Suomijos menininkai. Per Ateneum muziejaus sales: garsiausi ir įdomiausi suomių menininkų eksponatai Ermitaže

Akseli Gallen-Kallela

Sammon gynyba (1896)

„Kalevalos“ iliustracijos. “ Sampo gynyba«.

Sampo(Fin. Sampo) – karelų-suomių mitologijoje vienetinis magiškas objektas, turintis magiškų galių ir laimės, klestėjimo bei gausos šaltinis. Kalevalos epe jos kūrėjas Elias Lönnrot pristatė Sampo vėjo malūno pavidalu.

Hugo Simbergas

halla (1895)

halla- Tai šerkšnas, jei gerai suprantu, pavyzdžiui, vasarą naktį ar anksti ryte

Šia prasme paveikslas gerai perteikia vaizdą.

Helene Schjerfbeck

Toipilas (1888 m.)

toipilas — sveikstantis

Hugo Simbergas

Kuoleman sodas —mirties sodas

Yra keletas šio paveikslo versijų, šis piešinys yra Tamperės katedros freska.

Šį paveikslą man rekomendavo viena suomė, kai pastebėjau, kad net niūriems suomiams jis kažkaip niūrus, ji man šiltai atsakė: „Mirtys prižiūri gėles-žmones vidury dykumos, o kai yra priversti pjauti. Jie tai daro švelniai, tarsi prašydami atleidimo...

Hugo Simbergas

Haavoittunut enkeli -Sužeistas angelas
(1903)

Paveikslo siužetas skleidžiasi atpažįstamame istoriniame fone: tai Eleintarha parkas (liet. „zoologijos sodas“) ir Töölö įlanka Helsinkyje. XX amžiaus pradžioje parkas buvo populiari darbininkų poilsio zona, jame veikė ir labdaros įstaigos. Kelias, kuriuo juda veikėjai, išliko iki šių dienų: juo eisena juda link tuomet veikusios aklųjų mergaičių mokyklos ir neįgaliųjų prieglaudos.

Paveiksle pavaizduoti du berniukai, nešantys ant neštuvų užrištomis akimis moterišką angelą kraujuojančiu sparnu. Vienas iš berniukų įdėmiai ir surauktas žvelgia tiesiai į žiūrovą, jo žvilgsnis išreiškia arba užuojautą sužeistam angelui, arba panieką. Fono peizažas yra sąmoningai atšiaurus ir negausus, tačiau sukuria ramybės įspūdį. Nebanalus siužetas atveria erdvę įvairiausioms interpretacijoms. Šiurkštūs berniukų drabužiai ir batai, susiraukę, rimti veidai kontrastuojami su trapia, šviesia suknele apsirengusio angelo figūra, kuri sufleruoja gyvybės ir mirties priešpriešą, kraujas ant angelo sparno ir akių raiščio. pažeidžiamumo ir efemeriškos egzistencijos ženklas, tačiau rankoje angelas laiko puokštę putinų – atgimimo ir atsigavimo simbolis. Atrodo, kad gyvenimas čia yra arti mirties. Vienas iš berniukų atsigręžė į publiką, sulaužydamas hermetišką paveikslo erdvę, taip aiškiai parodydamas, kad gyvybės ir mirties klausimai yra tiesiogiai susiję su jais. Pats Simbergas atsisakė pateikti bet kokią „Sužeisto angelo“ interpretaciją, palikdamas žiūrovui pačiam daryti išvadas.

Paveikslas padarė didžiulę įtaką Suomijos kultūrai. Nuorodų į jį galima rasti daugelyje aukštojo ir populiaraus meno kūrinių. Suomijos metalo grupės Nightwish vaizdo klipas dainai „Amaranth“ groja „The Wounded Angel“ motyvu.

Albertas Edelfeltas

Paryžiaus Liuksemburgo puistossa — Liuksemburgo soduose Paryžiuje.

Akseli Gallen-Kallela

Akka ir kissa — senutė ir katė

Gallen-Kallela apskritai visi paveikslai yra šedevrai, tai tikrai pasaulinio lygio menininkas.

Šis paveikslas parašytas pabrėžtinai natūralistiškai, tačiau, nepaisant viso savo nepuošnumo, kupinas užuojautos ir meilės paprasčiausiems ir vargingiausiems žmonėms.

Paveikslą 1895 m. įsigijo Turku dailės muziejus ir jis yra iki šiol.

Žodis akka Aš visada sunkiai verčiu – ir „moteris“, ir „močiutė“.

Čia parodysiu šiek tiek skonio ir pridėsiu dar vieną paveikslėlį Helene Schjerfbeck– rusiškai skaitome jos vardą Helena Schjerfbeck.

O štai šviesos ir šilumos spindulys.

1882 m. tapyba, Tanssiaiskengat —šokių bateliai.

Tai turbūt liūdniausias Suomijos paveikslas. Bent jau mano nuomone.

Albertas Edelfeltas

Lapsen ruumissaatto — Vaiko laidotuvės(pažodžiui, vaiko laidotuvių procesija)

Tai pirmoji lauko žanro kompozicija Suomijos vaizduojamajame mene. Ji tapo tarsi realaus gyvenimo fragmentu, kurį pamatė ir užfiksavo menininkė. Paveikslas pasakoja apie žmogaus sielvartą. Edelfeltas pavaizdavo paprastą šeimą, laive nešančią nedidelį karstą. Atšiaurus kraštovaizdis atitinka žmonių, išleidžiančių savo vaiką į paskutinę kelionę, nuotaiką. Jų graudžiuose veiduose santūrūs judesiai – iškilmingas liūdesys, kurį atkartoja baltas ramus ežero paviršius, skaisčiai šaltas dangus, toli žemi krantai.

„Vaiko laidotuvės“ jam atnešė akademiko vardą, kūrinys buvo nupirktas į privačią kolekciją Maskvoje. Tuo pačiu metu Carskoje Selo buvo surengta personalinė paroda, o Edelfeltas buvo įteiktas Aleksandrui III ir Marijai Feodorovnai, kuri taip pat mėgo tapyti.

Menininko artumas prie teismo prisidėjo prie suomių tapybos populiarumo Rusijoje. Galima sakyti, kad Edelfeltas buvo vienas iš tų, kurie Rusijai atrado Suomijos meną.

1907 m. paveikslas grįžo į Suomiją ir dabar yra Ateneum muziejuje, Helsinkyje.

Visgi savo vardu leisčiau pastebėti, kad šiame paveiksle labai tiksliai perteiktas suomių požiūris į mirtį (o tai, deja, bet kurio gyvenimo dalis, paskutinė dalis). Ji labai griežta ir santūri, čia irgi yra skirtumas nuo rusų. Tačiau šis griežtumas ir santūrumas nekalba apie jų neemocionalumą, tiesiog suomiai visa tai nešiojasi giliai savyje. Giliau nei mes, rusai. Tačiau sielvartas dėl to nesiliauja jiems sielvartas.

Pekka Halonen

Tienraivaajia Karjalassa — Kelių statytojai Karelijoje.

Žodžiu, tai būtų „kelių valytuvai Karelijoje“.

raivata- geras veiksmažodis nuvalykite kelią
Nežinau, ar tai turi ką nors bendro su žodžiu raivo — pyktis, pasiutimas

Tačiau pažvelgę ​​į šį paveikslėlį galime manyti, kad taip.

Nuotraukoje yra dar vienas suomių bruožas – istoriškai jie turėjo gyventi itin nepalankioje gamtinėje aplinkoje, tai yra, kartais tiesiog įnirtingai kovoja už savo egzistavimą, iš čia, ko gero, toks atkaklumas, kurį jie parodo darbuose ir negandose. Bent jau taip buvo.

Hugo Simbergas

Kitas Hugo Simbergo paveikslas - " Svajoti«.

Simbergas pagrįstai laikomas simbolistu, jo paveikslai itin atviri interpretacijoms ir interpretacijoms.

Ir tuo pačiu jo paveiksluose visada yra kažkas labai tautiško.

Akseli Gallen-Kallela

Poika ja varis — Berniukas ir varna.

(1884 m.) Asmeniškai, beje, tik suaugęs sužinojau tai varna (varis), santykinai kalbant, ne žmona / moteris varna (korppi). Tiesą sakant, tokia painiava, laimei, pasitaiko tik rusų kalba. Pavyzdžiui, ukrainiečių kalba varnas yra „krivis“, o varna bus „varna“. Anglų kalboje žodis varnas skamba „varnas“, o varna vadinama „varna“.

Paveikslas dabar yra Ateneume.

Akseli Gallen-Kallela.

Lemminkäisen aiti — Lemminkäinen motina.
(1897)

Paveikslas yra Ateneum, Helsinkyje.

Paveiksle aprašoma „Kalevalos“ scena, kurioje Lemminkäinenas nužudomas ir suskaidomas, o kūno dalys įmetamos į tamsią Tuonelos upę. Herojaus mama grėbliu surinko sūnaus kūno dalis, susiuvo jas į vieną visumą. Paveikslėlyje ji laukia bitės – todėl žiūri aukštyn – kuri atneš stebuklingą medų iš vyresniojo dievo Ukko, kuris turi prikelti Lemminkäineną.

Įkurta 1933 metais Helsinkyje. Iš pradžių ji vienijo 23 įvairių specialybių menininkus, ketvirtojo dešimtmečio pabaigoje - apie 45. Pirmuoju draugijos pirmininku tapo architektas ir interjero dailininkas L. E. Kurpatovas, nuo 1934 metų šias pareigas ėjo E. A. Buman-Kolomiytseva, nuo 1935 m. Baronas R. A. Štakelbergas (1936 m. išrinktas garbės nariu), nuo 1936 m. - V. P. Ščepanskis. Draugijoje kasmet vykdavo narių darbų parodos (su piniginiais prizais) ir kasmetiniai labdaros baliai (dažniausiai viešbutyje Grand); veikė savitarpio naudos fondas, vyko draugiški vakarai, buvo skaitomi vieši pranešimai apie meną. Tarp skirtingais metais skaitytų pranešimų: S. M. Veselovo „Rusijos teatras per pastaruosius 25 metus“ (1935), V. P. Ščepanskio „Rusijos peizažistai“ (1936 m., skirta dailininkei M. A. Fedorovai atminti), „Kultūra namuose“ " L. E. Kurpatova (1936) ir kt. Draugija dalyvavo organizuojant kasmetinę Rusų kultūros dieną, minimą A. S. Puškino gimimo dieną, o 1937 m. - renginiuose, susijusiuose su poeto mirties šimtmečiu. 1934 m. buvo nuspręsta surengti dailės dirbtuves, o vasarą bendrai išsinuomoti vasarnamį eskizų darbams.

Draugijos parodose dalyvavo: M. Akutina-Šuvalova, N. P. Bely, A. P. Blaznovas, N. Blinovas, E. A. Bumanas-Kolomiytseva, P. Varlačevas, V. A. Veineris, S. M. Veselovas, V. I. Voutilainen, E. V. Deppters. Šmakovas, S. Dobrovolskis, P. S. Zacharovas, S. G. Irmanova, I. M. Karpinskis, I. Krasnostovskis, L. Kratzas, L. L. Kuzminas, N. G. Kuzmina, I. Kurkiranta, L. E. Kurpatovas, O. Kurpatova, T. Kurto, A. Lindenbergas, P. Lomakin, baronienė M. B. Maidel, M. Milova, M. M. von Mingin, V. Mitinin, M. N. Nemilova, M. Pets-Blaznova, L. Platanas, G. Presas, Yu. I. Repinas, V. I. Repina, M. Romanovas, S. Rumbinas, V. P. Semenovas-Tyan-Shansky, M. A. Fedorova, T. Schwank, V. Shermanova -Brownas, M. N. Šilkinas, A. L. von Schultzas, G. Schumacheris, M. N. Ščepanskaja, V. P. Ščepanskis.

1939 metais prasidėjus karo veiksmams prieš Suomiją, draugijos veikla nutrūko ir suaktyvėjo tik po karo. 1945 m. draugija buvo pertvarkyta į Rusų dailininkų sąjungą Suomijoje, kuriai pirmininkavo I. M. Karpinskis. Kitais metais ši organizacija tapo kolektyvine Rusijos kultūros demokratų sąjungos nare, o 1947-aisiais Harhammer meno salone buvo surengta pirmoji jos paroda.

