ภาพวาดที่ศิลปินร่วมสมัยซื้อมากที่สุด ภาพวาดโดยศิลปินร่วมสมัยที่มีชื่อเสียง
"ภูมิทัศน์ถนนเบิร์ชโกรฟ" 120x100
มีดจานสี น้ำมัน ผ้าใบ
คอนสแตนติน โลริส-เมลิคอฟ
ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 21
—
ทุกอย่าง,
เหยียดหยามแดกดันแดกดันประชาธิปไตย - พวกเขาเรียกพระอาทิตย์ตกแห่งยุคที่ยิ่งใหญ่
ลัทธิหลังสมัยใหม่พบว่าตัวเองอยู่ในสถานการณ์ที่ทุกอย่างถูกพูดต่อหน้าพวกเขา และทั้งหมดที่พวกเขาต้องทำคือใช้สิ่งที่พวกเขาสร้างขึ้น ผสมผสานสไตล์ สร้างสรรค์ หากไม่ใช่ของใหม่ แต่เป็นงานศิลปะที่เป็นที่รู้จัก...
ทิศทางที่สว่างที่สุด:
- นีโอเรียลลิสม์;
- ศิลปะขั้นต่ำ
- โพสต์โมเดิร์น;
- ไฮเปอร์เรียลลิสม์;
- การติดตั้ง;
- สิ่งแวดล้อม;
- วิดีโออาร์ต;
- กราฟฟิตี;
- Transavant-garde;
- ศิลปะบนเรือนร่าง;
- สติแตก;
- เนื้องอก;
- ศิลปะข้างถนน;
- จดหมายศิลปะ;
- ไม่มีศิลปะ
1. นีโอเรียลลิสม์
นี่คือศิลปะของอิตาลีหลังสงคราม ซึ่งต่อสู้กับการมองโลกในแง่ร้ายหลังสงคราม
แนวหน้าใหม่ของศิลปะรวมกัน
abstractionists และ realists และกินเวลาเพียง 4 ปี แต่จาก
ศิลปินที่มีชื่อเสียงออกมา: Gabrielle Muchi, Renato Guttuso, Ernesto
เทรคคานี่. พวกเขาพรรณนาถึงกรรมกรและชาวนาอย่างชัดเจนและชัดเจน
แนวโน้มที่คล้ายกันเกิดขึ้นในที่อื่น ๆ
ประเทศ แต่โรงเรียนนีโอเรียลลิสม์ถือเป็นโรงเรียนที่สว่างที่สุดซึ่ง
ปรากฏในอเมริกาผ่านความพยายามของนักวาดภาพฝาผนัง ดิเอโก ริเวรา
รับชม : เรนาโต้ กุตตูโซ่
จิตรกรรมฝาผนังโดย Diego Rivera - Presidential Palace (เม็กซิโกซิตี้, เม็กซิโก)
เศษปูนเปียกโดย Diego Rivera สำหรับโรงแรม Prado ในเม็กซิโกซิตี้ "Sunday Dream in Alameda Park", 1948
2. ศิลปะขั้นต่ำ
นี่คือทิศทางของเปรี้ยวจี๊ด
ใช้รูปแบบที่เรียบง่ายและไม่รวมการเชื่อมโยงใดๆ
คาร์ล อังเดร, 1964
ทิศทางนี้ปรากฏในสหรัฐอเมริกาในตอนท้าย
60s Minimalists เรียก Marcel Duchamp ว่าบรรพบุรุษของพวกเขาโดยตรง
(สำเร็จรูป), Piet Mondrian (neoplasticism) และ Kazimir Malevich
(Suprematism) พวกเขาเรียกเขาว่า จัตุรัสดำ เป็นงานชิ้นแรก
ศิลปะขั้นต่ำ
เรียบง่ายและเป็นรูปทรงเรขาคณิต
องค์ประกอบที่ถูกต้อง - กล่องพลาสติก, แท่งโลหะ,
กรวย - ถูกสร้างขึ้นในสถานประกอบการอุตสาหกรรมตามภาพร่างของศิลปิน
ดู:
ผลงานของ โดนัลด์ จัดด์, คาร์ล
Andre, Sola Levita — พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ (นิวยอร์ก สหรัฐอเมริกา), พิพิธภัณฑ์
ศิลปะร่วมสมัย (นิวยอร์ก สหรัฐอเมริกา) พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิทัน (นิวยอร์ก
สหรัฐอเมริกา).
3. โพสต์โมเดิร์น นี่คือรายการแนวโน้มที่ไม่สมจริงของปลายศตวรรษที่ 20
วันเชกิ มูตู. Collage "อวัยวะสืบพันธุ์ของผู้หญิงวัยผู้ใหญ่", 2548
วงจรเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะ แต่
หลังสมัยใหม่กลายเป็นตัวอย่างแรกของ "การปฏิเสธของการปฏิเสธ" ตอนแรก
ลัทธิสมัยใหม่ปฏิเสธความคลาสสิกและลัทธิหลังสมัยใหม่ก็ปฏิเสธลัทธิสมัยใหม่เช่นกัน
เขาเคยปฏิเสธคลาสสิกมาก่อน ลัทธิหลังสมัยใหม่กลับไปสู่รูปแบบเหล่านั้นและ
รูปแบบที่มีมาก่อนความทันสมัย แต่ในระดับที่สูงขึ้น
ลัทธิหลังสมัยใหม่เป็นผลผลิตจากยุคสมัย
เทคโนโลยีล่าสุด ดังนั้นคุณลักษณะเฉพาะของมันคือส่วนผสม
สไตล์ รูปภาพ ยุคสมัยและวัฒนธรรมย่อยต่างๆ หลักสำหรับหลังสมัยใหม่
กำลังอ้าง, คล่องแคล่วว่องไวกับคำพูด.
ชม: Tate Gallery (ลอนดอน,
สหราชอาณาจักร), พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่แห่งชาติ ศูนย์ปอมปิดู
(ปารีส ฝรั่งเศส) พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ (นิวยอร์ก สหรัฐอเมริกา)
ไฮเปอร์เรียลลิสม์ ศิลปะที่เลียนแบบการถ่ายภาพ.
ปิดชัค "โรเบิร์ต", 2517
ศิลปะนี้เรียกอีกอย่างว่า Superrealism
Photorealism, Radical Realism หรือ Cold Realism มันปรากฏ
ทิศทางในอเมริกาในทศวรรษที่ 60 และอีก 10 ปีต่อมาก็แพร่หลายเข้ามา
ยุโรป.
ไฮเปอร์เรียลลิสม์, โฟโต้เรียลลิสม์, ดอน เอ็ดดี้,
ศิลปินในทิศทางนี้อย่างแน่นอน
คัดลอกโลกตามที่เราเห็นในภาพถ่าย ในผลงานของศิลปิน
มีการอ่านคำประชดประชันเกี่ยวกับเทคโนเจน ศิลปินพรรณนาเป็นส่วนใหญ่
เรื่องราวจากชีวิตของมหานครสมัยใหม่
ริชาร์ด เอสเตส- ชอบภาพสะท้อนของมหานครในหน้าต่างร้านค้า บนฝากระโปรงหน้ารถหรือเคาน์เตอร์ร้านกาแฟ
ดู:
ผลงานของ Chuck Close, Don Eddy, Richard Estes - พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน, พิพิธภัณฑ์ Guggenheim (นิวยอร์ก, สหรัฐอเมริกา), พิพิธภัณฑ์ Brooklyn (สหรัฐอเมริกา)
5. การติดตั้ง
นี่คือองค์ประกอบในแกลเลอรีซึ่งสามารถสร้างจากอะไรก็ได้สิ่งสำคัญคือมีข้อความย่อยและแนวคิด
น้ำพุ (Duchamp)
เป็นไปได้มากว่าจะไม่เป็นเช่นนั้น
ทิศทาง ไม่ใช่สำหรับโถปัสสาวะสัญลักษณ์ของ Duchamp ชื่อของโลกหลัก
ผู้ติดตั้ง: Dine, Rauschenberg, Beuys, Kunnelis และ Kabakov
“จิม ไดน์. จากคอลเลกชั่นของศูนย์ปอมปิดู»
สิ่งสำคัญในการติดตั้งคือข้อความย่อยและพื้นที่ที่ศิลปินชนกับวัตถุซ้ำ ๆ
ดู:
เทต โมเดิร์น (ลอนดอน สหราชอาณาจักร) พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ (นิวยอร์ก สหรัฐอเมริกา)
6. สิ่งแวดล้อม เป็นศิลปะในการสร้างองค์ประกอบ 3 มิติที่เลียนแบบโลกแห่งความเป็นจริง
เป็นทิศทางในศิลปะสิ่งแวดล้อม
ปรากฏในปี ค.ศ. 1920 ก่อนเวลาอันควรหลายเท่าตัว
เป็นเวลาหลายทศวรรษที่ศิลปิน Dadaist เมื่อเขานำเสนอต่อสาธารณชน
ผลิตภัณฑ์ "Merz-building" - โครงสร้างสามมิติของวัตถุต่างๆ และ
วัสดุดีสำหรับอะไรนอกจากการไตร่ตรอง
เอ็ดเวิร์ด คีนโฮลต์ซ
ประวัติการเป็นชาวสวนครึ่งศตวรรษต่อมา ประเภทนี้กลายเป็น
ทำงานและประสบความสำเร็จกับ Edward Kienholtz และ George Siegel ในการทำงานของคุณ
พวกเขาจำเป็นต้องนำเสนอองค์ประกอบที่น่าตกใจของแฟนตาซีลวงตา
ดู:
ผลงานของ Edward Kienholtz และ George Siegel
— พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ (สตอกโฮล์ม สวีเดน)
7. วิดีโออาร์ต ทิศทางนี้เกิดขึ้นในช่วงสามของศตวรรษที่ 20 เนื่องจากการปรากฏตัวของกล้องวิดีโอแบบพกพา
นี่เป็นอีกหนึ่งความพยายามที่จะคืนงานศิลปะให้กับ
ความจริง แต่ตอนนี้ด้วยความช่วยเหลือของเทคโนโลยีวิดีโอและคอมพิวเตอร์
Nam June Paik ชาวอเมริกันทำวิดีโอของสมเด็จพระสันตะปาปาเดินผ่านถนน
นิวยอร์กและกลายเป็นศิลปินวิดีโอคนแรก
การทดลองของ Nam June Paik ได้รับอิทธิพล
โทรทัศน์ มิวสิควิดีโอ (เขายืนอยู่ด้านล่างสุดของช่อง MTV)
เอฟเฟกต์คอมพิวเตอร์ในโรงภาพยนตร์ ผลงานของ June Paik, Bill Viola เป็นคนสร้างมันขึ้นมา
ทิศทางของศิลปะเป็นพื้นที่ของกิจกรรมสำหรับการทดลอง พวกเขาใส่
จุดเริ่มต้นของ "ประติมากรรมวิดีโอ" "การติดตั้งวิดีโอ" และ "วิดีโอโอเปร่า"
ดู:
วิดีโออาร์ตตั้งแต่ประสาทหลอนไปจนถึงโซเชียล
(เป็นที่นิยมในจีน Chen-che-yen บน Youtube.com)
8. กราฟฟิตี จารึกและภาพวาดบนผนังบ้านที่มีข้อความชัดเจน
ปรากฏตัวครั้งแรกในทศวรรษที่ 70 ในภาคเหนือ
อเมริกา. เจ้าของแกลลอรี่ของหนึ่งในเขตเกี่ยวข้องกับรูปร่างหน้าตาของพวกเขา
แมนฮัตตัน. พวกเขากลายเป็นผู้อุปถัมภ์ความคิดสร้างสรรค์ของผู้ที่อยู่ติดกับพวกเขา
ชาวเปอร์โตริกันและชาวจาเมกา กราฟฟิตีผสมผสานองค์ประกอบของเมือง
วัฒนธรรมย่อยและชาติพันธุ์
Keith Haring อัจฉริยะศิลปะป๊อป
ชื่อจากประวัติศาสตร์กราฟฟิตี: Keith Haring,
ฌอง-มิเชล บาสเกียต, จอห์น มาตอม, เคนนี่ ชาร์ฟ บุคลิกภาพที่น่าอับอาย
Banksy เป็นศิลปินกราฟฟิตีชาวอังกฤษ มีไปรษณียบัตรพร้อมผลงานของเขาเต็มไปหมด
ร้านขายของที่ระลึกของอังกฤษ
ดู:
พิพิธภัณฑ์กราฟฟิตี (นิวยอร์ก สหรัฐอเมริกา) ผลงานของ Banksy - ที่banksy.co.uk
9. ทรานส์แวนการ์ด
หนึ่งในแนวโน้มของการวาดภาพหลังสมัยใหม่ ผสมผสานระหว่างอดีต จิตรกรรมใหม่ และการแสดงออก
ผลงานของ Alexander Roitburd ศิลปินข้ามชาติ
ผู้เขียนคำว่า transavant-garde -
Bonito Oliva นักวิจารณ์ร่วมสมัย โดยคำนี้เขานิยามความคิดสร้างสรรค์
เพื่อนร่วมชาติของเขา 5 คน ได้แก่ ซานโดร เชีย, เอ็นโซ คุชชี, ฟรานเชสโก
Clemente, Mimmo Paladino, Nicolò de Maria งานของพวกเขาโดดเด่นด้วย:
ผสมผสานระหว่างรูปแบบคลาสสิก ขาดการยึดติดกับชาติ
โรงเรียนการตั้งค่าเพื่อความสุขทางสุนทรียะและพลวัต
Francesco Clemente ใน Schirn (แฟรงค์เฟิร์ต)
ชม: พิพิธภัณฑ์สะสมเพ็กกี้
Guggenheim (เวนิส อิตาลี) พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ใน Palazzo
(เวนิส อิตาลี), หอศิลปะสมัยใหม่ (มิลาน อิตาลี)
10. ศิลปะบนเรือนร่าง หนึ่งในทิศทางของการกระทำ ร่างกายทำหน้าที่เป็นผืนผ้าใบ
ศิลปะบนเรือนร่างเป็นหนึ่งในการแสดงออกของวัฒนธรรมพังก์ยุค 70
มันเกี่ยวข้องโดยตรงกับแฟชั่นรอยสักและการเปลือยกายที่ปรากฏในขณะนั้น
ภาพชีวิตถูกสร้างขึ้นตรงหน้า
ผู้ชมบันทึกไว้ในวิดีโอแล้วออกอากาศในแกลเลอรี บรูซ
Naumann วาดภาพโถปัสสาวะของ Duchamp ในแกลเลอรี ดูเอ็ท กิลเบิร์ต และ
จอร์จเป็นประติมากรรมที่มีชีวิต พวกเขาแสดงให้เห็นถึงประเภทของคนอังกฤษทั่วไป
ดู: ตัวอย่างเช่นบนเว็บไซต์ของศิลปิน Orlan orlan.eu
11. สตาคิส สมาคมศิลปะจิตรกรรมอุปมาอุปไมยแห่งอังกฤษ ตรงข้ามกับนักมโนทัศน์
นิทรรศการครั้งแรกจัดขึ้นที่ลอนดอนในปี 2550
เป็นการประท้วงต่อต้านเทต ตามรุ่นหนึ่งพวกเขาประท้วงใน
การเชื่อมโยงกับการซื้อโดยแกลเลอรีผลงานของศิลปินโดยไม่ผ่านกฎหมาย เสียงรบกวน
ดึงความสนใจไปที่คนซ้อนในสื่อ ขณะนี้ในโลกมี
กว่า 120 ศิลปิน คำขวัญของพวกเขาคือ: ศิลปินที่ไม่วาดไม่ใช่ศิลปิน
บิลลี่ ไชลด์ดิช. สุดขอบป่า”
คำว่า stackism ถูกเสนอโดย Thomson
ศิลปิน Tracey Emin ตะโกนใส่ Billy แฟนหนุ่มของเธอ
หน่อมแน้ม: ภาพวาดของคุณติดอยู่ ติดอยู่ ติดอยู่! (ภาษาอังกฤษติด!
ติดอยู่! ซ้อนกัน!)
