จิตรกรชาวเฟลมิชในศตวรรษที่ 17 ศิลปินชาวเบลเยียมสมัยใหม่ ศิลปินชาวเบลเยียมในศตวรรษที่ 20

มีพิพิธภัณฑ์หลายแห่งตลอดทาง ในบทความนี้ฉันจะบอกคุณเกี่ยวกับ Royal Museums of Fine Arts ในกรุงบรัสเซลส์ แต่เป็นคอมเพล็กซ์ทั้งหมดซึ่งประกอบด้วยพิพิธภัณฑ์หกแห่ง

สี่แห่งในใจกลางกรุงบรัสเซลส์:

* พิพิธภัณฑ์ศิลปะโบราณ
คอลเลกชันที่ยอดเยี่ยมของปรมาจารย์เก่าแก่จากศตวรรษที่ 15 ถึง 18
คอลเลกชันนี้ประกอบด้วยภาพวาดโดยศิลปินชาวเนเธอร์แลนด์ใต้ (เฟลมิช) ผลงานชิ้นเอกของปรมาจารย์เช่น Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Dirk Bouts, Hans Memling, Hieronymus Bosch, Lucas Cranach, Gerard David, Pieter Brueghel the Elder, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Rubens และคนอื่นๆ...
คอลเลกชั่นนี้เกิดขึ้นในช่วงการปฏิวัติฝรั่งเศส เมื่องานศิลปะหลายชิ้นถูกยึดโดยผู้รุกราน ชิ้นส่วนสำคัญถูกส่งไปยังปารีส และจากสิ่งที่เก็บไว้ พิพิธภัณฑ์นี้ก่อตั้งโดยนโปเลียน โบนาปาร์ตในปี 1801 ของมีค่าที่ถูกยึดทั้งหมดส่งคืนจากปารีสไปยังบรัสเซลส์หลังจากการปลดออกจากตำแหน่งของนโปเลียนเท่านั้น ตั้งแต่ปี 1811 พิพิธภัณฑ์ได้กลายเป็นสมบัติของเมืองบรัสเซลส์ ด้วยการเกิดขึ้นของสหราชอาณาจักรเนเธอร์แลนด์ภายใต้พระเจ้าวิลเลียมที่ 1 เงินทุนของพิพิธภัณฑ์จึงขยายตัวอย่างมาก

โรเบิร์ต แคมปิน. "การประกาศ", 1420-1440

เจคอบ จอร์แดน. เทพารักษ์และชาวนา, 2163

* พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่
คอลเลกชันศิลปะร่วมสมัยครอบคลุมผลงานตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 จนถึงปัจจุบัน พื้นฐานของคอลเลกชันคือผลงานของศิลปินชาวเบลเยียม
ภาพวาดที่มีชื่อเสียงของ Jacques-Louis David - การตายของ Marat สามารถพบเห็นได้ในส่วนเก่าของพิพิธภัณฑ์ คอลเลคชันนี้แสดงให้เห็นถึงลัทธินีโอคลาสสิกของเบลเยียมและอิงจากผลงานที่อุทิศให้กับการปฏิวัติเบลเยียมและการก่อตั้งประเทศ
ปัจจุบันจัดแสดงต่อสาธารณชนในรูปแบบนิทรรศการชั่วคราวในห้องที่เรียกว่า "พาทิโอ" สิ่งเหล่านี้ทำให้สามารถหมุนเวียนชิ้นงานศิลปะร่วมสมัยได้อย่างสม่ำเสมอ
พิพิธภัณฑ์แห่งนี้เป็นที่ตั้งของ "Salome" โดย Alfred Stevens ซึ่งเป็นตัวแทนของศิลปะอิมเพรสชั่นนิสม์ที่มีชื่อเสียงที่สุดของเบลเยียม นอกจากนี้ยังมีการนำเสนอผลงานที่มีชื่อเสียงเช่น "Russian Music" โดย James Ensor และ "Tenderness of the Sphinx" โดย Fernand Khnopf ในบรรดาปรมาจารย์แห่งศตวรรษที่ 19 ที่จัดแสดงอยู่ในพิพิธภัณฑ์ ผลงานชิ้นเอกของ Jean Auguste Dominique Ingres, Gustave Courbet และ Henri Fantin-Latour มีความโดดเด่น ภาพวาดฝรั่งเศสช่วงปลายศตวรรษที่ 19 แสดงโดย "Portrait of Suzanne Bambridge" โดย Paul Gauguin, "Spring" โดย Georges Seurat, "Bay" โดย Paul Signac, "Two Disciples" โดย Edouard Vuillard, ภูมิทัศน์โดย Maurice Vlaminck และประติมากรรมโดย Auguste Rodin "Caryatid", "Portrait of ชาวนา" โดย Vincent van Gogh (1885) และ Still Life with Flowers โดย Lovis Corinth

ฌอง หลุยส์ เดวิด. "ความตายของ Marat", 2336

กุสตาฟ วาปเปอร์ส. "ตอนของวันกันยายน", 2377

* พิพิธภัณฑ์ Magritte
เปิดทำการในเดือนมิถุนายน 2552 เพื่อเป็นเกียรติแก่ René Magritte จิตรกรแนวเซอร์เรียลิสต์ชาวเบลเยียม (21 พฤศจิกายน พ.ศ. 2441 – 15 สิงหาคม พ.ศ. 2510) คอลเล็กชั่นของพิพิธภัณฑ์ประกอบด้วยผลงานสีน้ำมันบนผ้าใบ, สี gouache, ภาพวาด, ประติมากรรมและวัตถุทาสีมากกว่า 200 ชิ้น รวมถึงโปสเตอร์โฆษณา (เขาทำงานเป็นศิลปินโปสเตอร์และโฆษณาในโรงงานกระดาษเป็นเวลาหลายปี) ภาพถ่ายเก่าและภาพยนตร์ที่ถ่ายทำ โดย Magritte เอง
ในตอนท้ายของยุค 20 Magritte ได้เซ็นสัญญากับ Cento Gallery ในกรุงบรัสเซลส์และอุทิศตนให้กับการวาดภาพ เขาสร้างภาพวาดเหนือจริง "The Lost Jockey" ซึ่งเขาถือว่าเป็นภาพวาดประเภทนี้ที่ประสบความสำเร็จเป็นครั้งแรก ในปี พ.ศ. 2470 เขาได้จัดนิทรรศการครั้งแรก อย่างไรก็ตาม นักวิจารณ์ต่างมองว่ามันไม่ประสบความสำเร็จ และ Magritte เดินทางไปปารีส ซึ่งเขาได้พบกับ Andre Breton และเข้าร่วมกลุ่มนักเซอร์เรียลิสต์ของเขา เขาได้รับสไตล์ลายเซ็นที่ทำให้ภาพวาดของเขาเป็นที่จดจำ เมื่อกลับมาถึงบรัสเซลส์ เขายังคงทำงานในรูปแบบใหม่
พิพิธภัณฑ์แห่งนี้ยังเป็นศูนย์วิจัยเกี่ยวกับมรดกของศิลปินเซอร์เรียลลิสต์อีกด้วย

*พิพิธภัณฑ์ปลายศตวรรษ (Fin de siècle)
พิพิธภัณฑ์รวบรวมผลงานในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่งเรียกว่า "จุดจบของศตวรรษ" โดยส่วนใหญ่จะมีลักษณะแนวหน้า ด้านหนึ่งคือจิตรกรรม ประติมากรรม และกราฟิก แต่รวมถึงศิลปะประยุกต์ วรรณกรรม การถ่ายภาพ ภาพยนตร์ และดนตรีด้วย
ศิลปินชาวเบลเยียมส่วนใหญ่เป็นตัวแทน แต่ยังรวมถึงผลงานของปรมาจารย์ชาวต่างชาติที่เข้ากับบริบทด้วย ผลงานของศิลปินที่เป็นสมาชิกของขบวนการก้าวหน้าที่ยิ่งใหญ่ของศิลปินชาวเบลเยียมในยุคนั้น

และอีกสองแห่งในเขตชานเมือง:

* พิพิธภัณฑ์เวิร์ตซ์
Wirtz (Antoine-Joseph Wiertz) - จิตรกรชาวเบลเยียม (2349-2408) ในปี พ.ศ. 2378 เขาวาดภาพสำคัญชิ้นแรกของเขาคือ The Struggle of the Greeks with the Trojans for the Possession of the Corpse of Patroclus ซึ่งไม่ได้รับการยอมรับให้จัดแสดงในปารีส แต่กระตุ้นความกระตือรือร้นอย่างมากในเบลเยียม ตามมาด้วย: “มรณกรรมของนักบุญ Dionysius, อันมีค่า "The Entombment" (โดยมีร่างของอีฟและซาตานอยู่บนปีก), "The Flight to Egypt", "The Revolt of the Angels" และผลงานที่ดีที่สุดของศิลปิน "The Triumph of Christ" . ความคิดริเริ่มของแนวคิดและองค์ประกอบ ความมีชีวิตชีวาของสี การเล่นเอฟเฟกต์แสงที่จัดจ้าน และจังหวะการกวาดของพู่กันทำให้ชาวเบลเยียมส่วนใหญ่มีเหตุผลที่จะมองว่า Wirtz เป็นผู้ฟื้นฟูภาพวาดประวัติศาสตร์ชาติเก่าของพวกเขาโดยตรง ทายาทของรูเบนส์ เรื่องราวของเขาก็ยิ่งแปลกประหลาดมากขึ้นเท่านั้น สำหรับผลงานของเขาซึ่งส่วนใหญ่มีขนาดมหึมา เช่นเดียวกับการทดลองประยุกต์สีเคลือบด้านที่เขาคิดค้นขึ้น รัฐบาลเบลเยียมได้สร้างเวิร์กช็อปที่กว้างขวางให้เขาในกรุงบรัสเซลส์ ที่นี่ Wirtz ซึ่งไม่ได้ขายภาพวาดใด ๆ ของเขาและมีอยู่เฉพาะในการสั่งซื้อภาพเหมือนเท่านั้น เขารวบรวมงานทุนทั้งหมดของเขาตามความเห็นของเขาและยกมรดกให้กับพวกเขาพร้อมกับเวิร์กช็อปเพื่อเป็นมรดกให้กับชาวเบลเยียม ปัจจุบันเวิร์กช็อปนี้คือพิพิธภัณฑ์เวิร์ตซ์ จัดเก็บภาพวาดได้มากถึง 42 ภาพ รวมถึงหกภาพที่กล่าวถึงข้างต้น

* พิพิธภัณฑ์ Meunier
พิพิธภัณฑ์แห่งนี้เปิดขึ้นเพื่อเป็นเกียรติแก่ Constantin Meunier (พ.ศ. 2374-2448) ซึ่งเกิดและเติบโตในครอบครัวที่ยากจนซึ่งอพยพมาจากภูมิภาคเหมืองถ่านหิน Borinage ของเบลเยียม ตั้งแต่วัยเด็ก เขาคุ้นเคยกับสถานการณ์ทางสังคมที่ยากลำบากและการดำรงอยู่อย่างน่าสมเพชของคนงานเหมืองและครอบครัวของพวกเขา มูนิเยร์บันทึกความประทับใจของเขาเกี่ยวกับชีวิตในพื้นที่เหมืองแร่ในรูปแบบพลาสติก แสดงให้เห็นถึงความเป็นผู้ใช้แรงงานที่มีบุคลิกที่พัฒนาอย่างกลมกลืน ประติมากรได้พัฒนาภาพลักษณ์ของคนงานซึ่งสะท้อนถึงความภาคภูมิใจและความแข็งแกร่งของเขาและไม่ละอายใจกับอาชีพของเขาในฐานะรถตักหรือนักเทียบท่า เมื่อตระหนักถึงอุดมคติบางอย่างที่ Meunier สร้างวีรบุรุษของเขา เราต้องยอมรับคุณค่าทางประวัติศาสตร์อันยิ่งใหญ่ของเขาด้วยความจริงที่ว่าเขาเป็นหนึ่งในปรมาจารย์คนแรกที่ทำให้ชายคนหนึ่งมีส่วนร่วมในการใช้แรงงานเป็นหัวใจสำคัญของงานของเขา ในขณะที่แสดงให้เขาเป็นผู้สร้าง เต็มไปด้วยศักดิ์ศรีภายใน

แอล. อเลชินา

ประเทศเล็ก ๆ ที่ในอดีตได้มอบศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดให้กับโลก - เพียงพอแล้วที่จะตั้งชื่อพี่น้อง Van Eyck, Brueghel และ Rubens - เบลเยียมในต้นศตวรรษที่ 19 ประสบกับความซบเซาทางศิลปะมาช้านาน มีบทบาทบางอย่างในเรื่องนี้โดยตำแหน่งรองทางการเมืองและเศรษฐกิจของเบลเยียมซึ่งจนถึงปี 1830 ไม่มีเอกราชของชาติ ต่อเมื่อตั้งแต่ต้นศตวรรษใหม่ ขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติพัฒนามากขึ้นเรื่อย ๆ ศิลปะจึงมีชีวิตขึ้นมา ซึ่งในไม่ช้าก็ได้ครอบครองสถานที่สำคัญในชีวิตวัฒนธรรมของประเทศ มีความสำคัญอย่างน้อยเมื่อเปรียบเทียบกับประเทศในยุโรปอื่น ๆ จำนวนศิลปินในเบลเยียมขนาดเล็กเมื่อเทียบกับประชากรนั้นมีขนาดใหญ่มาก

ในการก่อตัวของวัฒนธรรมศิลปะเบลเยียมในศตวรรษที่ 19 ประเพณีอันยิ่งใหญ่ของการวาดภาพประจำชาติมีบทบาทสำคัญ ความเชื่อมโยงกับขนบธรรมเนียมประเพณีไม่ได้แสดงออกมาเพียงการเลียนแบบโดยตรงของศิลปินหลายคนในรุ่นก่อนที่โดดเด่นของพวกเขา แม้ว่านี่จะเป็นลักษณะเฉพาะของการวาดภาพของเบลเยียมก็ตาม โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงกลางศตวรรษ อิทธิพลของประเพณีส่งผลต่อลักษณะเฉพาะของโรงเรียนศิลปะเบลเยียมในยุคปัจจุบัน หนึ่งในคุณสมบัติเฉพาะเหล่านี้คือความมุ่งมั่นของศิลปินชาวเบลเยียมต่อโลกแห่งความเป็นจริง ต่อเนื้อแท้ของสิ่งต่างๆ ดังนั้นความสำเร็จของศิลปะเหมือนจริงในเบลเยียม แต่ยังมีข้อจำกัดบางประการในการตีความความเหมือนจริง

คุณลักษณะเฉพาะของชีวิตศิลปะของประเทศคือการมีปฏิสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดตลอดศตวรรษของวัฒนธรรมเบลเยียมกับวัฒนธรรมของฝรั่งเศส ศิลปินและสถาปนิกรุ่นใหม่ไปที่นั่นเพื่อพัฒนาความรู้ ในทางกลับกัน ปรมาจารย์ชาวฝรั่งเศสหลายคนไม่เพียงแต่มาเยี่ยมชมเบลเยียมเท่านั้น แต่ยังอาศัยอยู่ในนั้นเป็นเวลาหลายปี โดยมีส่วนร่วมในชีวิตทางศิลปะของเพื่อนบ้านตัวน้อยของพวกเขา

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ลัทธิคลาสสิกครอบงำจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมของเบลเยียม เช่นเดียวกับประเทศอื่นๆ ในยุโรป จิตรกรที่สำคัญที่สุดในยุคนี้คือ François Joseph Navez (1787-1869) เขาเรียนครั้งแรกที่บรัสเซลส์ จากนั้นในปี 1813 ที่ปารีสกับเดวิด ในช่วงหลายปีที่เขาถูกเนรเทศชาวเบลเยียม ปรมาจารย์ชาวฝรั่งเศสผู้น่าทึ่งได้รับเกียรติสูงสุดในหมู่ศิลปินท้องถิ่น Navez เป็นหนึ่งในนักเรียนคนโปรดของ David งานของเขาหาที่เปรียบมิได้ การแต่งเพลงตามตำนานและพระคัมภีร์ซึ่งเขาปฏิบัติตามหลักการของลัทธิคลาสสิกนั้นไม่มีชีวิตชีวาและเย็นชา ภาพบุคคลซึ่งเป็นมรดกส่วนใหญ่ของเขานั้นน่าสนใจมาก ในภาพวาดของเขา การสังเกตอย่างใกล้ชิดและเอาใจใส่และการศึกษาธรรมชาติได้รวมเข้ากับแนวคิดในอุดมคติอันยอดเยี่ยมเกี่ยวกับบุคลิกภาพของมนุษย์ คุณสมบัติที่ดีที่สุดของวิธีการแบบคลาสสิก - โครงสร้างองค์ประกอบที่แข็งแกร่ง พลาสติกที่สมบูรณ์ของรูปแบบ - ถูกหลอมรวมอย่างกลมกลืนในภาพถ่ายบุคคลของ Navez ด้วยการแสดงออกและความเฉพาะเจาะจงของภาพชีวิต ภาพเหมือนของครอบครัวเฮมป์ทินน์ (พ.ศ. 2359; บรัสเซลส์, พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่) ดูเหมือนจะมีคุณภาพทางศิลปะสูงที่สุด

งานที่ยากของภาพบุคคลที่มีสามตัวละครได้รับการแก้ไขโดยศิลปิน สมาชิกทุกคนในครอบครัวหนุ่มสาว - คู่สมรสที่มีลูกสาวตัวน้อย - แสดงท่าทางที่มีชีวิตชีวาและผ่อนคลาย แต่มีความรู้สึกผูกพันภายในที่แน่นแฟ้น โทนสีของภาพเหมือนเป็นพยานถึงความปรารถนาของ Navez ที่จะเข้าใจประเพณีคลาสสิกของการวาดภาพแบบเฟลมิช ย้อนหลังไปถึง van Eyck สีที่สดใสบริสุทธิ์ผสานเข้ากับคอร์ดฮาร์มอนิกที่สนุกสนาน ภาพวาดที่ยอดเยี่ยมของครอบครัว Hemptinne นั้นใกล้เคียงกับความแข็งแรงของพลาสติก ความแม่นยำระดับสารคดีกับผลงานภาพเหมือนของ David ที่ล่วงลับไปแล้ว และในเนื้อเพลง ความปรารถนาที่จะถ่ายทอดชีวิตภายในของจิตวิญญาณนั้นเชื่อมโยงกับแนวโรแมนติกที่เกิดขึ้นแล้ว สิ่งที่ใกล้เคียงกับแนวโรแมนติกมากขึ้นคือภาพตัวเองของ Navez ในวัยเด็ก (1810s; Brussels, คอลเลคชันส่วนตัว) ซึ่งศิลปินวาดภาพตัวเองด้วยดินสอและอัลบั้มในมือจ้องมองบางสิ่งที่อยู่ตรงหน้าเขาอย่างเต็มตาและตั้งใจ Navez มีบทบาทสำคัญมากในฐานะครู ศิลปินหลายคนเรียนกับเขาซึ่งต่อมาได้กลายเป็นแกนหลักของการวาดภาพเหมือนจริงของเบลเยียม

การเติบโตของความรู้สึกปฏิวัติในประเทศมีส่วนทำให้ศิลปะโรแมนติกประสบความสำเร็จ การต่อสู้เพื่อเอกราชของชาตินำไปสู่การระเบิดของการปฏิวัติในฤดูร้อนปี 1830 ซึ่งเป็นผลมาจากการที่เบลเยียมตัดความสัมพันธ์กับเนเธอร์แลนด์และก่อตั้งรัฐเอกราช ศิลปะมีบทบาทสำคัญในเหตุการณ์ที่เกิดขึ้น มันกระตุ้นความรู้สึกรักชาติ ปลุกอารมณ์กบฏ อย่างที่ทราบกันดีว่า การแสดงโอเปร่าเรื่อง The Mute from Portici ของโอแบรต์ได้ก่อให้เกิดการจลาจลในบรัสเซลส์ในทันที

ในช่วงก่อนการปฏิวัติในการวาดภาพของเบลเยียม ทิศทางความรักชาติของประเภทประวัติศาสตร์กำลังเป็นรูปเป็นร่าง ผู้นำของเทรนด์นี้คือศิลปินหนุ่ม Gustave Wappers (1803-1874) ซึ่งในปี 1830 ได้จัดแสดงภาพวาด "The Self-Sacrifice of Burgomaster van der Werf at the Siege of Leiden" (Utrecht, Museum) ร้องเพลงการกระทำที่กล้าหาญของบรรพบุรุษของพวกเขา ปรมาจารย์ของทิศทางนี้หันไปใช้รูปแบบภาษาที่โรแมนติก ความสูงส่งที่น่าสมเพชของโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างเสียงสีที่มีสีสันที่เพิ่มขึ้นถูกรับรู้โดยผู้ร่วมสมัยว่าเป็นการฟื้นฟูประเพณีการวาดภาพประจำชาติในยุคแรกเริ่มซึ่งรูเบนส์เป็นตัวแทนได้อย่างชัดเจนที่สุด

ในยุค 30 ภาพวาดเบลเยียมต้องขอบคุณผืนผ้าใบประเภทประวัติศาสตร์กำลังได้รับการยอมรับในศิลปะยุโรป ลักษณะที่เป็นโปรแกรมและมีใจรักซึ่งทำหน้าที่ทั่วไปในการพัฒนาประเทศเป็นตัวกำหนดความสำเร็จนี้ Wappers, Nicaise de Keyser (1813-1887), Louis Galle เป็นหนึ่งในศิลปินที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในยุโรป อย่างไรก็ตาม ในไม่ช้าทิศทางนี้ก็เผยให้เห็นด้านที่จำกัดของมัน ที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดคือผลงานเหล่านั้นที่สะท้อนให้เห็นถึงสิ่งที่น่าสมเพชของขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติของประชาชนซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากความกล้าหาญของการต่อสู้เพื่ออิสรภาพในอดีตและปัจจุบัน ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ Wappers's September Days of 1830 (1834-1835; Brussels, Museum of Modern Art) ประสบความสำเร็จสูงสุด ศิลปินสร้างผืนผ้าใบประวัติศาสตร์บนวัสดุสมัยใหม่ เผยให้เห็นถึงความสำคัญของเหตุการณ์ปฏิวัติ ตอนหนึ่งของการปฏิวัติปรากฏขึ้น การกระทำเกิดขึ้นที่จัตุรัสกลางกรุงบรัสเซลส์ คลื่นพายุของการเคลื่อนไหวที่เป็นที่นิยมถูกถ่ายทอดโดยองค์ประกอบแนวทแยงที่ไม่สมดุล การจัดเรียงของกลุ่มและตัวเลขบางส่วนทำให้นึกถึงภาพวาด "Liberty Leading the People" ของ Delacroix ซึ่งเป็นรูปแบบที่ไม่ต้องสงสัยสำหรับศิลปิน ในขณะเดียวกัน Wappers ในผืนผ้าใบนี้ค่อนข้างภายนอกและเปิดเผย ภาพลักษณ์ของเขามีลักษณะเฉพาะบางส่วนจากการแสดงละครการแสดงความรู้สึก

หลังจากเบลเยียมได้รับเอกราชได้ไม่นาน ภาพวาดประวัติศาสตร์ก็สูญเสียเนื้อหาเชิงลึกไป หัวข้อของการปลดปล่อยแห่งชาติกำลังสูญเสียความเกี่ยวข้อง พื้นฐานทางสังคม ภาพประวัติศาสตร์กลายเป็นการแสดงคอสตูมที่งดงามพร้อมเนื้อเรื่องที่สนุกสนาน แนวโน้มสองประการกำลังตกผลึกในการวาดภาพประวัติศาสตร์ ในอีกด้านหนึ่งสิ่งเหล่านี้คือผืนผ้าใบที่โอ่อ่าใหญ่โต ทิศทางอื่นมีลักษณะโดยการตีความประเภทของประวัติศาสตร์ ประเพณีการวาดภาพประจำชาติเป็นที่เข้าใจอย่างผิวเผินมาก - เป็นผลรวมของเทคนิคและวิธีการที่ไม่ได้กำหนดโดยอิทธิพลของยุค มีศิลปินหลายคนที่เห็นอาชีพทั้งหมดของพวกเขาในแนวการวาดภาพ เช่น "ปรมาจารย์แห่งศตวรรษที่ 17" หรือฉากประวัติศาสตร์ "เช่น รูเบนส์"

Antoine Joseph Wirtz (1806-1865) อวดดี แต่ไม่ประสบความสำเร็จ พยายามรวมความสำเร็จของ Michelangelo และ Rubens ไว้ในผืนผ้าใบประวัติศาสตร์และสัญลักษณ์ขนาดใหญ่ของเขา Hendrik Leys (1815-1869) วาดภาพแนวประวัติศาสตร์ขนาดเล็กเป็นครั้งแรกโดยเลียนแบบสีของ Rembrandt จากยุค 60 เขาเปลี่ยนไปใช้องค์ประกอบหลายร่างที่มีฉากในชีวิตประจำวันจากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนเหนือในลักษณะของการดำเนินการซึ่งเขาทำตามความแม่นยำและรายละเอียดของปรมาจารย์ในยุคนี้

ในบรรดาจิตรกรประวัติศาสตร์จำนวนมากในช่วงกลางศตวรรษ หลุยส์ กอลล์ (ค.ศ. 1810-1887) สมควรได้รับการกล่าวถึง ซึ่งภาพวาดของเขามีความโดดเด่นด้วยการจัดองค์ประกอบที่กระชับและพูดน้อย และภาพที่เป็นที่รู้จักจากความสำคัญภายในและความสูงส่ง ตัวอย่างทั่วไปคือภาพวาด "Last Honors to the Remains of Counts Egmont and Horn" (1851; Tournai, Museum, repetition of 1863 - Pushkin Museum) คุณสมบัติเดียวกันนี้เป็นลักษณะเฉพาะของภาพวาดประเภทของเขา เช่น "The Fisherman's Family" (1848) และ "Slavonets" (1854; Hermitage ทั้งคู่)

ภาพวาดประวัติศาสตร์ของเบลเยี่ยมค่อยๆสูญเสียบทบาทนำในระบบประเภทและจากยุค 60 ภาพวาดในครัวเรือนออกมา ตามกฎแล้วจิตรกรประเภทในช่วงกลางศตวรรษที่เลียนแบบศิลปินในศตวรรษที่ 17 โดยหันไปสร้างฉากที่สนุกสนานในร้านเหล้าหรือการตกแต่งภายในบ้านที่แสนสบาย เช่นภาพวาดจำนวนมากของ Jean Baptiste Madou (1796-1877) Hendrik de Brakeler (1840-1888) เป็นเรื่องดั้งเดิมมากในเรื่องของเขา โดยแสดงภาพบุคคลโดดเดี่ยวในอาชีพที่เงียบสงบในการตกแต่งภายในที่เต็มไปด้วยแสง ข้อดีของเขาอยู่ที่การแก้ปัญหาเรื่องแสงและบรรยากาศที่โปร่งสบายด้วยการวาดภาพสมัยใหม่