Bibliografija:	Rusų literatūrinio gyvenimo užsienyje kronika: Suomija (1918–1938) / Sudarė: E. Hämäläinen, Yu. A. Azarov // Literary Journal. Rusijos mokslų akademijos Kalbos ir literatūros skyrius. Rusijos mokslų akademijos Socialinių mokslų mokslinės informacijos institutas. – 2006. Nr.20. S. 271–319.
Jungtys:
Geografija:
Parengė:
Įėjimo data:

Nuolatinė Ateneum muziejaus paroda užima trečią pastato aukštą (ten taip pat įrengtos nedidelės teminės ekspozicijos), o antrajame – laikinos parodos (salių planas). Šioje pastaboje kalbėsime apie įdomiausius ir žinomiausius Ateneum kolekcijos paveikslus ir skulptūras bei jų autorius: garsiuosius Suomijos dailininkai ir skulptoriai. Daugiau apie Ateneum muziejaus istoriją ir muziejaus pastato architektūrą galima perskaityti. Taip pat pateikiama naudingos informacijos apie bilietų kainos, darbo valandos ir Ateneum muziejaus lankymo tvarka. Dėmesio: ne visada muziejuje vienu metu galima pamatyti visus žinomus kūrinius.

Suomių skulptorių darbai

Pasivaikščiojimą po Ateneum muziejų pradėkime nuo pat įėjimo.

Vestibiulyje mus pasitinka marmurinė grupė " Apolonas ir Marsijas» (1874) žymaus suomių skulptoriaus Valteris Runebergas (Walteris Magnusas Runebergas) (1838-1920), paminklų Johanui Runebergui ir imperatoriui Aleksandrui II Helsinkyje autorius. Skulptoriaus tėvas, poetas Johanas Runebergas, nacionalinės romantizmo krypties literatūroje atstovas, į suomių kultūrą įvedė graikų ir romėnų civilizacijos idealus, tarp jų – drąsos ir atsidavimo vertę. Jo sūnus ir toliau reiškė šiuos idealus, bet pasitelkdamas skulptūrą. 1858-62 metais. Walteris Runebergas studijavo Kopenhagos dailės akademijoje, vadovaujamas danų skulptoriaus Hermanno Wilhelmo Bisseno, garsiojo Thorvaldseno, tarptautiniu mastu pripažinto neoklasikinės skulptūros meistro, mokinio. 1862-1876 metais. Runebergas dirbo Romoje ir toliau studijavo klasikinį paveldą.

Šioje skulptūrinėje grupėje Runebergas pavaizdavo šviesos dievą Apoloną, savo menu nugalėjusį satyrą Marsiją, įkūnijantį tamsą ir žemiškumą. Apolono figūra sukurta remiantis senovinių idealų dvasia, o šis vaizdas aiškiai prieštarauja barokiniam laukiniam piemeniui Marsyas. Iš pradžių kompozicija buvo skirta naujiems Helsinkio studentų namams papuošti ir buvo sukurta korporacijos užsakymu, tačiau ponios, matyt, nusprendė, kad Runebergo skulptūroje per daug nuogybių. Vienaip ar kitaip, galiausiai kūrinys buvo įteiktas kaip dovana Suomijos dailės draugijai – taip jis atsidūrė Ateneum muziejaus kolekcijoje.

Prie įėjimo į pagrindines Ateneum ekspozicijų sales trečiame aukšte galima pamatyti įdomesnių darbų suomių skulptoriai. Ypač patrauklios yra marmurinės ir bronzinės skulptūros, elegantiškos figūrėlės ir vazos Vilis Valgrenas (Vilis Valgrenas) (1855–1940).Vilis Valgrenas buvo vienas pirmųjų suomių skulptorių, kuris, Suomijoje įgijęs pagrindinį išsilavinimą, nusprendė tęsti mokslus ne Kopenhagoje, o Paryžiuje. Jo pasirinkimui įtakos turėjo žinomas menininkas Albertas Edelfeltas, taip pat kilęs iš Porvoo. Edelfeltas padėjo impulsyviam kraštiečiui kituose gyvenimo ir profesiniuose reikaluose: pavyzdžiui, jo padedamas Wallgrenas gavo užsakymą Esplanade bulvare m. užbaigti garsųjį Havis Amanda fontaną (1908).

Vilis Valgrenas Prancūzijoje gyvenęs beveik 40 metų, labiausiai žinomas dėl savo jausmingų moterų figūrų Art Nouveau stiliaus. Tačiau ankstyvame savo darbo etape jis dažnai vaizdavo jaunus vyrus ir laikėsi labiau klasikinio stiliaus (pavyzdžiai yra poetinės marmurinės skulptūros " Aidas“ (1887) ir “ berniukas žaidžia su krabu(1884), kuriame Wallgren sujungia žmogaus charakterius ir gamtos pasaulį).

XIX amžiaus pabaigoje Ville Wallgren pelnė pasaulinę šlovę kaip puikus dekoratyvinių figūrėlių, taip pat vazų, laidojimo urnų ir ašarų, papuoštų gedinčių merginų figūromis, meistras. Tačiau ne mažiau įtaigiai pozityvioji Wallgren vaizdavo gyvenimo džiaugsmus, įskaitant flirtuojančias ir viliojančias moteris, tokias kaip ta pati Havis Amanda. Be jau minėtos skulptūros „Berniukas žaidžiantis su krabu“ (1884 m.), Ateneum muziejaus trečiajame aukšte galima pamatyti Wille Wallgren bronzos kūriniai: „Ašara“ (1894), „Pavasaris (Renesansas)“ (1895), „Du jaunuoliai“ (1893) ir vaza (apie 1894). Šie išskirtiniai kūriniai su puikiai išdirbtomis detalėmis yra nedidelio dydžio, tačiau daro stiprų emocinį įspūdį ir įsimena dėl savo grožio.

Ville Wallgren nuėjo ilgą kelią į skulptoriaus karjerą, tačiau atradęs kryptį ir pasitelkęs profesionalų paramą, tapo vienu gerbiamiausių ir tarptautiniu mastu pripažintų menininkų istorijoje. Suomijos menas. Pavyzdžiui, jis buvo vienintelis suomis, gavęs Grand Prix medalį už darbą pasaulinėje parodoje Paryžiuje (tai įvyko 1900 m.). Wallgrenas pirmą kartą patraukė kolegų ir kritikų dėmesį 1889 m. Pasaulinėje parodoje, kurioje buvo pristatytas jo reljefas „Kristus“. Suomijos skulptorius dar kartą prisistatė simbolistiniuose Paryžiaus salonuose Rožė + Croix 1892 ir 1893 metais. Wallgren žmona buvo švedų menininkė ir skulptorė Antoinette Rostrem ( Antuanetė Råström) (1858-1911).

Suomijos meno aukso amžius: Albertas Edelfeltas, Akseli Gallen-Kallela, Eero Järnefelt, Pekka Halonen

Vienoje didžiausių salių trečiame aukšte Ateneum muziejus pristatomi klasikiniai paveikslai, įskaitant draugo Ville Wallgren kūrybą - Albertas Edelfeltas (Albertas Edelfeltas) (1854-1905), plačiausiai žinomas pasaulyje Suomijos menininkas.

Žiūrovų dėmesį būtinai patraukia pasakiškas vaizdas “ Karalienė Blanka„(1877) – vienas populiariausių ir mylimiausių paveikslų Suomijoje, tikras himnas motinystei. Spausdintų šio paveikslo reprodukcijų ir jį vaizduojančių siuvinėjimų galima rasti tūkstančiuose namų visoje šalyje. Edelfeltą įkvėpė Zacharias Topelius apysaka „Devyni sidabrakaliai“ ( De nio sidabro penningarna), kuriame viduramžių Švedijos ir Norvegijos karalienė Blanca iš Namūro dainomis linksmina savo sūnų princą Hakoną Magnussoną, būsimą Danijos Margaret I vyrą. Šios santuokos rezultatas, organizuotas kaip tik Karalienė Blanka, tapo Švedijos, Norvegijos ir Danijos sąjunga – Kalmaro sąjunga (1397-1453). Pretty Blanca dainuoja apie visus šiuos būsimus įvykius savo mažajam sūnui.

Šios drobės kūrimo epochoje istorinė tapyba buvo laikoma kilniausia meno forma ir buvo paklausa išsilavinusių Suomijos visuomenės sluoksnių, nes tuo metu tautinė tapatybė tik pradėjo formuotis. Albertui Edelfeltui tebuvo 22-eji, kai nusprendė sukurti paveikslą viduramžių Skandinavijos istorijos tema, o „Karalienė Blanka“ tapo pirmuoju rimtu jo darbu. Menininkas siekė pateisinti savo žmonių lūkesčius ir kuo ryškiau bei autentiškiau įkūnyti istorinę sceną (tapymo metu Edelfeltas gyveno ankštoje Paryžiaus palėpėje ir, mokytojo Jeano-Leono Gerome'o reikalaujamas, studijavo to laikotarpio kostiumus, skaitė knygas apie viduramžių architektūrą ir baldus, lankėsi viduramžių Cluny muziejuje). Pažiūrėkite, kokiu meistriškumu išrašytas karalienės suknelės spindintis šilkas, meškos oda ant grindų ir daugybė kitų detalių (menininkas specialiai išnuomojo meškos odą universalinėje parduotuvėje). Tačiau svarbiausias dalykas paveiksle, bent jau šiuolaikiniam žiūrovui (ir pačiam Edelfeltui, kuris savo motiną mylėjo labiau nei bet kas pasaulyje), yra šiltas emocinis turinys: motinos veidas ir vaiko gestai, kurie išreiškia. meilė, džiaugsmas ir intymumas.

Gražuolė 18-metė paryžietė buvo karalienės Blankos modeliu, o gražus italų berniukas pozavo princui. Paveikslas „Karalienė Blanka“ pirmą kartą buvo pristatytas visuomenei 1877 m. Paryžiaus salone, sulaukė didelio pasisekimo ir buvo pakartotas prancūzų meno leidiniuose. Tada ji buvo parodyta Suomijoje, o po to drobė buvo parduota Aurorai Karamzinai. Vėliau paveikslas pateko į jį padovanojusio magnato Hjalmaro Linderio kolekciją Ateneum muziejus 1920 metais.

Kitas ankstyvojo kūrybiškumo pavyzdys Albertas Edelfeltas liūdnas paveikslas“ Vaiko laidotuvės"("Karsto gabenimas") (1879). Jau sakėme, kad jaunystėje Edelfeltas ketino tapti istorijos tapytoju; tam jis ruošėsi studijuodamas Antverpene, o vėliau – Paryžiuje. Tačiau 1870-ųjų pabaigoje jo idealai pasikeitė, jis susidraugavo su prancūzų dailininku Bastien-Lepage ir tapo plenerinės tapybos skelbėju. Kiti darbai Edelfeltas jau yra tikroviškas valstiečių gyvenimo ir jų gimtojo krašto gyvenimo atspindys. Tačiau paveikslas „Vaiko laidotuvės“ atspindi ne tik kasdienybės sceną: jame perteikiama viena pamatinių žmogaus emocijų – sielvartas.

Tais metais Edelfeltas pirmą kartą aplankė mamos nuomojamą vasarnamį Haikko dvare netoli Porvo (vėliau menininkas į šias gražias vietas atvykdavo kiekvieną vasarą). Paveikslas buvo nutapytas visiškai atvirame ore, tam prie pakrantės riedulių reikėjo pritvirtinti didelę drobę, kad ji neplazdėtų vėjyje. „Nemaniau, kad taip sunku piešti lauke“, – vienam iš savo draugų pasakojo Edelfeltas. Edelfeltas eskizavo atvėsusius Porvo archipelago gyventojų veidus, ne kartą išplaukė į jūrą su žvejais ir net specialiai savo dirbtuvėse pastatė nupjautą žvejų valtį, kad tiksliai atkartotų detales. Edelfelto tapyba « Vaiko laidotuvės“ buvo eksponuojamas 1880 m. Paryžiaus salone ir buvo apdovanotas III laipsnio medaliu (pirmą kartą Suomijos menininkas gavo tokią garbę). Prancūzų kritikai atkreipė dėmesį į įvairius paveikslo privalumus, įskaitant tai, kad jis neturi pernelyg didelio sentimentalumo, tačiau atspindi orumą, su kuriuo veikėjai priima tai, kas neišvengiama.

