Om den nasjonale betydningen av Ostrovskys arbeid. Verdien av Ostrovskys dramaturgi
Dramatikeren la nesten ikke inn politiske og filosofiske problemer, ansiktsuttrykk og gester, gjennom å leke med detaljene i deres kostymer og hverdagsmiljø. For å forsterke de komiske effektene, introduserte dramatikeren vanligvis mindre personer i handlingen - slektninger, tjenere, vaner, tilfeldige forbipasserende - og sideforhold i hverdagen. Slike er for eksempel Khlynovs følge og herren med bart i The Hot Heart, eller Apollo Murzavetsky med sin Tamerlane i komedien Wolves and Sheep, eller skuespilleren Schastlivtsev under Neschastlivtsev og Paratov i The Forest and The Dowry, etc. The dramatiker, som før, forsøkte å avsløre karakterenes karakterer ikke bare i selve hendelsesforløpet, men i ikke mindre grad også gjennom særegenhetene ved deres dagligdagse dialoger - "karakterologiske" dialoger, estetisk mestret av ham i "His People .. .".
Således, i den nye kreativitetens periode, fungerer Ostrovsky som en etablert mester med et komplett system av dramatisk kunst. Hans berømmelse, hans sosiale og teatralske forbindelser fortsetter å vokse og bli mer komplekse. Selve overfloden av skuespill som ble skapt i den nye perioden var et resultat av en stadig økende etterspørsel etter Ostrovskys skuespill fra magasiner og teatre. I løpet av disse årene jobbet dramatikeren ikke bare selv utrettelig, men fant styrken til å hjelpe mindre begavede og nybegynnere, og noen ganger delta aktivt med dem i arbeidet deres. Så, i kreativt samarbeid med Ostrovsky, ble en rekke skuespill av N. Solovyov skrevet (de beste av dem er "The Marriage of Belugin" og "Wild Woman"), samt P. Nevezhin.
Ostrovsky bidro stadig til oppsetningen av skuespillene hans på scenene til teatrene i Moskva Maly og St. Petersburg Alexandria. mangler. Han så at han ikke skildret den edle og borgerlige intelligentsiaen i dens ideologiske søken, slik Herzen, Turgenev og delvis Goncharov gjorde. I skuespillene sine viste han det daglige sosiale livet til vanlige representanter for handelsstanden, byråkratiet, adelen, et liv der personlige, spesielt kjærlighet, konflikter manifesterte sammenstøt mellom familie-, penge- og eiendomsinteresser.
Men Ostrovskys ideologiske og kunstneriske bevissthet om disse aspektene ved det russiske livet hadde en dyp nasjonal og historisk betydning. Gjennom de daglige relasjonene til de menneskene som var livets herrer og mestere, ble deres generelle sosiale tilstand avslørt. Akkurat som, ifølge Chernyshevskys treffende bemerkning, var den feige oppførselen til en ung liberal, helten i Turgenevs historie "Asya", på en date med en jente et "sykdomssymptom" på all edel liberalisme, dens politiske svakhet, så Daglig tyranni og rovdrift fra kjøpmenn, embetsmenn og adelsmenn var et symptom på en mer forferdelig sykdom på deres fullstendige manglende evne til i det minste til en viss grad å gi deres aktiviteter en landsomfattende progressiv betydning.
Dette var ganske naturlig og naturlig i førreformperioden. Da var tyranniet, arrogansen, predasjonen til Voltovs, Vyshnevskys, Ulanbekovs en manifestasjon av livegenskapets "mørke rike", allerede dømt til å bli revet. Og Dobrolyubov påpekte riktig at selv om Ostrovskys komedie «ikke kan gi en nøkkel til å forklare mange av de bitre fenomenene som er avbildet i den», «kan den lett føre til mange analoge betraktninger knyttet til det livet, som den ikke direkte angår». Og kritikeren forklarte dette med det faktum at "typene" av småtyranner, avlet av Ostrovsky, "ikke er det. inneholder sjelden ikke bare utelukkende handelsmessige eller byråkratiske, men også generelle (dvs. landsdekkende) trekk. Med andre ord, Ostrovskys skuespill fra 1840-1860. indirekte avslørt alle de "mørke rikene" i det autokratisk-føydale systemet.
I tiårene etter reformen endret situasjonen seg. Så ble «alt snudd på hodet» og det nye, borgerlige systemet for russisk liv begynte gradvis å «passe inn». Og spørsmålet om hvordan nettopp dette nye systemet ble «innrettet» var av enorm nasjonal betydning, i hvilken grad den nye herskende klassen, det russiske borgerskapet, kunne ta del i kampen for å avskaffe overlevelsen av livegenskapets «mørke rike» og hele det autokratiske grunneiersystemet.
