Φλαμανδοί ζωγράφοι του 17ου αιώνα. Σύγχρονοι Βέλγοι καλλιτέχνες Βέλγοι καλλιτέχνες του 20ου αιώνα

Στη διαδρομή υπάρχουν πολλά μουσεία. Σε αυτό το άρθρο θα σας μιλήσω για τα Βασιλικά Μουσεία Καλών Τεχνών στις Βρυξέλλες. Μάλλον, είναι ένα ολόκληρο συγκρότημα που αποτελείται από έξι μουσεία.

Τέσσερα στο κέντρο των Βρυξελλών:

*Μουσείο Αρχαίας Τέχνης.
Μια υπέροχη συλλογή από παλιούς δασκάλους από τον 15ο έως τον 18ο αιώνα.
Το μεγαλύτερο μέρος αυτής της συλλογής αποτελείται από πίνακες ζωγραφικής από Νότιο Ολλανδούς (Φλαμανδούς) καλλιτέχνες. Τα αριστουργήματα δασκάλων όπως οι Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Dirk Bouts, Hans Memling, Hieronymus Bosch, Lucas Cranach, Gerard David, Pieter Brueghel the Elder, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Rubens και άλλοι…
Η συλλογή δημιουργήθηκε κατά τη Γαλλική Επανάσταση, όταν πολλά έργα τέχνης κατασχέθηκαν από τους εισβολείς. Σημαντικό μέρος μεταφέρθηκε στο Παρίσι και από τα αποθηκευμένα, το μουσείο ιδρύθηκε από τον Ναπολέοντα Βοναπάρτη το 1801. Όλα τα τιμαλφή που κατασχέθηκαν επέστρεψαν από το Παρίσι στις Βρυξέλλες μόνο μετά την κατάθεση του Ναπολέοντα. Από το 1811 το μουσείο έγινε ιδιοκτησία της πόλης των Βρυξελλών. Με την εμφάνιση του Ηνωμένου Βασιλείου της Ολλανδίας υπό τον βασιλιά Γουλιέλμο Α', τα κεφάλαια του μουσείου επεκτάθηκαν σημαντικά.

Ρόμπερτ Κάμπιν. «Ευαγγελισμός», 1420-1440

Jacob Jordanes. Σάτυρος και αγρότες, 1620

*Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης.
Η συλλογή σύγχρονης τέχνης καλύπτει έργα από τα τέλη του 18ου αιώνα έως τις μέρες μας. Η βάση της συλλογής είναι το έργο Βέλγων καλλιτεχνών.
Ο διάσημος πίνακας του Jacques-Louis David - ο θάνατος του Marat μπορεί να δει στο παλιό μέρος του μουσείου. Η συλλογή εικονογραφεί τον βελγικό νεοκλασικισμό και βασίζεται σε έργα αφιερωμένα στη Βελγική Επανάσταση και την ίδρυση της χώρας.
Πλέον παρουσιάζεται στο κοινό με τη μορφή προσωρινών εκθέσεων στη λεγόμενη αίθουσα «Patio». Αυτά επιτρέπουν την τακτική εναλλαγή έργων σύγχρονης τέχνης.
Στο μουσείο στεγάζεται η «Σαλώμη» του Άλφρεντ Στίβενς, του πιο διάσημου εκπροσώπου του βελγικού ιμπρεσιονισμού. Και επίσης παρουσιάζονται διάσημα έργα όπως η "Ρωσική μουσική" του James Ensor και η "Tenderness of the Sphinx" του Fernand Khnopf. Από τους μάστορες του 19ου αιώνα που εκπροσωπούνται στο μουσείο, ξεχωρίζουν τα αριστουργήματα των Jean Auguste Dominique Ingres, Gustave Courbet και Henri Fantin-Latour. Γαλλική ζωγραφική του τέλους του 19ου αιώνα. εκπροσωπείται από το "Portrait of Suzanne Bambridge" του Paul Gauguin, "Spring" του Georges Seurat, "Bay" του Paul Signac, "Two Disciples" του Edouard Vuillard, τοπίο του Maurice Vlaminck και γλυπτική του Auguste Rodin "Caryatid", "Portrait of ένας χωρικός» του Βίνσεντ βαν Γκογκ (1885. ) και Νεκρή φύση με λουλούδια του Λόβις Κόρινθος.

Jean Louis David. «Θάνατος του Μαράτ», 1793

Γκούσταβ Γουάπερς. «Επεισόδιο των ημερών του Σεπτεμβρίου», 1834

* Μουσείο Μαγκρίτ.
Άνοιξε τον Ιούνιο του 2009. Προς τιμήν του Βέλγου σουρεαλιστή ζωγράφου René Magritte (21 Νοεμβρίου 1898 – 15 Αυγούστου 1967). Η συλλογή του μουσείου περιέχει περισσότερα από 200 έργα λαδιού σε καμβά, γκουάς, σχέδια, γλυπτά και ζωγραφικά αντικείμενα, καθώς και διαφημιστικές αφίσες (εργάστηκε για πολλά χρόνια ως αφίσας και διαφημιστικός καλλιτέχνης σε εργοστάσιο χαρτιού), παλιές φωτογραφίες και ταινίες που γυρίστηκαν από τον ίδιο τον Μαγκρίτ.
Στα τέλη της δεκαετίας του 20, ο Μαγκρίτ υπέγραψε συμβόλαιο με την γκαλερί Cento στις Βρυξέλλες και έτσι αφοσιώθηκε ολοκληρωτικά στη ζωγραφική. Δημιούργησε τον σουρεαλιστικό πίνακα «The Lost Jockey», τον οποίο θεωρούσε τον πρώτο επιτυχημένο πίνακα του είδους του. Το 1927 οργανώνει την πρώτη του έκθεση. Ωστόσο, οι κριτικοί το αναγνωρίζουν ως ανεπιτυχές και ο Μαγκρίτ φεύγει για το Παρίσι, όπου συναντά τον Αντρέ Μπρετόν και εντάσσεται στον κύκλο των σουρεαλιστών του. Αποκτά ένα χαρακτηριστικό στυλ που κάνει τους πίνακές του αναγνωρίσιμους. Επιστρέφοντας στις Βρυξέλλες, συνεχίζει τη δουλειά του με νέο στυλ.
Το μουσείο είναι επίσης ένα ερευνητικό κέντρο για την κληρονομιά του σουρεαλιστή καλλιτέχνη.

*Μουσείο του τέλους του αιώνα (Fin de siècle).
Το μουσείο συγκεντρώνει έργα του τέλους του 19ου και των αρχών του 20ου αιώνα, του λεγόμενου «τέλους του αιώνα», κυρίως με χαρακτήρα avant-garde. Ζωγραφική, γλυπτική και γραφικά από τη μια, αλλά και εφαρμοσμένες τέχνες, λογοτεχνία, φωτογραφία, κινηματογράφος και μουσική από την άλλη.
Αντιπροσωπεύονται ως επί το πλείστον Βέλγοι καλλιτέχνες, αλλά και έργα ξένων καλλιτεχνών που ταιριάζουν στο πλαίσιο. Έργα καλλιτεχνών που ήταν μέλη των μεγάλων προοδευτικών κινημάτων των Βέλγων καλλιτεχνών της εποχής.

Και δύο στα προάστια:

*Μουσείο Wirtz
Wirtz (Antoine-Joseph Wiertz) - Βέλγος ζωγράφος (1806-1865). Το 1835 ζωγράφισε τον πρώτο του σημαντικό πίνακα, Ο αγώνας των Ελλήνων με τους Τρώες για την κατοχή του πτώματος του Πάτροκλου, ο οποίος δεν έγινε δεκτός για έκθεση στο Παρίσι, αλλά προκάλεσε έντονο ενθουσιασμό στο Βέλγιο. Ακολούθησε: «Ο θάνατος του Αγ. Διονύσιος», το τρίπτυχο «Ο Τάφος» (με τις φιγούρες της Εύας και του Σατανά στα φτερά), «Η φυγή στην Αίγυπτο», «Η εξέγερση των αγγέλων» και το καλύτερο έργο του καλλιτέχνη, «Ο θρίαμβος του Χριστού» . Η πρωτοτυπία της ιδέας και της σύνθεσης, το σφρίγος των χρωμάτων, το τολμηρό παιχνίδι των φωτεινών εφέ και το σαρωτικό χτύπημα του πινέλου έδωσαν στην πλειονότητα των Βέλγων τον λόγο να δουν τον Wirtz ως τον αναβιωτή της παλιάς εθνικής ιστορικής ζωγραφικής τους, ως άμεσο κληρονόμος του Ρούμπενς. Όσο πιο πέρα, τόσο πιο εκκεντρικές γίνονταν οι ιστορίες του. Για τα έργα του, ως επί το πλείστον τεράστιου μεγέθους, καθώς και για πειράματα στην εφαρμογή της ματ ζωγραφικής που εφευρέθηκε από τον ίδιο, η βελγική κυβέρνηση του έχτισε ένα εκτεταμένο εργαστήριο στις Βρυξέλλες. Εδώ ο Wirtz, που δεν πούλησε κανέναν πίνακα του και υπήρχε μόνο ως παραγγελίες πορτρέτων, συγκέντρωσε όλα τα, κατά τη γνώμη του, κεφαλαιουχικά έργα του και τα κληροδότησε, μαζί με το ίδιο το εργαστήριο, ως κληρονομιά στον βελγικό λαό. Τώρα αυτό το εργαστήριο είναι το Μουσείο Wirtz. Αποθηκεύει έως και 42 πίνακες, συμπεριλαμβανομένων των προαναφερθέντων έξι.

*Μουσείο Meunier
Το μουσείο άνοιξε προς τιμήν του Constantin Meunier (1831-1905) που γεννήθηκε και μεγάλωσε σε μια φτωχή οικογένεια μεταναστών από τη βελγική περιοχή εξόρυξης άνθρακα Borinage. Από μικρός ήταν εξοικειωμένος με τη δύσκολη κοινωνική κατάσταση και τη συχνά μίζερη ύπαρξη των μεταλλωρύχων και των οικογενειών τους. Ο Meunier αποτύπωσε τις εντυπώσεις του από τη ζωή της περιοχής εξόρυξης σε πλαστικές μορφές, δείχνοντας έναν άνθρωπο της εργασίας ως μια αρμονικά ανεπτυγμένη προσωπικότητα. Ο γλύπτης έχει αναπτύξει μια τέτοια εικόνα εργάτη, που αντικατοπτρίζει την υπερηφάνεια και τη δύναμή του, και που δεν ντρέπεται για το επάγγελμά του ως φορτωτής ή λιμενεργάτης. Αναγνωρίζοντας κάποια εξιδανίκευση με την οποία ο Meunier δημιούργησε τους ήρωές του, πρέπει επίσης να αναγνωρίσουμε τη μεγάλη ιστορική του αξία στο γεγονός ότι ήταν ένας από τους πρώτους δασκάλους που έκανε έναν άνθρωπο που ασχολείται με σωματική εργασία κεντρικό θέμα του έργου του, ενώ τον έδειξε ως δημιουργό. γεμάτος εσωτερική αξιοπρέπεια.

L. Aleshina

Μια μικρή χώρα που στο παρελθόν χάρισε στον κόσμο μια σειρά από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες -αρκεί να ονομάσουμε τους αδελφούς van Eyck, Brueghel και Rubens- το Βέλγιο στις αρχές του 19ου αιώνα. γνώρισε μια μακρά στασιμότητα της τέχνης. Ορισμένο ρόλο σε αυτό έπαιξε η πολιτικά και οικονομικά υποδεέστερη θέση του Βελγίου, που μέχρι το 1830 δεν είχε εθνική ανεξαρτησία. Μόνο όταν από τις αρχές του νέου αιώνα αναπτύσσεται όλο και πιο έντονα το εθνικοαπελευθερωτικό κίνημα, ζωντανεύει η τέχνη, που σύντομα κατέλαβε πολύ σημαντική θέση στην πολιτιστική ζωή της χώρας. Είναι τουλάχιστον σημαντικό ότι, σε σύγκριση με άλλες ευρωπαϊκές χώρες, ο αριθμός των καλλιτεχνών στο μικρό Βέλγιο σε σχέση με τον πληθυσμό ήταν πολύ μεγάλος.

Στη διαμόρφωση του βελγικού καλλιτεχνικού πολιτισμού του 19ου αιώνα. οι μεγάλες παραδόσεις της εθνικής ζωγραφικής έπαιξαν σημαντικό ρόλο. Η σύνδεση με τις παραδόσεις εκφράστηκε όχι μόνο με την άμεση μίμηση πολλών καλλιτεχνών των εξαιρετικών προκατόχων τους, αν και αυτό ήταν χαρακτηριστικό της βελγικής ζωγραφικής, ειδικά στα μέσα του αιώνα. Η επίδραση των παραδόσεων επηρέασε τις ιδιαιτερότητες της βελγικής σχολής τέχνης της σύγχρονης εποχής. Ένα από αυτά τα ιδιαίτερα χαρακτηριστικά είναι η δέσμευση των Βέλγων καλλιτεχνών στον αντικειμενικό κόσμο, στην πραγματική σάρκα των πραγμάτων. Εξ ου και η επιτυχία της ρεαλιστικής τέχνης στο Βέλγιο, αλλά και ορισμένοι περιορισμοί στην ερμηνεία του ρεαλισμού.

Χαρακτηριστικό γνώρισμα της καλλιτεχνικής ζωής της χώρας ήταν η στενή αλληλεπίδραση καθ' όλη τη διάρκεια του αιώνα του βελγικού πολιτισμού με τον πολιτισμό της Γαλλίας. Νέοι καλλιτέχνες και αρχιτέκτονες πηγαίνουν εκεί για να βελτιώσουν τις γνώσεις τους. Με τη σειρά τους, πολλοί Γάλλοι δάσκαλοι όχι μόνο επισκέπτονται το Βέλγιο, αλλά και ζουν σε αυτό για πολλά χρόνια, συμμετέχοντας στην καλλιτεχνική ζωή του μικρού τους γείτονα.

Στις αρχές του 19ου αιώνα, ο κλασικισμός κυριάρχησε στη ζωγραφική, τη γλυπτική και την αρχιτεκτονική του Βελγίου, όπως και σε πολλές άλλες ευρωπαϊκές χώρες. Ο σημαντικότερος ζωγράφος αυτής της περιόδου ήταν ο François Joseph Navez (1787-1869). Σπούδασε αρχικά στις Βρυξέλλες, μετά από το 1813 στο Παρίσι με τον Δαυίδ, τον οποίο συνόδευσε στην εξορία στις Βρυξέλλες. Στα χρόνια της βελγικής εξορίας του, ο αξιόλογος Γάλλος δάσκαλος απολάμβανε το μεγαλύτερο κύρος μεταξύ των ντόπιων καλλιτεχνών. Ο Ναβέζ ήταν ένας από τους αγαπημένους μαθητές του Ντέιβιντ. Το έργο του είναι ασύγκριτο. Οι μυθολογικές και βιβλικές συνθέσεις, στις οποίες ακολούθησε τους κανόνες του κλασικισμού, είναι άψυχες και ψυχρές. Τα πορτρέτα, που αποτελούν το μεγαλύτερο μέρος της κληρονομιάς του, είναι πολύ ενδιαφέροντα. Στα πορτρέτα του, η στενή και προσεκτική παρατήρηση και μελέτη της φύσης συνδυάστηκε με μια εξαιρετικά ιδανική ιδέα της ανθρώπινης προσωπικότητας. Τα καλύτερα χαρακτηριστικά της κλασικής μεθόδου - ισχυρή σύνθεση σύνθεσης, πλαστική πληρότητα μορφής - συνδυάζονται αρμονικά στα πορτρέτα του Navez με την εκφραστικότητα και την ιδιαιτερότητα της εικόνας της ζωής. Το πορτρέτο της οικογένειας Hemptinne (1816, Βρυξέλλες, Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης) φαίνεται να είναι το υψηλότερο στις καλλιτεχνικές του ιδιότητες.

Το δύσκολο έργο ενός πορτρέτου με τρεις χαρακτήρες λύνεται με επιτυχία από τον καλλιτέχνη. Όλα τα μέλη της νεαρής οικογένειας - ένα παντρεμένο ζευγάρι με μια μικρή κόρη - απεικονίζονται σε ζωηρές, χαλαρές πόζες, αλλά με μια αίσθηση ισχυρής εσωτερικής σύνδεσης. Το χρωματικό σχέδιο του πορτρέτου μαρτυρεί την επιθυμία του Navez να κατανοήσει τις κλασικές παραδόσεις της φλαμανδικής ζωγραφικής, που χρονολογούνται από τον van Eyck. Τα καθαρά λαμπερά χρώματα συγχωνεύονται σε μια χαρούμενη αρμονική χορδή. Ένα εξαιρετικό πορτρέτο της οικογένειας Hemptinne προσεγγίζει την πλαστική του δύναμη, την ακρίβεια τεκμηρίωσης στα τελευταία έργα πορτρέτου του David, και στους στίχους, η επιθυμία να μεταδοθεί η εσωτερική ζωή της ψυχής συνδέεται με τον ήδη αναδυόμενο ρομαντισμό. Ακόμα πιο κοντά στον ρομαντισμό είναι η αυτοπροσωπογραφία του Ναβέζ σε νεαρή ηλικία (δεκαετία 1810· Βρυξέλλες, ιδιωτική συλλογή), όπου ο καλλιτέχνης απεικόνιζε τον εαυτό του με ένα μολύβι και ένα άλμπουμ στα χέρια του, κοιτάζοντας ζωηρά και έντονα κάτι μπροστά του. Ο Ναβέζ έπαιξε πολύ σημαντικό ρόλο ως δάσκαλος. Μαζί του μαθήτευσαν πολλοί καλλιτέχνες, οι οποίοι αργότερα αποτέλεσαν τον πυρήνα της ρεαλιστικής τάσης στη βελγική ζωγραφική.

Η ανάπτυξη του επαναστατικού συναισθήματος στη χώρα συνέβαλε στον θρίαμβο της ρομαντικής τέχνης. Ο αγώνας για την εθνική ανεξαρτησία οδήγησε σε μια επαναστατική έκρηξη το καλοκαίρι του 1830, ως αποτέλεσμα της οποίας το Βέλγιο διέκοψε τους δεσμούς με την Ολλανδία και σχημάτισε ένα ανεξάρτητο κράτος. Η τέχνη έπαιξε σημαντικό ρόλο στα γεγονότα που εκτυλίσσονταν. Ξυπνούσε πατριωτικά αισθήματα, φούντωνε επαναστατικές διαθέσεις. Ως γνωστόν, η παράσταση της όπερας του Aubert The Mute from Portici λειτούργησε ως άμεση αιτία για την επαναστατική εξέγερση στις Βρυξέλλες.

Την παραμονή της επανάστασης στη βελγική ζωγραφική, διαμορφώνεται μια πατριωτική κατεύθυνση του ιστορικού είδους. Ηγέτης αυτής της τάσης ήταν ο νεαρός καλλιτέχνης Gustave Wappers (1803-1874), ο οποίος το 1830 εξέθεσε τον πίνακα «Η αυτοθυσία του Burgomaster van der Werf στην πολιορκία του Leiden» (Ουτρέχτη, Μουσείο). Τραγουδώντας τα ηρωικά κατορθώματα των προγόνων τους, οι δάσκαλοι αυτής της κατεύθυνσης στρέφονται στη ρομαντική γλώσσα των μορφών. Η αξιολύπητη ανάταση της εικονιστικής δομής, ο αυξημένος πολύχρωμος ήχος των χρωμάτων έγινε αντιληπτός από τους σύγχρονους ως αναβίωση των αρχέγονων εθνικών εικαστικών παραδόσεων, που εκπροσωπούνται πιο έντονα από τον Ρούμπενς.

Στη δεκαετία του '30. Η βελγική ζωγραφική, χάρη στους καμβάδες του ιστορικού είδους, κερδίζει την αναγνώριση στην ευρωπαϊκή τέχνη. Ο προγραμματικός και πατριωτικός χαρακτήρας του, που εξυπηρετούσε τα κοινά καθήκοντα της ανάπτυξης της χώρας, καθόρισε αυτή την επιτυχία. Wappers, Nicaise de Keyser (1813-1887), Louis Galle ήταν από τους πιο δημοφιλείς καλλιτέχνες στην Ευρώπη. Ωστόσο, πολύ σύντομα αυτή η κατεύθυνση αποκάλυψε τις περιορισμένες πλευρές της. Τα πιο επιτυχημένα ήταν εκείνα τα έργα που αντανακλούσαν το πάθος του εθνικοαπελευθερωτικού κινήματος του λαού, τα οποία εμπνεύστηκαν από τον ηρωισμό των αγώνων για ελευθερία του παρελθόντος και του παρόντος. Δεν είναι τυχαίο ότι οι Ημέρες Σεπτεμβρίου του 1830 του Wappers (1834-1835· Βρυξέλλες, Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης) είχαν τη μεγαλύτερη επιτυχία. Ο καλλιτέχνης δημιούργησε έναν ιστορικό καμβά σε σύγχρονο υλικό, αποκάλυψε τη σημασία των επαναστατικών γεγονότων. Προβάλλεται ένα από τα επεισόδια της επανάστασης. Η δράση λαμβάνει χώρα στην κεντρική πλατεία των Βρυξελλών. Το θυελλώδες κύμα του λαϊκού κινήματος μεταφέρεται από μια ανισόρροπη διαγώνια σύνθεση. Η διάταξη των ομάδων και ορισμένων από τις φιγούρες παραπέμπουν στον πίνακα του Ντελακρουά «Liberty Leading the People», που αποτέλεσε αναμφισβήτητο πρότυπο για τον καλλιτέχνη. Ταυτόχρονα, το Wappers σε αυτόν τον καμβά είναι κάπως εξωτερικό και δηλωτικό. Οι εικόνες του χαρακτηρίζονται εν μέρει από θεατρική επιδεικτικότητα, εκδηλωτικότητα στην έκφραση συναισθημάτων.

Λίγο μετά την ανεξαρτησία του Βελγίου, η ιστορική ζωγραφική έχασε το βάθος του περιεχομένου της. Το θέμα της εθνικής απελευθέρωσης χάνει τη σημασία του, την κοινωνική του βάση. Η ιστορική εικόνα μετατρέπεται σε ένα υπέροχο θέαμα με κοστούμια με διασκεδαστική πλοκή. Δύο τάσεις αποκρυσταλλώνονται στην ιστορική ζωγραφική. Από τη μια πλευρά, πρόκειται για μνημειώδεις πομπώδεις καμβάδες. η άλλη κατεύθυνση χαρακτηρίζεται από μια ειδοποιητική ερμηνεία της ιστορίας. Οι εθνικές παραδόσεις της ζωγραφικής γίνονται κατανοητές πολύ επιφανειακά - ως το άθροισμα τεχνικών και μέσων που δεν καθορίζονται από την επίδραση της εποχής. Υπάρχουν πολλοί καλλιτέχνες που βλέπουν ολόκληρη την ενασχόλησή τους στα είδη ζωγραφικής, όπως οι «μάστορες του 17ου αιώνα», ή ιστορικές σκηνές, «όπως ο Ρούμπενς».

Ο Antoine Joseph Wirtz (1806-1865) προσποιητικά, αλλά ανεπιτυχώς, προσπαθεί να συνδυάσει τα επιτεύγματα του Michelangelo και του Rubens στους τεράστιους ιστορικούς και συμβολικούς καμβάδες του. Ο Hendrik Leys (1815-1869) ζωγραφίζει για πρώτη φορά μικρούς ιστορικούς πίνακες, μιμούμενοι τα χρώματα του Ρέμπραντ. Από τη δεκαετία του '60. μεταπηδά σε εκτενείς πολυμορφικές συνθέσεις με καθημερινές σκηνές από τη Βόρεια Αναγέννηση, στον τρόπο εκτέλεσης των οποίων ακολουθεί την αφελή ακρίβεια και λεπτομέρεια των δασκάλων αυτής της περιόδου.

Μεταξύ των πολυάριθμων ιστορικών ζωγράφων των μέσων του αιώνα αξίζει να αναφερθεί ο Louis Galle (1810-1887), του οποίου οι πίνακες διακρίνονται για συγκράτηση και λακωνική σύνθεση και του οποίου οι εικόνες είναι γνωστές για την εσωτερική τους σημασία και αρχοντιά. Χαρακτηριστικό παράδειγμα είναι ο πίνακας «Τελευταίες τιμές στα λείψανα των κόμης Έγκμοντ και Χορν» (1851· Tournai, Μουσείο, επανάληψη του 1863 - Μουσείο Πούσκιν). Αυτές οι ίδιες ιδιότητες είναι ακόμη πιο χαρακτηριστικές για τους πίνακές του του είδους, όπως «Η οικογένεια του ψαρά» (1848) και «Σλαβονέτς» (1854· και οι δύο Ερμιτάζ).

Σταδιακά, η ιστορική ζωγραφική του Βελγίου χάνει τον πρωταγωνιστικό της ρόλο στο σύστημα των ειδών και στο προσκήνιο από τη δεκαετία του '60 περίπου. βγαίνει οικιακή ζωγραφική. Οι ζωγράφοι του είδους των μέσων του αιώνα, κατά κανόνα, μιμήθηκαν τους καλλιτέχνες του 17ου αιώνα, στρέφοντας στη δημιουργία διασκεδαστικών σκηνών σε ταβέρνες ή άνετους εσωτερικούς χώρους σπιτιών. Τέτοιοι είναι οι πολλοί πίνακες του Jean Baptiste Madou (1796-1877). Ο Hendrik de Brakeler (1840-1888) είναι πολύ παραδοσιακός στα θέματά του, απεικονίζοντας μοναχικές φιγούρες σε μια ήσυχη απασχόληση σε εσωτερικούς χώρους γεμάτους φως. Η αξία του έγκειται στην επίλυση του προβλήματος του φωτισμού και της ευάερης ατμόσφαιρας μέσω της σύγχρονης ζωγραφικής.