การพัฒนาทุนนิยมของประเทศซึ่งเกิดขึ้นอย่างรวดเร็วหลังจากได้รับเอกราชแล้วในทศวรรษที่ 60 ก่อให้เกิดปัญหาใหม่สำหรับงานศิลปะ ความทันสมัยเริ่มเข้ามารุกรานวัฒนธรรมศิลปะของเบลเยียมมากขึ้น ศิลปินรุ่นใหม่ชูสโลแกนของความสมจริงโดยแสดงลักษณะเฉพาะของชีวิตรอบตัว ในแรงบันดาลใจ พวกเขาอาศัยแบบอย่างของ Courbet ในปี พ.ศ. 2411 สมาคมวิจิตรศิลป์อิสระก่อตั้งขึ้นในกรุงบรัสเซลส์ ผู้เข้าร่วมที่สำคัญที่สุดคือ Charles de Groux, Constantin Meunier, Felicien Rops, Louis Dubois พวกเขาทั้งหมดมาพร้อมกับสโลแกนของความสมจริง ด้วยการเรียกร้องให้ต่อสู้กับศิลปะแบบเก่า ด้วยธีมที่ห่างไกลจากชีวิตและภาษาศิลปะที่ล้าสมัย วารสาร Free Art ซึ่งเริ่มตีพิมพ์ในปี พ.ศ. 2414 ได้กลายเป็นสื่อถึงมุมมองทางสุนทรียศาสตร์ของสังคมนี้ กลายเป็นที่รู้จักจากภาพวาดชีวิตของคนชั้นล่างของสังคม ลักษณะการเขียนของเขาใกล้เคียงกับ Courbet การลงสีจะคงอยู่ในโทนมืดที่ควบคุมอารมณ์ซึ่งสอดคล้องกับความเศร้าโศกอันเจ็บปวดของภาพที่ปรากฎ นั่นคือรูปภาพ "Coffee Roaster" (60s; Antwerp, Museum); ที่นี่คนจนกำลังอุ่นตัวเองในวันที่มืดมิดในฤดูหนาวข้างนอกด้วยเตาอั้งโล่ที่คั่วเมล็ดกาแฟ ความเห็นอกเห็นใจอย่างลึกซึ้งต่อผู้ด้อยโอกาสเป็นลักษณะของงานของศิลปิน

ความสมจริงในเบลเยียมในไม่ช้าก็ได้รับตำแหน่งที่แข็งแกร่งในงานศิลปะทุกประเภท จิตรกรภูมิทัศน์ทั้งกาแลคซีปรากฏขึ้นตามความเป็นจริงและในขณะเดียวกันก็แสดงธรรมชาติพื้นเมืองของพวกเขาอย่างหลากหลาย - ที่เรียกว่าโรงเรียน Tervuren (ตามชื่อของสถานที่ที่ตั้งอยู่ในป่าใกล้กรุงบรัสเซลส์) หัวหน้าโรงเรียน Hippolyte Boulanger (พ.ศ. 2380-2417) วาดภาพทิวทัศน์ป่าที่บอบบางและค่อนข้างเศร้าหมองซึ่งมีสีคล้ายกับ Barbizon รับรู้ธรรมชาติของ Louis Artan (1837-1890) อย่างมีพลังมากขึ้น บ่อยครั้งที่เขาวาดภาพทิวทัศน์ของทะเลและชายฝั่ง สเมียร์ของเขามีพลังและยืดหยุ่น ศิลปินพยายามที่จะถ่ายทอดบรรยากาศที่เปลี่ยนแปลง อารมณ์ของภูมิทัศน์

Felicien Rops (1833-1898) ครอบครองสถานที่พิเศษในศิลปะเบลเยียม แม้จะมีข้อเท็จจริงที่ว่าอาจารย์ใช้ชีวิตส่วนสำคัญในชีวิตสร้างสรรค์ของเขาในฝรั่งเศส แต่เขาก็เป็นผู้มีส่วนร่วมในกระบวนการทางศิลปะของเบลเยียม ชื่อเสียงที่ค่อนข้างอื้อฉาวของศิลปิน - ในฐานะนักร้องของ cocottes ชาวปารีสมักจะปิดบังบทบาทสำคัญของเขาในชีวิตทางวัฒนธรรมของเบลเยียม Rops เป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งนิตยสารวรรณกรรมและศิลปะ Ulenspiegel (ก่อตั้งในบรัสเซลส์ในปี 1856) และเป็นนักวาดภาพประกอบคนแรกของนวนิยายชื่อดังของ Charles de Coster (1867) ภาพประกอบที่สร้างขึ้นในเทคนิคการแกะสลักให้ภาพตัวละครหลักของนวนิยายที่คมชัดและน่าสนใจ Rops เป็นปรมาจารย์ด้านการวาดภาพที่เก่งกาจและเป็นผู้สังเกตการณ์ชีวิตสมัยใหม่อย่างเอาใจใส่ ดังเห็นได้จากผลงานหลายชิ้นของเขา

สถาปัตยกรรมเบลเยียมจนถึงปลายศตวรรษที่ 19 ไม่ได้สร้างสาระสำคัญอะไร ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษอาคารหลายหลังถูกสร้างขึ้นในสไตล์คลาสสิกโดยมีรสนิยมที่เข้มงวด (Palace of the Academy in Brussels -1823-1826, สถาปนิก Charles van der Straten; เรือนกระจกในสวนพฤกษศาสตร์แห่งบรัสเซลส์ - 1826- พ.ศ. 2372 สถาปนิก F.-T. Seys และ P.-F. Ginest) นับตั้งแต่กลางศตวรรษ ลัทธิผสมผสานอย่างไร้การควบคุมและความปรารถนาที่จะสร้างอาคารโอ่อ่างดงามได้เติบโตขึ้นในสถาปัตยกรรม ลักษณะเฉพาะ เช่น อาคารตลาดหลักทรัพย์ในกรุงบรัสเซลส์ (พ.ศ. 2416-2419 สถาปนิก แอล. ไซสส์) อาคารพิพิธภัณฑ์ศิลปะโบราณในที่เดียวกัน (พ.ศ. 2418-2428 สถาปนิก ก. บาลา) ทุนนิยมเบลเยียมที่รุ่งเรืองพยายามสร้างอนุสาวรีย์เพื่อแสดงถึงอำนาจของตน นี่คือวิธีการสร้าง Palace of Justice ในกรุงบรัสเซลส์ (พ.ศ. 2409-2426 สถาปนิก J. Poulart) ซึ่งเป็นหนึ่งในโครงสร้างที่โอ่อ่าที่สุดในยุโรป โดดเด่นด้วยการซ้อนเก๊กและไร้เหตุผลและการผสมผสานรูปแบบสถาปัตยกรรมทุกประเภท ในขณะเดียวกันสไตล์ก็มีบทบาทสำคัญต่อสถาปัตยกรรมของเบลเยียม มีการสร้างโบสถ์ ศาลากลาง และอาคารสาธารณะอื่นๆ

ประติมากรรมเบลเยียมจนถึงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 ล้าหลังในการพัฒนาจากการวาดภาพ ในยุค 30 ภายใต้อิทธิพลของแนวคิดรักชาติ จึงมีการสร้างรูปปั้นที่น่าสนใจหลายแห่งขึ้น ก่อนอื่นจำเป็นต้องสังเกตผลงานของ Willem Gefs (1805-1883 - หลุมฝังศพของ Count Frederic de Merode ผู้ซึ่งพ่ายแพ้ในการต่อสู้ปฏิวัติในกรุงบรัสเซลส์ (1837, Brussels, St. Gudula Cathedral) และรูปปั้นของนายพล Belliard ยืนอยู่บนหนึ่งในจัตุรัสของเมืองหลวง ( พ.ศ. 2379) ช่วงกลางศตวรรษในเบลเยียมเช่นเดียวกับในประเทศอื่น ๆ ถูกทำเครื่องหมายด้วยความเสื่อมโทรมของศิลปะประติมากรรม

ในช่วงปีที่ยากลำบากเหล่านี้สำหรับงานศิลปะที่ยิ่งใหญ่ ผลงานของ Constantin Meunier (1831-4905) ศิลปินชาวเบลเยียมที่ใหญ่ที่สุดกำลังก่อตัวขึ้น Meunier เริ่มเรียนที่ Brussels Academy of Fine Arts ในชั้นเรียนประติมากรรม ที่นี่ในช่วงกลางศตวรรษที่ระบบการศึกษาแบบอนุรักษ์นิยมครอบงำ ครูในการทำงานและในการสอนของพวกเขาปฏิบัติตามแบบแผนและกิจวัตร เรียกร้องการปรุงแต่งของธรรมชาติในนามของอุดมคติที่เป็นนามธรรม งานพลาสติกชิ้นแรกของ Meunier ยังคงใกล้เคียงกับทิศทางนี้มาก ("Garland"; จัดแสดงในปี 1851 ไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้) อย่างไรก็ตาม ในไม่ช้า เขาก็ละทิ้งงานประติมากรรมและหันไปวาดภาพ กลายเป็นลูกศิษย์ของ Navez แม้ว่าในช่วงหลายปีที่ผ่านมาจะเป็นสัญลักษณ์ของความคลาสสิกที่ล้าสมัย แต่ก็สามารถสอนคำสั่งการวาดภาพอย่างมั่นใจ การสร้างแบบจำลองพลาสติกในการวาดภาพ และความเข้าใจในรูปแบบที่ยิ่งใหญ่ กระแสอิทธิพลอื่นที่มีต่อนายน้อยในเวลานั้นเชื่อมโยงกับมิตรภาพของเขากับ Charles de Groux ด้วยความคุ้นเคยกับผลงานของนักสัจนิยมชาวฝรั่งเศส - Courbet และ Millet มูนิเยร์กำลังมองหางานศิลปะที่มีความหมายลึกซึ้ง ศิลปะแห่งความคิดที่ยิ่งใหญ่ แต่ในตอนแรก เขาไม่ได้หันไปหาธีมสมัยใหม่ แต่หันไปหาภาพวาดทางศาสนาและประวัติศาสตร์ สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือภาพวาด "ตอนจากสงครามชาวนาปี 1797" (พ.ศ. 2418; บรัสเซลส์, พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่) ศิลปินเลือกหนึ่งในฉากสุดท้ายของการจลาจลซึ่งจบลงด้วยความพ่ายแพ้ เขาพรรณนาถึงสิ่งที่เกิดขึ้นในฐานะโศกนาฏกรรมระดับชาติ และในขณะเดียวกันก็แสดงให้เห็นถึงความตั้งใจอันแน่วแน่ของผู้คน ภาพนี้แตกต่างจากงานประเภทอื่น ๆ ของประเภทประวัติศาสตร์เบลเยียมในช่วงหลายปีที่ผ่านมา นี่คือแนวทางที่แตกต่างในการทำความเข้าใจประวัติศาสตร์ และความสมจริงในการพรรณนาตัวละคร และอารมณ์ที่ทะลุปรุโปร่งของภาพที่ปรากฎ และการแนะนำภูมิทัศน์ในฐานะสภาพแวดล้อมที่ก่อให้เกิดเสียง

ในช่วงปลายยุค 70 Meunier ตกอยู่ใน "ประเทศสีดำ" - เขตอุตสาหกรรมของเบลเยียม ที่นี่เขาเปิดโลกใหม่อย่างสมบูรณ์ซึ่งยังไม่ได้สะท้อนให้เห็นในงานศิลปะโดยใคร ปรากฏการณ์ชีวิตที่มีแง่มุมความงามที่แตกต่างกันอย่างสิ้นเชิงกำหนดภาษาศิลปะใหม่ซึ่งเป็นสีพิเศษของพวกเขาเอง Meunier สร้างภาพวาดที่อุทิศให้กับงานของคนงานเหมือง เขาวาดภาพประเภทของคนงานเหมืองและผู้หญิงคนงานเหมือง จับภาพทิวทัศน์ของ "ประเทศสีดำ" แห่งนี้ หมายเหตุหลักในภาพวาดของเขาไม่ใช่ความเห็นอกเห็นใจ แต่เป็นความเข้มแข็งของคนทำงาน นี่คือความสำคัญเชิงนวัตกรรมของงานของ Meunier ผู้คนไม่ได้เป็นเป้าหมายของความสงสารและความเห็นอกเห็นใจ ผู้คนในฐานะผู้สร้างคุณค่าชีวิตที่ยิ่งใหญ่ ด้วยเหตุนี้จึงเรียกร้องทัศนคติที่คู่ควรต่อตนเอง ในการรับรู้ถึงความสำคัญอันยิ่งใหญ่ของคนทำงานในชีวิตของสังคม มูนิเยร์ยืนหยัดอย่างเป็นกลางในระดับเดียวกับนักคิดที่ก้าวหน้าที่สุดในยุคนั้น

ในภาพวาดของเขา Meunier ใช้ภาษาของการสรุป เขาปั้นแบบฟอร์มด้วยความช่วยเหลือของสี การลงสีนั้นเคร่งครัดและถูกควบคุม - จุดสีสันสดใสหนึ่งหรือสองจุดกระจายอยู่ในโทนสีเทาเอิร์ธโทน ทำให้ช่วงเสียงกระด้างทั้งหมด องค์ประกอบเรียบง่ายและยิ่งใหญ่ ใช้จังหวะของเส้นที่เรียบง่ายและชัดเจน ลักษณะเฉพาะคือภาพวาด "Return from the Mine" (c. 1890; Antwerp, Museum) คนงานสามคนราวกับกำลังเคลื่อนตัวไปตามผืนผ้าใบ เป็นภาพเงาที่ชัดเจนตัดกับท้องฟ้าที่มีหมอกควัน การเคลื่อนไหวของตัวเลขซ้ำกันและในขณะเดียวกันก็แตกต่างกันไปตามบรรทัดฐานทั่วไป จังหวะของกลุ่มและจังหวะของพื้นที่ของภาพทำให้เกิดความสมดุลที่กลมกลืนกัน ตัวเลขถูกเลื่อนไปที่ขอบด้านซ้ายของรูปภาพ ระหว่างพวกเขากับกรอบด้านขวาจะมีพื้นที่ว่างเปิดอยู่ ความชัดเจนและลักษณะทั่วไปของภาพเงาของกลุ่ม ความกระชับของภาพของแต่ละร่างทำให้องค์ประกอบของภาพนูนต่ำนูนต่ำพลาสติกเกือบเป็นองค์ประกอบ มูนิเยร์จำอาชีพดั้งเดิมของเขาได้ในทันทีเมื่อหันไปหาหัวข้อใหม่ที่ทำให้เขาทึ่ง การกล่าวโดยทั่วๆ ไป ความพูดน้อยของภาษาพลาสติกไม่สามารถนำมาใช้เพื่อร้องเพลงเกี่ยวกับความงามของแรงงานมนุษย์ได้ดีไปกว่านี้อีกแล้ว ตั้งแต่ช่วงกลางทศวรรษที่ 80 รูปปั้นและภาพนูนต่ำนูนต่ำนูนสูงของ Meunier ปรากฏขึ้นทีละภาพเพื่อยกย่องชื่อของเขา นับเป็นยุคแห่งการพัฒนาศิลปะพลาสติกในศตวรรษที่ 19 ธีมหลักและภาพลักษณ์ของประติมากรคือแรงงาน, คนทำงาน: ค้อน, คนงานเหมือง, ชาวประมง, สาวคนงานเหมือง, ชาวนา ประติมากรรมซึ่งก่อนหน้านี้ถูกจำกัดให้อยู่ในวงแคบๆ ของวัตถุที่มีเงื่อนไขและตัวเลขที่ห่างไกลจากความทันสมัย ​​ผู้คนที่ใช้แรงงานเข้ามาด้วยดอกยางที่หนักและมั่นใจ ภาษาพลาสติก จนกว่าจะผอมลงอย่างสมบูรณ์ ได้รับพลังดุร้ายที่หนักแน่นอีกครั้ง การโน้มน้าวใจอันทรงพลัง ร่างกายมนุษย์แสดงให้เห็นถึงความเป็นไปได้ใหม่ของความงามที่ซ่อนอยู่ในนั้น ในความโล่งใจ "อุตสาหกรรม" (1901; Brussels, Meunier Museum), ความตึงเครียดของกล้ามเนื้อทั้งหมด, ความยืดหยุ่นที่ยืดหยุ่นและความแข็งแรงของตัวเลข, การหายใจลำบากที่ทำให้หน้าอกฉีกขาด, มือบวมหนัก - ทั้งหมดนี้ไม่ได้ทำให้คนเสียโฉม แต่ให้พลังพิเศษและความงามแก่เขา Meunier กลายเป็นผู้ก่อตั้งประเพณีที่น่าทึ่งใหม่ - ประเพณีของการวาดภาพชนชั้นแรงงาน, บทกวีของกระบวนการแรงงาน

ผู้คนที่แสดงโดย Meunier ไม่ได้มีท่าทางที่สวยงามประณีตหรือเป็นแบบดั้งเดิมแบบดั้งเดิม ประติมากรมองเห็นและนำเสนอในตำแหน่งจริงอย่างแท้จริง การเคลื่อนไหวของพวกเขาหยาบคายเช่นใน "The Hauler" ที่แข็งแกร่งและวางมาด (1888; Brussels, Meunier Museum) บางครั้งก็เงอะงะ ("The Pudding Man", 1886; Brussels, Museum of Ancient Art) ในลักษณะที่บุคคลเหล่านี้ยืนหรือนั่ง คุณจะรู้สึกได้ถึงรอยประทับที่เกิดจากการทำงานบนรูปร่างหน้าตาและลักษณะนิสัย และในขณะเดียวกัน ท่าทางของพวกเขาก็เต็มไปด้วยความสวยงามและความแข็งแรงของพลาสติกที่น่าหลงใหล นี่คือประติมากรรมในความหมายที่แท้จริงของคำว่า อาศัยอยู่ในอวกาศ จัดระเบียบรอบตัวมันเอง ร่างกายมนุษย์เผยให้เห็นพลังยืดหยุ่นทั้งหมดภายใต้มือของ Meunier และไดนามิกที่รุนแรง

ภาษาพลาสติกของ Meunier มีลักษณะทั่วไปและกระชับ ดังนั้นในรูปปั้น "The Loader" (ค.ศ. 1905; Brussels, Meunier Museum) จึงมีการสร้างภาพบุคคลไม่มากนักในลักษณะทั่วไป และนี่คือสิ่งที่ทำให้เกิดพลังอันยิ่งใหญ่ในการโน้มน้าวใจ มูนิเยร์ปฏิเสธเสื้อผ้าวิชาการแบบธรรมดา คนงานของเขาสวมที่เรียกว่า "ชุดเอี๊ยม" แต่เสื้อผ้าเหล่านี้จะไม่ทับและไม่ทำให้รูปร่างเล็กลง พื้นผิวผ้าที่กว้างดูเหมือนจะเกาะอยู่รอบๆ กล้ามเนื้อ รอยพับที่แยกจากกัน 2-3 ทบเน้นย้ำถึงการเคลื่อนไหวของร่างกาย หนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของ Meunier คือ Antwerp (1900; Brussels, Meunier Museum) ประติมากรไม่ได้เลือกอุปมาอุปไมยที่เป็นนามธรรม แต่เลือกภาพเฉพาะของคนงานท่าเรือที่เป็นตัวตนของเมืองที่ทำงานหนักและกระตือรือร้น ศีรษะที่ดูดุดันและสมชายชาตรี ได้รับการจัดวางอย่างแน่นหนาบนไหล่ที่เต็มไปด้วยมัดกล้าม ร้องเพลงแรงงาน Meunier ไม่ได้เมินต่อความรุนแรงของมัน งานพลาสติกที่โดดเด่นที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาคือ Mine Gas group (1893; Brussels, Museum of Ancient Art) นี่เป็นรูปแบบที่ทันสมัยอย่างแท้จริงของการไว้ทุกข์ชั่วนิรันดร์โดยแม่ของลูกชายที่เสียชีวิตของเธอ มันรวบรวมเหตุการณ์อันน่าสลดใจจากภัยพิบัติที่เหมือง ร่างหญิงที่โศกเศร้างอตัวด้วยความสิ้นหวังและปิดเสียงเหนือร่างกายเปลือยเปล่าที่ยืดหดเกร็ง

Meunier ได้สร้างรูปแบบและภาพลักษณ์ของคนทำงานนับไม่ถ้วนในช่วงทศวรรษที่ 90 อนุสาวรีย์แห่งแรงงาน มันควรจะรวมถึงภาพนูนต่ำนูนสูงที่ยกย่องแรงงานประเภทต่างๆ - "อุตสาหกรรม", "การเก็บเกี่ยว", "ท่าเรือ" ฯลฯ รวมถึงรูปปั้นทรงกลม - รูปปั้นของ "ผู้หว่าน", "มารดา", "คนงาน" ฯลฯ ความคิดนี้ไม่เคยพบศูนย์รวมสุดท้ายเนื่องจากการตายของปรมาจารย์ แต่ในปี 1930 ได้ดำเนินการในกรุงบรัสเซลส์ตามต้นฉบับของประติมากร อนุสาวรีย์โดยรวมไม่ได้สร้างความประทับใจอย่างมาก สิ่งที่น่าเชื่อยิ่งกว่าคือชิ้นส่วนแต่ละชิ้น เมื่อรวมเข้าด้วยกันในรุ่นสถาปัตยกรรมที่สถาปนิก Orta เสนอกลายเป็นภายนอกที่ค่อนข้างเป็นเศษส่วน

ผลงานของ Meunier ในรูปแบบที่แปลกประหลาดสรุปพัฒนาการของศิลปะเบลเยียมในศตวรรษที่ 19 มันกลายเป็นความสำเร็จสูงสุดของความสมจริงในประเทศนี้ในช่วงเวลาที่กำลังตรวจสอบ ในเวลาเดียวกันความสำคัญของชัยชนะที่สมจริงของ Meunier นั้นเกินขอบเขตของศิลปะประจำชาติเท่านั้น ผลงานที่โดดเด่นของประติมากรมีผลกระทบอย่างมากต่อการพัฒนาพลาสติกของโลก

หลากหลายและมีสีสันมากกว่าสถาปัตยกรรมและประติมากรรมแบบเฟลมิช ภาพวาดแบบเฟลมิชในศตวรรษที่ 17 เผยให้เห็นถึงการผลิบานที่งดงาม ชัดเจนยิ่งกว่าในศิลปะเหล่านี้ ภาษาเฟลมิชอันเป็นนิรันดร์ปรากฏที่นี่จากส่วนผสมของรากฐานทางเหนือและทางใต้ เปรียบเสมือนสมบัติของชาติที่ไม่มีวันถูกทำลาย จิตรกรรมร่วมสมัยไม่มีประเทศอื่นใดที่จับภาพเนื้อหาที่หลากหลายและมีสีสันเช่นนี้ได้ ในวัดใหม่หรือวัดที่ได้รับการบูรณะ แท่นบูชาแบบบาโรกขนาดมหึมาหลายร้อยแท่นกำลังรอภาพวาดของนักบุญบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่ ในพระราชวังและบ้านเรือน กำแพงอันกว้างใหญ่ต่างโหยหาภาพวาดขาตั้งในตำนาน เชิงเปรียบเทียบและประเภท ใช่แล้ว และการถ่ายภาพบุคคลซึ่งพัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 16 เป็นภาพบุคคลขนาดเท่าตัวจริงยังคงเป็นศิลปะที่ยอดเยี่ยมในความหมายที่สมบูรณ์ของคำ โดยผสมผสานความเป็นธรรมชาติที่น่าหลงใหลเข้ากับการแสดงออกอันสูงส่ง

ถัดจากภาพวาดขนาดใหญ่นี้ซึ่งเบลเยียมร่วมกับอิตาลีและฝรั่งเศสเจริญรุ่งเรืองที่นี่ สืบสานประเพณีเก่าแก่ ภาพวาดตู้ดั้งเดิม ส่วนใหญ่อยู่บนกระดานไม้หรือทองแดงขนาดเล็ก ร่ำรวยผิดปกติ โอบกอดทุกสิ่งที่ปรากฎ ไม่ละเลยเรื่องศาสนา ตำนานหรือเชิงเปรียบเทียบ ชอบใช้ชีวิตประจำวันของประชากรทุกชนชั้น โดยเฉพาะชาวนา คนขับรถแท็กซี่ ทหาร พราน และกะลาสีในทุกรูปแบบ ภูมิทัศน์หรือพื้นหลังห้องที่ออกแบบของภาพวาดขนาดเล็กเหล่านี้กลายเป็นภาพวาดภูมิทัศน์และสถาปัตยกรรมอิสระในมือของปรมาจารย์บางคน ชุดนี้จบด้วยภาพดอกไม้ ผลไม้ และสัตว์ สำหรับเรือนเพาะชำและโรงเลี้ยงสัตว์ของขุนนางฝ่ายปกครองในกรุงบรัสเซลส์ การค้าในต่างประเทศนำมาซึ่งความมหัศจรรย์ของพืชและสัตว์ ความมีชีวิตชีวาของรูปแบบและสีสันไม่สามารถมองข้ามได้โดยศิลปินที่เชี่ยวชาญในทุกสิ่ง

ด้วยเหตุนี้ในเบลเยียมจึงไม่มีพื้นที่สำหรับการวาดภาพบนกำแพงขนาดใหญ่อีกต่อไป ยกเว้นภาพวาดของรูเบนส์ในโบสถ์แอนต์เวิร์ปเยซูอิตและชุดภาพทิวทัศน์สองสามชุด ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่แห่งเบลเยียมได้สร้างภาพวาดขนาดใหญ่บนผืนผ้าใบ ภาพวาดฝาผนังและเพดานสำหรับผู้ปกครองต่างประเทศ และการลดลงของเทคนิคพรมบรัสเซลส์ การมีส่วนร่วมของ Rubens นั้นเพิ่มขึ้นเพียงชั่วคราวทำให้การมีส่วนร่วมนั้นไม่จำเป็น ปรมาจารย์ชาวเบลเยียมคนอื่น ๆ เช่น Jordans และ Teniers แต่ปรมาจารย์ชาวเบลเยียมมีชื่อเสียงแม้ว่าจะไม่ลึกเท่าชาวดัตช์ แต่ก็มีส่วนร่วมในการพัฒนาการแกะสลักและการแกะสลักต่อไป ชาวดัตช์โดยกำเนิดเคยเป็นช่างแกะสลักที่เก่งที่สุดมาก่อนรูเบนส์ และการมีส่วนร่วมของจิตรกรชาวเบลเยียมที่ยิ่งใหญ่ที่สุด: รูเบนส์ จอร์แดนเซส แวนไดคส์ บราวเวอร์ส และเทเนียร์ใน

แอนต์เวิร์ปซึ่งเป็นเมืองการค้าของชาวโลว์เยอรมันผู้มั่งคั่งบน Scheldt ปัจจุบันกลายเป็นเมืองหลวงของการวาดภาพแบบโลว์เนเธอร์แลนด์มากกว่าที่เคย ภาพวาดของบรัสเซลส์บางทีอาจเป็นเฉพาะในแนวนอนที่มองหาเส้นทางอิสระกลายเป็นสาขาหนึ่งของศิลปะแอนต์เวิร์ป แม้แต่ภาพวาดของศูนย์ศิลปะเฟลมิชเก่าแก่อย่าง Bruges, Ghent และ Mecheln ในตอนแรกก็มีความสัมพันธ์กับเวิร์กช็อป Antwerp เท่านั้น แต่ในส่วนของวัลลูนของเบลเยียม เช่นในลุตทิช เราสามารถติดตามความน่าสนใจที่เป็นอิสระของชาวอิตาลีและฝรั่งเศสได้

