บ้าน › ระบบเชื้อเพลิง › ศิลปินร่วมสมัยชาวเบลเยียม ศิลปินชาวเฟลมิชแห่งศตวรรษที่ 17 ภาพวาดโดยศิลปินชาวเบลเยียม

ศิลปินร่วมสมัยชาวเบลเยียม ศิลปินชาวเฟลมิชแห่งศตวรรษที่ 17 ภาพวาดโดยศิลปินชาวเบลเยียม

Deborah Missoorten ศิลปินร่วมสมัยชาวเบลเยียมเกิดและยังคงอาศัยอยู่ในเมืองแอนต์เวิร์ป ประเทศเบลเยียม ซึ่งเธอทำงานเป็นศิลปินอิสระมืออาชีพ เธอจบการศึกษาจาก Academy of Fine Arts ด้วยปริญญาด้านการออกแบบเครื่องแต่งกายในโรงละคร

ศิลปินร่วมสมัยชาวเบลเยียม ฌอง-โคลด เดรส

Jean-Claude เป็นหนึ่งในศิลปินร่วมสมัยไม่กี่คนที่นำตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมในอดีตมาปรับปรุงและแก้ไขตามวิสัยทัศน์ส่วนตัวของเขา เขาเติมงานของเขาด้วยอารมณ์ในลักษณะที่พวกเขานำผู้ชมกลับสู่แหล่งที่มาของอารมณ์ความรู้สึกนี้ซึ่งเสริมด้วยความพยายามของผู้เขียน แนวคิดของภาพสีและความกลมกลืนที่พัฒนาอย่างระมัดระวัง ศิลปินทำสิ่งนี้เพื่อให้เราสนุกกับการไขความลึกลับที่อยู่รอบ ๆ แหล่งข้อมูลนี้

ฉันพยายามที่จะแสดงสิ่งที่มองไม่เห็น ฮวน มาเรีย บอลเล่

Juan Maria Bolle เป็นศิลปินชาวเฟลมิช (เบลเยียม) ที่มีชื่อเสียง เกิดที่เมืองวิลวอร์ด ใกล้กรุงบรัสเซลส์ ประเทศเบลเยียม ในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2501 ในปี 1976 เขาสำเร็จการศึกษาจาก Royal Athenaeum High School ในบ้านเกิดของเขา ในปี 1985 เขาสำเร็จการศึกษาที่สถาบันศิลปะเซนต์ลูคัสในกรุงบรัสเซลส์

ความหลงใหลไม่จำเป็นต้องมีป้ายกำกับ ปีเตอร์ เซมิงค์

Peter Seminck เป็นศิลปินชาวเบลเยียมที่มีชื่อเสียง เกิดที่เมือง Antwerp ในปี 1958 เขาได้รับการศึกษาที่สถาบันศิลปะ Schoten โดยได้รับปริญญาตรีเป็นครั้งแรก จากนั้นจึงได้รับปริญญาโทสาขาวิจิตรศิลป์ เขาไม่ จำกัด ตัวเองในหัวข้อต่าง ๆ เขาวาดภาพต่าง ๆ ส่วนใหญ่เป็นสีน้ำมันบนผ้าใบ ปัจจุบันอาศัยและทำงานใน Malle ชานเมือง Antwerp ประเทศเบลเยียม

ศิลปินร่วมสมัยชาวเบลเยียม เดบอรา มิสซูร์เตน

ศิลปินร่วมสมัยชาวเบลเยียม เฟรเดริก ดูฟูร์

ศิลปินร่วมสมัย Frédéric Dufort เกิดในปี 1943 ในเมือง Tournai ประเทศเบลเยียม และได้รับการศึกษาที่ Institut Saint-Luc ใน Tournai และต่อมาที่ Academy of Mons หลังจากพักช่วงสั้นๆ เขาก็ได้เข้าเรียนในสตูดิโอของ Louis Van Lint ที่ Saint-Luc Institute ในกรุงบรัสเซลส์ ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2510 หลังจากสำเร็จการศึกษา เขาสอนเป็นเวลา 10 ปีที่สถาบันการสื่อสารกราฟิก จากนั้นเข้ารับตำแหน่งการสอนที่สถาบัน Saint-Luc ในกรุงบรัสเซลส์ ซึ่งเขาทำงานจนถึงเดือนธันวาคม พ.ศ. 2541

มูสซิน อีร์จาน. จิตรกรรมร่วมสมัย

Musin Irzhan สมัยใหม่ ศิลปินเกิดที่เมืองอัลมา-อาตา ประเทศคาซัคสถาน ในปี พ.ศ. 2520 จากปี 1992 ถึงปี 1995 เขาเรียนที่โรงเรียนศิลปะใน Alma-Ata จากนั้นเขาก็เข้าเรียนและสำเร็จการศึกษาในปี 2542 จาก Academy of Arts of I. E. Repin ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก หลังจากนั้นเป็นเวลาหลายปีที่เขาศึกษาสมัยใหม่ จิตรกรรมที่ Art School "RHoK" ในกรุงบรัสเซลส์ และที่ Academy of Fine Arts ใน Antwerp
ตั้งแต่ปี 2545 เขาได้จัดแสดงและเข้าร่วมการแข่งขันหลายครั้งหลายครั้ง ซึ่งเขาได้รับรางวัลและได้รับรางวัลมากกว่าหนึ่งครั้ง ภาพวาดของเขาอยู่ในคอลเลกชันส่วนตัวในอังกฤษ ฝรั่งเศส ฮอลแลนด์ สหรัฐอเมริกา โคลัมเบีย เบลเยียม และรัสเซีย ปัจจุบันอาศัยและทำงานในแอนต์เวิร์ป ประเทศเบลเยียม

พอล เลเดนท์. ศิลปินร่วมสมัยที่เรียนรู้ด้วยตนเอง ทิวทัศน์และดอกไม้

ธีมหลักของภาพวาดของศิลปินคนนี้คือสัตว์ป่า ภูมิทัศน์และฤดูกาลต่างๆ แต่ Paul ได้ทุ่มเททำงานอย่างหนักเพื่อพละกำลัง พลังงาน และความสวยงามของร่างกายมนุษย์

พอล เลเดนท์. ศิลปินร่วมสมัยที่เรียนรู้ด้วยตนเอง ประชากร

Paul Legend เกิดในปี 1952 ในประเทศเบลเยียม แต่เขาไม่ได้มาวาดภาพทันทีในปี 2532 เท่านั้น เขาเริ่มต้นด้วยสีน้ำ แต่รู้ได้อย่างรวดเร็วว่านี่ไม่ใช่สิ่งที่เขาต้องการ ภาพวาดสีน้ำมันน่าจะเข้ากับวิธีคิดของเขามากกว่า
ธีมหลักของภาพวาดของ Paul คือสัตว์ป่า ภูมิทัศน์และฤดูกาล แต่เขาได้อุทิศผลงานมากมายเพื่อพละกำลัง พลังงาน และความงามของร่างกายมนุษย์

นกฮูก ศิลปินชาวเบลเยียมเข็มขัด Christiane Vleugels

สเตฟาน เฮอริออน. ภาพวาดสีน้ำ

Paul Ledent เกิดในปี 1952 ในประเทศเบลเยียม เขาไม่ได้ตัดสินใจที่จะวาดภาพทันที แต่หลังจากทำงานเป็นวิศวกรหลายปีในปี 2532 พอลเริ่มต้นด้วยสีน้ำ แต่รู้สึกได้อย่างรวดเร็วว่าภาพเขียนสีน้ำมันน่าจะเข้ากับวิธีคิดของเขามากกว่า

เซดริก ลีโอนาร์ด หนุ่ม นักออกแบบจากเบลเยียม. เกิดในปี 1985 เขาสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาตรีสาขาวิจิตรศิลป์จาก St. Luc School of the Arts หลังจากนั้นไม่นาน เขาเริ่มทำงานให้กับบริษัทเล็กๆ แห่งหนึ่งในตำแหน่งเว็บมาสเตอร์ ปัจจุบันเขาทำงานเป็นนักออกแบบอิสระ Cedric แสวงหาความแปลกใหม่ในทุกสิ่งที่เขาทำและเชื่อในเสน่ห์ของภาพสมัยใหม่

มีพิพิธภัณฑ์หลายแห่งตลอดทาง ในบทความนี้ฉันจะบอกคุณเกี่ยวกับ Royal Museums of Fine Arts ในกรุงบรัสเซลส์ แต่เป็นคอมเพล็กซ์ทั้งหมดซึ่งประกอบด้วยพิพิธภัณฑ์หกแห่ง

สี่แห่งในใจกลางกรุงบรัสเซลส์:

* พิพิธภัณฑ์ศิลปะโบราณ
คอลเลกชันที่ยอดเยี่ยมของปรมาจารย์เก่าแก่จากศตวรรษที่ 15 ถึง 18
คอลเลกชันนี้ประกอบด้วยภาพวาดโดยศิลปินชาวเนเธอร์แลนด์ใต้ (เฟลมิช) ผลงานชิ้นเอกของปรมาจารย์เช่น Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Dirk Bouts, Hans Memling, Hieronymus Bosch, Lucas Cranach, Gerard David, Pieter Brueghel the Elder, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Rubens และคนอื่นๆ...
คอลเลกชั่นนี้เกิดขึ้นในช่วงการปฏิวัติฝรั่งเศส เมื่องานศิลปะหลายชิ้นถูกยึดโดยผู้รุกราน ชิ้นส่วนสำคัญถูกส่งไปยังปารีส และจากสิ่งที่เก็บไว้ พิพิธภัณฑ์นี้ก่อตั้งโดยนโปเลียน โบนาปาร์ตในปี 1801 ของมีค่าที่ถูกยึดทั้งหมดส่งคืนจากปารีสไปยังบรัสเซลส์หลังจากการปลดออกจากตำแหน่งของนโปเลียนเท่านั้น ตั้งแต่ปี 1811 พิพิธภัณฑ์ได้กลายเป็นสมบัติของเมืองบรัสเซลส์ ด้วยการเกิดขึ้นของสหราชอาณาจักรเนเธอร์แลนด์ภายใต้พระเจ้าวิลเลียมที่ 1 เงินทุนของพิพิธภัณฑ์จึงขยายตัวอย่างมาก

โรเบิร์ต แคมปิน. "การประกาศ", 1420-1440

เจคอบ จอร์แดน. เทพารักษ์และชาวนา, 2163

* พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่
คอลเลกชันศิลปะร่วมสมัยครอบคลุมผลงานตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 จนถึงปัจจุบัน พื้นฐานของคอลเลกชันคือผลงานของศิลปินชาวเบลเยียม
ภาพวาดที่มีชื่อเสียงของ Jacques-Louis David - การตายของ Marat สามารถพบเห็นได้ในส่วนเก่าของพิพิธภัณฑ์ คอลเลคชันนี้แสดงให้เห็นถึงลัทธินีโอคลาสสิกของเบลเยียมและอิงจากผลงานที่อุทิศให้กับการปฏิวัติเบลเยียมและการก่อตั้งประเทศ
ปัจจุบันจัดแสดงต่อสาธารณชนในรูปแบบนิทรรศการชั่วคราวในห้องที่เรียกว่า "พาทิโอ" สิ่งเหล่านี้ทำให้สามารถหมุนเวียนชิ้นงานศิลปะร่วมสมัยได้อย่างสม่ำเสมอ
พิพิธภัณฑ์แห่งนี้เป็นที่ตั้งของ "Salome" โดย Alfred Stevens ซึ่งเป็นตัวแทนของศิลปะอิมเพรสชั่นนิสม์ที่มีชื่อเสียงที่สุดของเบลเยียม นอกจากนี้ยังมีการนำเสนอผลงานที่มีชื่อเสียงเช่น "Russian Music" โดย James Ensor และ "Tenderness of the Sphinx" โดย Fernand Khnopf ในบรรดาปรมาจารย์แห่งศตวรรษที่ 19 ที่จัดแสดงอยู่ในพิพิธภัณฑ์ ผลงานชิ้นเอกของ Jean Auguste Dominique Ingres, Gustave Courbet และ Henri Fantin-Latour มีความโดดเด่น ภาพวาดฝรั่งเศสช่วงปลายศตวรรษที่ 19 แสดงโดย "Portrait of Suzanne Bambridge" โดย Paul Gauguin, "Spring" โดย Georges Seurat, "Bay" โดย Paul Signac, "Two Disciples" โดย Edouard Vuillard, ภูมิทัศน์โดย Maurice Vlaminck และประติมากรรมโดย Auguste Rodin "Caryatid", "Portrait of ชาวนา" โดย Vincent van Gogh (1885) และ Still Life with Flowers โดย Lovis Corinth

