλοκο και ακατανόητο για πολλούς. Η αναγεννησιακή ζωγραφική με την ιδανική της εικόνα προσελκύει πολλούς θαυμαστές, αλλά δεν είναι εύκολο για όλους να πιστέψουν ότι τα έργα του Πικάσο και του Καντίνσκι μπορούν πραγματικά να κοστίσουν υπέροχα χρήματα. Η αφθονία των γυμνών ανθρώπων στην εικόνα είναι ένα άλλο μυστήριο, καθώς και το παράδοξο ότι οι καλοί πίνακες δεν χρειάζεται να είναι όμορφοι.
δικτυακός τόποςΈμαθα τις απαντήσεις σε πολλές περίεργες ερωτήσεις σχετικά με τη ζωγραφική κοιτάζοντας τα έργα κριτικών τέχνης και πολιτισμολόγων.
1. Είναι πραγματικά τόσο ακριβό το βάψιμο;
Κάθε τόσο ακούμε για τα τρελά ποσά που δαπανώνται για αυτήν ή την άλλη φωτογραφία. Αλλά στην πραγματικότητα, τέτοια χρήματα είναι ο κλήρος των πολύ λίγων έργων. Οι περισσότεροι καλλιτέχνες δεν έχουν δει ποτέ τεράστια χρηματικά ποσά. Ο ιστορικός τέχνης Jonathan Binstock πιστεύει ότι υπάρχουν μόνο περίπου 40 συγγραφείς στον κόσμο των οποίων οι πίνακες αποτιμώνται με ένα άθροισμα με πολλά μηδενικά.
Τα εμπορικά σήματα κυβερνούν την τέχνη
Εδώ είναι ίσως το πιο εντυπωσιακό παράδειγμα. Σίγουρα θα έχετε ακούσει για τον καλλιτέχνη γκράφιτι Banksy. Ο οξύς κοινωνικός προσανατολισμός των έργων και η βιογραφία, καλυμμένη με ένα φωτοστέφανο μυστηρίου, έκαναν τη δουλειά τους. Σήμερα, ο Banksy είναι ένας καλλιτέχνης του οποίου το έργο αποτιμάται σε πολυψήφια ποσά. Ο πίνακας του «Κορίτσι με μπαλόνι» πουλήθηκε για 1,042 εκατ. £ Και όλος ο κόσμος άρχισε να μιλά για την παράσταση για να τον καταστρέψει αμέσως μετά την πώληση.
Ο Banksy είναι μια μάρκα και οι μάρκες πωλούν καλά. Ετσι, Το κόστος ενός πίνακα καθορίζεται σε μεγάλο βαθμό από τη φήμη του συγγραφέα του.
Η επιτυχημένη πώληση ενός πίνακα είναι το κλειδί για την επιτυχία άλλων
Ένας καλλιτέχνης μπορεί να είναι άτυχος για μεγάλο χρονικό διάστημα, θα βλάστηση στη φτώχεια και την αφάνεια, ανίκανος να πουλήσει επικερδώς το έργο του. Μόλις όμως καταφέρει να πουλήσει έναν από τους πίνακές του για πολλά χρήματα, να είστε σίγουροι ότι η τιμή των άλλων έργων του θα εκτοξευθεί στα ύψη.
Σπανιότητα, σπανιότητα, μοναδικότητα
Ο Ολλανδός καλλιτέχνης Jan Vermeer αποκαλείται ανεκτίμητος σήμερα. Δεν ανήκουν τόσοι πολλοί πίνακες στο πινέλο του - μόνο 36. Ο καλλιτέχνης έγραψε αρκετά αργά. Χαμένος το 1990, ο πίνακας του Ολλανδού "Concert" υπολογίζεται τώρα σε περίπου 200 εκατομμύρια δολάρια. Σπανιότητα και σπανιότηταοι καμβάδες επηρεάζουν το γεγονός ότι οι τιμές τους είναι απλώς υψηλές.
Ο θρυλικός Βαν Γκογκ είναι μια σούπερ μάρκα. Λίγοι είναι οι πίνακες του καλλιτέχνη και είναι προφανές ότι δεν θα κάνει τίποτα πια. Το έργο του είναι μοναδικό.
Πριν από 10 χρόνια, η Suprematist Composition του Malevich πουλήθηκε για 60 εκατομμύρια δολάρια, ίσως, αν όχι για την κρίση, θα είχε πουληθεί για 100 εκατομμύρια δολάρια. Πίνακες του Malevich σε ιδιωτικές συλλογές χωρίς εξαίρεση, και πότε την επόμενη φορά που θα εμφανιστεί στην αγορά κάτι αυτής της κατηγορίας είναι άγνωστο. Ίσως σε 10 χρόνια, ίσως σε 100.
Σε γενικές γραμμές, είναι προφανές: οι αγοραστές είναι έτοιμοι να πληρώσουν υπέροχα χρήματα για εξαιρετικά σπάνια είδη.
