Οι τάσεις του στυλ στην τέχνη. Ποια είναι τα κύρια είδη ζωγραφικής που γνωρίζετε; Σκεφτείτε τι ζωγραφίζετε πιο συχνά

Οι κατευθύνσεις στην τέχνη είναι ένα σύστημα καλλιτεχνικών τεχνικών, μέσων έκφρασης, που έχουν σχεδιαστεί για να εκφράσουν μια συγκεκριμένη ιδέα, μια κοσμοθεωρία που κυριαρχεί σε μια συγκεκριμένη κοινότητα σε μια δεδομένη χρονική περίοδο. Τα στυλ αναπτύχθηκαν την περασμένη χιλιετία, αντικαθιστώντας διαδοχικά το ένα το άλλο. Μερικές φορές ένα νέο στυλ προέκυψε ως συνέχεια και ανάπτυξη του προηγούμενου, μερικές φορές έγινε το αποτέλεσμα μιας πάλης με τις ιδέες του προκατόχου.

Σε ορισμένες περιπτώσεις είναι τόσο δύσκολο να ξεχωρίσεις ένα στυλ που μάλλον κατατάσσεται ως σκηνοθεσία. Έτσι, ο συμβολισμός, ο κυβισμός μπορούν να αποδοθούν ως ένα ανεξάρτητα διαμορφωμένο στυλ και μπορούν να θεωρηθούν ως κατευθύνσεις ολοκληρωμένου μοντερνισμού.

Κάθε εποχή δημιούργησε περισσότερα από ένα καλλιτεχνικά στυλ. Μελετώντας έργα τέχνης, μπορείτε να γνωρίσετε καλύτερα την εποχή κατά την οποία διαμορφώθηκε και κυριάρχησε αυτό ή εκείνο το καλλιτεχνικό στυλ.

Οι κύριες τάσεις στην τέχνη του 10ου - 19ου αιώνα

Ρωμανικό στυλ (X - XIII αιώνες)

Γοτθικό στυλ (XIII - XVI αιώνες)

Μπαρόκ (XVI - XVIII αιώνες)

Κλασσικισμός (XVII - XIX αιώνες)

Συναισθηματισμός (XVIII αιώνας)

Ρομαντισμός (XVIII - XIX αιώνες)

Ρεαλισμός (XIX αιώνας)

Οι κύριες τάσεις στην τέχνη του ΧΧ αιώνα

Νεωτερισμός

Συμβολισμός

Ιμπρεσιονισμός

Σουρεαλισμός

Σχηματίστηκε στη δεκαετία του 1920 του περασμένου αιώνα, είναι ένα στυλ παράδοξων μορφών και υπαινιγμών, που αντικατοπτρίζουν τον συνδυασμό ονείρου και πραγματικότητας. Στη ζωγραφική, ο σουρεαλισμός αντικατοπτρίζεται ξεκάθαρα στους πίνακες των Μαγκρίτ, Ερνστ, Νταλί, Μάττα...

Η θριαμβευτική επιστροφή της κλασικής ζωγραφικής. Η ψηφιακή επανάσταση του Andy Warhol και άλλα ενδιαφέροντα πράγματα που συμβαίνουν στον κόσμο των καλών τεχνών

Η σύγχρονη τέχνη δεν είναι πλέον μοντέρνα. Η σύγχρονη τέχνη, με όλα τα μεταμοντέρνα κόλπα της, εφευρέθηκε πριν από έναν αιώνα.

Αποφλοιωμένα σφάγια αγελάδων, παραστάσεις βίντεο - στην αρχή ήταν συναρπαστικό, αλλά τίθεται το ερώτημα, τι ακολουθεί. Μπορούν οι καλλιτέχνες να βρουν κάτι ακόμα πιο αφηρημένο και ακατανόητο από το τετράγωνο του Kazimir Malevich και τους παφλασμούς του Jackson Pollock;

Σκεφτείτε έξω από το κουτί- συμβούλευσε ο διαβόητος Banksy.Οι νέες τάσεις στην τέχνη και την αγορά τέχνης προήλθαν από μια απροσδόκητη κατεύθυνση.

Τάση νούμερο 1.

Σχεδιασμένη με το χέρι εικόνα: επιστροφή στο θρόνο

Σύμφωνα με τους κριτικούς, ο πίνακας «πέθαινε» μέχρι πρόσφατα και αντικαταστάθηκε από άλλα είδη τέχνης – video art, εγκατάσταση… Στα τέλη της δεκαετίας του 2000, η ​​κατάσταση άλλαξε δραματικά: ο πίνακας αναβίωσε ως είδος.

Τα σύνορα μεταξύ της καλών τεχνών («καλή τέχνη» φτιαγμένη με τον παλιομοδίτικο τρόπο, με ένα πινέλο στον καμβά) και της σύγχρονης τέχνης (με τη σκόπιμη τρέλα και τον μη κομφορμισμό της) ξαφνικά κάπου εξαφανίστηκαν.

Οι θεατές, και πρώτα απ' όλα -οι ίδιοι οι καλλιτέχνες- έχασαν τρομερά τους πίνακες με την παραδοσιακή έννοια. Και αποδεικνύεται ότι εδώ πέρα ​​από όλα έχουν ειπωθεί.

Ωστόσο, για να τραβήξει την προσοχή στη γιγάντια, υπερκορεσμένη αγορά τέχνης, ένας πίνακας πρέπει να είναι πραγματικά ταλαντούχος.

Οι Τσέχοι καλλιτέχνες Svetlana Kurmaz και Alexander Sokht είναι λαμπεροί εκπρόσωποι της νέας τάσης. Διάσημοι στην Ευρώπη και τις ΗΠΑ, είναι σχεδόν άγνωστοι στη Ρωσία, αν και προέρχονται από την επικράτεια του Κρασνοντάρ.

Το παντρεμένο ζευγάρι μετανάστευσε στην Πράγα εδώ και καιρό. Πολύ γρήγορα, το έργο τους κέρδισε επιτυχία με τη δυτική κοινότητα.

Οι Ρώσοι μετανάστες με μια δύσκολη μοίρα περιλαμβάνονται πλέον στη λίστα με τις πιο περιζήτητες ομάδες συμμετεχόντων στις διάσημες παγκόσμιες εκθέσεις τέχνης και μπιενάλε.

Χάρη σε μια νέα προσέγγιση για την επιχειρηματική δραστηριότητα τέχνης - επομένως, στο παράδειγμά τους θα εξετάσουμε τις τελευταίες τάσεις.

Από τον εαυτό μου θα πω: Πρόσφατα διασταυρώθηκα με τα λαμπρά έργα των Kurmaz και Sokht και, χωρίς κανένα δισταγμό, σας προτρέπω να εξοικειωθείτε με αυτό. Το αξίζει απολύτως.

Τάση νούμερο 2.

Μια επανάσταση διεπαφών: σχεδιάζετε σε ένα tablet, παίρνετε έναν καμβά με λάδι.

Η ευρεία χρήση του μηχανικού iPad έχει επηρεάσει σοβαρά την τεχνολογία δημιουργίας πινάκων. Για παράδειγμα, η μετωπική εκτύπωση diasec έχει γίνει δημοφιλής: κατά μια αρχή παρόμοια με την εκτύπωση φωτογραφιών, τα χρώματα εφαρμόζονται στο ακρυλικό.

Nadezhda Voronina, κριτικός τέχνης:

- Ο Alexander Sokht δημιουργεί τα έργα του σε προγράμματα γραφικών, τα οποία στη συνέχεια μεταφέρει σε καμβά, χαρτί ή diasec. Με αυτόν τον τρόπο, καινοτόμες τεχνικές βοηθούν στην εξέλιξη της δημιουργικής μεθόδου.

Τάση νούμερο 3.

Εκδημοκρατισμός της αγοράς τέχνης: τώρα την τέχνη δεν συλλέγουν βαριεστημένοι εκατομμυριούχοι, αλλά απλοί φοιτητές και νοικοκυρές.

Εκπληκτικό γεγονός: το πρωτότυπο έργο ενός διάσημου πλοιάρχου μπορεί τώρα να κοστίσει λιγότερο από $100. Το ευρωπαϊκό κοινό έχει ήδη γευτεί τις απολαύσεις των αγορών τέχνης και αγοράζει μαζικά έργα σύγχρονων.

Ο εκδημοκρατισμός των τιμών για την υψηλή τέχνη είναι ιδιαίτερα αισθητή στη μακροπρόθεσμη επιτυχία της μεγαλύτερης διεθνούς έκθεσης AAF(Προσιτή έκθεση τέχνης, προσιτή έκθεση τέχνης)

Για τους διοργανωτές του, το πιο σημαντικό κριτήριο για την επιλογή των έργων είναι το κόστος τους: δεν πρέπει να υπερβαίνει το ανώτατο όριο τιμής που διατίθεται σε άτομα με μέσο εισόδημα.

