Πίνακες ζωγραφικής από Ρώσους καλλιτέχνες της δεκαετίας του 20-30. Σοβιετική ζωγραφική - ιστορία της σύγχρονης τέχνης

"Καρτοπαίκτες"

Συγγραφέας

Πωλ Σεζάν

Μια χώρα Γαλλία
Χρόνια ζωής 1839–1906
Στυλ μετα-ιμπρεσιονισμός

Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στη νότια Γαλλία στη μικρή πόλη Aix-en-Provence, αλλά άρχισε να ζωγραφίζει στο Παρίσι. Η πραγματική επιτυχία του ήρθε μετά από μια ατομική έκθεση που διοργάνωσε ο συλλέκτης Ambroise Vollard. Το 1886, 20 χρόνια πριν την αναχώρησή του, μετακόμισε στα περίχωρα της γενέτειράς του. Οι νέοι καλλιτέχνες αποκαλούσαν τα ταξίδια σε αυτόν «προσκύνημα στον Αιξ».

130x97 εκ
1895
τιμή
250 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2012
σε ιδιωτική δημοπρασία

Το έργο του Σεζάν είναι εύκολα κατανοητό. Ο μόνος κανόνας του καλλιτέχνη ήταν η άμεση μεταφορά του θέματος ή της πλοκής στον καμβά, επομένως οι πίνακές του δεν προκαλούν σύγχυση στον θεατή. Ο Σεζάν συνδύασε στην τέχνη του δύο κύριες γαλλικές παραδόσεις: τον κλασικισμό και τον ρομαντισμό. Με τη βοήθεια της πολύχρωμης υφής, έδωσε στη μορφή των αντικειμένων μια εκπληκτική πλαστικότητα.

Μια σειρά από πέντε πίνακες «Τα χαρτοπαίκτες» γράφτηκε το 1890-1895. Η πλοκή τους είναι η ίδια - αρκετοί άνθρωποι παίζουν με ενθουσιασμό πόκερ. Τα έργα διαφέρουν μόνο ως προς τον αριθμό των παικτών και το μέγεθος του καμβά.

Τέσσερις πίνακες φυλάσσονται σε μουσεία της Ευρώπης και της Αμερικής (το Musée d'Orsay, το Metropolitan Museum of Art, το Ίδρυμα Barnes και το Courtauld Institute of Art) και ο πέμπτος, μέχρι πρόσφατα, ήταν στολίδι της ιδιωτικής συλλογής του Έλληνας δισεκατομμυριούχος εφοπλιστής Γιώργος Εμπειρίκος. Λίγο πριν πεθάνει, τον χειμώνα του 2011, αποφάσισε να το βάλει προς πώληση. Πιθανοί αγοραστές του «δωρεάν» έργου του Σεζάν ήταν ο έμπορος έργων τέχνης William Aquavella και ο παγκοσμίου φήμης γκαλερίστας Larry Gagosian, που πρόσφεραν περίπου 220 εκατομμύρια δολάρια για αυτό. Ως αποτέλεσμα, ο πίνακας πήγε στη βασιλική οικογένεια του αραβικού κράτους του Κατάρ για 250 εκατομμύρια. Η μεγαλύτερη συμφωνία τέχνης στην ιστορία της ζωγραφικής έκλεισε τον Φεβρουάριο του 2012. Αυτό ανέφερε στο Vanity Fair η δημοσιογράφος Alexandra Pierce. Έμαθε το κόστος του πίνακα και το όνομα του νέου ιδιοκτήτη και στη συνέχεια οι πληροφορίες διείσδυσαν στα μέσα ενημέρωσης σε όλο τον κόσμο.

Το 2010, το Αραβικό Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης και το Εθνικό Μουσείο του Κατάρ άνοιξαν στο Κατάρ. Τώρα οι συλλογές τους μεγαλώνουν. Ίσως η πέμπτη έκδοση του The Card Players να αποκτήθηκε από τον σεΐχη για αυτόν τον σκοπό.

Το περισσότεροακριβή εικόναστον κόσμο

Ιδιοκτήτης
Σεΐχης Χαμάντ
μπιν Χαλίφα αλ-Θάνι

Η δυναστεία αλ-Θάνι κυβερνά το Κατάρ για περισσότερα από 130 χρόνια. Πριν από περίπου μισό αιώνα, ανακαλύφθηκαν εδώ τεράστια αποθέματα πετρελαίου και φυσικού αερίου, τα οποία έκαναν αμέσως το Κατάρ μια από τις πλουσιότερες περιοχές στον κόσμο. Χάρη στις εξαγωγές υδρογονανθράκων, αυτή η μικρή χώρα κατέγραψε το μεγαλύτερο κατά κεφαλήν ΑΕΠ. Ο Σεΐχης Χαμάντ μπιν Χαλίφα αλ Θάνι κατέλαβε την εξουσία το 1995, ενώ ο πατέρας του βρισκόταν στην Ελβετία, με την υποστήριξη των μελών της οικογένειας. Η αξία του σημερινού ηγεμόνα, σύμφωνα με τους ειδικούς, βρίσκεται σε μια ξεκάθαρη στρατηγική για την ανάπτυξη της χώρας, δημιουργώντας μια επιτυχημένη εικόνα του κράτους. Το Κατάρ έχει πλέον σύνταγμα και πρωθυπουργό και οι γυναίκες έχουν αποκτήσει δικαίωμα ψήφου στις βουλευτικές εκλογές. Παρεμπιπτόντως, ο Εμίρης του Κατάρ ίδρυσε το ειδησεογραφικό κανάλι Al Jazeera. Οι αρχές του αραβικού κράτους δίνουν μεγάλη σημασία στον πολιτισμό.

2

"Αριθμός 5"

Συγγραφέας

Τζάκσον Πόλοκ

Μια χώρα ΗΠΑ
Χρόνια ζωής 1912–1956
Στυλ αφηρημένος εξπρεσιονισμός

Jack the Sprinkler - ένα τέτοιο παρατσούκλι δόθηκε στον Pollock από το αμερικανικό κοινό για την ιδιαίτερη τεχνική ζωγραφικής του. Ο καλλιτέχνης εγκατέλειψε το πινέλο και το καβαλέτο και έριχνε το χρώμα στην επιφάνεια του καμβά ή της ινοσανίδας κατά τη διάρκεια συνεχούς κίνησης γύρω και μέσα τους. Από νωρίς λάτρευε τη φιλοσοφία του Τζίντου Κρισναμούρτι, το κύριο μήνυμα της οποίας είναι ότι η αλήθεια αποκαλύπτεται κατά τη διάρκεια μιας ελεύθερης «έκχυσης».

122x244 εκ
1948
τιμή
140 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2006
στη δημοπρασία Sotheby's

Η αξία της δουλειάς του Πόλοκ δεν βρίσκεται στο αποτέλεσμα, αλλά στη διαδικασία. Ο συγγραφέας δεν αποκάλεσε τυχαία την τέχνη του «ζωγραφική δράσης». Με το ελαφρύ του χέρι έγινε το κύριο ατού της Αμερικής. Ο Τζάκσον Πόλοκ ανακάτεψε χρώμα με άμμο, σπασμένο γυαλί και έγραψε με ένα κομμάτι χαρτόνι, ένα μαχαίρι παλέτας, ένα μαχαίρι, ένα φτυάρι. Ο καλλιτέχνης ήταν τόσο δημοφιλής που τη δεκαετία του 1950 υπήρχαν ακόμη και μιμητές στην ΕΣΣΔ. Ο πίνακας «Number 5» αναγνωρίζεται ως ένας από τους πιο περίεργους και ακριβότερους στον κόσμο. Ένας από τους ιδρυτές της DreamWorks, ο David Geffen, το αγόρασε για μια ιδιωτική συλλογή και το 2006 το πούλησε στον Sotheby`s για 140 εκατομμύρια δολάρια στον Μεξικανό συλλέκτη David Martinez. Ωστόσο, το δικηγορικό γραφείο εξέδωσε σύντομα ένα δελτίο τύπου εκ μέρους του πελάτη του στο οποίο ανέφερε ότι ο David Martinez δεν ήταν ο ιδιοκτήτης του πίνακα. Μόνο ένα πράγμα είναι γνωστό με βεβαιότητα: ο Μεξικανός χρηματοδότης έχει πράγματι συλλέξει πρόσφατα έργα σύγχρονης τέχνης. Είναι απίθανο να του έλειπε ένα τόσο «μεγάλο ψάρι» όπως το «Number 5» του Πόλοκ.

3

"Γυναίκα ΙΙΙ"

Συγγραφέας

Βίλεμ ντε Κούνινγκ

Μια χώρα ΗΠΑ
Χρόνια ζωής 1904–1997
Στυλ αφηρημένος εξπρεσιονισμός

Με καταγωγή από την Ολλανδία, μετανάστευσε στις Ηνωμένες Πολιτείες το 1926. Το 1948 πραγματοποιήθηκε ατομική έκθεση του καλλιτέχνη. Οι κριτικοί τέχνης εκτίμησαν τις περίπλοκες, νευρικές ασπρόμαυρες συνθέσεις, αναγνωρίζοντας στον συγγραφέα τους έναν μεγάλο μοντερνιστή καλλιτέχνη. Το μεγαλύτερο μέρος της ζωής του υπέφερε από αλκοολισμό, αλλά η χαρά της δημιουργίας νέας τέχνης είναι αισθητή σε κάθε έργο. Ο Ντε Κούνινγκ διακρίνεται από την παρορμητικότητα της ζωγραφικής, τις πλατιές πινελιές, γι' αυτό μερικές φορές η εικόνα δεν χωράει στα όρια του καμβά.

121x171 εκ
1953
τιμή
137 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2006
σε ιδιωτική δημοπρασία

Στη δεκαετία του 1950, γυναίκες με άδεια μάτια, ογκώδες στήθος και άσχημα χαρακτηριστικά εμφανίζονται στους πίνακες του de Kooning. Το «Woman III» ήταν το τελευταίο έργο από αυτή τη σειρά που συμμετείχε στη δημοπρασία.

Από τη δεκαετία του 1970, ο πίνακας φυλάσσεται στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Τεχεράνης, αλλά μετά την εισαγωγή αυστηρών ηθικών κανόνων στη χώρα, προσπάθησαν να τον ξεφορτωθούν. Το 1994, το έργο βγήκε από το Ιράν και 12 χρόνια αργότερα, ο ιδιοκτήτης του Ντέιβιντ Γκέφεν (ο ίδιος παραγωγός που πούλησε το «Number 5» του Τζάκσον Πόλοκ) πούλησε τον πίνακα στον εκατομμυριούχο Stephen Cohen για 137,5 εκατομμύρια δολάρια. Είναι ενδιαφέρον ότι σε ένα χρόνο ο Geffen άρχισε να πουλά τη συλλογή έργων του. Αυτό προκάλεσε πολλές φήμες: για παράδειγμα, ότι ο παραγωγός αποφάσισε να αγοράσει τους Los Angeles Times.

Σε ένα από τα φόρουμ τέχνης, εκφράστηκε μια άποψη για την ομοιότητα της "Γυναίκας III" με τον πίνακα του Λεονάρντο ντα Βίντσι "Κυρία με ερμίνα". Πίσω από το οδοντωτό χαμόγελο και την άμορφη φιγούρα της ηρωίδας, ο γνώστης της ζωγραφικής διέκρινε τη χάρη ενός ατόμου με βασιλικό αίμα. Αυτό αποδεικνύεται επίσης από το στέμμα που στεφανώνει το κεφάλι μιας γυναίκας με κακή ίχνη.

4

«Πορτρέτο της AdeleBloch-Bauer I"

Συγγραφέας

Γκούσταβ Κλιμτ

Μια χώρα Αυστρία
Χρόνια ζωής 1862–1918
Στυλ μοντέρνο

Ο Gustav Klimt γεννήθηκε στην οικογένεια ενός χαράκτη και ήταν το δεύτερο από τα επτά παιδιά. Τρεις γιοι του Ernest Klimt έγιναν καλλιτέχνες και μόνο ο Gustav έγινε διάσημος σε όλο τον κόσμο. Πέρασε το μεγαλύτερο μέρος της παιδικής του ηλικίας στη φτώχεια. Μετά το θάνατο του πατέρα του, ήταν υπεύθυνος για όλη την οικογένεια. Ήταν εκείνη τη στιγμή που ο Κλιμτ ανέπτυξε το στυλ του. Πριν από τους πίνακές του, κάθε θεατής παγώνει: κάτω από τις λεπτές πινελιές του χρυσού, ο ειλικρινής ερωτισμός είναι καθαρά ορατός.

138x136 εκ
1907
τιμή
135 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2006
στη δημοπρασία Sotheby's

Η μοίρα του πίνακα, που ονομάζεται «Αυστριακή Μόνα Λίζα», θα μπορούσε εύκολα να γίνει η βάση για ένα μπεστ σέλερ. Το έργο του καλλιτέχνη έγινε η αιτία της σύγκρουσης ολόκληρου του κράτους και μιας ηλικιωμένης κυρίας.

Έτσι, το «Πορτρέτο της Adele Bloch-Bauer I» απεικονίζει μια αριστοκράτισσα, τη σύζυγο του Ferdinand Bloch. Η τελευταία της θέληση ήταν να μεταφέρει τον πίνακα στην Αυστριακή Κρατική Πινακοθήκη. Ωστόσο, ο Bloch ακύρωσε τη δωρεά στη διαθήκη του και οι Ναζί απαλλοτρίωσαν τον πίνακα. Αργότερα, η γκαλερί δύσκολα αγόρασε τη Χρυσή Αντέλ, αλλά στη συνέχεια εμφανίστηκε η κληρονόμος - η Μαρία Άλτμαν, η ανιψιά του Φέρντιναντ Μπλοχ.

Το 2005 ξεκίνησε η δίκη υψηλού προφίλ «Maria Altman κατά της Δημοκρατίας της Αυστρίας», με αποτέλεσμα η εικόνα να «φύγει» μαζί της στο Λος Άντζελες. Η Αυστρία έλαβε πρωτοφανή μέτρα: διαπραγματεύτηκαν δάνεια, ο πληθυσμός δώρισε χρήματα για να αγοράσει το πορτρέτο. Το καλό ποτέ δεν νίκησε το κακό: Ο Άλτμαν αύξησε την τιμή στα 300 εκατομμύρια δολάρια. Την εποχή της δίκης, ήταν 79 ετών και έμεινε στην ιστορία ως το πρόσωπο που άλλαξε τη διαθήκη του Bloch-Bauer υπέρ προσωπικών συμφερόντων. Ο πίνακας αγοράστηκε από τον Ronald Lauder, ιδιοκτήτη της New Gallery στη Νέα Υόρκη, όπου παραμένει μέχρι σήμερα. Όχι για την Αυστρία, για αυτόν ο Άλτμαν μείωσε την τιμή στα 135 εκατομμύρια δολάρια.

5

"Κραυγή"

Συγγραφέας

Έντβαρντ Μουνκ

Μια χώρα Νορβηγία
Χρόνια ζωής 1863–1944
Στυλ εξπρεσιονισμός

Ο πρώτος πίνακας του Μουνκ, που έγινε γνωστός σε όλο τον κόσμο, «Το άρρωστο κορίτσι» (υπάρχει σε πέντε αντίτυπα) είναι αφιερωμένος στην αδερφή του καλλιτέχνη, που πέθανε από φυματίωση σε ηλικία 15 ετών. Ο Μουνκ ανέκαθεν ενδιαφερόταν για το θέμα του θανάτου και της μοναξιάς. Στη Γερμανία, η βαριά, μανιακή ζωγραφική του προκάλεσε ακόμη και σκάνδαλο. Ωστόσο, παρά τις καταθλιπτικές πλοκές, οι πίνακές του έχουν έναν ιδιαίτερο μαγνητισμό. Πάρτε τουλάχιστον το "Scream".

73,5x91 εκ
1895
τιμή
$119,992 εκατομμύρια
πωλούνται σε 2012
στη δημοπρασία Sotheby's

Το πλήρες όνομα του πίνακα είναι Der Schrei der Natur (μεταφρασμένο από τα γερμανικά ως «η κραυγή της φύσης»). Το πρόσωπο είτε ενός ατόμου είτε ενός εξωγήινου εκφράζει απόγνωση και πανικό - ο θεατής βιώνει τα ίδια συναισθήματα όταν κοιτάζει την εικόνα. Ένα από τα βασικά έργα του εξπρεσιονισμού προειδοποιεί τα θέματα που έχουν γίνει οξυμένα στην τέχνη του 20ού αιώνα. Σύμφωνα με μια εκδοχή, ο καλλιτέχνης το δημιούργησε υπό την επίδραση μιας ψυχικής διαταραχής, την οποία υπέφερε σε όλη του τη ζωή.

Ο πίνακας κλάπηκε δύο φορές από διαφορετικά μουσεία, αλλά επέστρεψε. Ελαφρώς κατεστραμμένο μετά την κλοπή, το The Scream αποκαταστάθηκε και ήταν έτοιμο να παρουσιαστεί ξανά στο Μουσείο Munch το 2008. Για τους εκπροσώπους της ποπ κουλτούρας, το έργο έγινε πηγή έμπνευσης: ο Andy Warhol δημιούργησε μια σειρά από εκτυπώσεις-αντίγραφα του και η μάσκα από την ταινία "Scream" έγινε στην εικόνα και την ομοιότητα του ήρωα της εικόνας.

Για μια πλοκή, ο Μουνκ έγραψε τέσσερις εκδοχές του έργου: αυτή σε μια ιδιωτική συλλογή είναι φτιαγμένη σε παστέλ. Ο Νορβηγός δισεκατομμυριούχος Petter Olsen το έβγαλε σε δημοπρασία στις 2 Μαΐου 2012. Αγοραστής ήταν ο Λέον Μπλακ, ο οποίος δεν γλίτωσε ένα ποσό ρεκόρ για το «Scream». Ιδρυτής της Apollo Advisors, L.P. and Lion Advisors, L.P. γνωστός για την αγάπη του για την τέχνη. Ο Μπλακ είναι θαμώνας του Κολλεγίου Dartmouth, του Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης, του Κέντρου Τέχνης Λίνκολν και του Μητροπολιτικού Μουσείου Τέχνης. Διαθέτει τη μεγαλύτερη συλλογή έργων ζωγραφικής από σύγχρονους καλλιτέχνες και κλασικούς δεξιοτέχνες περασμένων αιώνων.

6

"Γυμνό με φόντο ένα μπούστο και πράσινα φύλλα"

Συγγραφέας

Πάμπλο Πικάσο

Μια χώρα Ισπανία, Γαλλία
Χρόνια ζωής 1881–1973
Στυλ κυβισμός

Από την καταγωγή είναι Ισπανός, αλλά ως προς το πνεύμα και τον τόπο διαμονής είναι πραγματικός Γάλλος. Ο Πικάσο άνοιξε το δικό του στούντιο τέχνης στη Βαρκελώνη όταν ήταν μόλις 16 ετών. Μετά πήγε στο Παρίσι και εκεί πέρασε το μεγαλύτερο μέρος της ζωής του. Γι' αυτό υπάρχει διπλό άγχος στο επίθετό του. Το στυλ που εφευρέθηκε από τον Πικάσο βασίζεται στην άρνηση της άποψης ότι το αντικείμενο που απεικονίζεται στον καμβά μπορεί να προβληθεί μόνο από μία οπτική γωνία.

130x162 εκ
1932
τιμή
$106,482 εκατομμύρια
πωληθεί το 2010
στη δημοπρασία Christie's

Κατά τη διάρκεια της δουλειάς του στη Ρώμη, ο καλλιτέχνης γνώρισε τη χορεύτρια Olga Khokhlova, η οποία σύντομα έγινε σύζυγός του. Έβαλε τέλος στην αλητεία, μετακόμισε μαζί της σε ένα πολυτελές διαμέρισμα. Μέχρι εκείνη τη στιγμή, η αναγνώριση είχε βρει έναν ήρωα, αλλά ο γάμος καταστράφηκε. Ένας από τους πιο ακριβούς πίνακες στον κόσμο δημιουργήθηκε σχεδόν τυχαία - από μεγάλη αγάπη, η οποία, όπως πάντα με τον Πικάσο, ήταν βραχύβια. Το 1927, άρχισε να ενδιαφέρεται για τη νεαρή Marie-Therese Walter (ήταν 17 ετών, εκείνος 45). Κρυφά από τη γυναίκα του, έφυγε με την ερωμένη του για μια πόλη κοντά στο Παρίσι, όπου ζωγράφισε ένα πορτρέτο που απεικόνιζε τη Μαρί-Τερέζ με την εικόνα της Δάφνης. Ο πίνακας αγοράστηκε από τον Νεοϋορκέζο έμπορο Paul Rosenberg και πουλήθηκε το 1951 στον Sidney F. Brody. Οι Brodys έδειξαν τον πίνακα στον κόσμο μόνο μία φορά, και μόνο επειδή ο καλλιτέχνης ήταν 80 ετών. Μετά τον θάνατο του συζύγου της, η κυρία Μπρόντι έβγαλε το έργο σε δημοπρασία στον οίκο Christie's τον Μάρτιο του 2010. Σε έξι δεκαετίες, η τιμή έχει αυξηθεί πάνω από 5.000 φορές! Ένας άγνωστος συλλέκτης το αγόρασε για 106,5 εκατομμύρια δολάρια. Το 2011 πραγματοποιήθηκε στη Βρετανία μια «έκθεση μίας ζωγραφικής», όπου είδε το φως για δεύτερη φορά, αλλά το όνομα του ιδιοκτήτη είναι ακόμα άγνωστο.

7

"Οκτώ ξωτικά"

Συγγραφέας

Άντι Γουόρχολ

Μια χώρα ΗΠΑ
Χρόνια ζωής 1928-1987
Στυλ
pop Art

«Το σεξ και τα πάρτι είναι τα μόνα μέρη όπου χρειάζεται να εμφανιστείς προσωπικά», είπε ο καλτ καλλιτέχνης της ποπ, σκηνοθέτης και ένας από τους ιδρυτές του περιοδικού Interview, σχεδιαστής Andy Warhol. Συνεργάστηκε με τη Vogue και το Harper's Bazaar, σχεδίασε εξώφυλλα δίσκων και σχεδίασε παπούτσια για τον I.Miller. Στη δεκαετία του 1960, εμφανίστηκαν πίνακες που απεικονίζουν τα σύμβολα της Αμερικής: τη σούπα του Campbell και την Coca-Cola, τον Presley και τη Monroe - που τον έκαναν θρύλο.

358x208 εκ
1963
τιμή
100 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2008
σε ιδιωτική δημοπρασία

Warhol's 60s - η λεγόμενη εποχή της ποπ αρτ στην Αμερική. Το 1962 εργάστηκε στο Μανχάταν στο Factory Studio, όπου συγκεντρώθηκε όλη η μποέμια της Νέας Υόρκης. Οι πιο λαμπεροί εκπρόσωποί του: ο Μικ Τζάγκερ, ο Μπομπ Ντύλαν, ο Τρούμαν Καπότε και άλλες διάσημες προσωπικότητες στον κόσμο. Ταυτόχρονα, ο Warhol δοκίμασε την τεχνική της μεταξοτυπίας - πολλαπλές επαναλήψεις μιας εικόνας. Χρησιμοποίησε επίσης αυτή τη μέθοδο όταν δημιούργησε το "Eight Elvises": ο θεατής φαίνεται να βλέπει καρέ από μια ταινία όπου το αστέρι ζωντανεύει. Όλα όσα αγάπησε τόσο πολύ ο καλλιτέχνης είναι εδώ: μια κερδοφόρα δημόσια εικόνα, ασημί χρώμα και ένα προαίσθημα θανάτου ως κύριο μήνυμα.

Υπάρχουν δύο έμποροι τέχνης που προωθούν το έργο του Warhol στην παγκόσμια αγορά σήμερα: ο Larry Gagosian και ο Alberto Mugrabi. Ο πρώτος το 2008 ξόδεψε 200 εκατομμύρια δολάρια για να αγοράσει περισσότερα από 15 έργα του Warhol. Ο δεύτερος αγοράζει και πουλάει τους πίνακές του σαν χριστουγεννιάτικες κάρτες, μόνο πιο ακριβά. Αλλά δεν ήταν αυτοί, αλλά ο ταπεινός Γάλλος σύμβουλος τέχνης Philippe Segalo που βοήθησε τον γνώστη της Ρωμαϊκής τέχνης Annibale Berlinghieri να πουλήσει τα Eight Elvises σε έναν άγνωστο αγοραστή για ένα ρεκόρ 100 εκατομμυρίων δολαρίων του Warhol.

8

"Πορτοκάλι,Κόκκινο κίτρινο"

Συγγραφέας

Μαρκ Ρόθκο

Μια χώρα ΗΠΑ
Χρόνια ζωής 1903–1970
Στυλ αφηρημένος εξπρεσιονισμός

Ένας από τους δημιουργούς της έγχρωμης ζωγραφικής του πεδίου γεννήθηκε στο Dvinsk της Ρωσίας (τώρα Daugavpils, Λετονία), σε μια μεγάλη οικογένεια Εβραίου φαρμακοποιού. Το 1911 μετανάστευσαν στις Η.Π.Α. Ο Ρόθκο σπούδασε στο τμήμα τέχνης του Πανεπιστημίου Γέιλ, έλαβε υποτροφία, αλλά τα αντισημιτικά αισθήματα τον ανάγκασαν να εγκαταλείψει τις σπουδές του. Παρά τα πάντα, οι κριτικοί τέχνης ειδωλοποίησαν τον καλλιτέχνη και τα μουσεία τον κυνηγούσαν σε όλη του τη ζωή.