ดู:
บนเว็บไซต์ stackist stickism.com
ผลงานของ Charlie Thomson และ Billy Childish ที่ Tate Gallery (ลอนดอน สหราชอาณาจักร)
12. นีโอพลาสติค
ศิลปะนามธรรม การตัดกันของเส้นตั้งฉาก 3 สี
นักอุดมการณ์ของทิศทางคือ Dutchman Pete
มอนเดรียน. เขาถือว่าโลกเป็นภาพลวงตาดังนั้นงานของศิลปินคือการทำให้กระจ่าง
จิตรกรรมจากรูปแบบทางความรู้สึก (เป็นรูปเป็นร่าง) ในนามของสุนทรียศาสตร์
(นามธรรม) รูปแบบ
ศิลปินแนะนำให้ทำเช่นนี้
รัดกุมที่สุดด้วยความช่วยเหลือของ 3 สี - น้ำเงิน, แดงและ
สีเหลือง. พวกเขาเติมเต็มสถานที่ระหว่างเส้นตั้งฉาก
ปีต มอนเดรียน. แดง เหลือง น้ำเงิน และดำ
นีโอพลาสติกยังคงเป็นแรงบันดาลใจให้กับนักออกแบบ สถาปนิก และศิลปินกราฟิกเชิงอุตสาหกรรม
ดู:
ผลงานของ Piet Mondrian และ Theo Vanna Doesburg ที่พิพิธภัณฑ์เทศบาลกรุงเฮก
13. สตรีทอาร์ต
ศิลปะที่เมืองนี้เป็นนิทรรศการหรือผืนผ้าใบ
เป้าหมายของศิลปินข้างถนนคือการมีส่วนร่วมกับผู้สัญจรไปมาในบทสนทนาทันทีด้วยความช่วยเหลือจากงานจัดวาง ประติมากรรม โปสเตอร์ หรือลายฉลุของเขา
นี่คือภาพวาดที่คัดสรรโดยศิลปินที่ยังไม่ค่อยมีใครรู้จัก แต่มีพรสวรรค์มาก ผู้ชายทุกคนจากรัสเซียและคนรุ่นราวคราวเดียวกันของเรา ดูอ่านและเพลิดเพลิน
พวกฉันเขียนที่นี่ตลอดเวลาเกี่ยวกับบุคลิกที่มีชื่อเสียงและประสบความสำเร็จ แน่นอนว่ามันจะน่าสนใจกว่าสำหรับฉันที่จะเขียนเกี่ยวกับศิลปินเหล่านั้นที่ยังไม่มีใครรู้ แต่คุณจะทำอะไรได้บ้าง - คุณสามารถเขียนเกี่ยวกับอะไรก็ได้บน VKontakte สาธารณะและคุณสามารถเขียนบนบล็อกได้เฉพาะคนที่เป็น ค้นหาใน Yandex และ Google มิฉะนั้นจะไม่มีใครไปที่นั่นนอกจากคุณ แต่เพื่อการเปลี่ยนแปลงและความสุขฉันจึงตัดสินใจเลือก "ศิลปินร่วมสมัยของรัสเซียที่ไม่ค่อยมีใครรู้จักและภาพวาดของพวกเขา"
- มีอะไรน่าสนใจอีกบ้าง? (ลิงก์ไปยังบทความอื่น ๆ )
- ภาพวาดโดย Marchuk ศิลปินยูเครนร่วมสมัยที่มีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่ง
- คณบดีในตำนานของคณะกราฟิกของ Repinka ที่มีชื่อเสียง
คนเหล่านี้บางคนยังอยู่ในช่วงเริ่มต้นของการเดินทาง และบางคนก็ค่อนข้างเป็นที่ยอมรับและประสบความสำเร็จในการขายผลงานของพวกเขาบน VKontakte หรือในตลาด เช่น งานแสดงงานฝีมือ และเป็นที่รู้จักในวงแคบ แต่พวกเขาทั้งหมดมีสิ่งหนึ่งที่ ทั่วไป - ยังไม่เป็นที่รู้จักของสาธารณชนทั่วไป แต่การไม่รู้จักไม่ได้หมายความว่าไม่มีความสามารถ ดังนั้นฉันคิดว่ามันน่าสนใจสำหรับคุณที่จะดู ฉันตัดสินใจที่จะรวมที่นี่ไม่เพียง แต่คนร่างเท่านั้น แต่ยังรวมถึงประติมากรหลายคนด้วย
ศิลปินรัสเซียร่วมสมัยที่ไม่ค่อยมีใครรู้จักและภาพวาดของพวกเขา นักวาดภาพประกอบและจิตรกร
ศิลปินที่รู้จักกันน้อย สีสันที่เหนือจริงในภาพวาดของ Maria Susarenko
ฉันเรียนรู้เกี่ยวกับศิลปินคนนี้เมื่อไม่นานมานี้และเกือบจะตกหลุมรักภาพวาดของเธอในทันที ส่วนหนึ่งเป็นเพราะเธอใกล้ชิดกับฉันมากด้วยจิตวิญญาณในฐานะศิลปิน ส่วนหนึ่งเป็นเพราะความชื่นชมในเทคโนโลยีและจินตนาการอันวุ่นวาย Maria Susarenko เป็นสาวหวานจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและจบการศึกษาจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่มีชื่อเสียง อ. สตีกลิตซ์. ภาพวาดของ Maria Susarenko เป็นการผสมผสานระหว่าง Art Nouveau และ Surrealism อย่างลงตัว พวกเขาดูสดใสและตกแต่งมาก
รูปภาพของศิลปินที่ไม่ค่อยมีใครรู้จัก ผลงานของ มาเรีย ซูซาเรนโก
รายละเอียดที่น่าทึ่ง!ศิลปินที่รู้จักกันน้อย วันเสาร์ Dasha
บรรทัดฐานนิรันดร์ของ Yuralga คือแมว 
ตลกแปลกๆ นี่คือเข็มกลัดแบบที่ฉันจะใส่
โมอาร์ — https://vk.com/shamancats
ศิลปินร่วมสมัยของรัสเซียที่ไม่ค่อยมีใครรู้จัก ประติมากร
แม้จะไม่มีภาพวาดแต่เป็นของตกแต่งก็มีเสน่ห์ดึงดูดใจจนอดใจไม่ไหว ประติมากรก็เป็นศิลปินเช่นกัน ใช่ ศิลปินสามารถเป็นจิตรกร ศิลปินกราฟิก นักวาดภาพประกอบ หรือประติมากร (กัปตันของคุณชัดเจน) นี่คือเด็กผู้หญิงสองคนที่เครื่องประดับจะไม่ทำให้René Lalique อับอาย
ศิลปินที่รู้จักกันน้อย Grimoire ของไก่ดำ
ในการประชุมเชิงปฏิบัติการ "Grimoire La poule noire" ซึ่งแปลว่า "Grimoire of the black hen" (กัปตันของคุณชัดเจน) Lera Prokopets เป็นผู้รับผิดชอบ Lera เป็นประติมากรจิ๋วและเป็นผู้หญิงที่งดงาม เธอทำงานกับดินโพลิเมอร์และหินเป็นหลัก Lera สร้างเครื่องประดับที่น่าทึ่งในสไตล์ที่ฉันเรียกว่าโกธิคอาร์ตนูโว ช่างเป็นแม่มดเล็กน้อยมืด แต่สวยงาม ถึงกระนั้นก็เป็น "คัมภีร์ของไก่ดำ"
ศิลปินที่รู้จักกันน้อย เครื่องประดับอาร์ตนูโวดั้งเดิม ภาพจากการประชุมเชิงปฏิบัติการ "Grimoire of the Black Hen"
Hekate เทพีแห่งราตรีของกรีก 
มอร์ฟีน บาง:) 
ปีศาจหรือแวมไพร์ที่แลบลิ้นคือหนึ่งในลวดลายโปรดของ Lera ศิลปะของจิตรกรรมสมัยใหม่คือผลงานที่สร้างขึ้นในปัจจุบันหรือในอดีตที่ผ่านมา เวลาผ่านไปหลายปี ภาพวาดเหล่านี้จะกลายเป็นส่วนหนึ่งของประวัติศาสตร์ ภาพวาดที่สร้างขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 60 ของศตวรรษที่ผ่านมาจนถึงปัจจุบันสะท้อนให้เห็นถึงศิลปะร่วมสมัยหลายแขนงที่สามารถจำแนกได้ว่าเป็นลัทธิหลังสมัยใหม่ ในสมัยของอาร์ตนูโว ผลงานของจิตรกรมีการนำเสนออย่างกว้างขวางมากขึ้น และในยุค 70 ของศตวรรษที่ 20 มีการเปลี่ยนแปลงในแนวสังคมของศิลปะการวาดภาพ
ศิลปะที่แท้จริง
ศิลปินจิตรกรรมสมัยใหม่เป็นตัวแทนของแนวโน้มใหม่ ๆ ในงานศิลปะ ในคำศัพท์ทางวัฒนธรรม มีแนวคิดของ "ศิลปะร่วมสมัย" ซึ่งค่อนข้างเกี่ยวข้องกับแนวคิดของ "จิตรกรรมร่วมสมัย" โดยศิลปะร่วมสมัย ศิลปินส่วนใหญ่มักจะหมายถึงนวัตกรรม เมื่อจิตรกรหันไปหาหัวข้อที่ทันสมัยเป็นพิเศษ โดยไม่คำนึงถึงทิศทางของพวกเขา รูปภาพสามารถวาดและแสดงถึงองค์กรอุตสาหกรรมใดก็ได้ หรือบนผืนผ้าใบมีภูมิทัศน์ที่มีทุ่งข้าวสาลี, ทุ่งหญ้า, ป่า แต่ในเวลาเดียวกันการรวมกันจะถูกวาดในระยะไกล รูปแบบของการวาดภาพสมัยใหม่แสดงถึงการวางแนวทางสังคมของภาพ ในเวลาเดียวกัน ภูมิทัศน์ของศิลปินร่วมสมัยที่ไม่มีการเน้นย้ำทางสังคมนั้นมีมูลค่าสูงกว่ามาก
ทางเลือกของทิศทาง
ตั้งแต่ปลายทศวรรษที่ 1990 ศิลปินร่วมสมัยได้ละทิ้งรูปแบบการผลิตและถ่ายโอนงานของพวกเขาไปสู่กระแสหลักของงานวิจิตรศิลป์บริสุทธิ์ มีปรมาจารย์ด้านการถ่ายภาพบุคคล ฉากทิวทัศน์ หุ่นนิ่งในสไตล์การวาดภาพแบบเฟลมิช และค่อยๆ ในการวาดภาพสมัยใหม่ ศิลปะของแท้เริ่มปรากฏขึ้น โดยไม่ได้ด้อยไปกว่าภาพวาดที่สร้างโดยศิลปินที่โดดเด่นในศตวรรษที่ 18 และ 19 และในบางแง่ก็เหนือกว่าพวกเขาด้วยซ้ำ ผู้เชี่ยวชาญด้านพู่กันในปัจจุบันได้รับความช่วยเหลือจากฐานทางเทคนิคที่พัฒนาขึ้น ซึ่งมีเครื่องมือใหม่ๆ มากมายที่ช่วยให้พวกเขาสามารถสะท้อนแผนการของตนบนผืนผ้าใบได้อย่างเต็มที่ จึงทำให้ศิลปินจิตรกรรมร่วมสมัยสามารถสร้างสรรค์ผลงานได้อย่างสุดความสามารถ แน่นอนว่าคุณภาพของสีหรือพู่กันมีความสำคัญในกระบวนการวาดภาพ แต่สิ่งสำคัญคือพรสวรรค์
การแสดงออกทางนามธรรม
ศิลปินสมัยใหม่ใช้วิธีการวาดภาพที่อนุญาตให้ใช้จังหวะที่ไม่ใช่รูปทรงเรขาคณิตบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่เป็นจำนวนมาก แปรงขนาดใหญ่บางครั้งใช้แปรงทาสี ภาพวาดดังกล่าวแทบจะเรียกได้ว่าเป็นศิลปะในความหมายแบบคลาสสิกของคำนี้ อย่างไรก็ตาม สิ่งที่เป็นนามธรรมคือความต่อเนื่องของสถิตยศาสตร์ ซึ่งปรากฏขึ้นในปี 1920 ด้วยแนวคิดของ Andre Breton และพบผู้ติดตามจำนวนมากในทันที เช่น Salvator Dali, Hans ฮอฟมันน์, อดอล์ฟ กอตต์ลีบ. ในขณะเดียวกัน ศิลปินร่วมสมัยก็เข้าใจการแสดงออกในแบบของตนเอง วันนี้ประเภทนี้แตกต่างจากรุ่นก่อนในขนาดของภาพวาดซึ่งสามารถยาวได้ถึงสามเมตร
ป๊อปอาร์ต
การถ่วงดุลกับแนวคิดแบบนามธรรมคือแนวความคิดแนวใหม่ที่ส่งเสริมคุณค่าทางสุนทรียะ ศิลปินสมัยใหม่ได้เริ่มรวมภาพของบุคคลที่มีชื่อเสียง เช่น เหมา เจ๋อตุง หรือ มาริลีน มอนโร ไว้ในภาพวาดของพวกเขา ศิลปะนี้เรียกว่า "ป๊อปอาร์ต" - เป็นที่นิยมและเป็นที่รู้จักโดยทั่วไปในการวาดภาพ วัฒนธรรมมวลชนเข้ามาแทนที่ลัทธินามธรรมและก่อให้เกิดสุนทรียภาพแบบพิเศษ ซึ่งนำเสนอต่อสาธารณะด้วยวิธีการที่มีสีสันและน่าตื่นตาตื่นใจซึ่งเป็นสิ่งที่ทุกคนสัมผัสได้ เหตุการณ์ล่าสุดบางเหตุการณ์หรือภาพบุคคลที่มีชื่อเสียงในสถานการณ์ชีวิตที่แตกต่างกัน
ผู้ก่อตั้งและสาวกของศิลปะป๊อปคือ Andy Warhol, Tom Wesselman, Peter Blake, Roy Lichtenstein
โฟโต้เรียลลิสม์
ศิลปะสมัยใหม่มีหลายแง่มุมซึ่งมักจะมีทิศทางใหม่ปรากฏขึ้นโดยผสมผสานงานวิจิตรศิลป์สองประเภทขึ้นไป Photorealism กลายเป็นรูปแบบหนึ่งของการแสดงออกของศิลปิน แนวทางการวาดภาพนี้ปรากฏในสหรัฐอเมริกาในปี พ.ศ. 2511 มันถูกคิดค้นโดยศิลปินแนวหน้า Louis Meisel และแนวเพลงดังกล่าวได้รับการแนะนำในอีกสองปีต่อมาที่พิพิธภัณฑ์ Whitney ระหว่างนิทรรศการ Twenty-Two Realists
การวาดภาพในรูปแบบของโฟโต้เรียลลิสม์เกี่ยวข้องกับการถ่ายภาพ การเคลื่อนไหวของวัตถุดูเหมือนจะถูกแช่แข็งในเวลา ศิลปิน photorealist รวบรวมภาพของเขาซึ่งจะถูกจับในภาพด้วยความช่วยเหลือของภาพถ่าย จากฟิล์มเนกาทีฟหรือสไลด์ รูปภาพจะถูกถ่ายโอนไปยังผืนผ้าใบโดยการฉายภาพหรือใช้ตารางมาตราส่วน จากนั้นภาพที่สมบูรณ์จะถูกสร้างขึ้นโดยใช้เทคโนโลยีการวาดภาพ
ความรุ่งเรืองของโฟโต้เรียลลิสม์เกิดขึ้นในช่วงกลางทศวรรษที่ 70 จากนั้นความนิยมก็ลดลง และในช่วงต้นทศวรรษที่ 90 ประเภทนี้ก็ได้รับการฟื้นฟูอีกครั้ง ศิลปินที่เคารพนับถือส่วนใหญ่ทำงานในสหรัฐอเมริกา ในหมู่พวกเขามีช่างแกะสลักหลายคนที่สร้างผลงานโดยใช้การฉายภาพ ปรมาจารย์ด้านการวาดภาพที่มีชื่อเสียงที่สุดจากภาพเสมือนจริง ได้แก่ Richard Estes, Charles Bellet, Thomas Blackwell, Robert Demekis, Donald Eddy, Duane Hanson
ศิลปินช่างภาพรุ่นใหม่ - Raffaella Spence, Roberto Bernardi, Chiara Albertoni, Tony Brunelli, Olivier Romano, Bertrand Meniel, Clive Head