Nesten tjue av Ostrovskys nye skuespill om samtidige temaer ga et klart negativt svar på dette fatale spørsmålet. Dramatikeren, som før, skildret verden av private sosiale, husholdnings-, familie- og eiendomsforhold. Ikke alt var klart for ham i de generelle tendensene til deres utvikling, og hans "lyre" ga noen ganger ikke helt "korrekte lyder" i denne henseende. Men i det hele tatt inneholdt Ostrovskys skuespill en viss objektiv orientering. De avslørte både restene av det gamle "mørke riket" av despotisme og det nylig fremvoksende "mørke riket" av borgerlig predasjon, pengehype, ødeleggelsen av alle moralske verdier i en atmosfære av generelt kjøp og salg. De viste at russiske forretningsmenn og industrimenn ikke er i stand til å oppnå realiseringen av interessene til nasjonal utvikling, at noen av dem, som Khlynov og Akhov, bare er i stand til å hengi seg til grove gleder, andre, som Knurov og Berkutov, kan bare underordne alt rundt dem til deres rov, "ulve" interesser, og for tredjeparter, som Vasilkov eller Frol Pribytkov, er profittinteressene kun dekket av ytre anstendighet og svært snevre kulturelle krav. Ostrovskys skuespill, i tillegg til forfatterens planer og intensjoner, skisserte objektivt et visst perspektiv for nasjonal utvikling - utsiktene til den uunngåelige ødeleggelsen av alle restene av det gamle "mørke riket" av autokratisk livegnedespotisme, ikke bare uten deltakelse av borgerskapet, ikke bare over hodet, men sammen med ødeleggelsen av sitt eget rovdyr "mørke rike"
Virkeligheten som ble skildret i Ostrovskys daglige skuespill var en livsform blottet for et landsomfattende progressivt innhold, og avslørte derfor lett intern komisk inkonsekvens. Ostrovsky viet sitt enestående dramatiske talent til avsløringen. Basert på tradisjonen med Gogols realistiske komedier og historier, og restrukturerte den i samsvar med de nye estetiske kravene som ble fremsatt av "naturskolen" på 1840-tallet og formulert av Belinsky og Herzen, sporet Ostrovsky den komiske inkonsekvensen i det sosiale og hverdagslige livet til. de herskende lagene i det russiske samfunnet, fordyper seg i "verdensdetaljer", og ser på "nettet av daglige relasjoner" tråd for tråd. Dette var hovedprestasjonen til den nye dramatiske stilen skapt av Ostrovsky.
Essay om litteratur om emnet: Betydningen av Ostrovskys arbeid for den ideologiske og estetiske utviklingen av litteratur
Andre skrifter:
- A. S. Pushkin kom inn i Russlands historie som et ekstraordinært fenomen. Dette er ikke bare den største poeten, men også grunnleggeren av det russiske litterære språket, grunnleggeren av den nye russiske litteraturen. "Pushkins muse", ifølge V. G. Belinsky, "ble næret og oppdratt av verkene til tidligere diktere." På Les mer......
- Alexander Nikolayevich Ostrovsky... Dette er et uvanlig fenomen. Hans rolle i historien om utviklingen av russisk dramaturgi, scenekunst og hele den nasjonale kulturen kan neppe overvurderes. For utviklingen av russisk drama gjorde han like mye som Shakespeare i England, Lone de Vega i Spania, Molière Les mer ......
- Tolstoj var veldig streng på håndverksforfattere som skrev "verkene" sine uten ekte lidenskap og uten overbevisning om at folk trengte dem. Lidenskapelig, uselvisk entusiasme for kreativitet Tolstoy beholdt til de siste dagene av sitt liv. På tidspunktet for arbeidet med romanen "Oppstandelse", tilsto han: "Jeg Les mer ......
- A. N. Ostrovsky regnes med rette som sangeren i handelsmiljøet, faren til russisk hverdagsdrama, russisk teater. Omtrent seksti skuespill tilhører pennen hans, hvorav de mest kjente er "Dowry", "Late Love", "Forest", "Enough Simplicity for Every Wise Man", "Own People - Let's Settle", "Thunderstorm" og Les mer .....
- Når vi snakket om "stivning av en person" kraft av "treghet, nummenhet", bemerket A. Ostrovsky: "Det er ikke uten grunn at jeg kalte denne kraften Zamoskvoretskaya: der, bortenfor Moskva-elven, hennes rike, der hennes trone. Hun kjører en mann inn i et steinhus og låser jernporten bak seg, hun kler seg Les mer ......
- I europeisk kultur legemliggjør romanen etikk, som kirkearkitektur legemliggjør ideen om tro, og sonetten legemliggjør ideen om kjærlighet. En fremragende roman er ikke bare en kulturell begivenhet; det betyr mye mer enn bare et skritt fremover i det litterære håndverket. Dette er et monument fra tiden; monumentalt monument, Les mer ......
- Den nådeløse sannheten fortalt av Gogol om hans samtidssamfunn, brennende kjærlighet til folket, den kunstneriske perfeksjonen av verkene hans - alt dette bestemte rollen som den store forfatteren spilte i russisk og verdenslitteraturens historie, i å etablere prinsippene for kritisk realisme , i utviklingen av demokratiske Les mer .. ....
- Krylov tilhørte de russiske opplysningsmennene på 1700-tallet, ledet av Radishchev. Men Krylov klarte ikke å reise seg til ideen om et opprør mot autokratiet og livegenskapet. Han mente at det var mulig å forbedre det sosiale systemet gjennom moralsk omskolering av mennesker, at sosiale problemer burde løses Les mer ......
Komposisjon
Alexander Nikolaevich Ostrovsky... Dette er et uvanlig fenomen. Hans rolle i historien om utviklingen av russisk dramaturgi, scenekunst og hele den nasjonale kulturen kan neppe overvurderes. For utviklingen av russisk drama gjorde han like mye som Shakespeare i England, Lone de Vega i Spania, Molière i Frankrike, Goldoni i Italia og Schiller i Tyskland. Til tross for trakasseringen som ble påført av sensuren, teater- og litteraturkomiteen og direktoratet for de keiserlige teatrene, til tross for kritikken fra reaksjonære miljøer, fikk Ostrovskys dramaturgi hvert år mer og mer sympati både blant demokratiske tilskuere og blant kunstnere.
Ved å utvikle de beste tradisjonene innen russisk dramatisk kunst, bruke erfaringen fra progressiv utenlandsk dramaturgi, utrettelig lære om livet i hjemlandet, konstant kommunisere med folket, nære kontakt med den mest progressive samtidspublikum, ble Ostrovsky en enestående skildring av livet av sin tid, som legemliggjorde drømmene til Gogol, Belinsky og andre progressive skikkelser.litteratur om utseendet og triumfen på den nasjonale scenen til russiske karakterer.
Den kreative aktiviteten til Ostrovsky hadde stor innflytelse på hele videreutviklingen av progressivt russisk drama. Det var fra ham våre beste dramatikere studerte, han underviste. Det var til ham ambisiøse dramatiske forfattere ble trukket i sin tid.