Το μάρκετινγκ στην εποχή της αντιγραφής-επικόλλησης και της αναδημοσίευσης ερμήνευσε εκ νέου τις ιδέες του Γουόρχολ: η εικόνα μπορεί πλέον να παραχθεί σε διάφορες εκδόσεις και σε διαφορετικές τιμές.

Για παράδειγμα, τα έργα του ίδιου Kurmaz και Sokhta είναι αρκετά ακριβά. Αλλά κατέληξαν σε μια στρατηγική που τους επιτρέπει να συλλάβουν τρεις διαφορετικές κατηγορίες τιμών.

Η στρατηγική προσβασιμότητας επιτυγχάνεται μέσω της κυκλοφορίας περιορισμένων εκδόσεων σε χαρτί και καμβάδων πρωτοτύπων του συγγραφέα.

Δηλαδή, ένα έργο μπορεί να υπάρχει σε πέντε αντίτυπα, αλλά το καθένα από αυτά να είναι πρωτότυπο, το οποίο επιβεβαιώνεται από ένα διεθνές πιστοποιητικό.

Τάση νούμερο 5.

Οι γκαλερί ανοίγουν πλέον όχι από γκαλερίστ, αλλά από τους ίδιους τους καλλιτέχνες.

Η πιο σημαντική τάση: η προσωπική γκαλερί καλλιτεχνών γίνεται ο κύριος χώρος αλληλεπίδρασης μεταξύ των συμμετεχόντων στην αγορά τέχνης. Αυτός είναι ο ίδιος προηγμένος σχηματισμός με ένα μικρό κατάστημα, όπου ο ίδιος ο ιδιοκτήτης στέκεται πίσω από τον πάγκο.

Nadezhda Voronina, κριτικός τέχνης

- Στο κέντρο της Πράγας, ο Kurmaz και ο Sokht έχουν τη δική τους γκαλερί, που δημιουργήθηκε για να εκθέσουν τον εαυτό τους. Ίσως αυτή είναι μια από τις πιο επιτυχημένες επιλογές για μια σύγχρονη γκαλερί που εκθέτει και πουλάει τέχνη, αφού όλα συγχωνεύονται εδώ - μια σαφής ιδέα, στόχοι και στόχοι του καλλιτέχνη. Αυτός είναι ο τύπος της γκαλερί του μέλλοντος, γιατί στη σύγχρονη τέχνη όλα απλοποιούνται.

Σε αυτή την περίπτωση, οι μηχανισμοί του Facebook και του Twitter λειτουργούν. Η άμεση επικοινωνία μεταξύ του συγγραφέα και των γνώστων του έργου του γίνεται πιο κερδοφόρα στρατηγική από την επικοινωνία μέσω πρακτόρων και αγοραστών.

Η ζωγραφική είναι ίσως η αρχαιότερη μορφή τέχνης. Ακόμη και στην πρωτόγονη εποχή, οι πρόγονοί μας έφτιαχναν εικόνες ανθρώπων και ζώων στους τοίχους των σπηλαίων. Αυτά είναι τα πρώτα δείγματα ζωγραφικής. Από τότε, αυτό το είδος τέχνης παρέμεινε πάντα σύντροφος της ανθρώπινης ζωής. Τα παραδείγματα ζωγραφικής σήμερα είναι πολλά και ποικίλα. Θα προσπαθήσουμε να καλύψουμε όσο το δυνατόν περισσότερο αυτό το είδος τέχνης, να μιλήσουμε για τα κύρια είδη, στυλ, κατευθύνσεις και τεχνικές σε αυτό.

τεχνικές ζωγραφικής

Εξετάστε πρώτα τις βασικές τεχνικές ζωγραφικής. Ένα από τα πιο κοινά είναι λάδι. Αυτή είναι μια τεχνική στην οποία χρησιμοποιούνται βαφές με βάση το λάδι. Αυτά τα χρώματα εφαρμόζονται σε πινελιές. Με τη βοήθειά τους, μπορείτε να δημιουργήσετε μια ποικιλία διαφορετικών αποχρώσεων, καθώς και να μεταφέρετε τις απαραίτητες εικόνες με μέγιστο ρεαλισμό.

Τέμπεραείναι μια άλλη δημοφιλής τεχνική. Μιλάμε για αυτό όταν χρησιμοποιούνται χρώματα γαλακτώματος. Το συνδετικό σε αυτά τα χρώματα είναι αυγό ή νερό.

Γκουάς- μια τεχνική που χρησιμοποιείται ευρέως στα γραφικά. Το χρώμα γκουάς κατασκευάζεται σε βάση κόλλας. Μπορεί να χρησιμοποιηθεί για εργασία σε χαρτόνι, χαρτί, κόκαλο ή μετάξι. Η εικόνα είναι ανθεκτική και οι γραμμές είναι καθαρές. Παστέλ- Πρόκειται για τεχνική σχεδίασης με στεγνά μολύβια, ενώ η επιφάνεια πρέπει να είναι τραχιά. Και, φυσικά, αξίζει να αναφέρουμε τις ακουαρέλες. Αυτή η βαφή συνήθως αραιώνεται με νερό. Με αυτήν την τεχνική λαμβάνεται ένα μαλακό και λεπτό στρώμα βαφής. Ιδιαίτερα δημοφιλείς Φυσικά, έχουμε παραθέσει μόνο τις κύριες τεχνικές που χρησιμοποιούνται στη ζωγραφική πιο συχνά. Υπάρχουν κι άλλοι.

Σε τι ζωγραφίζονται συνήθως οι πίνακες; Ο πιο δημοφιλής πίνακας σε καμβά. Είναι τεντωμένο σε πλαίσιο ή κολλημένο σε χαρτόνι. Σημειώστε ότι στο παρελθόν, οι ξύλινες σανίδες χρησιμοποιούνταν αρκετά συχνά. Σήμερα, όχι μόνο η ζωγραφική σε καμβά είναι δημοφιλής, αλλά και οποιαδήποτε άλλα επίπεδα υλικά μπορούν να χρησιμοποιηθούν για τη δημιουργία μιας εικόνας.

Τύποι ζωγραφικής

Υπάρχουν 2 κύριοι τύποι του: καβαλέτο και μνημειακή ζωγραφική. Το τελευταίο σχετίζεται με την αρχιτεκτονική. Αυτός ο τύπος περιλαμβάνει πίνακες ζωγραφικής στις οροφές και τους τοίχους κτιρίων, τη διακόσμησή τους με εικόνες από ψηφιδωτά ή άλλα υλικά, παράθυρα από βιτρό και ούτω καθεξής. Η ζωγραφική του καβαλέτου δεν συνδέεται με ένα συγκεκριμένο κτίριο. Μπορεί να μετακινηθεί από μέρος σε μέρος. Στη ζωγραφική με καβαλέτο, υπάρχουν πολλές ποικιλίες (αλλιώς ονομάζονται είδη). Ας σταθούμε σε αυτά με περισσότερες λεπτομέρειες.

Είδη ζωγραφικής

Η λέξη "genre" είναι γαλλικής προέλευσης. Μεταφράζεται ως "γένος", "είδος". Δηλαδή, κάτω από το όνομα του είδους υπάρχει ένα περιεχόμενο κάποιου είδους και, προφέροντας το όνομά του, καταλαβαίνουμε τι είναι η εικόνα, τι θα βρούμε σε αυτήν: ένα άτομο, τη φύση, ένα ζώο, αντικείμενα κ.λπ.

Πορτρέτο

Το αρχαιότερο είδος ζωγραφικής είναι το πορτρέτο. Αυτή είναι η εικόνα ενός ατόμου που μοιάζει μόνο με τον εαυτό του και σε κανέναν άλλον. Με άλλα λόγια, ένα πορτρέτο είναι μια εικόνα στη ζωγραφική μιας ατομικής εμφάνισης, αφού ο καθένας μας έχει ένα ξεχωριστό πρόσωπο. Αυτό το είδος ζωγραφικής έχει τις δικές του ποικιλίες. Ένα πορτρέτο μπορεί να είναι ολόσωμο, στο στήθος ή να είναι ζωγραφισμένο μόνο ένα άτομο. Σημειώστε ότι δεν είναι κάθε εικόνα ενός ατόμου πορτρέτο, αφού ένας καλλιτέχνης μπορεί να δημιουργήσει, για παράδειγμα, «ένα άτομο γενικά» χωρίς να τον ξεγράψει από κανέναν. Ωστόσο, όταν απεικονίζει έναν συγκεκριμένο εκπρόσωπο της ανθρώπινης φυλής, εργάζεται πάνω σε ένα πορτρέτο. Περιττό να πούμε ότι υπάρχουν πολλά παραδείγματα ζωγραφικής σε αυτό το είδος. Όμως το παρακάτω πορτρέτο είναι γνωστό σχεδόν σε κάθε κάτοικο της χώρας μας. Μιλάμε για την εικόνα του A. S. Pushkin, που δημιουργήθηκε το 1827 από τον Kiprensky.