Η καπιταλιστική ανάπτυξη της χώρας, που έγινε με ταχύτατους ρυθμούς μετά την απόκτηση της ανεξαρτησίας, ήδη από τη δεκαετία του '60. έθεσε νέα προβλήματα στην τέχνη. Η νεωτερικότητα αρχίζει ολοένα και περισσότερο να εισβάλλει στην καλλιτεχνική κουλτούρα του Βελγίου. Η νεότερη γενιά καλλιτεχνών προβάλλει το σύνθημα του ρεαλισμού, προβάλλοντας τις χαρακτηριστικές πτυχές της γύρω ζωής. Στις φιλοδοξίες τους βασίστηκαν στο παράδειγμα του Κουρμπέ. Το 1868 ιδρύθηκε στις Βρυξέλλες η Free Society of Fine Arts. Οι πιο σημαντικοί από τους συμμετέχοντες ήταν οι Charles de Groux, Constantin Meunier, Felicien Rops, Louis Dubois. Όλοι τους κατέληξαν με το σύνθημα του ρεαλισμού, με ένα κάλεσμα για αγώνα ενάντια στην παλιά τέχνη, με τα θέματα μακριά από τη ζωή και την ξεπερασμένη καλλιτεχνική γλώσσα. Το περιοδικό Free Art, που ξεκίνησε να δημοσιεύεται το 1871, έγινε ο προάγγελος των αισθητικών απόψεων αυτής της κοινωνίας. έγινε γνωστός για πίνακες από τη ζωή των κατώτερων στρωμάτων της κοινωνίας. Ο τρόπος γραφής του είναι κοντά στον Κουρμπέ. Ο χρωματισμός διατηρείται σε σκοτεινούς συγκρατημένους τόνους, που αντιστοιχούν συναισθηματικά στην οδυνηρή ζοφερότητα του εικονιζόμενου. Αυτή είναι η εικόνα "Coffee Roaster" (δεκαετία του '60; Αμβέρσα, Μουσείο). Εδώ οι φτωχοί παρουσιάζονται να ζεσταίνονται μια σκοτεινή, κρύα μέρα του χειμώνα έξω από ένα μαγκάλι όπου ψήνονται κόκκοι καφέ. Η βαθιά συμπάθεια για τους μειονεκτούντες χαρακτηρίζει το έργο του καλλιτέχνη.

Ο ρεαλισμός στο Βέλγιο πολύ σύντομα κέρδισε μια ισχυρή θέση σε όλα τα είδη τέχνης. Εμφανίζεται ένας ολόκληρος γαλαξίας τοπιογράφων, με ειλικρίνεια και ταυτόχρονα με ποικιλομορφία επιδεικνύοντας τη γηγενή τους φύση - το λεγόμενο σχολείο Tervuren (από το όνομα ενός τόπου που βρίσκεται σε ένα δάσος κοντά στις Βρυξέλλες). Ο επικεφαλής του σχολείου, Hippolyte Boulanger (1837-1874), ζωγραφίζει διακριτικά, κάπως μελαγχολικά δασικά τοπία, παρόμοια στο χρώμα του Barbizon. Πιο δυναμικά αντιλαμβάνεται τη φύση του Λουί Αρτάν (1837-1890). Τις περισσότερες φορές απεικόνιζε θέα στη θάλασσα και την ακτή. Το επίχρισμα του είναι δυναμικό και ανθεκτικό. ο καλλιτέχνης επιδιώκει να μεταφέρει τη μεταβαλλόμενη ατμόσφαιρα, τη διάθεση του τοπίου.

Ο Felicien Rops (1833-1898) κατέλαβε ιδιαίτερη θέση στη βελγική τέχνη. Παρά το γεγονός ότι ο πλοίαρχος πέρασε σημαντικό μέρος της δημιουργικής του ζωής στη Γαλλία, συμμετείχε ενεργά στη βελγική καλλιτεχνική διαδικασία. Η μάλλον σκανδαλώδης φήμη του καλλιτέχνη - ως τραγουδιστής των παριζιάνικων κοκτέιλς συχνά συσκοτίζει τον πολύ σημαντικό ρόλο του στην πολιτιστική ζωή του Βελγίου. Ο Rops είναι ένας από τους ιδρυτές του λογοτεχνικού και καλλιτεχνικού περιοδικού Ulenspiegel (που ιδρύθηκε στις Βρυξέλλες το 1856) και ο πρώτος εικονογράφος του διάσημου μυθιστορήματος του Charles de Coster (1867). Οι εικονογραφήσεις που γίνονται με την τεχνική της χαρακτικής δίνουν έντονες και ενδιαφέρουσες ενσαρκώσεις των εικόνων των κύριων χαρακτήρων του μυθιστορήματος. Ο Ροπς ήταν λαμπρός δεξιοτέχνης του σχεδίου και προσεκτικός παρατηρητής της σύγχρονης ζωής, όπως αποδεικνύεται από πολλά από τα έργα του.

Βελγική αρχιτεκτονική μέχρι τα τέλη του 19ου αιώνα. δεν δημιούργησε κάτι σημαντικό. Στο πρώτο μισό του αιώνα, πολλά κτίρια χτίστηκαν στο στυλ του κλασικισμού, που χαρακτηρίζονται από αυστηρό γούστο (Παλάτι της Ακαδημίας στις Βρυξέλλες -1823-1826, αρχιτέκτονας Charles van der Straten, θερμοκήπια στον Βοτανικό Κήπο των Βρυξελλών - 1826- 1829, αρχιτέκτονες F.-T. Seys και P.-F. Ginest). Από τα μέσα του αιώνα, ο αχαλίνωτος εκλεκτικισμός και η επιθυμία να δημιουργηθούν υπέροχα πομπώδη κτίρια αυξάνονται στην αρχιτεκτονική. Χαρακτηριστικό, για παράδειγμα, είναι το χρηματιστηριακό κτίριο στις Βρυξέλλες (1873-1876, αρχιτέκτων L. Seiss), το κτίριο του Μουσείου Αρχαίας Τέχνης στην ίδια θέση (1875-1885, αρχιτέκτων A. Bala). Ο ακμαίος βελγικός καπιταλισμός επιδιώκει να δημιουργήσει ένα μνημείο για τη δύναμή του. Έτσι προκύπτει το κτήριο του Παλατιού της Δικαιοσύνης στις Βρυξέλλες (1866-1883, αρχιτέκτονας J. Poulart) - ένα από τα πιο μεγαλεπήβολα κτίρια στην Ευρώπη, που διακρίνεται από μια επιτηδευμένη και παράλογη συσσώρευση και ανάμειξη όλων των ειδών αρχιτεκτονικών μορφών. Ταυτόχρονα, το στυλιζάρισμα παίζει σημαντικό ρόλο στην αρχιτεκτονική του Βελγίου.Χτίζονται πολλές εκκλησίες, δημαρχεία και άλλα δημόσια κτίρια που μιμούνται το γοτθικό, τη φλαμανδική αναγέννηση, το ρομανικό στυλ.

Βελγική γλυπτική μέχρι το τελευταίο τέταρτο του 19ου αιώνα. υστερούσε στην ανάπτυξή του από τη ζωγραφική. Στη δεκαετία του '30. υπό την επίδραση πατριωτικών ιδεών, ωστόσο δημιουργήθηκαν αρκετά ενδιαφέροντα αγάλματα. Πρώτα απ 'όλα, είναι απαραίτητο να σημειώσουμε τα έργα του Willem Gefs (1805-1883 - ταφόπλακά του του κόμη Frederic de Merode, που έπεσε σε επαναστατικές μάχες στις Βρυξέλλες (1837, Βρυξέλλες, Καθεδρικός Ναός St. Gudula) και το άγαλμα του στρατηγού Belliard, που στέκεται σε μια από τις πλατείες της πρωτεύουσας (1836.) Τα μέσα του αιώνα στο Βέλγιο, όπως και σε πολλές άλλες χώρες, σημαδεύτηκαν από την παρακμή της τέχνης της γλυπτικής.

Σε αυτά τα δύσκολα χρόνια για τη μνημειακή τέχνη, διαμορφώνεται το έργο του μεγαλύτερου Βέλγου καλλιτέχνη Constantin Meunier (1831-4905). Ο Meunier ξεκίνησε τις σπουδές του στην Ακαδημία Καλών Τεχνών των Βρυξελλών στο μάθημα της γλυπτικής. Εδώ, στα μέσα του αιώνα, κυριαρχούσε ένα συντηρητικό ακαδημαϊκό σύστημα. Οι δάσκαλοι στη δουλειά τους και στη διδασκαλία τους ακολούθησαν το πρότυπο και τη ρουτίνα, απαιτώντας τον εξωραϊσμό της φύσης στο όνομα ενός αφηρημένου ιδεώδους. Τα πρώτα πλαστικά έργα του Meunier ήταν ακόμα πολύ κοντά σε αυτήν την κατεύθυνση ("Garland"· εκτέθηκε το 1851, δεν έχει διατηρηθεί). Σύντομα, όμως, εγκατέλειψε τη γλυπτική και στράφηκε στη ζωγραφική και έγινε μαθητής του Ναβέζ. Το τελευταίο, αν και εκείνα τα χρόνια ήταν σύμβολο του ξεπερασμένου κλασικισμού, μπορούσε να διδάξει μια σίγουρη γνώση του σχεδίου, την πλαστική μοντελοποίηση της φόρμας στη ζωγραφική και την κατανόηση του μεγάλου στυλ. Ένα άλλο ρεύμα επιρροών στον νεαρό δάσκαλο εκείνη την εποχή συνδέθηκε με τη φιλία του με τον Charles de Groux, με τη γνωριμία του με τα έργα των Γάλλων ρεαλιστών - Courbet και Millet. Ο Meunier αναζητά την τέχνη με βαθιά νόημα, την τέχνη των μεγάλων ιδεών, αλλά στην αρχή στρέφεται όχι σε ένα μοντέρνο θέμα, αλλά στη θρησκευτική και ιστορική ζωγραφική. Ιδιαίτερα ενδιαφέρον παρουσιάζει ο πίνακας «Episode from the Peasants' War of 1797» (1875· Βρυξέλλες, Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης). Ο καλλιτέχνης επιλέγει μια από τις τελευταίες σκηνές της εξέγερσης, η οποία κατέληξε με ήττα. Παρουσιάζει αυτό που συνέβη ως εθνική τραγωδία και ταυτόχρονα δείχνει την ακλόνητη βούληση του λαού. Η εικόνα είναι πολύ διαφορετική από άλλα έργα του βελγικού ιστορικού είδους εκείνων των χρόνων. Εδώ υπάρχει μια διαφορετική προσέγγιση για την κατανόηση της ιστορίας, και ο ρεαλισμός στην απεικόνιση των χαρακτήρων, και η διεισδυτική συναισθηματικότητα του απεικονιζόμενου, και η εισαγωγή του τοπίου ως ένα ενεργά ηχητικό περιβάλλον.

Στα τέλη της δεκαετίας του '70. Ο Meunier πέφτει στη «μαύρη χώρα» - τις βιομηχανικές περιοχές του Βελγίου. Εδώ ανοίγει έναν εντελώς νέο κόσμο, που δεν έχει ακόμη αντικατοπτριστεί στην τέχνη από κανέναν. Τα φαινόμενα της ζωής με τις εντελώς διαφορετικές πτυχές της ομορφιάς τους υπαγόρευσαν μια νέα καλλιτεχνική γλώσσα, το δικό τους ιδιαίτερο χρώμα. Ο Meunier δημιουργεί πίνακες αφιερωμένους στο έργο των μεταλλωρύχων, ζωγραφίζει τύπους μεταλλωρύχων και γυναικών μεταλλωρύχων, αποτυπώνει τα τοπία αυτής της «μαύρης χώρας». Η κύρια νότα στους πίνακές του δεν είναι η συμπόνια, αλλά η δύναμη των εργαζομένων. Αυτή ακριβώς είναι η καινοτόμος σημασία του έργου του Meunier. Οι άνθρωποι δεν είναι ως αντικείμενο οίκτου και συμπάθειας, οι άνθρωποι ως δημιουργοί μεγάλων αξιών ζωής, απαιτώντας έτσι ήδη μια αντάξια στάση απέναντι στον εαυτό τους. Σε αυτήν την αναγνώριση της μεγάλης σημασίας των εργαζομένων στη ζωή της κοινωνίας, ο Meunier στάθηκε αντικειμενικά σε ένα επίπεδο με τους πιο προχωρημένους στοχαστές της εποχής.

Στους πίνακές του ο Meunier χρησιμοποιεί τη γλώσσα της γενίκευσης. Σμιλεύει τη φόρμα με τη βοήθεια του χρώματος. Ο χρωματισμός του είναι αυστηρός και συγκρατημένος - ένα ή δύο φωτεινά πολύχρωμα σημεία παρεμβάλλονται σε γήινους γκρι τόνους, κάνοντας ολόκληρο το σκληρό φάσμα να ακούγεται. Η σύνθεσή του είναι απλή και μνημειώδης, χρησιμοποιεί το ρυθμό απλών, καθαρών γραμμών. Χαρακτηριστικός είναι ο πίνακας «Επιστροφή από το ορυχείο» (περ. 1890· Αμβέρσα, Μουσείο). Τρεις εργάτες, σαν να περνούν κατά μήκος του καμβά, σχεδιάζονται σε μια καθαρή σιλουέτα ενάντια στον καπνισμένο ουρανό. Η κίνηση των μορφών επαναλαμβάνεται η μία την άλλη και ταυτόχρονα μεταβάλλει το γενικό μοτίβο. Ο ρυθμός της ομάδας και ο ρυθμός του χώρου της εικόνας δημιουργούν μια αρμονική ισορροπημένη λύση. Οι φιγούρες μετατοπίζονται στο αριστερό άκρο της εικόνας, ανάμεσα τους και το δεξιό πλαϊνό πλαίσιο υπάρχει ένα ανοιχτό ελεύθερο κομμάτι χώρου. Η σαφήνεια και η γενίκευση της σιλουέτας της ομάδας, ο λακωνισμός της εικόνας κάθε φιγούρας δίνουν στη σύνθεση τον χαρακτήρα ενός σχεδόν πλαστικού ανάγλυφου. Γυρίζοντας σε ένα νέο θέμα που τον γοήτευσε, ο Meunier θυμήθηκε πολύ σύντομα την αρχική του αποστολή. Η γενίκευση, ο λακωνισμός των μέσων της πλαστικής γλώσσας δεν θα μπορούσε να χρησιμοποιηθεί καλύτερα για να τραγουδήσει την ομορφιά της ανθρώπινης εργασίας. Από τα μέσα της δεκαετίας του '80. Το ένα μετά το άλλο εμφανίζονται αγάλματα και ανάγλυφα του Meunier, που δοξάζουν το όνομά του, αποτελώντας μια εποχή στην ανάπτυξη των πλαστικών τεχνών τον 19ο αιώνα. Το κύριο θέμα και η εικόνα του γλύπτη είναι η εργασία, οι εργαζόμενοι: σφυριά, ανθρακωρύχοι, ψαράδες, κορίτσια ανθρακωρύχων, αγρότες. Στο γλυπτό, που προηγουμένως περιοριζόταν σε έναν στενό κύκλο θεμάτων υπό όρους και μορφών μακριά από τη νεωτερικότητα, οι άνθρωποι της εργασίας μπήκαν με ένα βαρύ, σίγουρο βήμα. Η πλαστική γλώσσα, μέχρι τότε τελείως αποδυναμωμένη, απέκτησε και πάλι βαριά ωμή δύναμη, ισχυρή πειστικότητα. Το ανθρώπινο σώμα έδειξε τις νέες δυνατότητες ομορφιάς που κρυβόταν μέσα του. Στο ανάγλυφο «Βιομηχανία» (1901· Βρυξέλλες, Μουσείο Meunier), η ένταση όλων των μυών, η ελαστική ευλυγισία και η δύναμη των μορφών, η επίπονη αναπνοή που σκίζει το στήθος, τα βαριά πρησμένα χέρια - όλα αυτά δεν παραμορφώνουν τον άνθρωπο. αλλά του δίνει ιδιαίτερη δύναμη και ομορφιά. Ο Meunier έγινε ο ιδρυτής μιας νέας αξιοσημείωτης παράδοσης - της παράδοσης απεικόνισης της εργατικής τάξης, της ποίησης της εργασιακής διαδικασίας.

Οι άνθρωποι που απεικονίζει ο Meunier δεν παίρνουν εξαιρετικά όμορφες ή παραδοσιακά κλασικές πόζες. Φαίνονται και παρουσιάζονται από τον γλύπτη σε μια πραγματικά πραγματική θέση. Οι κινήσεις τους είναι αγενείς, όπως, για παράδειγμα, στο δυνατό, μοχθηρό «The Hauler» (1888· Βρυξέλλες, Μουσείο Meunier), μερικές φορές ακόμη και αδέξιες («The Pudding Man», 1886· Brussels, Museum of Ancient Art). Με τον τρόπο που αυτές οι φιγούρες στέκονται ή κάθονται, νιώθεις το αποτύπωμα που άφησε ο τοκετός στην εμφάνιση και τον χαρακτήρα τους. Και ταυτόχρονα, οι πόζες τους είναι γεμάτες από σαγηνευτική πλαστική ομορφιά και δύναμη. Αυτό είναι ένα γλυπτό με την πραγματική έννοια της λέξης, που ζει στο χώρο, το οργανώνει γύρω από τον εαυτό του. Το ανθρώπινο σώμα αποκαλύπτει κάτω από το χέρι του Meunier όλη την ελαστική του δύναμη και την έντονη έντονη δυναμική του.

Η πλαστική γλώσσα του Meunier είναι γενικευμένη και συνοπτική. Έτσι, στο άγαλμα «The Loader» (περίπου 1905· Βρυξέλλες, Μουσείο Meunier), δεν δημιουργήθηκε τόσο ένα πορτρέτο όσο γενικευμένος τύπος, και αυτό είναι που του δίνει μεγάλη δύναμη πειθούς. Ο Meunier αρνείται τις συμβατικές ακαδημαϊκές κουρτίνες, ο εργάτης του φοράει, θα λέγαμε, «φόρμες», αλλά αυτά τα ρούχα δεν συνθλίβουν και δεν συρρικνώνουν τη φόρμα. Οι φαρδιές επιφάνειες του υφάσματος φαίνεται να κολλάνε γύρω από τους μύες, μερικές ξεχωριστές πτυχές τονίζουν την κίνηση του σώματος. Ένα από τα καλύτερα έργα του Meunier είναι η Αμβέρσα (1900, Βρυξέλλες, Μουσείο Meunier). Ο γλύπτης επέλεξε όχι κάποιες αφηρημένες αλληγορίες, αλλά μια πολύ συγκεκριμένη εικόνα ενός λιμενικού ως την προσωποποίηση μιας εργατικής και δραστήριας πόλης. Σοβαρό και αρρενωπό κεφάλι, φτιαγμένο με τον απόλυτο λακωνισμό, είναι στερεωμένο στους μυώδεις ώμους. Τραγουδώντας την εργασία, ο Meunier δεν κλείνει το μάτι στη σοβαρότητά του. Ένα από τα πιο εντυπωσιακά πλαστικά έργα του είναι η ομάδα Mine Gas (1893, Βρυξέλλες, Μουσείο Αρχαίας Τέχνης). Αυτή είναι μια πραγματικά μοντέρνα εκδοχή του αιώνιου θέματος του πένθους από τη μητέρα του νεκρού γιου της. Αποτυπώνει τον τραγικό απόηχο της καταστροφής στο ορυχείο. Η πένθιμη γυναικεία φιγούρα έσκυψε με συγκρατημένη, βουβή απόγνωση πάνω από το σπασμωδικά τεντωμένο γυμνό σώμα.

Έχοντας δημιουργήσει αμέτρητους τύπους και εικόνες εργαζομένων, ο Meunier συνέλαβε τη δεκαετία του '90. μνημειακό μνημείο Εργασίας. Υποτίθεται ότι περιλαμβάνει πολλά ανάγλυφα που εξυμνούν διάφορους τύπους εργασίας - "Βιομηχανία", "Συγκομιδή", "Λιμάνι" κ.λπ., καθώς και ένα στρογγυλό γλυπτό - αγάλματα του "Σπορέα", "Μητρότητα", "Εργάτης", κλπ. Αυτή η ιδέα δεν βρήκε ποτέ την τελική της ενσάρκωση λόγω του θανάτου του δασκάλου, αλλά το 1930 πραγματοποιήθηκε στις Βρυξέλλες σύμφωνα με τα πρωτότυπα του γλύπτη. Το μνημείο στο σύνολό του δεν προκαλεί μνημειακή εντύπωση. Πιο πειστικά είναι τα επιμέρους θραύσματά του. Ο συνδυασμός τους στην αρχιτεκτονική εκδοχή που πρότεινε ο αρχιτέκτονας Orta αποδείχθηκε μάλλον εξωτερικός και κλασματικός.

Το έργο του Meunier συνόψιζε με έναν περίεργο τρόπο την ανάπτυξη της βελγικής τέχνης τον 19ο αιώνα. Αποδείχθηκε ότι ήταν το υψηλότερο επίτευγμα ρεαλισμού σε αυτή τη χώρα την υπό εξέταση περίοδο. Ταυτόχρονα, η σημασία των ρεαλιστικών κατακτήσεων του Meunier ξεπέρασε τα όρια μόνο της εθνικής τέχνης. Τα αξιόλογα έργα του γλύπτη είχαν τεράστιο αντίκτυπο στην ανάπτυξη της παγκόσμιας πλαστικής.

Πιο ποικίλη και πολύχρωμη από τη φλαμανδική αρχιτεκτονική και γλυπτική, η φλαμανδική ζωγραφική του 17ου αιώνα ξεδιπλώνεται στην υπέροχη ανθοφορία της. Ακόμη πιο ξεκάθαρα απ' ό,τι σε αυτές τις τέχνες, ο αιώνια Φλαμανδός αναδύεται εδώ από ένα μείγμα βόρειων και νότιων θεμελίων, ως άφθαρτος εθνικός θησαυρός. Η σύγχρονη ζωγραφική σε καμία άλλη χώρα δεν απαθανάτισε μια τόσο πλούσια και πολύχρωμη περιοχή θεμάτων. Σε νέους ή ανακαινισμένους ναούς, εκατοντάδες γιγάντιοι μπαρόκ βωμοί περίμεναν εικόνες αγίων ζωγραφισμένες σε μεγάλους καμβάδες. Σε παλάτια και σπίτια, οι απέραντοι τοίχοι λαχταρούσαν για μυθολογικούς, αλληγορικούς και ειδυλλιακούς πίνακες καβαλέτο. Ναι, και η προσωπογραφία, που εξελίχθηκε τον 16ο αιώνα σε πορτρέτο σε φυσικό μέγεθος, παρέμεινε μια σπουδαία τέχνη με την πλήρη έννοια της λέξης, συνδυάζοντας τη σαγηνευτική φυσικότητα με την αρχοντιά της έκφρασης.

Δίπλα σε αυτόν τον μεγάλο πίνακα, τον οποίο το Βέλγιο μοιραζόταν με την Ιταλία και τη Γαλλία, άκμασε εδώ, συνεχίζοντας τις παλιές παραδόσεις, πρωτότυπη ζωγραφική σε ντουλάπια, κυρίως σε μικρές ξύλινες ή χάλκινες σανίδες, ασυνήθιστα πλούσια, που αγκαλιάζει όλα όσα απεικονίζονται, χωρίς να παραμελεί θρησκευτικά, μυθολογικά ή αλληγορικά θέματα. προτιμώντας την καθημερινότητα όλων των τάξεων του πληθυσμού, ιδιαίτερα των αγροτών, των οδηγών ταξί, των στρατιωτών, των κυνηγών και των ναυτικών σε όλες τις εκφάνσεις της. Το σχεδιασμένο τοπίο ή τα υπόβαθρα των δωματίων αυτών των μικρών μορφών ζωγραφικής μετατράπηκαν σε ανεξάρτητα τοπία και αρχιτεκτονικούς πίνακες στα χέρια ορισμένων δασκάλων. Αυτή η σειρά συμπληρώνεται με εικόνες λουλουδιών, φρούτων και ζώων. Στα φυτώρια και τα κτηνοτροφεία των αρχιδούκων στις Βρυξέλλες, το υπερπόντιο εμπόριο έφερε θαύματα χλωρίδας και πανίδας. Ο πλούτος των μορφών και των χρωμάτων τους δεν θα μπορούσε να αγνοηθεί από τους καλλιτέχνες που κυριαρχούσαν σε όλα.