Η καινοτομία είναι ακριβή
Ένα από τα έργα του Ρίτσαρντ Πρινς στην κατεύθυνση του «καλλιτεχνικού δανεισμού».
Η ζωγραφική παίρνει τη λειτουργία του ορόσημου
Σήμερα, το επίπεδο του πολιτιστικού τουρισμού αυξάνεται και η ζωγραφική επιτελεί τη λειτουργία θελγήτρα. Οι τουρίστες κάνουν ουρές για ώρες σε διάσημα μουσεία. Και για να δηλωθεί και να διεκδικήσει παγκόσμια φήμη, η γκαλερί πρέπει σίγουρα να κατέχει τα πρωτότυπα διάσημων και δημοφιλών ζωγράφων.
Τα τεχνητά δημιουργημένα κέντρα πολιτιστικού τουρισμού αυξάνονται επίσης, για παράδειγμα, στη Μέση Ανατολή και στην Κίνα. Πρόσφατα η βασιλική οικογένεια Κατάρπροχώρησε σε ιδιωτική συναλλαγή για $ 250 εκατ- όλα για να έχει εικόνα η χώρα Σεζάν "Οι χαρτοπαίκτες".
Όταν υπάρχουν τα πάντα, η τέχνη αρχίζει να τραβάει
Το 2017, ο δισεκατομμυριούχος Ντμίτρι Ριμπολόβλεφ πούλησε αυτόν τον πίνακα στον Λεονάρντο ντα Βίντσι για 450 εκατομμύρια δολάρια. Τώρα αυτή είναι η πιο ακριβή συμφωνία στον κόσμο της ζωγραφικής.
Όταν έχεις 4 σπίτια και ένα αεροπλάνο G5, τι άλλο μπορείς να κάνεις; Μένει μόνο να επενδύσουμε στη ζωγραφική, γιατί είναι ένα από τα ισχυρότερα νομίσματα».
Πίνακας του Georges Seurat "Canal at Gravelines, Great Fort Philippe".
Θραύσμα της τοιχογραφίας του Μιχαήλ Άγγελου «Δημιουργία του Αδάμ».
Ακόμη και οι αρχαίοι Έλληνες πίστευαν ότι το γυμνό σώμα είναι απίστευτα όμορφο.
Στην τέχνη, πιο συχνά γυμνό - είναι σύμβολο. Ένα σύμβολο της νέας ζωής, της ειλικρίνειας, της αδυναμίας ενός ζωντανού όντος, καθώς και της ζωής και του θανάτου.
Εξάλλου, τίποτα δεν προκαλεί τόσο δυνατά συναισθήματαο θεατής, όπως η γύμνια. Θα μπορούσε να είναι ενδιαφέρον, αμηχανία, ντροπή ή θαυμασμός.
4. Γιατί είναι όλα τόσο επίπεδα και γενικά μη ρεαλιστικά;
Πίνακας του Τσέχου καλλιτέχνη Bohumil Kubishta «The Hypnotist».
Ίσως μια από τις πιο συνηθισμένες κατηγορίες εναντίον των σύγχρονων δασκάλων ακούγεται ως εξής: οι καλλιτέχνες έχουν ξεχάσει πώς να φαίνεται να μεταφέρουν την πραγματικότητα. Εξ ου και η εσφαλμένη αντίληψη ότι τα αντικείμενα φαίνονται επίπεδα.
Ας δούμε όμως, για παράδειγμα, τους καμβάδες κυβιστές. Σπάνε την προοπτική, αλλά απεικονίζουν αντικείμενα ταυτόχρονα από διαφορετικές οπτικές γωνίες και ακόμη και σε διαφορετικές χρονικές στιγμές. Επομένως, δεν μπορεί να ειπωθεί ότι η εικόνα στον καμβά είναι δισδιάστατη.
Δεν είναι πλέον απαραίτητο να σχεδιάζετε "όπως" - μια φωτογραφία μπορεί να το κάνει αυτό. Επομένως, είναι απαραίτητο να αναζητήσουμε μια απάντηση στο ερώτημα γιατί ο καλλιτέχνης σε αυτήν ή εκείνη την εικόνα απεικόνισε την πραγματικότητα ως επίπεδη, είναι απαραίτητο στην ίδια ιδέα του συγγραφέα. Αφαιρώντας κάποιες λεπτομέρειες της εικόνας, ο καλλιτέχνης εστιάζει σε άλλες. Απλοποιώντας την εικόνα την κάνει πιο εκφραστική Οι καλλιτέχνες της αφελούς ζωγραφικής δεν είχαν ακαδημαϊκή μόρφωση. Ο Πιροσμάνι και ο Ρουσό ήταν μόνο αυτοδίδακτοι, αλλά οι πίνακές τους προσέλκυσαν όσους είχαν ήδη δει τα πάντα και βαριόταν την παραδοσιακή ζωγραφική. Τέτοιες εικόνες ήταν σαν μια ανάσα ζωογόνου απλότητας.