Styrken til Ostrovskys innflytelse på forfatterne på hans tid kan bevises av et brev til dramatikeren poetinnen A. D. Mysovskaya. «Vet du hvor stor innflytelsen du hadde på meg? Det var ikke kjærlighet til kunst som fikk meg til å forstå og sette pris på deg: tvert imot, du lærte meg å elske og respektere kunst. Jeg står i gjeld til deg alene for det faktum at jeg motsto fristelsen til å falle inn på arenaen for elendig litterær middelmådighet, ikke jaget etter billige laurbær kastet av hendene på søte og sure halvutdannede. Du og Nekrasov fikk meg til å bli forelsket i tanker og arbeid, men Nekrasov ga meg bare den første drivkraften, du er retningen. Når jeg leste verkene dine, innså jeg at rim ikke er poesi, og et sett med fraser er ikke litteratur, og at kun ved å bearbeide sinnet og teknikken, vil kunstneren være en ekte kunstner.
Ostrovsky hadde en kraftig innvirkning ikke bare på utviklingen av innenlandsk drama, men også på utviklingen av det russiske teatret. Den kolossale betydningen av Ostrovsky i utviklingen av det russiske teateret er godt understreket i et dikt dedikert til Ostrovsky og lest i 1903 av M. N. Yermolova fra scenen til Maly Theatre:
På scenen, livet selv, fra scenen blåser sannheten,
Og den lyse solen kjærtegner og varmer oss ...
Den levende talen til vanlige, levende mennesker lyder,
På scenen, ikke en "helt", ikke en engel, ikke en skurk,
Men bare en mann ... Glad skuespiller
Har det travelt med å raskt bryte de tunge lenkene
Forhold og løgner. Ord og følelser er nye
Men i sjelens hemmeligheter lyder svaret til dem, -
Og alle munner hvisker: Velsignet er dikteren,
Rev av de loslitte, tinsel-dekslene
Og kast et sterkt lys inn i mørkets rike
Den berømte skuespillerinnen skrev om det samme i 1924 i memoarene hennes: "Sammen med Ostrovsky dukket sannheten selv og selve livet opp på scenen ... Veksten av originalt drama begynte, full av svar på moderniteten ... De begynte å snakke om fattige, ydmykede og fornærmede.»
Den realistiske retningen, dempet av autokratiets teaterpolitikk, videreført og utdypet av Ostrovsky, vendte teatret inn på veien for nær forbindelse med virkeligheten. Bare det ga liv til teatret som et nasjonalt, russisk, folketeater.
«Du tok med et helt bibliotek med kunstverk som en gave til litteraturen, du skapte din egen spesielle verden for scenen. Du alene fullførte bygningen, ved grunnlaget som hjørnesteinene til Fonvizin, Griboyedov, Gogol ble lagt. Dette fantastiske brevet ble mottatt blant andre gratulasjoner i året for trettifemårsjubileet for litterær og teatralsk aktivitet, Alexander Nikolaevich Ostrovsky fra en annen stor russisk forfatter - Goncharov.
Men mye tidligere, om det aller første verket til den fortsatt unge Ostrovsky, publisert i Moskvityanin, skrev en subtil kjenner av eleganse og en følsom observatør V. F. Odoevsky: denne mannen er et stort talent. Jeg tar for meg tre tragedier i Rus: "Undervekst", "Ve fra vidd", "Inspektør". Jeg satte nummer fire på Konkurs.
Fra en så lovende første vurdering til Goncharovs jubileumsbrev, et fullt, travelt liv; arbeid, og førte til et slikt logisk forhold av vurderinger, fordi talent krever først og fremst stor arbeidskraft av seg selv, og dramatikeren syndet ikke for Gud - han begravde ikke talentet sitt i jorden. Etter å ha publisert det første verket i 1847, har Ostrovsky siden skrevet 47 skuespill og oversatt mer enn tjue skuespill fra europeiske språk. Og alt i alt, i folketeatret han skapte, er det rundt tusen skuespillere.
Kort før hans død, i 1886, mottok Alexander Nikolayevich et brev fra L. N. Tolstoy, der den strålende prosaforfatteren innrømmet: "Jeg vet av erfaring hvordan folk leser, lytter og husker tingene dine, og derfor vil jeg gjerne hjelpe deg å ha nå blir raskt i virkeligheten det du utvilsomt er - en forfatter av hele folket i vid forstand.
Hele det kreative livet til A.N. Ostrovsky var uløselig knyttet til det russiske teateret, og hans fortjeneste til den russiske scenen er virkelig umålelig. Han hadde all grunn til å si på slutten av livet: "... det russiske dramateateret har bare ett jeg. Jeg er alt: akademiet, filantropen og forsvaret. I tillegg ... ble jeg sjefen av scenekunst."
Ostrovsky deltok aktivt i å sette opp skuespillene sine, jobbet med skuespillere, var venn med mange av dem og korresponderte med dem. Han la mye arbeid i å forsvare skuespillernes moral, og forsøkte å lage en teaterskole i Russland, sitt eget repertoar.
I 1865 organiserte Ostrovsky en kunstnerisk sirkel i Moskva, hvis formål var å beskytte interessene til kunstnere, spesielt provinsielle, og å fremme utdanningen deres. I 1874 grunnla han Society of Dramatic Writers and Opera Composers. Han utarbeidet notater til regjeringen om scenekunstens utvikling (1881), regissert ved Maly-teatret i Moskva og Alexandrinsky-teatret i St. Petersburg, hadde ansvaret for repertoaret til Moskva-teatrene (1886), og var sjef for teaterskolen (1886). Han "bygde" en hel "bygning av det russiske teateret", bestående av 47 originale skuespill. "Du brakte litteratur som en gave et helt bibliotek med kunstverk," skrev I. A. Goncharov til Ostrovsky, "du skapte din egen spesielle verden for scenen. Vi russere kan stolt si: vi har vårt eget russiske nasjonalteater."