Παρ' όλα αυτά, στο Βέλγιο δεν υπήρχε πλέον έδαφος για μνημειώδη τοιχογραφία. Με εξαίρεση τους πίνακες του Ρούμπενς στην εκκλησία των Ιησουιτών της Αμβέρσας και μερικές εκκλησιαστικές σειρές τοπίων, οι μεγάλοι δάσκαλοι του Βελγίου δημιούργησαν τους μεγάλους πίνακές τους σε καμβά, τοιχογραφίες και οροφές για ξένους ηγεμόνες και την παρακμή της τεχνικής ταπετσαρίας των Βρυξελλών. που η συμμετοχή του Ρούμπενς έδωσε μόνο μια προσωρινή άνοδο, κατέστησε τη συμμετοχή περιττή.άλλοι Βέλγοι δάσκαλοι, όπως ο Τζόρντανς και ο Τενιέ. Αλλά οι Βέλγοι δάσκαλοι πήραν μια πολύ γνωστή, αν και όχι τόσο βαθιά όσο οι Ολλανδοί, συμμετοχή στην περαιτέρω ανάπτυξη της χαρακτικής και της χαρακτικής. Οι Ολλανδοί εκ γενετής ήταν ακόμη και οι καλύτεροι χαράκτες πριν από τον Ρούμπενς, και η συμμετοχή των μεγαλύτερων Βέλγων ζωγράφων: του Ρούμπενς, του Τζόρντανς, του Βαν Ντάικς, του Μπρούερς και του Τενιέ στη «ζωγραφική χαρακτική» - χάραξη, είναι εν μέρει μόνο παράπλευρη υπόθεση, εν μέρει ακόμη και αμφίβολη.

Η Αμβέρσα, η πλούσια εμπορική πόλη της Κάτω Γερμανίας στο Scheldt, είναι τώρα, περισσότερο από ποτέ, η πρωτεύουσα της ζωγραφικής της Κάτω Ολλανδίας. Η ζωγραφική των Βρυξελλών, ίσως μόνο στο τοπίο που αναζητούσε ανεξάρτητα μονοπάτια, έγινε κλάδος της τέχνης της Αμβέρσας. Ακόμη και η ζωγραφική των παλαιών φλαμανδικών κέντρων τέχνης, της Μπριζ, της Γάνδης και του Μέχελν, στην αρχή ζούσε μόνο από τη σχέση της με τα εργαστήρια της Αμβέρσας. Αλλά στο βαλλονικό τμήμα του Βελγίου, δηλαδή στο Lüttich, μπορεί κανείς να εντοπίσει μια ανεξάρτητη έλξη για τους Ιταλούς και τους Γάλλους.

Για τη γενική ιστορία της φλαμανδικής ζωγραφικής του 17ου αιώνα, εκτός από τις συλλογές λογοτεχνικών πηγών των Van Mander, Goubraken, de Bie, Van Gool και Weyermann, τα λεξικά των Immerseel, Kramm και Wurzbach, ενοποιημένα, μόνο εν μέρει ξεπερασμένα, βιβλία των Michiels, Waagen, Waters, Rigel και Philippi είναι σημαντικά. Δεδομένης της κυρίαρχης σημασίας της τέχνης του Scheldt, μπορεί κανείς να αναφέρει και την ιστορία της τέχνης της Αμβέρσας των Van den Branden και Rooses, η οποία φυσικά απαιτεί προσθήκες και αλλαγές. Το σχετικό κεφάλαιο του συγγραφέα αυτού του βιβλίου στο History of Painting του ίδιου και του Woltmann είναι ήδη ξεπερασμένο λεπτομερώς.

Η φλαμανδική ζωγραφική του 17ου αιώνα πέτυχε πλήρη ελευθερία εικονογραφικής διάταξης και εκτέλεσης, εσωτερική ενότητα σχεδίου και χρωμάτων, το πιο απαλό πλάτος και δύναμη στα δημιουργικά χέρια του μεγάλου δασκάλου της Peter Paul Rubens, ο οποίος έκανε την Αμβέρσα το κεντρικό μέρος για την εξαγωγή πίνακες ζωγραφικής για όλη την Ευρώπη. Δεν έλειψαν, ωστόσο, οι μάστορες που στέκονταν στη μετάβαση μεταξύ των παλαιών και των νέων κατευθύνσεων.

Στους εθνικούς ρεαλιστικούς τομείς, με μικρές φιγούρες με φόντο ένα ανεπτυγμένο τοπίο, μόνο απόηχοι του μεγαλείου και της αμεσότητας του Πίτερ Μπρίγκελ του Πρεσβύτερου ζούσαν ακόμα. Η απόδοση του τοπίου στη μεταβατική εποχή παραμένει στο «σκηνικό στυλ» που δημιούργησε η Giliss Van Coninxloo, με το φουντωτό δέντρο φύλλωμα και παρακάμπτοντας τις δυσκολίες της εναέριας και γραμμικής προοπτικής αναπτύσσοντας ξεχωριστούς, εναλλασσόμενους ο ένας μετά τον άλλον, διαφορετικού χρώματος τόνους. Οι ιδρυτές της σημερινής τοπογραφίας, οι αδελφοί της Αμβέρσας Matthäus και Paul Bril (1550-1584 και 1554-1626), προχώρησαν επίσης από αυτό το στυλ υπό όρους, για την ανάπτυξη του οποίου σχεδόν τίποτα δεν είναι γνωστό. Ο Matthäus Bril εμφανίστηκε ξαφνικά ως ζωγράφος τοιχογραφιών τοπίων στο Βατικανό στη Ρώμη. Μετά τον πρόωρο θάνατό του, ο Paul Bril, φίλος του αδελφού του στο Βατικανό, ανέπτυξε περαιτέρω το τότε νέο ολλανδικό στυλ τοπίου. Λίγοι αυθεντικοί πίνακες του Matthäus έχουν διασωθεί. τα περισσότερα προέρχονταν από τον Παύλο, του οποίου τα εκκλησιαστικά και ανακτορικά τοπία στο Βατικανό, στο Λατερανό και στο παλάτι Rospigliosi στη Santa Cecilia και στη Santa Maria Maggiore στη Ρώμη, έχω αναφέρει σε άλλα μέρη. Μόνο σταδιακά περνούν υπό την επιρροή του πιο ελεύθερου, με μεγαλύτερη ενότητα των εκτελεσμένων τοπίων από τον Annibale Carracci, στο ισορροπημένο μεταβατικό ύφος που αναφέρθηκε παραπάνω. Η περαιτέρω ανάπτυξη του Bril, που αποτελεί μέρος της γενικής ιστορίας της ζωγραφικής τοπίου, αντανακλάται στα πολυάριθμα, εν μέρει σημαδεμένα από χρόνια, μικρά τοπία σε σανίδες (1598 στην Πάρμα, 1600 στη Δρέσδη, 1601 στο Μόναχο, 1608 και 1624 στη Δρέσδη , 1609, 1620 και 1624 - στο Λούβρο, 1626 - στην Αγία Πετρούπολη), συνήθως άφθονα σε δέντρα, σπάνια προσπαθώντας να μεταφέρουν μια συγκεκριμένη περιοχή. Σε κάθε περίπτωση, ο Paul Bril ανήκει στους ιδρυτές του στυλ τοπίου, από το οποίο αναπτύχθηκε η τέχνη του Claude Lorrain.

Στην Ολλανδία, ο Josse de Momper της Αμβέρσας (1564 - 1644), που εκπροσωπήθηκε καλύτερα στη Δρέσδη, ανέπτυξε το σκηνικό στυλ Koninxloo σε όμορφα ζωγραφισμένα ορεινά τοπία, όχι ιδιαίτερα πλούσια σε δέντρα, στα οποία «τρία φόντο», μερικές φορές με την προσθήκη ενός τέταρτο ηλιόλουστο, εμφανίζεται συνήθως σε όλη του την καφέ-πράσινη-γκρι-μπλε ομορφιά.

Η επιρροή των παλαιότερων πινάκων του Μπριλ αντανακλάται στον δεύτερο γιο του Πήτερ Μπρίγκελ του Πρεσβύτερου, Γιαν Μπρίγκελ ο Πρεσβύτερος (1568 - 1625), πριν από την επιστροφή του στην Αμβέρσα, το 1596, ο οποίος εργάστηκε στη Ρώμη και το Μιλάνο. Ο Κριβέλι και ο Μισέλ του αφιέρωσαν ξεχωριστά έργα. Ζωγράφισε ως επί το πλείστον μικρές, μερικές φορές μινιατούρες εικόνες που δίνουν την εντύπωση ενός τοπίου ακόμα και όταν αντιπροσωπεύουν βιβλικά, αλληγορικά θέματα ή θέματα του είδους. Είναι αυτοί που τηρούν σταθερά το στυλ Coninksloo με το φουντωτό φύλλωμα, αν και μεταφέρουν πιο διακριτικά τις αμοιβαίες μεταβάσεις των τριών φόντων. Χαρακτηριστικό της ευελιξίας του Jan Brueghel είναι ότι ζωγράφισε τοπία για ζωγράφους όπως ο Balin, φιγούρες για τοπιογράφους όπως ο Momper, στεφάνια με λουλούδια για δασκάλους όπως ο Rubens. Γνωστός για το πρόσφατα και διακριτικά εκτελεσμένο "Fall" του Μουσείου της Χάγης, στο οποίο ο Ρούμπενς ζωγράφισε τον Αδάμ και την Εύα και τον Γιαν Μπρίγκελ τοπία και ζώα. Τα δικά του τοπία, άφθονα εξοπλισμένα με μια ετερόκλητη λαϊκή ζωή, που δεν είναι ακόμα ιδιαίτερα εκφραστικά στη μεταφορά του ουρανού με τα σύννεφα, είναι κυρίως λοφώδεις περιοχές που ποτίζονται από ποτάμια, πεδιάδες με ανεμόμυλους, δρόμους χωριών με σκηνές ταβέρνες, κανάλια με δασώδεις όχθες, πολυσύχναστους επαρχιακούς δρόμους σε δασώδη ύψη και δασικούς δρόμους με ξυλοκόπους και κυνηγούς, παρατήρησε έντονα και πιστά. Οι πρώιμοι πίνακές του μπορούν να φανούν στην Ambrosiana του Μιλάνου. Εκπροσωπείται καλύτερα στη Μαδρίτη, καλά στο Μόναχο, τη Δρέσδη, την Αγία Πετρούπολη και το Παρίσι. Ιδιαίτερη σημασία στην έννοια της αναζήτησης νέων τρόπων ήταν η ζωγραφική του με λουλούδια, η οποία με τον πιο πειστικό τρόπο μετέφερε όχι μόνο την ομορφιά των μορφών και τη φωτεινότητα των χρωμάτων σπάνιων χρωμάτων, αλλά και τους συνδυασμούς τους. Εικόνες από τα χρώματα του πινέλου του έχουν τη Μαδρίτη, τη Βιέννη και το Βερολίνο.

Από τους συνεργάτες του δεν πρέπει να παραλείψουμε τον Hendrik van Balen (1575 - 1632), του οποίου δάσκαλος θεωρείται ο δεύτερος δάσκαλος του Rubens, ο Adam van Noort. Οι ζωγραφιές του στον βωμό (για παράδειγμα, στην Εκκλησία του Ιακώβ στην Αμβέρσα) είναι αφόρητες. Έγινε διάσημος για τους μικρούς, ομαλά ζωγραφισμένους, ζαχαρωμένους πίνακές του σε σανίδες με περιεχόμενο κυρίως από αρχαίους μύθους, για παράδειγμα, η γιορτή των θεών στο Λούβρο, η Αριάδνη στη Δρέσδη, το Gathering Manna στο Brunswick, αλλά οι πίνακές του αυτού του είδους λείπουν επίσης καλλιτεχνική φρεσκάδα και αμεσότητα.

Το μεταβατικό στυλ τοπίου που περιγράφηκε παραπάνω συνεχίστηκε, ωστόσο, μεταξύ των αδύναμων μιμητών μέχρι τις αρχές του 18ου αιώνα. Εδώ μπορούμε να σημειώσουμε μόνο τους ισχυρότερους δασκάλους αυτής της σκηνοθεσίας, που τη μετέφεραν στην Ολλανδία, τον David Winkboons από το Mecheln (1578 - 1629), ο οποίος μετακόμισε από την Αμβέρσα στο Άμστερνταμ, ζωγράφισε φρέσκες σκηνές δασών και χωριών, μερικές φορές και βιβλικά επεισόδια σε ένα τοπίο. σκηνικό, αλλά πολύ πρόθυμα διακοπές ναού μπροστά στις ταβέρνες του χωριού. Οι καλύτεροι πίνακές του στο Άουγκσμπουργκ, το Αμβούργο, το Μπράουνσβαϊγκ, το Μόναχο, την Αγία Πετρούπολη παρατηρούνται πολύ άμεσα και ζωγραφίζονται με ανθισμένα χρώματα, όχι χωρίς δύναμη. Ο Rellant Savery of Courtrai (1576 - 1639), στον οποίο ο Kurt Erasmus αφιέρωσε μια με αγάπη γραπτή μελέτη, μελέτησε τα γερμανικά δασώδη βουνά στην υπηρεσία του Rudolph II, μετά την οποία εγκαταστάθηκε ως ζωγράφος και χαράκτης, πρώτα στο Άμστερνταμ και μετά στην Ουτρέχτη. Γεμάτο φως, που συγχωνεύει σταδιακά τρία αεροπλάνα, αλλά κάπως στεγνά στην εκτέλεση, ορεινά, βραχώδη και δασικά τοπία, που φαίνονται καλά στη Βιέννη και τη Δρέσδη, εξόπλισε με ζωντανές ομάδες άγριων και ήμερων ζώων σε σκηνές κυνηγιού, σε εικόνες ο παράδεισος και ο Ορφέας. Ανήκει επίσης στους πρώτους ανεξάρτητους ζωγράφους λουλουδιών. Ο Adam Willaerts από την Αμβέρσα (1577, πέθανε μετά το 1649), ο οποίος μετακόμισε στην Ουτρέχτη το 1611, ήταν εκπρόσωπος της θαλασσογραφίας αυτού του μεταβατικού στυλ. Οι παράκτιες και θαλάσσιες απόψεις του (για παράδειγμα, στη Δρέσδη, στο Weber στο Αμβούργο, στην Πινακοθήκη του Λιχτενστάιν) εξακολουθούν να είναι στεγνές στο μοτίβο των κυμάτων, ακόμα αγενείς στην απεικόνιση της ζωής του πλοίου, αλλά σαγηνευτικές με την ειλικρίνεια της σχέσης τους με τη φύση. Τέλος, ο Alexander Kerrinx της Αμβέρσας (1600 - 1652), ο οποίος μετέφερε τη φλαμανδική τέχνη του τοπίου στο Άμστερνταμ, εξακολουθεί να ακολουθεί τον Coninxloe στους πίνακες με την υπογραφή του, αλλά στους μεταγενέστερους πίνακες του Brunswick και της Δρέσδης, είναι προφανώς επηρεασμένος από τον καφέ ολλανδικό τόνο του Van Goyen. ζωγραφική.. Ανήκει, λοιπόν, στους μεταβατικούς δασκάλους με την πλήρη έννοια του όρου.

Από τους δασκάλους αυτού του τύπου της Αμβέρσας που παρέμειναν στο σπίτι, ο Sebastian Vranks (1573 - 1647) αποκαλύπτει αναμφισβήτητη επιτυχία ως τοπιογράφος και ζωγράφος αλόγων. Απεικονίζει επίσης το φύλλωμα με τη μορφή τσαμπιών, τις περισσότερες φορές κρεμασμένες σαν σημύδα, αλλά του δίνει μια πιο φυσική σύνδεση, δίνει μια νέα σαφήνεια στον ευάερο τόνο και ξέρει πώς να μεταδίδει έναν ζωτικό χαρακτήρα στις ενέργειες των γραμμένων με αυτοπεποίθηση και συνοχή άλογα και καβαλάρηδες της μάχης του και σκηνές ληστών που μπορεί κανείς να δει. , για παράδειγμα, στο Μπράουνσβαϊγκ, στο Ασχάφενμπουργκ, στο Ρότερνταμ και στο Βέμπερ στο Αμβούργο.

Τέλος, στην αρχιτεκτονική ζωγραφική ήδη από τον 16ο αιώνα, ακολουθώντας τα μονοπάτια του Steenwick the Elder, ανέπτυξε ένα μεταβατικό ύφος, που συνίστατο στη σταδιακή αντικατάσταση του γράμματος που ακολουθεί τη φύση με καλλιτεχνική γοητεία, ο γιος του Gendrik Steenwick the Younger (1580 - 1649). ), ο οποίος μετακόμισε στο Λονδίνο, και δίπλα του, ο κύριος Έτσι, ο Πήτερ Νεφς ο Πρεσβύτερος (1578 - 1656), του οποίου οι εσωτερικές απόψεις εκκλησιών βρίσκονται στη Δρέσδη, τη Μαδρίτη, το Παρίσι και την Αγία Πετρούπολη.

Γενικά, η φλαμανδική ζωγραφική ήταν προφανώς στον πολύ σωστό δρόμο επιστροφής στη μικρή τέχνη, όταν η μεγάλη τέχνη του Ρούμπενς υψώθηκε από πάνω της σαν τον ήλιο και την μετέφερε μαζί της στο βασίλειο του φωτός και της ελευθερίας.

Peter Paul Rubens (1577 - 1640) - ο ήλιος γύρω από τον οποίο περιστρέφεται όλη η βελγική τέχνη του 17ου αιώνα, αλλά ταυτόχρονα ένας από τους μεγάλους φωτιστές της πανευρωπαϊκής τέχνης αυτής της περιόδου. Σε αντίθεση με όλους τους Ιταλούς ζωγράφους του Μπαρόκ, είναι ο κύριος εκπρόσωπος του Μπαρόκ στη ζωγραφική. Η πληρότητα των μορφών, η ελευθερία κινήσεων, η κυριαρχία στις μάζες, που δίνει γραφικότητα στο μπαρόκ ύφος της αρχιτεκτονικής, στους πίνακες του Ρούμπενς, απαρνούνται τη βαρύτητα της πέτρας και, με τη μεθυστική πολυτέλεια των χρωμάτων, λαμβάνουν ένα ανεξάρτητο, νέο δικαίωμα. να υπάρχει. Με τη δύναμη των μεμονωμένων μορφών, το μεγαλείο της σύνθεσης, την ανθισμένη πληρότητα του φωτός και των χρωμάτων, το πάθος της ζωής στη μεταφορά ξαφνικών ενεργειών, τη δύναμη και τη φωτιά στη συναρπαστική της σωματικής και πνευματικής ζωής του σαρκώδους αρσενικού και θηλυκού του, ντυμένες και αδέσμευτες φιγούρες, ξεπερνά όλους τους άλλους δασκάλους. Το πολυτελές σώμα των ξανθών γυναικών του με γεμάτα μάγουλα, γεμάτα χείλη και χαρούμενο χαμόγελο λάμπει από λευκότητα. Καμμένο από τον ήλιο, το δέρμα των αρσενικών ηρώων του λάμπει και το τολμηρό κυρτό μέτωπό τους ζωντανεύει από ένα ισχυρό τόξο των φρυδιών. Τα πορτρέτα του είναι τα πιο φρέσκα και υγιή, όχι τα πιο ατομικά και οικεία για την εποχή τους. Κανείς δεν ήξερε πώς να αναπαράγει άγρια ​​και εξημερωμένα ζώα τόσο ζωντανά όσο εκείνος, αν και λόγω έλλειψης χρόνου, στις περισσότερες περιπτώσεις, άφηνε τους βοηθούς του να τα απεικονίζουν στους πίνακές του. Στο τοπίο, την εκτέλεση του οποίου ανέθεσε και σε βοηθούς, είδε, πρώτα απ 'όλα, το γενικό αποτέλεσμα λόγω της ατμοσφαιρικής ζωής, αλλά ο ίδιος ζωγράφιζε, ακόμη και σε μεγάλη ηλικία, εκπληκτικά τοπία. Η τέχνη του αγκάλιασε όλο τον κόσμο των πνευματικών και φυσικών φαινομένων, όλη την πολυπλοκότητα του παρελθόντος και του παρόντος. Πίνακες βωμού και πάλι πίνακες βωμού που ζωγράφισε για την εκκλησία. Ζωγράφιζε πορτρέτα και πορτρέτα κυρίως για τον ίδιο και τους φίλους του. Μυθολογικές, αλληγορικές, ιστορικές εικόνες και σκηνές κυνηγιού δημιούργησε για τους μεγάλους αυτού του κόσμου. Οι πίνακες τοπίων και ειδών ήταν περιστασιακές δευτερεύουσες δουλειές.

Οι παραγγελίες έπεσαν βροχή στον Ρούμπενς. Τουλάχιστον δύο χιλιάδες πίνακες βγήκαν από το ατελιέ του. Η μεγάλη ζήτηση για την τέχνη του προκάλεσε τη συχνή επανάληψη ολόκληρων πινάκων ή μεμονωμένων τμημάτων από τα χέρια των μαθητών και των βοηθών του. Στο ζενίθ της ζωής του, συνήθως άφηνε στους βοηθούς του πίνακες ζωγραφικής στο χέρι. Υπάρχουν όλες οι μεταβάσεις ανάμεσα στα δικά του χειρόγραφα έργα και τους πίνακες του στούντιο, για τους οποίους έδωσε μόνο σκίτσα. Με όλη την ομοιότητα των βασικών μορφών και των βασικών διαθέσεων, οι δικοί του πίνακες αποκαλύπτουν σημαντικές αλλαγές στο ύφος, ίδιες με αυτές πολλών συγχρόνων του, από σκληρό πλαστικό μοντελοποίηση και παχιά, βαριά γραφή έως μια ελαφρύτερη, πιο ελεύθερη, φωτεινή εκτέλεση, έως πιο ζωηρά περιγράμματα, έως πιο απαλά, αέρινα μοντελίσματα και γεμάτα διάθεση, που φωτίζονται από τα λουλουδάτα χρώματα της τονικής ζωγραφικής.

Επικεφαλής της πιο πρόσφατης βιβλιογραφίας για τον Ρούμπενς βρίσκεται το ευρέως σχεδιασμένο σωρευτικό έργο του Μαξ Ρούμπενς: Τα Έργα του Ρούμπενς (1887-1892). Τα καλύτερα και πιο σημαντικά βιογραφικά έργα είναι αυτά των Rooses και Michel. Συλλεκτικά έργα, μετά τον Waagen, εκδόθηκαν επίσης από τους Jakob Burchardt, Robert Fischer, Adolf Rosenberg και Wilhelm Bode. Ξεχωριστές ερωτήσεις σχετικά με τον Ρούμπενς αναλύθηκαν από τους Ρούελενς, Βόλτμαν, Ρίγκελ, Γκέλερ φον Ράβενσμπουργκ, Γκρόσμαν, Ρίμανς και άλλους. Ο Ρούμπενς, ως χαράκτης, ασχολήθηκε με το Gimans και το Voorthelm-Schnevogt.

Ο Ρούμπενς γεννήθηκε στο Siegen, κοντά στην Κολωνία, από την αξιοσέβαστη Αμβέρσα και έλαβε την πρώτη του καλλιτεχνική εκπαίδευση στην πόλη των πατέρων του από τον Tobias Verhegt (1561 - 1631), έναν μέτριο τοπιογράφο του μεταβατικού στυλ, στη συνέχεια σπούδασε για τέσσερα χρόνια με τον Adam Van. Noort (1562 - 1641), ένας από τους μέσους δάσκαλους του ήπιου ιταλισμού, όπως είναι σήμερα γνωστό, και στη συνέχεια δούλεψε για άλλα τέσσερα χρόνια με τον Otto Van Ven, έναν πλούσιο σε μυθοπλασία, άδειο σε μορφές ψευδούς κλασικού, στον οποίο πρώτα εντάχθηκε στενά και το 1598 έγινε μάστορας της συντεχνίας. Το 1908, ο Habertzwil αφιέρωσε λεπτομερή άρθρα στους τρεις δασκάλους του Rubens. Είναι αδύνατο να δημιουργηθεί με βεβαιότητα μια ενιαία εικόνα της πρώιμης περιόδου της Αμβέρσας του Ρούμπενς. Από το 1600 έως το 1608 έζησε στην Ιταλία. πρώτα στη Βενετία, μετά κυρίως στην υπηρεσία του Vincenzo Gonzaga στη Μάντοβα. Όμως ήδη το 1601, στη Ρώμη, για τους τρεις βωμούς της εκκλησίας του Santa Croce στη Gerusalemme, ζωγράφισε την εύρεση του σταυρού, την στέψη με αγκάθια και την ύψωση του σταυρού. Αυτοί οι τρεις πίνακες, που τώρα ανήκουν στο παρεκκλήσι ενός νοσοκομείου στο Grasse, στη νότια Γαλλία, αποκαλύπτουν το ύφος της πρώτης του ιταλικής περιόδου, αναζητώντας ακόμα τον εαυτό του, επηρεασμένος ακόμα από αντίγραφα των Tintoretto, Titian και Correggio, αλλά ήδη γεμάτος ανεξάρτητες προσπάθειες. για δύναμη και κίνηση. Το 1603, ο νεαρός κύριος πήγε στην Ισπανία με εντολή του πρίγκιπά του. Από τους πίνακες που ζωγράφισε εκεί, οι μορφές των φιλοσόφων Ηράκλειτου, Δημόκριτου και Αρχιμήδη στο Μουσείο της Μαδρίτης αποκαλύπτουν ακόμη πομπώδεις, εξαρτημένες μορφές, αλλά και έντονη εντύπωση στο ψυχολογικό βάθος. Επιστρέφοντας στη Μάντοβα, ο Ρούμπενς ζωγράφισε ένα μεγάλο τριμερή βωμό, η μεσαία εικόνα του οποίου, με τον φόρο τιμής της οικογένειας Γκονζάγκα στον Αγ. Τριάδα, διατηρήθηκε σε δύο μέρη στη βιβλιοθήκη της Μάντοβα και από τις πλατιές, άφθονες πλαϊνές ζωγραφιές, που έδειχναν τη διαρκώς αυξανόμενη δύναμη των μορφών και των ενεργειών των μαζών, η Βάπτιση του Χριστού κατέληξε στο Μουσείο της Αμβέρσας και η Μεταμόρφωση στην το μουσείο Nancy. Στη συνέχεια, το 1606, ο δάσκαλος ζωγράφισε ξανά στη Ρώμη για την Chiesa Nuova ένα υπέροχο, ήδη γεμάτο ρουμπενσιανή δύναμη στις γεμάτες φως φιγούρες του, τον βωμό της Κοίμησης του Αγίου. Gregory», που τώρα ανήκει στο Μουσείο της Γκρενόμπλ, και στη Ρώμη αντικαταστάθηκε ήδη το 1608 από άλλους τρεις, καθόλου καλύτερους πίνακες του ίδιου δασκάλου. Πιο ξεκάθαρα θυμίζει το στυλ του Καραβάτζιο η θεαματική «Περιτομή του Χριστού» του 1607 στο Sant'Ambrogio της Γένοβας. Ωστόσο, ερευνητές όπως ο Rooses και ο Rosenberg αποδίδουν τον δάσκαλο στην ιταλική περίοδο, όταν αντέγραψε τα έργα των Τιτσιάνο, Τιντορέτο, Κορρέτζιο, Καραβάτζιο, Λεονάρντο, Μιχαήλ Άγγελο και Ραφαήλ, καθώς και μια σειρά από πίνακες ζωγραφικής με το πινέλο του, προφανώς, ωστόσο, γραμμένοι. αργότερα. Μεγάλες αλληγορίες επίδειξης και αρετής στη Δρέσδη, με καταγωγή από τη Μάντοβα, έντονες σε μορφή και χρώμα, αν δεν γράφτηκαν, όπως νομίζει ο Μισέλ μαζί μας, γύρω στο 1608 στη Μάντοβα, τότε μάλλον παραδεχόμαστε, μαζί με τον Μπόντε, ότι εμφανίστηκαν σύμφωνα με επιστροφή του Ρούμπενς στην πατρίδα του παρά με τον Ρούζερς, που γράφτηκαν πριν από το ιταλικό του ταξίδι στην Αμβέρσα. Η με αυτοπεποίθηση σχεδιασμένη και πλαστικά διαμορφωμένη εικόνα του Ιερώνυμου στη Δρέσδη αποκαλύπτει επίσης έναν περίεργο ρουμπενσιανό τρόπο, ίσως και πολύ ανεπτυγμένο για την ιταλική του περίοδο, στην οποία αποδίδουμε τώρα αυτήν την εικόνα. Μετά την επιστροφή του Ρούμπενς το 1608 στην Αμβέρσα, ήδη το 1609 διορίστηκε ζωγράφος της αυλής του Άλμπρεχτ και της Ισαβέλλας και το στυλ του, ήδη ανεξάρτητο, εξελίχθηκε γρήγορα σε μεγαλειώδη δύναμη και μεγαλοπρέπεια.

