บ้าน › การทดสอบการชนอัตโนมัติ › โอเปร่าที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก ประวัติประเภทของผลงานโอเปร่าของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 19

โอเปร่าที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก ประวัติประเภทของผลงานโอเปร่าของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 19

ผู้เขียนเรียงความคือ N. V. Tumanina

อุปรากรรัสเซียเป็นผลงานที่มีค่าที่สุดในคลังของโรงละครดนตรีโลก กำเนิดขึ้นในยุคคลาสสิกรุ่งเรืองของอุปรากรอิตาลี ฝรั่งเศส และเยอรมัน โอเปร่ารัสเซียในศตวรรษที่ 19 ไม่เพียงแต่ทันกับโรงเรียนโอเปร่าแห่งชาติอื่นๆ เท่านั้น แต่ยังแซงหน้าพวกเขาอีกด้วย ลักษณะพหุภาคีของการพัฒนาโรงละครโอเปร่ารัสเซียในศตวรรษที่ 19 มีส่วนทำให้งานศิลปะเสมือนจริงของโลกมีความสมบูรณ์ยิ่งขึ้น ผลงานของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียได้เปิดพื้นที่ใหม่ของการสร้างสรรค์โอเปร่า นำเนื้อหาใหม่เข้ามา หลักการใหม่ในการสร้างละครเพลง นำศิลปะโอเปร่าเข้าใกล้ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีประเภทอื่น ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับซิมโฟนี

ประวัติของโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซียนั้นเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับการพัฒนาชีวิตทางสังคมในรัสเซียกับการพัฒนาความคิดขั้นสูงของรัสเซีย โอเปร่ามีความโดดเด่นจากความสัมพันธ์เหล่านี้ในศตวรรษที่ 18 ซึ่งเกิดขึ้นเป็นปรากฏการณ์ระดับชาติในยุค 70 ซึ่งเป็นยุคแห่งการพัฒนาความรู้แจ้งของรัสเซีย การก่อตัวของโรงเรียนอุปรากรรัสเซียได้รับอิทธิพลจากแนวคิดการรู้แจ้งซึ่งแสดงออกด้วยความปรารถนาที่จะพรรณนาชีวิตของผู้คนตามความเป็นจริง

ดังนั้น อุปรากรรัสเซียตั้งแต่ก้าวแรกจึงเป็นรูปเป็นร่างเป็นศิลปะประชาธิปไตย โครงเรื่องของอุปรากรรัสเซียเรื่องแรกมักจะนำเสนอแนวคิดต่อต้านความเป็นทาส ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของละครรัสเซียและวรรณกรรมรัสเซียในปลายศตวรรษที่ 18 อย่างไรก็ตาม แนวโน้มเหล่านี้ยังไม่ได้พัฒนาไปสู่ระบบหนึ่งๆ พวกเขาแสดงออกมาในเชิงประจักษ์จากชีวิตของชาวนา ในการแสดงการกดขี่โดยเจ้าของที่ดิน ในการแสดงภาพเหน็บแนมของขุนนาง นั่นคือเนื้อเรื่องของโอเปร่ารัสเซียเรื่องแรก: "Misfortune from the Carriage" โดย V. A. Pashkevich (ค.ศ. 1742-1797) บทประพันธ์โดย Ya. B. Kniazhnin (โพสต์ในปี 1779); "โค้ชในการตั้งค่า" E. I. Fomina (1761-1800) ในโอเปร่า "The Miller - พ่อมดผู้หลอกลวงและผู้จับคู่" พร้อมข้อความโดย A. O. Ablesimov และดนตรีโดย M. M. Sokolovsky (ในเวอร์ชันที่สอง - E. I. Fomina) แนวคิดเกี่ยวกับความสูงส่งของงานของ ชาวนาแสดงออกและผยองผยองถูกเยาะเย้ย ในโอเปร่าโดย M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich "St. Petersburg Gostiny Dvor" ผู้รับผลประโยชน์และผู้รับสินบนจะแสดงในรูปแบบเหน็บแนม

โอเปร่ารัสเซียเรื่องแรกเป็นละครที่มีตอนดนตรีอยู่ระหว่างดำเนินการ ฉากการสนทนามีความสำคัญมากสำหรับพวกเขา เพลงของโอเปร่าเรื่องแรกมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับเพลงพื้นบ้านของรัสเซีย ผู้แต่งใช้ท่วงทำนองของเพลงพื้นบ้านที่มีอยู่อย่างกว้างขวาง นำกลับมาใช้ใหม่ ทำให้พวกเขาเป็นพื้นฐานของโอเปร่า ตัวอย่างเช่นใน "Melnik" คุณลักษณะทั้งหมดของตัวละครจะได้รับด้วยความช่วยเหลือของเพลงพื้นบ้านที่มีลักษณะแตกต่างกัน ในโอเปร่า "St. Petersburg Gostiny Dvor" พิธีแต่งงานแบบพื้นบ้านนั้นทำซ้ำได้อย่างแม่นยำ ใน "Coachmen on a Frame" โฟมินได้สร้างตัวอย่างแรกของโอเปร่าประสานเสียงพื้นบ้าน ดังนั้นจึงวางหนึ่งในประเพณีทั่วไปของโอเปร่ารัสเซียยุคหลัง

อุปรากรรัสเซียพัฒนาขึ้นในการต่อสู้เพื่อเอกลักษณ์ของชาติ นโยบายของราชสำนักและสังคมชั้นสูงผู้อุปถัมภ์คณะต่างชาตินั้นมุ่งต่อต้านประชาธิปไตยของศิลปะรัสเซีย ร่างของอุปรากรรัสเซียต้องเรียนรู้ทักษะโอเปร่าจากตัวอย่างโอเปร่าของยุโรปตะวันตกและในขณะเดียวกันก็ปกป้องความเป็นอิสระของทิศทางของชาติ การต่อสู้นี้เป็นเวลาหลายปีกลายเป็นเงื่อนไขสำหรับการดำรงอยู่ของอุปรากรรัสเซียโดยใช้รูปแบบใหม่ในขั้นตอนใหม่

พร้อมกับละครโอเปร่าในศตวรรษที่ 18 ประเภทโอเปร่าอื่น ๆ ก็ปรากฏขึ้นเช่นกัน ในปี ค.ศ. 1790 มีการแสดงที่ศาลภายใต้ชื่อ "Oleg's Initial Administration" ซึ่งเป็นข้อความที่เขียนโดยจักรพรรดินีแคทเธอรีนที่ 2 และดนตรีประกอบโดยนักแต่งเพลง K. Canobbio, J. Sarti และ V. A. Pashkevich การแสดงไม่ได้เป็นโอเปร่ามากเท่า oratorio โดยธรรมชาติ และในระดับหนึ่งก็ถือได้ว่าเป็นตัวอย่างแรกของแนวเพลงประวัติศาสตร์ที่แพร่หลายในศตวรรษที่ 19 ในผลงานของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่โดดเด่น D. S. Bortnyansky (พ.ศ. 2294-2368) ประเภทโอเปร่าแสดงโดยโอเปร่าโคลงสั้น ๆ The Falcon and The Rival Son ซึ่งเพลงในแง่ของการพัฒนารูปแบบและทักษะของโอเปร่าสามารถใส่ได้ เทียบได้กับตัวอย่างโอเปร่าสมัยใหม่ของยุโรปตะวันตก

โรงละครโอเปร่าถูกใช้ในศตวรรษที่ 18 ความนิยมอย่างมาก โอเปร่าจากเมืองหลวงค่อย ๆ แทรกซึมเข้าไปในโรงละครอสังหาริมทรัพย์ โรงละครป้อมปราการในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18 และ 19 ให้ตัวอย่างการแสดงโอเปร่าและบทบาทของแต่ละบุคคลอย่างมีศิลปะสูง นักร้องและนักแสดงชาวรัสเซียที่มีพรสวรรค์ได้รับการเสนอชื่อเช่นนักร้อง E. Sandunova ซึ่งแสดงบนเวทีของเมืองหลวงหรือนักแสดงหญิงที่เป็นทาสของ Sheremetev Theatre P. Zhemchugova

ความสำเร็จทางศิลปะของอุปรากรรัสเซียในศตวรรษที่ 18 เป็นแรงผลักดันให้เกิดการพัฒนาอย่างรวดเร็วของละครเพลงในรัสเซียในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 19

ความเชื่อมโยงของโรงละครดนตรีรัสเซียกับแนวคิดที่กำหนดชีวิตฝ่ายวิญญาณของยุคนั้นแข็งแกร่งขึ้นเป็นพิเศษในช่วงสงครามรักชาติปี 1812 และในช่วงหลายปีของขบวนการ Decembrist ธีมของความรักชาติซึ่งสะท้อนให้เห็นในโครงเรื่องทางประวัติศาสตร์และร่วมสมัย กลายเป็นพื้นฐานของการแสดงละครและดนตรีมากมาย แนวคิดของมนุษยนิยม การประท้วงต่อต้านความไม่เท่าเทียมทางสังคมเป็นแรงบันดาลใจและหล่อเลี้ยงศิลปะการแสดงละคร

ในตอนต้นของศตวรรษที่ XIX ไม่มีใครพูดถึงโอเปร่าได้อย่างเต็มปากเต็มคำ ประเภทผสมมีบทบาทสำคัญในโรงละครดนตรีของรัสเซีย: โศกนาฏกรรมพร้อมดนตรี, เพลง, โอเปร่าการ์ตูน, โอเปร่าบัลเล่ต์ ก่อน Glinka อุปรากรรัสเซียไม่รู้จักผลงานที่ละครจะอาศัยเพียงเสียงดนตรีโดยไม่มีบทพูด

O. A. Kozlovsky (1757-1831) ผู้สร้างเพลงสำหรับโศกนาฏกรรมของ Ozerov, Katenin, Shakhovsky เป็นนักแต่งเพลงที่โดดเด่นเรื่อง "โศกนาฏกรรมทางดนตรี" นักแต่งเพลง A. A. Alyabyev (พ.ศ. 2330-2394) และ A. N. Verstovsky (พ.ศ. 2342-2405) ประสบความสำเร็จในการทำงานในแนวเพลงซึ่งแต่งเพลงให้กับเนื้อหาตลกขบขันและเสียดสีจำนวนมาก

โอเปร่าจากต้นศตวรรษที่ 19 พัฒนาประเพณีของช่วงเวลาก่อนหน้านี้ ปรากฏการณ์เฉพาะคือการแสดงประจำวันพร้อมเพลงพื้นบ้าน ตัวอย่างของการแสดงประเภทนี้ ได้แก่ "Yam", "Gatherings", "Girlfriend" ฯลฯ ซึ่งเป็นเพลงที่เขียนโดยนักแต่งเพลงสมัครเล่น A.N. Titov (1769-1827) แต่สิ่งนี้ยังห่างไกลจากชีวิตการแสดงละครที่ร่ำรวยในยุคนั้น ความโน้มเอียงไปทางความโรแมนติกตามแบบฉบับของเวลานั้นแสดงออกมาในความกระตือรือร้นของสังคมต่อการแสดงที่น่าอัศจรรย์ในเทพนิยาย นางเงือกนีเปอร์ (เลสตา) ซึ่งมีหลายส่วน ประสบความสำเร็จเป็นพิเศษ เพลงสำหรับโอเปร่าเหล่านี้ซึ่งเป็นบทของนวนิยายเขียนโดยนักแต่งเพลง S. I. Davydov, K. A. Kavos; ดนตรีของนักแต่งเพลงชาวออสเตรีย Cauer ถูกนำมาใช้บางส่วน "The Dniep \u200b\u200bThe Dniep \u200b\u200bMermaid" ไม่ได้ออกจากเวทีเป็นเวลานานไม่เพียง แต่เนื่องจากเนื้อเรื่องที่สนุกสนานซึ่งในคุณสมบัติหลักคาดว่าจะมีเนื้อเรื่องของ "Mermaid" ของ Pushkin ไม่เพียง แต่ต้องขอบคุณการผลิตที่หรูหรา แต่ยังต้องขอบคุณ ดนตรีที่ไพเราะ เรียบง่าย และเข้าถึงได้

นักแต่งเพลงชาวอิตาลี K. A. Kavos (พ.ศ. 2318-2383) ซึ่งทำงานในรัสเซียตั้งแต่อายุยังน้อยและใช้ความพยายามอย่างมากในการพัฒนาการแสดงโอเปร่าของรัสเซียได้พยายามสร้างโอเปร่าวีรบุรุษในประวัติศาสตร์เป็นครั้งแรก ในปี 1815 เขาจัดแสดงโอเปร่า Ivan Susanin ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งอิงจากตอนหนึ่งของการต่อสู้ของชาวรัสเซียกับการรุกรานโปแลนด์ในตอนต้นของศตวรรษที่ 17 เขาพยายามสร้างความรักชาติ ผลงาน. โอเปร่าเรื่องนี้ตอบสนองต่ออารมณ์ของสังคมที่รอดพ้นจากสงครามปลดปล่อยกับนโปเลียน โอเปร่าของ Kavos มีความโดดเด่นในผลงานสมัยใหม่โดยฝีมือของนักดนตรีมืออาชีพ, การพึ่งพานิทานพื้นบ้านรัสเซีย, ความมีชีวิตชีวาของการกระทำ "โอเปร่ากู้ภัย" ของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสจำนวนมากที่เดินขบวนบนเวทีเดียวกัน Kavos ไม่สามารถสร้างมหากาพย์โศกนาฏกรรมพื้นบ้านที่ Glinka สร้างขึ้นในอีกยี่สิบปีต่อมาโดยใช้โครงเรื่องเดียวกัน

นักแต่งเพลงที่ใหญ่ที่สุดในสามคนแรกของศตวรรษที่ XIX ควรได้รับการยอมรับจาก A. N. Verstovsky ผู้ซึ่งถูกกล่าวถึงในฐานะผู้ประพันธ์เพลงสำหรับเพลง โอเปร่าของเขา "Pan Tvardovsky" (โพสต์ในปี 1828), "Askold's Grave" (โพสต์ในปี 1835), "Vadim" (โพสต์ในปี 1832) และเรื่องอื่นๆ คุณลักษณะเฉพาะของแนวโรแมนติกของรัสเซียสะท้อนให้เห็นในงานของ Verstovsky สมัยโบราณของรัสเซีย, ประเพณีบทกวีของ Kievan Rus, นิทานและตำนานเป็นพื้นฐานของโอเปร่าของเขา มีบทบาทสำคัญในการเล่นโดยองค์ประกอบที่มีมนต์ขลัง ดนตรีของ Verstovsky ซึ่งมีพื้นฐานมาจากศิลปะเพลงพื้นบ้านได้ซึมซับต้นกำเนิดของพื้นบ้านในความหมายที่กว้างที่สุด ตัวละครของเขาเป็นแบบฉบับของศิลปะพื้นบ้าน ในฐานะผู้เชี่ยวชาญด้านการแสดงละครโอเปร่า Verstovsky ได้สร้างฉากที่มีสีสันโรแมนติกพร้อมเนื้อหาที่ยอดเยี่ยม ตัวอย่างของสไตล์ของเขาคือโอเปร่าเรื่อง Askold's Grave ซึ่งได้รับการเก็บรักษาไว้ในละครจนถึงทุกวันนี้ มันแสดงให้เห็นถึงคุณสมบัติที่ดีที่สุดของ Verstovsky - ของขวัญที่ไพเราะ, ไหวพริบที่น่าทึ่ง, ความสามารถในการสร้างภาพที่มีชีวิตชีวาและมีลักษณะเฉพาะของตัวละคร

ผลงานของ Verstovsky เป็นของโอเปร่ารัสเซียในยุคก่อนคลาสสิก แม้ว่าความสำคัญทางประวัติศาสตร์ของพวกเขาจะยิ่งใหญ่มาก พวกเขาสรุปและพัฒนาคุณสมบัติที่ดีที่สุดทั้งหมดของยุคก่อนและร่วมสมัยในการพัฒนาดนตรีโอเปร่ารัสเซีย

จากยุค 30 ศตวรรษที่ 19 อุปรากรรัสเซียเข้าสู่ยุคคลาสสิก ผู้ก่อตั้งโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซีย M. I. Glinka (1804-1857) ได้สร้างโอเปร่าประวัติศาสตร์และโศกนาฏกรรม "Ivan Susanin" (1830) และมหากาพย์ที่ยอดเยี่ยม - "Ruslan and Lyudmila" (1842) โอเปร่าเหล่านี้วางรากฐานสำหรับสองแนวโน้มที่สำคัญที่สุดในละครเพลงของรัสเซีย ได้แก่ โอเปร่าอิงประวัติศาสตร์และมหากาพย์เวทมนตร์ หลักการสร้างสรรค์ของ Glinka ถูกนำมาใช้และพัฒนาโดยนักแต่งเพลงชาวรัสเซียรุ่นต่อไป

Glinka พัฒนาเป็นศิลปินในยุคที่ถูกบดบังด้วยแนวคิดเรื่อง Decembrism ซึ่งทำให้เขาสามารถยกระดับเนื้อหาเชิงอุดมคติและศิลปะของโอเปร่าของเขาให้สูงขึ้นอย่างมีนัยสำคัญ เขาเป็นนักแต่งเพลงชาวรัสเซียคนแรกที่มีภาพลักษณ์ของผู้คนโดยทั่วไปและลึกซึ้งกลายเป็นศูนย์กลางของงานทั้งหมด ธีมของความรักชาติในงานของเขาเชื่อมโยงกับธีมของการต่อสู้เพื่อเอกราชของประชาชนอย่างแยกไม่ออก

โอเปร่ารัสเซียช่วงก่อนหน้าได้เตรียมรูปลักษณ์ของโอเปร่าของ Glinka แต่ความแตกต่างเชิงคุณภาพจากโอเปร่ารัสเซียยุคก่อนมีความสำคัญมาก ในโอเปร่าของ Glinka ความสมจริงของความคิดทางศิลปะไม่ได้แสดงออกมาในแง่มุมส่วนตัวของมัน แต่ทำหน้าที่เป็นวิธีการสร้างสรรค์แบบองค์รวมที่ช่วยให้เราสามารถแสดงความคิด แก่นเรื่อง และโครงเรื่องของโอเปร่าในเชิงดนตรีและน่าทึ่งได้ Glinka เข้าใจปัญหาของสัญชาติในรูปแบบใหม่: สำหรับเขามันไม่เพียง แต่หมายถึงการพัฒนาดนตรีของเพลงพื้นบ้านเท่านั้น แต่ยังรวมถึงภาพสะท้อนที่ลึกซึ้งและหลากหลายแง่มุมในดนตรีแห่งชีวิตความรู้สึกและความคิดของผู้คน การเปิดเผยลักษณะเฉพาะ ลักษณะทางจิตวิญญาณของมัน นักแต่งเพลงไม่ได้ จำกัด ตัวเองให้สะท้อนถึงชีวิตพื้นบ้าน แต่รวมเอาคุณลักษณะทั่วไปของโลกทัศน์พื้นบ้านไว้ในเพลง โอเปร่าของ Glinka เป็นงานดนตรีและละครที่ผสานรวมเข้าด้วยกัน พวกเขาไม่มีบทสนทนา เนื้อหาถูกถ่ายทอดผ่านเสียงเพลง แทนที่จะแยกจำนวนโซโลและคอรัสของโอเปร่าการ์ตูนที่แยกจากกัน Glinka สร้างรูปแบบโอเปร่าขนาดใหญ่ที่มีรายละเอียด พัฒนาด้วยทักษะซิมโฟนิกที่แท้จริง