Ostrovskys arbeid utgjorde en hel epoke i det russiske teatrets historie. Nesten alle skuespillene hans i løpet av hans levetid ble satt opp på Maly Theatre, de oppdro flere generasjoner av artister som vokste til fantastiske mestere på den russiske scenen. Ostrovskys skuespill har spilt en så viktig rolle i historien til Maly Theatre at det stolt kalles Ostrovsky-huset.
Ostrovsky iscenesatte vanligvis skuespillene sine selv. Han kjente godt til teatrets indre, skjulte for publikums øyne, bak scenen. Dramatikerens kunnskap om skuespillerlivet kom tydelig til uttrykk i skuespillene "Skogen" (1871), "Komikeren fra det 17. århundre" (1873), "Talenter og beundrere" (1881), "Skyldig uten skyld" (1883) .
I disse verkene vises levende typer provinsielle skuespillere med forskjellige roller foran oss. Dette er tragedier, komikere, «first lovers». Men uavhengig av rollen er livet til skuespillere som regel ikke lett. Ostrovsky skildret deres skjebne i skuespillene sine, og forsøkte å vise hvor vanskelig det er for en person med en subtil sjel og talent å leve i en urettferdig verden av sjelløshet og uvitenhet. Samtidig kunne skuespillerne i bildet av Ostrovsky vise seg å være nesten tiggere, som Neschastlivtsev og Schastlivtsev i Les; ydmyket og mistet sitt menneskelige utseende av drukkenskap, som Robinson i «Dowry», som Shmaga i «Guilty Without Guilt», som Erast Gromilov i «Talents and Admirers».
I komedien "Skogen" avslørte Ostrovsky talentet til skuespillerne i det russiske provinsteateret og viste samtidig deres ydmykende posisjon, dømt til omstreifing og vandre på jakt etter deres daglige brød. Når de møtes, har ikke Schastlivtsev og Neschastlivtsev en krone penger eller en klype tobakk. Riktignok har Neschastvittsev noen klær i sin hjemmelagde ryggsekk. Han hadde til og med en frakk, men for å spille rollen måtte han bytte den i Chisinau «mot kostymet til Hamlet». Kostymet var veldig viktig for skuespilleren, men for å ha den nødvendige garderoben måtte det mye penger til ...
Ostrovsky viser at provinsaktøren er på det lave trinnet på den sosiale rangstigen. I samfunnet er det fordommer mot yrket som skuespiller. Gurmyzhskaya, etter å ha fått vite at nevøen hennes Neschastlivtsev og hans kamerat Schastlivtsev er skuespillere, erklærer arrogant: "I morgen tidlig vil de ikke være her. Jeg har ikke et hotell, ikke en taverna for slike herrer." Hvis de lokale myndighetene ikke liker skuespillerens oppførsel eller hvis han ikke har dokumenter, blir han forfulgt og kan til og med bli utvist fra byen. Arkady Schastlivtsev ble "sparket ut av byen tre ganger ... fire mil av kosakker med pisk." På grunn av uorden, de evige vandringene, drikker skuespillerne. Å besøke tavernaer er deres eneste måte å komme vekk fra virkeligheten, i det minste for en stund for å glemme problemer. Schastlivtsev sier: «... Vi er likestilte med ham, begge skuespillere, han er Neschastlivtsev, jeg er Schastlivtsev, og vi er begge fylliker», og erklærer så med bravur: «Vi er et fritt, gående folk – vi verdsetter tavernaen mest av alt." Men dette tullet til Arkashka Schastlivtsev er bare en maske som skjuler den uutholdelige smerten fra sosial ydmykelse.
Til tross for det vanskelige livet, motgang og harme, beholder mange prester i Melpomene godhet og adel i sjelen. I "The Forest" skapte Ostrovsky det mest levende bildet av en edel skuespiller - den tragediske Neschastlivtsev. Han portretterte en «levende» person, med en vanskelig skjebne, med en trist livshistorie. Skuespilleren drikker mye, men gjennom hele stykket forandrer han seg, de beste trekkene i hans natur avsløres. Neschastlivtsev tvinger Vosmibratov til å returnere pengene til Gurmyzhskaya, og setter på en forestilling, legger på falske ordre. I dette øyeblikket spiller han med en slik kraft, med en slik tro at det onde kan straffes, at han oppnår ekte livssuksess: Vosmibratov gir penger. Så, og ga sine siste penger til Aksyusha, og ordnet hennes lykke, spiller ikke lenger Neschastlivtsev. Handlingene hans er ikke en teatralsk gest, men en virkelig edel handling. Og når han på slutten av stykket ytrer den berømte monologen til Karl Mohr fra F. Schillers «Røvere», blir ordene til Schillers helt i hovedsak en fortsettelse av hans egen sinte tale. Betydningen av bemerkningen som Neschastlivtsev kaster til Gurmyzhskaya og hele hennes selskap: "Vi er kunstnere, edle kunstnere og komikere er dere," ligger i det faktum at etter hans syn er kunst og liv uløselig forbundet, og skuespilleren er ikke en pretender, ikke en hykler, hans kunst basert på ekte følelser og opplevelser.
I den poetiske komedien "Komiker på 1600-tallet" vendte dramatikeren seg til de første sidene i historien til den nasjonale scenen. Den talentfulle komikeren Yakov Kochetov er redd for å bli artist. Ikke bare han, men også faren hans er sikre på at dette er en forkastelig yrke, at bøller er en synd, verre enn det ingenting kan være, fordi slik var prekonstruksjonsideene til folk i Moskva på 1600-tallet. Men Ostrovsky kontrasterte forfølgerne av buffoons og deres "handlinger" med elskere og ildsjeler i teatret i før-Petrine-tiden. Dramatikeren viste sceneforestillingens spesielle rolle i utviklingen av russisk litteratur og formulerte hensikten med komedien for å "... vise ondskap og ondskap morsomt, gjøre det latterlig. ... Lær folk ved å skildre moral."