สำหรับประวัติศาสตร์ทั่วไปของจิตรกรรมเฟลมิชในศตวรรษที่ 17 นอกเหนือจากการรวบรวมแหล่งวรรณกรรมโดย Van Mander, Goubraken, de Bie, Van Gool และ Weyermann แล้ว คำศัพท์ของ Immerseel, Kramm และ Wurzbach รวมเป็นหนังสือที่ล้าสมัยเพียงบางส่วน โดย Michiels, Waagen, Waters, Rigel และ Philippi มีความสำคัญ ในมุมมองของความสำคัญที่โดดเด่นของศิลปะของ Scheldt เราอาจกล่าวถึงประวัติของศิลปะ Antwerp โดย Van den Branden และ Rooses ซึ่งแน่นอนว่าต้องมีการเพิ่มเติมและเปลี่ยนแปลง บทที่เกี่ยวข้องของผู้แต่งหนังสือเล่มนี้ใน History of Painting ของเขาและ Woltmann นั้นมีรายละเอียดที่ล้าสมัยไปแล้ว

จิตรกรรมเฟลมิชในศตวรรษที่ 17 ได้รับอิสรภาพอย่างสมบูรณ์ในการจัดภาพและการดำเนินการ ความเป็นอันหนึ่งอันเดียวกันของการวาดและสีภายใน ความกว้างและความแข็งแกร่งที่ราบรื่นที่สุดอยู่ในมือสร้างสรรค์ของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ ปีเตอร์ พอล รูเบนส์ ซึ่งทำให้แอนต์เวิร์ปเป็นศูนย์กลางสำหรับการส่งออก ภาพวาดสำหรับยุโรปทั้งหมด อย่างไรก็ตาม ไม่มีการขาดแคลนผู้เชี่ยวชาญที่ยืนอยู่ในช่วงเปลี่ยนผ่านระหว่างทิศทางเก่าและใหม่

ในภาคที่เหมือนจริงระดับประเทศ ด้วยภาพขนาดเล็กที่มีฉากหลังเป็นภูมิทัศน์ที่พัฒนาแล้ว มีเพียงเสียงสะท้อนของความยิ่งใหญ่และความฉับไวของ Pieter Brueghel the Elder เท่านั้นที่ยังมีชีวิตอยู่ การแสดงภาพทิวทัศน์ในยุคเปลี่ยนผ่านยังคงอยู่ใน "รูปแบบเวที" ที่สร้างโดย Giliss Van Coninxloo ด้วยใบไม้ที่ขึ้นเป็นกระจุก และก้าวข้ามความยากของมุมมองทางอากาศและเชิงเส้นด้วยการพัฒนาโทนสีต่างๆ แยกกัน สลับกันไปมา ผู้ก่อตั้งภาพวาดภูมิทัศน์ในปัจจุบันคือพี่น้องตระกูล Antwerp Matthäus และ Paul Bril (1550-1584 และ 1554-1626) ก็ดำเนินการจากรูปแบบที่มีเงื่อนไขนี้เช่นกันเกี่ยวกับการพัฒนาที่แทบไม่มีใครรู้ จู่ๆ มัทเธอุส บรีลก็ปรากฏตัวในฐานะจิตรกรภาพจิตรกรรมฝาผนังในวาติกันในกรุงโรม หลังจากเสียชีวิตก่อนวัยอันควร พอล บรีล เพื่อนของน้องชายของเขาในวาติกัน ได้พัฒนาภูมิทัศน์สไตล์เนเธอร์แลนด์แบบใหม่ในขณะนั้นเพิ่มเติม ภาพวาดของแท้ของ Matthäus เพียงไม่กี่ชิ้นเท่านั้นที่รอดชีวิตมาได้ ยิ่งมาจากเปาโลซึ่งมีทัศนียภาพของสงฆ์และพระราชวังในนครวาติกัน ในลาเตรัน และในพระราชวังรอสปิกลิโอซีในซานตา เซซิเลีย และซานตามาเรีย มัจจอเร ในกรุงโรม ข้าพเจ้าได้รายงานในที่อื่น เพียงแต่ค่อย ๆ เคลื่อนผ่านไปภายใต้อิทธิพลของเสรีชน ด้วยความเป็นหนึ่งเดียวกันมากขึ้นของภูมิทัศน์ที่ดำเนินการโดย Annibale Carracci ไปจนถึงรูปแบบการเปลี่ยนผ่านที่สมดุลตามที่ระบุไว้ข้างต้น การพัฒนาเพิ่มเติมของ Bril ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของประวัติศาสตร์ทั่วไปของการวาดภาพทิวทัศน์ สะท้อนให้เห็นในภูมิทัศน์ขนาดเล็กบนกระดานจำนวนมาก บางส่วนถูกทำเครื่องหมายไว้หลายปี (1598 ใน Parma, 1600 ใน Dresden, 1601 ในมิวนิก, 1608 และ 1624 ใน Dresden , 1609, 1620 และ 1624 - ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์, 1626 - ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) มักจะมีต้นไม้มากมายโดยไม่ค่อยพยายามสื่อถึงพื้นที่ใดพื้นที่หนึ่ง ไม่ว่าในกรณีใด Paul Bril เป็นของผู้ก่อตั้งสไตล์ภูมิทัศน์ซึ่งศิลปะของ Claude Lorrain เติบโต

ในเนเธอร์แลนด์ Antwerp Josse de Momper (1564 - 1644) ซึ่งเป็นตัวแทนที่ดีที่สุดในเมืองเดรสเดนได้พัฒนารูปแบบเวที Koninxloo ในการวาดภาพทิวทัศน์ของภูเขาอย่างชาญฉลาด โดยไม่ได้เต็มไปด้วยต้นไม้มากนัก ซึ่งมี "พื้นหลังสามแบบ" บางครั้งก็มีการเพิ่ม แสงตะวันดวงที่สี่มักจะปรากฏในความงามของสีน้ำตาล-เขียว-เทา-น้ำเงินทั้งหมด

อิทธิพลของภาพวาดเก่าโดย Bril สะท้อนให้เห็นในลูกชายคนที่สองของ Peter Brueghel the Elder, Jan Brueghel the Elder (1568 - 1625) ก่อนที่เขาจะกลับไปที่ Antwerp ในปี 1596 ซึ่งทำงานในกรุงโรมและมิลาน Crivi และ Michel อุทิศงานแยกต่างหากให้กับเขา เขาวาดภาพขนาดเล็กเป็นส่วนใหญ่ บางครั้งก็เป็นภาพขนาดจิ๋วซึ่งให้ความรู้สึกถึงภูมิทัศน์ แม้ว่าภาพเหล่านั้นจะแสดงถึงธีมในพระคัมภีร์ไบเบิล เชิงเปรียบเทียบหรือประเภทก็ตาม พวกเขายึดมั่นในสไตล์ Coninksloo อย่างเหนียวแน่นด้วยใบไม้กระจุก แม้ว่าพวกเขาจะสื่อถึงการเปลี่ยนผ่านร่วมกันของพื้นหลังทั้งสามอย่างละเอียดยิ่งขึ้น ลักษณะเฉพาะของความเก่งกาจของ Jan Brueghel คือเขาวาดพื้นหลังแนวนอนสำหรับจิตรกรวาดภาพเช่น Balin ร่างสำหรับจิตรกรภูมิทัศน์เช่น Momper พวงหรีดดอกไม้สำหรับปรมาจารย์เช่น Rubens เป็นที่รู้จักจากผลงาน "Fall" ของพิพิธภัณฑ์กรุงเฮกที่เขียนใหม่และละเอียดอ่อน ซึ่งรูเบนส์วาดภาพอดัมกับอีฟ และยาน บรูเกล ภูมิทัศน์และสัตว์ต่างๆ ภูมิประเทศของเขาเองซึ่งพรั่งพร้อมไปด้วยชีวิตชาวบ้านที่ผสมผเส แต่ยังไม่แสดงออกอย่างชัดเจนในการถ่ายทอดท้องฟ้าด้วยเมฆ พื้นที่ส่วนใหญ่เป็นเนินเขาซึ่งได้รับน้ำจากแม่น้ำ ที่ราบที่มีกังหันลม ถนนในหมู่บ้านที่มีฉากโรงเตี๊ยม คลองที่มีตลิ่งเป็นป่า ถนนในชนบทที่พลุกพล่าน บนป่าสูงและถนนในป่าที่มีคนตัดไม้และนายพรานคอยเฝ้าดูอยู่เต็มตาและจริงใจ ภาพวาดในยุคแรกของเขาสามารถชมได้ที่ Ambrosiana ของมิลาน เป็นตัวแทนที่ดีที่สุดในมาดริด รวมทั้งในมิวนิก เดรสเดน เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก และปารีส สิ่งที่สำคัญเป็นพิเศษในแง่ของการค้นหาวิธีการใหม่ๆ คือการวาดภาพดอกไม้ของเขา ซึ่งสื่อให้เห็นได้อย่างน่าเชื่อถือที่สุด ไม่เพียงถ่ายทอดความงามของรูปแบบและความสว่างของสีสันของสีหายากเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการผสมผสานของสีเหล่านั้นด้วย ภาพสีฝีแปรงของเขามีกรุงมาดริด เวียนนา และเบอร์ลิน

ในบรรดาผู้ร่วมงานของเขา เราไม่ควรพลาด Hendrik van Balen (1575 - 1632) ซึ่งอาจารย์ของเขาถือเป็นอาจารย์คนที่สองของ Rubens คือ Adam van Noort ภาพวาดบนแท่นบูชาของเขา (เช่น ในโบสถ์จาค็อบในแอนต์เวิร์ป) เป็นสิ่งที่ทนไม่ได้ เขาเริ่มมีชื่อเสียงจากภาพวาดเล็กๆ เรียบๆ น้ำตาลบนกระดานที่มีเนื้อหาส่วนใหญ่มาจากนิทานโบราณ เช่น งานฉลองเทพเจ้าในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์, อาเรียดน์ในเดรสเดน, การรวบรวมมานาในบรันสวิก แต่ภาพวาดประเภทนี้ของเขาก็ขาดไปเช่นกัน ความสดและความฉับไวทางศิลปะ

รูปแบบภูมิทัศน์ในช่วงเปลี่ยนผ่านที่อธิบายไว้ข้างต้นยังคงดำเนินต่อไป อย่างไรก็ตาม ในหมู่นักลอกเลียนแบบที่อ่อนแอจนถึงต้นศตวรรษที่ 18 ที่นี่เราสามารถสังเกตได้เฉพาะปรมาจารย์ที่แข็งแกร่งที่สุดของทิศทางนี้ซึ่งโอนไปยังฮอลแลนด์ David Winkboons จาก Mecheln (1578 - 1629) ซึ่งย้ายจาก Antwerp ไปยัง Amsterdam วาดภาพป่าสดและฉากหมู่บ้าน ในบางครั้งยังมีฉากในพระคัมภีร์ไบเบิลในแนวนอน การตั้งค่า แต่ส่วนใหญ่เต็มใจวันหยุดวัดหน้าร้านเหล้าในหมู่บ้าน ภาพวาดที่ดีที่สุดของเขาใน Augsburg, Hamburg, Braunschweig, มิวนิค, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กนั้นถูกสังเกตโดยตรงและวาดด้วยสีดอกไม้โดยไม่ต้องใช้กำลัง Rellant Savery of Courtrai (ค.ศ. 1576 - 1639) ซึ่งเคิร์ต เอราสมุสอุทิศงานเขียนด้วยความรัก ศึกษาภูเขาป่าไม้ของเยอรมันในการรับใช้ของรูดอล์ฟที่ 2 หลังจากนั้นเขาลงหลักปักฐานเป็นจิตรกรและช่างแกะสลัก ครั้งแรกในอัมสเตอร์ดัม จากนั้นในอูเทรคต์ แสงที่เต็มไปด้วยแสงของเขา ค่อยๆ รวมระนาบสามระนาบเข้าด้วยกัน แต่ค่อนข้างแห้งในการดำเนินการ ภูมิประเทศที่เป็นภูเขา หิน และป่า ซึ่งสามารถมองเห็นได้ดีในเวียนนาและเดรสเดน เขาติดตั้งกลุ่มสัตว์ป่าและสัตว์เชื่องที่มีชีวิตในฉากการล่าสัตว์ ในรูปของ สวรรค์และ Orpheus นอกจากนี้เขายังเป็นจิตรกรดอกไม้อิสระรุ่นแรกๆ Adam Willaerts จาก Antwerp (1577 เสียชีวิตหลังปี 1649) ซึ่งย้ายไป Utrecht ในปี 1611 เป็นตัวแทนของภาพทะเลในรูปแบบการเปลี่ยนผ่านนี้ มุมมองชายฝั่งและทะเลของเขา (เช่น ในเดรสเดน, ที่เวเบอร์ในฮัมบูร์ก, ในหอศิลป์ลิกเตนสไตน์) ยังคงแห้งแล้งในรูปแบบของคลื่น ยังคงหยาบคายในการวาดภาพชีวิตบนเรือ แต่มีเสน่ห์ด้วยความซื่อสัตย์ของความสัมพันธ์ของพวกเขากับธรรมชาติ ในที่สุด Alexander Kerrinx แห่ง Antwerp (1600 - 1652) ผู้ซึ่งได้ถ่ายทอดศิลปะภูมิทัศน์แบบเฟลมิชของเขาไปยังอัมสเตอร์ดัม ยังคงติดตาม Coninxloe ในภาพเขียนที่มีลายเซ็นของเขา แต่ในภาพเขียนต่อมาของ Brunswick และ Dresden เห็นได้ชัดว่าได้รับอิทธิพลจากวรรณยุกต์ดัตช์สีน้ำตาลของ Van Goyen จิตรกรรม. . ดังนั้นเขาจึงเป็นส่วนหนึ่งของผู้นำการเปลี่ยนผ่านในความหมายที่สมบูรณ์ที่สุดของคำ

ในบรรดาปรมาจารย์ Antwerp ประเภทนี้ที่ยังคงอยู่ที่บ้าน Sebastian Vranks (1573 - 1647) เผยให้เห็นถึงความสำเร็จที่ไม่ต้องสงสัยในฐานะจิตรกรภูมิทัศน์และจิตรกรม้า นอกจากนี้เขายังพรรณนาใบไม้ในรูปแบบของพวงซึ่งส่วนใหญ่มักจะห้อยเหมือนต้นเบิร์ช แต่ให้การเชื่อมต่อที่เป็นธรรมชาติมากขึ้นให้ความชัดเจนใหม่แก่โทนสีโปร่งสบายและรู้วิธีถ่ายทอดตัวละครที่สำคัญต่อการกระทำของสิ่งที่เขียนอย่างมั่นใจและสอดคล้องกัน ม้าและคนขี่ในฉากการต่อสู้และการโจรกรรมของเขาที่สามารถพบเห็นได้ เช่น ในเมืองบราวน์ชไวค์ เมือง Aschaffenburg เมือง Rotterdam และเมือง Weber ในเมืองฮัมบวร์ก

ในที่สุดในการวาดภาพสถาปัตยกรรมในช่วงต้นศตวรรษที่ 16 ตามเส้นทางของ Steenwick the Elder เขาได้พัฒนารูปแบบการเปลี่ยนผ่านซึ่งประกอบด้วยการแทนที่ตัวอักษรอย่างค่อยเป็นค่อยไปตามธรรมชาติด้วยเสน่ห์ทางศิลปะ Gendrik Steenwick the Younger ลูกชายของเขา (1580 - 1649) ) ซึ่งย้ายไปลอนดอนและถัดจากเขาคือ Peter Neefs the Elder (1578 - 1656) ซึ่งมองเห็นการตกแต่งภายในของโบสถ์ได้ในเดรสเดน, มาดริด, ปารีสและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

โดยทั่วไปแล้ว การวาดภาพแบบเฟลมิชเห็นได้ชัดว่าอยู่บนเส้นทางที่ถูกต้องในการหวนคืนสู่งานศิลปะขนาดเล็ก เมื่องานศิลปะอันยิ่งใหญ่ของรูเบนส์ลอยขึ้นเหนือภาพวาดราวกับดวงอาทิตย์และพามันไปสู่อาณาจักรแห่งแสงสว่างและเสรีภาพไปพร้อมๆ กัน

Peter Paul Rubens (1577 - 1640) - ดวงอาทิตย์ที่ศิลปะเบลเยียมทั้งหมดในศตวรรษที่ 17 หมุนรอบ แต่ในขณะเดียวกันก็เป็นหนึ่งในผู้ส่องสว่างที่ยิ่งใหญ่ของศิลปะยุโรปในยุคนี้ ตรงกันข้ามกับจิตรกรสไตล์บาโรกชาวอิตาลี เขาคือตัวแทนหลักของภาพวาดสไตล์บาโรก ความสมบูรณ์ของรูปแบบ อิสระในการเคลื่อนไหว การครอบงำเหนือมวลชน ซึ่งให้ความงดงามราวกับภาพวาดแก่สถาปัตยกรรมสไตล์บาโรก ในภาพวาดของรูเบนส์ พวกเขาละทิ้งความหนักเบาของหิน และด้วยความหรูหราของสีที่ทำให้มึนเมา ทำให้ได้รับสิทธิ์ใหม่ที่เป็นอิสระ ออก. ด้วยอำนาจแห่งรูปบุคคล ความยิ่งใหญ่ขององค์ประกอบ ความบริบูรณ์ของแสงและสี ความหลงใหลในชีวิตในการถ่ายทอดการกระทำอย่างกะทันหัน ความแข็งแกร่งและไฟในการปลุกเร้าชีวิตทางร่างกายและจิตวิญญาณของชายหญิงที่มีเนื้อหนังของเขา ร่างที่แต่งตัวและไม่ได้แต่งตัวเขาเหนือกว่าปรมาจารย์คนอื่น ๆ ทั้งหมด ร่างกายที่หรูหราของหญิงสาวผมสีขาวของเขาที่มีแก้มอิ่ม ริมฝีปากอิ่ม และรอยยิ้มที่ร่าเริงเปล่งประกายด้วยความขาว ผิวของฮีโร่ชายของเขาถูกเผาไหม้ด้วยแสงแดด และหน้าผากที่นูนหนาของพวกเขาก็มีชีวิตชีวาขึ้นด้วยคิ้วที่โค้งอันทรงพลัง ภาพบุคคลของเขาเป็นภาพที่สดใหม่และดีต่อสุขภาพที่สุด ไม่ใช่ภาพบุคคลและใกล้ชิดที่สุดในช่วงเวลานั้น ไม่มีใครรู้วิธีขยายพันธุ์สัตว์ป่าและสัตว์เชื่องได้อย่างชัดเจนเท่าเขา แม้ว่าในกรณีส่วนใหญ่เขาจะไม่มีเวลา เขาจึงฝากให้ผู้ช่วยวาดภาพพวกมันไว้ในภาพวาดของเขา ในภูมิทัศน์การดำเนินการที่เขามอบหมายให้ผู้ช่วยเขาเห็นอย่างแรกคือผลกระทบทั่วไปเนื่องจากชีวิตในบรรยากาศ แต่ตัวเขาเองวาดภาพทิวทัศน์ที่น่าทึ่งแม้ในวัยชรา ศิลปะของเขาครอบคลุมทั้งโลกแห่งปรากฏการณ์ทางจิตวิญญาณและทางกายภาพ ความซับซ้อนทั้งหมดของอดีตและปัจจุบัน ภาพวาดแท่นบูชาและภาพวาดแท่นบูชาอีกครั้งที่เขาวาดสำหรับโบสถ์ เขาวาดภาพบุคคลและภาพเหมือนสำหรับตัวเขาเองและเพื่อนของเขาเป็นหลัก ภาพในตำนาน เชิงเปรียบเทียบ ภาพประวัติศาสตร์ และฉากการล่าสัตว์ที่เขาสร้างขึ้นเพื่อผู้ยิ่งใหญ่ของโลกนี้ ภาพวาดทิวทัศน์และประเภทเป็นงานเสริมเป็นครั้งคราว

คำสั่งซื้อถล่มรูเบนส์ มีภาพวาดอย่างน้อยสองพันภาพออกมาจากสตูดิโอของเขา ความต้องการงานศิลปะของเขาอย่างมากทำให้เกิดการทำซ้ำของภาพวาดทั้งหมดหรือแต่ละส่วนด้วยมือของนักเรียนและผู้ช่วยของเขา เมื่อถึงจุดสูงสุดของชีวิต เขามักจะทิ้งภาพวาดด้วยมือให้กับผู้ช่วยของเขา มีการเปลี่ยนแปลงทั้งหมดระหว่างงานเขียนด้วยลายมือของเขาเองกับภาพวาดของสตูดิโอซึ่งเขาให้ภาพร่างเท่านั้น ด้วยความคล้ายคลึงกันของรูปแบบพื้นฐานและอารมณ์พื้นฐาน ภาพวาดของเขาเองเผยให้เห็นถึงการเปลี่ยนแปลงรูปแบบที่สำคัญ เหมือนกับของหลายๆ คนในรุ่นราวคราวเดียวกัน ตั้งแต่การสร้างแบบจำลองพลาสติกแข็งและการเขียนหนาและหนัก ไปจนถึงการใช้สีที่เบากว่า อิสระกว่า และสดใส ไปจนถึง โครงร่างที่มีชีวิตชีวามากขึ้น ไปจนถึงการสร้างแบบจำลองที่นุ่มนวล โปร่งสบาย และเต็มไปด้วยอารมณ์ สว่างไสวด้วยโทนสีดอกไม้ของภาพวาดโทนสี

หัวของวรรณกรรมล่าสุดเกี่ยวกับรูเบนส์คืองานสะสมที่คิดขึ้นอย่างกว้างๆ ของแม็กซ์ รูสส์: The Works of Rubens (1887-1892) งานชีวประวัติที่ดีที่สุดและสำคัญที่สุดคืองานของรูสและมิเชล ผลงานที่รวบรวมหลังจาก Waagen ได้รับการตีพิมพ์โดย Jakob Burchardt, Robert Fischer, Adolf Rosenberg และ Wilhelm Bode คำถามแยกต่างหากเกี่ยวกับ Rubens ได้รับการวิเคราะห์โดย Ruelens, Voltman, Riegel, Geller von Ravensburg, Grossman, Riemanns และคนอื่นๆ Rubens เป็นช่างแกะสลักที่ Gimans และ Voorthelm-Schnevogt

รูเบนส์เกิดที่เมืองซีเกน ใกล้เมืองโคโลญจน์ จากแอนต์เวิร์ปซึ่งเป็นที่นับถือ และได้รับการศึกษาศิลปะครั้งแรกในเมืองของบิดาของเขาจากโทเบียส แวร์เฮกต์ (1561 - 1631) ซึ่งเป็นจิตรกรภูมิทัศน์ธรรมดาๆ ของรูปแบบการเปลี่ยนผ่าน จากนั้นศึกษาเป็นเวลาสี่ปีกับอดัม แวน Noort (1562 - 1641) หนึ่งในปรมาจารย์ทั่วไปของลัทธิอิตาเลียนที่มีมารยาทดังที่ทราบกันในขณะนี้ จากนั้นทำงานอีกสี่ปีกับ Otto Van Ven ซึ่งเป็นนิยายที่ร่ำรวยและว่างเปล่าในรูปแบบของคลาสสิกจอมปลอม ในตอนแรกเขาเข้าร่วมอย่างใกล้ชิดและในปี ค.ศ. 1598 ก็กลายเป็นหัวหน้ากิลด์ ในปี 1908 Habertzwil ได้อุทิศบทความโดยละเอียดให้กับอาจารย์ทั้งสามคนของ Rubens เป็นไปไม่ได้ที่จะสร้างภาพเดียวของยุค Antwerp ตอนต้นของ Rubens อย่างแน่นอน ตั้งแต่ปี 1600 ถึง 1608 เขาอาศัยอยู่ในอิตาลี ครั้งแรกในเวนิส จากนั้นส่วนใหญ่ให้บริการของ Vincenzo Gonzaga ใน Mantua แต่แล้วในปี ค.ศ. 1601 ในกรุงโรม สำหรับแท่นบูชาทั้งสามแห่งของโบสถ์ซานตาโครเชในเกรูซาเลมม์ เขาวาดภาพการค้นพบไม้กางเขน การประดับด้วยหนาม และความสูงส่งของไม้กางเขน ภาพวาดทั้งสามนี้ซึ่งปัจจุบันอยู่ในโบสถ์ของโรงพยาบาลในเมืองกราสส์ทางตอนใต้ของฝรั่งเศส เผยให้เห็นรูปแบบในยุคแรกของอิตาลีที่ยังคงค้นหาตัวเอง โดยยังคงได้รับอิทธิพลจากสำเนาของ Tintoretto, Titian และ Correggio แต่เต็มไปด้วยความดิ้นรนอย่างอิสระอยู่แล้ว เพื่อความแข็งแรงและการเคลื่อนไหว ในปี 1603 นายน้อยไปสเปนโดยได้รับคำสั่งจากเจ้าชายของเขา จากภาพเขียนที่เขาวาดที่นั่น ร่างของนักปรัชญาเฮราคลิตุส เดโมคริตุส และอาร์คิมิดีสในพิพิธภัณฑ์มาดริดเผยให้เห็นถึงรูปแบบที่ขี้โอ่และพึ่งพาอาศัยกัน แต่ยังสร้างความประทับใจให้กับความลึกทางจิตวิทยาด้วย เมื่อกลับมาที่ Mantua รูเบนส์วาดภาพฉากแท่นบูชาขนาดใหญ่สามส่วน ภาพตรงกลางเป็นภาพแสดงความเคารพของครอบครัวกอนซากาต่อนักบุญ ทรินิตี้ได้รับการเก็บรักษาไว้เป็นสองส่วนในห้องสมุด Mantua และจากภาพเขียนด้านข้างที่กว้างและมากมาย แสดงให้เห็นถึงพลังที่เพิ่มขึ้นเรื่อย ๆ ของรูปแบบและการกระทำของมวลชน การล้างบาปของพระคริสต์จบลงที่พิพิธภัณฑ์ Antwerp และการแปลงร่างใน พิพิธภัณฑ์แนนซี จากนั้นในปี ค.ศ. 1606 อาจารย์ได้วาดภาพในกรุงโรมอีกครั้งสำหรับ Chiesa Nuova อันงดงามซึ่งเต็มไปด้วยพลังแห่งรูเบนเซียนอยู่แล้วในร่างที่เต็มไปด้วยแสงของเขา ซึ่งเป็นแท่นบูชาของอัสสัมชัญของนักบุญ Gregory” ซึ่งปัจจุบันเป็นเจ้าของโดย Grenoble Museum และในกรุงโรมถูกแทนที่ด้วยอีกสามคนในปี 1608 ซึ่งไม่ใช่ภาพวาดที่ดีที่สุดโดยปรมาจารย์คนเดียวกันเลย สิ่งที่ชวนให้นึกถึงสไตล์ของคาราวัจโจได้ชัดเจนยิ่งขึ้นคือ "การเข้าสุหนัตของพระคริสต์" ในปี 1607 ที่ Sant'Ambrogio ในเมืองเจนัว อย่างไรก็ตาม นักวิจัยเช่น Rooses และ Rosenberg ระบุว่าปรมาจารย์มาจากยุคอิตาลี เมื่อเขาคัดลอกผลงานของ Titian, Tintoretto, Correggio, Caravaggio, Leonardo, Michelangelo และ Raphael และภาพวาดหลายภาพด้วยพู่กันของเขา ซึ่งเห็นได้ชัดว่าเขียนขึ้น ภายหลัง. อุปมาอุปไมยขนาดใหญ่เกี่ยวกับการจัดแสดงและคุณธรรมในเดรสเดนซึ่งมีต้นกำเนิดจากมันตัว มีรูปแบบและสีสันที่แข็งแกร่ง หากไม่ได้เขียนไว้ ดังที่มิเชลคิดกับเรา ประมาณปี 1608 ในเมืองมันตัว เราค่อนข้างยอมรับพร้อมกับลางสังหรณ์ว่าปรากฏตาม การกลับมาของ Rubens สู่บ้านเกิดของเขามากกว่ากับ Roosers ซึ่งเขียนขึ้นก่อนการเดินทางไป Antwerp ที่อิตาลี ภาพที่วาดอย่างมั่นใจและจำลองด้วยพลาสติกของเจอโรมในเดรสเดนยังเผยให้เห็นถึงลักษณะเฉพาะของรูเบนเซียน ซึ่งบางทีอาจพัฒนาเกินไปสำหรับยุคอิตาลีของเขา ซึ่งตอนนี้เราให้เหตุผลว่าภาพนี้ เมื่อรูเบนส์กลับมาที่แอนต์เวิร์ปในปี 1608 แล้วในปี 1609 เขาได้รับแต่งตั้งให้เป็นจิตรกรในราชสำนักของอัลเบรทช์และอิซาเบลลา และสไตล์ของเขาซึ่งเป็นอิสระอยู่แล้ว ได้พัฒนาอย่างรวดเร็วไปสู่พลังอันยิ่งใหญ่และความยิ่งใหญ่