ศิลปินสมัยใหม่ของรัสเซีย
- Serge Fedulov (เกิด พ.ศ. 2501) ชาว Nevinnomyssk ดินแดน Stavropol เข้าร่วมในนิทรรศการหลายแห่งในละตินอเมริกาและยุโรป ภาพวาดของเขาโดดเด่นด้วยความสมจริงและการผสมสีที่ตัดกัน
- Mikhail Golubev (เกิดปี 1981) จบการศึกษาจากชั้นเรียนศิลปะของ Omsk School of Painting ปัจจุบันอาศัยอยู่ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เขาโดดเด่นด้วยความคิดสร้างสรรค์ที่ไม่ธรรมดาผลงานทั้งหมดของเขาเป็นภาพวาดสะท้อนที่มีนัยทางปรัชญาลึกล้ำ
- Dmitry Annenkov (b. 1965) ในมอสโกว จบการศึกษาจากสถาบันศิลปะ Stroganov เป็นที่นิยมในต่างประเทศ แต่ชอบนิทรรศการของรัสเซีย ศิลปะของ Annenkov นั้นสมจริงศิลปินเป็นปรมาจารย์ด้านหุ่นนิ่งที่ได้รับการยอมรับ
อิมเพรสชันนิสต์รัสเซีย
- Alexei Chernigin จิตรกรอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวรัสเซีย (เกิดปี 1975) เป็นบุตรชายของ Alexander Chernigin จิตรกรชื่อดัง เรียนการวาดภาพและการออกแบบกราฟิกที่โรงเรียนศิลปะใน Nizhny Novgorod จบการศึกษาจาก Nizhny Novgorod Architectural Institute ด้วยปริญญาด้านการออกแบบในอุตสาหกรรม สมาชิกสหภาพศิลปินแห่งรัสเซียตั้งแต่ปี 2541 ตั้งแต่ปี 2544 เขาเป็นอาจารย์ที่ NGASU ที่ภาควิชาการออกแบบภายใน
- Konstantin Lupanov ศิลปิน Krasnodar (เกิด พ.ศ. 2520) จบการศึกษาจาก Industrial Academy ที่ State University of Culture and Arts ด้วยปริญญาด้านการวาดภาพอนุสาวรีย์ ผู้เข้าร่วมนิทรรศการศิลปะมากมายในและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก โดดเด่นด้วยภาพวาดสีน้ำมันลายเส้นหมุนวนที่หายาก ภาพวาดของ Lupanov ปราศจากการผสมสีที่ตัดกันโดยสิ้นเชิง ภาพดูเหมือนไหลเข้าหากัน ตัวศิลปินเองเรียกผลงานของเขาว่า "แต้มสีที่ร่าเริงและขาดความรับผิดชอบ" แต่คำกล่าวนี้มีส่วนของการโอ้อวด: ภาพวาดนั้นเขียนขึ้นอย่างมืออาชีพจริงๆ
ศิลปินชาวรัสเซียวาดภาพเปลือย
- Sergei Marshennikov (เกิดปี 1971) หนึ่งในศิลปินรัสเซียร่วมสมัยที่มีชื่อเสียงที่สุด จบการศึกษาจาก Ufa College of Arts ภาพวาดของเขาเป็นตัวอย่างของความสมจริงที่ชัดเจน ผลงานสร้างความประทับใจให้กับภาพถ่ายเชิงศิลปะ การจัดองค์ประกอบภาพนั้นแม่นยำมาก และทุกเส้นสายผ่านการตรวจสอบแล้ว Natalya ภรรยาของจิตรกรมักทำหน้าที่เป็นนางแบบซึ่งช่วยเขาในการสร้างภาพที่กระตุ้นความรู้สึก
- Vera Vasilievna Donskaya-Khilko (เกิดปี 1964) หลานสาวของ Lavrenty Dmitrievich Donskoy นักร้องโอเปร่าชื่อดัง ตัวแทนที่สว่างที่สุดของภาพวาดรัสเซียสมัยใหม่ วาดในสไตล์ของตัวแบบนู้ด ในจานสีที่สร้างสรรค์ของศิลปิน คุณจะพบความงามจากฮาเร็มตะวันออกและสาวในหมู่บ้านที่เปลือยเปล่าบนฝั่งแม่น้ำในคืนวันหยุด Ivan Kupala โรงอาบน้ำรัสเซียที่มีผู้หญิงร้อนแรงออกไปเล่นหิมะและว่ายน้ำในหลุม ศิลปินวาดมากและด้วยความสามารถ
ศิลปินรัสเซียร่วมสมัยและผลงานของพวกเขากำลังเป็นที่สนใจของผู้ที่ชื่นชอบงานศิลปะทั่วโลก
จิตรกรรมสมัยใหม่เป็นศิลปะโลก
ปัจจุบัน ทัศนศิลป์มีรูปแบบที่แตกต่างจากรูปแบบที่เป็นที่ต้องการในศตวรรษที่ 18 และ 19 ศิลปินสมัยใหม่ของโลกหันไปใช้แนวหน้าในการตีความที่แคบลง ผืนผ้าใบได้รับความซับซ้อนและมีความหมายมากขึ้น สังคมในปัจจุบันต้องการศิลปะที่ปรับปรุงใหม่ ความต้องการนี้ขยายไปถึงความคิดสร้างสรรค์ทุกประเภท รวมทั้งการวาดภาพด้วย ภาพวาดของศิลปินร่วมสมัยหากทำขึ้นในระดับสูงเพียงพอ จะถูกซื้อจนหมด กลายเป็นประเด็นของการต่อรองหรือการแลกเปลี่ยน ผืนผ้าใบบางส่วนรวมอยู่ในรายการงานศิลปะที่มีค่าโดยเฉพาะ ภาพวาดจากอดีตที่วาดโดยจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ยังคงเป็นที่ต้องการ แต่ศิลปินร่วมสมัยกำลังได้รับความนิยมมากขึ้นเรื่อยๆ สีน้ำมัน สีอุบาทว์ สีน้ำ และสีอื่นๆ ช่วยให้พวกเขามีความคิดสร้างสรรค์และประสบความสำเร็จตามแผนงาน ตามกฎแล้วจิตรกรปฏิบัติตามสไตล์ใดสไตล์หนึ่ง อาจเป็นทิวทัศน์ ภาพบุคคล ฉากต่อสู้ หรือแนวอื่นก็ได้ ดังนั้นสำหรับงานของเขาศิลปินจึงเลือกสีบางประเภท
ศิลปินร่วมสมัยของโลก
ศิลปินสมัยใหม่ที่มีชื่อเสียงที่สุดมีลักษณะการเขียนที่แตกต่างกัน พู่กันของพวกเขาเป็นที่จดจำ บางครั้งคุณไม่จำเป็นต้องดูลายเซ็นที่ด้านล่างของผืนผ้าใบด้วยซ้ำ ปรมาจารย์ด้านจิตรกรรมสมัยใหม่ที่มีชื่อเสียง - Perlstein Philip, Alexander Isachev, Francis Bacon, Stanislav Plutenko, Peter Blake, Freud Lucien, Michael Parkes, Guy Johnson, Eric Fischl, Nikolai Blokhin, Vasily Shulzhenko
เป็นเรื่องปกติที่จะเรียกศิลปะร่วมสมัยทุกประเภทของการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่พัฒนาขึ้นในปลายศตวรรษที่ 20 ในช่วงหลังสงครามมันเป็นทางออกที่สอนให้ผู้คนฝันและคิดค้นความเป็นจริงใหม่ของชีวิตอีกครั้ง
เบื่อกับพันธนาการของกฎที่เข้มงวดในอดีต ศิลปินหนุ่มตัดสินใจทำลายบรรทัดฐานทางศิลปะแบบเก่า พวกเขาพยายามสร้างแนวปฏิบัติใหม่ที่ไม่เคยรู้จักมาก่อน พวกเขาหันไปหาวิธีการใหม่ในการเปิดเผยเรื่องราวของพวกเขา ศิลปินและแนวคิดเบื้องหลังการสร้างสรรค์ของเขามีความสำคัญมากกว่าผลลัพธ์ของกิจกรรมสร้างสรรค์ ความปรารถนาที่จะย้ายออกจากกรอบที่สร้างขึ้นนำไปสู่การเกิดขึ้นของประเภทใหม่
ความขัดแย้งเริ่มเกิดขึ้นในหมู่ศิลปินเกี่ยวกับความหมายของศิลปะและวิธีการแสดงออก ศิลปะคืออะไร? งานศิลปะที่แท้จริงสามารถบรรลุผลได้โดยวิธีใด? นักมโนทัศน์และนักลัทธิมินิมัลลิสต์พบคำตอบสำหรับตัวเองในวลีที่ว่า "หากศิลปะสามารถเป็นได้ทุกสิ่ง สำหรับพวกเขา การละทิ้งวิธีการมองเห็นตามปกติทำให้เกิดการกระทำ เหตุการณ์ และการแสดงต่างๆ อะไรคือลักษณะเฉพาะของศิลปะร่วมสมัยในศตวรรษที่ 21? นี่คือสิ่งที่เราจะพูดถึงในบทความ
กราฟิกสามมิติในศิลปะของศตวรรษที่ 21
ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 21 ในรูปแบบกราฟิก 3 มิติมีชื่อเสียง ด้วยการพัฒนาของเทคโนโลยีคอมพิวเตอร์ ศิลปินจึงสามารถเข้าถึงวิธีการใหม่ๆ ในการสร้างสรรค์งานศิลปะของตนได้ สาระสำคัญของกราฟิกสามมิติคือการสร้างภาพโดยการสร้างแบบจำลองวัตถุในพื้นที่สามมิติ หากเราพิจารณารูปแบบศิลปะสมัยใหม่ส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 21 การสร้างภาพสามมิติจะเป็นแบบดั้งเดิมที่สุด กราฟิก 3 มิติมีหลายด้านตามความหมายที่แท้จริง ใช้สำหรับสร้างโปรแกรม เกม รูปภาพ และวิดีโอบนคอมพิวเตอร์ แต่ยังสามารถมองเห็นได้ใต้ฝ่าเท้าของคุณ - บนทางเท้า
กราฟิกสามมิติเริ่มเคลื่อนไหวตามท้องถนนเมื่อหลายสิบปีที่แล้ว และตั้งแต่นั้นเป็นต้นมาก็ยังคงเป็นหนึ่งในรูปแบบที่สำคัญที่สุดของสตรีทอาร์ต ศิลปินหลายคนวาดภาพสามมิติบน "ภาพ" ของพวกเขาที่สามารถทำให้ประหลาดใจได้ด้วยความสมจริง ปัจจุบัน Edgar Müller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner และศิลปินร่วมสมัยคนอื่นๆ ได้สร้างงานศิลปะที่สามารถสร้างความประหลาดใจให้กับทุกคนได้
สตรีทอาร์ตแห่งศตวรรษที่ 21
เดิมเป็นอาชีพของผู้มีอันจะกิน เป็นเวลาหลายศตวรรษที่มันถูกซ่อนไว้โดยกำแพงของสถาบันพิเศษซึ่งปิดไม่ให้เข้าถึงผู้ที่ไม่ได้ฝึกหัด เห็นได้ชัดว่าพละกำลังที่ยิ่งใหญ่ของเขาไม่สามารถอ่อนล้าได้ตลอดไปภายในอาคารที่อับทึบ ตอนนั้นเองที่มันออกไป - สู่ถนนสีเทาที่มืดมน เลือกที่จะเปลี่ยนประวัติศาสตร์ของคุณไปตลอดกาล แม้ว่าในตอนแรกมันจะไม่ง่ายนัก
ไม่ใช่ทุกคนที่มีความสุขกับการเกิดของเขา หลายคนคิดว่ามันเป็นผลมาจากประสบการณ์ที่ไม่ดี บางคนถึงกับปฏิเสธที่จะสนใจการมีอยู่ของมัน ในขณะเดียวกันผลิตผลก็เติบโตและพัฒนาอย่างต่อเนื่อง
ศิลปินข้างถนนต้องเผชิญกับความยากลำบากตลอดเส้นทาง ด้วยรูปแบบที่หลากหลาย บางครั้งศิลปะบนท้องถนนก็ยากที่จะแยกความแตกต่างจากการทำลายล้าง
ทุกอย่างเริ่มต้นในทศวรรษที่ 70 ของศตวรรษที่ผ่านมาในนิวยอร์ก ในเวลานี้ ศิลปะข้างถนนยังอยู่ในช่วงเริ่มต้น และ Julio 204 และ Taki 183 ก็ช่วยชีวิตเขาไว้ได้ พวกเขาทิ้งจารึกไว้ในที่ต่างๆ ในพื้นที่ของตน หลังจากขยายอาณาเขตการแจกจ่าย ผู้ชายคนอื่นตัดสินใจที่จะแข่งขันกับพวกเขา จากนั้นสิ่งที่น่าสนใจที่สุดก็เริ่มขึ้น ความกระตือรือร้นและความปรารถนาที่จะแสดงออกส่งผลให้เกิดการต่อสู้ของความคิดสร้างสรรค์ ทุกคนกระตือรือร้นที่จะค้นพบวิธีสร้างชื่อเสียงให้กับตัวเองและคนอื่นๆ
ในปี 1981 ศิลปะข้างถนนสามารถข้ามมหาสมุทรได้ ในการนี้เขาได้รับความช่วยเหลือจากศิลปินข้างถนนจากฝรั่งเศส BlekleRat เขาถือเป็นหนึ่งในศิลปินกราฟฟิตีคนแรกในปารีส เขาเรียกอีกอย่างว่าบิดาแห่งกราฟฟิตีลายฉลุ สัมผัสที่เป็นเอกลักษณ์ของเขาคือภาพวาดของหนู ซึ่งหมายถึงชื่อของผู้สร้างพวกมัน ผู้เขียนสังเกตเห็นว่าหลังจากจัดเรียงตัวอักษรในคำว่าหนู (หนู) แล้วจะได้ศิลปะ (ศิลปะ) Blek เคยกล่าวไว้ว่า: "หนูเป็นสัตว์อิสระชนิดเดียวในปารีสที่ไปได้ทุกหนทุกแห่ง เหมือนกับงานศิลปะข้างถนน"
ศิลปินข้างถนนที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Banksy ซึ่งเรียก BlekleRat ว่าครูหลักของเขา งานเฉพาะของชาวอังกฤษที่มีพรสวรรค์นี้สามารถปิดปากทุกคนได้ ในภาพวาดของเขาที่สร้างขึ้นโดยใช้สเตนซิล เขาประณามสังคมสมัยใหม่ด้วยความชั่วร้าย Banksy มีแนวโน้มที่จะเป็นแบบดั้งเดิม ช่วยให้คุณสร้างความประทับใจให้กับผู้ชมได้มากขึ้น ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจคือจนถึงขณะนี้ตัวตนของ Banksy นั้นถูกปกคลุมไปด้วยความลึกลับ ยังไม่มีใครสามารถไขปริศนาบุคลิกภาพของศิลปินได้
ในขณะเดียวกัน สตรีทอาร์ตก็กำลังได้รับความนิยมอย่างรวดเร็ว เมื่อตกอยู่ภายใต้กระแสเพียงเล็กน้อย ศิลปะข้างถนนก็ก้าวเข้าสู่ขั้นตอนของการประมูล ผลงานของศิลปินถูกขายในราคามหาศาลโดยผู้ที่เคยปฏิเสธที่จะพูดถึงเขา อะไรคือพลังแห่งชีวิตของศิลปะหรือกระแสหลัก?