Ακατάστατο στη σύνθεση, ανήσυχο στο περίγραμμα, ανομοιόμορφο σε εφέ φωτισμού είναι η Προσκύνηση των Μάγων του (1609-1610) στη Μαδρίτη, που χαρακτηρίζεται, ωστόσο, από μια ισχυρή κίνηση. Γεμάτος ζωή και πάθος, ισχυρός στη μυϊκή μοντελοποίηση σωμάτων, η περίφημη τριμερής εικόνα του «Ύψωση του Σταυρού» στον Καθεδρικό Ναό της Αμβέρσας. Πιο δυνατές ιταλικές μνήμες γίνονται αισθητές σε ταυτόχρονες μυθολογικές εικόνες, όπως η Αφροδίτη, ο Έρως, ο Βάκχος και η Δήμητρα στο Κάσελ και ο εύσωμος, αλυσοδεμένος Προμηθέας στο Όλντενμπουργκ. Χαρακτηριστικά παραδείγματα πορτραίτου μεγάλης κλίμακας αυτής της εποχής είναι τα τοπικά πορτρέτα του Άλμπρεχτ και της Ισαβέλλας στη Μαδρίτη και η υπέροχη εικόνα του Μονάχου, που αναπαριστά σε μια κληματαριά τον ίδιο τον κύριο με τη νεαρή σύζυγό του, Ισαβέλλα Μπραντ, που έφεραν πίσω στην πατρίδα του το 1609. , μια ασύγκριτη εικόνα ήρεμης αγνή αγάπης ευτυχίας.

Η τέχνη του Ρούμπενς ανακάλυψε μια περαιτέρω πτήση μεταξύ 1611 και 1614. Ο τεράστιος πίνακας «Κάθοδος από τον Σταυρό» με το μεγαλοπρεπές «Visit Mary Elizabeth» και «Entrance into the Temple» στα φτερά, στον Καθεδρικό Ναό της Αμβέρσας, θεωρείται το πρώτο έργο στο οποίο ο πλοίαρχος έφερε τους τύπους του και τον τρόπο γραφής του. στην πλήρη ανάπτυξη. Υπέροχη είναι η παθιασμένη ζωντάνια των μεμονωμένων κινήσεων, ακόμα πιο υπέροχη η διεισδυτική δύναμη της εικαστικής απόδοσης. Μυθολογικοί πίνακες όπως ο «Ρωμύλος και ο Ρέμος» στην γκαλερί Capitoline, «Faun and Faun» στην γκαλερί Schonborn της Βιέννης ανήκουν επίσης σε αυτά τα χρόνια.

Πίνακες του Ρούμπενς το 1613 και το 1614, με αυτοπεποίθηση στη σύνθεση, με σαφώς καθορισμένες μορφές και χρώματα, είναι μερικοί πίνακες που χαρακτηρίζονται ως εξαίρεση με το όνομά του και το έτος εκτέλεσης. Τέτοιοι είναι οι καθαροί σε μορφή, όμορφοι στα χρώματα πίνακας «Δίας και Καλλιστώ» (1613), γεμάτος μαγικό φως «Flight into Egypt» στο Kassel, «Frozen Venus» (1614) στην Αμβέρσα, αξιολύπητος «Lamentation» (1614) στο Η Βιέννη και η «Σουζάνα» (1614) στη Στοκχόλμη, το σώμα της οποίας είναι αναμφίβολα πιο ευχάριστο και πιο κατανοητό από το υπερβολικά πολυτελές σώμα της προηγούμενης Σουζάνας του στη Μαδρίτη. από άποψη ζωγραφικής, ισχυρές συμβολικές εικόνες του μοναχικού σταυρωμένου Χριστού με φόντο έναν σκοτεινό ουρανό στο Μόναχο και την Αμβέρσα γειτνιάζουν με αυτούς τους πίνακες.

Από εκείνη την εποχή, οι παραγγελίες στο στούντιο του Ρούμπενς συσσωρεύτηκαν σε τέτοιο βαθμό που έδωσε στους βοηθούς του μια πιο εμφανή συμμετοχή στην εκτέλεση των έργων του. Το παλαιότερο, εκτός από τον Jan Brueghel, ανήκει στον εξαιρετικό ζωγράφο ζώων και φρούτων Frans Snyders (1579 - 1657), σύμφωνα με τον ίδιο τον Rubens, ο οποίος ζωγράφισε τον αετό στον πίνακα του Όλντενμπουργκ με τον Προμηθέα που αναφέραμε παραπάνω, και τον ζωηρό τοπιογράφο Jan Wildens ( 1586 - 1653), ο οποίος εργάστηκε από το 1618 για τον Ρούμπενς. Ο πιο αξιόλογος συνεργάτης ήταν ο Anton van Dyck (1599 - 1641), ο οποίος αργότερα έγινε ανεξάρτητη προσωπικότητα. Σε κάθε περίπτωση, έχοντας γίνει κύριος το 1618, ήταν μέχρι το 1620 το δεξί χέρι του Ρούμπενς. Οι πίνακες του ίδιου του Ρούμπενς αυτών των χρόνων συνήθως αντιπαραβάλλουν τη γαλαζωπή μισοφέγγαρα του σώματος με μια κοκκινοκίτρινη κηλίδα φωτός, ενώ οι πίνακες με την ξεκάθαρη συνεργασία του Van Dyck διακρίνονται από ένα ομοιόμορφο ζεστό chiaroscuro και μια πιο νευρική εικαστική μετάδοση. Ανάμεσά τους υπάρχουν έξι μεγάλες, ζωγραφισμένες με ενθουσιασμό εικόνες από τη ζωή του Ρωμαίου προξένου Decius Moussa, στο παλάτι του Λιχτενστάιν στη Βιέννη, τα χαρτόνια των οποίων ο Ρούμπενς έφτιαξε για υφαντά χαλιά το 1618 (τα σωζόμενα αντίγραφα βρίσκονται στη Μαδρίτη) και μεγάλοι διακοσμητικοί πίνακες ζωγραφικής (διατηρούνται μόνο σκίτσα σε διάφορες συλλογές), και μερικά από τα θεαματικά σε σύνθεση, με πολλές μορφές των βωμών αυτής της εκκλησίας, «Το θαύμα του Αγ. Xavier» και «Miracle of St. Ignatius», που σώθηκε από το Μουσείο της Αυλής της Βιέννης. Η συνεργασία του Van Dyck είναι επίσης αναμφισβήτητη στην τεράστια Σταύρωση στην Αμβέρσα, στην οποία ο Longinus, έφιππος, τρυπάει την πλευρά του Σωτήρος με δόρυ, στη Madonna με μετανοούντες αμαρτωλούς στο Κάσελ και σύμφωνα με τον Bode επίσης στην Ημέρα της Τριάδας του Μονάχου και στον Λάζαρο του Βερολίνου, σύμφωνα με τον Rooses και στο δραματικό κυνήγι του λιονταριού και στην όχι λιγότερο δραματική, παθιασμένη και γρήγορη απαγωγή των κορών του Λεύκιππου στο Μόναχο. Όλοι αυτοί οι πίνακες λάμπουν όχι μόνο με την τολμηρή δύναμη της σύνθεσης του Ρούμπενς, αλλά και με τη διεισδυτική λεπτότητα της αίσθησης της ζωγραφικής του Βαν Ντικ. Ανάμεσα στους ζωγραφικούς πίνακες ζωγραφικής στο χέρι, που ζωγράφισε στα κύρια μέρη ο ίδιος ο Ρούμπενς μεταξύ 1615 και 1620, υπάρχουν επίσης οι καλύτεροι θρησκευτικοί πίνακες - γεμάτοι με εξωφρενικές, ταραγμένες μαζικές κινήσεις "The Last Judgment" στο Μόναχο και γεμάτοι εσωτερικά κινούμενα σχέδια "Assumption of Παναγία» στις Βρυξέλλες και στη Βιέννη, καθώς και αριστουργηματικούς μυθολογικούς πίνακες, πολυτελή «βαχανάλια» και εικόνες του «Θιάζου» στο Μόναχο, το Βερολίνο, την Αγία Πετρούπολη και τη Δρέσδη, όπου μεταφράζεται η δύναμη της ξεχειλισμένης αισθησιακής χαράς της ζωής. από τα ρωμαϊκά στα φλαμανδικά, προφανώς φτάνει σε πλήρη έκφραση για πρώτη φορά. Εδώ γειτνιάζει η «Μάχη των Αμαζόνων» στο Μόναχο (1620 περίπου), μια δημιουργία απρόσιτη με την έννοια της γραφικής μετάδοσης της πιο βίαιης συμπλοκής και μάχης, αν και γραμμένη σε μικρό μέγεθος. Έπειτα, υπάρχουν γυμνά παιδιά σε φυσικό μέγεθος, όπως εξαιρετικός στόκος με μια γιρλάντα από φρούτα στο Μόναχο, μετά βίαιες σκηνές κυνηγιού, κυνήγι λιονταριών, από τα οποία το καλύτερο είναι στο Μόναχο, και κυνήγι κάπρου, από τα οποία το καλύτερο κρέμεται στη Δρέσδη. Ακολουθούν οι πρώτοι πίνακες τοπίων με μυθολογικές προσθήκες, για παράδειγμα, η πλήρης διάθεση του Ναυαγίου του Αινεία στο Βερολίνο ή με φυσικό περιβάλλον, όπως το λαμπερό ρωμαϊκό τοπίο με τα ερείπια στο Λούβρο (περίπου 1615) και τα τοπία γεμάτα ζωή «Καλοκαίρι» και «Χειμώνας (περίπου 1620) στο Ουίνδσορ. Με μεγαλοπρέπεια, γραμμένα ευρέως και αληθινά, χωρίς υπαινιγμό των παλαιών μανιερισμών, φωτισμένα από το φως κάθε είδους ουράνιων εκδηλώσεων, στέκονται σαν ορόσημα στην ιστορία της τοπογραφίας.

Ξεκάθαρα, μεγαλοπρεπώς, δυνατά, εμφανίζονται επιτέλους τα πορτρέτα του Ρούμπενς αυτής της πενταετίας. Ένα αριστοτεχνικό έργο της αυτοπροσωπογραφίας του στο Ουφίτσι, η ομάδα πορτρέτων του "Τέσσερις Φιλόσοφοι" στο Παλάτι Πίτι είναι υπέροχο. Στο απόγειο της ομορφιάς της βρίσκεται η σύζυγός του Ισαβέλλα στα ευγενή πορτρέτα του Βερολίνου και της Χάγης. Γύρω στο 1620, ένα εκπληκτικό πορτρέτο της Susanna Fuhrman με ένα καπέλο με φτερό, με το πιο λεπτό chiaroscuro, ζωγραφίστηκε επίσης στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου. Τα διάσημα ανδρικά πορτρέτα του δασκάλου αυτών των χρόνων μπορείτε να τα δείτε στο Μόναχο και στην Πινακοθήκη του Λιχτενστάιν. Με πόσο πάθος απεικόνιζε ο Ρούμπενς επεισόδια από την ιερή παγκόσμια ιστορία, σκηνές κυνηγιού, ακόμη και τοπία, ζωγράφισε τις φιγούρες του πορτραίτου εξίσου ήρεμα, όντας σε θέση να μεταδώσει το σωματικό τους κέλυφος με μνημειώδη δύναμη και αλήθεια, αλλά χωρίς να προσπαθεί να πνευματοποιηθεί εσωτερικά, αντιληπτή μόνο γενικά , τα χαρακτηριστικά του προσώπου.

Ο Van Dyck άφησε το Rubens το 1620 και η σύζυγός του Isabella Brant πέθανε το 1626. Μια νέα ώθηση για την τέχνη του ήταν ο εκ νέου γάμος του με την όμορφη νεαρή Helena Furman το 1630. Ωστόσο, τα καλλιτεχνικά και διπλωματικά του ταξίδια στο Παρίσι λειτούργησαν επίσης ως ώθηση (1622, 1623, 1625), Μαδρίτη (1628, 1629) και Λονδίνο (1629, 1630). Από τις δύο μεγάλες ιστορικές σειρές με αλληγορίες, 21 τεράστιοι πίνακες από τη ζωή της Marie de Medici (την ιστορία έγραψε ο Grossman) ανήκουν πλέον στα καλύτερα διακοσμητικά του Λούβρου. Σκιαγραφημένοι από το αριστοτεχνικό χέρι του Ρούμπενς, ζωγραφισμένοι από τους μαθητές του, τελειωμένοι από τον ίδιο, αυτοί οι ιστορικοί πίνακες είναι γεμάτοι με πολλά σύγχρονα πορτρέτα και αλληγορικές μυθολογικές φιγούρες στο πνεύμα του σύγχρονου μπαρόκ και παρουσιάζουν μια τέτοια μάζα από ατομικές ομορφιές και τέτοια καλλιτεχνική αρμονία που θα παραμείνουν για πάντα τα καλύτερα έργα ζωγραφικής του 17ου αιώνα. Από μια σειρά από πίνακες της ζωής του Ερρίκου Δ' της Γαλλίας, δύο μισοτελειωμένοι κατέληξαν στο Ουφίτσι. σκίτσα για άλλους φυλάσσονται σε διαφορετικές συλλογές. Οι εννέα πίνακες που δοξάζουν τον Ιάκωβο Α' της Αγγλίας, με τους οποίους ο Ρούμπενς λίγα χρόνια αργότερα διακόσμησε τα χωράφια της κεντρικής αίθουσας στο White Hall, μαυρισμένα από την αιθάλη του Λονδίνου, είναι αγνώριστοι, αλλά οι ίδιοι δεν ανήκουν στα πιο επιτυχημένα έργα του πλοιάρχου .

Από τους θρησκευτικούς πίνακες που ζωγράφισε ο Ρούμπενς στη δεκαετία του 20, η μεγάλη φλογερή "Λατρεία των Μάγων" στην Αμβέρσα, που ολοκληρώθηκε το 1625, σηματοδοτεί και πάλι μια καμπή στην καλλιτεχνική του ανάπτυξη με το πιο ελεύθερο και ευρύτερο πινέλο, την ελαφρύτερη γλώσσα των μορφών και πιο χρυσή. , αέρινος χρωματισμός.. Η ανάλαφρη, ευάερη «Κοίμηση της Θεοτόκου» του Καθεδρικού Ναού της Αμβέρσας ολοκληρώθηκε το 1626. Ακολουθεί η γραφική, δωρεάν «Προσκύνηση των Μάγων» στο Λούβρο και «Η Εκπαίδευση της Παναγίας» στην Αμβέρσα. Στη Μαδρίτη, όπου ο δάσκαλος σπούδασε και πάλι τον Τιτσιάνο, ο χρωματισμός του έγινε πιο πλούσιος και «ανθισμένος». Η «Μαντόνα» με αγίους να τη λατρεύουν στην εκκλησία των Αυγουστινίων στην Αμβέρσα είναι μια πιο μπαρόκ επανάληψη της Frari Madonna του Τιτσιάνο. Ένα ουσιαστικά αναθεωρημένο μέρος του «Θριάμβου του Καίσαρα» της Mantegna, που βρίσκεται το 1629 στο Λονδίνο (τώρα στην Εθνική Πινακοθήκη), κρίνοντας από την επιστολή της, θα μπορούσε επίσης να εμφανιστεί μόνο μετά από αυτό το διάστημα. Αυτή η δεκαετία είναι ιδιαίτερα πλούσια σε μεγάλα πορτρέτα του πλοιάρχου. Μεγαλύτερη, αλλά ακόμα γεμάτη ζεστασιά, είναι η Isabella Brant σε ένα όμορφο πορτρέτο του Ερμιτάζ. ήδη πιο έντονα χαρακτηριστικά αντιπροσωπεύονται από το πορτρέτο στο Ουφίτσι. Από τα πιο ωραία και πολύχρωμα είναι το διπλό πορτρέτο των γιων του στην Πινακοθήκη του Λιχτενστάιν. Το εκφραστικό πορτρέτο του Caspar Gevaert στο γραφείο του στην Αμβέρσα είναι διάσημο. Και ο ίδιος ο ηλικιωμένος κύριος εμφανίζεται μπροστά μας με ένα λεπτό διπλωματικό χαμόγελο στα χείλη του σε ένα όμορφο πορτρέτο προτομής της Αρεμβέργης στις Βρυξέλλες.

Η τελευταία δεκαετία που έπεσε στον κλήρο του Ρούμπενς (1631 - 1640) βρισκόταν κάτω από το αστέρι της αγαπημένης του δεύτερης συζύγου, Έλενας Φούρμαν, την οποία ζωγράφισε σε όλες τις μορφές, και που τον υπηρέτησε ως φύση για θρησκευτικούς και μυθολογικούς πίνακες. Τα καλύτερα πορτρέτα της από τον Ρούμπενς ανήκουν στα πιο όμορφα γυναικεία πορτρέτα στον κόσμο: μισό μήκος, με πλούσιο φόρεμα, καπέλο με φτερό. Σε φυσικό μέγεθος, καθιστή, με ένα πολυτελές φόρεμα ανοιχτό στο στήθος. σε μια μικρή μορφή, δίπλα στον σύζυγό της για μια βόλτα στον κήπο - είναι στο Pinakothek του Μονάχου. γυμνό, μόνο εν μέρει καλυμμένο με γούνινο μανδύα - στο Μουσείο της Αυλής της Βιέννης. σε ένα κοστούμι για περπάτημα στο χωράφι - στο Ερμιτάζ. με το πρωτότοκό της στα φύλλα, αγκαλιά με τον σύζυγό της, και επίσης στο δρόμο, συνοδευόμενη από μια σελίδα - στον βαρόνο Alphonse Rothschild στο Παρίσι.

Τα σημαντικότερα εκκλησιαστικά έργα αυτής της ακμάζουσας, λαμπερής ύστερης εποχής του μαστού είναι η μεγαλειώδης και ήρεμη σύνθεση, που λάμπει με όλα τα χρώματα του ουράνιου τόξου, ο βωμός του Αγ. Ildefons με ισχυρές φιγούρες δωρητών στις πόρτες του Μουσείου της Αυλής της Βιέννης και έναν υπέροχο βωμό στο ταφικό παρεκκλήσι του Ρούμπενς στην Εκκλησία του Ιακώβ στην Αμβέρσα, με αγίους της πόλης ζωγραφισμένους από πρόσωπα κοντά στον πλοίαρχο. Πιο απλά έργα, όπως: St. Η Cecilia στο Βερολίνο και η υπέροχη Bathsheba στη Δρέσδη δεν υστερούν σε τόνους και χρώματα. Μεταξύ των πολύτιμων μυθολογικών εικόνων αυτής της περιόδου είναι οι αστραφτερές κρίσεις του Παρισιού στο Λονδίνο και τη Μαδρίτη. και τι παθιασμένη ζωντάνια αναπνέει το κυνήγι της Νταϊάνα στο Βερολίνο, πόσο παραμυθένια πολυτελή η γιορτή της Αφροδίτης στη Βιέννη, τι μαγικό φως φωτίζει τον Ορφέα και την Ευρυδίκη στη Μαδρίτη!

Προπαρασκευαστικές για αυτού του είδους τους πίνακες είναι μερικές εικόνες του είδους του πλοιάρχου. Έτσι, ο χαρακτήρας του μυθολογικού είδους αποτυπώνει το τολμηρά αισθησιακό, σε φυσικό μέγεθος «Hour of Date» στο Μόναχο.

Τα πρωτότυπα όλων των κοσμικών σκηνών του Watteau είναι οι περίφημοι, με ιπτάμενους θεούς της αγάπης, πίνακες που ονομάζονται «Gardens of Love», με ομάδες πολυτελώς ντυμένων ερωτευμένων ζευγαριών σε ένα φεστιβάλ στον κήπο. Ένα από τα καλύτερα έργα αυτού του είδους ανήκει στον Baron Rothschild στο Παρίσι, το άλλο βρίσκεται στο Μουσείο της Μαδρίτης. Οι πιο σημαντικοί πίνακες του είδους με μικρές φιγούρες από τη λαϊκή ζωή, ζωγραφισμένοι από τον Ρούμπενς, είναι ο μεγαλειώδης και ζωτικής σημασίας, καθαρά ρουμπενσιανός χωρικός χορός στη Μαδρίτη, το τουρνουά μισού τοπίου μπροστά από την τάφρο του κάστρου, στο Λούβρο και η έκθεση. στην ίδια συλλογή, τα κίνητρα της οποίας θυμίζουν ήδη Teniers.

Τα περισσότερα από τα πραγματικά τοπία του Ρούμπενς ανήκουν επίσης στα τελευταία χρόνια της ζωής του: τέτοιο είναι το λαμπερό τοπίο με τον Οδυσσέα στο παλάτι Pitti, τέτοια είναι τα τοπία, νέα στο σχεδιασμό, καλλιτεχνικά εξηγούμενα, με μια απλή και ευρεία εικόνα του περιβάλλοντος , η επίπεδη περιοχή στην οποία βρισκόταν η ντάκα του Ρούμπενς, και με μια μαγευτική, γεμάτη διάθεση μεταφορικών ουρανών. Τα πιο όμορφα είναι το πύρινο ηλιοβασίλεμα στο Λονδίνο και τα τοπία με ουράνιο τόξο στο Μόναχο και την Αγία Πετρούπολη.

Ό,τι κι αν ανέλαβε ο Ρούμπενς, μετέτρεψε τα πάντα σε λαμπερό χρυσάφι. και όποιος ερχόταν σε επαφή με την τέχνη του, ως συνεργάτης ή οπαδός, δεν μπορούσε πλέον να ξεφύγει από τον φαύλο κύκλο του.

Από τους πολυάριθμους μαθητές του Rubens, μόνο ο Anton van Dyck (1599 - 1641) - του οποίου το φως, φυσικά, παραπέμπει στο φως του Rubens, όπως το σεληνιακό φως του ήλιου - φτάνει στους ουρανούς της τέχνης με ένα κεφάλι που φωτίζεται από λαμπρότητα. Αν και ο Μπάλεν θεωρείται ο πραγματικός του δάσκαλος, ο ίδιος ο Ρούμπενς τον αποκάλεσε μαθητή του. Εν πάση περιπτώσει, η νεανική του ανάπτυξη, απ' όσο γνωρίζουμε, ήταν υπό την επιρροή του Ρούμπενς, από τον οποίο δεν παρεκκλίνει ποτέ εντελώς, αλλά, σύμφωνα με την πιο εντυπωσιακή ιδιοσυγκρασία του, ξαναδουλεύει με έναν πιο νευρικό, απαλό και λεπτό τρόπο στη ζωγραφική. και λιγότερο δυνατό στο σχέδιο.. Μια μακρά παραμονή στην Ιταλία τον μετέτρεψε τελικά σε ζωγράφο και δεξιοτέχνη των χρωμάτων. Δεν ήταν δουλειά του να εφεύρει και να επιδεινώσει δραματικά τη ζωντανή δράση, αλλά ήξερε πώς να τοποθετεί φιγούρες στους ιστορικούς πίνακές του σε σαφώς μελετημένες σχέσεις μεταξύ τους και να μεταδίδει στα πορτρέτα του τα λεπτά χαρακτηριστικά της κοινωνικής θέσης, που έγινε ο αγαπημένος ζωγράφος των ευγενών της εποχής του.