ความยุ่งเหยิงในการจัดองค์ประกอบ กระสับกระส่ายในโครงร่าง เอฟเฟกต์แสงที่ไม่สม่ำเสมอคือ Adoration of the Magi (1609-1610) ของเขาในกรุงมาดริด ซึ่งถูกทำเครื่องหมายด้วยการเคลื่อนไหวอันทรงพลัง เต็มไปด้วยชีวิตชีวาและความหลงใหล ทรงพลังในการสร้างแบบจำลองของกล้ามเนื้อ ภาพสามส่วนที่โด่งดังของเขา "ความสูงส่งของไม้กางเขน" ในอาสนวิหารแอนต์เวิร์ป ความทรงจำของอิตาลีที่แข็งแกร่งยิ่งขึ้นสามารถสัมผัสได้ในภาพในตำนานที่เกิดขึ้นพร้อมๆ กัน เช่น วีนัส คิวปิด แบคคัสและเซเรสในคัสเซิล และโพรมีธีอุสที่ล่ามโซ่ในโอลเดนเบิร์ก ตัวอย่างลักษณะเฉพาะของภาพบุคคลขนาดใหญ่ในยุคนี้คือภาพบุคคลแนวนอนของอัลเบรทช์และอิซาเบลลาในมาดริด และภาพมิวนิคอันงดงาม ซึ่งเป็นตัวแทนของเจ้านายสายน้ำผึ้งกับอิซาเบลลา แบรนต์ ภรรยาสาวของเขา ซึ่งนำกลับไปยังบ้านเกิดของเขาในปี 1609 เป็นภาพที่หาที่เปรียบไม่ได้ของความรักที่สงบสุขบริสุทธิ์

ศิลปะของรูเบนส์ค้นพบเที่ยวบินต่อไประหว่างปี 1611 ถึง 1614 ภาพวาดขนาดใหญ่ "Descent from the Cross" พร้อม "Visit Mary Elizabeth" และ "Entrance to the Temple" อันสง่างามบนปีกในวิหาร Antwerp ถือเป็นงานชิ้นแรกที่อาจารย์นำประเภทและวิธีการเขียนของเขา สู่การพัฒนาอย่างเต็มที่ ที่ยอดเยี่ยมคือความมีชีวิตชีวาที่น่าหลงใหลของการเคลื่อนไหวของแต่ละคน ที่ยอดเยี่ยมยิ่งกว่าคือพลังที่ทะลุทะลวงของการแสดงภาพ ภาพวาดในตำนานเช่น "โรมูลุสและรีมัส" ในหอศิลป์ Capitoline, "Faun and Faun" ในหอศิลป์ Schonborn ในเวียนนาก็เป็นของปีนี้เช่นกัน

ภาพวาดโดย Rubens ในปี 1613 และ 1614 มีความมั่นใจในการจัดองค์ประกอบ มีรูปแบบและสีที่ชัดเจน เป็นภาพเขียนบางภาพที่มีชื่อและปีที่ประหารชีวิตเป็นข้อยกเว้น เช่นรูปแบบที่บริสุทธิ์ ภาพวาดสีสวยงาม “จูปิเตอร์และคาลลิสโต” (1613) เต็มไปด้วยแสงมหัศจรรย์ “บินสู่อียิปต์” ในคัสเซิล “ดาวศุกร์แช่แข็ง” (1614) ในแอนต์เวิร์ป “การคร่ำครวญ” ที่น่าสมเพช (1614) ใน เวียนนาและ "ซูซานนา" (ค.ศ. 1614) ในสตอกโฮล์ม ซึ่งร่างกายของเขาไม่น่าสงสัยและเข้าใจได้ดีกว่าร่างกายที่หรูหราเกินไปของซูซานนาคนก่อนของเขาในมาดริด ในแง่ของการวาดภาพ ภาพสัญลักษณ์อันทรงพลังของพระคริสต์ผู้โดดเดี่ยวที่ถูกตรึงบนไม้กางเขนกับพื้นหลังของท้องฟ้าที่มืดมิดในมิวนิกและแอนต์เวิร์ปอยู่ติดกับภาพวาดเหล่านี้

นับจากนั้นเป็นต้นมา ค่าคอมมิชชั่นก็กองอยู่ในสตูดิโอของรูเบนส์จนถึงขนาดที่เขาให้ผู้ช่วยของเขามีส่วนร่วมในการแสดงภาพวาดของเขาอย่างชัดเจนมากขึ้น ที่เก่าแก่ที่สุดนอกเหนือจาก Jan Brueghel เป็นของจิตรกรสัตว์และผลไม้ที่โดดเด่น Frans Snyders (1579 - 1657) ตามที่ Rubens เองผู้วาดนกอินทรีในภาพวาด Oldenburg กับ Prometheus ที่กล่าวถึงข้างต้นและ Jan Wildens จิตรกรภูมิทัศน์ที่มีชีวิตชีวา ( ค.ศ. 1586 - 1653) ซึ่งทำงานให้กับรูเบนส์ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1618 ผู้ทำงานร่วมกันที่โดดเด่นที่สุดคือ Anton van Dyck (1599 - 1641) ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นบุคคลอิสระ ไม่ว่าในกรณีใดหลังจากได้เป็นนายในปี 1618 เขาก็เป็นมือขวาของรูเบนส์จนถึงปี 1620 ภาพวาดของรูเบนส์ในช่วงหลายปีที่ผ่านมามักจะตัดเงาบางส่วนสีน้ำเงินของร่างกายด้วยจุดแสงสีเหลืองอมแดง ในขณะที่ภาพวาดที่มีความร่วมมืออย่างชัดเจนกับแวน ไดค์นั้นมีความโดดเด่นด้วยไคอาโรสกูโรที่อบอุ่นสม่ำเสมอและการถ่ายทอดภาพที่ชวนประสาทเสียมากกว่า ในจำนวนนี้มีภาพเขียนขนาดใหญ่หกภาพที่วาดอย่างกระตือรือร้นจากชีวิตของกงสุลโรมัน Decius Moussa ในพระราชวังลิกเตนสไตน์ในเวียนนา กระดาษแข็งที่รูเบนส์ทำสำหรับพรมทอในปี 1618 (สำเนาที่ยังมีชีวิตอยู่อยู่ในมาดริด) และภาพวาดประดับเพดานขนาดใหญ่ (คงไว้เฉพาะภาพร่างในคอลเลกชั่นต่างๆ) และบางส่วนที่งดงามในการจัดองค์ประกอบพร้อมรูปปั้นแท่นบูชาของโบสถ์แห่งนี้มากมาย “ปาฏิหาริย์แห่งนักบุญยอห์น ซาเวียร์" และ "ปาฏิหาริย์แห่งนักบุญ Ignatius” บันทึกโดยพิพิธภัณฑ์ศาลเวียนนา ความร่วมมือของ Van Dyck ยังปฏิเสธไม่ได้ในการตรึงกางเขนครั้งใหญ่ใน Antwerp ซึ่ง Longinus บนหลังม้าใช้หอกแทงสีข้างของพระผู้ช่วยให้รอด ใน Madonna กับคนบาปที่สำนึกผิดใน Kassel และตาม Bode ในวัน Trinity Day ของมิวนิคและ ใน Berlin Lazar ตามที่ Rooses กล่าวในการล่าสิงโตที่น่าทึ่งและการลักพาตัวลูกสาวของ Leucippus ในมิวนิกที่น่าทึ่งไม่น้อยไปกว่านั้น ภาพวาดทั้งหมดเหล่านี้ไม่เพียงแต่ฉายแววด้วยพลังอันโดดเด่นของการจัดองค์ประกอบภาพของรูเบนส์เท่านั้น แต่ยังมีความละเอียดอ่อนที่ลึกซึ้งในความรู้สึกของภาพวาดของแวน ไดค์อีกด้วย ในบรรดาภาพวาดวาดด้วยมือซึ่งวาดในส่วนหลักโดยรูเบนส์เองระหว่างปี 1615 ถึง 1620 ยังมีภาพวาดทางศาสนาที่ดีที่สุด - เต็มไปด้วยการเคลื่อนไหวของมวลชนที่บ้าคลั่ง "The Last Judgement" ในมิวนิกและเต็มไปด้วยแอนิเมชั่นภายใน "Assumption of พระแม่มารีย์" ในกรุงบรัสเซลส์และเวียนนา เช่นเดียวกับภาพวาดในตำนานที่เชี่ยวชาญ "บาคานาเลีย" อันหรูหรา และภาพของ "ธีอาซอส" ในมิวนิก เบอร์ลิน เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก และเดรสเดน ซึ่งแปลได้ว่าพลังแห่งความสุขล้นเปี่ยมล้นแห่งชีวิต จากภาษาโรมันเป็นภาษาเฟลมิช เห็นได้ชัดว่ามีการแสดงออกอย่างเต็มที่เป็นครั้งแรก "การต่อสู้ของแอมะซอน" ในมิวนิค (ประมาณปี 1620) ซึ่งเป็นการสร้างที่ไม่สามารถเข้าถึงได้ในแง่ของการถ่ายทอดการต่อสู้และการต่อสู้ที่รุนแรงที่สุดแม้ว่าจะเขียนด้วยขนาดที่เล็กก็ตาม จากนั้นมีเด็กเปลือยกายขนาดเท่าคนจริง เช่น พัตตีที่ยอดเยี่ยมพร้อมพวงมาลัยผลไม้ในมิวนิก จากนั้นฉากการล่าที่รุนแรง การล่าสิงโตซึ่งดีที่สุดในมิวนิก และการล่าหมูป่าซึ่งสิ่งที่ดีที่สุดอยู่ในเดรสเดน ตามมาด้วยภาพวาดทิวทัศน์ชิ้นแรกที่แต่งเติมเรื่องราวตามตำนาน ตัวอย่างเช่น อารมณ์เต็มรูปแบบของซากเรืออับปางของไอเนียสในเบอร์ลิน หรือภาพธรรมชาติแวดล้อม เช่น ภูมิทัศน์โรมันอันเจิดจ้าพร้อมซากปรักหักพังในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ (ประมาณปี 1615) และทิวทัศน์ที่เต็มไปด้วย ชีวิต "ฤดูร้อน" และ "ฤดูหนาว (ค.ศ. 1620) ที่พระราชวังวินด์เซอร์ ถ่ายทอดอย่างสง่าผ่าเผย เขียนอย่างกว้างๆ และตรงตามความเป็นจริง โดยปราศจากร่องรอยของกิริยาท่าทางแบบเก่า สว่างไสวด้วยแสงของปรากฏการณ์บนท้องฟ้าทุกชนิด พวกมันตั้งตระหง่านเหมือนจุดสังเกตในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพทิวทัศน์

ในที่สุดภาพของรูเบนส์ในช่วงเวลาห้าปีนี้ก็ปรากฏขึ้นอย่างชัดเจน สง่าผ่าเผย ทรงพลัง ผลงานภาพเหมือนตนเองของเขาใน Uffizi กลุ่มภาพเหมือนของเขา "Four Philosophers" ในวัง Pitti นั้นงดงามมาก ในช่วงเวลาแห่งความงามของเธอคือ Isabella ภรรยาของเขาในภาพวาดขุนนางของเบอร์ลินและกรุงเฮก ประมาณปี ค.ศ. 1620 ภาพวาดที่น่าทึ่งของ Susanna Fuhrman ในหมวกที่มีขนนกประดับด้วย Chiaroscuro ที่ละเอียดอ่อนที่สุดก็ถูกวาดในหอศิลป์แห่งชาติลอนดอนเช่นกัน ภาพบุคคลที่มีชื่อเสียงของปรมาจารย์ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาสามารถชมได้ที่มิวนิกและใน Liechtenstein Gallery รูเบนส์วาดภาพตอนต่างๆ จากประวัติศาสตร์โลกอันศักดิ์สิทธิ์ ฉากการล่าสัตว์ และแม้แต่ทิวทัศน์ได้อย่างน่าหลงใหลเพียงใด เขาวาดภาพบุคคลของเขาอย่างสงบนิ่ง โดยสามารถถ่ายทอดเปลือกร่างกายของพวกเขาด้วยพลังอันยิ่งใหญ่และความจริง แต่โดยไม่ต้องพยายามสร้างจิตวิญญาณภายใน เข้าใจเฉพาะโดยทั่วไปเท่านั้น , ลักษณะใบหน้า.

Van Dyck ออกจาก Rubens ในปี 1620 และ Isabella Brant ภรรยาของเขาเสียชีวิตในปี 1626 แรงผลักดันใหม่สำหรับงานศิลปะของเขาคือการแต่งงานใหม่ของเขากับ Helena Furman สาวสวยในปี 1630 อย่างไรก็ตาม การเดินทางศิลปะและการทูตไปยังปารีสยังเป็นแรงผลักดัน (1622, 1623, 1625), มาดริด (1628, 1629) และลอนดอน (1629, 1630) จากชุดประวัติศาสตร์ขนาดใหญ่สองชุดที่มีสัญลักษณ์เปรียบเทียบ ภาพวาดขนาดใหญ่ 21 ภาพจากชีวิตของ Marie de Medici (เรื่องราวนี้เขียนโดย Grossman) ปัจจุบันอยู่ในการตกแต่งที่ดีที่สุดของ Louvre วาดโดยมืออันเชี่ยวชาญของรูเบนส์ วาดโดยนักเรียนของเขา และวาดด้วยตัวเอง ภาพวาดประวัติศาสตร์เหล่านี้เต็มไปด้วยภาพบุคคลสมัยใหม่จำนวนมากและบุคคลในตำนานเชิงเปรียบเทียบในจิตวิญญาณของบาโรกสมัยใหม่ และนำเสนอความงามจำนวนมากและความกลมกลืนทางศิลปะที่ พวกเขาจะยังคงเป็นผลงานจิตรกรรมที่ดีที่สุดของศตวรรษที่ 17 ตลอดไป จากชุดภาพเขียนเกี่ยวกับชีวิตของพระเจ้าเฮนรีที่ 4 แห่งฝรั่งเศส ภาพครึ่งภาพสองภาพจบลงที่อุฟฟีซี ภาพร่างสำหรับผู้อื่นจะถูกเก็บไว้ในคอลเล็กชันต่างๆ ภาพวาดเก้าภาพเพื่อถวายเกียรติแด่พระเจ้าเจมส์ที่ 1 แห่งอังกฤษ ซึ่งไม่กี่ปีต่อมารูเบนส์ได้ตกแต่งลานเพดานของห้องโถงใหญ่ในไวท์ฮอลล์ซึ่งดำคล้ำจากเขม่าควันในลอนดอน เป็นสิ่งที่ไม่มีใครจดจำได้ .

ในบรรดาภาพวาดทางศาสนาที่วาดโดย Rubens ในวัย 20 ปี ภาพ "Adoration of the Magi" ที่ลุกเป็นไฟในเมือง Antwerp ซึ่งสร้างเสร็จในปี 1625 ถือเป็นจุดเปลี่ยนอีกครั้งในการพัฒนาศิลปะของเขาด้วยพู่กันที่อิสระและกว้างขึ้น ภาษาของรูปแบบที่เบาลง และสีทองมากขึ้น ,สีโปร่งแสง.. "อัสสัมชัญของพระแม่มารีย์" ที่สว่างและโปร่งสบายของอาสนวิหารแอนต์เวิร์ปสร้างเสร็จในปี ค.ศ. 1626 ตามมาด้วย "Adoration of the Magi" ที่งดงามและฟรีในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ และ "การศึกษาของพระแม่มารี" ในแอนต์เวิร์ป ในมาดริดซึ่งอาจารย์ได้ศึกษาทิเชียนอีกครั้ง สีของเขาก็สมบูรณ์ยิ่งขึ้นและ "สวยงาม" "มาดอนน่า" กับบรรดานักบุญที่เคารพบูชาเธอในโบสถ์ออกัสติเนียนในเมืองแอนต์เวิร์ป เป็นการซ้ำพิสดารของ Frari Madonna ของทิเชียน ส่วน "ชัยชนะของซีซาร์" ที่แก้ไขอย่างมีความหมายโดย Mantegna ซึ่งตั้งอยู่ในปี 1629 ในลอนดอน (ปัจจุบันอยู่ในหอศิลป์แห่งชาติ) ซึ่งตัดสินโดยจดหมายของเธออาจปรากฏขึ้นหลังจากเวลานี้เท่านั้น ทศวรรษนี้เต็มไปด้วยภาพบุคคลขนาดใหญ่ของปรมาจารย์ อิซาเบลลา แบรนต์ที่แก่กว่าแต่ยังคงความดูดีอบอุ่นอยู่ในภาพเหมือนของเฮอร์มิเทจที่สวยงาม คุณสมบัติที่คมชัดกว่านั้นแสดงด้วยภาพบุคคลใน Uffizi หนึ่งในสิ่งที่ดีที่สุดและมีสีสันที่สุดคือภาพสองภาพของลูกชายของเขาใน Liechtenstein Gallery ภาพเหมือนของ Caspar Gevaert ที่โต๊ะทำงานของเขาในเมือง Antwerp มีชื่อเสียงโด่งดัง และปรมาจารย์ผู้สูงวัยเองก็ปรากฏตัวต่อหน้าเราด้วยรอยยิ้มบางๆ บนริมฝีปากของเขาในรูปเหมือนครึ่งตัวที่สวยงามของ Aremberg ในกรุงบรัสเซลส์

ทศวรรษที่ผ่านมาซึ่งตกเป็นของ Rubens (1631-1640) อยู่ภายใต้ดวงดาวของ Elena Furman ภรรยาคนที่สองอันเป็นที่รักของเขาซึ่งเขาวาดภาพในทุกรูปแบบและเป็นผู้รับใช้เขาในฐานะธรรมชาติสำหรับภาพวาดทางศาสนาและตำนาน ภาพบุคคลที่ดีที่สุดของเธอโดยรูเบนส์เป็นภาพบุคคลหญิงที่สวยที่สุดในโลก: ครึ่งตัวในชุดหรูหราสวมหมวกที่มีขนนก ขนาดเท่าคนจริงนั่งในชุดหรูหราเปิดที่หน้าอก; ในรูปแบบเล็ก ๆ ถัดจากสามีของเธอเพื่อเดินเล่นในสวน - เธออยู่ในมิวนิค Pinakothek; เปลือยกายปกคลุมด้วยเสื้อคลุมขนสัตว์เพียงบางส่วน - ในพิพิธภัณฑ์ศาลเวียนนา ในชุดสูทสำหรับเดินในสนาม - ในอาศรม กับลูกคนหัวปีของเธอบนผ้าคาดเอว, ควงแขนกับสามีของเธอ, และบนถนนพร้อมกับเพจ - ที่ Baron Alphonse Rothschild ในปารีส

ผลงานคริสตจักรที่สำคัญที่สุดในยุคปลายที่เฟื่องฟูและเปล่งประกายของปรมาจารย์นี้คือองค์ประกอบที่สง่างามและสงบ ส่องแสงด้วยสีรุ้งทั้งหมด แท่นบูชาของนักบุญ Ildefons ที่มีผู้บริจาคจำนวนมากที่ประตูของพิพิธภัณฑ์ศาลเวียนนาและแท่นบูชาอันงดงามในโบสถ์เก็บศพของ Rubens ในโบสถ์ Jacob ใน Antwerp โดยมีภาพนักบุญของเมืองจากใบหน้าที่ใกล้ชิดกับอาจารย์ งานง่ายๆ เช่น St. Cecilia ในเบอร์ลินและ Bathsheba อันงดงามในเดรสเดนนั้นไม่ได้ด้อยไปกว่าโทนสีและสี ในบรรดาภาพในตำนานอันล้ำค่าของช่วงเวลานี้ ได้แก่ ภาพคำพิพากษาแห่งปารีสในลอนดอนและมาดริดที่ส่องประกายระยิบระยับ และความมีชีวิตชีวาที่เร่าร้อนทำให้การตามล่าของไดอาน่าในกรุงเบอร์ลินหรูหราเพียงใด งานเลี้ยงของวีนัสที่เวียนนาช่างหรูหราอลังการ ช่างเป็นแสงวิเศษที่ส่องสว่างให้กับออร์ฟัสและยูริไดซ์ในกรุงมาดริด!

การเตรียมการสำหรับภาพวาดประเภทนี้คือภาพประเภทหนึ่งของปรมาจารย์ ดังนั้น ตัวละครประเภทเทพนิยายจึงจับภาพ "ชั่วโมงแห่งวันที่" ขนาดเท่าคนจริงในมิวนิค

ต้นแบบของฉากฆราวาสทั้งหมดของ Watteau มีชื่อเสียงคือมีเทพเจ้าแห่งความรักโบยบิน ภาพวาดที่เรียกว่า "Gardens of Love" กับกลุ่มคู่รักที่แต่งตัวหรูหราแสดงความรักในเทศกาลในสวน หนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดประเภทนี้เป็นของ Baron Rothschild ในปารีส ส่วนอีกชิ้นอยู่ในพิพิธภัณฑ์ Madrid ภาพวาดประเภทที่สำคัญที่สุดที่มีตัวเลขขนาดเล็กจากชีวิตชาวบ้านที่วาดโดยรูเบนส์ ได้แก่ การเต้นรำของชาวนาชาวรูเบนส์ที่ยิ่งใหญ่และมีความสำคัญอย่างยิ่งในกรุงมาดริด การแข่งขันครึ่งภูมิทัศน์หน้าคูน้ำของปราสาท ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ และงานแสดงสินค้า ในคอลเลกชั่นเดียวกันซึ่งมีแรงจูงใจที่ชวนให้นึกถึง Teniers

ภูมิทัศน์ที่แท้จริงของ Rubens ส่วนใหญ่ยังเป็นของปีสุดท้ายของชีวิตของเขา: นั่นคือภูมิทัศน์ที่สดใสกับ Odysseus ในพระราชวัง Pitti เช่นภูมิทัศน์การออกแบบใหม่การอธิบายทางศิลปะด้วยภาพที่เรียบง่ายและกว้างของสภาพแวดล้อม ซึ่งเป็นพื้นที่ราบซึ่งเดชาของรูเบนส์ตั้งอยู่ และท้องฟ้าที่เปลี่ยนถ่ายอารมณ์ได้เต็มไปด้วยความยิ่งใหญ่ ที่สวยที่สุดคือพระอาทิตย์ตกที่ร้อนแรงในลอนดอนและทิวทัศน์ที่มีรุ้งกินน้ำในมิวนิกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ไม่ว่ารูเบนส์จะทำสิ่งใด เขาก็เปลี่ยนทุกสิ่งให้กลายเป็นทองคำที่ส่องประกาย และใครก็ตามที่สัมผัสกับงานศิลปะของเขาในฐานะผู้ร่วมงานหรือผู้ติดตาม ก็ไม่สามารถหลุดพ้นจากวงจรอุบาทว์ของเขาได้อีกต่อไป

ในบรรดาลูกศิษย์จำนวนมากของ Rubens มีเพียง Anton van Dyck (1599 - 1641) ซึ่งแน่นอนว่าแสงของเขาหมายถึงแสงของ Rubens เช่นเดียวกับแสงจันทรคติของดวงอาทิตย์ - ถึงสวรรค์แห่งศิลปะด้วยศีรษะที่ส่องสว่างด้วยความแวววาว แม้ว่า Balen จะถือเป็นครูที่แท้จริงของเขา แต่ Rubens เองก็เรียกเขาว่าลูกศิษย์ของเขา ไม่ว่าในกรณีใด พัฒนาการในวัยเยาว์ของเขา เท่าที่เราทราบนั้นอยู่ภายใต้อิทธิพลของรูเบนส์ ซึ่งเขาไม่เคยเบี่ยงเบนไปอย่างสิ้นเชิง แต่ตามอารมณ์ที่น่าประทับใจของเขา เขาปรับปรุงใหม่ในลักษณะที่ประหม่า อ่อนโยน และละเอียดอ่อนมากขึ้นในการวาดภาพ และแรงในการวาดน้อยลง.. การพำนักระยะยาวในอิตาลีทำให้เขากลายเป็นจิตรกรและผู้เชี่ยวชาญด้านสีในที่สุด ไม่ใช่ธุรกิจของเขาที่จะประดิษฐ์และทำให้การแสดงสดรุนแรงขึ้นอย่างมาก แต่เขารู้วิธีจัดวางบุคคลในภาพวาดประวัติศาสตร์ของเขาในความสัมพันธ์ที่คิดออกมาอย่างชัดเจนและสื่อสารให้ภาพของเขาทราบถึงคุณลักษณะที่ละเอียดอ่อนของสถานะทางสังคม ซึ่งกลายเป็นจิตรกรคนโปรด ของขุนนางในสมัยนั้น

ผลงานสรุปล่าสุดเกี่ยวกับ Van Dyck จัดทำโดย Michiels, Giffrey, Kust และ Schaeffer Vibiral, Bode, Hymans, Rooses, Lau, Menotti และผู้เขียนหนังสือเล่มนี้ได้อธิบายหน้าต่างๆ เกี่ยวกับชีวิตและงานศิลปะของเขาแยกกัน แม้ตอนนี้พวกเขากำลังโต้เถียงกันเกี่ยวกับความแตกต่างระหว่างช่วงเวลาต่างๆ ของชีวิต ซึ่งส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับการเดินทาง จากการวิจัยล่าสุดเขาทำงานจนถึงปี 1620 ใน Antwerp ในปี 1620 - 1621 ในลอนดอนในปี 1621 - 1627 ในอิตาลีส่วนใหญ่ใน Genoa โดยหยุดพักจากปี 1622 ถึง 1623 ดำเนินการตามที่ Rooses แสดง อาจอยู่ที่บ้าน ในปี 1627 - 1628 ในฮอลแลนด์จากนั้นอีกครั้งใน Antwerp และในปี 1632 เป็นจิตรกรในราชสำนักของ Charles I ในลอนดอนซึ่งเขาเสียชีวิตในปี 1641 และในช่วงเวลานี้ในปี 1634 - 1635 อยู่ในบรัสเซลส์ในปี 1640 และ 1641 ใน Antwerp และปารีส