ใน "Ivan Susanin" Glinka ร้องเพลงเกี่ยวกับอดีตวีรบุรุษของรัสเซีย ด้วยความจริงทางศิลปะที่ยอดเยี่ยม ภาพทั่วไปของชาวรัสเซียจึงรวมอยู่ในโอเปร่า พัฒนาการของละครเพลงขึ้นอยู่กับความขัดแย้งของวงการดนตรีระดับชาติต่างๆ

"Ruslan and Lyudmila" เป็นโอเปร่าที่เป็นจุดเริ่มต้นของมหากาพย์รัสเซียพื้นบ้าน ความสำคัญของ "Ruslan" สำหรับดนตรีรัสเซียนั้นยอดเยี่ยมมาก โอเปร่ามีผลกระทบไม่เพียงเฉพาะกับประเภทการแสดงละครเท่านั้น แต่ยังส่งผลต่อประเภทซิมโฟนีด้วย วีรบุรุษผู้ยิ่งใหญ่และมีมนต์ขลังลึกลับรวมถึงภาพตะวันออกที่มีสีสันของ "Ruslan" หล่อเลี้ยงดนตรีรัสเซียมาช้านาน

Glinka ตามมาด้วย A. S. Dargomyzhsky (1813-1869) ซึ่งเป็นศิลปินทั่วไปในยุค 40-50 ศตวรรษที่ 19 Glinka มีอิทธิพลอย่างมากต่อ Dargomyzhsky แต่ในขณะเดียวกันงานชิ้นหลังก็มีคุณสมบัติใหม่ปรากฏขึ้นซึ่งเกิดจากสภาพสังคมใหม่ธีมใหม่ที่มาสู่ศิลปะรัสเซีย ความเห็นอกเห็นใจอย่างอบอุ่นสำหรับคนที่ถูกขายหน้า, การตระหนักถึงความเลวร้ายของความไม่เท่าเทียมกันทางสังคม, ทัศนคติที่สำคัญต่อระเบียบทางสังคมนั้นสะท้อนให้เห็นในงานของ Dargomyzhsky ซึ่งเกี่ยวข้องกับแนวคิดของสัจนิยมเชิงวิพากษ์ในวรรณกรรม

เส้นทางของ Dargomyzhsky ในฐานะนักแต่งเพลงโอเปร่าเริ่มต้นด้วยการสร้างโอเปร่า "Esmeralda" หลังจาก V. Hugo (โพสต์ในปี พ.ศ. 2390) และงานโอเปร่าหลักของนักแต่งเพลงควรได้รับการพิจารณาว่า "นางเงือก" (อิงจากละครโดย A. S. Pushkin) ซึ่งจัดแสดง ในปีพ. ศ. 2399 ในโอเปร่านี้ความสามารถของ Dargomyzhsky ได้รับการเปิดเผยอย่างเต็มที่และกำหนดทิศทางของงานของเขา ละครเกี่ยวกับความไม่เท่าเทียมกันทางสังคมระหว่างลูกสาวที่รักของนาตาชาและเจ้าชายผู้เป็นเจ้าของโรงสีดึงดูดนักแต่งเพลงด้วยความเกี่ยวข้องของธีม Dargomyzhsky เพิ่มความแข็งแกร่งให้กับด้านที่น่าทึ่งของโครงเรื่องโดยดูแคลนองค์ประกอบที่น่าอัศจรรย์ Rusalka เป็นโอเปร่าจิตวิทยาบทกวีในชีวิตประจำวันเรื่องแรกของรัสเซีย ดนตรีของเธอเป็นเพลงพื้นบ้านที่ลึกซึ้ง บนพื้นฐานของเพลง นักแต่งเพลงสร้างภาพที่มีชีวิตของวีรบุรุษ พัฒนารูปแบบการประกาศในส่วนของตัวละครหลัก พัฒนาฉากทั้งมวล

โอเปร่าเรื่องสุดท้ายของ Dargomyzhsky เรื่อง The Stone Guest หลังจากพุชกิน (โพสต์ในปี พ.ศ. 2415 หลังจากนักแต่งเพลงเสียชีวิต) เป็นของช่วงเวลาที่แตกต่างกันในการพัฒนาอุปรากรรัสเซีย Dargomyzhsky ตั้งเป้าหมายในการสร้างภาษาดนตรีที่เหมือนจริงซึ่งสะท้อนถึงน้ำเสียงพูด นักแต่งเพลงละทิ้งรูปแบบการแสดงโอเปร่าแบบดั้งเดิม - อาเรีย, วงดนตรี, คณะนักร้องประสานเสียง; ส่วนเสียงของโอเปร่ามีชัยเหนือส่วนออเคสตรา The Stone Guest ได้วางรากฐานสำหรับหนึ่งในทิศทางของโอเปร่ารัสเซียยุคต่อมา ซึ่งเรียกว่าโอเปร่าบทบรรยายของแชมเบอร์ ซึ่งต่อมานำเสนอโดยโมสาร์ทและซาลิเอรีของริมสกี-คอร์ซาคอฟ, ของรัคมานินอฟ อัศวินขี้เหนียวและคนอื่นๆ ความไม่ชอบมาพากลของโอเปร่าเหล่านี้คือพวกเขาทั้งหมดมีพื้นฐานมาจากข้อความเต็มของ "โศกนาฏกรรมเล็กน้อย" ของพุชกินที่ไม่มีการเปลี่ยนแปลง

ในยุค 60 อุปรากรรัสเซียได้เข้าสู่ขั้นตอนใหม่ของการพัฒนา ผลงานของนักแต่งเพลงของวง Balakirev (“ The Mighty Handful”) และ Tchaikovsky ปรากฏบนเวทีรัสเซีย ในปีเดียวกันผลงานของ A. N. Serov และ A. G. Rubinshtein ก็เปิดตัว

ผลงานโอเปร่าของ A. N. Serov (พ.ศ. 2363-2414) ซึ่งมีชื่อเสียงในฐานะนักวิจารณ์ดนตรีไม่สามารถจัดอยู่ในปรากฏการณ์ที่สำคัญมากของโรงละครรัสเซียได้ อย่างไรก็ตามครั้งหนึ่งโอเปร่าของเขามีบทบาทในเชิงบวก ในโอเปร่าเรื่อง "Judith" (โพสต์ในปี 2406) Serov ได้สร้างผลงานที่มีลักษณะกล้าหาญและมีใจรักโดยอิงจากเรื่องราวในพระคัมภีร์ไบเบิล ในโอเปร่า Rogneda (แต่งและจัดแสดงในปี พ.ศ. 2408) เขาหันไปหายุคของ Kievan Rus โดยต้องการสานต่อแนวของ Ruslan อย่างไรก็ตาม โอเปร่ายังไม่ลึกพอ สิ่งที่น่าสนใจอย่างยิ่งคือโอเปร่าเรื่องที่สามของ Serov เรื่อง The Enemy Force ซึ่งสร้างจากละครของ A. N. Ostrovsky เรื่อง Don't Live As You Want (โพสต์ในปี พ.ศ. 2414) นักแต่งเพลงตัดสินใจสร้างโอเปร่าเพลง ซึ่งเพลงควรอิงจากแหล่งที่มาหลัก อย่างไรก็ตาม โอเปร่าไม่มีแนวคิดที่น่าทึ่งเพียงอย่างเดียว และดนตรีของมันก็ไม่ได้สูงเกินความเป็นจริง

A. G. Rubinshtein (1829-1894) ในฐานะนักแต่งเพลงโอเปร่า เริ่มต้นด้วยการแต่งโอเปร่าประวัติศาสตร์เรื่อง The Battle of Kulikovo (1850) เขาสร้างบทเพลงโอเปร่า Theramors และโอเปร่าโรแมนติก Children of the Steppes โอเปร่าที่ดีที่สุดของ Rubinstein เรื่อง The Demon after Lermontov (1871) รอดชีวิตมาได้ในละคร โอเปร่านี้เป็นตัวอย่างของโอเปร่าโคลงสั้น ๆ ของรัสเซียซึ่งหน้าที่มีพรสวรรค์ที่สุดอุทิศให้กับการแสดงความรู้สึกของตัวละคร ฉากประเภทต่างๆ ของ The Demon ซึ่งผู้แต่งใช้ดนตรีพื้นบ้านของ Transcaucasia ทำให้มีกลิ่นอายของท้องถิ่น โอเปร่า The Demon ประสบความสำเร็จในหมู่คนรุ่นราวคราวเดียวกันที่เห็นภาพลักษณ์ของชายในยุค 1940 และ 1950 ในตัวละครเอก

ผลงานโอเปราของนักแต่งเพลง The Mighty Handful และ Tchaikovsky มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับสุนทรียภาพใหม่ของทศวรรษ 1960 เงื่อนไขทางสังคมใหม่นำเสนองานใหม่สำหรับศิลปินชาวรัสเซีย ปัญหาหลักของยุคนี้คือปัญหาของการสะท้อนในงานศิลปะของชีวิตชาวบ้านในความซับซ้อนและไม่สอดคล้องกันทั้งหมด ผลกระทบของความคิดของพรรคเดโมแครตที่ปฏิวัติ (ส่วนใหญ่ของ Chernyshevsky) สะท้อนให้เห็นในด้านความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีโดยการดึงดูดไปยังธีมและโครงเรื่องที่มีความสำคัญในระดับสากล การวางแนวทางที่เห็นอกเห็นใจของงานและการเชิดชูพลังทางจิตวิญญาณอันสูงส่งของ ประชากร. สิ่งที่สำคัญเป็นพิเศษในเวลานี้คือหัวข้อทางประวัติศาสตร์

ความสนใจในประวัติศาสตร์ของผู้คนในช่วงหลายปีที่ผ่านมานั้นไม่ใช่เรื่องปกติสำหรับนักแต่งเพลงเท่านั้น วิทยาศาสตร์ประวัติศาสตร์กำลังพัฒนาอย่างกว้างขวาง นักเขียน กวี และนักเขียนบทละครหันเข้าหาประเด็นทางประวัติศาสตร์ พัฒนาการของจิตรกรรมประวัติศาสตร์ ยุคของการรัฐประหาร การลุกฮือของชาวนา การเคลื่อนไหวของมวลชนเป็นสิ่งที่น่าสนใจที่สุด สถานที่สำคัญถูกยึดครองโดยปัญหาความสัมพันธ์ระหว่างประชาชนกับอำนาจของกษัตริย์ โอเปร่าทางประวัติศาสตร์ของ M. P. Mussorgsky และ N. A. Rimsky-Korsakov อุทิศให้กับหัวข้อนี้

โอเปร่าโดย M. P. Mussorgsky (2382-2424), Boris Godunov (2415) และ Khovanshchina (เสร็จโดย Rimsky-Korsakov ในปี 2425) เป็นสาขาประวัติศาสตร์และโศกนาฏกรรมของโอเปร่าคลาสสิกรัสเซีย ผู้แต่งเรียกพวกเขาว่า "ละครเพลงพื้นบ้าน" เนื่องจากผู้คนเป็นศูนย์กลางของงานทั้งสอง แนวคิดหลักของ "Boris Godunov" (อิงจากโศกนาฏกรรมชื่อเดียวกันโดย Pushkin) คือความขัดแย้ง: ซาร์ - ผู้คน ความคิดนี้เป็นหนึ่งในความคิดที่สำคัญและรุนแรงที่สุดในยุคหลังการปฏิรูป Mussorgsky ต้องการค้นหาความคล้ายคลึงกับปัจจุบันในเหตุการณ์ในอดีตของ Rus ความขัดแย้งระหว่างผลประโยชน์ส่วนตนกับอำนาจเผด็จการแสดงให้เห็นในฉากของขบวนการประชาชนที่กลายเป็นการจลาจลอย่างเปิดเผย ในขณะเดียวกันผู้แต่งก็ให้ความสนใจอย่างมากกับ "โศกนาฏกรรมแห่งมโนธรรม" ที่ซาร์บอริสประสบ ภาพลักษณ์ที่หลากหลายของ Boris Godunov เป็นหนึ่งในความสำเร็จสูงสุดของโอเปร่าระดับโลก

ละครเพลงเรื่องที่สองของ Mussorgsky เรื่อง Khovanshchina อุทิศให้กับการลุกฮือของ Streltsy ในปลายศตวรรษที่ 17 องค์ประกอบของการเคลื่อนไหวของผู้คนในพลังที่เต็มเปี่ยมนั้นแสดงออกมาได้อย่างยอดเยี่ยมโดยดนตรีของโอเปร่า บนพื้นฐานของการคิดใหม่อย่างสร้างสรรค์เกี่ยวกับศิลปะของเพลงพื้นบ้าน เพลงของ "Khovanshchina" เช่นเดียวกับเพลงของ "Boris Godunov" มีลักษณะโศกนาฏกรรมสูง พื้นฐานของความไพเราะของโอเปร่าทั้งสองคือการสังเคราะห์เพลงและการเริ่มต้นของคำปราศรัย นวัตกรรมของ Mussorgsky ที่เกิดจากความแปลกใหม่ของแนวคิดของเขา และวิธีแก้ปัญหาของละครเพลงที่สร้างสรรค์อย่างล้ำลึกทำให้เราจัดอันดับให้ละครเพลงทั้งสองเรื่องของเขาประสบความสำเร็จสูงสุดในสาขาละครเพลง

โอเปร่าโดย A. P. Borodin (1833-1887) "Prince Igor" อยู่ติดกับกลุ่มผลงานดนตรีทางประวัติศาสตร์ (เนื้อเรื่องคือ "The Tale of Igor's Campaign") แนวคิดเรื่องความรักต่อมาตุภูมิความคิดในการรวมกันต่อหน้าศัตรูถูกเปิดเผยโดยนักแต่งเพลงพร้อมละครที่ยอดเยี่ยม (ฉากใน Putivl) นักแต่งเพลงได้รวมความยิ่งใหญ่ของประเภทมหากาพย์ไว้ในโอเปร่าของเขาด้วยการเริ่มต้นที่เป็นโคลงสั้น ๆ ในศูนย์รวมบทกวีของค่าย Polovtsian ศีลของ Glinka ถูกนำมาใช้; ในทางกลับกัน ภาพดนตรีตะวันออกของโบโรดินเป็นแรงบันดาลใจให้นักแต่งเพลงชาวรัสเซียและโซเวียตหลายคนสร้างภาพแนวตะวันออก ของขวัญอันไพเราะที่ยอดเยี่ยมของ Borodin แสดงออกมาในรูปแบบการร้องเพลงที่กว้างของโอเปร่า โบโรดินไม่มีเวลาแสดงโอเปร่าให้เสร็จ เจ้าชายอิกอร์สร้างเสร็จโดยริมสกี-คอร์ซาคอฟและกลาซูนอฟ และจัดแสดงในเวอร์ชันของพวกเขาในปี พ.ศ. 2433

ประเภทของละครเพลงอิงประวัติศาสตร์ได้รับการพัฒนาโดย N. A. Rimsky-Korsakov (1844-1908) เสรีชนของ Pskov ที่กบฏต่อ Ivan the Terrible (โอเปร่า The Woman of Pskov, 1872) แสดงโดยนักแต่งเพลงด้วยความยิ่งใหญ่ที่ยิ่งใหญ่ ภาพลักษณ์ของกษัตริย์เต็มไปด้วยละครของแท้ องค์ประกอบโคลงสั้น ๆ ของโอเปร่าที่เกี่ยวข้องกับนางเอก - Olga ช่วยเพิ่มคุณค่าให้กับดนตรีโดยนำเสนอคุณลักษณะของความอ่อนโยนและความนุ่มนวลอันยอดเยี่ยมในแนวคิดเรื่องโศกนาฏกรรมอันยิ่งใหญ่

พี. ไอ. ไชคอฟสกี (พ.ศ. 2383-2436) เป็นผู้ประพันธ์โอเปร่าเชิงจิตวิทยาที่มีชื่อเสียงที่สุด เป็นผู้ประพันธ์โอเปร่าประวัติศาสตร์สามเรื่อง โอเปร่า Oprichnik (1872) และ Mazepa (1883) อุทิศให้กับเหตุการณ์ที่น่าทึ่งในประวัติศาสตร์รัสเซีย ในโอเปร่า The Maid of Orleans (1879) นักแต่งเพลงหันไปหาประวัติศาสตร์ของฝรั่งเศสและสร้างภาพลักษณ์ของ Joan of Arc นางเอกแห่งชาติของฝรั่งเศส

คุณลักษณะของโอเปร่าอิงประวัติศาสตร์ของไชคอฟสกีคือความเป็นญาติของพวกเขากับโอเปร่าที่มีโคลงสั้น ๆ ของเขา นักแต่งเพลงเผยให้เห็นคุณลักษณะเฉพาะของยุคที่ปรากฎผ่านชะตากรรมของแต่ละคน ภาพของฮีโร่ของเขานั้นโดดเด่นด้วยความลึกและความจริงของการถ่ายทอดโลกภายในที่ซับซ้อนของบุคคล

นอกเหนือจากละครเพลงแนวประวัติศาสตร์พื้นบ้านในโอเปร่ารัสเซียในศตวรรษที่ 19 สถานที่สำคัญถูกครอบครองโดยโอเปร่าเทพนิยายพื้นบ้านซึ่งเป็นตัวแทนอย่างกว้างขวางในผลงานของ N. A. Rimsky-Korsakov โอเปร่าเทพนิยายที่ดีที่สุดของริมสกี-คอร์ซาคอฟ ได้แก่ The Snow Maiden (1881), Sadko (1896), Kashchei the Immortal (1902) และ The Golden Cockerel (1907) สถานที่พิเศษถูกครอบครองโดยโอเปร่า The Tale of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia (1904) ซึ่งสร้างจากตำนานพื้นบ้านเกี่ยวกับการรุกรานของตาตาร์-มองโกล

โอเปร่าโดย Rimsky-Korsakov ตื่นตาตื่นใจกับการตีความประเภทนิทานพื้นบ้านที่หลากหลาย ไม่ว่าจะเป็นการตีความบทกวีของแนวคิดพื้นบ้านโบราณเกี่ยวกับธรรมชาติที่แสดงในเทพนิยายที่ยอดเยี่ยมเกี่ยวกับ Snow Maiden หรือภาพที่ทรงพลังของ Novgorod โบราณหรือภาพของรัสเซียในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 ในภาพเชิงเปรียบเทียบของอาณาจักร Kashcheev ที่เย็นชาจากนั้นเป็นการเสียดสีที่แท้จริงเกี่ยวกับระบบเผด็จการที่เน่าเฟะในภาพยอดนิยมในเทพนิยาย (“ The Golden Cockerel”) ในหลายกรณี วิธีการแสดงดนตรีของตัวละครและเทคนิคของละครเพลงของ Rimsky-Korsakov นั้นแตกต่างกัน อย่างไรก็ตาม ในโอเปร่าทั้งหมดของเขา เราสามารถสัมผัสได้ถึงความสร้างสรรค์อย่างลึกซึ้งของผู้ประพันธ์ในโลกของความคิดพื้นบ้าน ความเชื่อพื้นบ้าน สู่โลกทัศน์ของผู้คน พื้นฐานของดนตรีในละครของเขาคือภาษาของเพลงพื้นบ้าน Rimsky-Korsakov การพึ่งพาศิลปะพื้นบ้านการแสดงลักษณะของนักแสดงผ่านการใช้ประเภทพื้นบ้านที่หลากหลายเป็นคุณสมบัติทั่วไปของ Rimsky-Korsakov

จุดสุดยอดของงานของริมสกี-คอร์ซาคอฟคือมหากาพย์ที่ยิ่งใหญ่เกี่ยวกับความรักชาติของชาวมาตุภูมิในโอเปร่าเรื่อง The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia ซึ่งผู้แต่งได้ก้าวไปสู่จุดสูงสุดของดนตรีและซิมโฟนิกทั่วไป ธีม.

ในบรรดาโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซียประเภทอื่น ๆ หนึ่งในสถานที่สำคัญเป็นของโอเปร่าโคลงสั้น ๆ - จิตวิทยาซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของ Rusalka ของ Dargomyzhsky ตัวแทนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของดนตรีรัสเซียประเภทนี้คือ Tchaikovsky ผู้ประพันธ์ผลงานยอดเยี่ยมที่รวมอยู่ในละครโอเปร่าระดับโลก: Eugene Onegin (1877-1878), The Enchantress (1887), The Queen of Spades (1890), Iolanta (1891) ). นวัตกรรมของไชคอฟสกีเกี่ยวข้องกับแนวทางการทำงานของเขา ซึ่งอุทิศให้กับแนวคิดมนุษยนิยม การประท้วงต่อต้านความอัปยศอดสูของมนุษย์ ความเชื่อในอนาคตที่ดีกว่าสำหรับมนุษยชาติ โลกภายในของผู้คน ความสัมพันธ์ของพวกเขา และความรู้สึกของพวกเขาถูกเปิดเผยในโอเปร่าของไชคอฟสกี โดยผสมผสานประสิทธิภาพการแสดงละครเข้ากับการพัฒนาดนตรีซิมโฟนิกที่สอดคล้องกัน งานอุปรากรของไชคอฟสกีเป็นหนึ่งในปรากฏการณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของศิลปะดนตรีและการแสดงละครโลกในศตวรรษที่ 19

มีผลงานจำนวนน้อยกว่าในผลงานโอเปร่าของนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย อย่างไรก็ตาม ตัวอย่างบางส่วนเหล่านี้มีความแตกต่างกันตามเอกลักษณ์ประจำชาติ ไม่มีความบันเทิงเบา ๆ ตลกอยู่ในตัว ส่วนใหญ่อิงจากเรื่องราวของ Gogol จาก Evenings on a Farm ใกล้ Dikanka โอเปร่า-คอเมดีแต่ละเรื่องสะท้อนลักษณะเฉพาะของผู้แต่ง ในโอเปร่าของไชคอฟสกีเรื่อง Cherevichki (พ.ศ. 2428; ใน "May Night" โดย Rimsky-Korsakov (2421) - มหัศจรรย์และพิธีกรรม ในงาน Sorochinskaya ของ Mussorgsky (ยุค 70 ยังไม่จบ) - เรื่องตลกล้วนๆ โอเปร่าเหล่านี้เป็นตัวอย่างของทักษะการสะท้อนชีวิตของผู้คนในแนวตลกขบขันของตัวละครได้อย่างสมจริง

ปรากฏการณ์คู่ขนานหลายอย่างในโรงละครดนตรีของรัสเซียอยู่ติดกับโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซีย เรานึกถึงผลงานของนักแต่งเพลงที่ไม่ได้สร้างผลงานที่มีความสำคัญยั่งยืน แม้ว่าพวกเขาจะมีส่วนสนับสนุนการพัฒนาอุปรากรรัสเซียด้วยตนเองก็ตาม ที่นี่จำเป็นต้องตั้งชื่อโอเปร่าของ Ts A. Cui (พ.ศ. 2378-2461) ซึ่งเป็นสมาชิกของวง Balakirev ซึ่งเป็นนักวิจารณ์เพลงที่มีชื่อเสียงในยุค 60-70 โอเปร่าของ Cui "William Ratcliffe" และ "Angelo" ซึ่งไม่ทิ้งสไตล์โรแมนติกตามอัตภาพไม่มีดราม่าและบางครั้งก็มีดนตรีที่สดใส การสนับสนุนในภายหลังของ Cui มีความสำคัญน้อยกว่า ("The Captain's Daughter", "Mademoiselle Fifi" เป็นต้น) การแสดงโอเปร่าคลาสสิกประกอบเป็นผลงานของวาทยกรและผู้อำนวยการดนตรีที่โดดเด่นของโอเปร่าในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก E. F. Napravnik (พ.ศ. 2382-2459) ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือโอเปร่าของเขา "Dubrovsky" ซึ่งแต่งขึ้นตามประเพณีของโอเปร่าโคลงสั้น ๆ ของไชคอฟสกี

ของคีตกวีที่แสดงในช่วงปลายศตวรรษที่ 19. บนเวทีโอเปร่าเราต้องตั้งชื่อ A. S. Arensky (2404-2449) ผู้แต่งโอเปร่า Dream on the Volga, Raphael and Nal และ Damayanti รวมถึง M. M. Ippolitov-Ivanov (2402-2478) ซึ่งโอเปร่า Asya หลังจาก I. S. Turgenev เขียนในลักษณะโคลงสั้น ๆ ของไชคอฟสกี มันโดดเด่นในประวัติศาสตร์ของโอเปร่ารัสเซีย "Oresteia" โดย S. I. Taneyev (1856-1915) ตาม Aeschylus ซึ่งสามารถอธิบายได้ว่าเป็น oratorio ละคร

ในเวลาเดียวกัน S. V. Rachmaninov (พ.ศ. 2416-2486) ทำหน้าที่เป็นนักแต่งเพลงโอเปร่าโดยแต่งในตอนท้ายของเรือนกระจก (พ.ศ. 2435) เป็นการแสดงเดี่ยวเรื่อง "Aleko" ซึ่งคงอยู่ตามประเพณีของไชคอฟสกี โอเปร่าต่อมาของ Rachmaninov - Francesca da Rimini (1904) และ The Miserly Knight (1904) - เขียนในลักษณะของโอเปร่าแคนทาทา ในนั้นการแสดงบนเวทีจะถูกบีบอัดอย่างเต็มที่และการเริ่มต้นดนตรีและซิมโฟนิกได้รับการพัฒนาอย่างมาก ดนตรีของโอเปร่าเหล่านี้มีพรสวรรค์และสดใส บ่งบอกถึงความคิดริเริ่มของสไตล์สร้างสรรค์ของผู้แต่ง

จากปรากฏการณ์ศิลปะโอเปร่าที่มีนัยสำคัญน้อยกว่าในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 เรามาตั้งชื่อโอเปร่าโดย A. T. Grechaninov (2407-2499) "Dobrynya Nikitich" ซึ่งลักษณะเฉพาะของโอเปร่าคลาสสิกมหากาพย์ที่ยอดเยี่ยมทำให้เนื้อเพลงโรแมนติกเช่นเดียวกับโอเปร่าโดย A. D. Kastalsky (2399-2469) "คลารามิลิค "ซึ่งองค์ประกอบของธรรมชาตินิยมผสมผสานกับการแต่งบทเพลงที่น่าประทับใจอย่างจริงใจ

ศตวรรษที่ XIX - ยุคของโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซีย นักแต่งเพลงชาวรัสเซียได้สร้างผลงานชิ้นเอกในประเภทต่าง ๆ ของโอเปร่า: ละคร, มหากาพย์, โศกนาฏกรรมที่กล้าหาญ, ตลก พวกเขาสร้างละครเพลงแนวใหม่ที่ถือกำเนิดขึ้นโดยเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับเนื้อหาที่เป็นนวัตกรรมของโอเปร่า บทบาทที่สำคัญและเป็นตัวกำหนดของฉากพื้นบ้าน การแสดงลักษณะหลายแง่มุมของตัวละคร การตีความใหม่ของรูปแบบโอเปร่าแบบดั้งเดิม และการสร้างหลักการใหม่ของความเป็นเอกภาพทางดนตรีของงานทั้งหมดเป็นคุณลักษณะเฉพาะของโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซีย

โอเปร่าคลาสสิคของรัสเซียซึ่งพัฒนาขึ้นภายใต้อิทธิพลของความคิดทางปรัชญาและสุนทรียศาสตร์ที่ก้าวหน้าภายใต้อิทธิพลของเหตุการณ์ในชีวิตสาธารณะกลายเป็นลักษณะที่โดดเด่นประการหนึ่งของวัฒนธรรมประจำชาติรัสเซียในศตวรรษที่ 19 เส้นทางการพัฒนาทั้งหมดของอุปรากรรัสเซียในศตวรรษที่ผ่านมาดำเนินขนานไปกับขบวนการปลดปล่อยครั้งใหญ่ของชาวรัสเซีย นักแต่งเพลงได้รับแรงบันดาลใจจากแนวคิดระดับสูงเกี่ยวกับมนุษยนิยมและการตรัสรู้ในระบอบประชาธิปไตย และผลงานของพวกเขาเป็นตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของศิลปะที่เหมือนจริงอย่างแท้จริง

อย่างไรก็ตาม ประวัติของโอเปร่าในประเทศของเราในฐานะแนวดนตรีและละครที่มาจากตะวันตกเริ่มขึ้นนานก่อนการผลิตของ Glinka's Life for the Tsar (Ivan Susanin) ซึ่งเป็นโอเปร่าคลาสสิกเรื่องแรกของรัสเซีย ซึ่งฉายรอบปฐมทัศน์เมื่อวันที่ 27 พฤศจิกายน พ.ศ. 2379

หากคุณลอง จุดเริ่มต้นของอุปรากรรัสเซียสามารถพบได้ในสมัยโบราณ เนื่องจากองค์ประกอบทางดนตรีและการละครมีอยู่ในพิธีกรรมพื้นบ้านของรัสเซีย เช่น พิธีแต่งงาน การเต้นรำรอบ และการแสดงในโบสถ์ของชาวมาตุภูมิในยุคกลาง ซึ่งสามารถเป็นได้ ถือเป็นข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการเกิดขึ้นของอุปรากรรัสเซีย ด้วยเหตุผลที่ยิ่งใหญ่กว่า เราสามารถเห็นการกำเนิดของอุปรากรรัสเซียในการแสดงพื้นบ้านในศตวรรษที่ 16 และ 17 ในละครโรงเรียนของ Kyiv และ Moscow Academy ในหัวข้อพระคัมภีร์ องค์ประกอบทางดนตรีและประวัติศาสตร์ทั้งหมดเหล่านี้จะสะท้อนให้เห็นในผลงานของนักแต่งเพลงอุปรากรชาวรัสเซียในอนาคต

ในวันที่ 17 ตุลาคม ค.ศ. 1672 การแสดงครั้งแรกของ "Esther" ("Act of Artaxerxes") โดย Johann Gottfried Gregory ซึ่งกินเวลาถึงสิบชั่วโมงจนถึงเช้า ดนตรีมีส่วนร่วมในการกระทำ - วงออเคสตราของชาวเยอรมันและชาวลานที่เล่น "ออร์แกน ไวโอลินและเครื่องดนตรีอื่น ๆ " บางทีคณะนักร้องประสานเสียงจาก ซาร์รู้สึกทึ่งผู้เข้าร่วมการแสดงทุกคนได้รับการปฏิบัติอย่างกรุณาให้รางวัลอย่างไม่เห็นแก่ตัวและได้รับอนุญาตให้จูบมือของซาร์ - "พวกเขาอยู่ในมือของจักรพรรดิผู้ยิ่งใหญ่" บางคนได้รับตำแหน่งและเงินเดือน Gregory เองก็ได้รับสี่สิบ sables สำหรับหนึ่งคน ร้อยรูเบิล (วัดจากคลังขนสัตว์)

บทละครต่อไปนี้ของ Gregory เล่นแล้วในมอสโกในห้องเครมลินผู้ชมใกล้ชิดกับกษัตริย์: โบยาร์, วงเวียน, ขุนนาง, เสมียน; มีสถานที่พิเศษสำหรับพระราชินีและเจ้าหญิงซึ่งมีบาร์กั้นอยู่บ่อยๆ เพื่อไม่ให้ปรากฏต่อสาธารณชน การแสดงเริ่มเวลา 22.00 น. และดำเนินไปจนถึงเช้า หากใน "Act of Artaxerxes" การมีส่วนร่วมทางดนตรีค่อนข้างจะบังเอิญ ในปี 1673 การแสดงละครที่ค่อนข้างคล้ายกับโอเปร่าก็ปรากฏขึ้นบนเวที เป็นไปได้มากว่ามันเป็นการนำบทประพันธ์ของโอเปร่า "Eurydice" ของ Rinuccini มาปรับปรุงใหม่ ซึ่งเป็นหนึ่งในโอเปร่าเรื่องแรกๆ และได้รับการดัดแปลงมากมายไปทั่วยุโรปอย่างกว้างขวาง

Johann Gregory ก่อตั้งโรงเรียนการละครในปี 1673 ซึ่งเด็กฟิลิสเตีย 26 คนเรียน "ตลก" อย่างไรก็ตามในปี 1675 Gregory ล้มป่วยและไปดินแดนเยอรมันเพื่อรับการรักษา แต่ในไม่ช้าก็เสียชีวิตในเมือง Merserburg ที่ซึ่งเขาถูกฝังอยู่และโรงเรียนการละครก็ถูกปิด หลังจากการสิ้นพระชนม์ของซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิชในปี ค.ศ. 1676 ซาร์ฟีโอดอร์อเล็กเซวิชองค์ใหม่ไม่ได้แสดงความสนใจในโรงละคร Artamon Matveev ผู้อุปถัมภ์หลักถูกส่งไปลี้ภัยใน Pustozersk โรงละครถูกรื้อถอน แว่นตาหยุดลง แต่ความคิดยังคงอยู่ว่าได้รับอนุญาตเนื่องจากกษัตริย์เองรู้สึกขบขันกับสิ่งนี้

เกรกอรีใช้ชีวิตส่วนใหญ่ในรัสเซียตามหลังกระแสละครสมัยใหม่และคอเมดี้ที่เขาแสดงก็ล้าสมัย อย่างไรก็ตาม จุดเริ่มต้นของศิลปะการละครและโอเปร่าในรัสเซียถูกวางไว้ การอุทธรณ์ต่อโรงละครและการฟื้นฟูครั้งต่อไปเกิดขึ้นในยี่สิบห้าปีต่อมาในช่วงเวลาของ Peter I.

สี่ศตวรรษผ่านไป แต่โอเปร่าก็ยังถือว่าเป็นหนึ่งในประเภทดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุด ทุกคนสามารถเข้าถึงความเข้าใจในดนตรีโอเปร่าได้ สิ่งนี้ช่วยได้ด้วยคำพูดและการแสดงบนเวที และดนตรีช่วยเพิ่มความประทับใจให้กับละคร โดยแสดงออกด้วยความกะทัดรัดโดยธรรมชาติซึ่งบางครั้งยากต่อการถ่ายทอดเป็นคำพูด

ในปัจจุบัน ประชาชนชาวรัสเซียสนใจโอเปร่าของ S. M. Slonimsky, R. K. Shchedrin, L. A. Desyatnikov, V. A. Kobekin, A. V. Tchaikovsky - แม้ว่าจะยาก แต่คุณก็สามารถชมได้โดยซื้อตั๋วไปที่ Bolshoi Theatre แน่นอนว่าโรงละครที่มีชื่อเสียงและเป็นที่นิยมที่สุดในประเทศของเราคือโรงละคร Bolshoi ซึ่งเป็นหนึ่งในสัญลักษณ์หลักของรัฐและวัฒนธรรมของเรา เมื่อคุณเยี่ยมชม Bolshoi แล้ว คุณจะได้สัมผัสกับการผสมผสานของดนตรีและละครอย่างเต็มที่

เมื่อวันที่ 9 ธันวาคม พ.ศ. 2379 (27 พฤศจิกายนแบบเก่า) รอบปฐมทัศน์ของโอเปร่า A Life for the Tsar ของ Mikhail Ivanovich Glinka เกิดขึ้นบนเวทีของโรงละคร Bolshoi เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของยุคใหม่ในดนตรีโอเปร่ารัสเซีย .

ด้วยโอเปร่านี้ เส้นทางการบุกเบิกของนักแต่งเพลงคลาสสิกชาวรัสเซียคนแรกได้เริ่มต้นขึ้น ผลักดันให้เขาก้าวไปสู่ระดับโลก เราจะพูดถึงการค้นพบทางดนตรีที่สำคัญที่สุดของ Glinka

โอเปร่าแห่งชาติครั้งแรก

M. I. Glinka ตระหนักถึงจุดประสงค์ที่แท้จริงของเขาอย่างเต็มที่ในระหว่างการเดินทางในยุโรป นักแต่งเพลงตัดสินใจสร้างโอเปร่ารัสเซียที่แท้จริงซึ่งอยู่ไกลจากบ้านเกิดเมืองนอนของเขาและเริ่มมองหาพล็อตที่เหมาะสมสำหรับมัน ตามคำแนะนำของ Zhukovsky Glinka ได้ตัดสินเรื่องราวความรักชาติ - ตำนานเกี่ยวกับความสำเร็จของ Ivan Susanin ผู้ซึ่งสละชีวิตของเขาเพื่อกอบกู้บ้านเกิดของเขา

เป็นครั้งแรกในดนตรีโอเปร่าระดับโลกที่ฮีโร่ดังกล่าวปรากฏตัว - มีต้นกำเนิดที่เรียบง่ายและมีคุณสมบัติที่ดีที่สุดของตัวละครประจำชาติ เป็นครั้งแรกในงานดนตรีขนาดนี้ประเพณีที่ร่ำรวยที่สุดของนิทานพื้นบ้านแห่งชาติการแต่งเพลงของรัสเซียฟัง ผู้ชมยอมรับโอเปร่าด้วยปังการยอมรับและชื่อเสียงมาสู่นักแต่งเพลง ในจดหมายถึงแม่ของเขา Glinka เขียนว่า:

“เมื่อคืนนี้ความปรารถนาของข้าพเจ้าสำเร็จในที่สุด และการตรากตรำอันยาวนานของข้าพเจ้าได้รับความสำเร็จอย่างยอดเยี่ยมที่สุด ผู้ชมยอมรับโอเปร่าของฉันด้วยความกระตือรือร้นเป็นพิเศษ นักแสดงเสียอารมณ์ด้วยความกระตือรือร้น… จักรพรรดิผู้ยิ่งใหญ่… ขอบคุณฉันและพูดคุยกับฉันเป็นเวลานาน…”

โอเปร่าได้รับการชื่นชมอย่างสูงจากนักวิจารณ์และบุคคลสำคัญทางวัฒนธรรม Odoevsky เรียกมันว่า "จุดเริ่มต้นขององค์ประกอบใหม่ในศิลปะ - ช่วงเวลาของดนตรีรัสเซีย"

มหากาพย์เทพนิยายมาสู่เสียงเพลง

ในปีพ. ศ. 2380 กลินกาเริ่มสร้างโอเปร่าเรื่องใหม่โดยคราวนี้เปลี่ยนเป็นบทกวีของ A. S. Pushkin Ruslan และ Lyudmila ความคิดที่จะนำมหากาพย์เทพนิยายมาสู่ดนตรีมาถึง Glinka ในช่วงชีวิตของกวีซึ่งควรจะช่วยเขาในบท แต่การตายของพุชกินขัดขวางแผนการเหล่านี้

รอบปฐมทัศน์ของโอเปร่าเกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2385 - ในวันที่ 9 ธันวาคม หกปีหลังจากซูซานิน แต่อนิจจา มันไม่ได้นำมาซึ่งความสำเร็จดังก้องเช่นเดียวกัน สังคมชนชั้นสูงที่นำโดยราชวงศ์ พบกับการผลิตด้วยความเป็นปรปักษ์ นักวิจารณ์และแม้แต่ผู้สนับสนุน Glinka ตอบสนองต่อโอเปร่าอย่างคลุมเครือ