ฌอง หลุยส์ เดวิด. "ความตายของ Marat", 2336

กุสตาฟ วาปเปอร์ส. "ตอนของวันกันยายน", 2377

* พิพิธภัณฑ์ Magritte
เปิดทำการในเดือนมิถุนายน 2552 เพื่อเป็นเกียรติแก่ René Magritte จิตรกรแนวเซอร์เรียลิสต์ชาวเบลเยียม (21 พฤศจิกายน พ.ศ. 2441 – 15 สิงหาคม พ.ศ. 2510) คอลเล็กชั่นของพิพิธภัณฑ์ประกอบด้วยผลงานสีน้ำมันบนผ้าใบ, สี gouache, ภาพวาด, ประติมากรรมและวัตถุทาสีมากกว่า 200 ชิ้น รวมถึงโปสเตอร์โฆษณา (เขาทำงานเป็นศิลปินโปสเตอร์และโฆษณาในโรงงานกระดาษเป็นเวลาหลายปี) ภาพถ่ายเก่าและภาพยนตร์ที่ถ่ายทำ โดย Magritte เอง
ในตอนท้ายของยุค 20 Magritte ได้เซ็นสัญญากับ Cento Gallery ในกรุงบรัสเซลส์และอุทิศตนให้กับการวาดภาพ เขาสร้างภาพวาดเหนือจริง "The Lost Jockey" ซึ่งเขาถือว่าเป็นภาพวาดประเภทนี้ที่ประสบความสำเร็จเป็นครั้งแรก ในปี พ.ศ. 2470 เขาได้จัดนิทรรศการครั้งแรก อย่างไรก็ตาม นักวิจารณ์ต่างมองว่ามันไม่ประสบความสำเร็จ และ Magritte เดินทางไปปารีส ซึ่งเขาได้พบกับ Andre Breton และเข้าร่วมกลุ่มนักเซอร์เรียลิสต์ของเขา เขาได้รับสไตล์ลายเซ็นที่ทำให้ภาพวาดของเขาเป็นที่จดจำ เมื่อกลับมาถึงบรัสเซลส์ เขายังคงทำงานในรูปแบบใหม่
พิพิธภัณฑ์แห่งนี้ยังเป็นศูนย์วิจัยเกี่ยวกับมรดกของศิลปินเซอร์เรียลลิสต์อีกด้วย

*พิพิธภัณฑ์ปลายศตวรรษ (Fin de siècle)
พิพิธภัณฑ์รวบรวมผลงานในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่งเรียกว่า "จุดจบของศตวรรษ" โดยส่วนใหญ่จะมีลักษณะแนวหน้า ด้านหนึ่งคือจิตรกรรม ประติมากรรม และกราฟิก แต่รวมถึงศิลปะประยุกต์ วรรณกรรม การถ่ายภาพ ภาพยนตร์ และดนตรีด้วย
ศิลปินชาวเบลเยียมส่วนใหญ่เป็นตัวแทน แต่ยังรวมถึงผลงานของปรมาจารย์ชาวต่างชาติที่เข้ากับบริบทด้วย ผลงานของศิลปินที่เป็นสมาชิกของขบวนการก้าวหน้าที่ยิ่งใหญ่ของศิลปินชาวเบลเยียมในยุคนั้น

และอีกสองแห่งในเขตชานเมือง:

* พิพิธภัณฑ์เวิร์ตซ์
Wirtz (Antoine-Joseph Wiertz) - จิตรกรชาวเบลเยียม (2349-2408) ในปี พ.ศ. 2378 เขาวาดภาพสำคัญชิ้นแรกของเขาคือ The Struggle of the Greeks with the Trojans for the Possession of the Corpse of Patroclus ซึ่งไม่ได้รับการยอมรับให้จัดแสดงในปารีส แต่กระตุ้นความกระตือรือร้นอย่างมากในเบลเยียม ตามมาด้วย: “มรณกรรมของนักบุญ Dionysius, อันมีค่า "The Entombment" (โดยมีร่างของอีฟและซาตานอยู่บนปีก), "The Flight to Egypt", "The Revolt of the Angels" และผลงานที่ดีที่สุดของศิลปิน "The Triumph of Christ" . ความคิดริเริ่มของแนวคิดและองค์ประกอบ ความมีชีวิตชีวาของสี การเล่นเอฟเฟกต์แสงที่จัดจ้าน และจังหวะการกวาดของพู่กันทำให้ชาวเบลเยียมส่วนใหญ่มีเหตุผลที่จะมองว่า Wirtz เป็นผู้ฟื้นฟูภาพวาดประวัติศาสตร์ชาติเก่าของพวกเขาโดยตรง ทายาทของรูเบนส์ เรื่องราวของเขาก็ยิ่งแปลกประหลาดมากขึ้นเท่านั้น สำหรับผลงานของเขาซึ่งส่วนใหญ่มีขนาดมหึมา เช่นเดียวกับการทดลองประยุกต์สีเคลือบด้านที่เขาคิดค้นขึ้น รัฐบาลเบลเยียมได้สร้างเวิร์กช็อปที่กว้างขวางให้เขาในกรุงบรัสเซลส์ ที่นี่ Wirtz ซึ่งไม่ได้ขายภาพวาดใด ๆ ของเขาและมีอยู่เฉพาะในการสั่งซื้อภาพเหมือนเท่านั้น เขารวบรวมงานทุนทั้งหมดของเขาตามความเห็นของเขาและยกมรดกให้กับพวกเขาพร้อมกับเวิร์กช็อปเพื่อเป็นมรดกให้กับชาวเบลเยียม ปัจจุบันเวิร์กช็อปแห่งนี้คือพิพิธภัณฑ์เวิร์ตซ์ จัดเก็บภาพวาดได้มากถึง 42 ภาพ รวมถึงหกภาพที่กล่าวถึงข้างต้น

* พิพิธภัณฑ์ Meunier
พิพิธภัณฑ์แห่งนี้เปิดขึ้นเพื่อเป็นเกียรติแก่ Constantin Meunier (พ.ศ. 2374-2448) ซึ่งเกิดและเติบโตในครอบครัวที่ยากจนซึ่งอพยพมาจากภูมิภาคเหมืองถ่านหิน Borinage ของเบลเยียม ตั้งแต่วัยเด็ก เขาคุ้นเคยกับสถานการณ์ทางสังคมที่ยากลำบากและการดำรงอยู่อย่างน่าสมเพชของคนงานเหมืองและครอบครัวของพวกเขา มูนิเยร์บันทึกความประทับใจของเขาเกี่ยวกับชีวิตในพื้นที่เหมืองแร่ในรูปแบบพลาสติก แสดงให้เห็นถึงความเป็นผู้ใช้แรงงานที่มีบุคลิกที่พัฒนาอย่างกลมกลืน ประติมากรได้พัฒนาภาพลักษณ์ของคนงานซึ่งสะท้อนถึงความภาคภูมิใจและความแข็งแกร่งของเขาและไม่ละอายใจกับอาชีพของเขาในฐานะรถตักหรือนักเทียบท่า เมื่อตระหนักถึงอุดมคติบางอย่างที่ Meunier สร้างวีรบุรุษของเขา เราต้องยอมรับคุณค่าทางประวัติศาสตร์อันยิ่งใหญ่ของเขาด้วยความจริงที่ว่าเขาเป็นหนึ่งในปรมาจารย์คนแรกที่ทำให้ชายคนหนึ่งมีส่วนร่วมในการใช้แรงงานเป็นหัวใจสำคัญของงานของเขา ในขณะที่แสดงให้เขาเป็นผู้สร้าง เต็มไปด้วยศักดิ์ศรีภายใน

N. Stepanlin (วิจิตรศิลป์); O. Shvidkovsky, S. Khan-Magomedov (สถาปัตยกรรม)

ในทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 ในงานศิลปะของเบลเยียม สัญญาณแรกของการจากไปของระบอบประชาธิปไตย รากฐานพื้นบ้านที่หล่อหลอมผลงานของคอนสแตนติน มูนิเยร์ ศิลปินชาวเบลเยียมที่ใหญ่ที่สุดปรากฏขึ้น ความมีชีวิตชีวาและความยิ่งใหญ่ของภาพลักษณ์ของ Meunier ไม่สามารถเข้าถึงได้สำหรับคนรุ่นเยาว์ของเขา ในอนาคต ชะตากรรมของศิลปะเบลเยียมพัฒนาไปในทางที่ขัดแย้งและน่าทึ่ง

แนวโน้มที่สมจริงที่เกิดขึ้นในการวาดภาพของเบลเยียมในศตวรรษที่ 19 ได้รับการพัฒนาโดยปรมาจารย์เช่น Leon Frederic (1856-1940), Eugene Larmanet (1864-1940) และอื่น ๆ คนธรรมดาในชีวิตประจำวันของพวกเขา - นี่คือธีมของผลงานของปรมาจารย์เหล่านี้ ผู้คนบนผืนผ้าใบของ L. Frederick ปรากฏตัวในแบบที่ธรรมดากว่าทุกวัน แนวโน้มลึกลับถูกรวมเข้าด้วยกันในศิลปะเบลเยียมด้วยองค์ประกอบของธรรมชาตินิยม ความแม่นยำในการถ่ายภาพในการถ่ายโอนภูมิทัศน์ ประเภท ด้วยความสิ้นหวังพิเศษ นำผู้ชมไปสู่ความคิดเกี่ยวกับความสิ้นหวังอันน่าเศร้าของระเบียบโลกชั่วนิรันดร์ แม้แต่งานที่มีความสำคัญในรูปแบบ "Evening of the Strike" โดย E. Larmans (1894) ไม่ต้องพูดถึงภาพวาด "Death" (1904; ทั้งสอง - บรัสเซลส์, พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่) ก็โดดเด่นด้วยอารมณ์ จากความสิ้นหวังและไร้จุดหมายของการกระทำ

ลักษณะเฉพาะส่วนใหญ่ของการพัฒนาศิลปะเบลเยียมคืองานของ James Ensor (1860-1949) จากภาพวาดแนวเหมือนจริง Ensor ค่อยๆ มาสู่สัญลักษณ์ ภาพอันน่าอัศจรรย์และน่าขนลุกของศิลปินผู้นี้ ความปรารถนาของเขาในเรื่องอุปมาอุปไมย การพรรณนาถึงหน้ากากและโครงกระดูก เพื่อการลงสีที่สดใสและแทบไม่มีเสียงรบกวน เป็นการประท้วงต่อต้านความใจแคบของชนชั้นนายทุนน้อยและความหยาบคายของโลกชนชั้นนายทุนอย่างไม่ต้องสงสัย อย่างไรก็ตาม การเสียดสีของ Ensor ปราศจากเนื้อหาทางสังคมที่เป็นรูปธรรม ดูเหมือนว่าจะเป็นการเสียดสีเผ่าพันธุ์มนุษย์ และในคุณสมบัติเหล่านี้ของงานศิลปะของเขา เป็นไปไม่ได้เลยที่จะไม่เห็นเชื้อของความเบี่ยงเบนทางพิธีการเพิ่มเติมในศิลปะของเบลเยียม

J. Ensor ครองตำแหน่งพิเศษในด้านกราฟิกของเบลเยียม การแกะสลักแบบดั้งเดิมที่เต็มไปด้วยพลังประสาทของเขานั้นแสดงออกอย่างชัดเจน พวกเขาถ่ายทอดบรรยากาศของความตื่นเต้นและความวิตกกังวลภายใน ทิวทัศน์ที่น่าทึ่งโดยเฉพาะอย่างยิ่งคือ "ทิวทัศน์ของ Mariakerke" (1887) และ "The Cathedral" (1886; ทั้งคู่อยู่ในห้องแกะสลักของ Royal Library ในกรุงบรัสเซลส์) ซึ่งสร้างขึ้นจากความแตกต่างที่เฉียบแหลมและขัดแย้งกันระหว่างการสร้างที่ยิ่งใหญ่ของมนุษย์และฝูงชน บานสะพรั่งเหมือนจอมปลวกที่เชิงวิหารโกธิค การผสมผสานระหว่างการเสียดสีกับแฟนตาซี - ประเพณีประจำชาติของศิลปะเบลเยียม ย้อนกลับไปถึง I. Bosch - พบการหักเหที่เฉียบคมใหม่ที่นี่