206x236 εκ
1961
τιμή
86,882 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2012
στη δημοπρασία Christie's

Τα πρώτα καλλιτεχνικά πειράματα του Rothko ήταν σουρεαλιστικού προσανατολισμού, αλλά με την πάροδο του χρόνου απλοποίησε την πλοκή σε χρωματικά σημεία, στερώντας τους κάθε αντικειμενικότητα. Στην αρχή είχαν φωτεινές αποχρώσεις και στη δεκαετία του 1960 γέμισαν με καφέ, μωβ, που πύκνωναν σε μαύρο μέχρι τον θάνατο του καλλιτέχνη. Ο Mark Rothko προειδοποίησε να μην ψάχνει κανένα νόημα στους πίνακές του. Ο συγγραφέας ήθελε να πει αυτό ακριβώς που είπε: μόνο το χρώμα που διαλύεται στον αέρα, και τίποτα περισσότερο. Συνέστησε να βλέπει κανείς τα έργα από απόσταση 45 εκατοστών, ώστε ο θεατής να «σύρεται» στο χρώμα, σαν σε χωνί. Προσοχή: η θέαση σύμφωνα με όλους τους κανόνες μπορεί να οδηγήσει στο αποτέλεσμα του διαλογισμού, δηλαδή σταδιακά έρχεται η επίγνωση του απείρου, πλήρης βύθιση στον εαυτό του, χαλάρωση, κάθαρση. Το χρώμα στους πίνακές του ζει, αναπνέει και έχει έντονη συναισθηματική επίδραση (μερικές φορές λέγεται ότι είναι θεραπευτικό). Ο καλλιτέχνης είπε: «Ο θεατής πρέπει να κλαίει κοιτώντας τους» - και πραγματικά υπήρχαν τέτοιες περιπτώσεις. Σύμφωνα με τη θεωρία του Rothko, αυτή τη στιγμή οι άνθρωποι ζουν την ίδια πνευματική εμπειρία που είχε στη διαδικασία επεξεργασίας της εικόνας. Αν καταφέρατε να το καταλάβετε σε τόσο λεπτό επίπεδο, τότε μην εκπλαγείτε που αυτά τα έργα αφαίρεσης συχνά συγκρίνονται από τους κριτικούς με εικονίδια.

Το έργο «Πορτοκαλί, Κόκκινο, Κίτρινο» εκφράζει την ουσία της ζωγραφικής του Mark Rothko. Το αρχικό του κόστος στη δημοπρασία του Christie's στη Νέα Υόρκη είναι 35-45 εκατομμύρια δολάρια. Ένας άγνωστος αγοραστής πρόσφερε τιμή διπλάσια από την εκτίμηση. Το όνομα του ευτυχισμένου ιδιοκτήτη του πίνακα, όπως συμβαίνει συχνά, δεν αποκαλύφθηκε.

9

"Τρίπτυχο"

Συγγραφέας

Φράνσις Μπέικον

Μια χώρα
Μεγάλη Βρετανία
Χρόνια ζωής 1909–1992
Στυλ εξπρεσιονισμός

Οι περιπέτειες του Φράνσις Μπέικον, ολόσωμου συνονόματος και, επιπλέον, μακρινός απόγονος του μεγάλου φιλοσόφου, ξεκίνησαν όταν ο πατέρας του τον αποκήρυξε, μη μπορώντας να δεχτεί τις ομοφυλοφιλικές τάσεις του γιου του. Ο Μπέικον πήγε πρώτα στο Βερολίνο, μετά στο Παρίσι και μετά τα ίχνη του μπερδεύονται σε όλη την Ευρώπη. Ακόμη και κατά τη διάρκεια της ζωής του, τα έργα του εκτέθηκαν στα κορυφαία πολιτιστικά κέντρα του κόσμου, όπως το Μουσείο Γκούγκενχαϊμ και η Πινακοθήκη Τρετιακόφ.

147,5x198 cm (το καθένα)
1976
τιμή
86,2 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Sotheby's

Διάσημα μουσεία προσπάθησαν να κατέχουν πίνακες του Μπέικον, αλλά το αρχέγονο αγγλικό κοινό δεν βιαζόταν να ασχοληθεί με τέτοια τέχνη. Η θρυλική Βρετανίδα πρωθυπουργός Μάργκαρετ Θάτσερ είπε για αυτόν: «Ο άνθρωπος που ζωγραφίζει αυτές τις φρικτές εικόνες».

Την αρχική περίοδο στο έργο του, ο ίδιος ο καλλιτέχνης θεωρούσε τη μεταπολεμική περίοδο. Επιστρέφοντας από την υπηρεσία, ασχολήθηκε ξανά με τη ζωγραφική και δημιούργησε τα κύρια αριστουργήματα. Πριν από τη συμμετοχή του «Τρίπτυχου, 1976» στη δημοπρασία, το πιο ακριβό έργο του Μπέικον ήταν το «Study for a Portrait of Papa Innocent X» (52,7 εκατομμύρια δολάρια). Στο «Τρίπτυχο, 1976» ο καλλιτέχνης απεικόνισε τη μυθική πλοκή της δίωξης του Ορέστη από τις μανίες. Φυσικά, ο Ορέστης είναι ο ίδιος ο Μπέικον και οι μανίες είναι τα μαρτύριά του. Για περισσότερα από 30 χρόνια, ο πίνακας βρισκόταν σε ιδιωτική συλλογή και δεν συμμετείχε σε εκθέσεις. Το γεγονός αυτό του προσδίδει ιδιαίτερη αξία και, κατά συνέπεια, αυξάνει το κόστος. Τι είναι όμως μερικά εκατομμύρια για έναν γνώστη της τέχνης, και μάλιστα γενναιόδωρο στα ρωσικά; Ο Roman Abramovich άρχισε να δημιουργεί τη συλλογή του στη δεκαετία του 1990, σε αυτό επηρεάστηκε σημαντικά από τη φίλη του Dasha Zhukova, η οποία έχει γίνει μοντέρνα γκαλερίστας στη σύγχρονη Ρωσία. Σύμφωνα με ανεπίσημα στοιχεία, ο επιχειρηματίας έχει έργα των Alberto Giacometti και Pablo Picasso, που αγοράστηκαν για ποσά που ξεπερνούν τα 100 εκατομμύρια δολάρια. Το 2008 έγινε ιδιοκτήτης του Τρίπτυχου. Παρεμπιπτόντως, το 2011, αποκτήθηκε ένα άλλο πολύτιμο έργο του Μπέικον - "Τρία σκίτσα για ένα πορτρέτο του Λούσιαν Φρόιντ". Κρυφές πηγές λένε ότι ο Ρομάν Αρκαντίεβιτς έγινε και πάλι ο αγοραστής.

10

"Λίμνη με νούφαρα"

Συγγραφέας

Κλοντ Μονέ

Μια χώρα Γαλλία
Χρόνια ζωής 1840–1926
Στυλ ιμπρεσιονισμός

Ο καλλιτέχνης αναγνωρίζεται ως ο ιδρυτής του ιμπρεσιονισμού, που «κατοχύρωσε» αυτή τη μέθοδο στους καμβάδες του. Το πρώτο σημαντικό έργο ήταν ο πίνακας "Breakfast on the Grass" (η αρχική έκδοση του έργου του Edouard Manet). Στα νιάτα του, σχεδίαζε καρικατούρες και ασχολήθηκε με την πραγματική ζωγραφική κατά τη διάρκεια των ταξιδιών του κατά μήκος της ακτής και στο ύπαιθρο. Στο Παρίσι, οδήγησε έναν μποέμ τρόπο ζωής και δεν τον άφησε ακόμη και μετά την θητεία του στο στρατό.

210x100 εκ
1919
τιμή
80,5 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Christie's

Εκτός από το γεγονός ότι ο Μονέ ήταν μεγάλος καλλιτέχνης, ασχολήθηκε με ενθουσιασμό και με την κηπουρική, λάτρευε την άγρια ​​ζωή και τα λουλούδια. Στα τοπία του, η κατάσταση της φύσης είναι στιγμιαία, τα αντικείμενα μοιάζουν να θολώνουν από την κίνηση του αέρα. Η εντύπωση ενισχύεται από μεγάλες πινελιές, από μια ορισμένη απόσταση γίνονται αόρατες και συγχωνεύονται σε μια ανάγλυφη, τρισδιάστατη εικόνα. Στον πίνακα του αείμνηστου Μονέ, ιδιαίτερη θέση κατέχει το θέμα του νερού και της ζωής σε αυτό. Στην πόλη Giverny, ο καλλιτέχνης είχε τη δική του λίμνη, όπου καλλιεργούσε νούφαρα από σπόρους που έφερε ειδικά από την Ιαπωνία. Όταν άνθισαν τα λουλούδια τους, άρχισε να ζωγραφίζει. Η σειρά Νούφαρα αποτελείται από 60 έργα που ζωγράφισε ο καλλιτέχνης για σχεδόν 30 χρόνια, μέχρι τον θάνατό του. Η όρασή του χειροτέρευε με την ηλικία, αλλά δεν σταμάτησε. Ανάλογα με τον άνεμο, την εποχή και τον καιρό, η θέα της λίμνης άλλαζε συνεχώς και ο Μονέ ήθελε να αποτυπώσει αυτές τις αλλαγές. Μέσα από προσεκτική δουλειά, του ήρθε η κατανόηση της ουσίας της φύσης. Μερικοί από τους πίνακες της σειράς φυλάσσονται στις κορυφαίες γκαλερί του κόσμου: Εθνικό Μουσείο Δυτικής Τέχνης (Τόκιο), Orangerie (Παρίσι). Στα χέρια άγνωστου αγοραστή πήγε η έκδοση του επόμενου «Λιμνούλα με νούφαρα» έναντι ποσού ρεκόρ.

11

Ψεύτικο αστέρι t

Συγγραφέας

Τζάσπερ Τζονς

Μια χώρα ΗΠΑ
Ετος γέννησης 1930
Στυλ pop Art

Το 1949, ο Τζόουνς μπήκε στη σχολή σχεδίου στη Νέα Υόρκη. Μαζί με τους Jackson Pollock, Willem de Kooning και άλλους, αναγνωρίζεται ως ένας από τους κύριους καλλιτέχνες του 20ου αιώνα. Το 2012, έλαβε το Προεδρικό Μετάλλιο της Ελευθερίας, το υψηλότερο πολιτικό βραβείο στις Ηνωμένες Πολιτείες.

137,2x170,8 εκ
1959
τιμή
80 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2006
σε ιδιωτική δημοπρασία

Όπως ο Marcel Duchamp, ο Jones εργάστηκε με πραγματικά αντικείμενα, απεικονίζοντάς τα σε καμβά και γλυπτική σε πλήρη συμφωνία με το πρωτότυπο. Για τα έργα του χρησιμοποίησε απλά και κατανοητά για όλους αντικείμενα: ένα μπουκάλι μπύρας, μια σημαία ή χάρτες. Δεν υπάρχει σαφής σύνθεση στην εικόνα False Start. Ο καλλιτέχνης φαίνεται να παίζει με τον θεατή, συχνά υπογράφοντας «λανθασμένα» τα χρώματα της εικόνας, γυρίζοντας ανάποδα την ίδια την έννοια του χρώματος: «Ήθελα να βρω έναν τρόπο να απεικονίσω το χρώμα, ώστε να μπορεί να προσδιοριστεί από κάποιο άλλο μέθοδος." Ο πιο εκρηκτικός και «ανασφαλής», σύμφωνα με τους κριτικούς, πίνακας του αποκτήθηκε από άγνωστο αγοραστή.

12

«Καθισμένοςγυμνόςστον καναπέ"

Συγγραφέας

Ο Αμεντέο Μοντιλιάνι

Μια χώρα Ιταλία, Γαλλία
Χρόνια ζωής 1884–1920
Στυλ εξπρεσιονισμός

Ο Μοντιλιάνι ήταν συχνά άρρωστος από την παιδική του ηλικία, σε ένα πυρετώδη παραλήρημα, αναγνώρισε το πεπρωμένο του ως καλλιτέχνη. Σπούδασε σχέδιο στο Λιβόρνο, στη Φλωρεντία, στη Βενετία και το 1906 έφυγε για το Παρίσι, όπου η τέχνη του άνθισε.

65x100 εκ
1917
τιμή
68,962 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2010
στη δημοπρασία Sotheby's

Το 1917, ο Modigliani γνώρισε τη 19χρονη Jeanne Hebuterne, η οποία έγινε μοντέλο και αργότερα σύζυγός του. Το 2004, ένα από τα πορτρέτα της πουλήθηκε για 31,3 εκατομμύρια δολάρια, το τελευταίο ρεκόρ πριν από την πώληση του Seated Nude on a Sofa το 2010. Ο πίνακας αγοράστηκε από άγνωστο αγοραστή στη μέγιστη τιμή για τον Modigliani αυτή τη στιγμή. Οι ενεργές πωλήσεις έργων ξεκίνησαν μόνο μετά το θάνατο του καλλιτέχνη. Πέθανε στη φτώχεια, έπασχε από φυματίωση και την επόμενη μέρα, αυτοκτόνησε και η Jeanne Hebuterne, που ήταν έγκυος εννέα μηνών.

13

"Αετός σε πεύκο"

Συγγραφέας

Qi Baishi

Μια χώρα Κίνα
Χρόνια ζωής 1864–1957
Στυλ guohua

Το ενδιαφέρον για την καλλιγραφία οδήγησε τον Qi Baishi να ζωγραφίσει. Σε ηλικία 28 ετών έγινε μαθητής του καλλιτέχνη Hu Qingyuan. Το Υπουργείο Πολιτισμού της Κίνας του απένειμε τον τίτλο του «Μεγάλου Καλλιτέχνη του Κινεζικού Λαού», το 1956 έλαβε το Διεθνές Βραβείο Ειρήνης.

10x26 εκ
1946
τιμή
65,4 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2011
στη δημοπρασία China Guardian

Ο Qi Baishi ενδιαφέρθηκε για εκείνες τις εκδηλώσεις του γύρω κόσμου, στις οποίες πολλοί δεν δίνουν σημασία, και αυτό είναι το μεγαλείο του. Ένας άνθρωπος χωρίς εκπαίδευση έγινε καθηγητής και ένας εξαιρετικός δημιουργός στην ιστορία. Ο Πάμπλο Πικάσο είπε για αυτόν: «Φοβάμαι να πάω στη χώρα σου, γιατί υπάρχει ο Qi Baishi στην Κίνα». Η σύνθεση "Eagle on a Pine Tree" αναγνωρίζεται ως το μεγαλύτερο έργο του καλλιτέχνη. Εκτός από τον καμβά, περιλαμβάνει δύο ιερογλυφικά ειλητάρια. Για την Κίνα, το ποσό για το οποίο αγοράστηκε το προϊόν είναι ρεκόρ - 425,5 εκατομμύρια γιουάν. Μόνο ο κύλινδρος του αρχαίου καλλιγράφου Huang Tingjian πουλήθηκε για 436,8 εκατομμύρια δολάρια.

14

"1949-A-#1"

Συγγραφέας

Κλίφορντ Στιλ

Μια χώρα ΗΠΑ
Χρόνια ζωής 1904–1980
Στυλ αφηρημένος εξπρεσιονισμός

Σε ηλικία 20 ετών επισκέφτηκε το Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης στη Νέα Υόρκη και απογοητεύτηκε. Αργότερα, εγγράφηκε σε ένα μάθημα φοιτητικού πρωταθλήματος τεχνών, αλλά έφυγε 45 λεπτά μετά την έναρξη του μαθήματος - αποδείχθηκε ότι δεν ήταν "δικό του". Η πρώτη προσωπική έκθεση προκάλεσε απήχηση, ο καλλιτέχνης βρήκε τον εαυτό του και μαζί της και την αναγνώριση

79x93 εκ
1949
τιμή
61,7 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2011
στη δημοπρασία Sotheby's

Όλα τα έργα του, που είναι περισσότεροι από 800 καμβάδες και 1600 έργα σε χαρτί, κληροδοτήθηκαν ακόμη στην αμερικανική πόλη, όπου θα ανοίξει ένα μουσείο με το όνομά του. Το Ντένβερ έγινε μια τέτοια πόλη, αλλά μόνο η κατασκευή ήταν ακριβή για τις αρχές και τέσσερα έργα βγήκαν σε δημοπρασία για να ολοκληρωθεί. Τα έργα του Still είναι απίθανο να δημοπρατηθούν ξανά, γεγονός που αύξησε την τιμή τους εκ των προτέρων. Ο πίνακας "1949-A-No.1" πωλήθηκε για ένα ποσό ρεκόρ για τον καλλιτέχνη, αν και οι ειδικοί προέβλεψαν την πώληση το πολύ 25-35 εκατομμυρίων δολαρίων.

15

"Συπρεματιστική σύνθεση"

Συγγραφέας

Καζιμίρ Μάλεβιτς

Μια χώρα Ρωσία
Χρόνια ζωής 1878–1935
Στυλ σουπρεματισμός

Ο Μάλεβιτς σπούδασε ζωγραφική στη Σχολή Τέχνης του Κιέβου και μετά στην Ακαδημία Τεχνών της Μόσχας. Το 1913, άρχισε να ζωγραφίζει αφηρημένους γεωμετρικούς πίνακες σε ένα στυλ που ονόμασε Suprematism (από το λατινικό «dominance»).

71 x 88,5 εκ
1916
τιμή
60 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Sotheby's

Ο πίνακας φυλασσόταν στο μουσείο της πόλης του Άμστερνταμ για περίπου 50 χρόνια, αλλά μετά από μια 17χρονη διαμάχη με τους συγγενείς του Μάλεβιτς, το μουσείο τον έδωσε. Ο καλλιτέχνης ζωγράφισε αυτό το έργο την ίδια χρονιά με το Μανιφέστο του Σουπρεματισμού, οπότε ο οίκος Sotheby's πριν από τη δημοπρασία ανακοίνωσε ότι δεν θα μπει σε ιδιωτική συλλογή για λιγότερο από 60 εκατομμύρια δολάρια. Και έτσι έγινε. Είναι καλύτερα να το κοιτάξετε από ψηλά: οι φιγούρες στον καμβά μοιάζουν με μια εναέρια άποψη της γης. Παρεμπιπτόντως, λίγα χρόνια νωρίτερα, οι ίδιοι συγγενείς απαλλοτρίωσαν μια άλλη «Σουπρεματιστική σύνθεση» από το Μουσείο ΜοΜΑ για να την πουλήσουν στη Phillips για 17 εκατομμύρια δολάρια.

16

"Λουόμενοι"

Συγγραφέας

Πολ Γκογκέν

Μια χώρα Γαλλία
Χρόνια ζωής 1848–1903
Στυλ μετα-ιμπρεσιονισμός

Μέχρι την ηλικία των επτά ετών, ο καλλιτέχνης ζούσε στο Περού, στη συνέχεια επέστρεψε στη Γαλλία με την οικογένειά του, αλλά οι παιδικές αναμνήσεις τον ώθησαν συνεχώς να ταξιδεύει. Στη Γαλλία, άρχισε να ζωγραφίζει, ήταν φίλος με τον Βαν Γκογκ. Πέρασε μάλιστα αρκετούς μήνες μαζί του στην Αρλ, μέχρι που ο Βαν Γκογκ του έκοψε το αυτί κατά τη διάρκεια ενός καβγά.

93,4x60,4 εκ
1902
τιμή
55 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2005
στη δημοπρασία Sotheby's

Το 1891, ο Γκωγκέν κανόνισε μια πώληση των έργων του για να χρησιμοποιήσει τα έσοδα για να πάει βαθιά στο νησί της Ταϊτής. Εκεί δημιούργησε έργα στα οποία μπορεί κανείς να νιώσει τη λεπτή σύνδεση φύσης και ανθρώπου. Ο Γκωγκέν ζούσε σε μια καλύβα με αχυρένια καλύβα και ένας τροπικός παράδεισος άνθισε στους καμβάδες του. Η σύζυγός του ήταν μια 13χρονη Ταϊτινή Τεχούρα, κάτι που δεν εμπόδισε τον καλλιτέχνη να εμπλακεί σε ασωτία. Έχοντας προσβληθεί από σύφιλη, έφυγε για τη Γαλλία. Ωστόσο, ο Γκωγκέν ήταν στριμωγμένος εκεί και επέστρεψε στην Ταϊτή. Αυτή η περίοδος ονομάζεται «δεύτερος Ταϊτής» - ήταν τότε που ζωγραφίστηκε ο πίνακας «Λουόμενοι», ένας από τους πιο πολυτελείς στο έργο του.

17

"Νάρκισσοι και τραπεζομάντιλο σε μπλε και ροζ"

Συγγραφέας

Ανρί Ματίς

Μια χώρα Γαλλία
Χρόνια ζωής 1869–1954
Στυλ Φωβισμός

Το 1889, ο Henri Matisse είχε μια κρίση σκωληκοειδίτιδας. Όταν συνήλθε από την επέμβαση, η μητέρα του του αγόρασε μπογιές. Πρώτα, από πλήξη, ο Ματίς αντέγραψε έγχρωμες καρτ ποστάλ, μετά - τα έργα μεγάλων ζωγράφων που είδε στο Λούβρο, και στις αρχές του 20ού αιώνα σκέφτηκε ένα στυλ - τον φωβισμό.

65,2x81 εκ
1911
τιμή
46,4 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2009
στη δημοπρασία Christie's

Ο πίνακας «Νάρκισσοι και ένα τραπεζομάντιλο σε μπλε και ροζ χρώμα» ανήκε για πολύ καιρό στον Yves Saint Laurent. Μετά τον θάνατο του couturier, ολόκληρη η συλλογή έργων τέχνης του πέρασε στα χέρια του φίλου και εραστή του Pierre Berger, ο οποίος αποφάσισε να τη βγάλει σε δημοπρασία στον οίκο Christie's. Το μαργαριτάρι της συλλογής που πωλήθηκε ήταν ο πίνακας «Νάρκισσοι και ένα τραπεζομάντιλο σε μπλε και ροζ», ζωγραφισμένο σε ένα συνηθισμένο τραπεζομάντιλο αντί για καμβά. Ως παράδειγμα του Φωβισμού, είναι γεμάτο με την ενέργεια του χρώματος, τα χρώματα φαίνονται να εκρήγνυνται και να ουρλιάζουν. Από τη γνωστή σειρά τραπεζομάντιλων ζωγραφικής, σήμερα αυτό το έργο είναι το μόνο που βρίσκεται σε ιδιωτική συλλογή.

18

"Κορίτσι που κοιμάται"

Συγγραφέας

ΡόιΥπήνεμος

χτενστάιν

Μια χώρα ΗΠΑ
Χρόνια ζωής 1923–1997
Στυλ pop Art

Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στη Νέα Υόρκη και αφού αποφοίτησε από το σχολείο, πήγε στο Οχάιο, όπου πήγε σε μαθήματα τέχνης. Το 1949, το Λιχτενστάιν έλαβε το πτυχίο Master of Fine Arts. Το ενδιαφέρον για τα κόμικς και η ικανότητα να είναι ειρωνικός τον έκαναν καλτ καλλιτέχνη του περασμένου αιώνα.

91x91 εκ
1964
τιμή
$44,882 εκατομμύρια
πωληθεί το 2012
στη δημοπρασία Sotheby's

Κάποτε, τσίχλα έπεσε στα χέρια του Λιχτενστάιν. Ξανασχεδίασε την εικόνα από το ένθετο στον καμβά και έγινε διάσημος. Αυτή η πλοκή από τη βιογραφία του περιέχει ολόκληρο το μήνυμα της ποπ αρτ: η κατανάλωση είναι ο νέος θεός και δεν υπάρχει λιγότερη ομορφιά σε ένα περιτύλιγμα τσίχλας από τη Μόνα Λίζα. Οι πίνακές του θυμίζουν κόμικς και κινούμενα σχέδια: ο Λίχτενσταϊν απλώς μεγέθυνε την τελειωμένη εικόνα, σχεδίασε ράστερ, χρησιμοποίησε μεταξοτυπία και μεταξοτυπία. Ο πίνακας «Sleeping Girl» ανήκε στους συλλέκτες Beatrice και Philip Gersh για σχεδόν 50 χρόνια, οι κληρονόμοι των οποίων τον πούλησαν σε δημοπρασία.

19

«Νίκη. Boogie Woogie"

Συγγραφέας

Piet Mondrian

Μια χώρα Ολλανδία
Χρόνια ζωής 1872–1944
Στυλ νεοπλαστικισμός

Το πραγματικό του όνομα - Cornelis - ο καλλιτέχνης άλλαξε σε Mondrian όταν μετακόμισε στο Παρίσι το 1912. Μαζί με τον καλλιτέχνη Theo van Doesburg ίδρυσε το νεοπλαστικό κίνημα. Η γλώσσα προγραμματισμού Piet πήρε το όνομά της από τον Mondrian.

27x127 εκ
1944
τιμή
40 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 1998
στη δημοπρασία Sotheby's

Ο πιο «μιούζικαλ» από τους καλλιτέχνες του 20ου αιώνα έβγαζε τα προς το ζην με τις νεκρές φύσεις ακουαρέλας, αν και έγινε διάσημος ως νεοπλαστικός καλλιτέχνης. Μετακόμισε στις ΗΠΑ τη δεκαετία του 1940 και πέρασε το υπόλοιπο της ζωής του εκεί. Τζαζ και Νέα Υόρκη - αυτό τον ενέπνευσε περισσότερο! Ζωγραφική «Νίκη. Το Boogie Woogie είναι το καλύτερο παράδειγμα αυτού. Τα "επώνυμα" τακτοποιημένα τετράγωνα αποκτήθηκαν με τη χρήση κολλητικής ταινίας - το αγαπημένο υλικό του Mondrian. Στην Αμερική τον αποκαλούσαν «ο πιο διάσημος μετανάστης». Στη δεκαετία του '60, ο Yves Saint Laurent παρήγαγε τα παγκοσμίου φήμης φορέματα "Mondrian" με ένα μεγάλο έγχρωμο στάμπα.

20

"Σύνθεση Νο. 5"

Συγγραφέας

ΒασιλικόςΚαντίνσκι

Μια χώρα Ρωσία
Χρόνια ζωής 1866–1944
Στυλ πρωτοπορία

Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στη Μόσχα και ο πατέρας του ήταν από τη Σιβηρία. Μετά την επανάσταση, προσπάθησε να συνεργαστεί με τις σοβιετικές αρχές, αλλά σύντομα συνειδητοποίησε ότι οι νόμοι του προλεταριάτου δεν δημιουργήθηκαν γι 'αυτόν και μετανάστευσε στη Γερμανία όχι χωρίς δυσκολίες.