แบบฟอร์ม
จนถึงปัจจุบันมีการแสดงศิลปะร่วมสมัยที่น่าสนใจหลายอย่าง ภาพรวมของรูปแบบศิลปะร่วมสมัยที่แปลกตาที่สุด จะแจ้งให้คุณทราบด้านล่าง
สำเร็จรูป
คำว่า readymade มาจากภาษาอังกฤษซึ่งแปลว่า "พร้อม" ในความเป็นจริงเป้าหมายของทิศทางนี้ไม่ใช่การสร้างวัตถุใด ๆ แนวคิดหลักที่นี่คือขึ้นอยู่กับสภาพแวดล้อมของวัตถุ การรับรู้ของบุคคลและวัตถุนั้นเปลี่ยนแปลงไป บรรพบุรุษของปัจจุบันคือ Marcel Duchamp ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ "น้ำพุ" ซึ่งเป็นโถปัสสาวะพร้อมลายเซ็นต์และวันที่
แอนามอร์โฟส
Anamorphoses เรียกว่าเทคนิคการสร้างภาพในลักษณะที่สามารถมองเห็นได้อย่างเต็มที่จากมุมที่แน่นอนเท่านั้น หนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของเทรนด์นี้คือ Bernard Pras ชาวฝรั่งเศส เขาสร้างสถานที่ปฏิบัติงานนอกชายฝั่งโดยใช้ทุกสิ่งที่หาได้ ด้วยทักษะของเขา เขาสามารถสร้างสรรค์ผลงานที่น่าทึ่งได้ อย่างไรก็ตาม สามารถมองเห็นได้จากบางมุมเท่านั้น
ของเหลวชีวภาพในงานศิลปะ
หนึ่งในกระแสที่เป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุดในศิลปะสมัยใหม่ในศตวรรษที่ 21 คือการวาดภาพ ระบายสีด้วยของเหลวของมนุษย์ บ่อยครั้งที่ผู้ติดตามศิลปะสมัยใหม่นี้ใช้เลือดและปัสสาวะ สีของภาพวาดในกรณีนี้มักจะดูมืดมนและน่ากลัว ตัวอย่างเช่น Herman Nitsch ใช้เลือดและปัสสาวะของสัตว์ ผู้เขียนอธิบายการใช้วัสดุที่ไม่คาดคิดดังกล่าวในวัยเด็กที่ยากลำบากที่เกิดขึ้นในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง
ภาพวาดของศตวรรษที่ XX-XXI
ประวัติโดยย่อของการวาดภาพมีข้อมูลว่าปลายศตวรรษที่ 20 กลายเป็นจุดเริ่มต้นสำหรับศิลปินลัทธิหลายคนในยุคของเรา ในช่วงหลังสงครามที่ยากลำบาก ทรงกลมประสบกับการเกิดใหม่อีกครั้ง ศิลปินพยายามที่จะค้นพบแง่มุมใหม่ของความสามารถของพวกเขา
อำนาจสูงสุด
Kazimir Malevich ถือเป็นผู้สร้าง Suprematism ในฐานะนักทฤษฎีหลัก เขาประกาศว่าลัทธิอำนาจนิยมสูงสุดเป็นวิธีชำระศิลปะให้บริสุทธิ์จากทุกสิ่งที่ไม่จำเป็น ปฏิเสธวิธีการถ่ายทอดภาพตามปกติ ศิลปินพยายามปลดปล่อยศิลปะจากสิ่งที่ไม่ใช่ศิลปะ งานที่สำคัญที่สุดในประเภทนี้คือ "Black Square" ที่มีชื่อเสียงของ Malevich
ป๊อปอาร์ต
ศิลปะป๊อปมีต้นกำเนิดในสหรัฐอเมริกา ในช่วงหลังสงครามสังคมได้ประสบกับการเปลี่ยนแปลงของโลก ผู้คนสามารถซื้อได้มากขึ้น การบริโภคกลายเป็นส่วนสำคัญของชีวิต ผู้คนเริ่มสร้างลัทธิและสินค้าอุปโภคบริโภคกลายเป็นสัญลักษณ์ Jasper Johns, Andy Warhol และสาวกคนอื่น ๆ ในปัจจุบันพยายามที่จะใช้สัญลักษณ์เหล่านี้ในภาพวาดของพวกเขา
อนาคต
ลัทธิแห่งอนาคตถูกค้นพบในปี 1910 แนวคิดหลักของเทรนด์นี้คือความปรารถนาที่จะทำลายกรอบของอดีต ศิลปินพรรณนาความปรารถนานี้ด้วยความช่วยเหลือของเทคนิคพิเศษ จังหวะที่คมชัด การไหลเข้า การเชื่อมต่อ และทางแยกเป็นสัญญาณของอนาคต ตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุดของลัทธิแห่งอนาคตคือ Marinetti, Severini, Carra
ศิลปะร่วมสมัยในรัสเซียในศตวรรษที่ 21
ศิลปะร่วมสมัยในรัสเซีย (ศตวรรษที่ 21) ได้หลั่งไหลมาจากใต้ดินอย่างราบรื่น ศิลปะ "ไม่เป็นทางการ" ของสหภาพโซเวียต ศิลปินรุ่นเยาว์ในยุค 90 กำลังมองหาวิธีใหม่ๆ ในการบรรลุความทะเยอทะยานทางศิลปะในประเทศใหม่ ในเวลานี้เกิดลัทธินิยมมอสโก ผู้ติดตามของเขาท้าทายอดีตและอุดมการณ์ การทำลายพรมแดน (ในความหมายที่แท้จริงและโดยนัยของคำ) ทำให้สามารถอธิบายทัศนคติของคนรุ่นใหม่ต่อสถานการณ์ในประเทศได้ ศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 ได้แสดงออกอย่างน่ากลัวและน่าตกใจ ที่สังคมปิดมานาน การกระทำของ Anatoly Osmolovsky ("Mayakovsky - Osmolovsky", "Against All", "Barricade on Bolshaya Nikitskaya"), ขบวนการ "ETI" ("ETI-text"), Oleg Kulik ("Piglet แจกจ่ายของขวัญ", "Mad Dog หรือ ข้อห้ามสุดท้ายที่ปกป้องโดยเซอร์เบอรัสผู้เดียวดาย") อัฟดี เทอร์-โอแกนยัน ("ป๊อปอาร์ต") ได้เปลี่ยนแปลงประวัติศาสตร์ของศิลปะร่วมสมัยไปตลอดกาล
รุ่นใหม่
Slava ATGM เป็นศิลปินร่วมสมัยจาก Yekaterinburg งานบางชิ้นของเขาอาจทำให้นึกถึงงานของ Banksy อย่างไรก็ตาม ผลงานของ Slava มีแนวคิดและความรู้สึกที่คุ้นเคยกับพลเมืองรัสเซียเท่านั้น ผลงานที่โดดเด่นที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาคือแคมเปญ "Land of Opportunities" ศิลปินสร้างคำจารึกที่ทำจากไม้ค้ำบนอาคารโรงพยาบาลร้างใน Yekaterinburg สลาวาซื้อไม้ค้ำจากชาวเมืองซึ่งเคยใช้มัน ศิลปินประกาศการกระทำบนหน้าของเขาบนโซเชียลเน็ตเวิร์กเสริมด้วยการอุทธรณ์ต่อพลเมือง
พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่
บางที ครั้งหนึ่ง ทัศนศิลป์ร่วมสมัยในศตวรรษที่ 21 ดูเหมือนจะเป็นสภาพแวดล้อมที่ชายขอบ แต่ทุกวันนี้ผู้คนจำนวนมากขึ้นพยายามที่จะเข้าร่วมศิลปะแขนงใหม่ พิพิธภัณฑ์จำนวนมากขึ้นเรื่อย ๆ กำลังเปิดประตูสู่วิธีการแสดงออกแบบใหม่ นิวยอร์กถือเป็นบันทึกศิลปะร่วมสมัย นอกจากนี้ยังมีพิพิธภัณฑ์สองแห่งที่ดีที่สุดในโลกอีกด้วย
ที่แรกคือ MoMA ซึ่งเป็นที่เก็บภาพวาดของ Matisse, Dali, Warhol ประการที่สองคือ พิพิธภัณฑ์ สถาปัตยกรรมที่แปลกตาของอาคารนั้นอยู่ติดกับการสร้างสรรค์ของ Picasso, Marc Chagall, Kandinsky และอื่น ๆ อีกมากมาย
ยุโรปยังมีชื่อเสียงในด้านพิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยอันงดงามแห่งศตวรรษที่ 21 พิพิธภัณฑ์ KIASMA ในเฮลซิงกิอนุญาตให้คุณสัมผัสวัตถุของนิทรรศการ ศูนย์กลางในเมืองหลวงของฝรั่งเศสสร้างความประทับใจด้วยสถาปัตยกรรมและผลงานของศิลปินร่วมสมัยที่แปลกตา Stedelijkmuseum ในอัมสเตอร์ดัมเป็นที่เก็บคอลเล็กชั่นภาพวาดที่ใหญ่ที่สุดของ Malevich ในเมืองหลวงของบริเตนใหญ่มีวัตถุศิลปะสมัยใหม่จำนวนมาก พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่เวียนนามีผลงานของ Andy Warhol และศิลปินร่วมสมัยที่มีพรสวรรค์คนอื่นๆ
ศิลปะสมัยใหม่แห่งศตวรรษที่ 21 (จิตรกรรม) - ลึกลับ เข้าใจยาก น่าหลงใหล ได้เปลี่ยนเวกเตอร์ของการพัฒนาไปตลอดกาล ไม่เพียง แต่ในขอบเขตที่แยกจากกันเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชีวิตทั้งมวลของมนุษยชาติด้วย สะท้อนและสร้างความทันสมัยในเวลาเดียวกัน ศิลปะแห่งความทันสมัยที่เปลี่ยนแปลงตลอดเวลาช่วยให้คนที่รีบร้อนหยุดชั่วขณะ หยุดเพื่อจดจำความรู้สึกลึก ๆ ภายใน หยุดเพื่อเร่งฝีเท้าอีกครั้งและพุ่งเข้าสู่วังวนแห่งเหตุการณ์และเรื่องราวต่างๆ
"ผู้เล่นการ์ด"
ผู้เขียน
พอล เซซานน์
ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1839–1906
สไตล์ โพสต์อิมเพรสชั่นนิสม์
ศิลปินเกิดทางตอนใต้ของฝรั่งเศสในเมืองเล็ก ๆ ของ Aix-en-Provence แต่เริ่มวาดภาพในปารีส ความสำเร็จที่แท้จริงมาหาเขาหลังจากนิทรรศการเดี่ยวที่จัดโดยนักสะสม Ambroise Vollard ในปี 1886 20 ปีก่อนที่เขาจะจากไป เขาย้ายไปอยู่ที่ชานเมืองบ้านเกิดของเขา ศิลปินหนุ่มเรียกการเดินทางของเขาว่า "แสวงบุญสู่ Aix"
130x97ซม
พ.ศ. 2438
ราคา
250 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2012
ในการประมูลส่วนตัว
งานของ Cezanne นั้นเข้าใจง่าย กฎข้อเดียวของศิลปินคือการถ่ายโอนเรื่องหรือโครงเรื่องไปยังผืนผ้าใบโดยตรงดังนั้นภาพวาดของเขาจะไม่ทำให้ผู้ชมสับสน Cezanne ผสมผสานประเพณีฝรั่งเศสหลักสองประการในงานศิลปะของเขา: ความคลาสสิกและแนวโรแมนติก ด้วยความช่วยเหลือของพื้นผิวที่มีสีสัน เขาทำให้รูปร่างของวัตถุมีความเป็นพลาสติกที่น่าทึ่ง
ภาพวาด "Card Players" ห้าชุดเขียนขึ้นในปี พ.ศ. 2433-2438 เนื้อเรื่องของพวกเขาเหมือนกัน - หลายคนเล่นโป๊กเกอร์อย่างกระตือรือร้น ผลงานแตกต่างกันในจำนวนผู้เล่นและขนาดของผืนผ้าใบเท่านั้น
ภาพวาดสี่ภาพถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ในยุโรปและอเมริกา (Musée d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation และ Courtauld Institute of Art) และภาพที่ห้า จนกระทั่งเมื่อไม่นานมานี้ เป็นของสะสมส่วนตัวของ George Embirikos มหาเศรษฐีชาวกรีก เจ้าของเรือ ก่อนที่เขาจะเสียชีวิตไม่นานในฤดูหนาวปี 2554 เขาตัดสินใจขายมัน ผู้ซื้อที่เป็นไปได้สำหรับผลงาน "ฟรี" ของ Cezanne คือ William Aquavella ตัวแทนจำหน่ายงานศิลปะและ Larry Gagosian เจ้าของแกลเลอรีชื่อดังระดับโลกซึ่งเสนอราคาประมาณ 220 ล้านดอลลาร์ เป็นผลให้ภาพวาดไปที่ราชวงศ์ของรัฐอาหรับกาตาร์ในราคา 250 ล้าน ข้อตกลงศิลปะที่ใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพถูกปิดในเดือนกุมภาพันธ์ 2555 สิ่งนี้ถูกรายงานไปยัง Vanity Fair โดยนักข่าว Alexandra Pierce เธอทราบราคาของภาพวาดและชื่อของเจ้าของใหม่ จากนั้นข้อมูลก็แพร่สะพัดไปยังสื่อต่างๆ ทั่วโลก
ในปี 2010 พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่อาหรับและพิพิธภัณฑ์แห่งชาติกาตาร์เปิดทำการในกาตาร์ ตอนนี้คอลเลกชันของพวกเขากำลังเติบโต บางที Sheik รุ่นที่ห้าอาจได้มาโดย Sheik เพื่อจุดประสงค์นี้
ที่สุดภาพราคาแพงในโลก
เจ้าของ
ชีค ฮาหมัด
บิน คาลิฟา อัล-ธานี
ราชวงศ์อัล-ธานีปกครองกาตาร์มานานกว่า 130 ปี ประมาณครึ่งศตวรรษที่แล้ว มีการค้นพบน้ำมันและก๊าซสำรองจำนวนมหาศาลที่นี่ ซึ่งทำให้กาตาร์เป็นหนึ่งในภูมิภาคที่ร่ำรวยที่สุดในโลกในทันที ด้วยการส่งออกไฮโดรคาร์บอน ประเทศเล็กๆ แห่งนี้จึงบันทึก GDP ต่อหัวได้มากที่สุด Sheikh Hamad bin Khalifa al-Thani ยึดอำนาจในปี 1995 ขณะที่บิดาของเขาอยู่ในสวิตเซอร์แลนด์ โดยได้รับการสนับสนุนจากสมาชิกในครอบครัว ผู้เชี่ยวชาญกล่าวว่าข้อดีของผู้ปกครองคนปัจจุบันอยู่ในยุทธศาสตร์ที่ชัดเจนสำหรับการพัฒนาประเทศสร้างภาพลักษณ์ที่ประสบความสำเร็จของรัฐ ขณะนี้กาตาร์มีรัฐธรรมนูญและนายกรัฐมนตรี และผู้หญิงได้รับสิทธิในการเลือกตั้งรัฐสภา ยังไงก็ตาม Emir of Qatar เป็นผู้ก่อตั้งช่องข่าว Al Jazeera เจ้าหน้าที่ของรัฐอาหรับให้ความสำคัญกับวัฒนธรรม
2
"หมายเลข 5"
ผู้เขียน
แจ็คสัน พอลล็อค
ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1912–1956
สไตล์ การแสดงออกทางนามธรรม
Jack the Sprinkler - ชาวอเมริกันได้รับชื่อเล่นดังกล่าวจาก Pollock สำหรับเทคนิคการวาดภาพพิเศษของเขา ศิลปินละทิ้งพู่กันและขาตั้ง แล้วเทสีลงบนพื้นผิวของผืนผ้าใบหรือแผ่นใยไม้อัดในระหว่างการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องรอบๆ และด้านใน ตั้งแต่อายุยังน้อย เขาชอบปรัชญาของจิดดู กฤษณมูรติ ข้อความหลักคือความจริงถูกเปิดเผยระหว่างการ "หลั่งไหล" อย่างเสรี
122x244ซม
2491
ราคา
140 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูล โซเธบีส์