สัญลักษณ์วรรณกรรมที่เกี่ยวข้องกับชื่อของ Maurice Maeterlinck การปรากฏตัวในสถาปนิกและศิลปะประยุกต์ของเบลเยียมของปรากฏการณ์โวหารใหม่ที่เกี่ยวข้องกับเทรนด์อาร์ตนูโว (สถาปนิก A. van de Velde และอื่น ๆ ) มีบทบาทสำคัญในวิจิตรศิลป์ ของเบลเยี่ยม. ภายใต้อิทธิพลของพวกเขาในปี พ.ศ. 2441-2442 มีการจัดตั้ง "กลุ่ม Latem ที่ 1" (ตั้งชื่อตามสถานที่ที่ศิลปินตั้งรกรากอยู่ หมู่บ้าน Latem-Saint-Martin ใกล้ Ghent) กลุ่มนี้นำโดยประติมากร J. Minnet ซึ่งรวมถึง G. van de Wusteine, V. de Sadeler และคนอื่น ๆ งานของพวกเขาขึ้นอยู่กับแนวคิดเรื่องลำดับความสำคัญของโลกวิญญาณที่ "สูงกว่า" เหนือความเป็นจริง ปรมาจารย์เหล่านี้พยายามเอาชนะกระแสอิมเพรสชั่นนิสต์โดยพยายามหลีกหนี "จากพื้นผิวของปรากฏการณ์" "เพื่อแสดงออกถึงความงามทางจิตวิญญาณของสิ่งต่างๆ" ชาว Latemians หันไปหาประเพณีการวาดภาพประจำชาติ ไปสู่ภาพดั้งเดิมของชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 14-16 แต่ในงานของพวกเขา ซึ่งแสดงแนวคิดเกี่ยวกับสัญลักษณ์อย่างสมบูรณ์ที่สุด จากนั้นจึงพัฒนาภายใต้สัญลักษณ์ของลัทธิการแสดงออกที่เข้มข้นกว่าที่เคย ห่างไกลจากประเพณีที่พวกเขากล่าวถึง II ในภูมิทัศน์ที่เข้มงวดและสวยงามของ Valerius de Sadeler (2410-2457) และในงานที่เต็มไปด้วยเวทย์มนต์ของสมาชิกที่อายุน้อยกว่าของกลุ่ม - Gustav van de Wusteine (2424-2490) - ไม่มีที่สำหรับภาพ ของบุคคล

ในตอนต้นของศตวรรษ pointillism ยังได้รับการพัฒนาที่ค่อนข้างแข็งแกร่งซึ่งตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดในเบลเยียมคือ Theo van Reiselberghe (2405-2469)

ในช่วงอายุ 20 ต้นๆ "กลุ่ม Latem ที่ 2" ถูกสร้างขึ้นโดยทำงานภายใต้อิทธิพลของลัทธิแสดงออก แม้ว่าลัทธินิยมการแสดงออกในเบลเยียมที่เกี่ยวข้องกับเหตุการณ์โศกนาฏกรรมของสงครามโลกครั้งที่หนึ่งจะใช้สีพิเศษ หัวหน้าของทิศทางนี้คือ Constant Permeke (2429-2495) ผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่ลงสีอย่างกว้างขวางของปรมาจารย์ผู้นี้ วัตถุที่คุ้นเคยกับศิลปะเบลเยียม - ผืนดิน ทะเล ภาพของชาวนา - ถูกวาดด้วยโทนของโศกนาฏกรรมและความสับสนทางจิตวิญญาณอย่างลึกซึ้ง ด้วยการเปลี่ยนรูปโดยเจตนาทั้งหมด การเน้นที่ข้อจำกัดทางจิตวิญญาณและความหยาบคายของภาพชาวนาของ Permeke ความเห็นอกเห็นใจและความเห็นอกเห็นใจต่อผู้คนที่อนุญาตให้ศิลปินสร้างภาพที่น่าประทับใจทางอารมณ์ได้ผ่านพ้นไป สีที่มืดมน หม่นหมอง ความไม่ชัดเจนของการกระทำ การไม่สามารถเคลื่อนไหวได้ของตัวละครมนุษย์ สื่อถึงอารมณ์ของความโศกเศร้าและความสิ้นหวัง (“The Betrothed”, 1923; Brussels, Museum of Modern Art)

Gustave de Smet (1877-1943), Jean Brusselmans (1884-1953) นำหลักการของลัทธิแสดงออกมาใช้ใหม่ในแนวทางของตนเอง ครั้งแรกโดยการลดความซับซ้อนของรูปแบบ ให้ความสำคัญกับความกลมกลืนขององค์ประกอบภาพ ประการที่สองโดยการเพิ่ม การนำ เพื่อพลังที่เสียดแทงระบบสีของภูมิประเทศของพวกเขา ความสนใจในสีเป็นพาหะของผลกระทบทางอารมณ์ในการวาดภาพเชื่อมโยงชาวบรัสเซลมันกับกลุ่ม Brabant Fauvists ซึ่งรวมถึง R. Woutsrs, E. Taitgat และ F. Cox สิ่งที่มีคุณค่าเป็นพิเศษคืองานศิลปะของ Rick Wouters (1882-1916) ความหลงใหลในการผสมผสานสีที่ตกแต่งอย่างสดใสไม่ได้ทำให้ศิลปินคนนี้ไม่ปิดบังคุณสมบัติทางจิตวิทยาของแบบจำลองของเขา ตรงกันข้ามกับ Fauvists ชาวฝรั่งเศส Wauters มองหาความเป็นพลาสติกปริมาณของสิ่งต่างๆ - เช่น "บทเรียน" ของเขา (1912; Brussels, Museum of Fine Arts), "Self-Portrait with a Black Bandage" (1915; Antwerp) , ของสะสมของแอล. ฟาน โบการ์ต), “Nele in red” (2458; ของสะสมส่วนตัว).

ตั้งแต่ยุค 30 สถิตยศาสตร์พัฒนาขึ้นในเบลเยียม ตัวแทนสองคนซึ่งกำลังเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง ได้แก่ R. Magritte (b. 1898) และ P. Delvaux (b. 1897) ปรมาจารย์เหล่านี้โดดเด่นด้วยการผสมผสานระหว่างความสวยงามของร้านเสริมสวยอย่างหมดจดกับจินตนาการที่ป่วยในการผสมผสานแต่ละส่วนขององค์ประกอบความคิดครอบงำของแผนกาม ฯลฯ ในเวลาเดียวกันศิลปิน "ผู้ใกล้ชิด" Albert van Dyck (1902- 1951), Jacques Mas (b. 1905) ทำงานร่วมกับพวกเขา ) ซึ่งจำกัดความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขาไว้ที่การวาดภาพทิวทัศน์และประเภทที่ใกล้ชิดอย่างแคบๆ จิตรกร L. van Lint (เกิด พ.ศ. 2452) และ R. Slabbink (เกิด พ.ศ. 2457) มีความเกี่ยวข้องกับ ไปจนถึงงานจิตรกรรมแนวนามธรรมซึ่งแพร่หลายและเป็นที่รู้จักในเบลเยียม

ปรมาจารย์แห่งการวาดภาพชาวเบลเยียมเพียงไม่กี่คนที่ยังคงอยู่ในศตวรรษที่ 20 ในตำแหน่งที่เป็นจริง สิ่งที่สำคัญที่สุดคือ Isidore Opsomer (b. 1878) ผู้แต่งภาพบุคคลทางจิตวิทยาที่เฉียบคม แสดงออกถึงชีวิตและลึกซึ้ง (“Portrait of K. Huysmans”, 1927; Antwerp, Royal Museum of Fine Arts) ออปโซเมอร์สร้างหุ่นนิ่งขึ้นมาจำนวนหนึ่ง มีสีสันสวยงาม สดและสว่างมาก

ธีมทางสังคม ธีมของการต่อสู้ของชาวเบลเยียมเพื่อสิทธิของพวกเขาได้ยินในผลงานของ Pierre Polus (พ.ศ. 2424) และ Kurt Peiser (พ.ศ. 2430-2505) และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง Roger Somville ศิลปินหัวก้าวหน้ารุ่นเยาว์ (พ.ศ. 2466) ซึ่งทำงานในด้านการวาดภาพอนุสาวรีย์ กระจกสี และศิลปะพรม ภาพวาดใจความขนาดใหญ่ในรูปแบบของการต่อสู้ของชาวเบลเยียมสร้างโดย E. Dubrinfo, L. Deltour, R. Saumville ศิลปินเหล่านี้ทำงานอย่างใกล้ชิดกับสถาปนิก

โรงเรียนกราฟิกเบลเยียมสมัยใหม่โดดเด่นด้วยการนำเสนอธีมใหม่และโจทย์โวหารใหม่ๆ นอกจาก D. Ensor ที่มีชื่อแล้ว Jules de Breuker (1870-1945) ยังเป็นช่างแกะสลักที่ใหญ่ที่สุดในเบลเยียม เอกสารของเขาอุทิศให้กับชีวิตของชุมชนแออัดในเมือง ความแตกต่างทางสังคมของโลกทุนนิยมสมัยใหม่ การจ้องมองอย่างทะลุปรุโปร่งของ Breaker มองเห็นด้านที่น่าเศร้าของชีวิต และแม้ว่างานของเขาจะมีลักษณะเชิงวิเคราะห์ แต่พวกเขาก็ยังเปี่ยมไปด้วยความเห็นอกเห็นใจอย่างสุดซึ้งต่อผู้คน ในแง่นี้ แผ่นงานหลายชิ้นของเบรกเกอร์ ("ความตายทะยานเหนือทุ่งแฟลนเดอร์ส", 1916) มีความเชื่อมโยงกับประเพณีพื้นบ้านของศิลปะเบลเยียม

ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของกราฟิกเบลเยียมสมัยใหม่คือ Frans Mazerel (b. 1889) ซึ่งทำงานในด้านการวาดภาพอนุสาวรีย์และขาตั้ง กิจกรรมสร้างสรรค์ของ Maserel เชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับความสนใจของแวดวงขั้นสูง ไม่เพียงแต่ชาวเบลเยียมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงกลุ่มปัญญาชนชาวฝรั่งเศสและเยอรมันด้วย เริ่มตั้งแต่สงครามโลกครั้งที่หนึ่ง เมื่อ Maserel ออกมาพร้อมกับภาพวาดต่อต้านการทหารในหนังสือพิมพ์ชุดหนึ่ง เขาอ้างว่าตัวเองเป็นปรมาจารย์ที่อุทิศงานทั้งหมดของเขาให้กับการต่อสู้ของมนุษยชาติเพื่ออุดมการณ์ที่เห็นอกเห็นใจผู้อื่น ในช่วงเวลานี้ Maserel มีความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับนักข่าวและศิลปินชั้นนำ และเป็นมิตรกับ Romain Rolland; ในเวลาเดียวกันงานของเขาในฐานะนักวาดภาพประกอบก็เริ่มขึ้น ชุดภาพพิมพ์ไม้ชุดแรกถูกสร้างขึ้น (“The Way of the Cross of a Man”, 1918; “My Book of Hours”, 1919 เป็นต้น) - ในซีรีส์เหล่านี้ เช่น ในพงศาวดารที่เงียบงัน เส้นทางชีวิตของคนยุคใหม่ผ่านไป การต่อสู้ การเติบโตของจิตสำนึก ความสุขและความเศร้าของเขา ความคมชัดของความแตกต่าง ความกะทัดรัด และความสื่อความหมายทางสายตามักทำให้ภาพแกะสลักของ Maserel เข้าใกล้โปสเตอร์มากขึ้น

นอกเหนือจากปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของวัฒนธรรมยุโรปสมัยใหม่ F. Mazerel มุ่งมั่นในการพัฒนาประเพณีของวัฒนธรรมประชาธิปไตยในศตวรรษที่ 19 ประเพณีของความสมจริงและมนุษยนิยมและการทำบุญที่มีประสิทธิภาพสูง ในขณะเดียวกัน ในขณะที่แก้ปัญหาสังคมพื้นฐานในยุคของเราในด้านศิลปะ Maserel พยายามอย่างต่อเนื่องที่จะขยายวิธีการของศิลปะที่เหมือนจริง เพื่อสร้างภาษาภาพใหม่ที่เหมือนจริง ซึ่งสอดคล้องกับโลกทัศน์สมัยใหม่