I dramaet "Talenter og beundrere" viste Ostrovsky hvor vanskelig skjebnen til skuespillerinnen, utstyrt med en enorm scenegave, som er lidenskapelig viet til teatret. Skuespillerens posisjon i teatret, suksessen hans avhenger av om han er likt av de velstående tilskuerne som holder hele byen i hendene. Tross alt eksisterte provinsielle teatre hovedsakelig på donasjoner fra lokale lånetakere, som følte at de var mestere i teatret og dikterte deres vilkår til skuespillerne. Alexandra Negina fra «Talenter og beundrere» nekter å delta i intriger bak kulissene eller svare på innfallene til sine velstående beundrere: Prins Dulebov, offisielle Bakin og andre. Negina kan og vil ikke være fornøyd med den enkle suksessen til den lite krevende Nina Smelskaya, som villig aksepterer beskyttelsen av rike beundrere, og faktisk forvandler seg til en bevart kvinne. Prins Dulebov, fornærmet over Neginas avslag, bestemte seg for å ødelegge henne, rive av en fordelsforestilling og bokstavelig talt overleve fra teatret. Å skille seg fra teatret, uten hvilket hun ikke kan forestille seg sin eksistens, for Negina betyr å være fornøyd med et elendig liv med en søt, men fattig student Petya Meluzov. Hun har bare én utvei: å gå til vedlikehold av en annen beundrer, den velstående grunneieren Velikatov, som lover hennes roller og rungende suksess i hans teater. Han kaller kravet om talentet og sjelen til Alexandra brennende kjærlighet, men i hovedsak er det en ærlig avtale mellom et stort rovdyr og et hjelpeløst offer. Det Knurov ikke trengte å gjøre i «Dowry» ble gjort av Velikatov. Larisa Ogudalova klarte å frigjøre seg fra de gylne lenkene på bekostning av døden, Negina la disse lenkene på seg selv, fordi hun ikke kan forestille seg livet uten kunst.
Ostrovsky bebreider denne heltinnen, som viste seg å ha mindre åndelig medgift enn Larisa. Men samtidig, med hjertesorg, fortalte han oss om den dramatiske skjebnen til skuespillerinnen, som forårsaket hans deltakelse og sympati. Ikke rart, som E. Kholodov bemerket, er navnet hennes det samme som Ostrovsky selv - Alexandra Nikolaevna.
I dramaet Guilty Without Guilt vender Ostrovsky seg igjen til teatrets tema, selv om problemene er mye bredere: det snakker om skjebnen til mennesker som er fratatt livet. I sentrum av dramaet er den fremragende skuespillerinnen Kruchinina, etter hvis forestillinger teatret bokstavelig talt "faller fra hverandre fra applaus." Bildet hennes gir grunn til å tenke over hva som bestemmer betydningen og storheten i kunsten. Først av alt, mener Ostrovsky, er dette en enorm livserfaring, en skole med deprivasjon, pine og lidelse, som heltinnen hans tilfeldigvis gikk gjennom.
Hele Kruchininas liv utenfor scenen er «sorg og tårer». Denne kvinnen visste alt: det harde arbeidet til en lærer, sviket og avgangen til en kjær, tapet av et barn, en alvorlig sykdom, ensomhet. For det andre er det åndelig adel, et sympatisk hjerte, tro på godhet og respekt for en person, og for det tredje en bevissthet om kunstens høye oppgaver: Kruchinina bringer betrakteren høy sannhet, ideene om rettferdighet og frihet. Med sitt ord fra scenen søker hun å «brenne folks hjerter». Og sammen med et sjeldent naturtalent og en felles kultur gjør alt dette det mulig å bli det stykkets heltinne har blitt - et universelt idol, hvis "herlighet tordner". Kruchinina gir seerne gleden ved kontakt med det vakre. Og det er grunnen til at dramatikeren selv i finalen også gir henne personlig lykke: Å finne sin tapte sønn, den nødlidende skuespilleren Neznamov.
Fortjenesten til A. N. Ostrovsky før den russiske scenen er virkelig umålelig. Hans skuespill om teater og skuespillere, som nøyaktig gjenspeiler omstendighetene i den russiske virkeligheten på 70- og 80-tallet av 1800-tallet, inneholder tanker om kunst som fortsatt er aktuelle i dag. Dette er tanker om den vanskelige, noen ganger tragiske skjebnen til talentfulle mennesker som, når de realiserer seg selv på scenen, brenner seg fullstendig; tanker om kreativitetens lykke, full dedikasjon, om kunstens høye oppdrag, bekrefter godhet og menneskelighet.
Dramatikeren selv uttrykte seg, avslørte sin sjel i skuespillene han skapte, kanskje spesielt ærlig i skuespill om teater og skuespillere, der han meget overbevisende viste at selv i dypet av Russland, i provinsene, kan du møte talentfulle, uinteresserte mennesker, i stand til å leve etter de høyeste interesser. . Mye i disse skuespillene stemmer overens med det B. Pasternak skrev i sitt fantastiske dikt "Åh, om jeg bare visste at det skjer ...":
Når en linje dikterer en følelse
Det sender en slave til scenen,
Og det er her kunsten slutter.
Og jorda og skjebnen puster.