Τα τελευταία έργα σύνοψης για τον Van Dyck είναι των Michiels, Giffrey, Kust και Schaeffer. Ξεχωριστές σελίδες της ζωής και της τέχνης του εξήγησαν οι Vibiral, Bode, Hymans, Rooses, Lau, Menotti και ο συγγραφέας αυτού του βιβλίου. Ακόμη και τώρα διαφωνούν για τη διάκριση μεταξύ διαφορετικών περιόδων ζωής, που συνδέονταν κυρίως με τα ταξίδια. Σύμφωνα με τις τελευταίες έρευνες, εργάστηκε μέχρι το 1620 στην Αμβέρσα, το 1620 - 1621 στο Λονδίνο, το 1621 - 1627 στην Ιταλία, κυρίως στη Γένοβα, με ένα διάλειμμα από το 1622 έως το 1623, όπως έδειξε ο Rooses, πιθανότατα στο σπίτι, το 1627 - 1628 στην Ολλανδία, μετά ξανά στην Αμβέρσα, και από το 1632 ως αυλικός ζωγράφος του Καρόλου Α' στο Λονδίνο, όπου πέθανε το 1641, και κατά την περίοδο αυτή, το 1634 - 1635 ήταν στις Βρυξέλλες, το 1640 και το 1641 στην Αμβέρσα και το Παρίσι.

Δεν υπάρχουν σχεδόν καθόλου πρώιμα έργα του Van Dyck στα οποία η επιρροή του Rubens δεν θα ήταν αισθητή. Ακόμη και η πρώιμη Αποστολική του σειρά δείχνει ήδη ίχνη του Ρουμπενσιανού τρόπου. Από αυτά, μερικά από τα αρχικά κεφάλια σώζονται στη Δρέσδη, άλλα στο Althorp. Ανάμεσα στους θρησκευτικούς πίνακες που φιλοτέχνησε ο Van Dyck σύμφωνα με το δικό του σχέδιο, με δικό του κίνδυνο και κίνδυνο, από το 1618 έως το 1620, ενώ βρισκόταν στην υπηρεσία του Rubens, ανήκουν στο «Μαρτύριο του Αγ. Sebastian», με την υπερφορτωμένη παλιά σύνθεση «Lamentation of Christ» και «Bathing Susanna» στο Μόναχο. «Ο Θωμάς στην Αγία Πετρούπολη», «Το Χάλκινο Φίδι» στη Μαδρίτη. Κανένας από αυτούς τους πίνακες δεν μπορεί να καυχηθεί για τέλεια σύνθεση, αλλά είναι καλά βαμμένος και ανθισμένος στο χρώμα. Το «Jerome» της Δρέσδης είναι γραφικό και βαθιά αισθητό στην ψυχή, αντιπροσωπεύοντας μια ζωντανή αντίθεση με τον γειτονικό πιο ήρεμο και χονδρικά γραμμένο Jerome Rubens.

Στη συνέχεια ακολουθούν: Η κοροϊδία του Χριστού στο Βερολίνο, ο πιο δυνατός και εκφραστικός από αυτούς τους ημι-Ρούμπενς πίνακες, και όμορφος στη σύνθεση, αναμφίβολα σκιαγραφημένος από τους Rubens, St. Martin» στο Windsor, καθισμένος σε ένα άλογο, απλώνοντας έναν μανδύα σε έναν ζητιάνο. Η απλοποιημένη και πιο αδύναμη επανάληψη αυτού του Μάρτιν στην εκκλησία του Σάβενταμ είναι πιο κοντά στον μεταγενέστερο τρόπο του κυρίου.

Ο Van Dyck είναι ένας σπουδαίος καλλιτέχνης σε αυτήν την εποχή του Rubens, ειδικά στα πορτρέτα του. Μερικά από αυτά, συνδυάζοντας τα γνωστά πλεονεκτήματα και των δύο δασκάλων, αποδόθηκαν στον Ρούμπενς τον 19ο αιώνα, μέχρι που ο Μπόντε τα επέστρεψε στον Βαν Ντικ. Είναι πιο ατομικά σε ατομικά χαρακτηριστικά, πιο νευρικά στην έκφραση, πιο απαλά και βαθύτερα στη γραφή από τα ταυτόχρονα πορτρέτα του Ρούμπενς. Τα παλαιότερα από αυτά τα ημι-Ρούμπενς πορτρέτα του Van Dyck είναι και τα δύο πορτρέτα προτομής ενός ηλικιωμένου παντρεμένου ζευγαριού το 1618 στη Δρέσδη, τα πιο όμορφα είναι οι μισές φιγούρες δύο παντρεμένων ζευγαριών στην γκαλερί του Λιχτενστάιν: μια γυναίκα με χρυσό κορδόνι στο στήθος της , ένας κύριος που τραβάει γάντια και κάθεται μπροστά σε μια κόκκινη κουρτίνα κυρία με ένα παιδί στην αγκαλιά της, στη Δρέσδη. Η υπέροχη Isabella Brant του Ερμιτάζ του ανήκει και από το Λούβρο ένα διπλό πορτρέτο του υποτιθέμενου Jean Grusset Richardeau και του γιου του που στέκεται δίπλα του. Από τα διπλά πορτρέτα, είναι γνωστοί οι σύζυγοι που στέκονται ο ένας δίπλα στον άλλο - το πορτρέτο του Φρανς Σνάιντερς και της συζύγου του με πολύ αναγκαστικές πόζες, ο Γιαν ντε Βάελ και η γυναίκα του στο Μόναχο, είναι το πιο γραφικό. Τέλος, στις νεανικές αυτοπροσωπογραφίες του δασκάλου, με μια στοχαστική, γεμάτη αυτοπεποίθηση ματιά, στην Αγία Πετρούπολη, στο Μόναχο και στο Λονδίνο, η ίδια η ηλικία του, περίπου είκοσι, υποδηλώνει μια πρώιμη περίοδο.

Από θρησκευτικούς πίνακες ζωγραφικής του Van Dyck μεταξύ 1621 - 1627. στην Ιταλία, στο νότο, έμεινε μια όμορφη σκηνή, εμπνευσμένη από τον Τιτσιάνο, με το «Κέρμα του Πέτρου» και τη «Μαρία με το παιδί» σε ένα πύρινο φωτοστέφανο, στο Palazzo Bianco, που θυμίζει Rubens, η «Σταύρωση» στο το βασιλικό παλάτι στη Γένοβα, με τρυφερά γραφικό και πνευματικό τρόπο, ο Τάφος της Πινακοθήκης Μποργκέζε στη Ρώμη, το άτονο κεφάλι της Μαρίας στο Παλάτι Πίτι, η υπέροχη, λαμπερή οικογένεια στην Πινακοθήκη του Τορίνο και η ισχυρή, αλλά μάλλον μορφωμένη βωμός της Madonna del Rosario στο Παλέρμο με επιμήκεις φιγούρες. Από τους κοσμικούς πίνακες, θα αναφέρουμε εδώ μόνο τον όμορφο, στο πνεύμα του Giorgione, τον πίνακα που απεικονίζει τις τρεις εποχές της ζωής στο μουσείο της πόλης στη Vincenza και τον απλό στη σύνθεση, αλλά φλογερό πίνακα "Diana and Endimon" στη Μαδρίτη.

Μια σίγουρη, σταθερή και ταυτόχρονα απαλή μοντελοποίηση σε σκούρο chiaroscuro και ένας βαθύς, πλούσιος χρωματισμός των ιταλικών κεφαλιών που αγωνίζονται για ενότητα της διάθεσης εκδηλώνονται επίσης στα ιταλικά, ειδικά γενουατικά πορτρέτα του. Ζωγραφισμένο σε μια τολμηρή προτόνωση, σχεδόν απέναντι από τον θεατή, το έφιππο πορτρέτο του Antonio Giulio Brignole Sale, που κουνάει το καπέλο του στο δεξί του χέρι ως ένδειξη χαιρετισμού, που βρίσκεται στο Palazzo Rossi στη Γένοβα, ήταν μια πραγματική ένδειξη του νέου μονοπατιού. Noble, με μπαρόκ κολώνες και κουρτίνες στο βάθος, στέκονται τα πορτρέτα της Signora Geronimo Brignole Sale με την κόρη της Paola Adorio με σκούρο μπλε μεταξωτό φόρεμα με χρυσοκέντημα και έναν νεαρό άνδρα με ρούχα ευγενούς, από την ίδια συλλογή. στο απόγειο της απόλυτης τέχνης πορτρέτου. Συνοδεύονται από πορτρέτα της Marchesa Durazzo με ανοιχτό κίτρινο μεταξωτό δαμασκηνό φόρεμα, με παιδιά, μπροστά από μια κόκκινη κουρτίνα, ένα ζωηρό ομαδικό πορτρέτο τριών παιδιών με έναν σκύλο και ένα ευγενές πορτρέτο ενός αγοριού με λευκό φόρεμα, με ένας παπαγάλος, που φυλάσσεται στο Palazzo Durazzo Pallavicini. Στη Ρώμη, η γκαλερί Capitoline έχει ένα πολύ ζωτικής σημασίας διπλό πορτρέτο του Luca και του Cornelis de Wael· στη Φλωρεντία, στο Palazzo Pitti, υπάρχει ένα πνευματικά εκφραστικό πορτρέτο του καρδινάλιου Giulio Bentivoglio. Άλλα πορτρέτα της ιταλικής περιόδου του Van Dyck βρήκαν το δρόμο τους στο εξωτερικό. Ένα από τα καλύτερα ανήκει στον Pierpont Morgan στη Νέα Υόρκη, αλλά μπορούν επίσης να βρεθούν στο Λονδίνο, το Βερολίνο, τη Δρέσδη και το Μόναχο.

Η πενταετία (1627 - 1632) που πέρασε ο πλοίαρχος στην πατρίδα του μετά την επιστροφή από την Ιταλία αποδείχθηκε εξαιρετικά γόνιμη. Μεγάλοι, γεμάτοι κίνηση βωμοί, τι είναι οι ισχυροί Σταυροί στην εκκλησία του Αγ. Το Zhen στο Dendermonde, στην εκκλησία του Michael στη Γάνδη, και στην εκκλησία του Romuald στο Meheln, και το παρακείμενο "Ύψωση του Σταυρού" στην εκκλησία του St. Το Gens in Courtrai δεν τον αντιπροσωπεύει όπως και τα έργα γεμάτα εσωτερική ζωή, στα οποία συμπεριλαμβάνουμε τη Σταύρωση με την επικείμενη στο Μουσείο της Λιλ, το "Rest during the Flight" στο Μόναχο και μεμονωμένες Σταυρώσεις γεμάτες συναίσθημα στην Αμβέρσα, τη Βιέννη και Μόναχο. Αυτοί οι πίνακες μεταφράζουν τις εικόνες του Ρούμπενς από την ηρωική γλώσσα στη γλώσσα του συναισθήματος. Οι πιο όμορφοι πίνακες αυτής της περιόδου περιλαμβάνουν τη Madonna με ένα γονατιστό ζευγάρι δωρητών και αγγέλων που ρίχνουν λουλούδια στο Λούβρο, τη Madonna με το Χριστό Παιδί να στέκεται στο Μόναχο και την πλήρη διάθεση του "Lament over Christ" στην Αμβέρσα, το Μόναχο, το Βερολίνο και Παρίσι. Οι μαντόνες και οι θρήνοι γενικότερα ήταν τα αγαπημένα θέματα του Βαν Ντάικ. Σπάνια έπαιρνε εικόνες παγανιστικών θεών, αν και ο Ηρακλής του στο σταυροδρόμι στο Ουφίτσι, οι εικόνες της Αφροδίτης, του Βουλκάνου, της Βιέννης και του Παρισιού δείχνουν ότι ήταν σε θέση να τους αντιμετωπίσει σε κάποιο βαθμό. Παρέμεινε κυρίως προσωπογράφος. Περίπου 150 πορτρέτα του πινέλου του έχουν διατηρηθεί από αυτή την πενταετία. Τα χαρακτηριστικά του προσώπου τους είναι ακόμη πιο έντονα, σε τυπικά χαριτωμένα, ανενεργά χέρια υπάρχει ακόμη λιγότερη έκφραση από ό,τι σε ιταλικούς πίνακες του ίδιου είδους. Μια κάπως πιο αριστοκρατική ευκολία προστέθηκε στη στάση τους και μια πιο λεπτή γενική διάθεση εμφανίστηκε στον πιο κρύο χρωματισμό. Τα ρούχα συνήθως πέφτουν εύκολα και ελεύθερα, αλλά υλικά. Ανάμεσα στα πιο όμορφα από αυτά, ζωγραφισμένα σε πλήρες μέγεθος, είναι τα χαρακτηριστικά πορτρέτα της ηγεμόνα Ισαβέλλας στο Τορίνο, στο Λούβρο και στην Πινακοθήκη του Λιχτενστάιν, του Philippe de Roy και της συζύγου του στη συλλογή Wallace στο Λονδίνο, διπλά πορτρέτα ενός κυρίου και μια κυρία με ένα παιδί στην αγκαλιά τους στο Λούβρο και στο Γοτθικό Μουσείο και μερικά ακόμη πορτρέτα κυρίων και κυριών στο Μόναχο. Ανάμεσα στα πιο εκφραστικά πορτρέτα μέσης και γενιάς συμπεριλαμβάνουμε τα πορτρέτα του επισκόπου Mulderus και του Martin Pepin στην Αμβέρσα, του Adrian Stevens και της συζύγου του στην Αγία Πετρούπολη, του Count Van den Berg στη Μαδρίτη και του Canon Antonio de Tassis στην Πινακοθήκη του Λιχτενστάιν. Ο οργανίστας Liberty δείχνει ατημέλητος, ο γλύπτης Colin de Nole, η γυναίκα του και η κόρη τους φαίνονται βαρετοί στην ομάδα πορτρέτων στο Μόναχο. Τα πορτρέτα ενός κυρίου και μιας κυρίας στη Δρέσδη και της Μαρί Λουίζ ντε Τάσις στην Πινακοθήκη του Λιχτενστάιν διακρίνονται από μια ευγενή, γραφική στάση. Η επιρροή του Van Dyck σε όλα τα πορτραίτα της εποχής του, ιδιαίτερα στα αγγλικά και στα γαλλικά, ήταν τεράστια. Ωστόσο, σε φυσικά χαρακτηριστικά και εσωτερική αλήθεια, τα πορτρέτα του δεν μπορούν να συγκριθούν με αυτά των συγχρόνων του Velázquez και Frans Hals, για να μην αναφέρουμε άλλα.

Κατά καιρούς, ωστόσο, ο Van Dyck έπιασε και τη βελόνα της χάραξης. Γνωστός για 24 εύκολα και με μεγάλο νόημα εκτελεσμένο φύλλο της δουλειάς του. Από την άλλη πλευρά, ανέθεσε σε άλλους χαράκτες να αναπαράγουν μια μεγάλη σειρά μικρών πορτρέτων διάσημων συγχρόνων που ζωγράφισε ο ίδιος, ζωγραφισμένα σε έναν γκρι τόνο. Στην πλήρη συλλογή αυτή η «Εικονογραφία του Βαν Ντάικ» σε εκατό φύλλα εμφανίστηκε μόνο μετά το θάνατό του.

Ως ζωγράφος της αυλής του Καρόλου Α', ο Βαν Ντάικ ζωγράφισε μικρούς θρησκευτικούς και μυθολογικούς πίνακες τα τελευταία οκτώ χρόνια της ζωής του. Ωστόσο, αρκετοί από τους καλύτερους πίνακες που γράφτηκαν κατά τη σύντομη παραμονή του στην Ολλανδία ανήκουν σε αυτήν την ύστερη εποχή του δασκάλου. Ήταν η τελευταία και πιο γραφική απεικόνιση του "Rest on the Flight in Egypt", με έναν στρογγυλό χορό αγγέλων και πέρδικες που πετούν, τώρα στο Ερμιτάζ, ο πιο ώριμος και ομορφότερος "Θρήνος του Χριστού" στο Μουσείο της Αμβέρσας, όχι μόνο καθαρή, ήρεμη και συγκινητική στη σύνθεση, αλλά μια έκφραση αληθινής θλίψης, αλλά και σε χρώματα, με τις υπέροχες συγχορδίες του μπλε, του λευκού και του σκούρου χρυσού, που αντιπροσωπεύουν ένα αριστοτεχνικό, μαγευτικό έργο. Στη συνέχεια ακολουθούν τα εξαιρετικά πολυάριθμα πορτρέτα της αγγλικής περιόδου. Είναι αλήθεια ότι υπό την επιρροή του τύπου του δικαστηρίου του Λονδίνου, τα κεφάλια του γίνονται όλο και περισσότερο σαν μάσκες, τα χέρια του γίνονται όλο και λιγότερο εκφραστικά. αλλά τα φορέματα είναι πιο εκλεπτυσμένα και πιο υλικά στη γραφή, τα χρώματα, των οποίων ο ασημί τόνος άρχισε σταδιακά να ξεθωριάζει, κερδίζουν όλο και περισσότερο σε τρυφερή γοητεία. Φυσικά, ο Van Dyck δημιούργησε και ένα εργαστήριο στο Λονδίνο με μεγάλη παραγωγή, στο οποίο ασχολούνταν πολυάριθμοι φοιτητές. Το οικογενειακό πορτρέτο στο Windsor, που δείχνει το καθισμένο βασιλικό ζευγάρι με δύο παιδιά και έναν σκύλο, είναι μια μάλλον αδύναμη απεικόνιση. Το έφιππο πορτρέτο του βασιλιά στο ίδιο μέρος μπροστά από την αψίδα του θριάμβου ζωγραφίστηκε με πολύ γούστο, το έφιππο πορτρέτο του στην Εθνική Πινακοθήκη είναι ακόμα πιο γραφικό, το υπέροχο πορτρέτο του βασιλιά με κυνηγετική στολή στο Λούβρο είναι πραγματικά γραφικό . Από τα πορτρέτα της βασίλισσας Henrietta Maria του Van Dyck, αυτό που ανήκει στον Λόρδο Northbrook στο Λονδίνο και απεικονίζει τη βασίλισσα με τους νάνους της σε μια βεράντα κήπου είναι από τα πιο φρέσκα και τα παλαιότερα, και αυτό της γκαλερί της Δρέσδης, με όλη του την αρχοντιά, είναι από τα πιο αδύναμα και τελευταία. Διάσημα είναι διάφορα πορτρέτα των παιδιών του Άγγλου βασιλιά, που ανήκουν στα πιο ελκυστικά αριστουργήματα του Βαν Ντάικ. Το Τορίνο και το Γουίνδσορ έχουν τα καλύτερα πορτρέτα των τριών βασιλικών παιδιών. αλλά το πιο πολυτελές και πιο όμορφο από όλα είναι το πορτρέτο του Windsor με τα πέντε παιδιά του βασιλιά, με ένα μεγάλο και ένα μικρό σκυλί. Από τα άλλα πολυάριθμα πορτρέτα του Van Dyck στο Windsor, το πορτρέτο της Lady Venice Digby, με τις αλληγορικές του προσθήκες με τη μορφή περιστεριών και θεών της αγάπης, προαναγγέλλει μια νέα εποχή και το διπλό πορτρέτο του Thomas Killigrew και του Thomas Carew χτυπά με το απεικονίζονται σχέσεις ζωής που είναι ασυνήθιστες για τον κύριό μας. Το πορτρέτο του Τζέιμς Στιούαρτ, με ένα μεγάλο σκυλί κολλημένο πάνω του, στο Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης της Νέας Υόρκης, διακρίνεται από μια ιδιαίτερη χάρη, ένα πορτρέτο του αρραβωνιασμένου, των παιδιών του Γουλιέλμου Β' του Πορτοκάλι και της Χενριέττας Μαρία Στιούαρτ, στο το μουσείο της πόλης στο Άμστερνταμ είναι απολαυστικό. Έχουν διατηρηθεί περίπου εκατό πορτρέτα της αγγλικής περιόδου του δασκάλου.

Ο Βαν Ντάικ πέθανε νέος. Ως καλλιτέχνης μίλησε, προφανώς, όλα. Του λείπει η ευελιξία, η πληρότητα και η δύναμη του μεγάλου δασκάλου του, αλλά ξεπέρασε όλους τους Φλαμανδούς συγχρόνους του στη λεπτότητα μιας καθαρά εικαστικής διάθεσης.

Άλλοι σημαντικοί ζωγράφοι, συνεργάτες και μαθητές του Rubens στην Αμβέρσα πριν και μετά τον Van Dyck, ζουν μόνο απόηχοι της τέχνης του Rubens, ακόμη και οι Abraham Dipepbeck (1596 - 1675), Cornelis Schut (1597 - 1655), Theodor van Thulden (1606 - 1676) , ο Erasmus Quellinus (1607 - 1678), ο αδερφός του μεγάλου γλύπτη, και ο εγγονός του Jan Erasmus Quellinus (1674 - 1715) δεν είναι τόσο σημαντικοί για να σταθώ σε αυτούς. Οι εκπρόσωποι διαφόρων ρεαλιστικών τμημάτων του εργαστηρίου Rubens είναι πιο ανεξάρτητοι. Ο Φρανς Σνάιντερς (1579 - 1657) ξεκίνησε με μια νεκρή φύση, την οποία του άρεσε να αποδίδει σε φυσικό μέγεθος, γενικά, ρεαλιστικά και, παρόλα αυτά, διακοσμητικά. Σε όλη του τη ζωή ζωγράφισε μεγάλες, γεμάτες υγιείς εικόνες παρατήρησης προμηθειών κουζίνας και φρούτων, όπως είναι διαθέσιμες στις Βρυξέλλες, το Μόναχο και τη Δρέσδη. Στο εργαστήριο του Ρούμπενς, έμαθε επίσης να απεικονίζει ζωηρά και συναρπαστικά, σχεδόν με τη δύναμη και τη φωτεινότητα του δασκάλου του, τον ζωντανό κόσμο, ζώα σε φυσικό μέγεθος σε σκηνές κυνηγιού. Οι μεγάλοι κυνηγετικοί πίνακές του στη Δρέσδη, το Μόναχο, τη Βιέννη, το Παρίσι, το Κάσελ και τη Μαδρίτη είναι κλασικοί με τον τρόπο τους. Μερικές φορές συγχέεται με τον Snyders ο κουνιάδος του Paul de Vos (1590 - 1678), του οποίου οι μεγάλοι πίνακες ζώων δεν μπορούν να ταιριάξουν με τη φρεσκάδα και τη ζεστασιά των πινάκων του Snyders. Το νέο στυλ τοπίου, που αναπτύχθηκε υπό την επιρροή του Ρούμπενς, το οποίο σχεδόν εξάλειψε πλήρως τα παλιά τρίχρωμα σκηνικά φόντα και το παραδοσιακό φύλλωμα δέντρου που μοιάζει με τούφες, εμφανίζεται πιο καθαρά μπροστά μας στους πίνακες και τα χαρακτικά του Lucas van Oudens (1595 - 1672), βοηθός στην ύστερη περίοδο του κυρίου στο τοπίο. Οι πολυάριθμοι αλλά ως επί το πλείστον μικροί πίνακές του, εκ των οποίων οι εννέα κρέμονται στη Δρέσδη, τρεις στην Αγία Πετρούπολη, δύο στο Μόναχο, είναι απλές, φυσικά κατανοητές εικόνες των γοητευτικών τοπικών συνόρων μεταξύ της λοφώδους περιοχής της Μπραμπάντ και της φλαμανδικής πεδιάδας. Η απόδοση είναι πλατιά και προσεγμένη. Τα χρώματά του προσπαθούν να μεταδώσουν όχι μόνο τη φυσική εντύπωση των πράσινων δέντρων και λιβαδιών, της καφετιάς γης και των γαλαζωπών λοφωδών αποστάσεων, αλλά και ενός ελαφρώς συννεφιασμένου, φωτεινού ουρανού. Οι ηλιόλουστες πλευρές των σύννεφων και των δέντρων του συνήθως λάμπουν με κίτρινες κηλίδες φωτός και υπό την επίδραση του Ρούμπενς, μερικές φορές εμφανίζονται επίσης σύννεφα βροχής και ουράνια τόξα.

Η τέχνη του Ρούμπενς προκάλεσε επανάσταση στην ολλανδική χαλκογραφία. Πολλοί χαράκτες, των οποίων το έργο εξέτασε, ήταν στην υπηρεσία του. Ο παλαιότερος από αυτούς, ο Antwerp Cornelis Galle (1576 - 1656) και ο Ολλανδός Jacob Matham (1571 - 1631) και ο Jan Müller, μετέφρασαν ακόμη το ύφος του σε μια παλαιότερη γλώσσα μορφών, αλλά οι χαράκτες της σχολής του Ρούμπενς, μια σειρά από τα οποία ανοίγει ο Peter Southman από το Χάρλεμ (1580 - 1643), και συνεχίζει να λάμπει με ονόματα όπως Lukas Forstermann (γεν. 1584), Paul Pontius (1603 - 1658), Boethius και Schelte. Ο Bolswerth, ο Pieter de Jode ο νεότερος, και πάνω απ' όλα ο μεγάλος χαράκτης chiaroscuro Jan Wittdöck (γεν. 1604) κατάφεραν να εμποτίσουν τα φύλλα τους με δύναμη και κίνηση Ρουμπένσιας. Η νέα τεχνική mezzotint, η οποία τραχύνε την επιφάνεια της πλάκας μέσω μιας αξίνας για να ξύσει ένα σχέδιο πάνω της σε μαλακές μάζες, αν δεν εφευρέθηκε, τότε για πρώτη φορά χρησιμοποιήθηκε ευρέως από τον Vallerand Vaillant από τη Λιλ (1623). - 1677), μαθητής του μαθητή του Rubens, Erasmus Quellinus, ενός διάσημου εξαίρετου προσωπογράφου και πρωτότυπου ζωγράφου νεκρής φύσης. Επειδή, ωστόσο, ο Vaillant σπούδασε αυτή την τέχνη όχι στο Βέλγιο, αλλά στο Άμστερνταμ, όπου μετακόμισε, η ιστορία της φλαμανδικής τέχνης δεν μπορεί παρά να τον αναφέρει.