ภาษาของงานแกะสลักของ Maserel มีลักษณะเฉพาะคือความกระชับ ความมีสาระ ความอิ่มตัวด้วยการเชื่อมโยงเชิงเปรียบเทียบเชิงลึก แผ่นงานของ Mazerel มีข้อความย่อย สำหรับความจับใจที่แสดงออกทั้งหมดของพวกเขา พวกเขาจะค่อยๆ เปิดเผยเนื้อหา ความลึกซึ้งของความตั้งใจของผู้เขียนไม่เพียงซ่อนอยู่ในแต่ละแผ่นเท่านั้น แต่ยังอยู่ในอัตราส่วนของแผ่นงานของแต่ละซีรีส์ใจความตามลำดับในโครงเรื่องและความแตกต่างทางอารมณ์และความสามัคคีทางอุดมการณ์และศิลปะ ภาษาของความแตกต่าง ลักษณะเฉพาะของการแกะสลัก ในมือของ Maserel กลายเป็นอาวุธที่ยืดหยุ่นในการระบุลักษณะทางสังคม ทำหน้าที่ถ่ายทอดประสบการณ์โคลงสั้น ๆ ที่ละเอียดอ่อนและดึงดูดใจโดยตรง

ชุดงานแกะสลักที่อุทิศให้กับเมืองสมัยใหม่ (“เมือง”, 1925) นั้นงดงามมาก การแสดงออกของภาพวาดและองค์ประกอบทั้งหมดไม่เคยเปลี่ยนรูปมากเกินไป ภาษาของ Maserel นั้นเข้าใจได้ แม้จะหันไปใช้สัญลักษณ์ (Siren, 1932) ศิลปินก็ไม่เบี่ยงเบนจากความเป็นรูปธรรมของภาพ แต่เขาก็พยายามอย่างมีสติเพื่อความชัดเจนเพื่อโอกาสในการพูดคุยกับผู้คนด้วยงานศิลปะของเขา หมายเหตุของการมองโลกในแง่ดีมีความแข็งแกร่งโดยเฉพาะอย่างยิ่งในผลงานล่าสุดของ Maserel ซีรีส์ของเขา "From Black to White" (1939), "Youth" (1948) ในภาพวาดของศิลปิน เปิดเผยความชั่วร้ายของสังคมชนชั้นกลางสมัยใหม่ Maserel ไม่เคยสูญเสียเกณฑ์ทางสังคมที่ชัดเจน เขาเชื่อในพลังที่ก้าวหน้า เชื่อในชัยชนะครั้งสุดท้ายและความยิ่งใหญ่ของมนุษย์ ศิลปะพื้นบ้านอย่างลึกซึ้ง Maserel ตื้นตันใจกับแนวคิดของการต่อสู้เพื่อสันติภาพ Maserel เป็นตัวอย่างของศิลปินนักสู้ที่รับใช้อุดมคติแห่งความยุติธรรมด้วยงานศิลปะของเขา “ฉันไม่สวยพอที่จะเป็นได้แค่ศิลปิน” Maserel กล่าว

L. Spilliart (1881-1946) ผู้ซึ่งแทบไม่ได้สัมผัสกับอิทธิพลของการแสดงออกทางอารมณ์ ค่อนข้างแตกต่างในกราฟิกของเบลเยียม ผู้เชี่ยวชาญด้านโคลงสั้น ๆ ที่ถูกควบคุมด้วยสีน้ำ (“A Gust of Wind”, 1904; “White Clothes” , 2455).

บุคคลที่สำคัญที่สุดในประติมากรรมเบลเยียมในศตวรรษที่ 20 คือ Georges Minnet (1866-1941) Minne เป็นลูกศิษย์ของ Rodin ไม่ค่อยมีส่วนเกี่ยวข้องกับหลักการสร้างสรรค์ของอาจารย์ มิตรภาพของเขากับ Maeterlinkk มีอิทธิพลอย่างมากต่อการสร้างบุคลิกภาพของเขา ตามความคิดทั่วไปที่เป็นนามธรรม Minne ให้จิตวิญญาณที่ค่อนข้างเป็นนามธรรมกับงานของเขา นี่คือผู้เชี่ยวชาญด้านการส่งท่าทางที่ละเอียดอ่อนและแม่นยำ ความปรารถนาอย่างต่อเนื่องที่จะแสดงแนวคิดมากกว่าการแสดงความรู้สึกของมนุษย์โดยเฉพาะทำให้ประติมากรไปสู่ภาพที่ดึงออกมาไกล ๆ การบิดเบือนของรูปแบบพลาสติก เช่น "Mother Mourning Her Child" (1886, Bronze; Brussels, Museum of Modern Art), "Young Man on Her Knees" (1898, Marble; Essen, Folkwang Museum) ในปี พ.ศ. 2451-2455 มินเน็ทหันกลับมาที่ปัจจุบัน ภาพเหมือนของคนงานชาวเบลเยียมของเขามีพื้นฐานมาจากการสังเกตธรรมชาติอย่างรอบคอบและสืบสานประเพณีของงานประติมากรรมในศตวรรษที่ 19 ในบั้นปลายชีวิตของเขา ในการวาดภาพเกี่ยวกับศาสนา ลักษณะเชิงสัญลักษณ์และความลึกลับของงานของ Minne ปรากฏขึ้นอีกครั้ง

โดยทั่วไปแล้ว ประติมากรรมสมัยใหม่ของเบลเยียมกำลังพัฒนาภายใต้สัญลักษณ์ของการแสวงหาธรรมชาตินิยมและพิธีการ ยกเว้นงานของ Ch. Leple (b. 1903) ซึ่งสร้างภาพเหมือนครึ่งตัวที่สวยงามทางอารมณ์และองค์ประกอบทางประติมากรรม และ O. Jespers (b พ.ศ. 2430) อาจารย์ผู้จงใจเลียนแบบนิโกรดึกดำบรรพ์

ศิลปะเหรียญแบบดั้งเดิมสำหรับประเทศนี้กำลังได้รับการพัฒนาอย่างมากในเบลเยียม เซรามิกตกแต่งเบลเยียมสมัยใหม่ (การประชุมเชิงปฏิบัติการใน Dura), ประติมากรรมตกแต่ง (ปรมาจารย์ P. Kay; b. 1912), ทาสีภาชนะตกแต่งที่ต้องการความสว่างในการตกแต่ง, ความเป็นธรรมชาติของรูปแบบและการตกแต่ง, การเชื่อมต่อแบบอินทรีย์กับการตกแต่งภายในของสถาปัตยกรรมสมัยใหม่

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ในเบลเยียมมีการเติบโตอย่างรวดเร็วของเมืองอุตสาหกรรมและการค้าโดยอิงจากการพัฒนาอย่างเข้มข้นของทรัพยากรธรรมชาติของประเทศ (แร่เหล็กและถ่านหิน) และการแสวงหาผลประโยชน์จากนักล่าอาณานิคมในแอฟริกาอันกว้างใหญ่ ที่ตั้งที่เกิดขึ้นเองของอุตสาหกรรม กรรมสิทธิ์ในที่ดินส่วนบุคคล และความเป็นอิสระในการบริหารของเขตชานเมือง (ชุมชน) ของเบลเยียมขัดขวางการพัฒนาตามปกติและการเติบโตของเมืองใหญ่ งานสร้างใหม่ซึ่งส่วนใหญ่จำกัดอยู่ที่การปรับปรุงศูนย์และการพัฒนา ของการคมนาคมในเมือง การซ้ำเติมของวิกฤตที่อยู่อาศัยทำให้เกิดรูปแบบต่างๆ ของการก่อสร้างที่อยู่อาศัยของอาคารที่อยู่อาศัย "ราคาถูก" สำหรับคนงาน: การร่วมหุ้น สหกรณ์ และสังคมการกุศล

ในช่วงเวลานี้ การก่อสร้างประเภทใหม่ ๆ ของอุตสาหกรรม ธุรกิจ และอาคารสาธารณะเริ่มขึ้นในเมืองต่าง ๆ ของเบลเยียม สะท้อนทั้งการพัฒนาเศรษฐกิจและการเกิดขึ้นของลูกค้าใหม่ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง เช่น ชนชั้นแรงงานที่รวมตัวกันเป็นสหภาพแรงงาน - การก่อสร้างบ้านของผู้คนบนพื้นฐานความร่วมมือ (เช่น ในกรุงบรัสเซลส์ ออกแบบโดยสถาปนิก V. Horta ในปี พ.ศ. 2439-2442) ซึ่งรวมสถานที่การค้า วัฒนธรรม การศึกษา และสำนักงานไว้ในอาคารหลังเดียว

ในช่วงต้นทศวรรษ 1890 เบลเยียมกลายเป็นหนึ่งในศูนย์กลางหลัก (ในสถาปัตยกรรมยุโรป) ของการต่อสู้กับหลักการของลัทธิคลาสสิกและลัทธิผสมผสาน (รวมถึงแนวโรแมนติกแห่งชาติที่เรียกว่า) สถาปนิกชาวเบลเยียม A. van de Velde, V. Horta, P. Ankar ซึ่งทำงานในช่วงเวลานี้โดดเด่นด้วยการปฏิเสธการผสมผสานโวหารของสถาปัตยกรรมในศตวรรษที่ 19 เป็นต้นกำเนิดของการเกิดขึ้นของ "สไตล์ใหม่" " - อาร์ตนูโวของยุโรป และความพยายามอย่างไม่ลดละที่จะค้นหารูปแบบที่ทันสมัยโดยอาศัยความเป็นไปได้ของวัสดุใหม่ๆ การออกแบบ และคำนึงถึงความต้องการด้านการใช้งานใหม่ๆ สำหรับอาคาร

Henri van de Velde (2406-2500) เป็นหนึ่งในตัวแทนและนักอุดมการณ์ที่ใหญ่ที่สุดของยุโรปสมัยใหม่ เขาต่อต้านหลักการของคลาสสิกและ "ซุ้ม" ต่อสู้เพื่อองค์ประกอบสามมิติสำหรับแนวทางใหม่ในการสร้างการตกแต่งภายในและของใช้ในครัวเรือน ในเวลาเดียวกัน เขาต่อต้านการนำวิธีการทางอุตสาหกรรมของการผลิตจำนวนมากเข้าสู่กระบวนการสร้างอาคารและการผลิตของใช้ในครัวเรือน ปกป้องวิธีการทางช่างฝีมือสำหรับการผลิตผลิตภัณฑ์ในครัวเรือน และสนับสนุนความแตกต่างของแต่ละโครงการ

Victor Horta (พ.ศ. 2404-2490) ผู้สนับสนุนรายใหญ่อันดับสองของ Art Nouveau เป็นสถาปนิกที่ไม่เพียง แต่นำหลักการสร้างสรรค์ของ Art Nouveau มาใช้เป็นครั้งแรกในทางปฏิบัติ (คฤหาสน์บนถนน Turen ในกรุงบรัสเซลส์ พ.ศ. 2435-2436) แต่ ยังกำหนดทิศทางของการค้นหาการตกแต่งสถาปัตยกรรมของ " สไตล์นี้ " เป็นอย่างมาก ในช่วงเปลี่ยนทศวรรษ 1880-1890 เป็นเวลาหลายปีที่เขามีส่วนร่วมในการค้นหาความงามอย่างเป็นทางการในห้องปฏิบัติการอย่างเข้มข้นสำหรับการตกแต่งใหม่และเป็นคนแรกที่ใช้เส้นคดเคี้ยวที่ยืดหยุ่นของ "การตีด้วยแส้" (เส้น Horta) ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นหนึ่งในคุณลักษณะเฉพาะของการตกแต่งทั้งหมด อาร์ตนูโวและแพร่หลายมากที่สุดในเกือบทุกประเทศในยุโรปในช่วงปลายปี พ.ศ. 2433-ต้นทศวรรษ พ.ศ. 2443

เกี่ยวกับการพัฒนาทิศทางที่สร้างสรรค์ของสถาปัตยกรรมเบลเยียมในยุค 20-30 ข้อเท็จจริงที่ว่าก่อนสงคราม เบลเยียมเป็นหนึ่งในศูนย์กลางหลักสำหรับการพัฒนาความทันสมัย ไม่อาจสร้างผลกระทบได้ และสถาปนิกหลักเช่น van de Velde และ Horta ยังคงทำงานอย่างเข้มข้นในช่วงหลังสงคราม และแม้ว่าพวกเขาจะย้ายออกจาก ความทันสมัยแบบออร์โธดอกซ์ แต่งานของพวกเขายังห่างไกลจากนวัตกรรมที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง จริงอยู่ ในช่วงเวลานี้ ฟาน เดอ เวลเด พยายามพัฒนาแง่มุมที่เป็นเหตุเป็นผลของความทันสมัย อย่างไรก็ตาม จริง ๆ แล้ว เขามีประสบการณ์ในงานของเขาในขั้นที่โดยรวมแล้วได้ผ่านพ้นไปแล้วโดยกระแสของนักเหตุผลนิยมในสถาปัตยกรรมยุโรปในช่วงก่อนสงคราม Horta ภายใต้อิทธิพลของสถาปัตยกรรมอเมริกัน (เขาอยู่ในสหรัฐอเมริกาในปี พ.ศ. 2459-2462) พยายามเผยแพร่ลัทธินีโอคลาสสิกในสถาปัตยกรรมเบลเยียมโดยใช้คำสั่งที่เรียบง่ายโดยไม่มีองค์ประกอบการตกแต่ง (พระราชวังวิจิตรศิลป์ในกรุงบรัสเซลส์ พ.ศ. 2465-2471)