275x190 εκ
1911
τιμή
40 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2007
στη δημοπρασία Sotheby's

Ο Καντίνσκι ήταν ένας από τους πρώτους που εγκατέλειψε εντελώς τη ζωγραφική αντικειμένων, για την οποία έλαβε τον τίτλο της ιδιοφυΐας. Κατά τη διάρκεια του ναζισμού στη Γερμανία, οι πίνακές του ταξινομήθηκαν ως «εκφυλισμένη τέχνη» και δεν εκτέθηκαν πουθενά. Το 1939, ο Καντίνσκι πήρε τη γαλλική υπηκοότητα, στο Παρίσι συμμετείχε ελεύθερα στην καλλιτεχνική διαδικασία. Οι πίνακές του «ακούγονται» σαν φούγκες, γι' αυτό πολλοί αποκαλούνται «συνθέσεις» (η πρώτη γράφτηκε το 1910, η τελευταία το 1939). Η «Σύνθεση Νο. 5» είναι ένα από τα βασικά έργα αυτού του είδους: «Η λέξη «σύνθεση» μου φάνηκε σαν προσευχή», είπε ο καλλιτέχνης. Σε αντίθεση με πολλούς ακόλουθους, σχεδίαζε τι θα απεικόνιζε σε έναν τεράστιο καμβά, σαν να έγραφε σημειώσεις.

21

"Μελέτη μιας γυναίκας με μπλε"

Συγγραφέας

Fernand Léger

Μια χώρα Γαλλία
Χρόνια ζωής 1881–1955
Στυλ κυβισμός-μετα-ιμπρεσιονισμός

Ο Leger έλαβε αρχιτεκτονική εκπαίδευση και στη συνέχεια ήταν φοιτητής στη Σχολή Καλών Τεχνών στο Παρίσι. Ο καλλιτέχνης θεωρούσε τον εαυτό του οπαδό του Σεζάν, ήταν απολογητής του κυβισμού και τον 20ο αιώνα είχε επιτυχία και ως γλύπτης.

96,5x129,5 εκ
1912–1913
τιμή
39,2 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Sotheby's

Ο Ντέιβιντ Νόρμαν, πρόεδρος του Διεθνούς Ιμπρεσιονισμού και Μοντερνισμού του Sotheby's, πιστεύει ότι το τεράστιο ποσό που καταβλήθηκε για την Κυρία με τα Μπλε είναι απολύτως δικαιολογημένο. Ο πίνακας ανήκει στη διάσημη συλλογή Leger (ο καλλιτέχνης ζωγράφισε τρεις πίνακες σε ένα οικόπεδο, ο τελευταίος από αυτούς είναι σήμερα σε ιδιώτες. - Εκδ.), και η επιφάνεια του καμβά έχει διατηρηθεί στην αρχική του μορφή. Ο ίδιος ο συγγραφέας έδωσε αυτό το έργο στην γκαλερί Der Sturm, στη συνέχεια κατέληξε στη συλλογή του Hermann Lang, ενός Γερμανού συλλέκτη του μοντερνισμού, και τώρα ανήκει σε έναν άγνωστο αγοραστή.

22

«Σκηνή του δρόμου. Βερολίνο"

Συγγραφέας

Ερνστ ΛούντβιχΚίρχνερ

Μια χώρα Γερμανία
Χρόνια ζωής 1880–1938
Στυλ εξπρεσιονισμός

Για τον γερμανικό εξπρεσιονισμό, η Kirchner έγινε ένα πρόσωπο ορόσημο. Ωστόσο, οι τοπικές αρχές τον κατηγόρησαν για προσήλωση στην «εκφυλισμένη τέχνη», η οποία επηρέασε τραγικά τη μοίρα των έργων του και τη ζωή του καλλιτέχνη, ο οποίος αυτοκτόνησε το 1938.

95x121 εκ
1913
τιμή
38,096 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2006
στη δημοπρασία Christie's

Αφού μετακόμισε στο Βερολίνο, η Kirchner δημιούργησε 11 σκίτσα με σκηνές δρόμου. Εμπνεύστηκε από τη φασαρία και τη νευρικότητα της μεγαλούπολης. Στον πίνακα, που πουλήθηκε το 2006 στη Νέα Υόρκη, το άγχος του καλλιτέχνη είναι ιδιαίτερα έντονο: οι άνθρωποι σε έναν δρόμο του Βερολίνου μοιάζουν με πουλιά - χαριτωμένα και επικίνδυνα. Ήταν το τελευταίο έργο από τη διάσημη σειρά, που πουλήθηκε σε δημοπρασία, τα υπόλοιπα φυλάσσονται σε μουσεία. Το 1937, οι Ναζί μεταχειρίστηκαν βάναυσα τον Κίρχνερ: 639 έργα του κατασχέθηκαν από γερμανικές γκαλερί, καταστράφηκαν ή πουλήθηκαν στο εξωτερικό. Ο καλλιτέχνης δεν μπορούσε να επιβιώσει από αυτό.

23

«Ανάπαυσηχορεύτρια"

Συγγραφέας

Έντγκαρ Ντεγκά

Μια χώρα Γαλλία
Χρόνια ζωής 1834–1917
Στυλ ιμπρεσιονισμός

Η ιστορία του Ντεγκά ως καλλιτέχνη ξεκίνησε με το γεγονός ότι εργάστηκε ως αντιγραφέας στο Λούβρο. Ονειρευόταν να γίνει «διάσημος και άγνωστος», και στο τέλος τα κατάφερε. Στο τέλος της ζωής του, κωφός και τυφλός, ο 80χρονος Ντεγκά συνέχισε να παρακολουθεί εκθέσεις και δημοπρασίες.

64x59 εκ
1879
τιμή
$37,043 εκατομμύρια
πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Sotheby's

«Οι μπαλαρίνες ήταν πάντα για μένα απλώς μια δικαιολογία για να απεικονίσω τα υφάσματα και να αποτυπώσω την κίνηση», είπε ο Ντεγκά. Οι σκηνές από τη ζωή των χορευτών μοιάζουν να είναι κρυφές: τα κορίτσια δεν ποζάρουν για τον καλλιτέχνη, αλλά απλώς γίνονται μέρος της ατμόσφαιρας που πιάνεται από το βλέμμα του Ντεγκά. Το Resting Dancer πωλήθηκε για 28 εκατομμύρια δολάρια το 1999 και λιγότερο από 10 χρόνια αργότερα αγοράστηκε για 37 εκατομμύρια δολάρια - σήμερα είναι το πιο ακριβό έργο του καλλιτέχνη που έχει βγει ποτέ σε δημοπρασία. Ο Ντεγκά έδωσε μεγάλη σημασία στα πλαίσια, τα σχεδίασε μόνος του και απαγόρευσε την αλλαγή τους. Αναρωτιέμαι τι πλαίσιο είναι τοποθετημένο στον πίνακα που πωλήθηκε;

24

"Ζωγραφική"

Συγγραφέας

Χουάν Μίρο

Μια χώρα Ισπανία
Χρόνια ζωής 1893–1983
Στυλ αφηρημένη τέχνη

Κατά τη διάρκεια του Ισπανικού Εμφυλίου, ο καλλιτέχνης ήταν στο πλευρό των Ρεπουμπλικανών. Το 1937, κατέφυγε από τη φασιστική εξουσία στο Παρίσι, όπου έζησε στη φτώχεια με την οικογένειά του. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Miro ζωγραφίζει τον πίνακα "Help Spain!", Τραβώντας την προσοχή όλου του κόσμου στην κυριαρχία του φασισμού.

89x115 εκ
1927
τιμή
$36,824 εκατομμύρια
πωληθεί το 2012
στη δημοπρασία Sotheby's

Το δεύτερο όνομα του πίνακα είναι «Μπλε αστέρι». Ο καλλιτέχνης το έγραψε την ίδια χρονιά όταν ανακοίνωσε: «Θέλω να σκοτώσω τη ζωγραφική» και κορόιδευε αλύπητα τους καμβάδες, ξύνοντας τη μπογιά με καρφιά, κολλώντας φτερά στον καμβά, καλύπτοντας το έργο με σκουπίδια. Στόχος του ήταν να καταρρίψει τους μύθους για το μυστήριο της ζωγραφικής, αλλά, έχοντας αντιμετωπίσει αυτό, ο Miro δημιούργησε τον δικό του μύθο - μια σουρεαλιστική αφαίρεση. Η «Ζωγραφική» του παραπέμπει στον κύκλο των «εικόνων-ονείρων». Τέσσερις αγοραστές πολέμησαν για αυτό στη δημοπρασία, αλλά ένα τηλεφώνημα ινκόγκνιτο έλυσε τη διαφορά και το «Ζωγραφική» έγινε ο πιο ακριβός πίνακας του καλλιτέχνη.

25

"Μπλε τριαντάφυλλο"

Συγγραφέας

Ιβ Κλάιν

Μια χώρα Γαλλία
Χρόνια ζωής 1928–1962
Στυλ μονόχρωμη ζωγραφική

Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε σε μια οικογένεια ζωγράφων, αλλά σπούδασε ανατολίτικες γλώσσες, ναυσιπλοΐα, τέχνη ενός χρυσού κορνίζας, Ζεν Βουδισμό και πολλά άλλα. Η προσωπικότητά του και οι αυθάδειες ατάκες του ήταν πολλές φορές πιο ενδιαφέρουσες από τους μονόχρωμους πίνακες.

153x199x16 εκ
1960
τιμή
$36,779 εκατομμύρια
πωλήθηκε το 2012
στη δημοπρασία του Christie's

Η πρώτη έκθεση συμπαγών κίτρινων, πορτοκαλί, ροζ έργων δεν προκάλεσε το ενδιαφέρον του κοινού. Ο Klein προσβλήθηκε και την επόμενη φορά παρουσίασε 11 πανομοιότυπους καμβάδες, βαμμένους με ultramarine αναμεμειγμένο με ειδική συνθετική ρητίνη. Κατοχύρωσε μάλιστα αυτή τη μέθοδο. Το χρώμα έμεινε στην ιστορία ως το «International Klein Blue». Ο καλλιτέχνης πούλησε επίσης το κενό, δημιούργησε πίνακες εκθέτοντας χαρτί στη βροχή, βάζοντας φωτιά σε χαρτόνι, δημιουργώντας αποτυπώματα ανθρώπινου σώματος σε καμβά. Με μια λέξη, πειραματίστηκα όσο καλύτερα μπορούσα. Για να δημιουργήσω το «Μπλε Τριαντάφυλλο» χρησιμοποίησα ξηρές χρωστικές ουσίες, ρητίνες, βότσαλα και ένα φυσικό σφουγγάρι.

26

«Ψάχνοντας τον Μωυσή»

Συγγραφέας

Σερ Λόρενς Άλμα-Ταδέμα

Μια χώρα Μεγάλη Βρετανία
Χρόνια ζωής 1836–1912
Στυλ νεοκλασικισμός

Ο ίδιος ο Sir Lawrence πρόσθεσε το πρόθεμα «alma» στο επώνυμό του για να εμφανίζεται πρώτος στους καταλόγους τέχνης. Στη βικτωριανή Αγγλία, οι πίνακές του ήταν τόσο περιζήτητοι που ο καλλιτέχνης τιμήθηκε με το βραβείο ιππότη.

213,4x136,7 εκ
1902
τιμή
$35,922 εκατομμύρια
πωληθεί το 2011
στη δημοπρασία Sotheby's

Το κύριο θέμα του έργου του Alma-Tadema ήταν η αρχαιότητα. Στους πίνακες, προσπάθησε να απεικονίσει την εποχή της Ρωμαϊκής Αυτοκρατορίας με την παραμικρή λεπτομέρεια, γι 'αυτό ασχολήθηκε ακόμη και με αρχαιολογικές ανασκαφές στη χερσόνησο των Απεννίνων και στο σπίτι του στο Λονδίνο αναπαρήγαγε το ιστορικό εσωτερικό εκείνων των χρόνων. Οι μυθολογικές ιστορίες έγιναν άλλη μια πηγή έμπνευσης για αυτόν. Ο καλλιτέχνης είχε μεγάλη ζήτηση κατά τη διάρκεια της ζωής του, αλλά μετά τον θάνατό του ξεχάστηκε γρήγορα. Τώρα το ενδιαφέρον αναβιώνει, όπως αποδεικνύεται από το κόστος του πίνακα «Αναζητώντας τον Μωυσή», επτά φορές υψηλότερο από την εκτίμηση της προπώλησης.

27

"Πορτρέτο ενός κοιμισμένου γυμνού αξιωματούχου"

Συγγραφέας

Λούσιαν Φρόιντ

Μια χώρα Γερμανία,
Μεγάλη Βρετανία
Χρόνια ζωής 1922–2011
Στυλ εικονιστική ζωγραφική

Ο καλλιτέχνης είναι εγγονός του Σίγκμουντ Φρόιντ, πατέρα της ψυχανάλυσης. Μετά την εγκαθίδρυση του φασισμού στη Γερμανία, η οικογένειά του μετανάστευσε στο Ηνωμένο Βασίλειο. Τα έργα του Φρόιντ βρίσκονται στη συλλογή Wallace στο Λονδίνο, όπου κανένας σύγχρονος καλλιτέχνης δεν έχει εκθέσει στο παρελθόν.

219,1x151,4 εκ
1995
τιμή
33,6 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Christie's

Ενώ οι καλλιτέχνες της μόδας του 20ου αιώνα δημιούργησαν θετικά «χρωματικά σημεία στον τοίχο» και τα πούλησαν για εκατομμύρια, ο Φρόιντ ζωγράφιζε εξαιρετικά νατουραλιστικούς πίνακες και τους πούλησε για ακόμη περισσότερα. «Αιχμαλωτίζω τις κραυγές της ψυχής και τα βάσανα της σάρκας που μαραίνεται», είπε. Οι κριτικοί πιστεύουν ότι όλα αυτά είναι η «κληρονομιά» του Sigmund Freud. Οι πίνακες εκτέθηκαν τόσο ενεργά και πουλήθηκαν με επιτυχία που οι ειδικοί είχαν αμφιβολίες: έχουν υπνωτικές ιδιότητες; Πουλήθηκε σε δημοπρασία, το «Πορτρέτο ενός γυμνού αξιωματούχου που κοιμάται», σύμφωνα με τη Sun, απέκτησε ο γνώστης της ομορφιάς και δισεκατομμυριούχος Ρομάν Αμπράμοβιτς.

28

"Βιολί και κιθάρα"

Συγγραφέας

Χένα gris

Μια χώρα Ισπανία
Χρόνια ζωής 1887–1927
Στυλ κυβισμός

Γεννήθηκε στη Μαδρίτη, όπου αποφοίτησε από τη Σχολή Τεχνών και Χειροτεχνίας. Το 1906 μετακόμισε στο Παρίσι και μπήκε στον κύκλο των καλλιτεχνών με τη μεγαλύτερη επιρροή της εποχής: Πικάσο, Μοντιλιάνι, Μπρακ, Ματίς, Λεζέρ, δούλεψε επίσης με τον Σεργκέι Ντιαγκίλεφ και τον θίασο του.

5x100 εκ
1913
τιμή
28,642 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2010
στη δημοπρασία Christie's

Ο Γκρις, με τα δικά του λόγια, ασχολούνταν με την «επίπεδη, έγχρωμη αρχιτεκτονική». Οι πίνακές του είναι ακριβώς μελετημένες: δεν άφησε ούτε ένα τυχαίο εγκεφαλικό επεισόδιο, γεγονός που κάνει τη δημιουργικότητα να σχετίζεται με τη γεωμετρία. Ο καλλιτέχνης δημιούργησε τη δική του εκδοχή του κυβισμού, αν και έτρεφε μεγάλο σεβασμό για τον Πάμπλο Πικάσο, τον ιδρυτή του κινήματος. Ο διάδοχος μάλιστα του αφιέρωσε το πρώτο του κυβιστικό έργο, το Αφιέρωμα στον Πικάσο. Ο πίνακας "Βιολί και Κιθάρα" αναγνωρίζεται ως εξαιρετικός στο έργο του καλλιτέχνη. Κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Γκρις ήταν γνωστός, ευνοούμενος από κριτικούς και ιστορικούς τέχνης. Τα έργα του εκτίθενται στα μεγαλύτερα μουσεία του κόσμου και φυλάσσονται σε ιδιωτικές συλλογές.

29

"ΠορτρέτοFields of Eluard»

Συγγραφέας

Σαλβαδόρ Νταλί

Μια χώρα Ισπανία
Χρόνια ζωής 1904–1989
Στυλ σουρεαλισμός

«Ο σουρεαλισμός είμαι εγώ», είπε ο Νταλί όταν τον έδιωξαν από την ομάδα των σουρεαλιστών. Με τον καιρό έγινε ο πιο διάσημος σουρεαλιστής καλλιτέχνης. Η δουλειά του Νταλί είναι παντού, όχι μόνο στις γκαλερί. Για παράδειγμα, ήταν αυτός που σκέφτηκε τη συσκευασία για τα Chupa-Chups.

25x33 εκ
1929
τιμή
20,6 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2011
στη δημοπρασία Sotheby's

Το 1929, ο ποιητής Paul Eluard και η Ρωσίδα σύζυγός του Gala ήρθαν να επισκεφτούν τον μεγάλο προβοκάτορα και καβγατζή Dali. Η συνάντηση ήταν η αρχή μιας ιστορίας αγάπης που κράτησε περισσότερο από μισό αιώνα. Ο πίνακας «Πορτρέτο του Πωλ Ελάρ» ζωγραφίστηκε ακριβώς κατά τη διάρκεια αυτής της ιστορικής επίσκεψης. «Ένιωσα ότι μου ανατέθηκε το καθήκον να αποτυπώσω το πρόσωπο του ποιητή, από τον Όλυμπο του οποίου έκλεψα μια από τις μούσες», είπε ο καλλιτέχνης. Πριν γνωρίσει την Gala, ήταν παρθένος και αηδιάστηκε στη σκέψη να κάνει σεξ με μια γυναίκα. Το ερωτικό τρίγωνο υπήρχε μέχρι το θάνατο του Eluard, μετά τον οποίο έγινε το ντουέτο Dali-Gala.

30

"Επέτειος"

Συγγραφέας

Μαρκ Σαγκάλ

Μια χώρα Ρωσία, Γαλλία
Χρόνια ζωής 1887–1985
Στυλ πρωτοπορία

Ο Moishe Segal γεννήθηκε στο Vitebsk, αλλά το 1910 μετανάστευσε στο Παρίσι, άλλαξε το όνομά του και ήρθε κοντά στους κορυφαίους καλλιτέχνες της avant-garde της εποχής. Τη δεκαετία του 1930, όταν οι Ναζί κατέλαβαν την εξουσία, έφυγε για τις Ηνωμένες Πολιτείες με τη βοήθεια ενός Αμερικανού προξένου. Επέστρεψε στη Γαλλία μόλις το 1948.

80x103 εκ
1923
τιμή
$14,85 εκατομμύρια
πωλήθηκε το 1990
στη δημοπρασία του Sotheby's

Ο πίνακας "Jubilee" αναγνωρίζεται ως ένα από τα καλύτερα έργα του καλλιτέχνη. Έχει όλα τα χαρακτηριστικά του έργου του: οι φυσικοί νόμοι του κόσμου διαγράφονται, η αίσθηση ενός παραμυθιού διατηρείται στο σκηνικό της μικροαστικής ζωής και η αγάπη βρίσκεται στο κέντρο της πλοκής. Ο Σαγκάλ δεν αντλούσε τους ανθρώπους από τη φύση, αλλά μόνο από τη μνήμη ή τη φαντασίωση. Ο πίνακας "Jubilee" απεικονίζει τον ίδιο τον καλλιτέχνη με τη σύζυγό του Μπέλα. Ο πίνακας πουλήθηκε το 1990 και έκτοτε δεν έχει γίνει προσφορά. Είναι ενδιαφέρον ότι το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης MoMA διατηρεί ακριβώς το ίδιο, μόνο με την ονομασία «Birthday». Παρεμπιπτόντως, γράφτηκε νωρίτερα - το 1915.

εκπονήθηκε προσχέδιο
Τατιάνα Παλάσοβα
βαθμολογία που καταρτίστηκε
σύμφωνα με τη λίστα www.art-spb.ru
περιοδικό tmn №13 (Μάιος-Ιούνιος 2013)

Λεπτομέρειες Κατηγορία: Καλές τέχνες και αρχιτεκτονική της σοβιετικής περιόδου Αναρτήθηκε στις 14.09.2018 13:37 Προβολές: 1845

Από τη δεκαετία του 1930 του ΧΧ αιώνα. Η επίσημη τέχνη στη Ρωσία αναπτύχθηκε σύμφωνα με τον σοσιαλιστικό ρεαλισμό. Η ποικιλία των καλλιτεχνικών στυλ δόθηκε τέλος.

Η νέα εποχή της σοβιετικής τέχνης χαρακτηριζόταν από αυστηρό ιδεολογικό έλεγχο και στοιχεία προπαγάνδας.
Το 1934, στο Πρώτο Πανενωσιακό Συνέδριο Σοβιετικών Συγγραφέων, ο Μαξίμ Γκόρκι διατύπωσε τις βασικές αρχές του σοσιαλιστικού ρεαλισμού ως μέθοδο της σοβιετικής λογοτεχνίας και τέχνης:

Ιθαγένεια.
Ιδεολογία.
Συγκεκριμένο.

Οι αρχές του σοσιαλιστικού ρεαλισμού όχι μόνο διακηρύχθηκαν, αλλά και υποστηρίχθηκαν από το κράτος: κυβερνητικές εντολές, δημιουργικά επαγγελματικά ταξίδια καλλιτεχνών, θεματικές και επετειακές εκθέσεις, η αναβίωση της μνημειακής τέχνης ως ανεξάρτητης, γιατί. αντανακλούσε «μεγάλες προοπτικές για την ανάπτυξη της σοσιαλιστικής κοινωνίας».
Οι πιο σημαντικοί εκπρόσωποι της ζωγραφικής με καβαλέτο αυτής της περιόδου ήταν οι Boris Ioganson, Sergei Gerasimov, Arkady Plastov, Alexander Deineka, Yuri Pimenov, Nikolai Krymov, Arkady Rylov, Pyotr Konchalovsky, Igor Grabar, Mikhail Nesterov, Pavel Korin και άλλοι. άρθρα σε ορισμένους καλλιτέχνες.

Boris Vladimirovich Ioganson (1893-1973)

B. Ioganson. αυτοπροσωπογραφία

Ένας από τους κορυφαίους εκπροσώπους του σοσιαλιστικού ρεαλισμού στη ζωγραφική. Εργάστηκε στις παραδόσεις της ρωσικής ζωγραφικής του 19ου αιώνα, αλλά εισήγαγε στα έργα του «ένα νέο επαναστατικό περιεχόμενο, σύμφωνο με την εποχή».
Υπήρξε επίσης δάσκαλος ζωγραφικής, διευθυντής της Κρατικής Πινακοθήκης Τρετιακόφ το 1951-1954, πρώτος γραμματέας της Ένωσης Καλλιτεχνών της ΕΣΣΔ, αρχισυντάκτης της εγκυκλοπαίδειας "Τέχνη των χωρών και των λαών του κόσμου". είχε πολλά κρατικά βραβεία και τίτλους.
Δύο από τους πίνακές του είναι ιδιαίτερα διάσημοι: «Η ανάκριση των κομμουνιστών» και «Στο παλιό εργοστάσιο των Ουραλίων» (1937).

B. Ioganson «Ανάκριση κομμουνιστών» (1933). Καμβάς, λάδι. 211 x 279 cm Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov (Μόσχα)
Το ιστορικό της δημιουργίας της εικόνας σε αυτή την περίπτωση είναι απαραίτητο για να κατανοήσουμε την ιδέα της. «Προσωπικά με κυνηγούσε η ιδέα της αντιπαράθεσης τάξεων, η επιθυμία να εκφράσω ασυμβίβαστες ταξικές αντιθέσεις στη ζωγραφική.
Η Λευκή Φρουρά είναι μια ιδιαίτερη έκρηξη στην ιστορία, είναι μια φασαρία όπου αναμειγνύονται τα απομεινάρια των παλιών αξιωματικών, των κερδοσκόπων με στρατιωτικές στολές και των ληστών και των ληστών του πολέμου. Τι εντυπωσιακή αντίθεση με αυτή τη συμμορία ήταν οι στρατιωτικοί μας επίτροποι, οι κομμουνιστές, που ήταν οι ιδεολογικοί ηγέτες και υπερασπιστές της σοσιαλιστικής πατρίδας τους και των εργαζομένων. Ήταν δημιουργικό μου καθήκον να εκφράσω αυτήν την αντίθεση, να τη συγκρίνω» (B. Ioganson).
Ένας αξιωματικός της Λευκής Φρουράς κάθεται σε μια επιχρυσωμένη καρέκλα με την πλάτη του προς τον θεατή. Οι υπόλοιποι λευκοί αξιωματικοί είναι αντιμέτωποι. Για να ενισχύσει το δραματικό αποτέλεσμα, ο καλλιτέχνης δίνει τεχνητό νυχτερινό φωτισμό. Η φιγούρα της συνοδείας τοποθετείται στο πάνω σκοτεινό άκρο της αριστερής γωνίας και είναι μια ελάχιστα αισθητή σιλουέτα. Στη δεξιά γωνία υπάρχει ένα παράθυρο με μια κουρτίνα, επιπλέον φως νύχτας χύνεται μέσα από αυτό.
Οι κομμουνιστές φαίνεται να βρίσκονται σε ανύψωση σε σύγκριση με τους Λευκούς.
Οι κομμουνιστές είναι ένα κορίτσι και μια εργάτρια. Στέκονται κοντά και κοιτάζουν ήρεμα στο πρόσωπο των εχθρών τους, ο εσωτερικός τους ενθουσιασμός είναι κρυμμένος. Οι νέοι κομμουνιστές συμβολίζουν έναν νέο τύπο σοβιετικού λαού.

Sergei Vasilyevich Gerasimov (1885-1964)

S. Gerasimov. Αυτοπροσωπογραφία (1923). Καμβάς, λάδι. 88 x 66 εκ. Μουσείο Τέχνης Kharkov (Kharkov, Ουκρανία)
Ρώσος καλλιτέχνης, εκπρόσωπος του ρωσικού ιμπρεσιονισμού, που εκδηλώνεται ιδιαίτερα στα τοπία του. Δημιούργησε επίσης μια σειρά από τυπικούς σοσιαλιστικούς ρεαλιστικούς πίνακες.