คุณค่าของงานของ Pollock ไม่ได้อยู่ที่ผลลัพธ์ แต่อยู่ที่กระบวนการ ผู้เขียนไม่ได้เรียกงานศิลปะของเขาว่า ด้วยมือที่เบาของเขา มันกลายเป็นสินทรัพย์หลักของอเมริกา Jackson Pollock ผสมสีกับทราย เศษแก้ว และเขียนด้วยกระดาษแข็ง มีดจานสี มีด พลั่ว ศิลปินได้รับความนิยมอย่างมากในปี 1950 มีผู้ลอกเลียนแบบในสหภาพโซเวียต ภาพวาด "หมายเลข 5" ได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในภาพที่แปลกประหลาดและแพงที่สุดในโลก David Geffen หนึ่งในผู้ก่อตั้ง DreamWorks ซื้อมันเพื่อเป็นของสะสมส่วนตัว และในปี 2549 ขายมันที่ Sotheby`s ในราคา 140 ล้านดอลลาร์ให้กับ David Martinez นักสะสมชาวเม็กซิกัน อย่างไรก็ตาม ในไม่ช้าสำนักงานกฎหมายได้ออกแถลงข่าวในนามของลูกค้า โดยระบุว่า David Martinez ไม่ใช่เจ้าของภาพวาด มีเพียงสิ่งเดียวที่ทราบแน่ชัด: นักการเงินชาวเม็กซิกันเพิ่งรวบรวมผลงานศิลปะร่วมสมัย ไม่น่าเป็นไปได้ที่เขาจะพลาด "ปลาตัวใหญ่" เช่น "หมายเลข 5" ของ Pollock
3
"ผู้หญิงคนที่สาม"
ผู้เขียน
วิลเลม เดอ คูนนิ่ง
ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1904–1997
สไตล์ การแสดงออกทางนามธรรม
เป็นชาวเนเธอร์แลนด์ เขาอพยพไปสหรัฐอเมริกาในปี พ.ศ. 2469 ในปี 1948 มีการจัดนิทรรศการส่วนตัวของศิลปิน นักวิจารณ์ศิลปะชื่นชมองค์ประกอบภาพขาวดำที่ซับซ้อนและประหม่าโดยยอมรับว่าเป็นศิลปินสมัยใหม่ผู้ยิ่งใหญ่ ตลอดชีวิตของเขาเขาต้องทนทุกข์ทรมานจากโรคพิษสุราเรื้อรัง แต่ความสุขของการสร้างงานศิลปะใหม่นั้นสัมผัสได้ในทุกผลงาน De Kooning โดดเด่นด้วยความหุนหันพลันแล่นของการวาดภาพ จังหวะกว้าง ซึ่งเป็นสาเหตุที่บางครั้งภาพไม่พอดีกับขอบเขตของผืนผ้าใบ
121x171 ซม
พ.ศ. 2496
ราคา
137 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูลส่วนตัว
ในปี 1950 ผู้หญิงที่มีดวงตาว่างเปล่า หน้าอกโต และหน้าตาอัปลักษณ์ปรากฏในภาพวาดของ de Kooning "Woman III" เป็นงานสุดท้ายจากซีรีส์นี้ที่เข้าร่วมการประมูล
ตั้งแต่ปี 1970 ภาพวาดถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่เตหะราน แต่หลังจากมีการนำกฎทางศีลธรรมที่เข้มงวดมาใช้ในประเทศพวกเขาก็พยายามกำจัดมัน ในปี 1994 ผลงานดังกล่าวถูกนำออกจากอิหร่าน และ 12 ปีต่อมา David Geffen เจ้าของผลงาน (ผู้ผลิตคนเดียวกับที่ขาย "Number 5" ของ Jackson Pollock) ได้ขายภาพวาดนี้ให้กับเศรษฐี Stephen Cohen ในราคา 137.5 ล้านเหรียญ เป็นที่น่าสนใจว่าในหนึ่งปี Geffen เริ่มขายภาพวาดของเขา สิ่งนี้ทำให้เกิดข่าวลือมากมาย ตัวอย่างเช่น ผู้ผลิตตัดสินใจซื้อ Los Angeles Times
ที่หนึ่งในฟอรัมศิลปะมีการแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับความคล้ายคลึงกันของ "Woman III" กับภาพวาด "Lady with an Ermine" ของ Leonardo da Vinci เบื้องหลังรอยยิ้มฟันเหยินและร่างไร้รูปร่างของนางเอก นักเลงภาพวาดมองเห็นความสง่างามของบุคคลที่มีเชื้อสายราชวงศ์ นี่เป็นหลักฐานจากมงกุฎที่มีร่องรอยไม่ดีซึ่งสวมมงกุฎศีรษะของผู้หญิง
4
"ภาพเหมือนของ Adeleโบลช-บาวเออร์ I"
ผู้เขียน
กุสตาฟ คลิมท์
ประเทศ ออสเตรีย
ปีแห่งชีวิต 1862–1918
สไตล์ ทันสมัย
Gustav Klimt เกิดในครอบครัวช่างแกะสลักและเป็นลูกคนที่สองในจำนวนเจ็ดคน ลูกชายสามคนของ Ernest Klimt กลายเป็นศิลปินและมีเพียงกุสตาฟเท่านั้นที่โด่งดังไปทั่วโลก เขาใช้ชีวิตในวัยเด็กส่วนใหญ่ด้วยความยากจน หลังจากพ่อเสียชีวิต เขาต้องรับผิดชอบครอบครัวทั้งหมด ในเวลานี้ Klimt ได้พัฒนาสไตล์ของเขา ก่อนที่ภาพวาดของเขาผู้ชมทุกคนจะหยุด: ภายใต้ลายเส้นสีทองบาง ๆ จะเห็นความเร้าอารมณ์อย่างชัดเจน
138x136 ซม
พ.ศ. 2450
ราคา
135 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูล โซเธบีส์
ชะตากรรมของภาพวาดซึ่งเรียกว่า "Austrian Mona Lisa" อาจกลายเป็นพื้นฐานสำหรับหนังสือขายดีได้อย่างง่ายดาย ผลงานของศิลปินกลายเป็นสาเหตุของความขัดแย้งทั้งรัฐและผู้หญิงสูงอายุคนหนึ่ง
ดังนั้น "ภาพเหมือนของ Adele Bloch-Bauer I" จึงแสดงถึงขุนนางซึ่งเป็นภรรยาของ Ferdinand Bloch เจตจำนงสุดท้ายของเธอคือการถ่ายโอนภาพวาดไปยังหอศิลป์แห่งรัฐออสเตรีย อย่างไรก็ตาม Bloch ยกเลิกการบริจาคในพินัยกรรมของเขา และพวกนาซีก็เวนคืนภาพวาด ต่อมาแกลเลอรีแทบจะไม่ซื้อ Golden Adele แต่แล้วทายาทหญิงก็ปรากฏตัวขึ้น - Maria Altman หลานสาวของ Ferdinand Bloch
ในปี 2548 การพิจารณาคดีที่มีชื่อเสียง "Maria Altman กับสาธารณรัฐออสเตรีย" เริ่มขึ้นซึ่งเป็นผลมาจากภาพที่ "ทิ้ง" ไว้กับเธอที่ลอสแองเจลิส ออสเตรียใช้มาตรการที่ไม่เคยมีมาก่อน: มีการเจรจาเงินกู้, ประชากรบริจาคเงินเพื่อซื้อภาพเหมือน ความดีไม่เคยเอาชนะความชั่ว: Altman ขึ้นราคาเป็น 300 ล้านเหรียญ ในช่วงเวลาของการพิจารณาคดี เธออายุ 79 ปี และเธอลงไปในประวัติศาสตร์ในฐานะบุคคลที่เปลี่ยนเจตจำนงของ Bloch-Bauer เพื่อประโยชน์ส่วนตน ภาพวาดนี้ซื้อโดย Ronald Lauder เจ้าของ New Gallery ในนิวยอร์ก ซึ่งยังคงอยู่จนถึงทุกวันนี้ ไม่ใช่สำหรับออสเตรีย สำหรับเขา Altman ลดราคาเหลือ 135 ล้านดอลลาร์
5
"กรีดร้อง"
ผู้เขียน
เอ็ดวาร์ด มุงค์
ประเทศ นอร์เวย์
ปีแห่งชีวิต 1863–1944
สไตล์ การแสดงออก
ภาพวาดชิ้นแรกของ Munch ซึ่งโด่งดังไปทั่วโลก "The Sick Girl" (มีอยู่ 5 ชุด) อุทิศให้กับน้องสาวของศิลปินที่เสียชีวิตด้วยวัณโรคเมื่ออายุ 15 ปี Munch สนใจธีมของความตายและความเหงามาโดยตลอด ในเยอรมนี ภาพวาดที่หนักหน่วงและคลั่งไคล้ของเขายังก่อให้เกิดเรื่องอื้อฉาว อย่างไรก็ตาม แม้จะมีเนื้อเรื่องที่น่าหดหู่ แต่ภาพวาดของเขาก็มีเสน่ห์ดึงดูดใจเป็นพิเศษ ใช้เวลาอย่างน้อย "กรี๊ด"
73.5x91ซม
พ.ศ. 2438
ราคา
119.992 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายใน 2555
ในการประมูล โซเธบีส์
ชื่อเต็มของภาพคือ Der Schrei der Natur (แปลจากภาษาเยอรมันว่า "เสียงร้องของธรรมชาติ") ใบหน้าของบุคคลหรือมนุษย์ต่างดาวแสดงออกถึงความสิ้นหวังและความตื่นตระหนก - ผู้ชมจะได้สัมผัสกับอารมณ์เดียวกันเมื่อดูภาพ หนึ่งในผลงานสำคัญของลัทธิแสดงออกเตือนถึงประเด็นสำคัญที่เกิดขึ้นในศิลปะของศตวรรษที่ 20 ตามรุ่นหนึ่งศิลปินสร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลของความผิดปกติทางจิตซึ่งเขาต้องทนทุกข์ทรมานมาตลอดชีวิต
ภาพวาดถูกขโมยไป 2 ครั้งจากพิพิธภัณฑ์ต่างๆ แต่ได้คืนมา ได้รับความเสียหายเล็กน้อยหลังจากการโจรกรรม The Scream ได้รับการบูรณะและพร้อมที่จะแสดงอีกครั้งที่ Munch Museum ในปี 2008 สำหรับตัวแทนของวัฒนธรรมป๊อปงานนี้กลายเป็นแหล่งของแรงบันดาลใจ: Andy Warhol สร้างชุดภาพพิมพ์และหน้ากากจากภาพยนตร์เรื่อง "Scream" ถูกสร้างขึ้นในภาพลักษณ์และอุปมาอุปไมยของฮีโร่ของภาพ
สำหรับโครงเรื่องหนึ่ง Munch เขียนงานสี่เวอร์ชัน: เวอร์ชันในคอลเลกชันส่วนตัวทำด้วยสีพาสเทล มหาเศรษฐีชาวนอร์เวย์ Petter Olsen ประมูลเมื่อวันที่ 2 พฤษภาคม 2555 ผู้ซื้อคือลีออน แบล็ก ซึ่งไม่ได้บันทึกจำนวนเงินเป็นประวัติการณ์สำหรับ "Scream" ผู้ก่อตั้ง Apollo Advisors, L.P. และไลอ้อนที่ปรึกษา หจก. เป็นที่รู้จักจากความรักในงานศิลปะ แบล็คเป็นผู้อุปถัมภ์วิทยาลัยดาร์ตมัธ พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ ศูนย์ศิลปะลินคอล์น และพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน มีคอลเลกชันที่ใหญ่ที่สุดของภาพวาดโดยศิลปินร่วมสมัยและปรมาจารย์คลาสสิกในศตวรรษที่ผ่านมา
6
"เปลือยกับพื้นหลังของหน้าอกและใบไม้สีเขียว"
ผู้เขียน
ปาโบล ปีกัสโซ
ประเทศ สเปน, ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1881–1973
สไตล์ ลัทธิลูกบาศก์
โดยกำเนิดเขาเป็นชาวสเปน แต่ด้วยจิตวิญญาณและที่อยู่อาศัยเขาเป็นชาวฝรั่งเศสตัวจริง ปิกัสโซเปิดสตูดิโอศิลปะของตัวเองในบาร์เซโลนาเมื่ออายุเพียง 16 ปี จากนั้นเขาไปปารีสและใช้ชีวิตส่วนใหญ่ที่นั่น นั่นคือเหตุผลที่มีความเครียดสองครั้งในนามสกุลของเขา สไตล์ที่ Picasso คิดค้นขึ้นนั้นขึ้นอยู่กับการปฏิเสธความคิดเห็นที่ว่าวัตถุที่ปรากฎบนผืนผ้าใบสามารถดูได้จากมุมเดียวเท่านั้น
130x162ซม
2475
ราคา
106.482 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2010
ในการประมูล คริสตี้
ในระหว่างที่เขาทำงานในกรุงโรม ศิลปินได้พบกับนักเต้น Olga Khhlova ซึ่งในไม่ช้าก็กลายเป็นภรรยาของเขา เขายุติความฟุ้งซ่านย้ายไปอยู่กับเธอที่อพาร์ตเมนต์หรูหรา เมื่อถึงเวลานั้น การยอมรับได้พบฮีโร่ แต่การแต่งงานถูกทำลาย หนึ่งในภาพวาดที่แพงที่สุดในโลกถูกสร้างขึ้นโดยบังเอิญ - ด้วยความรักอันยิ่งใหญ่ซึ่งเช่นเดียวกับ Picasso ที่มีอายุสั้น ในปีพ. ศ. 2470 เขาเริ่มสนใจ Marie-Therese Walter รุ่นเยาว์ (เธออายุ 17 ปีเขาอายุ 45 ปี) เขาทิ้งภรรยาของเขาไว้อย่างลับๆ และไปอยู่กับนายหญิงในเมืองใกล้ปารีส ที่ซึ่งเขาวาดภาพเหมือนของพระนางมารี-เทเรซีในรูปของแดฟนี ภาพวาดนี้ซื้อโดย Paul Rosenberg ตัวแทนจำหน่ายในนิวยอร์ก และขายให้กับ Sidney F. Brody ในปี 1951 Brodys แสดงภาพวาดให้โลกเห็นเพียงครั้งเดียว และเพียงเพราะศิลปินอายุ 80 ปี หลังจากสามีเสียชีวิต นางโบรดี้ได้นำผลงานไปประมูลที่ Christie's ในเดือนมีนาคม 2010 ในหกทศวรรษราคาได้เพิ่มขึ้นมากกว่า 5,000 เท่า! นักสะสมที่ไม่รู้จักซื้อมันในราคา 106.5 ล้านเหรียญ ในปี พ.ศ. 2554 มีการจัด "นิทรรศการภาพวาดหนึ่งภาพ" ในอังกฤษ ซึ่งเป็นครั้งที่ 2 แต่ยังไม่ทราบชื่อของเจ้าของ
7
"แปดเอลวิส"
ผู้เขียน
แอนดี้ วอร์โฮล
ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1928-1987
สไตล์
ป็อปอาร์ต
“เซ็กส์และปาร์ตี้เป็นสถานที่เดียวที่คุณต้องปรากฏตัวต่อหน้า” Andy Warhol ศิลปินลัทธิป๊อป ผู้กำกับ และหนึ่งในผู้ก่อตั้งนิตยสาร Interview กล่าว เขาทำงานร่วมกับ Vogue และ Harper's Bazaar ออกแบบปกแผ่นเสียง และออกแบบรองเท้าให้กับ I.Miller ในปี 1960 มีภาพวาดที่แสดงสัญลักษณ์ของอเมริกา: ซุปของแคมป์เบลและโคคา-โคลา, เพรสลีย์และมอนโร - ซึ่งทำให้เขากลายเป็นตำนาน
358x208ซม
พ.ศ. 2506
ราคา
100 ล้านเหรียญ
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูลส่วนตัว
ยุค 60 ของ Warhol - ยุคที่เรียกว่าป๊อปอาร์ตในอเมริกา ในปี 1962 เขาทำงานในแมนฮัตตันที่ Factory Studio ซึ่งเป็นแหล่งรวมโบฮีเมียนในนิวยอร์ก ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุด: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote และบุคคลที่มีชื่อเสียงอื่นๆ ในโลก ในเวลาเดียวกัน Warhol ลองใช้เทคนิคการพิมพ์ซิลค์สกรีน - ทำซ้ำหลายภาพในหนึ่งภาพ เขายังใช้วิธีนี้ในการสร้าง "Eight Elvises": ผู้ชมดูเหมือนจะเห็นเฟรมจากภาพยนตร์ที่ดารามีชีวิตขึ้นมา ทุกสิ่งที่ศิลปินรักมากอยู่ที่นี่: ภาพสาธารณะแบบ win-win สีเงินและลางสังหรณ์แห่งความตายเป็นข้อความหลัก