แนวโน้มที่มีเหตุผลในสถาปัตยกรรมของเบลเยียมในช่วงทศวรรษที่ 20-30 ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับงานของสถาปนิกรุ่นเยาว์ซึ่งกิจกรรมหลักคือการก่อสร้างที่อยู่อาศัยราคาถูก "เพื่อสังคม" ซึ่งดำเนินการโดยเทศบาลและสหกรณ์โดยใช้เงินกู้ยืมของรัฐ การก่อสร้างนี้เนื่องจากการจัดสรรเงินทุนที่จำกัดอย่างมาก สถาปนิกจึงต้องใช้วัสดุก่อสร้างและโครงสร้างใหม่ที่มีประสิทธิภาพในโครงการของตน เพื่อสร้างรูปแบบอพาร์ทเมนต์ที่มีเหตุผล การสร้างบ้านราคาถูกนั้นจริง ๆ แล้วเป็นห้องปฏิบัติการสร้างสรรค์ที่ซึ่งสถาปนิกในสภาพที่เข้มงวดพยายามสร้างที่อยู่อาศัยที่ค่อนข้างสะดวกสบายสำหรับคนงานพยายามใช้หลักการของการพิมพ์และความสำเร็จของวิทยาศาสตร์ประยุกต์ (ตัวอย่างเช่น ความต้องการของไข้แดด นั่นคือการให้แสงสว่างด้วยแสงแดดโดยตรง) ถูกนำมาใช้ในที่อยู่อาศัยจำนวนมาก อุปกรณ์สุขภัณฑ์และเทคนิคที่ทันสมัย เครื่องทำความร้อนส่วนกลาง ไฟฟ้า รางขยะ และเฟอร์นิเจอร์บิวท์อิน และยังพยายามเชื่อมโยงภาพสถาปัตยกรรมของอาคารกับการทำงานและสร้างสรรค์ใหม่ พื้นฐาน

หนึ่งในอาคารพักอาศัยสมัยใหม่แห่งแรกๆ ไม่เพียงแต่ในเบลเยียมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในยุโรปด้วย ออกแบบโดย Victor Bourgeois (พ.ศ. 2440-2505) ใกล้กรุงบรัสเซลส์ในปี พ.ศ. 2465-2468 หมู่บ้าน Cite Modern (เมืองสมัยใหม่) ที่นี่มีการใช้เทคนิคการวางแผนใหม่สำหรับปีเหล่านั้น: มีสถานที่จัดภูมิทัศน์พิเศษสำหรับการพักผ่อนหย่อนใจในไตรมาส, จัดสนามเด็กเล่นสำหรับเด็ก, และวางบ้านโดยคำนึงถึงการวางแนวที่ได้เปรียบที่สุด ยิ่งไปกว่านั้น Bourgeois มีความสอดคล้องกันอย่างมากในการปฏิบัติตามหลักการของการวางแนวอพาร์ทเมนท์ที่ได้เปรียบที่สุด เขาได้ออกแบบบ้านหลายหลังที่ไม่สามารถวางในแนวเหนือ-ใต้ได้ ด้วยเหตุผลด้านองค์ประกอบทั่วไปของผังหมู่บ้าน (ตัวอย่างเช่น สร้างพื้นที่ปิดของจัตุรัสกลาง) เขาออกแบบด้วยหิ้ง (ฟันเลื่อยในแผน) อพาร์ทเมนต์ในบ้านของหมู่บ้านได้รับการออกแบบโดยมีการระบายอากาศข้ามและมีแสงสว่างที่จำเป็นสำหรับห้องพักทุกห้องพร้อมแสงแดด รูปลักษณ์ภายนอกของบ้านสะท้อนให้เห็นถึงลักษณะดังกล่าวของคอนกรีตเสริมเหล็ก เช่น หลังคาแบน หน้าต่างเข้ามุมและหน้าต่างเอน และหลังคาโปร่งแสงเหนือทางเข้า

รูปหน้า 166

สิ่งที่น่าสนใจอย่างยิ่งจากมุมมองของการพัฒนาแนวโน้มของนักเหตุผลนิยมในสถาปัตยกรรมเบลเยียมหลังสงครามคือการก่อสร้างโรงเรียนซึ่งการค้นหาวิธีแก้ปัญหาการทำงานตามแผนและองค์ประกอบปริมาตรเชิงพื้นที่ของอาคารโดยคำนึงถึงข้อกำหนดใหม่ของ กระบวนการศึกษาดำเนินการในลักษณะเดียวกับการสร้างที่อยู่อาศัยราคาถูกในเงื่อนไขของการประหยัดต้นทุนที่เข้มงวดที่สุด

แนวโน้มใหม่ในด้านสถาปัตยกรรมแม้ว่าจะมีความยากลำบาก แต่ก็ยังคงหาทางสร้างอาคารสาธารณะที่มีเอกลักษณ์ นิทรรศการนานาชาติปี 1935 ในกรุงบรัสเซลส์กลายเป็นเวทีสำหรับการต่อสู้ของกระแสนิยมที่มีเหตุผลด้วยลัทธินีโอคลาสซิซิสซึ่มและลัทธิผสมผสาน รูปลักษณ์แบบดั้งเดิมของศาลาหลายแห่งซึ่งซ่อนพื้นฐานเชิงสร้างสรรค์สมัยใหม่ไว้ ตัวอย่างเช่นเป็นพระราชวังที่ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษซึ่งสร้างขึ้นตามการออกแบบของสถาปนิก Jean van Peek การออกแบบที่โดดเด่นของเพดานของห้องโถงขนาดใหญ่ (คอนกรีตเสริมเหล็กรูปโค้งพาราโบลา) ไม่ปรากฏให้เห็นในรูปลักษณ์ภายนอกของอาคาร ส่วนหน้าของอาคารเป็นองค์ประกอบแบบขั้นบันไดที่มีสไตล์ตามจิตวิญญาณของลัทธินีโอคลาสสิก อย่างไรก็ตาม ที่นิทรรศการนี้ ในพาวิลเลี่ยนจำนวนหนึ่ง (แม้ว่าจะไม่ใช่พาวิลเลี่ยนหลัก) วัสดุและโครงสร้างใหม่ (แก้ว คอนกรีตเสริมเหล็ก) ถูกนำมาใช้อย่างกล้าหาญเพื่อสร้างรูปลักษณ์ของอาคารสมัยใหม่

การทำลายล้างที่เกิดจากสงครามโลกครั้งที่สองจำเป็นต้องมีการบูรณะอย่างกว้างขวาง ยิ่งกว่านั้น ซึ่งแตกต่างจากการก่อสร้างบูรณะหลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง เมื่อความปรารถนาที่จะบูรณะมากในรูปแบบเดิมมีชัย ภายใต้เงื่อนไขใหม่ การบูรณะจะรวมเข้ากับงานสร้างใหม่ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในพื้นที่เก่าของเมือง ซึ่งการวางแผนที่ซับซ้อนและถนนแคบทำให้เกิดการขนส่ง ความยากลำบาก ผังเมืองแพร่ภาพซึ่งสร้างขึ้นจำนวนมากในช่วงหลังสงครามเบลเยียม ในที่สุดก็ลงมาที่มาตรการเฉพาะเพื่อปลดปล่อยการจราจรในภาคกลางของบรัสเซลส์ ซึ่งกำหนดเวลาให้ตรงกับการจัดนิทรรศการนานาชาติปี 1958 ในกรุงบรัสเซลส์ ในการขนถ่ายเครือข่ายการขนส่งในใจกลางเมืองจากการขนส่งผู้โดยสารระหว่างสถานีรถไฟสองแห่งในบรัสเซลส์ อุโมงค์ทะลุเชื่อมเส้นทางของพวกเขากับสถานีรถไฟใต้ดินในใจกลางเมือง

การก่อสร้างที่อยู่อาศัยในเบลเยียมหลังสงครามเป็นที่สนใจอย่างมาก ที่นี่เราสามารถสังเกตการเอาชนะประเพณีการสร้างเมืองด้วยบ้านเดี่ยวพร้อมอพาร์ทเมนต์ "แนวตั้ง" สถานที่ส่วนบุคคลซึ่งตั้งอยู่บนหลายชั้นและการเปลี่ยนแปลงอย่างเด็ดขาดไปสู่การก่อสร้างอาคารอพาร์ตเมนต์ประเภททันสมัย (ส่วน, แกลเลอรี่ , หอคอย) รวมกันเป็นอาคารที่พักอาศัย รวมถึงอาคารสาธารณะจำนวนหนึ่ง (ส่วนใหญ่เป็นบ้านพักอาศัยและอาคารพาณิชย์) คอมเพล็กซ์ที่อยู่อาศัยดังกล่าวมักจะตั้งอยู่ในพื้นที่ที่ยังไม่ได้พัฒนา: คอมเพล็กซ์ Kiel ใน Antwerp (สถาปนิก R. Brahm, R. Mas และ V. Marmans, 1950-1955) บน Manevrov Square ใน Liege (โครงการโดยสถาปนิกของกลุ่ม EGAU, 1956) และคนอื่น ๆ. ตามกฎแล้วคอมเพล็กซ์ที่อยู่อาศัยถูกสร้างขึ้นโดยมีบ้านหลายประเภทและเพื่อเพิ่มพื้นที่ของดินแดนที่ยังไม่พัฒนาบ้านหลายหลังถูกวางไว้บนฐานรองรับซึ่งมักจะเป็นรูปตัววีซึ่งให้องค์ประกอบของคอมเพล็กซ์ที่อยู่อาศัยใหม่ของเบลเยียม ความเป็นสากล ความคมชัดและความคิดริเริ่มที่เป็นทางการบางอย่าง

รูปหน้า 168

ในพื้นที่เมืองเก่าที่สร้างขึ้นอย่างหนาแน่น บ้านในยุคต่างๆ ที่มีอาคารหลายชั้นแคบๆ ตั้งเรียงเป็นแถวต่อเนื่องกันตามถนน บ้านใหม่จะต้องสร้างขึ้นใน "ชั้นเค้ก" นี้ นอกจากนี้ สถาปนิกชาวเบลเยียมไม่พยายามเลียนแบบรูปลักษณ์ภายนอกของบ้านใกล้เคียงในกรณีเหล่านี้ แต่แนะนำอาคารสมัยใหม่ที่ทำจากคอนกรีตและกระจกอย่างกล้าหาญให้กับบ้านหลายยุคหลายสมัย ซึ่งให้รสชาติพิเศษแก่อาคารทั้งหลัง ตามกฎแล้วอาคารใหม่เหล่านี้เป็นบ้านที่ทำกำไรได้ในการออกแบบที่สถาปนิกต้องแสดงทักษะและความเฉลียวฉลาดอย่างแท้จริงเนื่องจากโครงเรื่องแคบทำให้สามารถจัดช่องเปิดหน้าต่างได้เฉพาะในบริเวณบ้านที่ฉีกขาด (ไปทางถนนและ เข้าไปในลาน)