Paveikslas persmelktas visiškai kitokios, saulėtos ir nerūpestingos nuotaikos. Albertas Edelfeltas « Liuksemburgo sodas» (1887). Kai Edelfeltas nutapė šią drobę, jis jau buvo labai garsi asmenybė Paryžiaus meno pasaulyje. Susižavėjęs Paryžiaus parkais su daugybe vaikų ir geru oru besimėgaujančių auklių, jis nusprendė įamžinti šį grožį. Tuo metu tapytojas jau daugiau nei dešimt metų gyveno Paryžiuje, ir net keista, kad šis paveikslas yra vienintelis didelis jo kūrinys, vaizduojantis Paryžiaus gyvenimą. Greičiausiai taip yra dėl aršios menininkų konkurencijos: šioje aplinkoje buvo lengviau išsiskirti, dirbant „egzotiškesnėmis“ suomiškomis temomis. Paveikslas „Liuksemburgo sodai“ neįprastas ir tuo, kad Edelfeltas jame panaudojo daug impresionizmo technikų. Tuo pačiu metu, skirtingai nei impresionistai, jis daugiau nei metus dirbo prie šios drobės tiek po atviru dangumi, tiek studijoje. Darbas dažnai buvo pristabdytas dėl banalių priežasčių: dėl prasto oro ar vėluojančių modelių. Savikritiškas Edelfeltas ne kartą perdirbo drobę, keisdamas iki paskutinės akimirkos, kai atėjo laikas kūrinį neštis į parodą.

Paveikslas pirmą kartą buvo parodytas parodoje m Galerie Petit 1887 metų gegužės mėnesį. Pats Edelfeltas nebuvo labai patenkintas rezultatu: prancūzų impresionistų paveikslų spalvų sprogimų fone jo drobė atrodė, kaip jam atrodė, anemiška, „skysta“. Tačiau kūrinys buvo gerai įvertintas kritikų ir visuomenės. Vėliau šis paveikslas tapo savotišku Suomijos meno – o ypač Edelfelto – glaudžių ryšių su Paryžiumi, kuris tuo metu buvo meno visatos epicentras, simboliu.

paveikslas " Moterys Ruokolahti bažnyčioje» (1887 m.) Albertas Edelfeltas rašė savo vasaros dirbtuvėse Haiko mieste – ten sukūrė beveik visus savo kūrinius liaudies gyvenimo tema. Nors paveikslas atspindi kelionės į Rytų Suomiją įspūdžius, žinoma, kad paveikslo modeliais buvo moterys iš Haikko (išsaugotos nuotraukos, kuriose jos pozuoja Edelfeltui jo studijoje). Kaip ir kitos didelės kompozicijos, taip ir ši nebuvo sukurta per naktį, visada buvo daromi kruopštūs preliminarūs eskizai. Tačiau pagrindinis menininko tikslas visada buvo pasiekti spontanišką, gyvą „momentinio kadro“ efektą.

Šalia Alberto Edelfelto darbų Ateneum muziejuje galima pamatyti kito Suomijos meno aukso amžiaus atstovo paveikslus, Eero Jarnefelta (Eero Järnefeltas) (1863-1937). Baigęs studijas Suomijoje, J. Järnefeltas išvyko į Sankt Peterburgas kur mokėsi Dailės akademija su dėde Michailu Klodtu, suartėjo su Repinu ir Korovinu, o vėliau išvyko tęsti mokslo į Paryžių. Nepaisant svetimų įtakų, Järnefelto kūryboje atsispindi tautinio tapatumo ieškojimas, noras pabrėžti savitą gimtosios kultūros prigimtį ( daugiau apie kūrybiškumą Eero Jarnefelta skaityti ).

Jarnefeltas geriausiai žinomas kaip portretų tapytojas ir didingų Koli apylinkių ir Tuusulanjärvi ežero apylinkių kraštovaizdžių autorius, kur buvo jo vila-studija Suviranta (šalia buvo Ainolos namas, kuriame gyveno kompozitorius Sibelius su žmona, Jarnefelto sesuo).

Tačiau svarbiausias ir garsiausias Eero Järnefelto darbas, be abejo, yra paveikslas „Po jungu“ („Degantis miškas“)(1893) (kiti vardo variantai - " Nugaros lenkimas dėl pinigų», « priverstinis darbas“). Drobės siužetas yra susijęs su senoviniu ūkininkavimo metodu, kurį sudaro miško deginimas, siekiant gauti ariamos žemės (vadinamoji žemdirbystė). Paveikslas sukurtas 1893 metų vasarą vienkiemyje Rannan Puurula Lapinlahtyje, Šiaurės Savo regione. Tais metais šaltis derlių sugadino antrą kartą. Järnefeltas dirbo pasiturinčios šeimos ūkyje ir stebėjo atšiaurias bežemių darbininkų gyvenimo ir darbo sąlygas, kuriems už darbą buvo mokama tik tuo atveju, jei derlius buvo geras. Lygiagrečiai Järnefeltas kūrė degančio miško kraštovaizdžio eskizus, tyrinėjo ugnies ir dūmų elgesį, taip pat filmavo kaimo gyventojus, kurie ilgainiui tapo pagrindiniais jo paveikslo veikėjais.

Tik vienas paveikslo veikėjas žiūri tiesiai į žiūrovą: tai mergina, kuri trumpam nutraukė darbą ir žiūri į mus su priekaišto išraiška. Jos skrandis buvo ištinęs iš alkio, veidas ir drabužiai pajuodę nuo suodžių, o aplink galvą Jarnefeltas pavaizdavo aureolę primenančius dūmus. Šį paveikslą menininkas nutapė iš 14 metų mergaitės, vardu Johanna Kokkonen ( Johanna Kokkonen), ūkio tarnautojai. Asmuo pirmame plane yra Heikki Puurunen ( Heikki Puurunen), ūkininko brolis, o fone pavaizduotas ūkio savininkas.

Žvelgiant į paveikslėlį, tiesiogine prasme galite pajusti ugnies karštį, išgirsti duslų liepsnos triukšmą ir šakų traškėjimą. Paveikslas turi keletą interpretacijų, tačiau pagrindinė jo reikšmė laikoma griežta engiamų žmonių kritika. Mergina iš paveikslo tapo apibendrintu visų vargšų ir alkanų vaikų, visų nepalankioje padėtyje esančių Suomijos žmonių įvaizdžiu. Pirmą kartą drobė buvo pristatyta visuomenei 1897 m.

Visa didelė salė Ateneum muziejus skirta kito garsaus Suomijos vaizduojamojo meno aukso amžiaus atstovo kūrybai - Akseli Gallena-Kallela (Akseli Gallen-Kallela) (1865–1931). Kaip ir kiti pagrindiniai to laikotarpio suomių menininkai, jis studijavo 1999 m. Ypatingo Paryžiaus publikos dėmesio Gallenas-Kallela sulaukė per 1900 m. pasaulinę parodą, kai pagal Suomijos epą „Kalevala“ padarė nemažai freskų Suomijos paviljonui.

Per studijuoti Paryžiuje Gallenas-Kallela dažnai piešdavo scenas, kurias pastebėdavo gatvėse ir kavinėse. Šio laikotarpio kūrybos pavyzdys – tapyba "Nuogas" ("Be kaukės") (Demasquee ) (1888) – beveik vienintelė erotinė drobė Gallen-Kallela kūryboje. Žinoma, kad jį sukūrė 23 metų menininkas suomių kolekcininko ir filantropo Fridtjofo Antello užsakymu, kuris norėjo papildyti savo seksualinio pobūdžio paveikslų kolekciją. Tačiau pamatęs paveikslą Antellas atsisakė jį paimti, matyt, laikydamas paveikslą pernelyg nepadoriu net savo skoniui.

Paveiksle vaizduojama nuoga paryžietė (matyt, prostitutė), sėdinti menininko studijoje ant sofos, padengtos tradiciniu suomišku kilimu. Paveikslėlis leidžia įsivaizduoti bohemišką gyvenimo būdą, bet kartu užsimena, kad jo džiaugsmai kupini mirties, nuopuolio. Menininkė vaizduoja nekaltybę simbolizuojančią leliją, kuriai kontrastuoja pabrėžtinai jausmingas modelis ir gitara, kurios forma dar labiau sustiprina erotinį pojūtį. Moteris atrodo ir gundanti, ir bauginanti. Nukryžiuotasis, Budos statula ir senovinis suomiškas kilimas ruyu, pavaizduoti šalia savimi patenkintos moters kūno, užsimena apie šventosios išniekinimą. Fone ant stalo šyptelėjo kaukolė – dažnas Vanito žanro paveikslų elementas, primenantis žiūrovui žemiškų malonumų trapumą ir mirties neišvengiamybę. drobė Demasquee pirmą kartą buvo eksponuojamas m Ateneum muziejus 1893 metais.

Daugelis vėlesnių darbų Gallena-Kallela skirta "Kalevale". Vaizduodamas tokius suomių epo herojus kaip Väinämöinen ir Lemminkäinen, menininkas naudoja ypatingą stilių, atšiaurų ir išraiškingą, kupiną nepakartojamai ryškių spalvų ir stilizuotų ornamentų. Iš šio ciklo verta atkreipti dėmesį į nuostabų vaizdą “ Lemminkäinen motina» (1897). Nors paveikslas yra epo iliustracija, jis turi globalesnį, universalesnį skambesį ir gali būti laikomas savotiška Šiaurės Pieta. Ši skvarbi motiniškos meilės daina yra vienas stulbinančių Gallen-Kallela kūrinių šia tema " Kalevala».

Lemminkäinen motina- linksmas vaikinas, sumanus medžiotojas ir moterų viliotojas - suranda savo sūnų prie juodosios Mirties upės (Tuonelos upės), kur bandė nušauti šventąją gulbę. Tamsiame vandenyje fone pavaizduota gulbė, uolėtame krante išsibarstę kaukolės ir kaulai, dygsta mirties gėlės. „Kalevala“ pasakoja, kaip motina ilgu grėbliu šukuoja vandenį, išgrėbia visas gabalėlius ir iš jų vėl išlanksto sūnų. Burtų ir tepalų pagalba ji atgaivina Lemminkäinen. Paveiksle pavaizduota akimirka prieš prisikėlimą. Atrodo, viskas dingo, bet saulės spinduliai prasiskverbia į mirusiųjų karalystę, suteikdami viltį, o bitė neša gyvybę teikiantį dievišką balzamą herojaus prisikėlimui. Tamsios, prislopintos spalvos sustiprina šio požemio tylumą, o intensyvios kraujo raudonumo samanos ant uolų, mirtinas Lemminkäinen augalų ir odos baltumas kontrastuoja su dieviška auksine bitės spalva ir iš dangaus besiliejančiais spinduliais.

Šiam paveikslui menininkui pozavo jo paties mama. Jam pavyko sukurti labai tikrovišką įvaizdį su gyvu, intensyviu žvilgsniu (tai tikra emocija: Gallen-Kallela tyčia kalbėjo su mama apie kažką liūdno, todėl ji apsiverkė). Kartu paveikslas stilizuotas, leidžiantis sukurti ypatingą mitinę atmosferą, jausmą, kad įvykiai vyksta „kitoje tikrovės pusėje“. Kad sustiprintų emocinį poveikį, Gallen-Kallela vietoj aliejinių dažų naudojo temperą. Supaprastintos formos, aiškūs figūrų kontūrai ir didelės spalvų plokštumos padeda sukurti galingą kompoziciją. Siekdamas geriau perteikti niūrią paveikslo nuotaiką, menininkas savo studijos name Ruovesi įrengė visiškai juodą kambarį, kuriame vienintelis apšvietimo šaltinis buvo stoglangis. Be to, jis fotografavo save nuogą gulintį ant grindų ir naudojo šias nuotraukas tapydamas Lemminkäineno figūrą.

Visiškai kitokiu, idilišku ir beveik nerimtu stiliumi, Gallen-Kallela triptikas “ Legenda apie Ainą» (1891). Kompozicija skirta Kalevalos siužetui apie jauną merginą Aino ir seną išminčius Väinämöinen. Aino, tėvų sprendimu, turėjo būti ištekėjusi už Väinämöinen, bet ji bėga nuo jo, mieliau nuskęsti. Kairėje triptiko pusėje rodomas pirmasis seno žmogaus ir merginos, apsirengusios tradicine karelietiška apranga, susitikimas miške, o dešinėje – liūdnas Aino. Ruošdamasi mesti į vandenį, ji verkia ant kranto, klausydama vandenyje žaidžiančių jūros mergelių šauksmų. Galiausiai centriniame skydelyje pavaizduota istorijos pabaiga: Väinämöinen išplaukia valtimi į jūrą ir žvejoja. Sugavęs nedidelę žuvelę, joje neatpažįsta dėl jo kaltės nuskendusios merginos ir įmeta žuvį atgal į vandenį. Tačiau tą akimirką žuvis virsta Aino – undine, kuri juokiasi iš jos pasiilgusio senolio, o paskui amžiams dingsta bangose.