S. Gerasimov «Άνοιξη. Μάρτιος". Καμβάς, λάδι
Στο ιστορικό είδος, το πιο διάσημο έργο του είναι ο Όρκος των Παρτιζάνων της Σιβηρίας.

S. Gerasimov «Ο όρκος των παρτιζάνων της Σιβηρίας» (1933). Καμβάς, λάδι. 173 x 257 εκ. Κρατικό Ρωσικό Μουσείο (Πετρούπολη)
Η εικόνα είναι αυστηρή σε περιεχόμενο, αλλά εκφραστική και εκφραστική. Έχει σαφή σύνθεση και ιδεολογικό προσανατολισμό.
Η ζωγραφική του είδους του S. Gerasimov "Collective Farm Holiday" (1937) θεωρείται ένα από τα πιο σημαντικά έργα της σοβιετικής τέχνης της δεκαετίας του '30 του ΧΧ αιώνα.

S. Gerasimov «Διακοπές συλλογικής φάρμας» (1937). Καμβάς, λάδι. 234 x 372 cm Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov (Μόσχα)
Ένας από τους πιο γνωστούς πίνακες για τον πόλεμο ήταν ο πίνακας του S. Gerasimov "Mother of a Partizan".

S. Gerasimov «Μητέρα ενός παρτιζάνου» (1943-1950). Καμβάς, λάδι. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ (Μόσχα)
Ο ίδιος ο καλλιτέχνης μίλησε για την ιδέα του πίνακα ως εξής: «Ήθελα να δείξω στην εικόνα της όλες τις μητέρες που έστειλαν τους γιους τους στον πόλεμο».
Η γυναίκα είναι σταθερή στο δίκιο της, προσωποποιεί τη μεγάλη δύναμη της οργής του λαού. Υποφέρει, αλλά αυτό είναι το βάσανο ενός περήφανου, δυνατού ανθρώπου, οπότε το πρόσωπό της φαίνεται ήρεμο αυτήν την τραγική στιγμή.

Arkady Alexandrovich Plastov (1893-1972)

P. Bendel. Πορτρέτο του καλλιτέχνη Plastov

Ο καλλιτέχνης A. Plastov αποκαλείται «ο τραγουδιστής της σοβιετικής αγροτιάς». Όλοι οι πίνακές του του είδους δημιουργούνται με φόντο ένα τοπίο. Η ρωσική φύση του καλλιτέχνη είναι πάντα λυρική και κινούμενη. Οι πίνακές του διακρίνονται από ποιητική εκφραστικότητα και σχεδόν χωρίς συγκρούσεις.

A. Plastov "First Snow" (1946)
Ο καλλιτέχνης απεικόνισε ένα μικρό κομμάτι από τη ζωή του χωριού. Στο κατώφλι ενός ξύλινου σπιτιού βρίσκονται δύο χωρικά παιδιά, πιθανότατα μια αδερφή και ένας αδερφός. Όταν ξύπνησαν το πρωί, είδαν μια χιονόπτωση και έτρεξαν έξω στη βεράντα. Η κοπέλα δεν πρόλαβε καν να δέσει ένα ζεστό κίτρινο σάλι, απλώς το πέταξε σε ένα ανοιχτόχρωμο φόρεμα και έβαλε τα πόδια της σε μπότες από τσόχα. Τα παιδιά κοιτάζουν το πρώτο χιόνι με έκπληξη και χαρά. Και αυτή η χαρά, αυτή η παιδική απόλαυση από την ομορφιά της φύσης μεταδίδεται στο κοινό.
Ο Πλάστοφ είναι ένθερμος ρεαλιστής. Η αναζήτηση για κάτι εντελώς νέο και πρωτόγνωρο του ήταν ξένη. Έζησε στον κόσμο και θαύμαζε την ομορφιά του. Ο Plastov πίστευε: το κύριο πράγμα για έναν καλλιτέχνη είναι να δει αυτή την ομορφιά και να τη μεταφέρει στον καμβά. Δεν χρειάζεται να γράφεις όμορφα, πρέπει να γράφεις την αλήθεια, και θα είναι πιο όμορφη από κάθε φαντασίωση.

A. Plastov «Χρυσή άκρη» (1952). Καμβάς, λάδι. 57 x 76 εκ. Κρατικό Μουσείο-Αποθεματικό Κρεμλίνου Ροστόφ

A. Plastov «Haymaking» (1945). Καμβάς, λάδι. 193 x 232 cm Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov (Μόσχα)
Ο καλλιτέχνης δημιούργησε μια σειρά από πίνακες για τον Μεγάλο Πατριωτικό Πόλεμο. Ο καμβάς "Fascist fly by" είναι γεμάτος τραγωδία, θεωρείται αριστούργημα της σοβιετικής τέχνης της στρατιωτικής και μεταπολεμικής περιόδου.

A. Plastov «Ο φασίστας πέταξε» (1942). Καμβάς, λάδι. 138 x 185 cm Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov (Μόσχα)
Ο καλλιτέχνης Α. Δεϊνέκα συνεχίζει να ασχολείται με τα αγαπημένα του θέματα.

Γιούρι Ιβάνοβιτς Πιμένοφ (1903-1977)

Γνωστός ως ζωγράφος, θεατρολόγος, σκηνογράφος και γραφίστας, καλλιτέχνης αφίσας, δάσκαλος.
Ο πιο διάσημος πίνακας του είναι η Νέα Μόσχα.

Y. Pimenov «Νέα Μόσχα» (1937). Καμβάς, λάδι. 140 × 170 cm Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov (Μόσχα)
Γραμμένο εν μέσω της ανοικοδόμησης της πρωτεύουσας. Μια γυναίκα πίσω από το τιμόνι είναι ένα μάλλον σπάνιο φαινόμενο για εκείνα τα χρόνια. Είναι σύμβολο νέας ζωής. Η λύση της σύνθεσης είναι επίσης ασυνήθιστη: η εικόνα μοιάζει με πλαίσιο κάμερας. Η γυναίκα φαίνεται από την πλάτη και αυτή η γωνία, σαν να λέγαμε, καλεί τον θεατή να δει την πρωινή πόλη μέσα από τα μάτια της. Δημιουργεί μια αίσθηση χαράς, φρεσκάδας και ανοιξιάτικη διάθεση. Αυτό διευκολύνεται από το ιμπρεσιονιστικό στυλ γραφής του καλλιτέχνη και τον απαλό χρωματισμό του πίνακα. Η εικόνα είναι εμποτισμένη με μια αισιόδοξη στάση, χαρακτηριστική εκείνης της εποχής.
Ο καλλιτέχνης χρησιμοποίησε επίσης αυτή την τεχνική όταν ζωγράφιζε τον πίνακα "Front Road". Το συναισθηματικό περιεχόμενο της εικόνας βασίζεται στην αντίθεση μεταξύ της εικόνας μιας ειρηνικής, μεταβαλλόμενης Μόσχας και της πόλης που λεηλατήθηκε και καταστράφηκε ως αποτέλεσμα της φασιστικής εισβολής, που απεικονίζεται στον πίνακα "Front Road".

Y. Pimenov "Front Road" (1944)
Στην πρώιμη περίοδο της δουλειάς του, ο Πιμένοφ επηρεάστηκε από τον γερμανικό εξπρεσιονισμό, γεγονός που εξηγεί σε μεγάλο βαθμό τη δραματική ευκρίνεια των καλύτερων έργων του αυτών των χρόνων: «Ανάπηροι Πολέμου», «Δώστε Βαριά Βιομηχανία!». (1927), «Οι στρατιώτες πάνε στο πλευρό της επανάστασης» (1932). Σταδιακά, πέρασε στον ιμπρεσιονισμό, τηρώντας τη δημιουργική αρχή της «όμορφης στιγμής».

Yu. Pimenov «Ανάπηροι πολέμου» (1926). Κρατικό Ρωσικό Μουσείο (Πετρούπολη)

Georgy Grigorievich Nissky (1903-1987)

Ο Georgy Nissky κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ασχολήθηκε ενεργά με την τέχνη του τοπίου. Οι πίνακές του ξεχωρίζουν για τον γραφικό λακωνισμό, τη δυναμική, τις φωτεινές συνθετικές και ρυθμικές λύσεις τους. Η φύση του καλλιτέχνη μεταμορφώνεται πάντα από ανθρώπινα χέρια.

G. Nissky «Φθινόπωρο. Σηματοφόροι» (1932)

G. Nissky «Περιοχή της Μόσχας. Φεβρουάριος» (1957). Καμβάς, λάδι. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ (Μόσχα)
Οι τοπιογράφοι της παλαιότερης γενιάς περιλαμβάνουν τον Νικολάι Κρίμοφ.

Νικολάι Πέτροβιτς Κρίμοφ (1884-1958)

Νικολάι Κρίμοφ (1921)
Ν.Π. Ο Κρίμοφ γεννήθηκε στην οικογένεια ενός πλανόδιου καλλιτέχνη, οπότε η αρχική κατεύθυνση του έργου του ήταν η ίδια. Στα χρόνια των σπουδών (1905-1910) είχε κλίση προς μια ιμπρεσιονιστική εικόνα της φύσης, τα λεπτά παστέλ χρώματα και οι ανάλαφρες πινελιές έδιναν στους καμβάδες του μια πνευματική και χωρίς βαρύτητα όψη. Στη δεκαετία του 1920 έγινε οπαδός της ρωσικής ρεαλιστικής ζωγραφικής.

Ν.Π. Κρίμοφ «Πρωί στο Κεντρικό Πάρκο Πολιτισμού και Αναψυχής που φέρει το όνομα του Ι. Ο Μ. Γκόρκι στη Μόσχα» (1937). Καμβάς, λάδι. 81 x 135 cm Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov (Μόσχα)
Η τελευταία περίοδος της δουλειάς του ζωγράφου συνδέεται με τον ποταμό Oka και τη μικρή πόλη Tarusa, όπου ήρθε να επισκεφθεί ο Krymov. Γοητεύτηκε από το τοπικό τοπίο και τον ποταμό Όκα, που «έπνεε ελευθερία».

Ν. Κρίμοφ «Οδός στην Ταρούζα» (1952)
Οι πίνακες «Πριν το Λυκόφως», «Πολένοβο. Ο ποταμός Όκα «και μια σειρά από άλλους. Ο καλλιτέχνης έχει πολλά χειμερινά τοπία.

Ν. Κρίμοφ «Χειμώνας. Στέγες» (1934)

Arkady Alexandrovich Rylov (1870-1939)

A. Rylov. Αυτοπροσωπογραφία με έναν σκίουρο (1931). Χαρτί, μελάνι, ιταλικό μολύβι. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ (Μόσχα)

Ρώσος και Σοβιετικός τοπιογράφος, γραφίστας και δάσκαλος.
Ο πιο γνωστός του πίνακας είναι «Ο Λένιν στο Ραζλίβ».

A. Rylov «V.I. Ο Λένιν στο Ράζλιβ το 1917 (1934). Καμβάς, λάδι. 126,5 × 212 εκ. Κρατικό Ρωσικό Μουσείο (Πετρούπολη)
Πρόκειται για ένα από τα καλύτερα έργα του καλλιτέχνη στην ύστερη περίοδο της δημιουργικότητάς του. Σε αυτόν τον πίνακα, ο καλλιτέχνης συνδυάζει το τοπίο με το ιστορικό είδος. Η παραμονή του Λένιν στο Ράζλιβ το καλοκαίρι του 1917 είναι ένα από τα κύρια θέματα του λενινιστικού θέματος στη σοβιετική τέχνη. Στο τοπίο και στη δυναμική φιγούρα του ηγέτη νιώθει κανείς τον ενθουσιασμό και την ένταση της στιγμής. Σύννεφα ορμούν στον ουρανό, ο άνεμος λυγίζει δυνατά δέντρα, στον αγώνα ενάντια σε αυτές τις φυσικές δυνάμεις, η φιγούρα του Λένιν ορμά προς τον άνεμο με μια σταθερή αποφασιστικότητα να κερδίσει στο όνομα του μέλλοντος.
Η φουρτουνιασμένη λίμνη και ο ανησυχητικός ουρανός συμβολίζουν την καταιγίδα. Το λυκόφως κατεβαίνει στη γη. Ο Λένιν, χωρίς να παρατηρεί τίποτα από αυτά, κοιτάζει έντονα μακριά. Αυτή η ερμηνεία της εικόνας του ηγέτη είναι η ιδεολογική τάξη της σοβιετικής εποχής.
Το σοβιετικό είδος πορτρέτου αναπτύσσεται ενεργά αυτή τη στιγμή, στο οποίο εκδηλώνονται πιο ξεκάθαρα οι Pyotr Konchalovsky, Igor Grabar, Mikhail Nesterov.

P. Konchalovsky. Πορτρέτο του συνθέτη Sergei Sergeevich Prokofiev (1934). Καμβάς, λάδι. 181 x 140,5 cm Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov (Μόσχα)

P. Konchalovsky. Πορτρέτο του V.E. Meyerhold (1938). Καμβάς, λάδι. 211 x 233 εκ. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ (Μόσχα)
Κατά την περίοδο της μαζικής καταστολής, λίγο πριν τη σύλληψη και τον θάνατο του Meyerhold, ο P. Konchalovsky δημιούργησε ένα πορτρέτο αυτής της εξαιρετικής θεατρικής φυσιογνωμίας. Στις 7 Ιανουαρίου 1938, η Επιτροπή Τεχνών ενέκρινε ψήφισμα για την εκκαθάριση του Κρατικού Θεάτρου Meyerhold.
Ο καλλιτέχνης μετέφερε τη σύγκρουση της προσωπικότητας με την περιρρέουσα πραγματικότητα μέσα από μια σύνθετη συνθετική λύση. Ο καμβάς δεν απεικονίζει έναν ονειροπόλο, αλλά έναν άνθρωπο του οποίου η μοίρα κρέμεται στην ισορροπία και το ξέρει. Μέσα από την αντιπαράθεση ενός λαμπερού χαλιού, πυκνά καλυμμένου με στολίδια και της μονόχρωμης φιγούρας του σκηνοθέτη, ο Κοντσαλόφσκι αποκαλύπτει την τραγική εικόνα του σκηνοθέτη-μεταρρυθμιστή.

Ι. Γκράμπαρ. Πορτρέτο του Ακαδημαϊκού Ν.Δ. Zelinsky (1935). Καμβάς, λάδι. 95 x 87 cm Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov (Μόσχα)

Ι. Γκράμπαρ. Πορτρέτο του Βλαντιμίρ Ιβάνοβιτς Βερνάντσκι (1935)

Πάβελ Ντμίτριεβιτς Κορίν (1892-1967)

Πάβελ Κορίν (1933)
Ρώσος και Σοβιετικός ζωγράφος, τοιχογράφος, προσωπογράφος, συντηρητής και δάσκαλος, καθηγητής.
Μεγάλωσε στο Palekh και άρχισε να ζωγραφίζει εικόνες. Σπούδασε στη Σχολή Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής της Μόσχας, έγινε τελικά ένας από τους σημαντικότερους δασκάλους του πρώιμου σοβιετικού πορτρέτου, δημιούργησε μια ολόκληρη γκαλερί με πορτρέτα των διανοουμένων της εποχής του.
Τα έργα αυτού του καλλιτέχνη χαρακτηρίζονται από μνημειακότητα, σκληρό εύρος και ξεκάθαρα γλυπτές φόρμες.
Τα πιο γνωστά έργα του P. Korin: το τρίπτυχο «Alexander Nevsky», πορτρέτα του Georgy Zhukov και του Maxim Gorky.

Π. Κορίν. Τρίπτυχο "Αλέξανδρος Νιέφσκι"
Το τρίπτυχο ανατέθηκε στον καλλιτέχνη τη χρονιά του Μεγάλου Πατριωτικού Πολέμου, όταν το θέμα της αντιμετώπισης του εισβολέα ήταν κεντρικό στην τέχνη.
Στην αριστερή και δεξιά πλευρά του τρίπτυχου, οι στρατιώτες πηγαίνουν στον πόλεμο. Συνοδεύονται από γυναίκες: μια γριά μητέρα, μια σύζυγος που κρατά ένα μικρό παιδί στην αγκαλιά της. Αυτοί, όπως και η πατρίδα τους, χρειάζονται προστασία.

Στη μέση είναι η εικόνα ενός πολεμιστή. Ο Alexander Nevsky στα αρχαία χρόνια σταμάτησε τους Γερμανούς ιππότες, έτσι μπορεί να εμπνεύσει τους υπερασπιστές να πολεμήσουν ενάντια στους φασίστες εισβολείς. Η φιγούρα του είναι μνημειώδης - είναι η μνήμη των Ρώσων ηρώων. Το πανό με το πρόσωπο του Χριστού θυμίζει την αγιότητα της ρωσικής γης. Στέκεται στηριζόμενος στο σπαθί - οι εχθροί πρέπει να πεθάνουν από το σπαθί με το οποίο ήρθαν.
Πίσω του βρίσκεται η πατρίδα του, η οποία πρέπει να προστατευθεί.
Οι θεματικοί πίνακες και τα πορτρέτα που εκτελούνται από τον πλοίαρχο χαρακτηρίζονται από πνευματικότητα και ψυχραιμία εικόνων, αυστηρότητα σύνθεσης και σχεδίου.
Το ενδιαφέρον για δημιουργικές προσωπικότητες είναι χαρακτηριστικό της ατμόσφαιρας αυτής της περιόδου.

S. Gerasimov "Συλλογικές διακοπές στο αγρόκτημα"

Γνωρίζοντας τα έργα της σοβιετικής καλλιτεχνικής τέχνης, παρατηρείς αμέσως ότι είναι πολύ διαφορετικό από την προηγούμενη περίοδο της ιστορίας της τέχνης. Αυτή η διαφορά έγκειται στο γεγονός ότι όλη η σοβιετική τέχνη είναι διαποτισμένη από τη σοβιετική ιδεολογία και κλήθηκε να είναι ο αγωγός όλων των ιδεών και των αποφάσεων του σοβιετικού κράτους και του Κομμουνιστικού Κόμματος, ως ηγετικής δύναμης της σοβιετικής κοινωνίας. Εάν στην τέχνη του 19ου - αρχές του 20ου αιώνα οι καλλιτέχνες υπέβαλαν την υπάρχουσα πραγματικότητα σε σοβαρή κριτική, τότε στη σοβιετική περίοδο τέτοια έργα ήταν απαράδεκτα. Το πάθος της οικοδόμησης ενός σοσιαλιστικού κράτους ήταν κολλημένο σαν κόκκινο νήμα σε όλες τις σοβιετικές καλές τέχνες. Τώρα, 25 χρόνια μετά την κατάρρευση της ΕΣΣΔ, υπάρχει αυξημένο ενδιαφέρον για τη σοβιετική τέχνη από την πλευρά του κοινού, ειδικά αυτή γίνεται ενδιαφέρουσα για τους νέους. Ναι, και η παλαιότερη γενιά αναθεωρεί πολύ την προηγούμενη ιστορία της χώρας μας και ενδιαφέρεται επίσης για φαινομενικά πολύ οικεία έργα της σοβιετικής ζωγραφικής, γλυπτικής και αρχιτεκτονικής.

Τέχνη της περιόδου της Οκτωβριανής Επανάστασης, του Εμφυλίου και των δεκαετιών 20 - 30.

Τα πρώτα χρόνια μετά την επανάσταση και στα χρόνια του εμφυλίου, έπαιξε τεράστιο ρόλο μαχητική πολιτική αφίσα. Οι D.S. Moore και V.N. Denis θεωρούνται δικαίως κλασικοί της τέχνης της αφίσας. Η αφίσα του Moor "Έχετε εγγραφεί για εθελοντισμό;" και τώρα αιχμαλωτίζει με την εκφραστικότητα της εικόνας.

Εκτός από την έντυπη αφίσα, κατά τη διάρκεια των χρόνων του Εμφυλίου Πολέμου, προέκυψαν αφίσες με ζωγραφική στο χέρι και με στένσιλ. Πρόκειται για τα «ROSTA Windows», όπου συμμετείχε ενεργά ο ποιητής Β. Μαγιακόφσκι.

Κατά τη διάρκεια του Εμφυλίου Πολέμου, εκπονήθηκε ένα μνημειώδες σχέδιο προπαγάνδας από τον V.I. Lenin, το νόημα του οποίου ήταν να χτίσει μνημεία σε όλη τη χώρα σε διάσημους ανθρώπους που με τον ένα ή τον άλλο τρόπο συνέβαλαν στην προετοιμασία και την ολοκλήρωση της σοσιαλιστικής επανάστασης. Στους ερμηνευτές αυτού του προγράμματος συγκαταλέγονται, καταρχάς, οι γλύπτες Ν.Α. Andreev I.D. Shadr.

Στη δεκαετία του 1920, σχηματίστηκε ένας σύλλογος που έπαιξε σημαντικό ρόλο στην οικοδόμηση μιας νέας σοβιετικής κοινωνίας - Ρωσία "(AHRR)" Ένωση Καλλιτεχνών της Επαναστατικής Ρωσίας (AHRR).

Στη δεκαετία του 1930 δημιουργήθηκε μια ενιαία Ένωση Καλλιτεχνών της ΕΣΣΔ, που ένωνε όλους τους καλλιτέχνες που στη δουλειά τους έπρεπε να ακολουθήσουν τη μέθοδο του σοσιαλιστικού ρεαλισμού. Καλλιτέχνες της παλαιότερης γενιάς (B. Kustodiev, K. Yuon και άλλοι) και νεότεροι προσπάθησαν να αντικατοπτρίσουν το νέο στη σοβιετική πραγματικότητα.

Στο έργο του Ι.Ι. Ο Μπρόντσκι αντανακλούσε το ιστορικό και επαναστατικό θέμα. Το ίδιο θέμα στα έργα των M. Grekov και K. Petrov-Vodkin είναι εξαιρετικά ρομαντικό.

Τα ίδια χρόνια στρώνεται το έπος «Λενινιάνα», που δημιούργησε αναρίθμητα έργα αφιερωμένα στον Β. Ι. Λένιν κατά τη σοβιετική περίοδο.

Ο M. Nesterov, ο P. Konchalovsky, ο S. Gerasimov, ο A. Deineka, ο Y. Pimenov, ο G. Ryazhsky και άλλοι καλλιτέχνες πρέπει να ονομάζονται ζωγράφοι του είδους (μάστορες του καθημερινού είδους) και ζωγράφοι πορτρέτων της δεκαετίας του '20-30.

Τέτοιοι καλλιτέχνες όπως οι K.Yuon, A.Rylov, V.Baksheev και άλλοι εργάστηκαν στον τομέα του τοπίου.

Μετά την επανάσταση και τον εμφύλιο, σημειώθηκε ραγδαία κατασκευή πόλεων, στις οποίες δημιουργήθηκαν πολλά μνημεία σε εξέχουσες προσωπικότητες της επανάστασης, του κόμματος και του κράτους. Διάσημοι γλύπτες ήταν οι A. Matveev, M. Manizer, N. Tomsky, S. Lebedeva και άλλοι.

Σοβιετικές Καλές Τέχνες 1941 -1945 και τα πρώτα μεταπολεμικά χρόνια

Κατά τη διάρκεια του Μεγάλου Πατριωτικού Πολέμου, η σοβιετική τέχνη διέψευσε αποφασιστικά το ρητό ότι «όταν τα όπλα βροντούν, οι μούσες σιωπούν». Όχι, κατά την περίοδο των πιο σκληρών και τρομερών πολέμων στην ιστορία της ανθρωπότητας, οι μούσες δεν ήταν σιωπηλές. Αμέσως μετά την ύπουλη επίθεση των Γερμανών φασιστών στη Σοβιετική Ένωση, το πινέλο, το μολύβι και η σμίλη των καλλιτεχνών έγιναν ένα τρομερό όπλο στη μάχη κατά του εχθρού.

Η ηρωική έξαρση του λαού, η ηθική τους ενότητα έγινε η βάση πάνω στην οποία προέκυψε η σοβιετική τέχνη του Πατριωτικού Πολέμου. Διαποτίστηκε από τις ιδέες του πατριωτισμού. Αυτές οι ιδέες ενέπνευσαν καλλιτέχνες αφίσας, ενέπνευσαν ζωγράφους να δημιουργήσουν πίνακες που αφηγούνται τα κατορθώματα του σοβιετικού λαού και καθόρισαν το περιεχόμενο των έργων σε όλα τα είδη τέχνης.

Ένας τεράστιος ρόλος αυτή τη στιγμή, όπως και στα χρόνια του εμφυλίου πολέμου, έπαιξε μια πολιτική αφίσα, όπου εργάστηκαν καλλιτέχνες όπως ο V.S. Ivanov, ο V.B. Koretsky και άλλοι. Ένα θυμωμένο πάθος είναι εγγενές στα έργα τους, στις εικόνες που δημιούργησαν, αποκαλύπτεται η ακλόνητη θέληση των ανθρώπων που στάθηκαν όρθιοι για να υπερασπιστούν την Πατρίδα.

Μια γνήσια αναγέννηση βιώνεται κατά τη διάρκεια του πολέμου από μια αφίσα που σχεδιάζεται στο χέρι. Ακολουθώντας το παράδειγμα του "Windows ROSTA" το 1941 - 1945, δημιουργήθηκαν πολυάριθμα φύλλα του "Windows TASS". Χλεύασαν τους εισβολείς, εξέθεσαν την αληθινή ουσία του φασισμού, κάλεσαν τον λαό να υπερασπιστεί την Πατρίδα. Μεταξύ των καλλιτεχνών που εργάζονται στο "Windows TASS", στην πρώτη θέση θα πρέπει να ονομάζεται Kukryniksy (Kupriyanov, Krylov, Sokolov).