Ostrovsky skrev for teatret. Dette er det særegne ved hans gave. Bildene og bildene av livet han skapte er ment for scenen. Det er derfor talen til Ostrovskys karakterer er så viktig, det er derfor verkene hans høres så lyse ut. Ikke rart Innokenty Annensky kalte ham en realist-høring. Uten iscenesettelse på scenen var verkene hans som ikke fullførte, og det er grunnen til at Ostrovsky tok forbudet mot skuespillene hans av teatralsk sensur så hardt. Komedien «Our People – Let's Settle» fikk settes opp på teatret bare ti år etter at Pogodin klarte å publisere den i et magasin.
Med en følelse av utilslørt tilfredshet skrev A. N. Ostrovsky 3. november 1878 til sin venn, kunstneren ved Alexandria Theatre A. F. Burdin: "Dowry" ble enstemmig anerkjent som det beste av alle mine verk. Ostrovsky levde "Dowry", til tider bare på henne, hans førtiende ting, rettet "sin oppmerksomhet og styrke", og ønsket å "fullføre" henne på den mest grundige måten. I september 1878 skrev han til en av sine bekjente: «Jeg arbeider med mitt skuespill av all kraft; det ser ikke verst ut." Allerede et døgn etter premieren, den 12. november, kunne Ostrovsky finne ut, og utvilsomt lært av Russkiye Vedomosti, hvordan han klarte å «trette ut hele publikum, helt ned til de mest naive tilskuere». For hun – publikum – har helt klart «vokset fra» de brillene han tilbyr henne. På 1970-tallet ble Ostrovskys forhold til kritikere, teatre og publikum mer og mer komplisert. Perioden da han nøt universell anerkjennelse, vunnet av ham på slutten av femtitallet og begynnelsen av sekstitallet, ble erstattet av en annen, som vokste mer og mer i forskjellige sirkler av avkjøling mot dramatikeren.
Teatersensur var strengere enn litterær sensur. Dette er ingen tilfeldighet. I hovedsak er teaterkunst demokratisk, den er mer direkte enn litteratur, den henvender seg til allmennheten. Ostrovsky skrev i sin "Note on the Situation of Dramatic Art in Russia at the Present Time" (1881) at "dramatisk poesi er nærmere folket enn andre grener av litteraturen. Alle andre verk er skrevet for utdannede mennesker, men dramaer og komedier er skrevet for hele folket; dramatiske forfattere må alltid huske dette, de må være tydelige og sterke. Denne nærheten til folket forringer ikke det minste dramatisk poesi, men tvert imot dobler dens styrke og lar den ikke bli vulgær og smålig. Ostrovsky snakker i sin "Note" om hvordan teaterpublikummet i Russland utvidet seg etter 1861. Ostrovsky skriver til en ny tilskuer, ikke erfaren i kunst, Ostrovsky skriver: «Fin litteratur er fortsatt kjedelig for ham og uforståelig, musikk også, bare teatret gir ham full glede, der opplever han som et barn alt som skjer på scenen, sympatiserer med det gode og anerkjenner det onde, tydelig presentert." For et "ferskt" publikum, skrev Ostrovsky, "det kreves sterkt drama, komedie i stor skala, trassig, ærlig, høy latter, varme, oppriktige følelser."
Det er teatret, ifølge Ostrovsky, som har sine røtter i folkeshowet, har evnen til å direkte og sterkt påvirke menneskers sjeler. To og et halvt tiår senere vil Alexander Blok, som snakker om poesi, skrive at dens essens er i hovedsak, "vandrende" sannheter, i evnen til å formidle dem til hjertet til leseren, som teatret har:
Gå videre, sørgende maser!
Skuespillere, mestre håndverket,
Til fra den vandrende sannheten
Alle følte seg syke og lette!
("Balagan", 1906)
Den store betydningen som Ostrovsky la til teatret, hans tanker om teaterkunst, om teatrets stilling i Russland, om skuespillernes skjebne - alt dette gjenspeiles i skuespillene hans. Samtidige oppfattet Ostrovsky som en etterfølger til Gogols dramatiske kunst. Men nyheten i skuespillene hans ble umiddelbart notert. Allerede i 1851, i artikkelen "A Dream on the Occasion of a Comedy", påpekte den unge kritikeren Boris Almazov forskjellene mellom Ostrovsky og Gogol. Ostrovskys originalitet besto ikke bare i det faktum at han portretterte ikke bare undertrykkerne, men også deres ofre, ikke bare i det faktum at, som I. Annensky skrev, Gogol hovedsakelig var en poet av "visuell", og Ostrovsky "høring". " inntrykk.
Originaliteten, nyheten til Ostrovsky ble også manifestert i valget av livsmateriale, i bildets emne - han mestret nye lag av virkeligheten. Han var oppdageren, Columbus, ikke bare av Zamoskvorechye, - som bare vi ikke ser, hvis stemmer vi ikke hører i verkene til Ostrovsky! Innokenty Annensky skrev: "... Dette er en virtuos av lydbilder: kjøpmenn, vandrere, fabrikkarbeidere og lærere i det latinske språket, tatarer, sigøynere, skuespillere og sexarbeidere, barer, kontorister og småbyråkrater-Ostrovsky ga et enormt galleri av typiske taler ...” Skuespillere, teatralsk miljø - også det nye livsmaterialet som Ostrovsky mestret - alt knyttet til teatret virket for ham veldig viktig.
I livet til Ostrovsky selv spilte teatret en stor rolle. Han deltok i produksjonen av skuespillene sine, jobbet med skuespillere, var venn med mange av dem, korresponderte. Han la mye arbeid i å forsvare rettighetene til skuespillere, og forsøkte å lage en teaterskole i Russland, sitt eget repertoar. Kunstner av Maly Theatre N.V. Rykalova husket: Ostrovsky, "etter å ha blitt bedre kjent med troppen, ble vår egen mann. Gruppen elsket ham veldig høyt. Alexander Nikolaevich var uvanlig kjærlig og høflig mot alle. Under det livegne regimet som rådde på den tiden, da sjefene sa "du" til artisten, da mesteparten av troppen var fra livegne, virket Ostrovskys behandling for alle som en slags åpenbaring. Vanligvis iscenesatte Alexander Nikolayevich skuespillene sine selv ... Ostrovsky samlet en tropp og leste et skuespill for henne. Han var bemerkelsesverdig god til å lese. Alle karakterene kom ut av ham som om de var i live ... Ostrovsky kjente godt til teatrets indre, skjulte for publikums øyne, bak scenen. Fra og med Skogen "(1871), utvikler Ostrovsky teatrets tema, skaper bilder av skuespillere, skildrer deres skjebne - dette skuespillet blir fulgt av "Komiker fra 1600-tallet" (1873), "Talenter og beundrere" (1881) , "Skyldig uten skyld" (1883).