ปัจจุบันมีผู้ค้างานศิลปะสองคนที่ส่งเสริมงานของ Warhol ในตลาดโลก ได้แก่ Larry Gagosian และ Alberto Mugrabi ครั้งแรกในปี 2551 ใช้เงิน 200 ล้านดอลลาร์เพื่อซื้อผลงาน Warhol มากกว่า 15 ชิ้น คนที่สองซื้อและขายภาพวาดของเขาเช่นการ์ดคริสต์มาส แต่มีราคาแพงกว่าเท่านั้น แต่ไม่ใช่พวกเขา แต่เป็น Philippe Segalo ที่ปรึกษาด้านศิลปะชาวฝรั่งเศสผู้ถ่อมตนซึ่งช่วยให้ Annibale Berlinghieri นักเลงศิลปะชาวโรมันขาย Eight Elvises ให้กับผู้ซื้อที่ไม่รู้จักด้วยมูลค่า 100 ล้านดอลลาร์ของ Warhol
8
"ส้ม,เหลืองแดง”
ผู้เขียน
มาร์ค รอธโก
ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1903–1970
สไตล์ การแสดงออกทางนามธรรม
หนึ่งในผู้สร้างภาพวาดสนามสีเกิดที่เมือง Dvinsk ประเทศรัสเซีย (ปัจจุบันคือเมือง Daugavpils ประเทศลัตเวีย) ในครอบครัวใหญ่ของเภสัชกรชาวยิว ในปี 1911 พวกเขาอพยพไปยังสหรัฐอเมริกา Rothko เรียนที่แผนกศิลปะของ Yale University ได้รับทุนการศึกษา แต่ความรู้สึกต่อต้านกลุ่มเซมิติกทำให้เขาต้องออกจากการศึกษา แม้จะมีทุกสิ่ง แต่นักวิจารณ์ศิลปะก็ยกย่องศิลปินและพิพิธภัณฑ์ก็ไล่ตามเขามาตลอดชีวิต
206x236 ซม
พ.ศ. 2504
ราคา
86.882 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2012
ในการประมูล คริสตี้
การทดลองทางศิลปะครั้งแรกของ Rothko เป็นแนวเซอร์เรียลลิสม์ แต่เมื่อเวลาผ่านไป เขาก็ทำให้โครงเรื่องเป็นจุดสีง่ายขึ้น ในตอนแรกพวกเขาใช้สีสว่าง และในปี 1960 พวกเขาเต็มไปด้วยสีน้ำตาล สีม่วง และหนาขึ้นจนเป็นสีดำในช่วงเวลาที่ศิลปินเสียชีวิต Mark Rothko เตือนว่าอย่ามองหาความหมายใด ๆ ในภาพเขียนของเขา ผู้เขียนต้องการพูดอย่างที่เขาพูด: เฉพาะสีที่ละลายในอากาศเท่านั้นและไม่มีอะไรเพิ่มเติม เขาแนะนำให้ดูผลงานจากระยะ 45 ซม. เพื่อให้ผู้ชม "ลาก" เข้าไปในสีเหมือนเข้าไปในช่องทาง ข้อควรระวัง: การดูตามกฎทั้งหมดสามารถนำไปสู่ผลของการทำสมาธินั่นคือการรับรู้ถึงอินฟินิตี้จะค่อยๆมาถึงการแช่ตัวอย่างสมบูรณ์การผ่อนคลายการทำให้บริสุทธิ์ สีในภาพวาดของเขามีชีวิต หายใจ และมีผลกระทบทางอารมณ์อย่างมาก ศิลปินกล่าวว่า: "ผู้ชมควรร้องไห้เมื่อมองดูพวกเขา" - และมีกรณีเช่นนี้จริงๆ ตามทฤษฎีของ Rothko ในขณะนี้ผู้คนมีประสบการณ์ทางจิตวิญญาณแบบเดียวกับที่เขามีในกระบวนการทำงานกับภาพ หากคุณสามารถเข้าใจมันได้ในระดับที่ละเอียดอ่อนอย่าแปลกใจที่งานแนวนามธรรมเหล่านี้มักถูกเปรียบเทียบโดยนักวิจารณ์ด้วยไอคอน
ผลงาน "Orange, Red, Yellow" แสดงออกถึงแก่นแท้ของภาพวาดของ Mark Rothko ราคาเริ่มต้นในการประมูลของ Christie ในนิวยอร์กคือ 35-45 ล้านดอลลาร์ ผู้ซื้อที่ไม่รู้จักเสนอราคาสองเท่าของประมาณการ ชื่อของเจ้าของภาพวาดที่มีความสุขมักไม่ได้รับการเปิดเผย
9
"อันมีค่า"
ผู้เขียน
ฟรานซิส เบคอน
ประเทศ
บริเตนใหญ่
ปีแห่งชีวิต 1909–1992
สไตล์ การแสดงออก
การผจญภัยของฟรานซิส เบคอน บุคคลชื่อเต็มและยิ่งกว่านั้น ผู้สืบเชื้อสายอันห่างไกลของนักปรัชญาผู้ยิ่งใหญ่ เริ่มต้นขึ้นเมื่อพ่อของเขาปฏิเสธเขา โดยไม่สามารถยอมรับพฤติกรรมรักร่วมเพศของลูกชายได้ เบคอนไปที่เบอร์ลินก่อน จากนั้นไปปารีส จากนั้นร่องรอยของเขาก็สับสนไปทั่วยุโรป แม้ในช่วงชีวิตของเขา ผลงานของเขาก็ยังถูกจัดแสดงในศูนย์วัฒนธรรมชั้นนำของโลก รวมถึงพิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์และหอศิลป์ Tretyakov
147.5x198 ซม. (แต่ละอัน)
2519
ราคา
86.2 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล โซเธบีส์
พิพิธภัณฑ์อันทรงเกียรติพยายามที่จะครอบครองภาพวาดโดยเบคอน แต่ประชาชนชาวอังกฤษชั้นนำไม่รีบร้อนที่จะแยกออกจากงานศิลปะดังกล่าว Margaret Thatcher นายกรัฐมนตรีในตำนานของอังกฤษกล่าวถึงเขาว่า "ชายผู้วาดภาพอันน่าสยดสยองเหล่านี้"
ช่วงเวลาเริ่มต้นในการทำงานศิลปินเองถือเป็นช่วงหลังสงคราม เมื่อกลับจากการให้บริการเขาได้วาดภาพและสร้างผลงานชิ้นเอกอีกครั้ง ก่อนที่จะเข้าร่วมการประมูล "Triptych, 1976" งานที่แพงที่สุดของ Bacon คือ "Study for a Portrait of Pope Innocent X" (52.7 ล้านดอลลาร์) ใน "Triptych, 1976" ศิลปินได้บรรยายถึงแผนการในตำนานของการประหัตประหาร Orestes โดยความโกรธเกรี้ยว แน่นอนว่า Orestes ก็คือเบคอนเอง และความเดือดดาลก็คือความทรมานของเขา เป็นเวลากว่า 30 ปีที่ภาพวาดนี้อยู่ในคอลเลกชันส่วนตัวและไม่ได้เข้าร่วมในนิทรรศการ ข้อเท็จจริงนี้ทำให้มีค่าพิเศษและทำให้ต้นทุนเพิ่มขึ้น แต่นักเลงศิลปะสักสองสามล้านคนและแม้แต่คนใจกว้างในรัสเซียคืออะไร? Roman Abramovich เริ่มสร้างคอลเลกชันของเขาในปี 1990 ซึ่งได้รับอิทธิพลอย่างมากจาก Dasha Zhukova แฟนสาวของเขาซึ่งกลายเป็นเจ้าของแกลเลอรี่ที่ทันสมัยในรัสเซียสมัยใหม่ จากข้อมูลอย่างไม่เป็นทางการ นักธุรกิจรายนี้เป็นเจ้าของผลงานของ Alberto Giacometti และ Pablo Picasso ซึ่งซื้อมาด้วยมูลค่ากว่า 100 ล้านดอลลาร์ ในปี 2551 เขาได้กลายเป็นเจ้าของอันมีค่า อย่างไรก็ตามในปี 2554 เบคอนได้รับผลงานที่มีค่าอีกชิ้นหนึ่ง - "ภาพร่างสามภาพสำหรับภาพเหมือนของ Lucian Freud" แหล่งข่าวที่ซ่อนอยู่กล่าวว่า Roman Arkadievich กลายเป็นผู้ซื้ออีกครั้ง
10
"บ่อน้ำที่มีดอกบัว"
ผู้เขียน
โกลด โมเนต์
ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1840–1926
สไตล์ อิมเพรสชันนิสม์
ศิลปินได้รับการยอมรับว่าเป็นผู้ก่อตั้งลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ซึ่ง "จดสิทธิบัตร" วิธีการนี้ในผืนผ้าใบของเขา งานสำคัญชิ้นแรกคือภาพวาด "Breakfast on the Grass" (ผลงานต้นฉบับของ Edouard Manet) ในวัยหนุ่ม เขาวาดภาพล้อเลียนและลงมือวาดภาพจริงระหว่างการเดินทางไปตามชายฝั่งและในที่โล่ง ในปารีสเขาใช้ชีวิตแบบโบฮีเมียนและไม่ทิ้งมันไปแม้จะรับใช้กองทัพแล้วก็ตาม
210x100ซม
1919
ราคา
80.5 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล คริสตี้
นอกจากข้อเท็จจริงที่ว่าโมเนต์เป็นศิลปินที่ยิ่งใหญ่แล้ว เขายังกระตือรือร้นในการทำสวน ชื่นชอบสัตว์ป่าและดอกไม้อีกด้วย ในภูมิประเทศของเขา สภาวะของธรรมชาติจะเกิดขึ้นชั่วขณะ วัตถุต่างๆ ดูเหมือนจะเบลอจากการเคลื่อนที่ของอากาศ ความประทับใจได้รับการปรับปรุงด้วยลายเส้นขนาดใหญ่จากระยะหนึ่งพวกมันจะมองไม่เห็นและรวมเข้ากับภาพสามมิติที่มีพื้นผิว ในภาพวาดของ Monet ตอนปลาย สถานที่พิเศษถูกครอบครองโดยธีมของน้ำและชีวิตในนั้น ในเมือง Giverny ศิลปินมีบ่อน้ำของตัวเอง ซึ่งเขาปลูกดอกบัวจากเมล็ดที่เขานำมาจากญี่ปุ่นโดยเฉพาะ เมื่อดอกไม้บาน เขาก็เริ่มวาดภาพ ชุด Water Lilies ประกอบด้วยผลงาน 60 ชิ้นที่ศิลปินใช้เวลาเกือบ 30 ปีจนกระทั่งเสียชีวิต สายตาของเขาเสื่อมลงตามอายุ แต่เขาก็ไม่หยุด มุมมองของสระน้ำเปลี่ยนแปลงตลอดเวลา ทั้งนี้ขึ้นอยู่กับลม ฤดูกาล และสภาพอากาศ และโมเนต์ต้องการจับภาพการเปลี่ยนแปลงเหล่านี้ ด้วยการทำงานอย่างรอบคอบ เขาจึงเข้าใจแก่นแท้ของธรรมชาติ ภาพวาดบางส่วนของซีรีส์นี้ถูกเก็บไว้ในหอศิลป์ชั้นนำของโลก: พิพิธภัณฑ์ศิลปะตะวันตกแห่งชาติ (โตเกียว), Orangerie (ปารีส) รุ่นต่อไปของ "บ่อน้ำที่มีดอกบัว" ไปอยู่ในมือของผู้ซื้อที่ไม่รู้จักด้วยจำนวนเงินที่บันทึก
11
ดาวเท็จ ที
ผู้เขียน
แจสเปอร์ จอห์นส์
ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีเกิด 1930
สไตล์ ป็อปอาร์ต
ในปี 1949 โจนส์เข้าเรียนที่โรงเรียนออกแบบในนิวยอร์ก ร่วมกับ Jackson Pollock, Willem de Kooning และคนอื่นๆ เขาได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในศิลปินหลักแห่งศตวรรษที่ 20 ในปี 2012 เขาได้รับรางวัล Presidential Medal of Freedom ซึ่งเป็นรางวัลสูงสุดสำหรับพลเรือนในสหรัฐอเมริกา
137.2x170.8ซม
2502
ราคา
80 ล้านเหรียญ
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูลส่วนตัว
เช่นเดียวกับ Marcel Duchamp โจนส์ทำงานกับวัตถุจริง โดยแสดงภาพบนผืนผ้าใบและประติมากรรมตามต้นฉบับทุกประการ สำหรับผลงานของเขา เขาใช้วัตถุที่เรียบง่ายและเข้าใจได้สำหรับทุกคน: ขวดเบียร์ ธง หรือแผนที่ ไม่มีองค์ประกอบที่ชัดเจนในภาพ False Start ดูเหมือนว่าศิลปินจะเล่นกับผู้ชม โดยมักจะ "ไม่ถูกต้อง" เซ็นชื่อสีในภาพ พลิกแนวคิดเรื่องสีกลับหัว: "ฉันต้องการหาวิธีถ่ายทอดสีเพื่อให้คนอื่นสามารถกำหนดได้ วิธี." "ไม่ปลอดภัย" ที่สุดของเขา ตามที่นักวิจารณ์กล่าวว่าภาพวาดได้มาจากผู้ซื้อที่ไม่รู้จัก
12
"นั่งเปลือยบนโซฟา"
ผู้เขียน
อเมเดโอ โมดิเกลียนี่
ประเทศ อิตาลี, ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1884–1920
สไตล์ การแสดงออก
Modigliani มักจะป่วยตั้งแต่เด็ก ในช่วงเพ้อไข้เขาตระหนักถึงชะตากรรมของเขาในฐานะศิลปิน เขาศึกษาการวาดภาพในเมืองลิวอร์โน ฟลอเรนซ์ เวนิส และในปี 1906 เขาเดินทางไปปารีส ซึ่งศิลปะของเขารุ่งเรือง
65x100ซม
พ.ศ. 2460
ราคา
68.962 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2010
ในการประมูล โซเธบีส์
ในปี 1917 Modigliani ได้พบกับ Jeanne Hebuterne วัย 19 ปี ซึ่งกลายมาเป็นนางแบบและต่อมาเป็นภรรยาของเขา ในปี 2547 หนึ่งในภาพวาดของเธอขายได้ในราคา 31.3 ล้านดอลลาร์ ซึ่งเป็นสถิติสุดท้ายก่อนการขาย Seated Nude on a Sofa ในปี 2553 ภาพวาดถูกซื้อโดยผู้ซื้อที่ไม่รู้จักในราคาสูงสุดสำหรับ Modigliani ในขณะนี้ การขายผลงานเริ่มขึ้นหลังจากการเสียชีวิตของศิลปินเท่านั้น เขาเสียชีวิตด้วยความยากจน ทุกข์ทรมานจากวัณโรค และวันต่อมา Jeanne Hebuterne ซึ่งตั้งครรภ์ได้เก้าเดือนก็ฆ่าตัวตายเช่นกัน
13
"นกอินทรีบนต้นสน"
ผู้เขียน
Qi Baishi
ประเทศ จีน
ปีแห่งชีวิต 1864–1957
สไตล์ กัวฮวา
ความสนใจในการประดิษฐ์ตัวอักษรทำให้ Qi Baishi หันมาวาดภาพ ตอนอายุ 28 เขากลายเป็นลูกศิษย์ของศิลปิน Hu Qingyuan กระทรวงวัฒนธรรมของจีนได้มอบรางวัล "ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ของชาวจีน" ให้แก่เขา ในปี 1956 เขาได้รับรางวัลสันติภาพสากล
10x26ซม
2489
ราคา
65.4 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2011
ในการประมูล ไชน่าการ์เดี้ยน
Qi Baishi สนใจในการแสดงออกของโลกโดยรอบซึ่งหลายคนไม่ให้ความสำคัญและนี่คือความยิ่งใหญ่ของเขา ชายผู้ไม่มีการศึกษากลายเป็นศาสตราจารย์และนักสร้างสรรค์ที่โดดเด่นในประวัติศาสตร์ Pablo Picasso พูดถึงเขาว่า: "ฉันกลัวที่จะไปประเทศของคุณเพราะมี Qi Baishi ในประเทศจีน" องค์ประกอบ "Eagle on a Pine Tree" ได้รับการยอมรับว่าเป็นผลงานที่ใหญ่ที่สุดของศิลปิน นอกจากผืนผ้าใบแล้วยังมีการเลื่อนอักษรอียิปต์โบราณสองตัว สำหรับประเทศจีน จำนวนเงินที่ซื้อผลิตภัณฑ์นั้นสูงเป็นประวัติการณ์ - 425.5 ล้านหยวน เฉพาะม้วนกระดาษของ Huang Tingjian นักประดิษฐ์อักษรโบราณเท่านั้นที่ขายได้ 436.8 ล้านดอลลาร์