Ορισμένοι σημαντικοί δάσκαλοι της Αμβέρσας αυτής της περιόδου, που δεν είχαν άμεσες σχέσεις με τον Ρούμπενς ή με τους μαθητές του, που προσχώρησαν στον Καραβάτζιο στη Ρώμη, σχημάτισαν μια ρωμαϊκή ομάδα. Τα καθαρά περιγράμματα, η πλαστική μοντελοποίηση, οι βαριές σκιές του Καραβάτζιο μαλακώνουν μόνο στους μεταγενέστερους πίνακές τους ενός πιο ελεύθερου, πιο ζεστού, ευρύτερου πίνακα που μιλούσε για την επιρροή του Ρούμπενς. Επικεφαλής αυτής της ομάδας βρίσκεται ο Abraham Janssens Van Nuessen (1576 - 1632), του οποίου ο μαθητής Gerard Zegers (1591 - 1651) στους μεταγενέστερους πίνακές του μεταφέρθηκε αναμφίβολα στον δρόμο του Rubens και ο Theodore Rombouts (1597 - 1637) αποκαλύπτει την επιρροή του Ο Καραβάτζιο στο είδος του, σε φυσικό μέγεθος, με μεταλλικά λαμπερά χρώματα και μαύρες σκιές, πίνακες στην Αμβέρσα, τη Γάνδη, την Αγία Πετρούπολη, τη Μαδρίτη και το Μόναχο.

Ο παλαιότερος από τους τότε Φλαμανδούς ζωγράφους που δεν ήταν στην Ιταλία, ο Caspar de Crayer (1582 - 1669), μετακόμισε στις Βρυξέλλες, όπου, ανταγωνιζόμενος τον Rubens, δεν προχώρησε περισσότερο από τον εκλεκτικισμό. Επικεφαλής τους είναι ο Jacob Jordaens της Αμβέρσας (1583 - 1678), επίσης μαθητής και γαμπρός του Adam Van Noort, επικεφαλής των πραγματικά ανεξάρτητων Βέλγων ρεαλιστών της εποχής, ενός από τους πιο σημαντικούς φλαμανδούς εξαιρετικούς ζωγράφους της εποχής. 17ος αιώνας, δίπλα στον Ρούμπενς και τον Βαν Ντάικ. Ο Rooses του αφιέρωσε επίσης ένα εκτενές έργο. Πιο τραχύς από τον Ρούμπενς, είναι πιο άμεσος και πρωτότυπος από αυτόν. Τα σώματά του είναι ακόμη πιο ογκώδη και σαρκώδη από αυτά του Ρούμπενς, τα κεφάλια του είναι πιο στρογγυλά και πιο συνηθισμένα. Οι συνθέσεις του, συνήθως επαναλαμβανόμενες, με μικρές αλλαγές για διαφορετικούς πίνακες, είναι συχνά πιο άτεχνες και συχνά καταπονημένες, το πινέλο του, παρ' όλη την επιδεξιότητά του, είναι πιο στεγνό, πιο λείο, μερικές φορές πιο πυκνό. Παρ' όλα αυτά, είναι ένας υπέροχος, πρωτότυπος χρωματιστής. Στην αρχή γράφει φρέσκα και ζωηρά, μοντελοποιώντας αδύναμα σε κορεσμένα τοπικά χρώματα. Μετά το 1631, παρασυρμένος από τη γοητεία του Ρούμπενς, προχωρά σε πιο ευαίσθητο κιαροσκούρο, σε πιο έντονα ενδιάμεσα χρώματα και σε έναν καφέ τόνο ζωγραφικής, από τον οποίο λάμπουν αποτελεσματικά οι χυμώδεις βαθιοί βασικοί τόνοι. Απεικόνιζε επίσης όλα όσα απεικονίζονται. Οφείλει την καλύτερη επιτυχία του σε πίνακες αλληγορικών και ειδών σε φυσικό μέγεθος, στις περισσότερες περιπτώσεις με θέμα τις λαϊκές παροιμίες.

Ο παλαιότερος γνωστός πίνακας του Jordaens "Crucifixion" το 1617 στην εκκλησία του St. Ο Παύλος στην Αμβέρσα αποκαλύπτει την επιρροή του Ρούμπενς. Ο Jordaens είναι αρκετά ο εαυτός του το 1618 στη «Λατρεία των Ποιμένων» στη Στοκχόλμη και σε μια παρόμοια εικόνα στο Braunschweig, και ειδικά στις πρώτες εικόνες ενός σάτυρου που επισκέπτεται έναν χωρικό, στον οποίο αφηγείται μια απίστευτη ιστορία. Ο πρώτος πίνακας αυτού του είδους ανήκει στον κ. Celst στις Βρυξέλλες. ακολουθούν αντίγραφα στη Βουδαπέστη, το Μόναχο και το Κάσελ. Οι πρώιμοι θρησκευτικοί πίνακες περιλαμβάνουν επίσης τις εκφραστικές εικόνες των Ευαγγελιστών στο Λούβρο και των Μαθητών στον Τάφο του Σωτήρα στη Δρέσδη. Από τους πρώιμους μυθολογικούς πίνακες αξίζει να αναφερθεί ο Μελέαγρος και η Ατλάντα στην Αμβέρσα. Οι παλαιότερες από τις ζωντανές συνθέσεις του από ομάδες οικογενειακών πορτρέτων (περίπου το 1622) ανήκουν στο Μουσείο της Μαδρίτης.

Η ρουμπενσιανή επιρροή είναι και πάλι εμφανής στους πίνακες του Jordaens, που γράφτηκαν μετά το 1631. Στη σάτιρα του για έναν αγρότη στις Βρυξέλλες, μια στροφή είναι ήδη αισθητή. Οι περίφημες απεικονίσεις του του «Βασιλιάς των φασολιών», του οποίου ο Κάσελ κατέχει το παλαιότερο αντίγραφο -άλλες βρίσκονται στο Λούβρο και στις Βρυξέλλες- καθώς και οι αναρίθμητες εικόνες του με την παροιμία «Ό,τι τραγουδούν οι παλιοί, οι μικροί τσιρίζουν», μια Αμβέρσα αντίγραφο του οποίου χρονολογείται το 1638. ακόμη πιο φρέσκα σε χρώματα από τη Δρέσδη, που γράφτηκε το 1641 - άλλα στο Λούβρο και στο Βερολίνο - ανήκουν ήδη στον πιο ομαλό και απαλό τρόπο του πλοιάρχου.

Πριν από το 1642, ζωγραφίστηκαν επίσης οι πρόχειροι μυθολογικοί πίνακες «Πομπή του Βάκχου» στο Κάσελ και «Αριάδνη» στη Δρέσδη, ζωηρά εξαιρετικά πορτρέτα του Jan Wirth και της συζύγου του στην Κολωνία. στη συνέχεια, μέχρι το 1652, πίνακες ζωγραφικής κινούνταν εξωτερικά και εσωτερικά, παρά τις πιο ήρεμες γραμμές, όπως ο St. Ο Ivo στις Βρυξέλλες (1645), ένα υπέροχο οικογενειακό πορτρέτο στο Κάσελ και ένας ζωντανός «Βασιλιάς των φασολιών» στη Βιέννη.

Το 1652, ο πλοίαρχος ήταν σε πλήρη ισχύ με πρόσκληση στη Χάγη για να συμμετάσχει στη διακόσμηση του «Κάστρου του Δάσους», στο οποίο δίνουν οι «Θέωση του Πρίγκιπα Φρίντριχ Χάινριχ» και «Η Νίκη του Θανάτου κατά του Φθόνου» του Τζόρνταενς. το αποτύπωμά του, και το 1661 μια πρόσκληση στο Άμστερνταμ, όπου ζωγράφισε σωζόμενους αλλά πλέον σχεδόν δυσδιάκριτους πίνακες για το νέο δημαρχείο.

Ο καλύτερος και πιο θρησκευτικός πίνακας των τελευταίων χρόνων του είναι ο Ιησούς ανάμεσα στους Γραμματείς (1663) στο Μάιντς. υπέροχα σε χρώματα, η «Είσοδος στον Ναό» στη Δρέσδη και ο «Μυστικός Δείπνος» διαποτισμένος από φως στην Αμβέρσα.

Εάν ο Jordaens είναι πολύ χοντροκομμένος και άνισος για να καταταγεί στους μεγαλύτερους από τους μεγάλους, τότε, ωστόσο, ως ζωγράφος της Αμβέρσας και ζωγράφος των burghers, καταλαμβάνει μια τιμητική θέση δίπλα στον Rubens, πρίγκιπα των ζωγράφων και ζωγράφο των πριγκίπων. Ακριβώς όμως λόγω της πρωτοτυπίας του, δεν δημιούργησε αξιόλογους μαθητές ή οπαδούς.

Ο Cornelis de Vos (1585 - 1651) ήταν ένας δεξιοτέχνης, όπως ο Jordans, ο οποίος συνδέθηκε ανεξάρτητα με το προ-Ρουμπενσιανό παρελθόν της φλαμανδικής τέχνης, ιδιαίτερα εξαιρετικός ως πορτραίτης, αγωνιζόμενος για άτεχνη αλήθεια και ειλικρίνεια με ένα ήρεμο, διεισδυτικό στυλ ζωγραφικής, ένα ιδιότυπο λαμπρότητα στα μάτια των φιγούρων του και γεμάτη ανοιχτόχρωμα. Το καλύτερο οικογενειακό πορτραίτο-ομάδα, με χαλαρή σύνθεση, ανήκει στο Μουσείο των Βρυξελλών και το πιο δυνατό μονό πορτρέτο του συντεχνιακού μάστερ Grapheus ανήκει στην Αμβέρσα. Χαρακτηριστικά είναι και τα διπλά του πορτρέτα του παντρεμένου ζευγαριού και των μικρών του κόρες στο Βερολίνο.

Σε αντίθεση με το καθαρά φλαμανδικό ύφος του, με ιταλική πινελιά, το οποίο διατηρούσε με μικρότερες ή μεγαλύτερες αποκλίσεις η συντριπτική πλειοψηφία των Βέλγων ζωγράφων του 17ου αιώνα, η σχολή Luttich Walloon, που εξερεύνησε ο Gelbier, ανέπτυξε το ρωμαιοβελγικό στυλ. η τάση Poussin ακολουθώντας τη γαλλική. Επικεφαλής αυτής της σχολής είναι ο Gerard Duffet (1594 - 1660), ένας εφευρετικός, εξαιρετικά εκλεπτυσμένος ακαδημαϊκός, πιο γνωστός στο Μόναχο. Ο Gérard Leresse (1641 - 1711), μαθητής του μαθητή του Bartolet Flemalle ή Flemal (1614 - 1675), νωθρός μιμητής του Poussin, που ήδη μετακόμισε στο Άμστερνταμ το 1667, μεταφύτευσε από το Lüttich στην Ολλανδία αυτό το ακαδημαϊκό στυλ που μιμείται το γαλλικό. Ασχολήθηκε όχι μόνο ως ζωγράφος και χαράκτης μυθολογικών θεμάτων, αλλά και με ένα στυλό στο βιβλίο του, το οποίο έχει σημαντικό αντίκτυπο. Ήταν ένας ακραίος αντιδραστικός και κυρίως συνέβαλε στην αλλαγή του αιώνα στη στροφή της υγιούς εθνικής τάσης της ολλανδικής ζωγραφικής στη ρωμανική δίοδο. Ο «Σέλευκος και η Αντιόχεια» στο Άμστερνταμ και ο Σβερίν, ο «Παρνασσός» στη Δρέσδη, η «Αναχώρηση της Κλεοπάτρας» στο Λούβρο δίνουν μια επαρκή ιδέα για αυτόν.

Ο Leres, τέλος, μας επιστρέφει από τη μεγάλη βελγική ζωγραφική στη μικρή. και αυτό το τελευταίο, αναμφίβολα, εξακολουθούσε να βιώνει σε μικρόμορφους πίνακες με τοπίο ή αρχιτεκτονικό υπόβαθρο την ώριμη εθνική ανθοφορία του 17ου αιώνα, που αναπτύχθηκε απευθείας από το χώμα που ετοίμασαν οι μάστορες της μεταβατικής περιόδου, αλλά πέτυχε πλήρη ελευθερία κινήσεων χάρη σε ο παντοδύναμος Ρούμπενς, σε ορισμένα σημεία και χάρη σε νέες επιρροές, γαλλικές και ιταλικές, ή ακόμα και την επίδραση της νεαρής ολλανδικής τέχνης στη Φλαμανδική.

Μια πραγματική εικόνα είδους, και τώρα, όπως και πριν, έπαιξε τον πρώτο ρόλο στη Φλάνδρα. Ταυτόχρονα, παρατηρείται ένα αρκετά αιχμηρό σύνορο μεταξύ των δασκάλων που απεικόνιζαν τη ζωή των ανώτερων τάξεων σε κοσμικές σκηνές ή μικρά ομαδικά πορτρέτα και τους ζωγράφους της λαϊκής ζωής σε ταβέρνες, πανηγύρια και επαρχιακούς δρόμους. Ο Ρούμπενς δημιούργησε παραδείγματα και των δύο γενών. Οι κοσμικοί ζωγράφοι, στο πνεύμα των Κήπων της Αγάπης του Ρούμπενς, απεικονίζουν κυρίες και κύριους με μετάξι και βελούδο, να παίζουν χαρτιά, να κάνουν γλέντι, να παίζουν χαρούμενη μουσική ή να χορεύουν. Ένας από τους πρώτους μεταξύ αυτών των ζωγράφων ήταν ο Κρίστιαν βαν ντερ Λάμεν (1615 - 1661), γνωστός για πίνακες στη Μαδρίτη, στη Γκότα, ιδιαίτερα στη Λούκα. Ο πιο επιτυχημένος μαθητής του ήταν ο Jérôme Janssens (1624 - 1693), ο «Χορευτής» και του οποίου οι χορευτικές σκηνές μπορούν να δουν στο Braungschweig. Πάνω του ως ζωγράφος στέκεται ο Gonzales Kokvets (1618 - 1684), ένας δεξιοτέχνης των αριστοκρατικών πορτρέτων μικρών ομάδων που απεικονίζουν μέλη της οικογένειας ενωμένα στο σπίτι στο Κάσελ, τη Δρέσδη, το Λονδίνο, τη Βουδαπέστη και τη Χάγη. Οι πιο παραγωγικοί Φλαμανδοί εικονιστές της λαϊκής ζωής των κατώτερων τάξεων ήταν οι Τενίερ. Από τη μεγάλη οικογένεια αυτών των καλλιτεχνών ξεχωρίζουν ο Ντέιβιντ Τένιερς ο Πρεσβύτερος (1582 - 1649) και ο γιος του Ντέιβιντ Τένιερς ο νεότερος (1610 - 1690). Ο μεγαλύτερος ήταν μάλλον μαθητής του Ρούμπενς, ο νεότερος μάλλον έδινε φιλικές συμβουλές. Και τα δύο είναι εξίσου δυνατά τόσο στο τοπίο όσο και στο είδος. Ωστόσο, δεν κατέστη δυνατό να διαχωριστούν όλα τα έργα του μεγάλου από τους νεανικούς πίνακες του νεότερου. Αναμφίβολα, στον γέροντα ανήκουν τα τέσσερα μυθολογικά τοπία του Μουσείου της Αυλής της Βιέννης, απασχολημένα ακόμα με τη μετάδοση των «τριών αεροπλάνων», «Ο πειρασμός του Αγ. Anthony» στο Βερολίνο, «Mountain Castle» στο Braunschweig και «Mountain Gorge» στο Μόναχο.

Δεδομένου ότι ο Ντέιβιντ Τένιερς ο νεότερος επηρεάστηκε από τον σπουδαίο Άντριεν Μπράουερ του Όουντεναρντ (1606-1638), δίνουμε προτεραιότητα στον δεύτερο. Ο Brouwer είναι ο δημιουργός και ο λαϊκός των νέων μονοπατιών. Ο Μπόντε ερεύνησε διεξοδικά την τέχνη και τη ζωή του. Από πολλές απόψεις είναι ο μεγαλύτερος από τους Ολλανδούς ζωγράφους της λαϊκής ζωής και ταυτόχρονα ένας από τους πιο εμπνευσμένους Βέλγους και Ολλανδούς τοπιογράφους. Η επιρροή της ολλανδικής ζωγραφικής στη Φλαμανδική τον 17ο αιώνα φάνηκε για πρώτη φορά μαζί του, μαθητή του Φρανς Χαλς στο Χάρλεμ, ήδη πριν από το 1623. Μετά την επιστροφή του από την Ολλανδία, εγκαταστάθηκε στην Αμβέρσα.

Ταυτόχρονα, η τέχνη του αποδεικνύει ότι τα πιο απλά επίθετα από τη ζωή των απλών ανθρώπων μπορούν χάρη στην απόδοσή τους να αποκτήσουν την υψηλότερη καλλιτεχνική αξία. Από τους Ολλανδούς πήρε την αμεσότητα της αντίληψης της φύσης, την εικαστική παράσταση, από μόνη της καλλιτεχνική. Ως Ολλανδός δηλώνει αυστηρή απομόνωση μεταφέροντας στιγμές από διάφορες εκδηλώσεις ζωής, σαν Ολλανδός, με πολύτιμο χιούμορ, αναδεικνύει σκηνές καπνίσματος, τσακωμούς, χαρτοπαιγνίδια και ποτό σε ταβέρνες.

Οι πρώτοι πίνακες που ζωγράφισε στην Ολλανδία, ποτισμός αγροτών, τσακωμοί, στο Άμστερνταμ, αποκαλύπτουν στους τραχείς, θορυβώδεις χαρακτήρες τους τις απαντήσεις της παλιάς φλαμανδικής μεταβατικής τέχνης. Τα αριστουργήματα αυτής της εποχής είναι οι ήδη «Χαρτοπαίκτες» του στην Αμβέρσα και οι σκηνές της ταβέρνας του Ινστιτούτου Städel στη Φρανκφούρτη. Περαιτέρω εξέλιξη προκύπτει απότομα στο "Knife" και το "Village Bath" της Pinakothek του Μονάχου: εδώ η δράση είναι δραματικά ισχυρή ήδη χωρίς περιττές δευτερεύουσες φιγούρες. η εκτέλεση σε όλες τις λεπτομέρειες είναι γραφικά μελετημένη. Από το χρυσό κιαροσκούρο του χρώματος, οι κόκκινοι και κίτρινοι τόνοι εξακολουθούν να λάμπουν. Ακολουθεί η ώριμη όψιμη περίοδος του κυρίου (1633 - 1636), με περισσότερες μεμονωμένες φιγούρες, πιο ψυχρό χρωματικό τόνο, όπου ξεχωρίζουν οι τοπικές βαφές του πράσινου και του μπλε. Αυτά περιλαμβάνουν 12 από τους δεκαοκτώ πίνακές του στο Μόναχο και τους καλύτερους από τους τέσσερις πίνακές του στη Δρέσδη. Ο Schmidt-Degener τους επισύναψε μια σειρά από πίνακες από ιδιωτικές συλλογές στο Παρίσι, αλλά η αυθεντικότητά τους, προφανώς, δεν είναι πάντα ακριβής. Τα καλύτερα τοπία του Brouwer, στα οποία τα πιο απλά μοτίβα της φύσης από τα περίχωρα της Αμβέρσας φουντώνουν με μια ζεστή, λαμπερή μετάδοση αέρα και φωτός φαινομένων, ανήκουν επίσης σε αυτά τα χρόνια. Οι «Dunes» στις Βρυξέλλες, ένας πίνακας με το όνομα του πλοιάρχου, αποδεικνύουν την αυθεντικότητα των άλλων. Έχουν μια πιο μοντέρνα αίσθηση από όλα τα άλλα φλαμανδικά τοπία του. Μεταξύ των καλύτερων είναι το σεληνόφως και το ποιμενικό τοπίο στο Βερολίνο, το τοπίο των αμμόλοφων με κόκκινη οροφή στην γκαλερί Bridgewater και το ισχυρό τοπίο του ηλιοβασιλέματος που αποδίδεται στον Ρούμπενς στο Λονδίνο.

Οι πίνακες του είδους των τελευταίων δύο ετών της ζωής του πλοιάρχου των μεγάλων μεγεθών προτιμούν την ελαφριά, σκιασμένη γραφή και μια σαφέστερη υποταγή των τοπικών χρωμάτων σε έναν γενικό, γκρίζο τόνο. Τραγουδιστές χωρικοί, στρατιώτες που παίζουν ζάρια και το ζευγάρι που φιλοξενεί το ποτό του Πινακοθήκη του Μονάχου ενώνονται με δυνατούς πίνακες που απεικονίζουν επιχειρήσεις στο Ινστιτούτο Staedel και στο Λούβρο "Smoker". Η πρωτότυπη τέχνη του Brouwer είναι πάντα το εντελώς αντίθετο από όλες τις ακαδημαϊκές συμβάσεις.

Ο Ντέιβιντ Τένιερς ο Νεότερος, ο αγαπημένος ζωγράφος του είδους του ευγενούς κόσμου, που προσκλήθηκε το 1651 από τον αυλικό ζωγράφο και διευθυντή της γκαλερί του Αρχιδούκα Λεοπόλδο Βίλχελμ από την Αμβέρσα στις Βρυξέλλες, όπου πέθανε σε μεγάλη ηλικία, δεν μπορεί να συγκριθεί με τον Μπράουβερ στο αμεσότητα της μεταφοράς της ζωής, στη συναισθηματική εμπειρία του χιούμορ, αλλά γι' αυτό τον ξεπερνά με εξωτερική φινέτσα και αστική σχηματοποίηση της λαϊκής ζωής κατανοητή. Του άρεσε να απεικονίζει αριστοκρατικά ντυμένους κατοίκους της πόλης στις σχέσεις τους με τους κατοίκους του χωριού, μερικές φορές ζωγράφιζε κοσμικές σκηνές από τη ζωή της αριστοκρατίας και μετέδιδε ακόμη και θρησκευτικά επεισόδια στο ύφος των πινάκων του είδους, μέσα σε εξαιρετικά διακοσμημένα δωμάτια ή ανάμεσα σε αληθινά παρατηρούμενα, αλλά διακοσμητικά τοπία. Πειρασμός του Αγ. Ο Anthony (σε Δρέσδη, Βερολίνο, Αγία Πετρούπολη, Παρίσι, Μαδρίτη, Βρυξέλλες) ανήκει στα αγαπημένα του θέματα. Πολλές φορές ζωγράφισε επίσης ένα μπουντρούμι με την εικόνα του Πέτρου στο βάθος (Δρέσδη, Βερολίνο). Από τα μυθολογικά θέματα στο ύφος των πινάκων του είδους, θα ονομάσουμε τον «Ποσειδώνα και την Αμφιτρίτη» στο Βερολίνο, τον αλληγορικό πίνακα «Πέντε αισθήσεις» στις Βρυξέλλες, ποιητικά έργα - δώδεκα πίνακες από την «Ελευθερωμένη Ιερουσαλήμ» στη Μαδρίτη. Οι πίνακές του που αντιπροσωπεύουν αλχημιστές (Δρέσδη, Βερολίνο, Μαδρίτη) μπορούν επίσης να ταξινομηθούν ως είδος υψηλής κοινωνίας. Η συντριπτική πλειονότητα των πινάκων του, από τους οποίους υπάρχουν 50 στη Μαδρίτη, 40 στην Αγία Πετρούπολη, 30 στο Παρίσι, 28 στο Μόναχο, 24 στη Δρέσδη, απεικονίζουν το περιβάλλον των χωρικών να διασκεδάζουν τις ώρες του ελεύθερου χρόνου τους. Τους απεικονίζει να γλεντούν, να πίνουν, να χορεύουν, να καπνίζουν, να παίζουν χαρτιά ή ζάρια, σε ένα πάρτι, σε μια ταβέρνα ή στο δρόμο. Η ελαφριά και ελεύθερη στη φυσική της γλώσσα των μορφών, η σαρωτική και ταυτόχρονα απαλή γραφή του γνώρισε αλλαγές μόνο στο χρώμα. Ο τόνος της «Γιορτής του ναού στο μισό φως» του 1641 στη Δρέσδη είναι βαρύς, αλλά βαθύς και ψυχρός. Έπειτα επιστρέφει στον καφέ τόνο των πρώτων χρόνων, ο οποίος γρήγορα εξελίσσεται σε έναν φλογερό χρυσό τόνο σε πίνακες όπως το μπουντρούμι του 1642 στην Αγία Πετρούπολη, το "Guild beer house" το 1643 στο Μόναχο και το "The Prodigal Son" στο Το 1644 στο Λούβρο, φουντώνει πιο έντονα σε όπως ο «Χορός» του 1645 στο Μόναχο και οι «Παίκτες Ζαριών» του 1646 στη Δρέσδη, στη συνέχεια, όπως δείχνουν οι «Καπνιστές» του 1650 στο Μόναχο, σταδιακά γίνεται πιο γκρίζος και, τελικά, το 1651, στον «Γάμο των χωρικών» στο Μόναχο, μετατρέπεται σε εκλεπτυσμένο ασημί τόνο και συνοδεύεται από την ολοένα πιο ελαφριά και ρευστή γραφή που διακρίνει τους πίνακες του Τενιέ της δεκαετίας του '50, όπως η «Φρουρά» του 1657 στα Ανάκτορα του Μπάκιγχαμ. Τελικά, μετά το 1660 Το πινέλο του γίνεται λιγότερο σίγουρο, ο χρωματισμός είναι και πάλι πιο καφέ, στεγνός και θολό. Το Μόναχο έχει έναν πίνακα που αναπαριστά έναν αλχημιστή, με τα χαρακτηριστικά ενός πίνακα ενός ηλικιωμένου δασκάλου του 1680.