Skuespillernes posisjon i teatret, deres suksess var avhengig av om de ble likt eller ikke av de velstående tilskuerne som var toneangivende i byen. Tross alt levde provinstroppene hovedsakelig av donasjoner fra lokale lånetakere, som følte seg som mestere i teatret og kunne diktere deres vilkår. Mange skuespillerinner levde av dyre gaver fra velstående fans. Skuespillerinnen, som satte pris på æren hennes, hadde det vanskelig. I "Talenter og beundrere" skildrer Ostrovsky en slik livssituasjon. Domna Panteleevna, mor til Sasha Negina klager: "Sasha min er ikke fornøyd! Han holder seg veldig nøye, vel, det er ingen slik disposisjon mellom publikum: ingen spesielle gaver, ingenting som de andre, som ... hvis ... ".
Nina Smelskaya, som villig aksepterer beskyttelse av velstående fans, og i hovedsak blir en bevart kvinne, lever mye bedre, føler seg mye mer selvsikker i teatret enn den talentfulle Negina. Men til tross for det vanskelige livet, motgang og harme, i bildet av Ostrovsky, beholder mange mennesker som har viet livet til scenen, teatret godhet og adel i sjelen. For det første er dette tragedier som på scenen må leve i en verden med høye lidenskaper. Selvfølgelig er adel og åndelig generøsitet iboende ikke bare blant tragediene. Ostrovsky viser at ekte talent, en uinteressert kjærlighet til kunst og teater løfter folk. Disse er Narokov, Negina, Kruchinina.
I de tidlige romantiske historiene uttrykte Maxim Gorky sin holdning til livet og mennesker, hans syn på epoken. Heltene i mange av disse historiene er de såkalte trampene. Forfatteren fremstiller dem som modige, hjertesterke mennesker. Hovedsaken for dem er friheten, som trampene, som alle andre, forstår på sin egen måte. De drømmer lidenskapelig om et spesielt liv, langt fra det vanlige. Men de finner henne ikke, så de vandrer, drikker for mye, begår selvmord. En av disse personene er avbildet i historien "Chelkash". Chelkash - "en gammel forgiftet ulv, godt kjent for havaneserne, en innbitt fylliker og l
I Fets diktning er følelsen av kjærlighet vevd av motsetninger: det er ikke bare glede, men også pine og lidelse. I Fetovs «kjærlighetssanger» gir dikteren seg så fullstendig til følelsen av kjærlighet, rusen av skjønnheten til kvinnen han elsker, som i seg selv bringer lykke, der selv sorgfulle opplevelser er stor lykke. Fra dypet av verdens eksistens vokser kjærlighet, som har blitt gjenstand for Fets inspirasjon. Den innerste sfæren av dikterens sjel er kjærlighet. I diktene sine satte han forskjellige nyanser av kjærlighetsfølelse: ikke bare lys kjærlighet, beundrende skjønnhet, beundring, glede, gjensidighetslykke, men også
På slutten av 90-tallet av 1800-tallet ble leseren overrasket over utseendet til tre bind med essays og historier av en ny forfatter, M. Gorky. "Stort og originalt talent" - slik var den generelle dommen om den nye forfatteren og bøkene hans. Den økende misnøyen i samfunnet og forventningen om avgjørende endringer førte til en økning i romantiske tendenser i litteraturen. Disse tendensene ble spesielt tydelig reflektert i arbeidet til den unge Gorky, i slike historier som "Chelkash", "Old Woman Izergil", "Makar Chudra", i revolusjonære sanger. Heltene i disse historiene er mennesker "med solen i blodet", sterke, stolte, vakre. Disse heltene er Gorkys drøm
For mer enn hundre år siden fant ekstraordinære hendelser sted i en liten provinsby i Danmark - Odense, på øya Fyn. Stille, litt søvnige gater i Odense ble plutselig fylt med lyden av musikk. En prosesjon av håndverkere, som bar fakler og bannere, marsjerte forbi det sterkt opplyste gamle rådhuset og hyllet en høy, blåøyd mann som sto ved vinduet. Til ære for hvem tente innbyggerne i Odense opp bål i september 1869? Det var Hans Christian Andersen, kort tid før valgt til æresborger i hjembyen. Hans landsmenn hedret Andersen og sang en manns og en forfatters heltedåd,
Det litterære livet i Russland ble hisset opp da Ostrovskys første skuespill kom inn i det: først i lesing, deretter i magasinpublikasjoner, og til slutt, fra scenen. Den kanskje største og mest dypt estimerte kritiske arven dedikert til dramaturgien hans ble etterlatt av Ap.A. Grigoriev, en venn og beundrer av forfatterens arbeid, og N.A. Dobrolyubov. Dobrolyubovs artikkel «A Ray of Light in the Dark Kingdom» om dramaet «Thunderstorm» har blitt velkjent, en lærebok.