1890-ųjų pradžia Gallenas-Kallela buvo natūralizmo šalininkas ir jam tikrai reikėjo tikrų modelių visoms paveiksle esančioms figūroms ir objektams. Taigi Väinämöineno su ilga gražia barzda įvaizdžiui menininkui pozavo vieno iš Karelijos kaimų gyventojas. Be to, menininkas džiovino ešerius, kad pasiektų kuo tikslesnį seno žmogaus išgąsdintos žuvies vaizdą. Net ant Aino rankos tviskanti sidabrinė apyrankė egzistavo realybėje: Gallen-Kallela šį papuošalą padovanojo savo jaunai žmonai Marijai. Ji, matyt, tarnavo modeliu Aino. Peizažus triptikui menininkas nubraižė per medaus mėnesį Karelijoje.

Kompoziciją įrėmina medinis rėmas su ornamentais ir paties Galleno-Kallelos ranka parašytomis Kalevalos citatomis. Šis triptikas tapo judėjimo pradžios tašku nacionalinis romantizmas Suomijoje- suomiška Art Nouveau versija. Pirmąjį šio paveikslo variantą menininkas padarė Paryžiuje 1888–1889 m. (dabar priklauso Suomijos bankui). Kai paveikslas pirmą kartą buvo pristatytas Helsinkyje, jis buvo sutiktas labai entuziastingai, o Senatas nusprendė už valstybės lėšas užsakyti naują versiją. Tokia mintis gana natūraliai atrodo suomių tautą idealizavusio ir romantizavusio Fennomani judėjimo potraukyje. Be to, menas buvo suvokiamas kaip galinga priemonė išreikšti suomių nacionalinius idealus. Tuo pat metu prasidėjo menininkų ekspedicijos į Kareliją, ieškant „tikro suomiško stiliaus“. Karelija buvo laikoma vienintele nepaliesta žeme, kurioje buvo išlikę Kalevalos pėdsakai, o pats Gallenas-Kallela šį epą suvokė kaip pasakojimą apie praeities tautinės didybės laikus, kaip prarasto rojaus įvaizdį.

Gallen-Kallela paveikslas Kullervo prakeiksmas“(1899) pasakoja apie kitą Kalevalos herojų. Kullervo buvo nepaprastos jėgos jaunuolis, našlaitis, paimtas į vergiją ir išsiųstas į dykumą ganyti karvių. Piktoji meilužė, kalvio Ilmarineno žmona, davė jam duonos kelionei, kurioje buvo paslėptas akmuo. Bandydamas pjaustyti duoną, Kullervo sulaužė peilį, vienintelį tėvo prisiminimą. Įtūžęs jis surenka naują vilkų, lokių ir lūšių bandą, kuri suplėšo šeimininkę. Kullervo pabėga iš vergijos ir grįžta namo, sužinojęs, kad jo šeima gyva. Tačiau Kullervo nesėkmės tuo nesibaigia. Begalinė keršto spiralė sunaikina ne tik jo naujai sukurtą šeimą, bet ir jį patį. Pirmiausia jis susipažįsta ir suvilioja merginą, kuri pasirodo esanti jo sesuo, o dėl šių nuodėmingų santykių sesuo nusižudo. Netrukus visi jo artimieji miršta. Tada Kullervo nusižudo mesdamas ant kardo.

Gallen-Kallela paveikslas rodo epizodą, kai Kullervo vis dar tarnauja piemeniu (fone matoma jo banda, o priekyje pavaizduota duona su iškeptu akmeniu). Jaunuolis purto kumštį ir prisiekia atkeršyti priešams. Įsiutusį herojų menininkas pavaizdavo saulėto ankstyvo rudens kraštovaizdžio fone, tačiau fone jau kaupiasi debesys, o raudonai nulietas šermukšnis tarnauja kaip įspėjimas, ateities kraujo praliejimo pranašystė. Šiame paveiksle tragedija derinama su Karelijos gamtos grožiu, o kerštingasis herojus tam tikra prasme gali būti laikomas suomių kovos dvasios ir augančios tautinės savimonės simboliu. Kita vertus, priešais mus yra pykčio ir nusivylimo portretas, bejėgiškumas žmogaus, kurį užaugino svetimi žmonės, sunaikinę jo šeimą, smurto ir keršto atmosferoje, ir tai paliko tragišką pėdsaką jo likime.

Daugiau apie kūrybiškumą Gallena-Kallela skaityti .

Šį skyrių užbaigiame pasakojimu apie kito iškilaus suomių nacionalinio romantizmo atstovo tapyboje, garsaus Suomijos aukso amžiaus menininko Pekka Halonen, kūrybą. Pekka Halonen (Pekka Halonen) (1865–1933) išgarsėjo XX amžiaus dešimtajame dešimtmetyje, įrodydamas, kad yra puikus meistras žiemos peizažas. Vienas iš šio žanro šedevrų yra tapyba " Jaunos pušys po sniegu“(1899), laikomas pavyzdžiu Suomijos japonizmas ir Art Nouveau tapyboje. Minkštas purus sniegas, dengiantis sodinukus, žaisdamas su skirtingais baltos spalvos atspalviais, sukuria ramią miško pasakos atmosferą. Miglotas oras prisotintas šaltos žiemos miglos, o vešlūs sniego sluoksniai pabrėžia trapų jaunų pušų grožį. Medžiai apskritai buvo vienas mėgstamiausių kūrybos motyvų. Pekki Halonena. Visą gyvenimą entuziastingai įvairiu metų laiku vaizdavo medžius, ypač mėgo pavasarį, tačiau vis dėlto labiausiai išgarsėjo būtent kaip meistras. žiemos peizažas– retas tapytojas išdrįso kurti šaltyje. Pekka Halonenas nebijojo žiemos ir visą gyvenimą dirbo lauke bet kokiu oru. Plenero rėmėjas, jis niekino menininkus, kurie „žiūri į pasaulį pro langą“. Halonen paveiksluose trūkinėja šakos nuo šalčio, medžiai svyra nuo sniego kepurių svorio, saulė meta melsvus šešėlius ant žemės, o miško gyventojai palieka pėdsakus ant minkšto balto kilimo.

Žiemos peizažai tapo savotišku nacionaliniu Suomijos simboliu, o Pekka Halonen 1900 m. pasaulinėje parodoje Paryžiuje padarė keliolika drobių Suomijos gamtos ir liaudies buities tema Suomijos paviljonui. Šis ciklas apima, pavyzdžiui, paveikslą „ Prie skylės„(Skalbimas ant ledo“) (1900). Halonen susidomėjimas „šiaurietiškos egzotikos“ vaizdavimu kilo studijuojant pas Paulą Gogeną Paryžiuje 1894 m.

Paprastai menininkai suomių tapybos aukso amžius kilęs iš miesto viduriniosios klasės. Kitas dalykas – Pekka Halonenas, kilęs iš apsišvietusių valstiečių ir amatininkų šeimos. Jis gimė Lapinlahti (Rytų Suomija) ir gana anksti susidomėjo menu – ne tik tapyba, bet ir muzika (dailininko mama buvo gabi kantele atlikėja, taip pat įskiepijo sūnui rūpestingą požiūrį ir meilę gamtai, o vėliau). ši meilė beveik virto religija). Tapybą jaunuolis pradėjo mokytis šiek tiek vėliau nei jo bendraamžiai, tačiau po ketverių metų studijų Suomijos dailės draugijos piešimo mokykloje ir puikiai ją baigęs Halonenas galėjo gauti stipendiją, kuri leido studijuoti studijuoti to meto meno Mekoje. Iš pradžių jis mokėsi Julian akademijoje, o vėliau, 1894 m., pradėjo lankyti privačias pamokas. Paulius Gogenas kartu su savo draugu Vyaino Bloomstead. Šiuo laikotarpiu Halonen susipažino su simbolika, sinteze ir net teosofija. Tačiau pažintis su naujausiomis meno tendencijomis neprivertė jo atsisakyti realistinės būdo, o ryškios Gogeno paletės jis nepasiskolino, tačiau Gogeno įtakoje Halonenas tapo giliu japonų meno žinovu ir pradėjo kolekcionuoti. japoniškų graviūrų kopijos.

Pavyzdžiui, jo darbe dažnai figūruoja lenkta pušis – populiarus japonų meno motyvas. Be to, daugelyje paveikslų Halonen ypatingą dėmesį skiria detalėms, dekoratyviniams šakų raštams ar ypatingam sniego raštui, o pati žiemos peizažų tema japonų mene nėra reta. Taip pat Halonen pasižymi pirmenybe vertikalioms siauroms drobėms, tokioms kaip „kakemono“, asimetriškoms kompozicijoms, stambiam planui ir neįprastiems rakursams. Skirtingai nei daugelis kitų peizažistų, jis netapė tipiškų panoraminių vaizdų iš viršaus; jo peizažai nutapyti giliai miške, arti gamtos, kur medžiai tiesiogine prasme supa žiūrovą, kviesdami į savo tylų pasaulį. Būtent Gogenas įkvėpė Haloneną atrasti savąjį gamtos vaizdavimo stilių ir paskatino ieškoti savo temų tautinėse šaknyse. Kaip ir Gogenas, Halonenas savo meno pagalba siekė rasti kažką pirminio, pirmapradžio, tačiau tik tuo atveju, jei prancūzas savo idealo ieškojo Ramiojo vandenyno salose, tai suomių menininkas siekė atgaivinti suomių žmonių „prarastą rojų“. neapdorotuose miškuose – šventosios laukinės gamtos, aprašytos Kalevaloje.

Pekka Halonen kūryba visada išsiskyrė ramybės ir harmonijos paieškomis. Menininkas tikėjo, kad „menas neturi erzinti nervų kaip švitrinis popierius – jis turi sukurti ramybės jausmą“. Net ir vaizduodamas valstiečių darbą, Halonenas pasiekė ramių, subalansuotų kompozicijų. Taigi, darbe Pionieriai Karelijoje» (« Kelių tiesimas Karelijoje“ (1900) jis pristatė Suomijos valstiečius kaip nepriklausomus, protingus darbuotojus, kuriems nereikėjo dėti per daug pastangų, kad darbas būtų atliktas. Be to, menininkas pabrėžė, kad siekia sukurti bendrą dekoratyvų įspūdį. Tai buvo jo atsakymas amžininkams, kurie kritikavo nerealią paveikslo „giedrą sekmadienio nuotaiką“ ir buvo nustebinti per švariais darbininkų drabužiais, nedideliu drožlių kiekiu ant žemės ir keista valties išvaizda viduryje. miškas. Tačiau menininkas turėjo visiškai kitokią mintį. Pekka Halonenas norėjo ne sukurti sunkaus, alinančio darbo paveikslą, o perteikti ramų, išmatuotą valstiečių darbo ritmą.

Didelę įtaką Halonenui padarė ir jo kelionės į Italiją (1896–1997 ir 1904), įskaitant ankstyvojo Renesanso šedevrus, kuriuos jis pamatė Florencijoje. Vėliau Pekka Halonen su žmona ir vaikais (iš viso pora turėjo aštuonis vaikus) persikėlė prie Tuusula ežero, kurio rami vaizdinga aplinka buvo neišsenkantis įkvėpimo ir vaisingo darbo šaltinis toli nuo Helsinkio, „viso proziško ir bjauraus šaltinio. “ Čia, slidinėdamas ant ežero, menininkas ieškojo vietos savo būsimiems namams, o 1899 metais pora nusipirko sklypą ant kranto, kuriame po kelerių metų išaugo Pekka Halonen studijos namas – jo vardu pavadinta vila. Haloseniemi (Halosenniemi) (1902). Šį jaukų medinį tautinės romantizmo dvasios būstą suprojektavo pats menininkas. Šiandien name yra Pekka Halonen muziejus.

Suomijos simbolistai

Vienas įdomiausių Ateneum muziejaus kolekcijos skyrių – unikalūs Hugo Simbergo ir kitų suomių simbolistų darbai.