Οι γραφικές σειρές αυτής της εποχής λένε πειστικά για τις εμπειρίες των σοβιετικών ανθρώπων κατά τα χρόνια του πολέμου. Μια υπέροχη σειρά σχεδίων του D.A. Shmarinov "Δεν θα ξεχάσουμε, δεν θα συγχωρήσουμε!" Η σοβαρότητα της ζωής του πολιορκημένου Λένινγκραντ αποτυπώνεται στον κύκλο των σχεδίων του A.F. Pakhomov «Το Λένινγκραντ στις μέρες του αποκλεισμού».

Ήταν δύσκολο για τους ζωγράφους να δουλέψουν στα χρόνια του πολέμου: τελικά, χρειάζεται χρόνος και κατάλληλες συνθήκες, υλικά για να δημιουργηθεί μια τελειωμένη εικόνα. Παρ 'όλα αυτά, τότε υπήρχαν πολλοί καμβάδες που συμπεριλήφθηκαν στο χρυσό ταμείο της σοβιετικής τέχνης. Οι ζωγράφοι του στούντιο στρατιωτικών καλλιτεχνών με το όνομα A.B. Grekov μας μιλούν για τη δύσκολη καθημερινότητα του πολέμου, για ήρωες πολεμιστές. Ταξίδεψαν στα μέτωπα, συμμετείχαν σε εχθροπραξίες.

Οι στρατιωτικοί καλλιτέχνες αποτύπωσαν στους καμβάδες τους όλα όσα είδαν και έζησαν οι ίδιοι. Ανάμεσά τους ο P.A. Krivonogov, ο συγγραφέας του πίνακα "Victory", ο B.M. Nemensky και ο πίνακας του "Mother", μια αγρότισσα που στέγαζε στρατιώτες στην καλύβα της, που επέζησε πολύ σε μια δύσκολη εποχή για την Πατρίδα.

Καμβάδες μεγάλης καλλιτεχνικής αξίας δημιουργήθηκαν αυτά τα χρόνια από τους A.A. Deineka, A.A. Plastov, Kukryniksy. Οι πίνακές τους, αφιερωμένες στις ηρωικές πράξεις του σοβιετικού λαού του σοβιετικού λαού μπροστά και πίσω, είναι εμποτισμένοι με ειλικρινή ενθουσιασμό. Οι καλλιτέχνες επιβεβαιώνουν την ηθική υπεροχή του σοβιετικού λαού έναντι της ωμής δύναμης του φασισμού. Αυτό φανερώνει τον ανθρωπισμό των ανθρώπων, την πίστη τους στα ιδανικά της δικαιοσύνης και της καλοσύνης. Το θάρρος του ρωσικού λαού αποδεικνύεται από ιστορικούς καμβάδες που δημιουργήθηκαν κατά τη διάρκεια του πολέμου, όπως ο κύκλος ζωγραφικής του E.E. Lansere "Τρόπαια των ρωσικών όπλων" (1942), το τρίπτυχο του P.D. Korin "Alexander Nevsky", ο καμβάς του A.P. .Bubnova «Πρωί στο πεδίο Kulikovo».

Η προσωπογραφία μας είπε επίσης πολλά για τους ανθρώπους της εποχής του πολέμου. Πολλά έργα εξαιρετικής καλλιτεχνικής αξίας έχουν δημιουργηθεί σε αυτό το είδος.

Η γκαλερί πορτρέτων της περιόδου του Πατριωτικού Πολέμου αναπληρώθηκε με πολλά γλυπτικά έργα. Άνθρωποι με ακλόνητη θέληση, θαρραλέοι χαρακτήρες, που χαρακτηρίζονται από φωτεινές ατομικές διαφορές, αναπαρίστανται στα γλυπτά πορτρέτα των S.D. Lebedeva, N.V. Tomsky, V.I. Mukhina, V.E. Vuchetich.

Κατά τη διάρκεια του Πατριωτικού Πολέμου, η σοβιετική τέχνη εκπλήρωσε τιμητικά το πατριωτικό της καθήκον. Οι καλλιτέχνες ήρθαν στη νίκη μετά από βαθιές εμπειρίες, οι οποίες κατέστησαν δυνατή στα πρώτα μεταπολεμικά χρόνια τη δημιουργία έργων με πολύπλοκο και πολύπλευρο περιεχόμενο.

Στο δεύτερο μισό της δεκαετίας του 1940 και του 1950, η τέχνη εμπλουτίστηκε με νέα θέματα και εικόνες. Τα κύρια καθήκοντά του κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ήταν να αντικατοπτρίζει τις επιτυχίες της μεταπολεμικής οικοδόμησης, την ανατροφή της ηθικής και τα κομμουνιστικά ιδεώδη.

Η άνθηση της τέχνης στα μεταπολεμικά χρόνια διευκολύνθηκε σε μεγάλο βαθμό από τις δραστηριότητες της Ακαδημίας Τεχνών της ΕΣΣΔ, η οποία περιλαμβάνει τους πιο σημαντικούς δασκάλους.

Η τέχνη των μεταπολεμικών χρόνων χαρακτηρίζεται και από άλλα χαρακτηριστικά που αφορούν πρωτίστως το περιεχόμενό της. Αυτά τα χρόνια αυξήθηκε το ενδιαφέρον των καλλιτεχνών για τον εσωτερικό κόσμο του ανθρώπου. Εξ ου και η προσοχή που δίνουν οι ζωγράφοι, οι γλύπτες και οι γραφίστες στα πορτρέτα και τις συνθέσεις του είδους, που καθιστούν δυνατή τη φαντασία ανθρώπων σε ποικίλες καταστάσεις ζωής και δείχνουν την πρωτοτυπία των χαρακτήρων και των εμπειριών τους. Εξ ου και η ιδιαίτερη ανθρωπιά και ζεστασιά πολλών έργων αφιερωμένων στη ζωή και τη ζωή των Σοβιετικών ανθρώπων.

Όπως είναι φυσικό, αυτή την περίοδο, οι καλλιτέχνες συνεχίζουν να ανησυχούν για τα γεγονότα του πρόσφατου πολέμου. Ξανά και ξανά στρέφονται στα κατορθώματα του λαού, στις οδυνηρές εμπειρίες του σοβιετικού λαού σε μια σκληρή εποχή. Είναι γνωστοί καμβάδες εκείνων των χρόνων όπως «Mashenka» του B. Nemensky, «Letter from the front» του A. Laktionov, «Rest after the battle» του Y. Nemensky. , «Επιστροφή» του V. Kostecki και πολλών άλλων.

Οι καμβάδες αυτών των καλλιτεχνών είναι ενδιαφέροντες επειδή το θέμα του πολέμου λύνεται σε αυτούς σε ένα καθημερινό είδος: ζωγραφίζουν σκηνές από τη ζωή των Σοβιετικών ανθρώπων στον πόλεμο και στο πίσω μέρος, μιλούν για τα βάσανα, το θάρρος, τον ηρωισμό τους.

Αξιοσημείωτο είναι ότι και οι πίνακες ιστορικού περιεχομένου λύνονται συχνά αυτή την περίοδο στο καθημερινό είδος. Σταδιακά, η ειρηνική ζωή του σοβιετικού λαού, που αντικατέστησε τις κακουχίες των χρόνων του πολέμου, βρίσκει μια ολοένα πιο ολοκληρωμένη και ώριμη ενσάρκωση στο έργο πολλών καλλιτεχνών. Εμφανίζεται ένας μεγάλος αριθμός ειδών ζωγραφικής (δηλαδή πίνακες του καθημερινού είδους), εντυπωσιακοί με ποικίλα θέματα και πλοκές. Αυτή είναι η ζωή της σοβιετικής οικογένειας, με τις απλές χαρές και λύπες της («Πάλι ένα δίδυμο!» F. Reshetnikova), αυτή είναι καυτή δουλειά σε εργοστάσια και εργοστάσια, σε συλλογικές και κρατικές φάρμες («Ψωμί» της T. Yablonskaya , «On Peaceful Fields» του A. Mylnikov ). Αυτή είναι η ζωή της σοβιετικής νεολαίας, η ανάπτυξη παρθένων εδαφών κ.λπ. Ιδιαίτερα σημαντική συνεισφορά στη ζωγραφική του είδους είχαν την περίοδο αυτή οι καλλιτέχνες A. Plastov, S. Chuikov, T. Salakhov κ.ά.

Συνέχισε να αναπτύσσεται με επιτυχία αυτά τα χρόνια, η προσωπογραφία - αυτοί είναι οι P. Korin, V. Efanov και άλλοι καλλιτέχνες. Στον τομέα της τοπιογραφίας κατά την περίοδο αυτή, εργάστηκαν εκτός από τους παλαιότερους καλλιτέχνες, μεταξύ των οποίων οι M. Saryan, R. Nissky, N. Romadin κ.α.

Τα επόμενα χρόνια, οι καλές τέχνες της σοβιετικής περιόδου συνέχισαν να αναπτύσσονται προς την ίδια κατεύθυνση.

D. S. Moore

D. S. Moore

K. Petrov-Vodkin "1918 in Petrograd" (1920)

I. D. Shadr "Πλαθόστρωτο-όπλο του προλεταριάτου"

Gerasimov - διακοπές συλλογικής φάρμας 1937

S. Gerasimov "Μητέρα ενός παρτιζάνου"

D. S. Moore

P. Konchalovsky "Lilac in a basket" (1933)

N. A. Andreev "V. I. Lenin"

Μ. Γκρέκοφ «Πάνο και τρομπετίστας» (1934)

Το 1934, στο Πρώτο Πανενωσιακό Συνέδριο Σοβιετικών Συγγραφέων, ο Μαξίμ Γκόρκι διατύπωσε τις βασικές αρχές του σοσιαλρεαλισμού ως μέθοδο της σοβιετικής λογοτεχνίας και τέχνης. Αυτή η στιγμή σηματοδοτεί την αρχή μιας νέας εποχής της σοβιετικής τέχνης, με αυστηρότερο ιδεολογικό έλεγχο και προπαγανδιστικά σχήματα.

Βασικές αρχές:

• - Εθνικότητα. Κατά κανόνα, οι ήρωες των σοσιαλιστικών ρεαλιστικών έργων ήταν εργάτες πόλεων και χωρών, εργάτες και αγρότες, εκπρόσωποι της τεχνικής διανόησης και του στρατιωτικού προσωπικού, μπολσεβίκοι και μη κομματικοί άνθρωποι.
• - Ιδεολογία. Δείξτε την ειρηνική ζωή των ανθρώπων, την αναζήτηση τρόπων για μια νέα, καλύτερη ζωή, ηρωικές πράξεις για να πετύχουμε μια ευτυχισμένη ζωή για όλους τους ανθρώπους.
• - Ιδιαιτερότητα. Στην εικόνα της πραγματικότητας, δείξτε τη διαδικασία της ιστορικής ανάπτυξης, η οποία, με τη σειρά της, πρέπει να αντιστοιχεί στην υλιστική κατανόηση της ιστορίας (στη διαδικασία αλλαγής των συνθηκών ύπαρξής τους, οι άνθρωποι αλλάζουν τη συνείδηση ​​και τη στάση τους απέναντι στην πραγματικότητα).

Στα χρόνια που ακολούθησαν αυτό το ψήφισμα της Κεντρικής Επιτροπής του Συνδικαλιστικού Κομμουνιστικού Κόμματος των Μπολσεβίκων για την αναδιάρθρωση των λογοτεχνικών και καλλιτεχνικών οργανώσεων, πραγματοποιήθηκαν μια σειρά από σημαντικές εκδηλώσεις με στόχο την ανάπτυξη της τέχνης προς την κατεύθυνση που απαιτεί το κράτος. Επεκτείνεται η πρακτική των κρατικών παραγγελιών, των δημιουργικών επαγγελματικών ταξιδιών, των θεματικών και επετειακών εκθέσεων μεγάλης κλίμακας. Σοβιετικοί καλλιτέχνες δημιουργούν πολλά έργα (πάνελ, μνημειακά, διακοσμητικά) για το μέλλον του VDNKh. Αυτό σήμαινε ένα σημαντικό στάδιο στην αναβίωση της μνημειακής τέχνης ως ανεξάρτητης. Σε αυτά τα έργα, έγινε φανερό ότι η έλξη της σοβιετικής τέχνης στη μνημειακότητα δεν είναι τυχαία, αλλά αντανακλά «τις μεγαλειώδεις προοπτικές για την ανάπτυξη μιας σοσιαλιστικής κοινωνίας».

Το 1918, ο Λένιν, σε συνομιλία με τον Κ. Ζέτκιν, όρισε τα καθήκοντα της τέχνης στη σοβιετική κοινωνία: «Η τέχνη ανήκει στους ανθρώπους. Πρέπει να έχει τις βαθύτερες ρίζες της στα ίδια τα βάθη των πλατιών εργατικών μαζών. Πρέπει να γίνει κατανοητό από αυτές τις μάζες και να αγαπηθεί από αυτές. Πρέπει να ενώσει το συναίσθημα, τη σκέψη και τη βούληση αυτών των μαζών, να τις ανυψώσει. Θα πρέπει να αφυπνίσει τους καλλιτέχνες μέσα τους και να τους αναπτύξει».

Στην υπό ανασκόπηση περίοδο, μαζί με τους ήδη υπάρχοντες τομείς της τέχνης, εμφανίστηκαν και αρκετοί θεμελιωδώς νέοι, για παράδειγμα, avant-garde.

Στα πλαίσια του ύφους του μνημειοκρατισμού, η γλυπτική έχει το μεγαλύτερο ενδιαφέρον. Όπως όλες οι άλλες τάσεις στη σοβιετική τέχνη, η γλυπτική της περιόδου είχε μια ταραχώδη εστίαση και ένα πατριωτικό περιεχόμενο στις πλοκές. Το σχέδιο του Λένιν για μνημειακή προπαγάνδα, που εγκρίθηκε το 1918, είχε μεγάλη σημασία για την ανάπτυξη της γλυπτικής.Σύμφωνα με αυτό το σχέδιο, μνημεία που προωθούν νέες επαναστατικές αξίες επρόκειτο να εγκατασταθούν σε όλη τη χώρα. Στο έργο συμμετείχαν εξέχοντες γλύπτες: Ν.Α. Andreev (ο οποίος αργότερα έγινε ο δημιουργός της γλυπτικής Leniniana). Ένας άλλος εξέχων γλύπτης αυτής της περιόδου είναι ο Ivan Shadr. Το 1922 δημιούργησε τα αγάλματα «Εργάτης», «Σπορέας», «Χωρικός», «Κόκκινος Στρατός». Η πρωτοτυπία της μεθόδου του είναι η γενίκευση της εικόνας με βάση μια συγκεκριμένη πλοκή του είδους, η ισχυρή μοντελοποίηση όγκων, η εκφραστικότητα της κίνησης, το ρομαντικό πάθος. Το πιο εντυπωσιακό έργο του είναι «Το λιθόστρωτο είναι εργαλείο του προλεταριάτου. 1905» (1927). Την ίδια χρονιά, στο έδαφος ενός υδροηλεκτρικού σταθμού στον Καύκασο, ο ZAGES έστησε ένα μνημείο στον Λένιν του δικού του έργου - "ένα από τα καλύτερα". Η Vera Mukhina σχηματίζεται επίσης ως master στη δεκαετία του '20. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, δημιουργεί ένα έργο για το μνημείο "Χειραφετημένη Εργασία" (1920, δεν σώζεται), "Αγροτισσα" (1927). Από τους πιο ώριμους δασκάλους, σημειώνεται το έργο της Sarah Lebedeva, που δημιούργησε πορτρέτα. Στην κατανόηση της φόρμας, λαμβάνει υπόψη τις παραδόσεις και την εμπειρία του ιμπρεσιονισμού. Ο Alexander Matveev χαρακτηρίζεται από κλασική σαφήνεια στην κατανόηση της εποικοδομητικής βάσης της πλαστικότητας, της αρμονίας των γλυπτικών μαζών και της αναλογίας των όγκων στο χώρο ("Undressing Woman", "Woman Putting on a Shoe"), καθώς και το περίφημο "October" (1927), όπου στη σύνθεση περιλαμβάνονται 3 γυμνοί άντρες. φιγούρες - συνδυασμός κλασικών παραδόσεων και ιδεώδους του «άνθρωπου της εποχής της Επανάστασης» (χαρακτηριστικά - δρεπάνι, σφυρί, μπουντένοβκα).

Οι μορφές τέχνης ικανές να «ζήσουν» στους δρόμους τα πρώτα χρόνια μετά την επανάσταση έπαιξαν καθοριστικό ρόλο στη «διαμόρφωση της κοινωνικής και αισθητικής συνείδησης του επαναστατικού λαού». Ως εκ τούτου, μαζί με τη μνημειακή γλυπτική, η πολιτική αφίσα έλαβε την πιο ενεργή ανάπτυξη. Αποδείχθηκε ότι ήταν η πιο κινητή και λειτουργική μορφή τέχνης. Κατά τη διάρκεια του Εμφυλίου Πολέμου, αυτό το είδος χαρακτηρίστηκε από τις ακόλουθες ιδιότητες: «η ευκρίνεια της παρουσίασης του υλικού, η στιγμιαία αντίδραση σε ταχέως μεταβαλλόμενα γεγονότα, ο προπαγανδιστικός προσανατολισμός, χάρη στον οποίο τα κύρια χαρακτηριστικά της πλαστικής γλώσσας της αφίσας ήταν σχηματίστηκε. Αποδείχτηκαν ο λακωνισμός, η συμβατικότητα της εικόνας, η σαφήνεια της σιλουέτας και της χειρονομίας. Οι αφίσες ήταν εξαιρετικά συνηθισμένες, τυπώνονταν σε μεγάλους αριθμούς και αναρτώνονταν παντού. Ξεχωριστή θέση στην ανάπτυξη της αφίσας καταλαμβάνει το ROSTA Windows of Satire, στο οποίο οι Cheremnykh, Mikhail Mikhailovich και Vladimir Mayakovsky έπαιξαν εξαιρετικό ρόλο. Πρόκειται για αφίσες με στένσιλ, χειροποίητες και με ποιητικές επιγραφές για το θέμα της ημέρας. Έπαιξαν τεράστιο ρόλο στην πολιτική προπαγάνδα και έγιναν μια νέα μεταφορική μορφή. Ο καλλιτεχνικός σχεδιασμός των γιορτών είναι άλλο ένα νέο φαινόμενο της σοβιετικής τέχνης που δεν είχε παράδοση. Οι διακοπές περιλάμβαναν τις επετείους της Οκτωβριανής Επανάστασης, την 1η Μαΐου, την 8η Μαρτίου και άλλες σοβιετικές αργίες. Αυτό δημιούργησε μια νέα μη παραδοσιακή μορφή τέχνης που έδωσε στη ζωγραφική νέο χώρο και λειτουργία. Για τις γιορτές δημιουργήθηκαν μνημειακά πάνελ, τα οποία χαρακτηρίζονταν από ένα τεράστιο μνημειακό προπαγανδιστικό πάθος. Οι καλλιτέχνες δημιούργησαν σκίτσα για το σχεδιασμό πλατειών και δρόμων.

Στο σχεδιασμό αυτών των διακοπών συμμετείχαν οι ακόλουθοι άνθρωποι: Petrov-Vodkin, Kustodiev, E. Lansere, S. V. Gerasimov.

Η σοβιετική ιστορία της τέχνης χώρισε τους δασκάλους της σοβιετικής ζωγραφικής αυτής της περιόδου σε δύο ομάδες:

• - καλλιτέχνες που προσπάθησαν να αποτυπώσουν τις πλοκές στη συνηθισμένη εικονογραφική γλώσσα της πραγματικής απεικόνισης.
• - καλλιτέχνες που χρησιμοποίησαν μια πιο σύνθετη, παραστατική αντίληψη της νεωτερικότητας.

Δημιούργησαν συμβολικές εικόνες στις οποίες προσπάθησαν να εκφράσουν την «ποιητική, εμπνευσμένη» αντίληψή τους για την εποχή στη νέα της κατάσταση. Ο Konstantin Yuon δημιούργησε ένα από τα πρώτα έργα αφιερωμένα στην εικόνα της επανάστασης (New Planet, 1920, State Tretyakov Gallery), όπου το γεγονός ερμηνεύεται σε μια παγκόσμια, κοσμική κλίμακα. Ο Petrov-Vodkin το 1920 δημιούργησε τον πίνακα «1918 στην Πετρούπολη (Πέτρογκραντ Μαντόνα)», λύνοντας σε αυτόν τα ηθικά και φιλοσοφικά προβλήματα της εποχής. Ο Arkady Rylov, όπως πίστευαν, στο τοπίο του «In the Blue Space» (1918) σκέφτεται επίσης συμβολικά, εκφράζοντας «την ελεύθερη πνοή της ανθρωπότητας, που δραπετεύει στις απέραντες εκτάσεις του κόσμου, σε ρομαντικές ανακαλύψεις, σε ελεύθερες και δυνατές εμπειρίες .»

Τα γραφικά δείχνουν επίσης νέες εικόνες. Ο Nikolai Kupreyanov «στη σύνθετη τεχνική της ξυλογλυτικής επιδιώκει να εκφράσει τις εντυπώσεις του από την επανάσταση» («Armoured Cars», 1918; «Volley of Aurora», 1920). Στη δεκαετία του 1930, η μνημειακή ζωγραφική έγινε αναπόσπαστο μέρος ολόκληρης της καλλιτεχνικής κουλτούρας. Εξαρτήθηκε από την ανάπτυξη της αρχιτεκτονικής και ήταν σταθερά συνδεδεμένη με αυτήν. Οι προεπαναστατικές παραδόσεις συνεχίστηκαν εκείνη την εποχή από τον πρώην καλλιτέχνη του Κόσμου της Τέχνης Evgeny Lansere - η ζωγραφική της αίθουσας εστιατορίου του σταθμού Καζάν (1933) καταδεικνύει τη λαχτάρα του για μια φορητή μπαρόκ φόρμα. Διαπερνά το επίπεδο της οροφής, επεκτείνοντας το χώρο προς τα έξω. Η Ντεϊνέκα, που και αυτή την εποχή συμβάλλει πολύ στη μνημειακή ζωγραφική, εργάζεται με διαφορετικό τρόπο. Τα μωσαϊκά του στον σταθμό Mayakovskaya (1938) δημιουργήθηκαν χρησιμοποιώντας ένα μοντέρνο στυλ: την ευκρίνεια του ρυθμού, τη δυναμική των τοπικών πολύχρωμων σημείων, την ενέργεια των γωνιών, τις συμβάσεις απεικόνισης μορφών και αντικειμένων. Τα θέματα είναι κυρίως αθλητικά. Ο Favorsky, ένας γνωστός γραφίστας, συνέβαλε επίσης στη μνημειακή ζωγραφική: εφάρμοσε το σύστημα κατασκευής φόρμας του, που αναπτύχθηκε στην εικονογράφηση βιβλίων, σε νέες εργασίες. Οι τοιχογραφίες του στο Museum of Maternity and Infancy (1933, μαζί με τον Lev Bruni) και στο House of Models (1935) δείχνουν την κατανόηση του ρόλου του αεροπλάνου, τον συνδυασμό της νωπογραφίας με την αρχιτεκτονική βασισμένη στην εμπειρία της αρχαίας ρωσικής ζωγραφικής. (Και τα δύο έργα δεν έχουν διασωθεί).

Ο κονστρουκτιβισμός έγινε το κυρίαρχο στυλ στην αρχιτεκτονική της δεκαετίας του 1920.

Οι κονστρουκτιβιστές προσπάθησαν να χρησιμοποιήσουν νέες τεχνικές δυνατότητες για να δημιουργήσουν απλές, λογικές, λειτουργικά δικαιολογημένες μορφές, εύχρηστα σχέδια. Ένα παράδειγμα της αρχιτεκτονικής του σοβιετικού κονστρουκτιβισμού είναι τα έργα των αδελφών Βέσνιν. Το πιο μεγαλειώδες από αυτά - το Παλάτι της Εργασίας δεν εφαρμόστηκε ποτέ, αλλά είχε σημαντικό αντίκτυπο στην ανάπτυξη της εγχώριας αρχιτεκτονικής. Δυστυχώς, τα αρχιτεκτονικά μνημεία καταστράφηκαν επίσης: μόλις τη δεκαετία του '30. στη Μόσχα, ο Πύργος Σουχάρεφ, ο Καθεδρικός Ναός του Σωτήρος Χριστού, το Μοναστήρι του Θαύματος στο Κρεμλίνο, η Κόκκινη Πύλη και εκατοντάδες σκοτεινές αστικές και αγροτικές εκκλησίες, πολλές από τις οποίες είχαν ιστορική και καλλιτεχνική αξία, καταστράφηκαν.

Σε σχέση με την πολιτική φύση της σοβιετικής τέχνης, δημιουργούνται πολλές καλλιτεχνικές ενώσεις και ομάδες με τις δικές τους πλατφόρμες και μανιφέστα. Η τέχνη ήταν σε αναζήτηση και ήταν ποικίλη. Οι κύριες ομάδες ήταν οι AHRR, OST και επίσης οι "4 τέχνες". Η Ένωση Καλλιτεχνών της Επαναστατικής Ρωσίας ιδρύθηκε το 1922. Ο πυρήνας του αποτελούνταν από πρώην Wanderers, των οποίων ο τρόπος είχε μεγάλη επιρροή στην προσέγγιση της ομάδας - η ρεαλιστική καθημερινή γλώσσα γραφής των αείμνηστων Wanderers, το "going to the people" και οι θεματικές εκθέσεις. Εκτός από τα θέματα των πινάκων (υπαγόρευση της επανάστασης), το AHRR χαρακτηρίστηκε από τη διοργάνωση θεματικών εκθέσεων όπως «Η ζωή και η ζωή των εργατών», «Η ζωή και η ζωή του κόκκινου στρατού».