La oss gå til estimatene til Ap.A. Grigoriev. En utvidet artikkel med tittelen «Etter Ostrovskys tordenvær. Brev til Ivan Sergeevich Turgenev "(1860), i mange henseender motsier Dobrolyubovs mening, argumenterer med ham. Uenigheten var grunnleggende: to kritikere holdt seg til en annen forståelse av nasjonalitet i litteraturen. Grigoriev betraktet nasjonalitet ikke så mye som en refleksjon i det kunstneriske arbeidet til de arbeidende massenes liv, som Dobrolyubov, men et uttrykk for den generelle ånden til folket, uavhengig av posisjon og klasse. Fra Grigorievs synspunkt reduserer Dobrolyubov de komplekse spørsmålene i Ostrovskys skuespill til fordømmelsen av tyranni og det "mørke riket" generelt, og tildeler dramatikeren bare rollen som en satiriker-fordømmer. Men ikke den "onde humoren til satirikeren", men den "naive sannheten til folkets poet" - dette er styrken til Ostrovskys talent, slik Grigoriev ser det. Grigoriev kaller Ostrovsky «en poet som spiller på alle måter i folkelivet». "Navnet på denne forfatteren, for en så stor forfatter, til tross for hans mangler, er ikke en satiriker, men en folkepoet" - dette er hovedoppgaven til Ap.A. Grigorieva i en polemikk med N.A. Dobrolyubov.
Den tredje stillingen, som ikke er sammenfallende med de to nevnte, ble holdt av D.I. Pisarev. I artikkelen "Motives of Russian Drama" (1864) benekter han fullstendig alt positivt og lyst som Ap.A. Grigoriev og N.A. Dobrolyubov ble sett på bildet av Katerina i Tordenværet. Den "realistiske" Pisarev har et annet syn: Det russiske livet "inneholder ingen tilbøyeligheter til uavhengig fornyelse", og bare folk som V.G. Belinsky, typen som dukket opp på bildet av Bazarov i "Fathers and Sons" av I.S. Turgenev. Mørket i Ostrovskys kunstneriske verden er håpløst.
La oss til slutt dvele ved posisjonen til dramatikeren og den offentlige figuren A.N. Ostrovsky i sammenheng med kampen i russisk litteratur mellom ideologiske strømninger i russisk sosial tanke - slavofilisme og westernisme. Tiden for Ostrovskys samarbeid med MP Pogodins Moskvityanin-magasin er ofte forbundet med hans slavofile synspunkter. Men forfatteren var mye bredere enn disse posisjonene. En uttalelse fra denne perioden fanget av noen, da han fra sin Zamoskvorechye så på Kreml på motsatt bredd og sa: "Hvorfor ble disse pagodene bygget her?" (tilsynelatende klart "vestliggjørende"), reflekterte heller ikke hans sanne ambisjoner. Ostrovsky var verken vestlending eller slavofil. Dramatikerens mektige, originale folketalent blomstret under dannelsen og fremveksten av russisk realistisk kunst. Genialiteten til P.I. Tsjaikovskij; oppsto i begynnelsen av 1850-1860-årene XIX århundres kreative fellesskap av russiske komponister "Mighty Handful"; Russisk realistisk maleri blomstret: I.E. Repin, V.G. Perov, I. N. Kramskoy og andre store artister - dette er hvor intenst livet var i full gang i den visuelle og musikalske kunsten i andre halvdel, rik på talenter XIX århundrer. Portrettet av A. N. Ostrovsky tilhører børsten til V. G. Perov, N. A. Rimsky-Korsakov lager en opera basert på eventyret "The Snow Maiden". A.N. Ostrovsky gikk naturlig og rett inn i russisk kunstverden.
Når det gjelder selve teatret, snakker dramatikeren selv, som vurderer kunstnerlivet på 1840-tallet - tiden for hans første litterære søk, om et stort mangfold av ideologiske bevegelser og kunstneriske interesser, en mengde sirkler, men bemerker samtidig at alle ble forent av en felles, mani for teater. Forfatterne fra 1840-årene, som tilhørte naturskolen, dagligdagse skribenter-essayere (den første samlingen av naturskolen ble kalt "Physiology of St. Petersburg", 1844-1845) inkluderte en artikkel av V.G. Belinsky "Alexandrinsky Theatre". Teateret ble oppfattet som et sted hvor samfunnsklassene kolliderer, «for å se nok av hverandre». Og dette teatret ventet på en dramatiker av en slik skala, som manifesterte seg i A.N. Ostrovsky. Betydningen av Ostrovskys arbeid for russisk litteratur er ekstremt stor: han var virkelig etterfølgeren til Gogol-tradisjonen og grunnleggeren av et nytt, nasjonalt russisk teater, uten hvilket utseendet til A.P. Tsjekhov. Andre halvdel av 1800-tallet i europeisk litteratur ga ikke en eneste dramatiker som i målestokk kan sammenlignes med A. N. Ostrovsky. Utviklingen av europeisk litteratur gikk annerledes. Den franske romantikken til V. Hugo, George Sand, den kritiske realismen til Stendhal, P. Mérimée, O. de Balzac, deretter verket til H. Flaubert, den engelske kritiske realismen til C. Dickens, W. Thackeray, C. Bronte banet vei ikke for drama, men for episk, først av alt - til romanen, og (ikke så merkbar) for tekstene. Problemene, karakterene, handlingene, skildringen av den russiske karakteren og det russiske livet i Ostrovskys skuespill er så nasjonalt unike, så forståelige og samsvarer med den russiske leseren og betrakteren at dramatikeren ikke har hatt en slik innvirkning på den verdenslitterære prosessen som Tsjekhov senere. gjorde. Og i mange henseender var grunnen til dette språket i Ostrovskys skuespill: det viste seg å være umulig å oversette dem, bevare essensen av originalen, for å formidle den spesielle og spesielle tingen som han fascinerer betrakteren med.
Kilde (forkortet): Mikhalskaya, A.K. Litteratur: Grunnnivå: 10. klasse. Klokken 2. Del 1: konto. godtgjørelse / A.K. Mikhalskaya, O.N. Zaitsev. - M.: Bustard, 2018