Atskirame Ateneum muziejaus kambaryje garsusis paveikslas „ Sužeistas angelas» (1903) suomių menininkas Hugo Simbergas. Šioje melancholiškoje drobėje vaizduojama keista procesija: du paniurę berniukai neštuvais neša baltai apsirengusią mergaitę, angelą, užrištomis akimis ir sužeistu sparnu. Paveikslo fone – plikas ankstyvo pavasario peizažas. Angelo rankoje puokštė putinų, pirmųjų pavasario gėlių, gydymo ir naujos gyvybės simbolių. . Procesijai vadovauja juodai apsirengęs berniukas, panašus į laidotoją (tikriausiai tai yra Mirties simbolis). Į mus nukreiptas kito berniuko žvilgsnis, prasiskverbiantis tiesiai į žiūrovo sielą ir primenantis, kad gyvenimo ir mirties temos yra aktualios kiekvienam iš mūsų. Puolęs angelas, išvarymas iš rojaus, mintys apie mirtį – visos šios temos ypač rūpėjo menininkams. simbolistai. Pats menininkas atsisakė siūlyti bet kokias paruoštas paveikslo interpretacijas, palikdamas žiūrovui pačiam daryti išvadas.

Prie šio paveikslo Hugo Simbergas dirbo ilgą laiką: pirmieji eskizai rasti jo albumuose nuo 1898 m. Kai kuriuose eskizuose ir nuotraukose atsispindi atskiri kompozicijos fragmentai. Kartais karučiu varomas angelas, kartais ne berniukai, o maži velniukai vaizduojami kaip nešikai, tuo pačiu angelo figūra visada išlieka centre, o fone – tikras peizažas. Paveikslo kūrimo procesas nutrūko, kai Simbergas sunkiai susirgo: nuo 1902 m. rudens iki 1903 m. pavasario menininkas gydėsi Diakonės instituto ligoninėje Helsinkyje. Helsingin Diakonissalaitos) Kallio apylinkėse. Jis sirgo sunkia nervų liga, kurią apsunkino sifilis (nuo kurio menininkas vėliau mirė).

Yra žinoma, kad Simbergas fotografavo savo modelius (vaikus) dirbtuvėse ir Eleintarchos parke, esančiame šalia minėtos ligoninės. Paveiksle pavaizduotas takas išlikęs ir šiandien – jis driekiasi Töölönlahti įlankos pakrante. Simbergo laikais Eleintarcha parkas buvo populiari darbininkų klasės poilsio zona. Be to, čia veikė daug labdaros įstaigų, tarp jų – mergaičių aklųjų mokykla ir neįgaliųjų vaikų namai. Simbergas ne kartą stebėjo parko gyventojus, kai ten vaikščiojo 1903 m. pavasarį, išsikeldamas nuo sunkios ligos. Matyt, per šiuos ilgus pasivaikščiojimus paveikslo idėja pagaliau susiformavo. Be filosofinių paveikslo „Sužeistas angelas“ (išvarymo iš rojaus simbolis, sergančios žmogaus sielos, žmogaus bejėgiškumo, sudužusio sapno simbolis) interpretacijų, kai kas jį mato kaip skausmingos menininko būsenos ir net specifinės fizinės būsenos personifikaciją. simptomai (pagal kai kuriuos pranešimus Simbergas taip pat sirgo meningitu).

Simbergo paveikslas Sužeistas angelas buvo labai sėkmingas iškart po jo pabaigos. Pristatymas įvyko Suomijos dailės draugijos rudens parodoje 1903 m. Iš pradžių drobė buvo eksponuojama be pavadinimo (tiksliau, vietoj pavadinimo buvo brūkšnys), o tai sufleravo apie vienos interpretacijos neįmanomumą. Už šį giliai individualų ir emocingą kūrinį menininkas 1904 metais buvo apdovanotas valstybine premija. Antrąją „Sužeisto angelo“ versiją Simbergas įvykdė dekoruodamas Tamperės katedros interjerą freskomis, kur dirbo kartu su Magnusu Enckeliu.

2006 m. Suomijoje atliktos apklausos duomenimis, „ Sužeistas angelas“ buvo pripažintas populiariausiu Ateneum kolekcijos kūriniu, mylimiausiu Suomijos „nacionaliniu paveikslu“ ir šalies meniniu simboliu.

Hugo Simbergas (Hugo Simbergas) (1873-1917) gimė Haminos mieste, vėliau gyveno ir mokėsi, o vėliau lankė Suomijos meno draugijos mokyklą. Jis dažnai vasarodavo šeimos dvare Niemenlautta (Syakkijärvi) Suomijos įlankos pakrantėje. Simbergas daug keliavo po Europą, lankėsi Londone ir Paryžiuje, aplankė Italiją ir Kaukazą. Svarbus jo, kaip menininko, vystymosi etapas įvyko tuo metu, kai Simbergas, nusivylęs stereotipiniu akademiniu išsilavinimu, pradėjo lankyti privačias Akseli Gallen-Kallela pamokas atokioje Ruovesi vietovėje, kur Gallen-Kallela pastatė savo dirbtuvių namus. Gallenas-Kallela labai vertino savo mokinio talentą ir numatė jam puikią ateitį meno pasaulyje, lygindamas Simbergo kūrybą su tikrais ir aistringais pamokslais, kuriuos turėtų išgirsti kiekvienas. Simbergas Ruovesi mieste lankėsi tris kartus nuo 1895 iki 1897 m. Čia, meninės laisvės atmosferoje, jis greitai rado savo kalbą. Pavyzdžiui, pirmąjį savo viešnagės Ruovesi rudenį jis parašė garsųjį kūrinį „ Sušalimas(1895), šiek tiek primena Muncho klyksmą. Šiuo atveju orų reiškinys, viso pasaulio ūkininkų baimė, įgavo matomą įsikūnijimą, veidą ir formą: tai mirtinai išblyškusi figūra didelėmis ausimis, sėdinti ant ryšulio ir mirtinu kvapu nuodijanti viską aplinkui. . Skirtingai nei prieš kelerius metus baigtą Muncho „Klyksmą“, Simbergo „Šerkšnas“ kelia ne visišką siaubą ir neviltį, o keistą grėsmės ir gailesčio jausmą vienu metu.

Svarbus Simbergo gyvenimo momentas buvo 1898 metų rudens paroda, po kurios jis buvo priimtas į Suomijos dailininkų sąjungą. Simbergas daug keliavo po Europą, dėstė ir dalyvavo parodose. Tačiau iš tiesų menininko talento mastai buvo įvertinti tik po jo mirties. Dėmesys šiurpiam ir antgamtiškam buvo toli gražu ne visiems to meto kritikams ir žiūrovams suprantamas.

Hugo Simbergas buvo vienas didžiausių Suomijos simbolistai. Jį traukė ne banalios kasdienės situacijos – priešingai, jis vaizdavo tai, kas atvėrė duris į kitą realybę, palietė žiūrovo protą ir sielą. Meną jis suprato „kaip galimybę vidury žiemos žmogų perkelti į gražų vasaros rytą ir pajusti, kaip bunda gamta, o tu pats esi su ja harmonijoje. To ir ieškau meno kūrinyje. Tai turėtų mums apie ką nors kalbėti ir kalbėti garsiai, kad būtume nunešti į kitą pasaulį.

Simbergui ypač patiko vaizduoti tai, ką galima pamatyti tik vaizduotėje: angelus, velnius, trolius ir pačios Mirties vaizdus. Tačiau ir šiems įvaizdžiams jis suteikė švelnumo ir žmogiškumo. Mirtis Simberge dažnai būna geranoriška ir kupina užuojautos, savo pareigas atlieka be entuziazmo. Čia ji atėjo su trimis baltomis gėlėmis pasiimti senolės. Tačiau Mirtis neskuba, ji gali sau leisti klausytis, kaip berniukas griežia smuiku. Tik laikrodis ant sienos žymi laiko eigą (" Mirtis klauso“, 1897).

Darbe " mirties sodas”(1896), sukurtas pirmosios pažintinės kelionės į Paryžių metu, Simbergas, kaip pats sakė, pavaizdavo vietą, kur žmogaus siela nukeliauja iškart po mirties, prieš patekdama į dangų. Trys skeletai juodais drabužiais švelniai rūpinasi augalų sielomis su tokia pat meile, kaip vienuoliai rūpinasi vienuolyno sodu. Šis kūrinys menininkui buvo labai svarbus. Beveik po dešimties metų Simbergas tai pakartojo didelės freskos pavidalu Tamperės katedroje. Keistas šio kūrinio žavesys slypi mielose kasdienėse detalėse (laistytuvas, ant kabliuko kabantis rankšluostis), ramioje atmosferoje ir nuolankiame pačios Mirties įvaizdyje, kuri yra ne naikinimo jėga, o rūpestingumo įsikūnijimas. Įdomu tai, kad Hanso Christiano Anderseno pasakoje „Motinos istorija“ taip pat randame panašų vaizdą: pasakotojas aprašo didžiulį Mirties šiltnamį – šiltnamį, kuriame už kiekvienos gėlės ar medžio „tvirtinama“ žmogaus siela. Mirtis save vadina Dievo sodininku: „Paimu jo gėles ir medžius ir persodinu į didįjį Edeno sodą, į nežinomą žemę“.

Pirmas Mirties įvaizdis pasirodė Simbergo kūryboje “ Mirtis ir valstietis» (1895). Trumpas juodas pelerinas ir trumpos kelnės suteikia Mirčiai švelnų, nuleistą vaizdą. Šį darbą Simbergas atliko Ruovesi mieste, mokydamasis pas Akseli Gallen-Kallela. Tą pavasarį nuo difterijos mirė jauniausioji mokytojo dukra, o „Mirtis ir valstietis“ gali būti vertinama kaip užuojautos išraiška vaiko netekusiam vyrui.

Kaip ir velniai, Hugo Simbergo angelai yra humanizuoti ir todėl pažeidžiami. Jie bando žmones nukreipti į gėrio kelią, tačiau realybė toli gražu nėra ideali. Darbas" Svajoti“(1900) žiūrovui kelia klausimų. Kodėl moteris verkia, o angelas šoka su vyru? Galbūt vyras palieka žmoną į kitą pasaulį? Kitas šio kūrinio pavadinimas buvo „Atgaila“, todėl jį galima interpretuoti įvairiai.

Pirmą kartą angelų atvaizdai pasirodė Simbergo darbe 1895 m. rudenį (darbas " Pamaldumas“). Šiame išdykusiame kūrinyje besimeldžianti angelas nepastebi, kad kaimyninis angelas turi galvoje visai ką kitą. Ir iš tiesų, šio antrojo angelo sparnai toli gražu nėra tokie balti. Vyksta kova tarp jausmingumo ir dvasingumo.

Niemenlautta vietovėje esanti krantinė, kur Simbergas beveik visada leisdavo vasarą savo šeimos namuose, buvo populiari jaunimo susitikimų vieta vasaros vakarais. Suvilioti akordeono garsų, jaunuoliai ir moterys čia plaukė šokti valtimi net iš toli. Simbergas ne kartą kūrė šokėjų eskizus. Bet darbe Šokite ant kranto„(1899 m.) merginos šoka ne su vaikinais, o su Mirties figūromis, taip dažnai sutinkamomis Simberge. Galbūt Mirtis šį kartą atėjo ne dėl baisaus derliaus, o tiesiog nori dalyvauti bendrose linksmybėse? Kažkodėl akordeonas negroja.

Kaip matai Hugo Simbergas- itin originalus menininkas, kurio kūryba nestokoja savitos ironijos, bet kartu yra persmelkta mistikos ir orientuota į menui būdingas gėrio ir blogio, gyvenimo ir mirties temas. simbolistai. Simbergo darbuose gilūs filosofiniai klausimai persipina su švelniu humoru ir gilia simpatija. „Vargšas velnias“, „nuolanki mirtis“, braunių karalius – visi šie personažai į jo kūrybą atkeliavo iš sapnų ir pasakų. Jokių paauksuotų rėmų ir blizgančių drobių: „Tik meilė paverčia meno kūrinius tikrus. Jei gimdymo skausmai ateina be meilės, tada vaikas gims nelaimingas.

Be Hugo Simbergo darbų, Ateneum muziejuje eksponuojami jo darbai Suomijos tapytojas simbolistas Magnusas Enkelis (Magnusas Enkelis) (1870–1925), kaip Simbergas, dirbęs prie Tamperės katedros freskų (1907). Enkelis gimė kunigo šeimoje Haminos mieste, studijavo tapybą, o 1891 m. išvyko į Paryžių, kur mokslus tęsė Julijaus akademijoje. Ten jis susidomėjo rozenkreicerio J. Peladano simbolika ir mistinėmis idėjomis. Iš pastarųjų Magnusas Enkelis perėmė androginišką grožio idealą, kurį pradėjo naudoti savo darbuose. Enckelį sužavėjo prarasto rojaus, prarasto žmogaus grynumo idėja, o labai jauni berniukai savo androginišku grožiu menininkui atstojo gryniausią žmogaus pavidalą. Taip pat nereikėtų pamiršti, kad Enkelis buvo homoseksualus ir dažnai piešė nuogus berniukus ir vyrus, atvirai erotiškai, jausmingai. 1894-95 metais. menininkas keliavo po Italiją ir XX amžiaus pradžioje, veikiamas klasikinio italų meno, taip pat postimpresionizmo, jo paletė tampa daug spalvingesnė ir lengvesnė. 1909 m. kartu su koloristais Werner Thomé ir Alfred Finch įkūrė grupę. rugsėjis.