Επαγγελματίας όμως καλλιτέχνες της πρωτοπορίας του 19ου-20ου αιώναείχαν μια καλλιτεχνική παιδεία πίσω τους και μια ισχυρή βάση. Αυτοί μπορούσε να γράψει με οποιονδήποτε τρόποαλλά κάποια στιγμή αποφάσισε να το κάνει με αυτόν τον τρόπομιμούμενοι τους πρωτογονιστές. Όπως λένε, αυτό προοριζόταν, γιατί πρόκειται για έναν εντελώς νέο (και άρα ενδιαφέρον για όσους έχουν βαρεθεί τα παλιά) τρόπο επηρεασμού του θεατή.
Οι καλλιτέχνες θα είχαν κάνει εξαιρετική δουλειά με έναν πίνακα στο πνεύμα του ακαδημαϊκού κλασικισμού, και γι' αυτό ήταν βαρετό για αυτούς. Ο νεαρός Πικάσο ζωγράφισε συγκινητικά και μάλλον ρεαλιστικά πορτρέτα. Αλλά ένας ώριμος καλλιτέχνης έχει επιλέξει για τον εαυτό του ένα μονοπάτι που σοκάρει, τονώνει το μάτι, το οποίο βοηθά στην επίδειξη μιας δροσερής χρωματικής αίσθησης και μιας αίσθησης φόρμας.
Γνώμη: το να πούμε ότι οι εικόνες πρέπει σίγουρα να είναι όμορφες είναι το ίδιο με το να λέμε ότι ο πραγματικός κινηματογράφος είναι μόνο μια ρομαντική κωμωδία ή ένα μελόδραμα με αίσιο τέλος. Και ψυχολογικά δράματα, ταινίες δράσης, θρίλερ - αυτό δεν είναι καθόλου ταινία. Συμφωνώ, υπάρχει λογική σε αυτό.
Η τέχνη (συμπεριλαμβανομένης της ζωγραφικής) πρέπει να μιλάει τη γλώσσα της εποχής της. Και για να απολαύσετε οποιαδήποτε εικόνα, ακόμα και ρεαλιστική, πρέπει να ξέρετε τι απεικονίζεται σε αυτήν. Στις εκθέσεις, συνήθως διαβάζουμε τις λεζάντες στους καμβάδες και χρησιμοποιούμε ακόμη και τον ηχητικό οδηγό.
Ποια ζωγραφική είναι κοντά σας;
Πίνακες ζωγραφικής και ζωγράφοι
Η τέχνη ήταν πάντα ένας τρόπος κατανόησης του κόσμου και έκφρασης συναισθημάτων και συναισθημάτων. Υπάρχουν πολλές διαφορετικές μορφές τέχνης και η ζωγραφική είναι μόνο μία από αυτές.
Ο Οράτιος είπε ότι «η εικόνα είναι ένα ποίημα χωρίς λόγια» και όντως είναι έτσι. Κατά τη διάρκεια των αιώνων έχουν αναπτυχθεί πολλές τεχνικές που επιτρέπουν στους καλλιτέχνες να μεταμορφώνουν τα συναισθήματά τους σε εικόνες σε καμβά.
Οι Ρώσοι ζωγράφοι αντιπροσωπεύουν τη ρωσική τέχνη που είναι από πολλές απόψεις μοναδική και πάντα εντυπωσίαζε τους ανθρώπους σε όλο τον κόσμο. Προέρχεται από τους παγκοσμίου φήμης αγιογράφους, ο πιο γνωστός από τους οποίους είναι ο Andrey Rublyov.
Πολλοί Ρώσοι ζωγράφοι επαινούν την ομορφιά της ρωσικής φύσης στα έργα τους. Ο Ivan Shishkin είναι ιδιαίτερα διάσημος με τους καμβάδες του που αντιπροσωπεύουν το ρωσικό δάσος (π.χ. "Morning in the Pine Forest") ενώ ο Isaac Levitan εμπνεύστηκε από το ρωσικό φθινόπωρο.
Το Peredvizhniki περιελάμβανε καλλιτέχνες του 19ου αιώνα. Ένας από αυτούς ήταν ο Ilya Repin, ο οποίος είναι ένας καλλιτέχνης που γιορτάζει για τους μεγάλους καμβάδες του όπως ο "Ivan the Terrible and his Son Ivan" ή "Barge Haulers on the Volga". Ο Βίκτορ Βασνέτσοφ επέλεξε το λαϊκό ρωσικό στυλ για τους «Bogatyrs» του και ο Mikhail Vrubel διακρίνεται για την πρωτοτυπία της σκέψης του. Ο «Δαίμονάς» του είναι καρπός της φανταστικής του φαντασίας.