แทบไม่มีงานชิ้นแรกๆ ของ Van Dyck ที่อิทธิพลของ Rubens จะไม่เด่นชัด แม้แต่ชุดการเผยแพร่ศาสนายุคแรกของเขาก็แสดงร่องรอยของวิธีการแบบรูเบนเซียนแล้ว ในจำนวนนี้ หัวดั้งเดิมบางชิ้นถูกเก็บรักษาไว้ที่ Dresden ส่วนชิ้นอื่นๆ อยู่ที่ Althorp ในบรรดาภาพวาดทางศาสนาที่วาดโดย Van Dyck ตามการออกแบบของเขาเองด้วยความเสี่ยงและอันตรายของเขาเองตั้งแต่ปี 1618 ถึง 1620 ในขณะที่เขารับใช้ Rubens เป็นของ "Martyrdom of St. Sebastian" กับบทประพันธ์เก่า "Lamentation of Christ" และ "Bathing Susanna" ที่มิวนิค "โทมัสในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก", "งูทองแดง" ในมาดริด ไม่มีภาพวาดใดที่สามารถโอ้อวดองค์ประกอบที่สมบูรณ์แบบได้ แต่มีการลงสีอย่างดีและมีสีสันเหมือนดอกไม้ "เจอโรม" ของเดรสเดนนั้นช่างงดงามและให้ความรู้สึกลึกซึ้งในจิตวิญญาณ ซึ่งแสดงถึงความแตกต่างอย่างชัดเจนกับเจอโรม รูเบนส์ที่สงบกว่าและเขียนอย่างหยาบๆ ที่อยู่ใกล้เคียง

จากนั้นตามด้วย: การเยาะเย้ยพระคริสต์ในกรุงเบอร์ลิน ภาพวาดกึ่งรูเบนส์ที่แข็งแกร่งและสื่อความหมายได้ชัดเจนที่สุด และองค์ประกอบที่สวยงาม ไม่ต้องสงสัยเลยว่าวาดโดยรูเบนส์ เซนต์ มาร์ติน" ที่วินด์เซอร์ นั่งบนหลังม้า ยื่นเสื้อคลุมให้ขอทาน การทำซ้ำที่เรียบง่ายและอ่อนแอกว่าของมาร์ตินคนนี้ในโบสถ์ซาเวนแธมนั้นใกล้เคียงกับวิธีการของปรมาจารย์ในภายหลัง

Van Dyck เป็นศิลปินที่ยอดเยี่ยมในยุคของ Rubens โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการวาดภาพของเขา บางส่วนของพวกเขารวมข้อได้เปรียบที่รู้จักกันดีของปรมาจารย์ทั้งสองเข้าด้วยกันโดยมีสาเหตุมาจากรูเบนส์ในศตวรรษที่ 19 จนกระทั่ง Bode ส่งคืนให้ Van Dyck พวกเขามีความเป็นปัจเจกบุคคลมากกว่าในบุคลิกลักษณะ ประหม่ามากกว่าในการแสดงออก นุ่มนวลกว่าและลึกซึ้งกว่าในการเขียนภาพเหมือนของรูเบนส์ ภาพบุคคลกึ่งรูเบนส์ที่เก่าแก่ที่สุดในบรรดาภาพเหล่านี้โดย Van Dyck เป็นภาพเหมือนครึ่งตัวของคู่แต่งงานสูงอายุในปี 1618 ในเมืองเดรสเดน ภาพที่สวยที่สุดคือภาพครึ่งตัวของคู่แต่งงานสองคนในแกลเลอรีลิกเตนสไตน์: ผู้หญิงที่มีเชือกผูกสีทองที่หน้าอกของเธอ สุภาพบุรุษสวมถุงมือและนั่งอยู่หน้าหญิงม่านแดงกับเด็กบนตักในเดรสเดน Isabella Brant อันงดงามแห่งอาศรมเป็นของเขาและจากพิพิธภัณฑ์ลูฟร์มีภาพเหมือนของ Jean Grusset Richardeau ที่ถูกกล่าวหาและลูกชายของเขายืนอยู่ข้างๆเขาจากพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ในบรรดาภาพซ้อน คู่สมรสที่ยืนข้างกันเป็นที่ทราบกันดีว่า ภาพเหมือนของ Frans Snyders และภรรยาของเขาที่มีท่าทางบังคับมาก Jan de Wael และภรรยาของเขาในมิวนิกเป็นภาพที่งดงามที่สุด ในที่สุด ในภาพถ่ายตนเองในวัยเยาว์ของปรมาจารย์ที่มีท่าทางครุ่นคิดและมั่นใจในตนเองในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก มิวนิก และลอนดอน อายุประมาณยี่สิบปีของเขาบ่งบอกถึงช่วงต้น

จากภาพวาดทางศาสนาที่วาดโดย Van Dyck ระหว่างปี 1621 - 1627 ในอิตาลีทางตอนใต้ยังคงมีฉากที่สวยงามซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจาก Titian โดยมี "เหรียญของปีเตอร์" และ "Mary with the Child" ในรัศมีที่ร้อนแรงใน Palazzo Bianco ซึ่งชวนให้นึกถึง Rubens ซึ่งเป็น "การตรึงกางเขน" ใน พระราชวังในเจนัว, ความรู้สึกอ่อนโยนในแง่ที่งดงามและจิตวิญญาณ, การฝังศพของ Borghese Gallery ในกรุงโรม, หัวของแมรี่ที่อิดโรยในพระราชวัง Pitti, ครอบครัวที่งดงามและสดใสใน Turin Pinacothek และผู้มีอำนาจ แต่มีมารยาทค่อนข้างดี แท่นบูชาของ Madonna del Rosario ในปาแลร์โมที่มีตัวเลขยาว ในบรรดาภาพวาดฆราวาสเราจะกล่าวถึงเฉพาะภาพวาดที่สวยงามในจิตวิญญาณของ Giorgione ภาพวาดที่แสดงถึงสามช่วงอายุของชีวิตในพิพิธภัณฑ์เมืองใน Vincenza และภาพวาดที่เรียบง่าย แต่ร้อนแรง "Diana and Endimon" ในมาดริด

การสร้างแบบจำลองจังหวะที่มั่นใจ มั่นคง และในขณะเดียวกันก็อ่อนโยนในไคอาโรสกูโรสีเข้มและสีที่เข้มลึกของศีรษะชาวอิตาลีที่มุ่งมั่นเพื่อความเป็นหนึ่งเดียวของอารมณ์ก็แสดงออกมาในภาพถ่ายชาวอิตาลีของเขาเช่นกัน โดยเฉพาะภาพเหมือนของเจโนส ภาพเหมือนนักขี่ม้าของ Antonio Giulio Brignole Sale ที่วาดไว้ข้างหน้าตัวหนา เกือบหันหน้าเข้าหาผู้ชม โบกหมวกในมือขวาเป็นการทักทาย ซึ่งตั้งอยู่ใน Palazzo Rossi ในเมืองเจนัว เป็นตัวบ่งชี้ที่แท้จริงของเส้นทางใหม่ ขุนนางที่มีเสาและผ้าม่านสไตล์บาโรกเป็นฉากหลัง ภาพของ Signora Geronimo Brignole Sale กับลูกสาวของเธอ Paola Adorio ในชุดผ้าไหมสีน้ำเงินเข้มพร้อมงานปักสีทองและชายหนุ่มในชุดขุนนางจากคอลเลกชันเดียวกัน ยืน ที่ความสูงของงานศิลปะภาพเหมือนจริง พวกเขาอยู่ติดกันด้วยภาพของ Marchesa Durazzo ในชุดผ้าไหมสีแดงเข้มสีเหลืองอ่อนกับเด็กๆ ต่อหน้าม่านสีแดง ภาพหมู่ที่มีชีวิตชีวาของเด็กสามคนกับสุนัข และภาพขุนนางของเด็กชายในชุดสีขาว พร้อมด้วย นกแก้วที่เลี้ยงไว้ใน Palazzo Durazzo Pallavicini ในกรุงโรม Capitoline Gallery มีภาพวาดคู่ที่สำคัญมากของ Luca และ Cornelis de Wael ในฟลอเรนซ์ ใน Palazzo Pitti มีภาพวาดที่แสดงออกทางจิตวิญญาณของ Cardinal Giulio Bentivoglio ภาพอื่นๆ ในสมัยอิตาลีของ Van Dyck เดินทางไปต่างประเทศ หนึ่งในสิ่งที่ดีที่สุดเป็นของ Pierpont Morgan ในนิวยอร์ก แต่สามารถพบได้ในลอนดอน เบอร์ลิน เดรสเดน และมิวนิค

ระยะเวลาห้าปี (พ.ศ. 2170 - 2175) ที่เจ้านายใช้ในบ้านเกิดของเขาหลังจากกลับมาจากอิตาลีกลับกลายเป็นว่ามีผลอย่างมาก ขนาดใหญ่ เต็มไปด้วยแท่นบูชาที่เคลื่อนไหวได้ อะไรคือไม้กางเขนอันทรงพลังในโบสถ์เซนต์ Zhen ใน Dendermonde ในโบสถ์ของ Michael ใน Ghent และในโบสถ์ของ Romuald ใน Meheln และที่อยู่ติดกัน "ความสูงส่งของไม้กางเขน" ในโบสถ์ St. Gens ใน Courtrai ไม่ได้เป็นตัวแทนของเขาเช่นเดียวกับผลงานที่เต็มไปด้วยชีวิตภายใน ซึ่งเรารวมการตรึงกางเขนกับงานที่กำลังจะมีขึ้นในพิพิธภัณฑ์ Lille, "Rest during the Flight" ในมิวนิก และการตรึงกางเขนส่วนบุคคลที่เต็มไปด้วยความรู้สึกใน Antwerp, Vienna และ มิวนิค. ภาพวาดเหล่านี้แปลภาพของรูเบนส์จากภาษาวีรบุรุษเป็นภาษาแห่งความรู้สึก ภาพวาดที่สวยงามที่สุดในยุคนี้ ได้แก่ พระแม่มารีกับคู่ผู้บริจาคและเทวดาที่คุกเข่าคุกเข่าโปรยดอกไม้ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์, พระแม่มารีกับพระกุมารยืนอยู่ในมิวนิก และอารมณ์เต็มรูปแบบของ "การคร่ำครวญถึงพระคริสต์" ในแอนต์เวิร์ป มิวนิก เบอร์ลิน และ ปารีส. พระแม่มารีและการคร่ำครวญโดยทั่วไปเป็นธีมโปรดของ Van Dyck เขาไม่ค่อยถ่ายภาพเทพเจ้านอกรีต แม้ว่าเฮอร์คิวลีสของเขาที่ทางแยกใน Uffizi ภาพของวีนัส วัลแคน เวียนนา และปารีสแสดงให้เห็นว่าเขาสามารถจัดการกับพวกมันได้ในระดับหนึ่ง เขายังคงเป็นจิตรกรภาพเหมือนเป็นหลัก ภาพวาดฝีแปรงของเขาประมาณ 150 ภาพได้รับการเก็บรักษาไว้จากช่วงเวลาห้าปีนี้ ลักษณะใบหน้าของพวกเขาคมชัดยิ่งขึ้น โดยทั่วไปแล้วมือที่สง่างามและไม่ได้ใช้งานจะมีการแสดงอารมณ์น้อยกว่าภาพวาดแบบเดียวกันของอิตาลี เพิ่มความสะดวกสบายของชนชั้นสูงให้กับท่าทางของพวกเขา และอารมณ์ทั่วไปที่ละเอียดอ่อนยิ่งขึ้นปรากฏในสีที่เย็นกว่า เสื้อผ้ามักจะหลุดร่วงอย่างง่ายดายและเป็นอิสระ แต่วัสดุ ในบรรดาภาพที่สวยที่สุดของพวกเขาซึ่งวาดในขนาดเต็มเป็นภาพที่มีลักษณะเฉพาะของผู้ปกครอง Isabella ในตูรินในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์และใน Liechtenstein Gallery, Philippe de Roy และภรรยาของเขาในคอลเลกชัน Wallace ในลอนดอน, ภาพซ้อนของสุภาพบุรุษ และผู้หญิงที่มีลูกอยู่ในอ้อมแขนในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์และในพิพิธภัณฑ์โกธิค และภาพเหมือนของสุภาพบุรุษและสุภาพสตรีอีกสองสามภาพในมิวนิก ในบรรดาภาพคนรุ่นเอวและรุ่นต่างๆ ที่แสดงออกอย่างชัดเจนที่สุด เรารวมถึงภาพเหมือนของ Bishop Mulderus และ Martin Pepin ใน Antwerp, Adrian Stevens และภรรยาของเขาในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, Count Van den Berg ใน Madrid และ Canon Antonio de Tassis ใน Liechtenstein Gallery นักเล่นออร์แกน Liberty ดูเนือยๆ ประติมากร Colin de Nole ภรรยาและลูกสาวดูน่าเบื่อที่กลุ่มภาพบุคคลในมิวนิก ภาพของสุภาพบุรุษและสุภาพสตรีในเดรสเดนและ Marie Louise de Tassis ใน Liechtenstein Gallery นั้นโดดเด่นด้วยท่าทางที่งดงามและสง่างาม อิทธิพลของ Van Dyck ที่มีต่อการวาดภาพบุคคลทุกยุคสมัย โดยเฉพาะภาษาอังกฤษและฝรั่งเศสนั้นยิ่งใหญ่มาก อย่างไรก็ตาม ในลักษณะที่เป็นธรรมชาติและความจริงภายใน ภาพบุคคลของเขาไม่สามารถเทียบเคียงได้กับภาพเหมือนของเวลัซเกซและฟรานส์ ฮัลส์ ร่วมสมัยของเขา ไม่ขอเอ่ยชื่อคนอื่นๆ

อย่างไรก็ตาม ในบางครั้ง ฟาน ไดค์ก็หยิบเข็มแกะสลักขึ้นมาด้วย เป็นที่รู้จักสำหรับ 24 อย่างง่ายดายและด้วยความหมายที่ยอดเยี่ยมจากผลงานของเขา ในทางกลับกัน เขามอบหมายให้ช่างแกะสลักคนอื่นสร้างภาพเหมือนขนาดเล็กจำนวนมากของผู้ร่วมสมัยที่มีชื่อเสียงซึ่งวาดโดยเขา โดยวาดด้วยโทนสีเทาเดียว ในคอลเลกชันที่สมบูรณ์ "Iconography of Van Dyck" ในหนึ่งร้อยแผ่นนี้ปรากฏขึ้นหลังจากการตายของเขาเท่านั้น

ในฐานะจิตรกรในราชสำนักของพระเจ้าชาร์ลส์ที่ 1 ฟาน ไดค์วาดภาพเกี่ยวกับศาสนาและตำนานเพียงเล็กน้อยในช่วงแปดปีสุดท้ายของชีวิต อย่างไรก็ตาม ภาพวาดที่ดีที่สุดหลายภาพที่เขียนในช่วงที่เขาพำนักระยะสั้นในเนเธอร์แลนด์เป็นของปรมาจารย์ผู้ล่วงลับไปแล้ว เป็นการแสดงภาพสุดท้ายและงดงามที่สุดของ "Rest on the Flight to Egypt" โดยมีการเต้นรำเป็นวงกลมของเทวดาและนกกระทาบิน ตอนนี้อยู่ใน Hermitage ซึ่งเป็น "การคร่ำครวญของพระคริสต์" ที่เป็นผู้ใหญ่และสวยงามที่สุดในพิพิธภัณฑ์ Antwerp ไม่เพียงแต่ความชัดเจน ความสงบ และสัมผัสในองค์ประกอบเท่านั้น แต่ยังแสดงออกถึงความเศร้าโศกอย่างแท้จริง แต่ยังรวมถึงสีสันด้วยคอร์ดที่สวยงามของสีน้ำเงิน สีขาว และสีทองเข้ม ซึ่งแสดงถึงผลงานที่เชี่ยวชาญและมีเสน่ห์ จากนั้นติดตามภาพวาดจำนวนมากในช่วงเวลาภาษาอังกฤษ จริงอยู่ภายใต้อิทธิพลของศาลในลอนดอนหัวของเขากลายเป็นเหมือนหน้ากากมากขึ้นเรื่อย ๆ มือของเขาแสดงออกน้อยลงเรื่อย ๆ แต่ชุดมีความประณีตมากขึ้นและมีเนื้อหาในการเขียนมากขึ้น สี โทนสีเงินที่ค่อยๆ จางลง ชนะมากขึ้นด้วยเสน่ห์อันอ่อนโยน แน่นอนว่า Van Dyck ยังได้จัดตั้งเวิร์กช็อปขึ้นในลอนดอนด้วยการผลิตขนาดใหญ่ ซึ่งมีนักศึกษาจำนวนมากเข้าร่วม ภาพครอบครัวที่พระราชวังวินด์เซอร์ แสดงภาพพระที่นั่งกับลูกสองคนและสุนัขหนึ่งตัว เป็นภาพที่ค่อนข้างอ่อนแอ ภาพพระบรมฉายาลักษณ์ของกษัตริย์ในสถานที่เดียวกันด้านหน้าประตูชัยถูกวาดอย่างมีรสนิยม ภาพพระบรมรูปทรงม้าในหอศิลป์แห่งชาตินั้นงดงามยิ่งกว่า ภาพเหมือนของกษัตริย์ในชุดล่าสัตว์ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ช่างงดงามจริงๆ . ในบรรดาภาพเหมือนของราชินีเฮนเรียตตา มาเรียโดยแวน ไดค์ ภาพหนึ่งที่ลอร์ดนอร์ธบรูคเป็นเจ้าของในลอนดอน และภาพพระราชินีกับคนแคระของเธอบนเฉลียงในสวนเป็นภาพที่สดใหม่และเร็วที่สุด และภาพหนึ่งในแกลเลอรีเดรสเดนสำหรับขุนนางทั้งหมด เป็นหนึ่งในกลุ่มที่อ่อนแอที่สุดและล่าสุด ภาพบุคคลต่างๆ ของลูกๆ ของกษัตริย์อังกฤษมีชื่อเสียงและเป็นผลงานชิ้นเอกที่น่าสนใจที่สุดของ Van Dyck ตูรินและวินด์เซอร์มีภาพวาดที่งดงามที่สุดของพระราชกุมารทั้งสามพระองค์ แต่ที่หรูหราและสวยที่สุดคือภาพเหมือนของวินด์เซอร์กับลูกทั้งห้าของกษัตริย์ กับสุนัขตัวใหญ่และตัวเล็ก ในบรรดาภาพวาดอื่น ๆ มากมายของ Van Dyck ที่ Windsor ภาพเหมือนของ Lady Venice Digby ซึ่งมีการเพิ่มเติมเชิงเปรียบเทียบในรูปของนกพิราบและเทพเจ้าแห่งความรัก ประกาศศักราชใหม่ และภาพเหมือนคู่ของ Thomas Killigrew และ Thomas Carew โจมตีด้วย ความสัมพันธ์ในชีวิตที่พรรณนาว่าผิดปกติสำหรับเจ้านายของเรา ภาพเหมือนของเจมส์ สจ๊วร์ต โดยมีสุนัขตัวใหญ่เกาะติดเขา ในพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทนในนิวยอร์ก โดดเด่นด้วยความสง่างามเป็นพิเศษ ภาพเหมือนของคู่หมั้น ลูกของวิลเลียมที่ 2 แห่งออเรนจ์ และเฮนเรียตตา มาเรีย สจ๊วร์ต พิพิธภัณฑ์เมืองในอัมสเตอร์ดัมนั้นน่ายินดี มีการเก็บรักษาภาพบุคคลสมัยภาษาอังกฤษของอาจารย์ไว้ประมาณร้อยภาพ

Van Dyck เสียชีวิตตั้งแต่ยังเด็ก ในฐานะศิลปินเขาพูดทั้งหมด เขาขาดความเก่งกาจ ความเพียบพร้อม และพลังของครูผู้ยิ่งใหญ่ของเขา แต่เขาเหนือกว่าคนรุ่นราวคราวเดียวกับชาวเฟลมิชทั้งหมดของเขาในเรื่องความละเอียดอ่อนของอารมณ์ภาพล้วนๆ

จิตรกร ผู้ร่วมงาน และนักเรียนคนสำคัญคนอื่นๆ ของรูเบนส์ในแอนต์เวิร์ปก่อนและหลังแวน ไดค์ มีชีวิตอยู่เพียงเสียงสะท้อนของงานศิลปะของรูเบนส์ แม้แต่อับราฮัม ดิเปปเบค (ค.ศ. 1596 - 1675), คอร์เนลิส ชูท (ค.ศ. 1597 - 1655), เทโอดอร์ ฟาน ทูลเดน (ค.ศ. 1606 - 1676) , Erasmus Quellinus (1607 - 1678) น้องชายของประติมากรผู้ยิ่งใหญ่และ Jan Erasmus Quellinus หลานชายของเขา (1674 - 1715) ไม่สำคัญเท่ากับพวกเขา ตัวแทนของแผนกจริงต่างๆ ของการประชุมเชิงปฏิบัติการ Rubens มีความสำคัญเป็นอิสระมากกว่า ฟรานส์ สไนเดอร์ส (ค.ศ. 1579 - 1657) เริ่มต้นด้วยธรรมชาติที่ตายแล้ว ซึ่งเขาชอบที่จะแสดงในขนาดเท่าของจริง ในวงกว้าง แนบเนียน และเพื่อการตกแต่งทั้งหมดนั้น ตลอดชีวิตของเขา เขาวาดภาพขนาดใหญ่ เต็มไปด้วยภาพสังเกตสุขภาพที่ดีของเครื่องครัวและผลไม้ เช่น ที่มีอยู่ในบรัสเซลส์ มิวนิก และเดรสเดน ในเวิร์กช็อปของรูเบนส์ เขายังเรียนรู้ที่จะพรรณนาถึงชีวิตชีวาและน่าหลงใหล เกือบด้วยความแข็งแกร่งและความสดใสของอาจารย์ของเขา โลกที่มีชีวิต สัตว์ขนาดเท่าของจริงในฉากการล่าสัตว์ ภาพวาดการล่าสัตว์ขนาดใหญ่ของเขาในเดรสเดน มิวนิก เวียนนา ปารีส คัสเซิล และมาดริด มีความคลาสสิกในแบบของพวกเขา บางครั้งเรื่องที่สับสนกับสไนเดอร์คือน้องเขยของเขา Paul de Vos (1590 - 1678) ซึ่งภาพวาดสัตว์ขนาดใหญ่ไม่สามารถเทียบได้กับความสดชื่นและความอบอุ่นของภาพวาดของ Snyders ภูมิทัศน์รูปแบบใหม่ที่พัฒนาขึ้นภายใต้อิทธิพลของรูเบนส์ ซึ่งเกือบจะลบพื้นหลังเวทีแบบสามสีแบบเก่าและใบไม้ที่มีลักษณะคล้ายกระจุกแบบดั้งเดิม ปรากฏต่อหน้าเราชัดเจนยิ่งขึ้นในภาพวาดและการแกะสลักของลูคัส ฟาน อูเดนส์ (ค.ศ. 1595 - พ.ศ. 2215) ผู้ช่วยในสมัยปลายของเจ้านายฝ่ายภูมิ ภาพวาดทิวทัศน์จำนวนมากแต่ส่วนใหญ่เป็นภาพขนาดเล็กของเขา ซึ่งเก้าภาพแขวนอยู่ในเดรสเดน สามภาพในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก สองภาพในมิวนิก เป็นภาพที่เรียบง่ายและจับต้องได้อย่างเป็นธรรมชาติของภูมิทัศน์ชายแดนในท้องถิ่นที่มีเสน่ห์ระหว่างพื้นที่ราบเขาบราบันต์และที่ราบเฟลมิช การแสดงที่กว้างและพิถีพิถัน สีของเขาไม่เพียงแต่สื่อถึงความประทับใจตามธรรมชาติของต้นไม้สีเขียวและทุ่งหญ้า ดินสีน้ำตาลและระยะทางบนเนินเขาที่เป็นสีน้ำเงินเท่านั้น แต่ยังรวมถึงท้องฟ้าที่สดใสและมีเมฆมากเล็กน้อยด้วย ด้านที่มีแดดของเมฆและต้นไม้มักจะส่องแสงระยิบระยับด้วยจุดแสงสีเหลือง และภายใต้อิทธิพลของรูเบนส์ บางครั้งเมฆฝนและสายรุ้งก็ปรากฏขึ้นเช่นกัน

ศิลปะของรูเบนส์ทำให้เกิดการปฏิวัติในการแกะสลักทองแดงของเนเธอร์แลนด์ มีช่างแกะสลักจำนวนมากซึ่งเขาตรวจดูผลงานอยู่ ที่เก่าแก่ที่สุด ได้แก่ Antwerp Cornelis Galle (1576 - 1656) และ Jacob Mathham ชาวดัตช์ (1571 - 1631) และ Jan Müller ยังคงแปลรูปแบบของเขาเป็นภาษาเก่าของรูปแบบ แต่ช่างแกะสลักของโรงเรียน Rubens จำนวนหนึ่ง ซึ่งเปิดโดย Peter Southman จาก Harlem (1580 - 1643) และยังคงเปล่งประกายด้วยชื่อเช่น Lukas Forstermann (เกิด 1584), Paul Pontius (1603 - 1658), Boethius และ Schelte Bolswerth, Pieter de Jode ผู้น้อง และเหนือสิ่งอื่นใด Jan Wittdöck ช่างแกะสลัก Chiaroscuro ผู้ยิ่งใหญ่ (เกิดปี 1604) สามารถตกแต่งผ้าปูที่นอนของพวกเขาด้วยแรงและการเคลื่อนไหวของชาวรูเบนส์ เทคนิคเมซโซตินแบบใหม่ซึ่งทำให้พื้นผิวของจานหยาบขึ้นโดยใช้พลั่วเพื่อขูดภาพวาดบนมันออกเป็นมวลเบา หากไม่ได้ประดิษฐ์ขึ้น ก็เป็นครั้งแรกที่วาลเลอรองด์ เวลแลนต์จากลีลใช้กันอย่างแพร่หลาย (ค.ศ. 1623) - พ.ศ. 2220) เป็นลูกศิษย์ของราสมุส เควลลินุส ลูกศิษย์ของรูเบนส์ จิตรกรภาพเหมือนที่มีชื่อเสียงโด่งดังและเป็นจิตรกรดั้งเดิมของธรรมชาติที่ตายแล้ว อย่างไรก็ตาม เนื่องจาก Vaillant ไม่ได้ศึกษาศิลปะนี้ในเบลเยียม แต่อยู่ในอัมสเตอร์ดัมที่เขาย้ายไป ประวัติศาสตร์ของศิลปะเฟลมิชสามารถพูดถึงเขาได้เท่านั้น