Ankstyvoji Magnuso Enkelio kūryba, atvirkščiai, pasižymi prislopinta gama, spalviniu asketiškumu. Tuo metu menininkės paletė apsiribojo pilkais, juodais ir ochros atspalviais. Pavyzdys yra tapyba Pabudimas„(1894), parašyta Enkel per antrąjį menininko apsilankymą. Drobė išsiskiria spalviniu minimalizmu, supaprastinta kompozicija ir pabraukta piešinio linija – visa tai naudojama siekiant pabrėžti vaizdo reikšmingumą. Brendimo sulaukęs jaunuolis pabudo ir sėdi nuogas ant lovos, nulenkęs galvą rimta veido išraiška, pasinėręs į mintis. Iškreipta jo kūno laikysena nėra tik pažįstamas pakilimo iš lovos gestas; šis motyvas, dažnai sutinkamas tarp menininkų simbolistų, yra sudėtingesnis. Brendimas ir seksualinis pabudimas / nekaltumo praradimas buvo temos, kurios patraukė daugelį Enckelio amžininkų (plg., pavyzdžiui, nerimą keliantį Muncho paveikslą „Brendimas“ (1894–95)). Juodos ir baltos spalvos gama pabrėžia melancholišką susitikimo su slegiančiu pasauliu nuotaiką.

Kitas Suomijos tapytojas simbolistas, nors ir ne pats žinomiausias, yra Väinö Bloomstedt (Blomstedt) (Vaino Blomstedtas) (1871–1947). Bloomstedtas buvo menininkas ir tekstilės dizaineris, jam ypač darė įtaką japonų menas. Iš pradžių jis studijavo Suomijoje, o vėliau pas Pekka Haloneną. Kaip jau žinome, vizito Paryžiuje metu šie suomių menininkai susipažino su neseniai iš Taičio grįžusiu Gogenu ir pradėjo mokytis iš jo. Impulsyvusis Bloomstedtas akimirksniu pateko į Gogeno ir jo spalvomis alsuojančių drobių įtaką. Prarastojo rojaus paieškos Gogeno kūryboje buvo labai artimos Bloomstedtui. Tik jei Gogenas šio rojaus ieškojo egzotiškose šalyse, tai Väinö Bloomstedt, kaip ir daugelis to meto suomių menininkų, siekė ieškoti savo tėvynės – nekaltosios Kalevalos žemės – ištakų. Bloomtedto paveikslų herojai dažnai yra įsivaizduojami ar mitologiniai personažai.

Sutikęs Gauguiną, XX amžiaus dešimtojo dešimtmečio viduryje Bloomstedtas atsisakė realistinės tapybos ir kreipėsi į simbolika ir ryškių daugiaspalvių sintetinis paletę. Pagal simbolizmo ideologiją, vizualiniu stebėjimu paremtas realistinis menas yra per ribotas ir neleidžia užfiksuoti žmoguje svarbiausio dalyko, jo emocinės ir dvasinės esmės, paties gyvenimo paslapties. Už kasdienės tikrovės slypi kitas pasaulis, o simbolistų tikslas – išreikšti šį pasaulį per meną. Užuot siekę sukurti trimatę tikrovės iliuziją, menininkai simbolistai griebėsi stilizacijos, supaprastinimo, dekoratyvumo, siekė rasti kažką tyro ir poetiško. Iš čia jie domėjosi ankstyvuoju italų renesansu, temperos ir freskų technikų naudojimu. Vienas ryškiausių pavyzdžių simbolika suomių menininkų kūryboje yra paveikslas Väinö Bloomstedt « Francesca„(1897), panardinantis žiūrovą į miego ir užmaršties pasaulį, statišką ir magišką atmosferą su svaiginančiu aguonų kvapu.

Šio paveikslo įkvėpimas buvo Dantės „Dieviškoji komedija“, kurioje poetė pragare susipažįsta su Francesca da Rimini ir ji pasakoja jam savo tragiškos meilės Paolo istoriją. Madoną primenantis mergaitės įvaizdis, „renesansinis“ peizažas su tamsiais kiparisais ir peršviečiamas spalvinis paveikslo paviršius (drobė aiškiai persišviečia per spalvas) sufleruoja senas freskas Italijos bažnyčiose. Be to, dėl ypatingos atlikimo technikos paveikslas iš dalies primena nušiurusį gobeleną. Paveikslą Bloomtedtas nutapė kelionės į Italiją metu. Taip pat matoma prerafaelitų meno įtaka.

Moterys mene: Suomijos menininkės

Ateneum muziejus taip pat išsiskiria tuo, kad didelę jo kolekcijos dalį sudaro kūriniai moterys menininkės, įskaitant pasaulyje žinomus, tokius kaip Suomijos menininkas Helena Schjerfbeck. 2012 m. Ateneum muziejuje buvo surengta didžiulė Helenos Schjerfbeck darbų paroda, skirta jos 150-osioms gimimo metinėms. Ateneum muziejuje saugoma didžiausia ir išsamiausia Helenos Schjerfbeck darbų kolekcija pasaulyje (212 paveikslų, piešinių, eskizų knygelių).

Helena Schjerfbeck (Helena Schjerfbeck) (1862-1946) gimė Helsinkyje, anksti pradėjo mokytis tapybos ir jau jaunystėje įgijo pastebimą įgūdį. Helenos gyvenimą paženklino sunki klubo trauma, kurią vaikystėje nukrito nuo laiptų. Dėl šios priežasties mergina gavo išsilavinimą namuose - ji nelankė įprastos mokyklos, tačiau turėjo daug laiko piešti, o į dailės mokyklą buvo priimta neįprastai anksti. (Deja, klubo trauma priminė apie save šlubavimu visam gyvenimui). Po studijų Suomijoje, įskaitant privačią Adolfo von Beckerio akademiją, Schjerfbeck gavo stipendiją ir išvyko ten, kur studijavo Colarossi akademijoje. 1881 ir 1883-84 m. ji taip pat dirbo menininkų kolonijose Bretanėje (tapyba " Berniukas maitina savo mažąją seserį(1881), parašytas šiame Prancūzijos regione, dabar netgi laikomas suomių modernizmo pradžia. Bretanėje ji susipažino su nežinomu anglų menininku ir už jo ištekėjo, tačiau 1885 metais sužadėtinis nutraukė sužadėtuves (jo šeima tikėjo, kad Helenos klubų problemos susijusios su tuberkulioze, nuo kurios mirė jos tėvas). Helena Schjerfbeck niekada nebuvo vedusi.

1890-aisiais Schjerfbeck dėstė Dailės draugijos mokykloje, kurią ji pati kadaise buvo baigusi. 1902 m. dėl sveikatos problemų ji paliko mokytojavimą ir su mama persikėlė į atokią Hyvinkää provinciją. Prireikus tylos menininkas gyveno atsiskyrėliškai, tačiau ir toliau dalyvavo parodose. Schjerfbecko „atradimas“ visuomenei įvyko 1917 m.: Helsinkyje, Ëst Stenman meno salone, buvo surengta pirmoji menininkės personalinė paroda, kuri sulaukė didelio žiūrovų ir kritikų pasisekimo ir pažeidė jos nuošalią egzistenciją. Kita didelė paroda buvo surengta Stokholme 1937 m., sulaukusi puikių atsiliepimų, o po jos sekė daugybė panašių parodų visoje Švedijoje. 1935 m., kai mirė jos motina, Helena persikėlė gyventi į Tammisaari, o paskutinius metus praleido Švedijoje, sanatorijoje Saltsjöbaden. Suomijoje požiūris į Schjerfbeck kūrybą ilgą laiką buvo prieštaringas (jos talentas buvo pripažintas tik XX a. antroje pusėje), o Švedijoje jos menas buvo sutiktas gana anksti su dideliu entuziazmu. Tačiau išties platus tarptautinis Schjerfbeck pripažinimas sulaukė 2007 m., kai Paryžiuje, Hamburge ir Hagoje buvo surengtos didelės retrospektyvinės jos darbų parodos.

Tarp visų Helenos Schjerfbeck paveikslų garsiausi pasaulyje yra daugybė savikritiškų autoportretų, leidžiančių atsekti ir jos stiliaus raidą, ir pačios menininkės pokyčius, negailestingai fiksavusią senstantį veidą. Iš viso Schjerfbeckas parašė apie 40 autoportretų, pirmąjį – būdamas 16 metų, paskutinį – 83 metų. Šeši iš jų yra Ateneum kolekcijoje.

Bet bene garsiausias paveikslas Helena Schjerfbeck yra drobė sveikstantis"(1888), dažnai vadinamas brangakmeniu Ateneum muziejus. Visuomenės labai vertinamas šis 26 metų menininko paveikslas 1889 m. pasaulinėje parodoje Paryžiuje (kur ši drobė buvo eksponuojama pavadinimu „Pirmasis žalias“) buvo apdovanotas bronzos medaliu. Aukščiausia žaluma) – taip paveikslą iš pradžių pavadino pati Schjerfbeck). Sergančių vaikų tema buvo įprasta XIX amžiaus mene, tačiau Schjerfbeckas vaizduoja ne šiaip sergantį, bet sveikstantį vaiką. Šį paveikslą ji nutapė vaizdingame pakrantės mieste Sent Ives, Kornvalyje, Anglijos pietvakariuose, kur menininkė 1887–1888 m., o 1889–1890 m., patarta draugo austro, vyko.

Šis kūrinys dažnai vadinamas paskutiniu natūralistinės šviesos tapybos pavyzdžiu Schjerfbeck kūryboje (vėliau ji perėjo į stilizuotą modernizmą ir kone abstraktų asketiškos paletės ekspresionizmą). Čia menininkė meistriškai dirba su šviesa, patraukdama žiūrovo akį į sveikstančios merginos veidą išsišiepusiais plaukais ir karštligiškai rausvais skruostais, kuri rankose laiko puodelį su trapia žydinčia šakele – pavasario ir naujos gyvybės simboliu. Vaiko lūpose žaidžia šypsena, išreiškianti viltį pasveikti. Šis jaudinantis paveikslas pagauna žiūrovą, priverčia jausti empatiją. Paveikslą tam tikra prasme galima pavadinti menininkės, kuri tuo metu dar tik bandė atsigauti po sužadėtuvių iširimo, autoportretu. Taip pat gali būti, kad šioje nuotraukoje Schjerfbeck pavaizdavo save kaip vaiką, pasakojančią apie tai, ką pati jautė, dažnai prikaustytą prie lovos ir besidžiaugdama pirmaisiais pavasario ženklais.

Atkreipkite dėmesį, kad šiuo metu garsiausi Helenos Schjerfbeck kūriniai „turo“ Švedijoje. Viena paroda vyksta Stokholme ir veiks iki 2013 metų vasario pabaigos, kita – Geteborge (iki 2013 m. rugpjūčio mėn.).

Dar vieną Suomijos menininkas, kurio darbus galima rasti Ateneum muziejuje, yra Problema „Shernschanz“ („Sternshantz“)(Beda Stjernschantz) (1867–1910). Beje, didelės apimties šio menininko darbų paroda muziejuje numatyta 2014 m. Beda Shernschanz buvo svarbi kartos atstovė Suomijos menininkai simbolistai sandūroje XIX–XX amžių. Ji gimė aristokratų šeimoje Porvoo mieste. 1886 m. mirė jos tėvas, šeima susidūrė su finansiniais sunkumais. Skirtingai nuo kitų moterų menininkių, Shernschantz turėjo dirbti, kad užsidirbtų pragyvenimui. 1891 m., tuo pačiu metu kaip kita žinoma suomių menininkė Ellen Tesleff, ji atvyko į Paryžių, o merginos kartu įstojo į Colarossi akademiją. Bede mentorius buvo Magnusas Enckellas, kurio įtakoje ji įsisavino simbolizmo idėjas. Šios krypties atstovai buvo įsitikinę, kad menas turi ne vergiškai kopijuoti gamtą, o grynintis dėl grožio, subtilių jausmų ir išgyvenimų išraiškos. Dėl pinigų stokos Shernschanz Paryžiuje gyveno tik vienerius metus. Grįžusi į Suomiją ji nerado sau vietos ir 1895 metais išvyko į Estijos salą Vormsi, kur buvo sena švedų gyvenvietė, išlaikiusi savo kalbą, papročius, drabužius. Ten dailininkas nutapė paveikslą Visur mus šaukia balsas» (1895). Paveikslo pavadinimas – citata iš tuo metu garsios „Suomijos dainos“ ( Suomen laulu), kuriems žodžius parašė poetas Emilis Kwantenas. Kaip matote, ne tik Karelija buvo ta vieta, kur suomių menininkai ėjo ieškoti nesugadintos gamtos ir žmonių.