Ο Ιβάν Αϊβαζόφσκι απέκτησε παγκόσμια φήμη με τους ρομαντικούς πίνακές του που αντιπροσωπεύουν τη θάλασσα. «Το ένατο κύμα» είναι ένα αριστούργημα που αποκαλύπτει την ομορφιά της πανίσχυρης θάλασσας σε μια φουρτουνιασμένη μέρα.
Η Ρωσική Τέχνη εκτίθεται στο Κρατικό Ρωσικό Μουσείο στην Αγία Πετρούπολη. Και στο τμήμα Αγγλικής Τέχνης στο Ερμιτάζ μπορείτε να απολαύσετε μερικά από τα αριστουργήματα των Βρετανών ζωγράφων.
Ένας από τους πιο διάσημους από αυτούς είναι ο John Constable - ένας Άγγλος ρομαντικός ζωγράφος που είναι κυρίως γνωστός για τα τοπία του Dedham Vale, μια περιοχή κοντά στο σπίτι του στο Suffolk που είναι τώρα γνωστή ως "Constable Country".
Ο William Turner ήταν ένας καλλιτέχνης τοπίου του οποίου το στυλ μπορεί να πούμε ότι έθεσε τα θεμέλια για τον ιμπρεσιονισμό.
Ο William Hogarth είναι γνωστός όχι μόνο για τα πορτρέτα του αλλά και για τη σειρά πινάκων με σατιρικές λεπτομέρειες που χαρακτηρίζουν την αγγλική υψηλή κοινωνία, τη δεκαετία του 1740.
Ο Thomas Gainsborough είναι ένας από τους πιο διάσημους ζωγράφους πορτρέτων και τοπίων της Βρετανίας του 18ου αιώνα. Στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου, μπορείτε να δείτε τον πολύχρωμο πίνακα «Mr. και η κα. Andrews" που είναι ένας συνδυασμός οικογενειακού πορτρέτου και τοπίου, και σκοτεινό πορτρέτο του "Mr and Mrs William Hal-lett" που αντιπροσωπεύει το ώριμο στυλ του Gainsborough.
Ο William Blake είναι Άγγλος ποιητής και ζωγράφος. Σε μεγάλο βαθμό παραγνωρισμένο κατά τη διάρκεια της ζωής του σήμερα, τα έργα του θεωρούνται σημαντικά στην ιστορία τόσο της ποίησης όσο και των εικαστικών τεχνών. Οι πίνακές του μπορεί να φαίνονται πολύ ασυνήθιστοι και φανταστικοί. Για παράδειγμα, απεικόνισε τον Ισαάκ Νεύτωνα ως θεϊκό γεωμέτρη.
Πίνακες ζωγραφικής και καλλιτέχνες
Η τέχνη ήταν πάντα ένας τρόπος κατανόησης του κόσμου και έκφρασης συναισθημάτων και συναισθημάτων. Υπάρχουν πολλές μορφές τέχνης και η ζωγραφική είναι μόνο μία από αυτές.
Ο Οράτιος είπε ότι "μια εικόνα είναι ένας στίχος, μόνο χωρίς λόγια" και αυτό είναι στην πραγματικότητα. Κατά τη διάρκεια των αιώνων, έχουν αναπτυχθεί διαφορετικές τεχνικές που επιτρέπουν στους καλλιτέχνες να μετατρέψουν τα συναισθήματά τους σε εικόνες σε καμβά.
Οι Ρώσοι καλλιτέχνες αντιπροσωπεύουν τη ρωσική τέχνη, η οποία είναι μοναδική από πολλές απόψεις και πάντα εκπλήσσει τους ανθρώπους σε όλο τον κόσμο. Προέρχεται από παγκοσμίου φήμης αγιογράφους, ο πιο διάσημος από τους οποίους είναι ο Andrey Rublev.
Πολλοί Ρώσοι καλλιτέχνες τραγουδούν την ομορφιά της ρωσικής φύσης στα έργα τους. Ο Ivan Shishkin είναι ιδιαίτερα διάσημος για τους ρωσικούς πίνακές του στο δάσος, όπως το Morning in a Pine Forest, ενώ ο Isaac Levitan άντλησε έμπνευση από το ρωσικό φθινόπωρο.
Στους περιπλανώμενους περιλαμβάνονταν καλλιτέχνες του 19ου αιώνα. Ένας από αυτούς ήταν ο Ilya Repin - ένας καλλιτέχνης διάσημος για τους μεγάλους καμβάδες του, όπως ο "Ivan the Terrible and his son Ivan" ή "Barge Haulers on the Volga". Ο Βίκτορ Βασνέτσοφ επέλεξε το ρωσικό-λαϊκό στυλ για τους Μπογκάτιρς του. Ο Μιχαήλ Βρούμπελ είναι γνωστός για την πρωτοτυπία σκέψης του. Ο «Δαίμονάς» του είναι αποκύημα φανταστικής φαντασίας.