Η αυτοπροσωπογραφία μπορεί επίσης να προστεθεί σε αυτό το είδος. Σε αυτή την περίπτωση, ο καλλιτέχνης απεικονίζει τον εαυτό του. Υπάρχει ένα ζευγαρωμένο πορτρέτο, όταν στην εικόνα υπάρχουν άτομα σε ένα ζευγάρι. και ένα ομαδικό πορτρέτο, όταν απεικονίζεται μια ομάδα ανθρώπων. Μπορεί κανείς επίσης να σημειώσει το τελετουργικό πορτρέτο, μια ποικιλία του οποίου είναι ιππικό, ένα από τα πιο επίσημα. Ήταν πολύ δημοφιλές στο παρελθόν, αλλά τέτοια έργα είναι σπάνια τώρα. Ωστόσο, το επόμενο είδος για το οποίο θα μιλήσουμε είναι επίκαιρο ανά πάσα στιγμή. Περί τίνος πρόκειται? Αυτό μπορεί να το μαντέψει κανείς ταξινομώντας τα είδη που δεν έχουμε ακόμη ονομάσει, που χαρακτηρίζουν τη ζωγραφική. Η νεκρή φύση είναι ένα από αυτά. Για αυτόν θα μιλήσουμε τώρα, συνεχίζοντας να σκεφτόμαστε τη ζωγραφική.

Νεκρή φύση

Αυτή η λέξη έχει επίσης γαλλική προέλευση, σημαίνει «νεκρή φύση», αν και η σημασία θα ήταν ακριβέστερη «άψυχη φύση». Νεκρή φύση - η εικόνα των άψυχων αντικειμένων. Έχουν μεγάλη ποικιλία. Σημειώστε ότι οι νεκρές φύσεις μπορούν επίσης να απεικονίσουν τη "ζωντανή φύση": πεταλούδες υποχωρούν στα πέταλα, όμορφα λουλούδια, πουλιά και μερικές φορές μπορεί κανείς να δει ένα άτομο ανάμεσα στα δώρα της φύσης. Ωστόσο, θα εξακολουθεί να είναι νεκρή φύση, αφού η εικόνα του ζωντανού δεν είναι το πιο σημαντικό πράγμα για τον καλλιτέχνη σε αυτή την περίπτωση.

Τοπίο

Το τοπίο είναι μια άλλη γαλλική λέξη που σημαίνει "θέα της χώρας" σε μετάφραση. Είναι ανάλογο με τη γερμανική έννοια του «τοπίου». Το τοπίο είναι μια απεικόνιση της φύσης στην ποικιλομορφία της. Οι ακόλουθες ποικιλίες εντάσσονται σε αυτό το είδος: το αρχιτεκτονικό τοπίο και το πολύ δημοφιλές θαλασσινό τοπίο, που συχνά αποκαλείται η μοναδική λέξη "μαρίνα", και οι καλλιτέχνες που εργάζονται σε αυτό ονομάζονται θαλάσσιοι ζωγράφοι. Πολυάριθμα παραδείγματα ζωγραφικής στο είδος της θαλασσογραφίας μπορούν να βρεθούν στο έργο του I. K. Aivazovsky. Ένα από αυτά είναι το «Ουράνιο τόξο» του 1873.

Αυτή η εικόνα είναι ζωγραφισμένη με λάδι και είναι δύσκολο να εκτελεστεί. Αλλά δεν είναι δύσκολο να δημιουργήσετε τοπία ακουαρέλας, έτσι στο σχολείο, στα μαθήματα σχεδίασης, αυτό το καθήκον δόθηκε στον καθένα μας.

Ζωικό είδος

Το επόμενο είδος είναι ζωώδες. Όλα είναι απλά εδώ - αυτή είναι μια εικόνα πουλιών και ζώων στη φύση, σε ένα φυσικό περιβάλλον.

οικιακό είδος

Το καθημερινό είδος είναι μια απεικόνιση σκηνών από τη ζωή, καθημερινότητα, αστεία «περιστατικά», οικιακή ζωή και ιστορίες απλών ανθρώπων σε ένα συνηθισμένο περιβάλλον. Και μπορείτε να κάνετε χωρίς ιστορίες - απλώς αποτυπώστε καθημερινές δραστηριότητες και υποθέσεις. Τέτοιοι πίνακες αναφέρονται μερικές φορές ως ζωγραφική του είδους. Ως παράδειγμα, λάβετε υπόψη το παραπάνω έργο του Βαν Γκογκ (1885).

ιστορικό είδος

Τα θέματα της ζωγραφικής είναι ποικίλα, αλλά το ιστορικό είδος ξεχωρίζει. Αυτή είναι μια εικόνα ιστορικών ηρώων και γεγονότων. Το είδος μάχης γειτνιάζει με αυτό, παρουσιάζει επεισόδια πολέμου, μάχης.

Θρησκευτικό και μυθολογικό είδος

Στο μυθολογικό είδος, οι πίνακες γράφονται με θέματα αρχαίων και αρχαίων θρύλων για θεούς και ήρωες. Ας σημειωθεί ότι η εικόνα είναι κοσμικού χαρακτήρα και ως προς αυτό διαφέρει από τις εικόνες των θεοτήτων που αναπαριστώνται στην εικόνα. Παρεμπιπτόντως, η θρησκευτική ζωγραφική δεν είναι μόνο εικόνες. Συγκεντρώνει διάφορα έργα γραμμένα για θρησκευτικά θέματα.

Σύγκρουση ειδών

Όσο πιο πλούσιο είναι το περιεχόμενο του είδους, τόσο πιο πολύ εμφανίζονται οι «συνοδοί» του. Τα είδη μπορούν να συγχωνευθούν, άρα υπάρχει ένας πίνακας που δεν μπορεί να μπει στο πλαίσιο κανενός από αυτά. Στην τέχνη, υπάρχει και ένα γενικό (τεχνικές, είδη, στυλ) και ένα άτομο (ένα συγκεκριμένο έργο που λαμβάνεται χωριστά). Μια ξεχωριστή εικόνα έχει κάτι κοινό. Επομένως, πολλοί καλλιτέχνες μπορεί να έχουν ένα είδος, αλλά οι πίνακες που ζωγραφίζονται σε αυτό δεν είναι ποτέ ίδιοι. Τέτοια χαρακτηριστικά έχουν την κουλτούρα της ζωγραφικής.

Στυλ

Το στυλ είναι μια πτυχή της οπτικής αντίληψης των έργων ζωγραφικής. Μπορεί να συνδυάσει το έργο ενός καλλιτέχνη ή το έργο καλλιτεχνών μιας συγκεκριμένης περιόδου, κατεύθυνσης, σχολείου, περιοχής.

Ακαδημαϊκή ζωγραφική και ρεαλισμός

Η ακαδημαϊκή ζωγραφική είναι μια ιδιαίτερη κατεύθυνση, η διαμόρφωση της οποίας συνδέεται με τις δραστηριότητες των ακαδημιών τεχνών στην Ευρώπη. Εμφανίστηκε τον 16ο αιώνα στην Ακαδημία της Μπολόνια, οι ιθαγενείς της οποίας προσπάθησαν να μιμηθούν τους δασκάλους της Αναγέννησης. Από τον 16ο αιώνα, οι μέθοδοι διδασκαλίας της ζωγραφικής άρχισαν να βασίζονται στην αυστηρή τήρηση κανόνων και κανόνων, ακολουθώντας επίσημα πρότυπα. Η τέχνη στο Παρίσι θεωρήθηκε μια από τις πιο σημαντικές στην Ευρώπη. Προώθησε την αισθητική του κλασικισμού που κυριάρχησε στη Γαλλία τον 17ο αιώνα. Παριζιάνικη ακαδημία; συμβάλλοντας στη συστηματοποίηση της εκπαίδευσης, μετέτρεψε σταδιακά τους κανόνες της κλασικής κατεύθυνσης σε δόγμα. Έτσι η ακαδημαϊκή ζωγραφική έχει γίνει μια ιδιαίτερη κατεύθυνση. Τον 19ο αιώνα, μια από τις πιο εξέχουσες εκδηλώσεις του ακαδημαϊσμού ήταν το έργο των J. L. Gerome, Alexandre Cabannel, J. Ingres. Οι κλασικοί κανόνες αντικαταστάθηκαν από ρεαλιστικούς μόνο στις αρχές του 19ου και του 20ου αιώνα. Ήταν ρεαλισμός που στις αρχές του 20ού αιώνα έγινε η βασική μέθοδος διδασκαλίας στις ακαδημίες, μετατρέποντας σε ένα δογματικό σύστημα.