Οι κύριοι δάσκαλοι και τα έργα της ομάδας: Isaac Brodsky ("Ο λόγος του Λένιν στο εργοστάσιο Putilov", "Lenin in Smolny"), Georgy Ryazhsky ("Delegate", 1927; "Chairman", 1928), προσωπογράφος Sergei Malyutin (" Portrait of Furmanov», 1922 ), Abram Arkhipov, Efim Cheptsov («Συνάντηση του χωριού», 1924), Vasily Yakovlev («Οι μεταφορές βελτιώνονται», 1923), Mitrofan Grekov («Tachanka», 1925, αργότερα «To the Kuban» και «Trumpeters of the First Cavalry», 1934). Το Society of Easel Artists, που ιδρύθηκε το 1925, περιλάμβανε καλλιτέχνες με λιγότερο συντηρητικές απόψεις στη ζωγραφική, κυρίως μαθητές του VKHUTEMAS. Αυτά ήταν: Williams "Hamburg Uprising"), Deineka ("At the building of new workshops", 1925; "Before descending into the mine", 1924; "Defense of Petrograd", 1928), Labas Luchishkin ("Η μπάλα πέταξε μακριά », «Αγαπώ τη ζωή»), Pimenov («Βαριά βιομηχανία»), Tyshler, Shterenberg και άλλοι. Υποστήριξαν το σύνθημα της αναβίωσης και ανάπτυξης της ζωγραφικής του καβαλέτου, αλλά καθοδηγήθηκαν όχι από τον ρεαλισμό, αλλά από την εμπειρία των σύγχρονων εξπρεσιονιστών. Από τα θέματα ήταν κοντά στην εκβιομηχάνιση, τη ζωή της πόλης και τον αθλητισμό. Η Four Arts Society ιδρύθηκε από καλλιτέχνες που προηγουμένως ανήκαν στον Κόσμο της Τέχνης και στο Blue Rose, οι οποίοι νοιάζονταν για την κουλτούρα και τη γλώσσα της ζωγραφικής. Τα πιο εξέχοντα μέλη του συλλόγου: Pavel Kuznetsov, Petrov-Vodkin, Saryan, Favorsky και πολλοί άλλοι εξαιρετικοί δάσκαλοι. Η κοινωνία χαρακτηριζόταν από φιλοσοφικό υπόβαθρο με επαρκή πλαστική έκφραση. Η Εταιρεία Καλλιτεχνών της Μόσχας περιλάμβανε πρώην μέλη των ενώσεων Ζωγράφων της Μόσχας, Μακόβετς και Γένεσης, καθώς και μέλη του Jack of Diamonds. Οι πιο ενεργοί καλλιτέχνες: Pyotr Konchalovsky, Ilya Mashkov, Lentulov, Alexander Kuprin, Robert Falk, Vasily Rozhdestvensky, Osmerkin, Sergei Gerasimov, Nikolai Chernyshev, Igor Grabar. Οι καλλιτέχνες δημιούργησαν «θεματικούς» πίνακες, χρησιμοποιώντας το συσσωρευμένο «jack of diamonds» και ούτω καθεξής. τάσεις της σχολής της πρωτοπορίας. Η δημιουργικότητα αυτών των ομάδων ήταν ένα σύμπτωμα του γεγονότος ότι η συνείδηση ​​των δασκάλων της παλαιότερης γενιάς προσπαθούσε να προσαρμοστεί στις νέες πραγματικότητες. Στη δεκαετία του 1920, πραγματοποιήθηκαν δύο εκθέσεις μεγάλης κλίμακας που εδραίωσαν τις τάσεις - για τη 10η επέτειο του Οκτωβρίου και του Κόκκινου Στρατού, καθώς και την «Έκθεση Τέχνης των Λαών της ΕΣΣΔ» (1927).

Η κορυφαία σφαίρα ανάπτυξης της λογοτεχνίας στη δεκαετία του '20. αναμφίβολα είναι ποίηση. Ως προς τη μορφή, η λογοτεχνική ζωή παρέμεινε σε μεγάλο βαθμό η ίδια. Όπως και στις αρχές του αιώνα, οι λογοτεχνικοί κύκλοι έδωσαν τον τόνο σε αυτό, πολλοί από τους οποίους επέζησαν από τις αιματηρές δύσκολες στιγμές και συνέχισαν να λειτουργούν στη δεκαετία του '20: συμβολιστές, μελλοντολόγοι, ακμεϊστές κ.λπ. Νέοι κύκλοι και ενώσεις προκύπτουν, αλλά ο ανταγωνισμός μεταξύ υπερβαίνουν πλέον τις καλλιτεχνικές σφαίρες και συχνά παίρνουν πολιτικές χροιές. Οι ενώσεις RAPP, Pereval, Serapionov Brothers και LEF είχαν τη μεγαλύτερη σημασία για την ανάπτυξη της λογοτεχνίας.

Η RAPP (Ρωσική Ένωση Προλετάριων Συγγραφέων) διαμορφώθηκε στο I All-Union Conference of Proletarian Writers το 1925. Περιλάμβανε συγγραφείς (από τους πιο διάσημους A. Fadeev και D. Furmanov) και κριτικούς λογοτεχνίας. Ο προκάτοχος του RAPP ήταν η Proletkult, μια από τις πιο μαζικές οργανώσεις που ιδρύθηκαν το 1917. Αντιμετώπιζαν ως «ταξικούς εχθρούς» σχεδόν όλους τους συγγραφείς που δεν ήταν μέλη της οργάνωσής τους. Μεταξύ των συγγραφέων που δέχθηκαν επίθεση από τα μέλη του RAPP δεν ήταν μόνο οι A. Akhmatova, Z. Gippius, I. Bunin, αλλά ακόμη και αναγνωρισμένοι «τραγουδιστές της επανάστασης» όπως ο M. Gorky και ο V. Mayakovsky. Η ιδεολογική αντίθεση στο RAPP συγκροτήθηκε από τη λογοτεχνική ομάδα «Pass».

Η ομάδα Serapion Brothers δημιουργήθηκε το 1921 στο Σπίτι των Τεχνών της Πετρούπολης. Η ομάδα περιελάμβανε διάσημους συγγραφείς όπως οι V. Ivanov, M. Zoshchenko, K. Fedin και άλλοι.

LEF - το αριστερό μέτωπο των τεχνών. Οι θέσεις των μελών αυτής της οργάνωσης (Β. Μαγιακόφσκι, Ν. Ασέεφ, Σ. Αϊζενστάιν κ.ά.) είναι πολύ αντιφατικές. Συνδυάζοντας τον φουτουρισμό με την καινοτομία στο πνεύμα του προλετάριου, κατέληξαν σε μια πολύ φανταστική ιδέα δημιουργίας κάποιου είδους «παραγωγικής» τέχνης, που υποτίθεται ότι θα εκτελούσε στην κοινωνία τη χρηστική λειτουργία της παροχής ευνοϊκής ατμόσφαιρας για υλική παραγωγή. Η τέχνη θεωρήθηκε ως στοιχείο τεχνικής κατασκευής, χωρίς κανένα υποκείμενο, μυθοπλασία ψυχολογισμού κ.λπ.

Μεγάλη σημασία για την ανάπτυξη της ρωσικής λογοτεχνίας του εικοστού αιώνα. έπαιξε το ποιητικό έργο των V. Ya. Bryusov, E. G. Bagritsky, O. E. Mandelstam, B. L. Pasternak, D. Poor, «αγροτικών» ποιητών, των οποίων ο φωτεινότερος εκπρόσωπος ήταν ο φίλος του Yesenin, N. A. Klyuev. Μια ιδιαίτερη σελίδα στην ιστορία της ρωσικής λογοτεχνίας είναι το έργο ποιητών και συγγραφέων που δεν δέχτηκαν την επανάσταση και αναγκάστηκαν να εγκαταλείψουν τη χώρα. Ανάμεσά τους υπάρχουν ονόματα όπως M. I. Tsvetaeva, Z. N. Gippius, I. A. Bunin, A. N. Tolstoy, V. V. Nabokov. Μερικοί από αυτούς, συνειδητοποιώντας την αδυναμία να ζήσουν μακριά από την πατρίδα τους, επέστρεψαν στη συνέχεια (Τσβετάεβα, Τολστόι). Οι μοντερνιστικές τάσεις στη λογοτεχνία εκδηλώθηκαν στο έργο του E. I. Zamyatin, του συγγραφέα του φανταστικού δυστοπικού μυθιστορήματος «Εμείς» (1924). Σατυρική λογοτεχνία της δεκαετίας του '20. αντιπροσωπεύεται από ιστορίες του M. Zoshchenko. μυθιστορήματα των συν-συγγραφέων I. Ilf (I. A. Fainzilberg) και E. Petrov (E. P. Kataev) «The Twelve Chairs» (1928), «The Golden Calf» (1931) κ.λπ.

Στη δεκαετία του '30. εμφανίστηκαν πολλά σημαντικά έργα που εισήλθαν στην ιστορία του ρωσικού πολιτισμού. Ο Sholokhov δημιουργεί τα μυθιστορήματα "Quiet Flows the Don", "Virgin Soil Upturned". Το έργο του Sholokhov έλαβε παγκόσμια αναγνώριση: για τα λογοτεχνικά του προσόντα, του απονεμήθηκε το βραβείο Νόμπελ. Στη δεκαετία του τριάντα, ο Μ. Γκόρκι ολοκλήρωσε το τελευταίο του επικό μυθιστόρημα, Η ζωή του Κλιμ Σαμγκίν. Το έργο του N. A. Ostrovsky, του συγγραφέα του μυθιστορήματος "How the Steel Was Tempered" (1934), ήταν πολύ δημοφιλές. Ο A. N. Tolstoy ("Peter I" 1929-1945) έγινε κλασικό του σοβιετικού ιστορικού μυθιστορήματος. Η δεκαετία του '20 και του '30 ήταν η εποχή της ακμής της παιδικής λογοτεχνίας. Αρκετές γενιές σοβιετικών ανθρώπων μεγάλωσαν στα βιβλία των K. I. Chukovsky, S. Ya. Marshak, A. P. Gaidar, S. V. Mikhalkov, A. L. Barto, V. A. Kaverin, L. A. Kassil, V P. Kataeva.

Το 1928, παρενοχλούμενος από τη σοβιετική κριτική, ο Μ. Α. Μπουλγκάκοφ, χωρίς καμία ελπίδα δημοσίευσης, αρχίζει να γράφει το καλύτερο μυθιστόρημά του, Ο Δάσκαλος και η Μαργαρίτα. Οι εργασίες για το μυθιστόρημα συνεχίστηκαν μέχρι το θάνατο του συγγραφέα το 1940. Αυτό το έργο δημοσιεύτηκε μόνο το 1966. Στα τέλη της δεκαετίας του '80, δημοσιεύτηκαν τα έργα του A.P. Platonov (Klimentov) "Chevengur", "Pit", "Juvenile Sea" . Οι ποιητές A. A. Akhmatova, B. L. Pasternak εργάστηκαν «πάνω στο τραπέζι». Η μοίρα του Μάντελσταμ (1891-1938) είναι τραγική. Ο ποιητής με εξαιρετική δύναμη και μεγάλη μεταφορική ακρίβεια, ήταν από τους συγγραφείς που, έχοντας αποδεχτεί την Οκτωβριανή Επανάσταση στην εποχή τους, δεν μπορούσαν να τα βγάλουν πέρα ​​στην κοινωνία του Στάλιν. Το 1938 καταπιέστηκε.

Στη δεκαετία του '30. Η Σοβιετική Ένωση αρχίζει σταδιακά να αποκλείεται από τον υπόλοιπο κόσμο. Πίσω από το «Σιδηρούν Παραπέτασμα» βρίσκονταν πολλοί Ρώσοι συγγραφείς που, παρ' όλα αυτά, συνεχίζουν να εργάζονται. Ο πρώτος συγγραφέας ήταν ο ποιητής και πεζογράφος Ivan Alekseevich Bunin (1870-1953). Ο Μπουνίν από την αρχή δεν δέχτηκε την επανάσταση και μετανάστευσε στη Γαλλία (η ιστορία "Η αγάπη του Μίτια", το μυθιστόρημα "Η ζωή του Αρσένιεφ", η συλλογή διηγημάτων "Σκοτεινές σοκάκια"). Το 1933 τιμήθηκε με το βραβείο Νόμπελ.

Στις αρχές της δεκαετίας του '30. η ύπαρξη ελεύθερων δημιουργικών κύκλων και ομάδων έφτασε στο τέλος της. Το 1934, στο Πρώτο Πανενωσιακό Συνέδριο Σοβιετικών Συγγραφέων, οργανώθηκε η «Ένωση Συγγραφέων», στην οποία αναγκάστηκαν να ενταχθούν όλοι οι άνθρωποι που ασχολούνταν με το λογοτεχνικό έργο. Η Ένωση Συγγραφέων έχει γίνει ένα όργανο ολοκληρωτικού ελέγχου της εξουσίας στη δημιουργική διαδικασία. Ήταν αδύνατο να μην είναι μέλος της Ένωσης, γιατί σε αυτή την περίπτωση ο συγγραφέας στερήθηκε τη δυνατότητα να δημοσιεύσει τα έργα του και, επιπλέον, μπορούσε να διωχθεί για «παρασιτισμό». Ο Μ. Γκόρκι στάθηκε στην αρχή αυτής της οργάνωσης, αλλά η προεδρία του σε αυτήν δεν κράτησε πολύ. Μετά το θάνατό του το 1936, ο A. A. Fadeev έγινε πρόεδρος. Εκτός από την Ένωση Λογοτεχνών, οργανώθηκαν και άλλα «δημιουργικά» σωματεία: η Ένωση Καλλιτεχνών, η Ένωση Αρχιτεκτόνων, η Ένωση Μουσουργών. Μια περίοδος ομοιομορφίας ξεκίνησε στη σοβιετική τέχνη.

Η επανάσταση απελευθέρωσε ισχυρές δημιουργικές δυνάμεις. Αυτό επηρέασε και την ανάπτυξη της εγχώριας θεατρικής τέχνης. Πολυάριθμες θεατρικές ομάδες ξεπήδησαν. Το Δραματικό Θέατρο Μπολσόι στο Λένινγκραντ, πρώτος καλλιτεχνικός διευθυντής του οποίου ήταν ο Α. Μπλοκ, έπαιξε σημαντικό ρόλο στην ανάπτυξη της θεατρικής τέχνης. V. Meyerhold, το θέατρο. E. Vakhtangov, Θέατρο Μόσχας. Δημοτικό Συμβούλιο της Μόσχας.

Στα μέσα της δεκαετίας του '20, η εμφάνιση της σοβιετικής δραματουργίας, η οποία είχε τεράστιο αντίκτυπο στην ανάπτυξη της θεατρικής τέχνης, χρονολογείται από πίσω. Τα μεγάλα γεγονότα των θεατρικών εποχών 1925-1927. χάλυβας «Θύελλα» Β. Μπιλ-Μπελοτσερκόφσκι στο θέατρο. MGSPS, «Love Yarovaya» του K. Trenev στο Maly Theatre, «The Rupture» του B. Lavrenev στο Θέατρο. Ε. Βαχτάνγκοφ και στο Δραματικό Θέατρο Μπολσόι, το “Armored Train 14-69” του V. Ivanov στο Θέατρο Τέχνης της Μόσχας. Οι κλασικοί κατέλαβαν ισχυρή θέση στο ρεπερτόριο του θεάτρου. Προσπάθειες να το ξαναδιαβάσουν έγιναν τόσο από τα ακαδημαϊκά θέατρα (Η Καυτή καρδιά του Α. Οστρόφσκι στο Θέατρο Τέχνης της Μόσχας) όσο και από τους «αριστερούς» («Το δάσος» του Α. Οστρόφσκι και ο «Γενικός Επιθεωρητής» του Ν. Γκόγκολ στο Β. Θέατρο Meyerhold).

Αν τα δραματικά θέατρα ξαναέχτισαν το ρεπερτόριό τους μέχρι το τέλος της πρώτης σοβιετικής δεκαετίας, την κύρια θέση στις δραστηριότητες των ομάδων όπερας και μπαλέτου εξακολουθούσαν να καταλαμβάνουν οι κλασικοί. Η μόνη μεγάλη επιτυχία στην αντανάκλαση του σύγχρονου θέματος ήταν η σκηνοθεσία του μπαλέτου του R. Glière The Red Poppy (Το κόκκινο λουλούδι). Στις χώρες της Δυτικής Ευρώπης και της Αμερικής, ο L.V. Sobinov, A.V. Nezhdanova, N.S. Golovanov, ο θίασος του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας, το Θέατρο Δωματίου, το Studio. E. Vakhtangov, Κουαρτέτο αρχαίων ρωσικών οργάνων

Η μουσική ζωή της χώρας εκείνα τα χρόνια συνδέεται με τα ονόματα των S. Prokofiev, D. Shostakovich, A. Khachaturian, T. Khrennikov, D. Kabalevsky, I. Dunaevsky και άλλων. Νέοι μαέστροι E. Mravinsky, B. Khaikin ήρθε στο προσκήνιο. Δημιουργήθηκαν μουσικά σύνολα, που δόξασαν αργότερα την εγχώρια μουσική κουλτούρα: το Κουαρτέτο. Μπετόβεν, η Μεγάλη Κρατική Συμφωνική Ορχήστρα, η Κρατική Φιλαρμονική κ.λπ. Το 1932 ιδρύθηκε η Ένωση Συνθετών της ΕΣΣΔ.

Μαζί με τους ηθοποιούς της παλαιότερης γενιάς (M. N. Ermolova, A. M. Yuzhin, A. A. Ostuzhev, V. I. Kachalov, O. L. Knipper-Chekhova), αναδυόταν ένα νέο επαναστατικό θέατρο. Η αναζήτηση νέων μορφών σκηνικής έκφρασης είναι χαρακτηριστικό του θεάτρου που λειτούργησε υπό τη διεύθυνση του V. E. Meyerhold (τώρα Meyerhold Theatre). Στη σκηνή αυτού του θεάτρου ανέβηκαν τα έργα του Β. Μαγιακόφσκι Mystery Buff (1921), Ο κοριός (1929) και άλλα. Σημαντική συμβολή στην ανάπτυξη του θεάτρου είχε ο διευθυντής του 3ου στούντιο του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας. ο διοργανωτής και αρχηγός του Θεάτρου Δωματίου, ο μεταρρυθμιστής της σκηνικής τέχνης A. Ya. Tairov.

Ένα από τα πιο σημαντικά και ενδιαφέροντα φαινόμενα στην ιστορία του πολιτισμού της δεκαετίας του '20. ήταν η αρχή της ανάπτυξης του σοβιετικού κινηματογράφου. Αναπτύσσεται η δημιουργία ντοκιμαντέρ, η οποία έχει γίνει ένα από τα πιο αποτελεσματικά εργαλεία ιδεολογικής πάλης και ταραχής μαζί με την αφίσα. Σημαντικό ορόσημο στην ανάπτυξη του κινηματογράφου φαντασίας ήταν η ταινία του Σεργκέι Μιχαήλοβιτς Αϊζενστάιν (1898 - 1948) «Θωρηκτό Ποτέμκιν» (1925), που έγινε ένα από τα αριστουργήματα του κόσμου. Οι Συμβολιστές, οι φουτουριστές, οι ιμπρεσιονιστές, οι εικαστικοί κ.λπ. έπεσαν σε ένα καταιγισμό κριτικής, κατηγορήθηκαν για «φορμαλιστικές ιδιορρυθμίες», ότι η τέχνη τους δεν χρειαζόταν ο σοβιετικός λαός, ότι ήταν εχθρική προς τον σοσιαλισμό. Μεταξύ των «εξωγήινων» ήταν ο συνθέτης D. Shostakovich, ο σκηνοθέτης S. Eisenstein, οι συγγραφείς B. Pasternak, Yu. Olesha και άλλοι, πολλοί καλλιτέχνες καταπιέστηκαν.

πολιτικός πολιτισμός ολοκληρωτισμός ιδεολογία

Στείλτε την καλή δουλειά σας στη βάση γνώσεων είναι απλή. Χρησιμοποιήστε την παρακάτω φόρμα

Φοιτητές, μεταπτυχιακοί φοιτητές, νέοι επιστήμονες που χρησιμοποιούν τη βάση γνώσεων στις σπουδές και την εργασία τους θα σας είναι πολύ ευγνώμονες.

Δημοσιεύτηκε στις http://www.allbest.ru/

Υπουργείο Παιδείας της Ρωσικής Ομοσπονδίας

Κρατικό Πανεπιστήμιο Magnitogorsk

Δοκιμή

Καλλιτέχνες της δεκαετίας 20-30

Συμπλήρωσε: Timeeva Alena

Magnitogorsk 2001

Εισαγωγή

Ο Οκτώβριος του 1917 άνοιξε μια νέα εποχή όχι μόνο στην κοινωνική ζωή, αλλά και στη ζωή της τέχνης. Οποιαδήποτε επανάσταση καταστρέφει κάτι και μετά αρχίζει η δημιουργία μιας νέας. Αυτό που συμβαίνει δεν είναι μια απλή εξέλιξη, αλλά ένας αποφασιστικός επανεξοπλισμός των θεμελίων των πρώην κοινωνικών, πολιτικών, ιδεολογικών και άλλων ειδών δομών, συμπεριλαμβανομένης της τέχνης.

Η επανάσταση έθεσε τουλάχιστον δύο προβλήματα. Το πρώτο πρόβλημα είναι η ταξική φύση της τέχνης. Μια προσπάθεια στενής σύνδεσης της με την ταξική πάλη οδήγησε σε διαστρέβλωση της πολυλειτουργικής της φύσης. Μια ιδιαίτερα απλουστευμένη κατανόηση της ταξικής φύσης της τέχνης εκδηλώθηκε στις δραστηριότητες του διαβόητου Proletcult. Το στοιχείο του αγώνα οδήγησε στην καταστροφή πολιτιστικών μνημείων, που προκλήθηκαν όχι μόνο από στρατιωτικές επιχειρήσεις κατά τη διάρκεια του εμφυλίου πολέμου και ξένων επεμβάσεων, αλλά και από μια πολιτική που στόχευε στη συντριβή του αστικού πολιτισμού. Έτσι, πολλά γλυπτά μνημεία, έργα αρχαίας αρχιτεκτονικής που συνδέονται με τη θρησκευτική λατρεία κατεδαφίστηκαν ή καταστράφηκαν.

Το δεύτερο πρόβλημα είναι το πρόβλημα της ταξικής πολιτικής στην τέχνη. Στη λύση του συμμετείχαν όλες οι δυνάμεις: «αστικές» και «προλεταριακές», καταστροφικές και εποικοδομητικές, σοβιετικές και μη, «αριστερές» και «δεξιές», πολιτισμικές και αδαείς, επαγγελματικές και ερασιτεχνικές.

Οι αρχές της κοινωνικής ανάπτυξης που διακηρύσσονται από το κράτος καθόρισαν σε μεγάλο βαθμό τη σταδιακή κίνηση της τέχνης. Έγινε ένα είδος διαστρωμάτωσης δυνάμεων, από την προσθήκη των οποίων διαμορφώθηκε ένας φορέας της πραγματικής κατάστασης της τέχνης. Από τη μία πλευρά, αυτή είναι η δύναμη της αυτο-ανάπτυξης της τέχνης, η οποία επηρέασε τα μοτίβα κίνησης των μορφών που περιέχονται στη φύση της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας. Από την άλλη, η επιρροή των κοινωνικών δυνάμεων, των δημόσιων θεσμών, που ενδιαφέρονται για αυτό και όχι για ένα άλλο κίνημα της τέχνης, στις συγκεκριμένες μορφές του. Στο τρίτο - οι επιταγές της κρατικής πολιτικής, οι οποίες, στηριζόμενοι στις κοινωνικές δυνάμεις ή μη στηριζόμενοι σε αυτές, είχαν άνευ όρων αντίκτυπο στη δομή της τέχνης, στην ουσία της, στις εξελικτικές και επαναστατικές δυνατότητές της. Από τα τέλη της δεκαετίας του 1920, η πολιτική άρχισε ξεκάθαρα να διαστρεβλώνει την κανονική διαδικασία ανάπτυξης της τέχνης, να της ασκεί κάποια πίεση απαγορεύοντας ή καταδικάζοντας ορισμένες «μη προλεταριακές» εκδηλώσεις.

Καλλιτέχνες και καλλιτεχνικοί σύλλογοι της δεκαετίας του '20.

Η δεκαετία του 1920 ήταν μια ταραγμένη εποχή για την τέχνη. Υπήρχαν πολλές διαφορετικές παρατάξεις. Καθένας από αυτούς έβαλε μπροστά μια πλατφόρμα, ο καθένας μίλησε με το δικό του μανιφέστο. Η τέχνη, εμμονή με την ιδέα της αναζήτησης, ήταν ποικίλη. έβραζε και έβραζε, προσπαθώντας να συμβαδίσει με την εποχή και να κοιτάξει το μέλλον.

Οι πιο σημαντικές ομάδες των οποίων οι δηλώσεις και η δημιουργική πρακτική αντανακλούσαν τις κύριες δημιουργικές διαδικασίες εκείνης της εποχής ήταν οι AHRR, OST και οι «4 Τέχνες» (8, σελ. 87).

Η ομάδα AHRR (Ένωση Καλλιτεχνών της Επαναστατικής Ρωσίας) προέκυψε το 1922 (το 1928 μετονομάστηκε σε AHRR - Ένωση Καλλιτεχνών της Επανάστασης). Ο πυρήνας του AHRR σχηματίστηκε κυρίως από πρώην μέλη του Συνδέσμου Ταξιδιωτικών Εκθέσεων. Η διακήρυξη του AHRR εκτέθηκε στον κατάλογο της έκθεσης του 1922: "Το αστικό μας καθήκον απέναντι στην ανθρωπότητα είναι η καλλιτεχνική και ντοκιμαντέρ αποτύπωση της μεγαλύτερης στιγμής στην ιστορία στο επαναστατικό της ξέσπασμα. Θα απεικονίσουμε σήμερα: τη ζωή του Κόκκινου Στρατού, τη ζωή των εργατών, των αγροτών, των επαναστατών και των ηρώων της εργασίας».

Οι καλλιτέχνες του AHRR προσπάθησαν να κάνουν τη ζωγραφική τους προσιτή στο μαζικό κοινό εκείνης της εποχής. Στη δουλειά τους χρησιμοποιούσαν συχνά μηχανικά την καθημερινή γλώσσα γραφής των αείμνηστων Wanderers. Το AHRR οργάνωσε μια σειρά από θεματικές εκθέσεις τέχνης, τα ίδια τα ονόματα των οποίων είναι: "Life and Life of Workers" (1922), "Life and Life of the Red Army" (1923), "Revolution, Life and Labor" (1924 - 1925), "Life and Life of Peoples USSR" (1926) - μιλούν για τα καθήκοντα της άμεσης αντανάκλασης της σύγχρονης πραγματικότητας.