Ο Ιβάν Αϊβαζόφσκι απέκτησε παγκόσμια φήμη για τη ρομαντική του απεικόνιση της θάλασσας. Το Ένατο Κύμα είναι ένα αριστούργημα που αποκαλύπτει την ομορφιά της θαλάσσιας δύναμης σε μια καταιγίδα.
Η ρωσική τέχνη εκπροσωπείται στο Κρατικό Ρωσικό Μουσείο στην Αγία Πετρούπολη. Και στο Τμήμα Αγγλικής Τέχνης στο Ερμιτάζ, μπορείτε να απολαύσετε μερικά από τα αριστουργήματα Βρετανών καλλιτεχνών.
Ένας από τους πιο διάσημους από αυτούς είναι ο John Constable, ένας Άγγλος ρομαντικός ζωγράφος γνωστός κυρίως για τα τοπία του στο Dedham Vale, την περιοχή κοντά στο σπίτι του στο Suffolk, η οποία σήμερα είναι γνωστή ως Constable's Land.
Ο William Turner ήταν τοπιογράφος, μπορούμε να πούμε ότι το στυλ του έθεσε τα θεμέλια για τον ιμπρεσιονισμό.
Ο William Hogarth είναι γνωστός όχι μόνο για τα πορτρέτα του, αλλά και για μια σειρά από πίνακες με σατιρικές λεπτομέρειες που χαρακτηρίζουν την αγγλική υψηλή κοινωνία της δεκαετίας του 1740.
Ο Thomas Gainsborough είναι ένας από τους πιο διάσημους ζωγράφους πορτρέτων και τοπίων στη Βρετανία του 18ου αιώνα. Στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου, μπορείτε να δείτε το πολύχρωμο Mr and Mrs Andrews, που είναι ένας συνδυασμός οικογενειακού πορτρέτου και τοπίου, και το σκοτεινό Mr and Mrs William Hallett, που αποτελεί παράδειγμα του πιο ώριμο στυλ του Gainsborough.
Ο William Blake είναι Άγγλος ποιητής και ζωγράφος. Μη αναγνωρισμένο όσο ζούσε, σήμερα το έργο του θεωρείται σημαντικό στην ιστορία τόσο της ποίησης όσο και των εικαστικών τεχνών. Οι πίνακές του μπορεί να φαίνονται ασυνήθιστοι και φανταστικοί. Για παράδειγμα, απεικόνισε τον Ισαάκ Νεύτωνα ως θεϊκό γεωμέτρη.
Λεξιλόγιο:
καμβάς - καμβάς, καμβάς
γιορτή - διάσημος
απεικονίζω - απεικονίζω
αντλώ έμπνευση - λαμβάνω έμπνευση
θεϊκός - θεϊκός
προκαλώ - προκαλώ, αφυπνίζω (συναισθήματα)
παραδειγματίζω - χρησιμεύει ως παράδειγμα
λαϊκός - λαϊκός
καρπός φαντασίας - ο καρπός της φαντασίας
Οράτιος - Οράτιος
τοπίο - τοπίο
τοπιογράφος - τοπιογράφος
βάζω θεμέλια (για) - βάζω τα θεμέλια, ξεκινάω
αριστούργημα
ώριμος - ώριμος
δυνατός - δυνατός, δυνατός
σημειώθηκε - αξιόλογος, διάσημος
προέρχονται - προέρχονται
έπαινος - έπαινος
κυριαρχώ - κυριαρχώ
φημισμένος - φημισμένος
αποκαλύπτω - ανοίγω, εκθέτω
αγνώριστος - μη αναγνωρισμένος
εικαστική τέχνη - καλές τέχνες
παγκοσμίως γνωστός - παγκοσμίως γνωστός
Απάντησε στις ερωτήσεις
l.Τι είπε ο Οράτιος για τους πίνακες; Πώς καταλαβαίνετε τα λόγια του;
2. Ποιος είναι ο Αντρέι Ρουμπλιόφ; Για τι πραγμα ειναι διασημος?