14
"1949-A-#1"
ผู้เขียน
คลิฟฟอร์ด นิ่ง
ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1904–1980
สไตล์ การแสดงออกทางนามธรรม
เมื่ออายุได้ 20 ปี เขาได้ไปเยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิทันในนิวยอร์กและรู้สึกผิดหวัง ต่อมาเขาสมัครเข้าร่วมหลักสูตรลีกศิลปะของนักเรียน แต่ออกไป 45 นาทีหลังจากเริ่มชั้นเรียน - กลายเป็นว่า "ไม่ใช่ของเขา" นิทรรศการส่วนตัวครั้งแรกทำให้เกิดเสียงสะท้อน ศิลปินค้นพบตัวเองและได้รับการยอมรับ
79x93 ซม
2492
ราคา
61.7 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2011
ในการประมูล โซเธบีส์
ผลงานทั้งหมดของเขาซึ่งมีมากกว่า 800 ผืนผ้าใบและ 1,600 งานบนกระดาษยังคงยกมรดกให้กับเมืองในอเมริกาซึ่งจะเปิดพิพิธภัณฑ์ที่ตั้งชื่อตามเขา เดนเวอร์กลายเป็นเมืองเช่นนี้ แต่มีเพียงค่าก่อสร้างเท่านั้นที่แพงสำหรับทางการ และงานสี่ชิ้นถูกนำไปประมูลเพื่อให้เสร็จสมบูรณ์ ผลงานของภาพนิ่งไม่น่าจะถูกประมูลอีกครั้งซึ่งทำให้ราคาสูงขึ้นล่วงหน้า ภาพวาด "1949-A-No.1" ขายได้เป็นประวัติการณ์สำหรับศิลปินแม้ว่าผู้เชี่ยวชาญคาดการณ์ว่าจะขายได้สูงสุด 25-35 ล้านดอลลาร์
15
"องค์ประกอบของอำนาจสูงสุด"
ผู้เขียน
คาซิเมียร์ มาเลวิช
ประเทศ รัสเซีย
ปีแห่งชีวิต 1878–1935
สไตล์ อำนาจสูงสุด
Malevich เรียนการวาดภาพที่โรงเรียนศิลปะ Kyiv จากนั้นที่ Moscow Academy of Arts ในปีพ.ศ. 2456 เขาเริ่มวาดภาพเรขาคณิตเชิงนามธรรมในรูปแบบที่เขาเรียกว่าลัทธิอำนาจนิยม (Suprematism) (มาจากภาษาละตินว่า “การครอบงำ”)
71x88.5ซม
พ.ศ. 2459
ราคา
60 ล้านเหรียญ
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล โซเธบีส์
ภาพวาดถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์เมืองอัมสเตอร์ดัมเป็นเวลาประมาณ 50 ปี แต่หลังจากการโต้เถียงกับญาติของ Malevich เป็นเวลา 17 ปี พิพิธภัณฑ์ก็มอบมันทิ้งไป ศิลปินวาดภาพนี้ในปีเดียวกับ The Manifesto of Suprematism ดังนั้น Sotheby`s ก่อนที่การประมูลจะประกาศว่าจะไม่เข้าสู่คอลเลกชันส่วนตัวที่มีมูลค่าน้อยกว่า 60 ล้านเหรียญ และมันก็เกิดขึ้น เป็นการดีกว่าที่จะดูจากด้านบน: ตัวเลขบนผืนผ้าใบคล้ายกับมุมมองทางอากาศของโลก อย่างไรก็ตาม เมื่อไม่กี่ปีก่อนหน้านี้ ญาติคนเดียวกันได้เวนคืน "การประพันธ์เพลงของนักประพันธ์สูงสุด" อีกชุดจากพิพิธภัณฑ์ MoMA เพื่อขายที่ Phillips ในราคา 17 ล้านดอลลาร์
16
"อาบน้ำ"
ผู้เขียน
พอล โกแกง
ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1848–1903
สไตล์ โพสต์อิมเพรสชั่นนิสม์
ศิลปินอาศัยอยู่ในเปรูจนกระทั่งอายุเจ็ดขวบจากนั้นกลับไปฝรั่งเศสกับครอบครัวของเขา แต่ความทรงจำในวัยเด็กผลักดันให้เขาเดินทางอย่างต่อเนื่อง ในฝรั่งเศสเขาเริ่มวาดภาพเป็นเพื่อนกับแวนโก๊ะ เขาใช้เวลาหลายเดือนกับเขาใน Arles จนกระทั่ง Van Gogh ตัดหูของเขาระหว่างการทะเลาะกัน
93.4x60.4ซม
พ.ศ. 2445
ราคา
55 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2548
ในการประมูล โซเธบีส์
ในปี พ.ศ. 2434 โกแกงได้จัดการขายภาพวาดของเขาเพื่อนำเงินที่ได้ไปใช้ในเกาะตาฮิติ ที่นั่นเขาสร้างผลงานที่สามารถสัมผัสได้ถึงความเชื่อมโยงระหว่างธรรมชาติกับมนุษย์ Gauguin อาศัยอยู่ในกระท่อมมุงจากและสวรรค์เขตร้อนก็เบ่งบานบนผืนผ้าใบของเขา ภรรยาของเขาคือ Tahitian Tehura วัย 13 ปี ซึ่งไม่ได้ป้องกันศิลปินจากการเข้าไปพัวพันกับความสำส่อน หลังจากป่วยด้วยโรคซิฟิลิส เขาเดินทางไปฝรั่งเศส อย่างไรก็ตาม Gauguin คับแคบที่นั่น และเขากลับไปตาฮิติ ช่วงเวลานี้เรียกว่า "ตาฮีตีที่สอง" - ตอนนั้นภาพวาด "Bathers" ถูกทาสีซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานที่หรูหราที่สุดของเขา
17
"ดอกแดฟโฟดิลและผ้าปูโต๊ะสีฟ้าและชมพู"
ผู้เขียน
อองรี มาติส
ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1869–1954
สไตล์ โฟวิสต์
ในปี 1889 Henri Matisse มีอาการไส้ติ่งอักเสบ เมื่อเขาฟื้นจากการผ่าตัด แม่ของเขาซื้อสีให้เขา ประการแรก Matisse คัดลอกโปสการ์ดสีด้วยความเบื่อหน่ายจากนั้น - ผลงานของจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ที่เขาเห็นในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์และในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 เขาเกิดสไตล์ - ลัทธิหลอกลวง
65.2x81ซม
พ.ศ. 2454
ราคา
46.4 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2552
ในการประมูล คริสตี้
ภาพวาด "ดอกแดฟโฟดิลและผ้าปูโต๊ะสีฟ้าและสีชมพู" เป็นของ Yves Saint Laurent มาช้านาน หลังจากการเสียชีวิตของกูตูริเยร์ ผลงานศิลปะทั้งหมดของเขาก็ส่งต่อไปยังเพื่อนและคนรักของเขา ปิแอร์ แบร์เกอร์ ซึ่งตัดสินใจนำมันออกประมูลที่ Christie's ไข่มุกของคอลเลกชันที่ขายคือภาพวาด "แดฟโฟดิลและผ้าปูโต๊ะสีฟ้าและสีชมพู" ซึ่งวาดบนผ้าปูโต๊ะธรรมดาแทนผ้าใบ ตัวอย่างของ Fauvism นั้นเต็มไปด้วยพลังงานของสี สีต่างๆ ดูเหมือนจะระเบิดและกรีดร้อง จากชุดภาพวาดผ้าปูโต๊ะที่รู้จักกันดี ปัจจุบันผลงานชิ้นนี้เป็นเพียงผลงานเดียวที่อยู่ในคอลเลกชันส่วนตัว
18
"สาวนอน"
ผู้เขียน
รอยลี
ชเตนสไตน์
ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1923–1997
สไตล์ ป็อปอาร์ต
ศิลปินเกิดที่นิวยอร์กและหลังจากจบการศึกษาจากโรงเรียนเขาไปที่โอไฮโอซึ่งเขาได้เข้าเรียนหลักสูตรศิลปะ ในปี พ.ศ. 2492 ลิกเตนสไตน์ได้รับปริญญาศิลปศาสตรมหาบัณฑิต ความสนใจในการ์ตูนและความสามารถในการแดกดันทำให้เขากลายเป็นศิลปินลัทธิแห่งศตวรรษที่ผ่านมา
91x91 ซม
2507
ราคา
44.882 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2012
ในการประมูล โซเธบีส์
ครั้งหนึ่ง หมากฝรั่งตกไปอยู่ในมือของลิกเตนสไตน์ เขาวาดภาพใหม่จากส่วนแทรกบนผืนผ้าใบและมีชื่อเสียง พล็อตนี้จากชีวประวัติของเขามีข้อความทั้งหมดของศิลปะป๊อป: การบริโภคคือพระเจ้าองค์ใหม่ และในกระดาษห่อหมากฝรั่งก็มีความสวยงามไม่น้อยไปกว่าภาพโมนาลิซา ภาพวาดของเขาทำให้นึกถึงการ์ตูนและการ์ตูน: ลิกเตนสไตน์เพียงแค่ขยายภาพที่เสร็จแล้ว วาดแรสเตอร์ ใช้การพิมพ์สกรีนและการพิมพ์ซิลค์สกรีน ภาพวาด "Sleeping Girl" เป็นของนักสะสม Beatrice และ Philip Gersh เป็นเวลาเกือบ 50 ปีซึ่งทายาทขายทอดตลาด
19
"ชัยชนะ. บูกี้ วูกี้"
ผู้เขียน
ปีต มอนเดรียน
ประเทศ เนเธอร์แลนด์
ปีแห่งชีวิต 1872–1944
สไตล์ เนื้องอก
ชื่อจริงของเขา - คอร์เนลิส - ศิลปินเปลี่ยนเป็น Mondrian เมื่อเขาย้ายไปปารีสในปี 2455 ร่วมกับศิลปิน Theo van Doesburg เขาได้ก่อตั้งขบวนการนีโอพลาสติก ภาษาโปรแกรม Piet ตั้งชื่อตาม Mondrian
27x127ซม
2487
ราคา
40 ล้านเหรียญ
ขายแล้ว ในปี 1998
ในการประมูล โซเธบีส์
"ดนตรี" ที่สุดของศิลปินแห่งศตวรรษที่ 20 เลี้ยงชีพด้วยหุ่นนิ่งสีน้ำแม้ว่าเขาจะมีชื่อเสียงในฐานะศิลปินนีโอพลาสติกก็ตาม เขาย้ายไปสหรัฐอเมริกาในปี 1940 และใช้ชีวิตที่เหลืออยู่ที่นั่น แจ๊สและนิวยอร์ก - นั่นคือสิ่งที่สร้างแรงบันดาลใจให้เขามากที่สุด! ภาพวาด "ชัยชนะ Boogie Woogie เป็นตัวอย่างที่ดีที่สุดของเรื่องนี้ สี่เหลี่ยมที่ประณีต "มีตราสินค้า" ได้มาจากการใช้เทปกาวซึ่งเป็นวัสดุโปรดของ Mondrian ในอเมริกาเขาถูกเรียกว่า "ผู้อพยพที่มีชื่อเสียงที่สุด" ในช่วงอายุหกสิบเศษ Yves Saint Laurent ได้ผลิตชุด "Mondrian" ที่มีชื่อเสียงระดับโลกด้วยลายตารางสีขนาดใหญ่
20
"องค์ประกอบหมายเลข 5"
ผู้เขียน
โหระพาคันดินสกี้
ประเทศ รัสเซีย
ปีแห่งชีวิต 1866–1944
สไตล์ เปรี้ยวจี๊ด
ศิลปินเกิดที่มอสโกและพ่อของเขามาจากไซบีเรีย หลังจากการปฏิวัติเขาพยายามร่วมมือกับทางการโซเวียต แต่ในไม่ช้าก็ตระหนักว่ากฎหมายของชนชั้นกรรมาชีพไม่ได้สร้างขึ้นสำหรับเขาและอพยพไปเยอรมนีโดยไม่ยาก
275x190ซม
พ.ศ. 2454
ราคา
40 ล้านเหรียญ
ขายแล้ว ในปี 2550
ในการประมูล โซเธบีส์
Kandinsky เป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกที่ละทิ้งการวาดภาพวัตถุซึ่งเขาได้รับตำแหน่งอัจฉริยะ ในช่วงลัทธินาซีในเยอรมนี ภาพวาดของเขาถูกจัดว่าเป็น "ศิลปะที่เสื่อมทราม" และไม่ได้จัดแสดงที่ไหนเลย ในปี 1939 Kandinsky ได้รับสัญชาติฝรั่งเศสในปารีสเขาเข้าร่วมกระบวนการทางศิลปะอย่างอิสระ ภาพวาดของเขา "ฟังดู" เหมือนเป็นความทรงจำ ซึ่งเป็นสาเหตุที่หลายคนเรียกว่า "องค์ประกอบ" (ครั้งแรกเขียนในปี 1910 และครั้งสุดท้ายในปี 1939) “Composition No. 5” เป็นหนึ่งในผลงานหลักในประเภทนี้ “คำว่า “Composition” ฟังดูเหมือนคำอธิษฐานสำหรับฉัน” ศิลปินกล่าว เขาวางแผนว่าจะวาดภาพอะไรบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่ ซึ่งแตกต่างจากผู้ติดตามหลายคน ราวกับกำลังเขียนบันทึก
21
"การศึกษาของผู้หญิงในชุดสีฟ้า"
ผู้เขียน
เฟอร์นานด์ เลเกอร์
ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1881–1955
สไตล์ ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมหลังอิมเพรสชันนิสม์
Leger ได้รับการศึกษาด้านสถาปัตยกรรม จากนั้นเป็นนักเรียนที่ School of Fine Arts ในปารีส ศิลปินคิดว่าตัวเองเป็นสาวกของ Cezanne เป็นผู้ขอโทษสำหรับลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม และในศตวรรษที่ 20 เขาก็ประสบความสำเร็จในฐานะประติมากรเช่นกัน
96.5x129.5 ซม
พ.ศ. 2455–2456
ราคา
39.2 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล โซเธบีส์
David Normann ประธานของ International Impressionism and Modernism ของ Sotheby เชื่อว่าเงินจำนวนมหาศาลที่จ่ายให้กับ The Lady in Blue นั้นสมเหตุสมผลโดยสิ้นเชิง ภาพวาดนี้เป็นของคอลเลกชัน Leger ที่มีชื่อเสียง (ศิลปินวาดภาพสามภาพในหนึ่งแปลงภาพสุดท้ายอยู่ในมือส่วนตัวในปัจจุบัน - เอ็ด) และพื้นผิวของผืนผ้าใบได้รับการเก็บรักษาไว้ในรูปแบบดั้งเดิม ผู้เขียนเองมอบงานนี้ให้กับแกลเลอรี Der Sturm จากนั้นก็จบลงที่คอลเล็กชั่นของ Hermann Lang นักสะสมสมัยใหม่ชาวเยอรมันและตอนนี้เป็นของผู้ซื้อที่ไม่รู้จัก
22
"ฉากท้องถนน. เบอร์ลิน"
ผู้เขียน
เอิร์นส์ ลุดวิกเคิร์ชเนอร์
ประเทศ เยอรมนี
ปีแห่งชีวิต 1880–1938
สไตล์ การแสดงออก
สำหรับการแสดงออกแบบเยอรมัน Kirchner กลายเป็นบุคคลสำคัญ อย่างไรก็ตาม เจ้าหน้าที่ท้องถิ่นกล่าวหาว่าเขายึดมั่นใน "ศิลปะที่เสื่อมทราม" ซึ่งส่งผลต่อชะตากรรมของภาพวาดของเขาและชีวิตของศิลปินผู้ซึ่งฆ่าตัวตายในปี 2481 อย่างน่าเศร้า
95x121ซม
พ.ศ. 2456