“ในตอนท้ายขององก์ที่ 5 ราชวงศ์ออกจากโรงละคร เมื่อม่านลดลงพวกเขาก็เริ่มโทรหาฉัน แต่พวกเขาปรบมืออย่างไม่เป็นมิตรในขณะที่พวกเขาขู่ฟ่ออย่างกระตือรือร้นและส่วนใหญ่มาจากเวทีและวงออเคสตรา”

นักแต่งเพลงเล่า

สาเหตุของปฏิกิริยานี้คือนวัตกรรมของ Glinka ซึ่งเขาได้เข้าใกล้การสร้าง Ruslan และ Lyudmila ในงานนี้นักแต่งเพลงได้รวมเอาแรงจูงใจและภาพที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงซึ่งก่อนหน้านี้ดูเหมือนจะเข้ากันไม่ได้กับผู้ฟังชาวรัสเซีย - โคลงสั้น ๆ , มหากาพย์, นิทานพื้นบ้าน, ตะวันออกและมหัศจรรย์ นอกจากนี้ Glinka ยังทิ้งรูปแบบโรงเรียนอุปรากรของอิตาลีและฝรั่งเศสที่ผู้ชมคุ้นเคย

มหากาพย์นิยายเรื่องต่อมานี้ได้รับการเสริมความแข็งแกร่งในผลงานของ Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky, Borodin แต่ในเวลานั้นประชาชนยังไม่พร้อมสำหรับการปฏิวัติดนตรีโอเปร่าแบบนี้ โอเปร่าของ Glinka ได้รับการพิจารณาว่าไม่ใช่งานละครเวทีมานานแล้ว นักวิจารณ์ V. Stasov หนึ่งในผู้ปกป้องของเธอถึงกับเรียกเธอว่า "ผู้พลีชีพในยุคของเรา"

จุดเริ่มต้นของดนตรีไพเราะของรัสเซีย

หลังจากความล้มเหลวของ Ruslan และ Lyudmila Glinka ก็เดินทางไปต่างประเทศซึ่งเขายังคงสร้างผลงานต่อไป ในปีพ. ศ. 2391 "Kamarinskaya" ที่มีชื่อเสียงได้ปรากฏตัวขึ้น - แฟนตาซีในรูปแบบของเพลงรัสเซียสองเพลง - งานแต่งงานและการเต้นรำ ดนตรีไพเราะของรัสเซียมีต้นกำเนิดมาจากคามารินสกายา ในขณะที่นักแต่งเพลงจำได้ เขาเขียนมันอย่างรวดเร็ว ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมเขาถึงเรียกมันว่าแฟนตาซี

“ฉันรับรองได้ว่าตอนที่แต่งเพลงนี้ ฉันได้รับคำแนะนำจากความรู้สึกทางดนตรีเพียงอย่างเดียว ไม่ได้คิดถึงสิ่งที่จะเกิดขึ้นในงานแต่งงาน วิธีที่ชาวออร์โธดอกซ์ของเราเดิน”

Glinka กล่าวในภายหลัง เป็นที่น่าสนใจที่ "ผู้เชี่ยวชาญ" ใกล้ชิดกับจักรพรรดินีอเล็กซานดรา ฟีโอดอรอฟนา อธิบายให้เธอฟังว่าในที่ทำงานแห่งหนึ่ง เราสามารถได้ยินได้อย่างชัดเจนว่า "คนเมาเคาะประตูกระท่อม"

ดังนั้นด้วยเพลงรัสเซียยอดนิยมสองเพลง Glinka จึงอนุมัติดนตรีซิมโฟนิกประเภทใหม่และวางรากฐานสำหรับการพัฒนาต่อไป ไชคอฟสกีให้ความเห็นเกี่ยวกับงานนี้ดังนี้

“โรงเรียนดนตรีไพเราะของรัสเซียทั้งหมด เหมือนต้นโอ๊กทั้งต้นอยู่ในท้อง

เนื้อหาของบทความ

โอเปร่ารัสเซียโรงเรียนโอเปร่ารัสเซีย - ร่วมกับอิตาลี, เยอรมัน, ฝรั่งเศส - มีความสำคัญระดับโลก เรื่องนี้เกี่ยวข้องกับโอเปร่าจำนวนหนึ่งที่สร้างขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 เช่นเดียวกับผลงานหลายชิ้นของศตวรรษที่ 20 โอเปร่าที่ได้รับความนิยมมากที่สุดเรื่องหนึ่งบนเวทีโลกในปลายศตวรรษที่ 20 - บอริส โกดูนอฟ MP Mussorgsky มักจะใส่ด้วย ราชินีโพดำ P.I. Tchaikovsky (โอเปร่าอื่น ๆ ของเขาไม่ค่อยบ่อยนัก ยูจีน โอเนจิน); เพลิดเพลินกับชื่อเสียงมาก เจ้าชายอิกอร์ A.P. Borodin; จาก 15 โอเปร่าโดย N.A. Rimsky-Korsakov ปรากฏเป็นประจำ กระทงทอง. ในบรรดาโอเปร่าแห่งศตวรรษที่ 20 ละครมากที่สุด ไฟนางฟ้า S.S. Prokofiev และ Lady Macbeth แห่งเขต Mtsenskดี.ดี. โชสตาโควิช แน่นอนว่าสิ่งนี้ไม่ได้ทำให้ความมั่งคั่งของโรงเรียนโอเปร่าแห่งชาติหมดไป

การปรากฏตัวของโอเปร่าในรัสเซีย (ศตวรรษที่ 18)

โอเปร่าเป็นหนึ่งในประเภทแรกของยุโรปตะวันตกที่หยั่งรากในดินรัสเซีย ในช่วงทศวรรษที่ 1730 มีการสร้างโอเปร่าในศาลของอิตาลีซึ่งนักดนตรีต่างชาติเขียนขึ้นซึ่งทำงานในรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษการแสดงโอเปร่าสาธารณะปรากฏขึ้น โอเปร่ายังจัดแสดงในโรงละครป้อมปราการ ถือเป็นโอเปร่ารัสเซียเรื่องแรก Melnik - พ่อมดผู้หลอกลวงและผู้จับคู่ Mikhail Matveyevich Sokolovsky เป็นข้อความโดย A.O. Ablesimov (1779) เป็นละครตลกในชีวิตประจำวันที่มีเพลงประกอบละครซึ่งเป็นรากฐานสำหรับผลงานยอดนิยมหลายประเภทในประเภทนี้ - การ์ตูนโอเปร่ายุคแรก ในหมู่พวกเขา โอเปร่าของ Vasily Alekseevich Pashkevich (ค.ศ. 1742–1797) โดดเด่น ( ตระหนี่, 1782; เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Gostiny Dv, 1792; ปัญหาจากการขนส่ง, 2322) และ Evstigney Ipatovich Fomin (2304-2343) ( โค้ชบนฐาน, 1787; ชาวอเมริกัน, 2331). ในประเภทโอเปร่าซีเรียผลงานสองชิ้นของนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนี้คือ Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751–1825) เขียนถึงบทภาษาฝรั่งเศส - เหยี่ยว(พ.ศ. 2329) และ Rival Son หรือ Modern Stratonics(2330); มีการทดลองที่น่าสนใจในแนวเพลงประโลมโลกและดนตรีเพื่อการแสดงละคร

โอเปร่าก่อน Glinka (ศตวรรษที่ 19)

ในศตวรรษหน้าความนิยมของประเภทโอเปร่าในรัสเซียเพิ่มมากขึ้น โอเปร่าเป็นจุดสูงสุดของแรงบันดาลใจของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 19 และแม้แต่คนเหล่านั้นที่ไม่ได้ทิ้งงานประเภทใดไว้เลย (เช่น M.A. Balakirev, A.K. Lyadov) เป็นเวลาหลายปีที่ครุ่นคิดถึงโครงการโอเปร่าบางโครงการ เหตุผลนี้ชัดเจน: ประการแรก โอเปร่าดังที่ไชคอฟสกีกล่าวไว้ เป็นแนวเพลงที่ทำให้สามารถ "พูดภาษาของคนทั่วไปได้"; ประการที่สองโอเปร่าทำให้สามารถฉายภาพทางศิลปะเกี่ยวกับปัญหาทางอุดมการณ์ประวัติศาสตร์จิตวิทยาและปัญหาอื่น ๆ ที่อยู่ในจิตใจของชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 19; สุดท้ายนี้ ในวัฒนธรรมของมืออาชีพรุ่นเยาว์ มีแรงดึงดูดอย่างมากต่อแนวเพลงที่รวมถึงดนตรี คำศัพท์ การเคลื่อนไหวบนเวที และการวาดภาพ นอกจากนี้ประเพณีบางอย่างได้พัฒนาไปแล้ว - มรดกที่หลงเหลืออยู่ในประเภทดนตรีและการแสดงละครของศตวรรษที่ 18

ในช่วงทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 ศาลและโรงละครส่วนตัวเหี่ยวเฉา การผูกขาดกระจุกตัวอยู่ในมือของรัฐ ชีวิตทางดนตรีและการแสดงละครของเมืองหลวงทั้งสองมีชีวิตชีวามาก: ไตรมาสแรกของศตวรรษเป็นยุครุ่งเรืองของบัลเลต์รัสเซีย ในช่วงทศวรรษที่ 1800 มีคณะละครสี่คณะในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - รัสเซีย ฝรั่งเศส เยอรมัน และอิตาลี ซึ่งสามคณะแรกจัดแสดงทั้งละครและโอเปร่า ซึ่งเป็นโอเปร่าเรื่องสุดท้ายเท่านั้น คณะละครหลายคนทำงานในมอสโกวด้วย ผู้ประกอบการชาวอิตาลีกลายเป็นองค์กรที่มั่นคงที่สุด - แม้ในช่วงต้นทศวรรษ 1870 ไชคอฟสกีหนุ่มผู้ทำหน้าที่ในสาขาวิกฤตต้องต่อสู้เพื่อตำแหน่งที่เหมาะสมของโอเปร่ารัสเซียในมอสโกเมื่อเปรียบเทียบกับโรงละครอิตาลี แรค Mussorgsky ในตอนหนึ่งซึ่งความหลงใหลในสาธารณะของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและนักวิจารณ์ที่มีต่อนักร้องชื่อดังชาวอิตาลีถูกเยาะเย้ยก็เขียนขึ้นในช่วงเปลี่ยนทศวรรษที่ 1870

Boildieu และ Cavos

ในบรรดานักแต่งเพลงต่างชาติที่ได้รับเชิญมาที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในช่วงเวลานี้ ชื่อของ Adrien Boildieu นักเขียนชาวฝรั่งเศสชื่อดังโดดเด่น ( ซม. BUALDIEU, FRANCOIS ADRIENE) และ Caterino Cavos ชาวอิตาลี (1775–1840) , ซึ่งในปี พ.ศ. 2346 ได้กลายเป็นผู้ควบคุมวงโอเปร่าของรัสเซียและอิตาลี ในปี พ.ศ. 2377-2383 เขาเป็นผู้นำเฉพาะโอเปร่ารัสเซียเท่านั้น (และในฐานะนี้มีส่วนสนับสนุนการผลิต ชีวิตเพื่อราชา Glinka แม้ว่าย้อนกลับไปในปี พ.ศ. 2358 เขาแต่งโอเปร่าของตัวเองในโครงเรื่องเดียวกันซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมาก) เป็นผู้ตรวจสอบและผู้อำนวยการของวงออเคสตราทั้งหมดของโรงละครอิมพีเรียลเขียนเรื่องราวเกี่ยวกับรัสเซียมากมาย - เหมือนนิทาน ( เจ้าชายล่องหนและ อิลยาฮีโร่ถึงบทประพันธ์โดย I.A. Krylov สเวตลานาถึงบทประพันธ์ของ V.A. Zhukovsky และคนอื่น ๆ ) และรักชาติ ( อีวาน ซูซานินถึงบทประพันธ์ของ A.A. Shakhovsky กวีคอซแซคเป็นบทประพันธ์โดยผู้เขียนคนเดียวกัน) โอเปร่าที่ได้รับความนิยมสูงสุดในไตรมาสแรกของศตวรรษ โอเปร่าที่ได้รับความนิยมสูงสุดในไตรมาสที่หนึ่ง Lesta หรือ Dniep \u200b\u200bเงือกคาวอสและสเตฟาน อิวาโนวิช ดาวีดอฟ (พ.ศ. 2320–2368) ในปี 1803 Viennese Singspiel จัดแสดงในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก นางเงือกดานูบ Ferdinand Cauer (1751-1831) พร้อมหมายเลขดนตรีเพิ่มเติมโดย Davydov - ในการแปล นางเงือกนีเปอร์; ในปี 1804 ส่วนที่สองของ singspiel เดียวกันปรากฏในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กโดยใส่หมายเลข Kavos; จากนั้นก็แต่ง - โดย Davydov คนเดียว - ภาคต่อของรัสเซีย การผสมผสานระหว่างแผนการที่น่าอัศจรรย์ ระดับชาติและเรื่องตลกขบขันเป็นเวลานานในโรงละครดนตรีของรัสเซีย (ในดนตรียุโรปตะวันตก โอเปร่าโรแมนติกยุคแรกของ K.M. Weber สามารถใช้เป็นอุปมาอุปไมยได้ - นักกีฬาฟรีและ โอเบอรอนที่อยู่ในเทพนิยาย singspiel ประเภทเดียวกัน).

ในฐานะผู้นำแนวที่สองของการสร้างสรรค์โอเปร่าในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 ความขบขันในครัวเรือนจากชีวิต "พื้นบ้าน" โดดเด่น - เป็นประเภทที่รู้จักในศตวรรษที่ผ่านมา ซึ่งรวมถึงโอเปร่าหนึ่งองก์ ยัม หรือ ไปรษณีย์(1805), สัมมาทิฏฐิ หรือผลของทาน (1808), Devishnik หรืองานแต่งงานของ Filatkin(1809) โดย Alexei Nikolaevich Titov (1769–1827) ถึงบทประพันธ์โดย A.Ya. โอเปร่าถูกเก็บไว้ในละครเป็นเวลานาน เวลาคริสต์มาสโบราณเช็ก Franz Blima จากข้อความของนักประวัติศาสตร์ A.F. Malinovsky ตามพิธีกรรมพื้นบ้าน โอเปร่า "เพลง" ของ Daniil Nikitich Kashin (1770–1841) ประสบความสำเร็จ Natalya ลูกสาวโบยาร์(1803) สร้างจากนวนิยายของ N.M. Karamzin ปรับปรุงโดย S.N. Glinka และ Olga ที่สวยงาม(1809) ถึงบทโดยผู้เขียนคนเดียวกัน แนวนี้เฟื่องฟูเป็นพิเศษในช่วงสงครามปี 1812 การแสดงดนตรีและความรักชาติ ประกอบขึ้นอย่างเร่งรีบและผสมผสานโครงเรื่อง "เฉพาะ" ที่เรียบง่ายเข้ากับการเต้นรำ การร้องเพลง และการสนทนา (ชื่อโดยทั่วไปคือ: อาสาสมัครหรือความรักต่อปิตุภูมิ, คอซแซคในลอนดอน, วันหยุดในค่ายของกองทัพพันธมิตรที่ Montmartre, คอซแซคและอาสาสมัครปรัสเซียนในเยอรมนี, การกลับมาของกองทหารรักษาการณ์) เป็นจุดเริ่มต้นของความหลากหลายในรูปแบบดนตรีและการแสดงละครพิเศษ

แวร์สตอฟสกี้.

นักแต่งเพลงโอเปร่าชาวรัสเซียที่ยิ่งใหญ่ที่สุดก่อนกลินกาคือ A.N. Verstovsky (พ.ศ. 2342–2405) ( ซม. VERSTOVSKY, ALEXEY NIKOLAEVICH) ตามลำดับเวลา ยุคของ Verstovsky เกิดขึ้นพร้อมกับยุคของ Glinka แม้ว่าโอเปร่าเรื่องแรกของนักแต่งเพลงมอสโกคือ แพน ทวาร์ดอฟสกี้(พ.ศ. 2371) ปรากฏก่อนหน้านี้ ชีวิตเพื่อราชาเป็นที่นิยมมากที่สุด หลุมฝังศพของ Askold- ในปีเดียวกับโอเปร่าของ Glinka และโอเปร่าสุดท้ายของ Verstovsky สายฟ้า(พ.ศ. 2400) หลังจากการตายของกลินกะ ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ (แม้ว่าส่วนใหญ่จะเป็นมอสโกล้วนๆ) ของโอเปร่าของ Verstovsky และ "ความอยู่รอด" ของความสำเร็จสูงสุดของพวกเขา - หลุมฝังศพของ Askold- เนื่องจากความน่าดึงดูดใจสำหรับโคตรของพล็อตที่สร้างขึ้นจากแรงจูงใจของ "ตำนานรัสเซีย - สลาฟที่เก่าแก่ที่สุด" (แน่นอนว่าตีความอย่างมีเงื่อนไข) และดนตรีในโครงสร้างเสียงพูดของรัสเซียสลาฟตะวันตกและมอลโดวา - ยิปซี น้ำเสียงในชีวิตประจำวันมีหลากหลาย เห็นได้ชัดว่า Verstovsky ไม่ได้เชี่ยวชาญรูปแบบโอเปร่าที่ยิ่งใหญ่: ในโอเปร่าเกือบทั้งหมดของเขา ดนตรี "ตัวเลข" สลับกับฉากการสนทนาที่มีความยาว (ความพยายามของนักแต่งเพลงในการเขียนบรรยายในผลงานในภายหลังของเขาไม่ได้เปลี่ยนแปลงสิ่งต่าง ๆ ) โดยปกติแล้วชิ้นส่วนของวงออเคสตรา โอเปร่าของนักแต่งเพลงคนนี้ไม่น่าสนใจและไม่งดงามอย่างไรก็ตามในคำพูดของคนร่วมสมัย "ฟังดูคุ้นเคย", "พื้นเมืองที่น่ายินดี" "ความรู้สึกอันสูงส่งของความรักต่อปิตุภูมิ" ที่ปลุกขึ้นโดยโอเปร่า "ในตำนาน" เหล่านี้ เปรียบได้กับความประทับใจของสาธารณชนต่อนวนิยายของ Zagoskin ผู้แต่งบทประพันธ์ถาวรของนักแต่งเพลง

กลินก้า.