Μπαρόκ

Το μπαρόκ είναι ένα στυλ και εποχή τέχνης, που χαρακτηρίζεται από αριστοκρατία, αντίθεση, δυναμισμό εικόνων, απλές λεπτομέρειες όταν απεικονίζει την αφθονία, την ένταση, το δράμα, την πολυτέλεια, μια συγχώνευση πραγματικότητας και ψευδαίσθησης. Αυτό το στυλ εμφανίστηκε στην Ιταλία το 1600 και εξαπλώθηκε σε όλη την Ευρώπη. Ο Καραβάτζιο και ο Ρούμπενς είναι οι πιο εξέχοντες εκπρόσωποί του. Το μπαρόκ συγκρίνεται συχνά με τον εξπρεσιονισμό, ωστόσο, σε αντίθεση με τον τελευταίο, δεν έχει πολύ απωθητικά αποτελέσματα. Οι πίνακες αυτού του στυλ σήμερα χαρακτηρίζονται από την πολυπλοκότητα των γραμμών και την αφθονία των διακοσμητικών.

Κυβισμός

Ο κυβισμός είναι ένα πρωτοποριακό κίνημα τέχνης που ξεκίνησε τον 20ο αιώνα. Δημιουργός του είναι ο Πάμπλο Πικάσο. Ο κυβισμός έκανε μια πραγματική επανάσταση στη γλυπτική και τη ζωγραφική της Ευρώπης, εμπνέοντας τη δημιουργία παρόμοιων τάσεων στην αρχιτεκτονική, τη λογοτεχνία και τη μουσική. Η καλλιτεχνική ζωγραφική σε αυτό το στυλ χαρακτηρίζεται από ανασυνδυασμένα, σπασμένα αντικείμενα που έχουν μια αφηρημένη μορφή. Κατά την απεικόνισή τους χρησιμοποιούνται πολλές απόψεις.

Εξπρεσιονισμός

Ο εξπρεσιονισμός είναι μια άλλη σημαντική τάση στη σύγχρονη τέχνη που εμφανίστηκε στη Γερμανία το πρώτο μισό του 20ού αιώνα. Στην αρχή κάλυπτε μόνο την ποίηση και τη ζωγραφική και στη συνέχεια εξαπλώθηκε σε άλλους τομείς της τέχνης.

Οι εξπρεσιονιστές απεικονίζουν τον κόσμο υποκειμενικά, παραμορφώνοντας την πραγματικότητα για να δημιουργήσουν ένα μεγαλύτερο συναισθηματικό αποτέλεσμα. Στόχος τους είναι να κάνουν τον θεατή να σκεφτεί. Η έκφραση στον εξπρεσιονισμό υπερισχύει της εικόνας. Μπορεί να σημειωθεί ότι πολλά έργα χαρακτηρίζονται από μοτίβα βασανισμού, πόνου, οδύνης, κραυγών (το έργο του Edvard Munch, που παρουσιάστηκε παραπάνω, ονομάζεται "The Scream"). Οι εξπρεσιονιστές καλλιτέχνες δεν ενδιαφέρονται καθόλου για την υλική πραγματικότητα, οι πίνακές τους είναι γεμάτες με βαθύ νόημα και συναισθηματικές εμπειρίες.

Ιμπρεσιονισμός

Ιμπρεσιονισμός - μια κατεύθυνση ζωγραφικής, που στοχεύει κυρίως στην εργασία στο ύπαιθρο (υπαίθριο) και όχι στο στούντιο. Οφείλει το όνομά του στον πίνακα «Impression, Sunrise» του Claude Monet, που φαίνεται στην παρακάτω φωτογραφία.

Η λέξη "impression" στα αγγλικά είναι impression. Οι ιμπρεσιονιστικοί πίνακες μεταφέρουν κυρίως τη φωτεινή αίσθηση του καλλιτέχνη. Τα κύρια χαρακτηριστικά της ζωγραφικής σε αυτό το στυλ είναι τα εξής: ελάχιστα ορατά, λεπτές πινελιές. αλλαγή στο φωτισμό, που μεταφέρεται με ακρίβεια (η προσοχή επικεντρώνεται συχνά στην επίδραση του χρόνου). ανοιχτή σύνθεση? ένας απλός κοινός στόχος. η κίνηση ως βασικό στοιχείο της ανθρώπινης εμπειρίας και αντίληψης. Οι πιο εξέχοντες εκπρόσωποι μιας τέτοιας τάσης όπως ο ιμπρεσιονισμός είναι ο Edgar Degas, ο Claude Monet, ο Pierre Renoir.

Νεωτερισμός

Η επόμενη κατεύθυνση είναι ο μοντερνισμός, ο οποίος ξεκίνησε ως ένα σύνολο τάσεων σε διάφορους τομείς της τέχνης στα τέλη του 19ου και στις αρχές του 20ου αιώνα. Το παρισινό «Σαλόνι των Απορριφθέντων» άνοιξε το 1863. Καλλιτέχνες των οποίων οι πίνακες δεν επιτρέπονταν στο επίσημο σαλόνι εκτέθηκαν εδώ. Αυτή η ημερομηνία μπορεί να θεωρηθεί η ημερομηνία εμφάνισης του μοντερνισμού ως ξεχωριστή κατεύθυνση στην τέχνη. Διαφορετικά, ο μοντερνισμός μερικές φορές αποκαλείται «άλλη τέχνη». Στόχος του είναι να δημιουργήσει μοναδικούς πίνακες που δεν είναι σαν τους άλλους. Κύριο χαρακτηριστικό των έργων είναι μια ιδιαίτερη θεώρηση του κόσμου από τον συγγραφέα.

Οι καλλιτέχνες στα έργα τους επαναστάτησαν ενάντια στις αξίες του ρεαλισμού. Η αυτογνωσία είναι ένα εντυπωσιακό χαρακτηριστικό αυτής της τάσης. Αυτό οδηγεί συχνά σε πειραματισμούς με τη φόρμα καθώς και σε μια τάση για αφαίρεση. Οι εκπρόσωποι του μοντερνισμού δίνουν ιδιαίτερη προσοχή στα υλικά που χρησιμοποιούνται και στη διαδικασία εργασίας. Ένας από τους πιο εξέχοντες εκπροσώπους του είναι ο Henry Matisse (το έργο του «The Red Room» του 1908 παρουσιάζεται παραπάνω) και ο Pablo Picasso.

Νεοκλασικισμός

Ο νεοκλασικισμός είναι η κύρια κατεύθυνση της ζωγραφικής στη Βόρεια Ευρώπη από τα μέσα του 18ου αιώνα έως τα τέλη του 19ου. Χαρακτηρίζεται από την επιστροφή στα χαρακτηριστικά της αρχαίας Αναγέννησης και ακόμη και στην εποχή του κλασικισμού. Σε αρχιτεκτονικούς, καλλιτεχνικούς και πολιτιστικούς όρους, ο νεοκλασικισμός εμφανίστηκε ως απάντηση στο ροκοκό, το οποίο θεωρήθηκε ως ένα ρηχό και καλλιτεχνικό στυλ τέχνης. Οι νεοκλασικοί καλλιτέχνες, χάρη στην καλή γνώση των εκκλησιαστικών νόμων, προσπάθησαν να εισάγουν κανόνες στο έργο τους. Ωστόσο, απέφευγαν απλώς να αναπαράγουν κλασικά μοτίβα και θέματα. Οι νεοκλασικοί καλλιτέχνες προσπάθησαν να τοποθετήσουν τη ζωγραφική τους στα πλαίσια της παράδοσης και έτσι να επιδείξουν δεξιοτεχνία στο είδος. Ο νεοκλασικισμός από αυτή την άποψη έρχεται σε άμεση αντίθεση με τον μοντερνισμό, όπου ο αυτοσχεδιασμός και η αυτοέκφραση θεωρούνται αρετές. Οι πιο διάσημοι εκπρόσωποί της περιλαμβάνουν τους Nicolas Poussin, Raphael.

Pop Art

Η τελευταία κατεύθυνση που θα εξετάσουμε είναι η ποπ αρτ. Εμφανίστηκε στη Βρετανία στα μέσα της δεκαετίας του '50 του περασμένου αιώνα και στα τέλη της δεκαετίας του '50 - στην Αμερική. Η ποπ αρτ πιστεύεται ότι προήλθε ως αντίδραση στις ιδέες του αφηρημένου εξπρεσιονισμού που κυριαρχούσαν εκείνη την εποχή. Μιλώντας για αυτή την κατεύθυνση, είναι αδύνατο να μην αναφέρουμε Το 2009, ο «Οκτώ Έλβις», ένας από τους πίνακές του, πουλήθηκε για 100 εκατομμύρια δολάρια.