3. Ποιοι Ρώσοι καλλιτέχνες ύμνησαν την ομορφιά της φύσης;
4. Ποιοι καλλιτέχνες ονομάζονται The Peredvizhniki;
5. Ποιους πίνακες του Ilya Repin γνωρίζετε;
6. Σε τι φημίζεται ο Ιβάν Αϊβαζόφσκι;
7. Σε ποια μουσεία μπορείτε να δείτε πίνακες Ρώσων καλλιτεχνών;
8. Σε ποια μουσεία μπορείτε να δείτε πίνακες Βρετανών καλλιτεχνών;
9. Τι είναι η "Constable Country"; Γιατί λέγεται έτσι;
10. Ποιανού το στυλ έθεσε τα θεμέλια για τον ιμπρεσιονισμό;
11. Ποιος ζωγράφος ήταν επίσης διάσημος για τη σατιρική απεικόνιση της υψηλής κοινωνίας;
12. Για τι φημίζεται ο Thomas Gainsborough;
13. Τι γνωρίζετε για τον William Blake;
14. Ποιοι είναι οι αγαπημένοι σας καλλιτέχνες και γιατί;
Μεγάλοι καλλιτέχνες όχι μόνο υπέγραφαν τους πίνακές τους με σαρωτικό τρόπο, αλλά ζωγράφισαν και κρυφές αυτοπροσωπογραφίες στις δημιουργίες τους. Μερικοί ήταν τόσο εκλεπτυσμένοι που απεικόνισαν τον εαυτό τους σε μια καράφα κρασιού, άλλοι απλώς ζωγράφισαν τον εαυτό τους μέσα στο πλήθος και ένας από αυτούς ζωγράφισε ακόμη και τον εαυτό του σε γυναικεία μορφή.
Βάκχος του Michelangelo Merisi da Caravaggio
Ο πίνακας «Βάκχος», που γράφτηκε το 1595 από τον Μικελάντζελο Μερίσι ντα Καραβάτζιο, απεικονίζει τον αρχαίο θεό της οινοποίησης, της έμπνευσης και της θρησκευτικής έκστασης. Ένας νεαρός τύπος με φύλλα και σταφύλια στα μαλλιά του απλώνει ατημέλητα ένα ρηχό ποτήρι κρασί στον θεατή, σαν να τον προσκαλεί να έρθει μαζί του. Ο Καραβάτζιο, δημιουργώντας αυτή την εικόνα, ήθελε να ξεφύγει από την εξιδανικευμένη εικόνα του αρχαίου θεού - για να κατεβάσει τον Βάκχο στο έδαφος, ο καλλιτέχνης απεικόνισε βρωμιά κάτω από τα νύχια του και έβαλε επίσης ένα πιάτο με σάπια φρούτα δίπλα του.
Αλλά το αιώνιο θέμα του γήινου και του θείου δεν είναι το μόνο πράγμα που κάνει αυτή την εικόνα τόσο αξιοσημείωτη. Μετά τον καθαρισμό του καμβά, με τη χρήση αντανακλαστικών, βρέθηκε μια αυτοπροσωπογραφία του Καραβάτζιο στην αντανάκλαση στο τζάμι της καράφας, στην κάτω αριστερή γωνία. Ο καλλιτέχνης απεικόνισε τον εαυτό του να δουλεύει σε καβαλέτο. Επίσης, αφού αφαιρέθηκαν τα στρώματα της σκόνης, έγινε δυνατό να δούμε την αντανάκλαση του προσώπου του Βάκχου στην επιφάνεια του κρασιού στο μπολ.
Λατρεία των Μάγων του Sandro Botticelli
Ο πίνακας «Η λατρεία των μάγων» του Σάντρο Μποτιτσέλι γράφτηκε περίπου το 1475 κατόπιν παραγγελίας του Φλωρεντίνου τραπεζίτη Gaspare di Zanobe del Lama, μέλους της συντεχνίας των τεχνών και της χειροτεχνίας της πόλης της Φλωρεντίας. Η δημιουργία του Μποτιτσέλι προοριζόταν για το νεκρικό παρεκκλήσι στη Βασιλική της Santa Maria Novella.
Για πολλούς ιστορικούς τέχνης, αυτός ο πίνακας είναι αξιοσημείωτος για το γεγονός ότι μπορεί να βρεθεί η εικόνα ορισμένων ιστορικών χαρακτήρων. Για παράδειγμα, ο καλλιτέχνης απεικόνισε τον πελάτη του στα δεξιά με μια μπλε ρόμπα, να δείχνει τον εαυτό του και να κοιτάζει απευθείας τον θεατή. Ο μεγαλύτερος από τους Μάγους, που γονάτισε μπροστά στο μωρό, είναι ο Cosimo de' Medici, ιδρυτής της δυναστείας των ηγεμόνων της Φλωρεντίας και παππούς του Lorenzo του Μεγαλοπρεπούς. Στο κέντρο, με την πλάτη στον θεατή, είναι ένας άντρας με κόκκινα ρούχα, ο Πιέτρο Μέντιτσι, γιος του Κόζιμο και πατέρας του Λορέντζο. Ο ίδιος ο Λορέντζο ο Μεγαλοπρεπής απεικονίζεται, σύμφωνα με ιστορικούς τέχνης, σε προφίλ, με μαύρο και κόκκινο ιμάτιο. Αριστερά, στο πρώτο πλάνο, με τα χέρια σταυρωμένα στη λαβή του ξίφους, στέκεται ο Τζουλιάνο Μέντιτσι, ο αδελφός και εραστής του Λορέντζο, το κορίτσι που πόζαρε για τον Μποτιτσέλι κατά τη δημιουργία του πίνακα «Η Γέννηση της Αφροδίτης». Και τέλος, ο νεαρός στην άκρα δεξιά, που σε κοιτάζει κατευθείαν στα μάτια, είναι μια αυτοπροσωπογραφία του ίδιου του Μποτιτσέλι.