แม้ว่าตอนนี้ดนตรีในยุคก่อนกลินกาจะได้รับการศึกษาอย่างละเอียดเพียงพอแล้ว แต่การปรากฏตัวของมิคาอิล อิวาโนวิช กลินกา (พ.ศ. 2347–2400) ไม่เคยสิ้นสุดที่ดูเหมือนปาฏิหาริย์ คุณสมบัติพื้นฐานของของขวัญของเขาคือความคิดเชิงลึกและศิลปะที่ละเอียดอ่อน ในไม่ช้ากลินกาก็เกิดความคิดที่จะเขียน "โอเปร่ารัสเซียผู้ยิ่งใหญ่" ซึ่งหมายถึงงานประเภทที่สูงส่งและน่าเศร้า ในขั้นต้น (ในปี พ.ศ. 2377) รูปแบบของความสำเร็จของ Ivan Susanin ซึ่งระบุถึงผู้แต่งโดย V.A. Zhukovsky อยู่ในรูปแบบของการแสดงบนเวทีของภาพวาดสามภาพ: หมู่บ้าน Susanin การปะทะกับชาวโปแลนด์ชัยชนะ อย่างไรก็ตามแล้ว ชีวิตเพื่อราชา(พ.ศ. 2379) กลายเป็นโอเปร่าที่แท้จริงด้วยการเริ่มต้นการร้องเพลงประสานเสียงที่ทรงพลังซึ่งสอดคล้องกับประเพณีของวัฒนธรรมประจำชาติและกำหนดเส้นทางอนาคตของโอเปร่ารัสเซียไว้ล่วงหน้า Glinka เป็นนักเขียนชาวรัสเซียคนแรกที่แก้ปัญหาการพูดบนเวทีและสำหรับดนตรี "ตัวเลข" พวกเขาเขียนในรูปแบบเดี่ยวแบบดั้งเดิมทั้งมวลและในรูปแบบการร้องเพลงซึ่งเต็มไปด้วยเนื้อหาน้ำเสียงใหม่ที่เกี่ยวข้องกับ อิตาลีหรือรุ่นอื่นๆเอาชนะได้ นอกจากนี้ใน ชีวิตเพื่อราชาความหลากหลายของโวหารของโอเปร่ารัสเซียก่อนหน้านี้ถูกเอาชนะ เมื่อฉากประเภทต่างๆ เขียนขึ้น "ในภาษารัสเซีย" บทเพลงโคลงสั้น ๆ "ในภาษาอิตาลี" และช่วงเวลาที่น่าทึ่ง "ในภาษาฝรั่งเศส" หรือ "ภาษาเยอรมัน" อย่างไรก็ตามนักดนตรีชาวรัสเซียรุ่นต่อ ๆ ไปหลายคนยังคงชื่นชอบการแสดงโอเปร่าเรื่องที่สองของ Glinka - รุสลันและลุดมิลา(อ้างอิงจากพุชกิน พ.ศ. 2385) เมื่อได้เห็นทิศทางใหม่ทั้งหมดในงานนี้ (ดำเนินการต่อโดย N.A. Rimsky-Korsakov และ A.P. Borodin) งานของโอเปร่า รุสลานา- แตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากงานของพุชกิน: การสร้างสรรค์ครั้งแรกของจิตวิญญาณรัสเซียโบราณในดนตรี ตะวันออกที่ "แท้จริง" ในรูปลักษณ์ต่างๆ - "อิดโรย" และ "สงคราม"; แฟนตาซี (Naina, Chernomor Castle) เป็นต้นฉบับอย่างสมบูรณ์และไม่ได้ด้อยไปกว่าจินตนาการของ Berlioz และ Wagner ผู้ร่วมสมัยที่ก้าวหน้าที่สุดของ Glinka แต่อย่างใด

ดาร์โกมิจสกี.

Alexander Sergeevich Dargomyzhsky (1813–1869) เริ่มอาชีพเป็นนักแต่งเพลงโอเปร่าตั้งแต่อายุยังน้อยในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษ 1830 เมื่อได้รับแรงบันดาลใจจากรอบปฐมทัศน์ ชีวิตเพื่อราชาเริ่มเขียนเพลงให้กับบทภาษาฝรั่งเศสโดย V. Hugo เอสเมอรัลด้า.

เนื้อเรื่องของโอเปร่าเรื่องต่อไปเกิดขึ้นก่อนการผลิต เอสเมอรัลด้า(พ.ศ. 2384) และเป็นของพุชกิน เงือกซึ่งปรากฏบนเวทีในปี พ.ศ. 2399 เท่านั้น นางเงือกยังกลายเป็นสิ่งที่ใกล้เคียงกับชีวิตดนตรีสมัยใหม่อีกด้วย ซึ่งแตกต่างจากเครื่องดนตรีอัจฉริยะของ Glinka วงออเคสตราของ Dargomyzhsky นั้นเรียบง่ายและมีการประสานเสียงพื้นบ้านที่สวยงาม นางเงือกมีลักษณะค่อนข้างดั้งเดิมและเนื้อหาละครหลักมีความเข้มข้นในส่วนเดี่ยวและโดยเฉพาะอย่างยิ่งในวงดนตรีที่งดงามและในการลงสีที่ไพเราะองค์ประกอบภาษารัสเซียที่เหมาะสมจะรวมกับภาษาสลาฟ - ภาษารัสเซียเล็กน้อยและภาษาโปแลนด์ โอเปร่าสุดท้ายของ Dargomyzhsky แขกหิน(อ้างอิงจากพุชกิน พ.ศ. 2412 จัดแสดงในปี พ.ศ. 2415) ซึ่งเป็นงานทดลองที่เป็นนวัตกรรมใหม่อย่างสมบูรณ์ในประเภท "การสนทนาโอเปร่า" (บทสนทนาโอเปร่า) นักแต่งเพลงจัดการที่นี่โดยไม่มีรูปแบบเสียงที่พัฒนาแล้วเช่น Aria (ข้อยกเว้นเพียงอย่างเดียวคือเพลงของลอร่าสองเพลง) โดยไม่มีวงดุริยางค์ซิมโฟนิกและเป็นผลให้งานที่ได้รับการขัดเกลาผิดปกติปรากฏขึ้นซึ่งวลีไพเราะที่สั้นที่สุดหรือแม้แต่ความสอดคล้องกันสามารถ ได้รับการแสดงออกที่ยอดเยี่ยมและเป็นอิสระ

เซอรอฟ

หลังจาก Dargomyzhsky แต่เร็วกว่า Kuchkists และ Tchaikovsky Alexander Nikolaevich Serov (1820–1871) ทำให้ตัวเองเป็นที่รู้จักในประเภทโอเปร่า โอเปร่าเรื่องแรกของเขา จูดิธ(พ.ศ. 2406) ปรากฏตัวเมื่อผู้เขียนอายุเกินสี่สิบแล้ว (ก่อนหน้านั้น Serov ได้รับชื่อเสียงอย่างมากในฐานะนักวิจารณ์ดนตรี แต่ในฐานะนักแต่งเพลงเขาไม่ได้สร้างอะไรที่โดดเด่นเลย) บทละครของ P. Giacometti (เขียนขึ้นโดยเฉพาะสำหรับนักแสดงหญิงผู้โศกนาฏกรรมชื่อดัง Adelaide Ristori ซึ่งในบทบาทนี้สร้างสีสันในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกว) โดยอิงจากเรื่องราวในพระคัมภีร์เกี่ยวกับนางเอกที่ช่วยคนของเธอจากการเป็นทาส ตื่นเต้น สภาพสังคมรัสเซียในช่วงเปลี่ยนทศวรรษที่ 1860 . สีสันที่ตัดกันระหว่างจูเดียที่รุนแรงและอัสซีเรียที่จมอยู่ในความหรูหราก็น่าดึงดูดใจเช่นกัน จูดิธอยู่ในประเภท "แกรนด์โอเปร่า" ของประเภท Meyerbeer ซึ่งเป็นเรื่องใหม่บนเวทีรัสเซีย มันมีจุดเริ่มต้นที่ชัดเจนของ oratorio (ฉากการร้องเพลงประสานเสียงที่มีรายละเอียดซึ่งสอดคล้องกับจิตวิญญาณของตำนานในพระคัมภีร์มากที่สุดและได้รับการสนับสนุนในรูปแบบ oratorio คลาสสิกของประเภท Handel) และในขณะเดียวกันก็มีการแสดงละครและการตกแต่ง (การเบี่ยงเบนความสนใจด้วยการเต้นรำ) มุสซอร์กสกีโทรมา จูดิธครั้งแรกหลังจากโอเปร่า "ตีความอย่างจริงจัง" ของ Glinka บนเวทีรัสเซีย ได้รับการสนับสนุนจากการต้อนรับอันอบอุ่น Serov เริ่มทำงานในโอเปร่าเรื่องใหม่ทันทีซึ่งตอนนี้อยู่ในโครงเรื่องประวัติศาสตร์ของรัสเซีย - โกรธ. "บทประวัติศาสตร์" ตามพงศาวดารทำให้เกิดข้อกล่าวหามากมายเกี่ยวกับความไม่น่าเชื่อถือการบิดเบือนข้อเท็จจริง "การประทับตรา" ความเท็จของภาษากลางที่คาดคะเน ฯลฯ ; ดนตรีแม้จะมี "สถานที่ทั่วไป" จำนวนมาก แต่ก็มีชิ้นส่วนที่น่าทึ่ง (แน่นอนว่าสถานที่แรกถูกครอบครองโดยเพลงบัลลาด Varangian ของ Rogneda - ยังคงพบได้ในละครเพลง) หลังจาก โรเนดี้(พ.ศ. 2408) Serov พลิกผันอย่างมากโดยหันไปหาละครจากชีวิตสมัยใหม่ - บทละครของ A.N. Ostrovsky อย่าใช้ชีวิตในแบบที่คุณต้องการและด้วยเหตุนี้จึงกลายเป็นนักแต่งเพลงคนแรกที่กล้าเขียน "โอเปร่าจากความทันสมัย" - กองกำลังศัตรู (1871).

"พวงอันยิ่งใหญ่"

การปรากฏตัวของโอเปร่าล่าสุดของ Dargomyzhsky และ Serov นั้นเร็วกว่าเวลาในการผลิตของโอเปร่าเรื่องแรกเพียงเล็กน้อยโดยผู้แต่งเพลง The Mighty Handful โอเปร่า Kuchkist มีลักษณะ "ทั่วไป" บางอย่างซึ่งแสดงออกมาในศิลปินต่าง ๆ เช่น Mussorgsky, Rimsky-Korsakov และ Borodin: การตั้งค่าสำหรับธีมรัสเซียโดยเฉพาะประวัติศาสตร์และเทพนิยาย - ตำนาน; ความสนใจอย่างมากไม่เพียง แต่กับการพัฒนาพล็อตที่ "น่าเชื่อถือ" เท่านั้น แต่ยังรวมถึงสัทศาสตร์และความหมายของคำและโดยทั่วไปกับเส้นเสียงซึ่งอยู่เบื้องหน้าเสมอแม้ในกรณีของวงออเคสตราที่พัฒนาอย่างมาก บทบาทที่สำคัญมากของการร้องเพลงประสานเสียง (ส่วนใหญ่มักจะเป็นฉาก "พื้นบ้าน"); ละครเพลงประเภท "ผ่าน" และไม่ "เรียงลำดับ"

มุสซอร์กสกี้.

โอเปร่าเช่นเดียวกับประเภทอื่น ๆ ที่เกี่ยวข้องกับเสียงสูงต่ำเป็นส่วนหลักของมรดกของ Modest Petrovich Mussorgsky (1839–1881): เมื่อเป็นชายหนุ่มเขาเริ่มเส้นทางดนตรีจากแผนโอเปร่า (โอเปร่าที่ยังไม่เกิดขึ้นจริง กานไอซ์แลนด์ตามคำกล่าวของ V. Hugo) และถึงแก่กรรมโดยทิ้งสองโอเปร่าที่ยังไม่เสร็จ - Khovanshchinaและ งานโซโรชินสกายา(ครั้งแรกเสร็จสิ้นอย่างสมบูรณ์ใน clavier แต่แทบไม่ต้องใช้เครื่องดนตรีเลย ในครั้งที่สอง ฉากหลักถูกแต่งขึ้น)

งานสำคัญชิ้นแรกของ Mussorgsky รุ่นเยาว์ในช่วงครึ่งหลังของปี 1860 คือโอเปร่า ซาลาโบ(อ้างอิงจาก G. Flaubert, 1866; ยังคงสร้างไม่เสร็จ ในเอกสารอัตชีวประวัติยุคหลัง งานไม่ได้ถูกกำหนดให้เป็น "โอเปร่า" แต่เป็น "ฉาก" และอยู่ในความสามารถนี้ที่มีการแสดงในปัจจุบัน) ที่นี่มีการสร้างภาพต้นฉบับของตะวันออกอย่างสมบูรณ์ - ไม่ใช่ "Carthaginian" ที่แปลกใหม่เหมือนภาษารัสเซีย - ไบเบิลซึ่งมีความคล้ายคลึงกันในการวาดภาพ ("ภาพร่างในพระคัมภีร์ไบเบิล" โดย Alexander Ivanov) และในกวีนิพนธ์ ทิศทาง "ต่อต้านความโรแมนติก" ที่ตรงกันข้ามแสดงโดยโอเปร่ายุคแรกที่ยังไม่เสร็จครั้งที่สองของ Mussorgsky - การแต่งงาน(อ้างอิงจาก Gogol, 1868) ตามคำจำกัดความของผู้เขียน "การศึกษาเพื่อการทดสอบในห้อง" ยังคงดำเนินต่อไป แขกหิน Dargomyzhsky แต่ทำให้คมชัดขึ้นมากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้โดยเลือกร้อยแก้วแทนบทกวีโครงเรื่องที่ "จริง" อย่างสมบูรณ์และยิ่งกว่านั้น "ทันสมัย" ดังนั้นการขยายขอบเขตของประเภทโอเปร่าการทดลองเหล่านั้นของ "เวทีโรแมนติก" Dargomyzhsky รับหน้าที่ ( ที่ปรึกษาตำแหน่ง, หนอนฯลฯ ) และ Mussorgsky เอง

บอริส โกดูนอฟ

(พิมพ์ครั้งที่ 1 - พ.ศ. 2411-2412; พิมพ์ครั้งที่ 2 - พ.ศ. 2415 จัดแสดงในปี พ.ศ. 2417) มีคำบรรยาย "อ้างอิงจากพุชกินและคารามซิน" มีพื้นฐานมาจากโศกนาฏกรรมของพุชกิน ในโอเปร่าเวอร์ชันแรกซึ่งเน้นไปที่ละครบุคลิกภาพในฐานะละครเรื่อง "อาชญากรรมและการลงโทษ" ( บอริส โกดูนอฟ- ร่วมสมัย อาชญากรรมและการลงโทษ F. M. Dostoevsky) Mussorgsky ห่างไกลจากหลักโอเปร่าใด ๆ มาก - ทั้งในแง่ของความเข้มข้นของละครและความเฉียบคมของภาษาและในการตีความโครงเรื่องทางประวัติศาสตร์ ทำงานในรุ่นที่สอง บอริส โกดูนอฟซึ่งรวมถึง "การแสดงของโปแลนด์" ที่ค่อนข้างดั้งเดิมกว่าและฉากการจลาจลที่เป็นที่นิยมซึ่งค่อนข้างแปลกในโอเปร่า ("Under the Kromy") มุสซอร์กสกีอาจนึกถึงการพัฒนาต่อไปของ Time of Troubles แบบอย่าง - the การจลาจลของ Razin การจลาจลของ Streltsy การแตกแยก Pugachevshchina เช่น พล็อตที่เป็นไปได้และเป็นตัวเป็นตนเพียงบางส่วนของโอเปร่าในอนาคตของพวกเขา - พงศาวดารดนตรี - ประวัติศาสตร์ของรัสเซีย จากรายการนี้มีเพียงละครของการแยก - Khovanshchinaซึ่ง Mussorgsky เริ่มทันทีหลังจากพิมพ์ครั้งที่สองเสร็จ บอริส โกดูนอฟแม้กระทั่งพร้อม ๆ กับเสร็จสิ้น; ในเวลาเดียวกันแนวคิดของ "ละครเพลงที่มีส่วนร่วมของ Volga Cossacks" ปรากฏในเอกสารและต่อมา Mussorgsky ทำเครื่องหมายบันทึกเพลงพื้นบ้านของเขา "สำหรับโอเปร่าครั้งสุดท้าย Pugachevshchina».

บอริส โกดูนอฟโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการพิมพ์ครั้งที่ 1 แสดงถึงประเภทของโอเปร่าที่มีพัฒนาการของการแสดงทางดนตรี โดยชิ้นส่วนที่เสร็จสมบูรณ์แล้วจะปรากฏเฉพาะเมื่ออยู่ภายใต้เงื่อนไขของสถานการณ์บนเวที (การประสานเสียงสรรเสริญ การคร่ำครวญของเจ้าหญิง การแสดงโปโลเนสที่ลูกบอล ในพระราชวังเป็นต้น). ใน Khovanshchina Mussorgsky กำหนดงานในการสร้างทำนองที่ "มีความหมาย / ถูกต้อง" และเพลงก็กลายเป็นพื้นฐานนั่นคือ ไม่ใช่เครื่องมือในธรรมชาติ (เช่นเดียวกับเพลงคลาสสิก) แต่เป็นโครงสร้างที่แปรผันได้อย่างอิสระในรูปแบบ "บริสุทธิ์" หรือใช้ร่วมกับองค์ประกอบที่บรรเลง สถานการณ์นี้กำหนดรูปแบบของโอเปร่าเป็นส่วนใหญ่ ซึ่งในขณะที่ยังคงความต่อเนื่องและความลื่นไหลของการแสดง รวมถึงตัวเลขที่ "เสร็จสมบูรณ์" "แบบโค้งมน" และการร้องเพลงประสานเสียง ( Khovanshchinaในระดับที่มากกว่า บอริส โกดูนอฟ, โอเปร่าประสานเสียง - "ละครเพลงพื้นบ้าน") และเดี่ยว.

ไม่เหมือน บอริส โกดูนอฟซึ่งแสดงบนเวทีของ Mariinsky Theatre เป็นเวลาหลายปีและเผยแพร่ในช่วงชีวิตของผู้แต่ง Khovanshchinaแสดงครั้งแรกในฉบับของ Rimsky-Korsakov หนึ่งทศวรรษครึ่งหลังจากการเสียชีวิตของผู้แต่ง ในช่วงปลายทศวรรษ 1890 การแสดงนี้จัดแสดงที่ Moscow Private Russian Opera โดย S.I. ที่โรงละคร Mariinsky Khovanshchinaปรากฏขึ้นด้วยความพยายามของ Chaliapin คนเดียวกันในปี 2454 เกือบจะพร้อมกันกับการแสดงโอเปร่าในปารีสและลอนดอนโดย Diaghilev entreprise (เมื่อสามปีก่อนการผลิตในปารีสของ Diaghilev ประสบความสำเร็จอย่างมาก บอริส โกดูนอฟ). ในศตวรรษที่ 20 มีความพยายามซ้ำแล้วซ้ำเล่าเพื่อฟื้นคืนชีพและทำให้สมบูรณ์ การแต่งงานและ งานโซโรชินสกายาในรุ่นต่างๆ สำหรับประการที่สองการอ้างอิงคือการสร้าง V.Ya.Shebalin ขึ้นใหม่

ริมสกี้-คอร์ซาคอฟ.