Υπάρχει απλώς μια τεράστια ποικιλία από τάσεις και στυλ στις εικαστικές τέχνες. Συχνά δεν έχουν έντονα όρια και μπορούν να μετακινηθούν ομαλά από το ένα στο άλλο, ενώ βρίσκονται σε συνεχή ανάπτυξη, αντίθεση και ανάμειξη. Οι περισσότερες τάσεις στη ζωγραφική συνυπάρχουν ταυτόχρονα ακριβώς για αυτόν τον λόγο - πρακτικά δεν υπάρχουν "καθαρά στυλ". Σας παρουσιάζουμε τα πιο δημοφιλή στυλ ζωγραφικής σήμερα.

Ιμπρεσιονισμός

Claude Monet «Εντύπωση. Ανατολή του ηλίου"

Πήρε το όνομά του από τον πίνακα "Impression, soleil levant" του Claude Monet. Ο ιμπρεσιονισμός είναι ένα στυλ ζωγραφικής που τείνει να λειτουργεί σε εξωτερικούς χώρους. Η ζωγραφική προς αυτή την κατεύθυνση έχει σχεδιαστεί για να μεταφέρει την ελαφριά αίσθηση του πλοιάρχου.

Τα βασικά χαρακτηριστικά του ιμπρεσιονισμού περιλαμβάνουν: λεπτές, σχετικά μικρές, ελάχιστα ορατές πινελιές. αλλαγή φωτισμού που μεταδίδεται με ακρίβεια. ανοιχτή σύνθεση? η παρουσία οποιασδήποτε κίνησης. ασυνήθιστη όραση αντικειμένων.

Εξαιρετικοί εκπρόσωποι του ιμπρεσιονισμού:Πιερ Ρενουάρ, Εντγκάρ Ντεγκά, Κλοντ Μονέ.

Εξπρεσιονισμός

Έντβαρντ Μουνκ «Η κραυγή»

Μια από τις τάσεις της σύγχρονης τέχνης που ξεκίνησε στη Γερμανία γύρω στο πρώτο μισό του 20ού αιώνα. Στην αρχή, ο εξπρεσιονισμός κάλυπτε μόνο την ποίηση και τη ζωγραφική.

Οι εξπρεσιονιστές συνήθως απεικονίζουν τον κόσμο γύρω τους μόνο υποκειμενικά, παραμορφώνοντας εντελώς την πραγματικότητα για ακόμη μεγαλύτερο συναισθηματικό αποτέλεσμα. Έτσι, κάνουν τον θεατή τους να σκεφτεί.

Μεταξύ των εκπροσώπων της: Amedeo Modigliani, Edvard Munch, Ernst Ludwig Kirchner κ.λπ.

Κυβισμός

Πάμπλο Πικάσο «Ντόρα Μάαρ»

Ο κυβισμός είναι ένα πρωτοποριακό κίνημα τέχνης που ξεκίνησε τον 20ο αιώνα χάρη στον διάσημο Πάμπλο Πικάσο. Ως εκ τούτου, είναι αυτός που είναι ο πιο εξέχων εκπρόσωπος αυτού του στυλ. Σημειώστε ότι αυτή η κατεύθυνση έχει φέρει επανάσταση στη γλυπτική και τη ζωγραφική της Ευρώπης, εμπνέοντας επίσης παρόμοιες τάσεις στην αρχιτεκτονική, τη λογοτεχνία και τη μουσική.

Τα έργα τέχνης σε αυτό το στυλ χαρακτηρίζονται από ανασυνδυασμένα, σπασμένα αντικείμενα σε μια αφηρημένη μορφή.

Νεωτερισμός

Henri Matisse "Χορεύτρια με μπλε φόρεμα"

Ο μοντερνισμός επιδεικνύει έναν συνδυασμό διαφορετικών πολιτιστικών τάσεων, καθώς και μια σειρά από ενοποιημένες τάσεις της τέχνης που ξεκίνησαν τον 19ο και τον 20ο αιώνα.

Οι ζωγράφοι αποκαλούν τον μοντερνισμό «άλλη τέχνη», σκοπός της οποίας είναι η δημιουργία μοναδικών, σε αντίθεση με οτιδήποτε άλλο, δηλαδή δείχνουν ένα ιδιαίτερο όραμα του καλλιτέχνη.

Αξιόλογοι εκπρόσωποι:Ανρί Ματίς και Πάμπλο Πικάσο.

Νεοκλασικισμός

Nicolas Poussin "Παρνασσός"

Ο νεοκλασικισμός ήταν η κύρια τάση στη Βόρεια Ευρώπη γύρω στον 18ο και 19ο αιώνα, η οποία χαρακτηρίζεται από την τέχνη της Αναγέννησης, την αρχαιότητα ακόμη και τον κλασικισμό.

Λόγω της βαθιάς γνώσης των εκκλησιαστικών νόμων, οι δάσκαλοι του νεοκλασικισμού προσπάθησαν να ανακατασκευάσουν, καθώς και να εισαγάγουν τους κανόνες στα έργα τους.

Επιφανείς εκπρόσωποι είναι: Nicolas Poussin, Franz Joseph Haydn, Raphael.

Pop Art

Andy Warhol "Δολάριο"

Ρομαντισμός

Francisco Goya "Δικαστήριο της Ιεράς Εξέτασης"

Ο ρομαντισμός ως καλλιτεχνική κατεύθυνση ξεκίνησε τον 18ο αιώνα στην Ευρώπη. Τα έντονα συναισθήματα θεωρούνταν η αληθινή πηγή της αισθητικής γνώσης. Τα πιο πολύτιμα συναισθήματα ήταν η ευλάβεια, ο φόβος, η φρίκη και το δέος.

Μεταξύ των εκπροσώπων της: Francisco Goya, Isaac Levitan, Ivan Shishkin, Ivan Aivazovsky, William Turner.

Ρεαλισμός

Ilya Repin "The Timid Man"

Ο σουρεαλισμός είναι η έκθεση της ψυχολογικής αλήθειας με το διαχωρισμό των αντικειμένων από την καθημερινή τους σημασία προκειμένου να δημιουργηθεί μια δυνατή εικόνα για να προκαλέσει την ενσυναίσθηση του θεατή.

Διάσημοι εκπρόσωποι αυτού του στυλ:Μαξ Ερνστ, Ρενέ Μαγκρίτ και Σαλβαδόρ Νταλί.

Συμβολισμός

Μιχαήλ Βρούμπελ "Νίκησε δαίμονα"

Ο συμβολισμός είναι ένα είδος διαμαρτυρίας υπέρ της πνευματικότητας, των ονείρων και της φαντασίας, που αναπτύχθηκε σε ορισμένες ευρωπαϊκές χώρες στα τέλη του 19ου αιώνα.

Οι συμβολιστές καλλιτέχνες έκαναν μια αρκετά ισχυρή επιρροή στον σουρεαλισμό και τον εξπρεσιονισμό στη ζωγραφική. Αυτές οι δύο κατευθύνσεις προήλθαν απευθείας από τον συμβολισμό.

Μεταξύ των εκπροσώπων του στυλ: Mikhail Vrubel, Gustave Moreau, Hugo Simberg, Viktor Vasnetsov κ.λπ.

Πολύ ποικίλο και πολύπλευρο. Η ενιαία αρχή της καλλιτεχνικής σκέψης είναι το πολύ βασικό χαρακτηριστικό σύμφωνα με το οποίο τα έργα των δασκάλων μπορούν να αποδοθούν σε μια ή την άλλη τάση. Ιστορικά, οι κύριες τάσεις στη ζωγραφική άλλαξαν η μία την άλλη ανάλογα με την αλλαγή στην αντίληψη της τέχνης. Σε αυτό το θέμα έπαιξαν ρόλο και ορισμένα γεγονότα.