Ο πίνακας μπορεί να δει στη Φλωρεντία, στην γκαλερί Ουφίτσι.
Ο Κήπος των Επίγειων Απολαύσεων του Ιερώνυμου Μπος
Ο Κήπος των Επίγειων Απολαύσεων είναι ένα τρίπτυχο ζωγραφισμένο από τον γκροτέσκο μάστορα Hieronymus Bosch (πραγματικό όνομα Jeroen Antonison van Aken). Κάποιοι θεωρούν τον καλλιτέχνη σουρεαλιστή του 15ου αιώνα, άλλοι είναι σίγουροι ότι ο Bosch ήτανοπαδός της αίρεσης των Καθαρών, και άλλα - ότι οι πίνακες του ζωγράφου αντικατοπτρίζουν τους μεσαιωνικούς "εσωτερικούς κλάδους": αστρολογία, μαύρη μαγεία και αλχημεία. Κάθε καμβάς είναι γεμάτος με έναν τεράστιο αριθμό συμβόλων που είναι δύσκολο να μετρήσουν οι σύγχρονοί μας.
Η αριστερή πτέρυγα του τρίπτυχου απεικονίζει τον Θεό να αντιπροσωπεύει την Εύα στον Αδάμ στον γαλήνιο Παράδεισο. Στη μέση του τρίπτυχου βρίσκονται σκηνές από τον Κήπο των Απολαύσεων, όπου άνθρωποι και ζώα της φαντασίας επιδίδονται σε κοσμικές απολαύσεις. Λοιπόν, στη δεξιά πλευρά της εικόνας είναι πολύπλοκες μηχανές βασανιστηρίων, τέρατα και ο ίδιος, ένας καλλιτέχνης με σώμα που μοιάζει με κοχύλι, που χαμογελάει κακόβουλα σε όλη αυτή την Κόλαση.
Ο πίνακας φυλάσσεται στο Μουσείο Πράδο στη Μαδρίτη.
Η Τελευταία Κρίση του Μιχαήλ Άγγελου
Η Τελευταία Κρίση του Μιχαήλ Άγγελου απεικονίζεται στον τοίχο του βωμού της Καπέλα Σιξτίνα στο Βατικανό. Ο καλλιτέχνης εργάστηκε για τέσσερα χρόνια, από το 1537 έως το 1541, στη νωπογραφία, το κύριο θέμα της οποίας ήταν η δεύτερη έλευση του Χριστού και η αποκάλυψη. Οι κριτικοί τέχνης πιστεύουν ότι αυτό το έργο τερμάτισε την Αναγέννηση και άνοιξε μια νέα περίοδο απογοήτευσης στη φιλοσοφία του ανθρωποκεντρικού ουμανισμού.
Στα πόδια του Χριστού, ο Μιχαήλ Άγγελος τοποθέτησε τον Βαρθολομαίο, ο οποίος μπορεί να αναγνωριστεί από το μαχαίρι στο χέρι του. Κρατάει ένα ξεφλουδισμένο δέρμα στο οποίο, σύμφωνα με ιστορικούς τέχνης, ο καλλιτέχνης ζωγράφισε την αυτοπροσωπογραφία του. Κάποιοι είναι σίγουροι ότι ο Βαρθολομαίος μοιάζει πολύ με τον Πιέτρο Αρετίνο, τον εχθρό του Μιχαήλ Άγγελου, που τον έβριζε. Έτσι ο καλλιτέχνης είδε τη λύτρωσή του. Άλλοι πιστεύουν ότι ο Μιχαήλ Άγγελος απεικόνισε τον εαυτό του σε ένα ξεφλουδισμένο δέρμα ως ένδειξη ότι δεν ήθελε να τελειώσει την τοιχογραφία και εκτέλεσε αυτή την εντολή του Πάπα κάτω από ειδική πίεση.
Η τοιχογραφία μπορεί να δει στην Καπέλα Σιξτίνα, στο Μουσείο του Βατικανού.
«Μόνα Λίζα» του Λεονάρντο ντα Βίντσι
Δημιουργημένο από τον Λεονάρντο ντα Βίντσι, η «Μόνα Λίζα» είναι ίσως η πιο πολυσυζητημένη ζωγραφική σε ολόκληρο τον κόσμο. Τώρα κρέμεται κάτω από αδιαπέραστο γυαλί στο Λούβρο και κάποτε κοσμούσε το μπάνιο του Ναπολέοντα. Σε αυτή τη δημιουργία του ντα Βίντσι, υπάρχει ένα μυστικό που οι ιστορικοί τέχνης δεν μπορούν να ξετυλίξουν με κανέναν τρόπο: κάποιοι προτείνουν ότι το χαμόγελο της Τζοκόντα είναι το χαμόγελο μιας εγκύου που έπιασε την κίνηση του εμβρύου, άλλοι ότι είναι το χαμόγελο του αγαπημένου της Leonardo Giacomo Salai, οι ψυχίατροι βλέπουν τη σχιζοφρένεια στην έκφραση του προσώπου της Mona Lisa και οι οδοντίατροι είναι σίγουροι ότι αυτό είναι το χαμόγελο μιας γυναίκας χωρίς δόντια.