มรดกของ Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (1844–1908) เป็นตัวแทนของแนวดนตรีหลักหลายประเภท แต่ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเขาเช่นเดียวกับ Mussorgsky นั้นเชื่อมโยงกับโอเปร่า มันไปตลอดชีวิตของผู้แต่ง: ตั้งแต่ปี 1868 จุดเริ่มต้นของการแต่งโอเปร่าเรื่องแรก ( Pskovityanka) จนถึงปี พ.ศ. 2450 การแสดงโอเปร่าเรื่องสุดท้ายที่สิบห้าเสร็จสมบูรณ์ ( กระทงทอง). Rimsky-Korsakov ทำงานอย่างเข้มข้นเป็นพิเศษในแนวนี้ตั้งแต่กลางทศวรรษที่ 1890: ในช่วงทศวรรษครึ่งถัดมา เขาได้สร้างโอเปร่า 11 เรื่อง จนถึงกลางทศวรรษที่ 1890 โอเปร่ารอบปฐมทัศน์ของ Rimsky-Korsakov ทั้งหมดจัดขึ้นที่ Mariinsky Theatre; ต่อมาตั้งแต่กลางทศวรรษที่ 1890 การทำงานร่วมกันของนักแต่งเพลงกับ S.I. Mamontov's Moscow Private Russian Opera ซึ่งโอเปร่าช่วงปลายของ Korsakov ส่วนใหญ่เริ่มต้นด้วย ซัดโก. ความร่วมมือนี้มีบทบาทพิเศษในการสร้างรูปแบบใหม่ของการออกแบบและการตัดสินใจกำกับการแสดงดนตรี

กิจกรรมบรรณาธิการของ Rimsky-Korsakov นั้นไม่เหมือนใคร: ขอบคุณเขาเป็นครั้งแรก Khovanshchinaและ เจ้าชายอิกอร์ซึ่งยังคงสร้างไม่เสร็จหลังจากการตายของ Mussorgsky และ Borodin (เวอร์ชันของโอเปร่า Borodino ถูกสร้างขึ้นร่วมกับ A.K. Glazunov); เขาเป็นเครื่องมือ แขกหิน Dargomyzhsky (และสองครั้ง: สำหรับรอบปฐมทัศน์ในปี พ.ศ. 2413 และอีกครั้งในปี พ.ศ. 2440-2445) และเผยแพร่ การแต่งงานมุสซอร์กสกี้ ; ในฉบับของเขาได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลก บอริส โกดูนอฟ Mussorgsky (และแม้ว่าเวอร์ชันของผู้แต่งจะเป็นที่ต้องการมากขึ้น แต่เวอร์ชัน Korsakov ยังคงฉายในโรงภาพยนตร์หลายแห่ง) ในที่สุด Rimsky-Korsakov (ร่วมกับ Balakirev, Lyadov และ Glazunov) ได้เตรียมคะแนนโอเปร่าของ Glinka สองครั้งเพื่อตีพิมพ์ ดังนั้น เมื่อเทียบกับแนวเพลงโอเปร่า (เช่นเดียวกับในแง่มุมอื่นๆ อีกหลายประการ) ผลงานของริมสกี-คอร์ซาคอฟถือเป็นแกนหลักของดนตรีคลาสสิกรัสเซีย โดยเชื่อมระหว่างยุคของกลิงกาและดาร์โกมิซสกีจากศตวรรษที่ 20

ในบรรดาโอเปร่า 15 เรื่องของ Rimsky-Korsakov ไม่มีประเภทใดที่เป็นประเภทเดียวกัน แม้แต่โอเปร่าเทพนิยายของเขาก็แตกต่างกันหลายประการ: สาวหิมะ(พ.ศ. 2425) - "นิทานฤดูใบไม้ผลิ" เรื่องราวของซาร์ Saltan(2443) - "แค่เทพนิยาย" Koschei ผู้อมตะ(2445) - "นิทานฤดูใบไม้ร่วง" กระทงทอง(2450) - "นิยายในหน้า" รายการนี้สามารถดำเนินต่อไป: Pskovityanka(2416) - โอเปร่าพงศาวดาร มลดา(2435) - โอเปร่าบัลเล่ต์ วันคริสต์มาสอีฟ(2438) - ตามคำจำกัดความของผู้แต่ง "เรื่องแครอล" ซัดโก(2440) - มหากาพย์โอเปร่า โมสาร์ทและซาลิเอรี(2441) - ห้อง "ฉากละคร" ตำนานของเมือง Kitezh ที่มองไม่เห็นและหญิงสาว Fevronia(2447) - นิทานโอเปร่า (หรือ "ละครเกี่ยวกับพิธีกรรม") ประเภทละครโอเปร่าแบบดั้งเดิม ได้แก่ การแสดงตลกโคลงสั้น ๆ คืนเดือนพฤษภาคม(หลัง Gogol, 1880) ละครโคลงสั้น ๆ เกี่ยวกับเรื่องราวทางประวัติศาสตร์ของรัสเซีย เจ้าสาวของราชวงศ์(อ้างอิงจาก L.A. May, 1899; และอารัมภบทของโอเปร่าเรื่องนี้ โบยารินา เวรา เชโลกา, พ.ศ. 2441) และโอเปร่าที่มีชื่อเสียงน้อยกว่า (และประสบความสำเร็จน้อยกว่า) สองเรื่องในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 - ผู้ว่าฯปาน(1904) บนลวดลายโปแลนด์และ เซอร์วิเลีย(พ.ศ. 2445) สร้างจากบทละครในเดือนพฤษภาคม เกิดขึ้นในกรุงโรมในศตวรรษแรก

โดยพื้นฐานแล้ว Rimsky-Korsakov การปฏิรูปนี้เกี่ยวข้องกับการพึ่งพารูปแบบที่กำหนดไว้แล้วของโรงเรียนรัสเซีย (บน รุสลานาและมิลามิลา Glinka และหลักสุนทรียศาสตร์ของ Kuchkism) ศิลปะพื้นบ้านในรูปแบบที่หลากหลายที่สุดและรูปแบบความคิดของมนุษย์ที่เก่าแก่ที่สุด - ตำนานมหากาพย์เทพนิยาย สำหรับพารามิเตอร์หลักของตัวเขาเอง ริมสกี-คอร์ซาคอฟมาถึงแนวคิดของโอเปร่าด้วยตัวเขาเอง ก่อนที่จะทำความคุ้นเคยกับเททราโลจีและโอเปร่าในภายหลังของวากเนอร์) คุณลักษณะทั่วไปของโอเปร่า "ตำนาน" ของ Rimsky-Korsakov ที่เกี่ยวข้องกับลัทธิสุริยะสลาฟ ( คืนเดือนพฤษภาคม, วันคริสต์มาสอีฟ, มลดาเทพนิยายโอเปร่า) เป็น "โลกหลายใบ": การกระทำเกิดขึ้นใน "โลก" สองใบหรือมากกว่านั้น (ผู้คน องค์ประกอบทางธรรมชาติและตัวตนของพวกเขา เทพนอกรีต) และแต่ละ "โลก" พูดภาษาของตนเอง ซึ่ง สอดคล้องกับการประเมินตนเองของ Rimsky-Korsakov ในฐานะนักแต่งเพลงของคลังสินค้า "วัตถุประสงค์" สำหรับอุปรากรสมัยกลางจาก คืนเดือนพฤษภาคมก่อน คืนก่อนวันคริสต์มาสความอิ่มตัวของการแสดงดนตรีด้วยฉากพิธีกรรมและพิธีกรรม (ที่เกี่ยวข้องกับวันหยุดของปฏิทินชาวนาโบราณ - โดยทั่วไปปีนอกรีตทั้งหมดสะท้อนให้เห็นในโอเปร่าของริมสกี้ - คอร์ซาคอฟ) ในงานต่อมา ลัทธิพิธีกรรม "กฎเกณฑ์" (รวมถึงคริสเตียนออร์โธดอกซ์ และบ่อยครั้งเป็นการสังเคราะห์ความเชื่อพื้นบ้าน "เก่า" และ "ใหม่") ปรากฏในรูปแบบทางอ้อมและละเอียดมากขึ้น แม้ว่าโอเปร่าของนักแต่งเพลงจะมีการแสดงเป็นประจำในศตวรรษที่ 19 แต่พวกเขาก็ได้รับความชื่นชมอย่างแท้จริงในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 เท่านั้น และต่อมาในยุคเงินซึ่งนายคนนี้เข้ากันได้ดีที่สุด

โบโรดิน.

เจตนา เจ้าชายอิกอร์ Alexander Porfiryevich Borodin (1833–1877) อยู่ในยุคเดียวกับแผน บอริส โกดูนอฟ, Khovanshchinaและ ชาวปัสโก, เช่น. ในตอนท้ายของทศวรรษที่ 1860 - ต้นทศวรรษที่ 1870 อย่างไรก็ตามเนื่องจากสถานการณ์ต่าง ๆ โอเปร่ายังไม่เสร็จสิ้นสมบูรณ์แม้ในช่วงเวลาที่ผู้เขียนเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2429 และรอบปฐมทัศน์ (แก้ไขโดย Rimsky-Korsakov และ Glazunov) เกิดขึ้นเกือบจะพร้อมกันกับ ราชินีโพดำไชคอฟสกี (2433) เป็นลักษณะที่ไม่เหมือนกับโคตรของเขาที่หันไปหาเหตุการณ์ที่น่าทึ่งในรัชสมัยของ Ivan the Terrible, Boris Godunov และ Peter the Great สำหรับแผนโอเปร่าทางประวัติศาสตร์ Borodin ใช้อนุสาวรีย์มหากาพย์ที่เก่าแก่ที่สุดเป็นพื้นฐาน - คำพูดเกี่ยวกับกองทหารของ Igor. ในฐานะที่เป็นนักวิทยาศาสตร์ธรรมชาติที่โดดเด่น เขาใช้แนวทางทางวิทยาศาสตร์กับบทประพันธ์ของโอเปร่า ตีความสถานที่ที่ยากลำบากของอนุสรณ์สถาน ศึกษายุคแห่งการกระทำ รวบรวมข้อมูลเกี่ยวกับชนชาติเร่ร่อนโบราณที่กล่าวถึงใน คำ. Borodin มีมุมมองที่สมดุลและเป็นจริงเกี่ยวกับปัญหาของรูปแบบโอเปร่า และไม่ได้พยายามที่จะเปลี่ยนแปลงมันโดยสิ้นเชิง ผลลัพธ์ที่ได้คือรูปลักษณ์ของผลงานที่ไม่เพียงแต่สวยงามโดยทั่วไปและในรายละเอียดเท่านั้น แต่ในด้านหนึ่งยังดูเพรียวบางและมีความสมดุลอีกด้วย ในดนตรีรัสเซียในศตวรรษที่ 19 เป็นการยากที่จะหาการผลิตซ้ำนิทานพื้นบ้านที่ "แท้จริง" มากกว่าใน Poselyan Choir หรือ Yaroslavna's Lament บทร้องประสานเสียงของโอเปร่าที่เสียง "skazka" ของฉากรัสเซียโบราณของ Glinka รุสลานาคล้ายกับปูนเปียกในยุคกลาง แรงจูงใจแบบตะวันออก เจ้าชายอิกอร์("ส่วน Polovtsian") ในแง่ของความแข็งแกร่งและความถูกต้องของสี "บริภาษ" นั้นไม่มีใครเทียบได้ในศิลปะโลก (การศึกษาเมื่อเร็ว ๆ นี้แสดงให้เห็นว่า Borodin อ่อนไหวต่อนิทานพื้นบ้านตะวันออกเพียงใดแม้จากมุมมองของชาติพันธุ์วิทยาดนตรี) และความถูกต้องนี้ถูกรวมเข้าด้วยกันอย่างเป็นธรรมชาติที่สุดโดยใช้รูปแบบดั้งเดิมของเพลงขนาดใหญ่ - ลักษณะของฮีโร่ (Igor, Konchak, Yaroslavna, Vladimir Galitsky, Konchakovna), คู่หู (Vladimir และ Konchakovna, Igor และ Yaroslavna ) และอื่น ๆ รวมถึงองค์ประกอบที่นำเข้าสู่สไตล์ของ Borodin จากดนตรียุโรปตะวันตก (เช่น "Schumanisms" อย่างน้อยก็ในแนวเพลงเดียวกันของ Yaroslavna)

คุ้ย.

ในการทบทวนโอเปร่าของ Kuchkist ควรกล่าวถึงชื่อของ Caesar Antonovich Cui (1835–1918) ในฐานะผู้ประพันธ์โอเปร่าเกือบสองโหลในเรื่องที่หลากหลาย (จาก นักโทษคอเคเชี่ยนตามบทกวีของพุชกินและ แองเจโลโดย Hugo ก่อน มาดมัวแซล ฟีฟี่อ้างอิงจาก G. de Maupassant) ซึ่งปรากฏตัวและจัดแสดงบนเวทีเป็นเวลาครึ่งศตวรรษ จนถึงปัจจุบัน โอเปร่าทั้งหมดของ Cui ถูกลืมไปแล้ว แต่ควรมีข้อยกเว้นสำหรับงานผู้ใหญ่ชิ้นแรกของเขาในประเภทนี้ - วิลเลียม แรตคลิฟฟ์ตามที่ G. Heine แรตคลิฟฟ์กลายเป็นโอเปร่าเรื่องแรกของวง Balakirev ที่ได้เห็นเวที (พ.ศ. 2412) และนี่เป็นครั้งแรกที่ความฝันของละครโอเปร่ารุ่นใหม่ได้เป็นตัวเป็นตน

ไชคอฟสกี.

เช่นเดียวกับ Rimsky-Korsakov และ Mussorgsky Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) มีแรงดึงดูดอย่างมากต่อโอเปร่า (และไม่เหมือน Kuchkists กับบัลเล่ต์) มาตลอดชีวิต: โอเปร่าเรื่องแรกของเขา ผู้ว่า(อ้างอิงจาก A.N. Ostrovsky, 1869) หมายถึงจุดเริ่มต้นของกิจกรรมสร้างสรรค์อิสระ รอบปฐมทัศน์ของครั้งสุดท้าย ไอโอแลนธีเกิดขึ้นน้อยกว่าหนึ่งปีก่อนที่นักแต่งเพลงจะเสียชีวิตอย่างกะทันหัน

โอเปร่าของไชคอฟสกีเขียนขึ้นในหลากหลายเรื่อง - ประวัติศาสตร์ ( ออพริชนิค, 1872; สาวใช้ของ Orleans, 1879; มาเซปา, 2426), การ์ตูน ( ช่างตีเหล็กวาคูลา, พ.ศ. 2417 และโอเปร่าฉบับที่สองของผู้แต่ง - เชเรวิชกี้พ.ศ. 2428) เนื้อร้อง ( ยูจีน โอเนจิน, 1878; ไอโอลันต้าพ.ศ. 2434) โคลงสั้น ๆ - โศกนาฏกรรม ( แม่มด, 1887; ราชินีโพดำ, พ.ศ. 2433) และมีลักษณะที่แตกต่างกันตามหัวข้อ อย่างไรก็ตาม ในความเข้าใจของไชคอฟสกี โครงเรื่องทั้งหมดที่เขาเลือกได้รับการแต่งเติมส่วนบุคคลและจิตวิทยา เขาไม่ค่อยสนใจเรื่องสีในท้องถิ่น การพรรณนาถึงสถานที่และเวลาของการกระทำ - ไชคอฟสกีเข้าสู่ประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซียโดยส่วนใหญ่เป็นผู้สร้างละครเพลงที่มีโคลงสั้น ๆ Tchaikovsky เช่นเดียวกับ Kuchkists ไม่มีแนวคิดโอเปร่าที่เป็นสากลและเขาใช้รูปแบบที่รู้จักทั้งหมดได้อย่างอิสระ แม้ว่าสไตล์ แขกหินมักจะดูเหมือน "มากเกินไป" สำหรับเขา เขาค่อนข้างได้รับอิทธิพลจากแนวคิดของบทสนทนาโอเปร่าซึ่งสะท้อนให้เห็นในความชอบสำหรับละครเพลงของ a ผ่าน ประเภทต่อเนื่อง และสุนทรพจน์ไพเราะแทนที่จะเป็นการบรรยาย "เป็นทางการ" (ที่นี่ไชคอฟสกี อย่างไรก็ตามไม่เพียง แต่มาจาก Dargomyzhsky เท่านั้น แต่ยังมาจาก Glinka โดยเฉพาะอย่างยิ่งจากที่เขาเคารพอย่างสุดซึ้ง ชีวิตเพื่อราชา). ในเวลาเดียวกัน Tchaikovsky ในระดับที่มากกว่าสำหรับชาวปีเตอร์สเบิร์ก (ยกเว้น Borodin) โดดเด่นด้วยการผสมผสานระหว่างความต่อเนื่องของการแสดงดนตรีกับความชัดเจนและการแยกแยะรูปแบบภายในของแต่ละฉาก - เขาไม่ ละทิ้งเพลงอาเรียแบบดั้งเดิม เพลงคู่ และสิ่งอื่น ๆ เป็นเจ้าของรูปแบบของวงดนตรี "สุดท้าย" ที่ซับซ้อนอย่างเชี่ยวชาญ (ซึ่งสะท้อนให้เห็นในความหลงใหลในศิลปะของโมซาร์ทโดยทั่วไปและโดยเฉพาะอย่างยิ่งโอเปร่าของไชคอฟสกี) ไม่ยอมรับแผนการของ Wagnerian และหยุดด้วยความงุนงงต่อหน้ารูปแบบโอเปร่าของ Wagnerian ซึ่งดูเหมือนไร้สาระสำหรับเขา อย่างไรก็ตาม Tchaikovsky เข้าใกล้นักแต่งเพลงชาวเยอรมันมากขึ้นในการตีความวงออเคสตราโอเปร่า: ส่วนที่เป็นเครื่องดนตรีอิ่มตัวด้วยการพัฒนาซิมโฟนิกที่แข็งแกร่งและมีประสิทธิภาพ ( ในแง่นี้ โอเปร่าตอนปลายจึงมีความโดดเด่นเป็นพิเศษ อย่างแรกเลย ราชินีโพดำ).

ในช่วงทศวรรษสุดท้ายของชีวิต ไชคอฟสกีมีความสุขกับชื่อเสียงของนักแต่งเพลงอุปรากรชาวรัสเซียที่ใหญ่ที่สุด โอเปร่าบางส่วนของเขาจัดแสดงในโรงละครต่างประเทศ บัลเลต์ยุคหลังของไชคอฟสกีก็มีการแสดงรอบปฐมทัศน์ที่ประสบความสำเร็จเช่นกัน อย่างไรก็ตาม ความสำเร็จในละครเพลงไม่ได้มาถึงนักแต่งเพลงทันทีและช้ากว่าประเภทเครื่องดนตรี ตามอัตภาพในมรดกทางดนตรีและการแสดงละครของไชคอฟสกีสามารถแยกแยะได้สามช่วง: ต้น, มอสโก (พ.ศ. 2411–2420) - ผู้ว่า, ออพริชนิค, ช่างตีเหล็กวาคูลา, ยูจีน โอเนจินและ สวอนเลค; ปานกลางจนถึงปลายทศวรรษที่ 1880 - โอเปร่าโศกนาฏกรรมขนาดใหญ่สามเรื่อง: สาวใช้ของ Orleans, มาเซปาและ แม่มด(เช่นเดียวกับการปรับเปลี่ยน ช่างตีเหล็กวาคูลาวี เชเรวิชกี้ซึ่งเปลี่ยนรูปลักษณ์ของโอเปร่ายุคแรกนี้อย่างมีนัยสำคัญ) ช้า - ราชินีโพดำ, ไอโอลันต้า(แชมเบอร์โอเปร่าการแสดงเดี่ยว "ขนาดเล็ก" เรื่องเดียวของไชคอฟสกี) และบัลเลต์ เจ้าหญิงนิทราและ แคร็กเกอร์. ความสำเร็จครั้งสำคัญที่แท้จริงครั้งแรกมาพร้อมกับรอบปฐมทัศน์ของมอสโก ยูจีน โอเนจินโดยนักเรียนของเรือนกระจกในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2422 การแสดงรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่าเรื่องนี้ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี พ.ศ. 2427 กลายเป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของเส้นทางสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงและเป็นจุดเริ่มต้นของความนิยมอย่างมากของงานนี้ จุดสูงสุดที่สองและสูงกว่านั้นคือรอบปฐมทัศน์ ราชินีโพดำในปี 1890

แอนตัน รูบินสไตน์.