Μεταξύ των μαθητών του Brouwer ξεχωρίζει ο Joos van Kreesbeek (1606 - 1654), στους πίνακες του οποίου οι μάχες μερικές φορές καταλήγουν τραγικά. Ο Gillis van Tilborch (περίπου 1625 - 1678) είναι γνωστός από τους μαθητές του Teniers the Younger, ο οποίος ζωγράφισε επίσης οικογενειακά πορτρέτα σε στυλ Kokves. Μαζί τους είναι μέλη της οικογένειας ζωγράφων Rikavert, από τους οποίους ειδικά ο David Rikaert III (1612 - 1661) ανήλθε σε ένα συγκεκριμένο εύρος ανεξαρτησίας.

Δίπλα στην εθνική φλαμανδική μικρομορφή, υπάρχει μια ταυτόχρονη, αν και όχι ισοδύναμη, ιταλοποιητική τάση, οι μάστορες της οποίας εργάστηκαν προσωρινά στην Ιταλία και απεικόνιζαν την ιταλική ζωή σε όλες τις εκφάνσεις της. Ωστόσο, τα μεγαλύτερα από αυτά τα μέλη της ολλανδικής «κοινότητας» στη Ρώμη, που παρασύρθηκαν από τον Ραφαήλ ή τον Μιχαήλ Άγγελο, ήταν οι Ολλανδοί, στους οποίους θα επανέλθουμε παρακάτω. Ο Pieter Van Laer of Gaarlem (1582 - 1642) είναι ο πραγματικός ιδρυτής αυτής της τάσης, ο οποίος επηρέασε εξίσου τόσο τους Ιταλούς τύπου Cherkvozzi όσο και τους Βέλγους του τύπου Jan Mils (1599 - 1668). Λιγότερο ανεξάρτητοι είναι ο Anton Goubau (1616 - 1698), που γέμισε τα ρωμαϊκά ερείπια με πολύχρωμη ζωή, και ο Peter Van Blemen, με το παρατσούκλι Standardaard (1657 - 1720), που προτιμούσε ιταλικές εκθέσεις αλόγων, μάχες ιππικού και σκηνές κατασκήνωσης. Η ιταλική λαϊκή ζωή έχει παραμείνει από την εποχή αυτών των δασκάλων μια περιοχή που προσελκύει κάθε χρόνο πλήθη βορείων ζωγράφων.

Αντίθετα, η τοπογραφία αναπτύχθηκε στο εθνικό φλαμανδικό πνεύμα, με θέματα μάχης και ληστών, γειτονικά με τον Sebastian Vranks, του οποίου ο μαθητής Peter Snyers (1592 - 1667) μετακόμισε από την Αμβέρσα στις Βρυξέλλες. Οι πρώιμοι πίνακες του Sniers, όπως αυτοί στη Δρέσδη, τον δείχνουν σε μια αρκετά γραφική πίστα. Αργότερα, ως ζωγράφος μάχης του Οίκου των Αψβούργων, έδωσε έμφαση στην τοπογραφική και στρατηγική πιστότητα περισσότερο από τη ζωγραφική, όπως δείχνουν οι μεγάλοι πίνακές του στις Βρυξέλλες, τη Βιέννη και τη Μαδρίτη. Ο καλύτερος μαθητής του ήταν ο Adam Frans Van der Meulen (1631 - 1690), ένας ζωγράφος μάχης του Λουδοβίκου XIV και καθηγητής στην Ακαδημία του Παρισιού, ο οποίος μεταφύτευσε στο Παρίσι το στυλ του Snyers, το οποίο εξευγενίστηκε από αυτόν σε εναέρια και φωτεινή προοπτική. Στο Παλάτι των Βερσαλλιών και στο Hotel des Invalides στο Παρίσι, ζωγράφισε μεγάλες σειρές τοιχογραφιών, άψογες στις σίγουρες μορφές τους και την εντύπωση ενός γραφικού τοπίου. Οι πίνακές του στη Δρέσδη, τη Βιέννη, τη Μαδρίτη και τις Βρυξέλλες με εκστρατείες, πολιορκίες πόλεων, στρατόπεδα, νικηφόρα είσοδο του μεγάλου βασιλιά ξεχωρίζουν επίσης για τη φωτεινή εικαστική λεπτότητα της αντίληψής τους. Αυτός ο νέος ολλανδικός πίνακας μάχης μεταφέρθηκε στην Ιταλία από τον Cornelis de Wael (1592-1662), ο οποίος εγκαταστάθηκε στη Γένοβα και, έχοντας εδώ ένα πιο τέλειο πινέλο και ζεστό χρώμα, προχώρησε σύντομα στην απεικόνιση της ιταλικής λαϊκής ζωής.

Στη βελγική τοπογραφία, που περιγράφεται λεπτομερέστερα από τον συγγραφέα αυτού του βιβλίου στο The History of Painting (δική του και του Woltmann), μπορεί κανείς να διακρίνει ξεκάθαρα την πρωτότυπη, γηγενή, μόνο ελαφρώς επηρεασμένη από τις νότιες επιρροές τάση από την ψευδοκλασική τάση που συνόδευε το Poussin στην Ιταλία. Η εθνική βελγική ζωγραφική τοπίου διατήρησε, σε σύγκριση με την Ολλανδία, αφήνοντας κατά μέρος τον Rubens και τον Brouwer, ένα χαρακτηριστικό κάπως εξωτερικής διακοσμητικότητας. με αυτό το χαρακτηριστικό, εμφανίστηκε στη διακόσμηση παλατιών και εκκλησιών με διακοσμητικές σειρές ζωγραφικής σε τόση αφθονία όσο πουθενά αλλού. Ο Πωλ Μπριλ της Αμβέρσας ενστάλαξε αυτό το είδος ζωγραφικής στη Ρώμη. Οι αργότερα γαλλισμένοι Βέλγοι Francois Millet και Philippe de Champagne διακοσμούσαν τις παριζιάνικες εκκλησίες με τοπιογράφους. Ο συγγραφέας αυτού του βιβλίου έγραψε ένα ξεχωριστό άρθρο για τα εκκλησιαστικά τοπία το 1890.

Από τους δασκάλους της Αμβέρσας, θα πρέπει πρώτα απ 'όλα να επισημάνουμε τον Caspar de Witte (1624 - 1681), μετά τον Peter Spirincks (1635 - 1711), ο οποίος κατέχει εκκλησιαστικά τοπία που λανθασμένα αποδίδονται στον Peter Risbrak (1655 - 1719) στη χορωδία του Augustinian. εκκλησία στην Αμβέρσα, και ειδικά στον Jan Frans Van Bloemen (1662 - 1748), με το παρατσούκλι "Horizonte" για τη σαφήνεια των γαλάζιων βουνών των επιτυχημένων, που θυμίζουν έντονα Duguet, αλλά σκληρούς και ψυχρούς πίνακές του.

Η εθνική βελγική τοπιογραφία αυτής της περιόδου άκμασε κυρίως στις Βρυξέλλες. Πρόγονός του ήταν ο Denis Van Alsloot (περίπου 1570 - 1626), ο οποίος, με βάση το μεταβατικό στυλ, ανέπτυξε μεγάλη δύναμη, σταθερότητα και διαύγεια ζωγραφικής στους ημι-αγροτικούς, ημιαστικούς πίνακές του. Ο μεγάλος του μαθητής Lucas Achtschellingx (1626 - 1699), επηρεασμένος από τον Jacques d'Artois, συμμετείχε στη διακόσμηση βελγικών εκκλησιών με βιβλικά τοπία με καταπράσινα σκούρα πράσινα δέντρα και γαλάζιες λοφώδεις αποστάσεις, με ευρύ, ελεύθερο, κάπως σαρωτικό τρόπο. Ο Jacques d'Artois (1613 - 1683), ο καλύτερος τοπιογράφος των Βρυξελλών, μαθητής του σχεδόν άγνωστου Jan Mertens, διακόσμησε επίσης εκκλησίες και μοναστήρια με μεγάλα τοπία, τις βιβλικές σκηνές των οποίων ζωγράφισαν οι φίλοι του, ιστορικοί ζωγράφοι. Τα τοπία του στο παρεκκλήσι του Αγ. Ο συγγραφέας αυτού του βιβλίου είδε τις συζύγους του καθεδρικού ναού των Βρυξελλών στο σκευοφυλάκιο αυτής της εκκλησίας. Εκκλησιαστικά τοπία ήταν, ούτως ή άλλως, και οι μεγάλοι πίνακές του στο Μουσείο Αυλής και στην Πινακοθήκη του Λιχτενστάιν στη Βιέννη. Με τους πίνακες του μικρών δωματίων του, που αντιπροσωπεύουν την καταπράσινη φύση του περιβάλλοντος των Βρυξελλών, με τα γιγάντια πράσινα δέντρα, τους κίτρινους αμμώδεις δρόμους, τις μπλε λοφώδεις αποστάσεις, τα φωτεινά ποτάμια και τις λίμνες, μπορείτε να γνωρίσετε καλύτερα τη Μαδρίτη και τις Βρυξέλλες, αλλά και τη Δρέσδη. , Μόναχο και Ντάρμσταντ. Με πολυτελή κλειστή σύνθεση, βαθιά, κορεσμένα με έντονα χρώματα, με καθαρό αέρα με σύννεφα, που χαρακτηρίζονται από χρυσοκίτρινες φωτισμένες πλευρές, αποδίδουν τέλεια τον γενικό, αλλά ακόμα μόνο τον γενικό χαρακτήρα της περιοχής. Χρυσός, πιο ζεστός, πιο διακοσμητικός, αν θέλετε, πιο βενετσιάνικο από τον d'Artois, ο καλύτερος μαθητής του Cornelis Huysmans (1648 - 1727), του οποίου το καλύτερο εκκλησιαστικό τοπίο είναι το "Christ at Emmaus" της Εκκλησίας των Αγίων Συζύγων στο Mecheln .

Στην παραθαλάσσια πόλη της Αμβέρσας, μια μαρίνα αναπτύχθηκε επίσης φυσικά. Η επιθυμία για ελευθερία και φυσικότητα του 17ου αιώνα πραγματοποιήθηκε εδώ στους πίνακες που αναπαριστούν τις παράκτιες και θαλάσσιες μάχες των Andries Aartvelt ή Van Ertvelt (1590 - 1652), Buonaventura Peters (1614 - 1652) και Hendrik Mindergout (1632 - 1696), που όμως δεν μπορεί να φτάσει τους καλύτερους Ολλανδούς τεχνίτες στον ίδιο κλάδο.

Στην αρχιτεκτονική ζωγραφική, η οποία απεικόνιζε πρόθυμα το εσωτερικό των γοτθικών εκκλησιών, οι Φλαμανδοί δάσκαλοι, όπως ο Πίτερ Νεφς ο νεότερος (1620 - 1675), που σχεδόν δεν ξεπέρασε ένα τραχύ μεταβατικό στυλ, δεν είχαν επίσης την εσωτερική, φωτεινή, γραφική γοητεία των Ολλανδών. εικόνες εκκλησιών.

Όσο περισσότερο θράσος και φωτεινότητα έδιναν οι Βέλγοι στις εικόνες των ζώων, των φρούτων, της νεκρής φύσης και των λουλουδιών. Ωστόσο, ακόμη και ο Jan Fit (1611 - 1661), ζωγράφος προμηθειών κουζίνας και φρούτων, δεν προχώρησε περισσότερο από τον Snyders, ο οποίος εκτέλεσε προσεκτικά και συνδύασε διακοσμητικά όλες τις λεπτομέρειες. Η ζωγραφική λουλουδιών επίσης δεν πήγε στην Αμβέρσα, τουλάχιστον από μόνη της, περισσότερο από τον Γιαν Μπρίγκελ τον Πρεσβύτερο. Ακόμη και ο μαθητής του Brueghel σε αυτόν τον τομέα, ο Daniel Seghers (1590 - 1661), τον ξεπέρασε μόνο στο εύρος και την πολυτέλεια της διακοσμητικής διάταξης, αλλά όχι στην κατανόηση της γοητείας των μορφών και των ιριδίζοντων χρωμάτων μεμονωμένων χρωμάτων. Σε κάθε περίπτωση, τα στεφάνια λουλουδιών του Seghers στις Μαντόνες μεγάλων ζωγράφων και οι σπάνιες, ανεξάρτητες εικόνες λουλουδιών του, σαν ένα ασημένιο βάζο στη Δρέσδη, αποκαλύπτουν το καθαρό κρύο φως της απαράμιλλης εκτέλεσης. Η Αμβέρσα τον 17ο αιώνα είναι ο κύριος τόπος της ολλανδικής ζωγραφικής με λουλούδια και φρούτα, ωστόσο αυτό δεν το οφείλει τόσο στους ντόπιους δασκάλους όσο στον μεγάλο Ουτρέχτη Jan Davids de Gey (1606 - 1684), ο οποίος μετακόμισε στην Αμβέρσα και μεγάλωσε γιος Κορνέλης, ο οποίος γεννήθηκε στο Leiden.de Gay (1631 - 1695), αργότερα επίσης δάσκαλος της Αμβέρσας. Είναι όμως αυτοί, οι σπουδαιότεροι ζωγράφοι λουλουδιών και φρούτων, που διακρίνονται για την απέραντη αγάπη τους για τις λεπτομέρειες και τη δύναμη της ζωγραφικής, ικανοί να συνδυάσουν εσωτερικά αυτές τις λεπτομέρειες, όπως οι μάστορες του Ολλανδού και όχι του Βελγικού τύπου.

Είδαμε ότι υπήρχαν σημαντικές συνδέσεις μεταξύ της φλαμανδικής ζωγραφικής και της ολλανδικής, ιταλικής και γαλλικής τέχνης. Οι Φλαμανδοί μπορούσαν να εκτιμήσουν την άμεση, οικεία αντίληψη των Ολλανδών, την αξιολύπητη κομψότητα των Γάλλων, τη διακοσμητική πολυτέλεια των μορφών και των χρωμάτων των Ιταλών, αλλά, αφήνοντας κατά μέρος τους αποστάτες και τα μεμονωμένα φαινόμενα, παρέμεναν πάντα μόνο το ένα τέταρτο Οι ίδιοι στην τέχνη τους, για το άλλο τέταρτο ήταν εσωτερικά ρομαντισμένοι και εξωτερικά Γερμανοί Ολλανδοί, που μπόρεσαν να συλλάβουν και να αναπαράγουν τη φύση και τη ζωή με έντονο και ορμητικό ενθουσιασμό και με διακοσμητική έννοια με διάθεση.

Ανάμεσά τους μπορείτε επίσης να δείτε ένα πορτρέτο ενός από τους πιο διάσημους δασκάλους της Φλάνδρας εκείνης της εποχής, του Adrian Brauer. (1606-1632) , τους πίνακες του οποίου συνέλεξε ο ίδιος ο Ρούμπενς (υπήρχαν δεκαεπτά από αυτά στη συλλογή του). Κάθε έργο του Μπράουερ είναι ένα μαργαριτάρι ζωγραφικής. Ο καλλιτέχνης ήταν προικισμένος με ένα τεράστιο χρωματιστικό ταλέντο. Θέμα της δουλειάς του, διάλεξε την καθημερινότητα των φλαμανδών φτωχών - χωρικών, ζητιάνων, αλήτες - κουραστική στη μονοτονία και το κενό της, με τη άθλια διασκέδασή της, ενίοτε διαταραγμένη από ένα ξέσπασμα άγριων ζωικών παθών. Ο Brouwer συνέχισε τις παραδόσεις του Bosch και του Brueghel στην τέχνη με την ενεργή απόρριψη της ανέχειας και της ασχήμιας της ζωής, τη βλακεία και τη ζωώδη βλακεία της ανθρώπινης φύσης, και ταυτόχρονα ένα έντονο ενδιαφέρον για το μοναδικό χαρακτηριστικό. Δεν έχει στόχο να ξεδιπλώσει ενώπιον του θεατή ένα ευρύ υπόβαθρο κοινωνικής ζωής. Η δύναμή του βρίσκεται στην απεικόνιση συγκεκριμένων ειδών καταστάσεων. Έχει ιδιαίτερα την ικανότητα να εκφράζει με εκφράσεις του προσώπου διάφορες επιδράσεις των συναισθημάτων και των αισθήσεων που βιώνει ένα άτομο. Σε αντίθεση με τον Ρούμπενς, τον βαν Ντάικ ακόμα και τον Τζόρντανς, δεν σκέφτεται κανένα ιδανικό και ευγενή πάθη. Παρατηρεί σαρκαστικά το άτομο όπως είναι. Στο μουσείο μπορείτε να δείτε τον πίνακα του "Drinking Buddies", που ξεχωρίζει για τον λεπτό ανοιχτόχρωμο χρωματισμό του, που μεταδίδει εντυπωσιακά τον φωτισμό και τις ατμοσφαιρικές συνθήκες. Το άθλιο αστικό τοπίο κοντά στις επάλξεις, μαζί με τους αλήτες παίκτες, προκαλεί μια μελαγχολία που τραβάει την καρδιά. Αυτή η διάθεση του ίδιου του καλλιτέχνη, μιλώντας για τη θαμπή απελπισία της ύπαρξης, είναι σίγουρα βαθιά δραματική.

Φρανς Χαλς

Το ολλανδικό τμήμα ζωγραφικής είναι σχετικά μικρό, αλλά περιέχει πίνακες του Ρέμπραντ, του Γιάκομπ Ρουισντάελ, των Μικροολλανδών, μάστορες του τοπίου, των νεκρών φύσεων και των σκηνών του είδους. Ένα περίεργο πορτρέτο του εμπόρου Willem Heithuissen, το έργο του μεγάλου Ολλανδού καλλιτέχνη Frans Hals (1581/85-1666) . Ο Heithuissen ήταν ένας πλούσιος αλλά στενόμυαλος και εξαιρετικά ματαιόδοξος άνθρωπος. Ρουστίκ από τη φύση του, προσπαθούσε ωστόσο να μοιάζει με ευγενείς αριστοκράτες λόγω της κομψότητας που φαινόταν ότι του επέτρεπαν να αποκτήσει ο πλούτος του. Ο Χαλς είναι γελοίος και ξένος με τους ισχυρισμούς αυτής της αρχής. Γιατί τόσο επίμονα, με έναν ορισμένο σαρκασμό, κάνει την εικόνα πορτρέτου διπλή. Πρώτα παρατηρούμε τη χαλαρή πόζα του Heithuissen, το πλούσιο κομψό κοστούμι του, το καπέλο του με ένα βαθύτερο γείσο και μετά το ανέκφραστο, χλωμό, όχι πια νεανικό πρόσωπό του με θαμπό βλέμμα. Η πεζή ουσία αυτού του ανθρώπου αναδύεται, παρ' όλα τα κόλπα για να την κρύψεις. Η εσωτερική ασυνέπεια και αστάθεια της εικόνας αποκαλύπτεται κυρίως από την αρχικά λυμένη σύνθεση του πορτρέτου. Ο Heithuissen, με ένα μαστίγιο στο χέρι, σαν μετά από βόλτα, κάθεται σε μια καρέκλα, την οποία φαίνεται να κουνάει. Αυτή η πόζα υποδηλώνει τη γρήγορη καθήλωση της κατάστασης του μοντέλου από τον καλλιτέχνη σε σύντομο χρονικό διάστημα. Και η ίδια στάση δίνει στην εικόνα μια σκιά κάποιας εσωτερικής χαλάρωσης και λήθαργου. Υπάρχει κάτι αξιολύπητο σε αυτόν τον άνθρωπο, που προσπαθεί να κρύψει από τον εαυτό του τον αναπόφευκτο μαρασμό, τη ματαιότητα των επιθυμιών και το εσωτερικό κενό.

Λούκας Κράναχ

Στο τμήμα της γερμανικής ζωγραφικής του Μουσείου των Βρυξελλών, το λαμπρό έργο του Λούκας Κράναχ του Πρεσβύτερου τραβάει την προσοχή. (1472-1553) . Αυτό είναι ένα πορτρέτο του Δρ Johann Schering με ημερομηνία 1529. Η εικόνα ενός ισχυρού άνδρα με ισχυρή θέληση είναι χαρακτηριστική της τέχνης της γερμανικής Αναγέννησης. Όμως, ο Cranach κάθε φορά αποτυπώνει τις ατομικές ιδιότητες του μυαλού και του χαρακτήρα και τις αποκαλύπτει στη φυσική εμφάνιση του μοντέλου, αντιληπτή από τη μοναδικότητά του. Στο αυστηρό βλέμμα του Σέρινγκ, στο πρόσωπό του μπορεί κανείς να νιώσει κάποια ψυχρή εμμονή, ακαμψία και αδιαλλαξία. Η εικόνα του θα ήταν απλώς δυσάρεστη αν η τεράστια εσωτερική δύναμη δεν προκαλούσε ένα αίσθημα σεβασμού για τον ιδιόμορφο χαρακτήρα αυτού του ανθρώπου. Η δεξιοτεχνία της γραφιστικής δεξιοτεχνίας του καλλιτέχνη είναι εντυπωσιακή, μεταφέροντας τόσο έντονα τα άσχημα μεγάλα χαρακτηριστικά του προσώπου και πολλές μικρές λεπτομέρειες του πορτρέτου.

Ιταλικές και γαλλικές συλλογές

Η συλλογή πινάκων Ιταλών καλλιτεχνών μπορεί να προκαλέσει το ενδιαφέρον των επισκεπτών του μουσείου, καθώς περιέχει έργα του Tintoretto, του μεγάλου ζωγράφου, του τελευταίου τιτάνα της ιταλικής Αναγέννησης. «Η εκτέλεση του Αγ. Mark» είναι ένας καμβάς ενός κύκλου αφιερωμένου στη ζωή ενός αγίου. Η εικόνα είναι διαποτισμένη από θυελλώδη δράμα, παθιασμένο πάθος. Όχι μόνο οι άνθρωποι, αλλά και ο ουρανός μέσα στα σκισμένα σύννεφα και η μανιασμένη θάλασσα έμοιαζε να θρηνεί το θάνατο ενός ανθρώπου.

Τα αριστουργήματα της γαλλικής συλλογής είναι το πορτρέτο ενός νεαρού άνδρα του Mathieu Lenin και το τοπίο του Claude Lorrain.

Στο τμήμα της παλιάς τέχνης, υπάρχουν σήμερα περισσότερα από χίλια εκατό έργα τέχνης, πολλά από τα οποία είναι ικανά να προσφέρουν βαθιά αισθητική απόλαυση στον θεατή.

Jacques Louis David

Το δεύτερο μέρος του Βασιλικού Μουσείου Καλών Τεχνών - συλλογές τέχνης από τον 19ο και τον 20ο αιώνα. Περιέχουν ως επί το πλείστον έργα Βέλγων δασκάλων. Το πιο εξαιρετικό έργο της γαλλικής σχολής, που φυλάσσεται στο μουσείο, είναι ο «Θάνατος του Μαρά» του Ζακ Λουί Νταβίντ. (1748-1825) .

Ο David είναι ένας διάσημος καλλιτέχνης της Γαλλίας, επικεφαλής του επαναστατικού κλασικισμού, του οποίου οι ιστορικοί πίνακες έπαιξαν τεράστιο ρόλο στην αφύπνιση της αστικής συνείδησης των συγχρόνων του στα χρόνια που προηγήθηκαν της γαλλικής αστικής επανάστασης. Οι περισσότεροι από τους προεπαναστατικούς πίνακες του καλλιτέχνη ζωγραφίστηκαν σε θέματα από την ιστορία της Αρχαίας Ελλάδας και της Ρώμης, αλλά η επαναστατική πραγματικότητα ανάγκασε τον David να στραφεί στο παρόν και να βρει σε αυτό έναν ήρωα άξιο να είναι ιδανικό.