Šioje poetinėje drobėje menininkas pavaizdavo būrį švedų vaikų, kuriems svetimoje aplinkoje pavyko išsaugoti tautines tradicijas ir kalbą. Dėl šios priežasties kai kurie kritikai paveiksle įžvelgė patriotinę prasmę, juolab kad svarbią vietą kompozicijoje užima kantele, kuria grojo viena iš merginų. Dar viena mergina dainuoja, o šie garsai užpildo asketišką kraštovaizdį vėjo malūnais. Dėl visiškai statiškų, sustingusių pozų ir supančio peizažo tuštumos žiūrovas tarsi ima klausytis ir drobėje skambančios muzikos. Atrodo, net vėjas nurimo, nei lapai, nei vėjo malūnai nejuda, tarsi būtume užburtoje karalystėje, vietoje, kuri iškrito iš laiko. Jei vadovausimės simbolistiniu paveikslo aiškinimu, tai pamaldūs ir susikaupę vaikų veidai šio mistinio kraštovaizdžio fone yra būdas perteikti nekaltumo būseną. Be to, kaip ir daugelyje kitų simbolistų kūrinių, ypatingas vaidmuo skiriamas muzikai – pačiam eteriškiausiam ir kilniausiam menui.

1897-98 metais. Beda Shernschanz, gavusi Suomijos vyriausybės dotaciją, išvyko keliauti po Italiją, tačiau po šio laikotarpio jos kūrybinė veikla nutrūko. Nors menininkės palikimas nedidelis, sulaukia tyrėjų susidomėjimo, o ateityje tikimasi nemažai konferencijų ir publikacijų, kurios leis daugiau sužinoti apie jos kūrybos reikšmę tarptautiniame epochos kontekste. amžiaus.

Kitas įdomus to paties laikotarpio suomių menininkas yra Elin Danielson-Gambogi (Elin Danielson-Gambogi) (1861-1919). Elin Danielson-Gambogi priklausė pirmajai suomių kartai moterys menininkės kurie įgijo profesinį išsilavinimą. Ji daugiausia dirbo realistinio portreto žanru, tiek gyvenime, tiek kūryboje nuo kolegų skyrėsi emancipacija ir bohemišku gyvenimo būdu. Ji kritikavo moterų padėtį visuomenėje, mūvėjo kelnes ir rūkė, gyveno antikonformistiškai ir bendravo su daugeliu menininkų, tarp jų ir norvegų skulptoriu Gustavu Vigelandu (jie užmezgė romaną 1895 m.). Jos paveikslai, kuriuose vaizduojamos moterys kasdienėse situacijose, daugelio kritikų buvo laikomi vulgariais ir nepadoriais.

« autoportretas» Elin Danielson-Gambogi (1900) buvo nutapyta tuo metu, kai menininkė ėmė sulaukti pripažinimo Europoje. Menininkė vaizduojama savo studijoje su teptuku ir palete rankoje, o pro užuolaidą priešais langą sklinda šviesa, sukurianti aureolę aplink galvą. Didelis drobės formatas, menininko poza ir išvaizda – visa tai išreiškia nepriklausomą ir savimi pasitikinčią prigimtį. Už šį paveikslą Danielsonas-Gambogi 1900 metais Florencijoje buvo apdovanotas sidabro medaliu.

Elin Danielson-Gamboji gimė kaime netoli Porio miesto. 1871 metais jų šeimos ūkis bankrutavo, o po metų nusižudė jos tėvas. Nepaisant to, mamai pavyko rasti lėšų, kad būdama 15 metų Elin persikėlė į ir pradėjo mokytis tapybos. Mergina augo laisvoje atmosferoje, už griežtų socialinių tabu ribų. 1883 m. Danielson-Gambogi išvyko, kur tęsė mokslus Colarossi akademijoje, o vasarą studijavo tapybą Bretanėje. Tada menininkė grįžo į Suomiją, kur bendravo su kitais tapytojais ir dėstė dailės mokyklose, o 1895 metais gavo stipendiją ir išvyko į Florenciją. Po metų ji persikėlė į Antignano kaimą ir ištekėjo už italų dailininko Raffaello Gamboggi. Pora dalyvavo daugybėje parodų visoje Europoje; jų darbai buvo parodyti 1900 m. pasaulinėje parodoje Paryžiuje ir 1899 m. Venecijos bienalėje. Tačiau XX amžiaus pradžioje prasidėjo šeimyniniai ir finansiniai sunkumai, vyro išdavystės ir ligos. Elin Danielson-Gambogi mirė nuo plaučių uždegimo ir buvo palaidota Livorne.

Galiausiai, tarp Suomijos menininkės negalima vadinti Ellen Thesleff (Ellen Thesleff) (1869–1954). Nedaug suomių autorių sulaukė tokio ankstyvo pripažinimo. Jau 1891 m. jaunoji Thesleff dalyvavo Suomijos meno draugijos parodoje su savo nuostabiu darbu. Aidas» ( Kaiku) (1891) sulaukė kritikų pripažinimo. Tuo metu ji ką tik buvo baigusi privačią Gunnaro Berndtsono akademiją ( GunarasBerndtsonas) ir išvyko į savo pirmąją kelionę, kur mergina su drauge Beda Shernschanz įstojo į Colarossi akademiją. Paryžiuje ji susipažino su simbolika, tačiau nuo pat pradžių pasirinko savo, savarankišką meno kelią. Šiuo laikotarpiu ji pradėjo kurti asketiškų spalvų paveikslus.

Svarbiausias Ellenos Tesleff įkvėpimo šaltinis buvo italų menas. Jau 1894 metais ji išvyko į ankstyvojo Renesanso tėvynę – Florenciją. Čia menininkė pamatė daug gražių religinės tapybos darbų, tarp kurių buvo Botticelli, kurio darbais ji žavėjosi dar Luvre. Thesleffas taip pat nukopijavo vienuolyno freskas. Dvasinės italų tapybos įtaka sustiprino jos potraukį poetiškam, didingam menui, o vėlesniais metais spalvinis asketizmas jos kūryboje sulaukė maksimalios išraiškos. Būdingi jos darbų motyvai – griežti, tamsių spalvų peizažai ir žmonių figūros, vaiduokliškos ir melancholiškos.

Šio laikotarpio darbų pavyzdys yra kuklus dydis “ autoportretas» (1894-95) Ellen Tesleff, piešta pieštuku. Šis Florencijoje sukurtas autoportretas buvo dvejų metų parengiamojo darbo rezultatas. Iš tamsos išnyrantis sielos kupinas veidas daug pasako apie menininkę ir jos tuometinius idealus. Vadovaudamasi simbolizmo filosofija, ji kėlė esminius būties klausimus ir tyrinėjo žmogaus jausmus. Šiame autoportrete galima pamatyti šiuolaikinį Leonardo da Vinci meno įsikūnijimą su jo klausimais ir gyvenimo paslaptimis. Tuo pačiu vaizdas yra labai asmeniškas: jis atspindi Thesleff sielvartą dėl mylimo tėvo mirties, įvykusios prieš dvejus metus.

Thesleff užaugo muzikalioje šeimoje ir nuo vaikystės mėgo dainuoti ir muzikuoti su seserimis. Vienas dažniausių jos kūrybos motyvų buvo aidas arba riksmas – primityviausia muzikos forma. Ji taip pat dažnai vaizdavo grojantį smuiku – vienu iškiliausių ir sudėtingiausių muzikos instrumentų. Pavyzdžiui, paveikslo modelis " grojimas smuiku” („Smuikininkė“) (1896 m.) atliko menininko sesuo Tira Elizaveta, kuri 1890-aisiais dažnai jai pozuodavo.

Kompozicija išlikta šiltais permatomais, perlamutro-opalų tonais. Smuikininkas nusisuko nuo žiūrovo, susikoncentravęs į žaidimą. Muzikos tema, gerbiama kaip dvasingiausias, dieviškiausias menas, buvo viena iš labiausiai paplitusių simbolikoje, tačiau menininkai retai vaizdavo moteris muzikantes.

Kaip ir jos draugas Magnusas Enkkelis, ankstyvoje savo darbo stadijoje Ellen Thesleff pirmenybę teikė spalviniam asketiškumui. Bet tada jos stilius pasikeitė. Kandinskio ir jo Miuncheno rato įtakoje menininkė tapo pirmąja foviste Suomijoje, o 1912 m. buvo pakviesta dalyvauti Suomijos asociacijos parodoje. rugsėjis kuris pasisakė už ryškias grynas spalvas.

Tačiau jos dalyvavimas neperžengė parodos ribų: Tesleff nesijungė į jokias grupes, vienatvę laikydamas normalia stiprios asmenybės būsena. Atsitraukdamas nuo senos pilkai rudos spalvos diapazono, brandesniame amžiuje Thesleffas pradėjo kurti spalvingas ir daugiasluoksnes spalvų fantazijas. Ji su seserimi ir mama ne kartą lankėsi Toskanoje, kur piešė saulėtus Italijos peizažus.

Tesleff niekada nesusituokė, tačiau ji užėmė kūrybinės asmenybės vietą. Menininkas nugyveno ilgą gyvenimą ir sulaukė pripažinimo.

Užsienio menas Ateneum

Ateneum muziejaus užsienio meno kolekcijoje yra per 650 paveikslų, skulptūrų ir piešinių, sukurtų tokių garsių meistrų kaip Cezanne, Wag Gogh, Chagall, Modigliani, Munch, Repin, Rodin, Zorn.

Iš užsienio kolekcijos Ateneum muziejus išskirti Van Gogho „Gatvė Auvers prie Oise“(1890). Vincentas van Goghas nutapė šį paveikslą prieš pat savo mirtį mažame Auvers-sur-Oise miestelyje ( Auvers-sur-Oise), esantis Senos intako slėnyje, apie 30 km į šiaurės vakarus nuo. Van Gogas, kenčiantis nuo psichikos ligų, išvyko į Auvers-sur-Oise, patartas savo brolio Theo, kur gydytis pas daktarą Paulą Gachet. Auvers-sur-Oise veikė šio gydytojo klinika – menui neabejingo žmogaus, pažįstamo su daugeliu prancūzų menininkų ir tapusio Van Gogo draugu.

Auvers-sur-Oise miestelis ilgainiui tapo menininko, kuris jautėsi našta savo broliui ir jo šeimai, mirties vieta. Van Gogas nusišovė, o paskui nukraujavo. Menininkas gyveno Auvers-sur-Oise paskutines 70 savo gyvenimo dienų ir per šį trumpą laiką nupiešė 74 paveikslus, iš kurių vienas dabar yra pagrindiniame Helsinkio meno muziejuje. Gali būti, kad paveikslas liko nebaigtas (kai kur matosi gruntas). Dangaus šviesumas išryškina ramesnį žalią žemės atspalvį ir rausvą čerpių stogų atspalvį. Atrodo, kad visa scena yra dvasiniame judesyje, persmelkta neramios energijos.

Labai įdomi istorija, kaip pateko paveikslas „Auvers-sur-Oise gatvė“. Ateneum muziejus. Kurį laiką po Van Gogho mirties ji priklausė menininko broliui Theo, o vėliau jo našlei, iš kurios Julienas Leclercas nusipirko drobę ( Julienas Leclercqas) yra prancūzų poetas ir meno kritikas. Yra žinoma, kad 1900 metais Leclercas iš Theo našlės įsigijo mažiausiai 11 Van Gogho paveikslų. Po metų jis surengė pirmąją Van Gogho retrospektyvinę parodą, tačiau netrukus netikėtai mirė. Leclerco žmona buvo pianistė ​​Fanny Flodin ( FannyFlodinas), suomių menininkės ir skulptorės Hildos Flodin sesuo ( Hilda Flodin). 1903 metais Fanny už 2500 markių (apie 9500 eurų šiandieniniais pinigais) pardavė Van Gogho paveikslą ne kartą minėto kolekcionieriaus Fridtjofo Antello atstovams. Ši drobė tapo pirmasis Wag Gogh senosios bažnyčios paveikslas

Albertas Gustavas Aristide'as Edelfeltas (1854–1905)

Albertas Edelfeltas gimė 1854 m. Suomijoje netoli Porvo. Jo tėvas buvo architektas. Iš tėvo jis perėmė meilę muzikai ir piešimui. Tačiau mama būsimam menininkui buvo artimiausias žmogus. Albertas Edelfeltas daugeliu atžvilgių buvo jo ambicingos motinos kūrinys.