ปรมาจารย์ชาวแอนต์เวิร์ปคนสำคัญบางคนในยุคนี้ซึ่งไม่มีความสัมพันธ์โดยตรงกับรูเบนส์หรือลูกศิษย์ของเขา ซึ่งเข้าร่วมกับคาราวัจโจในกรุงโรมได้ก่อตั้งกลุ่มชาวโรมันขึ้น โครงร่างที่ชัดเจน การสร้างแบบจำลองพลาสติก เงาหนาของคาราวัจโจทำให้อ่อนลง เฉพาะในภาพวาดต่อมาที่เป็นภาพวาดที่อิสระ อบอุ่นกว่า และกว้างกว่าที่พูดถึงอิทธิพลของรูเบนส์ หัวหน้ากลุ่มนี้คือ Abraham Janssens Van Nuessen (1576 - 1632) ซึ่งลูกศิษย์ของ Gerard Zegers (1591 - 1651) ในภาพวาดต่อมาของเขาย้ายเข้าสู่แฟร์เวย์ของ Rubens อย่างไม่ต้องสงสัย และ Theodore Rombouts (1597 - 1637) เผยให้เห็นถึงอิทธิพลของ คาราวัจโจในประเภทของเขาในขนาดเท่าของจริงด้วยสีเมทัลลิคแวววาวและเงาดำ ภาพวาดในเมืองแอนต์เวิร์ป เกนต์ เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก มาดริด และมิวนิก

จิตรกรชาวเฟลมิชที่เก่าแก่ที่สุดซึ่งไม่ได้อยู่ในอิตาลี Caspar de Crayer (2125-2212) ย้ายไปบรัสเซลส์ซึ่งแข่งขันกับรูเบนส์เขาไม่ได้ไปไกลกว่าการผสมผสาน พวกเขาเป็นหัวหน้าโดย Jacob Jordaens แห่งแอนต์เวิร์ป (ค.ศ. 1583 - 1678) ซึ่งเป็นลูกศิษย์และลูกเขยของ Adam Van Noort หัวหน้านักสัจนิยมชาวเบลเยียมที่เป็นอิสระอย่างแท้จริงในยุคนั้น ซึ่งเป็นหนึ่งในจิตรกรที่โดดเด่นที่สุดของภาษาเฟลมิชที่โดดเด่นที่สุดของ ศตวรรษที่ 17 ถัดจาก Rubens และ Van Dyck รูสส์ยังอุทิศงานมากมายให้กับเขา หยาบกระด้างกว่ารูเบนส์ เขาตรงไปตรงมาและเป็นต้นฉบับมากกว่าเขา ร่างกายของเขาใหญ่โตและมีเนื้อมากกว่ารูเบนส์ หัวของเขากลมกว่าและธรรมดากว่า การจัดองค์ประกอบภาพของเขา ซึ่งมักจะทำซ้ำๆ โดยมีการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อยสำหรับภาพวาดต่างๆ มักจะไร้ศิลปะมากกว่าและมักจะทำงานหนักเกินไป สำหรับทักษะทั้งหมด พู่กันของเขาแห้งกว่า นุ่มนวลกว่า บางครั้งก็แน่นกว่า ทั้งหมดนี้เขาเป็นนักวาดสีที่ยอดเยี่ยมและเป็นต้นฉบับ ในตอนแรกเขาเขียนแบบสด ๆ และกระฉับกระเฉงและสร้างแบบจำลองที่อ่อนแอด้วยสีท้องถิ่นที่อิ่มตัว หลังจากปี ค.ศ. 1631 หลงใหลในเสน่ห์ของรูเบนส์ เขาจึงเปลี่ยนไปใช้สี Chiaroscuro ที่ละเอียดอ่อนมากขึ้น ไปจนถึงสีระดับกลางที่คมชัดขึ้น และภาพวาดโทนสีน้ำตาล ซึ่งโทนสีพื้นฐานที่ลุ่มลึกฉ่ำจะเปล่งประกายออกมาได้อย่างมีประสิทธิภาพ เขายังแสดงภาพทุกอย่างที่ปรากฎ เขาเป็นหนี้ความสำเร็จที่ดีที่สุดของเขาในการวาดภาพเชิงเปรียบเทียบและประเภทของภาพขนาดเท่าของจริง โดยส่วนใหญ่แล้วจะเป็นเรื่องของสุภาษิตพื้นบ้าน

ภาพวาดที่รู้จักในยุคแรกสุดของ Jordaens "Crucifixion" ในปี 1617 ในโบสถ์ St.. Paul ใน Antwerp เผยให้เห็นถึงอิทธิพลของ Rubens Jordaens ค่อนข้างเป็นตัวของตัวเองในปี 1618 ใน "Adoration of the Shepherds" ใน Stockholm และในภาพที่คล้ายกันใน Braunschweig และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในภาพแรกเริ่มของเทพารักษ์ไปเยี่ยมชาวนาซึ่งเขาเล่าเรื่องที่ไม่น่าเชื่อ ภาพวาดประเภทนี้ที่เก่าแก่ที่สุดเป็นของ Mr. Celst ในกรุงบรัสเซลส์ ตามด้วยสำเนาในบูดาเปสต์ มิวนิก และคัสเซิล ภาพวาดทางศาสนาในยุคแรกยังรวมถึงภาพที่แสดงออกของผู้เผยแพร่ศาสนาในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์และสาวกที่สุสานของพระผู้ช่วยให้รอดในเดรสเดน ของภาพวาดในตำนานยุคแรก Meleager และ Atlanta ใน Antwerp สมควรได้รับการกล่าวถึง ผลงานชิ้นแรกของกลุ่มภาพครอบครัวที่มีชีวิตของเขา (ประมาณปี 1622) เป็นของพิพิธภัณฑ์มาดริด

อิทธิพลของรูเบนส์ปรากฏชัดอีกครั้งในภาพวาดของ Jordaens ซึ่งเขียนขึ้นหลังปี 1631 ในการเสียดสีชาวนาในกรุงบรัสเซลส์ ภาพวาดที่มีชื่อเสียงของเขาเกี่ยวกับ "บีนคิง" ซึ่งคาสเซิลครอบครองสำเนาแรกสุด - อื่น ๆ อยู่ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์และในกรุงบรัสเซลส์ - เช่นเดียวกับภาพจำนวนนับไม่ถ้วนของเขาในสุภาษิต "What the old sing, the little ones squeak", Antwerp สำเนาซึ่งลงวันที่ในปี 1638 มีสีสดกว่าเดรสเดนที่เขียนในปี 1641 - อื่น ๆ ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์และเบอร์ลิน - เป็นของอาจารย์ที่นุ่มนวลและนุ่มนวลกว่าอยู่แล้ว

ก่อนปี ค.ศ. 1642 ภาพวาดในตำนานอย่างคร่าวๆ "ขบวนของแบคคัส" ในคาสเซิลและ "อาเรียดเน" ในเดรสเดน ภาพวาดที่ยอดเยี่ยมที่มีชีวิตชีวาของแจน เวิร์ธและภรรยาของเขาในโคโลญจน์ก็ถูกวาดเช่นกัน จากนั้นจนถึงปี ค.ศ. 1652 ภาพวาดเคลื่อนไหวทั้งภายนอกและภายใน แม้จะมีลายเส้นที่สงบกว่าเช่น St. Ivo ในบรัสเซลส์ (1645) ภาพครอบครัวที่ยอดเยี่ยมใน Kassel และ "Bean King" ที่มีชีวิตชีวาในเวียนนา

ในปี ค.ศ. 1652 อาจารย์ได้รับคำเชิญไปยังกรุงเฮกให้มีส่วนร่วมในการตกแต่ง "Forest Castle" ซึ่ง "Deification of Prince Friedrich Heinrich" และ "The Victory of Death over Envy" โดย Jordaens มอบให้ ที่ประทับของเขา และในปี ค.ศ. 1661 มีการเชิญไปอัมสเตอร์ดัม ซึ่งเขาวาดภาพที่ยังหลงเหลืออยู่แต่ปัจจุบันแทบจะแยกไม่ออกสำหรับศาลากลางแห่งใหม่

ภาพวาดทางศาสนาที่ดีที่สุดและดีที่สุดในปีต่อ ๆ มาของเขาคือพระเยซูท่ามกลางอาลักษณ์ (2206) ในไมนซ์; "ทางเข้าวิหาร" ในเดรสเดนและ "กระยาหารมื้อสุดท้าย" ที่เต็มไปด้วยแสงในแอนต์เวิร์ปอย่างงดงามด้วยสีสัน

หาก Jordaens หยาบกระด้างเกินไปและไม่เท่าเทียมกันที่จะจัดอันดับให้เป็นหนึ่งในผู้ยิ่งใหญ่ อย่างไรก็ตาม ในฐานะจิตรกรชาวเมืองแอนต์เวิร์ปและจิตรกรชาวเมืองในแอนต์เวิร์ป เขาครองตำแหน่งที่มีเกียรติรองจากรูเบนส์ เจ้าชายแห่งจิตรกรและจิตรกรของเจ้าชาย แต่เนื่องจากความคิดริเริ่มของเขา เขาจึงไม่ได้สร้างสาวกหรือผู้ติดตามที่โดดเด่น

Cornelis de Vos (1585 - 1651) เป็นปรมาจารย์เช่นเดียวกับ Jordans ผู้ซึ่งอยู่ติดกับศิลปะเฟลมิชในอดีตก่อนยุค Rubensian อย่างเป็นอิสระ โดยเฉพาะอย่างยิ่งโดดเด่นในฐานะจิตรกรภาพบุคคล มุ่งมั่นเพื่อความจริงที่ไร้ศิลปะและความจริงใจด้วยสไตล์การวาดภาพที่สงบและทะลุปรุโปร่ง ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะ แวววาวในสายตาของร่างของเขาและเต็มไปด้วยแสงสี กลุ่มภาพครอบครัวที่ดีที่สุดซึ่งมีองค์ประกอบที่ผ่อนคลายเป็นของ Brussels Museum และภาพเดี่ยวที่แข็งแกร่งที่สุดของหัวหน้ากิลด์ Grapheus เป็นของ Antwerp ภาพคู่แต่งงานและลูกสาวตัวน้อยของเขาในกรุงเบอร์ลินก็เป็นเรื่องปกติเช่นกัน

ตรงกันข้ามกับสไตล์เฟลมิชแท้ๆ ของเขาที่มีกลิ่นอายของอิตาลี ซึ่งจิตรกรชาวเบลเยียมส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 17 วาดโดยจิตรกรชาวเบลเยียมส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 17 โดยมีความแตกต่างไม่มากก็น้อย โรงเรียน Luttich Walloon ซึ่งสำรวจโดย Gelbier ได้พัฒนารูปแบบโรมัน-เบลเยียมของ แนวโน้มของ Poussin ตามภาษาฝรั่งเศส หัวหน้าโรงเรียนนี้คือเจอราร์ด ดัฟเฟต (1594 - 1660) นักวิชาการที่มีความคิดสร้างสรรค์และมีความประณีตสูง ซึ่งเป็นที่รู้จักกันดีที่สุดในมิวนิก Gérard Leresse (1641 - 1711) ลูกศิษย์ของลูกศิษย์ Bartolet Flemalle หรือ Flemal (1614 - 1675) ผู้เลียนแบบ Poussin ที่เฉื่อยชาซึ่งย้ายไปอัมสเตอร์ดัมแล้วในปี 1667 ย้ายจากLüttichไปฮอลแลนด์ รูปแบบวิชาการนี้เลียนแบบภาษาฝรั่งเศสซึ่ง เขาติดตามไม่เพียงแต่ในฐานะจิตรกรและช่างพิมพ์ของวิชาเกี่ยวกับตำนานเท่านั้น แต่ยังมีปากกาในหนังสือของเขาด้วยซึ่งมีผลกระทบอย่างมาก เขาเป็นคนที่มีปฏิกิริยารุนแรงและที่สำคัญที่สุดคือมีส่วนสำคัญในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ทำให้กระแสภาพวาดของประเทศเนเธอร์แลนด์เริ่มเข้าสู่แฟร์เวย์แบบโรมาเนสก์ "Seleucus and Antioch" ในอัมสเตอร์ดัมและ Schwerin, "Parnassus" ใน Dresden, "Departure of Cleopatra" ใน Louvre ให้ความคิดที่เพียงพอเกี่ยวกับเขา

ในที่สุด Leres ก็คืนเราจากภาพวาดเบลเยียมผู้ยิ่งใหญ่สู่ภาพวาดขนาดเล็ก และหลังนี้ไม่ต้องสงสัยเลยว่ายังคงมีประสบการณ์ในการวาดภาพขนาดเล็กที่มีภูมิหลังของภูมิทัศน์หรือสถาปัตยกรรมการออกดอกของชาติที่โตเต็มที่ในศตวรรษที่ 17 ซึ่งเติบโตโดยตรงจากดินที่เตรียมโดยปรมาจารย์ในยุคเปลี่ยนผ่าน แต่ได้รับอิสรภาพในการเคลื่อนไหวอย่างสมบูรณ์ด้วย รูเบนส์ผู้มีอำนาจทุกอย่าง ในบางแห่งยังต้องขอบคุณอิทธิพลใหม่ๆ ฝรั่งเศสและอิตาลี หรือแม้แต่อิทธิพลของศิลปะหนุ่มสาวชาวดัตช์ที่มีต่อภาษาเฟลมิช

ภาพประเภทที่แท้จริงและตอนนี้มีบทบาทแรกใน Flanders เหมือนเมื่อก่อน ในขณะเดียวกันก็สังเกตเห็นเส้นขอบที่ค่อนข้างคมชัดระหว่างปรมาจารย์ที่วาดภาพชีวิตของชนชั้นสูงในฉากฆราวาสหรือภาพบุคคลกลุ่มเล็ก ๆ และจิตรกรแห่งชีวิตพื้นบ้านในร้านเหล้า งานแสดงสินค้า และถนนในชนบท รูเบนส์สร้างตัวอย่างของทั้งสองสกุล จิตรกรฆราวาสตามจิตวิญญาณของ Rubens' Gardens of Love วาดภาพสุภาพสตรีและสุภาพบุรุษในชุดผ้าไหมและผ้ากำมะหยี่ เล่นไพ่ งานเลี้ยง เล่นดนตรีร่าเริงหรือเต้นรำ หนึ่งในจิตรกรกลุ่มแรกคือ Christian van der Lamen (1615 - 1661) ซึ่งเป็นที่รู้จักจากภาพวาดใน Madrid, Gotha โดยเฉพาะอย่างยิ่งใน Lucca นักเรียนที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดของเขาคือ Jérôme Janssens (1624 - 1693) ซึ่งเป็น "นักเต้น" และมีฉากการเต้นรำที่สามารถพบเห็นได้ใน Braungschweig เหนือเขาในฐานะจิตรกรคือ Gonzales Kokvets (1618 - 1684) ปรมาจารย์ด้านการวาดภาพบุคคลกลุ่มเล็กๆ ของชนชั้นสูงที่พรรณนาสมาชิกครอบครัวที่อยู่รวมกันที่บ้านใน Kassel, Dresden, London, Budapest และ The Hague นักวาดภาพชีวิตพื้นบ้านของชนชั้นล่างชาวเฟลมิชที่มีผลงานมากที่สุดคือชาวเตเนียร์ David Teniers the Elder (1582 - 1649) และลูกชายของเขา David Teniers the Younger (1610 - 1690) โดดเด่นจากตระกูลใหญ่ของศิลปินเหล่านี้ คนที่แก่กว่าน่าจะเป็นลูกศิษย์ของรูเบนส์ ส่วนรูเบนส์ที่อายุน้อยกว่าอาจให้คำแนะนำที่เป็นมิตร ทั้งสองมีความแข็งแกร่งเท่ากันทั้งแนวนอนและแนว อย่างไรก็ตาม มันเป็นไปไม่ได้ที่จะแยกผลงานทั้งหมดของผู้เฒ่าออกจากภาพวาดในวัยเยาว์ของผู้เยาว์ ไม่ต้องสงสัยเลยว่าผู้เฒ่าเป็นเจ้าของภูมิทัศน์ในตำนานทั้งสี่ของพิพิธภัณฑ์ศาลเวียนนา ซึ่งยังคงยุ่งอยู่กับการถ่ายทอด "เครื่องบินสามลำ" "การล่อลวงของนักบุญ แอนโธนี" ในเบอร์ลิน "ปราสาทบนภูเขา" ในบราวน์ชไวก์ และ "ช่องเขาบนภูเขา" ในมิวนิก

เนื่องจาก David Teniers the Younger ได้รับอิทธิพลจาก Adrien Brouwer ผู้ยิ่งใหญ่แห่ง Oudenard (1606-1638) เราจึงให้ความสำคัญกับสิ่งหลัง Brouwer เป็นผู้สร้างและเป็นคนธรรมดาของเส้นทางใหม่ ลางสังหรณ์ค้นคว้าศิลปะและชีวิตของเขาอย่างถี่ถ้วน ในหลาย ๆ ด้าน เขาเป็นจิตรกรที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในกลุ่มจิตรกรชาวเนเธอร์แลนด์ และในขณะเดียวกันก็เป็นหนึ่งในจิตรกรภูมิทัศน์ชาวเบลเยียมและเนเธอร์แลนด์ที่ได้รับแรงบันดาลใจมากที่สุด อิทธิพลของการวาดภาพของชาวดัตช์ที่มีต่อภาษาเฟลมิชในศตวรรษที่ 17 ถูกพบเห็นครั้งแรกพร้อมกับเขา ซึ่งเป็นลูกศิษย์ของฟรานส์ ฮาลส์ในฮาร์เลม ก่อนปี 1623 เมื่อเขากลับมาจากฮอลแลนด์ เขาตั้งรกรากในแอนต์เวิร์ป

ในขณะเดียวกัน งานศิลปะของเขาก็พิสูจน์ให้เห็นว่าถ้อยคำที่เรียบง่ายที่สุดจากชีวิตของคนทั่วไปสามารถได้รับคุณค่าทางศิลปะสูงสุดได้ด้วยการแสดงของพวกเขา จากชาวดัตช์ เขาใช้ความฉับไวในการรับรู้ธรรมชาติ การแสดงภาพ ในตัวของมันเองเป็นศิลปะ ในฐานะชาวดัตช์ เขาประกาศตัวเองด้วยความโดดเดี่ยวอย่างเข้มงวดในการถ่ายทอดช่วงเวลาต่างๆ ของชีวิต เช่นเดียวกับชาวดัตช์ที่มีอารมณ์ขัน เขาเน้นฉากการสูบบุหรี่ การต่อสู้ เกมไพ่ และปาร์ตี้ดื่มเหล้า

ภาพวาดยุคแรกสุดที่เขาวาดในฮอลแลนด์ การดื่มเหล้าของชาวนา การทะเลาะวิวาท ในอัมสเตอร์ดัม เผยให้เห็นตัวละครที่หยาบกระด้างและเสือกเห็นถึงการตอบสนองของศิลปะการเปลี่ยนผ่านภาษาเฟลมิชแบบเก่า ผลงานชิ้นเอกในครั้งนี้คือ “นักเล่นไพ่” ของเขาในแอนต์เวิร์ป และฉากโรงเตี๊ยมของสถาบัน Städel ในแฟรงก์เฟิร์ต การพัฒนาเพิ่มเติมออกมาอย่างรวดเร็วใน "Knife" และ "Village Bath" ของมิวนิก Pinakothek: ที่นี่การดำเนินการมีความแข็งแกร่งอย่างมากโดยปราศจากตัวเลขรองที่ไม่จำเป็น การดำเนินการในรายละเอียดทั้งหมดได้รับการพิจารณาอย่างงดงาม จากสี Chiaroscuro สีทอง โทนสีแดงและสีเหลืองยังคงเปล่งประกาย ตามมาด้วยช่วงปลายของปรมาจารย์ (1633 - 1636) ที่มีตัวเลขเฉพาะตัวมากขึ้น โทนสีเย็นลง ซึ่งมีสีเขียวและสีน้ำเงินโดดเด่น เหล่านี้รวมถึง 12 จากสิบแปดมิวนิคของเขาและภาพวาดเดรสเดนที่ดีที่สุดสี่ภาพของเขา Schmidt-Degener แนบภาพวาดจำนวนหนึ่งจากคอลเลกชันส่วนตัวในปารีส แต่ความถูกต้องของพวกเขานั้นไม่ได้ถูกกำหนดอย่างแม่นยำเสมอไป ภูมิทัศน์ที่ดีที่สุดของ Brouwer ซึ่งลวดลายธรรมชาติที่เรียบง่ายที่สุดจากบริเวณโดยรอบของ Antwerp ถูกพัดพาด้วยการส่งผ่านอากาศและแสงที่อบอุ่นและสดใสซึ่งเป็นของปีนี้เช่นกัน "เนินทราย" ในกรุงบรัสเซลส์ ภาพวาดชื่อปรมาจารย์ พิสูจน์ความถูกต้องของผู้อื่น พวกเขามีความรู้สึกที่ทันสมัยกว่าภูมิประเทศแบบเฟลมิชอื่น ๆ ทั้งหมดของเขา สิ่งที่ดีที่สุด ได้แก่ แสงจันทร์และภูมิทัศน์ในทุ่งหญ้าในกรุงเบอร์ลิน ภูมิทัศน์เนินทรายที่มีหลังคาสีแดงใน Bridgewater Gallery และทิวทัศน์พระอาทิตย์ตกอันทรงพลังที่เป็นผลงานของ Rubens ในลอนดอน

ภาพวาดประเภทในช่วงสองปีที่ผ่านมาของชีวิตของปรมาจารย์ขนาดใหญ่ชอบแสงการเขียนในเงาและการอยู่ใต้บังคับบัญชาของสีในท้องถิ่นที่ชัดเจนกว่าในโทนสีเทาทั่วไป ชาวนาร้องเพลง ทหารเล่นลูกเต๋า และคู่บ่าวสาวในบ้านดื่มของมิวนิค พินาโคเทก เข้าร่วมด้วยภาพวาดที่แข็งแกร่งซึ่งแสดงถึงการปฏิบัติงานที่สถาบันสเตเดลและพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ "ผู้สูบบุหรี่" ศิลปะดั้งเดิมของ Brouwer นั้นตรงกันข้ามกับแบบแผนทางวิชาการทั้งหมดเสมอ

David Teniers the Younger จิตรกรประเภทที่ชื่นชอบของโลกผู้สูงศักดิ์ได้รับเชิญในปี 1651 โดยจิตรกรในราชสำนักและผู้อำนวยการแกลเลอรีของ Archduke Leopold Wilhelm จาก Antwerp ถึง Brussels ซึ่งเขาเสียชีวิตด้วยวัยชรา ไม่สามารถเทียบได้กับ Brouwer ใน ความฉับไวของการถ่ายโอนชีวิตในประสบการณ์ทางอารมณ์ของอารมณ์ขัน แต่นั่นคือเหตุผลที่เขาเข้าใจการปรับแต่งภายนอกและสไตล์เมืองของชีวิตพื้นบ้าน เขาชอบวาดภาพชาวเมืองที่แต่งกายแบบชนชั้นสูงในความสัมพันธ์ของพวกเขากับชาวหมู่บ้าน ในบางโอกาสเขาวาดภาพฉากฆราวาสจากชีวิตของชนชั้นสูง และแม้แต่ถ่ายทอดเรื่องราวทางศาสนาในรูปแบบของภาพวาดประเภทของเขา ภายในห้องที่ตกแต่งอย่างวิจิตรงดงามหรือในที่สังเกตตามความเป็นจริง แต่การตกแต่งภูมิทัศน์ สิ่งล่อใจของเซนต์ Anthony (ใน Dresden, Berlin, St. Petersburg, Paris, Madrid, Brussels) เป็นหัวข้อที่เขาชื่นชอบ เขาวาดคุกใต้ดินมากกว่าหนึ่งครั้งโดยมีรูปของปีเตอร์อยู่ด้านหลัง (เดรสเดน เบอร์ลิน) ในธีมที่เป็นตำนานในรูปแบบของภาพวาดประเภทของเขาเราจะตั้งชื่อว่า "Neptune and Amphitrite" ในเบอร์ลิน, ภาพวาดเชิงเปรียบเทียบ " Five Senses" ในกรุงบรัสเซลส์, งานกวี - ภาพวาดสิบสองภาพจาก "Liberated Jerusalem" ในมาดริด ภาพวาดของเขาที่เป็นตัวแทนของนักเล่นแร่แปรธาตุ (เดรสเดน, เบอร์ลิน, มาดริด) สามารถจำแนกได้ว่าเป็นประเภทสังคมชั้นสูง ภาพวาดส่วนใหญ่ของเขาซึ่งมี 50 ภาพในมาดริด 40 ภาพในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 30 ภาพในปารีส 28 ภาพในมิวนิค 24 ภาพในเดรสเดน พรรณนาถึงสภาพแวดล้อมของชาวบ้านที่สนุกสนานในช่วงเวลาว่าง เขาวาดภาพพวกเขากำลังกินเลี้ยง ดื่ม เต้นรำ สูบบุหรี่ เล่นไพ่หรือลูกเต๋า ในงานปาร์ตี้ ในโรงเตี๊ยมหรือข้างถนน แสงสว่างและอิสระของเขาในภาษาธรรมชาติของรูปแบบ การกวาดสายตา และในขณะเดียวกัน การเขียนที่อ่อนโยนก็ประสบกับการเปลี่ยนแปลงในสีเท่านั้น น้ำเสียงของ “งานฉลองพระวิหารในแสงครึ่งดวง” ของเขาในปี 1641 ในเมืองเดรสเดนหนักแน่นทว่าลึกล้ำและเยือกเย็น จากนั้นเขาก็กลับไปใช้โทนสีน้ำตาลในช่วงปีแรก ๆ ซึ่งพัฒนาอย่างรวดเร็วเป็นโทนสีทองที่ร้อนแรงในภาพวาดเช่นคุกใต้ดินในปี 1642 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก "โรงเบียร์กิลด์" ในปี 1643 ในมิวนิกและ "ลูกชายผู้น้อย" ใน ในปี 1644 ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์สว่างไสวยิ่งขึ้นเช่น "การเต้นรำ" ในปี 1645 ในมิวนิก และ "คนเล่นลูกเต๋า" ในปี 1646 ในเดรสเดิน จากนั้น ในขณะที่การแสดง "Smokers" ในปี 1650 ในมิวนิค ก็ค่อยๆ กลายเป็นสีเทาขึ้น และในที่สุด ในปี ค.ศ. 1651 ใน "Peasant Wedding" ในมิวนิก เปลี่ยนเป็นโทนสีเงินที่ประณีตและมาพร้อมกับการเขียนที่เบาและลื่นไหลมากขึ้นซึ่งทำให้ภาพวาดของ Teniers ในยุค 50 โดดเด่น เช่น "Guard" ในปี 1657 ของเขาที่พระราชวังบักกิงแฮม ในที่สุดหลังจากปี 1660 พู่กันของเขามีความมั่นใจน้อยลง การลงสีกลับเป็นสีน้ำตาลมากขึ้น แห้งและขุ่นมัว มิวนิกเป็นเจ้าของภาพวาดที่เป็นตัวแทนของนักเล่นแร่แปรธาตุ โดยมีลักษณะของภาพวาดโดยปรมาจารย์สูงวัยจากปี 1680

ในบรรดานักเรียนของ Brouwer Joos van Kreesbeek (1606 - 1654) โดดเด่นในภาพวาดซึ่งบางครั้งการต่อสู้ก็จบลงอย่างน่าเศร้า Gillis van Tilborch (ประมาณ 1625 - 1678) เป็นที่รู้จักจากนักเรียนของ Teniers the Younger ซึ่งวาดภาพกลุ่มครอบครัวในสไตล์ Kokves ร่วมกับพวกเขาเป็นสมาชิกของตระกูลจิตรกร Rikavert ซึ่งโดยเฉพาะอย่างยิ่ง David Rikaert III (1612 - 1661) ได้ลุกขึ้นมาเป็นอิสระในระดับหนึ่ง

ถัดจากภาพวาดร่างเล็กภาษาเฟลมิชแห่งชาติมีแนวโน้มพร้อมกันแม้ว่าจะไม่เทียบเท่าก็ตาม แต่ผู้เชี่ยวชาญเหล่านี้ทำงานชั่วคราวในอิตาลีและบรรยายภาพชีวิตชาวอิตาลีในการแสดงออกทั้งหมด อย่างไรก็ตาม สมาชิกกลุ่มใหญ่ที่สุดของ “ชุมชน” ชาวดัตช์ในกรุงโรม ซึ่งราฟาเอลหรือมีเกลันเจโลเป็นผู้นำไปนั้น คือชาวดัตช์ ซึ่งเราจะกลับมาที่ด้านล่าง Pieter Van Laer แห่ง Gaarlem (1582 - 1642) เป็นผู้ก่อตั้งที่แท้จริงของเทรนด์นี้ ซึ่งมีอิทธิพลต่อทั้งชาวอิตาลีประเภท Cherkvozzi และชาวเบลเยียมประเภท Jan Mils (1599 - 1668) อย่างเท่าเทียมกัน อิสระน้อยกว่าคือ Anton Goubau (1616 - 1698) ผู้ซึ่งเติมชีวิตชีวาให้กับซากปรักหักพังของโรมัน และ Peter Van Blemen ที่มีชื่อเล่นว่า Standardaard (1657 - 1720) ซึ่งชื่นชอบงานแสดงม้าของอิตาลี การต่อสู้ของทหารม้า และฉากในค่าย ชีวิตพื้นบ้านของอิตาลียังคงอยู่ตั้งแต่สมัยของปรมาจารย์เหล่านี้ซึ่งเป็นพื้นที่ที่ดึงดูดจิตรกรทางภาคเหนือเป็นประจำทุกปี

ในทางตรงกันข้าม การวาดภาพทิวทัศน์พัฒนาขึ้นในจิตวิญญาณของเฟลมิชแห่งชาติ โดยมีธีมการต่อสู้และโจรกรรม ซึ่งอยู่ติดกับ Sebastian Vranks ซึ่งนักเรียนของ Peter Snyers (1592 - 1667) ย้ายจาก Antwerp ไปยัง Brussels ภาพวาดในยุคแรกๆ ของ Sniers เช่นภาพในเดรสเดน แสดงให้เขาเห็นบนเส้นทางที่งดงามทีเดียว ต่อมาในฐานะจิตรกรการสู้รบแห่งราชวงศ์ฮับส์บวร์ก เขาเน้นย้ำความจงรักภักดีของภูมิประเทศและยุทธศาสตร์มากกว่าความจงรักภักดีของจิตรกร ดังที่ภาพวาดขนาดใหญ่ของเขาแสดงในกรุงบรัสเซลส์ เวียนนา และมาดริด นักเรียนที่ดีที่สุดของเขาคือ Adam Frans Van der Meulen (1631 - 1690) จิตรกรการต่อสู้ของ Louis XIV และศาสตราจารย์ที่ Paris Academy ผู้ซึ่งย้ายสไตล์ของ Snyers ไปปารีสซึ่งขัดเกลาโดยเขาในมุมมองทางอากาศและแสง ที่พระราชวังแวร์ซายส์และที่ Hotel des Invalides ในกรุงปารีส พระองค์ทรงวาดภาพฝาผนังชุดใหญ่ ไร้ที่ติในรูปแบบที่มั่นใจและความประทับใจของภูมิทัศน์ที่งดงาม ภาพวาดของเขาในเดรสเดน เวียนนา มาดริด และบรัสเซลส์ที่มีการรณรงค์ การปิดล้อมเมือง ค่าย การเสด็จมาอย่างมีชัยของกษัตริย์ผู้ยิ่งใหญ่ก็มีความโดดเด่นในด้านการรับรู้ภาพที่ละเอียดอ่อน ภาพวาดการต่อสู้แบบใหม่ของเนเธอร์แลนด์นี้ถูกถ่ายโอนไปยังอิตาลีโดย Cornelis de Wael (1592-1662) ซึ่งตั้งรกรากอยู่ในเจนัว และหลังจากได้พู่กันที่สมบูรณ์แบบและสีโทนอุ่นจากที่นี่ ในไม่ช้า เขาก็ย้ายไปวาดภาพชีวิตพื้นบ้านของอิตาลี

ในการวาดภาพทิวทัศน์ของเบลเยียมซึ่งอธิบายในรายละเอียดเพิ่มเติมโดยผู้เขียนหนังสือเล่มนี้ใน The History of Painting (ของเขาเองและของ Woltmann) เราสามารถแยกแยะความแตกต่างของต้นฉบับดั้งเดิมได้อย่างชัดเจน สัมผัสเพียงเล็กน้อยจากอิทธิพลทางใต้จากแนวคลาสสิกหลอก แนวโน้มที่ติดกับ Poussin ในอิตาลี ภาพวาดภูมิทัศน์แห่งชาติของเบลเยียมยังคงอยู่เมื่อเทียบกับชาวดัตช์โดยทิ้ง Rubens และ Brouwer ไว้ซึ่งเป็นคุณลักษณะของการตกแต่งภายนอก ด้วยคุณสมบัตินี้ เธอจึงปรากฏตัวในการตกแต่งพระราชวังและโบสถ์ด้วยชุดภาพเขียนประดับที่มีมากมายอย่างที่ไม่มีที่ไหนอีกแล้ว Antwerpian Paul Bril ปลูกฝังภาพวาดประเภทนี้ในกรุงโรม ต่อมาชาวเบลเยียมชาวฝรั่งเศส Francois Millet และ Philippe de Champagne ได้ตกแต่งโบสถ์ในปารีสด้วยภาพวาดทิวทัศน์ ผู้เขียนหนังสือเล่มนี้เขียนบทความแยกต่างหากเกี่ยวกับภูมิทัศน์ของโบสถ์ในปี 1890

ในบรรดาปรมาจารย์ Antwerp ก่อนอื่นควรชี้ไปที่ Caspar de Witte (1624 - 1681) จากนั้น Peter Spirincks (1635 - 1711) ซึ่งเป็นเจ้าของภูมิทัศน์ของโบสถ์ซึ่งผิดพลาดโดย Peter Risbrak (1655 - 1719) ในคณะนักร้องประสานเสียงของ Augustinian โบสถ์ใน Antwerp และโดยเฉพาะอย่างยิ่งใน Jan Frans Van Bloemen (1662 - 1748) ซึ่งมีชื่อเล่นว่า "Horizonte" เพื่อความชัดเจนของระยะภูเขาสีน้ำเงินที่ประสบความสำเร็จ ชวนให้นึกถึง Duguet อย่างมาก แต่ภาพวาดที่รุนแรงและเย็นชา

ภาพวาดทิวทัศน์ประจำชาติของเบลเยียมในยุคนี้รุ่งเรืองมากในกรุงบรัสเซลส์ บรรพบุรุษของมันคือ Denis Van Alsloot (ประมาณปี ค.ศ. 1570 - 1626) ผู้ซึ่งพัฒนาความแข็งแกร่งความหนักแน่นและความชัดเจนของการวาดภาพในภาพวาดกึ่งชนบทกึ่งเมืองของเขาตามรูปแบบการเปลี่ยนผ่าน ลูกศิษย์ที่ยิ่งใหญ่ของเขา Lucas Achtschellingx (1626 - 1699) ซึ่งได้รับอิทธิพลจาก Jacques d'Artois ได้มีส่วนร่วมในการตกแต่งโบสถ์เบลเยียมด้วยภูมิทัศน์ในพระคัมภีร์ด้วยต้นไม้สีเขียวเข้มเขียวชอุ่มและระยะทางที่เป็นเนินเขาสีน้ำเงินในลักษณะที่กว้าง อิสระ และค่อนข้างกว้างไกล Jacques d'Artois (1613 - 1683) จิตรกรภูมิทัศน์ที่ดีที่สุดในบรัสเซลส์ซึ่งเป็นนักเรียนของ Jan Mertens ที่แทบไม่มีใครรู้จักยังตกแต่งโบสถ์และอารามด้วยภูมิทัศน์ขนาดใหญ่ซึ่งเป็นฉากในพระคัมภีร์ที่เพื่อนของเขาซึ่งเป็นจิตรกรประวัติศาสตร์วาด ภูมิทัศน์ของโบสถ์เซนต์ ผู้เขียนหนังสือเล่มนี้ได้เห็นภริยาของอาสนวิหารบรัสเซลส์ในความศักดิ์สิทธิ์ของโบสถ์แห่งนี้ ภูมิทัศน์ของโบสถ์ก็รวมถึงภาพวาดขนาดใหญ่ของเขาที่พิพิธภัณฑ์ศาลและหอศิลป์ลิกเตนสไตน์ในเวียนนาด้วย ด้วยภาพวาดในห้องเล็ก ๆ ของเขา ซึ่งแสดงถึงธรรมชาติของป่าอันเขียวขจีรอบ ๆ กรุงบรัสเซลส์ ต้นไม้สีเขียวขนาดใหญ่ ถนนทรายสีเหลือง ระยะทางที่เป็นเนินเขาสีน้ำเงิน แม่น้ำสดใส และสระน้ำ คุณจะได้รู้จักมาดริด บรัสเซลส์ และเดรสเดนได้อย่างสมบูรณ์แบบ , มิวนิค และ ดาร์มสตัดท์. ด้วยองค์ประกอบแบบปิดที่หรูหรา ลุ่มลึก อิ่มตัวด้วยสีสันที่สดใส อากาศปลอดโปร่งพร้อมก้อนเมฆ ซึ่งโดดเด่นด้วยด้านข้างที่ส่องสว่างด้วยสีเหลืองทอง ทำให้สื่อถึงภาพรวมได้อย่างสมบูรณ์แบบ แต่ยังคงเป็นเพียงลักษณะทั่วไปของพื้นที่เท่านั้น สีทอง, อบอุ่นกว่า, มีการตกแต่งมากกว่า ถ้าคุณชอบ มีสีแบบเวนิสมากกว่า d'Artois นักเรียนที่ดีที่สุดของเขา Cornelis Huysmans (1648 - 1727) ซึ่งมีภูมิทัศน์ของโบสถ์ที่ดีที่สุดคือ "Christ at Emmaus" ของ Church of St. Wives ใน Mecheln .

ในเมืองชายทะเลแอนต์เวิร์ป ท่าจอดเรือก็พัฒนาขึ้นเองตามธรรมชาติเช่นกัน ความปรารถนาในอิสรภาพและความเป็นธรรมชาติของศตวรรษที่ 17 เกิดขึ้นที่นี่ในภาพวาดที่แสดงถึงการต่อสู้ชายฝั่งและทางทะเลของ Andries Aartvelt หรือ Van Ertvelt (1590 - 1652), Buonaventura Peters (1614 - 1652) และ Hendrik Mindergout (1632 - 1696) ซึ่งอย่างไรก็สู้ช่างฝีมือดีชาวดัตช์ในวงการเดียวกันไม่ได้

ในการวาดภาพสถาปัตยกรรมซึ่งแสดงให้เห็นภายในโบสถ์แบบโกธิกด้วยความเต็มใจ ปรมาจารย์ชาวเฟลมิชอย่างปีเตอร์ นีฟส์ผู้น้อง (พ.ศ. 2163-2218) ซึ่งแทบไม่ได้ก้าวข้ามรูปแบบการเปลี่ยนผ่านที่หยาบกระด้าง ยังขาดเสน่ห์ภายในที่เต็มไปด้วยแสงและงดงามของชาวดัตช์ ภาพของโบสถ์

ความกล้าและความสดใสของชาวเบลเยียมนำมาสู่ภาพสัตว์ ผลไม้ ธรรมชาติที่ตายแล้ว และดอกไม้ อย่างไรก็ตาม แม้แต่ Jan Fit (1611 - 1661) ซึ่งเป็นจิตรกรเกี่ยวกับอุปกรณ์ในครัวและผลไม้ ก็ไม่ได้ไปไกลกว่า Snyders ผู้ซึ่งดำเนินการอย่างระมัดระวังและผสมผสานรายละเอียดทั้งหมดเข้าด้วยกันอย่างสวยงาม ภาพวาดดอกไม้ไม่ได้ไปใน Antwerp อย่างน้อยก็ในตัวเอง ไปไกลกว่า Jan Brueghel the Elder แม้แต่นักเรียนของ Brueghel ในด้านนี้ Daniel Seghers (1590 - 1661) ก็เหนือกว่าเขาในด้านความกว้างและความหรูหราของรูปแบบการตกแต่ง แต่ไม่เข้าใจเสน่ห์ของรูปแบบและสีรุ้งของแต่ละสี ไม่ว่าในกรณีใด พวงหรีดดอกไม้ของ Seghers บนพระแม่มารีของจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่และภาพดอกไม้ที่หายากและเป็นอิสระของเขา เช่น แจกันเงินในเดรสเดน เผยให้เห็นแสงเย็นที่ชัดเจนของการประหารชีวิตที่ไม่มีใครเทียบได้ แอนต์เวิร์ปในศตวรรษที่ 17 เป็นสถานที่หลักในการวาดภาพดอกไม้และผลไม้ของเนเธอร์แลนด์ แต่ก็เป็นหนี้บุญคุณของช่างฝีมือท้องถิ่นไม่มากนัก เช่นเดียวกับ Utrechtian Jan Davids de Gey (1606 - 1684) ผู้ยิ่งใหญ่ ซึ่งย้ายไปแอนต์เวิร์ปและเลี้ยงดูเขา ลูกชายของ Cornelis ซึ่งเกิดใน Leiden. de Gay (1631 - 1695) ต่อมาก็เป็นปรมาจารย์ Antwerp แต่พวกเขาคือจิตรกรดอกไม้และผลไม้ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในบรรดาจิตรกรที่โดดเด่นด้วยความรักที่ไม่สิ้นสุดในการตกแต่งรายละเอียดและพลังแห่งการวาดภาพสามารถผสานรายละเอียดเหล่านี้ภายในได้เช่นเดียวกับปรมาจารย์ชาวดัตช์ไม่ใช่ชาวเบลเยียม

เราเห็นว่ามีความเชื่อมโยงที่สำคัญระหว่างจิตรกรรมเฟลมิชกับศิลปะดัตช์ อิตาลี และฝรั่งเศส ชาวเฟลมมิงส์สามารถชื่นชมการรับรู้โดยตรงและใกล้ชิดของชาวดัตช์ ความสง่างามที่น่าสมเพชของชาวฝรั่งเศส ความหรูหราในการตกแต่งของรูปแบบและสีสันของชาวอิตาเลียน แต่เมื่อทิ้งผู้แปรพักตร์และปรากฏการณ์ที่แยกตัวออกไป พวกเขายังคงอยู่เพียงเศษหนึ่งส่วนสี่ของ ตัวเองในงานศิลปะของพวกเขา สำหรับไตรมาสอื่น ๆ พวกเขาถูกทำให้เป็นอักษรโรมันภายในและภายนอกเป็นภาษาเยอรมันดั้งเดิมของชาวดัตช์ ผู้ซึ่งสามารถเข้าใจและทำซ้ำธรรมชาติและชีวิตด้วยความกระตือรือร้นและแรงกล้า และในแง่การตกแต่งที่มีอารมณ์ร่วม

ในหมู่พวกเขาคุณยังสามารถเห็นภาพของหนึ่งในปรมาจารย์ Flanders ที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคนั้น Adrian Brauer (1606-1632) ซึ่งภาพวาดของเขารวบรวมโดยรูเบนส์เอง (มีสิบเจ็ดคนในคอลเลกชันของเขา). งานแต่ละชิ้นของ Brauer เปรียบเสมือนไข่มุกแห่งภาพวาด ศิลปินมีพรสวรรค์ด้านสีสันอย่างมาก ธีมของงานของเขา เขาเลือกชีวิตประจำวันของคนจนชาวเฟลมิช - ชาวนา ขอทาน คนพเนจร - น่าเบื่อในความน่าเบื่อและความว่างเปล่า ด้วยความบันเทิงที่น่าสังเวช บางครั้งถูกรบกวนจากการระบาดของกิเลสตัณหาสัตว์ป่า Brouwer ยังคงสืบสานประเพณีของ Bosch และ Brueghel ในงานศิลปะด้วยการปฏิเสธอย่างแข็งขันต่อความสกปรกและความอัปลักษณ์ของชีวิต ความโง่เขลาและความต่ำต้อยของสัตว์ในธรรมชาติของมนุษย์ และในขณะเดียวกันก็ให้ความสนใจอย่างมากในลักษณะเฉพาะ เขาไม่ได้ตั้งเป้าหมายที่จะเปิดเผยภูมิหลังของชีวิตทางสังคมในวงกว้างต่อหน้าผู้ชม จุดแข็งของเขาอยู่ที่การพรรณนาสถานการณ์เฉพาะประเภท เขามีความสามารถในการแสดงออกทางสีหน้าโดยเฉพาะอย่างยิ่งผลกระทบต่าง ๆ ของความรู้สึกและความรู้สึกที่บุคคลได้รับ ตรงกันข้ามกับรูเบนส์ ฟาน ไดค์ และแม้แต่จอร์แดน เขาไม่คิดถึงอุดมคติและความหลงใหลอันสูงส่งใดๆ เขาประชดประชันคน ๆ นั้นในขณะที่เขาเป็น ในพิพิธภัณฑ์ คุณสามารถชมภาพวาดของเขาเรื่อง "Drinking Buddies" ซึ่งโดดเด่นด้วยการใช้แสงสีที่ละเอียดอ่อน สื่อถึงสภาพแสงและบรรยากาศได้อย่างน่าทึ่ง ทิวทัศน์ของเมืองอันน่าสมเพชใกล้กับเชิงเทินพร้อมกับผู้เล่นพเนจร ทำให้เกิดความเศร้าโศกบีบคั้นหัวใจ อารมณ์ของศิลปินเองที่พูดถึงความสิ้นหวังอันน่าเบื่อของการดำรงอยู่นั้นเป็นเรื่องที่น่าทึ่งอย่างมาก

ฟรานส์ ฮัลส์

แผนกจิตรกรรมของเนเธอร์แลนด์มีขนาดค่อนข้างเล็ก แต่มีภาพวาดของ Rembrandt, Jacob Ruisdael, Lesser Dutch, ปรมาจารย์ด้านภูมิทัศน์ หุ่นนิ่ง และฉากประเภทต่างๆ ภาพเหมือนของพ่อค้า Willem Heithuissen ซึ่งเป็นผลงานของ Frans Hals ศิลปินชาวดัตช์ผู้ยิ่งใหญ่ (1581/85-1666) . Heithuissen เป็นคนร่ำรวย แต่ใจแคบและไร้ประโยชน์อย่างยิ่ง โดยธรรมชาติแล้ว เขาพยายามทำให้ดูเหมือนผู้ดีมีตระกูลด้วยความสง่างามที่ความมั่งคั่งของเขาดูเหมือนจะได้รับอนุญาตให้ได้มา Hals นั้นไร้สาระและแปลกไปสำหรับคำกล่าวอ้างของการเริ่มต้นใหม่นี้ เนื่องจากการประชดประชันอย่างต่อเนื่องเขาจึงสร้างภาพพอร์ตเทรตเป็นสองเท่า อันดับแรก เราสังเกตเห็นท่าทางที่ผ่อนคลายของ Heithuissen ชุดสูทหรูหราหรูหราของเขา หมวกที่มีขอบเรียบ จากนั้นใบหน้าที่ไร้อารมณ์ ซีดเซียว ไม่อ่อนเยาว์อีกต่อไปด้วยท่าทางหมองคล้ำ แก่นแท้ของผู้ชายคนนี้โผล่ออกมาแม้ว่าจะมีเล่ห์เหลี่ยมที่จะซ่อนมันไว้ก็ตาม ความไม่สอดคล้องกันภายในและความไม่แน่นอนของภาพถูกเปิดเผยโดยองค์ประกอบภาพที่ได้รับการแก้ไขในตอนแรก Heithuissen ถือแส้อยู่ในมือนั่งบนเก้าอี้ราวกับนั่งอยู่บนเก้าอี้ราวกับว่ากำลังแกว่งไปมา ท่านี้บ่งบอกถึงการที่ศิลปินกำหนดสถานะของตัวแบบอย่างรวดเร็วในช่วงเวลาสั้นๆ และท่าทางเดียวกันทำให้ภาพมีความผ่อนคลายและความง่วง มีบางอย่างที่น่าสมเพชในตัวชายผู้นี้ซึ่งพยายามซ่อนตัวจากความเหี่ยวแห้งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ ความฟุ้งเฟ้อของความปรารถนาและความว่างเปล่าภายใน

ลูคัส ครานัจ

ในส่วนของภาพวาดเยอรมันของ Brussels Museum ผลงานอันยอดเยี่ยมของ Lucas Cranach the Elder ดึงดูดความสนใจ (1472-1553) . นี่คือภาพเหมือนของ ดร. โยฮันน์ เชอริง ลงวันที่ 1529 ภาพลักษณ์ของชายผู้แข็งแกร่งและเอาแต่ใจเป็นเรื่องปกติของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเยอรมัน แต่ทุกครั้งที่ Cranach รวบรวมคุณสมบัติส่วนบุคคลของจิตใจและลักษณะนิสัย และเผยให้เห็นในลักษณะทางกายภาพของแบบจำลอง ซึ่งจับใจความได้อย่างชัดเจนจากความเป็นเอกลักษณ์ของมัน ด้วยรูปลักษณ์ที่ดุดันของเชอริ่ง ใบหน้าของเขาสามารถสัมผัสได้ถึงความลุ่มหลง ความแข็งแกร่ง และความดื้อรั้น ภาพลักษณ์ของเขาจะไม่เป็นที่พอใจหากความแข็งแกร่งภายในอันมหาศาลไม่ได้ทำให้เกิดความเคารพต่อตัวละครที่แปลกประหลาดของบุคคลนี้ ความเก่งกาจของทักษะกราฟิกของศิลปินนั้นโดดเด่นมาก จึงถ่ายทอดลักษณะใบหน้าขนาดใหญ่ที่น่าเกลียดและรายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ ของภาพบุคคลได้อย่างคมชัด

คอลเลกชันอิตาลีและฝรั่งเศส

คอลเลคชันภาพวาดของศิลปินชาวอิตาลีอาจกระตุ้นความสนใจของผู้มาเยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์ได้ เนื่องจากที่นี่มีผลงานของ Tintoretto จิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ ไททันคนสุดท้ายของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอิตาลี “การประหารเซนต์ Mark” เป็นผืนผ้าใบของวงจรที่อุทิศให้กับชีวิตของนักบุญ ภาพเต็มไปด้วยดราม่าที่มีพายุความน่าสมเพชที่เร่าร้อน ไม่เพียงแค่ผู้คนเท่านั้น แต่ยังรวมถึงท้องฟ้าที่ปกคลุมด้วยเมฆที่แตกเป็นเสี่ยงๆ และทะเลอันบ้าคลั่งที่ดูเหมือนจะคร่ำครวญถึงการตายของคนๆ หนึ่ง

ผลงานชิ้นเอกของคอลเลกชั่นฝรั่งเศส ได้แก่ ภาพเหมือนของชายหนุ่มโดย Mathieu Lenin และภาพทิวทัศน์โดย Claude Lorrain

ในส่วนของงานศิลปะยุคเก่าปัจจุบันมีผลงานศิลปะมากกว่าพันร้อยชิ้น ซึ่งหลายชิ้นสามารถมอบสุนทรียภาพอันลึกซึ้งให้กับผู้พบเห็นได้

ฌาค หลุยส์ เดวิด

ส่วนที่สองของ Royal Museum of Fine Arts - คอลเล็กชั่นงานศิลปะจากศตวรรษที่ 19 และ 20 ส่วนใหญ่เป็นผลงานของปรมาจารย์ชาวเบลเยียม ผลงานที่โดดเด่นที่สุดของโรงเรียนภาษาฝรั่งเศสซึ่งเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์คือ "Death of Marat" โดย Jacques Louis David (1748-1825) .

เดวิดเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงของฝรั่งเศส เป็นหัวหน้าของลัทธิคลาสสิกเชิงปฏิวัติ ผู้ซึ่งภาพวาดทางประวัติศาสตร์มีบทบาทอย่างมากในการปลุกสำนึกพลเมืองของคนรุ่นราวคราวเดียวกันในช่วงหลายปีก่อนการปฏิวัติของชนชั้นนายทุนฝรั่งเศส ภาพวาดก่อนการปฏิวัติของศิลปินส่วนใหญ่วาดบนวัตถุจากประวัติศาสตร์ของกรีกโบราณและโรม แต่ความเป็นจริงในการปฏิวัติบังคับให้เดวิดหันกลับมาสู่ปัจจุบันและพบว่าเป็นวีรบุรุษที่คู่ควรในอุดมคติ

“มาราตู - เดวิด ปีที่สอง" - นั่นคือคำจารึกที่พูดน้อยในภาพ มันถูกมองว่าเป็นคำจารึก Marat - หนึ่งในผู้นำของการปฏิวัติฝรั่งเศส - ถูกสังหารในปี 1793 (ตามแคลคูลัสปฏิวัติในปีที่สอง)ชาร์ลอตต์ คอร์เดย์ ผู้นิยมราชวงศ์ "เพื่อนของประชาชน" เป็นภาพในช่วงเวลาแห่งความตายทันทีหลังจากการระเบิด มีดเปื้อนเลือดถูกโยนทิ้งใกล้กับอ่างบำบัดที่เขาทำงานอยู่แม้จะทนทุกข์ทรมานทางร่างกายก็ตาม ความเงียบงันแผ่ขยายไปทั่วภาพ ซึ่งฟังดูเหมือนคำอธิษฐานของวีรบุรุษผู้ล่วงลับ ร่างของเขาถูกแกะสลักด้วย Chiaroscuro อันทรงพลังและเปรียบได้กับรูปปั้น ศีรษะที่ถูกเหวี่ยงและมือที่ตกลงมาดูเหมือนจะถูกแช่แข็งด้วยความสงบสุขชั่วนิรันดร์ องค์ประกอบสร้างความประทับใจด้วยความรุนแรงของการเลือกวัตถุและความชัดเจนของจังหวะเชิงเส้น การตายของ Marat นั้นถูกมองว่าเป็นละครที่กล้าหาญเกี่ยวกับชะตากรรมของพลเมืองที่ยิ่งใหญ่

Francois Joseph Navez ชาวเบลเยียมกลายเป็นลูกศิษย์ของ David ซึ่งใช้ชีวิตในช่วงปีสุดท้ายของชีวิตที่ถูกเนรเทศและบรัสเซลส์ (1787-1863) . จนถึงวาระสุดท้ายของชีวิต Navez ยังคงซื่อสัตย์ต่อประเพณีที่ครูของเขาสร้างขึ้น โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการถ่ายภาพบุคคล แม้ว่าเขาจะนำการตีความภาพแบบโรแมนติกมาใช้ในประเภทนี้ หนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงของศิลปิน "Portrait of the Emptinn family" เขียนขึ้นในปี 1816 ผู้ชมสื่อโดยไม่สมัครใจว่าคู่รักหนุ่มสาวและสวยงามเป็นหนึ่งเดียวกันด้วยความรู้สึกของความรักและความสุข หากภาพของผู้หญิงเต็มไปด้วยความสุขสงบผู้ชายก็จะเต็มไปด้วยความลึกลับโรแมนติกและความเศร้าเล็กน้อย

ภาพวาดเบลเยียมในศตวรรษที่ 19 และ 20

ในห้องโถงของพิพิธภัณฑ์ คุณสามารถชมผลงานของจิตรกรชาวเบลเยียมที่ใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 19 ได้แก่ Henri Leys, Joseph Stevens, Hippolyte Boulanger Jan Stobbarts นำเสนอหนึ่งในภาพวาดที่ดีที่สุดของเขา Farm in Kreiningen ซึ่งแสดงให้เห็นภาพแรงงานชาวนาในเบลเยียมอย่างแท้จริง แม้ว่าศิลปินจะเรียนรู้ด้วยตนเอง แต่ภาพวาดก็ถูกสร้างขึ้นอย่างยอดเยี่ยมและมีคุณภาพสูงในการวาดภาพ ธีมอาจได้รับแรงบันดาลใจจาก The Return of the Prodigal Son ของรูเบนส์ Stobbarts เป็นหนึ่งในจิตรกรคนแรกของศตวรรษที่ 19 ที่ประกาศหลักการของสัจนิยม

การเริ่มต้นอาชีพทางศิลปะของเขานั้นยาก คุ้นเคยกับแนวคิดโรแมนติกของภาพศิลปะ ประชาชนแอนต์เวิร์ปปฏิเสธภาพวาดที่เป็นความจริงของเขาอย่างไม่พอใจ การเป็นปรปักษ์กันนี้พิสูจน์ให้เห็นแล้วว่าแข็งแกร่งมากจนในที่สุด Stobbarts ถูกบังคับให้ย้ายไปบรัสเซลส์

พิพิธภัณฑ์มีภาพวาดยี่สิบเจ็ดภาพโดยศิลปินชาวเบลเยียมชื่อดังอย่าง Henri de Brakeleur (1840-1888) ซึ่งเป็นหลานชายและลูกศิษย์ของ A. Leys จิตรกรประวัติศาสตร์ที่โดดเด่น ความสนใจเพิ่มขึ้นอย่างมากในประวัติศาสตร์ชาติเบลเยียม ขนบธรรมเนียม วิถีชีวิต วัฒนธรรมที่ผสมผสานกันในเดอ เบรกเลอร์ด้วยความรู้สึกรักแปลกๆ เต็มไปด้วยความเสียใจเล็กน้อยและความปรารถนาในอดีต ฉากประเภทของเขาเต็มไปด้วยความทรงจำในอดีต ตัวละครของเขาคล้ายกับผู้คนในศตวรรษที่ผ่านมา ล้อมรอบด้วยวัตถุโบราณและสิ่งของต่างๆ ในผลงานของ de Brakelera มีองค์ประกอบของสไตล์อย่างไม่ต้องสงสัย โดยเฉพาะอย่างยิ่งภาพวาด "นักภูมิศาสตร์" ของเขาคล้ายกับผลงานของปรมาจารย์ชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17 G. Metsu และ N. Mas ในภาพเราเห็นชายชราคนหนึ่งนั่งอยู่บนเก้าอี้กำมะหยี่สมัยศตวรรษที่ 17 และหมกมุ่นอยู่กับการครุ่นคิดของผ้าซาตินทาสีเก่า

ภาพวาดโดยเจมส์ เอนเซอร์ (1860-1949) "สตรีในชุดฟ้า" (1881) มีร่องรอยของอิทธิพลอันแรงกล้าของลัทธิอิมเพรสชั่นนิสม์ของฝรั่งเศส มาตราส่วนที่งดงามประกอบด้วยโทนสีน้ำเงิน สีเทาอมฟ้า และสีเขียว จังหวะที่มีชีวิตชีวาและอิสระบ่งบอกถึงการสั่นสะเทือนและการเคลื่อนไหวของอากาศ

การตีความภาพที่งดงามได้เปลี่ยนรูปแบบในชีวิตประจำวันให้กลายเป็นฉากแห่งบทกวี การรับรู้ภาพที่เพิ่มขึ้นของศิลปิน ความหลงใหลในจินตนาการ และความปรารถนาอย่างต่อเนื่องที่จะเปลี่ยนสิ่งที่เขาเห็นให้กลายเป็นสิ่งที่ผิดปกติ ยังสะท้อนให้เห็นในหุ่นนิ่งอันยอดเยี่ยมของเขา ตัวอย่างที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดคือ Brussels Skat ปลาทะเลมีความสวยงามน่าขยะแขยงด้วยสีและรูปร่างที่คมชัดของสีชมพู ราวกับว่าพร่ามัวไปต่อหน้าต่อตา และมีบางสิ่งที่ไม่น่าพึงพอใจและน่ารำคาญในการจ้องมองอย่างน่าหลงใหลของมันที่พุ่งตรงไปยังผู้ชม

Ensor มีชีวิตที่ยืนยาว แต่งานของเขาอยู่ในช่วงระหว่างปี พ.ศ. 2422 ถึง พ.ศ. 2436 การประชดประชันของ Ensor การปฏิเสธลักษณะที่น่าเกลียดของธรรมชาติมนุษย์ด้วยการเสียดสีอย่างไร้ความปรานี ปรากฏอยู่ในภาพวาดจำนวนมากที่แสดงถึงหน้ากากงานรื่นเริงซึ่งสามารถเห็นได้ในพิพิธภัณฑ์บรัสเซลส์ ความเชื่อมโยงต่อเนื่องของ Ensor กับงานศิลปะของ Bosch และ Brueghel อย่างไม่ต้องสงสัย

Rick Wauters นักวาดสีที่เก่งที่สุดและมีพรสวรรค์มากที่สุดซึ่งเสียชีวิตในสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง (1882-1916) แสดงในพิพิธภัณฑ์เป็นภาพวาดและประติมากรรม ศิลปินได้รับอิทธิพลที่แข็งแกร่งที่สุดของ Cezanne เข้าร่วมกับกระแสที่เรียกว่า "Brabant Fauvism" แต่ถึงกระนั้นก็กลายเป็นปรมาจารย์ดั้งเดิมอย่างลึกซึ้ง ศิลปะเจ้าอารมณ์ของเขาเต็มไปด้วยความรักอันเร่าร้อนในชีวิต ใน The Lady with the Yellow Necklace เราจำได้ว่า Nel ภรรยาของเขานั่งอยู่บนเก้าอี้เท้าแขน เสียงรื่นเริงของผ้าม่านสีเหลือง, ลายสก๊อตสีแดง - ตาหมากรุก, มาลัยสีเขียวบนวอลล์เปเปอร์, สีฟ้า - ของชุดทำให้เกิดความรู้สึกมีความสุขในการเป็น, มีเสน่ห์ทั้งจิตวิญญาณ

พิพิธภัณฑ์จัดเก็บผลงานหลายชิ้นของ Permeke จิตรกรชาวเบลเยียมที่โดดเด่น (1886-1952) .

Constant Permeke ได้รับการยกย่องอย่างกว้างขวางว่าเป็นหัวหน้าของ Belgian Expressionism เบลเยียมเป็นประเทศที่สองรองจากเยอรมนีที่กระแสนี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อสภาพแวดล้อมทางศิลปะ วีรบุรุษของ Permeke ซึ่งส่วนใหญ่เป็นผู้คนจากประชาชนเป็นภาพที่หยาบโดยเจตนาซึ่งตามที่ผู้เขียนควรเปิดเผยความแข็งแกร่งและพลังตามธรรมชาติของพวกเขา Permeke หันไปใช้การเปลี่ยนรูปซึ่งเป็นโทนสีที่เรียบง่าย อย่างไรก็ตามใน "คู่หมั้น" ของเขาคนหนึ่งรู้สึกถึงการสร้างอนุสาวรีย์แม้ว่าจะเป็นภาพดั้งเดิม แต่ความปรารถนาที่จะเปิดเผยตัวละครและความสัมพันธ์ของกะลาสีกับแฟนสาวของเขา

ในบรรดาปรมาจารย์แห่งเทรนด์ความเป็นจริงแห่งศตวรรษที่ 20 Isidore Opsomer และ Pierre Polus มีความโดดเด่น คนแรกเป็นที่รู้จักในฐานะจิตรกรภาพเหมือนที่ยอดเยี่ยม ("ภาพเหมือนของ Jules Destre")คนที่สอง - ในฐานะศิลปิน เช่นเดียวกับ C. Meunier อุทิศงานของเขาเพื่อพรรณนาชีวิตที่ยากลำบากของคนงานเหมืองชาวเบลเยียม ห้องโถงของพิพิธภัณฑ์ยังจัดแสดงผลงานของศิลปินชาวเบลเยียมที่อยู่ในกระแสศิลปะร่วมสมัยอื่นๆ ซึ่งส่วนใหญ่เป็นลัทธิเหนือจริงและลัทธินามธรรม

ศิลปินเบลเยียมแห่งเบลเยียม (ศิลปินเบลเยียม)

ราชอาณาจักรเบลเยียม

“จิตรกรรมเบลเยียมร่วมสมัย. ศิลปินชาวเบลเยียม»

ศิลปินชาวเบลเยี่ยมและร่วมสมัย

เบลเยี่ยม!
เบลเยี่ยม! ประเทศเบลเยี่ยม!
เบลเยี่ยม! รัฐเบลเยี่ยม!
เบลเยี่ยม! ชื่ออย่างเป็นทางการของรัฐเบลเยียมคือราชอาณาจักรเบลเยียม!

เบลเยี่ยม! ราชอาณาจักรเบลเยียมเป็นรัฐในยุโรปตะวันตกเฉียงเหนือ
เบลเยี่ยม! ราชอาณาจักรเบลเยียมเป็นสมาชิกของสหภาพยุโรป (EU) สหประชาชาติ (UN) และกลุ่มทหารแอตแลนติกเหนือ (NATO)
เบลเยี่ยม! ราชอาณาจักรเบลเยียมครอบคลุมพื้นที่ 30,528 กม.²
เบลเยี่ยม! ราชอาณาจักรเบลเยียม! ปัจจุบันมีประชากรมากกว่า 10 ล้านคนอาศัยอยู่ในราชอาณาจักร ประชากรเบลเยียมส่วนใหญ่อยู่ในเมือง - ประมาณ 97% แล้วในปี 2547
เบลเยี่ยม! ราชอาณาจักรเบลเยียม! เมืองหลวงของอาณาจักรเบลเยียมคือเมืองบรัสเซลส์
เบลเยี่ยม! ราชอาณาจักรเบลเยียม! เบลเยียมมีพรมแดนติดกับเนเธอร์แลนด์ทางทิศเหนือ เยอรมนีทางทิศตะวันออก ลักเซมเบิร์กทางตะวันออกเฉียงใต้ และฝรั่งเศสทางทิศใต้และทิศตะวันตก ราชอาณาจักรเบลเยียมทางตะวันตกเฉียงเหนือมีทางออกสู่ทะเลเหนือ
เบลเยี่ยม! ราชอาณาจักรเบลเยียม! รูปแบบของรัฐบาลในเบลเยียมเป็นระบอบรัฐสภาที่มีพระมหากษัตริย์เป็นประมุข รูปแบบของโครงสร้างการปกครองและอาณาเขตเป็นแบบสหพันธรัฐ

เบลเยียม ประวัติศาสตร์เบลเยียม
ยุคก่อนประวัติศาสตร์ของเบลเยียม
ประวัติศาสตร์เบลเยียม ร่องรอยที่เก่าแก่ที่สุดของการปรากฏตัวของมนุษย์ในดินแดนแห่งอนาคตของเบลเยียมถูกพบบนเนินเขา Allambe ในบริเวณใกล้เคียงของภูเขา Saint-Pierre (Sint-Petersberg) ในจังหวัด Liege และมีอายุย้อนไปถึง เมื่อประมาณ 800,000 ปีที่แล้ว
ประเทศเบลเยียม ประวัติศาสตร์ประเทศเบลเยียม ในช่วง 250-35,000 ปีก่อนคริสต์ศักราช อี Neanderthals อาศัยอยู่ในดินแดนของเบลเยียมส่วนใหญ่อยู่ในจังหวัด Liege และ Namur
เบลเยียม ประวัติประเทศเบลเยียม ประมาณ 30,000 ปีก่อนคริสตกาล อี Neanderthal กำลังหายไป ถูกขับไล่โดย Cro-Magnons ธารน้ำแข็งครั้งสุดท้ายในบริเวณนี้สิ้นสุดเมื่อประมาณ 10,000 ปีก่อนคริสตกาล อี ในเวลานั้นระดับน้ำทะเลในสถานที่เหล่านี้ต่ำกว่าปัจจุบันอย่างมาก ดังนั้นจึงมีการเชื่อมต่อทางบกระหว่างเบลเยียมกับอังกฤษยุคใหม่ซึ่งต่อมาได้หายไป
เบลเยียม ประวัติศาสตร์ของเบลเยียม ในช่วงยุคหินใหม่ ซิลิคอนถูกขุดอย่างแข็งขันในเบลเยียม ดังที่เห็นได้จากเหมืองสเปียนน์ในยุคก่อนประวัติศาสตร์
ประวัติศาสตร์เบลเยียม สัญญาณแรกของยุคสำริดในเบลเยียมย้อนกลับไปประมาณ 1,750 ปีก่อนคริสตกาล อี
เบลเยียม ประวัติศาสตร์เบลเยียมตั้งแต่ศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสต์ศักราช อี และก่อนที่จะเริ่ม อี ในเบลเยียม วัฒนธรรม Gallic La Tène เจริญรุ่งเรือง รักษาความสัมพันธ์ทางการค้าและวัฒนธรรมกับทะเลเมดิเตอร์เรเนียน จากที่นี่ ชนเผ่าที่พูดภาษาแกลลิกได้ขยายอาณาเขตไปทางทิศตะวันออก จนถึงเอเชียไมเนอร์ คำว่า "เบลเยี่ยม" นั้นมาจากชื่อของชนเผ่า Gallic ชาวเบลเยียมที่อาศัยอยู่ในประเทศนี้ในตอนต้นของยุคของเรา ในบรรดาชนเผ่าที่อาศัยอยู่ในดินแดนของเบลเยียม Eburons, Aduatics, Nervii, Menaps เป็นที่รู้จักจากแหล่งประวัติศาสตร์

เบลเยียม ประวัติศาสตร์เบลเยียม
สมัยโรมันของเบลเยี่ยม
เบลเยียม ประวัติศาสตร์เบลเยียมใน 54 ปีก่อนคริสตกาล อี ดินแดนของเบลเยียมสมัยใหม่ถูกพิชิตโดยกองทหารของจักรพรรดิแห่งโรมัน Julius Caesar และรวมอยู่ในจังหวัดกอลของโรมัน
เบลเยียม ประวัติศาสตร์เบลเยียม หลังจากการล่มสลายของจักรวรรดิโรมันตะวันตก ในศตวรรษที่ 5 จังหวัดกอลของโรมันถูกพิชิตโดยชนเผ่าดั้งเดิมของแฟรงก์

เบลเยียม ประวัติศาสตร์เบลเยียม
เบลเยียม ประวัติศาสตร์เบลเยียมก่อนได้รับเอกราช
เบลเยียม ประวัติศาสตร์เบลเยียม ในยุคกลาง เบลเยียมเป็นส่วนหนึ่งของดัชชีแห่งเบอร์กันดี
เบลเยียม ประวัติศาสตร์เบลเยียม ค.ศ. 1477-1556 ในช่วงเวลานี้ การอภิเษกสมรสของพระนางมารีย์แห่งแคว้นบูร์กอญทำให้ชาวเบอร์กันดีครอบครองอาณาจักรโรมันอันศักดิ์สิทธิ์
ประวัติศาสตร์เบลเยียมของเบลเยียม 1556-1713 ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ดินแดนของเบลเยียมสมัยใหม่อยู่ภายใต้การควบคุมของสเปน สงครามสามสิบปีเป็นจุดเริ่มต้นของการแยกดินแดนเบลเยียมออกจากเนเธอร์แลนด์โปรเตสแตนต์
เบลเยียม ประวัติศาสตร์เบลเยียม ค.ศ. 1713-1792 ดินแดนของเบลเยียมสมัยใหม่ถูกรวมเข้ากับจักรวรรดิโรมันอันศักดิ์สิทธิ์ในฐานะเนเธอร์แลนด์ของออสเตรีย
เบลเยียม ประวัติศาสตร์เบลเยียม ค.ศ. 1792-1815 ดินแดนของเบลเยียมสมัยใหม่อยู่ภายใต้การควบคุมของฝรั่งเศส
เบลเยียม ประวัติศาสตร์เบลเยียม ค.ศ. 1815-1830 ดินแดนของเบลเยียมสมัยใหม่ถูกรวมเข้าในราชอาณาจักรแห่งสหเนเธอร์แลนด์ ตามการตัดสินใจของรัฐสภาเวียนนา อย่างไรก็ตาม หลายคนในเบลเยียมไม่พอใจกับการบังคับให้รวมชาติกับเนเธอร์แลนด์ (ส่วนใหญ่เป็นประชากรที่พูดภาษาฝรั่งเศสและนักบวชคาทอลิก ซึ่งกลัวว่าบทบาทของภาษาดัตช์และการสารภาพบาปของนิกายโปรเตสแตนต์จะแข็งแกร่งขึ้นตามลำดับ)

เบลเยียม ประวัติศาสตร์เบลเยียม
เบลเยียม การปฏิวัติเบลเยียม รัฐเบลเยียม
เบลเยียม ประวัติศาสตร์เบลเยียม ในปี ค.ศ. 1830 อันเป็นผลมาจากการปฏิวัติเบลเยียม เบลเยียมถอนตัวออกจากอาณาจักรดัตช์ ในปี พ.ศ. 2373 ราชอาณาจักรเบลเยียมที่ได้รับการประกาศเป็นครั้งแรกได้รับสถานะเป็นรัฐเอกราช
เบลเยียม ประวัติศาสตร์เบลเยียม ราชอาณาจักรเบลเยียมหลังจากได้รับเอกราชเริ่มพัฒนาเศรษฐกิจอย่างเข้มข้น ตัวอย่างเช่น เบลเยียมกลายเป็นประเทศแรกในทวีปยุโรปที่มีการสร้างทางรถไฟสายเมเคอเลิน-บรัสเซลส์ในปี พ.ศ. 2378
ประวัติศาสตร์เบลเยียม เบลเยียมประสบความทุกข์ยากอย่างมากในช่วงสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ชาวเบลเยียมยังคงเรียกสงครามนี้ว่า "มหาสงคราม" แม้ว่าพื้นที่ส่วนใหญ่ของเบลเยียมจะถูกยึดครอง แต่ตลอดช่วงสงคราม กองทหารเบลเยียมและอังกฤษก็ยึดพื้นที่ส่วนเล็ก ๆ ของประเทศ ซึ่งคั่นกลางระหว่างทะเลเหนือและแม่น้ำอีเซอร์
ประวัติศาสตร์เบลเยียมของเบลเยียมประวัติศาสตร์ของเมือง Ypres ของเบลเยียมนั้นน่าสลดใจเป็นพิเศษ - ในช่วงสงครามมันถูกทำลายเกือบทั้งหมด ที่นี่ใกล้กับเมือง Ypres เป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ของสงครามที่มีการใช้ก๊าซพิษ (คลอรีน) และก๊าซมัสตาร์ดที่ใช้อีกสองเดือนต่อมาก็ได้รับการตั้งชื่อตามเมืองนี้
เบลเยียม ประวัติศาสตร์ของเบลเยียม เมื่อวันที่ 3 เมษายน พ.ศ. 2468 มีการสรุปข้อตกลงระหว่างเบลเยียมและเนเธอร์แลนด์เพื่อแก้ไขสนธิสัญญา พ.ศ. 2382 การยกเลิกความเป็นกลางอันยาวนานของเบลเยียมและการทำให้ท่าเรือแอนต์เวิร์ปปลอดทหาร
ประวัติศาสตร์เบลเยียมสงครามโลกครั้งที่สอง (พ.ศ. 2483-2487). ในช่วงสงครามโลกครั้งที่ 2 เยอรมันยึดครองเบลเยี่ยม รัฐบาลเบลเยียมหลบหนีไปยังอังกฤษ และกษัตริย์เลโอโปลด์ที่ 3 ถูกเนรเทศไปยังเยอรมนี ในขณะที่พระองค์ลงนามในหนังสือยอมจำนนเมื่อวันที่ 28 พฤษภาคม พ.ศ. 2483 ในช่วงระยะเวลาของการยึดครองของเยอรมนีในเบลเยียม ระบอบการปกครองของกองทัพเยอรมันได้รับการแนะนำภายใต้คำสั่งของนายพล ฟอน ฟัลเคนเฮาเซิน
ประวัติศาสตร์เบลเยียม เบลเยียม การปลดปล่อยเบลเยียมจากกองทหารเยอรมันเริ่มขึ้นในวันที่ 3 กันยายน พ.ศ. 2487 โดยกองทหารอังกฤษเข้ามาในกรุงบรัสเซลส์ 11 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2488 เบลเยียมเริ่มจัดตั้งรัฐบาลของตนเอง

เบลเยียม ประวัติศาสตร์เบลเยียม
เบลเยียม ราชอาณาจักรเบลเยียม ประวัติศาสตร์สมัยใหม่ของเบลเยียม
เบลเยียม ประวัติศาสตร์เบลเยียม 4 เมษายน พ.ศ. 2492 ราชอาณาจักรเบลเยียมเข้าร่วมกับนาโต้
เบลเยียม ประวัติศาสตร์เบลเยียม ในปี พ.ศ. 2500 ราชอาณาจักรเบลเยียมเข้าร่วมประชาคมเศรษฐกิจยุโรป (EEC)

เบลเยียม วัฒนธรรมเบลเยียม

วัฒนธรรมเบลเยียมของเบลเยียม คุณลักษณะของชีวิตทางวัฒนธรรมของเบลเยียมคือการไม่มีสาขาวัฒนธรรมเดียว
เบลเยียม วัฒนธรรมของเบลเยียม อันที่จริง ชีวิตทางวัฒนธรรมในอาณาจักรเบลเยียมมีความเข้มข้นภายในชุมชนภาษา ไม่มีโทรทัศน์ หนังสือพิมพ์ หรือสื่ออื่นทั่วประเทศในเบลเยียม

เบลเยียม วัฒนธรรมแห่งเบลเยียม ศิลปะแห่งเบลเยียม
ศิลปะเบลเยี่ยมเบลเยี่ยม
เบลเยียม ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา Flanders มีชื่อเสียงในด้านการวาดภาพ (ดั้งเดิมของเฟลมิช)
เบลเยียม ต่อมารูเบนส์ศิลปินชื่อดังอาศัยและทำงานในแฟลนเดอร์ส (ในเบลเยียม เมืองแอนต์เวิร์ปมักถูกเรียกว่าเมืองรูเบนส์) อย่างไรก็ตามในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 ศิลปะเฟลมิชก็ค่อยๆลดลง
เบลเยียม ศิลปะการวาดภาพที่เกิดขึ้นใหม่ในประเทศเบลเยียมเป็นของยุคจินตนิยม ลัทธิแสดงออก และลัทธิเหนือจริง ศิลปินชาวเบลเยียมที่มีชื่อเสียงระดับโลก: James Ensor (การแสดงออกและสถิตยศาสตร์), Constant Permeke (การแสดงออก), Leon Spilliart (สัญลักษณ์)
ศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดของเบลเยียมคือ René Magritte อย่างไม่ต้องสงสัย ซึ่งถือว่าเป็นหนึ่งในตัวแทนที่สำคัญที่สุดของสถิตยศาสตร์
เบลเยียม 2 มิถุนายน 2552 ในกรุงบรัสเซลส์ในคอมเพล็กซ์ของ Royal Museums of Fine Arts เปิดพิพิธภัณฑ์แห่งใหม่ของ Rene Magritte ศิลปินแนวเซอร์เรียลิสต์ชาวเบลเยียม (พ.ศ. 2441-2510) นิทรรศการประกอบด้วยผลงานประมาณ 250 ชิ้น พิพิธภัณฑ์แห่งใหม่ได้กลายเป็นนิทรรศการภาพวาดโดย René Magritte ที่ใหญ่ที่สุดในโลก

เบลเยียม วัฒนธรรมแห่งเบลเยียม ศิลปะแห่งเบลเยียม
เบลเยียม ศิลปะเบลเยียม ศิลปินเบลเยียม จิตรกรรมเบลเยียม
เบลเยี่ยม! ศิลปินชาวเบลเยียม (จิตรกรและประติมากรชาวเบลเยียม) จิตรกรชาวเบลเยียม (จิตรกรชาวเบลเยียม) เป็นที่รู้จักกันดีทั่วโลกและสร้างภาพที่สวยงาม ผลงานของศิลปินชาวเบลเยียมมีความหลากหลายมาก ศิลปินชาวเบลเยียม (จิตรกรชาวเบลเยียม) มักแสดงผลงานของตนในนิทรรศการระดับนานาชาติทั่วโลก รวมทั้งในรัสเซีย

เบลเยี่ยม! ศิลปินของเบลเยียม (ศิลปินชาวเบลเยียม) สนับสนุนประเพณีทางประวัติศาสตร์ของโรงเรียนจิตรกรรมเบลเยียมอย่างเพียงพอ
เบลเยี่ยม! ศิลปินแห่งเบลเยียม (ศิลปินชาวเบลเยียม) แกลเลอรีของเรานำเสนอผลงานของศิลปินที่น่าสนใจและมีพรสวรรค์ที่อาศัยอยู่ในเบลเยียม

เบลเยี่ยม! ศิลปินชาวเบลเยียม (ศิลปินชาวเบลเยียม) ศิลปินชาวเบลเยียมและผลงานของพวกเขาสมควรได้รับความสนใจอย่างใกล้ชิดจากผู้รักศิลปะตัวจริง
เบลเยี่ยม! ศิลปินชาวเบลเยียม (ศิลปินชาวเบลเยียม) ศิลปินชาวเบลเยียมมีค่าสำหรับความสามารถ ความคิดริเริ่มของสไตล์ และความเป็นมืออาชีพ
เบลเยี่ยม! ศิลปินชาวเบลเยียม (ศิลปินชาวเบลเยียมสมัยใหม่) ภาพวาดของศิลปินชาวเบลเยียมเป็นที่รักและเต็มใจซื้อในทุกประเทศทั่วโลก

เบลเยี่ยม! ศิลปินแห่งเบลเยียม (ศิลปินเบลเยียมสมัยใหม่) ในแกลเลอรีของเรา คุณสามารถค้นหาและสั่งซื้อผลงานที่สวยงามและน่าสนใจของศิลปินเบลเยียมที่ดีที่สุดและประติมากรชาวเบลเยียมที่ดีที่สุด!