Η ιδιαιτερότητα της πρακτικής των «Αχροβιτών» ήταν ότι πήγαιναν σε εργοστάσια και εργοστάσια, στους στρατώνες του Κόκκινου Στρατού, για να παρακολουθήσουν τη ζωή και τη ζωή των ηρώων τους εκεί. Κατά την προετοιμασία της έκθεσης "Life and Life of the Peoples of the ΕΣΣΔ", οι συμμετέχοντες επισκέφτηκαν τις πιο απομακρυσμένες γωνιές της σοβιετικής χώρας και έφεραν πίσω σημαντικό αριθμό σκίτσων που αποτέλεσαν τη βάση των έργων τους. Οι καλλιτέχνες του AHRR έπαιξαν σημαντικό ρόλο στην κατάκτηση νέων θεμάτων, επηρεάζοντας εκπροσώπους διαφόρων καλλιτεχνικών ομάδων εκείνης της εποχής.

Η δημιουργικότητα ξεχωρίζει μεταξύ των καλλιτεχνών του AHRR Ι.Ι.Μπρόντσκι(1883 - 1939), ο οποίος έθεσε ως καθήκον του μια ακριβή, παραστατική αναπαραγωγή των γεγονότων και των ηρώων της επανάστασης. Οι καμβάδες του αφιερωμένοι στις δραστηριότητες του V.I. Λένιν. Η γέννηση του γραφικού Leniniana βασίστηκε στον πίνακα του Μπρόντσκι του 1929 «Ο λόγος του Λένιν στο εργοστάσιο Πουτίλοφ» και σε ένα από τα πιο διάσημα έργα του «Ο Λένιν στο Σμόλνι» (1930), που απεικονίζει τον Λένιν στο γραφείο του στη δουλειά. Ο Μπρόντσκι είδε τον Λένιν πολλές φορές και του έκανε σκίτσα (12, σελ. 92).

Τα έργα του Μπρόντσκι έχουν μια σημαντική ποιότητα - αυθεντικότητα, η οποία έχει μεγάλη ιστορική και γνωστική σημασία. Ωστόσο, η επιθυμία για ντοκιμαντέρ οδηγούσε μερικές φορές σε μια εμπειρική, νατουραλιστική ερμηνεία του γεγονότος. Η καλλιτεχνική σημασία των πινάκων του Μπρόντσκι μειώθηκε επίσης από τον ξηρό νατουραλισμό και τον διαιτητικό χρωματισμό που χαρακτηρίζει σημαντικό μέρος των έργων του.

Master of the portrait-painting Ο Γ.Γ.Ριάζσκι(1895 - 1952) εντάχθηκε στο AHRR το 1923. Τα πιο διάσημα έργα του είναι τα "Delegate" (1927) και "Chairwoman" (1928), στα οποία ο καλλιτέχνης αποκαλύπτει τα τυπικά κοινωνικο-ψυχολογικά χαρακτηριστικά μιας γυναίκας μιας νέας κοινωνίας. ενεργός συμμετέχων στη βιομηχανική και κοινωνική ζωή της χώρας . Η «Πρόεδρός» του είναι ακτιβίστρια εργαζόμενη. Στη στάση της, η χειρονομία, η αυτοεκτίμηση, η χαλαρότητα αποκαλύπτονται ως στοιχεία της θέσης της γυναίκας σε μια νέα εργασιακή κοινωνία.

Ανάμεσα στους προσωπογράφους του AHRR, εξέχον ρόλο έπαιξε S.V.Malyutin(1859 - 1937). Η γκαλερί πορτρέτων που ξεκίνησε πριν από την επανάσταση συμπληρώθηκε στη σοβιετική εποχή με πορτρέτα του V.K. Byalynitsky-Biruli, A.V. Lunacharsky και πολλοί άλλοι. Ανάμεσά τους, το πιο ενδιαφέρον πορτρέτο του Ντμίτρι Φουρμάνοφ, ζωγραφισμένο το 1922, αποκαλύπτει πειστικά την εικόνα ενός πολεμιστή συγγραφέα, ενός εκπροσώπου της νέας, σοβιετικής διανόησης.

Ένας ενεργός συμμετέχων στις εκθέσεις AHRR ήταν ένας σημαντικός Ρώσος ζωγράφος της αλλαγής του 19ου - 20ου αιώνα. Η A.E. Arkhipov. Στη δεκαετία του 1920, ο Arkhipov δημιούργησε εικόνες αγρότισσων - "Γυναίκα με μια κανάτα", "Χωρική με πράσινη ποδιά", "Χωρική με ένα ροζ φουλάρι στο χέρι" κ.λπ. Αυτοί οι πίνακες ζωγραφίστηκαν με ένα φαρδύ πινέλο, ιδιοσυγκρασιακά και πολύχρωμα.

Η στενή παρατήρηση και η προσοχή σε νέα φαινόμενα της ζωής σημάδεψαν το έργο του Ε.Μ. Cheptsov (1874 - 1943), ο οποίος συνέχισε τις παραδόσεις της Περιπλάνησης στον τομέα του καθημερινού είδους. Ευρέως γνωστός είναι ο πίνακας του «Συνάντηση του κελιού του χωριού» (1924), που απεικονίζει ακτιβιστές του χωριού στα πρώτα χρόνια της επανάστασης. Η παρατηρητικότητα και η ειλικρίνεια του συγγραφέα, η απλότητα της εμφάνισης των χαρακτήρων του, η τέχνη των γύρω αξεσουάρ έκαναν το μικρό, σεμνό ζωγραφικό έργο του Cheptsov ένα από τα πιο ενδιαφέροντα παραδείγματα της τέχνης AHRR.

Το ίδιο μπορεί να ειπωθεί για ένα από τα έργα του τοπιογράφου B.N. Γιακόβλεφ (1880 - 1972). Το «Οι συγκοινωνίες γίνονται καλύτερα» (1923) είναι μια σεμνή και συνάμα μια βαθιά ιστορία για τη δύσκολη εποχή των πρώτων χρόνων της επανάστασης, για την καθημερινή δουλειά των ανθρώπων. Ήρεμα και απλά ζωγραφισμένος, αυτός ο πίνακας είναι ένα από τα πρώτα παραδείγματα βιομηχανικού τοπίου στη σοβιετική ζωγραφική.

Ξεχωριστή θέση στη ζωγραφική του AHRR κατέχει το έργο του M.B. Γκρέκοφ (1882-1934) - ο ιδρυτής του είδους μάχης στη σοβιετική τέχνη. Για μιάμιση δεκαετία -μέχρι το τέλος της ζωής του- ήταν απασχολημένος με τη δημιουργία μιας σειράς πινάκων αφιερωμένων στην Πρώτη Στρατιά Ιππικού, στις εκστρατείες και τις μάχες της οποίας συμμετείχε ο καλλιτέχνης. Στο έργο του, ειδικά στην πρώιμη περίοδο, οι παραδόσεις του Vereshchagin γίνονται σαφώς αισθητές. Πρωταγωνιστής του Γκρέκοφ είναι οι άνθρωποι που πήραν πάνω τους όλες τις δυσκολίες του πολέμου. Τα έργα του Γκρέκοφ επιβεβαιώνουν τη ζωή. Σε τέτοιους πίνακες των μέσων της δεκαετίας του 1920 όπως ο «Tachanka» (1925), η πλανόδια ακρίβεια της εικόνας συνδυάζεται με τη ρομαντική αγαλλίαση. Αργότερα, συνεχίζοντας το πρωτότυπο εικονογραφικό χρονικό της Πρώτης Στρατιάς Ιππικού, ο Γκρέκοφ δημιουργεί επικούς καμβάδες, μεταξύ των οποίων ξεχωρίζουν οι πίνακες "To Kuban" και "Trumpeters of the First Cavalry Army" (και οι δύο - 1934).

Μαζί με το AHRR, το οποίο περιλάμβανε καλλιτέχνες της παλαιότερης και της μεσαίας γενιάς, οι οποίοι από την εποχή της επανάστασης είχαν ήδη εκτενή δημιουργική εμπειρία, ενεργό ρόλο στην καλλιτεχνική ζωή εκείνων των χρόνων έπαιξε η ομάδα OST (Society of Easel Painters). , που διοργανώθηκε το 1925. Ένωσε την καλλιτεχνική νεολαία του πρώτου σοβιετικού πανεπιστημίου τέχνης - VHU-TEMAS. (3)

Κύριο έργο του συλλόγου ήταν ο αγώνας για την αναβίωση και περαιτέρω ανάπτυξη καβαλέτας ζωγραφικής με μοντέρνο θέμα ή με σύγχρονο περιεχόμενο. Ωστόσο, οι δημιουργικές βλέψεις και οι μέθοδοι των καλλιτεχνών της ΟΣΤ είχαν χαρακτηριστικές διαφορές. Προσπάθησαν να αντικατοπτρίσουν σε μεμονωμένα γεγονότα τις νέες ιδιότητες της σύγχρονης εποχής τους σε σχέση με την προηγούμενη εποχή. Το κύριο θέμα τους ήταν η εκβιομηχάνιση της Ρωσίας, πρόσφατα ακόμη αγροτική και καθυστερημένη, η επιθυμία να δείξουν τη δυναμική της σχέσης μεταξύ της σύγχρονης παραγωγής και του ανθρώπου.

Ένας από τους πιο ταλαντούχους εκπροσώπους της ομάδας OST ήταν Α.Α.Deineka. Οι πιο κοντινές δηλώσεις της OST είναι οι πίνακές του: «Στην κατασκευή νέων εργαστηρίων» (1925), «Πριν κατέβω στο ορυχείο» (1924), «Ποδοσφαιριστές» (1924), «Εργάτες κλωστοϋφαντουργίας» (1926). Το εικονιστικό πάθος της Deineka, οι Ostovets, βρήκε διέξοδο στα δημοσιογραφικά γραφικά, στα οποία ο καλλιτέχνης ενεργούσε ως εικονογράφος σε περιοδικά για γενική ανάγνωση - όπως "At the machine", "Theless at the machine", "Spotlight" , «Νεολαία» κ.λπ. Το κεντρικό έργο Deineka της περιόδου του Ostovo έγινε ο πίνακας «Defense of Petrograd», που γράφτηκε το 1928 για τη θεματική έκθεση «10 Years of the Red Army». Αυτό το έργο αποκαλύπτει το κύριο πάθος και το νόημα των καινοτόμων παραδόσεων του OST, των πιο ζωογόνων και αναπτυγμένων στη σοβιετική τέχνη των επόμενων περιόδων. Ο Deineka ενσωμάτωσε σε αυτήν την εικόνα όλη την πρωτοτυπία του στυλ του, μείωσε τα εκφραστικά μέσα στο ελάχιστο, αλλά τα έκανε πολύ ενεργά και αποτελεσματικά (8, σελ. 94).

Από τα άλλα μέλη της ΟΣΤ, ο Yu.I. Pimenov, P.V. Williams, S.A. Λουτσίσκιν. Τα έργα «Heavy Industry» του Pimenov, «Hamburg Uprising» του Williams, «The Ball Has Flew» και «I Love Life» του Luchishkin, που δημιουργήθηκαν την ίδια περίοδο, αποκάλυψαν και αντανακλούσαν καινοτόμα τις σημαντικές ιδιότητες της σύγχρονης πραγματικότητας,

Σε αντίθεση με την ομάδα Ostovo, η οποία ήταν νεανική στη σύνθεσή της, υπήρχαν άλλες δύο δημιουργικές ομάδες που κατείχαν σημαντική θέση στην καλλιτεχνική ζωή εκείνων των χρόνων - οι «4 Arts» και οι OMX. (Κοινωνία Καλλιτεχνών της Μόσχας), - ένωσε τους δασκάλους της παλαιότερης γενιάς, οι οποίοι διαμορφώθηκαν δημιουργικά στην προεπαναστατική εποχή, οι οποίοι αντιμετώπισαν τα προβλήματα διατήρησης του εικονογραφικού πολιτισμού με ιδιαίτερη ευλάβεια και θεώρησαν τη γλώσσα και την πλαστική του μορφή πολύ σημαντική μέρος της εργασίας. Η 4 Arts Society δημιουργήθηκε το 1925. Τα πιο εξέχοντα μέλη αυτής της ομάδας ήταν οι P.V. Kuznetsov, K.S. Petrov-Vodkin, M.S. Saryan, N.P. Ουλιάνοφ, Κ.Ν. Istomin, V.A. Favorsky.

Τα έργα του Petrov-Vodkin - όπως "After the Battle" (1923), "The Girl at the Window" (1928), "Anxiety" (1934), εκφράζουν πλήρως το ηθικό νόημα διαφόρων περιόδων - ορόσημα στην ανάπτυξη της σοβιετικής κοινωνίας. Ο πίνακας του «Ο θάνατος ενός κομισάριου» (1928), όπως η «Υπεράσπιση της Πετρούπολης» του Ντεϊνέκα, ζωγραφισμένος σε σχέση με την έκθεση «10 Χρόνια Κόκκινος Στρατός», σε αντίθεση με τη συγκεκριμένη δημοσιότητα - τη βάση των εικονιστικών αποφάσεων της Ντεϊνέκα - δίνει τη δική του φιλοσοφική λύση στο έργο: μέσα από γεγονότα που γενικεύουν ιδέες για γεγονότα που λαμβάνουν χώρα σε ολόκληρο τον πλανήτη Γη, αποκαλύπτοντας την ηθική ουσία αυτών των γεγονότων. Επίτροπος είναι ένα άτομο που, τόσο στη ζωή όσο και στο θάνατό του, κάνει ένα κατόρθωμα στο όνομα της ανθρωπότητας. Η εικόνα του είναι έκφραση του αήττητου των φωτεινών ιδεών που θα κερδίσουν στο μέλλον, ανεξάρτητα και παρά τον θάνατο των πιο ενεργών φορέων αυτών των ιδεών. Το αποχωριστικό βλέμμα του ετοιμοθάνατου κομισάριου είναι σαν μια αποχωριστική λέξη σε ένα απόσπασμα μαχητών πριν από μια επίθεση - είναι γεμάτος πίστη στη νίκη.

Οι φιλοσοφικές ιδέες των Petrov-Vodkin βρίσκουν επαρκή πλαστική έκφραση. Ο εικονιζόμενος χώρος, όπως ήταν, εκτείνεται πάνω από τη σφαιρική επιφάνεια του πλανήτη. Ο συνδυασμός άμεσης και αντίστροφης προοπτικής μεταφέρει πειστικά και απότομα το «πλανητικό» πανόραμα αυτού που συμβαίνει. Τα εικονιστικά προβλήματα λύνονται ξεκάθαρα στο χρωματικό σύστημα. Στη ζωγραφική του, ο καλλιτέχνης τηρεί την αρχή του τρίχρωμου, σαν να ενσωματώνει τα κύρια χρώματα της γης: κρύος μπλε αέρας, μπλε νερό. καφέ-κόκκινη γη? πράσινο του φυτικού κόσμου.

Σημαντικό στίγμα στην ιστορία της σοβιετικής ζωγραφικής άφησαν οι καλλιτέχνες του ομίλου OMX, που οργανώθηκε το 1927. Πολλοί από αυτούς ήρθαν κοντά ο ένας στον άλλον στα προεπαναστατικά χρόνια στον σύλλογο "Jack of Diamonds". Οι πιο ενεργοί στο OMChe ήταν ο Π.Π. Konchalovsky, I.I. Mashkov, A.V. Lentulov, A.V. Kuprin, R.R. Falk, V.V. Rozhdestvensky, A.A. Osmerkin. καλλιτεχνικό πορτρέτο καλλιτεχνικό

Στη δήλωσή τους, οι καλλιτέχνες του OMHa ανέφεραν: «Απαιτούμε από τον καλλιτέχνη τη μεγαλύτερη αποτελεσματικότητα και εκφραστικότητα των τυπικών πτυχών του έργου του, που αποτελούν αδιαχώριστα από την ιδεολογική πλευρά του τελευταίου». Σε αυτό το πρόγραμμα υπάρχει συγγένεια με την ομάδα «4 Τέχνες».

Ένας από τους πιο εξέχοντες εκφραστές αυτού του προγράμματος στη σοβιετική τέχνη των πρώτων χρόνων ήταν ο P.P. Κοντσαλόφσκι. Προσπάθησε να συνδυάσει τις τάσεις του «jack of diamonds» με την κληρονομιά των Ρώσων ρεαλιστών καλλιτεχνών, κάτι που διεύρυνε σημαντικά τη δημιουργική του γκάμα και τον βοήθησε να εισέλθει πιο οργανικά στη σοβιετική τέχνη της δεκαετίας του 1920. Τα έργα του πλοιάρχου όπως «Αυτοπροσωπογραφία με τη γυναίκα του» (1922), «Πορτρέτο της Ο.Β. Κοντσάλοφσκαγια» (1925), «Πορτρέτο της κόρης της Νατάσας» (1925) διακρίνονται από χρωματική ακεραιότητα με την ένταση των μεμονωμένων χρωμάτων. Τα ίδια χρόνια ο Π.Π. Ο Konchalovsky κάνει μια προσπάθεια να δημιουργήσει θεματικούς πίνακες, μεταξύ των οποίων οι καλύτεροι είναι οι Novgorodians (1921) και From the Fair (1926). Ο καλλιτέχνης ενδιαφέρεται για τις παραδοσιακές εικόνες των "Ρώσων αγροτών" - ισχυρές, πυκνές, που ζουν περιτριγυρισμένοι από οικεία αντικείμενα, σύμφωνα με τους νόμους των παλιών εθίμων και, μαζί με το περιβάλλον τους, συνθέτουν κάτι τυπικά εθνικό.

Καλλιτέχνες και καλλιτεχνικοί σύλλογοι της δεκαετίας του '30.

Η δεκαετία του 1930 στην ιστορία της σοβιετικής τέχνης είναι μια δύσκολη περίοδος, που αντανακλά τις αντιφάσεις της ίδιας της πραγματικότητας. Έχοντας αντιληφθεί τις σημαντικές αλλαγές που συνέβησαν στην κοινωνία, το πάθος της εκβιομηχάνισης, οι δάσκαλοι της τέχνης, ταυτόχρονα, δύσκολα παρατήρησαν μεγάλες κοινωνικές αντιφάσεις, δεν εξέφρασαν κοινωνικές συγκρούσεις που σχετίζονται με την ενίσχυση της λατρείας της προσωπικότητας του Στάλιν (1).

Στις 23 Απριλίου 1932, η Κεντρική Επιτροπή του κόμματος υιοθέτησε ψήφισμα «Περί αναδιάρθρωσης των λογοτεχνικών και καλλιτεχνικών οργανισμών». Αυτό το διάταγμα εξάλειψε όλες τις προηγούμενες καλλιτεχνικές ομάδες και υποδείκνυε τους γενικούς τρόπους και μορφές σταθεροποίησης και ανάπτυξης όλων των δημιουργικών δυνάμεων της σοβιετικής τέχνης. Το ψήφισμα αποδυνάμωσε την αντιπαράθεση μεταξύ μεμονωμένων ενώσεων, η οποία επιδεινώθηκε τόσο πολύ στο γύρισμα των δεκαετιών του 1920 και του 1930. Αλλά από την άλλη, οι ενωτικές τάσεις εντάθηκαν στην καλλιτεχνική ζωή. Τα πρωτοποριακά πειράματα που έγιναν αισθητά τη δεκαετία του 1920 διακόπηκαν. Εκτυλίχθηκε ένας αγώνας ενάντια στον λεγόμενο φορμαλισμό, με αποτέλεσμα πολλοί καλλιτέχνες να αναγκαστούν να εγκαταλείψουν τις προηγούμενες κατακτήσεις τους.

Η δημιουργία ενός ενιαίου σωματείου συνέπεσε με την καθιέρωση της αρχής του σοσιαλιστικού ρεαλισμού, που διατύπωσε ο Α.Μ. Γκόρκι στο Πρώτο Πανενωσιακό Συνέδριο Σοβιετικών Συγγραφέων. Ο σοσιαλιστικός ρεαλισμός ανέλαβε την κληρονομιά των παραδόσεων της ρεαλιστικής τέχνης του 19ου αιώνα. και στόχευε τους καλλιτέχνες στην απεικόνιση της πραγματικότητας στην επαναστατική της εξέλιξη. Ωστόσο, όπως έδειξε η περαιτέρω πρακτική της σοβιετικής τέχνης, ο όρος «σοσιαλιστικός ρεαλισμός» αποδείχθηκε ανεπαρκώς χωρητικός και κατάλληλος για τις πολύπλοκες και πολυεπίπεδες τάσεις του νέου πολιτισμού. Η επίσημη εφαρμογή του στην καλλιτεχνική πρακτική του έδινε συχνά το ρόλο ενός δογματικού τροχοπέδη στην ανάπτυξη της τέχνης. Υπό τις συνθήκες της κοινωνικής αναδιάρθρωσης της δεκαετίας του 1980, ο όρος «σοσιαλιστικός ρεαλισμός» αποτέλεσε αντικείμενο συζήτησης σε επαγγελματικούς κύκλους σε διάφορα επίπεδα.

Πολλές προοδευτικές τάσεις που εμφανίστηκαν στη δεκαετία του '20 συνεχίζουν να αναπτύσσονται στη δεκαετία του '30. Αυτό αφορά, για παράδειγμα, τη γόνιμη αλληλεπίδραση διαφόρων εθνικών σχολείων.

Καλλιτέχνες από όλες τις δημοκρατίες της Σοβιετικής Ένωσης συμμετέχουν στις μεγάλες εκθέσεις τέχνης που διοργανώθηκαν τη δεκαετία του 1930. Ταυτόχρονα, οργανώνονται δημοκρατικές εκθέσεις στη Μόσχα σε σχέση με τις δεκαετίες της εθνικής τέχνης. Θέματα εθνικής τέχνης απασχολούν ιδιαίτερα τους καλλιτέχνες των αδελφικών δημοκρατιών.

Στη δεκαετία του 1930, επεκτάθηκε η πρακτική των κρατικών παραγγελιών και των δημιουργικών επαγγελματικών ταξιδιών για καλλιτέχνες. Διοργανώνονται μεγάλες εκθέσεις: «15 Χρόνια Κόκκινος Στρατός», «20 Χρόνια Κόκκινος Στρατός», «20 Χρόνια Κομσομόλ», «Βιομηχανία του Σοσιαλισμού», «Έκθεση των Καλύτερων Έργων της Σοβιετικής Ζωγραφικής» κ.λπ. Σοβιετικοί καλλιτέχνες συμμετέχουν σε διεθνείς εκθέσεις στο Παρίσι και τη Νέα Υόρκη, εκτελούν έργα για την Πανενωσιακή Γεωργική Έκθεση στη Μόσχα, σε σχέση με την προετοιμασία της οποίας δημιουργήθηκε σημαντικός αριθμός μνημειακών και διακοσμητικών έργων, τα οποία ουσιαστικά σήμαιναν σημαντικό στάδιο στην αναβίωση της μνημειακής ζωγραφικής ως ανεξάρτητης μορφής τέχνης που είχε τους δικούς της στόχους και μοτίβα. Σε αυτά τα έργα, η έλξη της σοβιετικής τέχνης στον μνημειαλισμό βρήκε έκφραση.

Ένας από τους σημαντικότερους εκπροσώπους της καβαλέτας ζωγραφικής αυτής της περιόδου είναι ο καλλιτέχνης Μπόρις Βλαντιμίροβιτς Ιογκάνσον(1893 - 1973), ο οποίος έστρεψε το έργο του στις υψηλότερες παραδόσεις της ρωσικής ζωγραφικής του XIX αιώνα. Ερμηνεύει την κληρονομιά του Σουρίκοφ και του Ρέπιν, εισάγοντας νέο επαναστατικό περιεχόμενο στα έργα του, σύμφωνα με την εποχή. Από αυτή την άποψη, οι πίνακες του Ioganson «Interrogation of the Communists» (1933) και «At the Old Ural Plant» (1937) είναι ιδιαίτερα σημαντικοί.

Ο πίνακας «Ανάκριση Κομμουνιστών» εκτέθηκε για πρώτη φορά στην έκθεση «15 Χρόνια Κόκκινος Στρατός». Σε αυτό, ο καλλιτέχνης έδειξε τους κομμουνιστές που σηκώθηκαν για να υπερασπιστούν την επαναστατική πατρίδα και τους αντιπάλους τους - τους Λευκούς Φρουρούς, που προσπάθησαν να στραγγαλίσουν το σοβιετικό κράτος κατά τη διάρκεια του εμφυλίου πολέμου. Ο καλλιτέχνης πραγματοποιεί την ιστορική του γενίκευση στην παράδοση του Ρέπιν, μέσα από την επίδειξη μιας συγκεκριμένης δράσης σε ένα συγκεκριμένο σκηνικό. Δεν γνωρίζουμε τα ονόματα των ανθρώπων που απεικονίζονται εδώ, όσο περισσότερο ιστορικά η εικόνα στο σύνολό της γίνεται αντιληπτή από εμάς ως καθολική. Οι κομμουνιστές στον πίνακα του Ioganson είναι καταδικασμένοι σε θάνατο. Αλλά ο καλλιτέχνης δείχνει την ηρεμία, το θάρρος, τη δύναμη και την αντοχή τους, που έρχονται σε αντίθεση με το άγχος, τη νευρικότητα, την ψυχολογική διχόνοια που βασιλεύει στην ομάδα των Λευκοφρουρών, ανίσχυροι όχι μόνο σε αυτή την κατάσταση, αλλά, όπως λέγαμε, μπροστά στην ιστορία. .

Στον πίνακα "At the Old Ural Factory", που ζωγραφίστηκε για την έκθεση "Industry of Socialism", ο Ioganson αντιπαραβάλλει τις εικόνες ενός κτηνοτρόφου και ενός εργάτη, όπου αποκαλύπτει μια αίσθηση εκκολαπτόμενης ταξικής συνείδησης και εσωτερικής ανωτερότητας έναντι του εκμεταλλευτή. Με αυτόν τον πίνακα, ο καλλιτέχνης έδειξε την ιστορική σύγκρουση μεταξύ του παλιού και του νέου, του αντιδραστικού και του προοδευτικού και επιβεβαίωσε τη νικηφόρα δύναμη του επαναστάτη και του προοδευτικού. Αυτά είναι τα νέα χαρακτηριστικά γνωρίσματα του σοβιετικού ιστορικο-επαναστατικού είδους στο παράδειγμα της ζωγραφικής του Ioganson.