Dailininko mamos portretas. 1883 m

Pirmąsias tapybos pamokas berniukas gavo Suomijos dailės draugijos mokykloje Helsinkyje. Nusprendęs atsidėti tapybai, įstoja į Antverpeno dailės akademiją, bet po metų persikelia į Paryžių, kur ima pamokas pas L. Jerome'ą.

Realisto atstovas. Patyrė impresionizmo įtaką. Istorinių drobių, tapybos iš liaudies buities, peizažų, portretų autorius, pasižymėjęs meninės formos laisvumu ir išraiškingumu, subtiliu šviesos-oro aplinkos perteikimu, šventiniu spalvų ryškumu.

Jau dvidešimt trejų metų Edelfeltas tapo ryškiausia suomių tapybos figūra ir vadovavo jaunosios kartos menininkų kovai už realizmą ir kūrybą iš gamtos. Albertas iš pradžių ketino tapti istorijos tapytoju. Iš jo buvo tikimasi patriotinių paveikslų. Žymiausias šio plano paveikslas buvo kunigaikščio Karlo „C. Flemingo palaikų išniekinimas“ (1878). Ši istorija išryškina kovą dėl valdžios Suomijoje, kuri vyko XVI amžiaus pabaigoje.

Hercogo Charleso išniekinimas dėl K. Flemingo palaikų. 1878 m

Nuostabus spalvų žaismas ir jaunystės gaiva traukia paveikslą „Karalienė Blanka su vaiku“ (1877).

Tačiau pamažu gyvas gimtojo krašto gyvenimas jį vis labiau traukia. Kiti tapytojo darbai buvo sukurti jau realistinio liaudies gyvenimo vaizdavimo stiliumi. Namuose Albertas ne kartą keliavo su žvejais į atvirą jūrą, o paskui studijoje Heiko specialiai sustatė pjautą žvejų valtį preciziškam detalių atlikimui. Paveikslo „Vaiko laidotuvės“ (1879), kaip ir tikroji paveikslo „Prie jūros“ (1883) sėkmė padarė Edelfeltą pripažintu meistru tėvynėje.

Vaiko laidotuvės. 1879 m

Jūroje. 1883 m

A. Edelfelto, kaip tautinio menininko, reputaciją labiausiai patvirtino jo paveikslai iš paprastų Suomijos žmonių gyvenimo: „Berniukai prie vandens“ (1884), „Mergina su grėbliu“ (1886), „Moterys iš Ruoholahti“ ( 1887).

Rusijos kritikas V.V. Stasovas rašė: „Geriausias iš visų jų suomių, žinoma, yra Edelfeltas, ir jis turi nuostabiausią Skalbyklos (1889 m.) paveikslą, kupiną sveiko, gaivaus realizmo ir gyvybės. Šis paveikslas išliko Rusijoje, o nuo 1930 m. – Ermitaže.

Skalbėjai. 1889 m

Žiūrovų dėmesį visada patraukia tikrai „Paryžietiškos dvasios“ paveikslas „Liuksemburgo soduose“ (1887). Šių metų plenero darbuose A. Edelfeltas daug dėmesio skiria šviesos ir spalvų problemoms.

Liuksemburgo soduose. 1887 m

Keliaudamas po Europą Edelfeltas ilgam sustojo Sankt Peterburge. Pirmą kartą į Sankt Peterburgą jis atvyko 1881 m. Rusijos menininkai ir visuomenė A. Edelfeltą pasitiko entuziastingai, 1881 metais jaunas suomių tapytojas savo darbus pristatė Sankt Peterburgo akademijos teismui. Jam puikiai sekėsi: jam suteiktas akademiko vardas, surengė personalinę parodą Carskoje Selo mieste. Edelfeltas buvo pristatytas karališkajai šeimai. Caro Aleksandro III prašymu padarė paveikslo „Ant jūros“ kopiją, padarė nemažai užsakomųjų darbų. Per tą patį laikotarpį menininkė sukuria kelis žanrinius portretus, iš kurių populiariausias buvo dailininko sesers Bertos portretas su šunimi vasarnamyje Heiko mieste.

Geri draugai. 1881 m

Pavadinimu „Geri draugai“ (1881), šio paveikslo kopijos saugomos Ateneume ir Geteborge. Artimo charakterio paveikslą „Melželyje“ (1885) Aleksandras III nupirko Gatčinos rūmams. „Athenium“ taip pat eksponuojamas šiais metais sukurtas Sophie Manzey portretas.

Sophie Manzey portretas.

A. Edelfelto populiarumo ir autoriteto dėka Suomijos menas sulaukė pripažinimo Rusijoje. Sankt Peterburge Edelfeltas susitiko su jaunaisiais naujojo rusų meno veikėjais Sergejumi Diaghilevu ir Aleksandru Benua: „Mes tiesiogine prasme kabėjome ant Edelfelto, mūsų akyse jo galvą gaubė Paryžiaus pripažinimo aureolė“, – vėliau rašė Benua. Suomių ir rusų menininkų artumą paženklino kelios bendros parodos. Didžiausias iš jų buvo 1898 m. muziejuje barono Stieglitzo mokykloje. Ten buvo pristatomi to meto jaunųjų menininkų darbai: Serovas, Repinas, Vrubelis – iš rusų kalbos; ir M. Enkel, Gallen-Kallela, Yarnefeld – iš Suomijos pusės. Paroda sukėlė didelį Rusijos visuomenės susidomėjimą Suomijos kultūra ir pačia Suomija.

Bet pagrindinė A. Edelfelto kūrybos forma brandos metais buvo portretinė tapyba. Edelfeltas daug ir sėkmingai dirbo portreto žanre. Papie Prancūzijos vyriausybės įsakymą, rašė jisLouiso Pasteuro portretas (1885). 1880-aisiais ir 1890-aisiais Edelfeltas daug dirbo pagal Rusijos karališkojo dvaro užsakymus. Tačiau be oficialių portretų jis kūrė gražius kūrinius: „Motinos portretas“, „Pasakotoja Larin Paraske“, puikių suomių aktorių Ainės Aktės ir Idos Aalberg portretus.

Peizažas Edelfelto kūryboje užima palyginti mažai vietos. Tačiau Ermitaže yra jo darbai: „Porvo vaizdas“, akvarelė „Kaukolės ežero vaizdas“, ofortas „Pušis sniege“. Ermitaže taip pat yra nemažai žymaus suomių meistro piešinių ir iliustracijų.

Edelfelto kūrybos eskizas būtų neišsamus nepaminėjus paskutinio jo darbo: 1900–1904 m. menininkas Helsinkio universiteto aktų salėje kūrė monumentalią lentą tema: „Iškilmingas universiteto atidarymas Turku mieste 1640 m. “. Kompozicija buvo sudaryta paradinės procesijos pavidalu su XVII amžiaus kostiumais.

Iškilmingas universiteto atidarymas Turku mieste 1640 m. 1902 m. (Paspauskite)

Albertas Edelfeltas staiga mirė vasarnamyje netoli Porvo 1905 m. rugpjūtį. Tai buvo smūgis suomių menui. Tačiau jo paveikslai mums taip pat įdomūs ir suprantami, nes buvo artimi jo amžininkams.

Vladimiras Losevas

Jauna moteris buduare. 1879 m

Eliziejaus laukuose. 1886 m

Dailininkės sesers Bertos Edelfelt portretas. 1884 m

Dailininko mamos portretas. 1902 m

Moteris po skėčiu. 1886 m

Caro Aleksandro III vaikai

Paryžiaus modelis. 1885 m

Marija Magdalietė. 1891 m

Vargas. 1894 m

suomių žvejai. 1898 metai

Kristus ir Marija Magdalietė. 1890 m

Louiso Pasteuro portretas. 1885 m

Berniukai žaidžia paplūdimyje. 1884 m

Mažas laivelis. 1884 m

Moteris valtyje. 1886 m

Po mišių prie bažnyčios sėdi kaimynai. 1887 m

Karelijos moterys. 1887 m

Mergina mezganti kojines. 1886 m

Braškių.

Mąstanti moteris bažnyčioje. 1893 m

Solveig

Pamaldos Ūsimos archipelage.

Grįžimas iš krikštynų.

Jaunos moters portretas. 1891 m

Skaityti paryžietiškai. 1880 m

Madame Valerie Rado portretas. 1888 m

Kultūra ir menas yra kiekvienos valstybės paveldas ir nuosavybė. „Tūkstančio ežerų žemė“ – ne tik slidinėjimo ir žvejybos rojus keliautojams ir turistams, bet ir įvairių meno istorikų bei tiesiog kūrybos žinovų vieta. Menas, ypač tapyba, Suomijoje yra labai išvystytas. Daugybė meno galerijų, muziejų ir parodų pradžiugins net pačius įmantriausius vaizduojamojo meno žinovus.

Suomijos menininkai, XIX amžiuje įgiję europietišką išsilavinimą, tapo pagrindiniu ir varomuoju veiksniu, davusiu postūmį Suomijos vaizduojamojo meno raidai. Prieš pradėdami susipažinti su suomių tapybos atstovais, susipažinkime su „suomių meno ir tapybos tėvo“ Roberto Ekmano kūryba.

Robertas Vilhelmas Ekmanas

1808 m. gimęs menininkas savo paveiksluose vaizdavo paprastų Suomijos valstiečių gyvenimą, visus jų gyvenimo sunkumus, sutelkė visuomenės dėmesį į Suomijos valstybės socialinę politiką paprastų žmonių atžvilgiu. Kai Robertui buvo 16 metų, jis išvyko į Stokholmą studijuoti Švedijos dailės akademijoje. Būdamas jaunas ir puikus talentas, Ekmanas už savo talentą gavo Švedijos stipendiją, o vėliau menininko pašaukimas prisidėjo prie to, kad išvyko studijuoti į Italiją ir Prancūziją, o vėliau – į Olandiją. Šiose šalyse šepečio meistras praleido ištisus septynerius metus nuo 1837 iki 1844 m.

Grįžęs į Suomijos šalį, Robertas Vilhelmas apsigyveno Turku mieste, kur savo sienų freskomis ir piešiniais pradėjo tapyti vietinę katedrą. Po to mieste įkūrė piešimo mokyklą, kuriai vadovavo iki 1873 m. Jis labai aiškiai nubrėžė bedugnę, kuri buvo tarp bajorų ir valstiečių. Tapytojo paveikslai visus šokiravo savitu ir nesugalvotu tikroviškumu. „Suomių tapybos ir meno tėvas“ mirė 1873 m.

Akseli Waldemar Gallen Kallela (Gallen-Kallela Akseli)

Akseli Gallen Kallela gimė mažame Suomijos miestelyje Bjorneborg (šiuolaikinis pavadinimas Pori) 1863 m. balandžio mėn. Kovotojas už Suomijos nepriklausomybę, menininkas savo kūryboje stengėsi pavaizduoti kvietimą tautai kovoti už savo šalies nepriklausomybę. Dailininkei būdingas modernizmas leido Axeliui Gallenui Kallelai sukurti labai tikroviškus paveikslus. Pasibaigus Suomijos pilietiniam karui (1918 m.), menininkas įsitraukė į heraldiką ir vėliavų dizainą. XX amžiaus viduryje menininkas kurį laiką gyveno ir kūrė Jungtinėse Amerikos Valstijose, kur sėkmingai rengė savo darbų parodas. Tapytojas mirė 1931 metais Stokholme, jis mirė nuo plaučių uždegimo.

Oskaras Kleinehas

Garsiausias Suomijos jūrinių peizažų tapytojas gimė 1846 m. ​​rugsėjį Suomijos sostinėje. Vokiškos Oskaro šaknys „atėjo į pagalbą“, o tai leido jam studijuoti Vokietijoje, būtent Diuseldorfe. Vėliau Kleinechas tęsė studijas Sankt Peterburge ir Karlsrūhėje. Didžiausią marinistinio tapytojo populiarumą atnešė paveikslai, kuriuose vaizduojami jūros natiurmortai ir peizažai, vieno autoriaus kūryba eksponuojama net Sankt Peterburgo Ermitaže. Menininkas mirė gimtajame Helsinkyje 1919 m.