Κατευθύνσεις στη ζωγραφική του 19ου αιώνα

Τον δέκατο ένατο αιώνα, η Γαλλία παρέμεινε η κορυφαία χώρα που συνέβαλε σημαντικά στην ανάπτυξη του ευρωπαϊκού πολιτισμού. Στην πρώτη θέση στην καλλιτεχνική ζωή ήταν η ζωγραφική. Κατευθύνσεις στη ζωγραφική του 19ου αιώνα είναι ο κλασικισμός, ο ρομαντισμός, ο ρεαλισμός, ο ακαδημαϊσμός και η παρακμή. Ο Ευγένιος Ντελακρουά θεωρήθηκε η κύρια μορφή του ρομαντισμού. Ο πιο διάσημος πίνακας του, Freedom at the Barricades, βασίστηκε σε πραγματικά γεγονότα. Στα μέσα του δέκατου ένατου αιώνα, οι κύριες τάσεις στη ζωγραφική ήταν ο κλασικισμός και ο ρεαλισμός. Οι θέσεις του ρεαλισμού στην Ευρώπη ενισχύθηκαν από τον Gustave Courbet. Και στο δεύτερο μισό του αιώνα, τα ίδια ρεύματα μετακινήθηκαν από τη Γαλλία στη Ρωσία. Οι τάσεις στην τέχνη, τη ζωγραφική, την αρχιτεκτονική και άλλους τομείς της πολιτιστικής ζωής στην Ευρώπη αυτόν τον αιώνα είναι αρκετά διαφορετικές. Το τελευταίο τρίτο του δέκατου ένατου αιώνα έπεσε στα όρια του ρεαλισμού και της παρακμής. Ως αποτέλεσμα αυτής της πράξης εξισορρόπησης, προέκυψε μια εντελώς νέα κατεύθυνση - ο ιμπρεσιονισμός. Αλλά η κύρια τάση στη ρωσική ζωγραφική αυτής της περιόδου παρέμεινε ο ρεαλισμός.

Κλασσικότης

Αυτή η κατεύθυνση αναπτύχθηκε στη Γαλλία από τον δέκατο έβδομο έως τον δέκατο ένατο αιώνα. Χαρακτηριζόταν από αρμονία και προσπάθεια για το ιδανικό. Ο κλασικισμός όρισε τη δική του ιεραρχία, σύμφωνα με την οποία τα θρησκευτικά ιστορικά και μυθολογικά είδη κατατάσσονταν ψηλά. Όμως το πορτρέτο, η νεκρή φύση, καθώς και το τοπίο θεωρήθηκαν ασήμαντα και μάλιστα καθημερινά. Απαγορευόταν ο συνδυασμός ειδών. Πολλές παραδόσεις καλλιτεχνών οφείλουν την εμφάνισή τους στον κλασικισμό. Συγκεκριμένα, μιλάμε για την πληρότητα της σύνθεσης και των συντονισμένων εντύπων. Τα έργα του κλασικισμού καλούν σε αρμονία και συνεννόηση.

Ακαδημαϊσμός

Οι κατευθύνσεις στη ζωγραφική δεν άλλαξαν απλώς με την πάροδο του χρόνου. Διαπέρασαν ο ένας τον άλλον, συνδέθηκαν στενά και ακολούθησαν για αρκετή ώρα μαζί. Και συνέβαινε συχνά η μια κατεύθυνση να προκύπτει από την άλλη. Αυτό συνέβη στον ακαδημαϊκό χώρο. Προέκυψε ως συνέπεια της κλασικής τέχνης. Αυτός είναι ακόμα ο ίδιος κλασικισμός, αλλά ήδη πιο περίτεχνος και συστηματοποιημένος. Τα βασικά σημεία που χαρακτηρίζουν πλήρως αυτή την τάση ήταν η εξιδανίκευση της φύσης, καθώς και η υψηλή δεξιοτεχνία στις τεχνικές επιδόσεις. Οι πιο διάσημοι καλλιτέχνες αυτής της τάσης ήταν οι K. Bryullov, A. Ivanov, P. Delaroche και άλλοι. Φυσικά, ο σύγχρονος ακαδημαϊσμός δεν κατέχει πλέον τον (πρωταγωνιστικό) ρόλο που του ανατέθηκε την εποχή της γέννησης αυτού του στυλ.

Ρομαντισμός

Είναι αδύνατο να εξετάσουμε τις κύριες κατευθύνσεις της ζωγραφικής του 19ου αιώνα χωρίς να αναφέρουμε τον ρομαντισμό. Η εποχή του ρομαντισμού ξεκίνησε στη Γερμανία. Σταδιακά, διείσδυσε στην Αγγλία, τη Γαλλία, τη Ρωσία και άλλες χώρες. Χάρη σε αυτήν την εισαγωγή, ο κόσμος της ζωγραφικής και της τέχνης εμπλουτίστηκε με έντονα χρώματα, νέες ιστορίες και τολμηρές απεικονίσεις γυμνών. Οι καλλιτέχνες αυτής της τάσης απεικόνισαν όλα τα ανθρώπινα συναισθήματα και συναισθήματα με έντονα χρώματα. Γύρισαν μέσα έξω όλους τους εσωτερικούς φόβους, την αγάπη και το μίσος, εμπλουτίζοντας τους καμβάδες με έναν τεράστιο αριθμό ειδικών εφέ.

Ρεαλισμός

Λαμβάνοντας υπόψη τις κύριες κατευθύνσεις της ζωγραφικής του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα, πρέπει πρώτα απ 'όλα να αναφερθεί ο ρεαλισμός. Και παρόλο που η εμφάνιση αυτού του στυλ χρονολογείται από τον δέκατο όγδοο αιώνα, ωστόσο η μεγαλύτερη ανθοφορία του πέφτει στα μέσα και στο δεύτερο μισό του δέκατου ένατου αιώνα. Ο κύριος κανόνας του ρεαλισμού αυτής της περιόδου ήταν η απεικόνιση της σύγχρονης πραγματικότητας σε όλη την ποικιλομορφία των εκφάνσεών της. Η επανάσταση που έγινε στη Γαλλία το 1848 είχε μεγάλη επιρροή στη διαμόρφωση αυτής της τάσης στη ζωγραφική. Αλλά στη Ρωσία, η ανάπτυξη αυτής της τάσης στην τέχνη ήταν στενά συνδεδεμένη με την τάση των δημοκρατικών ιδεών.

Παρακμή

Η περίοδος της παρακμής χαρακτηρίζεται από απεικονίσεις απελπισίας και απογοήτευσης. Αυτό το στυλ τέχνης είναι κορεσμένο με την πτώση της ζωτικότητας. Εμφανίστηκε στα τέλη του δέκατου ένατου αιώνα ως μια μορφή αντίστασης στη δημόσια ηθική. Και παρόλο που η παρακμή δεν έχει διαμορφωθεί σε ξεχωριστή κατεύθυνση στη ζωγραφική, εντούτοις, η ιστορία της τέχνης ξεχωρίζει μεμονωμένους δημιουργούς σε αυτόν τον τομέα της τέχνης. Για παράδειγμα, ο Aubrey Beardsley ή ο Mikhail Vrubel. Αλλά πρέπει να σημειωθεί ότι οι παρακμασμένοι καλλιτέχνες, που δεν φοβούνται να πειραματιστούν με το μυαλό, συχνά έτρεχαν στα άκρα. Αλλά αυτό ακριβώς τους επέτρεψε να σοκάρουν το κοινό με το όραμά τους για τον κόσμο.

Ιμπρεσιονισμός

Αν και ο ιμπρεσιονισμός θεωρείται το αρχικό στάδιο της μοντέρνας τέχνης, οι προϋποθέσεις για αυτήν την κατεύθυνση προήλθαν από τον δέκατο ένατο αιώνα. Ο ρομαντισμός ήταν η προέλευση του ιμπρεσιονισμού. Γιατί ήταν αυτός που έβαλε την ατομική προσωπικότητα στο επίκεντρο της τέχνης. Το 1872, ο Μονέ ζωγράφισε τον πίνακα του «Impression. Ανατολή ηλίου". Αυτό το έργο ήταν που έδωσε το όνομα σε όλη τη σκηνοθεσία. Όλος ο ιμπρεσιονισμός χτίστηκε στην αντίληψη. Οι καλλιτέχνες που εργάστηκαν σε αυτό το στυλ δεν επρόκειτο να καλύψουν τα φιλοσοφικά προβλήματα της ανθρωπότητας. Το πιο σημαντικό δεν ήταν τι να απεικονίσω, αλλά πώς να το κάνω. Κάθε εικόνα έπρεπε να αποκαλύψει τον εσωτερικό κόσμο του καλλιτέχνη. Αλλά και οι ιμπρεσιονιστές ήθελαν την αναγνώριση. Γι' αυτό προσπάθησαν να βρουν συμβιβαστικά θέματα που θα ήταν ενδιαφέροντα για όλα τα τμήματα του πληθυσμού. Στους καμβάδες τους, οι καλλιτέχνες απεικόνιζαν διακοπές ή πάρτι. Και αν οι καθημερινές καταστάσεις έβρισκαν τη θέση τους στους πίνακές τους, παρουσιάζονταν μόνο από τη θετική πλευρά. Έτσι, ο ιμπρεσιονισμός μπορεί να ονομαστεί «εσωτερικός» ρομαντισμός.