Ιδιαίτερη θέση σε αυτή την περίοδο κατέχει πολύπλευρη σε εικόνες, θέματα και είδη δημιουργικότητας Σεργκέι Βασίλιεβιτς Γκερασίμοφ. Το πιο εντυπωσιακό έργο του ιστορικού είδους στο έργο του είναι ο πίνακας "Ο όρκος των παρτιζάνων της Σιβηρίας" (1933), εντυπωσιακός στην ανοιχτή εκφραστικότητα, την αποκαλυπτική χρωματική εκφραστικότητα, το αιχμηρό σχέδιο και τη δυναμική σύνθεση. Δουλεύοντας στο εγχώριο είδος, ο S.V. Ο Gerasimov έδωσε την κύρια προσοχή στο θέμα των χωρικών. Για να το λύσει, ο καλλιτέχνης πέρασε από το πορτρέτο, δημιουργώντας μια σειρά από πειστικές αγροτικές εικόνες. Κατά την κατασκευή του χωριού συλλογικής φάρμας, ζωγράφισε ένα από τα πιο εντυπωσιακά πορτρέτα, το «The Collective Farm Watchman» (1933). Ανάμεσα στα σημαντικότερα έργα ζωγραφικής του είδους της δεκαετίας του 1930 ήταν ο πίνακας Collective Farm Holiday (1937), που εκτέθηκε στην έκθεση Industry of Socialism. Χαρακτηρίζει επακριβώς και συνοπτικά αυτή την εικόνα του μεγαλύτερου σοβιετικού κριτικού τέχνης ακαδημαϊκού I.E. Grabar: "Όταν εμφανίστηκε ο υπέροχος καμβάς "Collective Farm Holiday", ένας από τους καλύτερους πίνακες της έκθεσης "Industry of Socialism", έγινε εμφανής μια νέα, εξαιρετική ανάπτυξη του δασκάλου. Σχεδόν κανένας από τους σοβιετικούς καλλιτέχνες, εκτός από τον Sergei Gerasimov , μπορούσε να ανταπεξέλθει σε μια τέτοια σύνθεση, ελαφριά και έγχρωμη εργασία, ακόμη και με τη βοήθεια τόσο απλών μέσων και τεχνικών. Ήταν η πιο ηλιόλουστη εικόνα στη ρωσική ζωγραφική κατά τη διάρκεια της επανάστασης, παρά το γεγονός ότι εκτελέστηκε σε ένα συγκρατημένο σχέδιο " (1, σελ. 189).

Ο «τραγουδιστής» της σοβιετικής αγροτιάς ήταν Arkady Alexandrovich Plastov(1893 - 1983), συνδέθηκε με το ρωσικό χωριό από την καταγωγή του. Επηρεάστηκε πολύ σε όλη του τη ζωή από τις εντυπώσεις της παιδικής ηλικίας που πέρασε σε στενή επαφή με τη φύση, με τη γη, με τους αγρότες που ζούσαν σε αυτή τη γη.

Μετά τη Μεγάλη Οκτωβριανή Σοσιαλιστική Επανάσταση, ο Plastov, παρασυρμένος από τη δουλειά στο χωριό του Prislonikhe, αφιερώνοντας τον ελεύθερο χρόνο του στη ζωγραφική, συσσώρευσε σκίτσα και εντυπώσεις για τα μελλοντικά του έργα αφιερωμένα στην αγροτική ζωή. Ένα από τα πρώτα σημαντικά έργα του Plastov - γεμάτο αέρα και φως, ο πίνακας "Bathing the Horses" - έγινε από τον ίδιο για την έκθεση "20 Χρόνια Κόκκινος Στρατός". Για την έκθεση "Industry of Socialism" ο Plastov ζωγράφισε έναν μεγάλο καμβά "Collective Farm Holiday". Ένα άλλο λαμπρό έργο του Πλαστόφ εκείνης της εποχής είναι το «Συλλογικό Αγρόκτημα» (1938). Όλοι αυτοί οι πίνακες παρουσιάζουν κάποια κοινά χαρακτηριστικά. Ο Plastov δεν σκέφτεται τη σκηνή του είδους έξω από το τοπίο, έξω από τη ρωσική φύση, πάντα ερμηνευμένη με λυρικό τρόπο, αποκαλύπτοντας την ομορφιά της με τις πιο απλές εκδηλώσεις. Ένα άλλο χαρακτηριστικό των έργων του είδους του Plastov είναι η απουσία οποιασδήποτε σύγκρουσης ή ιδιαίτερης στιγμής στην πλοκή που επέλεξε ο καλλιτέχνης. Μερικές φορές στους πίνακές του, όπως, για παράδειγμα, στο «Συλλογικό Αγρόκτημα», δεν υπάρχουν καθόλου γεγονότα, τίποτα δεν συμβαίνει. Αλλά ταυτόχρονα, ο καλλιτέχνης επιτυγχάνει πάντα την ποιητική εκφραστικότητα της εικόνας.

Το ταλέντο αναπτύχθηκε με τον δικό του τρόπο στη δεκαετία του '30 Α.Α.Deineka. Συνέχισε να εμμένει στα παλιά του θέματα, πλοκές, αγαπημένες εικόνες, χρώμα και σύστημα σύνθεσης. Είναι αλήθεια ότι το ζωγραφικό του στυλ μαλακώνει κάπως, παραδείγματα των οποίων είναι τα καλύτερα έργα της δεκαετίας του '30 - "Mother" (1932), "Lunch Break in the Donbass" (1935), "Future Pilots" (1938). Αθλητισμός, αεροπορία, γυμνό γυμνασμένο σώμα, λακωνισμός και απλότητα της εικονογραφικής γλώσσας, ηχητικοί συνδυασμοί καφέ-πορτοκαλί και μπλε απαλύνονται σε ορισμένες περιπτώσεις από τον λυρισμό, μια στιγμή περισυλλογής. Ο Deineka επέκτεινε επίσης το θεματικό πλαίσιο της δουλειάς του, συμπεριλαμβανομένων σκηνών από τη ζωή των ξένων χωρών, που εμφανίστηκαν ως αποτέλεσμα ταξιδιών στις ΗΠΑ, τη Γαλλία, τη Γερμανία και την Ιταλία.

Ένα άλλο πρώην μέλος της ΟΣΤ - Yu.I.Ο Πιμένοφ(1903--1977) δημιούργησε έναν από τους καλύτερους πίνακες της δεκαετίας του '30 "Νέα Μόσχα" (1937). Το τοπίο του κέντρου της Μόσχας (πλατεία Σβερντλόφ) φαίνεται να φαίνεται από ένα αυτοκίνητο με ταχύτητα που οδηγούσε μια νεαρή γυναίκα με την πλάτη της στον θεατή. Καινούργια κτίρια, το γρήγορο τρέξιμο ενός αυτοκινήτου, τα ανοιχτά χρώματα, ο άφθονος αέρας, το εύρος του χώρου και το πλαίσιο της σύνθεσης - όλα είναι εμποτισμένα με μια αισιόδοξη κοσμοθεωρία.

Τη δεκαετία του 1930 η τέχνη του τοπίου του Γ.Γ. Nissky (1903 - 1987), οπαδός των Ostovtsy, που υιοθέτησε από αυτούς τον λακωνισμό, την οξύτητα των συνθετικών και ρυθμικών λύσεων. Πρόκειται για τους πίνακές του «Φθινόπωρο» (1932) και «Στο δρόμο» (1933). Στα τοπία της Νύσσης είναι πάντα ορατή η μεταμορφωτική δραστηριότητα του ανθρώπου.

Από τους τοπιογράφους της παλαιότερης γενιάς, το έργο του Ν.Π. Krymov (1884 - 1958), ο οποίος δημιούργησε το 1937 τον περίφημο πίνακα «Πρωί στο Γκόρκι Κεντρικό Πάρκο Πολιτισμού και Αναψυχής στη Μόσχα». Μια ευρεία πανοραμική θέα του πάρκου, οι αποστάσεις που ανοίγουν πίσω του, μια επίπεδη γραμμή ορίζοντα που οδηγεί το μάτι του θεατή πέρα ​​από τον καμβά - όλα αναπνέουν φρεσκάδα και ευρυχωρία.

Ο A. Rylov, του οποίου το έργο διαμορφώθηκε στις αρχές του 20ου αιώνα, στον πίνακα "Lenin in Razliv" (1934) συνδυάζει το τοπίο με το ιστορικό είδος, επιτυγχάνοντας μια αίσθηση της έκτασης της φύσης, σκέψης, συναισθήματος, επιβεβαιώνοντας την ιστορική αισιοδοξία.

Η έλξη για το πανοραμικό τοπίο εκδηλώθηκε στα έργα πολλών ζωγράφων από διάφορες δημοκρατίες. Αυτή η βαρύτητα συνδέθηκε με αυτή την έντονη αίσθηση της πατρίδας, της πατρίδας, που στη δεκαετία του 1930 ενισχύθηκε και μεγάλωσε. D.N. Ο Kakabadze (1889 - 1952) στο "Imeretian τοπίο" του (1934) δίνει μια ευρεία εξάπλωση των βουνών του Καυκάσου, που εκτείνονται στο βάθος - κορυφογραμμή μετά από κορυφογραμμή, πλαγιά μετά πλαγιά. Στο έργο του Μ.Σ. Saryan Η δεκαετία του 1930 χαρακτηρίστηκε επίσης από ένα ενδιαφέρον για το εθνικό τοπίο, για την πανοραμική θέα της Αρμενίας.

Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, το είδος πορτρέτου έλαβε επίσης γόνιμη ανάπτυξη, στο οποίο οι καλλιτέχνες της παλαιότερης γενιάς P.P. Konchalovsky, Ι.Ε. Grabar, M.V. Nesterov και κάποιοι άλλοι.

Π.Π. Ο Konchalovsky, γνωστός για τα έργα του στα πιο διαφορετικά είδη ζωγραφικής, δημιούργησε μια ολόκληρη σειρά από πορτρέτα μορφών της σοβιετικής επιστήμης και τέχνης στις δεκαετίες του '30 και του '40. Ανάμεσα στα καλύτερα πορτρέτα του V.V. Sofronitsky στο πιάνο (1932), S.S. Prokofiev (1934), V.E. Meyerhold (1937). Σε αυτά τα έργα, ο Konchalovsky φέρνει την εξαιρετική του ικανότητα να εκφράζει τη ζωή μέσω του συστήματος πλαστικού χρώματος. Συνδυάζει τις καλύτερες παραδόσεις της παλιάς τέχνης με την καινοτόμο ευκρίνεια της χρωματικής όρασης, που επιβεβαιώνει τη ζωή, τον σημαντικό συναισθηματικά ισχυρό ήχο της εικόνας.

Το πραγματικό αποκορύφωμα της εξέλιξης της προσωπογραφίας εκείνης της περιόδου ήταν τα έργα του M.V. Νεστέροφ. Σε όλο το έργο του, που ένωσε τον 19ο και τον 20ο αιώνα, ο Νεστέροφ διατήρησε μια ζωντανή σύνδεση με τη ζωή. Στη δεκαετία του 1930 γνώρισε μια λαμπρή άνοδο, ανακαλύπτοντας ξανά το ταλέντο του ως πορτραίτο. Το μεταφορικό νόημα στα πορτρέτα του Νεστέροφ είναι η επιβεβαίωση του δημιουργικού πνεύματος της εποχής μέσω της ταύτισης του δημιουργικού πάθους των πιο διαφορετικών ανθρώπων που αντιπροσωπεύουν αυτή την εποχή. Ο κύκλος των ηρώων του Νεστέροφ είναι εκπρόσωποι της σοβιετικής διανόησης της παλαιότερης γενιάς, άνθρωποι δημιουργικών επαγγελμάτων. Έτσι, μεταξύ των πιο σημαντικών έργων του Nesterov είναι πορτρέτα καλλιτεχνών - οι αδελφοί Korin (1930), ο γλύπτης I.D. Shadra (1934), Ακαδημαϊκός Ι.Π. Pavlov (1935), χειρουργός S.S. Yudin (1935), γλύπτης V.I. Mukhina (1940). Ο Nesterov ενεργεί ως διάδοχος των παραδόσεων πορτρέτου του V.A. Serov. Τονίζει χαρακτηριστικά, τονίζει χειρονομίες, χαρακτηριστικές στάσεις των χαρακτήρων του. Ο ακαδημαϊκός Παβλόφ έσφιξε γερά τις γροθιές του στο τραπέζι και αυτή η στάση αποκαλύπτει τη δύναμη του μυαλού, που έρχεται σε αντίθεση με την προφανή γήρανση. Ο χειρουργός Yudin απεικονίζεται επίσης σε προφίλ, καθισμένος στο τραπέζι. Αλλά η εκφραστικότητα αυτής της εικόνας βασίζεται στη χαρακτηριστική, «ιπτάμενη» χειρονομία του σηκωμένου χεριού. Τα τεντωμένα δάχτυλα του Yudin είναι τυπικά δάχτυλα χειρουργού, επιδέξια και δυνατά, έτοιμα να εκπληρώσουν τη θέλησή του. Η Mukhina απεικονίζεται τη στιγμή της δημιουργίας. Σμιλεύει ένα γλυπτό - με συγκέντρωση, χωρίς να δίνει σημασία στον καλλιτέχνη, υπακούοντας πλήρως στην παρόρμησή της.

Τα αξεσουάρ δίνονται συνοπτικά σε αυτά τα πορτρέτα. Δικαίως και ενεργά περιλαμβάνονται στα χαρακτηριστικά των εικονιζόμενων ανθρώπων με το χρώμα, τον φωτισμό, τη σιλουέτα τους. Ο χρωματισμός των πορτρέτων είναι δραματικά ενεργός, κορεσμένος με ηχητικούς, διακριτικά εναρμονισμένους πρόσθετους τόνους. Έτσι, το περίπλοκο χρώμα στο πορτρέτο του Pavlov, που χτίστηκε σε έναν συνδυασμό από τις καλύτερες αποχρώσεις ψυχρών και ζεστών τόνων, χαρακτηρίζει την πνευματική διαύγεια και ακεραιότητα του εσωτερικού κόσμου του επιστήμονα. Και στο πορτρέτο των αδελφών Κορίν, πυκνώνει σε βαθύ μπλε, μαύρο, πλούσιο καφέ, εκφράζοντας τη δραματική φύση της δημιουργικής τους κατάστασης. Τα πορτρέτα του Νεστέροφ εισήγαγαν στην τέχνη μια ριζικά νέα αρχή που επιβεβαιώνει τη ζωή, τη δημιουργική καύση ως τις πιο χαρακτηριστικές και ζωντανές εκδηλώσεις της κατάστασης των ανθρώπων σε μια εποχή υψηλού εργατικού ενθουσιασμού.

Ο καλλιτέχνης που βρίσκεται πιο κοντά στον Νεστέροφ Πάβελ Ντμίτριεβιτς Κορίν(1892 - 1967). Ανατράφηκε ανάμεσα στους ζωγράφους Palekh, ξεκίνησε την καριέρα του με τη ζωγραφική των εικόνων και το 1911, με τη συμβουλή του Nesterov, μπήκε στη Σχολή Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής της Μόσχας. Σοβαρά απαιτητικός από τον εαυτό του και τους ανθρώπους, ο Korin μετέφερε αυτή την ιδιότητα σε όλη του τη δουλειά. Ο Α.Μ. έπαιξε σημαντικό ρόλο στη δημιουργική εξέλιξη, και μάλιστα στη ζωή του καλλιτέχνη. Γκόρκι, τον οποίο γνώρισε το 1931. Ο Γκόρκι βοήθησε τον Κορίν να κάνει ένα ταξίδι στο εξωτερικό για να μελετήσει τα καλύτερα μνημεία της παγκόσμιας τέχνης.

Ίσως γι' αυτό η γκαλερί πορτρέτων επιστημόνων, καλλιτεχνών, συγγραφέων της εποχής μας, που δημιουργεί εδώ και πολλά χρόνια η Korin, ξεκίνησε με την εικόνα του A.M. Γκόρκι (1932). Ουσιαστικά, ήδη σε αυτό το έργο αποκαλύπτονται τα κύρια χαρακτηριστικά του προσωπογράφου Κορίν. Το πορτρέτο του Γκόρκι είναι ένα πραγματικά μνημειακό έργο, όπου μια σαφώς καθορισμένη σιλουέτα, ένα αντίθετο φόντο, ένα ευρύ χρωματικό γέμισμα μεγάλων περιοχών του καμβά, ένα αιχμηρό εκφραστικό σχέδιο εκφράζουν την ιστορική γενίκευση της προσωπικότητας του συγγραφέα. Για αυτό, όπως και για άλλα πορτρέτα του Κορίν, είναι χαρακτηριστικό ένα έντονο εύρος με πληθώρα σκούρων γκρι, σκούρων μπλε, μερικές φορές που φτάνουν σε μαύρους τόνους. Αυτή η γκάμα, καθώς και η σαφώς σμιλεμένη μορφή του κεφαλιού και της φιγούρας του προσώπου που απεικονίζεται, εκφράζει τις συναισθηματικές ιδιότητες της φύσης του καλλιτέχνη (6).

Στη δεκαετία του '30, ο Korin δημιούργησε πορτρέτα των ηθοποιών L.M. Leonidov και V.I. Kachalov, καλλιτέχνης M.V. Nesterov, συγγραφέας A.N. Τολστόι, επιστήμονας N.F. Gamaleya. Είναι προφανές ότι για τον ίδιο, όπως και για τον πνευματικό του δάσκαλο Μ.Β. Nesterov, το ενδιαφέρον για μια δημιουργική προσωπικότητα δεν είναι καθόλου τυχαίο.

Οι επιτυχίες της ζωγραφικής στη δεκαετία του 1930 δεν σημαίνουν ότι ο δρόμος της ανάπτυξής της ήταν απλός και χωρίς αντιφάσεις. Σε πολλά έργα εκείνων των χρόνων, τα χαρακτηριστικά που δημιουργήθηκαν από τη λατρεία του I.V. Ο Στάλιν. Αυτό είναι ένα ψεύτικο πάθος μιας ψευδο-ηρωικής, ψευδο-ρομαντικής, ψευδο-αισιόδοξης στάσης ζωής, που καθορίζει την ουσία και το νόημα της «τελετουργικής» τέχνης. Προέκυψε ένας ανταγωνισμός μεταξύ καλλιτεχνών στον αγώνα για αναμφισβήτητα "υπερπλοκές" που σχετίζονται με την εικόνα του I.V. Ο Στάλιν, οι επιτυχίες της εκβιομηχάνισης, οι επιτυχίες της αγροτιάς και της κολεκτιβοποίησης. Έχει προκύψει μια σειρά από καλλιτέχνες που «ειδικεύονται» στο αντικείμενο. Ο πιο επιθετικός από αυτή την άποψη ήταν ο Alexander Gerasimov («Ο Στάλιν και ο Κ.Ε. Βοροσίλοφ στο Κρεμλίνο» και τα άλλα έργα του).

Βιβλιογραφία

1. Vereshchagin A. Καλλιτέχνης. Χρόνος. Ιστορία. Δοκίμια για την ιστορία της ρωσικής ιστορικής ζωγραφικής XVIII - πρώιμα. ΧΧ αιώνες - Λ.: Τέχνη, 1973.

2. Ζωγραφική 20 - 30-ies / Εκδ. V.S.manin. - Αγία Πετρούπολη: Καλλιτέχνης της RSFSR, 1991.

3. Zezina M.R., Koshman L.V., Shulgin V.S. Ιστορία του ρωσικού πολιτισμού. - Μ.: Πιο ψηλά. σχολείο, 1990.

4. Lebedev P.I. Η σοβιετική τέχνη την περίοδο της ξένης επέμβασης και του εμφυλίου πολέμου. - Μ., 1987.

5. Likhachev D.S. Ρωσική τέχνη από την αρχαιότητα μέχρι την πρωτοπορία. - Μ.: Τέχνη, 1992.

6. Ilyina T.V. Ιστορίας της τέχνης. Εγχώρια τέχνη. - Μ.: Πιο ψηλά. σχολείο, 1994.

7. Ιστορία της τέχνης των λαών της ΕΣΣΔ. Σε 9 τόμους - Μ., 1971 - 1984.

8. Ιστορία της Ρωσικής και Σοβιετικής Τέχνης / Εκδ. ΜΜ. Allenova. - Μ.: Γυμνάσιο, 1987.

9. Polikarpov V.M. Πολιτισμολογία. - Μ.: Γαρδαρίκα, 1997.

10. Rozin V.M. Εισαγωγή στις πολιτιστικές σπουδές. - Μ.: Φόρουμ, 1997.

11. Stepanyan N. Τέχνη της Ρωσίας του XX αιώνα. Μια ματιά από τα 90s. - Μόσχα: EKSMO-PRESS, 1999.

12. Suzdalev P.K. Ιστορία της σοβιετικής ζωγραφικής. - Μ., 1973.

Φιλοξενείται στο Allbest.ru

...

Παρόμοια Έγγραφα

Η ζωή και το έργο του Κ.Σ. Petrov-Vodkin. Κατανοώντας την επανάσταση μέσα από διάφορα έργα. Διασταύρωση οικόπεδων εικόνων με σύγχρονα οικόπεδα. Παραδόσεις του κλασικού αυστηρού σχεδίου και καλλιτέχνες της Πρώιμης Αναγέννησης. Παραδόσεις στο έργο του καλλιτέχνη.

πρακτική εργασία, προστέθηκε 23/01/2014


Καλλιτεχνική ζωή της Ρωσίας στις αρχές του ΧΧ αιώνα. Οι απαρχές της δημιουργικότητας και ο βασικός πυρήνας της τέχνης του K. Petrov-Vodkin, το έργο του πριν από την επανάσταση του 1917 και κατά την περίοδο της. Το αδιάσπαστο της σύνδεσης μεταξύ των θεωρητικών απόψεων και της δικής τους καλλιτεχνικής πρακτικής.

δοκιμή, προστέθηκε στις 28/11/2010


Η ανάπτυξη εικαστικών μέσων του τέλους του XIX - αρχές του ΧΧ αιώνα, ο εικονογραφικός τρόπος των εκπροσώπων της ρωσικής ρεαλιστικής ζωγραφικής. Ιστορικοί καμβάδες, τοπία πλανόδιων καλλιτεχνών, avant-garde καλλιτέχνες, δημιουργοί πορτρέτων. «Σουπρεματισμός», συμβολιστές καλλιτέχνες.

παρουσίαση, προστέθηκε 02.10.2013


Βιογραφία του Petrov-Vodkin, ο σχηματισμός ενός νέου καλλιτεχνικού συστήματος του πλοιάρχου. Διάφοροι τρόποι χρωματιστικών ποιοτήτων των καμβάδων του. Η χωροχρονική συνέχεια στα έργα των Petrov-Vodkin: σε πορτρέτα, τοπία, νεκρές φύσεις, πίνακες ιστοριών.

διατριβή, προστέθηκε 24/03/2011


Οι εκθέσεις νεολαίας ως μια από τις κύριες στιγμές προσέλκυσης του ενδιαφέροντος των θεατών για την καλλιτεχνική ζωή της δεκαετίας του '60-80. Γνωριμία με τα έργα των G. Korzhev, T. Salakhov, των αδελφών Tkachev, G. Iokubonis, I. Golitsyn. Η εμφάνιση νέων περιοδικών τέχνης.

παρουσίαση, προστέθηκε 30/10/2013


Η αρχή της θεωρητικής τεκμηρίωσης της πρακτικής του σχεδίου. Μαθαίνοντας να ζωγραφίζω στην αρχαία Αίγυπτο. Καλλιτέχνες της Αναγέννησης. Κινήματα τέχνης ανοιχτά και με συνέπεια εχθρικά προς τον ρεαλισμό. Θεωρητικοί της αισθητικής αγωγής στην επαναστατική Ρωσία.

περίληψη, προστέθηκε 01/10/2013


Γλυπτό "Worker and Collective Farm Girl" και άλλα γλυπτά έργα της Vera Mukhina. Έργα του γλύπτη Ivan Shadrin. Πίνακες ζωγραφικής των Σοβιετικών καλλιτεχνών Mitrofan Grekov, Arkady Plastov. Οι κονστρουκτιβιστές αρχιτέκτονες Viktor και Leonid Vesnin.

παρουσίαση, που προστέθηκε στις 01/06/2013


Ζωγράφοι, γραφίστες και γλύπτες που εργάστηκαν το 1900-1930 στη Ρωσία και περιλαμβάνονται σε διάφορες καλλιτεχνικές ομάδες και συλλόγους. Ένωση Περιοδευτικών Εκθέσεων Τέχνης. Η εμφάνιση του εκθεσιακού συλλόγου "Ένωση Ρώσων Καλλιτεχνών".

παρουσίαση, προστέθηκε 25/10/2015


Περιγραφή των κύριων μεθόδων ανάλυσης ενός έργου τέχνης. Ανάλυση της θέσης του συμβολισμού και του νεωτερισμού στη ρωσική τέχνη στις αρχές του 20ου αιώνα. στο παράδειγμα των έργων του Κ.Σ. Petrov-Vodkin. Χαρακτηριστικά του σχηματισμού του ρεαλισμού στη ρωσική μουσική στα έργα του M.I. Γκλίνκα.

εγχειρίδιο, προστέθηκε στις 11/11/2010


Εξερευνώντας τη βιογραφία, τη ζωή και τη δημιουργική διαδρομή των αρχιτεκτόνων του 19ου αιώνα: Beketova O.M., Bernardazzi O.Y., Gorodetsky V.V. αυτο μεσα. Διάσημοι χαράκτες και καλλιτέχνες εκείνης της περιόδου: Zhemchuzhnikov L.M., Shevchenko T.G., Bashkirtseva M.K., Bogomazov O.K.