ราคา
38.096 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูล คริสตี้
หลังจากย้ายไปเบอร์ลิน เคิร์ชเนอร์ได้สร้างภาพสเก็ตช์ของฉากท้องถนน 11 ภาพ เขาได้รับแรงบันดาลใจจากความพลุกพล่านและประหม่าของเมืองใหญ่ ในภาพวาดที่ขายในปี 2549 ในนิวยอร์กความวิตกกังวลของศิลปินนั้นรุนแรงเป็นพิเศษ: ผู้คนบนถนนเบอร์ลินดูเหมือนนก - สง่างามและอันตราย เธอเป็นผลงานชิ้นสุดท้ายจากซีรีส์ดัง ขายทอดตลาด ส่วนที่เหลือเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ ในปี 1937 พวกนาซีปฏิบัติต่อเคิร์ชเนอร์อย่างโหดเหี้ยม ผลงาน 639 ชิ้นของเขาถูกยึดจากหอศิลป์ในเยอรมัน ทำลายหรือขายในต่างประเทศ ศิลปินไม่สามารถอยู่รอดได้
23
"พักผ่อนนักเต้น"
ผู้เขียน
เอ็ดการ์ เดอกาส์
ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1834–1917
สไตล์ อิมเพรสชันนิสม์
ประวัติของเดอกาส์ในฐานะศิลปินเริ่มต้นด้วยข้อเท็จจริงที่ว่าเขาทำงานเป็นนักคัดลอกในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ เขาใฝ่ฝันที่จะ "มีชื่อเสียงและไม่มีใครรู้จัก" และในที่สุดเขาก็ทำสำเร็จ ในช่วงสุดท้ายของชีวิต Degas วัย 80 ปี หูหนวกและตาบอดยังคงเข้าร่วมนิทรรศการและการประมูล
64x59 ซม
พ.ศ. 2422
ราคา
37.043 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล โซเธบีส์
“นักบัลเล่ต์เป็นข้ออ้างเสมอสำหรับฉันในการพรรณนาถึงเนื้อผ้าและจับความเคลื่อนไหว” เดอกาส์กล่าว ฉากจากชีวิตของนักเต้นดูเหมือนจะถูกแอบดู: เด็กผู้หญิงไม่ได้โพสท่าให้ศิลปิน แต่กลายเป็นส่วนหนึ่งของบรรยากาศที่จับจ้องโดย Degas Resting Dancer ขายในราคา 28 ล้านดอลลาร์ในปี 1999 และไม่ถึง 10 ปีต่อมาก็ถูกซื้อในราคา 37 ล้านดอลลาร์ ปัจจุบันมันเป็นงานที่แพงที่สุดของศิลปินที่เคยมีการประมูล เดอกาส์ให้ความสนใจกับเฟรมเป็นอย่างมาก เขาออกแบบมันเองและห้ามไม่ให้เปลี่ยนมัน ฉันสงสัยว่ามีการติดตั้งกรอบใดในภาพวาดที่ขาย
24
"จิตรกรรม"
ผู้เขียน
ฮวน มิโร่
ประเทศ สเปน
ปีแห่งชีวิต 1893–1983
สไตล์ ศิลปะนามธรรม
ในช่วงสงครามกลางเมืองสเปน ศิลปินอยู่เคียงข้างพรรครีพับลิกัน ในปี 1937 เขาหนีจากอำนาจฟาสซิสต์ไปยังปารีส ที่ซึ่งเขาอาศัยอยู่กับครอบครัวอย่างแร้นแค้น ในช่วงเวลานี้ Miro วาดภาพ "Help Spain!" ดึงความสนใจของคนทั้งโลกไปสู่การครอบงำของลัทธิฟาสซิสต์
89x115 ซม
พ.ศ. 2470
ราคา
36.824 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2012
ในการประมูล โซเธบีส์
ชื่อที่สองของภาพวาดคือ "Blue Star" ศิลปินเขียนในปีเดียวกันเมื่อเขาประกาศว่า: "ฉันต้องการฆ่าภาพวาด" และเยาะเย้ยผืนผ้าใบอย่างไร้ความปราณี, เกาสีด้วยเล็บ, ติดกาวขนนกบนผืนผ้าใบ, คลุมงานด้วยขยะ เป้าหมายของเขาคือการหักล้างตำนานเกี่ยวกับความลึกลับของการวาดภาพ แต่หลังจากจัดการกับสิ่งนี้แล้ว มิโรได้สร้างตำนานของตัวเองขึ้น ซึ่งเป็นนามธรรมที่เหนือจริง "จิตรกรรม" ของเขาหมายถึงวัฏจักรของ "ภาพ-ความฝัน" ผู้ซื้อสี่รายต่อสู้เพื่อประมูล แต่โทรศัพท์ที่ไม่ระบุตัวตนหนึ่งสายได้ยุติข้อพิพาท และ "ภาพวาด" กลายเป็นภาพวาดที่แพงที่สุดของศิลปิน
25
"บลูโรส"
ผู้เขียน
อีฟ ไคลน์
ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1928–1962
สไตล์ ภาพวาดสีเดียว
ศิลปินคนนี้เกิดในครอบครัวจิตรกร แต่ได้ศึกษาภาษาตะวันออก การเดินเรือ งานฝีมือลงรักปิดทอง พุทธศาสนานิกายเซน และอื่นๆ อีกมากมาย บุคลิกภาพและการแสดงตลกทะลึ่งของเขาน่าสนใจกว่าภาพวาดสีเดียวหลายเท่า
153x199x16 ซม
2503
ราคา
36.779 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายในปี 2012
ในการประมูลของคริสตี้
นิทรรศการแรกของงานสีเหลืองส้มชมพูไม่กระตุ้นความสนใจของสาธารณชน ไคลน์ไม่พอใจและในครั้งต่อไปเขานำเสนอผืนผ้าใบที่เหมือนกัน 11 ผืนซึ่งทาสีด้วยอุลตร้ามารีนผสมกับเรซินสังเคราะห์พิเศษ เขาจดสิทธิบัตรวิธีนี้ด้วยซ้ำ สีดังกล่าวถูกบันทึกไว้ในประวัติศาสตร์ในชื่อ "International Klein Blue" ศิลปินยังขายความว่างเปล่า สร้างภาพเขียนโดยให้กระดาษโดนฝน จุดไฟบนกระดาษแข็ง พิมพ์ภาพร่างกายมนุษย์บนผืนผ้าใบ พูดได้คำเดียวว่าฉันพยายามอย่างดีที่สุดเท่าที่จะทำได้ ในการสร้างสรรค์ "ดอกกุหลาบสีน้ำเงิน" ฉันใช้สีแห้ง เรซิน ก้อนกรวด และฟองน้ำธรรมชาติ
26
"ตามหาโมเสส"
ผู้เขียน
เซอร์ลอว์เรนซ์ อัลมา-ทาเดมา
ประเทศ บริเตนใหญ่
ปีแห่งชีวิต 1836–1912
สไตล์ นีโอคลาสสิก
เซอร์ลอว์เรนซ์เองเพิ่มคำนำหน้า "alma" ต่อนามสกุลของเขาเพื่อให้ปรากฏเป็นอันดับแรกในแคตตาล็อกงานศิลปะ ในอังกฤษยุควิกตอเรียภาพวาดของเขาเป็นที่ต้องการอย่างมากจนศิลปินได้รับรางวัลอัศวิน
213.4x136.7 ซม
พ.ศ. 2445
ราคา
35.922 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2011
ในการประมูล โซเธบีส์
ธีมหลักของงานของ Alma-Tadema คือสมัยโบราณ ในภาพวาดเขาพยายามพรรณนาถึงยุคของจักรวรรดิโรมันในรายละเอียดที่เล็กที่สุด ด้วยเหตุนี้เขาจึงมีส่วนร่วมในการขุดค้นทางโบราณคดีบนคาบสมุทร Apennine และในบ้านของเขาในลอนดอนเขาได้จำลองการตกแต่งภายในทางประวัติศาสตร์ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เรื่องราวในตำนานกลายเป็นแรงบันดาลใจอีกประการหนึ่งสำหรับเขา ศิลปินเป็นที่ต้องการอย่างมากในช่วงชีวิตของเขา แต่หลังจากการตายของเขาเขาก็ถูกลืมอย่างรวดเร็ว ขณะนี้ความสนใจกำลังฟื้นตัว โดยเห็นได้จากราคาของภาพวาด "In Search of Moses" ซึ่งสูงกว่าราคาประมาณการล่วงหน้าถึงเจ็ดเท่า
27
"ภาพข้าราชการนอนเปลือยกาย"
ผู้เขียน
ลูเซียน ฟรอยด์
ประเทศ เยอรมนี,
บริเตนใหญ่
ปีแห่งชีวิต 1922–2011
สไตล์ ภาพวาดเป็นรูปเป็นร่าง
ศิลปินเป็นหลานชายของ Sigmund Freud บิดาแห่งจิตวิเคราะห์ หลังจากก่อตั้งลัทธิฟาสซิสต์ในเยอรมนี ครอบครัวของเขาก็อพยพไปอังกฤษ ผลงานของฟรอยด์อยู่ใน Wallace Collection ในลอนดอน ซึ่งไม่เคยมีศิลปินร่วมสมัยคนใดเคยจัดแสดงมาก่อน
219.1x151.4 ซม
2538
ราคา
33.6 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล คริสตี้
ในขณะที่ศิลปินนำสมัยแห่งศตวรรษที่ 20 ได้สร้าง "จุดสีบนกำแพง" ในเชิงบวกและขายได้เป็นล้าน ๆ ภาพ ฟรอยด์วาดภาพที่เป็นธรรมชาติอย่างยิ่งและขายภาพเหล่านั้นในราคามากกว่านั้น “ผมจับเสียงร้องของจิตวิญญาณและความทุกข์ทรมานของเนื้อหนังที่เหี่ยวเฉา” เขากล่าว นักวิจารณ์เชื่อว่าทั้งหมดนี้เป็น "มรดก" ของ Sigmund Freud ภาพวาดถูกจัดแสดงอย่างแข็งขันและประสบความสำเร็จในการขายจนผู้เชี่ยวชาญสงสัยว่า: พวกมันมีคุณสมบัติในการสะกดจิตหรือไม่? การขายทอดตลาด "ภาพเหมือนของข้าราชการที่เปลือยกายนอนหลับ" ตามรายงานของดวงอาทิตย์ ได้ถูกซื้อโดยผู้เชี่ยวชาญด้านความงามและมหาเศรษฐี โรมัน อับราโมวิช
28
"ไวโอลินและกีตาร์"
ผู้เขียน
เอ็กซ์หนึ่งกริซ
ประเทศ สเปน
ปีแห่งชีวิต 1887–1927
สไตล์ ลัทธิลูกบาศก์
เกิดในกรุงมาดริด ซึ่งเขาจบการศึกษาจากโรงเรียนศิลปะและหัตถกรรม ในปี 1906 เขาย้ายไปปารีสและเข้าสู่แวดวงของศิลปินที่มีอิทธิพลมากที่สุดในยุคนั้น: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger และยังทำงานร่วมกับ Sergei Diaghilev และคณะของเขาด้วย
5x100ซม
พ.ศ. 2456
ราคา
28.642 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2010
ในการประมูล คริสตี้
ในคำพูดของเขาเอง Gris มีส่วนร่วมใน "ระนาบ, สถาปัตยกรรมสี" ภาพวาดของเขาได้รับการคิดอย่างแม่นยำ: เขาไม่ได้ทิ้งจังหวะโดยบังเอิญแม้แต่ครั้งเดียวซึ่งทำให้ความคิดสร้างสรรค์เกี่ยวข้องกับรูปทรงเรขาคณิต ศิลปินได้สร้างคิวบิสม์ในแบบของเขาเอง แม้ว่าเขาจะเคารพปาโบล ปีกัสโซ บิดาผู้ก่อตั้งขบวนการนี้มากก็ตาม ผู้สืบทอดยังอุทิศงาน Cubist ชิ้นแรกของเขา Tribute to Picasso ให้กับเขา ภาพวาด "ไวโอลินกับกีตาร์" ได้รับการยอมรับว่ามีความโดดเด่นในผลงานของศิลปิน ในช่วงชีวิตของเขา Gris เป็นที่รู้จักและเป็นที่ชื่นชอบของนักวิจารณ์และนักประวัติศาสตร์ศิลปะ ผลงานของเขาจัดแสดงในพิพิธภัณฑ์ที่ใหญ่ที่สุดในโลกและถูกเก็บไว้ในคอลเลกชันส่วนตัว
29
"ภาพเหมือนทุ่งเอลูอาร์ด»
ผู้เขียน
ซัลวาดอร์ ดาลี
ประเทศ สเปน
ปีแห่งชีวิต 1904–1989
สไตล์ สถิตยศาสตร์
“ลัทธิเหนือจริงคือตัวผม” Dali กล่าวเมื่อเขาถูกขับออกจากกลุ่ม Surrealist เมื่อเวลาผ่านไป เขากลายเป็นศิลปินแนวเซอร์เรียลิสต์ที่มีชื่อเสียงที่สุด งานของ Dali มีอยู่ทุกที่ ไม่ใช่แค่ในแกลเลอรี ตัวอย่างเช่น เขาเป็นผู้คิดค้นบรรจุภัณฑ์สำหรับ Chupa-Chups
25x33ซม
พ.ศ. 2472
ราคา
20.6 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2011
ในการประมูล โซเธบีส์
ในปีพ. ศ. 2472 กวี Paul Eluard และ Gala ภรรยาชาวรัสเซียของเขามาเยี่ยมผู้ยั่วยุและผู้ทะเลาะวิวาทที่ยิ่งใหญ่ Dali การพบกันเป็นจุดเริ่มต้นของเรื่องราวความรักที่ยาวนานกว่าครึ่งศตวรรษ ภาพวาด "Portrait of Paul Eluard" ถูกวาดขึ้นในระหว่างการเยือนครั้งประวัติศาสตร์นี้ “ฉันรู้สึกว่าฉันได้รับความไว้วางใจให้ทำหน้าที่จับภาพใบหน้าของกวี ซึ่งฉันได้ขโมยหนึ่งในรำพึงของโอลิมปัสไป” ศิลปินกล่าว ก่อนพบกับ Gala เขาเป็นคนบริสุทธิ์และรู้สึกขยะแขยงเมื่อคิดว่ามีเพศสัมพันธ์กับผู้หญิง รักสามเส้ามีอยู่จนกระทั่งการตายของ Eluard หลังจากนั้นก็กลายเป็นคู่ Dali-Gala
30
"วันครบรอบปี"
ผู้เขียน
มาร์ค ชากาล
ประเทศ รัสเซีย, ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1887–1985
สไตล์ เปรี้ยวจี๊ด
Moishe Segal เกิดที่เมือง Vitebsk แต่ในปี 1910 เขาอพยพไปปารีส เปลี่ยนชื่อ และสนิทกับศิลปินแนวหน้าในยุคนั้น ในช่วงทศวรรษที่ 1930 เมื่อพวกนาซีเข้ายึดอำนาจ เขาเดินทางไปสหรัฐอเมริกาโดยได้รับความช่วยเหลือจากกงสุลอเมริกัน เขากลับไปฝรั่งเศสในปี 2491 เท่านั้น
80x103ซม
พ.ศ. 2466
ราคา
14.85 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายในปี 1990
ในการประมูลของ Sotheby
ภาพวาด "ยูบิลลี่" ได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของศิลปิน มันมีคุณสมบัติทั้งหมดของงานของเขา: กฎทางกายภาพของโลกถูกลบออกไป ความรู้สึกของเทพนิยายยังคงอยู่ในทิวทัศน์ของชีวิตชนชั้นกลางและความรักอยู่ในใจกลางของโครงเรื่อง Chagall ไม่ได้ดึงดูดผู้คนจากธรรมชาติ แต่มาจากความทรงจำหรือการเพ้อฝันเท่านั้น ภาพวาด "ยูบิลลี่" แสดงให้เห็นถึงตัวศิลปินเองกับเบล่าภรรยาของเขา ภาพวาดถูกขายในปี 1990 และยังไม่มีการประมูลตั้งแต่นั้นมา ที่น่าสนใจคือ New York Museum of Modern Art MoMA ยังคงเหมือนเดิมทุกประการภายใต้ชื่อ "Birthday" เท่านั้น อย่างไรก็ตามมันถูกเขียนขึ้นก่อนหน้านี้ - ในปี 1915
ร่างที่เตรียมไว้
Tatyana Palasova
รวบรวมคะแนน
ตามรายการ www.art-spb.ru
นิตยสาร tmn №13
(พฤษภาคม-มิถุนายน 2556)