«Maratu - David. Έτος δεύτερο» - τέτοια είναι η λακωνική επιγραφή στην εικόνα. Εκλαμβάνεται ως επιτάφιος. Ο Marat - ένας από τους ηγέτες της Γαλλικής Επανάστασης - σκοτώθηκε το 1793 (σύμφωνα με τον επαναστατικό λογισμό το δεύτερο έτος)βασιλίστρια Charlotte Corday. Ο «Φίλος του λαού» απεικονίζεται τη στιγμή του θανάτου, αμέσως μετά το χτύπημα. Ένα ματωμένο μαχαίρι ρίχνεται κοντά στο ιαματικό λουτρό όπου εργαζόταν παρά τη σωματική ταλαιπωρία. Μια σκληρή σιωπή γεμίζει την εικόνα, η οποία ακούγεται σαν ρέκβιεμ για έναν πεσμένο ήρωα. Η φιγούρα του είναι δυναμικά σμιλεμένη με chiaroscuro και παρομοιάζεται με άγαλμα. Το πεταμένο κεφάλι και το πεσμένο χέρι έμοιαζαν να έχουν παγώσει σε αιώνια επίσημη ειρήνη. Η σύνθεση εντυπωσιάζει με τη σοβαρότητα της επιλογής των αντικειμένων και τη σαφήνεια των γραμμικών ρυθμών. Ο θάνατος του Μαράτ γίνεται αντιληπτός από τον Ντέιβιντ ως ένα ηρωικό δράμα της μοίρας ενός μεγάλου πολίτη.

Ο Βέλγος Francois Joseph Navez έγινε μαθητής του David, ο οποίος έζησε τα τελευταία χρόνια της ζωής του στην εξορία και τις Βρυξέλλες. (1787-1863) . Μέχρι το τέλος της ζωής του, ο Ναβέζ παρέμεινε πιστός στην παράδοση που δημιούργησε ο δάσκαλός του, ειδικά στην προσωπογραφία, αν και εισήγαγε μια πινελιά ρομαντικής ερμηνείας της εικόνας σε αυτό το είδος. Ένα από τα διάσημα έργα του καλλιτέχνη "Portrait of the Emptinn family" γράφτηκε το 1816. Ο θεατής μεταδίδει άθελά του ότι το νεαρό και όμορφο ζευγάρι ενώνεται με συναισθήματα αγάπης και ευτυχίας. Εάν η εικόνα μιας γυναίκας είναι γεμάτη ήρεμη χαρά, τότε η αρσενική είναι γεμάτη με κάποιο ρομαντικό μυστήριο και μια ελαφριά σκιά θλίψης.

Βελγική ζωγραφική του 19ου και 20ου αιώνα

Στις αίθουσες του μουσείου μπορείτε να δείτε τα έργα των μεγαλύτερων Βέλγων ζωγράφων του 19ου αιώνα: Henri Leys, Joseph Stevens, Hippolyte Boulanger. Ο Jan Stobbarts παρουσιάζεται με έναν από τους καλύτερους πίνακές του, το Farm in Kreiningen, που απεικονίζει πραγματικά την εργασία των αγροτών στο Βέλγιο. Αν και ο καλλιτέχνης ήταν αυτοδίδακτος, ο πίνακας είναι εξαιρετικής κατασκευής και υψηλής ποιότητας στη ζωγραφική. Το θέμα του μπορεί να ήταν εμπνευσμένο από το The Return of the Prodigal Son του Rubens. Ο Stobbarts ήταν ένας από τους πρώτους ζωγράφους του 19ου αιώνα που διακήρυξε τις αρχές του ρεαλισμού.

Η αρχή της καλλιτεχνικής του πορείας ήταν δύσκολη. Συνηθισμένο στη ρομαντική αντίληψη της καλλιτεχνικής εικόνας, το κοινό της Αμβέρσας απέρριψε αγανακτισμένο τους αληθινούς πίνακές του. Αυτός ο ανταγωνισμός αποδείχθηκε τόσο ισχυρός που ο Stobbarts αναγκάστηκε τελικά να μετακομίσει στις Βρυξέλλες.

Το μουσείο διαθέτει είκοσι επτά καμβάδες του διάσημου Βέλγου καλλιτέχνη Henri de Brakeleur. (1840-1888) , ο οποίος ήταν ανιψιός και μαθητής του A. Leys, εξαίρετου ιστορικού ζωγράφου. Αυξημένο ενδιαφέρον για την εθνική ιστορία του Βελγίου, τις παραδόσεις, τον τρόπο ζωής, τον πολιτισμό του σε συνδυασμό στο de Brakeler με κάποιο περίεργο συναίσθημα αγάπης, γεμάτο ελαφριά λύπη και λαχτάρα για το παρελθόν. Οι σκηνές του είδους του είναι διαποτισμένες από μνήμες του παρελθόντος, οι χαρακτήρες του μοιάζουν με ανθρώπους περασμένων αιώνων, περιτριγυρισμένοι από αντίκες και αντικείμενα. Στο έργο του de Brakelera υπάρχει αναμφίβολα ένα στοιχείο στυλιζαρίσματος. Συγκεκριμένα, ο πίνακας του «Γεωγράφος» μοιάζει με το έργο των Ολλανδών δασκάλων του 17ου αιώνα G. Metsu και N. Mas. Στην εικόνα βλέπουμε έναν ηλικιωμένο άνδρα να κάθεται σε ένα βελούδινο σκαμπό του 17ου αιώνα και βυθισμένος στην ενατένιση ενός παλιού βαμμένου σατέν.

Πίνακας του Τζέιμς Ένσορ (1860-1949) "Κυρία με τα μπλε" (1881) φέρει ίχνη της ισχυρής επιρροής του γαλλικού ιμπρεσιονισμού. Η γραφική κλίμακα αποτελείται από μπλε, μπλε-γκρι και πράσινους τόνους. Ένα ζωηρό και ελεύθερο χτύπημα μεταφέρει δόνηση και κίνηση του αέρα.

Η γραφική ερμηνεία της εικόνας μετατρέπει το καθημερινό μοτίβο σε ποιητική σκηνή. Η αυξημένη εικαστική αντίληψη του καλλιτέχνη, η τάση για φαντασία και η συνεχής επιθυμία να μεταμορφώσει αυτό που βλέπει σε κάτι ασυνήθιστο αντικατοπτρίζονται επίσης στις λαμπρές νεκρές φύσεις του, το πιο επιτυχημένο παράδειγμα των οποίων είναι το Brussels Skat. Το θαλάσσιο ψάρι είναι αποκρουστικά όμορφο με το έντονο ροζ χρώμα και το σχήμα του, σαν να θολώνει μπροστά στα μάτια, και υπάρχει κάτι δυσάρεστο και ενοχλητικό στο μαγευτικά διαπεραστικό βλέμμα του στραμμένο απευθείας στον θεατή.

Ο Ένσορ έζησε μια μακρά ζωή, αλλά η δραστηριότητα του έργου του πέφτει στην περίοδο από το 1879 έως το 1893. Η ειρωνεία του Ένσορ, η απόρριψη των άσχημων χαρακτηριστικών της ανθρώπινης φύσης με ανελέητο σαρκασμό, εκδηλώνεται σε πολυάριθμους πίνακες που απεικονίζουν μάσκες καρναβαλιού, τους οποίους μπορεί κανείς να δει και στο Μουσείο των Βρυξελλών. Αναμφίβολα η διαδοχική σύνδεση του Ensor με την τέχνη του Bosch και του Brueghel.

Ο καλύτερος χρωματιστής και ο πιο προικισμένος γλύπτης που πέθανε στον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο, ο Rick Wauters (1882-1916) εκπροσωπούνται στο μουσείο ως πίνακες και γλυπτά. Ο καλλιτέχνης γνώρισε την ισχυρότερη επιρροή του Σεζάν, εντάχθηκε στο ρεύμα του λεγόμενου «Βραμπαντ Φωβισμού», αλλά παρόλα αυτά έγινε ένας βαθιά πρωτότυπος δάσκαλος. Η ιδιοσυγκρασιακή του τέχνη είναι διαποτισμένη από μια παθιασμένη αγάπη για τη ζωή. Στην Κυρία με το κίτρινο κολιέ, αναγνωρίζουμε τη γυναίκα του, Νελ, σκαρφαλωμένη σε μια πολυθρόνα. Ο γιορτινός ήχος του κίτρινου χρώματος των κουρτινών, το κόκκινο - καρό καρό, οι πράσινες γιρλάντες στην ταπετσαρία, το μπλε - του φορέματος προκαλεί μια αίσθηση χαράς ύπαρξης, αιχμαλωτίζοντας όλη την ψυχή.

Το μουσείο φιλοξενεί πολλά έργα του εξέχοντος Βέλγου ζωγράφου Permeke (1886-1952) .

Ο Constant Permeke θεωρείται ευρέως ως ο επικεφαλής του βελγικού εξπρεσιονισμού. Το Βέλγιο ήταν η δεύτερη χώρα μετά τη Γερμανία όπου αυτή η τάση απέκτησε μεγάλη επιρροή στο καλλιτεχνικό περιβάλλον. Οι ήρωες του Περμέκε, κυρίως άνθρωποι του λαού, απεικονίζονται με σκόπιμη χοντροκομία, η οποία, σύμφωνα με τον συγγραφέα, θα έπρεπε να αποκαλύπτει τη φυσική τους δύναμη και δύναμη. Το Permeke καταφεύγει στην παραμόρφωση, έναν απλοποιημένο συνδυασμό χρωμάτων. Παρόλα αυτά, στον «Αρραβωνιασμένο» του νιώθει κανείς ένα είδος μνημειοποίησης, αν και πρωτόγονες εικόνες, μια επιθυμία να αποκαλύψει τον χαρακτήρα και τη σχέση ενός ναύτη και της κοπέλας του.

Από τους δεξιοτέχνες της ρεαλιστικής τάσης του 20ου αιώνα ξεχωρίζουν ο Isidore Opsomer και ο Pierre Polus. Ο πρώτος είναι γνωστός ως θαυμάσιος προσωπογράφος ("Πορτρέτο του Ζυλ Ντεστ"), ο δεύτερος - ως καλλιτέχνης που, όπως ο C. Meunier, αφιέρωσε το έργο του στην απεικόνιση της δύσκολης ζωής των Βέλγων μεταλλωρύχων. Στις αίθουσες του μουσείου παρουσιάζονται επίσης έργα Βέλγων καλλιτεχνών που ανήκουν σε άλλες τάσεις της σύγχρονης τέχνης, κυρίως του σουρεαλισμού και της αφαίρεσης.

Βέλγιο Καλλιτέχνες του Βελγίου (Βέλγοι καλλιτέχνες)

Βασίλειο του Βελγίου

«Σύγχρονη βελγική ζωγραφική. Καλλιτέχνες του Βελγίου»

Καλλιτέχνες του Βελγίου και σύγχρονοι.

Βέλγιο!
Βέλγιο! χώρα του Βελγίου!
Βέλγιο! κράτος του Βελγίου!
Βέλγιο! Η επίσημη ονομασία του βελγικού κράτους είναι το Βασίλειο του Βελγίου!

Βέλγιο! Το Βασίλειο του Βελγίου είναι ένα κράτος στη Βορειοδυτική Ευρώπη.
Βέλγιο! Το Βασίλειο του Βελγίου είναι μέλος της Ευρωπαϊκής Ένωσης (ΕΕ), των Ηνωμένων Εθνών (ΟΗΕ) και του στρατιωτικού μπλοκ του Βορείου Ατλαντικού (ΝΑΤΟ).
Βέλγιο! Το Βασίλειο του Βελγίου καλύπτει μια έκταση 30.528 km².
Βέλγιο! Βασίλειο του Βελγίου! Σήμερα, περισσότεροι από 10 εκατομμύρια άνθρωποι ζουν στο βασίλειο. Η συντριπτική πλειοψηφία του βελγικού πληθυσμού είναι αστικός - περίπου το 97% ήδη το 2004.
Βέλγιο! Βασίλειο του Βελγίου! Πρωτεύουσα του βελγικού βασιλείου είναι η πόλη των Βρυξελλών.
Βέλγιο! Βασίλειο του Βελγίου! Το Βέλγιο συνορεύει με την Ολλανδία στα βόρεια, τη Γερμανία στα ανατολικά, το Λουξεμβούργο στα νοτιοανατολικά και τη Γαλλία στα νότια και δυτικά. Το Βασίλειο του Βελγίου στα βορειοδυτικά έχει πρόσβαση στη Βόρεια Θάλασσα.
Βέλγιο! Βασίλειο του Βελγίου! Η μορφή διακυβέρνησης στο Βέλγιο είναι μια συνταγματική κοινοβουλευτική μοναρχία, η μορφή της διοικητικής-εδαφικής δομής είναι μια ομοσπονδία.

Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου
Προϊστορία του Βελγίου
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου Τα παλαιότερα ίχνη της παρουσίας ανθρωποειδών στην επικράτεια του μελλοντικού Βελγίου βρέθηκαν στο λόφο Allambe, στην περιοχή του όρους Saint-Pierre (Sint-Petersberg) στην επαρχία της Λιέγης και χρονολογούνται από πριν από περίπου 800 χιλιάδες χρόνια.
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου Την περίοδο 250-35 χιλιάδες χρόνια π.Χ. μι. η επικράτεια του Βελγίου κατοικήθηκε από Νεάντερταλ, κυρίως στις επαρχίες της Λιέγης και της Ναμούρ.
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου Γύρω στο 30.000 π.Χ. μι. Οι Νεάντερταλ εξαφανίζονται, διωγμένοι από τους κρομανιόν. Ο τελευταίος παγετώνας στην περιοχή αυτή έληξε γύρω στο 10.000 π.Χ. μι. Εκείνη την εποχή, η στάθμη της θάλασσας σε αυτά τα μέρη ήταν σημαντικά χαμηλότερη από ό,τι σήμερα, έτσι υπήρχε μια χερσαία σύνδεση μεταξύ του Βελγίου και της σύγχρονης Αγγλίας, η οποία αργότερα εξαφανίστηκε.
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου Κατά τη νεολιθική περίοδο, το πυρίτιο εξορύσσονταν ενεργά στο Βέλγιο, όπως αποδεικνύεται από το προϊστορικό ορυχείο Spienne.
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου Τα πρώτα σημάδια της Εποχής του Χαλκού στο Βέλγιο χρονολογούνται γύρω στο 1750 π.Χ. μι.
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου Από τον 5ο αιώνα π.Χ. μι. και πριν από την έναρξη του μι. στο Βέλγιο, η γαλατική κουλτούρα La Tène ανθίζει, διατηρώντας εμπορικούς και πολιτιστικούς δεσμούς με τη Μεσόγειο. Από εδώ οι Γαλλόφωνες φυλές πραγματοποίησαν επέκταση προς τα ανατολικά, μέχρι τη Μικρά Ασία. Η ίδια η λέξη "Βέλγιο" προέρχεται από το όνομα της Γαλλικής φυλής των Βέλγων, που κατοικούσαν στη χώρα αυτή στις αρχές της εποχής μας. Μεταξύ των φυλών που κατοικούσαν στην επικράτεια του Βελγίου, οι Eburons, οι Aduatics, οι Nervii, οι Menaps είναι γνωστοί από ιστορικές πηγές.

Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου
Βέλγιο Ρωμαϊκή περίοδος
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου Το 54 π.Χ. μι. το έδαφος του σύγχρονου Βελγίου κατακτήθηκε από τα στρατεύματα του Ρωμαίου αυτοκράτορα Ιουλίου Καίσαρα και συμπεριλήφθηκε στη ρωμαϊκή επαρχία της Γαλατίας.
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου Μετά την πτώση της Δυτικής Ρωμαϊκής Αυτοκρατορίας, τον 5ο αιώνα η ρωμαϊκή επαρχία της Γαλατίας κατακτήθηκε από τις γερμανικές φυλές των Φράγκων.

Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου πριν από την ανεξαρτησία
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου Κατά τον Μεσαίωνα, το Βέλγιο ήταν μέρος του Δουκάτου της Βουργουνδίας.
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου 1477-1556 Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο δυναστικός γάμος της Μαρίας της Βουργουνδίας έφερε τη Βουργουνδική κατοχή στην Αγία Ρωμαϊκή Αυτοκρατορία.
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου 1556-1713 κατά τη διάρκεια αυτών των ετών το έδαφος του σύγχρονου Βελγίου ήταν υπό τον έλεγχο της Ισπανίας. Ο Τριακονταετής Πόλεμος σηματοδότησε την αρχή του διαχωρισμού των βελγικών εδαφών από την προτεσταντική Ολλανδία.
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου 1713-1792 Το έδαφος του σύγχρονου Βελγίου ενσωματώθηκε στην Αγία Ρωμαϊκή Αυτοκρατορία ως Αυστριακή Ολλανδία.
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου 1792-1815 Το έδαφος του σύγχρονου Βελγίου τέθηκε υπό τον έλεγχο της Γαλλίας.
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου 1815-1830 Η επικράτεια του σύγχρονου Βελγίου συμπεριλήφθηκε, σύμφωνα με την απόφαση του Κογκρέσου της Βιέννης, στο Βασίλειο των Ηνωμένων Κάτω Χωρών. Ωστόσο, πολλοί στο Βέλγιο ήταν δυσαρεστημένοι με την αναγκαστική ένωση με την Ολλανδία (κυρίως ο γαλλόφωνος πληθυσμός και ο καθολικός κλήρος, που φοβόταν την ενίσχυση του ρόλου της ολλανδικής γλώσσας και της προτεσταντικής ομολογίας, αντίστοιχα).

Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου
Βέλγιο Βελγική Επανάσταση Βελγικό Κράτος
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου Το 1830, ως αποτέλεσμα της βελγικής επανάστασης, το Βέλγιο αποχώρησε από το ολλανδικό βασίλειο. Το 1830, το ανακηρυγμένο Βασίλειο του Βελγίου έλαβε για πρώτη φορά το καθεστώς του ως ανεξάρτητου κράτους.
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου Το Βασίλειο του Βελγίου μετά την απόκτηση της ανεξαρτησίας άρχισε να αναπτύσσει εντατικά την οικονομία του. Για παράδειγμα, το Βέλγιο έγινε η πρώτη χώρα στην ηπειρωτική Ευρώπη, όπου κατασκευάστηκε ο σιδηρόδρομος Mechelen-Βρυξέλλες το 1835.
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου Το Βέλγιο υπέφερε πολύ κατά τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο. Οι Βέλγοι αποκαλούν ακόμη αυτόν τον πόλεμο «Μεγάλο Πόλεμο». Αν και το μεγαλύτερο μέρος του Βελγίου ήταν κατεχόμενο, καθ' όλη τη διάρκεια του πολέμου, τα βελγικά και βρετανικά στρατεύματα κατείχαν ένα μικρό τμήμα της χώρας, στριμωγμένο μεταξύ της Βόρειας Θάλασσας και του ποταμού Yser.
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου Η ιστορία της βελγικής πόλης Υπρ είναι ιδιαίτερα τραγική - κατά τη διάρκεια του πολέμου καταστράφηκε σχεδόν ολοσχερώς. Εδώ, κοντά στην πόλη Υπρ, για πρώτη φορά στην ιστορία των πολέμων χρησιμοποιήθηκε δηλητηριώδες αέριο (χλώριο). Και το αέριο μουστάρδας που εφαρμόστηκε δύο μήνες αργότερα πήρε το όνομα αυτής της πόλης.
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου Στις 3 Απριλίου 1925, συνήφθη συμφωνία μεταξύ του Βελγίου και της Ολλανδίας για την αναθεώρηση της συνθήκης του 1839. Ακύρωση της μακροχρόνιας ουδετερότητας του Βελγίου και αποστρατιωτικοποίηση του λιμανιού της Αμβέρσας.
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου Β' Παγκόσμιος Πόλεμος (1940-1944). Κατά τον Β' Παγκόσμιο Πόλεμο, οι Γερμανοί κατέλαβαν το Βέλγιο. Η βελγική κυβέρνηση καταφεύγει στην Αγγλία και ο βασιλιάς Λεοπόλδος Γ' απελαύνεται στη Γερμανία, καθώς υπέγραψε την πράξη παράδοσης στις 28 Μαΐου 1940. Κατά τη διάρκεια της γερμανικής κατοχής στο Βέλγιο, καθιερώνεται το καθεστώς της γερμανικής στρατιωτικής διοίκησης υπό τη διοίκηση του στρατηγού φον Φαλκενχάουζεν.
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου Η απελευθέρωση του Βελγίου από τα γερμανικά στρατεύματα ξεκινά στις 3 Σεπτεμβρίου 1944, με την είσοδο των βρετανικών στρατευμάτων στις Βρυξέλλες. 11 Φεβρουαρίου 1945 Το Βέλγιο δημιουργεί τη δική του κυβέρνηση.

Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου
Βέλγιο Βασίλειο του Βελγίου Σύγχρονη ιστορία του Βελγίου
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου 4 Απριλίου 1949 Το Βασίλειο του Βελγίου εντάσσεται στο ΝΑΤΟ.
Βέλγιο Ιστορία του Βελγίου Το 1957, το Βασίλειο του Βελγίου προσχώρησε στην Ευρωπαϊκή Οικονομική Κοινότητα (ΕΟΚ).

Βέλγιο Βέλγιο Πολιτισμός

Βέλγιο Πολιτισμός του Βελγίου Ένα χαρακτηριστικό της πολιτιστικής ζωής του Βελγίου είναι η απουσία ενός ενιαίου πολιτιστικού πεδίου.
Βέλγιο Πολιτισμός του Βελγίου Στην πραγματικότητα, η πολιτιστική ζωή στο βελγικό βασίλειο συγκεντρώνεται στις γλωσσικές κοινότητες. Δεν υπάρχει εθνική τηλεόραση, εφημερίδες ή άλλα μέσα ενημέρωσης στο Βέλγιο.

Βέλγιο Πολιτισμός του Βελγίου Τέχνη του Βελγίου
Βέλγιο Βελγική Τέχνη
Βέλγιο Ήδη από την Αναγέννηση, η Φλάνδρα έγινε διάσημη για τη ζωγραφική της (Φλαμανδικοί πρωτόγονοι).
Βέλγιο Αργότερα, ο διάσημος καλλιτέχνης Ρούμπενς έζησε και εργάστηκε στη Φλάνδρα (στο Βέλγιο, η πόλη της Αμβέρσας εξακολουθεί να αποκαλείται συχνά η πόλη του Ρούμπενς). Μέχρι το δεύτερο μισό του 17ου αιώνα, ωστόσο, η φλαμανδική τέχνη είχε σταδιακά παρακμάσει.
Βέλγιο Η νέα άνοδος της εικαστικής τέχνης στο Βέλγιο ανήκει στις περιόδους του Ρομαντισμού, του Εξπρεσιονισμού και του Σουρεαλισμού. Παγκοσμίου φήμης Βέλγοι καλλιτέχνες: James Ensor (εξπρεσιονισμός και σουρεαλισμός), Constant Permeke (εξπρεσιονισμός), Leon Spilliart (συμβολισμός).
Βέλγιο Ο πιο διάσημος καλλιτέχνης του Βελγίου είναι αναμφίβολα ο René Magritte, που θεωρείται ένας από τους σημαντικότερους εκφραστές του σουρεαλισμού.
Βέλγιο 2 Ιουνίου 2009 στις Βρυξέλλες στο συγκρότημα των Βασιλικών Μουσείων Καλών Τεχνών άνοιξε ένα νέο μουσείο του Βέλγου σουρεαλιστή καλλιτέχνη Rene Magritte (1898-1967). Η έκθεση περιλαμβάνει περίπου 250 έργα. Το νέο μουσείο έχει γίνει η μεγαλύτερη έκθεση ζωγραφικής του René Magritte στον κόσμο.

Βέλγιο Πολιτισμός του Βελγίου Τέχνη του Βελγίου
Βέλγιο Βελγική τέχνη Βέλγοι καλλιτέχνες Βελγική ζωγραφική
Βέλγιο! Καλλιτέχνες του Βελγίου (Βέλγοι ζωγράφοι και γλύπτες), Βέλγοι ζωγράφοι (Βέλγοι δεξιοτέχνες της ζωγραφικής) είναι γνωστοί σε όλο τον κόσμο και δημιουργούν όμορφες εικόνες. Η δουλειά των Βέλγων καλλιτεχνών είναι πολύ διαφορετική. Οι Βέλγοι καλλιτέχνες (Βέλγοι ζωγράφοι) εκθέτουν συχνά τα έργα τους σε διεθνείς εκθέσεις σε όλο τον κόσμο, συμπεριλαμβανομένης της Ρωσίας.

Βέλγιο! Οι καλλιτέχνες του Βελγίου (Βέλγοι καλλιτέχνες) υποστηρίζουν επαρκώς τις ιστορικές παραδόσεις της βελγικής σχολής ζωγραφικής.
Βέλγιο! Καλλιτέχνες του Βελγίου (Βέλγοι καλλιτέχνες) Η γκαλερί μας παρουσιάζει το έργο ενδιαφέροντων και ταλαντούχων καλλιτεχνών που ζουν στο Βέλγιο.

Βέλγιο! Καλλιτέχνες του Βελγίου (Βέλγοι καλλιτέχνες) Οι καλλιτέχνες του Βελγίου και το έργο τους αξίζουν την προσοχή των πραγματικών φιλότεχνων.
Βέλγιο! Καλλιτέχνες του Βελγίου (Belgian Artists) Οι Βέλγοι καλλιτέχνες εκτιμώνται για το ταλέντο, την πρωτοτυπία του στυλ και τον επαγγελματισμό τους.
Βέλγιο! Καλλιτέχνες του Βελγίου (σύγχρονοι Βέλγοι καλλιτέχνες) Πίνακες ζωγραφικής Βέλγων καλλιτεχνών αγαπούνται και αγοράζονται πρόθυμα σε όλες τις χώρες του κόσμου.

Βέλγιο! Καλλιτέχνες του Βελγίου (σύγχρονοι Βέλγοι καλλιτέχνες) Στη γκαλερί μας μπορείτε να βρείτε και να παραγγείλετε όμορφα και ενδιαφέροντα έργα των καλύτερων Βέλγων καλλιτεχνών και των καλύτερων Βέλγων γλυπτών!