Μια άλλη υπόθεση είναι ότι το εικονιζόμενο κορίτσι με ένα χαμόγελο— Ο ίδιος ο Λεονάρντο ντα Βίντσι. Μια σύγκριση στον υπολογιστή των ανατομικών χαρακτηριστικών του προσώπου του καλλιτέχνη και του μοντέλου έδειξε ότι γεωμετρικά ταιριάζουν τέλεια.Μπορείτε να δείτε μόνοι σας συγκρίνοντας την αυτοπροσωπογραφία της Μόνα Λίζα και του Ντα Βίντσι, την οποία ο καλλιτέχνης έκανε με κόκκινο μολύβι.
Ο πίνακας βρίσκεται στο Λούβρο του Παρισιού.
«Σχολείο Αθηνών» Ραφαήλ Σάντη
Ο Ραφαέλ Σάντι, δημιουργώντας την τοιχογραφία «Η Σχολή της Αθήνας», που απλώς δεν απεικόνισε πάνω της: τον προαναφερθέντα Λεονάρντο ντα Βίντσι στην εικόνα του Πλάτωνα, και τον Μιχαήλ Άγγελο στην εικόνα του Ηράκλειτου, και τον Σωκράτη και τον Μέγα Αλέξανδρο. Ο Σάντι δεν ξέχασε να ζωγραφιστεί δίπλα στον ζωγράφο Σοντόμα, ο οποίος άρχισε να εργάζεται για την τοιχογραφία πριν από αυτόν. Υπάρχουν περισσότερα από 50 άτομα στην εικόνα.
Η βασική ιδέα της τοιχογραφίας «Σχολείο των Αθηνών» είναι η δυνατότητα αρμονικής αρμονίας μεταξύ διαφορετικών τομέων της φιλοσοφίας και της επιστήμης. Παρεμπιπτόντως, αυτή η έννοια είναι μια από τις πιο σημαντικές ιδέες των ουμανιστών. Ο Ραφαέλ Σάντι, κάτω από τα θησαυροφυλάκια του Παλατιού του Βατικανού, απεικόνιζε μια ουσιαστικά ιδανική κοινότητα στοχαστών της κλασικής εποχής. Στο κέντρο της σύνθεσης βρίσκονται ο Αριστοτέλης και ο Πλάτωνας, που προσωποποιούν την αρχαία σοφία και αντιπροσωπεύουν δύο φιλοσοφικές σχολές.
Η τοιχογραφία βρίσκεται στο παλάτι του Βατικανού.
«Πορτρέτο των Αρνολφίνι» του Γιαν βαν Άικ
Το "Portrait of the Arnolfinis" του Jan van Eyck είναι ένας άλλος πίνακας της Αναγέννησης που είναι δύσκολο να ερμηνευτεί - οι διαφωνίες για το ποιος απεικονίζεται σε αυτό συνεχίζονται μέχρι σήμερα. Η πιο συνηθισμένη εκδοχή είναι ότι ο καλλιτέχνης ζωγράφισε στον καμβά τον έμπορο Τζιοβάνι ντι Νικολάο Αρνολφίνι και τη γυναίκα του, πιθανώς στο σπίτι τους στη Μπριζ.
Αλλά κυρίως σε αυτό το έργο δεν μας ενδιαφέρουν οι χαρακτήρες του πρώτου πλάνου, αλλά ποιος απεικονίζεται στον καθρέφτη στον τοίχο, ο οποίος βρίσκεται στον κεντρικό άξονα της σύνθεσης, ακριβώς πάνω από τα χέρια των χαρακτήρων. Αν κοιτάξετε προσεκτικά, θα δείτε φιγούρες από την πλάτη με κόκκινα και μπλε κοστούμια. Αν κρίνουμε από τις σιλουέτες των ρούχων τους, είναι άντρας και γυναίκα. Δυστυχώς, τα χαρακτηριστικά του προσώπου τους είναι αδύνατο να διακριθούν. Οι περισσότεροι κριτικοί τέχνης είναι βέβαιοι ότι η επιγραφή πάνω από τον καθρέφτη, που γράφει «Ο Jan van Eyck ήταν εδώ», υποδηλώνει ευθέως ότι ένας από αυτούς που στέκονται στο κατώφλι του δωματίου είναι ο ίδιος ο καλλιτέχνης.
Ο πίνακας είναι μέσαΕθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου.