ตั้งแต่ช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 50 ในสถาปัตยกรรมเบลเยียม อิทธิพลของ functionalism อเมริกันหลากหลาย โรงเรียนของ Mies van der Rohe เพิ่มขึ้น ประการแรกสิ่งนี้ใช้กับการก่อสร้างอาคารสำนักงานซึ่งหนึ่งในนั้นคืออาคารประกันสังคมในกรุงบรัสเซลส์ซึ่งสร้างขึ้นในปี 2501 ตามโครงการของสถาปนิก Hugo van Cuijk อาคารหลังนี้ตั้งอยู่บนที่สูงแห่งหนึ่งของเมืองได้สำเร็จ อาคารนี้เป็นปริซึมกระจกทรงสูงแบนราบที่มีฐานเป็นรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้า ราวกับว่างอกออกมาจากสไตโลเบตที่กว้างขึ้น อาคารปิดมุมมองของหนึ่งในเส้นทางสัญจรหลักของเมืองและเป็นศูนย์กลางการประพันธ์ของวงดนตรีที่ซับซ้อนแต่สื่อความหมายได้ รวมถึงอาคารหลายชั่วขณะที่อยู่โดยรอบและจัตุรัสอันร่มรื่นที่จัดวางอย่างสวยงามด้านหน้าอาคาร ซึ่งมีประติมากรรม Msnier จำนวนมาก วางไว้กลางแจ้ง ประติมากรรมที่เหมือนจริงเหล่านี้ตัดกันอย่างชัดเจนกับรูปลักษณ์สมัยใหม่ของอาคาร ซึ่งลักษณะความเป็นเมืองยิ่งขับเน้นให้เห็นมากขึ้นจากกระแสของรถยนต์ที่แล่นไปตามทางหลวงสมัยใหม่ซึ่งนำไปสู่อุโมงค์ใกล้กับอาคาร

หนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของสถาปัตยกรรมเบลเยียมในยุคหลังสงครามที่มีชื่อเสียงที่สุดและไม่ต้องสงสัยเลยคือการสร้างอาคารผู้โดยสารทางอากาศแห่งใหม่ในกรุงบรัสเซลส์ ซึ่งสร้างขึ้นโดยเกี่ยวข้องกับนิทรรศการในปี 1958 โดยสถาปนิก M. Brunfo ในการวางแผนและการจัดองค์ประกอบเชิงพื้นที่ของอาคารนี้ ทั้งงานด้านประโยชน์ใช้สอยและงานศิลป์ก็ประสบความสำเร็จ การตกแต่งภายในของห้องผ่าตัดหลักทำให้เกิดความประทับใจมากที่สุด โถงปิดด้วยโครงโครงอะลูมิเนียมคานยื่นยาว 50 ม. วางค้ำรูปตัว ^ ผนังด้านหนึ่งของห้องโถงถูกเปลี่ยนเป็นฉากกระจกขนาดใหญ่ที่หันหน้าไปทางทุ่งฤดูร้อน

รูปหน้า 169

เหตุการณ์สำคัญในชีวิตสถาปัตยกรรมของเบลเยียมคือนิทรรศการบรัสเซลส์นานาชาติในปี 2501 สถาปนิกชาวเบลเยียมมีส่วนร่วมโดยตรงในการสร้างศาลานิทรรศการและอาคารอื่น ๆ การก่อสร้างที่เกี่ยวข้องกับการเปิด ในบรรดาอาคารเหล่านี้เราสามารถสังเกตเห็นโครงสร้างที่แปลกประหลาดเช่น Atomium (วิศวกร A. Waterkeyn สถาปนิก A. และ J. Polak) ซึ่งสามารถจัดเป็นอนุสรณ์สถานเชิงสัญลักษณ์ ศาลา "ลูกศรคอนกรีตเสริมเหล็ก" - พร้อมคานยื่น 80 ม. (วิศวกร A. Paduard สถาปนิก J. van Dorselaer) ซึ่งแสดงให้เห็นถึงความสามารถในการสร้างสรรค์ของคอนกรีตเสริมเหล็กรวมถึง Pavilion of the Information Center ที่สร้างขึ้นในใจกลางกรุงบรัสเซลส์ เพดานซึ่งเป็นเปลือกรูปอานม้าที่วางอยู่บนคอนกรีตเสริมเหล็กสองอันรองรับในรูปของไฮเปอร์โบลิกพาราโบลาซึ่งทำจากแผ่นไม้ติดกาวสามชั้น (สถาปนิก L. J. Bochet, J. P. Blondel และ O. F. Philippon วิศวกร R. Sarge) .

วัฒนธรรม

ศิลปินชาวเบลเยียม

จุดสูงสุดของการผลิบานของการวาดภาพในเบลเยียมตรงกับช่วงเวลาของการปกครองของเบอร์กันดีในศตวรรษที่ 15 ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศิลปินวาดภาพบุคคลด้วยรายละเอียดที่ซับซ้อน สิ่งเหล่านี้เป็นภาพวาดที่สำคัญและไม่เป็นไปตามอุดมคติ ซึ่งศิลปินพยายามที่จะบรรลุความสมจริงและความชัดเจนสูงสุด ภาพวาดสไตล์นี้อธิบายได้จากอิทธิพลของโรงเรียนดัตช์ยุคใหม่

สำหรับการวาดภาพของเบลเยียม ศตวรรษที่ 20 เป็นยุคทองที่สอง แต่ศิลปินได้ถอยห่างจากหลักการของความสมจริงในการวาดภาพและหันไปหาลัทธิเหนือจริง หนึ่งในศิลปินเหล่านี้คือ Rene Magritte

ภาพวาดของเบลเยียมมีประเพณีเก่าแก่ที่ชาวเบลเยียมภาคภูมิใจ พิพิธภัณฑ์ Rubens House ตั้งอยู่ใน Antwerp และ Royal Museum of Fine Arts ตั้งอยู่ในกรุงบรัสเซลส์ พวกเขากลายเป็นการแสดงความเคารพอย่างลึกซึ้งของชาวเบลเยียมสำหรับศิลปินและประเพณีโบราณในการวาดภาพ

พวกดั้งเดิมของเฟลมิช

แม้ในช่วงปลายยุคกลางในยุโรป ก็ให้ความสนใจกับการวาดภาพในแฟลนเดอร์สและบรัสเซลส์ Jan Van Eyck (ประมาณ 1400-1441) ปฏิวัติศิลปะเฟลมิช เขาเป็นคนแรกที่ใช้น้ำมันทำสีคงทน และผสมสีบนผ้าใบหรือไม้ นวัตกรรมเหล่านี้ทำให้สามารถเก็บภาพวาดได้นานขึ้น ในช่วงยุคเรอเนซองส์ ภาพวาดแผงเริ่มแพร่หลาย

Jan Van Eyck กลายเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนลัทธิดั้งเดิมของเฟลมิช โดยวาดภาพชีวิตด้วยสีสันที่สดใสและการเคลื่อนไหวบนผืนผ้าใบ ในอาสนวิหารเกนต์มีแท่นบูชา "The Adoration of the Lamb" ซึ่งสร้างโดยศิลปินชื่อดังและน้องชายของเขา

ลัทธิดั้งเดิมของเฟลมิชในการวาดภาพมีความโดดเด่นโดยเฉพาะอย่างยิ่งภาพบุคคลที่เหมือนจริง ความชัดเจนของแสง และการพรรณนาเสื้อผ้าและพื้นผิวของผ้าอย่างระมัดระวัง หนึ่งในศิลปินที่ดีที่สุดที่ทำงานในทิศทางนี้คือ Rogierde la Pasture (Rogier van der Weyden) (ประมาณ 1400-1464) หนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงของ Rogirde la Pasture คือ Descent from the Cross ศิลปินผสมผสานพลังแห่งความรู้สึกทางศาสนาและความสมจริง ภาพวาดของ Rogierde la Pasture เป็นแรงบันดาลใจให้ศิลปินชาวเบลเยียมหลายคนที่สืบทอดเทคนิคใหม่นี้

ความเป็นไปได้ของเทคโนโลยีใหม่ได้รับการขยายโดย Dirk Bouts (1415-1475)

ฮันส์ เมมลิง (ประมาณปี ค.ศ. 1433-1494) ถือเป็นนักลัทธิไพรม์มินิสต์ชาวเฟลมิชคนสุดท้าย ซึ่งมีภาพเขียนพรรณนาเมืองบรูจส์ในศตวรรษที่ 15 ภาพวาดแรกที่แสดงถึงเมืองอุตสาหกรรมในยุโรปวาดโดย Joachim Patinir (ประมาณปี 1475-1524)

ราชวงศ์บรูเกล

ศิลปะเบลเยียมในต้นศตวรรษที่ 16 ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากอิตาลี จิตรกร Jan Gossaert (ประมาณ ค.ศ. 1478-1533) ศึกษาในกรุงโรม ในการวาดภาพสำหรับราชวงศ์ที่ปกครองของ Dukes of Brabant เขาเลือกวิชาที่เป็นตำนาน

ในช่วงศตวรรษที่ 16-17 ครอบครัว Bruegel มีอิทธิพลต่อศิลปะเฟลมิชมากที่สุด จิตรกรที่ดีที่สุดคนหนึ่งของโรงเรียนเฟลมิชคือปีเตอร์ บรูเกลผู้เฒ่า (ประมาณปี ค.ศ. 1525-1569) เขามาถึงบรัสเซลส์ในปี 1563 ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือผืนผ้าใบที่แสดงภาพตลกของชาวนา พวกเขาให้โอกาสในการกระโดดเข้าสู่โลกแห่งยุคกลาง หนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงของ Pieter Brueghel the Younger (1564-1638) ซึ่งวาดภาพบนผืนผ้าใบเกี่ยวกับประเด็นทางศาสนาคือ The Census in Bethlehem (1610) Jan Brueghel the Elder (1568-1625) หรือที่รู้จักในชื่อ Brueghel the Velvet วาดภาพหุ่นนิ่งที่สลับซับซ้อนเป็นรูปดอกไม้ตัดกับพื้นหลังของผ้าม่านกำมะหยี่ Jan Brueghel the Younger (1601-1678) วาดภาพทิวทัศน์อันงดงามและเป็นจิตรกรในราชสำนัก

ศิลปินแห่งแอนต์เวิร์ป

ศูนย์กลางของภาพวาดเบลเยียมในศตวรรษที่ 17 ย้ายจากบรัสเซลส์ไปยังแอนต์เวิร์ป - ศูนย์กลางของแฟลนเดอร์ส สิ่งนี้ได้รับอิทธิพลจากความจริงที่ว่า Peter Paul Rubens ศิลปินชาวเฟลมิชที่มีชื่อเสียงระดับโลกคนแรก ๆ (1577-1640) อาศัยอยู่ใน Antwerp รูเบนส์วาดภาพทิวทัศน์อันงดงาม วาดภาพด้วยเรื่องราวในตำนาน และเป็นจิตรกรในราชสำนัก แต่ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือผืนผ้าใบของเขาที่แสดงภาพผู้หญิงตัวอ้วน ความนิยมของรูเบนส์นั้นยิ่งใหญ่มากจนช่างทอชาวเฟลมิชสร้างพรมจำนวนมากที่แสดงภาพวาดอันงดงามของเขา

ลูกศิษย์ของรูเบนส์ จิตรกรวาดภาพในราชสำนัก Anthony van Dyck (1599-1641) กลายเป็นจิตรกรชาวแอนต์เวิร์ปคนที่สองที่สร้างชื่อเสียงไปทั่วโลก

Jan Bruegel the Elder ตั้งรกรากอยู่ใน Antwerp และ David Teniers II ลูกเขยของเขา (1610-1690) ได้ก่อตั้ง Academy of Fine Arts ใน Antwerp ในปี 1665

อิทธิพลของยุโรป

ในศตวรรษที่ 18 อิทธิพลของรูเบนส์ที่มีต่อศิลปะยังคงอยู่ ดังนั้นจึงไม่มีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญในการพัฒนาศิลปะเฟลมิช

ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 19 เริ่มรู้สึกได้ถึงอิทธิพลที่แข็งแกร่งของโรงเรียนในยุโรปอื่น ๆ เกี่ยวกับศิลปะของเบลเยียม François Joseph Navez (1787-1869) ได้เพิ่มนีโอคลาสสิกให้กับจิตรกรรมเฟลมิช Constantin Meunier (1831-1905) ชอบความสมจริง Guillaume Vogels (1836-1896) วาดในสไตล์อิมเพรสชั่นนิสต์ ผู้สนับสนุนแนวโรแมนติกในการวาดภาพคือศิลปินชาวบรัสเซลส์ Antoine Wirtz (1806-1865)

ภาพวาดที่รบกวน บิดเบี้ยว และพร่ามัวโดย Antoine Wirtz เช่นงาน "Hasty Cruelty" ที่ดำเนินการราวปี 1830 เป็นจุดเริ่มต้นของศิลปะเหนือจริง Fernand Khnopff (1858-1921) เป็นที่รู้จักจากภาพบุคคลที่น่าสะพรึงกลัวของสตรีที่น่าสงสัย ถือเป็นตัวแทนในยุคแรกๆ ของโรงเรียนสัญลักษณ์แห่งเบลเยียม งานของเขาได้รับอิทธิพลจาก Gustav Klimt ชาวเยอรมันผู้โรแมนติก