Οι κύριες κατευθύνσεις της ρωσικής ζωγραφικής του 19ου αιώνα (πρώτο μισό)

Το πρώτο μισό του δέκατου ένατου αιώνα θεωρείται μια ιδιαίτερα φωτεινή σελίδα στον πολιτισμό της Ρωσίας. Στις αρχές του αιώνα, ο κλασικισμός παρέμεινε η κύρια τάση στη ρωσική ζωγραφική. Αλλά μέχρι τη δεκαετία του '30, η σημασία του είχε χαθεί. Ολόκληρος ο πολιτισμός της Ρωσίας ανέπνευσε μια νέα πνοή με την έλευση του ρομαντισμού. Το κύριο αξίωμά του ήταν η επιβεβαίωση της ατομικής προσωπικότητας, καθώς και των ανθρώπινων σκέψεων ως κύρια αξία σε όλη την τέχνη. Υπήρχε ιδιαίτερο ενδιαφέρον για τον εσωτερικό κόσμο του ανθρώπου. Οι κατευθύνσεις της ρωσικής ζωγραφικής του πρώτου μισού του δέκατου ένατου αιώνα οδηγούνται από τον ρομαντισμό. Επιπλέον, στην αρχή είχε έναν ηρωικό χαρακτήρα και αργότερα μεταμορφώθηκε σε τραγικό ρομαντισμό.

Μιλώντας για το πρώτο μισό του δέκατου ένατου αιώνα στην ιστορία του ρωσικού πολιτισμού, οι ερευνητές τον χωρίζουν σε δύο τέταρτα. Αλλά ανεξάρτητα από το ποιες διαιρέσεις υπάρχουν, εξακολουθεί να είναι σχεδόν αδύνατο να προσδιοριστεί η χρονική γραμμή μεταξύ των τριών στυλ στις εικαστικές τέχνες. Οι κατευθύνσεις της ρωσικής ζωγραφικής του 19ου αιώνα (κλασικισμός, ρομαντισμός και ρεαλισμός) στο πρώτο του μισό ήταν τόσο έντονα αλληλένδετες που είναι δυνατή η διάκριση μεταξύ τους μόνο υπό όρους.

Μπορεί να ειπωθεί με βεβαιότητα ότι στο πρώτο μισό του δέκατου ένατου αιώνα, η ζωγραφική κατείχε πολύ μεγαλύτερη θέση στη ζωή της κοινωνίας από ό,τι τον δέκατο όγδοο αιώνα. Χάρη στη νίκη στον πόλεμο του 1812, η ​​ρωσική αυτοσυνείδηση ​​έλαβε μια ισχυρή ώθηση στην ανάπτυξη, με αποτέλεσμα να αυξηθεί πολύ το ενδιαφέρον των ανθρώπων για τον δικό τους πολιτισμό. Για πρώτη φορά, στην κοινωνία προέκυψαν οργανισμοί, οι οποίοι θεωρούσαν πρωταρχικό τους καθήκον την ανάπτυξη της εγχώριας τέχνης. Εμφανίστηκαν τα πρώτα περιοδικά, που μιλούσαν για τη ζωγραφική των σύγχρονων, καθώς και για τις πρώτες απόπειρες οργάνωσης εκθέσεων έργων καλλιτεχνών.

Η ζωγραφική πορτρέτων σημείωσε εξαιρετικά επιτεύγματα κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου. Αυτό το είδος ένωσε περισσότερο τον καλλιτέχνη και την κοινωνία. Αυτό οφείλεται στο γεγονός ότι ο μεγαλύτερος αριθμός παραγγελιών εκείνη την περίοδο ήταν του πορτραίτου. Ένας από τους εξέχοντες προσωπογράφους του πρώτου μισού του 19ου αιώνα ήταν ο Βλαντιμίρ Μποροβικόφσκι. Θα πρέπει επίσης να σημειωθούν διάσημοι καλλιτέχνες όπως οι A. Orlovsky, V. Tropinin και O. Kiprensky.

Στις αρχές του αιώνα αναπτύχθηκε και η ρωσική τοπιογραφία. Από τους καλλιτέχνες που εργάστηκαν σε αυτό το είδος, πρέπει να ξεχωρίσει πρώτα απ' όλα ο Fyodor Alekseev. Ήταν δεξιοτέχνης του αστικού τοπίου, καθώς και ένας από τους ιδρυτές αυτού του είδους στη ρωσική ζωγραφική. Άλλοι διάσημοι τοπιογράφοι της αναφερόμενης περιόδου ήταν ο Shchedrin και ο Aivazovsky.

Οι Bryullov, Fedotov και A. Ivanov θεωρήθηκαν οι καλύτεροι καλλιτέχνες της Ρωσίας στο δεύτερο τέταρτο του δέκατου ένατου αιώνα. Καθένας από αυτούς συνέβαλε ιδιαίτερα στην ανάπτυξη της ζωγραφικής.

Ο Karl Bryullov δεν ήταν μόνο πολύ λαμπρός, αλλά και ένας πολύ αμφιλεγόμενος ζωγράφος. Και παρόλο που η κύρια τάση στη ρωσική ζωγραφική του δεύτερου τετάρτου του δέκατου ένατου αιώνα ήταν ο ρομαντισμός, ο καλλιτέχνης παρέμεινε πιστός σε μερικούς από τους κανόνες του κλασικισμού. Ίσως γι' αυτό το έργο του εκτιμήθηκε τόσο πολύ.

Ο Alexander Ivanov κατάφερε να εμπλουτίσει όχι μόνο τη ρωσική, αλλά και την ευρωπαϊκή ζωγραφική του δέκατου ένατου αιώνα με το βάθος της φιλοσοφικής σκέψης. Είχε ένα ευρύτατο δημιουργικό δυναμικό και δεν ήταν μόνο καινοτόμος του ιστορικού είδους και της τοπογραφίας, αλλά και ένας εξαιρετικός προσωπογράφος. Κανένας από τους καλλιτέχνες της γενιάς του δεν ήξερε πώς να αντιλαμβάνεται τον κόσμο γύρω του με τον ίδιο τρόπο όπως ο Ιβάνοφ και δεν διέθετε μια τέτοια ποικιλία τεχνικών.

Ένα σημαντικό στάδιο στην ανάπτυξη της ρεαλιστικής ζωγραφικής στη Ρωσία συνδέεται με το όνομα του Pavel Fedotov. Αυτός ο καλλιτέχνης ήταν ο πρώτος που μπόρεσε να δώσει στο καθημερινό είδος κριτική έκφραση, αφού είχε το ταλέντο του σατιρικού. Οι χαρακτήρες στους πίνακές του ήταν συνήθως κάτοικοι της πόλης: έμποροι, αξιωματικοί, φτωχοί και άλλοι.

Δεύτερο μισό του 19ου αιώνα

Στα τέλη της δεκαετίας του πενήντα του δέκατου ένατου αιώνα, ξεκίνησε ένα εντελώς νέο κεφάλαιο στην ιστορία της ρεαλιστικής ζωγραφικής στη Ρωσία. Η ήττα της τσαρικής Ρωσίας στον Κριμαϊκό πόλεμο είχε παγκόσμιο αντίκτυπο σε αυτά τα γεγονότα. Ήταν η αιτία της δημοκρατικής έξαρσης και της αγροτικής μεταρρύθμισης. Το 1863, δεκατέσσερις καλλιτέχνες επαναστάτησαν ενάντια στις απαιτήσεις να ζωγραφίζουν σε συγκεκριμένα θέματα και, θέλοντας να δημιουργήσουν αποκλειστικά κατά την κρίση τους, δημιούργησαν ένα artel με επικεφαλής τον Kramskoy. Εάν ο ρεαλισμός στη Ρωσία το πρώτο μισό του δέκατου ένατου αιώνα προσπάθησε να αποκαλύψει το εξαιρετικά όμορφο σε ένα άτομο και ονομάστηκε ποιητικός, τότε αυτός που τον αντικατέστησε στο δεύτερο μισό του αιώνα ονομάστηκε κριτικός. Όμως η ποιητική αρχή δεν άφησε αυτό το ρεύμα. Τώρα εκδηλώθηκε στα αγανακτισμένα συναισθήματα του δημιουργού, που επένδυσε στο έργο του. Η κύρια τάση στη ρωσική ζωγραφική στο δεύτερο μισό του δέκατου ένατου αιώνα ήταν ο ρεαλισμός, βαδίζοντας στο μονοπάτι της κριτικής και της καταγγελίας. Στην πραγματικότητα, ήταν ένας αγώνας για την αναγνώριση ενός καθημερινού είδους που θα αντανακλούσε τη φυσική κατάσταση των πραγμάτων στη Ρωσία.