ในบรรดาปรากฏการณ์ที่ไม่สอดคล้องกับทิศทางหลักของการพัฒนาละครเพลงรัสเซียในศตวรรษที่ 19 เราสามารถตั้งชื่อโอเปร่าของ Anton Grigorievich Rubinstein (พ.ศ. 2372-2437) ได้ดังนี้: โอเปร่าที่เหมาะสม 13 เรื่องและโอเปร่าออราทอริโออันศักดิ์สิทธิ์ 5 เรื่อง ผลงานเพลงและการแสดงละครที่ดีที่สุดของนักแต่งเพลงนั้นเชื่อมโยงกับธีม "ตะวันออก": โอเปร่า oratorio ที่ตกแต่งอย่างยิ่งใหญ่ แมคคาบี(พ.ศ. 2417 จัดแสดงในปี พ.ศ. 2418) เนื้อเพลง ภูต(พ.ศ. 2414 จัดส่งในปีพ.ศ. 2418) และ ชูลามิท (1883). ภูต(อ้างอิงจาก Lermontov) เป็นจุดสุดยอดของมรดกโอเปร่าของ Rubinstein และเป็นหนึ่งในโอเปร่าเนื้อเพลงรัสเซียที่ดีที่สุดและเป็นที่นิยมมากที่สุด

บลารัมแบร์กและนาปราฟนิก

ในบรรดาผู้ประพันธ์โอเปร่าคนอื่น ๆ ในยุคเดียวกัน Pavel Ivanovich Blaramberg นักแต่งเพลงชาวมอสโก (พ.ศ. 2384–2450) และนักแต่งเพลงชาวเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Eduard Frantsevich Napravnik (พ.ศ. 2382–2459) ผู้ควบคุมวงโอเปร่ารัสเซียที่มีชื่อเสียงและไม่มีใครแทนที่ได้ที่โรงละคร Mariinsky เป็นเวลาครึ่งศตวรรษ Blaramberg เรียนรู้ด้วยตนเองและพยายามปฏิบัติตามกฎของวง Balakirev อย่างน้อยก็ในการเลือกวิชาซึ่งส่วนใหญ่เป็นภาษารัสเซีย (ละครประโลมโลกในประวัติศาสตร์ของเขาประสบความสำเร็จมากที่สุด) ทูชินซีจากเวลาแห่งปัญหา 2438) ซึ่งแตกต่างจาก Blaramberg Napravnik เป็นมืออาชีพระดับสูงและเชี่ยวชาญในเทคนิคการแต่งเพลงอย่างไม่ต้องสงสัย โอเปร่าเรื่องแรกของเขา นิจนี นอฟโกรอดในธีมชาติรักชาติ (พ.ศ. 2411) ปรากฏตัวบนเวทีเร็วกว่าโอเปร่าประวัติศาสตร์เรื่องแรกของ Kuchkist เล็กน้อย - บอริส โกดูนอฟและ ชาวปัสโกและก่อนที่จะฉายรอบปฐมทัศน์ก็ประสบความสำเร็จ โอเปร่าเรื่องต่อไปของ Napravnik แฮโรลด์(พ.ศ. 2428) สร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลที่ชัดเจนของวากเนอร์ ในขณะที่ประสบความสำเร็จสูงสุดและบางครั้งก็ยังพบได้ในละครละครของโอเปร่าของผู้แต่งคนนี้ ดูบรอฟสกี้(หลังจากพุชกิน พ.ศ. 2437) ได้รับแรงบันดาลใจจากงานของไชคอฟสกี นักแต่งเพลงชาวรัสเซียคนโปรดของนปราฟนิก (เขาแสดงโอเปร่าและซิมโฟนีรอบปฐมทัศน์ของไชคอฟสกีหลายครั้ง)

ทาเนฟ.

ในปลายศตวรรษที่ 19 โอเปร่าเรื่องเดียว (โอเปร่าไตรภาค) โดย Sergei Ivanovich Taneyev (พ.ศ. 2399–2458) เกิด โอเรสเทีย(ในเนื้อเรื่องของ Aeschylus, 1895) โดยทั่วไปแล้วบทประพันธ์ของโอเปร่านั้นห่างไกลจากแหล่งโบราณในแง่ของ "จิตวิทยา" ที่ผิดปกติสำหรับสมัยโบราณในการตีความภาพหญิงกลางที่โรแมนติก อย่างไรก็ตาม คุณลักษณะหลักของสไตล์ของโอเปร่านี้ทำให้มีความเกี่ยวข้องกับประเพณีคลาสสิก โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับโศกนาฏกรรมทางดนตรีที่มีโคลงสั้น ๆ ของ Gluck น้ำเสียงที่เคร่งครัดและยับยั้งชั่งใจของผลงานของ Taneyev ซึ่งสร้างขึ้นในช่วงเริ่มต้นของศตวรรษใหม่ ทำให้เขาเข้าใกล้การสำแดงแนวทางนีโอคลาสสิกในภายหลังมากขึ้น (เช่น ไปจนถึงโอเปร่า-ออราทอริโอ อีดิปุส เร็กซ์ I.F. สตราวินสกี)

ช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20

ในช่วงทศวรรษครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 และในทศวรรษแรกของศตวรรษหน้า กล่าวคือ ในช่วงหลังจากการเสียชีวิตของ Mussorgsky, Borodin, Tchaikovsky (และในเวลาเดียวกันในช่วงรุ่งเรืองของงานโอเปร่าของ Rimsky-Korsakov) นักแต่งเพลงโอเปร่าหน้าใหม่จำนวนหนึ่งได้รับการเสนอชื่อโดยส่วนใหญ่ในมอสโก: M.M. Ippolitov-Ivanov (2402– พ.ศ. 2478) ( รูธตามตำนานในพระคัมภีร์ 2430; อาสยาตาม Turgenev, 1900; การทรยศ, 1910; โอเล่จากนอร์ดแลนด์; พ.ศ. 2459), อ. อาเรนสกี (พ.ศ. 2404–2449) ( นอนบนแม่น้ำโวลก้าตาม Ostrovsky, 2431; ราฟาเอล, 1894; นัลและดามายันตี, พ.ศ. 2446), วี.ไอ. เรบิคอฟ (พ.ศ. 2409–2463) ( ในพายุฝนฟ้าคะนอง, 1893; ต้นคริสต์มาส, พ.ศ. 2443 และอื่น ๆ ), S.V. Rakhmaninov (พ.ศ. 2416–2486) ( อเลโกะตามพุชกิน 2435; อัศวินขี้เหนียวตามพุชกินและ ฟรานเชสกา ดา ริมินีตาม Dante, 1904), A.T. Grechaninov (1864–1956) ( นิกิติช, 1901; ซิสเตอร์เบียทริซอ้างอิงจาก M. Maeterlinkk, 1910); ลองใช้ประเภทโอเปร่าด้วย Vas. S. Kalinnikov (1866–1900/1901) (บทนำของโอเปร่า ในปี 1812, พ.ศ. 2442) และ ค.ศ. คาสตัลสกี (พ.ศ. 2399–2469) ( คลาร่า มิลิคตาม Turgenev, 1907) งานของผู้เขียนเหล่านี้มักเกี่ยวข้องกับกิจกรรมขององค์กรเอกชนในมอสโก - ครั้งแรกคือ Moscow Private Russian Opera โดย S. Mamontov และจากนั้นเป็น Opera โดย S.I. Zimin; โอเปร่าใหม่ส่วนใหญ่เป็นประเภทโคลงสั้น ๆ ของห้อง (จำนวนหนึ่งเป็นการแสดงเดียว) งานบางชิ้นที่ระบุไว้ข้างต้นอยู่ติดกับประเพณีของ Kuchkist (เช่น มหากาพย์ นิกิติช Grechaninov ในระดับหนึ่งด้วย รูธ Ippolitova-Ivanov โดดเด่นด้วยความคิดริเริ่มของรสชาติแบบตะวันออกและโอเปร่าของ Kastalsky ซึ่งภาพร่างดนตรีในชีวิตประจำวันประสบความสำเร็จมากที่สุด) แต่ในระดับที่ยิ่งใหญ่กว่านั้นผู้แต่งรุ่นใหม่ได้รับอิทธิพลจากสไตล์โอเปร่าโคลงสั้น ๆ ของ Tchaikovsky (Arensky, Rebikov, โอเปร่าเรื่องแรกของ Rachmaninov) รวมถึงแนวโน้มใหม่ในโรงอุปรากรยุโรปในยุคนั้น

โอเปร่าเรื่องแรกของ Stravinsky นกไนติงเกล(ตามเทพนิยายของ H.K. Andersen, 1914) ถูกสร้างขึ้นตามคำสั่งขององค์กร Diaghilev และเชื่อมโยงกับสุนทรียศาสตร์ของ The World of Art เช่นเดียวกับละครเพลงประเภทใหม่ที่ปรากฏใน เพลเลียสและเมลิซานเดค. ดีบัสซี่. โอเปร่าที่สองของเขา มอร่า(โดย บ้านในโคลอมนา Pushkina, 1922) ในแง่หนึ่งเป็นเรื่องเล็ก ๆ น้อย ๆ ทางดนตรีที่มีไหวพริบ (หรือเรื่องล้อเลียน) และในทางกลับกันเป็นสไตล์ของความรักในเมืองรัสเซียในยุคพุชกิน โอเปร่าที่สาม, อีดิปุส เร็กซ์(1927) ในความเป็นจริงแล้ว โอเปร่าไม่ได้เป็นโอเปร่ามากเท่ากับละครเวทีโอราโทริโอแบบนีโอคลาสสิก (แม้ว่าจะใช้หลักการของการประพันธ์เพลงและสไตล์การร้องของโอเปร่าซีเรียของอิตาลีก็ตาม) โอเปร่าสุดท้ายของนักแต่งเพลง การผจญภัยของคราดเขียนขึ้นในภายหลัง (พ.ศ. 2494) และไม่มีส่วนเกี่ยวข้องกับปรากฏการณ์ของอุปรากรรัสเซีย

ชอสตาโควิช.

โอเปร่าสองเรื่องโดย Dmitri Dmitrievich Shostakovich (พ.ศ. 2449-2518) ซึ่งเขียนโดยเขาในช่วงปลายทศวรรษที่ 1920 และต้นทศวรรษที่ 1930 ก็มีชะตากรรมที่ยากลำบากเช่นกัน: จมูก(อ้างอิงจาก Gogol, 1929) และ Lady Macbeth แห่งเขต Mtsensk(อ้างอิงจาก Leskov, 1932, ฉบับที่ 2, 1962) จมูกซึ่งเป็นงานที่สว่างและเฉียบคมมากในปลายศตวรรษที่ 20 ได้รับความนิยมอย่างมากในรัสเซียและตะวันตก มีโวหารเกี่ยวข้องกับโรงละครแนวแสดงออกและอิงตามหลักการล้อเลียนที่แหลมคมที่สุด ไปถึงการเสียดสีที่ทำลายล้างและชั่วร้าย ฉบับพิมพ์ครั้งแรก เลดี้แมคเบธในแง่หนึ่ง ความต่อเนื่องของสไตล์ จมูกและตัวละครหลักของโอเปร่าเรื่องนี้ทำให้เกิดความสัมพันธ์กับตัวละครเช่นมาเรียใน วอซเซคเก้ A. Berg และแม้แต่ Salome ในโอเปร่าชื่อเดียวกันโดย R. Strauss เท่าที่ทราบก็คือ เลดี้แมคเบธซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมากในรอบปฐมทัศน์กลายเป็น "เป้าหมาย" ของบทความโปรแกรมของหนังสือพิมพ์ปราฟดา ยุ่งเหยิงแทนเสียงเพลง(พ.ศ. 2477) ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อทั้งชะตากรรมของ Shostakovich และสถานการณ์ในดนตรีโซเวียตในเวลานั้น ในโอเปร่ารุ่นที่สองซึ่งเป็นรุ่นหลังมากผู้เขียนได้ทำการลดความสำคัญ - ทั้งละครและดนตรี - โวหารอันเป็นผลมาจากการทำงานในรูปแบบที่ค่อนข้างใกล้เคียงกับคลาสสิกสำหรับโรงละครโอเปร่ารัสเซีย แต่ สูญเสียในความสมบูรณ์ของมัน

โดยทั่วไปแล้วปัญหาของโอเปร่านั้นค่อนข้างรุนแรงตลอดช่วงระยะเวลาของวัฒนธรรมดนตรีรัสเซียของสหภาพโซเวียต เนื่องจากประเภทนี้ถือเป็นหนึ่งใน "ประชาธิปไตย" มากที่สุดและในขณะเดียวกันก็เป็น "อุดมการณ์" มากที่สุด เจ้าหน้าที่ที่กำกับศิลปะมักจะสนับสนุนให้นักแต่งเพลงทำงานในพื้นที่นี้ แต่ในขณะเดียวกันก็ควบคุมอย่างเข้มงวด ในช่วงทศวรรษที่ 1920 และต้นทศวรรษที่ 1930 วัฒนธรรมโอเปร่าในรัสเซียอยู่ในสถานะที่ยอดเยี่ยม: การผลิตละครคลาสสิกที่ยอดเยี่ยมปรากฏในมอสโกวและเลนินกราด ผลงานตะวันตกล่าสุดได้รับการจัดแสดงอย่างกว้างขวาง การทดลองในสาขาละครเพลงดำเนินการโดยผู้กำกับที่ใหญ่ที่สุด เริ่มจาก K.S. Stanislavsky และ V.E. Meyerhold และคนอื่นๆ ต่อจากนั้น กำไรเหล่านี้หายไปอย่างมาก เวลาสำหรับการทดลองที่โรงละครโอเปร่าสิ้นสุดลงในช่วงต้นทศวรรษที่ 1930 (โดยปกติแล้วพร้อมกับการผลิตโอเปร่าโดย Prokofiev และ Shostakovich โอเปร่าตามโครงเรื่อง "ปฏิวัติ" โดย L.K. Knipper (2441-2517), V.V. (2432-2498), A.F. Pashchenko (พ.ศ. 2426–2515) และคนอื่นๆ บัดนี้พวกเขาทั้งหมดจมดิ่งลงสู่การลืมเลือนไปแล้ว) ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1930 แนวคิดของสิ่งที่เรียกว่า "เพลงโอเปร่า" ที่ว่า "ผู้คนเข้าถึงได้" มาก่อน: มาตรฐานของมันคือ ดอนเงียบ(อ้างอิงจาก M. Sholokhov, 1935) I.I. Dzerzhinsky (2452–2521); โอเปร่าโดย T.N. Khrennikov (พ.ศ. 2456) ซึ่งเป็นที่นิยมในยุคนั้นอยู่ในประเภทเดียวกัน เข้าไปในพายุ(1939) และ D.B.Kabalevsky (1904–1987) ครอบครัวธารา(2493). ตัวอย่างเช่นโอเปร่า "ปกติ" ที่ประสบความสำเร็จไม่มากก็น้อยปรากฏขึ้นในช่วงเวลาเดียวกัน การฝึกฝนของแม่แปรก(พ.ศ. 2500) วียา เชบาลิน (พ.ศ. 2445-2506), พวกหลอกลวง(พ.ศ. 2496) ยู. เอ. ชาโปรินา (พ.ศ. 2430–2509) ตั้งแต่ทศวรรษที่ 1960 เป็นต้นมา มีช่วงหนึ่งของการฟื้นฟูโรงละครโอเปร่า เวลานี้โดดเด่นด้วยการเกิดขึ้นของประเภท "ไฮบริด" หลากหลายประเภท (โอเปร่า - บัลเล่ต์, โอเปร่า - ออราทอริโอ ฯลฯ ); ประเภทของแชมเบอร์โอเปร่าและโดยเฉพาะอย่างยิ่งโมโนโอเปร่าซึ่งถูกลืมไปแล้วในทศวรรษก่อนหน้านี้ได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวาง ในช่วงทศวรรษที่ 1960-1990 นักประพันธ์หลายคนหันไปหาโอเปร่ารวมถึงผู้ที่มีพรสวรรค์ (ในบรรดานักแต่งเพลงที่ทำงานอย่างแข็งขันในโรงละครดนตรี เราสามารถตั้งชื่อ R.K. Shchedrin (พ.ศ. 2475), A.P. Petrov (พ.ศ. 2473), S. M. Slonimsky (พ.ศ. 2475) โอเปร่าที่น่าสนใจสร้างโดย N. N. Karetnikov (พ.ศ. 2473–2537) และ E. V. Denisov (พ.ศ. 2472–2539) โอเปร่าโดย Yu. ), G.I. Banshchikov (พ.ศ. 2486) และอื่น ๆ อย่างไรก็ตามตำแหน่งเดิมของ ประเภทนี้ในฐานะผู้นำในวัฒนธรรมดนตรีรัสเซียยังไม่ได้รับการบูรณะ และงานสมัยใหม่ (ทั้งในและต่างประเทศ) ปรากฏบนโปสเตอร์ของโรงละครโอเปร่าใหญ่ ๆ เพียงช่วง ๆ เท่านั้น ข้อยกเว้นบางประการคือคณะละครเล็ก ๆ จากเมืองต่าง ๆ ซึ่งแสดงโอเปร่าใหม่ทันที อย่างไรก็ตาม พวกเขาไม่ค่อยอยู่ในละครนานนัก

โอเปร่ารัสเซีย- ผลงานที่มีค่าที่สุดในคลังของโรงละครดนตรีโลก กำเนิดขึ้นในยุคคลาสสิกรุ่งเรืองของอุปรากรอิตาลี ฝรั่งเศส และเยอรมัน โอเปร่ารัสเซียในศตวรรษที่ 19 ไม่เพียงแต่ทันกับโรงเรียนโอเปร่าแห่งชาติอื่นๆ เท่านั้น แต่ยังแซงหน้าพวกเขาอีกด้วย ลักษณะพหุภาคีของการพัฒนาโรงละครโอเปร่ารัสเซียในศตวรรษที่ 19 มีส่วนทำให้งานศิลปะเสมือนจริงของโลกมีความสมบูรณ์ยิ่งขึ้น ผลงานของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียได้เปิดพื้นที่ใหม่ของการสร้างสรรค์โอเปร่า นำเนื้อหาใหม่เข้ามา หลักการใหม่ในการสร้างละครเพลง นำศิลปะโอเปร่าเข้าใกล้ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีประเภทอื่น ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับซิมโฟนี

รูปที่ 11

ดังนั้น อุปรากรรัสเซียตั้งแต่ก้าวแรกจึงเป็นรูปเป็นร่างเป็นศิลปะประชาธิปไตย โครงเรื่องของอุปรากรรัสเซียเรื่องแรกมักจะนำเสนอแนวคิดต่อต้านความเป็นทาส ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของละครรัสเซียและวรรณกรรมรัสเซียในปลายศตวรรษที่ 18 อย่างไรก็ตาม แนวโน้มเหล่านี้ยังไม่ได้พัฒนาไปสู่ระบบหนึ่งๆ พวกเขาแสดงออกมาในเชิงประจักษ์จากชีวิตของชาวนา ในการแสดงการกดขี่โดยเจ้าของที่ดิน ในการแสดงภาพเหน็บแนมของขุนนาง นี่คือโครงเรื่องของโอเปร่ารัสเซียเรื่องแรก: "Misfortune from the Carriage" โดย V. A. Pashkevich, "Coachmen on a Setup" โดย E. I. Fomin ในโอเปร่า "The Miller - พ่อมดผู้หลอกลวงและผู้จับคู่" พร้อมข้อความโดย A. O. Ablesimov และดนตรีโดย M. M. Sokolovsky (ในเวอร์ชันที่สอง - E. I. Fomina) แนวคิดเรื่องขุนนางของแรงงานของชาวนา ถูกแสดงออกและความเย่อหยิ่งอันสูงส่งถูกเยาะเย้ย ในโอเปร่าโดย M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich "St. Petersburg Gostiny Dvor" ผู้รับผลประโยชน์และผู้รับสินบนแสดงในรูปแบบเหน็บแนม