James Ensor (1860-1949) เป็นศิลปินอีกคนหนึ่งซึ่งผลงานเปลี่ยนจากความสมจริงไปสู่ความเหนือจริง โครงกระดูกลึกลับและน่าขนลุกมักปรากฎบนผืนผ้าใบของเขา สมาคมศิลปิน "LesVingt" (LesXX) ในปี พ.ศ. 2427-2437 จัดนิทรรศการผลงานของศิลปินแนวหน้าที่มีชื่อเสียงจากต่างประเทศในกรุงบรัสเซลส์ ทำให้ชีวิตทางวัฒนธรรมในเมืองมีชีวิตชีวา

สถิตยศาสตร์

ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 อิทธิพลของ Cezanne ได้รับการสัมผัสในศิลปะเบลเยียม ในช่วงเวลานี้ Fauves ปรากฏขึ้นในเบลเยียม โดยแสดงภาพทิวทัศน์ที่สดใสอาบแสงอาทิตย์ ตัวแทนที่โดดเด่นของ Fauvism คือประติมากรและศิลปิน Rick Wauters (1882-1916)

สถิตยศาสตร์ปรากฏในบรัสเซลส์ในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 Rene Magritte (1898-1967) กลายเป็นตัวแทนที่โดดเด่นของเทรนด์ศิลปะนี้ ลัทธิเหนือจริงเริ่มพัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 16 ภาพวาดชวนฝันโดยปีเตอร์ บรูเกล ผู้เฒ่าและบอชถูกวาดในรูปแบบนี้ ไม่มีจุดสังเกตบนผืนผ้าใบของ Magritte เขานิยามสไตล์เซอร์เรียลิสต์ของเขาว่า

Paul Delvaux (1897-1989) เป็นศิลปินที่สะเทือนอารมณ์และสะเทือนอารมณ์มากกว่า ผืนผ้าใบของเขาพรรณนาถึงการตกแต่งภายในที่หรูหราและแปลกประหลาดด้วยตัวเลขที่ปกคลุมด้วยหมอก

ขบวนการ CoBrA ในปี 1948 รณรงค์เพื่อศิลปะนามธรรม Abstractionism ถูกแทนที่ด้วยศิลปะแนวความคิด นำโดย Marcel Brudtaers (1924-1976) ปรมาจารย์ด้านการติดตั้ง Broodtaers แสดงวัตถุที่คุ้นเคย เช่น กระทะที่เต็มไปด้วยหอยแมลงภู่

สิ่งทอและลูกไม้

ผ้าทอและลูกไม้ของเบลเยี่ยมถือเป็นของหรูหรามากว่าหกร้อยปี ในศตวรรษที่ 12 พรมทอมือเริ่มผลิตขึ้นในแฟลนเดอร์ส ต่อมาเริ่มผลิตในบรัสเซลส์ ตูร์แน โอเดนาร์เด และเมเคอเลิน

ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 16 ศิลปะการทำลูกไม้เริ่มพัฒนาขึ้นในเบลเยียม ลูกไม้ถูกทอในทุกจังหวัด แต่ลูกไม้จากบรัสเซลส์และบรูจส์มีมูลค่ามากที่สุด บ่อยครั้งที่ช่างทำลูกไม้ที่มีทักษะมากที่สุดได้รับการอุปถัมภ์จากขุนนาง สำหรับชนชั้นสูง พรมที่สวยงามและลูกไม้ที่ประณีตถือเป็นสัญลักษณ์ของตำแหน่งของพวกเขา ในช่วงศตวรรษที่ 15-18 ลูกไม้และผ้าทอเป็นสินค้าส่งออกหลัก และวันนี้เบลเยียมถือเป็นแหล่งกำเนิดของสิ่งทอและลูกไม้ที่ดีที่สุด

Tournai และ Arras เมืองเฟลมิช (ปัจจุบันตั้งอยู่ในฝรั่งเศส) ในต้นศตวรรษที่ 13 กลายเป็นศูนย์ทอผ้าที่มีชื่อเสียงในยุโรป งานฝีมือและการค้าพัฒนาขึ้น เทคนิคนี้ทำให้สามารถทำงานที่ละเอียดอ่อนและมีราคาแพงมากขึ้นด้ายเงินแท้และทองคำเริ่มถูกเพิ่มเข้าไปในขนแกะซึ่งเพิ่มต้นทุนของผลิตภัณฑ์มากยิ่งขึ้น

การปฏิวัติในการผลิตพรมเกิดขึ้นโดย Bernard van Orley (1492-1542) ซึ่งรวมเอาความสมจริงแบบเฟลมิชและความเพ้อฝันของอิตาลีไว้ในภาพวาด ต่อมาปรมาจารย์ชาวเฟลมิชถูกล่อลวงไปยังยุโรปและในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 ความรุ่งเรืองทั้งหมดของพรมเฟลมิชได้ส่งต่อไปยังโรงงานในปารีส

เบลเยี่ยมตลอดทั้งปี

ภูมิอากาศแบบเบลเยียมเป็นแบบฉบับของยุโรปเหนือ ด้วยเหตุนี้การเฉลิมฉลองจึงสามารถดำเนินการได้ทั้งบนถนนและที่บ้าน สภาพอากาศที่สมบูรณ์แบบทำให้ศิลปินในเมืองหลวงสามารถแสดงได้ทั้งที่สนามกีฬาและในอาคารโบราณ ชาวเบลเยียมรู้วิธีใช้การเปลี่ยนแปลงของฤดูกาล ตัวอย่างเช่น ในฤดูร้อน เทศกาลดอกไม้จะเปิดขึ้นในเมืองหลวง Grand Place ปกคลุมไปด้วยดอกไม้นับล้านทุก ๆ วินาทีของเดือนสิงหาคม การเปิดฤดูกาลเต้นรำ ภาพยนตร์ และโรงละครจะมีขึ้นในเดือนมกราคม ที่นี่ การแสดงรอบปฐมทัศน์ตั้งแต่ "โรงหนังรถยนต์" ไปจนถึงโบสถ์เก่าแก่กำลังรอผู้ชมอยู่

ในกรุงบรัสเซลส์ คุณสามารถชมเทศกาลต่างๆ ได้ตลอดทั้งปี ที่นี่คุณสามารถเห็นขบวนแห่ทางประวัติศาสตร์ที่หรูหราและเต็มไปด้วยชีวิตชีวา จัดขึ้นทุกปีตั้งแต่ยุคกลาง ศิลปะการทดลองล่าสุดของยุโรปแสดงให้เห็นที่นี่

วันหยุด

ปีใหม่ - 1 มกราคม
อีสเตอร์ - วันที่ลอย
วันจันทร์สะอาด - วันลอย
วันแรงงาน - 1 พฤษภาคม
ขึ้นสวรรค์ - วันที่ลอย
วันทรินิตี้ - วันที่ลอย
Spirits Monday - วันที่ลอย
วันชาติเบลเยียม - 21 กรกฎาคม
หอพัก - 15 สิงหาคม
วันออลเซนต์ - 1 พฤศจิกายน
สงบศึก - 11 พฤศจิกายน
คริสต์มาส - 25 ธันวาคม

ฤดูใบไม้ผลิ

เมื่อวันแห่งฤดูใบไม้ผลิยาวนานขึ้นในเบลเยียม ชีวิตทางวัฒนธรรมก็ได้รับการฟื้นฟู นักท่องเที่ยวเริ่มเข้ามาที่นี่ เทศกาลดนตรีจัดขึ้นบนถนน เมื่อสวนสาธารณะในเมืองบานสะพรั่ง เรือนกระจกเขตร้อนของ Laiken ซึ่งเป็นที่รู้จักไปทั่วโลกจะเปิดให้นักท่องเที่ยวเข้าชม ผู้ผลิตช็อกโกแลตเบลเยียมกำลังยุ่งกับการเตรียมขนมทุกประเภทสำหรับเทศกาลอีสเตอร์ที่สำคัญ

เทศกาลภาพยนตร์แฟนตาซีนานาชาติ (สัปดาห์ที่ 3 และ 4) แฟน ๆ ของปาฏิหาริย์และความแปลกประหลาดกำลังรอภาพยนตร์เรื่องใหม่ในโรงภาพยนตร์ทั่วเมืองหลวง
อาท มิวสิค (กลางมีนาคม - กลางเมษายน) วันหยุดนี้เป็นหนึ่งในเทศกาลที่ดีที่สุดของยุโรป นักแสดงที่มีชื่อเสียงมาหามัน บ่อยครั้งที่มีการแสดงคอนเสิร์ตในพิพิธภัณฑ์ Old Masters นักเลงดนตรีทุกคนเข้าร่วมเทศกาลนี้
Euroantique (สัปดาห์ที่แล้ว) สนามกีฬา Heysel เต็มไปด้วยผู้เข้าชมและพ่อค้าแม่ค้าที่ต้องการซื้อหรือขายของเก่า
อีสเตอร์ (วันอาทิตย์อีสเตอร์) มีความเชื่อว่าก่อนวันอีสเตอร์ ระฆังโบสถ์จะบินไปที่กรุงโรม เมื่อกลับมาพวกเขาทิ้งไข่อีสเตอร์ไว้ในทุ่งและป่าโดยเฉพาะสำหรับเด็ก ดังนั้นทุกปี ไข่ที่ทาสีแล้วมากกว่า 1,000 ฟองจะถูกซ่อนโดยผู้ใหญ่ใน Royal Park และเด็ก ๆ จากทั่วเมืองก็มารวมตัวกันเพื่อค้นหาไข่เหล่านี้

เมษายน

ฤดูใบไม้ผลิพิสดารใน Sablon (สัปดาห์ที่ 3) Place de la Grande Sablon ที่มีชื่อเสียงรวบรวมพรสวรรค์ของหนุ่มสาวชาวเบลเยียม พวกเขาเล่นดนตรีจากศตวรรษที่ 17
โรงเรือนหลวงในไลเคน (12 วัน วันที่แตกต่างกันไป) เมื่อกระบองเพชรเริ่มผลิดอก เช่นเดียวกับพืชแปลกๆ ทุกชนิด เรือนกระจกส่วนพระองค์ของราชวงศ์เบลเยียมจะเปิดให้สาธารณชนเข้าชมโดยเฉพาะ ห้องทำด้วยกระจกและตกแต่งด้วยเหล็ก พืชหายากหลายชนิดถูกเก็บไว้ที่นี่จากสภาพอากาศเลวร้าย
เทศกาลใน Flanders (กลางเดือนเมษายน - ตุลาคม) เทศกาลนี้เป็นงานฉลองดนตรีที่ผสมผสานสไตล์และเทรนด์ทุกประเภท วงออเคสตร้าและนักร้องประสานเสียงชื่อดังกว่า 120 วงมาแสดงที่นี่
"ฉากหน้าจอ". (สัปดาห์ที่ 3 - จบ). โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับผู้ชม มีการนำเสนอภาพยนตร์ยุโรปใหม่ทุกวัน

การเฉลิมฉลองวันยุโรป (7-9 พฤษภาคม) เนื่องจากบรัสเซลส์เป็นเมืองหลวงของยุโรปจึงเน้นอีกครั้งในการเฉลิมฉลอง ตัวอย่างเช่น Mannequin Pis สวมชุดสูทสีน้ำเงินซึ่งประดับด้วยดาวสีเหลือง
Kunstin-Festival of Arts (9-31 พฤษภาคม) นักแสดงละครและนักเต้นรุ่นเยาว์มีส่วนร่วมในเทศกาลนี้
การแข่งขัน Queen Elizabeth (พฤษภาคม - กลางเดือนมิถุนายน) การแข่งขันดนตรีนี้รวบรวมแฟนเพลงคลาสสิก การแข่งขันนี้มีมานานกว่าสี่สิบปี นักเปียโนรุ่นเยาว์ นักไวโอลิน และนักร้องแสดงที่นั่น วาทยกรและศิลปินเดี่ยวที่มีชื่อเสียงเลือกนักแสดงที่คู่ควรที่สุดในหมู่พวกเขา
การแข่งขัน 20 กม. ที่กรุงบรัสเซลส์ (วันอาทิตย์ที่ผ่านมา) วิ่งในเมืองหลวงซึ่งมีนักวิ่งมือสมัครเล่นและมืออาชีพมากกว่า 20,000 คนเข้าร่วม
แจ๊ซแรลลี่ (หยุดวันสุดท้าย) วงดนตรีแจ๊สขนาดเล็กแสดงในร้านอาหารและร้านกาแฟ