Στη δεκαετία του εβδομήντα, η κατεύθυνση της ζωγραφικής άλλαξε κάπως. Οι καλλιτέχνες της δεκαετίας του εξήντα στα έργα τους αντανακλούσαν την πίστη στην έναρξη του κοινού καλού μετά την εξαφάνιση της δουλοπαροικίας. Και η δεκαετία του εβδομήντα που τους αντικατέστησε ήταν απογοητευμένοι από τις κακοτυχίες των αγροτών που ακολούθησαν τη μεταρρύθμιση, και τα πινέλα τους είχαν ήδη στραμμένο ενάντια στο επερχόμενο νέο μέλλον. Ένας από τους πιο λαμπρούς εκπροσώπους αυτού του είδους ζωγραφικής ήταν ο Myasoedov και η καλύτερη εικόνα του, που αντικατοπτρίζει ολόκληρη την πραγματικότητα εκείνης της εποχής, ονομαζόταν "Zemstvo έχει μεσημεριανό γεύμα".

Η δεκαετία του ογδόντα μετατόπισε την προσοχή της τέχνης από ένα άτομο που ανησυχούσε για τους ανθρώπους στους ίδιους τους ανθρώπους. Αυτή είναι η περίοδος ακμής της δημιουργικότητας του I. Repin. Όλη η δύναμη αυτού του καλλιτέχνη βρισκόταν στην αντικειμενικότητα των έργων του. Όλες οι εικόνες των πινάκων του ήταν ζωτικής σημασίας. Ένας αριθμός από τους πίνακές του ήταν αφιερωμένοι σε επαναστατικά θέματα. Με την τέχνη του ο Ρεπίν προσπάθησε να απαντήσει σε όλα τα ερωτήματα που τον απασχολούν και τους υπόλοιπους ανθρώπους που προκύπτουν στην καθημερινότητα εκείνης της εποχής. Την ίδια στιγμή, άλλοι καλλιτέχνες αναζητούσαν τις ίδιες απαντήσεις στο παρελθόν. Αυτή ήταν η ιδιαιτερότητα και η δύναμη της τέχνης του μεγάλου ζωγράφου. Ένας άλλος διάσημος καλλιτέχνης αυτής της περιόδου ήταν ο Βασνέτσοφ. Το έργο του βασίστηκε στη λαϊκή τέχνη. Μέσα από τους καμβάδες του, ο Βασνέτσοφ προσπάθησε να μεταφέρει την ιδέα της μεγάλης δύναμης του ρωσικού λαού και του ηρωικού μεγαλείου του. Η βάση του έργου του ήταν οι θρύλοι και οι παραδόσεις. Στις δημιουργίες του, ο καλλιτέχνης όχι μόνο χρησιμοποίησε στοιχεία στυλιζαρίσματος, αλλά κατάφερε επίσης να επιτύχει την ακεραιότητα της εικόνας. Ως φόντο στους καμβάδες του, ο Βασνέτσοφ, κατά κανόνα, απεικόνιζε το τοπίο της κεντρικής Ρωσίας.

Στη δεκαετία του '90, η έννοια της δημιουργικής ζωής αλλάζει ξανά. Τώρα οι γέφυρες που χτίζονται μεταξύ τέχνης και κοινωνίας καλούνται να καταστραφούν ανελέητα. Ιδρύεται σύλλογος καλλιτεχνών με την επωνυμία «World of Art», που προωθεί την καθαρότητα των έργων τέχνης, δηλαδή τον διαχωρισμό τους από την καθημερινότητα. Χαρακτηριστικό της δημιουργικής φύσης των καλλιτεχνών που συμμετείχαν σε αυτόν τον σύλλογο ήταν η περιορισμένη κλίμακα οικειότητας. Οι μουσειακές δραστηριότητες αναπτύσσονται ενεργά, κύριο καθήκον των οποίων είναι να κεντρίσουν το ενδιαφέρον για τα πολιτιστικά μνημεία. Έτσι, στις αρχές του εικοστού αιώνα, όλο και περισσότεροι καλλιτέχνες προσπαθούν να μεταφέρουν το ιστορικό παρελθόν της Ρωσίας στους καμβάδες τους. Οι μορφές του συλλόγου «Κόσμος της Τέχνης» έπαιξαν ιδιαίτερο ρόλο στην ανάπτυξη της τέχνης της εικονογράφησης βιβλίων, καθώς και της θεατρικής και διακοσμητικής τέχνης. Ο Somov θεωρήθηκε ένας από τους καλύτερους καλλιτέχνες αυτής της τάσης. Ποτέ δεν απεικόνισε τη σύγχρονη ζωή στα έργα του. Σε ακραίες περιπτώσεις θα μπορούσε να το μεταφέρει μέσα από μια ιστορική μεταμφίεση. Ακολουθώντας τον Κόσμο της Τέχνης, άρχισαν να δημιουργούνται και άλλοι σύλλογοι. Δημιουργήθηκαν από καλλιτέχνες που είχαν διαφορετική άποψη για τη ζωγραφική.

Οι δάσκαλοι που επέκριναν το έργο των δημιουργών από το σωματείο που περιγράφηκε παραπάνω δημιούργησαν (σε αντίθεση με αυτό) τον σύλλογο Blue Rose. Απαίτησαν την επιστροφή των φωτεινών χρωμάτων στη ζωγραφική και είπαν ότι η τέχνη πρέπει να μεταφέρει μόνο μονόπλευρα τα εσωτερικά συναισθήματα του καλλιτέχνη. Η πιο ταλαντούχα από αυτές τις φιγούρες ήταν ο Σαπούνοφ.

Σε πείσμα του Μπλε Τριαντάφυλλου, μια άλλη ένωση εμφανίστηκε σύντομα, η οποία ονομάστηκε Jack of Diamonds. Είχε ένα ειλικρινά αντιποιητικό νόημα. Αλλά οι υποστηρικτές του δεν ήθελαν καθόλου να επιστρέψουν στα πραγματικά πράγματα. Τα υπέβαλαν σε κάθε είδους παραμόρφωση και φθορά (με τον δικό τους τρόπο). Έτσι, χάρη σε όλες αυτές τις αντιμαχόμενες συμμαχίες, αναδύεται ο ρωσικός μοντερνισμός.

Σύγχρονες τάσεις

Ο χρόνος κυλά και όλα όσα θεωρούνταν μοντέρνα νωρίτερα γίνονται ιδιοκτησία της ιστορίας και η τέχνη δεν αποτελεί εξαίρεση. Σήμερα, ο όρος «σύγχρονη τέχνη» αναφέρεται σε οτιδήποτε έχει δημιουργηθεί από δημιουργικά άτομα από το 1970. Οι νέες τάσεις στη ζωγραφική αναπτύχθηκαν σε δύο στάδια. Ο πρώτος είναι ο μοντερνισμός, ο δεύτερος ο μεταμοντερνισμός. Το εβδομηκοστό έτος του εικοστού αιώνα θεωρείται σημείο καμπής σε όλη την τέχνη. Από φέτος, τα καλλιτεχνικά κινήματα είναι πρακτικά αταξινόμητα. Το μόνο που μπορεί να ειπωθεί με απόλυτη βεβαιότητα είναι ότι ο κοινωνικός προσανατολισμός της τέχνης τα τελευταία τριάντα χρόνια έχει εκφραστεί πολύ πιο έντονα από όλες τις περασμένες εποχές. Ταυτόχρονα, η ζωγραφική στη σύγχρονη τέχνη έπαψε να κατέχει ηγετική θέση. Όλο και περισσότεροι καλλιτέχνες στρέφονται πλέον στη φωτογραφία, καθώς και στην τεχνολογία υπολογιστών για να πραγματοποιήσουν τις ιδέες και τις ιδέες τους.

Παρά τις ευέλικτες τάσεις στη ζωγραφική, μπορούμε να πούμε ότι το κύριο καθήκον της καλλιτεχνικής ζωής του δέκατου ένατου αιώνα ήταν να φέρει όλα τα είδη τέχνης όσο το δυνατόν πιο κοντά στην καθημερινή ζωή. Και πραγματοποιήθηκε με επιτυχία μέσα από την έφεση των μαστόρων του πινέλου -και όχι μόνο- στα σύγχρονα προβλήματα της ανθρωπότητας και στον εσωτερικό κόσμο του ίδιου του καλλιτέχνη. Όλες οι κατευθύνσεις στη ζωγραφική αυτής της εποχής σας επιτρέπουν να νιώσετε το πνεύμα της εποχής και να πάρετε μια ιδέα για το τι έζησαν και ένιωθαν οι άνθρωποι εκείνη την εποχή.