อุปรากรรัสเซียพัฒนาขึ้นในการต่อสู้เพื่อเอกลักษณ์ของชาติ นโยบายของราชสำนักและสังคมชั้นสูงผู้อุปถัมภ์คณะต่างชาตินั้นมุ่งต่อต้านประชาธิปไตยของศิลปะรัสเซีย ร่างของอุปรากรรัสเซียต้องเรียนรู้ทักษะโอเปร่าในรูปแบบของโอเปร่ายุโรปตะวันตกและในขณะเดียวกันก็ปกป้องความเป็นอิสระของกระแสชาติของพวกเขา การต่อสู้นี้เป็นเวลาหลายปีกลายเป็นเงื่อนไขสำหรับการดำรงอยู่ของอุปรากรรัสเซียโดยใช้รูปแบบใหม่ในขั้นตอนใหม่

พร้อมกับละครโอเปร่าในศตวรรษที่ 18 ประเภทโอเปร่าอื่น ๆ ก็ปรากฏขึ้นเช่นกัน ในปี ค.ศ. 1790 มีการแสดงที่ศาลภายใต้ชื่อ "Oleg's Initial Administration" ซึ่งเป็นข้อความที่เขียนโดยจักรพรรดินีแคทเธอรีนที่ 2 และดนตรีประกอบโดยนักแต่งเพลง K. Canobbio, J. Sarti และ V. A. Pashkevich การแสดงไม่ได้เป็นโอเปร่ามากเท่า oratorio โดยธรรมชาติ และในระดับหนึ่งก็ถือได้ว่าเป็นตัวอย่างแรกของแนวเพลงประวัติศาสตร์ที่แพร่หลายในศตวรรษที่ 19 ในผลงานของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่โดดเด่น D. S. Bortnyansky ประเภทโอเปร่าแสดงโดยโอเปร่าเนื้อเพลง The Falcon และ The Rival Son ซึ่งดนตรีในแง่ของการพัฒนารูปแบบและทักษะของโอเปร่าสามารถเทียบได้กับตัวอย่างที่ทันสมัย ของอุปรากรยุโรปตะวันตก

ละครเพลงของ Mussorgsky เรื่อง "Khovanshchina" (รูปที่ 12) อุทิศให้กับการลุกฮือยิงธนูในปลายศตวรรษที่ 17 องค์ประกอบของการเคลื่อนไหวที่เป็นที่นิยมในพลังที่เฟื่องฟูทั้งหมดนั้นแสดงออกมาอย่างน่าทึ่งโดยดนตรีของโอเปร่า โดยอาศัยการคิดใหม่อย่างสร้างสรรค์ของศิลปะเพลงพื้นบ้าน เพลงของ "Khovanshchina" เช่นเดียวกับเพลงของ "Boris Godunov" มีลักษณะโศกนาฏกรรมสูง พื้นฐานของความไพเราะของโอเปร่าทั้งสองคือการสังเคราะห์เพลงและการเริ่มต้นของคำปราศรัย นวัตกรรมของ Mussorgsky ที่เกิดจากความแปลกใหม่ของแนวคิดของเขา และวิธีแก้ปัญหาของละครเพลงที่สร้างสรรค์อย่างล้ำลึกทำให้เราจัดอันดับให้ละครเพลงทั้งสองเรื่องของเขาประสบความสำเร็จสูงสุดในสาขาละครเพลง

รูปที่ 12

ศตวรรษที่ 19 เป็นยุคของโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซีย นักแต่งเพลงชาวรัสเซียได้สร้างผลงานชิ้นเอกในประเภทต่าง ๆ ของโอเปร่า: ละคร, มหากาพย์, โศกนาฏกรรมที่กล้าหาญ, ตลก พวกเขาสร้างละครเพลงแนวใหม่ที่ถือกำเนิดขึ้นโดยเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับเนื้อหาที่เป็นนวัตกรรมของโอเปร่า บทบาทที่สำคัญและเป็นตัวกำหนดของฉากพื้นบ้าน การแสดงลักษณะหลายแง่มุมของตัวละคร การตีความใหม่ของรูปแบบโอเปร่าแบบดั้งเดิม และการสร้างหลักการใหม่ของความเป็นเอกภาพทางดนตรีของงานทั้งหมดเป็นคุณลักษณะเฉพาะของโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซีย Neyasova, I. Yu. โอเปร่าประวัติศาสตร์รัสเซียในศตวรรษที่ 19 หน้า 63

3.1 โมเดสต์ เปโตรวิช มุสซอร์กสกี

Petrovich Mussorgsky ผู้เจียมเนื้อเจียมตัว - หนึ่งในนักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่ยอดเยี่ยมที่สุดในศตวรรษที่ 19 ซึ่งเป็นสมาชิกของ "Mighty Handful" งานสร้างสรรค์ของ Mussorgsky ล้ำหน้าไปมาก

เกิดในจังหวัดปัสคอฟ เช่นเดียวกับคนที่มีความสามารถหลายคนตั้งแต่วัยเด็กเขาแสดงความสามารถด้านดนตรีศึกษาที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กตามประเพณีของครอบครัวเป็นทหาร เหตุการณ์สำคัญที่กำหนดว่า Mussorgsky ไม่ได้เกิดมาเพื่อรับราชการทหาร แต่เพื่อดนตรีคือการพบกับ M.A. Balakirev และเข้าร่วม "Mighty Handful" Mussorgsky นั้นยอดเยี่ยมในผลงานที่ยิ่งใหญ่ของเขา - โอเปร่า "Boris Godunov" และ "Khovanshchina" (รูปที่ 13) เขาบันทึกเหตุการณ์สำคัญที่น่าทึ่งของประวัติศาสตร์รัสเซียในเพลงด้วยความแปลกใหม่ที่ดนตรีรัสเซียไม่รู้จักมาก่อน พวกเขาเป็นการผสมผสานระหว่างฉากพื้นบ้านจำนวนมากและประเภทต่าง ๆ มากมายซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของชาวรัสเซีย โอเปร่าเหล่านี้ได้รับการตีพิมพ์หลายฉบับโดยทั้งผู้แต่งและผู้ประพันธ์เพลงคนอื่นๆ เป็นหนึ่งในโอเปร่ารัสเซียที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในโลก Danilova, G.I. ศิลปะ. หน้า 96

3.2 ลักษณะของโอเปร่า "Khovanshchina" ของ Mussorgsky

"โความสชิน่า"(ละครเพลงพื้นบ้าน) - โอเปร่าในห้าองก์โดยนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย M. P. Mussorgsky สร้างขึ้นตามบทของเขาเองในช่วงหลายปีและผู้แต่งไม่เคยจบ งานนี้เสร็จสมบูรณ์โดย N. A. Rimsky-Korsakov

Khovanshchina เป็นมากกว่าโอเปร่า Mussorgsky สนใจในกฎหมายที่น่าเศร้าของประวัติศาสตร์รัสเซีย, ความแตกแยกชั่วนิรันดร์, แหล่งที่มาของความทุกข์และเลือด, ลางสังหรณ์นิรันดร์ของสงครามกลางเมือง, การลุกขึ้นจากหัวเข่าชั่วนิรันดร์และความปรารถนาตามสัญชาตญาณที่เท่าเทียมกันในการกลับสู่ท่าทางปกติของเขา

Mussorgsky ฟักความคิดของ "Khovanshchina" และในไม่ช้าก็เริ่มรวบรวมวัสดุ ทั้งหมดนี้ดำเนินการโดยการมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันของ V. Stasov ซึ่งอยู่ในยุค 70 สนิทกับมุสซอร์กสกีและเป็นหนึ่งในไม่กี่คนที่เข้าใจความจริงจังของความตั้งใจสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงอย่างแท้จริง V. V. Stasov กลายเป็นแรงบันดาลใจและผู้ช่วยที่ใกล้ชิดที่สุดของ Mussorgsky ในการสร้างโอเปร่าเรื่องนี้ซึ่งเขาทำงานตั้งแต่ปี พ.ศ. 2415 จนถึงวาระสุดท้ายของชีวิต “ ฉันอุทิศให้คุณตลอดชีวิตของฉันเมื่อ Khovanshchina จะถูกสร้างขึ้น ... คุณเริ่มต้นแล้ว” Mussorgsky เขียนถึง Stasov เมื่อวันที่ 15 กรกฎาคม พ.ศ. 2415

รูปที่ 13

นักแต่งเพลงถูกดึงดูดอีกครั้งโดยชะตากรรมของชาวรัสเซียในช่วงหัวเลี้ยวหัวต่อของประวัติศาสตร์รัสเซีย เหตุการณ์กบฏในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 การต่อสู้อย่างรุนแรงระหว่างโบยาร์มาตุภูมิเก่ากับรัสเซียรุ่นใหม่ของปีเตอร์ที่ 1 การจลาจลของนักธนูและการเคลื่อนไหวของความแตกแยกทำให้ Mussorgsky มีโอกาสสร้างละครเพลงพื้นบ้านเรื่องใหม่ ผู้เขียนอุทิศ "Khovanshchina" ให้กับ V.V. Stasov Danilova, G.I. ศิลปะ. หน้า 100

การทำงานกับ "Khovanshchina" เป็นเรื่องยาก - Mussorgsky หันไปหาเนื้อหาที่เกินขอบเขตของการแสดงโอเปร่า อย่างไรก็ตาม เขาเขียนอย่างเข้มข้น (“งานกำลังดำเนินไปอย่างเต็มที่!”) แม้ว่าจะหยุดชะงักเป็นเวลานานเนื่องจากเหตุผลหลายประการ ในเวลานี้ Mussorgsky กำลังเผชิญกับการสลายตัวของวงกลม Balakirev ความสัมพันธ์ที่เย็นลงกับ Cui และ Rimsky-Korsakov การออกจากกิจกรรมทางดนตรีและสังคมของ Balakirev เขารู้สึกว่าพวกเขาแต่ละคนกลายเป็นศิลปินอิสระและได้ไปตามทางของตัวเองแล้ว งานราชการเหลือเพียงเวลาเย็นและกลางคืนสำหรับการแต่งเพลง ซึ่งนำไปสู่การทำงานหนักเกินไปและภาวะซึมเศร้าที่ยืดเยื้อมากขึ้นเรื่อยๆ อย่างไรก็ตาม แม้จะมีทุกสิ่ง พลังสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงในช่วงเวลานี้ก็มีความโดดเด่นในด้านความแข็งแกร่งและแนวคิดทางศิลปะที่หลากหลาย

“Khovanshchina เป็นอุปรากรรัสเซียที่ซับซ้อน ซับซ้อนพอๆ กับจิตวิญญาณของรัสเซีย แต่มุสซอร์กสกีเป็นนักแต่งเพลงที่น่าทึ่งมาก ซึ่งโอเปร่าสองเรื่องของเขาจัดแสดงในโอเปร่าต่างๆ ทั่วโลกเกือบทุกปี” อับดราซาคอฟ, RIA Novosti.

โอเปร่าเผยให้เห็นชีวิตชาวบ้านทั้งชั้นและแสดงให้เห็นโศกนาฏกรรมทางจิตวิญญาณของชาวรัสเซียในช่วงหัวเลี้ยวหัวต่อของประวัติศาสตร์และวิถีชีวิตแบบดั้งเดิม

3.3 Opera Mussorgsky "Khovanshchina" ในโรงละคร

ขนาดที่ยิ่งใหญ่ของมหากาพย์ - อยู่ในรูปแบบนี้ที่ Alexander Titel ชอบพูดในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา จัดแสดง "War and Peace" โดย Sergei Prokofiev, "Boris Godunov" โดย Mussorgsky และสุดท้ายคือผืนผ้าใบประวัติศาสตร์ขนาดใหญ่ - "Khovanshchina" . ไม่จำเป็นต้องเตือนเกี่ยวกับความเกี่ยวข้องในปัจจุบันของการสร้าง Mussorgsky นี้ซึ่งดูดซับการปะทะกันที่น่าเศร้าของ "รัสเซีย" - การแตกสลายของอำนาจและผู้คน, ความแตกแยกทางศาสนา, แผนการทางการเมือง, ความเพ้อฝันที่คลั่งไคล้, การค้นหาอย่างต่อเนื่องสำหรับ " เส้นทาง" ทางแยกของชาวเอเชีย ความเกี่ยวข้องอยู่บนพื้นผิวและไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ "Khovanshchina" ในฤดูกาลที่แล้ว "เพลา" อยู่ในเวทียุโรป - ในเวียนนา, สตุตการ์ต, แอนต์เวิร์ป, เบอร์มิงแฮม การแสดงของ Titel เกือบจะด้วยความปวดร้าวทำให้เพื่อนร่วมชาติของเขากลับไปใช้ธีมของ Mussorgsky เหล่านี้

ความจริงที่ว่าโรงละครเข้าหาคำแถลง "ประวัติศาสตร์" ด้วยความเข้มข้นเป็นพิเศษนั้นเห็นได้จากหนังสือเล่มเล็กที่เตรียมไว้สำหรับรอบปฐมทัศน์พร้อมการตัดทอนจากเอกสารและชีวประวัติที่แท้จริงของต้นแบบของ Khovanshchina และนิทรรศการที่กำหนดเวลาให้ตรงกับการเปิดตัวการแสดงใน Atrium ของโรงละครที่มีการจัดแสดงทางโบราณคดีที่พบจากเวลาของ "Khovanshchina "- เศษอาวุธที่พบใต้อาคารโรงละคร เห็นได้ชัดว่าบรรยากาศของการแสดงที่มีผู้ติดตามดังกล่าวควรจะเป็น "ของแท้" มากยิ่งขึ้น แต่ผู้ชมไม่ได้รับการต้อนรับจากหอคอยและหอคอยเครมลินบนเวที แต่ด้วยกล่องไม้กระดานแบบโรงนาที่เรียบง่ายซึ่งมหากาพย์ชีวิตรัสเซียอันมืดมนเผยออกมานานกว่าสามชั่วโมง Alexander Lazarev ตั้งโทนเสียงดนตรีโดยเลือกการเรียบเรียงของ Dmitri Shostakovich ที่เต็มไปด้วยเสียงหวือหวาของเมทัลลิกที่แตกสลายราวกับอยู่ในก้นบึ้งของเสียงระฆังหนักซึ่งฟังในการตีความของเขาว่าเป็นมือขวาที่แทบไม่ขาดสาย -ออกเพลงโคลงสั้น ๆ ในช่วงเวลาหนึ่งวงออเคสตร้าก็ค่อยๆ จางหายไป จากนั้นนักร้องประสานเสียงก็ออกมา "ข้างนอก": "พ่อ พ่อ มาหาเราหน่อย!" อันโด่งดัง ฟังดูเหมือนเป็นผลงานชิ้นเอกและเป็นการสวดภาวนาแบบแตกแยกเงียบๆ Masol, L.M. , Aristova L.S. ศิลปะดนตรี. หน้า 135

รูปที่ 14

ฉากหลังของวงออเคสตร้าที่แข็งเข้ากันกับการแสดงอันดุเดือดบนเวที ความพิเศษมากมาย - ผู้คนหลายร้อยคนแต่งตัวเป็นหนึ่งเดียวในชุดสีแดง - สเตลต์ซี (รูปที่ 14) หรือสีขาว - "พื้นบ้าน" เจ้าชายมี caftans เรียบง่ายที่มีปุ่มเล็ก ๆ โดยไม่มีขนตามปกติและงานปักอันมีค่า ความพิเศษเหล่านี้เข้าร่วมในมื้ออาหารที่โต๊ะไม้ยาว ออกมาท่ามกลางฝูงชนที่มีไอคอน พี่น้อง โอบไหล่ โอบไหล่ รอบๆ Bati Khovansky แต่ฝูงชนบนเวทีไม่ได้ "มีชีวิตอยู่" แต่แสดงโครงเรื่องแทน

รูปที่ 15

แต่โครงเรื่องหลัก "เหนือ" เปิดเผย - ในบรรดาเจ้าชายและโบยาร์ที่สานแผนการสมรู้ร่วมคิดบงการประณามต่อสู้เพื่ออำนาจ ประการแรก Shaklovity (Anton Zaraev) สั่งให้ Podyachy (Valery Mikitsky) อย่างโกรธเกรี้ยวทำให้เขาหวาดกลัวด้วยการทรมานและการขูดรีดรายงานต่อซาร์ปีเตอร์และอีวานเกี่ยวกับพ่อและลูกชายของ Khovansky จากนั้นเจ้าชาย Golitsyn (Nazhmiddin Mavlyanov) วางอุบายต่อต้าน เจ้าหน้าที่กับ Khovansky (Dmitry Ulyanov) และ Dosifey (Denis Makarov) - อย่างเมามันใกล้จะถึงการต่อสู้ ที่นี่ Khovansky ที่อายุน้อยกว่า (Nikolai Erokhin) ด้วยความคลั่งไคล้เหมือนกันไล่ตาม Emma (Elena Guseva) หญิงชาวเยอรมันอย่างเร้าอารมณ์และ Martha (Ksenia Dudnikova) ที่แตกแยก - พยาบาทลาก Andrei ที่ว้าวุ่นใจให้ฆ่าตัวตายในสเก็ต วีรบุรุษของ Mussorgsky มีตัวตนอยู่ในบทละครราวกับว่าทุกคำพูดของพวกเขาจะทำให้โลกกลับหัวกลับหาง พวกเขากรีดร้องด้วยเพลงอาเรียจนเสียงแหบ พวกเขาทุบกำปั้นลงบนโต๊ะ Marfa คาดเดาได้อย่างน่ากลัว กำหมัดของเธอลงไปในน้ำและราวกับกำลังบีบบางสิ่งที่ยังมีชีวิตอยู่ออกจากถังสังกะสี นักธนูวางศีรษะบน caftans สีแดงเพื่อประหารชีวิตและ Khovansky Sr. ก็ยกกระโปรงของชาวเปอร์เซียขึ้น บนเวที อาร์เมเนีย duduk ฟังดูเศร้าโศก - ตัวเลขที่ใส่เข้าไปในการแสดง จริง เหตุใดจึงมีความเกี่ยวข้องมากกว่าการเต้นรำแบบเปอร์เซียทั่วไปนั้นยังไม่ชัดเจนนัก นอกจากนี้ อนิจจา มันไม่ชัดเจนว่าการแสดงจบลงด้วยเรื่องอะไร จบลงด้วยภาพของฝูงชนที่แตกแยกที่ยืนจมดิ่งลงไปในความมืด ซึ่งเหล่าฮีโร่โต้เถียงกันอย่างเมามัน ทำลายเสียงของพวกเขา ระเบิดอารมณ์ตีโพยตีพายเป็นเวลาสามชั่วโมงใน แถวสิ่งที่พวกเขาต้องการถ่ายทอดจากประสบการณ์ของพวกเขา ยกเว้นภาพของมาตุภูมิที่มืดมน ' รวมถึงและเพราะคำในการแสดงแทบจะแยกไม่ออก คำบรรยายของเส้นวิ่งเป็นภาษาอังกฤษ และมีผู้ที่ชื่นชอบบทประพันธ์ไม่กี่คนในห้องโถง ในขณะเดียวกัน Mussorgsky เองก็สะกดทุกคำไม่ใช่โดยบังเอิญ เขาสร้าง "Khovanshchina" ให้เป็นละครการเมืองในปัจจุบัน และอาจหวังว่าประสบการณ์ของเรื่องนี้จะช่วยเปลี่ยนแปลงบางสิ่งในปัจจุบัน

เป็นที่นิยมในหมวดหมู่: