นักเขียนแนวโรแมนติกของโรงเรียนโรแมนติก แนวโรแมนติกคืออะไร? ยุคโรแมนติก

1.1 คุณสมบัติหลักของแนวโรแมนติก

แนวจินตนิยม - (แนวโรแมนติกของฝรั่งเศส จากแนวโรแมนติกในยุคกลางของฝรั่งเศส - นวนิยาย) - ทิศทางในงานศิลปะ ก่อตัวขึ้นในขบวนการวรรณกรรมทั่วไปในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 ในประเทศเยอรมนี ได้แพร่หลายไปในทุกประเทศของยุโรปและอเมริกา จุดสูงสุดของแนวโรแมนติกตรงกับไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 19

คำว่า Romantisme ในภาษาฝรั่งเศสย้อนกลับไปที่ความรักของสเปน (ในยุคกลาง ความรักของสเปนถูกเรียกเช่นนั้น จากนั้นจึงเรียกว่าความรักของอัศวิน) คำว่าโรแมนติกของอังกฤษซึ่งกลายเป็นศตวรรษที่ 18 ในภาษาโรมาติกแล้วมีความหมายว่า "แปลก", "น่าอัศจรรย์", "งดงาม" ในตอนต้นของศตวรรษที่ XIX แนวโรแมนติกกลายเป็นการกำหนดทิศทางใหม่ซึ่งตรงกันข้ามกับแนวคลาสสิก

การเข้าสู่สิ่งที่ตรงกันข้ามกับ "ลัทธิคลาสสิก" - "แนวโรแมนติก" ทิศทางนี้สันนิษฐานว่าเป็นการต่อต้านข้อกำหนดของกฎแบบคลาสสิกที่มีต่อเสรีภาพโรแมนติกจากกฎ ศูนย์กลางของระบบศิลปะแนวโรแมนติกคือปัจเจกบุคคล และความขัดแย้งหลักคือระหว่างบุคคลและสังคม ข้อกำหนดเบื้องต้นที่สำคัญสำหรับการพัฒนาแนวโรแมนติกคือเหตุการณ์ของการปฏิวัติฝรั่งเศส การเกิดขึ้นของแนวจินตนิยมเกี่ยวข้องกับขบวนการต่อต้านการตรัสรู้ สาเหตุของความผิดหวังในอารยธรรม ความก้าวหน้าทางสังคม อุตสาหกรรม การเมือง และวิทยาศาสตร์ ซึ่งส่งผลให้เกิดความแตกต่างและความขัดแย้งใหม่ การปรับระดับ และความหายนะทางจิตวิญญาณของแต่ละบุคคล

การตรัสรู้สั่งสอนสังคมใหม่ที่ "เป็นธรรมชาติ" และ "สมเหตุสมผล" ที่สุด จิตใจที่ดีที่สุดของยุโรปได้พิสูจน์และคาดเดาสังคมแห่งอนาคตนี้ แต่ความจริงกลับกลายเป็นว่าอยู่เหนือการควบคุมของ "เหตุผล" อนาคต - คาดเดาไม่ได้ ไร้เหตุผล และระเบียบทางสังคมสมัยใหม่เริ่มคุกคามธรรมชาติของมนุษย์และของเขา เสรีภาพส่วนบุคคล การปฏิเสธของสังคมนี้ การประท้วงต่อต้านการขาดจิตวิญญาณและความเห็นแก่ตัวได้สะท้อนให้เห็นแล้วในอารมณ์อ่อนไหวและก่อนโรแมนติก แนวโรแมนติกแสดงออกถึงการปฏิเสธนี้อย่างรุนแรงที่สุด แนวจินตนิยมยังต่อต้านการตรัสรู้ในระดับวาจา: ภาษาของงานโรแมนติก, มุ่งมั่นที่จะเป็นธรรมชาติ, "เรียบง่าย" เข้าถึงได้สำหรับผู้อ่านทุกคน, เป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับคลาสสิกที่มีธีม "สูงส่ง" อันสูงส่ง, ตัวอย่างเช่น, สำหรับโศกนาฏกรรมสุดคลาสสิค

ท่ามกลางความโรแมนติกของยุโรปตะวันตกยุคหลัง การมองโลกในแง่ร้ายเกี่ยวกับสังคมได้รับสัดส่วนจักรวาลกลายเป็น "โรคแห่งศตวรรษ" ฮีโร่ของผลงานโรแมนติกหลายชิ้นมีอารมณ์แห่งความสิ้นหวังสิ้นหวังซึ่งมีลักษณะที่เป็นสากล ความสมบูรณ์แบบสูญหายไปตลอดกาล โลกถูกปกครองโดยความชั่วร้าย ความโกลาหลโบราณกำลังฟื้นคืนชีพ ธีมของ "โลกที่น่ากลัว" ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของวรรณกรรมโรแมนติกทั้งหมดได้รวมอยู่ในสิ่งที่เรียกว่า "ประเภทสีดำ" อย่างชัดเจนที่สุด (ใน "นวนิยายโกธิค" ก่อนโรแมนติก - A. Radcliffe, C. Maturin ใน " ละครร็อค" หรือ "โศกนาฏกรรมของร็อค" - Z. Werner, G. Kleist, F. Grillparzer) รวมถึงผลงานของ Byron, C. Brentano, E. T. A. Hoffmann, E. Poe และ N. Hawthorne

ในขณะเดียวกัน แนวโรแมนติกก็มีพื้นฐานอยู่บนแนวคิดที่ท้าทาย "โลกอันน่าสยดสยอง" ซึ่งส่วนใหญ่เป็นแนวคิดเรื่องเสรีภาพ ความผิดหวังของแนวโรแมนติกคือความผิดหวังในความเป็นจริง แต่ความก้าวหน้าและอารยธรรมเป็นเพียงด้านเดียวเท่านั้น การปฏิเสธฝ่ายนี้ การขาดศรัทธาในความเป็นไปได้ของอารยธรรมทำให้เกิดเส้นทางอื่น เส้นทางสู่อุดมคติ สู่นิรันดร์ สู่ความสัมบูรณ์ เส้นทางนี้จะต้องแก้ไขความขัดแย้งทั้งหมดเปลี่ยนชีวิตอย่างสมบูรณ์ นี่คือเส้นทางสู่ความสมบูรณ์แบบ "สู่เป้าหมาย ซึ่งจะต้องแสวงหาคำอธิบายในอีกด้านที่มองเห็นได้" (A. De Vigny) สำหรับความรักบางอย่าง พลังลึกลับที่เข้าใจยากครอบงำโลกซึ่งต้องเชื่อฟังและไม่พยายามเปลี่ยนแปลงชะตากรรม (Chateaubriand, V.A. Zhukovsky) สำหรับคนอื่น ๆ "ความชั่วร้ายทั่วโลก" ทำให้เกิดการประท้วงเรียกร้องการแก้แค้นการต่อสู้ (ต้น A.S. Pushkin) สิ่งที่พบได้ทั่วไปคือพวกเขาทุกคนเห็นตัวตนเดียวในตัวมนุษย์ซึ่งงานนั้นไม่ได้ลดลงเลยแม้แต่การแก้ปัญหาทั่วไป ตรงกันข้าม โดยไม่ปฏิเสธการใช้ชีวิตประจำวัน โรแมนติกพยายามไขปริศนาของการดำรงอยู่ของมนุษย์ หันเข้าหาธรรมชาติ เชื่อมั่นในความรู้สึกทางศาสนาและบทกวี

ฮีโร่โรแมนติกเป็นคนที่ซับซ้อนและหลงใหลซึ่งโลกภายในนั้นลึกล้ำไม่มีที่สิ้นสุด มันเป็นจักรวาลที่เต็มไปด้วยความขัดแย้ง ชาวโรแมนติกมีความสนใจในความสนใจทั้งหมดทั้งสูงและต่ำซึ่งตรงกันข้ามกัน ความหลงใหลสูง - ความรักในการแสดงออกทั้งหมด, ความโลภต่ำ, ความทะเยอทะยาน, ความอิจฉา แนวปฏิบัติทางวัตถุที่ต่ำต้อยในเรื่องความรักนั้นตรงกันข้ามกับชีวิตของวิญญาณ โดยเฉพาะอย่างยิ่งศาสนา ศิลปะ และปรัชญา ความสนใจในความรู้สึกที่แข็งแกร่งและสดใสความหลงใหลในการเคลื่อนไหวที่เป็นความลับของจิตวิญญาณเป็นลักษณะเฉพาะของแนวโรแมนติก

คุณสามารถพูดคุยเกี่ยวกับความโรแมนติกเป็นบุคลิกภาพพิเศษ - คนที่มีความหลงใหลและแรงบันดาลใจสูงไม่เข้ากับโลกประจำวัน สถานการณ์พิเศษที่มาพร้อมกับธรรมชาตินี้ แฟนตาซี, ดนตรีพื้นบ้าน, กวีนิพนธ์, ตำนานกลายเป็นเรื่องน่าดึงดูดใจสำหรับคนรักโรแมนติก - ทุกสิ่งที่เป็นเวลาหนึ่งศตวรรษครึ่งถือเป็นประเภทรองลงมาซึ่งไม่สมควรได้รับความสนใจ แนวโรแมนติกนั้นโดดเด่นด้วยการยืนยันเสรีภาพ, อำนาจอธิปไตยของแต่ละบุคคล, เพิ่มความสนใจต่อปัจเจกบุคคล, มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในมนุษย์, ลัทธิของแต่ละบุคคล ความเชื่อมั่นในคุณค่าของตนเองกลายเป็นการประท้วงต่อชะตากรรมของประวัติศาสตร์ บ่อยครั้งที่ฮีโร่ของงานโรแมนติกกลายเป็นศิลปินที่สามารถรับรู้ความเป็นจริงได้อย่างสร้างสรรค์ "การเลียนแบบธรรมชาติ" แบบคลาสสิกนั้นตรงกันข้ามกับพลังสร้างสรรค์ของศิลปินที่เปลี่ยนความเป็นจริง มันสร้างโลกพิเศษของมันเอง สวยงามและเป็นจริงมากกว่าความเป็นจริงที่รับรู้โดยประจักษ์ มันคือความคิดสร้างสรรค์ที่เป็นความหมายของการดำรงอยู่ มันแสดงถึงคุณค่าสูงสุดของจักรวาล โรแมนติกปกป้องเสรีภาพในการสร้างสรรค์ของศิลปินจินตนาการของเขาอย่างกระตือรือร้นโดยเชื่อว่าอัจฉริยะของศิลปินไม่ปฏิบัติตามกฎ แต่สร้างขึ้น

โรแมนติกหันไปในยุคประวัติศาสตร์ที่แตกต่างกันพวกเขาถูกดึงดูดโดยความคิดริเริ่มของพวกเขาดึงดูดโดยประเทศและสถานการณ์ที่แปลกใหม่และลึกลับ ความสนใจในประวัติศาสตร์กลายเป็นหนึ่งในชัยชนะที่ยั่งยืนของระบบศิลปะแนวโรแมนติก เขาแสดงออกในการสร้างประเภทของนวนิยายอิงประวัติศาสตร์ผู้ก่อตั้งคือ W. Scott และโดยทั่วไปแล้วนวนิยายเรื่องนี้ได้รับตำแหน่งผู้นำในยุคที่กำลังพิจารณา ความโรแมนติกสร้างรายละเอียดทางประวัติศาสตร์พื้นหลังสีของยุคใดยุคหนึ่งได้อย่างถูกต้องและแม่นยำ แต่ตัวละครที่โรแมนติกนั้นได้รับนอกประวัติศาสตร์ตามกฎแล้วพวกเขาอยู่เหนือสถานการณ์และไม่ได้ขึ้นอยู่กับพวกเขา ในขณะเดียวกันนักโรแมนติกมองว่านวนิยายเรื่องนี้เป็นวิธีการทำความเข้าใจประวัติศาสตร์และจากประวัติศาสตร์พวกเขาได้เจาะเข้าไปในความลับของจิตวิทยาและตามด้วยสมัยใหม่ ความสนใจในประวัติศาสตร์ยังสะท้อนให้เห็นในผลงานของนักประวัติศาสตร์ของโรงเรียนโรแมนติกฝรั่งเศส (O. Thierry, F. Guizot, F. O. Meunier)

อยู่ในยุคของลัทธิโรแมนติกที่มีการค้นพบวัฒนธรรมของยุคกลางและความชื่นชมในสมัยโบราณซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของยุคที่ผ่านมาก็ไม่ได้ลดลงเมื่อสิ้นสุด XVIII ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้น ศตวรรษที่ 19 ความหลากหลายของลักษณะประจำชาติ ประวัติศาสตร์ ปัจเจกบุคคลก็มีความหมายทางปรัชญาเช่นกัน ความมั่งคั่งของโลกใบเดียวประกอบด้วยจำนวนทั้งสิ้นของลักษณะเฉพาะเหล่านี้ และการศึกษาประวัติศาสตร์ของแต่ละคนแยกกันทำให้สามารถติดตามได้ในคำว่า ของเบิร์ค ชีวิตไม่ขาดตอนผ่านคนรุ่นใหม่ที่สืบต่อกันมา

ยุคของลัทธิจินตนิยมถูกทำเครื่องหมายด้วยความเฟื่องฟูของวรรณกรรม ซึ่งมีลักษณะเด่นประการหนึ่งคือความหลงใหลในปัญหาสังคมและการเมือง นักเขียนแนวโรแมนติกพยายามที่จะเข้าใจบทบาทของมนุษย์ในเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ที่กำลังดำเนินอยู่ มุ่งความสนใจไปที่ความถูกต้อง ความเป็นรูปธรรม และความน่าเชื่อถือ ในขณะเดียวกัน การทำงานของพวกเขามักจะเกิดขึ้นในสภาพแวดล้อมที่ผิดปกติสำหรับชาวยุโรป เช่น ในตะวันออกและอเมริกา หรือสำหรับชาวรัสเซีย ในคอเคซัสหรือในแหลมไครเมีย ดังนั้นกวีโรแมนติกจึงเป็นนักแต่งเพลงและกวีธรรมชาติเป็นหลักดังนั้นในงานของพวกเขา (อย่างไรก็ตามเช่นเดียวกับนักเขียนร้อยแก้วหลายคน) ภูมิทัศน์ถูกครอบครองโดยสถานที่สำคัญ - ประการแรกทะเลภูเขาท้องฟ้าองค์ประกอบที่มีพายุ ซึ่งฮีโร่มีความสัมพันธ์ที่ซับซ้อน ธรรมชาติอาจคล้ายกับธรรมชาติที่หลงใหลของวีรบุรุษผู้โรแมนติก แต่ก็สามารถต้านทานเขาได้เช่นกัน กลายเป็นพลังที่ไม่เป็นมิตรซึ่งเขาถูกบังคับให้ต้องต่อสู้

ภาพที่แปลกตาและมีชีวิตชีวาของธรรมชาติ ชีวิต วิถีชีวิต และประเพณีของประเทศและผู้คนที่อยู่ห่างไกลยังเป็นแรงบันดาลใจให้เกิดความโรแมนติก พวกเขามองหาคุณลักษณะที่เป็นพื้นฐานสำคัญของจิตวิญญาณแห่งชาติ เอกลักษณ์ของชาติแสดงออกในศิลปะพื้นบ้านปากเปล่าเป็นหลัก จึงสนใจเรื่องนิทานพื้นบ้าน การแปรรูปงาน นิทานพื้นบ้าน การสร้างสรรค์ผลงานของตนเองตามศิลปะพื้นบ้าน

การพัฒนาประเภทของนวนิยายอิงประวัติศาสตร์, เรื่องราวแฟนตาซี, บทกวีโคลงสั้น ๆ - มหากาพย์, เพลงบัลลาดเป็นข้อดีของโรแมนติก นวัตกรรมของพวกเขายังแสดงออกมาในเนื้อเพลง โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการใช้คำหลายคำ การพัฒนาความเชื่อมโยง อุปมาอุปไมย การค้นพบในด้านความเก่งกาจ มาตรวัด และจังหวะ

แนวโรแมนติกนั้นโดดเด่นด้วยการสังเคราะห์จำพวกและแนวเพลง ระบบศิลปะโรแมนติกมีพื้นฐานมาจากการสังเคราะห์ศิลปะ ปรัชญา และศาสนา ตัวอย่างเช่น สำหรับนักคิดเช่น Herder การวิจัยทางภาษาศาสตร์ หลักคำสอนทางปรัชญา และบันทึกการเดินทางทำหน้าที่เป็นการค้นหาวิธีในการปฏิวัติการต่ออายุวัฒนธรรม ความสำเร็จส่วนใหญ่ของแนวโรแมนติกนั้นสืบทอดมาจากความสมจริงในศตวรรษที่สิบเก้า - ชอบเพ้อฝัน, วิตถาร, การผสมผสานระหว่างสูงและต่ำ, โศกนาฏกรรมและการ์ตูน, การค้นพบ "คนอัตวิสัย"

ในยุคของจินตนิยม ไม่เพียงแต่วรรณกรรมเท่านั้นที่เฟื่องฟู แต่ยังมีวิทยาศาสตร์อีกมากมาย: สังคมวิทยา ประวัติศาสตร์ รัฐศาสตร์ เคมี ชีววิทยา หลักคำสอนวิวัฒนาการ ปรัชญา (Hegel, D. Hume, I. Kant, Fichte, ปรัชญาธรรมชาติ, สาระสำคัญของ ซึ่งสรุปความจริงที่ว่าธรรมชาติ - หนึ่งในอาภรณ์ของพระเจ้า "อาภรณ์ที่มีชีวิตของเทพ")

ลัทธิโรแมนติกเป็นปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมในยุโรปและอเมริกา ในประเทศต่าง ๆ ชะตากรรมของเขามีลักษณะเฉพาะของตนเอง

1.2 แนวโรแมนติกในรัสเซีย

ในต้นทศวรรษที่สองของศตวรรษที่ 19 แนวโรแมนติกได้ครอบครองสถานที่สำคัญในศิลปะรัสเซียโดยเผยให้เห็นถึงเอกลักษณ์ของชาติอย่างเต็มที่ไม่มากก็น้อย มีความเสี่ยงอย่างยิ่งที่จะลดความคิดริเริ่มนี้ให้กับคุณสมบัติบางอย่างหรือแม้แต่ผลรวมของคุณสมบัติ สิ่งที่เรามีอยู่ก่อนหน้าเราค่อนข้างจะเป็นทิศทางของกระบวนการ เช่นเดียวกับจังหวะของมัน การบังคับของมัน - หากเราเปรียบเทียบแนวโรแมนติกของรัสเซียกับ "แนวโรแมนติก" แบบเก่าของวรรณกรรมยุโรป

เราได้สังเกตเห็นการพัฒนาที่ถูกบังคับนี้ในยุคก่อนประวัติศาสตร์ของแนวโรแมนติกของรัสเซีย - ในทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 18 - ในปีแรกของศตวรรษที่ 19 เมื่อมีการผสมผสานอย่างใกล้ชิดผิดปกติของแนวโน้มก่อนโรแมนติกและอารมณ์อ่อนไหวกับแนวโน้มของลัทธิคลาสสิก

การประเมินเหตุผลสูงเกินไป, ความอ่อนไหวมากเกินไป, ลัทธิของธรรมชาติและมนุษย์ปุถุชน, ความเศร้าโศกที่สง่างามและลัทธิเจ้าสำราญถูกรวมเข้ากับองค์ประกอบของระบบและการใช้เหตุผลซึ่งเห็นได้ชัดโดยเฉพาะในด้านกวีนิพนธ์ สไตล์และแนวเพลงมีความคล่องตัว (ส่วนใหญ่มาจากความพยายามของ Karamzin และผู้ติดตามของเขา) มีการต่อสู้กับคำอุปมาอุปไมยและความหรูหราของคำพูดที่มากเกินไปเพื่อเห็นแก่ "ความแม่นยำของเสียงประสาน" (คำจำกัดความของพุชกินเกี่ยวกับคุณลักษณะที่โดดเด่นของโรงเรียนที่ก่อตั้งโดย Zhukovsky และ Batyushkov)

ความรวดเร็วของการพัฒนาได้ทิ้งร่องรอยไว้บนเวทีที่เป็นผู้ใหญ่มากขึ้นของแนวโรแมนติกของรัสเซีย ความหนาแน่นของวิวัฒนาการทางศิลปะยังอธิบายความจริงที่ว่าเป็นการยากที่จะจดจำลำดับเหตุการณ์ที่ชัดเจนในแนวโรแมนติกของรัสเซีย นักประวัติศาสตร์วรรณกรรมแบ่งแนวโรแมนติกของรัสเซียออกเป็นช่วงเวลาต่อไปนี้: ช่วงแรก (พ.ศ. 2344 - 2358) ระยะเวลาครบกำหนด (พ.ศ. 2359 - 2368) และช่วงของการพัฒนาหลังเดือนตุลาคม นี่เป็นโครงการที่เป็นแบบอย่างเพราะ อย่างน้อยสองช่วงเวลาเหล่านี้ (ช่วงแรกและช่วงที่สาม) มีความแตกต่างกันในเชิงคุณภาพ และไม่มีความเป็นเอกภาพของหลักการที่แตกต่างกันเป็นอย่างน้อย ตัวอย่างเช่น ช่วงเวลาของเยนาและไฮเดลแบร์กแนวโรแมนติกในเยอรมนี

การเคลื่อนไหวแบบโรแมนติกในยุโรปตะวันตก - โดยเฉพาะอย่างยิ่งในวรรณคดีเยอรมัน - เริ่มขึ้นภายใต้สัญลักษณ์ของความสมบูรณ์และความสมบูรณ์ ทุกสิ่งที่แตกแยกพยายามดิ้นรนเพื่อการสังเคราะห์: ในปรัชญาธรรมชาติและในสังคมวิทยาและในทฤษฎีความรู้และในจิตวิทยา - ส่วนบุคคลและสังคมและแน่นอนในความคิดทางศิลปะซึ่งรวมแรงกระตุ้นเหล่านี้เข้าด้วยกันและเหมือนเดิม ,ให้ชีวิตใหม่แก่พวกเขา..

มนุษย์พยายามผสานเข้ากับธรรมชาติ บุคลิกภาพบุคคล - โดยรวมกับผู้คน ความรู้ที่ใช้งานง่าย - มีเหตุผล องค์ประกอบจิตใต้สำนึกของจิตวิญญาณมนุษย์ - ด้วยการสะท้อนและเหตุผลสูงสุด แม้ว่าอัตราส่วนของช่วงเวลาที่ตรงกันข้ามจะดูขัดแย้งกันในบางครั้ง แต่แนวโน้มที่จะรวมกันทำให้เกิดสเปกตรัมทางอารมณ์พิเศษของแนวโรแมนติกหลายสีและผสมผเสโดยมีความโดดเด่นของโทนสีหลักที่สดใส

ลักษณะความขัดแย้งของธาตุค่อย ๆ เติบโตขึ้นเป็นปฏิปักษ์; ความคิดของการสังเคราะห์ที่ต้องการละลายในความคิดของความแปลกแยกและการเผชิญหน้าอารมณ์หลักที่มองโลกในแง่ดีทำให้เกิดความรู้สึกผิดหวังและการมองโลกในแง่ร้าย

แนวโรแมนติกของรัสเซียคุ้นเคยกับทั้งสองขั้นตอนของกระบวนการ - ทั้งขั้นต้นและขั้นสุดท้าย อย่างไรก็ตาม ในการทำเช่นนั้น เขาบังคับการเคลื่อนไหวทั่วไป รูปแบบสุดท้ายปรากฏขึ้นก่อนที่รูปแบบเริ่มต้นจะรุ่งเรือง ตัวกลางยู่ยี่หรือหลุดออก เมื่อเทียบกับพื้นหลังของวรรณกรรมยุโรปตะวันตก แนวโรแมนติกของรัสเซียดูในเวลาเดียวกันทั้งโรแมนติกน้อยลงและมากขึ้น: มันด้อยกว่าพวกเขาในด้านความร่ำรวย, การแตกแขนง, ความกว้างของภาพรวม แต่เหนือกว่าในความแน่นอนของผลลัพธ์สุดท้าย

ปัจจัยทางสังคมและการเมืองที่สำคัญที่สุดที่มีอิทธิพลต่อการก่อตัวของแนวโรแมนติกคือ Decembrism การหักเหของอุดมการณ์ Decembrist ไปสู่ระนาบของการสร้างสรรค์ทางศิลปะนั้นเป็นกระบวนการที่ซับซ้อนและใช้เวลานานมาก อย่างไรก็ตาม ขอให้เราอย่าละสายตาจากข้อเท็จจริงที่ว่ามันได้รับการแสดงออกทางศิลปะอย่างแม่นยำ ว่าแรงกระตุ้นของ Decembrist ถูกสวมในรูปแบบวรรณกรรมที่ค่อนข้างเป็นรูปธรรม

บ่อยครั้งที่ "การหลอกลวงทางวรรณกรรม" ถูกระบุว่ามีความจำเป็นบางอย่างนอกเหนือไปจากความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ เมื่อวิธีการทางศิลปะทั้งหมดอยู่ภายใต้เป้าหมายนอกวรรณกรรม ซึ่งในทางกลับกัน เกิดจากอุดมการณ์ของนักหลอกลวง เป้าหมายนี้ "งาน" นี้ถูกกล่าวหาว่าปรับระดับหรือแม้กระทั่งผลักออกไปโดย "สัญญาณของพยางค์หรือสัญญาณประเภท" ในความเป็นจริงทุกอย่างซับซ้อนกว่านี้มาก

ลักษณะเฉพาะของแนวโรแมนติกของรัสเซียนั้นชัดเจนในเนื้อเพลงของเวลานี้เช่น ในโคลงสั้น ๆ ที่สัมพันธ์กับโลก ในน้ำเสียงหลักและมุมมองของตำแหน่งผู้แต่ง ในสิ่งที่เรียกกันทั่วไปว่า "ภาพลักษณ์ของผู้แต่ง" ให้เราดูบทกวีรัสเซียจากมุมมองนี้เพื่อสร้างแนวคิดคร่าว ๆ เกี่ยวกับความหลากหลายและความสามัคคีเป็นอย่างน้อย

บทกวีโรแมนติกของรัสเซียได้เปิดเผย "ภาพลักษณ์ของผู้แต่ง" ที่ค่อนข้างกว้างซึ่งบางครั้งก็เป็นการโต้เถียงและขัดแย้งกัน แต่ "ภาพลักษณ์ของผู้แต่ง" มักจะเป็นการควบแน่นของอารมณ์ อารมณ์ ความคิด หรือรายละเอียดในชีวิตประจำวันและชีวประวัติ ("เรื่องที่สนใจ" ของแนวการแปลกแยกของผู้แต่งซึ่งแสดงอย่างเต็มที่ในบทกวี เข้าสู่งานโคลงสั้น ๆ ) ซึ่งตามมาจากการต่อต้านสิ่งแวดล้อม ความสัมพันธ์ระหว่างบุคคลกับส่วนรวมขาดสะบั้นลง จิตวิญญาณของการเผชิญหน้าและความไม่ลงรอยกันลอยอยู่เหนือรูปลักษณ์ของผู้เขียน แม้ว่าในตัวมันเองจะดูชัดเจนและไม่ซับซ้อนก็ตาม

แนวคิดก่อนโรแมนติกรู้โดยพื้นฐานแล้วสองรูปแบบในการแสดงความขัดแย้งในเนื้อเพลง ซึ่งสามารถเรียกได้ว่าเป็นการต่อต้านแบบโคลงสั้น ๆ - รูปแบบที่ไพเราะและรูปแบบเจ้าสำราญ บทกวีโรแมนติกได้พัฒนาเป็นชุดที่ซับซ้อน ลึกซึ้ง และแตกต่างเป็นรายบุคคล

แต่ไม่ว่ารูปแบบที่กล่าวถึงข้างต้นจะมีความสำคัญเพียงใดในตัวเอง แต่แน่นอนว่าพวกเขาไม่ได้ทำให้ความมั่งคั่งของแนวโรแมนติกของรัสเซียหมดไป

แนวโรแมนติกในทัศนศิลป์มีพื้นฐานมาจากแนวคิดของนักปรัชญาและนักเขียนเป็นส่วนใหญ่ ในการวาดภาพ เช่นเดียวกับในรูปแบบอื่นๆ ของศิลปะ ความโรแมนติกถูกดึงดูดโดยทุกสิ่งที่ผิดปกติซึ่งไม่รู้จัก ไม่ว่าจะเป็นประเทศที่ห่างไกลซึ่งมีขนบธรรมเนียมและเครื่องแต่งกายที่แปลกใหม่ (Delacroix) โลกแห่งการมองเห็นที่ลึกลับ (Blake, Friedrich, Pre-Raphaelites) และเวทมนตร์ ความฝัน (Runge) หรือจิตใต้สำนึกส่วนลึกที่มืดมน (Goya, Fusli) แหล่งที่มาของแรงบันดาลใจสำหรับศิลปินหลายคนคือมรดกทางศิลปะในอดีต: ตะวันออกโบราณ ยุคกลาง และโปรโตเรอเนซองส์ (นาซารีน, พรีราฟาเอล)

ตรงกันข้ามกับลัทธิคลาสสิกซึ่งเชิดชูพลังที่ชัดเจนของจิตใจ ความโรแมนติกร้องเพลงความรู้สึกที่เร่าร้อนและพายุที่จับทั้งคน การตอบรับอย่างเร็วที่สุดต่อเทรนด์ใหม่คือภาพบุคคลและภาพทิวทัศน์ ซึ่งกำลังกลายเป็นแนวภาพโรแมนติกที่ชื่นชอบ

รุ่งเรือง ประเภทแนวตั้ง มีความเกี่ยวข้องกับความสนใจของคู่รักในบุคลิกลักษณะที่สดใส ความงาม และความร่ำรวยของโลกวิญญาณของเธอ ชีวิตของจิตวิญญาณมนุษย์มีอิทธิพลเหนือภาพบุคคลโรแมนติกเหนือความสนใจในความงามทางกายภาพ ในความปั้นที่เย้ายวนใจของภาพ

ในภาพบุคคลโรแมนติก (Delacroix, Géricault, Runge, Goya) เอกลักษณ์ของแต่ละคนจะถูกเปิดเผยเสมอ การเปลี่ยนแปลง การเต้นที่รุนแรงของชีวิตภายใน ความหลงใหลที่ดื้อรั้นจะถูกถ่ายทอดออกมา

โรแมนติกยังสนใจในโศกนาฏกรรมของวิญญาณที่แตกสลาย: คนป่วยทางจิตมักกลายเป็นฮีโร่ของงาน (Gericault“ บ้า, ติดการพนัน”,“ ขโมยเด็ก”,“ บ้า, จินตนาการว่าตัวเองเป็นผู้บัญชาการ”)

ทิวทัศน์ คิดโดยโรแมนติกเป็นศูนย์รวมของจิตวิญญาณของจักรวาล; ธรรมชาติก็เหมือนกับจิตวิญญาณของมนุษย์ ปรากฏเป็นพลวัต แปรเปลี่ยนตลอดเวลา ลักษณะภูมิทัศน์ที่ได้รับคำสั่งและสง่างามของลัทธิคลาสสิกถูกแทนที่ด้วยภาพของธรรมชาติที่เป็นธรรมชาติ ดื้อรั้น มีพลัง และเปลี่ยนแปลงตลอดเวลา ซึ่งสอดคล้องกับความสับสนของความรู้สึกของวีรบุรุษผู้โรแมนติก คนโรแมนติกชอบเขียนพายุ พายุฝนฟ้าคะนอง ภูเขาไฟระเบิด แผ่นดินไหว เรืออับปาง ซึ่งอาจส่งผลกระทบทางอารมณ์อย่างรุนแรงต่อผู้ชม (Gericault, Friedrich, Turner)

บทกวีในตอนกลางคืนซึ่งเป็นลักษณะของแนวโรแมนติก - โลกที่แปลกประหลาดและเหนือจริงที่ดำเนินชีวิตตามกฎของมันเอง - นำไปสู่การเฟื่องฟูของ "แนวกลางคืน" ซึ่งกำลังกลายเป็นที่ชื่นชอบในการวาดภาพแนวโรแมนติกโดยเฉพาะในหมู่ศิลปินชาวเยอรมัน

หนึ่งในประเทศแรก ๆ ในทัศนศิลป์ที่แนวโรแมนติกพัฒนาขึ้นคือเยอรมนี .

อิทธิพลที่เห็นได้ชัดเจนต่อการพัฒนาแนวโรแมนติกมีความคิดสร้างสรรค์คาสปาร์ เดวิด ฟรีดริช (พ.ศ.2317-2383). มรดกทางศิลปะของเขาถูกครอบงำด้วยภูมิประเทศที่แสดงถึงยอดเขา ป่าไม้ ทะเล ชายฝั่งทะเล รวมถึงซากปรักหักพังของอาสนวิหารเก่าแก่ วัดร้าง สำนักสงฆ์ (“Cross in the Mountains”, “Cathedral”, “Abbeyท่ามกลางต้นโอ๊ก ”) พวกเขามักจะมีความรู้สึกเศร้าไม่เปลี่ยนแปลงจากจิตสำนึกของการสูญเสียบุคคลในโลกที่น่าเศร้า

ศิลปินชอบสภาวะธรรมชาติเหล่านั้นที่สอดคล้องกับความรู้สึกโรแมนติกมากที่สุด: เช้าตรู่ พระอาทิตย์ตกยามเย็น พระจันทร์ขึ้น (“สองครุ่นคิดกับดวงจันทร์”, “สุสานสงฆ์”, “ทิวทัศน์พร้อมสายรุ้ง”, “พระจันทร์ขึ้นเหนือทะเล”, “ หินชอล์คบนเกาะ Rügen”, “บนเรือใบ”, “ท่าเรือตอนกลางคืน”)

ตัวละครที่คงที่ในผลงานของเขาคือนักฝันที่อ้างว้าง หมกมุ่นอยู่กับการครุ่นคิดของธรรมชาติ เมื่อมองเข้าไปในระยะทางที่กว้างใหญ่และความสูงที่ไม่มีที่สิ้นสุด พวกเขาได้เข้าร่วมกับความลับอันเป็นนิรันดร์ของจักรวาล พวกเขาถูกพาไปยังโลกแห่งความฝันที่สวยงาม ฟรีดริชถ่ายทอดโลกมหัศจรรย์นี้ด้วยความช่วยเหลือของแสงที่ส่องประกายอย่างน่าอัศจรรย์- แสงอาทิตย์ที่ส่องสว่างหรือดวงจันทร์ลึกลับ

ผลงานของฟรีดริชได้รับความชื่นชมจากผู้ร่วมสมัย รวมทั้งข้าพเจ้าด้วย W. Goethe และ W. A. Zhukovsky ขอบคุณที่รัสเซียซื้อภาพวาดของเขาจำนวนมาก

จิตรกร ศิลปินกราฟิก กวี และนักทฤษฎีศิลปะฟิลิป ออตโต รุงเง (พ.ศ.2320-2353) อุทิศตนให้กับแนวภาพบุคคลเป็นหลัก ในงานของเขา เขาแต่งบทกวีให้กับภาพของคนธรรมดา ซึ่งมักจะเป็นคนที่รักของเขา (“พวกเราสามคน” - ภาพเหมือนตนเองกับเจ้าสาวและน้องชาย ไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้; “ลูก ๆ ของครอบครัว Hülzenbeck”, “ภาพเหมือนของ พ่อแม่ของศิลปิน”, “ภาพเหมือนตนเอง”) ศาสนาอันลึกซึ้งของรุงเงแสดงออกมาในภาพวาดเช่น "พระคริสต์บนชายฝั่งทะเลสาบทิเบเรียส" และ "พักผ่อนบนเที่ยวบินสู่อียิปต์" (ยังไม่เสร็จ) ศิลปินสรุปการสะท้อนของเขาเกี่ยวกับงานศิลปะในบทความเชิงทฤษฎี "The Color Sphere"

ความปรารถนาที่จะฟื้นฟูรากฐานทางศาสนาและศีลธรรมในศิลปะเยอรมันนั้นเกี่ยวข้องกับกิจกรรมสร้างสรรค์ของศิลปิน โรงเรียนนาซารีน (เอฟ. โอเวอร์เบค, ฟอน คาร์ลสเฟลด์,L. Vogel, I. Gottinger, J. Sütter,พี ฟอน โครนีเลียส). เมื่อรวมกันเป็นภราดรภาพทางศาสนา (“สหภาพนักบุญลูกา”) “ชาวนาซาเร็ธ” อาศัยอยู่ในกรุงโรมในรูปแบบของชุมชนสงฆ์และวาดภาพเกี่ยวกับหัวข้อทางศาสนา พวกเขาถือว่าภาพวาดของอิตาลีและเยอรมันเป็นแบบอย่างสำหรับการค้นหาความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขาสิบสี่ - XVศตวรรษ (Perugino, ต้น Raphael, A.ดูเรอร์, เอช. Holbein the Younger, แอล.แครนช์). ในภาพวาด "The Triumph of Religion in Art" Overbeck เลียนแบบ "Athenian School" ของ Raphael โดยตรงและ Cornelius ใน "The Horsemen of the Apocalypse" ซึ่งเป็นงานแกะสลักชื่อเดียวกันของ Durer

สมาชิกของกลุ่มภราดรภาพถือว่าคุณธรรมหลักของศิลปินคือความบริสุทธิ์ทางจิตวิญญาณและศรัทธาที่จริงใจ โดยเชื่อว่า "มีเพียงพระคัมภีร์เท่านั้นที่ทำให้ราฟาเอลเป็นอัจฉริยะ" พวกเขาใช้ชีวิตอย่างสันโดษในห้องขังของอารามที่ถูกทิ้งร้าง พวกเขายกระดับงานรับใช้ด้านศิลปะให้อยู่ในประเภทงานรับใช้ทางจิตวิญญาณ

"ชาวนาซารีน" มุ่งความสนใจไปที่รูปแบบอนุสาวรีย์ขนาดใหญ่ พยายามรวบรวมอุดมคติอันสูงส่งด้วยความช่วยเหลือของเทคนิคปูนเปียกที่เพิ่งฟื้นขึ้นมาใหม่ ภาพวาดบางส่วนถูกประหารชีวิตโดยพวกเขาด้วยกัน

ในช่วงทศวรรษที่ 1820 และ 30 สมาชิกของสมาคมได้แยกย้ายกันไปทั่วประเทศเยอรมนี โดยได้รับตำแหน่งผู้นำในสถาบันศิลปะต่างๆ มีเพียง Overbeck เท่านั้นที่อาศัยอยู่ในอิตาลีจนกระทั่งเสียชีวิตโดยไม่เปลี่ยนหลักการทางศิลปะของเขา ประเพณีที่ดีที่สุดของ "นาซารีน" ได้รับการอนุรักษ์ไว้ในภาพวาดประวัติศาสตร์มาช้านาน การแสวงหาอุดมการณ์และศีลธรรมของพวกเขาส่งผลกระทบต่อชาวอังกฤษยุคก่อนราฟาเอล เช่นเดียวกับงานของปรมาจารย์เช่น Schwind และ Spitzweg

มอริตซ์ ชวินด์ (พ.ศ. 2347-2414) ชาวออสเตรียโดยกำเนิด ทำงานในมิวนิก ในงานขาตั้งภาพ เขาพรรณนารูปลักษณ์และชีวิตของเมืองต่างจังหวัดในเยอรมันโบราณพร้อมกับผู้อาศัยเป็นหลัก มันทำด้วยบทกวีและบทกวีที่ยอดเยี่ยมด้วยความรักที่มีต่อตัวละคร

คาร์ล สปิตซ์เวก (พ.ศ. 2351-2428) - จิตรกรชาวมิวนิค, ศิลปินกราฟิก, นักเขียนแบบร่างที่ยอดเยี่ยม, นักเขียนการ์ตูน, ไม่ได้มีอารมณ์อ่อนไหว แต่ด้วยอารมณ์ขันที่ยอดเยี่ยมบอกเล่าเกี่ยวกับชีวิตในเมือง ("Poor Poet", "Morning Coffee")

Schwind และ Spitzweg มักเกี่ยวข้องกับกระแสนิยมในวัฒนธรรมเยอรมันที่เรียกว่า Biedermeierบีเดอร์ไมเออร์— นี่เป็นหนึ่งในรูปแบบที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในยุคนั้น (โดยหลักแล้วในด้านชีวิตประจำวัน แต่ยังรวมถึงงานศิลปะด้วย) . เขาหยิบเบอร์เกอร์ซึ่งเป็นผู้ชายธรรมดาตามท้องถนนไปข้างหน้า สาระสำคัญของการวาดภาพ Biedermeier คือชีวิตประจำวันของบุคคลซึ่งเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับบ้านและครอบครัวของเขา ความสนใจของ Biedermeier ไม่ใช่ในอดีต แต่ในปัจจุบันไม่ใช่ในสิ่งยิ่งใหญ่ แต่เป็นเรื่องเล็ก ๆ มีส่วนทำให้เกิดแนวโน้มการวาดภาพที่เหมือนจริง

โรงเรียนโรแมนติกฝรั่งเศส

โรงเรียนแนวโรแมนติกในการวาดภาพที่สอดคล้องกันมากที่สุดพัฒนาขึ้นในฝรั่งเศส มันเกิดขึ้นจากการต่อต้านลัทธิคลาสสิก เสื่อมทรามลงเป็นวิชาการที่เย็นชาและมีเหตุผล และหยิบยกปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ผู้ซึ่งกำหนดอิทธิพลที่โดดเด่นของโรงเรียนฝรั่งเศสตลอดศตวรรษที่ 19

ศิลปินโรแมนติกชาวฝรั่งเศสมุ่งความสนใจไปที่เรื่องราวที่เต็มไปด้วยดราม่าและสิ่งที่น่าสมเพช ความตึงเครียดภายใน ห่างไกลจาก "ชีวิตประจำวันที่สลัว" ในการรวมตัวพวกเขาได้ปฏิรูปวิธีการแสดงภาพและการแสดงออก:

ความสำเร็จครั้งแรกของแนวโรแมนติกในการวาดภาพฝรั่งเศสนั้นเกี่ยวข้องกับชื่อTheodora Géricault (พ.ศ. 2334-2367) ซึ่งเร็วกว่าคนอื่น ๆ สามารถแสดงความรู้สึกโรแมนติกของความขัดแย้งของโลกได้ ในผลงานชิ้นแรกของเขาเราสามารถเห็นความปรารถนาที่จะแสดงเหตุการณ์ที่น่าทึ่งในยุคของเรา ตัวอย่างเช่น ภาพวาด "เจ้าหน้าที่ของพลปืนยาวกำลังโจมตี" และ "ทหารรักษาพระองค์ที่ได้รับบาดเจ็บ" สะท้อนความโรแมนติกของยุคนโปเลียน

ภาพวาดของ Gericault "The Raft of the Medusa" ซึ่งอุทิศให้กับเหตุการณ์ล่าสุดในชีวิตสมัยใหม่ - การเสียชีวิตของเรือโดยสารเนื่องจากความผิดของบริษัทขนส่งนั้นมีเสียงสะท้อนอย่างมาก . Géricaultสร้างผืนผ้าใบขนาดมหึมาขนาด 7×5 ม. เพื่อแสดงช่วงเวลาที่ผู้คนที่ใกล้จะเสียชีวิตได้เห็นเรือช่วยชีวิตที่เส้นขอบฟ้า ความตึงเครียดที่รุนแรงถูกเน้นด้วยโทนสีที่มืดมนและมืดมนซึ่งเป็นองค์ประกอบในแนวทแยง ภาพวาดนี้ได้กลายเป็นสัญลักษณ์ของ Géricault France ยุคใหม่ ซึ่งประสบทั้งความหวังและความสิ้นหวังเช่นเดียวกับผู้คนที่หนีจากเรืออับปาง

ธีมของภาพวาดขนาดใหญ่ชิ้นสุดท้ายของเขา - "Race at Epsom" - ศิลปินที่พบในอังกฤษ เป็นภาพม้าที่บินได้เหมือนนก ความประทับใจของความรวดเร็วนั้นได้รับการปรับปรุงโดยเทคนิคบางอย่าง: ม้าและจ๊อกกี้นั้นเขียนอย่างระมัดระวังและพื้นหลังก็กว้าง

หลังจากการเสียชีวิตของ Géricault (เขาเสียชีวิตอย่างน่าอนาถในช่วงชีวิตและพรสวรรค์) เพื่อนสาวของเขากลายเป็นผู้นำของความรักโรแมนติกของฝรั่งเศสยูจีน เดอลาครัว (พ.ศ.2341-2406). Delacroix มีพรสวรรค์อย่างรอบด้าน มีความสามารถทางดนตรีและวรรณกรรม ไดอารี่บทความเกี่ยวกับศิลปินของเขาเป็นเอกสารที่น่าสนใจที่สุดในยุคนั้น การศึกษาเชิงทฤษฎีของเขาเกี่ยวกับกฎของสีมีผลกระทบอย่างมากต่อศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ในอนาคต และโดยเฉพาะอย่างยิ่งต่อดับเบิลยู. แวนโก๊ะ

ภาพวาดชิ้นแรกของ Delacroix ซึ่งทำให้เขามีชื่อเสียงคือ "Dante and Virgil" ("Dante's Boat") ซึ่งเขียนขึ้นจากเนื้อเรื่องของ "Divine Comedy" เธอทำร้ายโคตรของเธอด้วยความหลงใหลที่น่าสมเพช พลังของสีที่มืดมน

จุดสูงสุดของงานของศิลปินคือ "เสรีภาพบนเครื่องกีดขวาง" ("เสรีภาพในการเป็นผู้นำประชาชน") ความน่าเชื่อถือของข้อเท็จจริงที่แท้จริง (ภาพถูกสร้างขึ้นท่ามกลางการปฏิวัติเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2373 ในฝรั่งเศส) รวมเข้ากับความฝันอันโรแมนติกของเสรีภาพและสัญลักษณ์ของภาพ หญิงสาวสวยกลายเป็นสัญลักษณ์แห่งการปฏิวัติฝรั่งเศส

การตอบสนองต่อเหตุการณ์สมัยใหม่คือภาพวาดก่อนหน้านี้ "การสังหารหมู่ที่ Chios" ซึ่งอุทิศให้กับการต่อสู้ของชาวกรีกกับการปกครองของตุรกี .

เมื่อไปเยือนโมร็อกโก Delacroix ได้ค้นพบโลกที่แปลกใหม่ของอาหรับตะวันออกซึ่งเขาได้อุทิศภาพวาดและภาพร่างมากมาย ใน "สตรีแห่งแอลจีเรีย" โลกของฮาเร็มมุสลิมถูกนำเสนอต่อผู้ชมชาวยุโรปเป็นครั้งแรก

ศิลปินยังสร้างชุดภาพบุคคลของตัวแทนปัญญาชนผู้สร้างสรรค์ ซึ่งหลายคนเป็นเพื่อนของเขา (ภาพเหมือนของ N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz เป็นต้น)

ในช่วงเวลาต่อมาของงานสร้างสรรค์ของเขา Delacroix มุ่งความสนใจไปที่ประเด็นประวัติศาสตร์ ทำงานเป็นนักจิตรกรรมฝาผนัง (ภาพจิตรกรรมฝาผนังในสภาผู้แทนราษฎร วุฒิสภา) และในฐานะศิลปินกราฟิก

ชื่อของจิตรกรชาวอังกฤษในยุคโรแมนติก - R. Benington, J. Constable, W. Turner - มีความเกี่ยวข้องกับประเภทภูมิทัศน์ ในพื้นที่นี้ พวกเขาเปิดหน้าใหม่อย่างแท้จริง: ธรรมชาติพื้นเมืองที่พบในงานของพวกเขาช่างเป็นภาพสะท้อนที่กว้างขวางและเปี่ยมด้วยความรักซึ่งไม่มีประเทศอื่นรู้จักในเวลานั้น

จอห์น คอนสเตเบิ้ล (พ.ศ. 2319-2380) หนึ่งในคนแรกในประวัติศาสตร์ของภูมิทัศน์ยุโรปเริ่มวาดภาพร่างจากธรรมชาติโดยหันไปสังเกตธรรมชาติโดยตรง ภาพวาดของเขามีแรงจูงใจที่เรียบง่าย: หมู่บ้าน ฟาร์ม โบสถ์ แถบแม่น้ำหรือชายหาด: เฮย์คาร์ท หุบเขาเดแธม วิหารซอลส์บรีจากสวนบิชอป ผลงานของ Constable เป็นแรงผลักดันในการพัฒนาภูมิทัศน์ที่เหมือนจริงในฝรั่งเศส

วิลเลียม เทิร์นเนอร์ (พ.ศ. 2318-2394) - จิตรกรทางทะเล . เขาถูกดึงดูดโดยทะเลที่มีพายุ ฝนตกหนัก พายุฝนฟ้าคะนอง น้ำท่วม พายุทอร์นาโด: "การเดินทางครั้งสุดท้ายของเรือ" กล้าหาญ "," พายุฝนฟ้าคะนองเหนือ Piazzetta การค้นหาสีที่เป็นตัวหนา เอฟเฟกต์แสงที่หาได้ยากในบางครั้งทำให้ภาพวาดของเขากลายเป็นภาพลวงตาที่ส่องประกาย: “ไฟแห่งรัฐสภาลอนดอน”, “พายุหิมะ เรือออกจากท่าและส่งสัญญาณขอความช่วยเหลือ กระทบผิวน้ำตื้น .

เทอร์เนอร์เป็นเจ้าของภาพวาดรูปแรกของรถจักรไอน้ำที่วิ่งบนรางซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของอุตสาหกรรม ใน Rain, Steam and Speed ​​รถจักรไอน้ำแล่นไปตามแม่น้ำเทมส์ผ่านกลุ่มหมอกฝนที่ปกคลุมไปด้วยหมอก วัตถุวัสดุทั้งหมดดูเหมือนจะผสานเข้ากับภาพลวงตาซึ่งสื่อถึงความรู้สึกของความเร็วได้อย่างสมบูรณ์แบบ

การศึกษาลักษณะพิเศษของแสงและสีของ Turner ทำให้คาดการณ์ถึงการค้นพบของจิตรกรแนวอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศสในหลาย ๆ ด้าน

ในปี พ.ศ. 2391 ในอังกฤษเกิดขึ้นภราดรภาพก่อนราฟาเอลไลท์ (จากภาษาละตินแพร - "ก่อน" และราฟาเอล) ซึ่งรวมศิลปินที่ไม่ยอมรับสังคมร่วมสมัยและศิลปะของโรงเรียนวิชาการ พวกเขามองเห็นอุดมคติของตนในศิลปะยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น (จึงเป็นที่มาของชื่อ) สมาชิกหลักของภราดรภาพ -วิลเลียม โฮลแมน ฮันท์, จอห์น เอเวอเรตต์ มิเลส์, ดันเต้ กาเบรียล รอสเซ็ตติ ศิลปินเหล่านี้ใช้ตัวย่อว่า RV แทนลายเซ็น .

ด้วยความโรแมนติกของ Pre-Raphaelites ความรักในสมัยโบราณจึงเกี่ยวข้องกัน พวกเขาหันไปหาเรื่องในพระคัมภีร์ (“The Light of the World” and “The Unfaithful Shepherd” by W. H. Hunt; “The Childhood of Mary” and “The Annunciation” by D. G. Rossetti) โครงเรื่องจากประวัติศาสตร์ยุคกลางและบทละครโดย W. Shakespeare (“โอฟีเลีย” โดย Millais)

เพื่อที่จะวาดภาพร่างมนุษย์และวัตถุในขนาดตามธรรมชาติ Pre-Raphaelites ได้เพิ่มขนาดของผืนผ้าใบ ภาพร่างภูมิทัศน์ถูกสร้างขึ้นจากธรรมชาติ ตัวละครในภาพวาดของพวกเขามีต้นแบบมาจากคนจริงๆ ตัวอย่างเช่น ดี. จี. รอสเซ็ตติแสดงภาพเอลิซาเบธ ซิดดัลอันเป็นที่รักของเขาในผลงานเกือบทั้งหมด ดำเนินต่อไปเหมือนอัศวินในยุคกลางที่ยังคงซื่อสัตย์ต่อผู้เป็นที่รักแม้หลังจากที่เธอเสียชีวิตก่อนวัยอันควร (“ชุดผ้าไหมสีน้ำเงิน”, 1866)

นักอุดมการณ์ของ Pre-Raphaelites คือจอห์น รัสกิน (พ.ศ. 2362-2443) - นักเขียนชาวอังกฤษ นักวิจารณ์ศิลปะ และนักทฤษฎีศิลปะ ผู้แต่งหนังสือชุด "Modern Artists" อันโด่งดัง

งานของ Pre-Raphaelites มีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปินหลายคนและกลายเป็นสัญลักษณ์ทางวรรณกรรม (W. Pater, O. Wilde) และวิจิตรศิลป์ (O. Beardsley, G. Moreau ฯลฯ )

ชื่อเล่น "นาซาเร็ธ" อาจมาจากชื่อเมืองนาซาเร็ธในกาลิลีที่ซึ่งพระเยซูคริสต์ประสูติ ตามเวอร์ชั่นอื่นมันเกิดขึ้นจากการเปรียบเทียบกับชื่อของชุมชนศาสนายิวโบราณของนาศีร์ อาจเป็นไปได้เช่นกันว่าชื่อของกลุ่มมาจากชื่อดั้งเดิมของทรงผม "Alla Nazarena" ซึ่งพบได้ทั่วไปในยุคกลางและรู้จักจากภาพเหมือนตนเองของ A. Dürer ลักษณะการไว้ผมยาว แบ่งเป็นส่วนๆ ตรงกลางได้รับการแนะนำอีกครั้งโดย Overbeck

บีเดอร์ไมเออร์(ภาษาเยอรมัน "เมเยอร์ผู้กล้าหาญ", ชาวฟิลิสเตีย) - นามสกุลของตัวละครจากคอลเลคชันบทกวีของกวีชาวเยอรมัน Ludwig Eichrodt Eichrodt สร้างเรื่องล้อเลียนบุคคลจริง - Samuel Friedrich Sauter ครูเก่าที่เขียนบทกวีไร้เดียงสา Eichrodt ในภาพล้อเลียนของเขาเน้นย้ำความดั้งเดิมของความคิดของ Biedermeier ซึ่งกลายเป็นสัญลักษณ์ล้อเลียนในยุคนั้นลายเส้นสีดำ สีน้ำตาล และสีเขียวสื่อถึงความโกรธเกรี้ยวของพายุ การจ้องมองของผู้ชมดูเหมือนจะอยู่ในใจกลางของน้ำวน เรือดูเหมือนจะเป็นของเล่นของคลื่นและลม

จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ XIX - ช่วงเวลาแห่งการเติบโตทางวัฒนธรรมและจิตวิญญาณในรัสเซีย. หากในการพัฒนาทางเศรษฐกิจและสังคมการเมืองรัสเซียล้าหลังรัฐในยุโรปที่ก้าวหน้าแล้วในด้านความสำเร็จทางวัฒนธรรมนั้นไม่เพียง แต่ก้าวทันพวกเขาเท่านั้น แต่มักจะแซงหน้าพวกเขาด้วย พัฒนาการของวัฒนธรรมรัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ขึ้นอยู่กับการเปลี่ยนแปลงครั้งก่อน การแทรกซึมขององค์ประกอบของความสัมพันธ์แบบทุนนิยมเข้ามาในระบบเศรษฐกิจทำให้ความต้องการผู้คนที่มีความรู้และมีการศึกษาเพิ่มขึ้น เมืองกลายเป็นศูนย์วัฒนธรรมหลัก

ชั้นทางสังคมใหม่ถูกดึงเข้าสู่กระบวนการทางสังคม วัฒนธรรมพัฒนาขึ้นโดยมีพื้นหลังของความสำนึกในตนเองของชาติที่เพิ่มขึ้นเรื่อย ๆ ของชาวรัสเซียและในเรื่องนี้มีลักษณะประจำชาติที่เด่นชัด มีอิทธิพลอย่างมากต่อวรรณกรรม การละคร ดนตรี ทัศนศิลป์ สงครามรักชาติปี 1812ซึ่งในระดับที่ไม่เคยมีมาก่อนได้เร่งการเติบโตของจิตสำนึกในชาติของชาวรัสเซียซึ่งเป็นการรวมเข้าด้วยกัน มีการสร้างสายสัมพันธ์กับคนรัสเซียของชนชาติอื่นในรัสเซีย

จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 19 เรียกว่ายุคทองของการวาดภาพรัสเซียอย่างถูกต้อง ตอนนั้นเองที่ศิลปินรัสเซียถึงระดับทักษะที่ทำให้ผลงานของพวกเขาทัดเทียมกับตัวอย่างศิลปะยุโรปที่ดีที่สุด

สามชื่อเปิดภาพวาดรัสเซียในศตวรรษที่ 19 - คิพรีนสกี้ , โทรปินิน , เวเนเซียนอฟ. ทุกคนมีที่มาที่แตกต่างกัน: เจ้าของที่ดินนอกกฎหมาย, ข้าแผ่นดิน และลูกหลานของพ่อค้า ทุกคนมีแรงบันดาลใจในการสร้างสรรค์ของตัวเอง - โรแมนติก, สมจริง และ "นักแต่งเพลงประจำหมู่บ้าน"

แม้จะมีความหลงใหลในการวาดภาพประวัติศาสตร์ในช่วงแรกๆ แต่ Kiprensky ก็เป็นที่รู้จักในฐานะจิตรกรภาพเหมือนที่โดดเด่น เราสามารถพูดได้ว่าในตอนต้นของศตวรรษที่สิบเก้า เขากลายเป็นจิตรกรภาพเหมือนชาวรัสเซียคนแรก ปรมาจารย์เก่าที่มีชื่อเสียงในศตวรรษที่ 18 ไม่สามารถแข่งขันกับเขาได้อีกต่อไป: Rokotov เสียชีวิตในปี 1808 Levitsky ซึ่งรอดชีวิตมาได้ 14 ปีไม่ได้ทาสีอีกต่อไปเนื่องจากโรคตาและ Borovikovsky ซึ่งไม่ได้มีชีวิตอยู่ไม่กี่คน เดือนก่อนการจลาจล Decembrists ทำงานน้อยมาก

Kiprensky โชคดีพอที่จะเป็นนักประวัติศาสตร์ศิลปะในยุคของเขา "ประวัติศาสตร์ในใบหน้า" ถือได้ว่าเป็นภาพบุคคลของเขาซึ่งแสดงถึงผู้เข้าร่วมจำนวนมากในเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์เหล่านั้นซึ่งเขาเป็นคนร่วมสมัย: วีรบุรุษแห่งสงครามในปี 1812 ตัวแทนของขบวนการ Decembrist เทคนิคการวาดดินสอมีประโยชน์การฝึกอบรมที่ได้รับความสนใจอย่างจริงจังที่ Academy of Arts โดยพื้นฐานแล้ว Kiprensky สร้างแนวใหม่ - ภาพบุคคล

Kiprensky สร้างภาพบุคคลจำนวนมากในวัฒนธรรมรัสเซียและแน่นอนว่าภาพที่มีชื่อเสียงที่สุดในบรรดาภาพเหล่านี้คือของ Pushkin มันได้รับมอบหมาย เดลวิก้าซึ่งเป็นเพื่อนของกวีในปี พ.ศ. 2370 ผู้ร่วมสมัยสังเกตเห็นความคล้ายคลึงกันที่น่าทึ่งของภาพเหมือนกับต้นฉบับ ภาพของกวีได้รับการปลดปล่อยโดยศิลปินจากคุณสมบัติในชีวิตประจำวันที่มีอยู่ในภาพเหมือนของพุชกินโดย Tropinin ซึ่งวาดในปีเดียวกัน Alexander Sergeevich ถูกจับโดยศิลปินในช่วงเวลาแห่งแรงบันดาลใจเมื่อเขาได้รับการเยี่ยมเยียนจากกวีนิพนธ์

ความตายมาถึงศิลปินในระหว่างการเดินทางครั้งที่สองไปยังอิตาลี ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาจิตรกรชื่อดังไม่ค่อยดีนัก การตกต่ำอย่างสร้างสรรค์เริ่มขึ้น ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต ชีวิตของเขาถูกบดบังด้วยเหตุการณ์โศกนาฏกรรม ตามคำบอกเล่าของศิลปินร่วมสมัย เขาถูกกล่าวหาว่าเป็นฆาตกรอย่างไม่ถูกต้องและกลัวที่จะออกจากบ้าน แม้แต่การแต่งงานกับลูกศิษย์ชาวอิตาลีของเขาก็ไม่ได้ทำให้วันสุดท้ายของเขาสดใสขึ้น

ไม่กี่คนไว้อาลัยจิตรกรชาวรัสเซียที่เสียชีวิตในต่างแดน ในบรรดาคนไม่กี่คนที่เข้าใจอย่างแท้จริงว่าเจ้านายประเภทใดที่วัฒนธรรมประจำชาติสูญเสียไปคือศิลปิน Alexander Ivanov ซึ่งอยู่ในอิตาลีในเวลานั้น ในช่วงเวลาอันน่าเศร้านั้น เขาเขียนว่า: Kiprensky "เป็นคนแรกที่ทำให้ชื่อรัสเซียเป็นที่รู้จักในยุโรป"

Tropinin เข้าสู่ประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซียในฐานะจิตรกรภาพเหมือนที่โดดเด่น เขากล่าวว่า: "ภาพบุคคลถูกวาดขึ้นเพื่อความทรงจำของคนใกล้ชิดที่รักเขา" ตามที่คนร่วมสมัย Tropinin วาดภาพบุคคลประมาณ 3,000 ภาพ ไม่ว่าจะเป็นเช่นนี้เป็นเรื่องยากที่จะพูด ในหนังสือเกี่ยวกับศิลปินมีรายชื่อใบหน้า 212 ใบหน้าที่ระบุได้อย่างแม่นยำซึ่ง Tropinin แสดงให้เห็น เขายังมีผลงานที่ชื่อว่า "Portrait of an Unknown (ไม่รู้จัก)" อีกหลายชิ้น Tropinin ถูกวางโดยบุคคลสำคัญของรัฐ ขุนนาง นักรบ นักธุรกิจ เจ้าหน้าที่ผู้บังคับการเรือ ข้าแผ่นดิน ปัญญาชน และบุคคลสำคัญในวัฒนธรรมรัสเซีย ในหมู่พวกเขา: นักประวัติศาสตร์ Karamzin, นักเขียน Zagoskin, นักวิจารณ์ศิลปะ Odoevsky, จิตรกร Bryullov และ Aivazovsky, ประติมากร Vitali, สถาปนิก Gilardi, นักแต่งเพลง Alyabyev, นักแสดง Shchepkin และ Mo-chalov, นักเขียนบทละคร Sukhovo-Kobylin

หนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของ Tropinin คือภาพวาดของลูกชายของเขา. ฉันต้องบอกว่าหนึ่งใน "การค้นพบ" ของศิลปะรัสเซียในศตวรรษที่ XIX มีรูปเด็กอยู่ ในยุคกลาง เด็กถูกมองว่าเป็นผู้ใหญ่ตัวเล็ก ๆ ที่ยังไม่โต เด็ก ๆ แต่งกายด้วยชุดที่ไม่แตกต่างจากผู้ใหญ่: ในกลางศตวรรษที่ 18 เด็กผู้หญิงสวมรัดตัวรัดรูปและกระโปรงกว้างกับฟิจมา ในตอนต้นของศตวรรษที่ XIX เท่านั้น พวกเขาเห็นเด็กในเด็ก ศิลปินเป็นคนกลุ่มแรกที่ทำเช่นนี้ ภาพเหมือนของ Tropinin มีความเรียบง่ายและเป็นธรรมชาติมาก เด็กชายไม่ได้วางตัว สนใจบางอย่าง เขาหันกลับมาครู่หนึ่ง: ปากของเขาแยกออกจากกัน, ดวงตาของเขาเป็นประกาย การปรากฏตัวของเด็กนั้นมีเสน่ห์และเป็นบทกวีอย่างน่าประหลาดใจ ผมสีทองยุ่งเหยิง ใบหน้าอวบอิ่มแบบเด็ก ดวงตาที่ดูมีชีวิตชีวาดูมีไหวพริบ เราสามารถรู้สึกได้ด้วยความรักที่ศิลปินวาดภาพเหมือนของลูกชายของเขา

Tropinin วาดภาพตัวเองสองครั้ง ต่อมาในปี พ.ศ. 2389 ศิลปินมีอายุ 70 ​​ปี เขาพรรณนาตัวเองด้วยจานสีและพู่กันในมือ พิงมาสทาบล์ ซึ่งเป็นแท่งพิเศษที่จิตรกรใช้ เบื้องหลังเขาคือภาพพาโนรามาอันงดงามของเครมลิน ในช่วงอายุยังน้อย Tropinin มีความแข็งแกร่งและจิตใจที่ดี ตัดสินจากภาพตัวเอง เขายังคงความแข็งแกร่งของร่างกายแม้ในวัยชรา ใบหน้าที่โค้งมนใส่แว่นดูเป็นธรรมชาติดี ศิลปินเสียชีวิตในอีก 10 ปีต่อมา แต่ภาพลักษณ์ของเขายังคงอยู่ในความทรงจำของลูกหลานของเขา - ชายผู้ยิ่งใหญ่และใจดีที่เสริมศิลปะรัสเซียด้วยความสามารถของเขา

Venetsianov ค้นพบธีมชาวนาในภาพวาดรัสเซีย เขาเป็นศิลปินชาวรัสเซียคนแรกที่แสดงความงามของธรรมชาติพื้นเมืองบนผืนผ้าใบของเขา แนวภูมิทัศน์ไม่ได้รับความนิยมที่ Academy of Arts เขาครอบครองตำแหน่งสุดท้ายที่มีความสำคัญโดยทิ้งสิ่งที่น่ารังเกียจยิ่งกว่าเดิมไว้ข้างหลัง - ทุกวัน มีผู้เชี่ยวชาญเพียงไม่กี่คนที่วาดภาพธรรมชาติ โดยเลือกภาพทิวทัศน์แบบอิตาลีหรือภาพในจินตนาการ

ในงานหลายชิ้นของ Venetsianov ธรรมชาติและมนุษย์นั้นแยกกันไม่ออก พวกเขาเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดราวกับชาวนากับผืนดินและของขวัญจากมัน ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขา - "การทำหญ้าแห้ง", "บนพื้นที่เพาะปลูก ฤดูใบไม้ผลิ", "ในการเก็บเกี่ยว ฤดูร้อน" - ศิลปินสร้างขึ้นในยุค 20 มันเป็นจุดสูงสุดของความคิดสร้างสรรค์ของเขา ไม่มีใครในศิลปะรัสเซียสามารถแสดงชีวิตชาวนาและงานของชาวนาด้วยความรักและบทกวีได้เท่ากับ Venetsianov ในภาพวาด "บนที่ดินทำกิน ฤดูใบไม้ผลิ" ผู้หญิงคนหนึ่งกำลังไถนา งานที่หนักและเหน็ดเหนื่อยนี้ดูสง่างามบนผืนผ้าใบของ Venetsianov: หญิงชาวนาในชุดเดรสและโคโคชินิกที่สง่างาม ด้วยใบหน้าที่สวยงามและร่างกายที่ยืดหยุ่น เธอดูคล้ายกับเทพธิดาโบราณ ม้าที่เชื่อฟังสองตัวซึ่งถูกควบคุมโดยคราดนำหน้าด้วยบังเหียน เธอไม่เดิน แต่ดูเหมือนว่าจะลอยอยู่เหนือทุ่ง ชีวิตรอบ ๆ ไหลอย่างสงบวัดอย่างสงบสุข ต้นไม้หายากเปลี่ยนเป็นสีเขียว มีเมฆสีขาวลอยอยู่บนท้องฟ้า ทุ่งดูเหมือนไม่มีที่สิ้นสุด มีทารกน้อยนั่งรอแม่อยู่บนขอบ

ภาพวาด "In the Harvest. Summer" ดูเหมือนจะดำเนินต่อจากภาพก่อนหน้า การเก็บเกี่ยวสุกแล้ว ท้องทุ่งมีรวงเป็นรวงทอง - ถึงเวลาเก็บเกี่ยวแล้ว ในเบื้องหน้า หญิงชาวนากำลังให้นมลูกอยู่เบื้องหน้า ท้องฟ้า ท้องทุ่ง ผู้คนที่ทำงานบนนั้นเป็นสิ่งที่แยกออกจากกันไม่ได้สำหรับศิลปิน แต่ถึงกระนั้นประเด็นหลักที่เขาสนใจก็คือคนเสมอ

เวเนเซียนอฟสร้างแกลเลอรีภาพเหมือนของชาวนาทั้งหมด นี่เป็นเรื่องใหม่สำหรับการวาดภาพของรัสเซีย ในศตวรรษที่สิบแปด ผู้คนจากผู้คนและแม้แต่ข้ารับใช้ก็ไม่ค่อยสนใจศิลปิน ตามประวัติศาสตร์ศิลปะ Venetsianov เป็นคนแรกในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพรัสเซียที่ "จับและสร้างประเภทพื้นบ้านรัสเซีย" "Reapers", "Girl with cornflowers", "Girl with a Calf", "Sleeping Shepherd" เป็นภาพที่ยอดเยี่ยมของชาวนาที่ Venetsianov เป็นอมตะ สถานที่พิเศษในผลงานของศิลปินถูกครอบครองโดยภาพเด็กชาวนา "Zakharka" ดีแค่ไหน - เด็กชายตาโตจมูกดูแคลนปากใหญ่ถือขวานบนไหล่! Zakharka ดูเหมือนจะเป็นตัวเป็นตนของธรรมชาติชาวนาที่กระตือรือร้นซึ่งคุ้นเคยกับการทำงานตั้งแต่เด็ก

Alexey Gavrilovich ทิ้งความทรงจำที่ดีเกี่ยวกับตัวเองไว้ไม่เพียง แต่ในฐานะศิลปินเท่านั้น แต่ยังเป็นครูที่โดดเด่นอีกด้วย ในระหว่างการเยือนเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กครั้งหนึ่งเขารับศิลปินมือใหม่เป็นนักเรียนและอีกคนหนึ่งในสาม ... ดังนั้นโรงเรียนศิลปะทั้งหมดจึงเกิดขึ้นซึ่งเข้าสู่ประวัติศาสตร์ศิลปะภายใต้ชื่อ Venetian เป็นเวลาหนึ่งในสี่ของศตวรรษที่มีชายหนุ่มที่มีความสามารถประมาณ 70 คนได้ผ่านมันมา Venetsianov พยายามไถ่ศิลปินที่เป็นทาสจากการถูกจองจำและกังวลมากหากสิ่งนี้ไม่ได้ผล นักเรียนที่มีพรสวรรค์ที่สุดของเขา - Grigory Soroka - ไม่เคยได้รับอิสรภาพจากเจ้าของที่ดิน เขามีชีวิตอยู่เพื่อดูการยกเลิกการเป็นทาส แต่ถูกผลักดันไปสู่ความสิ้นหวังจากอำนาจทุกอย่างของอดีตเจ้าของ เขาฆ่าตัวตาย

นักเรียนของ Venetsianov หลายคนอาศัยอยู่ในบ้านของเขาโดยได้รับค่าจ้างเต็มจำนวน พวกเขาเข้าใจความลับของการวาดภาพเวนิส: การยึดมั่นในกฎแห่งมุมมองและความสนใจอย่างใกล้ชิดกับธรรมชาติ ในบรรดาลูกศิษย์ของเขามีอาจารย์ที่มีความสามารถหลายคนที่ทิ้งร่องรอยที่เห็นได้ชัดเจนในศิลปะรัสเซีย: Grigory Soroka, Alexei Tyranov, Alexander Alekseev, Nikifor Krylov "ชาวเมืองเวนิส" - เรียกสัตว์เลี้ยงของเขาด้วยความรัก

ดังนั้นจึงเป็นที่ถกเถียงกันอยู่ว่าในสามแรกของศตวรรษที่ 19 มีการพัฒนาทางวัฒนธรรมของรัสเซียเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วและเวลานี้เรียกว่ายุคทองของการวาดภาพรัสเซีย

ศิลปินชาวรัสเซียมีระดับทักษะที่ทำให้ผลงานของพวกเขาเทียบเท่ากับตัวอย่างศิลปะยุโรปที่ดีที่สุด

การเชิดชูความสำเร็จของผู้คน, แนวคิดเรื่องการตื่นขึ้นทางจิตวิญญาณของพวกเขา, การบอกเลิกภัยพิบัติของระบบศักดินารัสเซีย - สิ่งเหล่านี้เป็นประเด็นหลักของศิลปกรรมแห่งศตวรรษที่ 19

ในการถ่ายภาพบุคคล คุณลักษณะของแนวโรแมนติก - ความเป็นอิสระของบุคลิกภาพมนุษย์, ความเป็นปัจเจกบุคคล, เสรีภาพในการแสดงความรู้สึก - แตกต่างกันเป็นพิเศษ

มีการสร้างภาพบุคคลจำนวนมากในวัฒนธรรมรัสเซียภาพเด็ก ธีมชาวนา ภูมิทัศน์ ซึ่งแสดงให้เห็นความงามของธรรมชาติพื้นเมืองกลายเป็นแฟชั่น

บทคัดย่อข้อสอบ

เรื่อง: "แนวโรแมนติกเป็นกระแสในงานศิลปะ".

ดำเนินการ นักเรียน 11 "B" ชั้นมัธยมศึกษาปีที่ 3

โบปราฟ แอนนา

ครูศิลปะโลก

วัฒนธรรม Butsu T.N.

แบรสต์ 2545

1. การแนะนำ

2. สาเหตุของการยวนใจ

3. คุณสมบัติหลักของแนวโรแมนติก

4. ฮีโร่โรแมนติก

5. แนวโรแมนติกในรัสเซีย

ก) วรรณกรรม

ข) จิตรกรรม

ค) ดนตรี

6. แนวโรแมนติกของยุโรปตะวันตก

ภาพวาด

ข) ดนตรี

7. บทสรุป

8. การอ้างอิง

1. บทนำ

หากคุณดูพจนานุกรมอธิบายของภาษารัสเซียคุณจะพบความหมายหลายประการของคำว่า "แนวโรแมนติก": 1. แนวโน้มในวรรณคดีและศิลปะในไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 19 โดยมีลักษณะเฉพาะจากอุดมคติในอดีตความโดดเดี่ยว จากความเป็นจริงลัทธิบุคลิกภาพและมนุษย์ 2. ทิศทางในวรรณคดีและศิลปะที่เต็มไปด้วยการมองโลกในแง่ดีและความปรารถนาที่จะแสดงภาพที่สดใสถึงจุดประสงค์อันสูงส่งของมนุษย์ 3. สภาวะของจิตใจที่เต็มไปด้วยความเพ้อฝันของความเป็นจริง การครุ่นคิดในความฝัน

ดังที่เห็นได้จากคำนิยาม แนวโรแมนติกเป็นปรากฏการณ์ที่แสดงออกไม่เพียงแต่ในงานศิลปะเท่านั้น แต่ยังปรากฏในพฤติกรรม เสื้อผ้า วิถีชีวิต จิตวิทยาของผู้คน และเกิดขึ้นในช่วงเวลาที่สำคัญในชีวิต ดังนั้น ธีมของแนวโรแมนติกจึงยังคงมีความเกี่ยวข้องในปัจจุบัน . เรามีชีวิตอยู่ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ เราอยู่ในช่วงหัวเลี้ยวหัวต่อ ในเรื่องนี้ ในสังคมมีความไม่เชื่อในอนาคต ไม่ไว้วางใจในอุดมคติ มีความปรารถนาที่จะหลีกหนีจากความเป็นจริงรอบตัวไปสู่โลกแห่งประสบการณ์ของตนเองและในขณะเดียวกันก็เข้าใจมัน คุณลักษณะเหล่านี้เป็นลักษณะของศิลปะโรแมนติก นั่นคือเหตุผลที่ฉันเลือกหัวข้อ “แนวโรแมนติกเป็นกระแสในศิลปะ” สำหรับการวิจัย

แนวโรแมนติกเป็นศิลปะประเภทต่างๆ จุดประสงค์ของงานของฉันคือการติดตามเงื่อนไขสำหรับการเกิดขึ้นและสาเหตุของการเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกในประเทศต่างๆ เพื่อตรวจสอบพัฒนาการของแนวโรแมนติกในรูปแบบศิลปะ เช่น วรรณกรรม ภาพวาด และดนตรี และเพื่อเปรียบเทียบ งานหลักสำหรับฉันคือการเน้นคุณสมบัติหลักของแนวโรแมนติกซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะทุกประเภทเพื่อพิจารณาว่าแนวโรแมนติกมีอิทธิพลต่อการพัฒนาแนวโน้มอื่น ๆ ของศิลปะอย่างไร

เมื่อพัฒนาธีม ฉันใช้ตำราเกี่ยวกับศิลปะ ผู้เขียนเช่น Filimonova, Vorotnikov และคนอื่นๆ สิ่งพิมพ์สารานุกรม เอกสารที่อุทิศให้กับนักเขียนหลายคนในยุคโรแมนติก เอกสารเกี่ยวกับชีวประวัติของผู้เขียนเช่น Aminskaya, Atsarkina, Nekrasova และอื่นๆ

2. เหตุผลในการกำเนิดของโรแมนติก

ยิ่งเราเข้าใกล้ความทันสมัยมากเท่าไหร่ ช่วงเวลาของการครอบงำของสไตล์ใดสไตล์หนึ่งก็จะยิ่งสั้นลงเท่านั้น ช่วงเวลาปลายศตวรรษที่ 18-1 ใน 3 ของศตวรรษที่ 19 ถือว่าเป็นยุคจินตนิยม (จาก French Romantique แปลว่า ลึกลับ แปลกประหลาด ไม่จริง)

อะไรมีอิทธิพลต่อการเกิดรูปแบบใหม่?

นี่คือสามเหตุการณ์หลัก: การปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่, สงครามนโปเลียน, การเพิ่มขึ้นของขบวนการปลดปล่อยชาติในยุโรป

เสียงฟ้าร้องของกรุงปารีสดังก้องไปทั่วยุโรป คำขวัญ "เสรีภาพ ความเสมอภาค ภราดรภาพ!" เป็นสิ่งดึงดูดใจชาวยุโรปทุกคน ด้วยการก่อตัวของสังคมชนชั้นนายทุน ชนชั้นแรงงานเริ่มต่อต้านระบบศักดินาในฐานะกองกำลังอิสระ การต่อสู้ที่เป็นปฏิปักษ์ของสามชนชั้น - ขุนนาง ชนชั้นนายทุน และชนชั้นกรรมาชีพ - เป็นรากฐานของพัฒนาการทางประวัติศาสตร์ของศตวรรษที่ 19

ชะตากรรมของนโปเลียนและบทบาทของเขาในประวัติศาสตร์ยุโรปเป็นเวลา 2 ทศวรรษ พ.ศ. 2339-2358 อยู่ในความคิดของคนรุ่นเดียวกัน "เจ้าแห่งความคิด" - อ. พูดถึงเขา พุชกิน

สำหรับฝรั่งเศส นี่เป็นปีแห่งความยิ่งใหญ่และความรุ่งโรจน์ แม้ว่าชาวฝรั่งเศสหลายพันคนจะต้องเสียชีวิตก็ตาม อิตาลีเห็นนโปเลียนเป็นผู้ปลดปล่อย ชาวโปแลนด์มีความหวังสูงสำหรับเขา

นโปเลียนทำตัวเป็นผู้พิชิตเพื่อผลประโยชน์ของชนชั้นนายทุนฝรั่งเศส สำหรับพระมหากษัตริย์ในยุโรป พระองค์ไม่เพียงเป็นศัตรูทางทหารเท่านั้น แต่ยังเป็นตัวแทนของโลกต่างดาวของชนชั้นนายทุนด้วย พวกเขาเกลียดเขา ในช่วงเริ่มต้นของสงครามนโปเลียน มีผู้เข้าร่วมโดยตรงจำนวนมากในการปฏิวัติใน "กองทัพใหญ่" ของเขา

บุคลิกภาพของนโปเลียนเองก็เป็นปรากฎการณ์เช่นกัน Lermontov ชายหนุ่มตอบครบรอบ 10 ปีการเสียชีวิตของนโปเลียน:

เขาเป็นคนแปลกหน้าต่อโลก ทุกอย่างเกี่ยวกับเขาเป็นเรื่องลึกลับ

วันแห่งความสูงส่ง - และการล่มสลายของชั่วโมง!

ความลึกลับนี้ดึงดูดความสนใจของคู่รักเป็นพิเศษ

ในการเชื่อมต่อกับสงครามนโปเลียนและการเจริญเต็มที่ของความสำนึกในตนเองของชาติ ช่วงเวลานี้มีลักษณะเด่นคือการเพิ่มขึ้นของขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติ เยอรมนี, ออสเตรีย, สเปนต่อสู้กับการยึดครองของนโปเลียน, อิตาลี - กับแอกของออสเตรีย, กรีซ - กับตุรกี, ในโปแลนด์พวกเขาต่อสู้กับซาร์ซาร์ของรัสเซีย, ไอร์แลนด์ - กับอังกฤษ

การเปลี่ยนแปลงที่น่าอัศจรรย์เกิดขึ้นต่อหน้าต่อตาคนรุ่นหนึ่ง

ฝรั่งเศสเดือดร้อนมากที่สุด: วันครบรอบปีที่ห้าอันปั่นป่วนของการปฏิวัติฝรั่งเศส การผงาดขึ้นและล่มสลายของโรบปีแยร์ แคมเปญนโปเลียน การสละราชสมบัติครั้งแรกของนโปเลียน การกลับมาจากเกาะเอลบา ("ร้อยวัน") และครั้งสุดท้าย

ความพ่ายแพ้ที่วอเตอร์ลู, การครบรอบ 15 ปีของระบอบการฟื้นฟูที่มืดมน, การปฏิวัติเดือนกรกฎาคมปี 1860, การปฏิวัติเดือนกุมภาพันธ์ปี 1848 ในปารีสซึ่งทำให้เกิดคลื่นปฏิวัติในประเทศอื่น ๆ

ในอังกฤษอันเป็นผลมาจากการปฏิวัติอุตสาหกรรมในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ XIX มีการสร้างความสัมพันธ์ระหว่างการผลิตเครื่องจักรและทุนนิยม การปฏิรูปรัฐสภาในปี พ.ศ. 2375 เปิดทางให้ชนชั้นนายทุนเข้าสู่อำนาจรัฐ

ในดินแดนของเยอรมนีและออสเตรีย ผู้ปกครองศักดินายังคงมีอำนาจอยู่ หลังจากการล่มสลายของนโปเลียน พวกเขาจัดการกับฝ่ายค้านอย่างรุนแรง แต่แม้กระทั่งบนดินเยอรมัน รถจักรไอน้ำที่นำมาจากอังกฤษในปี 1831 ก็กลายเป็นปัจจัยในความก้าวหน้าของชนชั้นกลาง

การปฏิวัติอุตสาหกรรม การปฏิวัติทางการเมืองได้เปลี่ยนโฉมหน้าของยุโรป "ชนชั้นกระฎุมพีในเวลาไม่ถึงร้อยปีของการครอบงำทางชนชั้น ได้สร้างกองกำลังทางการผลิตจำนวนมากและยิ่งใหญ่กว่าคนรุ่นก่อนๆ ทั้งหมด" มาร์กซ์และเองเกลส์นักวิชาการชาวเยอรมันเขียนในปี พ.ศ. 2391

ดังนั้น การปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ (ค.ศ. 1789-1794) ถือเป็นเหตุการณ์สำคัญพิเศษที่แยกยุคใหม่ออกจากยุคแห่งการตรัสรู้ ไม่เพียงแต่รูปแบบของรัฐ โครงสร้างทางสังคมของสังคม การจัดตำแหน่งของชนชั้นเท่านั้นที่เปลี่ยนไป ระบบความคิดทั้งหมดที่สว่างไสวมาหลายศตวรรษถูกสั่นคลอน ผู้ตรัสรู้เตรียมการปฏิวัติอย่างมีอุดมการณ์ แต่พวกเขาไม่สามารถคาดการณ์ถึงผลที่ตามมาทั้งหมดได้ "อาณาจักรแห่งเหตุผล" ไม่ได้เกิดขึ้น การปฏิวัติซึ่งประกาศอิสรภาพของปัจเจกบุคคลได้ก่อให้เกิดระเบียบแบบชนชั้นกลาง จิตวิญญาณแห่งการแสวงหาผลประโยชน์และความเห็นแก่ตัว นี่เป็นพื้นฐานทางประวัติศาสตร์สำหรับการพัฒนาวัฒนธรรมทางศิลปะซึ่งนำไปสู่ทิศทางใหม่ - แนวโรแมนติก

3. คุณสมบัติหลักของลัทธิโรแมนติก

แนวโรแมนติกเป็นวิธีการและทิศทางในวัฒนธรรมศิลปะเป็นปรากฏการณ์ที่ซับซ้อนและขัดแย้ง ในทุกประเทศเขามีการแสดงออกทางชาติที่สดใส ไม่ใช่เรื่องง่ายที่จะหาลักษณะเด่นในวรรณคดี ดนตรี ภาพวาด และโรงละครที่รวม Chateaubriand และ Delacroix, Mickiewicz และ Chopin, Lermontov และ Kiprensky เข้าด้วยกัน

โรแมนติกมีตำแหน่งทางสังคมและการเมืองที่หลากหลายในสังคม พวกเขาทั้งหมดกบฏต่อผลลัพธ์ของการปฏิวัติกระฎุมพี แต่พวกเขาก่อกบฏด้วยวิธีต่างๆ กัน เนื่องจากแต่ละคนมีอุดมคติเป็นของตนเอง แต่ด้วยความหลายหลายของใบหน้าและความหลากหลาย ความโรแมนติกมีลักษณะที่มั่นคง

ความผิดหวังในยุคปัจจุบันก่อให้เกิดความพิเศษ ความสนใจในอดีต: สู่การก่อร่างสร้างตัวทางสังคมก่อนชนชั้นนายทุน ถึงปิตาธิปไตยสมัยโบราณ ความโรแมนติกหลายคนโดดเด่นด้วยความคิดที่ว่าความแปลกใหม่ที่งดงามของประเทศทางใต้และตะวันออก - อิตาลี, สเปน, กรีซ, ตุรกี - เป็นบทกวีที่ตรงกันข้ามกับชีวิตประจำวันของชนชั้นกลางที่น่าเบื่อ ในประเทศเหล่านี้ยังคงได้รับผลกระทบจากอารยธรรมเพียงเล็กน้อย คนโรแมนติกกำลังมองหาตัวละครที่สดใส แข็งแกร่ง วิถีชีวิตดั้งเดิมที่มีสีสัน ความสนใจในอดีตของชาติก่อให้เกิดผลงานทางประวัติศาสตร์มากมาย

ในความพยายามที่จะอยู่เหนือร้อยแก้วของการเป็น เพื่อปลดปล่อยความสามารถที่หลากหลายของแต่ละบุคคล เพื่อให้ตระหนักรู้ในตนเองในความคิดสร้างสรรค์ในที่สุด พวกโรแมนติกจึงต่อต้านการทำให้ศิลปะเป็นแบบแผนและแนวทางที่ตรงไปตรงมาและรอบคอบ ซึ่งเป็นลักษณะของความคลาสสิก พวกเขาทั้งหมดมาจาก การปฏิเสธการตรัสรู้และหลักเหตุผลของลัทธิคลาสสิคซึ่งผูกมัดความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ของศิลปินและหากความคลาสสิกแบ่งทุกอย่างเป็นเส้นตรง ดีและไม่ดี เป็นขาวดำ แนวโรแมนติกก็ไม่แบ่งอะไรเป็นเส้นตรง ความคลาสสิคเป็นระบบ แต่ความโรแมนติกไม่ใช่ แนวโรแมนติกได้ก้าวไปสู่ความก้าวหน้าของยุคปัจจุบันตั้งแต่แบบคลาสสิกไปจนถึงแบบซาบซึ้งซึ่งแสดงให้เห็นชีวิตภายในของบุคคลในความกลมกลืนกับโลกอันกว้างใหญ่ และแนวโรแมนติกต่อต้านความสามัคคีของโลกภายใน มันเป็นแนวโรแมนติกที่จิตวิทยาที่แท้จริงเริ่มปรากฏขึ้น

งานหลักของแนวโรแมนติกคือ ภาพของโลกภายใน, ชีวิตฝ่ายวิญญาณ และสิ่งนี้สามารถทำได้บนเนื้อหาของเรื่องราว เวทย์มนต์ ฯลฯ จำเป็นต้องแสดงความขัดแย้งของชีวิตภายในนี้ ความไม่สมเหตุสมผลของมัน

ในจินตนาการของพวกเขา คนโรแมนติกเปลี่ยนความเป็นจริงที่ไม่สวยงามหรือเข้าสู่โลกแห่งประสบการณ์ของพวกเขา ช่องว่างระหว่างความฝันกับความจริง ความขัดแย้งของนิยายที่สวยงามกับความจริงที่เป็นปรนัย เป็นหัวใจของการเคลื่อนไหวโรแมนติกทั้งหมด

แนวโรแมนติกเป็นครั้งแรกทำให้เกิดปัญหาของภาษาศิลปะ “ศิลปะเป็นภาษาที่แตกต่างจากธรรมชาติอย่างมาก แต่มันยังมีพลังมหัศจรรย์แบบเดียวกับที่ส่งผลกระทบต่อจิตวิญญาณมนุษย์อย่างลับ ๆ และไม่สามารถเข้าใจได้” (Wackenroder และ Tieck) ศิลปินคือผู้แปลภาษาของธรรมชาติ เป็นตัวกลางระหว่างโลกแห่งจิตวิญญาณและผู้คน “ต้องขอบคุณศิลปิน มนุษยชาติจึงกลายเป็นปัจเจกบุคคลทั้งหมด ศิลปินผ่านความทันสมัยรวมโลกแห่งอดีตเข้ากับโลกแห่งอนาคต พวกเขาเป็นอวัยวะทางวิญญาณที่สูงที่สุดซึ่งพลังสำคัญของมนุษยชาติภายนอกมาบรรจบกัน และเป็นที่ซึ่งมนุษยชาติภายในแสดงออกมาก่อนอื่น” (เอฟ. ชเลเกล)

อย่างไรก็ตาม แนวโรแมนติกไม่ใช่แนวโน้มที่เป็นเนื้อเดียวกัน: การพัฒนาทางอุดมการณ์ไปในทิศทางที่ต่างกัน ในบรรดานักรักโรแมนติก ได้แก่ นักเขียนที่มีปฏิกิริยา สมัครพรรคพวกของระบอบเก่า ซึ่งร้องเพลงเกี่ยวกับระบอบศักดินาและศาสนาคริสต์ ในทางกลับกัน คู่รักที่มีทัศนคติก้าวหน้าได้แสดงออกถึงการประท้วงในระบอบประชาธิปไตยเพื่อต่อต้านระบบศักดินาและการกดขี่ทุกรูปแบบ ซึ่งสะท้อนถึงแรงกระตุ้นในการปฏิวัติของประชาชนเพื่ออนาคตที่ดีกว่า

แนวโรแมนติกได้ละทิ้งยุคสมัยในวัฒนธรรมศิลปะโลก ตัวแทนของมันคือ: ในวรรณกรรม V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mickiewicz และอื่น ๆ ; ในวิจิตรศิลป์ของ E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky และคนอื่น ๆ ; ในดนตรีของ F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin และคนอื่น ๆ พวกเขาค้นพบและพัฒนาแนวเพลงใหม่ ๆ ให้ความสนใจอย่างใกล้ชิดกับชะตากรรมของบุคลิกภาพมนุษย์เผยให้เห็น ภาษาถิ่นของความดีและความชั่วเปิดเผยความสนใจของมนุษย์อย่างเชี่ยวชาญ ฯลฯ

รูปแบบศิลปะมีความสำคัญไม่มากก็น้อยและผลิตผลงานศิลปะที่งดงามแม้ว่าคนโรแมนติกจะให้ความสำคัญกับดนตรีในขั้นบันไดของศิลปะ

4. ฮีโร่โรแมนติก

ใครคือฮีโร่โรแมนติกและเขาชอบอะไร?

นี่คือปัจเจกนิยม ซูเปอร์แมนที่มีชีวิตผ่านสองช่วง: ก่อนการปะทะกับความเป็นจริง เขาอาศัยอยู่ในสถานะ 'สีชมพู' เขาถูกครอบงำด้วยความปรารถนาที่จะประสบความสำเร็จ การเปลี่ยนแปลงของโลก หลังจากการปะทะกันกับความเป็นจริง เขายังคงมองว่าโลกนี้ทั้งหยาบคายและน่าเบื่อ แต่เขาไม่ได้กลายเป็นคนขี้ระแวง มองโลกในแง่ร้าย ด้วยความเข้าใจอย่างชัดเจนว่าไม่มีอะไรสามารถเปลี่ยนแปลงได้

ความโรแมนติกสามารถให้คุณค่านิรันดร์และยั่งยืนแก่ทุกสิ่งเล็ก ๆ น้อย ๆ ต่อข้อเท็จจริงที่เป็นรูปธรรมทุกอย่าง ต่อทุกสิ่งที่แปลกประหลาด Joseph de Maistre เรียกมันว่า "เส้นทางแห่งความสุขุม" Germaine de Stael - "อ้อมอกที่อุดมสมบูรณ์ของจักรวาลอมตะ" Chateaubriand ใน "อัจฉริยะของศาสนาคริสต์" ในหนังสือที่อุทิศให้กับประวัติศาสตร์ชี้ไปที่พระเจ้าโดยตรงในฐานะจุดเริ่มต้นของเวลาทางประวัติศาสตร์ สังคมดูเหมือนเป็นสายสัมพันธ์ที่ไม่สั่นคลอน "สายใยแห่งชีวิตที่เชื่อมโยงเรากับบรรพบุรุษของเราและเราต้องขยายไปถึงลูกหลานของเรา" มีเพียงหัวใจของบุคคลเท่านั้นที่สามารถเข้าใจและได้ยินเสียงของผู้สร้างผ่านความงามของธรรมชาติผ่านความรู้สึกลึกซึ้ง ธรรมชาติเป็นสิ่งศักดิ์สิทธิ์ เป็นแหล่งของความกลมกลืนและพลังสร้างสรรค์ คำอุปมาอุปไมยของธรรมชาติมักถูกถ่ายทอดโดยความโรแมนติกในศัพท์แสงทางการเมือง สำหรับความโรแมนติก ต้นไม้กลายเป็นสัญลักษณ์ของครอบครัว การพัฒนาที่เกิดขึ้นเอง การรับรู้ถึงน้ำผลไม้ของแผ่นดินพื้นเมือง ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความสามัคคีในชาติ ยิ่งธรรมชาติของบุคคลไร้เดียงสาและอ่อนไหวมากเท่าไหร่ เขาก็ยิ่งได้ยินเสียงของพระเจ้าได้ง่ายขึ้นเท่านั้น เด็ก ผู้หญิง เยาวชนผู้สูงศักดิ์มักจะเห็นความเป็นอมตะของวิญญาณและคุณค่าของชีวิตนิรันดร์มากกว่าคนอื่น ความกระหายความสุขของชาวโรแมนติกไม่ได้จำกัดอยู่เพียงความปรารถนาในอุดมคติสำหรับอาณาจักรของพระเจ้าหลังความตาย

นอกจากความรักที่ลึกลับสำหรับพระเจ้าแล้ว คนๆ หนึ่งยังต้องการความรักทางโลกที่แท้จริงอีกด้วย ไม่สามารถครอบครองวัตถุแห่งความรักของเขาได้ฮีโร่โรแมนติกกลายเป็นผู้พลีชีพชั่วนิรันดร์ซึ่งถึงวาระที่จะรอพบกับที่รักของเขาในชีวิตหลังความตาย "เพราะความรักที่ยิ่งใหญ่นั้นคู่ควรกับความเป็นอมตะเมื่อต้องเสียชีวิต"

สถานที่พิเศษในงานโรแมนติกถูกครอบครองโดยปัญหาการพัฒนาและการศึกษาของแต่ละบุคคล วัยเด็กนั้นปราศจากกฎหมาย แรงกระตุ้นชั่วขณะของมันละเมิดศีลธรรมสาธารณะ ปฏิบัติตามกฎการเล่นแบบเด็กๆ ของมันเอง ในผู้ใหญ่ ปฏิกิริยาที่คล้ายกันนำไปสู่ความตาย ในการค้นหาอาณาจักรแห่งสวรรค์ บุคคลต้องเข้าใจกฎแห่งหน้าที่และศีลธรรม จากนั้นเขาจึงจะหวังชีวิตนิรันดร์ได้ เนื่องจากหน้าที่ถูกกำหนดให้กับคู่รักด้วยความปรารถนาที่จะได้รับชีวิตนิรันดร์ การปฏิบัติตามหน้าที่จึงให้ความสุขส่วนตัวในการแสดงออกที่ลึกซึ้งและทรงพลังที่สุด หน้าที่ทางศีลธรรมจะเพิ่มหน้าที่ของความรู้สึกลึก ๆ และความสนใจอันสูงส่ง โรแมนติกสนับสนุนความเท่าเทียมกันของการพัฒนาทางจิตวิญญาณของชายและหญิงโดยไม่ผสมข้อดีของเพศที่แตกต่างกัน ในทำนองเดียวกัน ความรักต่อพระเจ้าและสถาบันของพระองค์บงการหน้าที่พลเมือง ความขวนขวายส่วนตัวพบความสมบูรณ์ในสาเหตุทั่วไป ในการดิ้นรนเพื่อส่วนรวม ของมวลมนุษยชาติ ของทั้งโลก

ทุกวัฒนธรรมมีฮีโร่โรแมนติกของตัวเอง แต่ Byron ในผลงานของเขา Charld Harold ได้นำเสนอฮีโร่โรแมนติกในแบบฉบับของเขา เขาสวมหน้ากากฮีโร่ของเขา (เขาบอกว่าไม่มีระยะห่างระหว่างฮีโร่กับผู้แต่ง) และปฏิบัติตามหลักการโรแมนติก

งานโรแมนติกทั้งหมดมีลักษณะเฉพาะ:

ประการแรกในงานโรแมนติกทุกชิ้นไม่มีระยะห่างระหว่างฮีโร่และผู้แต่ง

ประการที่สองผู้เขียนของฮีโร่ไม่ได้ตัดสิน แต่แม้ว่าจะมีการพูดถึงสิ่งไม่ดีเกี่ยวกับตัวเขา แต่โครงเรื่องก็ถูกสร้างขึ้นในลักษณะที่ฮีโร่ไม่ต้องตำหนิ เนื้อเรื่องในงานโรแมนติกมักจะโรแมนติก คนโรแมนติกยังสร้างความสัมพันธ์พิเศษกับธรรมชาติ พวกเขาชอบพายุ พายุฝนฟ้าคะนอง กลียุค

5. ความโรแมนติกในรัสเซีย

แนวโรแมนติกในรัสเซียแตกต่างจากยุโรปตะวันตกในด้านประวัติศาสตร์ที่แตกต่างกันและประเพณีวัฒนธรรมที่แตกต่างกัน การปฏิวัติฝรั่งเศสไม่สามารถนับได้ว่าเป็นหนึ่งในสาเหตุของการเกิดขึ้น ผู้คนในวงแคบมากมีความหวังสำหรับการเปลี่ยนแปลงในแนวทางของมัน และผลลัพธ์ของการปฏิวัติก็น่าผิดหวังอย่างสิ้นเชิง คำถามของระบบทุนนิยมในรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ไม่ได้ยืน จึงไม่มีเหตุเช่นนั้น เหตุผลที่แท้จริงคือสงครามรักชาติในปี พ.ศ. 2355 ซึ่งแสดงให้เห็นถึงพลังทั้งหมดของการริเริ่มของประชาชน แต่หลังสงครามประชาชนไม่ได้รับความประสงค์ ชนชั้นสูงที่ดีที่สุดไม่พอใจกับความเป็นจริงไปที่ Senate Square ในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2368 การกระทำนี้ยังทิ้งร่องรอยไว้บนปัญญาชนที่สร้างสรรค์ ปีหลังสงครามที่ปั่นป่วนกลายเป็นสภาพแวดล้อมที่แนวโรแมนติกของรัสเซียก่อตัวขึ้น

แนวโรแมนติกและยิ่งกว่านั้น รัสเซียของเราพัฒนาและหล่อหลอมเป็นรูปแบบดั้งเดิมของเรา แนวโรแมนติกไม่ใช่วรรณกรรมธรรมดา แต่เป็นปรากฏการณ์ชีวิต ยุคแห่งการพัฒนาทางศีลธรรมทั้งหมด ยุคที่มีสีพิเศษในตัวเอง ดำเนินการพิเศษ มุมมองในชีวิต ... ปล่อยให้แนวโน้มโรแมนติกมาจากภายนอกจากชีวิตตะวันตกและวรรณกรรมตะวันตกพบในธรรมชาติของรัสเซียดินพร้อมสำหรับการรับรู้ดังนั้นจึงสะท้อนให้เห็นในปรากฏการณ์ดั้งเดิมอย่างสมบูรณ์ในฐานะกวีและนักวิจารณ์ Apollon Grigoriev ประเมิน - นี่เป็นปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมที่ไม่เหมือนใครและลักษณะเฉพาะของมันแสดงให้เห็นถึงความซับซ้อนที่สำคัญของแนวโรแมนติก จากลำไส้ที่โกกอลหนุ่มออกมาและเกี่ยวข้องกับเขาไม่เพียง แต่ในช่วงเริ่มต้นของอาชีพการเขียนเท่านั้น แต่ยังตลอดชีวิตของเขาด้วย

Apollon Grigoriev กำหนดธรรมชาติของผลกระทบของโรงเรียนโรแมนติกต่อวรรณกรรมและชีวิตอย่างถูกต้องรวมถึงร้อยแก้วในเวลานั้น: ไม่ใช่อิทธิพลหรือการยืมที่เรียบง่าย แต่เป็นลักษณะเฉพาะและชีวิตที่ทรงพลังและแนวโน้มวรรณกรรมที่ทำให้เกิดปรากฏการณ์ดั้งเดิมในวรรณกรรมรัสเซียรุ่นเยาว์

ก) วรรณกรรม

แนวโรแมนติกของรัสเซียมักแบ่งออกเป็นหลายช่วงเวลา: เริ่มต้น (พ.ศ. 2344-2358) เป็นผู้ใหญ่ (พ.ศ. 2358-2368) และช่วงเวลาของการพัฒนาหลังการหลอกลวง อย่างไรก็ตาม เมื่อเทียบกับช่วงแรก ความดั้งเดิมของโครงการนี้โดดเด่นมาก สำหรับการเริ่มต้นของแนวโรแมนติกของรัสเซียนั้นเชื่อมโยงกับชื่อของ Zhukovsky และ Batyushkov กวีที่มีผลงานและโลกทัศน์ยากที่จะนำมาเปรียบเทียบและเปรียบเทียบในช่วงเวลาเดียวกัน เป้าหมาย แรงบันดาลใจ และนิสัยใจคอของพวกเขาแตกต่างกันมาก ในบทกวีของกวีทั้งสองยังคงรู้สึกถึงอิทธิพลอันยิ่งใหญ่ของอดีตยุคแห่งความรู้สึกอ่อนไหว แต่ถ้า Zhukovsky ยังคงฝังรากลึกอยู่ในนั้น Batyushkov ก็เข้าใกล้แนวโน้มใหม่มากขึ้น

Belinsky ตั้งข้อสังเกตอย่างถูกต้องว่างานของ Zhukovsky มีลักษณะเป็น "การบ่นเกี่ยวกับความหวังที่ไม่สมบูรณ์ซึ่งไม่มีชื่อ ความโศกเศร้าจากความสุขที่หายไป ซึ่งพระเจ้าทรงทราบดีว่ามันประกอบด้วยอะไร" แท้จริงแล้วในตัวของ Zhukovsky แนวโรแมนติกยังคงดำเนินขั้นตอนแรกอย่างขี้อายโดยจ่ายส่วยให้กับความปรารถนาอันซาบซึ้งและเศร้าโศกความโหยหาของหัวใจที่คลุมเครือและแทบจะมองไม่เห็นในคำเดียวถึงความรู้สึกที่ซับซ้อนซึ่งในการวิจารณ์รัสเซียคือ เรียกว่า "แนวโรแมนติกของยุคกลาง"

บรรยากาศที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงในบทกวีของ Batyushkov: ความสุขของการเป็น, ความเย้ายวนใจ, เพลงสรรเสริญเพื่อความสุข

Zhukovsky ได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นตัวแทนที่โดดเด่นของมนุษยนิยมเชิงสุนทรียะของรัสเซีย มนุษย์ต่างดาวที่หลงใหลอย่างแรงกล้า Zhukovsky พึงพอใจและอ่อนโยนอยู่ภายใต้อิทธิพลที่เห็นได้ชัดเจนของแนวคิดของ Rousseau และโรแมนติกของเยอรมัน เขาให้ความสำคัญกับด้านสุนทรียภาพในด้านศาสนา ศีลธรรม และความสัมพันธ์ทางสังคมเป็นอย่างมาก ศิลปะได้รับความหมายทางศาสนาจาก Zhukovsky เขาพยายามที่จะเห็น "การเปิดเผย" ของความจริงที่สูงขึ้นในงานศิลปะมันเป็น "ศักดิ์สิทธิ์" สำหรับเขา เป็นเรื่องปกติสำหรับคู่รักชาวเยอรมันที่จะระบุบทกวีและศาสนา เราพบสิ่งเดียวกันใน Zhukovsky ซึ่งเขียนว่า: "บทกวีคือพระเจ้าในความฝันอันศักดิ์สิทธิ์ของโลก" ในแนวโรแมนติกของเยอรมัน เขามีความใกล้ชิดกับสิ่งดึงดูดใจของทุกสิ่งที่อยู่นอกเหนือไปจาก "ด้านกลางคืนของจิตวิญญาณ" เป็นพิเศษ ไปจนถึง "สิ่งที่ไม่อาจบรรยายได้" ในธรรมชาติและมนุษย์ ธรรมชาติในบทกวีของ Zhukovsky นั้นรายล้อมไปด้วยความลึกลับ ทิวทัศน์ของเขาช่างน่ากลัวและแทบไม่จริงเลย เหมือนภาพสะท้อนในน้ำ:

ธูปผสานเข้ากับความเย็นของพืชได้อย่างไร!

ช่างหอมหวานในความเงียบที่ชายฝั่งของไอพ่น!

สายลมของมาร์ชเมลโลว์บนผืนน้ำช่างเงียบสงบเพียงใด

และวิลโลว์ที่ยืดหยุ่นกระพือ!

จิตวิญญาณที่อ่อนไหว อ่อนโยน และช่างฝันของ Zhukovsky ดูเหมือนจะเย็นเยียบอย่างอ่อนหวานบนธรณีประตูของ "แสงลึกลับนี้" กวีในการแสดงออกที่เหมาะสมของ Belinsky "รักและทรมานเขา" แต่ความทุกข์ทรมานนี้ไม่ได้ทำร้ายจิตใจของเขาด้วยบาดแผลที่โหดร้ายเพราะแม้ในความเจ็บปวดและความโศกเศร้าชีวิตภายในของเขาก็เงียบสงบ ดังนั้นเมื่อส่งข้อความถึง Batyushkov "ลูกชายแห่งความสุขและความสนุก" เขาจึงเรียกกวี Epicurean ว่า "ญาติกับ Muse" จึงยากที่จะเชื่อในความสัมพันธ์นี้ แต่เราเชื่อว่า Zhukovsky ที่มีคุณธรรมซึ่งให้คำแนะนำแก่นักร้องเกี่ยวกับความสุขทางโลกอย่างเป็นมิตร: "ปฏิเสธความยั่วยวนความฝันนั้นร้ายแรง!"

Batyushkov เป็นบุคคลที่ตรงกันข้ามกับ Zhukovsky เขาเป็นคนที่มีความหลงใหลอย่างแรงกล้า และชีวิตที่สร้างสรรค์ของเขาสั้นลงเร็วกว่าการดำรงอยู่ทางกายภาพของเขาถึง 35 ปี เมื่อยังเป็นชายหนุ่ม เขาจมดิ่งลงสู่ก้นบึ้งของความบ้าคลั่ง เขาอุทิศตนด้วยกำลังและความหลงใหลที่เท่าเทียมกันทั้งต่อความสุขและความเศร้า: ในชีวิตเช่นเดียวกับในความเข้าใจในบทกวีของเขา - ซึ่งแตกต่างจาก Zhukovsky - เป็นคนต่างด้าวสำหรับ "ค่าเฉลี่ยสีทอง" แม้ว่าบทกวีของเขาจะมีลักษณะเฉพาะด้วยการยกย่องมิตรภาพอันบริสุทธิ์ ความสุขของ "มุมที่ต่ำต้อย" แต่ไอดีลของเขาไม่ได้สงบเสงี่ยมและเงียบสงบ เพราะ Batiushkov ไม่สามารถจินตนาการได้หากปราศจากความสุขอันเร่าร้อนและความมึนเมากับชีวิต บางครั้งกวีก็หลงใหลไปกับความสุขทางราคะจนพร้อมที่จะปฏิเสธภูมิปัญญาทางวิทยาศาสตร์ที่กดขี่โดยประมาท:

เป็นไปในความจริงแห่งทุกข์

ความอดทนมืดมนและปราชญ์ที่น่าเบื่อ

นั่งในชุดงานศพ

ระหว่างเศษหินหรืออิฐกับโลงศพ

เราจะพบความหอมหวานของชีวิตเราไหม?

จากพวกเขาฉันเห็นความสุข

มันบินเหมือนผีเสื้อจากพุ่มไม้หนาม

สำหรับพวกเขาไม่มีเสน่ห์ในเสน่ห์ของธรรมชาติ

หญิงสาวไม่ร้องเพลงให้พวกเขาเต้นรำเป็นวงกลม

สำหรับพวกเขาเช่นเดียวกับคนตาบอด

ฤดูใบไม้ผลิที่ปราศจากความสุขและฤดูร้อนที่ปราศจากดอกไม้

โศกนาฏกรรมที่แท้จริงไม่ค่อยมีเสียงในบทกวีของเขา เฉพาะในช่วงบั้นปลายของชีวิตที่สร้างสรรค์ของเขา เมื่อเขาเริ่มแสดงอาการเจ็บป่วยทางจิต เป็นหนึ่งในบทกวีสุดท้ายของเขาที่บันทึกภายใต้การเขียนตามคำบอก ซึ่งมีแรงจูงใจของการดำรงอยู่ทางโลกที่ไร้ประโยชน์อย่างชัดเจน:

คุณจำสิ่งที่คุณพูดได้ไหม

บอกลาชีวิต เมลคีเซเดคผมหงอก?

มนุษย์เกิดมาเป็นทาส

จะนอนลงเป็นทาสในแดนคนตาย

และความตายแทบจะไม่บอกเขาเลย

ทำไมเขาจึงเดินผ่านหุบเขาแห่งน้ำตาอันน่าพิศวง

ทนทุกข์ ร่ำไห้ อดทน

ในรัสเซีย แนวโรแมนติกเป็นกระแสวรรณกรรมที่พัฒนาขึ้นโดยศตวรรษที่ยี่สิบของศตวรรษที่สิบเก้า ต้นกำเนิดของมันคือกวี นักเขียนร้อยแก้ว นักเขียน และพวกเขาสร้างแนวโรแมนติกของรัสเซียซึ่งแตกต่างจาก "ยุโรปตะวันตก" ในลักษณะดั้งเดิมของชาติ แนวโรแมนติกของรัสเซียได้รับการพัฒนาโดยกวีในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 และกวีแต่ละคนก็นำสิ่งใหม่เข้ามา แนวโรแมนติกของรัสเซียได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวาง ได้รับลักษณะเฉพาะ และกลายเป็นกระแสอิสระในวรรณกรรม ใน "Ruslan and Lyudmila" A.S. พุชกินมีบรรทัด: "มีจิตวิญญาณของรัสเซียอยู่ที่นั่นมีกลิ่นของรัสเซีย" สามารถพูดได้เช่นเดียวกันเกี่ยวกับแนวโรแมนติกของรัสเซีย ฮีโร่ของผลงานโรแมนติกคือจิตวิญญาณแห่งบทกวีที่มุ่งมั่นเพื่อ "สูง" และสวยงาม แต่มีโลกที่ไม่เป็นมิตรซึ่งไม่อนุญาตให้คุณรู้สึกเป็นอิสระซึ่งทำให้วิญญาณเหล่านี้ไม่สามารถเข้าใจได้ โลกนี้ช่างหยาบกระด้าง ดังนั้นจิตวิญญาณของนักกวีจึงหลบหนีไปสู่อีกที่หนึ่ง ซึ่งมีอุดมคติอยู่ มันจึงมุ่งมั่นเพื่อ "นิรันดร์" แนวโรแมนติกขึ้นอยู่กับความขัดแย้งนี้ แต่กวีมีปฏิกิริยาแตกต่างไปจากสถานการณ์นี้ Zhukovsky, Pushkin, Lermontov ดำเนินการต่อจากสิ่งหนึ่งสร้างความสัมพันธ์ของฮีโร่และโลกรอบตัวด้วยวิธีต่างๆ ดังนั้นฮีโร่ของพวกเขาจึงมีเส้นทางสู่อุดมคติที่แตกต่างกัน

ความเป็นจริงนั้นแย่มาก หยาบคาย อวดดีและเห็นแก่ตัว ไม่มีที่ใดในนั้นสำหรับความรู้สึก ความฝัน และความปรารถนาของกวี วีรบุรุษของเขา "จริง" และนิรันดร์ - ในโลกอื่น ดังนั้นแนวคิดของสองโลก กวีจึงมุ่งมั่นเพื่อโลกใดโลกหนึ่งเพื่อค้นหาอุดมคติ

ตำแหน่งของ Zhukovsky ไม่ใช่ตำแหน่งของบุคคลที่ต่อสู้กับโลกภายนอกที่ท้าทายเขา เป็นเส้นทางแห่งความเป็นหนึ่งเดียวกับธรรมชาติ เป็นเส้นทางแห่งความกลมกลืนกับธรรมชาติ ในโลกที่สวยงามนิรันดร์ Zhukovsky ตามความเห็นของนักวิจัยหลายคน (รวมถึง Yu.V. Mann) แสดงความเข้าใจของเขาเกี่ยวกับกระบวนการแห่งเอกภาพใน The Inexpressible ความสามัคคีคือการบินของจิตวิญญาณ ความงามที่อยู่รอบตัวคุณเติมเต็มจิตวิญญาณของคุณ มันอยู่ในตัวคุณ และคุณอยู่ในนั้น จิตวิญญาณโบยบิน ไม่มีเวลาหรือที่ว่าง แต่คุณมีอยู่จริงในธรรมชาติ และในขณะนี้คุณมีชีวิตอยู่ คุณอยากจะร้องเพลงเกี่ยวกับความงามนี้ แต่ไม่มีคำใดที่จะแสดงสถานะของคุณมีเพียงความรู้สึกของความสามัคคี คุณไม่ถูกรบกวนจากคนรอบข้าง จิตใจที่น่าเบื่อ เปิดรับคุณมากขึ้น คุณมีอิสระ

Pushkin และ Lermontov เข้าหาปัญหาของแนวโรแมนติกนี้แตกต่างกัน ไม่ต้องสงสัยเลยว่าอิทธิพลที่ Zhukovsky กระทำต่อพุชกินนั้นไม่สามารถสะท้อนให้เห็นในผลงานของยุคหลังได้ งานในยุคแรกของพุชกินโดดเด่นด้วยแนวโรแมนติกแบบ "พลเรือน" ภายใต้อิทธิพลของ "The Singer in the Camp of Russian Warriors" Zhukovsky และผลงานของ Griboyedov พุชกินเขียนบทกวีถึง "Liberty", "To Chaadaev" ในตอนหลังเขาเรียกว่า:

"เพื่อนของฉัน! ให้เราอุทิศจิตวิญญาณของเราเพื่อปิตุภูมิด้วยแรงกระตุ้นที่ยอดเยี่ยม ... " นี่คือความปรารถนาเดียวกันสำหรับอุดมคติที่ Zhukovsky มี แต่พุชกินเท่านั้นที่เข้าใจอุดมคติในแบบของเขา ดังนั้นเส้นทางสู่อุดมคติจึงแตกต่างกันไปสำหรับกวี เขาไม่ต้องการและไม่สามารถต่อสู้เพื่ออุดมคติเพียงอย่างเดียวกวีเรียกร้องให้เขา พุชกินมองความเป็นจริงและอุดมคติต่างกัน คุณไม่สามารถเรียกมันว่ากบฏ นี่คือภาพสะท้อนขององค์ประกอบที่กบฏ สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นในบทกวี "ทะเล" นี่คือความแข็งแกร่งและพลังของทะเล ทะเลที่เป็นอิสระ มันมาถึงอุดมคติแล้ว มนุษย์ก็ต้องเป็นอิสระเช่นกัน วิญญาณของเขาก็ต้องเป็นอิสระเช่นกัน

การค้นหาอุดมคติเป็นคุณสมบัติหลักของแนวโรแมนติก มันแสดงให้เห็นในงานของ Zhukovsky และ Pushkin และ Lermontov กวีทั้งสามมองหาอิสรภาพ แต่พวกเขามองหามันด้วยวิธีที่แตกต่างกัน พวกเขาเข้าใจมันต่างกัน Zhukovsky กำลังมองหาอิสรภาพที่ "ผู้สร้าง" ส่งมา เมื่อพบความสามัคคีคน ๆ หนึ่งก็เป็นอิสระ สำหรับพุชกิน เสรีภาพของวิญญาณเป็นสิ่งสำคัญซึ่งควรแสดงออกในตัวบุคคล สำหรับ Lermontov มีเพียงฮีโร่ผู้กบฏเท่านั้นที่เป็นอิสระ กบฏเพื่อเสรีภาพ อะไรจะสวยงามไปกว่านี้? ทัศนคติต่ออุดมคตินี้ได้รับการเก็บรักษาไว้ในเนื้อเพลงรักของกวี ในความคิดของฉันความสัมพันธ์นี้เกิดจากเวลา แม้ว่าพวกเขาทั้งหมดจะทำงานในช่วงเวลาเดียวกันเกือบทั้งหมด แต่เวลาในการทำงานของพวกเขานั้นแตกต่างกัน เหตุการณ์พัฒนาไปด้วยความเร็วที่ไม่ธรรมดา ตัวละครของกวีมีอิทธิพลอย่างมากต่อความสัมพันธ์ของพวกเขา Zhukovsky ที่สงบและ Lermontov ที่กบฏนั้นตรงกันข้ามกันอย่างสิ้นเชิง แต่แนวโรแมนติกของรัสเซียพัฒนาขึ้นอย่างแม่นยำเพราะธรรมชาติของกวีเหล่านี้แตกต่างกัน พวกเขาแนะนำแนวคิดใหม่ ตัวละครใหม่ อุดมคติใหม่ ทำให้เห็นภาพที่สมบูรณ์ว่าเสรีภาพคืออะไร ชีวิตจริงคืออะไร แต่ละคนเป็นตัวแทนของเส้นทางสู่อุดมคติซึ่งเป็นสิทธิ์ในการเลือกสำหรับแต่ละคน

การเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกเป็นเรื่องที่น่าวิตกกังวลมาก ปัจุบันความเป็นปัจเจกชนของมนุษย์ยืนอยู่ที่ศูนย์กลางของโลกทั้งใบ มนุษย์ "ฉัน" เริ่มถูกตีความว่าเป็นพื้นฐานและความหมายของการดำรงอยู่ทั้งหมด ชีวิตมนุษย์เริ่มถูกมองว่าเป็นงานศิลปะ ศิลปะ แนวโรแมนติกแพร่หลายมากในศตวรรษที่ 19 แต่ไม่ใช่กวีทุกคนที่เรียกตัวเองว่าโรแมนติกได้ถ่ายทอดสาระสำคัญของแนวโน้มนี้

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 20 เราสามารถจำแนกความรักในศตวรรษที่ผ่านมาออกเป็นสองกลุ่มบนพื้นฐานนี้ กลุ่มหนึ่งและอาจเป็นกลุ่มที่กว้างขวางที่สุดคือกลุ่มที่รวมความโรแมนติกที่ "เป็นทางการ" เข้าไว้ด้วยกัน เป็นการยากที่จะสงสัยว่าพวกเขาไม่จริงใจ ในทางกลับกัน พวกเขาถ่ายทอดความรู้สึกได้อย่างแม่นยำมาก ในหมู่พวกเขาคือ Dmitry Venevitinov (1805-1827) และ Alexander Polezhaev (1804-1838) กวีเหล่านี้ใช้รูปแบบโรแมนติกโดยพิจารณาว่าเหมาะสมที่สุดสำหรับการบรรลุเป้าหมายทางศิลปะ ดังนั้น D. Venevitinov เขียนว่า:

ฉันรู้สึกว่ามันแผดเผาในตัวฉัน

เปลวไฟศักดิ์สิทธิ์แห่งแรงบันดาลใจ

แต่วิญญาณทะยานไปสู่เป้าหมายที่มืดมน...

ฉันจะหาหน้าผาที่เชื่อถือได้หรือไม่

ฉันจะวางเท้าที่มั่นคงของฉันได้ที่ไหน?

นี่คือบทกวีโรแมนติกทั่วไป ใช้คำศัพท์โรแมนติกแบบดั้งเดิม - นี่คือทั้ง "เปลวไฟแห่งแรงบันดาลใจ" และ "จิตวิญญาณที่ทะยาน" ดังนั้นกวีจึงอธิบายความรู้สึกของเขา แต่ไม่มีอีกแล้ว กวีถูกผูกมัดด้วยกรอบของแนวจินตนิยม นั่นคือ "รูปลักษณ์ทางวาจา" ทุกอย่างง่ายขึ้นสำหรับแสตมป์บางส่วน

แน่นอนว่าตัวแทนของกลุ่มโรแมนติกอื่นในศตวรรษที่ 19 คือ A.S. Pushkin และ M. Lermontov ตรงกันข้าม กวีเหล่านี้แต่งเติมความโรแมนติกด้วยเนื้อหาของตนเอง ช่วงเวลาที่โรแมนติกในชีวิตของ A. Pushkin สั้นดังนั้นเขาจึงมีงานโรแมนติกน้อย “Prisoner of the Caucasus” (1820-1821) เป็นหนึ่งในบทกวีโรแมนติกยุคแรกสุดของ A.S. พุชกิน ก่อนที่เราจะเป็นงานโรแมนติกรุ่นคลาสสิก ผู้เขียนไม่ได้ให้ภาพของฮีโร่แก่เรา เราไม่รู้ด้วยซ้ำว่าชื่อของเขา และนี่ก็ไม่น่าแปลกใจ - ฮีโร่โรแมนติกทุกคนมีความคล้ายคลึงกัน พวกเขายังเด็ก สวย... และไม่มีความสุข พล็อตของงานยังโรแมนติกคลาสสิก นักโทษชาวรัสเซียกับ Circassians หญิงสาวชาว Circassian ตกหลุมรักเขาและช่วยเขาหลบหนี แต่เขารักคนอื่นอย่างสิ้นหวัง... เรารู้อะไรเกี่ยวกับอดีตของฮีโร่บ้าง?

หนทางอันยาวไกลไปสู่รัสเซีย...

.....................................

ที่เขาโอบอุ้มความทุกข์แสนสาหัส

ที่ซึ่งชีวิตวุ่นวายพังพินาศ

ความหวัง ความสุข และความปรารถนา

เขามาที่บริภาษเพื่อค้นหาอิสรภาพพยายามหลบหนีจากชีวิตในอดีตของเขา และตอนนี้เมื่อความสุขดูเหมือนใกล้เข้ามามาก เขาก็ต้องวิ่งอีกครั้ง แต่ที่ไหน? กลับสู่โลกที่เขา "โอบกอดความทุกข์แสนสาหัส"

ผู้หักหลังของแสง เพื่อนของธรรมชาติ

เขาออกจากดินแดนบ้านเกิดของเขา

และบินไปยังดินแดนอันไกลโพ้น

ด้วยวิญญาณแห่งอิสรภาพที่ร่าเริง

แต่ "ผีแห่งเสรีภาพ" ยังคงเป็นผี เขาจะตามหลอกหลอนพระเอกโรแมนติกตลอดไป อีกบทกวีโรแมนติกคือ "ยิปซี" ในนั้นผู้เขียนไม่ได้ให้ภาพเหมือนของฮีโร่แก่ผู้อ่านอีกครั้งเรารู้เพียงชื่อของเขา - Aleko เขามาที่ค่ายเพื่อพบกับความสุขที่แท้จริงและอิสรภาพที่แท้จริง เพื่อประโยชน์ของเธอ เขาละทิ้งทุกสิ่งที่เคยล้อมรอบเขา เขาเป็นอิสระและมีความสุขหรือไม่? ดูเหมือนว่า Aleko จะรัก แต่ด้วยความรู้สึกนี้มีเพียงความโชคร้ายและการดูถูกเท่านั้นที่มาหาเขา Aleko ผู้ซึ่งโหยหาอิสรภาพเป็นอย่างมากไม่สามารถรับรู้เจตจำนงในบุคคลอื่นได้ ในบทกวีนี้มีการแสดงให้เห็นคุณสมบัติที่โดดเด่นอีกประการหนึ่งของโลกทัศน์ของฮีโร่โรแมนติก - ความเห็นแก่ตัวและความไม่ลงรอยกันอย่างสมบูรณ์กับโลกภายนอก Aleko ไม่ได้รับการลงโทษด้วยความตาย แต่แย่กว่านั้นคือความเหงาและการถกเถียง เขาอยู่คนเดียวในโลกที่เขาจากมา แต่ในอีกโลกหนึ่ง เขาถูกทิ้งให้อยู่ตามลำพังอีกครั้ง

ก่อนที่จะเขียนเรื่อง The Prisoner of the Caucasus พุชกินเคยกล่าวไว้ว่า: "ฉันไม่เหมาะที่จะเป็นวีรบุรุษของบทกวีโรแมนติก"; อย่างไรก็ตาม ในเวลาเดียวกัน ในปี 1820 พุชกินได้เขียนบทกวีของเขาว่า "แสงของวันดับลง ... " ในนั้นคุณจะพบคำศัพท์ทั้งหมดที่มีอยู่ในแนวโรแมนติก นี่คือ "ชายฝั่งที่ห่างไกล" และ "มหาสมุทรที่มืดมน" และ "ความตื่นเต้นและความปรารถนา" ซึ่งทรมานผู้เขียน บทประพันธ์ดำเนินไปตลอดทั้งบทกวี:

คลื่นใต้ฉัน ทะเลที่บอบช้ำ

มันมีอยู่ไม่เพียง แต่ในคำอธิบายของธรรมชาติ แต่ยังอยู่ในคำอธิบายความรู้สึกของฮีโร่ด้วย

...แต่บาดแผลใจเดิม

แผลรักฝังลึกรักษาไม่หาย...

เสียงรบกวน, เสียงรบกวน, ใบเรือที่เชื่อฟัง,

กังวลใต้ฉัน ทะเลมืดมน...

นั่นคือธรรมชาติกลายเป็นตัวละครอีกตัวซึ่งเป็นฮีโร่โคลงสั้น ๆ ของบทกวี ต่อมาในปี พ.ศ. 2367 พุชกินได้เขียนบทกวี "To the Sea" ฮีโร่โรแมนติกในนั้นเช่นเดียวกับใน "แสงของวันออกไป ... " กลายเป็นผู้เขียนอีกครั้ง ที่นี่พุชกินหมายถึงทะเลในฐานะสัญลักษณ์แห่งเสรีภาพแบบดั้งเดิม มีทะเลเป็นองค์ประกอบ ซึ่งหมายถึง ความอิสระและความสุข อย่างไรก็ตาม Pushkin สร้างบทกวีนี้โดยไม่คาดคิด:

คุณรอ คุณโทรมา... ฉันถูกล่ามโซ่

ที่นี่วิญญาณของฉันถูกฉีกขาด:

หลงใหลในเสน่ห์อันแรงกล้า

ฉันอยู่บนชายฝั่ง...

เราสามารถพูดได้ว่าบทกวีนี้ทำให้ช่วงเวลาโรแมนติกในชีวิตของพุชกินสมบูรณ์ เขียนโดยชายคนหนึ่งที่รู้ว่าหลังจากได้รับอิสรภาพที่เรียกว่า "ร่างกาย" แล้วพระเอกโรแมนติกก็ไม่มีความสุข

ในป่าในทะเลทรายเงียบ

ฉันจะโอนเต็มของคุณ

หินของคุณ อ่าวของคุณ...

ในเวลานี้พุชกินได้ข้อสรุปว่าอิสรภาพที่แท้จริงสามารถมีอยู่ในตัวบุคคลเท่านั้นและเท่านั้นที่สามารถทำให้เขามีความสุขอย่างแท้จริง

ความแตกต่างของแนวโรแมนติกของ Byron อาศัยและสัมผัสได้ในงานของเขาเป็นครั้งแรกในวัฒนธรรมรัสเซีย Pushkin จากนั้น Lermontov พุชกินมีพรสวรรค์ในการให้ความสนใจกับผู้คน แต่บทกวีโรแมนติกที่โรแมนติกที่สุดในผลงานของกวีและนักเขียนร้อยแก้วผู้ยิ่งใหญ่ก็คือน้ำพุแห่งบัคจิซาไร

บทกวี "The Fountain of Bakhchisaray" ยังคงเป็นเพียงการค้นหาของพุชกินในรูปแบบของบทกวีโรแมนติกเท่านั้น และแน่นอนว่าการตายของนักเขียนชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ได้ขัดขวางสิ่งนี้

ธีมโรแมนติกในงานของพุชกินได้รับสองตัวเลือกที่แตกต่างกัน: มีฮีโร่โรแมนติกที่กล้าหาญ ("เชลย", "โจร", "ผู้ลี้ภัย") ซึ่งโดดเด่นด้วยเจตจำนงที่แข็งแกร่งซึ่งผ่านการทดสอบความหลงใหลที่รุนแรงและมี ฮีโร่ผู้ทนทุกข์ซึ่งประสบการณ์ทางอารมณ์ที่ลึกซึ้งไม่เข้ากับความโหดร้ายของโลกภายนอก ("ผู้ถูกเนรเทศ", "นักโทษ") จุดเริ่มต้นที่เฉื่อยชาในตัวละครโรแมนติกกลายเป็นหน้ากากผู้หญิงในพุชกิน Fountain of Bakhchisaray พัฒนาแง่มุมนี้ของฮีโร่โรแมนติกอย่างแม่นยำ

ใน "นักโทษแห่งคอเคซัส" ความสนใจทั้งหมดจ่ายให้กับ "นักโทษ" และน้อยมากสำหรับ "Circassian" ในทางตรงกันข้าม - Khan Girey ไม่ได้เป็นอะไรมากไปกว่าร่างที่ไม่น่าทึ่งและตัวละครหลักเป็นผู้หญิง แม้แต่สองคน - Zarema และ Maria วิธีแก้ปัญหาความเป็นคู่ของฮีโร่ที่พบในบทกวีก่อนหน้า (ผ่านภาพของพี่น้องที่ถูกล่ามโซ่) ก็ถูกใช้โดยพุชกินที่นี่เช่นกัน: จุดเริ่มต้นที่ไม่โต้ตอบนั้นปรากฎในหน้าของตัวละครสองตัว - ความหึงหวงความรัก Zarema และความเศร้า สูญเสียความหวังและความรักแมรี่ ทั้งคู่เป็นสองความปรารถนาที่ขัดแย้งกันของธรรมชาติที่โรแมนติก: ความผิดหวัง, ความสิ้นหวัง, ความสิ้นหวังและในเวลาเดียวกันความกระตือรือร้นทางจิตวิญญาณ, ความรุนแรงของความรู้สึก; ความขัดแย้งได้รับการแก้ไขอย่างน่าเศร้าในบทกวี - การตายของ Mary ก็ไม่ได้นำความสุขมาสู่ Zarema เช่นกันเนื่องจากพวกเขาเชื่อมโยงกันด้วยสายสัมพันธ์ลึกลับ ดังนั้นใน The Robber Brothers การตายของพี่น้องคนหนึ่งจึงบดบังชีวิตของอีกคนหนึ่งไปตลอดกาล

อย่างไรก็ตาม B.V. Tomashevsky กล่าวอย่างถูกต้องว่า "การแยกโคลงสั้น ๆ ของบทกวียังกำหนดความขัดสนของเนื้อหา ... ชัยชนะทางศีลธรรมเหนือ Zarema ไม่ได้นำไปสู่ข้อสรุปและการไตร่ตรองเพิ่มเติม ... "Prisoner of the Caucasus" มีความต่อเนื่องที่ชัดเจนใน งานของพุชกิน: ทั้ง Aleko และ Eugene Onegin อนุญาต ... คำถามที่โพสต์ในบทกวีภาคใต้เรื่องแรก “น้ำพุแห่งบัคจิซาราย” ไม่มีความต่อเนื่องเช่นนี้ ... "

พุชกินค้นหาและระบุจุดที่เปราะบางที่สุดในตำแหน่งที่โรแมนติกของบุคคลหนึ่ง: เขาต้องการทุกอย่างเพื่อตัวเขาเองเท่านั้น

บทกวี "Mtsyri" ของ Lermontov ยังไม่ได้สะท้อนถึงลักษณะเฉพาะของแนวโรแมนติกอย่างเต็มที่

มีฮีโร่โรแมนติกสองคนในบทกวีนี้ ดังนั้นหากเป็นบทกวีโรแมนติก มันก็จะแปลกมาก ประการแรก ฮีโร่คนที่สองถ่ายทอดโดยผู้แต่งผ่านคำบรรยาย ประการที่สองผู้เขียนไม่ได้เชื่อมโยงกับ Mtsyri ฮีโร่แก้ปัญหาความเอาแต่ใจในแบบของเขาเองและ Lermontov ตลอดทั้งบทกวีคิดเพียงเกี่ยวกับการแก้ปัญหานี้ เขาไม่ได้ตัดสินฮีโร่ของเขา แต่เขาไม่ได้พิสูจน์ว่าเป็นเช่นนั้น แต่เขามีจุดยืนที่แน่นอน - ความเข้าใจ ปรากฎว่าแนวโรแมนติกในวัฒนธรรมรัสเซียกลายเป็นภาพสะท้อน มันกลายเป็นแนวโรแมนติกในแง่ของความสมจริง

อาจกล่าวได้ว่า Pushkin และ Lermontov ไม่สามารถกลายเป็นคู่รักได้ (แม้ว่า Lermontov จะปฏิบัติตามกฎหมายโรแมนติกได้ในละครเรื่อง 'Masquerade') จากการทดลองของพวกเขา เหล่ากวีได้แสดงให้เห็นว่าในอังกฤษ ตำแหน่งของนักปัจเจกนิยมอาจเป็นประโยชน์ แต่ไม่ใช่ในรัสเซีย แม้ว่า Pushkin และ Lermontov จะล้มเหลวในการเป็นคนโรแมนติก แต่พวกเขาก็ปูทางไปสู่การพัฒนาความสมจริง ในปีพ. ศ. 2368 ผลงานที่เหมือนจริงชิ้นแรกได้รับการตีพิมพ์: "Boris Godunov" จากนั้น "ลูกสาวของกัปตัน", "Eugene Onegin", "A Hero of Our Time" และอื่น ๆ อีกมากมาย

ข) จิตรกรรม

ในทัศนศิลป์ แนวจินตนิยมแสดงออกมาชัดเจนที่สุดในงานจิตรกรรมและกราฟิก ไม่ค่อยแสดงออกในประติมากรรมและสถาปัตยกรรม จิตรกรโรแมนติกชาวรัสเซียเป็นตัวแทนที่โดดเด่นของแนวโรแมนติกในทัศนศิลป์ ในผืนผ้าใบของพวกเขาพวกเขาแสดงจิตวิญญาณแห่งความรักในอิสรภาพการกระทำที่กระตือรือร้นดึงดูดการแสดงออกของมนุษยนิยมอย่างหลงใหลและเจ้าอารมณ์ ผืนผ้าใบประจำวันของจิตรกรชาวรัสเซียมีความโดดเด่นในด้านความเกี่ยวข้องและจิตวิทยา การแสดงออกที่ไม่เคยมีมาก่อน ทิวทัศน์ที่เศร้าโศกและเต็มไปด้วยจิตวิญญาณเป็นความพยายามแบบเดียวกันของคู่รักที่จะเจาะเข้าไปในโลกมนุษย์ เพื่อแสดงให้เห็นว่าคนๆ หนึ่งใช้ชีวิตและฝันอย่างไรในโลกใต้แสงจันทร์ ภาพวาดโรแมนติกของรัสเซียแตกต่างจากต่างประเทศ สิ่งนี้ถูกกำหนดโดยสถานการณ์ทางประวัติศาสตร์และประเพณี

คุณสมบัติของภาพวาดโรแมนติกของรัสเซีย:

ลัทธิตรัสรู้อ่อนกำลังลงแต่ไม่ล่มสลายเหมือนในยุโรป ดังนั้นจึงไม่เด่นชัดเรื่องแนวโรแมนติก

แนวโรแมนติกพัฒนาควบคู่ไปกับแนวคลาสสิกซึ่งมักจะเกี่ยวพันกับมัน

การวาดภาพทางวิชาการในรัสเซียยังไม่หมดไป

แนวโรแมนติกในรัสเซียไม่ใช่ปรากฏการณ์ที่มั่นคง ในช่วงกลางศตวรรษที่สิบเก้า ประเพณีโรแมนติกเกือบหมดไป

งานที่เกี่ยวข้องกับแนวโรแมนติกเริ่มปรากฏในรัสเซียแล้วในปี 1790 (ผลงานของ Feodosy Yanenko "นักเดินทางที่ติดอยู่ในพายุ" (1796), "ภาพเหมือนตนเองในหมวกนิรภัย" (1792) ต้นแบบนั้นชัดเจนในตัวพวกเขา - Salvator Rosa ซึ่งเป็นที่นิยมอย่างมากในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18 และ 19 ต่อมาอิทธิพลของศิลปินแนวโปรโตโรแมนติกนี้จะเห็นได้ชัดเจนในผลงานของ Alexander Orlovsky โจร ฉากแคมป์ไฟ การต่อสู้มาพร้อมกับอาชีพทั้งหมดของเขา เช่นเดียวกับในประเทศอื่น ๆ ศิลปินที่อยู่ในแนวโรแมนติกของรัสเซียได้นำเสนอภาพบุคคล ทิวทัศน์ และฉากประเภทต่างๆ ด้วยอารมณ์ทางอารมณ์แบบใหม่ที่สมบูรณ์แบบ

ในรัสเซีย แนวโรแมนติกเริ่มปรากฏให้เห็นเป็นครั้งแรกใน การวาดภาพเหมือน. ในช่วงสามแรกของศตวรรษที่ 19 ส่วนใหญ่เธอขาดการติดต่อกับขุนนางระดับสูง สถานที่สำคัญเริ่มถูกครอบครองโดยภาพของกวี, ศิลปิน, ผู้อุปถัมภ์ศิลปะ, ภาพลักษณ์ของชาวนาธรรมดา แนวโน้มนี้เด่นชัดเป็นพิเศษในงานของ O.A. Kiprensky (1782 - 1836) และ V.A. โทรปินิน (พ.ศ. 2319 - 2400)

Vasily Andreevich Tropinin พยายามที่จะแสดงลักษณะที่มีชีวิตชีวาและผ่อนคลายของบุคคลซึ่งแสดงออกผ่านภาพเหมือนของเขา ภาพเหมือนของลูกชาย (1818), "Portrait of A.S. Pushkin" (1827), "Self-portrait" (1846) ไม่ทำให้ประหลาดใจด้วยภาพที่คล้ายคลึงกับต้นฉบับ แต่มีการเจาะเข้าไปในโลกภายในของบุคคลอย่างลึกซึ้งผิดปกติ

ภาพเหมือนของลูกชาย- Arsenia Tropinina เป็นหนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของอาจารย์ สีทองที่นุ่มนวลสวยงามชวนให้นึกถึงภาพวาดวาเลอรีในศตวรรษที่ 18 อย่างไรก็ตามเมื่อเทียบกับภาพเด็กทั่วไปในแนวโรแมนติกของศตวรรษที่ 18 การออกแบบที่เป็นกลางนั้นโดดเด่น - เด็กคนนี้โพสท่าในระดับที่น้อยมาก Arseny จ้องมองผ่านผู้ชม เขาแต่งตัวสบายๆ ประตูราวกับถูกเปิดโดยไม่ได้ตั้งใจ การขาดความเป็นตัวแทนอยู่ในองค์ประกอบที่กระจัดกระจายเป็นพิเศษ: ศีรษะจะเต็มพื้นผิวเกือบทั้งหมดของผืนผ้าใบ ภาพถูกตัดออกไปจนถึงกระดูกไหปลาร้า ดังนั้นใบหน้าของเด็กชายจึงเคลื่อนเข้าหาผู้ชมโดยอัตโนมัติ

ประวัติการสร้างที่น่าสนใจเป็นพิเศษ "ภาพเหมือนของพุชกิน".ตามปกติสำหรับการทำความรู้จักครั้งแรกกับพุชกิน Tropinin มาที่บ้านของ Sobolevsky ที่สนามเด็กเล่นซึ่งกวีอาศัยอยู่ ศิลปินพบเขาในที่ทำงานของเขาเล่นซอกับลูกสุนัข ในเวลาเดียวกันเห็นได้ชัดว่ามันถูกเขียนขึ้นตามความประทับใจแรกซึ่ง Tropinin ชื่นชมการศึกษาขนาดเล็ก เป็นเวลานานที่เขาไม่อยู่ในสายตาของผู้ไล่ตาม เพียงหนึ่งร้อยปีต่อมา ในปี 1914 มันถูกตีพิมพ์โดย P.M. Shchekotov ผู้เขียนภาพบุคคลทั้งหมดของ Alexander Sergeevich เขา "สื่อถึงคุณลักษณะของเขามากที่สุด ... ดวงตาสีฟ้าของกวีเต็มไปด้วยความเฉลียวฉลาดเป็นพิเศษที่นี่การหันศีรษะนั้นรวดเร็วและใบหน้าที่แสดงออกและเคลื่อนที่ได้ . ไม่ต้องสงสัยเลยว่านี่คือคุณสมบัติที่แท้จริงของใบหน้าของพุชกินซึ่งเราพบกันเป็นรายบุคคลในภาพบุคคลที่ลงมาหาเรา มันยังคงงุนงงอยู่” เชโคตอฟกล่าวเสริม “เหตุใดภาพร่างที่มีเสน่ห์นี้จึงไม่ได้รับความสนใจจากผู้จัดพิมพ์และผู้ที่ชื่นชอบกวี” สิ่งนี้อธิบายได้จากคุณสมบัติของภาพร่างขนาดเล็ก: ไม่มีทั้งความแวววาวของสีหรือความงามของพู่กันหรือ "วงเวียน" ที่เขียนอย่างเชี่ยวชาญ และพุชกินไม่ใช่ "vitia" ที่เป็นที่นิยมไม่ใช่ "อัจฉริยะ" แต่เหนือสิ่งอื่นใดคือผู้ชาย และยากที่จะวิเคราะห์ว่าเหตุใดเนื้อหาของมนุษย์ที่ยอดเยี่ยมเช่นนี้จึงบรรจุอยู่ในสเกลสีเทาอมเขียวสีเขียวมะกอกแบบสีเดียวในเวลาเร่งรีบ ราวกับว่าสุ่มจับพู่กันของหนังสืออีทูดี้ที่ดูเกือบจะไม่มีคำบรรยาย ความทรงจำตลอดชีวิตและภาพบุคคลของพุชกินที่ตามมาการศึกษานี้ในแง่ของความแข็งแกร่งของมนุษยชาติสามารถวางไว้ถัดจากร่างของพุชกินซึ่งแกะสลักโดยประติมากรโซเวียต A. Matveev แต่นี่ไม่ใช่งานที่ Tropinin กำหนดขึ้นเอง แต่ไม่ใช่แบบของ Pushkin ที่เพื่อนของเขาต้องการเห็นแม้ว่าเขาจะสั่งให้แสดงภาพกวีในรูปแบบที่เรียบง่ายและเรียบง่ายก็ตาม

ในการประเมินของศิลปิน พุชกินคือ "ซาร์-กวี" แต่เขายังเป็นกวีพื้นบ้านเขาเป็นตัวของตัวเองและใกล้ชิดกับทุกคน "ความคล้ายคลึงของภาพบุคคลกับต้นฉบับนั้นน่าทึ่ง" โพเลวอยเขียนไว้ท้ายภาพ แม้ว่าเขาจะสังเกตว่าขาด "ความรวดเร็วในการมองเห็น" และ "สีหน้าที่มีชีวิตชีวา" ซึ่งเปลี่ยนและชุบชีวิตพุชกินด้วยความประทับใจใหม่ทุกครั้ง .

ในภาพบุคคลทุกอย่างได้รับการคิดและตรวจสอบในรายละเอียดที่เล็กที่สุดและในขณะเดียวกันก็ไม่มีอะไรที่จงใจหรือไม่มีการแนะนำโดยศิลปิน แม้แต่แหวนที่ประดับนิ้วมือของกวีก็ยังเน้นให้เห็นถึงขนาดที่พุชกินให้ความสำคัญกับพวกเขาในชีวิต ในบรรดาการเปิดเผยที่งดงามของ Tropinin ภาพเหมือนของพุชกินกระทบกับความดังของช่วง

แนวโรแมนติกของ Tropinin ได้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนว่ามีต้นกำเนิดมาจากอารมณ์อ่อนไหว Tropinin เป็นผู้ก่อตั้งประเภทภาพเหมือนของผู้ชายในอุดมคติ (“ The Lacemaker” (1823)) "ทั้งนักเลงและไม่ใช่นักเลง" Svinin เขียนเกี่ยวกับ "ช่างทำลูกไม้" --ชื่นชมเมื่อดูภาพนี้ซึ่งเชื่อมโยงความงามทั้งหมดของศิลปะภาพอย่างแท้จริง: ความรื่นรมย์ของพู่กัน ด้านขวา การจัดแสงที่มีความสุข สีที่ชัดเจน เป็นธรรมชาติ ยิ่งกว่านั้น ภาพนี้เผยให้เห็นจิตวิญญาณของความงาม และนั่น ความอยากรู้อยากเห็นที่เธอขว้างใส่คนที่เข้ามาในขณะนั้น แขนของเธอแยกเขี้ยวที่ข้อศอกหยุดด้วยการจ้องมองของเธอ งานหยุดลง ถอนหายใจออกมาจากหน้าอกบริสุทธิ์ที่คลุมด้วยผ้าพันคอมัสลิน - และทั้งหมดนี้แสดงให้เห็นด้วยความจริงและความเรียบง่ายที่ภาพนี้สามารถเข้าใจผิดได้ง่ายมาก เพื่อการงานสำเร็จดังฝันอันรุ่งโรจน์ ของรองเช่นหมอนลูกไม้และผ้าขนหนูถูกจัดวางอย่างมีศิลปะและทำงานออกมาด้วยความประณีต ... ”

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ตเวียร์เป็นศูนย์กลางทางวัฒนธรรมที่สำคัญของรัสเซีย บุคคลที่มีชื่อเสียงของมอสโกทุกคนมาที่นี่เพื่อร่วมงานวรรณกรรมในตอนเย็น ที่นี่ Orest Kiprensky รุ่นเยาว์ได้พบกับ A.S. Pushkin ซึ่งภาพวาดซึ่งต่อมาได้กลายมาเป็นไข่มุกแห่งศิลปะภาพเหมือนโลก และ A.S. Pushkin จะอุทิศบทกวีให้กับเขา ซึ่งเขาจะเรียกเขาว่า ภาพเหมือนของพุชกินพู่กันของ O. Kiprensky เป็นตัวตนที่มีชีวิตของอัจฉริยะกวี ในการหันศีรษะอย่างเด็ดเดี่ยว ในอ้อมแขนที่ไขว้กันอย่างแรงบนหน้าอก รูปลักษณ์ทั้งหมดของกวีเผยให้เห็นถึงความรู้สึกอิสระและเสรีภาพ พุชกินพูดถึงเขา: "ฉันเห็นตัวเองในกระจก แต่กระจกบานนี้ทำให้ฉันประจบประแจง" ในงานภาพเหมือนของพุชกิน Tropinin และ Kiprensky พบกันเป็นครั้งสุดท้าย แม้ว่าการประชุมครั้งนี้จะไม่ได้เกิดขึ้นเป็นการส่วนตัว แต่หลายปีต่อมาในประวัติศาสตร์ศิลปะซึ่งตามกฎแล้วภาพเหมือนของกวีรัสเซียที่ยิ่งใหญ่ที่สุดสองคน มีการเปรียบเทียบสร้างขึ้นพร้อมกัน แต่ในสถานที่ต่างกัน - หนึ่งในมอสโกว อีกแห่งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ตอนนี้เป็นการประชุมของปรมาจารย์ที่มีความสำคัญต่อศิลปะรัสเซียไม่แพ้กัน แม้ว่าผู้ชื่นชม Kiprensky จะอ้างว่าข้อได้เปรียบทางศิลปะอยู่ที่ด้านข้างของภาพโรแมนติกของเขาซึ่งกวีถูกนำเสนอโดยจมอยู่ในความคิดของเขาเองคนเดียวกับรำพึง แต่สัญชาติและประชาธิปไตยของภาพนั้นอยู่ด้านข้างของ Pushkin ของ Tropininsky

ดังนั้น ภาพบุคคลทั้งสองจึงสะท้อนถึงศิลปะรัสเซียสองด้าน ซึ่งกระจุกตัวอยู่ในเมืองหลวงสองแห่ง และนักวิจารณ์ในภายหลังจะเขียนว่า Tropinin สำหรับมอสโกวซึ่ง Kiprensky สำหรับเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

คุณสมบัติที่โดดเด่นของการถ่ายภาพบุคคลของ Kiprensky คือพวกเขาแสดงให้เห็นถึงเสน่ห์ทางจิตวิญญาณและความสูงส่งภายในของบุคคล ภาพเหมือนของฮีโร่ผู้กล้าหาญและมีความรู้สึกแข็งแกร่งควรจะรวบรวมสิ่งที่น่าสมเพชของอารมณ์ที่รักอิสระและรักชาติของคนรัสเซียขั้นสูง

ข้างหน้า "ภาพเหมือนของ E.V. Davydov"(พ.ศ. 2352) แสดงให้เห็นร่างของเจ้าหน้าที่ซึ่งแสดงออกโดยตรงถึงการแสดงออกของลัทธิที่มีบุคลิกที่แข็งแกร่งและกล้าหาญซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับแนวโรแมนติกในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ภูมิทัศน์ที่แสดงเป็นส่วนๆ ซึ่งลำแสงต่อสู้กับความมืด บ่งบอกถึงความวิตกกังวลทางจิตวิญญาณของฮีโร่ แต่บนใบหน้าของเขามีภาพสะท้อนของความอ่อนไหวเหมือนฝัน Kiprensky กำลังมองหา "มนุษย์" ในบุคคลและอุดมคติไม่ได้บดบังลักษณะส่วนบุคคลของตัวละครของนางแบบจากเขา

ภาพบุคคลของ Kiprensky หากคุณมองด้วยสายตาของจิตใจ แสดงให้เห็นถึงความมั่งคั่งทางจิตวิญญาณและธรรมชาติของบุคคล ความแข็งแกร่งทางปัญญาของเขา ใช่เขามีบุคลิกที่กลมกลืนในอุดมคติตามที่คนรุ่นราวคราวเดียวกันพูดถึง แต่ Kiprensky ไม่ได้พยายามที่จะฉายอุดมคตินี้อย่างแท้จริงบนภาพศิลปะ ในการสร้างภาพศิลปะ เขาก้าวไปจากธรรมชาติ ราวกับวัดว่าภาพนั้นไกลหรือใกล้เพียงใดกับอุดมคติดังกล่าว ในความเป็นจริงหลายภาพที่เขาวาดนั้นอยู่ในช่วงก่อนของอุดมคติซึ่งมุ่งไปสู่มันในขณะที่อุดมคติตามแนวคิดของสุนทรียศาสตร์โรแมนติกนั้นแทบจะไม่สามารถบรรลุได้และศิลปะโรแมนติกทั้งหมดเป็นเพียงเส้นทางสู่มัน

เมื่อสังเกตเห็นความขัดแย้งในจิตวิญญาณของวีรบุรุษ แสดงให้พวกเขาเห็นในช่วงเวลาที่วิตกกังวลของชีวิต เมื่อโชคชะตาเปลี่ยน ความคิดเก่าพังทลาย เยาวชนจากไป ฯลฯ ดูเหมือนว่า Kiprensky จะประสบกับแบบจำลองของเขา ดังนั้นการมีส่วนร่วมเป็นพิเศษของจิตรกรภาพบุคคลในการตีความภาพศิลปะ ซึ่งทำให้ภาพบุคคลมีสัมผัสที่ใกล้ชิด

ในช่วงแรกของความคิดสร้างสรรค์ใน Kiprensky คุณจะไม่เห็นใบหน้าที่ติดเชื้อด้วยความสงสัย การวิเคราะห์ที่กัดกร่อนจิตวิญญาณ สิ่งนี้จะเกิดขึ้นในภายหลังเมื่อช่วงเวลาโรแมนติกยังคงอยู่ในฤดูใบไม้ร่วง หลีกทางให้กับอารมณ์และความรู้สึกอื่น ๆ เมื่อความหวังสำหรับชัยชนะในอุดมคติของบุคลิกภาพที่กลมกลืนกันพังทลายลง ในภาพบุคคลทั้งหมดของปี 1800 และภาพบุคคลในตเวียร์ Kiprensky แสดงฝีแปรงตัวหนา สร้างแบบฟอร์มได้อย่างง่ายดายและอิสระ ความซับซ้อนของเทคนิค ลักษณะของร่างเปลี่ยนไปจากงานสู่งาน

เป็นที่น่าสังเกตว่าคุณจะไม่เห็นความอิ่มเอมใจอย่างกล้าหาญบนใบหน้าของฮีโร่ของเขา ในทางกลับกัน ใบหน้าส่วนใหญ่ค่อนข้างเศร้า พวกเขาหมกมุ่นอยู่กับการไตร่ตรอง ดูเหมือนว่าคนเหล่านี้กังวลเกี่ยวกับชะตากรรมของรัสเซีย พวกเขาคิดถึงอนาคตมากกว่าปัจจุบัน ในภาพผู้หญิงที่เป็นตัวแทนของภรรยาน้องสาวของผู้เข้าร่วมในเหตุการณ์สำคัญ Kiprensky ก็ไม่ได้พยายามแสดงความดีใจอย่างกล้าหาญโดยเจตนา ความรู้สึกสบายความเป็นธรรมชาติมีชัยเหนือ ในเวลาเดียวกันในภาพวาดทั้งหมดมีจิตวิญญาณอันสูงส่งอย่างแท้จริง ภาพลักษณ์ของผู้หญิงดึงดูดด้วยความสง่างาม ความสมบูรณ์ของธรรมชาติ ในใบหน้าของผู้ชายสามารถเดาความคิดที่อยากรู้อยากเห็นความพร้อมสำหรับการบำเพ็ญตบะ ภาพเหล่านี้สอดคล้องกับความคิดทางจริยธรรมและสุนทรียศาสตร์ที่สุกงอมของ Decembrists จากนั้นหลายคนก็แบ่งปันความคิดและแรงบันดาลใจของพวกเขา (การสร้างสมาคมลับที่มีโครงการทางสังคมและการเมืองบางอย่างเกิดขึ้นในช่วงปี พ.ศ. 2359-2364) ศิลปินรู้เกี่ยวกับพวกเขาดังนั้นเราจึงสามารถพูดได้ว่าภาพเหมือนของผู้เข้าร่วมในเหตุการณ์ต่างๆ พ.ศ. 2355-2357 ภาพของชาวนา สร้างขึ้นในปีเดียวกัน - เป็นศิลปะประเภทหนึ่งที่ขนานกับแนวคิดที่เกิดขึ้นใหม่ของลัทธิหลอกลวง

ตราประทับที่สดใสของอุดมคติที่โรแมนติกถูกทำเครื่องหมายไว้ "ภาพเหมือนของ V.A. Zhukovsky"(พ.ศ. 2359). ศิลปินสร้างภาพเหมือนที่ได้รับมอบหมายจาก S.S. Uvarov ตัดสินใจที่จะแสดงให้ร่วมสมัยของเขาไม่เพียง แต่ภาพลักษณ์ของกวีซึ่งเป็นที่รู้จักกันดีในแวดวงวรรณกรรมเท่านั้น แต่ยังแสดงให้เห็นถึงความเข้าใจในบุคลิกภาพของกวีโรแมนติกอีกด้วย ก่อนหน้าเราเป็นกวีประเภทหนึ่งที่แสดงถึงแนวปรัชญาและความฝันของแนวโรแมนติกของรัสเซีย Kiprensky แนะนำ Zhukovsky ในช่วงเวลาแห่งแรงบันดาลใจที่สร้างสรรค์ ลมทำให้ผมของนักกวียุ่งเหยิง ต้นไม้แตกกิ่งก้านสาขาอย่างรบกวนในตอนกลางคืน ซากปรักหักพังของอาคารโบราณแทบจะมองไม่เห็น นี่คือลักษณะของผู้สร้างเพลงบัลลาดโรแมนติก สีเข้มทำให้บรรยากาศลึกลับแย่ลง ตามคำแนะนำของ Uvarov Kiprensky ไม่ได้วาดภาพแต่ละส่วนของภาพบุคคลให้เสร็จ ดังนั้น "ความสมบูรณ์ที่มากเกินไป" จะไม่ดับวิญญาณอารมณ์และอารมณ์

ภาพบุคคลหลายภาพวาดโดย Kiprensky ในตเวียร์ ยิ่งไปกว่านั้น เมื่อเขาวาดภาพ Ivan Petrovich Vulf เจ้าของที่ดินจากตเวียร์ เขามองดูหญิงสาวที่ยืนอยู่ตรงหน้าเขาด้วยอารมณ์ความรู้สึก หลานสาวของเขา Anna Petrovna Kern ในอนาคต ผู้ซึ่งหนึ่งในผลงานโคลงสั้น ๆ ที่ไพเราะที่สุดที่อุทิศให้กับ A.S. Pushkin's บทกวี "ฉันจำช่วงเวลาที่ยอดเยี่ยม ... สมาคมกวีศิลปินนักดนตรีดังกล่าวกลายเป็นการรวมตัวกันของศิลปะแนวใหม่ - แนวโรแมนติก

“Young Gardener” (1817) โดย Kiprensky, “Italian Noon” (1827) โดย Bryullov, “Reapers” หรือ “Reaper” (1820s) โดย Venetsianov เป็นผลงานประเภทเดียวกัน พวกเขาเน้นที่ธรรมชาติและเขียนอย่างชัดเจนโดยใช้ อย่างไรก็ตามงานของศิลปินแต่ละคน - เพื่อรวบรวมความสมบูรณ์แบบทางสุนทรียะของธรรมชาติที่เรียบง่าย - นำไปสู่การสร้างรูปลักษณ์เสื้อผ้าสถานการณ์ในอุดมคติเพื่อสร้างอุปมาอุปไมย การสังเกตชีวิตธรรมชาติศิลปินคิดใหม่ , บทกวีที่มองเห็นได้ ในการผสมผสานคุณภาพแบบใหม่ของธรรมชาติและจินตนาการกับประสบการณ์ของปรมาจารย์สมัยโบราณและยุคเรอเนสซองส์ ทำให้เกิดภาพที่ไม่รู้จักในศิลปะมาก่อน และเป็นหนึ่งในคุณลักษณะของแนวโรแมนติกในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ลักษณะเชิงเปรียบเทียบซึ่งเป็นลักษณะทั่วไปของผลงานเหล่านี้โดย Venetsianov และ Bryullov เป็นหนึ่งในคุณสมบัติที่สำคัญที่สุดของโรแมนติกเมื่อศิลปินรัสเซียยังไม่คุ้นเคยกับภาพโรแมนติกของยุโรปตะวันตก "ภาพเหมือนของพ่อ (A. K. Schwalbe)"(1804) เขียนโดย Orest Kiprensky สำหรับงานศิลปะและประเภทภาพบุคคลโดยเฉพาะ

ความสำเร็จที่สำคัญที่สุดของแนวโรแมนติกของรัสเซียคือผลงานในแนวภาพ ตัวอย่างที่สว่างที่สุดและดีที่สุดของลัทธิโรแมนติกมาจากช่วงต้น นานก่อนที่เขาจะเดินทางไปอิตาลีในปี พ.ศ. 2359 Kiprensky ซึ่งพร้อมสำหรับการเกิดใหม่ที่แสนโรแมนติกได้เห็นภาพวาดของปรมาจารย์เก่าด้วยสายตาใหม่ สีเข้ม, ร่างที่ถูกเน้นด้วยแสง, สีที่ลุกไหม้, การแสดงละครที่เข้มข้นมีผลกระทบอย่างมากต่อเขา "Portrait of a Father" ถูกสร้างขึ้นภายใต้ความประทับใจของ Rembrandt อย่างไม่ต้องสงสัย แต่ศิลปินชาวรัสเซียใช้เทคนิคภายนอกจากชาวดัตช์ผู้ยิ่งใหญ่เท่านั้น "Portrait of a Father" เป็นงานอิสระอย่างแท้จริง มีพลังภายในและพลังในการแสดงออกทางศิลปะ คุณลักษณะที่โดดเด่นของภาพบุคคลในแนวนอนคือการแสดงที่มีชีวิตชีวา ที่นี่ไม่มีความงดงาม - การถ่ายโอนสิ่งที่เขาเห็นไปยังกระดาษในทันทีทำให้เกิดความสดใหม่ของการแสดงออกทางกราฟิกที่ไม่เหมือนใคร ดังนั้นผู้คนที่ปรากฎในภาพวาดจึงใกล้ชิดและเข้าใจได้สำหรับเรา

ชาวต่างชาติเรียก Kiprensky ว่า Russian Van Dyck ภาพเหมือนของเขาอยู่ในพิพิธภัณฑ์หลายแห่งทั่วโลก ผู้สืบทอดผลงานของ Levitsky และ Borovikovsky ซึ่งเป็นบรรพบุรุษของ L. Ivanov และ K. Bryullov Kiprensky ทำให้โรงเรียนศิลปะรัสเซียมีชื่อเสียงในยุโรปด้วยผลงานของเขา ในคำพูดของ Alexander Ivanov "เขาเป็นคนแรกที่นำชื่อรัสเซียมาสู่ยุโรป ... "

ความสนใจที่เพิ่มขึ้นในบุคลิกภาพของบุคคลลักษณะเฉพาะของแนวโรแมนติกได้กำหนดลักษณะการออกดอกของแนวภาพบุคคลในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ซึ่งภาพเหมือนตนเองกลายเป็นจุดเด่น ตามกฎแล้ว การสร้างภาพตัวเองไม่ใช่ตอนแบบสุ่ม ศิลปินเขียนและวาดเองซ้ำแล้วซ้ำเล่า และผลงานเหล่านี้กลายเป็นไดอารี่ที่สะท้อนสภาวะจิตใจและช่วงชีวิตต่างๆ และในขณะเดียวกันก็เป็นแถลงการณ์ที่ส่งถึงคนรุ่นราวคราวเดียวกัน ภาพเหมือนไม่ใช่ประเภทที่กำหนดเองศิลปินเขียนขึ้นเองและที่นี่ไม่เคยมีมาก่อนเขามีอิสระในการแสดงออก ในศตวรรษที่ 18 ศิลปินชาวรัสเซียแทบไม่ได้วาดภาพต้นฉบับเลย มีเพียงแนวโรแมนติกเท่านั้นที่มีลัทธิเฉพาะตัวซึ่งมีส่วนทำให้แนวนี้เพิ่มขึ้น ประเภทภาพเหมือนตนเองที่หลากหลายสะท้อนถึงการรับรู้ของศิลปินที่มีต่อตนเองว่าเป็นบุคคลที่มีบุคลิกที่หลากหลายและหลากหลาย พวกเขาปรากฏตัวในบทบาทปกติและเป็นธรรมชาติของผู้สร้าง (“ ภาพเหมือนตนเองในหมวกเบเร่ต์กำมะหยี่” โดย A. G. Varnek, 1810) จากนั้นพวกเขาก็ดำดิ่งสู่อดีตราวกับว่าลองด้วยตัวเอง (“ ภาพเหมือนตนเองในหมวกนิรภัย และชุดเกราะ” โดย F. I. Yanenko, 1792) หรือส่วนใหญ่มักปรากฏโดยไม่มีคุณลักษณะทางวิชาชีพใด ๆ ยืนยันความสำคัญและคุณค่าในตนเองของแต่ละคน มีอิสรเสรีและเปิดกว้างต่อโลก แสวงหาและเร่งรีบ เช่น F. A. Bruni และ O. A. Orlovsky ในการถ่ายภาพตัวเองในช่วงปี 1810 ความพร้อมในการเจรจาและการเปิดกว้างซึ่งเป็นลักษณะของการแก้ปัญหาโดยเป็นรูปเป็นร่างของงานในช่วงทศวรรษที่ 1810-1820 ค่อยๆ ถูกแทนที่ด้วยความเหนื่อยล้าและความผิดหวัง การหมกมุ่น การถอนตัวออกจากตัวเอง ("ภาพเหมือนตนเอง" โดย M. I. Terebenev) แนวโน้มนี้สะท้อนให้เห็นในการพัฒนาประเภทภาพบุคคลโดยรวม

ภาพเหมือนตนเองของ Kiprensky ปรากฏขึ้นซึ่งเป็นสิ่งที่ควรค่าแก่การสังเกตในช่วงเวลาสำคัญของชีวิตพวกเขาเป็นพยานถึงความแข็งแกร่งทางจิตใจที่เพิ่มขึ้นหรือลดลง ศิลปินมองดูตัวเองผ่านงานศิลปะของเขา อย่างไรก็ตามเขาไม่ได้ใช้กระจกเหมือนจิตรกรส่วนใหญ่ เขาวาดภาพตัวเองตามความคิดของเขาเป็นหลัก เขาต้องการแสดงจิตวิญญาณของเขา แต่ไม่ใช่รูปร่างหน้าตาของเขา

“ภาพตัวเองกับแปรงหลังใบหู”สร้างขึ้นจากการปฏิเสธและเป็นการแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในการเชิดชูภาพลักษณ์ภายนอก บรรทัดฐานแบบคลาสสิกและโครงสร้างในอุดมคติ โดยทั่วไปแล้วจะมีการระบุลักษณะใบหน้าโดยประมาณ แสงด้านข้างตกกระทบกับใบหน้า เน้นเฉพาะส่วนด้านข้างเท่านั้น การสะท้อนของแสงที่แยกจากกันตกบนร่างของศิลปิน ดับบนผ้าม่านที่แทบมองไม่เห็น ซึ่งเป็นตัวแทนของพื้นหลังของภาพบุคคล ทุกสิ่งที่นี่อยู่ภายใต้การแสดงออกของชีวิตความรู้สึกอารมณ์ นี่คือการมองศิลปะโรแมนติกผ่านศิลปะการถ่ายภาพตัวเอง การมีส่วนร่วมของศิลปินในความลับของความคิดสร้างสรรค์นั้นแสดงออกใน "sfumato of the 19th century" โรแมนติกลึกลับ โทนสีเขียวที่แปลกประหลาดสร้างบรรยากาศพิเศษของโลกศิลปะซึ่งเป็นศูนย์กลางของศิลปินเอง

เกือบจะพร้อมกันกับภาพเหมือนตนเองนี้และเขียน “ภาพตัวเองในผ้าพันคอสีชมพู”ที่ซึ่งมีภาพอื่นเป็นตัวเป็นตน โดยไม่มีข้อบ่งชี้โดยตรงถึงอาชีพของจิตรกร ภาพลักษณ์ของชายหนุ่มถูกสร้างขึ้นมาใหม่ รู้สึกสบายใจ เป็นธรรมชาติ และเป็นอิสระ พื้นผิวของภาพบนผืนผ้าใบถูกสร้างขึ้นอย่างประณีต พู่กันของศิลปินใช้สีอย่างมั่นใจ ออกจากจังหวะใหญ่และเล็ก สีได้รับการพัฒนาอย่างยอดเยี่ยม สีไม่สว่าง พวกเขารวมเข้าด้วยกันอย่างกลมกลืน แสงสงบ: แสงค่อยๆ ส่องลงบนใบหน้าของชายหนุ่ม สรุปลักษณะของเขาโดยไม่มีการแสดงออกและการเสียรูปโดยไม่จำเป็น

จิตรกรที่โดดเด่นอีกคนหนึ่งคือ Venetsianov ในปี 1811 เขาได้รับตำแหน่งนักวิชาการจาก Academy ซึ่งได้รับการแต่งตั้งให้เป็น "ภาพเหมือนตนเอง" และ "ภาพเหมือนของ K.I. Golovachevsky กับลูกศิษย์สามคนของ Academy of Arts" นี่เป็นผลงานที่ไม่ธรรมดา

Venetsianov ประกาศตัวเองว่าเป็นผู้เชี่ยวชาญอย่างแท้จริงใน "ภาพเหมือน" 1811. มันถูกเขียนแตกต่างจากศิลปินคนอื่น ๆ ที่วาดตัวเองในเวลานั้น - A. Orlovsky, O. Kiprensky, E. Varnek และแม้แต่ข้ารับใช้ V. Tropinin เป็นเรื่องปกติที่พวกเขาทุกคนจะจินตนาการว่าตัวเองอยู่ในรัศมีแห่งความโรแมนติก ภาพเหมือนตนเองของพวกเขาเป็นการเผชิญหน้าเชิงกวีที่เกี่ยวข้องกับสิ่งแวดล้อม ความพิเศษของธรรมชาติทางศิลปะนั้นแสดงออกมาในท่วงท่า ท่าทาง ในความพิเศษของเครื่องแต่งกายที่คิดขึ้นเป็นพิเศษ ใน "ภาพเหมือนตนเอง" โดย Venetsianov นักวิจัยสังเกตว่าประการแรกคือการแสดงออกที่เข้มงวดและเข้มข้นของคนที่วุ่นวาย ... ประสิทธิภาพที่ถูกต้องซึ่งแตกต่างจาก เปลี่ยนหมวกของศิลปินคนอื่นๆ Venitsianov มองตัวเองอย่างมีสติ ศิลปะสำหรับเขาไม่ใช่แรงกระตุ้นที่ได้รับแรงบันดาลใจ แต่เหนือสิ่งอื่นใดคือเรื่องที่ต้องใช้สมาธิและความสนใจ ขนาดเล็ก เกือบจะเป็นสีเดียวโดยใช้สีโทนมะกอก เขียนได้แม่นยำมาก เรียบง่ายและซับซ้อนในเวลาเดียวกัน ไม่ดึงดูดด้วยด้านนอกของภาพวาด เขาหยุดด้วยการจ้องมองของเขา ขอบแว่นที่บางในอุดมคติของกรอบแว่นสีทองบางไม่ได้ซ่อนไว้ แต่จะเน้นความเฉียบคมของดวงตา ไม่เน้นธรรมชาติมากนัก (ศิลปินวาดภาพตัวเองด้วยจานสีและพู่กันในมือ) แต่ใน ส่วนลึกของความคิดของเขาเอง หน้าผากกว้างขนาดใหญ่, ด้านขวาของใบหน้า, สว่างไสวด้วยแสงโดยตรง, และด้านหน้าของเสื้อเชิ้ตสีขาวก่อตัวเป็นสามเหลี่ยมแสง, ประการแรกดึงดูดสายตาของผู้ชม, ซึ่งในช่วงเวลาต่อไป, ตามการเคลื่อนไหวของด้านขวา มือถือแปรงเรียวเล็กเลื่อนลงไปที่จานสี เส้นผมหยักศก, โครงเงา, เน็คไทหลวม ๆ ที่คอเสื้อ, เส้นไหล่ที่อ่อนนุ่มและสุดท้าย, ครึ่งวงกลมกว้างของจานสีก่อให้เกิดระบบการเคลื่อนที่ของเส้นที่ลื่นไหลและไหลลื่นภายในซึ่งมีสามประเด็นหลัก : แสงจ้าเล็กๆ ของรูม่านตา และปลายแหลมของเสื้อ-หน้าเกือบปิดด้วยจานสีและพู่กัน การคำนวณทางคณิตศาสตร์เกือบทั้งหมดในการสร้างองค์ประกอบของภาพบุคคลทำให้ภาพมีความสงบภายในบางส่วนและให้เหตุผลในการสันนิษฐานว่าผู้เขียนมีความคิดเชิงวิเคราะห์ซึ่งมีแนวโน้มที่จะคิดเชิงวิทยาศาสตร์ ใน "ภาพเหมือนตนเอง" ไม่มีร่องรอยของแนวโรแมนติกใด ๆ ซึ่งบ่อยครั้งในการแสดงภาพของศิลปินเอง นี่คือภาพเหมือนตนเองของศิลปิน-นักวิจัย ศิลปิน-นักคิด และผู้ทำงานหนัก

งานอื่นๆ - ภาพเหมือนของ Golovachevsky- คิดว่าเป็นองค์ประกอบพล็อตประเภทหนึ่ง: อาจารย์รุ่นเก่าของ Academy ในบุคคลของผู้ตรวจการเก่าให้คำแนะนำแก่ความสามารถที่เพิ่มขึ้น: จิตรกร (พร้อมโฟลเดอร์ภาพวาดสถาปนิกและประติมากร แต่ Venetsianov ไม่ได้ อนุญาตให้แม้แต่เงาของการประดิษฐ์หรือการสอนในภาพนี้: ชายชราที่ดี Golovachevsky ตีความอย่างเป็นมิตรให้กับวัยรุ่นอ่านบางหน้าในหนังสือ ความจริงใจของการแสดงออกพบการสนับสนุนในโครงสร้างที่งดงามของภาพ: สงบ ละเอียดอ่อน และกลมกลืนอย่างสวยงาม โทนสีสร้างความประทับใจของความสงบและจริงจังใบหน้าถูกวาดอย่างสวยงามเต็มไปด้วยความหมายภายในภาพเหมือนเป็นหนึ่งในความสำเร็จสูงสุดของการวาดภาพบุคคลของรัสเซีย

และในงานของ Orlovsky ในช่วงทศวรรษที่ 1800 งานภาพเหมือนก็ปรากฏขึ้นโดยส่วนใหญ่อยู่ในรูปของภาพวาด ในปี ค.ศ. 1809 แผ่นภาพบุคคลที่เต็มไปด้วยอารมณ์เช่น "ภาพเหมือน". "ภาพเหมือนตนเอง" ของ Orlovsky ดำเนินการโดยใช้ท่วงทำนองที่ร่าเริงและถ่าน (โดยเน้นด้วยชอล์ค) อย่างอิสระ ดึงดูดด้วยความสมบูรณ์ทางศิลปะ ลักษณะเฉพาะของภาพ และศิลปะการแสดง ในขณะเดียวกันก็ช่วยให้มองเห็นลักษณะพิเศษบางอย่างของงานศิลปะของ Orlovsky แน่นอนว่า "ภาพเหมือนตนเอง" Orlovsky ไม่ได้มีจุดมุ่งหมายเพื่อสร้างรูปลักษณ์ทั่วไปของศิลปินในช่วงหลายปีที่ผ่านมาอย่างถูกต้อง ต่อหน้าเรา - ในหลาย ๆ ด้านโดยเจตนา รูปลักษณ์ที่เกินจริงของ "ศิลปิน" ซึ่งตรงข้ามกับ "ฉัน" ของเขากับความเป็นจริงโดยรอบเขาไม่กังวลเกี่ยวกับ "ความเหมาะสม" ของรูปลักษณ์ของเขา: หวีและแปรงไม่ได้สัมผัสผมสีเขียวชอุ่มของเขาบนไหล่ของเขาคือขอบของ เสื้อกันฝนตาหมากรุกสวมทับเสื้อทีมเหย้าที่มีคอเปิด การหันศีรษะที่เฉียบคมด้วยรูปลักษณ์ที่ "มืดมน" จากใต้คิ้วที่ขยับ, การตัดภาพบุคคลอย่างใกล้ชิด, ซึ่งใบหน้านั้นแสดงภาพระยะใกล้, ความแตกต่างของแสง - ทั้งหมดนี้มีวัตถุประสงค์เพื่อให้ได้เอฟเฟกต์หลักของฝ่ายตรงข้าม บุคคลที่ปรากฎต่อสิ่งแวดล้อม (และต่อผู้ชม)

สิ่งที่น่าสมเพชของการยืนยันความเป็นปัจเจกบุคคล - หนึ่งในคุณสมบัติที่ก้าวหน้าที่สุดในงานศิลปะในยุคนั้น - ก่อตัวเป็นน้ำเสียงทางอุดมการณ์และอารมณ์หลักของภาพเหมือน แต่ปรากฏในแง่มุมที่แปลกประหลาดซึ่งแทบจะไม่เคยพบในศิลปะรัสเซียในยุคนั้น การยืนยันบุคลิกภาพนั้นไม่มากนักโดยการเปิดเผยความร่ำรวยของโลกภายใน แต่ด้วยวิธีภายนอกที่ปฏิเสธทุกสิ่งที่อยู่รอบตัว แน่นอนว่าภาพในขณะเดียวกันก็ดูหมดจำกัด

การแก้ปัญหาดังกล่าวเป็นเรื่องยากที่จะหาได้ในงานศิลปะภาพเหมือนของรัสเซียในยุคนั้น ซึ่งในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 แรงจูงใจของพลเมืองและความเห็นอกเห็นใจได้ส่งเสียงดังและบุคลิกภาพของบุคคลนั้นไม่เคยทำลายความสัมพันธ์ที่แน่นแฟ้นกับสิ่งแวดล้อม ความฝันถึงระเบียบทางสังคมที่ดีขึ้นและเป็นประชาธิปไตย ผู้คนที่ดีที่สุดของรัสเซียในยุคนั้นไม่เคยแยกตัวออกจากความเป็นจริง พวกเขาปฏิเสธลัทธิปัจเจกนิยมเรื่อง "เสรีภาพส่วนบุคคล" ที่เฟื่องฟูบนผืนดินของยุโรปตะวันตกอย่างมีสติ โดยการปฏิวัติของชนชั้นนายทุน . สิ่งนี้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนว่าเป็นการสะท้อนปัจจัยที่แท้จริงในงานศิลปะภาพเหมือนของรัสเซีย มีเพียงการเปรียบเทียบ "ภาพเหมือนตนเอง" ของ Orlovsky กับภาพพร้อมกันเท่านั้น "ภาพเหมือน" Kiprensky (ตัวอย่างเช่น 1809) เพื่อให้ความแตกต่างภายในที่รุนแรงระหว่างจิตรกรภาพบุคคลทั้งสองดึงดูดสายตาในทันที

Kiprensky ยัง "เป็นวีรบุรุษ" ของบุคลิกภาพของบุคคล แต่เขาแสดงให้เห็นถึงคุณค่าภายในที่แท้จริง ต่อหน้าศิลปินผู้ชมจะแยกแยะคุณสมบัติของจิตใจที่แข็งแกร่ง, ตัวละคร, ความบริสุทธิ์ทางศีลธรรม

รูปลักษณ์ทั้งหมดของ Kiprensky นั้นเต็มไปด้วยความสูงส่งและความเป็นมนุษย์ที่น่าทึ่ง เขาสามารถแยกแยะระหว่าง "ความดี" และ "ความชั่ว" ในโลกโดยรอบได้ และปฏิเสธสิ่งที่สอง รักและชื่นชมสิ่งแรก รักและชื่นชมคนที่มีใจเดียวกัน ในเวลาเดียวกันเรามีบุคลิกลักษณะที่แข็งแกร่งอยู่ข้างหน้าเราอย่างไม่ต้องสงสัยภูมิใจในความสำนึกในคุณค่าของคุณสมบัติส่วนตัวของเขา แนวคิดเดียวกันของภาพบุคคลนั้นเป็นภาพบุคคลที่มีชื่อเสียงของ D. Davydov โดย Kiprensky

Orlovsky เมื่อเปรียบเทียบกับ Kiprensky เช่นเดียวกับจิตรกรภาพเหมือนชาวรัสเซียคนอื่น ๆ ในเวลานั้น แก้ไขภาพลักษณ์ของ "บุคลิกภาพที่แข็งแกร่ง" ได้อย่างจำกัด ตรงไปตรงมามากขึ้น ในขณะที่มุ่งเน้นไปที่ศิลปะของชนชั้นกลางในฝรั่งเศสอย่างชัดเจน เมื่อคุณดูที่ "ภาพเหมือนตนเอง" ของเขา ภาพของ A.Gro จะทำให้ Gericault นึกถึงโดยไม่ได้ตั้งใจ อย่างไรก็ตาม โปรไฟล์ของ Orlovsky "ภาพเหมือนตนเอง" ในปี 1810 ที่มีลัทธิ "พลังภายใน" แบบปัจเจกนิยมนั้นไร้รูปแบบ "ภาพร่าง" ที่คมชัดของ "ภาพเหมือนตนเอง" ในปี 1809 หรือ "ภาพเหมือนของ Duport"ในระยะหลัง Orlovsky เช่นเดียวกับใน Self-Portrait ใช้ท่าโพสท่า "ฮีโร่" ที่งดงามด้วยการเคลื่อนไหวศีรษะและไหล่ที่เฉียบคมเกือบไขว้กัน เขาเน้นโครงสร้างที่ผิดปกติของใบหน้าของ Duport ผมที่ยุ่งเหยิง โดยมีจุดประสงค์เพื่อสร้างภาพพอร์ตเทรตที่สามารถพึ่งพาตนเองได้ในลักษณะสุ่มที่ไม่เหมือนใคร

"ภูมิทัศน์ควรเป็นภาพบุคคล" K. N. Batyushkov เขียน ศิลปินส่วนใหญ่ที่หันไปหาแนวเพลงนั้นยึดถือการตั้งค่านี้ในผลงานของพวกเขา ภูมิประเทศ.ในบรรดาข้อยกเว้นที่ชัดเจนซึ่งมุ่งสู่ภูมิทัศน์อันน่าอัศจรรย์คือ A. O. Orlovsky ("Sea View", 1809); A. G. Varnek ("ดูในสภาพแวดล้อมของกรุงโรม", 1809); P. V. Basin ("ท้องฟ้ายามพระอาทิตย์ตกดินในเขตชานเมืองของกรุงโรม", "ทิวทัศน์ยามเย็น" ทั้งคู่ - 1820s) การสร้างประเภทเฉพาะ พวกเขายังคงความฉับไวของความรู้สึก ความสมบูรณ์ทางอารมณ์ บรรลุเสียงที่ยิ่งใหญ่ด้วยเทคนิคการประพันธ์เพลง

Young Orlrovsky มองเห็นกองกำลังไททานิคในธรรมชาติเท่านั้นซึ่งไม่อยู่ภายใต้เจตจำนงของมนุษย์ซึ่งสามารถก่อให้เกิดภัยพิบัติและหายนะได้ การต่อสู้ของชายคนหนึ่งที่มีองค์ประกอบของทะเลที่บ้าคลั่งเป็นหนึ่งในธีมโปรดของศิลปินในยุคโรแมนติกที่ "กบฏ" ของเขา กลายเป็นเนื้อหาของภาพวาดสีน้ำและสีน้ำมันในปี พ.ศ. 2352-2353 ฉากที่น่าสลดใจแสดงอยู่ในภาพ "ซากเรืออัปปาง"(1809 (?)) ในความมืดสนิทที่ตกลงสู่พื้นดิน ท่ามกลางคลื่นที่โหมกระหน่ำ ชาวประมงที่จมน้ำปีนขึ้นไปบนโขดหินชายฝั่งที่เรือของพวกเขาชนอย่างเมามัน โทนสีแดงเข้มช่วยเสริมความรู้สึกวิตกกังวล น่ากลัวคือการจู่โจมของคลื่นยักษ์ พายุ และในอีกภาพหนึ่ง - "ที่ริมทะเล"(1809). นอกจากนี้ยังมีบทบาททางอารมณ์อย่างมากในท้องฟ้าที่มีพายุซึ่งใช้องค์ประกอบส่วนใหญ่ แม้ว่า Orlovsky จะไม่ได้เชี่ยวชาญศิลปะของมุมมองทางอากาศ แต่การเปลี่ยนแผนอย่างค่อยเป็นค่อยไปได้รับการแก้ไขที่นี่อย่างกลมกลืนและนุ่มนวลมากขึ้น สีอ่อนลงแล้ว เล่นบนพื้นสีน้ำตาลแดงจุดแดงของเสื้อผ้าชาวประมงได้อย่างสวยงาม องค์ประกอบของทะเลกระสับกระส่ายและวิตกกังวลในสีน้ำ "เรือใบ"(ค.1812). และแม้ว่าลมจะไม่ทำให้ใบเรือสั่นไหวและไม่ทำให้ผิวน้ำกระเพื่อมเหมือนในสีน้ำ “ทิวทัศน์ทะเลกับเรือ”(ค.ศ. 1810) ผู้ชมไม่ได้ละทิ้งลางสังหรณ์ว่าพายุจะตามมาอย่างสงบ

ด้วยอารมณ์ดราม่าและอารมณ์ความรู้สึก ทิวทัศน์ทะเลของ Orlovsky จึงไม่ได้เป็นผลมาจากการสังเกตปรากฏการณ์ในชั้นบรรยากาศมากนัก แต่เป็นผลมาจากการเลียนแบบศิลปะคลาสสิกโดยตรง โดยเฉพาะ เจ. เวอร์เน็ต

ภูมิประเทศของ S. F. Shchedrin มีลักษณะที่แตกต่างกัน พวกเขาเต็มไปด้วยความกลมกลืนของการอยู่ร่วมกันของมนุษย์และธรรมชาติ ("Terrace on the seashore. Cappuccini near Sorrento", 1827) มุมมองมากมายเกี่ยวกับเนเปิลส์และบริเวณรอบ ๆ พู่กันของเขาประสบความสำเร็จและได้รับความนิยมเป็นพิเศษ

การสร้างภาพที่โรแมนติกของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในภาพวาดรัสเซียนั้นเกี่ยวข้องกับผลงานของ M. N. Vorobyov บนผืนผ้าใบของเขา เมืองนี้ดูเหมือนถูกปกคลุมไปด้วยหมอกลึกลับของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก หมอกควันอ่อนๆ ของคืนสีขาว และบรรยากาศที่อิ่มตัวด้วยความชื้นจากทะเล ซึ่งรูปทรงของอาคารถูกลบออกไป และแสงจันทร์ทำให้ศีลระลึกสมบูรณ์ จุดเริ่มต้นโคลงสั้น ๆ เดียวกันนี้ทำให้มุมมองของสภาพแวดล้อมของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กแสดงโดยเขาแตกต่างกัน ("พระอาทิตย์ตกดินในเขตชานเมืองของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก", 2375) แต่เมืองหลวงทางตอนเหนือก็ถูกมองโดยศิลปินในแนวที่แตกต่างและน่าทึ่งว่าเป็นเวทีสำหรับการปะทะกันและการต่อสู้ขององค์ประกอบทางธรรมชาติ (V. E. Raev, Alexander Column ระหว่างพายุฝนฟ้าคะนอง, 1834)

ภาพวาดที่ยอดเยี่ยมของ I. K. Aivazovsky ได้รวบรวมอุดมคติที่โรแมนติกของความมัวเมาด้วยการต่อสู้และพลังของพลังธรรมชาติความแข็งแกร่งของจิตวิญญาณมนุษย์และความสามารถในการต่อสู้จนถึงที่สุด อย่างไรก็ตาม สถานที่ขนาดใหญ่ในมรดกของปรมาจารย์นั้นถูกครอบครองโดยทิวทัศน์ยามค่ำคืนที่อุทิศให้กับสถานที่เฉพาะที่ซึ่งพายุได้หลีกทางให้กับความมหัศจรรย์ยามค่ำคืน ซึ่งเป็นช่วงเวลาที่ตามมุมมองของนักโรแมนติก เต็มไปด้วยชีวิตภายในที่ลึกลับ และการค้นหารูปภาพของศิลปินมุ่งไปที่การดึงเอฟเฟกต์แสงที่ไม่ธรรมดา ("วิวของโอเดสซาในคืนเดือนหงาย", "วิวของคอนสแตนติโนเปิลในแสงจันทร์" ทั้งคู่ - 1846)

ธีมขององค์ประกอบทางธรรมชาติและผู้ชายที่ถูกเซอร์ไพรส์ ซึ่งเป็นธีมที่ชื่นชอบของศิลปะแนวโรแมนติก ได้รับการตีความแตกต่างกันไปโดยศิลปินในช่วงปี 1800-1850 ผลงานสร้างจากเหตุการณ์จริง แต่ความหมายของภาพไม่ได้อยู่ในวัตถุประสงค์ของการเล่าซ้ำ ตัวอย่างทั่วไปคือภาพวาดของ Peter Basin "แผ่นดินไหวใน Rocca di Papa ใกล้กรุงโรม"(พ.ศ. 2373). มันไม่ได้อุทิศให้กับคำอธิบายของเหตุการณ์ใดเหตุการณ์หนึ่งมากเท่ากับการพรรณนาถึงความกลัวและความสยดสยองของบุคคลที่ต้องเผชิญกับการรวมตัวกันขององค์ประกอบต่างๆ

ผู้ทรงคุณวุฒิในการวาดภาพรัสเซียในยุคนี้คือ K.P. Bryullov (2342-2395) และ A.A. อีวานอฟ (2349-2401) จิตรกรและช่างเขียนแบบชาวรัสเซีย K.P. Bryullov ในขณะที่ยังเป็นนักเรียนของ Academy of Arts ได้ฝึกฝนทักษะการวาดภาพที่หาที่เปรียบมิได้ งานของ Bryullov มักแบ่งออกเป็นก่อน "วันสุดท้ายของเมืองปอมเปอี" และหลังจากนั้น สร้างอะไรก่อนหลัง....?!

“Italian Morning” (1823), “Ermilia with the Shepherds” (1824) จากบทกวีของ Torquatto Tasso “การปลดปล่อยกรุงเยรูซาเล็ม”, “Italian Noon” (“สตรีชาวอิตาลีเก็บเกี่ยวองุ่น”, 1827), “Horsewoman” ( 1830), "Bathsheba" (1832) - ภาพวาดเหล่านี้เต็มไปด้วยความสุขในชีวิตที่สดใสและไม่เปิดเผย งานดังกล่าวสอดคล้องกับบทกวีเจ้าสำราญยุคแรก ๆ ของ Pushkin, Batyushkov, Vyazemsky, Delvig วิธีการแบบเก่าซึ่งอิงจากการเลียนแบบปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ไม่พอใจ Bryullov และเขาเขียนว่า "Italian Morning", "Italian Noon", "Bathsheba" ในที่โล่ง

ในขณะที่ทำงานเกี่ยวกับภาพเหมือน Bryullov วาดเฉพาะหัวจากชีวิต ทุกสิ่งทุกอย่างมักถูกกำหนดโดยจินตนาการของเขา ผลของการด้นสดที่สร้างสรรค์อย่างเสรีดังกล่าวคือ "ผู้ขี่".สิ่งสำคัญในภาพคือความแตกต่างของสัตว์ที่เร่าร้อนทะยานด้วยจมูกบวมและดวงตาเป็นประกายและหญิงขี่ม้าผู้สง่างามที่สงบนิ่งควบคุมพลังงานอันบ้าคลั่งของม้า (การฝึกฝนสัตว์เป็นธีมโปรดของประติมากรคลาสสิก Bryullov แก้ไขมันในการวาดภาพ) .

ใน "บัทเชบา"ศิลปินใช้เรื่องราวในพระคัมภีร์เป็นข้ออ้างในการแสดงร่างกายที่เปลือยเปล่าในที่โล่งและถ่ายทอดการเล่นแสงและปฏิกิริยาตอบสนองบนผิวขาว ใน "บัทเชบา" เขาสร้างภาพลักษณ์ของหญิงสาวที่เต็มไปด้วยความสุขและความสุข ร่างกายที่เปลือยเปล่าเปล่งประกายระยิบระยับล้อมรอบด้วยสีเขียวมะกอก เสื้อผ้าเชอร์รี่ อ่างเก็บน้ำใส รูปแบบยืดหยุ่นที่อ่อนนุ่มของร่างกายผสมผสานอย่างสวยงามกับผ้าฟอกสีฟันและสีช็อกโกแลตของหญิงชาวอาหรับที่ให้บริการบัทเชบา เส้นที่พริ้วไหวของลำตัว สระน้ำ และเนื้อผ้าทำให้องค์ประกอบของภาพมีจังหวะที่ราบรื่น

จิตรกรรมได้กลายเป็นคำศัพท์ใหม่ในการวาดภาพ "วันสุดท้ายของเมืองปอมเปอี"(พ.ศ.2370-2376). เธอทำให้ชื่อของศิลปินเป็นอมตะและโด่งดังมากในช่วงชีวิตของเขา

เห็นได้ชัดว่าพล็อตของมันถูกเลือกภายใต้อิทธิพลของอเล็กซานเดอร์น้องชายของเขาซึ่งศึกษาซากปรักหักพังของปอมเปอีอย่างเข้มข้น แต่เหตุผลในการเขียนภาพนั้นลึกซึ้งกว่านั้น โกกอลสังเกตเห็นสิ่งนี้และ Herzen กล่าวโดยตรงว่าใน The Last Day of Pompeii พวกเขาพบสถานที่ของพวกเขาบางทีอาจเป็นภาพสะท้อนของความคิดและความรู้สึกของศิลปินโดยไม่รู้ตัวซึ่งเกิดจากความพ่ายแพ้ของการจลาจลของ Decembrist ในรัสเซีย ในบรรดาผู้ที่ตกเป็นเหยื่อของเหตุการณ์ที่โหมกระหน่ำในเมืองปอมเปอีที่กำลังจะตาย Bryullov ได้วางภาพเหมือนตนเองของเขาและมอบคุณลักษณะของคนรู้จักชาวรัสเซียให้กับตัวละครอื่นๆ ในภาพโดยไม่มีเหตุผล

ผู้ติดตามชาวอิตาลีของ Bryullov ก็มีบทบาทเช่นกัน ซึ่งสามารถบอกเขาเกี่ยวกับพายุปฏิวัติที่พัดผ่านแผ่นดินอิตาลีในปีก่อน ๆ เกี่ยวกับชะตากรรมที่น่าเศร้าของ Carbonari ในช่วงหลายปีที่เกิดปฏิกิริยา

ภาพอันยิ่งใหญ่ของการเสียชีวิตของเมืองปอมเปอีเต็มไปด้วยจิตวิญญาณของลัทธิประวัติศาสตร์ มันแสดงให้เห็นการเปลี่ยนแปลงของยุคประวัติศาสตร์ยุคหนึ่งไปสู่อีกยุคหนึ่ง การปราบปรามลัทธินอกรีตโบราณและการเริ่มต้นของศาสนาคริสต์ใหม่

ศิลปินรับรู้ประวัติศาสตร์อย่างมาก การเปลี่ยนแปลงของยุคสมัยเป็นเรื่องน่าตกใจสำหรับมนุษยชาติ ในใจกลางขององค์ประกอบ ผู้หญิงที่ตกจากรถม้าและถูกทุบจนตาย เห็นได้ชัดว่าเป็นตัวเป็นตนถึงความตายของโลกยุคโบราณ แต่ใกล้กับร่างของแม่ศิลปินวางทารกที่มีชีวิต ภาพวาดเด็กและพ่อแม่ ชายหนุ่มกับแม่แก่ ลูกชายและพ่อที่ชราภาพ ศิลปินแสดงให้เห็นคนรุ่นเก่าที่จางหายไปในประวัติศาสตร์และคนรุ่นใหม่ที่เข้ามาแทนที่ การเกิดยุคใหม่บนซากปรักหักพังของโลกเก่าที่พังทลายคือแก่นแท้ของภาพวาดของ Bryullov ไม่ว่าประวัติศาสตร์จะนำมาซึ่งการเปลี่ยนแปลงอะไรก็ตาม การดำรงอยู่ของมนุษยชาติไม่ได้หยุดลง และความกระหายที่จะมีชีวิตยังคงไม่เสื่อมคลาย นี่คือแนวคิดหลักเบื้องหลังวันสุดท้ายของเมืองปอมเปอี ภาพนี้เป็นการสดุดีความงามของมนุษยชาติซึ่งคงอยู่เป็นอมตะในทุกวัฏจักรของประวัติศาสตร์

ผืนผ้าใบนี้จัดแสดงในปี 1833 ที่นิทรรศการศิลปะมิลาน ซึ่งทำให้เกิดเสียงตอบรับอย่างล้นหลาม อิตาลีที่ผุกร่อนถูกยึดครอง G. G. Gagarin ลูกศิษย์ของ Bryullov เป็นพยานว่า:“ งานที่ยอดเยี่ยมนี้กระตุ้นความกระตือรือร้นอย่างไร้ขอบเขตในอิตาลี เมืองที่จัดแสดงภาพวาดได้จัดงานเลี้ยงต้อนรับศิลปินอย่างเคร่งขรึม บทกวีอุทิศให้กับเขา เขาถูกหามไปตามถนนพร้อมดนตรี ดอกไม้ และคบไฟ ... ทุกหนทุกแห่งที่เขาได้รับเกียรติในฐานะอัจฉริยะผู้มีชื่อเสียงและประสบความสำเร็จ เข้าใจและชื่นชมทุกคน

Walter Scott นักเขียนชาวอังกฤษ (ตัวแทนของวรรณกรรมโรแมนติกซึ่งมีชื่อเสียงในนวนิยายอิงประวัติศาสตร์ของเขา) ใช้เวลาหนึ่งชั่วโมงในสตูดิโอของ Bryullov ซึ่งเขาบอกว่านี่ไม่ใช่รูปภาพ แต่เป็นบทกวีทั้งหมด สถาบันศิลปะแห่งมิลาน ฟลอเรนซ์ โบโลญญา และปาร์มาเลือกจิตรกรชาวรัสเซียเป็นสมาชิกกิตติมศักดิ์

ผืนผ้าใบของ Bryullov ทำให้เกิดการตอบสนองอย่างกระตือรือร้นจาก Pushkin และ Gogol

Vesuvius zev เปิดขึ้น - ควันพวยพุ่งในคลับ - เปลวไฟ

พัฒนาอย่างกว้างขวางเหมือนธงรบ

โลกเป็นห่วง - จากเสาที่ส่าย

ไอดอลหลุด!..

พุชกินเขียนภายใต้ความประทับใจของภาพวาด

เริ่มต้นด้วย Bryullov จุดเปลี่ยนในประวัติศาสตร์กลายเป็นหัวข้อหลักของการวาดภาพประวัติศาสตร์ของรัสเซียโดยแสดงฉากพื้นบ้านที่ยิ่งใหญ่ซึ่งแต่ละคนมีส่วนร่วมในละครประวัติศาสตร์ที่ไม่มีหลักและรอง

โดยทั่วไปแล้ว "ปอมเปอี" เป็นของคลาสสิก ศิลปินเปิดเผยความเป็นพลาสติกของร่างกายมนุษย์บนผืนผ้าใบอย่างชำนาญ Bryullov ถ่ายทอดการเคลื่อนไหวทางจิตวิญญาณของผู้คนทั้งหมดโดยหลักแล้วเป็นภาษาปั้น ร่างที่แยกจากกันในการเคลื่อนที่ของพายุจะถูกรวบรวมเป็นกลุ่มที่สมดุลและเยือกแข็ง แสงวาบเน้นรูปร่างของร่างกายและไม่สร้างเอฟเฟกต์ภาพที่เด่นชัด อย่างไรก็ตามองค์ประกอบของภาพวาดซึ่งมีความก้าวหน้าอย่างมากในใจกลางในเชิงลึกซึ่งแสดงถึงเหตุการณ์พิเศษในชีวิตของปอมเปอีได้รับแรงบันดาลใจจากแนวโรแมนติก

ลัทธิโรแมนติกในฐานะโลกทัศน์มีอยู่ในรัสเซียในระลอกแรกตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 จนถึงทศวรรษที่ 1850 แนวโรแมนติกในศิลปะรัสเซียไม่ได้หยุดลงในปี 1850 แก่นเรื่องสภาวะของการเป็น ซึ่งค้นพบโดยกลุ่มศิลปะโรแมนติก ต่อมาได้รับการพัฒนาโดยศิลปินของบลูโรส ทายาทโดยตรงของโรแมนติกคือ Symbolists อย่างไม่ต้องสงสัย ธีมโรแมนติก, ลวดลาย, อุปกรณ์ที่แสดงออกได้เข้าสู่ศิลปะของสไตล์, ทิศทาง, การเชื่อมโยงความคิดสร้างสรรค์ที่แตกต่างกัน โลกทัศน์ที่โรแมนติกหรือโลกทัศน์กลายเป็นหนึ่งในสิ่งที่มีชีวิตชีวาหวงแหนและมีผลมากที่สุด

แนวโรแมนติกเป็นทัศนคติทั่วไปซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของคนหนุ่มสาวที่ต้องการอิสรภาพในอุดมคติและความคิดสร้างสรรค์ยังคงมีชีวิตอยู่อย่างต่อเนื่องในศิลปะโลก

ค) ดนตรี

แนวโรแมนติกในรูปแบบที่บริสุทธิ์ที่สุดคือปรากฏการณ์ของศิลปะยุโรปตะวันตก ดนตรีรัสเซียในศตวรรษที่ 19 จาก Glinka ถึง Tchaikovsky คุณลักษณะของลัทธิคลาสสิกถูกรวมเข้ากับคุณลักษณะของแนวโรแมนติกองค์ประกอบหลักคือหลักการประจำชาติที่สดใสและเป็นต้นฉบับ แนวโรแมนติกในรัสเซียเพิ่มขึ้นอย่างไม่คาดคิดเมื่อแนวโน้มนี้ดูเหมือนจะเป็นเรื่องในอดีต Scriabin และ Rachmaninov นักแต่งเพลงสองคนแห่งศตวรรษที่ 20 ได้ฟื้นคืนชีพคุณลักษณะของแนวโรแมนติกดังกล่าวขึ้นมาอีกครั้งในฐานะการล่องลอยของจินตนาการและจิตวิญญาณของเนื้อเพลง ดังนั้นศตวรรษที่ 19 เรียกว่าเป็นยุคของดนตรีคลาสสิก

เวลา (พ.ศ. 2355 การจลาจลของผู้หลอกลวง ปฏิกิริยาที่ตามมา) ทิ้งรอยไว้บนดนตรี ไม่ว่าเราจะชอบแนวไหน - โรแมนติก โอเปร่า บัลเลต์ แชมเบอร์มิวสิค นักแต่งเพลงชาวรัสเซียทุกแห่งต่างก็พูดคำใหม่ของพวกเขา

ดนตรีของรัสเซียที่มีความสง่างามในการตกแต่งและการยึดมั่นอย่างเคร่งครัดในประเพณีการประพันธ์เครื่องดนตรีระดับมืออาชีพ ซึ่งรวมถึงการประพันธ์โซนาตา-ซิมโฟนิกนั้นขึ้นอยู่กับการใช้สีและโครงสร้างจังหวะของคติชนวิทยาของรัสเซีย บางคนพึ่งพาเพลงในชีวิตประจำวันอย่างกว้างขวาง บางคนพึ่งพารูปแบบดั้งเดิมของการทำดนตรี และคนอื่นๆ ยังคงพึ่งพารูปแบบชาวนาโบราณของรัสเซียโบราณ

ต้นศตวรรษที่ 19 - เป็นปีแห่งการออกดอกครั้งแรกและสดใสของแนวโรแมนติก เนื้อเพลงที่จริงใจแต่เจียมเนื้อเจียมตัวยังคงไพเราะและทำให้ผู้ฟังเพลิดเพลิน อเล็กซานเดอร์ อเล็กซานโดรวิช อัลยาบีเยฟ (2330-2394)เขาเขียนเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ให้กับกวีหลายคน แต่ผู้เป็นอมตะ "นกไนติงเกล"ถึงโองการของเดลวิก "ถนนฤดูหนาว", "ฉันรักคุณ"ในบทกวีของพุชกิน

อเล็กซานเดอร์ เอโกโรวิช วาร์ลามอฟ (2344-2391)เขียนเพลงสำหรับการแสดงละคร แต่เรารู้จักเขามากขึ้นจากความรักที่มีชื่อเสียง “ชุดอาบแดดสีแดง”, “อย่าปลุกฉันตอนรุ่งสาง”, “เรือใบเดียวเปลี่ยนเป็นสีขาว”

Alexander Lvovich Gurilev (2346-2401)- นักแต่งเพลง นักเปียโน นักไวโอลิน และอาจารย์ เขาเป็นเจ้าของความรักเช่น “ระฆังดังซ้ำซากจำเจ”, “ยามรุ่งอรุณแห่งวัยเยาว์ที่มีหมอกหนา”และอื่น ๆ.

สถานที่ที่โดดเด่นที่สุดของที่นี่ถูกครอบครองโดยความรักของ Glinka ยังไม่มีใครประสบความสำเร็จในการผสมผสานดนตรีเข้ากับบทกวีของ Pushkin, Zhukovsky อย่างเป็นธรรมชาติ

มิคาอิล อิวาโนวิช กลินกา (2347-2400)- พุชกินร่วมสมัย (อายุน้อยกว่า Alexander Sergeevich 5 ปี) ซึ่งเป็นวรรณกรรมคลาสสิกของรัสเซียกลายเป็นผู้ก่อตั้งดนตรีคลาสสิก งานของเขาเป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของวัฒนธรรมดนตรีของรัสเซียและโลก เป็นการผสมผสานความรุ่มรวยของดนตรีโฟล์คและทักษะการประพันธ์เพลงที่ประสบความสำเร็จสูงสุดได้อย่างกลมกลืน งานพื้นบ้านที่เหมือนจริงอย่างลึกซึ้งของ Glinka สะท้อนให้เห็นถึงการผลิดอกออกผลอันทรงพลังของวัฒนธรรมรัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ซึ่งเกี่ยวข้องกับสงครามรักชาติในปี 1812 และขบวนการ Decembrist ลักษณะเด่นของชีวิต ความกลมกลืนของรูปแบบ ความสวยงามของท่วงทำนองที่สื่อความหมายและไพเราะ ความหลากหลาย ความสดใส และความละเอียดอ่อนของเสียงประสานเป็นคุณสมบัติที่มีค่าที่สุดของดนตรีของกลินกา ในโอเปร่าที่มีชื่อเสียง "อีวาน ซูซานิน"(พ.ศ. 2379) ได้รับการแสดงความคิดที่ยอดเยี่ยมเกี่ยวกับความรักชาติของประชาชน ความยิ่งใหญ่ทางศีลธรรมของชาวรัสเซียยังได้รับการยกย่องในเทพนิยายโอเปร่า " รุสลันและลุดมิลา". งานออเคสตราโดย Glinka: “Fantasy Waltz”, “ค่ำคืนในมาดริด”และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง "คามารินสกายา",เป็นพื้นฐานของซิมโฟนีคลาสสิกของรัสเซีย โดดเด่นทั้งด้านพลังการแสดงละครและความสดใสของลักษณะของเพลงโศกนาฏกรรม "เจ้าชายโคล์มสกี้"เนื้อเพลงของ Glinka (โรแมนติก “ฉันจำช่วงเวลาที่ยอดเยี่ยมได้”, “ความสงสัย”) เป็นศูนย์รวมของบทกวีรัสเซียในดนตรีที่ไม่มีใครเทียบได้

6. ลัทธิโรแมนติกของยุโรปตะวันตก

ภาพวาด

หากฝรั่งเศสเป็นบรรพบุรุษของลัทธิคลาสสิก "เพื่อค้นหารากเหง้าของ ... โรงเรียนโรแมนติก" ผู้ร่วมสมัยคนหนึ่งเขียนไว้ว่า "เราควรไปเยอรมนี เธอเกิดที่นั่นและที่นั่นความโรแมนติกของอิตาลีและฝรั่งเศสสมัยใหม่ได้ก่อตัวเป็นรสนิยมของพวกเขา

แยกส่วน เยอรมนีไม่รู้จักการลุกฮือของการปฏิวัติ ความรักโรแมนติกของชาวเยอรมันหลายคนต่างไปจากสิ่งที่น่าสมเพชของแนวคิดทางสังคมขั้นสูง พวกเขาสร้างอุดมคติในยุคกลาง พวกเขายอมจำนนต่อแรงกระตุ้นทางวิญญาณที่อธิบายไม่ได้ พูดคุยเกี่ยวกับการละทิ้งชีวิตมนุษย์ ศิลปะของพวกเขาหลายคนเฉยเมยและครุ่นคิด พวกเขาสร้างผลงานที่ดีที่สุดในสาขาการวาดภาพบุคคลและภาพทิวทัศน์

จิตรกรภาพเหมือนที่โดดเด่นคือ Otto Runge (1777-1810) ภาพเหมือนของนายคนนี้ด้วยความสงบภายนอกทำให้ประหลาดใจกับชีวิตภายในที่เข้มข้นและเข้มข้น

ภาพของกวีโรแมนติกปรากฏให้เห็นโดยรุ่งเข้า "ภาพเหมือน".เขาตรวจดูตัวเองอย่างถี่ถ้วนและเห็นชายหนุ่มผมดำ นัยน์ตาสีเข้ม จริงจัง เต็มไปด้วยพลัง ช่างคิด ช่างคิด ครุ่นคิด และมีความมุ่งมั่นอย่างแรงกล้า ศิลปินโรแมนติกต้องการรู้จักตัวเอง วิธีการดำเนินการของภาพบุคคลนั้นรวดเร็วและกว้างขวางราวกับว่าพลังงานทางจิตวิญญาณของผู้สร้างควรได้รับการถ่ายทอดในพื้นผิวของงานแล้ว ในช่วงสีเข้ม ความแตกต่างของแสงและความมืดจะปรากฏขึ้น ความคมชัดเป็นเทคนิคการถ่ายภาพที่มีลักษณะเฉพาะของปรมาจารย์โรแมนติก

เพื่อจับการเล่นที่เปลี่ยนแปลงของอารมณ์คน ๆ หนึ่งเพื่อมองเข้าไปในจิตวิญญาณของเขาศิลปินแห่งโกดังโรแมนติกจะพยายามเสมอ และในแง่นี้ภาพเหมือนของเด็ก ๆ จะเป็นสื่อที่อุดมสมบูรณ์สำหรับเขา ใน ภาพเด็ก ๆ ของ Hülsenbeck(ค.ศ. 1805) รุงเงะไม่เพียงแต่ถ่ายทอดความมีชีวิตชีวาและความฉับไวของตัวละครเด็กเท่านั้น แต่ยังได้รับการต้อนรับเป็นพิเศษสำหรับอารมณ์ที่สดใส ซึ่งสร้างความสุขให้กับช่องเปิดโล่งของชั้น 2 ศตวรรษที่ 19 พื้นหลังในภาพเป็นทิวทัศน์ซึ่งไม่เพียงเป็นพยานถึงของขวัญที่มีสีสันของศิลปินทัศนคติที่ชื่นชมต่อธรรมชาติ แต่ยังรวมถึงการเกิดขึ้นของปัญหาใหม่ในการสร้างความสัมพันธ์เชิงพื้นที่อย่างเชี่ยวชาญเฉดสีอ่อนของวัตถุในที่โล่ง ปรมาจารย์ด้านโรแมนติกที่ต้องการรวม "ฉัน" ของเขาเข้ากับพื้นที่กว้างใหญ่ของจักรวาล มุ่งมั่นที่จะจับภาพลักษณะที่จับต้องได้ของธรรมชาติ แต่ด้วยความเย้ายวนของภาพนี้เขาจึงชอบที่จะเห็นสัญลักษณ์ของโลกใบใหญ่ "ความคิดของศิลปิน"

รุงเก หนึ่งในศิลปินแนวโรแมนติกยุคแรกๆ ตั้งเป้าหมายในการสังเคราะห์ศิลปะ: จิตรกรรม ประติมากรรม สถาปัตยกรรม ดนตรี เสียงประกอบของศิลปะควรจะแสดงออกถึงความเป็นหนึ่งเดียวของพลังศักดิ์สิทธิ์ของโลก ซึ่งแต่ละอนุภาคเป็นสัญลักษณ์ของจักรวาลโดยรวม ศิลปินจินตนาการเสริมแนวคิดทางปรัชญาของเขาด้วยแนวคิดของนักคิดชาวเยอรมันที่มีชื่อเสียงในชั้น 1 ศตวรรษที่ 17 เจค็อบ โบเอห์ม. โลกเป็นสิ่งมหัศจรรย์ซึ่งแต่ละอนุภาคแสดงออกถึงสิ่งทั้งปวง แนวคิดนี้เกี่ยวข้องกับความโรแมนติกของทวีปยุโรปทั้งหมด ในรูปแบบบทกวี วิลเลียม เบลค กวีและจิตรกรชาวอังกฤษได้กล่าวไว้ว่า

ดูชั่วนิรันดร์ในช่วงเวลาหนึ่ง

โลกใบใหญ่ - ในกระจกทราย

ในกำมือเดียว - ไม่มีที่สิ้นสุด

และท้องฟ้าอยู่ในถ้วยดอกไม้

วัฏจักรของรุ่งเงะหรือที่เขาเรียกว่า "บทกวีดนตรีมหัศจรรย์" "เวลาของวัน"- เช้า, เที่ยง, กลางคืน - การแสดงออกของแนวคิดนี้ เขาทิ้งไว้ในบทกวีและร้อยแก้วเพื่ออธิบายแบบจำลองแนวคิดของเขาเกี่ยวกับโลก ภาพบุคคล ทิวทัศน์ แสง และสี เป็นสัญลักษณ์ของวัฏจักรธรรมชาติและชีวิตมนุษย์ที่เปลี่ยนแปลงตลอดเวลา

จิตรกรแนวโรแมนติกชาวเยอรมันที่โดดเด่นอีกคนหนึ่ง แคสปาร์ เดวิด ฟรีดริช (1774-1840) ชอบภูมิทัศน์มากกว่าประเภทอื่นๆ ทั้งหมด และวาดภาพธรรมชาติในช่วงอายุเจ็ดสิบปีเท่านั้น แรงจูงใจหลักของงานของฟรีดริชคือแนวคิดเรื่องความสามัคคีของมนุษย์และธรรมชาติ

“ฟังเสียงของธรรมชาติที่พูดอยู่ในตัวเรา” ศิลปินแนะนำนักเรียนของเขา โลกภายในของบุคคลนั้นแสดงถึงความไม่มีที่สิ้นสุดของจักรวาล ดังนั้นเมื่อได้ยินตัวเอง คน ๆ หนึ่งสามารถเข้าใจความลึกทางจิตวิญญาณของโลกได้

ตำแหน่งของการฟังกำหนดรูปแบบหลักของ "การสื่อสาร" ของบุคคลที่มีลักษณะและภาพลักษณ์ นี่คือความยิ่งใหญ่ ความลึกลับ หรือการตรัสรู้ของธรรมชาติและสภาวะจิตสำนึกของผู้สังเกต จริงอยู่บ่อยครั้งที่ฟรีดริชไม่อนุญาตให้ร่าง "เข้าสู่" พื้นที่ภูมิทัศน์ของภาพวาดของเขา แต่ในการแทรกซึมที่ละเอียดอ่อนของโครงสร้างโดยนัยของพื้นที่กว้างใหญ่ที่แผ่กิ่งก้านสาขา การปรากฏตัวของความรู้สึก ประสบการณ์ของบุคคลจะรู้สึกได้ อัตวิสัยในการพรรณนาภูมิทัศน์มาถึงงานศิลปะเฉพาะกับงานโรแมนติกเท่านั้นโดยคาดเดาถึงการเปิดเผยโคลงสั้น ๆ ของธรรมชาติโดยปรมาจารย์ชั้น 2 ศตวรรษที่ 19 นักวิจัยตั้งข้อสังเกตในงานของฟรีดริช "การขยายตัวของละคร" ของลวดลายภูมิทัศน์ ผู้เขียนสนใจทะเล ภูเขา ป่าไม้ และเฉดสีต่างๆ ของธรรมชาติในช่วงเวลาต่างๆ ของปีและวัน

พ.ศ.2354-2355 โดดเด่นด้วยการสร้างสรรค์ชุดทิวทัศน์ภูเขาอันเป็นผลมาจากการเดินทางสู่ภูเขาของศิลปิน “ยามเช้าบนภูเขา”งดงามราวกับภาพวาดที่แสดงถึงความเป็นจริงทางธรรมชาติแบบใหม่ซึ่งถือกำเนิดขึ้นท่ามกลางแสงของดวงอาทิตย์ที่กำลังขึ้น โทนสีม่วงอมชมพูห่อหุ้มและกีดกันปริมาตรและแรงโน้มถ่วงของวัสดุ ปีแห่งการสู้รบกับนโปเลียน (พ.ศ. 2355-2356) ทำให้ฟรีดริชมีใจรักชาติ เขาเขียนภาพประกอบโดยได้รับแรงบันดาลใจจากบทละครของไคลสต์ "สุสานอาร์มิเนียส"- ภูมิทัศน์ที่มีหลุมฝังศพของวีรบุรุษเยอรมันโบราณ

ฟรีดริชเป็นปรมาจารย์ด้านทิวทัศน์ทะเล: "ยุค", "พระจันทร์ขึ้นเหนือทะเล", "ความตายของ" Nadezhda" ในน้ำแข็ง"

ผลงานล่าสุดของศิลปิน - "พักผ่อนในสนาม", "บึงใหญ่" และ "ความทรงจำของภูเขายักษ์", "ภูเขายักษ์" - เทือกเขาและหินหลายลูกที่อยู่เบื้องหน้ามืดลง เห็นได้ชัดว่านี่คือการกลับไปสู่ความรู้สึกที่มีประสบการณ์ของชัยชนะเหนือตัวบุคคลความสุขในการขึ้นสู่ "จุดสูงสุดของโลก" ความปรารถนาในความสูงที่ไม่มีใครพิชิต ความรู้สึกของศิลปินในลักษณะพิเศษที่รวบรวมมวลภูเขาเหล่านี้และอ่านการเคลื่อนไหวจากความมืดของก้าวแรกสู่แสงสว่างในอนาคตอีกครั้ง ยอดเขาที่อยู่ด้านหลังถูกเน้นให้เป็นศูนย์กลางของแรงบันดาลใจทางจิตวิญญาณของปรมาจารย์ รูปภาพมีความเชื่อมโยงมาก เช่นเดียวกับงานโรแมนติกอื่นๆ และเกี่ยวข้องกับระดับการอ่านและการตีความที่แตกต่างกัน

ฟรีดริชมีความแม่นยำในการวาดภาพ มีความกลมกลืนทางดนตรีในการสร้างจังหวะของภาพวาด ซึ่งเขาพยายามถ่ายทอดอารมณ์ของเอฟเฟกต์สีและแสง “หลายคนได้รับน้อย บางคนได้รับมาก ทุกคนเปิดจิตวิญญาณแห่งธรรมชาติด้วยวิธีที่แตกต่างกัน ดังนั้นจึงไม่มีใครกล้าถ่ายทอดประสบการณ์และกฎเกณฑ์ของตนให้ผู้อื่นทราบโดยถือเป็นกฎหมายที่ไม่มีเงื่อนไขผูกมัด ไม่มีใครเป็นตัววัดทั้งหมด ทุกคนมีมาตรการภายในตัวเขาเองและเพื่อธรรมชาติไม่มากก็น้อย” ภาพสะท้อนของปรมาจารย์นี้พิสูจน์ให้เห็นถึงความสมบูรณ์ที่น่าทึ่งของชีวิตภายในและความคิดสร้างสรรค์ของเขา ความเป็นเอกลักษณ์ของศิลปินนั้นชัดเจนในอิสระในการทำงานของเขาเท่านั้น - ฟรีดริชผู้โรแมนติกยืนอยู่บนสิ่งนี้

ดูเหมือนว่าเป็นทางการมากขึ้นคือการหลุดพ้นจากศิลปิน - "คลาสสิก" - ตัวแทนของความคลาสสิกของภาพวาดโรแมนติกอีกสาขาหนึ่งในเยอรมนี - ชาวนาซาเร็น ก่อตั้งขึ้นในเวียนนาและตั้งรกรากในกรุงโรม (พ.ศ. 2352-2353) "สหภาพเซนต์ลุค" รวมปรมาจารย์เข้ากับแนวคิดในการฟื้นฟูศิลปะที่ยิ่งใหญ่ของประเด็นทางศาสนา ยุคกลางเป็นช่วงเวลาแห่งประวัติศาสตร์ที่ชื่นชอบสำหรับชาวโรแมนติก แต่ในการแสวงหาทางศิลปะของพวกเขา ชาวนาซารีนหันไปใช้ประเพณีการวาดภาพยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นในอิตาลีและเยอรมนี Overbeck และ Geforr เป็นผู้ริเริ่มพันธมิตรใหม่ ซึ่งภายหลังได้เข้าร่วมโดย Cornelius, J. Schnoff von Karolsfeld, Veit Fürich

การเคลื่อนไหวของชาวนาซารีนนี้สอดคล้องกับรูปแบบการต่อต้านนักวิชาการคลาสสิกนิยมในฝรั่งเศส อิตาลี และอังกฤษ ตัวอย่างเช่น ในฝรั่งเศส ศิลปินที่เรียกว่า "ดึกดำบรรพ์" ถือกำเนิดขึ้นจากการประชุมเชิงปฏิบัติการของเดวิด และในอังกฤษ กลุ่มพรีราฟาเอล ด้วยจิตวิญญาณของประเพณีโรแมนติก พวกเขาถือว่าศิลปะเป็น "การแสดงออกของเวลา" "จิตวิญญาณของผู้คน" แต่ความชอบที่เป็นธีมหรือเป็นทางการของพวกเขา ซึ่งในตอนแรกฟังดูเหมือนสโลแกนของการรวมเป็นหนึ่ง หลังจากนั้นไม่นาน เข้าสู่หลักคำสอนเดียวกันกับของ Academy ซึ่งพวกเขาปฏิเสธ

ศิลปะแห่งจินตนิยม ในประเทศฝรั่งเศสพัฒนาขึ้นด้วยวิธีเฉพาะ สิ่งแรกที่ทำให้แตกต่างจากการเคลื่อนไหวที่คล้ายคลึงกันในประเทศอื่น ๆ คือลักษณะที่ก้าวร้าว ("ปฏิวัติ") กวี นักเขียน นักดนตรี ศิลปิน ปกป้องตำแหน่งของพวกเขาไม่เพียงแค่สร้างผลงานใหม่ แต่ยังมีส่วนร่วมในการโต้เถียงในนิตยสารและหนังสือพิมพ์ ซึ่งนักวิจัยมองว่าเป็น "การต่อสู้ที่โรแมนติก" V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz และนักเขียน นักแต่งเพลง และนักหนังสือพิมพ์ชาวฝรั่งเศสคนอื่นๆ ที่มีชื่อเสียงหลายคน "เชิดหน้าชูตา" ในการโต้เถียงที่โรแมนติก

จิตรกรรมแนวโรแมนติกในฝรั่งเศสเกิดขึ้นจากความขัดแย้งกับโรงเรียนคลาสสิกของเดวิด ซึ่งเป็นศิลปะเชิงวิชาการ ซึ่งเรียกโดยทั่วไปว่า "โรงเรียน" แต่สิ่งนี้ต้องเข้าใจในความหมายที่กว้างกว่า นั่นคือการต่อต้านอุดมการณ์อย่างเป็นทางการของยุคปฏิกิริยา ซึ่งเป็นการประท้วงต่อต้านข้อจำกัดของชนชั้นนายทุนน้อย ดังนั้นลักษณะที่น่าสมเพชของงานโรแมนติก, ความตื่นเต้นประหม่า, แรงดึงดูดต่อลวดลายแปลกใหม่, โครงเรื่องทางประวัติศาสตร์และวรรณกรรม, ไปจนถึงทุกสิ่งที่สามารถนำไปสู่ ​​"ชีวิตประจำวันที่มืดสลัว" ดังนั้นการเล่นแห่งจินตนาการนี้และบางครั้งก็ตรงกันข้าม ฝันกลางวันและขาดกิจกรรมโดยสิ้นเชิง

ตัวแทนของ "โรงเรียน" นักวิชาการ กบฏต่อภาษาของโรแมนติกเป็นหลัก: สีร้อนที่น่าตื่นเต้นของพวกเขา แบบจำลองของแบบฟอร์ม ไม่คุ้นเคยกับ "คลาสสิก" รูปปั้นพลาสติก แต่สร้างขึ้นจากความแตกต่างอย่างมาก ของจุดสี การออกแบบที่แสดงออกโดยจงใจปฏิเสธความแม่นยำและความคลาสสิค องค์ประกอบที่กล้าหาญ บางครั้งวุ่นวาย ปราศจากความโอ่อ่าและความสงบที่ไม่สั่นคลอน Ingres ศัตรูที่โอนอ่อนไม่ได้ของความรักจนกระทั่งวาระสุดท้ายของชีวิตของเขากล่าวว่า Delacroix "เขียนด้วยไม้กวาดบ้า" และ Delacroix กล่าวหา Ingres และศิลปินทั้งหมดของ "โรงเรียน" ว่าเย็นชามีเหตุผลไม่มีการเคลื่อนไหว อย่าเขียน แต่ "วาด" ภาพวาดของพวกเขา แต่นี่ไม่ใช่การปะทะกันธรรมดาๆ ของสองบุคลิกที่สดใสและแตกต่างกันอย่างสิ้นเชิง แต่เป็นการต่อสู้ระหว่างสองโลกทัศน์ทางศิลปะที่แตกต่างกัน

การต่อสู้ครั้งนี้กินเวลาเกือบครึ่งศตวรรษ แนวโรแมนติกในงานศิลปะไม่ได้ชนะอย่างง่ายดายและไม่ใช่ในทันที และศิลปินคนแรกของเทรนด์นี้คือ Theodore Gericault (1791-1824) - ต้นแบบของรูปแบบอนุสาวรีย์ที่กล้าหาญ คุณสมบัติและคุณลักษณะของแนวโรแมนติกเอง และในที่สุด จุดเริ่มต้นที่เหมือนจริงอันทรงพลัง ซึ่งมีผลกระทบอย่างมากต่อศิลปะแห่งความสมจริงในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 แต่ในช่วงชีวิตของเขาเขาได้รับการชื่นชมจากเพื่อนสนิทเพียงไม่กี่คนเท่านั้น

ชื่อของ Theodore Zhariko มีความเกี่ยวข้องกับความสำเร็จครั้งแรกของแนวโรแมนติก ในภาพวาดยุคแรก ๆ ของเขา (ภาพเหมือนของทหารภาพม้า) อุดมคติในสมัยโบราณได้ลดลงก่อนที่จะมีการรับรู้โดยตรงเกี่ยวกับชีวิต

ในร้านเสริมสวยในปี 1812 Géricaultแสดงรูปภาพ "เจ้าหน้าที่ทหารม้าของจักรวรรดิระหว่างการโจมตี"เป็นปีแห่งความรุ่งโรจน์ของนโปเลียนและอำนาจทางทหารของฝรั่งเศส

องค์ประกอบของภาพนำเสนอผู้ขี่ในมุมมองที่ผิดปกติของช่วงเวลา "ฉับพลัน" เมื่อม้าเลี้ยงขึ้น และผู้ขี่ซึ่งถือตำแหน่งเกือบตั้งตรงของม้า หันไปหาผู้ชม ภาพของช่วงเวลาแห่งความไม่แน่นอน ความเป็นไปไม่ได้ของท่วงท่าจะช่วยเพิ่มผลกระทบของการเคลื่อนไหว ม้ามีจุดรองรับอยู่จุดหนึ่ง มันจะต้องตกลงไปที่พื้น ขันเข้าสู้ที่ทำให้มันอยู่ในสภาพเช่นนั้น ความศรัทธาอย่างไม่มีเงื่อนไขของ Gericault ในความเป็นไปได้ที่บุคคลหนึ่งจะเป็นเจ้าของพลังของตนเอง ความรักอันแรงกล้าในการวาดภาพม้า และความกล้าหาญของปรมาจารย์มือใหม่ในการแสดงสิ่งที่มีเพียงดนตรีหรือภาษากวีเท่านั้นที่สามารถถ่ายทอดได้ก่อนหน้านี้ นั่นคือความตื่นเต้นของ การต่อสู้ จุดเริ่มต้นของการโจมตี ความตึงเครียดขั้นสุดท้ายของสิ่งมีชีวิต นักเขียนหนุ่มสร้างภาพของเขาจากการถ่ายทอดไดนามิกของการเคลื่อนไหว และเป็นสิ่งสำคัญสำหรับเขาที่จะต้องเตรียมผู้ชมให้พร้อมสำหรับ "การคิด" การวาดภาพด้วย "วิสัยทัศน์ภายใน" และความรู้สึกของสิ่งที่เขาต้องการวาดภาพ

ฝรั่งเศสแทบไม่มีประเพณีเกี่ยวกับพลวัตของการเล่าเรื่องด้วยภาพแบบโรแมนติก ยกเว้นบางทีในรูปปั้นนูนต่ำนูนสูงแบบโกธิค เพราะเมื่อ Gericault มาที่อิตาลีครั้งแรก เขาตกตะลึงกับพลังที่ซ่อนเร้นของบทประพันธ์ของ Michelangelo "ฉันตัวสั่น" เขาเขียน "ฉันสงสัยในตัวเองและไม่สามารถฟื้นตัวจากประสบการณ์นี้เป็นเวลานาน" แต่สเตนดาลชี้ว่ามิเกลันเจโลเป็นผู้บุกเบิกแนวโวหารใหม่ในงานศิลปะก่อนหน้านี้ในบทความโต้เถียงของเขา

ภาพวาดของ Gericault ไม่เพียงประกาศการกำเนิดของความสามารถทางศิลปะใหม่เท่านั้น แต่ยังเป็นการยกย่องความหลงใหลและความผิดหวังของผู้เขียนที่มีต่อแนวคิดของนโปเลียน มีงานอื่น ๆ อีกหลายอย่างที่เกี่ยวข้องกับหัวข้อนี้: เจ้าหน้าที่ Carabinieri”, “เจ้าหน้าที่ Cuirassier ก่อนการโจมตี”, “ภาพเหมือนของ carabinieri”, “เจ้าหน้าที่ Cuirassier ที่ได้รับบาดเจ็บ”

ในบทความเรื่อง "ภาพสะท้อนสถานะของจิตรกรรมในฝรั่งเศส" เขาเขียนว่า "ความหรูหราและศิลปะกลายเป็น ... ความจำเป็นและเป็นอาหารสำหรับจินตนาการซึ่งเป็นชีวิตที่สองของผู้มีอารยธรรม . .. ไม่ใช่เรื่องของความจำเป็นที่สำคัญศิลปะจะปรากฏเฉพาะเมื่อความต้องการที่จำเป็นได้รับการตอบสนองและเมื่อความอุดมสมบูรณ์มาถึง ชายผู้ปราศจากความกังวลในชีวิตประจำวัน เริ่มแสวงหาความสุขเพื่อขจัดความเบื่อหน่าย ซึ่งจะตามทันเขาอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ท่ามกลางความพึงพอใจ

Gericault แสดงให้เห็นถึงความเข้าใจในบทบาทการศึกษาและความเห็นอกเห็นใจของศิลปะดังกล่าวหลังจากกลับมาจากอิตาลีในปี พ.ศ. 2361 เขาเริ่มมีส่วนร่วมในการพิมพ์หินโดยจำลองหัวข้อต่าง ๆ รวมถึงความพ่ายแพ้ของนโปเลียน ( “กลับจากรัสเซีย”).

ในเวลาเดียวกันศิลปินหันไปใช้ภาพการจมของเรือรบ Meduza นอกชายฝั่งแอฟริกาซึ่งทำให้สังคมในยุคนั้นตื่นเต้น ภัยพิบัติเกิดขึ้นจากความผิดพลาดของกัปตันที่ไม่มีประสบการณ์ซึ่งได้รับการแต่งตั้งให้ดำรงตำแหน่งในพระบรมราชูปถัมภ์ ผู้โดยสารที่รอดชีวิตจากเรือ ศัลยแพทย์ Savigny และวิศวกร Correar พูดถึงรายละเอียดเกี่ยวกับอุบัติเหตุ

เรือที่กำลังจะตายพยายามสลัดแพซึ่งมีผู้ช่วยชีวิตไม่กี่คน เป็นเวลาสิบสองวันที่พวกเขาถูกพัดพาไปตามทะเลอันบ้าคลั่งจนกระทั่งพวกเขาพบกับความรอด - เรือ "อาร์กัส"

Gericault สนใจในสถานการณ์ของความตึงเครียดขั้นสูงสุดของความแข็งแกร่งทางวิญญาณและร่างกายของมนุษย์ ภาพวาดแสดงผู้โดยสารที่รอดชีวิต 15 คนบนแพเมื่อพวกเขาเห็น Argus บนขอบฟ้า “แพของเมดูซ่า”เป็นผลมาจากการเตรียมงานที่ยาวนานของศิลปิน เขาสร้างภาพร่างของทะเลที่บ้าคลั่ง ภาพเหมือนของผู้ที่ได้รับการช่วยเหลือในโรงพยาบาล ในตอนแรก Gericault ต้องการแสดงการต่อสู้ของผู้คนบนแพ แต่แล้วเขาก็ตัดสินจากพฤติกรรมที่กล้าหาญของผู้ชนะขององค์ประกอบทะเลและความประมาทเลินเล่อของรัฐ ผู้คนอดทนต่อความโชคร้ายอย่างกล้าหาญและความหวังในความรอดไม่ได้ละทิ้งพวกเขา: แต่ละกลุ่มบนแพมีลักษณะเฉพาะของตนเอง ในการสร้างองค์ประกอบ Gericault เลือกมุมมองจากด้านบนซึ่งทำให้เขาสามารถรวมพื้นที่ครอบคลุมแบบพาโนรามา (มองเห็นระยะทางทะเล) และพรรณนาโดยนำชาวแพทั้งหมดเข้ามาใกล้เบื้องหน้า การเคลื่อนไหวนี้สร้างขึ้นจากความแตกต่างของร่างที่นอนหมดหนทางอยู่เบื้องหน้าและกลุ่มที่ใจร้อนให้สัญญาณแก่เรือที่กำลังแล่นผ่าน ความชัดเจนของจังหวะการเติบโตของไดนามิกจากกลุ่มหนึ่งไปอีกกลุ่มหนึ่ง, ความงามของร่างกายที่เปลือยเปล่า, สีเข้มของภาพได้กำหนดบันทึกบางอย่างของแบบแผนของภาพ แต่นี่ไม่ใช่ประเด็นสำหรับผู้ดูที่รับรู้ซึ่งความมีแบบแผนของภาษาช่วยให้เข้าใจและรู้สึกถึงสิ่งสำคัญ: ความสามารถของบุคคลในการต่อสู้และชนะ มหาสมุทรคำราม เรือกำลังคร่ำครวญ เชือกกำลังดัง แพแตก ลมได้พัดพาคลื่นและฉีกเมฆดำเป็นชิ้นเล็กชิ้นน้อย

ไม่ใช่ฝรั่งเศสเองที่ขับเคลื่อนด้วยพายุแห่งประวัติศาสตร์? คิดว่า Eugene Delacroix ยืนอยู่ข้างภาพวาด “แพของเมดูซ่าทำให้ Delacroix ตกใจ เขาร้องไห้และเหมือนคนบ้า กระโดดออกจากห้องทำงานของ Gericault ซึ่งเขามักจะไปเยี่ยมชมบ่อยๆ

ความหลงใหลดังกล่าวไม่รู้จักศิลปะของดาวิด

แต่ชีวิตของ Gericault จบลงอย่างน่าเศร้าก่อนเวลาอันควร (เขาป่วยระยะสุดท้ายหลังจากตกจากหลังม้า) และแผนการมากมายของเขาก็ยังไม่เสร็จ

นวัตกรรมของ Géricault เปิดโอกาสใหม่ๆ ในการถ่ายทอดการเคลื่อนไหวที่สร้างความกังวลให้กับเรื่องรักๆ ใคร่ๆ ความรู้สึกพื้นฐานของบุคคล

ทายาทของ Géricault ในภารกิจของเขาคือ Eugene Delacroix จริงอยู่ Delacroix ได้รับอนุญาตให้มีอายุยืนยาวขึ้นเป็นสองเท่า และเขาไม่เพียงแต่สามารถพิสูจน์ความถูกต้องของแนวโรแมนติกเท่านั้น แต่ยังให้พรแก่แนวทางใหม่ในการวาดภาพชั้น 2 ด้วย ศตวรรษที่ 19 - อิมเพรสชั่นนิสต์

ก่อนที่จะเริ่มเขียนด้วยตัวเอง Eugene เรียนที่โรงเรียน Lerain เขาวาดภาพจากชีวิต คัดลอก Rubens, Rembrandt, Veronese, Titian ผู้ยิ่งใหญ่ใน Louvre ... ศิลปินหนุ่มทำงาน 10-12 ชั่วโมงต่อวัน เขาจำคำพูดของ Michelangelo ผู้ยิ่งใหญ่: "การวาดภาพเป็นที่รักที่อิจฉามันต้องการทั้งคน ... "

Delacroix หลังจากการสาธิตการแสดงโดย Géricault ทราบดีว่าเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลงทางอารมณ์ที่รุนแรงได้มาถึงงานศิลปะแล้ว ประการแรก เขาพยายามที่จะเข้าใจยุคใหม่สำหรับเขาผ่านโครงเรื่องวรรณกรรมที่มีชื่อเสียง ภาพวาดของเขา "ดันเต้และเวอร์จิล"นำเสนอในห้องโถงของปี 1822 เป็นความพยายามผ่านภาพที่เชื่อมโยงทางประวัติศาสตร์ของกวีสองคน: สมัยโบราณ - Virgil และ Renaissance - Dante - เพื่อดูหม้อต้มเดือดซึ่งเป็น "นรก" ของยุคใหม่ ครั้งหนึ่งใน "Divine Comedy" Dante ได้นำดินแดนของ Virgil เป็นผู้คุ้มกันในทุก ๆ ด้าน (สวรรค์, นรก, นรก) ในงานของ Dante โลกยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาใหม่เกิดขึ้นจากการสัมผัสกับความทรงจำของสมัยโบราณในยุคกลาง สัญลักษณ์ของความโรแมนติกในฐานะการสังเคราะห์ของสมัยโบราณยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและยุคกลางเกิดขึ้นใน "ความสยองขวัญ" ของวิสัยทัศน์ของ Dante และ Virgil แต่สัญลักษณ์เปรียบเทียบทางปรัชญาที่ซับซ้อนกลายเป็นตัวอย่างทางอารมณ์ที่ดีของยุคก่อนยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและวรรณกรรมชิ้นเอกที่เป็นอมตะ

เดลาครัวซ์จะพยายามค้นหาคำตอบโดยตรงในหัวใจของผู้ร่วมสมัยผ่านความโศกเศร้าของเขาเอง คนหนุ่มสาวในเวลานั้นลุกโชนด้วยเสรีภาพและความเกลียดชังต่อผู้กดขี่เห็นอกเห็นใจกับสงครามปลดปล่อยของกรีซ ไบรอนกวีโรแมนติกแห่งอังกฤษกำลังไปที่นั่นเพื่อต่อสู้ เดลาครัวมองเห็นความหมายของยุคใหม่ในการพรรณนาถึงเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ที่เฉพาะเจาะจงมากขึ้น นั่นคือการต่อสู้และความทุกข์ทรมานของชาวกรีซผู้รักอิสระ เขาอาศัยอยู่ในแผนการตายของประชากรของเกาะ Chios ของกรีกซึ่งถูกจับโดยพวกเติร์ก ที่ Salon of 1824 Delacroix แสดงภาพวาด "การสังหารหมู่บนเกาะ Chios"กับฉากหลังของภูมิประเทศที่เป็นเนินเขาที่กว้างใหญ่สุดลูกหูลูกตา ซึ่งยังคงกรีดร้องจากควันไฟและการต่อสู้ที่ไม่หยุดยั้ง ศิลปินแสดงกลุ่มสตรีและเด็กที่บาดเจ็บและเหนื่อยล้าหลายกลุ่ม พวกเขามีอิสระในนาทีสุดท้ายก่อนที่ศัตรูจะเข้ามาใกล้ ชาวเติร์กบนหลังม้าที่กำลังเลี้ยงอยู่ทางด้านขวาดูเหมือนว่าจะแขวนอยู่เหนือพื้นหน้าทั้งหมดและผู้ประสบภัยจำนวนมากที่อยู่ที่นั่น ร่างกายที่สวยงามใบหน้าของผู้คนที่หลงใหล ยังไงก็ตาม Delacroix จะเขียนในภายหลังว่าประติมากรรมกรีกถูกเปลี่ยนโดยศิลปินให้กลายเป็นอักษรอียิปต์โบราณที่ซ่อนความงามของใบหน้าและรูปร่างของกรีกที่แท้จริง แต่เมื่อเผยให้เห็น "ความงามของจิตวิญญาณ" ในใบหน้าของชาวกรีกที่พ่ายแพ้จิตรกรก็แสดงเหตุการณ์ต่าง ๆ อย่างมากเพื่อที่จะรักษาความตึงเครียดแบบไดนามิกเดียวเขาไปที่การเปลี่ยนรูปของมุมของร่าง "ความผิดพลาด" เหล่านี้ได้รับการ "แก้ไข" แล้วโดยงานของ Gericault แต่ Delacroix แสดงให้เห็นอีกครั้งถึงลัทธิโรแมนติกที่ว่าการวาดภาพนั้น "ไม่ใช่ความจริงของสถานการณ์ แต่เป็นความจริงของความรู้สึก"

ในปี 1824 Delacroix สูญเสียเพื่อนและครูของเขา Géricault และเขาก็เป็นผู้นำของภาพวาดใหม่

หลายปีผ่านไป ทีละภาพปรากฏขึ้น: “กรีซบนซากปรักหักพังของ Missalunga”, “ความตายของ Sardanapalus”และอื่น ๆ ศิลปินกลายเป็นคนที่ถูกขับไล่ในแวดวงการวาดภาพอย่างเป็นทางการ แต่การปฏิวัติเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2373 ได้เปลี่ยนแปลงสถานการณ์ เธอจุดประกายศิลปินด้วยความรักแห่งชัยชนะและความสำเร็จ เขาวาดภาพ "เสรีภาพบนเครื่องกีดขวาง".

ในปี พ.ศ. 2374 ที่ Paris Salon ชาวฝรั่งเศสได้ชมภาพวาด "Freedom on the Barricades" ของ Eugene Delacroix ซึ่งอุทิศให้กับ "สามวันอันรุ่งโรจน์" ของการปฏิวัติเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2373 เป็นครั้งแรก ผืนผ้าใบสร้างความประทับใจอันน่าทึ่งให้กับผู้ร่วมสมัยด้วยพลัง ประชาธิปไตย และความกล้าหาญในการตัดสินใจทางศิลปะ ตามตำนาน ชนชั้นกลางผู้น่านับถือคนหนึ่งอุทานว่า: "คุณพูดว่า - หัวหน้าโรงเรียนเหรอ? บอกเลยดีกว่า - หัวขบถ! หลังจากการปิดซาลอน รัฐบาลซึ่งหวาดกลัวต่อคำอุทธรณ์ที่คุกคามและสร้างแรงบันดาลใจที่เล็ดลอดออกมาจากภาพ จึงรีบส่งคืนให้กับผู้เขียน ในช่วงการปฏิวัติปี 1848 มีการจัดแสดงต่อสาธารณะอีกครั้งในพระราชวังลักเซมเบิร์ก และกลับไปที่ศิลปินอีกครั้ง หลังจากผืนผ้าใบจัดแสดงที่งานนิทรรศการโลกในปารีสในปี พ.ศ. 2398 ผืนผ้าใบก็จบลงที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ หนึ่งในผลงานสร้างสรรค์ที่ดีที่สุดของแนวโรแมนติกของฝรั่งเศสถูกเก็บไว้ที่นี่จนถึงทุกวันนี้ - เรื่องราวของผู้เห็นเหตุการณ์ที่ได้รับแรงบันดาลใจและอนุสรณ์สถานอันเป็นนิรันดร์สำหรับการต่อสู้ของประชาชนเพื่ออิสรภาพของพวกเขา

ภาษาศิลปะใดที่หนุ่มโรแมนติกชาวฝรั่งเศสพบเพื่อรวมหลักการที่ดูเหมือนตรงกันข้ามทั้งสองนี้ - ภาพรวมที่กว้างและครอบคลุมทั้งหมดและความเป็นจริงที่เป็นรูปธรรมที่โหดร้ายในความเปลือยเปล่า

ปารีสแห่งวันที่มีชื่อเสียงในเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2373 อากาศเต็มไปด้วยควันและฝุ่นสีเทา เมืองที่สวยงามและสง่างามหายไปในหมอกควัน ในระยะไกล มองเห็นได้ยาก แต่หอคอยของมหาวิหารน็อทร์-ดามตั้งตระหง่านอย่างภาคภูมิ ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของประวัติศาสตร์ วัฒนธรรม และจิตวิญญาณของชาวฝรั่งเศส จากที่นั่น จากเมืองควันโขมง เหนือซากสิ่งกีดขวาง เหนือซากศพของสหายที่เสียชีวิต กลุ่มผู้ก่อความไม่สงบออกมาอย่างดื้อรั้นและเด็ดเดี่ยว พวกเขาแต่ละคนสามารถตายได้ แต่ย่างก้าวของกบฏนั้นไม่สั่นคลอน - พวกเขาได้รับแรงบันดาลใจจากความตั้งใจที่จะชนะเพื่ออิสรภาพ

พลังแห่งแรงบันดาลใจนี้แฝงอยู่ในภาพลักษณ์ของหญิงสาวแสนสวยที่เรียกร้องหาเธออย่างเร่าร้อน ด้วยพลังที่ไม่มีวันหมด การเคลื่อนไหวที่รวดเร็วและเป็นอิสระ เธอจึงเปรียบเสมือนเทพธิดากรีก

นิคชนะครับ ร่างที่แข็งแรงของเธอสวมชุดผ้าซีตัน ใบหน้าของเธอสมบูรณ์แบบพร้อมดวงตาที่ลุกโชน หันไปทางพวกกบฏ ในมือข้างหนึ่งถือธงไตรรงค์ของฝรั่งเศส อีกมือหนึ่งถือปืน บนหัวมีหมวก Phrygian - สัญลักษณ์โบราณของการปลดปล่อยจากการเป็นทาส ขั้นตอนของเธอรวดเร็วและเบา - นี่คือขั้นตอนที่เทพธิดา ในขณะเดียวกันภาพลักษณ์ของผู้หญิงก็เป็นจริง - เธอเป็นลูกสาวของชาวฝรั่งเศส เธอเป็นผู้ชี้นำเบื้องหลังการเคลื่อนไหวของกลุ่มบนเครื่องกีดขวาง จากแหล่งกำเนิดแสงในใจกลางของพลังงานรังสีจะแผ่ออกมาชาร์จด้วยความกระหายและความปรารถนาที่จะชนะ ผู้ที่อยู่ใกล้ชิดกับสายนี้ต่างแสดงออกถึงการมีส่วนร่วมในการเรียกร้องที่สร้างแรงบันดาลใจและสร้างแรงบันดาลใจด้วยวิธีของตนเอง

ทางด้านขวาคือเด็กชายชาวปารีส กำปืนพกกวัดแกว่ง เขาใกล้ชิดกับ Freedom มากที่สุด และยังคงจุดประกายความกระตือรือร้นและความสุขจากแรงกระตุ้นอิสระของเธอ ด้วยการเคลื่อนไหวที่รวดเร็วและใจร้อนแบบเด็กๆ เขานำหน้าผู้สร้างแรงบันดาลใจไปเล็กน้อย นี่คือบรรพบุรุษของ Gavroche ผู้เป็นตำนาน ซึ่งแสดงโดย Victor Hugo ใน Les Misérables เมื่อยี่สิบปีต่อมา เขารีบวิ่งไปมา เขาขึ้น เขาลงไป

ลงมา, ลุกขึ้นอีกครั้ง, เกิดสนิม, เป็นประกายด้วยความสุข ดูเหมือนว่าเขามาที่นี่เพื่อให้กำลังใจทุกคน เขามีแรงจูงใจในเรื่องนี้หรือไม่? ใช่ แน่นอน ความยากจนของเขา เขามีปีกหรือไม่? ใช่แน่นอน ความร่าเริงของเขา มันเป็นลมบ้าหมู ดูเหมือนว่าจะเติมอากาศด้วยตัวมันเอง มีอยู่ทุกที่ในเวลาเดียวกัน ... เครื่องกีดขวางขนาดใหญ่รู้สึกได้ถึงกระดูกสันหลังของมัน

Gavroche ในภาพวาดของ Delacroix เป็นตัวตนของเยาวชน "แรงกระตุ้นที่สวยงาม" การยอมรับแนวคิดที่สดใสของเสรีภาพอย่างมีความสุข ภาพสองภาพ - Gavroche และ Liberty - ดูเหมือนจะเติมเต็มซึ่งกันและกัน ภาพหนึ่งคือไฟ อีกภาพหนึ่งคือคบเพลิงที่จุดจากมัน Heinrich Heine บอกว่าการตอบสนองอย่างมีชีวิตชีวาของ Gavroche เกิดขึ้นในหมู่ชาวปารีส “ไอ้บ้า! ร้านขายของชำอุทาน “เด็ก ๆ เหล่านั้นต่อสู้อย่างกับยักษ์!”

ทางซ้ายคือนักเรียนถือปืน ก่อนหน้านี้มันถูกมองว่าเป็นภาพตัวเองของศิลปิน กบฏนี้ไม่รวดเร็วเหมือน Gavroche การเคลื่อนไหวของเขามีความยับยั้งชั่งใจมากขึ้น มีสมาธิมากขึ้น และมีความหมายมากขึ้น มือบีบปากกระบอกปืนอย่างมั่นใจ สีหน้ากล้า มุ่งมั่นยืนหยัดให้ถึงที่สุด นี่เป็นภาพที่น่าสลดใจอย่างยิ่ง นักเรียนตระหนักถึงความสูญเสียที่กลุ่มกบฏจะต้องประสบอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ แต่ผู้ที่ตกเป็นเหยื่อไม่ได้ทำให้เขากลัว - ความตั้งใจที่จะเป็นอิสระนั้นแข็งแกร่งกว่า ข้างหลังเขามีคนงานที่กล้าหาญและแน่วแน่พร้อมดาบ ได้รับบาดเจ็บที่เท้าของ Freedom เขาลุกขึ้นอย่างยากลำบากเพื่อเงยหน้าขึ้นมอง Freedom อีกครั้ง เพื่อดูและรู้สึกอย่างสุดหัวใจถึงความงามที่เขากำลังจะตาย ตัวเลขนี้ทำให้เสียงของผืนผ้าใบของ Delacroix เริ่มต้นขึ้นอย่างน่าทึ่ง หากภาพของ Gavroche, Liberty, นักเรียน, คนงาน - เกือบจะเป็นสัญลักษณ์, ศูนย์รวมของเจตจำนงที่ไม่รู้จักพอของนักสู้เพื่ออิสรภาพ - สร้างแรงบันดาลใจและเรียกร้องให้ผู้ชมจากนั้นผู้บาดเจ็บก็เรียกร้องความเห็นอกเห็นใจ ผู้ชายบอกลาอิสรภาพบอกลาชีวิต เขายังคงเป็นแรงกระตุ้น การเคลื่อนไหว แต่เป็นแรงกระตุ้นที่จางหายไปแล้ว

รูปร่างของเขาเป็นช่วงเปลี่ยนผ่าน การจ้องมองของผู้ชมยังคงหลงใหลและหลงไหลไปกับความมุ่งมั่นในการปฏิวัติของกลุ่มกบฏ ลงไปที่ฐานของสิ่งกีดขวาง ปกคลุมไปด้วยร่างของทหารที่เสียชีวิตอย่างรุ่งโรจน์ ความตายถูกนำเสนอโดยศิลปินในความเปลือยเปล่าและหลักฐานของความจริง เราเห็นใบหน้าสีน้ำเงินของคนตาย ร่างกายที่เปลือยเปล่าของพวกเขา: การต่อสู้นั้นไร้ความปรานี และความตายก็เป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ในฐานะสหายของกลุ่มกบฏพอๆ กับ Freedom ผู้สร้างแรงบันดาลใจที่สวยงาม

แต่ไม่เหมือนกันซะทีเดียว! จากภาพที่น่ากลัวที่ขอบล่างของภาพเราเงยหน้าขึ้นอีกครั้งและเห็นร่างสาวสวย - ไม่! ชีวิตมีชัย! แนวคิดเรื่องอิสรภาพซึ่งแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนและจับต้องได้นั้นมุ่งเน้นไปที่อนาคตจนความตายในนามนั้นไม่น่ากลัว

ศิลปินวาดภาพกบฏกลุ่มเล็ก ๆ ทั้งที่มีชีวิตและตาย แต่กองหลังของสิ่งกีดขวางดูมีจำนวนมากผิดปกติ องค์ประกอบถูกสร้างขึ้นในลักษณะที่กลุ่มนักสู้ไม่จำกัด ไม่ปิดกั้นตัวเอง เธอเป็นเพียงส่วนหนึ่งของผู้คนที่ถล่มไม่สิ้นสุด ศิลปินให้ส่วนหนึ่งของกลุ่มเหมือนเดิม: กรอบของภาพตัดตัวเลขออกจากด้านซ้ายขวาและด้านล่าง

โดยปกติแล้วสีในผลงานของ Delacroix จะได้รับเสียงอารมณ์ซึ่งมีบทบาทสำคัญในการสร้างเอฟเฟกต์ที่น่าทึ่ง สีสันที่บางครั้งก็เดือดดาล บางครั้งก็ซีดจาง อู้อี้ สร้างบรรยากาศที่ตึงเครียด ในเสรีภาพที่เครื่องกีดขวาง Delacroix ออกจากหลักการนี้ การเลือกสีอย่างแม่นยำไม่มีผิดเพี้ยน ใช้กับสโตรกกว้าง ศิลปินถ่ายทอดบรรยากาศของการต่อสู้

แต่ช่วงของสีถูก จำกัด Delacroix มุ่งเน้นไปที่การสร้างแบบจำลองนูนของแบบฟอร์ม สิ่งนี้จำเป็นสำหรับการแก้ปัญหาโดยเป็นรูปเป็นร่างของรูปภาพ ท้ายที่สุดศิลปินก็สร้างอนุสาวรีย์สำหรับเหตุการณ์นี้ด้วยการวาดภาพเหตุการณ์เมื่อวานนี้โดยเฉพาะ ดังนั้นตัวเลขเกือบจะเป็นประติมากรรม ดังนั้น อักขระแต่ละตัวซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของภาพรวมเดียว จึงประกอบขึ้นเป็นบางสิ่งที่ปิดอยู่ในตัวมันเอง แสดงถึงสัญลักษณ์ที่โยนลงในแบบฟอร์มที่สมบูรณ์ ดังนั้นสีไม่เพียงส่งผลกระทบต่อความรู้สึกของผู้ชมทางอารมณ์เท่านั้น แต่ยังมีภาระทางสัญลักษณ์อีกด้วย ที่นี่และที่นั่น สีแดง น้ำเงิน ขาว 3 ชุดอันเคร่งขรึมกะพริบในพื้นที่สีน้ำตาลเทา ซึ่งเป็นสีของธงของการปฏิวัติฝรั่งเศสในปี 1789 การใช้สีซ้ำๆ เหล่านี้ช่วยสนับสนุนคอร์ดอันทรงพลังของธงไตรรงค์ที่บินอยู่เหนือเครื่องกีดขวาง

ภาพวาด "เสรีภาพบนเครื่องกีดขวาง" ของ Delacroix เป็นงานที่ซับซ้อนและยิ่งใหญ่ในขอบเขตของมัน ที่นี่รวมความถูกต้องของความจริงที่เห็นโดยตรงและสัญลักษณ์ของภาพ ความสมจริง การเข้าถึงธรรมชาติที่โหดร้าย และความงามในอุดมคติ หยาบน่ากลัวและประเสริฐบริสุทธิ์

ภาพวาด "เสรีภาพที่เครื่องกีดขวาง" รวมชัยชนะของแนวโรแมนติกในการวาดภาพฝรั่งเศส ในช่วงทศวรรษที่ 30 มีภาพวาดประวัติศาสตร์อีกสองภาพ: "การต่อสู้ของปัวตีเย"และ "การลอบสังหารบิชอปแห่ง Liege"

ในปี พ.ศ. 2365 ศิลปินได้ไปเยือนแอฟริกาเหนือ โมร็อกโก และแอลจีเรีย การเดินทางสร้างความประทับใจไม่รู้ลืมให้กับเขา ในช่วงทศวรรษที่ 50 มีภาพวาดปรากฏในผลงานของเขาซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากความทรงจำของการเดินทางครั้งนี้: ”การล่าสิงโต”, “โมร็อกโกอานม้า”และอื่น ๆ สีตัดกันที่สดใสสร้างเสียงที่โรแมนติกให้กับภาพวาดเหล่านี้ ในนั้นเทคนิคของจังหวะกว้างจะปรากฏขึ้น

Delacroix ในฐานะนักโรแมนติกได้บันทึกสถานะของจิตวิญญาณของเขาไม่เพียง แต่ในภาษาของภาพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความคิดของเขาในรูปแบบวรรณกรรมด้วย เขาอธิบายขั้นตอนการทำงานสร้างสรรค์ของศิลปินแนวโรแมนติก การทดลองสี การสะท้อนความสัมพันธ์ระหว่างดนตรีกับศิลปะรูปแบบอื่นๆ ได้เป็นอย่างดี ไดอารี่ของเขากลายเป็นที่ชื่นชอบการอ่านสำหรับศิลปินรุ่นต่อ ๆ ไป

โรงเรียนแนวโรแมนติกของฝรั่งเศสมีความก้าวหน้าอย่างมากในด้านประติมากรรม (ภาพนูนของ Rud และ Marseillaise) การวาดภาพทิวทัศน์ (Camille Corot กับภาพแสงธรรมชาติของฝรั่งเศส)

ต้องขอบคุณแนวโรแมนติกทำให้วิสัยทัศน์ส่วนตัวของศิลปินอยู่ในรูปของกฎหมาย อิมเพรสชันนิสม์จะทำลายกำแพงที่ขวางกั้นระหว่างศิลปินกับธรรมชาติโดยสิ้นเชิง โดยประกาศว่าศิลปะคือความประทับใจ แนวโรแมนติกพูดถึงจินตนาการของศิลปิน "เสียงแห่งความรู้สึกของเขา" ซึ่งทำให้เขาสามารถหยุดงานได้เมื่ออาจารย์เห็นว่าจำเป็นและไม่ได้เป็นไปตามมาตรฐานความสมบูรณ์ทางวิชาการ

หากจินตนาการของ Gericault มุ่งเน้นไปที่การถ่ายทอดการเคลื่อนไหว Delacroix เกี่ยวกับพลังเวทย์มนตร์ของสี และชาวเยอรมันได้เพิ่ม "จิตวิญญาณแห่งการวาดภาพ" บางอย่างเข้าไปในสิ่งนี้ สเปนโรแมนติกในบุคคลของ Francisco Goya (1746-1828) แสดงให้เห็นต้นกำเนิดของนิทานพื้นบ้านของสไตล์ลักษณะที่แปลกประหลาดและแปลกประหลาด โกยาเองและงานของเขาดูห่างไกลจากกรอบโวหารใด ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเนื่องจากศิลปินมักจะต้องปฏิบัติตามกฎของวัสดุการแสดง (เช่น เมื่อเขาสร้างภาพวาดสำหรับพรมทอโครงตาข่าย) หรือความต้องการของลูกค้า

ภาพลวงตาของเขาปรากฏขึ้นในชุดการแกะสลัก “คาปริโชส” (1797-1799),"ภัยพิบัติแห่งสงคราม" (1810-1820),“ความแตกต่าง (“ความโง่เขลา”)(พ.ศ. 2358-2363) ภาพจิตรกรรมฝาผนังของ "บ้านคนหูหนวก" และโบสถ์ซานอันโตนิโอเดลาฟลอริดาในมาดริด (พ.ศ. 2341) โรคร้ายแรงในปี พ.ศ. 2335 นำไปสู่การหูหนวกของศิลปินอย่างสมบูรณ์ ศิลปะของปรมาจารย์หลังจากทนทุกข์ทรมานกับการบาดเจ็บทางร่างกายและจิตวิญญาณจะมีสมาธิมากขึ้น มีความคิด และมีพลวัตภายใน โลกภายนอกซึ่งปิดลงเนื่องจากหูหนวก ได้กระตุ้นชีวิตจิตวิญญาณภายในของโกยา

ในการแกะสลัก “คาปริโชส” Goya ได้รับความแข็งแกร่งเป็นพิเศษในการถ่ายโอนปฏิกิริยาทันทีทันใดความรู้สึกใจร้อน การแสดงภาพขาวดำด้วยการผสมผสานที่ลงตัวของจุดขนาดใหญ่ การไม่มีลักษณะเชิงเส้นของกราฟิก ทำให้ได้มาซึ่งคุณสมบัติทั้งหมดของภาพวาด

ดูเหมือนว่าภาพจิตรกรรมฝาผนังของโบสถ์เซนต์แอนโธนีใน Madrid Goya สร้างขึ้นในลมหายใจเดียว อารมณ์ของจังหวะ, ความกระชับขององค์ประกอบ, การแสดงออกของลักษณะของตัวละครที่ Goya นำมาจากฝูงชนโดยตรงนั้นน่าทึ่งมาก ศิลปินพรรณนาถึงปาฏิหาริย์ของแอนโธนีแห่งฟลอริดา ผู้ทำให้ชายที่ถูกฆ่าฟื้นคืนชีพและพูดได้ ผู้ซึ่งตั้งชื่อฆาตกรและช่วยชีวิตผู้บริสุทธิ์จากการประหารชีวิต ความมีชีวิตชีวาของฝูงชนที่ตอบสนองอย่างสดใสได้รับการถ่ายทอดโดย Goya ทั้งในท่าทางและการแสดงออกทางสีหน้าของใบหน้าที่ปรากฎ ในรูปแบบการจัดองค์ประกอบของการแจกจ่ายภาพวาดในพื้นที่ของโบสถ์จิตรกรติดตาม Tiepolo แต่ปฏิกิริยาที่เขากระตุ้นในผู้ชมไม่ใช่แบบบาโรก แต่เป็นเรื่องโรแมนติกอย่างแท้จริงซึ่งส่งผลต่อความรู้สึกของผู้ชมแต่ละคนเรียกให้เขาหันไปหา ตัวเขาเอง.

สิ่งสำคัญที่สุดคือเป้าหมายนี้สำเร็จในภาพวาดของ Conto del Sordo ("บ้านของคนหูหนวก") ซึ่ง Goya อาศัยอยู่ตั้งแต่ปี 1819 ผนังห้องถูกปกคลุมด้วยองค์ประกอบสิบห้าชิ้นที่มีลักษณะมหัศจรรย์และเชิงเปรียบเทียบ การรับรู้พวกเขาต้องการการเอาใจใส่อย่างลึกซึ้ง ภาพเกิดขึ้นเป็นนิมิตบางประเภทเกี่ยวกับเมือง ผู้หญิง ผู้ชาย ฯลฯ สี แวบวับ ดึงรูปหนึ่งออกมา แล้วอีกรูปหนึ่ง ภาพวาดโดยรวมมืดมีจุดสีขาวเหลืองชมพูแดงและรู้สึกกระวนกระวายใจ การแกะสลักของซีรีส์ "ความแตกต่าง" .

Goya ใช้เวลา 4 ปีที่ผ่านมาในฝรั่งเศส ไม่น่าเป็นไปได้ที่เขาจะรู้ว่า Delacroix ไม่ได้มีส่วนร่วมกับ "Caprichos" ของเขา และเขาไม่สามารถคาดเดาได้ว่า Hugo และ Baudelaire จะหลงใหลการแกะสลักเหล่านี้อย่างไร ภาพวาดของเขามีอิทธิพลอย่างมากต่อ Manet อย่างไร และในทศวรรษที่ 80 ของศตวรรษที่ XIX เป็นอย่างไร V. Stasov จะเชิญศิลปินรัสเซียมาศึกษา "ภัยพิบัติแห่งสงคราม" ของเขา

แต่เราทราบดีว่าศิลปะ "ไร้สไตล์" ของนักสัจนิยมที่กล้าหาญและโรแมนติกที่ได้รับแรงบันดาลใจมีผลกระทบอย่างมากต่อวัฒนธรรมศิลปะของศตวรรษที่ 19 และ 20 อย่างไร

โลกแห่งความฝันอันน่าอัศจรรย์ยังถูกรับรู้ในผลงานของเขาโดยศิลปินแนวโรแมนติกชาวอังกฤษ William Blake (1757-1827) อังกฤษเป็นประเทศคลาสสิกของวรรณกรรมโรแมนติก ไบรอน เชลลีย์กลายเป็นธงของการเคลื่อนไหวนี้ไกลกว่า "อัลเบียนหมอก" ในฝรั่งเศส ในการวิจารณ์นิตยสารเกี่ยวกับช่วงเวลาของ "การต่อสู้ที่โรแมนติก" ชาวโรแมนติกถูกเรียกว่า คุณสมบัติหลักของการวาดภาพภาษาอังกฤษคือความสนใจในบุคลิกภาพของมนุษย์เสมอมา ซึ่งทำให้แนวภาพบุคคลสามารถพัฒนาได้อย่างเต็มที่ แนวโรแมนติกในการวาดภาพมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับความรู้สึกซาบซึ้ง ความสนใจแบบโรแมนติกในยุคกลางทำให้เกิดวรรณกรรมทางประวัติศาสตร์ขนาดใหญ่ อาจารย์ที่ได้รับการยอมรับคือ V. Scott ในการวาดภาพ ธีมของยุคกลางกำหนดรูปลักษณ์ของสิ่งที่เรียกว่า Peraphaelites

William Blake เป็นคนโรแมนติกที่น่าทึ่งในแวดวงวัฒนธรรมอังกฤษ เขาเขียนบทกวีแสดงภาพประกอบหนังสือของเขาเองและหนังสืออื่นๆ พรสวรรค์ของเขาพยายามที่จะโอบกอดและแสดงออกถึงโลกในความเป็นหนึ่งเดียวแบบองค์รวม ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือภาพประกอบสำหรับ "Book of Job", "The Divine Comedy" โดย Dante, "Paradise Lost" โดย Milton เขาแต่งเพลงประกอบของเขาด้วยหุ่นฮีโร่ขนาดมหึมา ซึ่งสอดคล้องกับสภาพแวดล้อมของพวกเขาในโลกที่สว่างไสวหรือโลกแห่งความฝัน ความหยิ่งผยองหรือความกลมเกลียวที่ยากจะสร้างขึ้นจากความไม่ลงรอยกันครอบงำภาพประกอบของเขา

ภาพแกะสลักภูมิทัศน์สำหรับ "ศิษยาภิบาล" ของกวีชาวโรมัน Virgil นั้นดูแตกต่างออกไปเล็กน้อย - พวกมันมีความโรแมนติกที่งดงามกว่าผลงานชิ้นก่อนๆ

ความโรแมนติกของเบลคกำลังพยายามค้นหาสูตรทางศิลปะและรูปแบบการดำรงอยู่ของโลก

วิลเลี่ยม เบลค ใช้ชีวิตอย่างแร้นแค้นและคลุมเครือ หลังจากที่เขาเสียชีวิต เขาได้รับการจัดอันดับให้เป็นหนึ่งในศิลปินคลาสสิกของอังกฤษ

ในผลงานของจิตรกรภูมิทัศน์ชาวอังกฤษในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 งานอดิเรกที่โรแมนติกผสมผสานกับมุมมองที่เป็นกลางและเงียบขรึมของธรรมชาติมากขึ้น

ภูมิทัศน์ที่ยกสูงอย่างโรแมนติกสร้างโดย William Turner (1775-1851) เขาชอบวาดภาพพายุฝนฟ้าคะนอง ฝนที่ตกหนัก พายุในทะเล พระอาทิตย์ตกที่สดใสและร้อนแรง เทอร์เนอร์มักจะใช้เอฟเฟ็กต์ของแสงเกินจริงและเพิ่มเสียงของสีให้เข้มขึ้น แม้ว่าเขาจะวาดภาพความสงบของธรรมชาติก็ตาม เพื่อให้ได้ผลลัพธ์ที่ดียิ่งขึ้น เขาใช้เทคนิคสีน้ำและสีน้ำมันทาในชั้นบางๆ แล้วทาสีลงบนพื้นโดยตรง เพื่อให้ได้สีรุ้งที่ล้นออกมา ตัวอย่างคือรูปภาพ “ฝน ไอน้ำ และความเร็ว”(พ.ศ. 2387). แต่แม้แต่นักวิจารณ์ที่มีชื่อเสียงในเวลานั้น แธกเกอร์เรย์ ก็ไม่สามารถเข้าใจได้อย่างถูกต้อง บางทีอาจจะเป็นภาพที่สร้างสรรค์ที่สุดทั้งในด้านการออกแบบและการใช้งาน “ฝนถูกบ่งชี้ด้วยคราบของผงสำหรับอุดรูสกปรก” เขาเขียน “โปรยลงมาบนผืนผ้าใบด้วยมีดจานสี แสงแดดที่มีแสงระยิบระยับทึมๆ ส่องผ่านก้อนโครเมียมสีเหลืองสกปรกที่หนามาก เงาถูกถ่ายทอดด้วยเฉดสีเย็นของกระจุกแดงและจุดชาดของโทนสีอ่อน และแม้ว่าไฟในเตาหลอมของหัวรถจักรจะดูเป็นสีแดง แต่ฉันไม่คิดว่าจะยืนยันว่ามันไม่ได้ทาสีด้วยสีกาบอลต์หรือสีถั่ว นักวิจารณ์อีกคนพบว่าเทอร์เนอร์ใส่สีของ "ไข่กวนและผักโขม" สีสันของ Turner ผู้ล่วงลับโดยทั่วไปดูเหมือนเป็นเรื่องที่คิดไม่ถึงและน่าอัศจรรย์สำหรับผู้ร่วมสมัย ต้องใช้เวลากว่าหนึ่งศตวรรษในการมองเห็นการสังเกตที่แท้จริงในตัวพวกเขา แต่ในกรณีอื่น ๆ มันอยู่ที่นี่ เรื่องราวที่น่าสงสัยของผู้เห็นเหตุการณ์หรือมากกว่านั้นคือพยานในการกำเนิดของ "ฝน ไอน้ำ และความเร็ว" ได้รับการเก็บรักษาไว้ Mrs. Simone คนหนึ่งนั่งอยู่ในห้องโดยสารของ Western Express โดยมีสุภาพบุรุษสูงวัยนั่งตรงข้ามเธอ เขาขออนุญาตเปิดหน้าต่าง ยื่นศีรษะออกไปท่ามกลางสายฝนที่โปรยปราย และยังคงอยู่ในท่านั้นอยู่พักหนึ่ง เมื่อเขาปิดหน้าต่างในที่สุด น้ำหยดจากเขาในลำธาร แต่เขาหลับตาอย่างมีความสุขและเอนหลัง เพลิดเพลินกับสิ่งที่เขาเพิ่งเห็นอย่างชัดเจน หญิงสาวที่อยากรู้อยากเห็นตัดสินใจสัมผัสความรู้สึกของตัวเอง - เธอยังยื่นหัวออกไปนอกหน้าต่างด้วย ยังเปียก แต่ฉันได้รับความประทับใจไม่รู้ลืม ลองนึกภาพความประหลาดใจของเธอที่ในอีกหนึ่งปีต่อมา เธอได้เห็น Rain, Steam และ Speed ​​ที่งานนิทรรศการในลอนดอน ใครบางคนที่อยู่ข้างหลังเธอวิจารณ์ว่า “เทอร์เนอร์เป็นแบบฉบับอย่างมาก ถูกต้อง ไม่มีใครเคยเห็นส่วนผสมที่ไร้สาระเช่นนี้มาก่อน” และเธอไม่สามารถควบคุมตัวเองได้พูดว่า: "ฉันเห็น"

บางทีนี่อาจเป็นภาพแรกของรถไฟในการวาดภาพ มุมมองนำมาจากที่ใดที่หนึ่งด้านบนซึ่งทำให้สามารถครอบคลุมภาพพาโนรามาในวงกว้างได้ Western Express บินข้ามสะพานด้วยความเร็วที่ยอดเยี่ยมมากในเวลานั้น (เกิน 150 กม. ต่อชั่วโมง) นอกจากนี้ นี่อาจเป็นความพยายามครั้งแรกในการแสดงแสงผ่านสายฝน

ศิลปะอังกฤษกลางศตวรรษที่ 19 พัฒนาไปในทิศทางที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงกับภาพวาดของ Turner แม้ว่าทักษะของเขาจะได้รับการยอมรับโดยทั่วไป แต่ก็ไม่มีใครติดตามเขา

เทอร์เนอร์ได้รับการพิจารณาว่าเป็นบรรพบุรุษของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์มานานแล้ว ดูเหมือนว่าเป็นศิลปินชาวฝรั่งเศสที่น่าจะพัฒนาการค้นหาสีจากแสงเพิ่มเติม แต่นั่นไม่ใช่กรณีทั้งหมด โดยพื้นฐานแล้ว อิทธิพลของ Turner ที่มีต่ออิมเพรสชันนิสต์ย้อนกลับไปที่ From Delacroix to Neo-Impressionism ของ Paul Signac ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1899 ซึ่งเขาอธิบายว่า "ในปี 1871 ระหว่างที่พวกเขาพำนักระยะยาวในลอนดอน Claude Manet และ Camille Pissarro ได้ค้นพบ Turner พวกเขาทึ่งกับคุณภาพสีที่มั่นใจและมีมนต์ขลังของเขา พวกเขาศึกษางานของเขา พวกเขาวิเคราะห์เทคนิคของเขา ในตอนแรกพวกเขารู้สึกทึ่งกับภาพหิมะและน้ำแข็งของเขา ตกตะลึงกับวิธีที่เขาสามารถถ่ายทอดความรู้สึกถึงความขาวของหิมะ ซึ่งพวกเขาเองก็ทำไม่ได้ ด้วยแผ่นสีขาวสีเงินขนาดใหญ่วางราบเรียบพร้อมกับแปรงพู่กันเป็นวงกว้าง . พวกเขาเห็นว่าความประทับใจนี้ไม่ได้เกิดขึ้นด้วยการล้างบาปเพียงอย่างเดียว และจังหวะสีจำนวนมาก ทำดาเมจติดกันซึ่งสร้างความประทับใจนี้หากคุณมองจากระยะไกล

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Signac มองหาการยืนยันทฤษฎี pointillism ของเขาทุกที่ แต่ไม่มีภาพวาดของ Turner ที่ศิลปินชาวฝรั่งเศสสามารถมองเห็นได้ใน National Gallery ในปี พ.ศ. 2414 ไม่มีเทคนิค pointillism ที่ Signac อธิบายไว้ และก็ไม่มี "การล้างบาปในวงกว้าง" อันที่จริง อิทธิพลของ Turner ที่มีต่อชาวฝรั่งเศสไม่ได้แรงกว่าใน 1870 -e และในปี 1890

Paul Signac ศึกษา Turner อย่างระมัดระวังที่สุด - ไม่เพียง แต่เป็นผู้บุกเบิกลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ซึ่งเขาเขียนถึงในหนังสือของเขาเท่านั้น แต่ยังเป็นศิลปินผู้สร้างสรรค์ที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย เกี่ยวกับภาพวาดช่วงปลายของ Turner เรื่อง “Rain, Steam and Speed”, “Exile”, “Morning” และ “Evening of the Flood” Signac เขียนถึง Angrand เพื่อนของเขา: ความหมายที่สวยงามของคำนี้"

การประเมินอย่างกระตือรือร้นของ Signac เป็นจุดเริ่มต้นของความเข้าใจสมัยใหม่เกี่ยวกับภารกิจการวาดภาพของ Turner แต่ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา บางครั้งบางครั้งพวกเขาไม่ได้คำนึงถึงข้อความย่อยและความซับซ้อนของทิศทางการค้นหา โดยเลือกตัวอย่างด้านเดียวจาก "ภาพวาดใต้" ที่ยังไม่เสร็จของ Turner โดยพยายามค้นหาบรรพบุรุษของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ในตัวเขา

ในบรรดาศิลปินใหม่ล่าสุดทุกอย่างบ่งบอกถึงการเปรียบเทียบกับ Monet ซึ่งตัวเขาเองรับรู้ถึงอิทธิพลของ Turner ที่มีต่อเขา มีโครงเรื่องเดียวที่คล้ายกันมากในทั้งสองอย่าง นั่นคือ พอร์ทัลตะวันตกของวิหาร Rouen แต่ถ้าโมเนต์ให้การศึกษาเกี่ยวกับแสงจากแสงอาทิตย์ของอาคารแก่เรา เขาไม่ได้ให้แบบกอธิคแก่เรา แต่เป็นแบบจำลองเปลือยเปล่าบางอย่าง ในเทอร์เนอร์ คุณเข้าใจว่าทำไมศิลปินผู้ซึ่งหมกมุ่นอยู่กับธรรมชาติอย่างสมบูรณ์ จึงเริ่มสนใจหัวข้อนี้ - ในตัวเขา ภาพนี้เป็นการผสมผสานระหว่างความยิ่งใหญ่อย่างท่วมท้นของส่วนรวมและความไม่สิ้นสุดที่กระทบกับรายละเอียดต่างๆ ที่ทำให้การสร้างสรรค์ของศิลปะโกธิคเข้าใกล้ผลงานธรรมชาติมากขึ้น

ลักษณะพิเศษของวัฒนธรรมอังกฤษและศิลปะแนวโรแมนติกได้เปิดโอกาสให้เกิดศิลปินกลางอากาศคนแรก ซึ่งเป็นผู้วางรากฐานสำหรับภาพลักษณ์ของธรรมชาติในอากาศเบาบางในศตวรรษที่ 19 จอห์น คอนสเตเบิล (พ.ศ. 2319-2380) ตำรวจอังกฤษเลือกภูมิทัศน์เป็นประเภทหลักในการวาดภาพของเขา: "โลกนี้ช่างยิ่งใหญ่ ไม่มีสองวันเหมือนกัน ไม่ถึงสองชั่วโมงเหมือนกัน นับตั้งแต่การกำเนิดโลก ไม่มีใบไม้สองใบบนต้นไม้ต้นเดียวที่เหมือนกัน และงานศิลปะของแท้ทั้งหมดก็เหมือนกับการสร้างสรรค์ของธรรมชาติ ที่แตกต่างกัน” เขากล่าว

ตำรวจวาดภาพสเก็ตช์สีน้ำมันขนาดใหญ่ในที่โล่งพร้อมการสังเกตสภาวะต่างๆ ของธรรมชาติ ในภาพนั้น เขาสามารถถ่ายทอดความซับซ้อนของชีวิตภายในของธรรมชาติและชีวิตประจำวันของมัน (“มุมมองของ Highgate จาก Hempstead Hills”, ตกลง. พ.ศ. 2377; "รถเข็นฟาง"พ.ศ. 2364; “Detham Valley”, ca. 1828) ประสบความสำเร็จด้วยความช่วยเหลือของเทคนิคการเขียน เขาวาดด้วยจังหวะที่เคลื่อนไหว บางครั้งก็หนาและหยาบ บางครั้งก็นุ่มนวลกว่าและโปร่งใสกว่า อิมเพรสชั่นนิสต์จะมาถึงจุดสิ้นสุดของศตวรรษนี้เท่านั้น ภาพวาดที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของ Constable มีอิทธิพลต่อผลงานของ Delacroix ตลอดจนการพัฒนาภูมิทัศน์ของฝรั่งเศสทั้งหมด

ศิลปะของ Constable รวมถึงงานหลายแง่มุมของ Gericault เป็นจุดกำเนิดของแนวโน้มที่เหมือนจริงในศิลปะยุโรปในศตวรรษที่ 19 ซึ่งเริ่มแรกพัฒนาควบคู่ไปกับแนวโรแมนติก ต่อมาเส้นทางของพวกเขาแยกจากกัน

ความโรแมนติกเปิดโลกของจิตวิญญาณมนุษย์ ปัจเจกบุคคลไม่เหมือนใคร แต่จริงใจและใกล้เคียงกับการมองเห็นที่กระตุ้นความรู้สึกทั้งหมดของโลก ความฉับพลันของภาพในการวาดภาพดังที่ Gelacroix กล่าวและไม่สอดคล้องกันในการแสดงวรรณกรรมกำหนดจุดสนใจของศิลปินในการถ่ายทอดการเคลื่อนไหวที่ซับซ้อนที่สุดเพื่อประโยชน์ในการพบวิธีแก้ปัญหาที่เป็นทางการและมีสีใหม่ แนวโรแมนติกทิ้งมรดกไว้ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ XIX ปัญหาทั้งหมดเหล่านี้และความเป็นเอกเทศทางศิลปะได้รับการปลดปล่อยจากกฎเกณฑ์ของวิชาการ สัญลักษณ์ซึ่งในหมู่ชาวโรแมนติกควรจะแสดงออกถึงการผสมผสานที่สำคัญของความคิดและชีวิต ในศิลปะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ละลายไปกับพฤกษ์ของภาพศิลปะ จับภาพความหลากหลายของความคิดและโลกรอบตัว

ข) ดนตรี

แนวคิดของการสังเคราะห์ศิลปะพบการแสดงออกในอุดมการณ์และแนวปฏิบัติของแนวโรแมนติก แนวโรแมนติกในดนตรีเริ่มก่อตัวขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 19 ภายใต้อิทธิพลของวรรณกรรมแนวจินตนิยม และพัฒนาอย่างใกล้ชิดกับวรรณกรรมโดยทั่วไป การดึงดูดโลกภายในของบุคคลซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของแนวโรแมนติกนั้นแสดงออกในลัทธิอัตนัยความอยากที่รุนแรงทางอารมณ์ซึ่งกำหนดความเป็นอันดับหนึ่งของดนตรีและเนื้อเพลงในแนวโรแมนติก

ดนตรีในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 วิวัฒนาการอย่างรวดเร็ว เกิดภาษาดนตรีใหม่ ในดนตรีบรรเลงและแชมเบอร์-โวคอล จิ๋วได้รับตำแหน่งพิเศษ วงออเคสตราเป่าด้วยสเปกตรัมของสีที่หลากหลาย ความเป็นไปได้ของเปียโนและไวโอลินถูกเปิดเผยในรูปแบบใหม่ เพลงโรแมนติกเป็นอัจฉริยะมาก

แนวโรแมนติกทางดนตรีแสดงออกในหลายสาขาที่เกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมประจำชาติที่แตกต่างกันและการเคลื่อนไหวทางสังคมที่แตกต่างกัน ตัวอย่างเช่นรูปแบบโคลงสั้น ๆ ที่ใกล้ชิดของเพลงโรแมนติกของเยอรมันและความน่าสมเพชทางแพ่ง "เชิงปราศรัย" ซึ่งเป็นลักษณะของงานของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสจึงแตกต่างกันอย่างมีนัยสำคัญ ในทางกลับกัน ตัวแทนของโรงเรียนแห่งชาติแห่งใหม่ที่เกิดขึ้นบนพื้นฐานของขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติในวงกว้าง (โชแปง, โมเนียสโก, ดโวรัค, สเมทานา, กรีก) รวมถึงตัวแทนของโรงเรียนโอเปร่าอิตาลีซึ่งเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับขบวนการริซอร์จิเมนโต (แวร์ดี Bellini) ในหลาย ๆ ด้านแตกต่างจากคนรุ่นเดียวกันในเยอรมนี ออสเตรีย หรือฝรั่งเศส โดยเฉพาะอย่างยิ่ง แนวโน้มที่จะอนุรักษ์ประเพณีคลาสสิก

อย่างไรก็ตามหลักการทางศิลปะทั่วไปบางอย่างถูกทำเครื่องหมายไว้ทั้งหมดซึ่งทำให้เราสามารถพูดถึงโครงสร้างทางความคิดที่โรแมนติกได้

เนื่องจากความสามารถพิเศษของดนตรีในการเปิดเผยโลกที่เต็มไปด้วยประสบการณ์ของมนุษย์อย่างลึกซึ้งและทะลุปรุโปร่ง สุนทรียศาสตร์โรแมนติกจึงถูกยกให้เป็นศิลปะแนวโรแมนติกเป็นอันดับแรกในบรรดาศิลปะแขนงอื่นๆ เพลงโรแมนติกหลายเรื่องเน้นที่การเริ่มต้นดนตรีโดยสัญชาตญาณ เนื่องจากเป็นคุณสมบัติในการแสดงความ "ไม่รู้" ผลงานของนักแต่งเพลงโรแมนติกที่โดดเด่นมีพื้นฐานที่สมจริง ความสนใจในชีวิตของคนทั่วไปความสมบูรณ์ของชีวิตและความจริงของความรู้สึกการพึ่งพาดนตรีในชีวิตประจำวันกำหนดความสมจริงของงานของตัวแทนที่ดีที่สุดของแนวโรแมนติกทางดนตรี แนวโน้มปฏิกิริยา (เวทย์มนต์ การหลบหนีจากความเป็นจริง) มีอยู่ในงานโรแมนติกจำนวนค่อนข้างน้อยเท่านั้น พวกเขาปรากฏตัวในโอเปร่า Euryanta โดย Weber (1823) ในละครเพลงโดย Wagner, oratorio Christ โดย Liszt (1862) เป็นต้น

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 การศึกษาพื้นฐานของนิทานพื้นบ้าน ประวัติศาสตร์ วรรณกรรมโบราณปรากฏขึ้น ตำนานยุคกลาง ศิลปะกอธิค และวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการที่ถูกลืมได้รับการฟื้นคืนชีพ ในเวลานี้โรงเรียนระดับชาติประเภทพิเศษหลายแห่งพัฒนาขึ้นในผลงานของนักแต่งเพลงในยุโรปซึ่งถูกกำหนดให้ขยายขอบเขตของวัฒนธรรมยุโรปร่วมกันอย่างมีนัยสำคัญ รัสเซียซึ่งในไม่ช้าก็เป็นหนึ่งในสถานที่แรก ๆ ในการสร้างสรรค์ทางวัฒนธรรมของโลก (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), โปแลนด์ (Chopin, Moniuszko), เช็ก (Sour Cream, Dvorak), ฮังการี ( รายการ) จากนั้นนอร์เวย์ (Grieg), สเปน (Pedrel), ฟินแลนด์ (Sibelius), อังกฤษ (Elgar) - ทั้งหมดนี้รวมเข้ากับกระแสหลักทั่วไปของความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงในยุโรปโดยไม่ขัดแย้งกับประเพณีโบราณที่จัดตั้งขึ้น . ภาพวงกลมชุดใหม่ปรากฏขึ้น แสดงถึงคุณลักษณะประจำชาติอันเป็นเอกลักษณ์ของวัฒนธรรมประจำชาติที่ผู้แต่งเพลงสังกัดอยู่ โครงสร้างน้ำเสียงของงานช่วยให้คุณรับรู้ได้ทันทีด้วยหูที่เป็นของโรงเรียนระดับชาติแห่งใดแห่งหนึ่ง

นักแต่งเพลงมีส่วนร่วมในภาษาดนตรีของยุโรปทั่วไปซึ่งเป็นภาษาพื้นบ้านของนิทานพื้นบ้านแบบเก่าซึ่งส่วนใหญ่เป็นชาวนาในประเทศของตน พวกเขาได้ชำระล้างเพลงพื้นบ้านของรัสเซียออกจากโอเปร่าเคลือบเงา พวกเขานำระบบน้ำเสียงสากลของเพลงในศตวรรษที่ 18 มาใช้ในแนวเพลงพื้นบ้านในชีวิตประจำวัน ปรากฏการณ์ที่โดดเด่นที่สุดในดนตรีแนวโรแมนติกซึ่งรับรู้ได้อย่างชัดเจนโดยเฉพาะเมื่อเปรียบเทียบกับทรงกลมเชิงเปรียบเทียบของลัทธิคลาสสิกคือความโดดเด่นของหลักการทางจิตวิทยาและโคลงสั้น ๆ แน่นอนว่าลักษณะเด่นของศิลปะดนตรีโดยทั่วไปคือการหักเหของปรากฏการณ์ใด ๆ ผ่านขอบเขตของความรู้สึก ดนตรีทุกยุคทุกสมัยอยู่ภายใต้รูปแบบนี้ แต่ความโรแมนติกนั้นเหนือกว่ารุ่นก่อน ๆ ทั้งหมดในด้านคุณค่าของการเริ่มต้นบทเพลงในดนตรีของพวกเขา ความแข็งแกร่งและความสมบูรณ์แบบในการถ่ายทอดความลึกของโลกภายในของบุคคล เฉดสีของอารมณ์ที่ละเอียดอ่อนที่สุด

ธีมของความรักครองตำแหน่งที่โดดเด่นเพราะมันเป็นสภาวะของจิตใจที่สะท้อนถึงความลึกและความแตกต่างของจิตใจมนุษย์อย่างครอบคลุมและครบถ้วนที่สุด แต่เป็นลักษณะเฉพาะอย่างมากที่ธีมนี้ไม่ได้จำกัดเฉพาะแรงจูงใจของความรักในความหมายที่แท้จริงของคำ แต่มีการระบุด้วยปรากฏการณ์ที่หลากหลายที่สุด ประสบการณ์อันไพเราะของตัวละครล้วนถูกเปิดเผยโดยมีฉากหลังเป็นภาพพาโนรามาทางประวัติศาสตร์ที่กว้าง ความรักของคนๆ หนึ่งที่มีต่อบ้านของเขา ต่อปิตุภูมิ และต่อผู้คนของเขาดำเนินไปเหมือนเส้นด้ายผ่านผลงานของนักแต่งเพลงแนวโรแมนติกทุกคน

สถานที่ขนาดใหญ่มอบให้ในผลงานดนตรีในรูปแบบขนาดเล็กและใหญ่เพื่อภาพลักษณ์ของธรรมชาติซึ่งเกี่ยวพันอย่างใกล้ชิดและแยกไม่ออกกับธีมของการสารภาพโคลงสั้น ๆ เช่นเดียวกับภาพแห่งความรัก ภาพของธรรมชาติบ่งบอกถึงสภาพจิตใจของฮีโร่ ซึ่งมักถูกแต่งแต้มด้วยความรู้สึกไม่ลงรอยกันกับความเป็นจริง

ธีมของแฟนตาซีมักจะแข่งขันกับภาพของธรรมชาติ ซึ่งอาจเกิดจากความปรารถนาที่จะหลบหนีจากการถูกจองจำในชีวิตจริง โดยทั่วไปแล้วสำหรับความโรแมนติกคือการค้นหาสิ่งที่ยอดเยี่ยม ประกายระยิบระยับด้วยสีสันของโลก ซึ่งตรงกันข้ามกับชีวิตประจำวันสีเทา ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาวรรณกรรมอุดมไปด้วยเทพนิยายเพลงบัลลาดของนักเขียนชาวรัสเซีย ในบรรดานักแต่งเพลงของโรงเรียนโรแมนติก ภาพที่ยอดเยี่ยมและน่าอัศจรรย์ได้รับการลงสีที่เป็นเอกลักษณ์ประจำชาติ เพลงบัลลาดได้รับแรงบันดาลใจจากนักเขียนชาวรัสเซีย และด้วยเหตุนี้ ผลงานของแผนพิลึกพิลั่นอันน่าอัศจรรย์จึงถูกสร้างขึ้น เป็นสัญลักษณ์ของความศรัทธาด้านที่ผิด พยายามที่จะย้อนกลับความคิดเรื่องความกลัวต่อพลังแห่งความชั่วร้าย

นักแต่งเพลงโรแมนติกหลายคนทำหน้าที่เป็นนักเขียนเพลงและนักวิจารณ์ (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt ฯลฯ ) งานทางทฤษฎีของตัวแทนของแนวโรแมนติกที่ก้าวหน้ามีส่วนสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนาประเด็นที่สำคัญที่สุดของศิลปะดนตรี แนวจินตนิยมยังพบการแสดงออกในศิลปะการแสดง (นักไวโอลินปากานินี นักร้อง A. Nurri และอื่นๆ)

ความหมายที่ก้าวหน้าของลัทธิจินตนิยมในช่วงนี้ส่วนใหญ่อยู่ในกิจกรรม ฟรานซ์ ลิซท์. งานของ Liszt แม้จะมีโลกทัศน์ที่ขัดแย้งกัน แต่โดยทั่วไปแล้วมีความก้าวหน้าและสมจริง หนึ่งในผู้ก่อตั้งและคลาสสิกของดนตรีฮังการี ศิลปินแห่งชาติที่โดดเด่น

ธีมประจำชาติของฮังการีสะท้อนให้เห็นอย่างกว้างขวางในงานหลายชิ้นของลิซท์ การประพันธ์เพลงที่โรแมนติกและเป็นอัจฉริยะของ Liszt ได้ขยายความเป็นไปได้ทางเทคนิคและการแสดงออกของการเล่นเปียโน (Concertos, Sonatas) สิ่งสำคัญคือความสัมพันธ์ของ Liszt กับตัวแทนของดนตรีรัสเซียซึ่งเขาสนับสนุนผลงานของเขาอย่างแข็งขัน

ในเวลาเดียวกัน Liszt มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาศิลปะดนตรีโลก หลังจาก Liszt “ทุกอย่างเป็นไปได้สำหรับเปียโนฟอร์เต้” ลักษณะเฉพาะของดนตรีของเขาคือการปรับตัว, ความอิ่มเอมใจของความรู้สึกโรแมนติก, ท่วงทำนองที่แสดงออก Liszt ได้รับการยกย่องในฐานะนักแต่งเพลง นักแสดง นักดนตรี ผลงานหลักของนักแต่งเพลง: อุปรากร “ Don Sancho หรือปราสาทแห่งความรัก” (พ.ศ. 2368), บทกวีไพเราะ 13 บท” ทัสโซ ”, ” โพร ”, “แฮมเล็ต" และอื่น ๆ ทำงานให้กับวงออเคสตรา, คอนแชร์โต 2 ชิ้นสำหรับเปียโนและวงออเคสตรา, ความรัก 75 เรื่อง, การประสานเสียงและผลงานอื่น ๆ ที่มีชื่อเสียงไม่แพ้กัน

หนึ่งในการแสดงแนวโรแมนติกในดนตรีครั้งแรกคือความคิดสร้างสรรค์ ฟรานซ์ ชูเบิร์ต(พ.ศ.2340-2371). ชูเบิร์ตเข้าสู่ประวัติศาสตร์ดนตรีในฐานะผู้ก่อตั้งแนวโรแมนติกทางดนตรีที่ใหญ่ที่สุดและเป็นผู้สร้างแนวเพลงใหม่ ๆ มากมาย: ซิมโฟนีโรแมนติก, เปียโนจิ๋ว, เพลงโรแมนติก (โรแมนติก) สิ่งที่สำคัญที่สุดในการทำงานของเขาคือ เพลง,ซึ่งเขาแสดงให้เห็นถึงแนวโน้มนวัตกรรมมากมายโดยเฉพาะ ในเพลงของ Schubert โลกภายในของบุคคลถูกเปิดเผยอย่างลึกซึ้งที่สุด ความเชื่อมโยงลักษณะเฉพาะของเขากับดนตรีพื้นบ้านนั้นชัดเจนที่สุด หนึ่งในคุณสมบัติที่สำคัญที่สุดของความสามารถของเขานั้นชัดเจนที่สุด - ความหลากหลายที่น่าทึ่ง ความสวยงาม เสน่ห์ของท่วงทำนอง เพลงที่ดีที่สุดในยุคแรกคือ “ Margarita ที่ล้อหมุน ”(1814) , “เจ้าป่า". ทั้งสองเพลงเขียนถึงคำพูดของเกอเธ่ ในตอนแรกหญิงสาวที่ถูกทอดทิ้งจำคนที่เธอรักได้ เธอเหงาและทรมานมาก เพลงของเธอเศร้า ท่วงทำนองที่เรียบง่ายและจริงใจถูกสะท้อนโดยเสียงครวญเพลงแห่งสายลมที่ซ้ำซากจำเจเท่านั้น "ราชาแห่งป่า" เป็นงานที่ซับซ้อน นี่ไม่ใช่เพลง แต่เป็นฉากดราม่าที่มีตัวละครสามตัวปรากฏตัวต่อหน้าเรา: พ่อขี่ม้าผ่านป่า เด็กป่วยที่เขาแบกไปด้วย และราชาป่าผู้น่าเกรงขามที่ดูเหมือนเด็กผู้ชายเป็นไข้ เพ้อ แต่ละคนมีภาษาไพเราะของตัวเอง เพลง "Trout", "Barcaroll", "Morning Serenade" ของ Schubert นั้นโด่งดังและเป็นที่รักไม่น้อย เพลงเหล่านี้เขียนขึ้นในปีต่อๆ มา มีความโดดเด่นด้วยเมโลดี้ที่เรียบง่ายและสื่อความหมายอย่างน่าประหลาดใจ รวมถึงสีสันที่สดใส

ชูเบิร์ตยังเขียนเพลงสองรอบ -“ มิลเลอร์คนสวย"(พ.ศ. 2366) และ" เส้นทางฤดูหนาว"(พ.ศ. 2415) - ตามคำพูดของกวีชาวเยอรมัน Wilhelm Müller ในแต่ละเพลงรวมเป็นหนึ่งเดียว เพลงของวงจร "The Beautiful Miller's Woman" บอกเล่าเกี่ยวกับเด็กหนุ่ม ตามกระแสน้ำ เขาออกเดินทางเพื่อแสวงหาความสุขของเขา เพลงส่วนใหญ่ในรอบนี้มีลักษณะเบา อารมณ์ของวัฏจักร "Winter Way" นั้นแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ชายหนุ่มผู้ยากจนถูกเจ้าสาวผู้มั่งคั่งปฏิเสธ ด้วยความสิ้นหวัง เขาจึงออกจากบ้านเกิดของเขาและออกท่องโลกกว้าง สหายของเขาคือลม พายุหิมะ และอีกาที่ร้องเป็นลางไม่ดี

ตัวอย่างบางส่วนที่ให้ไว้ในที่นี้ช่วยให้เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับคุณลักษณะของการแต่งเพลงของ Schubert

ชูเบิร์ตชอบที่จะเขียน เพลงเปียโน. สำหรับเครื่องดนตรีนี้ เขาเขียนผลงานจำนวนมาก เช่นเดียวกับเพลง งานเปียโนของเขาใกล้เคียงกับดนตรีทั่วไป เรียบง่ายและเข้าใจได้พอๆ กัน ประเภทที่เขาชื่นชอบในการแต่งเพลงคือการเต้นรำ การเดินขบวน และในช่วงปีสุดท้ายของชีวิตของเขา - ทันควัน

Waltzes และการเต้นรำอื่น ๆ มักจะปรากฏที่ลูกบอลของ Schubert ในการเดินเล่นในชนบท ที่นั่นเขาด้นสดและบันทึกเสียงที่บ้าน

หากเราเปรียบเทียบท่อนเปียโนของ Schubert กับเพลงของเขา เราจะพบความคล้ายคลึงกันหลายประการ ประการแรก มันคือความไพเราะที่ยอดเยี่ยม ความสง่างาม การผสมผสานที่มีสีสันของเมเจอร์และไมเนอร์

ที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่ง ภาษาฝรั่งเศส นักแต่งเพลงในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 จอร์ช บิเซต์ผู้สร้างผลงานอมตะสำหรับละครเพลง - โอเปร่า “คาร์เมน” และดนตรีประกอบละครยอดเยี่ยมโดย Alphonse Daudet” อาร์เลเซียน ”.

งานของ Bizet โดดเด่นด้วยความถูกต้องและความชัดเจนของความคิด ความแปลกใหม่และความสดใหม่ของวิธีการแสดงออก ความสมบูรณ์และความสง่างามของรูปแบบ Bizet โดดเด่นด้วยความคมชัดของการวิเคราะห์ทางจิตวิทยาในการทำความเข้าใจความรู้สึกและการกระทำของมนุษย์ซึ่งเป็นลักษณะของงานของเพื่อนร่วมชาติที่ยิ่งใหญ่ของนักแต่งเพลง - นักเขียน Balzac, Flaubert, Maupassant สถานที่สำคัญในงานของ Bizet ซึ่งมีความหลากหลายในประเภทเป็นของโอเปร่า ศิลปะโอเปร่าของนักแต่งเพลงเกิดขึ้นบนดินของชาติและได้รับการหล่อเลี้ยงตามประเพณีของโรงอุปรากรฝรั่งเศส Bizet ถือเป็นงานแรกในงานของเขาที่จะเอาชนะข้อจำกัดประเภทที่มีอยู่ในอุปรากรฝรั่งเศสซึ่งเป็นอุปสรรคต่อการพัฒนา โอเปร่า "ใหญ่" สำหรับเขาดูเหมือนเป็นประเภทที่ตายแล้ว โอเปร่าที่มีโคลงสั้น ๆ สร้างความหงุดหงิดให้กับน้ำตาและความใจแคบของชนชั้นนายทุนน้อย การ์ตูนเรื่องนี้สมควรได้รับความสนใจมากกว่าเรื่องอื่น ๆ เป็นครั้งแรกในโอเปร่าของ Bizet ฉากในประเทศและมวลชนที่มีชีวิตชีวาและมีชีวิตชีวาปรากฏขึ้น คาดการณ์ถึงชีวิตและฉากที่สดใส

เพลงของ Bizet สำหรับละครของ Alphonse Daudet “อาร์เลสเซียน” เป็นที่รู้จักกันเป็นหลักสำหรับห้องสวีทคอนเสิร์ตสองห้องที่ประกอบด้วยหมายเลขที่ดีที่สุดของเธอ Bizet ใช้ท่วงทำนองแบบโพรวองซ์แท้ๆ : “มาร์ชสามกษัตริย์”และ "การเต้นรำของม้าขี้เล่น".

โอเปร่าของ Bizet คาร์เมน” เป็นละครเพลงที่เปิดเผยต่อหน้าผู้ชมด้วยความจริงที่น่าเชื่อถือและพลังทางศิลปะที่น่าดึงดูดใจ เรื่องราวของความรักและความตายของวีรบุรุษ: ทหาร Jose และ Carmen ยิปซี Opera Carmen สร้างขึ้นตามประเพณีของโรงละครดนตรีฝรั่งเศส แต่ในขณะเดียวกันก็นำเสนอสิ่งใหม่ ๆ มากมาย จากความสำเร็จที่ดีที่สุดของโอเปร่าแห่งชาติและการปฏิรูปองค์ประกอบที่สำคัญที่สุด Bizet ได้สร้างแนวเพลงใหม่ - ละครเพลงที่สมจริง

ในประวัติศาสตร์ของโรงละครโอเปร่าในศตวรรษที่ 19 โอเปร่า Carmen เป็นหนึ่งในสถานที่แรก ๆ ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2419 ขบวนแห่ฉลองชัยชนะของเธอเริ่มขึ้นบนเวทีของโรงละครโอเปร่าในกรุงเวียนนา บรัสเซลส์ และลอนดอน

การแสดงออกของความสัมพันธ์ส่วนตัวกับสิ่งแวดล้อมนั้นแสดงออกโดยกวีและนักดนตรีประการแรกคือความฉับไว "ความเปิดกว้าง" ทางอารมณ์และความหลงใหลในการแสดงออกในความพยายามที่จะโน้มน้าวใจผู้ฟังด้วยความช่วยเหลือจากน้ำเสียงที่เข้มข้นไม่หยุดหย่อน การรับรู้หรือการสารภาพ

เทรนด์ศิลปะใหม่เหล่านี้มีอิทธิพลอย่างเด็ดขาดต่อการเกิดขึ้น เนื้อเพลงโอเปร่า. มันเป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับ "แกรนด์" และการ์ตูนโอเปร่า แต่ก็ไม่สามารถผ่านชัยชนะและความสำเร็จในด้านการแสดงละครโอเปร่าและวิธีการแสดงออกทางดนตรีได้

คุณลักษณะที่โดดเด่นของประเภทโอเปร่าใหม่คือการตีความบทกวีของโครงเรื่องวรรณกรรม - ในรูปแบบประวัติศาสตร์ปรัชญาหรือสมัยใหม่ วีรบุรุษของโอเปร่าโคลงสั้น ๆ ได้รับการประดับประดาด้วยคุณสมบัติของคนธรรมดาปราศจากความพิเศษและการไฮเปอร์โบลิซึมซึ่งเป็นลักษณะของโอเปร่าโรแมนติก ศิลปินที่สำคัญที่สุดในด้านบทกวีโอเปร่าคือ ชาลส์ กูนอด.

ในบรรดามรดกทางโอเปร่าที่มีอยู่มากมายของ Gounod โอเปร่า " เฟาสต์"ครอบครองสถานที่พิเศษและอาจกล่าวได้ว่ายอดเยี่ยม ชื่อเสียงและความนิยมไปทั่วโลกของเธอเทียบไม่ได้กับโอเปร่าเรื่องอื่นๆ ของ Gounod ความสำคัญทางประวัติศาสตร์ของโอเปร่า Faust นั้นยอดเยี่ยมเป็นพิเศษเพราะไม่เพียง แต่ดีที่สุดเท่านั้น แต่โดยพื้นฐานแล้วเป็นโอเปร่าแรกในทิศทางใหม่ซึ่งไชคอฟสกีเขียนว่า:“ เป็นไปไม่ได้ที่จะปฏิเสธว่าเฟาสต์เขียนขึ้นถ้าไม่ใช่ด้วย อัจฉริยะแล้วมีทักษะพิเศษและไม่มีตัวตนที่สำคัญ” ในภาพลักษณ์ของ Faust ความไม่ลงรอยกันอย่างรุนแรงและ "การหักสองทาง" ของจิตสำนึกของเขา ความไม่พอใจชั่วนิรันดร์ที่เกิดจากความปรารถนาที่จะรู้ว่าโลกถูกทำให้ราบเรียบ Gounod ไม่สามารถถ่ายทอดความเก่งกาจและความซับซ้อนทั้งหมดของภาพลักษณ์ของหัวหน้าปีศาจของเกอเธ่ซึ่งรวบรวมจิตวิญญาณของการวิจารณ์สงครามในยุคนั้น

หนึ่งในเหตุผลหลักสำหรับความนิยมของ "เฟาสท์" ก็คือการรวมคุณสมบัติใหม่ที่ดีที่สุดและโดยพื้นฐานของโอเปร่าโคลงสั้น ๆ ประเภทเยาวชน: การถ่ายโอนอารมณ์โดยตรงและมีชีวิตชีวาของแต่ละบุคคลในโลกภายในของตัวละครโอเปร่า ความหมายทางปรัชญาที่ลึกซึ้งของ Faust ของเกอเธ่ซึ่งพยายามเปิดเผยชะตากรรมทางประวัติศาสตร์และสังคมของมวลมนุษยชาติในตัวอย่างความขัดแย้งของตัวละครหลักนั้น Gounod เป็นตัวเป็นตนในรูปแบบของละครโคลงสั้น ๆ ที่มีมนุษยธรรมของ Marguerite และ Faust

นักแต่งเพลง วาทยกร นักวิจารณ์ดนตรีชาวฝรั่งเศส เอคตอร์ แบร์ลิออซเข้าสู่ประวัติศาสตร์ดนตรีในฐานะนักแต่งเพลงโรแมนติกที่ใหญ่ที่สุด ผู้สร้างโปรแกรมซิมโฟนี ผู้ริเริ่มในด้านรูปแบบดนตรี ความกลมกลืน และโดยเฉพาะอย่างยิ่งการบรรเลง ในงานของเขาพวกเขาพบศูนย์รวมที่ชัดเจนของคุณลักษณะที่น่าสมเพชและความกล้าหาญในการปฏิวัติ Berlioz คุ้นเคยกับ M. Glinka ซึ่งเขาชื่นชอบเพลงของเขามาก เขาเป็นมิตรกับผู้นำของ "Mighty Handful" ซึ่งยอมรับงานเขียนและหลักการสร้างสรรค์ของเขาอย่างกระตือรือร้น

เขาสร้างผลงานละครเวทีถึง 5 เรื่อง รวมทั้งโอเปร่า" เบนเวนูโต ซิลลินี ”(1838), “ โทรจัน ”,”เบียทริซและเบเนดิกต์(อิงจากละครตลกของเชกสเปียร์เรื่อง Much Ado About Nothing, 1862); ผลงานเสียงร้องและซิมโฟนี 23 ชิ้น, ความรัก 31 ชิ้น, นักร้องประสานเสียง เขาเขียนหนังสือ "บทความยอดเยี่ยมเกี่ยวกับการบรรเลงและการบรรเลงสมัยใหม่" (พ.ศ. 2387), "ค่ำคืนในวงออเคสตรา" (พ.ศ. 2396), "ผ่านเพลง" (พ.ศ. 2405), "ดนตรีอยากรู้อยากเห็น" (2402), "ความทรงจำ" (2413), บทความ บทวิจารณ์

ภาษาเยอรมัน นักแต่งเพลง วาทยกร นักเขียนบทละคร นักประชาสัมพันธ์ ริชาร์ด วากเนอร์เข้าสู่ประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมดนตรีโลกในฐานะหนึ่งในผู้สร้างดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดและผู้ปฏิรูปศิลปะโอเปร่าครั้งใหญ่ เป้าหมายของการปฏิรูปของเขาคือการสร้างงานร้อง-ซิมโฟนิกแบบตั้งโปรแกรมในรูปแบบละคร ซึ่งออกแบบมาเพื่อแทนที่โอเปร่าและดนตรีซิมโฟนิกทุกประเภท งานดังกล่าวเป็นละครเพลงที่ดนตรีไหลเป็นกระแสต่อเนื่องเชื่อมโยงละครทั้งหมดเข้าไว้ด้วยกัน แว็กเนอร์ปฏิเสธการร้องเพลงที่เสร็จสิ้นแล้วแทนที่ด้วยบทบรรยายที่เต็มไปด้วยอารมณ์ สถานที่ขนาดใหญ่ในโอเปร่าของ Wagner ถูกครอบครองโดยวงออร์เคสตร้าอิสระซึ่งเป็นผลงานอันมีค่าสำหรับดนตรีซิมโฟนิกระดับโลก

มือของวากเนอร์เป็นของโอเปร่า 13 เรื่อง:“ The Flying Dutchman” (1843),”Tannhäuser” (1845), “Tristan and Isolde” (1865), “Gold of the Rhine” (1869)และอื่น ๆ.; นักร้องประสานเสียง, เปียโน, ความรัก

นักแต่งเพลง วาทยกร นักเปียโน ครู และนักดนตรีชาวเยอรมันที่โดดเด่นอีกคนหนึ่งคือ เฟลิกซ์ เมนเดลโซน-บาร์โธลดี. ตั้งแต่อายุ 9 ขวบเขาเริ่มแสดงเป็นนักเปียโนเมื่ออายุได้ 17 ปีเขาได้สร้างผลงานชิ้นเอกชิ้นหนึ่ง - การทาบทามสู่หนังตลก " ค เขาอยู่ในคืนฤดูร้อน"เช็คสเปียร์ ในปี 1843 เขาก่อตั้งเรือนกระจกแห่งแรกในเยอรมนีที่เมืองไลพ์ซิก ในผลงานของ Mendelssohn "ความคลาสสิกท่ามกลางความโรแมนติก" ลักษณะโรแมนติกผสมผสานกับระบบความคิดแบบคลาสสิก เพลงของเขาโดดเด่นด้วยท่วงทำนองที่สดใส, การแสดงออกของประชาธิปไตย, การกลั่นกรองของความรู้สึก, ความสงบของความคิด, ความโดดเด่นของอารมณ์ที่สดใส, อารมณ์โคลงสั้น ๆ , ไม่ได้ปราศจากความรู้สึกซาบซึ้ง, รูปแบบที่ไร้ที่ติ, งานฝีมือที่ยอดเยี่ยม R. Schumann เรียกเขาว่า "โมสาร์ทแห่งศตวรรษที่ 19", G. Heine - "ปาฏิหาริย์ทางดนตรี"

ผู้ประพันธ์ซิมโฟนีแนวโรแมนติก (“ สก็อต”, “ อิตาลี”), โปรแกรมคอนเสิร์ตทาบทาม, ไวโอลินคอนแชร์โตยอดนิยม, วงจรของชิ้นส่วนสำหรับเปียโนฟอร์ท“ เพลงที่ไม่มีคำพูด”; โอเปร่าเรื่อง Camacho's Marriage เขาเขียนเพลงประกอบละครเรื่อง Antigone (1841), Oedipus in Colon (1845) โดย Sophocles, Atalia โดย Racine (1845), Shakespeare's A Midsummer Night's Dream (1843) และอื่นๆ; oratorios "พอล" (2379), "เอลียาห์" (2389); 2 คอนแชร์โตสำหรับเปียโนและ 2 สำหรับไวโอลิน

ใน ภาษาอิตาลีวัฒนธรรมทางดนตรีเป็นสถานที่พิเศษของ Giuseppe Verdi นักแต่งเพลง วาทยกร นักเล่นออร์แกนที่โดดเด่น พื้นที่หลักของงานของแวร์ดีคือโอเปร่า เขาทำหน้าที่เป็นกระบอกเสียงให้กับความรู้สึกรักชาติอย่างกล้าหาญและแนวคิดการปลดปล่อยชาติของชาวอิตาลีเป็นหลัก ในปีต่อๆ มา เขาให้ความสนใจกับความขัดแย้งอันน่าทึ่งที่เกิดจากความไม่เท่าเทียมทางสังคม ความรุนแรง การกดขี่ และการประณามความชั่วร้ายในละครของเขา ลักษณะเฉพาะของผลงานของ Verdi: ดนตรีพื้นบ้าน, อารมณ์ที่น่าทึ่ง, ความไพเราะ, ความเข้าใจในกฎของเวที

เขาเขียนโอเปร่า 26 เรื่อง:“ Nabucco", "Macbeth", "Troubadour", "La Traviata", "Othello", "Aida" และอื่น ๆ . , 20 ความรัก, วงดนตรีที่เปล่งออกมา .

หนุ่มสาว นอร์เวย์ นักแต่งเพลง เอดวาร์ด กริก (2386-2450)มีแรงบันดาลใจในการพัฒนาเพลงชาติ สิ่งนี้ไม่เพียงแสดงออกในงานของเขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการส่งเสริมดนตรีของนอร์เวย์ด้วย

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาในโคเปนเฮเกน Grieg เขียนเพลงมากมาย:“ ภาพกวี”และ "อารมณ์ขัน",โซนาตาสำหรับเปียโนและโซนาตาไวโอลินตัวแรก เพลง ในผลงานใหม่แต่ละชิ้น ภาพของ Grieg ในฐานะนักแต่งเพลงชาวนอร์เวย์จะชัดเจนยิ่งขึ้น ในบทกวี "Poetic Pictures" (1863) ที่เป็นโคลงสั้น ๆ ลักษณะของชาติยังคงไม่ชัดเจน จังหวะมักพบในดนตรีพื้นบ้านของนอร์เวย์ มันกลายเป็นลักษณะเฉพาะของท่วงทำนองหลายเพลงของ Grieg

งานของ Grieg มีมากมายและหลายแง่มุม Grieg เขียนงานประเภทต่างๆ เปียโนคอนแชร์โตและบัลเลด โซนาตาสามตัวสำหรับไวโอลินและเปียโน และโซนาตาหนึ่งตัวสำหรับเชลโลและเปียโน ควอเตตเป็นเครื่องพิสูจน์ถึงความปรารถนาอย่างต่อเนื่องของ Grieg ที่มีต่อฟอร์มขนาดใหญ่ ในเวลาเดียวกัน ความสนใจของนักแต่งเพลงในเครื่องมือขนาดเล็กยังคงไม่เปลี่ยนแปลง ในระดับเดียวกับเปียโนฟอร์เต้นักแต่งเพลงถูกดึงดูดโดยเสียงร้องของแชมเบอร์ - เพลงรัก อย่าเป็นคนหลักกับ Grieg พื้นที่ของความคิดสร้างสรรค์ซิมโฟนิกถูกทำเครื่องหมายด้วยผลงานชิ้นเอกเช่นห้องชุด " ต่อ Gounod ”, “ตั้งแต่สมัยโฮลเบิร์ก". หนึ่งในลักษณะเฉพาะของงานของ Grieg คือการประมวลผลเพลงและการเต้นรำพื้นบ้าน: ในรูปแบบของเปียโนแบบง่าย ๆ วงจรชุดสำหรับเปียโนสี่มือ

ภาษาดนตรีของ Grieg เป็นต้นฉบับที่สดใส ความแตกต่างของสไตล์ของนักแต่งเพลงนั้นขึ้นอยู่กับความสัมพันธ์อันลึกซึ้งของเขากับดนตรีพื้นบ้านของนอร์เวย์ Grieg ใช้คุณสมบัติประเภท โครงสร้างน้ำเสียง สูตรจังหวะของเพลงพื้นบ้านและท่วงทำนองเต้นรำอย่างกว้างขวาง

ความเชี่ยวชาญอันน่าทึ่งของ Grieg ในการพัฒนาท่วงทำนองแบบแปรผันและแปรผันนั้นมีรากฐานมาจากประเพณีพื้นบ้านของการทำซ้ำทำนองซ้ำ ๆ โดยมีการเปลี่ยนแปลง “ฉันบันทึกเพลงพื้นบ้านในประเทศของฉัน” เบื้องหลังคำพูดเหล่านี้คือทัศนคติที่เคารพนับถือของ Grieg ต่อศิลปะพื้นบ้านและการรับรู้ถึงบทบาทที่ชี้ขาดต่อความคิดสร้างสรรค์ของเขาเอง

7. บทสรุป

จากข้อมูลข้างต้นสามารถสรุปได้ดังต่อไปนี้:

การเกิดขึ้นของลัทธิโรแมนติกได้รับอิทธิพลจากเหตุการณ์หลัก 3 เหตุการณ์ ได้แก่ การปฏิวัติฝรั่งเศส สงครามนโปเลียน การเพิ่มขึ้นของขบวนการปลดปล่อยชาติในยุโรป

แนวโรแมนติกเป็นวิธีการและทิศทางในวัฒนธรรมศิลปะเป็นปรากฏการณ์ที่ซับซ้อนและขัดแย้ง ในทุกประเทศเขามีการแสดงออกทางชาติที่สดใส โรแมนติกมีตำแหน่งทางสังคมและการเมืองที่หลากหลายในสังคม พวกเขาทั้งหมดกบฏต่อผลลัพธ์ของการปฏิวัติกระฎุมพี แต่พวกเขาก่อกบฏด้วยวิธีต่างๆ กัน เนื่องจากแต่ละคนมีอุดมคติเป็นของตนเอง แต่ด้วยรูปลักษณ์ที่หลากหลายและหลากหลาย แนวโรแมนติกจึงมีลักษณะที่มั่นคง:

ทั้งหมดนี้มาจากการปฏิเสธการตรัสรู้และหลักการที่มีเหตุผลของลัทธิคลาสสิกซึ่งขัดขวางความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ของศิลปิน

พวกเขาได้ค้นพบหลักการของลัทธิประวัติศาสตร์นิยม เราเห็นตัวละครของมนุษย์ในอดีตที่มีรูปร่างตามกาลเวลา ความสนใจในอดีตของชาติก่อให้เกิดผลงานทางประวัติศาสตร์มากมาย

ความสนใจในบุคลิกที่แข็งแกร่งซึ่งต่อต้านตัวเองกับโลกทั้งใบรอบตัวเขาและพึ่งพาตัวเองเท่านั้น

ความสนใจต่อโลกภายในของมนุษย์

แนวโรแมนติกได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวางทั้งในประเทศยุโรปตะวันตกและในรัสเซีย อย่างไรก็ตาม แนวโรแมนติกในรัสเซียแตกต่างจากยุโรปตะวันตกในด้านสถานที่ทางประวัติศาสตร์และประเพณีวัฒนธรรมที่แตกต่างกัน เหตุผลที่แท้จริงสำหรับการเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกในรัสเซียคือสงครามรักชาติในปี 1812 ซึ่งแสดงพลังของการริเริ่มที่เป็นที่นิยมทั้งหมด

คุณสมบัติของแนวโรแมนติกของรัสเซีย:

แนวโรแมนติกไม่ได้ต่อต้านการตรัสรู้ ลัทธิการรู้แจ้งอ่อนแอลง แต่ไม่ล่มสลายเหมือนในยุโรป อุดมคติของกษัตริย์ผู้รู้แจ้งยังไม่หมดไป

แนวโรแมนติกพัฒนาควบคู่ไปกับแนวคลาสสิกซึ่งมักจะเกี่ยวพันกับมัน

แนวโรแมนติกในรัสเซียแสดงออกในรูปแบบต่างๆ ในงานศิลปะประเภทต่างๆ ในสถาปัตยกรรมไม่ได้อ่านเลย ในการวาดภาพมันแห้งไปในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 เขาแสดงดนตรีเพียงบางส่วนเท่านั้น บางทีอาจเป็นเพียงในวรรณกรรมแนวโรแมนติกเท่านั้นที่แสดงออกอย่างสม่ำเสมอ

ในทัศนศิลป์ แนวจินตนิยมแสดงออกมาชัดเจนที่สุดในงานจิตรกรรมและกราฟิก ไม่ค่อยแสดงออกในประติมากรรมและสถาปัตยกรรม

ความโรแมนติกเปิดโลกของจิตวิญญาณมนุษย์ ปัจเจกบุคคลไม่เหมือนใคร แต่จริงใจและใกล้เคียงกับการมองเห็นที่กระตุ้นความรู้สึกทั้งหมดของโลก ความฉับพลันของภาพในภาพวาดดังที่ Delacroix กล่าวและไม่สอดคล้องกันในการแสดงวรรณกรรมกำหนดจุดสนใจของศิลปินในการถ่ายทอดการเคลื่อนไหวที่ซับซ้อนที่สุดเพื่อประโยชน์ในการพบวิธีแก้ปัญหาที่เป็นทางการและมีสีใหม่ แนวโรแมนติกทิ้งมรดกไว้ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ XIX ปัญหาทั้งหมดเหล่านี้และความเป็นเอกเทศทางศิลปะได้รับการปลดปล่อยจากกฎเกณฑ์ของวิชาการ สัญลักษณ์ซึ่งในหมู่ชาวโรแมนติกควรจะแสดงออกถึงการผสมผสานที่สำคัญของความคิดและชีวิต ในศิลปะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ละลายไปกับพฤกษ์ของภาพศิลปะ จับภาพความหลากหลายของความคิดและโลกรอบตัว แนวโรแมนติกในการวาดภาพมีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับความรู้สึกซาบซึ้ง

ต้องขอบคุณแนวโรแมนติกทำให้วิสัยทัศน์ส่วนตัวของศิลปินอยู่ในรูปของกฎหมาย อิมเพรสชันนิสม์จะทำลายกำแพงที่ขวางกั้นระหว่างศิลปินกับธรรมชาติโดยสิ้นเชิง โดยประกาศว่าศิลปะคือความประทับใจ แนวโรแมนติกพูดถึงจินตนาการของศิลปิน "เสียงแห่งความรู้สึกของเขา" ซึ่งทำให้เขาสามารถหยุดงานได้เมื่ออาจารย์เห็นว่าจำเป็นและไม่ได้เป็นไปตามมาตรฐานความสมบูรณ์ทางวิชาการ

ลัทธิจินตนิยมได้ทิ้งยุคทั้งหมดไว้ในวัฒนธรรมศิลปะของโลก ตัวแทนของมันคือ: ในวรรณคดีรัสเซีย Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov และอื่น ๆ ; ในวิจิตรศิลป์ E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin และอื่น ๆ ; ในดนตรีของ F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin และคนอื่น ๆ พวกเขาค้นพบและพัฒนาแนวเพลงใหม่ ๆ ให้ความสนใจอย่างใกล้ชิดกับชะตากรรมของบุคลิกภาพมนุษย์เผยให้เห็น ภาษาถิ่นของความดีและความชั่วเปิดเผยความสนใจของมนุษย์อย่างเชี่ยวชาญ ฯลฯ

รูปแบบศิลปะมีความสำคัญไม่มากก็น้อยและผลิตผลงานศิลปะที่งดงามแม้ว่าคนโรแมนติกจะให้ความสำคัญกับดนตรีในขั้นบันไดของศิลปะ

ลัทธิโรแมนติกในฐานะโลกทัศน์มีอยู่ในรัสเซียในระลอกแรกตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 จนถึงทศวรรษที่ 1850 แนวโรแมนติกในศิลปะรัสเซียไม่ได้หยุดลงในปี 1850 แก่นเรื่องสภาวะของการเป็น ซึ่งค้นพบโดยกลุ่มศิลปะโรแมนติก ต่อมาได้รับการพัฒนาโดยศิลปินของบลูโรส ทายาทโดยตรงของโรแมนติกคือ Symbolists อย่างไม่ต้องสงสัย ธีมโรแมนติก, ลวดลาย, อุปกรณ์ที่แสดงออกได้เข้าสู่ศิลปะของสไตล์, ทิศทาง, การเชื่อมโยงความคิดสร้างสรรค์ที่แตกต่างกัน โลกทัศน์ที่โรแมนติกหรือโลกทัศน์กลายเป็นหนึ่งในสิ่งที่มีชีวิตชีวาหวงแหนและมีผลมากที่สุด

แนวโรแมนติกเป็นทัศนคติทั่วไปซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของคนหนุ่มสาวที่ต้องการอิสรภาพในอุดมคติและความคิดสร้างสรรค์ยังคงมีชีวิตอยู่อย่างต่อเนื่องในศิลปะโลก

8. การอ้างอิง

1. Amminskaya A.M. Alexey Gavrilovich Vnetsianov -- ม: ความรู้ 2523

2. Atsarkina E.N. อเล็กซานเดอร์ โอซิโพวิช ออร์ลอฟสกี้ -- ม: ศิลปะ, 2514.

3. เบลินสกี้ วี.จี. ทำงาน อ.พุชกิน. - ม: 2519.

4. สารานุกรมแห่งสหภาพโซเวียตผู้ยิ่งใหญ่ (หัวหน้าบรรณาธิการ Prokhorov A.M.)- M: สารานุกรมโซเวียต, 2520

5. Vainkop Yu., Gusin I. พจนานุกรมชีวประวัติโดยย่อของผู้แต่ง - แอล: ดนตรี, 2526.

6. Vasily Andreevich Tropiin (ภายใต้การนำของ M.M. Rakovskaya). -- ม.: ทัศนศิลป์, 2525.

7. Vorotnikov A.A. , Gorshkovoz O.D. , Yorkina O.A. ประวัติศาสตร์ศิลปะ. - Mn: วรรณคดี, 2540.

8. ซีเมนโก วี. อเล็กซานเดอร์ โอซิโพวิช ออร์ลอฟสกี้ -- M: State Publishing House of Fine Arts, 1951

9. Ivanov S.V. M.Yu.Lermontov. ชีวิตและศิลปะ. - ม: 1989.

10. วรรณกรรมทางดนตรีของต่างประเทศ (ภายใต้การกำกับของ B. Levik)- ม: ดนตรี, 2527.

11. Nekrasova E.A. ช่างกลึง. -- ม.: วิจิตรศิลป์, 2519.

12. Ozhegov S.I. พจนานุกรมภาษารัสเซีย - M: สำนักพิมพ์ของรัฐของพจนานุกรมต่างประเทศและรัสเซีย 2496

13. ออร์โลวา ม. เจ. ตำรวจ. -- ม: ศิลปะ 2489

14. ศิลปินชาวรัสเซีย เอ.จี. เวเนเซียนอฟ - M: สำนักพิมพ์วิจิตรศิลป์แห่งรัฐ พ.ศ. 2506

15. Sokolov A.N. ประวัติวรรณคดีรัสเซียในศตวรรษที่ 19 (ครึ่งแรก) - M: โรงเรียนมัธยม 2519

16. Turchin VS. โอเรสต์ คิพรีนสกี้ -- ม: ความรู้ 2525

17. Turchin VS. Theodore Géricault. -- ม.: ทัศนศิลป์, 2525.

18. ฟิลิโมโนว่า เอส.วี. ประวัติศาสตร์ศิลปะวัฒนธรรมโลก.-- Mozyr: White wind, 1997.

แนวจินตนิยมในการวาดภาพได้ก่อตัวขึ้นในยุโรปตะวันตกเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 ลัทธิจินตนิยมถึงจุดสูงสุดในศิลปะของประเทศในยุโรปตะวันตกส่วนใหญ่ในทศวรรษที่ 1920 และ 1930 ศตวรรษที่ 19.

คำว่า "แนวโรแมนติก" นั้นมาจากคำว่า "นวนิยาย" (ในศตวรรษที่ 17 งานวรรณกรรมที่เขียนไม่ได้เป็นภาษาละติน แต่เป็นภาษาที่มาจากภาษาฝรั่งเศสอังกฤษ ฯลฯ ) เรียกว่านวนิยาย ต่อมาทุกสิ่งที่เข้าใจยากและลึกลับเริ่มถูกเรียกว่าโรแมนติก

ในฐานะที่เป็นปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรม แนวจินตนิยมก่อตัวขึ้นจากมุมมองพิเศษที่เกิดจากผลของการปฏิวัติฝรั่งเศส ความไม่แยแสกับอุดมคติของการตรัสรู้ พวกโรแมนติก มุ่งมั่นเพื่อความกลมกลืนและความสมบูรณ์ ได้สร้างอุดมคติทางสุนทรียะและคุณค่าทางศิลปะใหม่ๆ เป้าหมายหลักที่พวกเขาสนใจคือตัวละครที่โดดเด่นพร้อมประสบการณ์และความปรารถนาในอิสรภาพ ฮีโร่ของผลงานโรแมนติกเป็นบุคคลที่โดดเด่นซึ่งพบว่าตัวเองตกอยู่ในสถานการณ์ชีวิตที่ยากลำบาก

แม้ว่าแนวโรแมนติกเกิดขึ้นจากการประท้วงต่อต้านศิลปะแบบคลาสสิก แต่ก็มีหลายวิธีที่ใกล้เคียงกับหลัง โรแมนติกเป็นส่วนหนึ่งของความคลาสสิกเช่น N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingres

ความโรแมนติกถูกนำมาใช้ในการวาดภาพลักษณะดั้งเดิมของชาติ นั่นคือสิ่งที่ขาดหายไปในงานศิลปะของนักคลาสสิก
ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของแนวโรแมนติกของฝรั่งเศสคือ T. Gericault

Theodore Géricault

Theodore Gericault จิตรกร ประติมากร และศิลปินกราฟิกผู้ยิ่งใหญ่ชาวฝรั่งเศส เกิดในปี 1791 ในเมือง Rouen ในครอบครัวที่ร่ำรวย ความสามารถของศิลปินแสดงออกในตัวเขาค่อนข้างเร็ว บ่อยครั้งที่แทนที่จะเข้าเรียนที่โรงเรียน Géricault นั่งในคอกม้าและจูงม้า ถึงกระนั้น เขาไม่เพียงแต่ต้องการถ่ายทอดลักษณะภายนอกของสัตว์ลงบนกระดาษเท่านั้น แต่ยังต้องการถ่ายทอดอารมณ์และลักษณะนิสัยของพวกมันด้วย

หลังจากจบการศึกษาจาก Lyceum ในปี 1808 Géricault ได้กลายเป็นลูกศิษย์ของ Carl Vernet จิตรกรชื่อดังในขณะนั้น ผู้มีชื่อเสียงในด้านความสามารถในการวาดภาพม้าบนผืนผ้าใบ อย่างไรก็ตามศิลปินหนุ่มไม่ชอบสไตล์ของ Vernet ในไม่ช้าเขาก็ออกจากเวิร์กช็อปและไปเรียนกับจิตรกรที่มีพรสวรรค์ไม่น้อยไปกว่า Vernet, P. N. Guerin ในขณะที่เรียนกับศิลปินชื่อดังสองคน Gericault ก็ไม่ได้สานต่อประเพณีการวาดภาพ J. A. Gros และ J. L. David น่าจะได้รับการพิจารณาว่าเป็นครูที่แท้จริงของเขา

ผลงานในยุคแรก ๆ ของ Gericault นั้นแตกต่างจากข้อเท็จจริงที่ว่าพวกเขามีความใกล้เคียงกับชีวิตมากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ภาพวาดดังกล่าวแสดงออกอย่างผิดปกติและน่าสมเพช พวกเขาแสดงอารมณ์ที่กระตือรือร้นของผู้เขียนเมื่อประเมินโลกรอบตัวเขา ตัวอย่างคือภาพวาดที่ชื่อว่า “เจ้าหน้าที่ของ Imperial Horse Rangers ระหว่างการโจมตี” ซึ่งสร้างขึ้นในปี 1812 ผู้เข้าชมงาน Paris Salon ได้เห็นผืนผ้าใบนี้เป็นครั้งแรก พวกเขายอมรับผลงานของศิลปินหนุ่มด้วยความชื่นชมชื่นชมความสามารถของนายน้อย

ผลงานนี้ถูกสร้างขึ้นในช่วงเวลานั้นของประวัติศาสตร์ฝรั่งเศส เมื่อนโปเลียนอยู่ในจุดสูงสุดของความรุ่งโรจน์ของเขา ผู้ร่วมสมัยยกย่องเขาซึ่งเป็นจักรพรรดิผู้ยิ่งใหญ่ที่สามารถพิชิตยุโรปส่วนใหญ่ได้ ด้วยอารมณ์ดังกล่าวภายใต้ความประทับใจในชัยชนะของกองทัพนโปเลียนจึงวาดภาพ ผืนผ้าใบแสดงให้เห็นทหารควบม้า ใบหน้าของเขาแสดงออกถึงความมุ่งมั่น กล้าหาญ และไม่เกรงกลัวต่อความตาย องค์ประกอบทั้งหมด
ไดนามิกและอารมณ์ที่ผิดปกติ ผู้ชมรู้สึกว่าตัวเขาเองกลายเป็นผู้มีส่วนร่วมที่แท้จริงในเหตุการณ์ที่ปรากฎบนผืนผ้าใบ

ร่างของทหารผู้กล้าหาญจะปรากฏมากกว่าหนึ่งครั้งในงานของGéricault ในบรรดาภาพดังกล่าว สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือฮีโร่ของภาพวาด "Officer of the Carabinieri", "Officer of the Cuirassier ก่อนการโจมตี", "Portrait of a Carabinieri", "Wounded Cuirassier" ที่สร้างขึ้นในปี 1812-1814 ผลงานชิ้นสุดท้ายมีความโดดเด่นตรงที่ได้นำเสนอในนิทรรศการครั้งต่อไปที่จัดขึ้นที่ Salon ในปีเดียวกัน อย่างไรก็ตาม นี่ไม่ใช่ข้อได้เปรียบหลักของการจัดองค์ประกอบภาพ ที่สำคัญกว่านั้น มันแสดงให้เห็นการเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นในรูปแบบสร้างสรรค์ของศิลปิน หากภาพเขียนชิ้นแรกของเขาสะท้อนความรู้สึกรักชาติอย่างจริงใจ จากนั้นในผลงานย้อนหลังไปถึงปี 1814 สิ่งที่น่าสมเพชในการพรรณนาถึงวีรบุรุษจะถูกแทนที่ด้วยละคร

การเปลี่ยนแปลงอารมณ์ของศิลปินที่คล้ายกันนั้นเกี่ยวข้องกับเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในเวลานั้นในฝรั่งเศสอีกครั้ง ในปีพ. ศ. 2355 นโปเลียนพ่ายแพ้ในรัสเซียซึ่งครั้งหนึ่งเขาเคยเป็นวีรบุรุษผู้ปราดเปรื่องได้รับเกียรติจากผู้นำทางทหารที่ไม่ประสบความสำเร็จและชายผู้หยิ่งยโสจากคนรุ่นเดียวกัน Géricaultแสดงถึงความผิดหวังของเขาในอุดมคติในภาพวาด "The Wounded Cuirassier" ผืนผ้าใบแสดงให้เห็นนักรบที่ได้รับบาดเจ็บที่พยายามออกจากสนามรบโดยเร็วที่สุด เขาพิงกระบี่ - อาวุธที่บางทีเมื่อไม่กี่นาทีก่อนเขาถืออยู่และยกมันขึ้นสูง

ความไม่พอใจของ Géricault ต่อนโยบายของนโปเลียนที่บงการให้เขาเข้ารับราชการในพระเจ้าหลุยส์ที่ 18 ซึ่งขึ้นครองบัลลังก์ฝรั่งเศสในปี 1814 ความจริงที่ว่าหลังจากการยึดอำนาจครั้งที่สองในฝรั่งเศสโดยนโปเลียน (ช่วงร้อยวัน) ศิลปินหนุ่มก็ลาออกจากตำแหน่ง ประเทศบ้านเกิดร่วมกับ Bourbons แต่ที่นี่ความผิดหวังก็รอเขาอยู่เช่นกัน ชายหนุ่มไม่สามารถเฝ้าดูอย่างสงบว่ากษัตริย์ทำลายทุกสิ่งที่ประสบความสำเร็จในรัชสมัยของนโปเลียนได้อย่างไร นอกจากนี้ภายใต้พระเจ้าหลุยส์ที่ 18 มีปฏิกิริยาที่รุนแรงขึ้นของศักดินา-คาทอลิก ประเทศถอยหลังเร็วขึ้นและเร็วขึ้นโดยกลับสู่ระบบรัฐแบบเก่า สิ่งนี้ไม่สามารถยอมรับได้สำหรับคนหนุ่มสาวที่มีแนวคิดก้าวหน้า ในไม่ช้าชายหนุ่มผู้สูญเสียศรัทธาในอุดมคติของเขาก็ออกจากกองทัพที่นำโดยพระเจ้าหลุยส์ที่ 18 และหยิบพู่กันและสีขึ้นมาอีกครั้ง ปีนี้ไม่สามารถเรียกได้ว่าสดใสและไม่มีอะไรโดดเด่นในผลงานของศิลปิน

ในปี 1816 Gericault ไปเที่ยวอิตาลี เมื่อไปเยือนกรุงโรมและฟลอเรนซ์และได้ศึกษาผลงานชิ้นเอกของปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงแล้ว ศิลปินก็ชื่นชอบการวาดภาพที่ยิ่งใหญ่ จิตรกรรมฝาผนังของ Michelangelo ซึ่งประดับประดา Sistine Chapel ดึงดูดความสนใจของเขาเป็นพิเศษ ในเวลานี้ Géricault สร้างสรรค์ผลงานด้วยขนาดและความสง่างาม ในหลาย ๆ ด้านชวนให้นึกถึงผืนผ้าใบของจิตรกรในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง ที่น่าสนใจที่สุดคือ "The Abduction of the Nymph by the Centaur" และ "The Man Throwing the Bull"

คุณลักษณะเดียวกันของสไตล์ของปรมาจารย์เก่ายังปรากฏให้เห็นในภาพวาด "การวิ่งของม้าอิสระในกรุงโรม" ซึ่งวาดในราวปี 1817 และแสดงถึงการแข่งขันของนักขี่ม้าในงานคาร์นิวัลงานหนึ่งที่จัดขึ้นในกรุงโรม คุณสมบัติขององค์ประกอบนี้คือศิลปินรวบรวมจากภาพวาดธรรมชาติที่ทำไว้ก่อนหน้านี้ ยิ่งไปกว่านั้น ลักษณะของภาพสเก็ตช์แตกต่างจากสไตล์ของงานทั้งหมดอย่างชัดเจน หากอดีตเป็นฉากที่อธิบายถึงชีวิตของชาวโรมัน - ผู้ร่วมสมัยของศิลปิน จากนั้นในองค์ประกอบโดยรวมจะมีภาพของวีรบุรุษโบราณผู้กล้าหาญ ราวกับว่าพวกเขาออกมาจากเรื่องเล่าโบราณ ในเรื่องนี้ Gericault เดินตามเส้นทางของ J. L. David ผู้ซึ่งเพื่อให้ภาพลักษณ์ที่น่าสมเพชของวีรบุรุษสวมชุดฮีโร่ของเขาในรูปแบบโบราณ

ไม่นานหลังจากวาดภาพนี้ Gericault กลับไปฝรั่งเศสซึ่งเขากลายเป็นสมาชิกคนหนึ่งของวงต่อต้านที่ก่อตั้งโดย Horace Vernet จิตรกร เมื่อมาถึงปารีส ศิลปินสนใจกราฟิกเป็นพิเศษ ในปีพ. ศ. 2361 เขาได้สร้างภาพพิมพ์หินชุดหนึ่งในรูปแบบการทหารซึ่งที่สำคัญที่สุดคือ "การกลับมาจากรัสเซีย" ภาพพิมพ์แสดงถึงทหารที่พ่ายแพ้ของกองทัพฝรั่งเศสที่เดินเตร็ดเตร่อยู่ในทุ่งที่ปกคลุมด้วยหิมะ ร่างของคนพิการและผู้ที่เหนื่อยล้าจากสงครามได้รับการถ่ายทอดออกมาอย่างสมจริงและสมจริง ไม่มีสิ่งที่น่าสมเพชและน่าสมเพชในองค์ประกอบ ซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับผลงานในยุคแรกๆ ของ Gericault ศิลปินพยายามที่จะสะท้อนถึงสภาพที่แท้จริงของสิ่งต่าง ๆ ภัยพิบัติทั้งหมดที่ทหารฝรั่งเศสทิ้งโดยผู้บัญชาการของพวกเขาต้องทนทุกข์ทรมานในต่างแดน

ในงาน "Return from Russia" เป็นครั้งแรกที่ได้ยินเรื่องการต่อสู้กับความตายของมนุษย์ อย่างไรก็ตาม ในที่นี้ แรงจูงใจนี้ยังไม่แสดงออกมาอย่างชัดเจนเหมือนในผลงานของ Géricault ในภายหลัง ตัวอย่างของผืนผ้าใบดังกล่าวอาจเป็นภาพวาดที่เรียกว่า "The Raft of the Medusa" มันถูกเขียนขึ้นในปี 1819 และจัดแสดงที่ Paris Salon ในปีเดียวกัน ผืนผ้าใบแสดงภาพผู้คนที่ดิ้นรนกับธาตุน้ำที่เดือดดาล ศิลปินไม่เพียงแสดงให้เห็นถึงความทุกข์ทรมานและความทรมานของพวกเขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความปรารถนาที่จะได้รับชัยชนะในการต่อสู้กับความตายด้วยค่าใช้จ่ายทั้งหมด

เนื้อเรื่องขององค์ประกอบถูกกำหนดโดยเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในฤดูร้อนปี 1816 และทำให้ทั้งฝรั่งเศสตื่นเต้น เรือฟริเกต "เมดูซ่า" ที่มีชื่อเสียงในขณะนั้นแล่นเข้าไปในแนวปะการังและจมลงนอกชายฝั่งแอฟริกา จาก 149 คนที่อยู่บนเรือ มีเพียง 15 คนเท่านั้นที่สามารถหลบหนีได้ ในจำนวนนี้มีศัลยแพทย์ Savigny และวิศวกร Correard เมื่อมาถึงบ้านเกิด พวกเขาได้จัดพิมพ์หนังสือเล่มเล็กๆ เล่มหนึ่ง ซึ่งบอกเล่าเรื่องราวการผจญภัยและการช่วยเหลือที่มีความสุขของพวกเขา จากความทรงจำเหล่านี้ทำให้ชาวฝรั่งเศสได้เรียนรู้ว่าเหตุร้ายเกิดขึ้นจากความผิดของกัปตันเรือที่ไม่มีประสบการณ์ซึ่งขึ้นเรือด้วยการอุปถัมภ์ของเพื่อนผู้สูงศักดิ์

ภาพที่สร้างโดย Gericault นั้นมีไดนามิกที่ผิดปกติ พลาสติก และแสดงออกซึ่งศิลปินประสบความสำเร็จผ่านการทำงานที่ยาวนานและอุตสาหะ เพื่อถ่ายทอดเหตุการณ์เลวร้ายบนผืนผ้าใบอย่างแท้จริง เพื่อถ่ายทอดความรู้สึกของผู้คนที่กำลังจะตายในทะเล ศิลปินได้พบกับพยานของโศกนาฏกรรม เป็นเวลานานที่เขาศึกษาใบหน้าของผู้ป่วยผอมแห้งที่เข้ารับการรักษาในโรงพยาบาลแห่งหนึ่งในปารีส เช่นเดียวกับลูกเรือที่สามารถหลบหนีจากซากเรืออับปางได้ ในเวลานี้จิตรกรได้สร้างผลงานภาพเหมือนจำนวนมาก

ทะเลที่บ้าคลั่งยังเต็มไปด้วยความหมายที่ลึกซึ้งราวกับพยายามจะกลืนแพไม้ที่เปราะบางไปด้วยผู้คน ภาพนี้แสดงออกอย่างผิดปกติและมีชีวิตชีวา มันถูกดึงมาจากธรรมชาติเช่นเดียวกับร่างคน: ศิลปินสร้างภาพร่างหลายภาพที่แสดงทะเลในช่วงที่มีพายุ Gericault หันไปใช้ภาพสเก็ตช์ที่เตรียมไว้ก่อนหน้านี้ซ้ำๆ เพื่อสะท้อนธรรมชาติขององค์ประกอบอย่างเต็มที่ นั่นคือเหตุผลที่ภาพสร้างความประทับใจให้กับผู้ชมอย่างมากทำให้เขาเชื่อในความสมจริงและความจริงของสิ่งที่เกิดขึ้น

"The Raft of the Medusa" นำเสนอ Géricault ในฐานะผู้เชี่ยวชาญด้านองค์ประกอบที่โดดเด่น เป็นเวลานานที่ศิลปินคิดเกี่ยวกับวิธีการจัดเรียงตัวเลขในภาพเพื่อแสดงความตั้งใจของผู้แต่งอย่างเต็มที่ มีการเปลี่ยนแปลงหลายอย่างในระหว่างการทำงาน ภาพร่างก่อนหน้าภาพวาดระบุว่าในตอนแรก Gericault ต้องการพรรณนาการต่อสู้ของผู้คนบนแพที่มีกันและกัน แต่ภายหลังละทิ้งการตีความเหตุการณ์ดังกล่าว ในเวอร์ชันสุดท้าย ผืนผ้าใบแสดงถึงช่วงเวลาที่ผู้คนสิ้นหวังแล้วมองเห็นเรือ Argus บนเส้นขอบฟ้าและยื่นมือออกไปจับมัน สิ่งสุดท้ายที่เพิ่มเข้ามาในรูปภาพคือร่างมนุษย์ที่อยู่ด้านล่างทางด้านขวาของผืนผ้าใบ เธอคือผู้ที่สัมผัสองค์ประกอบสุดท้ายขององค์ประกอบซึ่งหลังจากนั้นก็กลายเป็นตัวละครที่น่าเศร้าอย่างสุดซึ้ง เป็นที่น่าสังเกตว่าการเปลี่ยนแปลงนี้เกิดขึ้นเมื่อภาพวาดถูกจัดแสดงที่ซาลอนแล้ว

ด้วยความยิ่งใหญ่และอารมณ์ความรู้สึกที่เพิ่มขึ้น ภาพวาดของ Gericault ทำให้นึกถึงผลงานของปรมาจารย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชั้นสูง (ส่วนใหญ่คือ The Last Judgement ของ Michelangelo) ซึ่งศิลปินพบขณะเดินทางในอิตาลี

ภาพวาด "The Raft of the Medusa" ซึ่งกลายเป็นผลงานจิตรกรรมชิ้นเอกของฝรั่งเศสประสบความสำเร็จอย่างมากในแวดวงฝ่ายค้านซึ่งมองว่าเป็นภาพสะท้อนของอุดมคติแห่งการปฏิวัติ ด้วยเหตุผลเดียวกัน งานนี้ไม่เป็นที่ยอมรับในหมู่ผู้สูงศักดิ์สูงสุดและตัวแทนอย่างเป็นทางการของงานวิจิตรศิลป์ของฝรั่งเศส นั่นคือเหตุผลที่ในเวลานั้นรัฐไม่ได้ซื้อผืนผ้าใบจากผู้แต่ง

Gericault ผิดหวังกับงานต้อนรับที่มอบให้กับผลงานของเขาที่บ้าน Gericault เดินทางไปอังกฤษที่ซึ่งเขาได้นำเสนอผลงานชิ้นโปรดของเขาต่อราชสำนักอังกฤษ ในลอนดอน นักเลงศิลปะได้รับผืนผ้าใบที่มีชื่อเสียงด้วยความกระตือรือร้นอย่างมาก

Gericault เข้าใกล้ศิลปินชาวอังกฤษซึ่งชนะใจเขาด้วยความสามารถในการถ่ายทอดความเป็นจริงอย่างจริงใจและตรงไปตรงมา Gericault อุทิศวงจรของภาพพิมพ์หินให้กับชีวิตและชีวิตของเมืองหลวงของอังกฤษ ซึ่งรวมถึงผลงานที่ได้รับชื่อ "The Great English Suite" (1821) และ "The Old Beggar Dying at the Doors of the Bakery" (1821) มีความสนใจมากที่สุด ในช่วงหลังนี้ ศิลปินวาดภาพคนจรจัดในลอนดอน ซึ่งสะท้อนถึงความประทับใจที่จิตรกรได้รับในกระบวนการศึกษาชีวิตของผู้คนในย่านชนชั้นแรงงานของเมือง

รอบเดียวกันรวมถึงภาพพิมพ์หินเช่น "The Flanders Smith" และ "At the Gates of the Adelphin Shipyard" ซึ่งนำเสนอภาพชีวิตของคนธรรมดาในลอนดอนให้ผู้ชมเห็น สิ่งที่น่าสนใจในงานเหล่านี้คือภาพม้าที่หนักและมีน้ำหนักเกิน พวกมันแตกต่างอย่างเห็นได้ชัดจากสัตว์ที่สง่างามและสง่างามที่วาดโดยศิลปินคนอื่น - ผู้ร่วมสมัยของGéricault

Gericault อยู่ในเมืองหลวงของอังกฤษไม่เพียง แต่สร้างภาพพิมพ์หินเท่านั้น แต่ยังรวมถึงภาพวาดด้วย หนึ่งในผลงานที่โดดเด่นที่สุดในยุคนี้คือผ้าใบ "Race at Epsom" ซึ่งสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2364 ในภาพศิลปินแสดงม้าที่วิ่งด้วยความเร็วสูงสุดและขาของพวกมันไม่แตะพื้นเลย เทคนิคที่มีไหวพริบนี้ (ภาพถ่ายพิสูจน์ให้เห็นว่าม้าไม่สามารถมีตำแหน่งขาเช่นนี้ได้ในระหว่างการวิ่ง นี่คือจินตนาการของศิลปิน) ถูกใช้โดยปรมาจารย์เพื่อสร้างพลวัตให้กับองค์ประกอบ เพื่อให้ผู้ชมรู้สึกประทับใจเหมือนฟ้าแลบ- การเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วของม้า ความรู้สึกนี้ได้รับการปรับปรุงโดยการถ่ายโอนพลาสติก (ท่าทางท่าทาง) ของร่างมนุษย์อย่างแม่นยำรวมถึงการใช้การผสมสีที่สดใสและสมบูรณ์ (สีแดง, อ่าว, ม้าขาว, สีน้ำเงินเข้ม, แดงเข้ม, ขาว - น้ำเงินและทอง - เสื้อเหลืองของจ๊อกกี้) .

ธีมของการแข่งม้าซึ่งดึงดูดความสนใจของจิตรกรด้วยการแสดงออกที่พิเศษมาเป็นเวลานาน ได้ถูกทำซ้ำมากกว่าหนึ่งครั้งในผลงานที่สร้างโดยGéricault หลังจากเสร็จสิ้นงานแข่งม้าที่ Epsom

ในปี พ.ศ. 2365 ศิลปินออกจากอังกฤษและกลับไปยังฝรั่งเศสบ้านเกิดของเขา ที่นี่เขามีส่วนร่วมในการสร้างผืนผ้าใบขนาดใหญ่ซึ่งคล้ายกับผลงานของปรมาจารย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในหมู่พวกเขาคือ "การค้านิโกร", "การเปิดประตูคุกแห่งการสืบสวนในสเปน" ภาพวาดเหล่านี้ยังไม่เสร็จ - ความตายขัดขวาง Gericault จากการทำงานให้เสร็จ

สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือภาพบุคคลซึ่งเป็นผลงานของนักประวัติศาสตร์ศิลปะในช่วงปี พ.ศ. 2365 ถึง พ.ศ. 2366 ประวัติการเขียนของพวกเขาสมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ ความจริงก็คือภาพวาดเหล่านี้ได้รับมอบหมายจากเพื่อนของศิลปินซึ่งทำงานเป็นจิตแพทย์ในคลินิกในปารีส พวกเขาควรจะเป็นภาพประกอบที่แสดงให้เห็นถึงความเจ็บป่วยทางจิตต่างๆ ของบุคคล ดังนั้นภาพวาด "หญิงชราบ้า", "บ้า", "บ้าจินตนาการว่าตัวเองเป็นผู้บัญชาการ" จึงถูกวาด สำหรับปรมาจารย์ด้านการวาดภาพ การแสดงสัญญาณและอาการภายนอกของโรคนั้นสำคัญไม่มากนัก แต่เพื่อสื่อถึงสภาพจิตใจภายในของผู้ป่วย ภาพที่น่าสลดใจของผู้คนปรากฏบนผืนผ้าใบต่อหน้าผู้ชม ซึ่งดวงตาของเขาเต็มไปด้วยความเจ็บปวดและความเศร้าโศก

ในบรรดาภาพวาดของGéricaultสถานที่พิเศษถูกครอบครองโดยภาพเหมือนของนิโกรซึ่งปัจจุบันอยู่ในคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์ Rouen คนที่มุ่งมั่นและตั้งใจแน่วแน่มองดูผู้ชมจากผืนผ้าใบพร้อมที่จะต่อสู้จนถึงที่สุดด้วยกองกำลังที่เป็นศัตรูกับเขา ภาพมีความสว่างอารมณ์และการแสดงออกที่ผิดปกติ ชายในภาพนี้มีความคล้ายคลึงกับวีรบุรุษที่มีความมุ่งมั่นอย่างแรงกล้าที่ Gericault เคยแสดงในองค์ประกอบขนาดใหญ่มาก่อน (เช่น บนผืนผ้าใบ "The Raft of the Medusa")

Gericault ไม่เพียง แต่เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพเท่านั้น แต่ยังเป็นประติมากรที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย ผลงานของเขาในรูปแบบศิลปะนี้ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 เป็นตัวอย่างแรกของงานประติมากรรมโรแมนติก ในงานดังกล่าวองค์ประกอบที่แสดงออกอย่างผิดปกติ "Nymph and Satyr" เป็นสิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษ ภาพที่หยุดเคลื่อนไหวจะสื่อถึงความเป็นพลาสติกของร่างกายมนุษย์ได้อย่างแม่นยำ

Théodore Gericault เสียชีวิตอย่างน่าอนาถในปี 1824 ที่ปารีส โดยตกจากหลังม้า การเสียชีวิตก่อนวัยอันควรของเขาสร้างความประหลาดใจให้กับผู้ร่วมสมัยของศิลปินชื่อดังทุกคน

งานของ Gericault เป็นเวทีใหม่ในการพัฒนาการวาดภาพไม่เพียง แต่ในฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังรวมถึงศิลปะโลกด้วย - ยุคโรแมนติก ในผลงานของเขา อาจารย์เอาชนะอิทธิพลของประเพณีคลาสสิก ผลงานของเขามีสีสันแปลกตาและสะท้อนถึงความหลากหลายของธรรมชาติ ศิลปินพยายามที่จะเปิดเผยความรู้สึกและอารมณ์ภายในของบุคคลอย่างเต็มที่และชัดเจนที่สุดโดยการแนะนำร่างมนุษย์ในองค์ประกอบ

หลังจากการเสียชีวิตของ Gericault E. Delacroix ศิลปินร่วมสมัยอายุน้อยได้หยิบเอาประเพณีของศิลปะแนวโรแมนติกของเขามาใช้

ยูจีน เดอลาครัว

Ferdinand Victor Eugene Delacroix ศิลปินและศิลปินกราฟิกชื่อดังชาวฝรั่งเศสผู้สืบทอดประเพณีโรแมนติกที่พัฒนาขึ้นในผลงานของGéricaultเกิดในปี พ.ศ. 2341 โดยไม่สำเร็จการศึกษาที่ Imperial Lyceum ในปี พ.ศ. 2358 Delacroix ไปเรียนกับ อาจารย์ Guerin ที่มีชื่อเสียง อย่างไรก็ตามวิธีการทางศิลปะของจิตรกรหนุ่มไม่เป็นไปตามข้อกำหนดของอาจารย์ ดังนั้นหลังจากเจ็ดปี ชายหนุ่มจึงจากไป

เมื่อเรียนกับ Guerin แล้ว Delacroix อุทิศเวลามากมายให้กับการศึกษาผลงานของ David และปรมาจารย์ด้านการวาดภาพของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เขาถือว่าวัฒนธรรมของสมัยโบราณ ซึ่งเป็นประเพณีที่เดวิดปฏิบัติตามด้วย เป็นพื้นฐานสำหรับการพัฒนาศิลปะโลก ดังนั้นอุดมคติทางสุนทรียศาสตร์สำหรับ Delacroix จึงเป็นผลงานของกวีและนักคิดของกรีกโบราณในหมู่พวกเขาศิลปินชื่นชมผลงานของ Homer, Horace และ Marcus Aurelius เป็นพิเศษ

ผลงานชิ้นแรกของ Delacroix คือผืนผ้าใบที่ยังไม่เสร็จซึ่งจิตรกรหนุ่มพยายามสะท้อนการต่อสู้ของชาวกรีกกับพวกเติร์ก อย่างไรก็ตาม ศิลปินขาดทักษะและประสบการณ์ในการสร้างภาพที่สื่ออารมณ์

ในปี 1822 Delacroix ได้แสดงผลงานของเขาที่ Paris Salon ภายใต้ชื่อ Dante and Virgil ผืนผ้าใบนี้มีอารมณ์ที่ผิดปกติและมีสีสันที่สดใส ในหลาย ๆ ด้านคล้ายกับผลงานของGéricault "The Raft of the Medusa"

อีกสองปีต่อมา ภาพวาดอีกชิ้นของ Delacroix คือ The Massacre at Chios ได้ถูกนำเสนอต่อผู้ชมที่ Salon มันอยู่ในแผนอันยาวนานของศิลปินที่เป็นตัวเป็นตนเพื่อแสดงการต่อสู้ของชาวกรีกกับพวกเติร์ก องค์ประกอบโดยรวมของภาพประกอบด้วยหลายส่วน ซึ่งก่อตัวเป็นกลุ่มคนโดยแยกจากกัน แต่ละคนมีความขัดแย้งอย่างมากในตัวเอง โดยทั่วไปแล้วงานนี้ให้ความรู้สึกถึงโศกนาฏกรรมที่ลึกซึ้ง ความรู้สึกของความตึงเครียดและพลวัตได้รับการปรับปรุงโดยการรวมกันของเส้นเรียบและคมชัดที่สร้างร่างของตัวละคร ซึ่งนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงในสัดส่วนของบุคคลที่วาดโดยศิลปิน อย่างไรก็ตามด้วยเหตุนี้รูปภาพจึงได้รับตัวละครที่สมจริงและความน่าเชื่อถือในชีวิต

วิธีการสร้างสรรค์ของ Delacroix ซึ่งแสดงออกมาอย่างเต็มที่ใน "Massacre of Chios" นั้นห่างไกลจากรูปแบบคลาสสิกที่ได้รับการยอมรับในแวดวงทางการของฝรั่งเศสและในหมู่ตัวแทนของวิจิตรศิลป์ ดังนั้นภาพของศิลปินหนุ่มจึงถูกวิจารณ์อย่างรุนแรงในซาลอน

แม้จะล้มเหลว จิตรกรยังคงยึดมั่นในอุดมคติของเขา ในปี พ.ศ. 2370 งานอีกชิ้นหนึ่งที่อุทิศให้กับหัวข้อการต่อสู้เพื่อเอกราชของชาวกรีก - "กรีซบนซากปรักหักพังของมิสโซลองกี" ร่างของสตรีชาวกรีกผู้เด็ดเดี่ยวและภาคภูมิใจที่ปรากฎบนผืนผ้าใบแสดงถึงความเป็นกรีซที่ไร้ผู้พิชิตที่นี่

ในปี พ.ศ. 2370 เดอลาครัวซ์ได้แสดงผลงานสองชิ้นที่สะท้อนถึงการค้นหาเชิงสร้างสรรค์ของปรมาจารย์ในด้านวิธีการและวิธีการแสดงออกทางศิลปะ เหล่านี้คือผืนผ้าใบ "Death of Sardanapalus" และ "Marino Faliero" ในตอนแรกโศกนาฏกรรมของสถานการณ์ถูกถ่ายทอดในการเคลื่อนไหวของร่างมนุษย์ มีเพียงภาพของ Sardanapal เท่านั้นที่นิ่งและสงบที่นี่ ในองค์ประกอบของ "Marino Faliero" เฉพาะร่างของตัวละครหลักเท่านั้นที่เป็นไดนามิก ฮีโร่ที่เหลือดูเหมือนจะหยุดด้วยความสยดสยองเมื่อคิดถึงสิ่งที่กำลังจะเกิดขึ้น

ในยุค 20 ศตวรรษที่ 19 Delacroix แสดงผลงานหลายชิ้นซึ่งนำมาจากงานวรรณกรรมที่มีชื่อเสียง ในปี พ.ศ. 2368 ศิลปินได้ไปเยือนอังกฤษซึ่งเป็นบ้านเกิดของวิลเลียม เชคสเปียร์ ในปีเดียวกันภายใต้ความประทับใจของการเดินทางครั้งนี้และโศกนาฏกรรมของนักเขียนบทละครชื่อดัง Delacroix ได้มีการสร้างภาพพิมพ์หิน "Macbeth" ในช่วงปี พ.ศ. 2370 ถึง พ.ศ. 2371 เขาได้สร้างภาพพิมพ์หิน "เฟาสต์" ซึ่งอุทิศให้กับงานที่มีชื่อเดียวกันโดยเกอเธ่

ในการเชื่อมต่อกับเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสในปี พ.ศ. 2373 Delacroix ได้แสดงภาพวาด "Liberty Leading the People" การปฏิวัติฝรั่งเศสถูกนำเสนอในรูปของหญิงสาวผู้แข็งแกร่ง เด็ดเดี่ยว เด็ดเดี่ยวและเป็นอิสระ นำฝูงชนอย่างกล้าหาญ โดยมีร่างของคนงาน นักเรียน ทหารที่บาดเจ็บ เกมเมอร์ชาวปารีสโดดเด่น (เป็นภาพที่คาดการณ์ไว้ Gavroche ซึ่งต่อมาปรากฏใน Les Misérables โดย V. Hugo)

งานนี้แตกต่างอย่างเห็นได้ชัดจากผลงานที่คล้ายกันของศิลปินคนอื่นๆ ที่สนใจเพียงการถ่ายทอดเหตุการณ์ตามความเป็นจริงเท่านั้น ผืนผ้าใบที่สร้างโดย Delacroix มีลักษณะที่น่าสมเพชอย่างกล้าหาญ ภาพเหล่านี้เป็นสัญลักษณ์ของเสรีภาพและความเป็นอิสระของชาวฝรั่งเศสโดยทั่วไป

ด้วยการก้าวขึ้นสู่อำนาจของหลุยส์ ฟิลิปป์ - ความกล้าหาญของกษัตริย์-ชนชั้นนายทุนและความรู้สึกอันสูงส่งที่สั่งสอนโดยเดอลาครัวซ์ ชีวิตสมัยใหม่จึงไม่มีที่ยืน ในปี พ.ศ. 2374 ศิลปินเดินทางไปประเทศในแอฟริกา เขาเดินทางไปยังแทนเจียร์ เมคเนส โอราน และแอลเจียร์ ในเวลาเดียวกัน Delacroix เยือนสเปน ชีวิตของชาวตะวันออกทำให้ศิลปินหลงใหลอย่างแท้จริงด้วยการไหลอย่างรวดเร็ว เขาสร้างภาพสเก็ตช์ ภาพวาด และงานสีน้ำมากมาย

หลังจากไปเยือนโมร็อกโกแล้ว Delacroix วาดภาพบนผืนผ้าใบที่อุทิศให้กับตะวันออก ภาพวาดที่ศิลปินแสดงการแข่งม้าหรือการต่อสู้ของทุ่งนั้นมีพลังและแสดงออกอย่างผิดปกติ เมื่อเปรียบเทียบกับพวกเขา องค์ประกอบ "ผู้หญิงแอลจีเรียในห้องของพวกเขา" ซึ่งสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2377 ดูสงบและนิ่ง มันไม่มีพลังและความตึงเครียดที่เร่งรีบเหมือนอย่างในผลงานชิ้นก่อนๆ ของศิลปิน Delacroix ปรากฏตัวที่นี่ในฐานะผู้เชี่ยวชาญด้านสี โทนสีที่จิตรกรใช้อย่างครบถ้วนสะท้อนให้เห็นถึงความหลากหลายที่สดใสของจานสีซึ่งผู้ชมเชื่อมโยงกับสีของตะวันออก

ผืนผ้าใบ“ งานแต่งงานของชาวยิวในโมร็อกโก” ซึ่งเขียนขึ้นในปี 2384 นั้นมีลักษณะที่ช้าและมีขนาดเท่า ๆ กัน บรรยากาศแบบตะวันออกลึกลับถูกสร้างขึ้นที่นี่ด้วยการแสดงความคิดริเริ่มของการตกแต่งภายในของประเทศอย่างแม่นยำของศิลปิน องค์ประกอบดูมีชีวิตชีวาอย่างน่าประหลาดใจ: จิตรกรแสดงให้เห็นว่าผู้คนขึ้นบันไดและเข้าไปในห้องได้อย่างไร แสงที่ส่องเข้ามาในห้องทำให้ภาพดูสมจริงและน่าเชื่อ

ลวดลายตะวันออกยังคงอยู่ในผลงานของ Delacroix มาเป็นเวลานาน ดังนั้นในนิทรรศการที่จัดในซาลอนในปี พ.ศ. 2390 จากผลงานหกชิ้นที่เขานำเสนอ ห้าชิ้นอุทิศให้กับชีวิตและชีวิตของตะวันออก

ในช่วงทศวรรษที่ 30-40 ในศตวรรษที่ 19 ธีมใหม่ปรากฏในงานของ Delacroix ในเวลานี้อาจารย์สร้างผลงานในรูปแบบประวัติศาสตร์ ในหมู่พวกเขา ผืนผ้าใบ "การประท้วงของ Mirabeau ต่อการสลายตัวของนายพลรัฐ" และ "Boissy d'Angles" สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ ภาพร่างของหลังที่แสดงในปี 1831 ที่ Salon เป็นตัวอย่างที่ชัดเจนของการแต่งเพลงในรูปแบบของการจลาจลที่เป็นที่นิยม

ภาพวาด "The Battle of Poitiers" (1830) และ "The Battle of Taybur" (1837) อุทิศให้กับภาพลักษณ์ของผู้คน ด้วยความสมจริง พลวัตของการต่อสู้ การเคลื่อนไหวของผู้คน ความโกรธเกรี้ยว ความโกรธ และความทุกข์ทรมานถูกแสดงไว้ที่นี่ ศิลปินพยายามที่จะถ่ายทอดอารมณ์และความหลงใหลของบุคคลที่ถูกยึดโดยความปรารถนาที่จะชนะในทุกวิถีทาง เป็นตัวเลขของผู้คนที่เป็นตัวหลักในการถ่ายทอดลักษณะที่น่าทึ่งของเหตุการณ์

บ่อยครั้งในผลงานของ Delacroix ผู้ชนะและผู้พ่ายแพ้นั้นขัดแย้งกันอย่างรุนแรง สิ่งนี้เห็นได้ชัดเจนบนผืนผ้าใบ "การยึดคอนสแตนติโนเปิลโดยพวกครูเซด" ซึ่งเขียนในปี 1840 กลุ่มคนที่ถูกเอาชนะด้วยความเศร้าโศกปรากฏอยู่เบื้องหน้า ด้านหลังมีภูมิทัศน์ที่สวยงามน่าหลงใหลและมีเสน่ห์ ร่างของนักปั่นที่ได้รับชัยชนะก็ถูกนำมาวางไว้ที่นี่เช่นกัน ซึ่งมีเงาอันน่าเกรงขามตัดกับร่างที่โศกเศร้าเบื้องหน้า

"การยึดคอนสแตนติโนเปิลโดยพวกครูเซด" นำเสนอ Delacroix ในฐานะนักวาดภาพสีที่โดดเด่น อย่างไรก็ตาม สีสันที่สดใสและอิ่มตัวไม่ได้ช่วยเสริมจุดเริ่มต้นที่น่าเศร้าซึ่งแสดงออกโดยตัวเลขที่โศกเศร้าซึ่งอยู่ใกล้ตัวผู้ชม ในทางตรงกันข้าม จานสีที่หลากหลายสร้างความรู้สึกของวันหยุดที่จัดขึ้นเพื่อเป็นเกียรติแก่ผู้ชนะ

องค์ประกอบ "Justice of Trajan" ที่มีสีสันไม่น้อยไปกว่ากันซึ่งสร้างขึ้นในปี 1840 เดียวกัน ผู้ร่วมสมัยของศิลปินยอมรับว่าภาพนี้เป็นหนึ่งในภาพที่ดีที่สุดในบรรดาผืนผ้าใบของจิตรกรทั้งหมด สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือความจริงที่ว่าในระหว่างการทำงานมีการทดลองหลักในด้านสี แม้แต่เงาก็ยังได้รับเฉดสีที่หลากหลายจากเขา สีทั้งหมดขององค์ประกอบสอดคล้องกับธรรมชาติทุกประการ การดำเนินงานนำหน้าด้วยการสังเกตเป็นเวลานานของจิตรกรสำหรับการเปลี่ยนแปลงของเฉดสีในธรรมชาติ ศิลปินป้อนพวกเขาในไดอารี่ของเขา จากนั้นตามบันทึกนักวิทยาศาสตร์ยืนยันว่าการค้นพบของ Delacroix ในด้านโทนสีนั้นสอดคล้องอย่างสมบูรณ์กับหลักคำสอนเรื่องสีที่เกิดในเวลานั้นผู้ก่อตั้งคือ E. Chevreul นอกจากนี้ ศิลปินยังเปรียบเทียบสิ่งที่เขาค้นพบกับจานสีที่โรงเรียนเวนิสใช้ ซึ่งเป็นตัวอย่างทักษะการวาดภาพสำหรับเขา

ภาพเหมือนเป็นสถานที่พิเศษในบรรดาภาพวาดของ Delacroix อาจารย์ไม่ค่อยหันมาเล่นแนวนี้ เขาวาดเฉพาะคนที่เขารู้จักมานานซึ่งการพัฒนาทางจิตวิญญาณเกิดขึ้นต่อหน้าศิลปิน ดังนั้นภาพในการถ่ายภาพบุคคลจึงสื่อความหมายและลุ่มลึกมาก นี่คือภาพของโชแปงและจอร์จแซนด์ ผืนผ้าใบที่อุทิศให้กับนักเขียนชื่อดัง (พ.ศ. 2377) แสดงให้เห็นถึงสตรีผู้สูงศักดิ์และมีความมุ่งมั่นซึ่งทำให้คนรุ่นราวคราวเดียวกันพอใจ ภาพเหมือนของโชแปงซึ่งวาดในอีกสี่ปีต่อมาในปี พ.ศ. 2381 เป็นภาพเหมือนของกวีและจิตวิญญาณของนักแต่งเพลงผู้ยิ่งใหญ่

ภาพเหมือนของนักไวโอลินและนักแต่งเพลงชื่อดังอย่างปากานินีที่น่าสนใจและแสดงออกอย่างไม่ธรรมดา วาดโดย Delacroix ในราวปี 1831 แนวดนตรีของปากานินีมีหลายวิธีคล้ายกับวิธีการวาดภาพของศิลปิน งานของ Paganini มีลักษณะเฉพาะด้วยการแสดงออกและอารมณ์ที่รุนแรงซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของงานจิตรกร

ภูมิทัศน์ครอบครองพื้นที่เล็ก ๆ ในงานของ Delacroix อย่างไรก็ตาม สิ่งเหล่านี้มีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนาจิตรกรรมฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ภูมิประเทศของ Delacroix โดดเด่นด้วยความปรารถนาที่จะถ่ายทอดแสงและชีวิตที่ยากจะเข้าใจของธรรมชาติได้อย่างถูกต้อง ตัวอย่างที่เด่นชัดคือภาพวาด "ท้องฟ้า" ซึ่งสร้างความรู้สึกของการเปลี่ยนแปลงด้วยเมฆสีขาวเหมือนหิมะที่ลอยอยู่บนท้องฟ้า และ "ทะเลที่มองเห็นได้จากชายฝั่งของ Dieppe" (1854) ซึ่งจิตรกรเชี่ยวชาญ สื่อถึงการร่อนของเรือใบเบาบนผิวน้ำทะเล

ในปี 1833 ศิลปินได้รับคำสั่งจากกษัตริย์ฝรั่งเศสให้ทาสีห้องโถงในพระราชวังบูร์บอง การทำงานเกี่ยวกับการสร้างงานที่ยิ่งใหญ่ใช้เวลาสี่ปี เมื่อทำตามคำสั่งจิตรกรได้รับคำแนะนำเบื้องต้นจากข้อเท็จจริงที่ว่าภาพนั้นเรียบง่ายและรัดกุมมากซึ่งผู้ชมเข้าใจได้
งานสุดท้ายของ Delacroix คือภาพวาดของโบสถ์แห่ง Holy Angels ในโบสถ์ Saint-Sulpice ในปารีส มันถูกสร้างขึ้นในช่วงปี 1849 ถึง 1861 การใช้สีที่สดใสและหลากหลาย (สีชมพู, สีฟ้าสดใส, สีม่วง, วางบนพื้นหลังสีน้ำเงินขี้เถ้าและสีเหลืองน้ำตาล) ศิลปินสร้างอารมณ์ที่สนุกสนานในการแต่งเพลงทำให้ผู้ชม ให้รู้สึกเบิกบานสำราญใจ ภูมิทัศน์ที่รวมอยู่ในภาพวาด "การขับไล่ Iliodor จากวัด" เป็นพื้นหลังเพิ่มพื้นที่ขององค์ประกอบและสถานที่ของโบสถ์ด้วยสายตา ในทางกลับกัน ราวกับว่าพยายามเน้นความโดดเดี่ยวของพื้นที่ Delacroix นำเสนอบันไดและราวบันไดในการจัดองค์ประกอบภาพ ร่างของคนที่วางอยู่ข้างหลังดูเหมือนจะเป็นเงาเกือบแบน

Eugene Delacroix เสียชีวิตในปี 2406 ในปารีส

Delacroix เป็นผู้ที่ได้รับการศึกษามากที่สุดในบรรดาจิตรกรในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 หลายๆ เรื่องในภาพวาดของเขานำมาจากงานวรรณกรรมของปรมาจารย์ปากกาผู้มีชื่อเสียง ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจคือบ่อยครั้งที่ศิลปินวาดภาพตัวละครของเขาโดยไม่ใช้แบบจำลอง นี่คือสิ่งที่เขาต้องการสอนลูกน้องของเขา ตามคำกล่าวของ Delacroix การลงสีเป็นสิ่งที่ซับซ้อนกว่าการคัดลอกเส้นแบบดั้งเดิม ศิลปินเชื่อว่าศิลปะส่วนใหญ่อยู่ในความสามารถในการแสดงอารมณ์และความตั้งใจสร้างสรรค์ของปรมาจารย์

Delacroix เป็นผู้เขียนผลงานเชิงทฤษฎีหลายเรื่องเกี่ยวกับสี วิธีการ และสไตล์ของศิลปิน งานเหล่านี้ทำหน้าที่เป็นสัญญาณให้จิตรกรรุ่นต่อ ๆ ไปค้นหาวิธีทางศิลปะของตนเองที่ใช้ในการสร้างสรรค์ผลงาน