ฤดูร้อน

ในเดือนกรกฎาคม ฤดูกาลแห่งความงดงามของศาลจะเปิดขึ้นที่ออมเมงกัง นี่เป็นประเพณีที่ค่อนข้างเก่า ขบวนขนาดใหญ่เคลื่อนไปตามพระบรมมหาราชวังและถนนโดยรอบ ในช่วงเวลาที่ยอดเยี่ยมของปี คุณจะได้ยินเสียงเพลงจากทิศทางต่างๆ นักแสดงสามารถเล่นดนตรีในสถานที่ต่างๆ เช่น สนามกีฬา King Baudouin ขนาดใหญ่ใน IJsel หรือในบาร์คาเฟ่เล็กๆ ในวันประกาศอิสรภาพ ชาวเบลเยียมทุกคนจะมาร่วมงาน Midi Fair มันเกิดขึ้นในตารางที่ติดตั้งถาดและกำลังสร้างเส้นทาง

เทศกาลบรัสเซลส์ฤดูร้อน (ต้นเดือนมิถุนายน - กันยายน) โปรแกรมคอนเสิร์ตจัดขึ้นในอาคารโบราณที่มีชื่อเสียง
เทศกาลใน Wallonia (มิถุนายน - ตุลาคม) การจัดงานกาล่าคอนเสิร์ตในกรุงบรัสเซลส์และแฟลนเดอร์สทำให้สามารถนำเสนอศิลปินเดี่ยวและผู้เล่นวงออเคสตราชาวเบลเยียมที่มีพรสวรรค์มากที่สุดแก่ผู้ชมได้
เทศกาลคาเฟ่ "คูลเลอร์" (สัปดาห์ที่แล้ว) เป็นเวลาสามวัน โปรแกรมที่ทันสมัยมากเกิดขึ้นในคลังสินค้า Tour-e-Taxi ที่สร้างขึ้นใหม่ ผู้ชมคาดหวังโดยมือกลองแอฟริกัน, ซัลซ่า, ดนตรีชาติพันธุ์และกรดแจ๊ส
เทศกาลดนตรี (หยุดวันสุดท้าย). สวัสดิการและคอนเสิร์ตจัดขึ้นเป็นเวลาสองสัปดาห์ติดต่อกันในศาลากลางและพิพิธภัณฑ์ที่อุทิศให้กับดนตรีโลก

กรกฎาคม

Ommegang (สุดสัปดาห์ที่ 1 ของเดือนกรกฎาคม) นักท่องเที่ยวมาจากทั่วทุกมุมโลกเพื่อชมการกระทำนี้ เทศกาลนี้จัดขึ้นในกรุงบรัสเซลส์ตั้งแต่ปี 1549 ขบวนนี้ (หรือที่เรียกว่า "ทางอ้อม") เคลื่อนไปรอบๆ พระบรมมหาราชวัง ถนนทุกสายที่เชื่อมต่อกัน และเคลื่อนเป็นวงกลม มีผู้เข้าร่วมมากกว่า 2,000 คนเข้าร่วมที่นี่ ต้องขอบคุณเครื่องแต่งกายที่ทำให้พวกเขากลายเป็นชาวเมืองยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ขบวนพาเหรดผ่านเจ้าหน้าที่ระดับสูงของเบลเยียม ต้องจองตั๋วล่วงหน้า
เทศกาลดนตรีแจ๊สพื้นบ้าน "Brosella" (หยุดวันที่ 2) เทศกาลนี้จัดขึ้นที่ Osseghem Park ดึงดูดนักดนตรีชื่อดังจากยุโรป
เทศกาลฤดูร้อนในกรุงบรัสเซลส์ (กรกฎาคม - สิงหาคม) ในช่วงเวลานี้ของปี นักดนตรีเล่นเพลงคลาสสิกในเมืองตอนล่างและตอนบน
Midi Fair (กลางเดือนกรกฎาคม - กลางเดือนสิงหาคม) จัดงานที่สถานี Gardu-Midi ที่มีชื่อเสียงในกรุงบรัสเซลส์ กิจกรรมนี้จัดขึ้นตลอดทั้งเดือน เป็นที่นิยมมากกับเด็กๆ งานนี้ถือว่าใหญ่ที่สุดในยุโรป

วันเบลเยี่ยม (21 กรกฎาคม) ดำเนินการสวนสนามเพื่อเป็นเกียรติแก่วันประกาศอิสรภาพซึ่งมีการเฉลิมฉลองตั้งแต่ปี พ.ศ. 2374 หลังจากนั้นจะมีการจุดดอกไม้ไฟใน Brussels Park
วันเปิดทำการของพระบรมมหาราชวัง (สัปดาห์สุดท้ายของเดือนกรกฎาคม - สัปดาห์ที่ 2 ของเดือนกันยายน) ประตูของพระราชวังเปิดสำหรับผู้เข้าชม กิจกรรมนี้จัดขึ้นเป็นเวลาหกสัปดาห์ติดต่อกัน

สิงหาคม

Maypole (เมย์บูม) (9 สิงหาคม) เทศกาลนี้เกิดขึ้นในปี 1213 ผู้เข้าร่วมในการกระทำนี้แต่งกายด้วยชุดตุ๊กตาขนาดใหญ่ ขบวนผ่านเมืองล่าง หยุดที่ Grand Place จากนั้นจึงวาง Maypole ไว้ที่นั่น
พรมดอกไม้ (กลางเดือนสิงหาคม ทุกๆ 2 ปี) วันหยุดนี้จัดขึ้นทุกปี นี่เป็นเครื่องบรรณาการให้กับการปลูกดอกไม้ในกรุงบรัสเซลส์ พระบรมมหาราชวังเต็มไปด้วยดอกไม้สด พื้นที่ทั้งหมดของพรมดังกล่าวอยู่ที่ประมาณ 2,000 ตร.ม.

ฤดูใบไม้ร่วง

ในฤดูใบไม้ร่วง ความบันเทิงของเบลเยียมจะย้ายไปอยู่ใต้ชายคา - ไปยังร้านกาแฟหรือศูนย์วัฒนธรรมที่คุณสามารถฟังเพลงสมัยใหม่ได้ ในช่วง "Heritage Days" ประชาชนทั่วไปจะมีโอกาสได้เพลิดเพลินกับสถาปัตยกรรมโดยการเยี่ยมชมบ้านส่วนตัวที่ปิดให้บริการในช่วงเวลาอื่น และชมคอลเล็กชันที่ตั้งอยู่ที่นั่น

กันยายน

Birthday Mannequin Pis (ปิดวันสุดท้าย)
ประติมากรรมที่มีชื่อเสียงของเด็กผู้ชายที่ฉี่ราดอยู่ในชุดสูทอีกชุดหนึ่ง ซึ่งได้รับบริจาคมาจากแขกชาวต่างชาติระดับสูง

เทศกาล "เมืองแห่งความสุข" (วันหยุดวันแรก)
ในเวลานี้มีคอนเสิร์ตประมาณ 60 รายการในร้านกาแฟที่ดีที่สุดในบรัสเซลส์สามโหล
Botanical Nights (สัปดาห์ที่แล้ว)
ศูนย์วัฒนธรรมฝรั่งเศส "Les Botaniques" ซึ่งตั้งอยู่ในเรือนกระจกเดิมของสวนพฤกษศาสตร์เป็นเจ้าภาพจัดคอนเสิร์ตที่จะทำให้ผู้ที่ชื่นชอบดนตรีแจ๊สทุกคนพอใจ
วันเฮอริเทจ (หยุดวันที่ 2 หรือ 3)
สองสามวันมานี้ อาคารและบ้านส่วนตัวที่ได้รับการคุ้มครองจำนวนมาก ตลอดจนคอลเล็กชันงานศิลปะแบบปิด จะเปิดประตูต้อนรับผู้มาเยือน

ตุลาคม

Audi Jazz Festival (กลางเดือนตุลาคม - กลางเดือนพฤศจิกายน)
ได้ยินเสียงดนตรีแจ๊สทั่วประเทศเจือจางความเบื่อในฤดูใบไม้ร่วง นักแสดงท้องถิ่นเล่น แต่ดารายุโรปบางคนมักแสดงที่ Palace of Fine Arts ในกรุงบรัสเซลส์

ฤดูหนาว

ในฤดูหนาว เบลเยียมมักมีฝนตกและหิมะตก ดังนั้นกิจกรรมเกือบทั้งหมดในช่วงเวลานี้จึงถูกย้ายไปในร่ม หอศิลป์เป็นเจ้าภาพจัดนิทรรศการระดับโลก และเทศกาลภาพยนตร์บรัสเซลส์เป็นสถานที่จัดแสดงผลงานของทั้งปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงและศิลปินรุ่นเยาว์ ก่อนวันหยุดคริสต์มาส เมืองตอนล่างจะสว่างไสวไปด้วยแสงไฟ และในวันคริสต์มาส โต๊ะของชาวเบลเยียมจะตกแต่งด้วยอาหารแบบดั้งเดิม

"ค่ำคืนแห่ง Sablon" (วันหยุดวันสุดท้าย) ร้านค้าและพิพิธภัณฑ์ทั้งหมดของ Grande Sablon จะไม่ปิดจนกว่าจะถึงช่วงดึก รถม้าพร้อมม้าเทียมขับไปรอบ ๆ งาน บรรทุกลูกค้า และที่จัตุรัสหลัก ทุกคนสามารถลิ้มรสไวน์ผสมเครื่องเทศแท้ ๆ ได้

ธันวาคม

วันเซนต์นิโคลัส (6 ธันวาคม)
ตามตำนาน ในวันนี้นักบุญอุปถัมภ์ของคริสต์มาส ซานตาคลอสมาถึงเมือง และเด็กชาวเบลเยียมทุกคนจะได้รับขนม ช็อกโกแลต และของขวัญอื่นๆ
คริสต์มาส (24-25 ธันวาคม)
เช่นเดียวกับในประเทศคาทอลิกอื่นๆ คริสต์มาสในเบลเยียมมีการเฉลิมฉลองในตอนเย็นของวันที่ 24 ธันวาคม ชาวเบลเยียมแลกของขวัญกัน แล้ววันรุ่งขึ้นก็ไปเยี่ยมพ่อแม่ คุณลักษณะคริสต์มาสทุกประเภทประดับประดาตามท้องถนนในเมืองหลวงจนถึงวันที่ 6 มกราคม

มกราคม

วันพ่อแห่งชาติ (6 มกราคม)
ในวันนี้มีการเตรียม "เค้กรอยัล" อัลมอนด์พิเศษและทุกคนที่ต้องการค้นหาถั่วที่ซ่อนอยู่ที่นั่น ผู้ที่ค้นพบจะได้รับการประกาศให้เป็นกษัตริย์ตลอดทั้งคืนเทศกาล
เทศกาลภาพยนตร์บรัสเซลส์ (กลาง - สิ้นเดือนมกราคม)
รอบปฐมทัศน์ของภาพยนตร์เรื่องใหม่ที่มีส่วนร่วมของดาราภาพยนตร์ยุโรป

กุมภาพันธ์

งานแสดงโบราณวัตถุ (สัปดาห์ที่ 2 และ 3)
Palace of Fine Arts รวบรวมผู้ค้าของเก่าจากทั่วทุกมุมโลก
International Comics Festival (สัปดาห์ที่ 2 และ 3)
นักเขียนและศิลปินหนังสือการ์ตูนเดินทางมายังเมืองที่มีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปะการวาดภาพหนังสือการ์ตูนเพื่อแบ่งปันประสบการณ์และจัดแสดงผลงานใหม่

หลากหลายและมีสีสันมากกว่าสถาปัตยกรรมและประติมากรรมแบบเฟลมิช ภาพวาดแบบเฟลมิชในศตวรรษที่ 17 เผยให้เห็นถึงการผลิบานที่งดงาม ชัดเจนยิ่งกว่าในศิลปะเหล่านี้ ภาษาเฟลมิชอันเป็นนิรันดร์ปรากฏที่นี่จากส่วนผสมของรากฐานทางเหนือและทางใต้ เปรียบเสมือนสมบัติของชาติที่ไม่มีวันถูกทำลาย จิตรกรรมร่วมสมัยไม่มีประเทศอื่นใดที่จับภาพเนื้อหาที่หลากหลายและมีสีสันเช่นนี้ได้ ในวัดใหม่หรือวัดที่ได้รับการบูรณะ แท่นบูชาแบบบาโรกขนาดมหึมาหลายร้อยแท่นกำลังรอภาพวาดของนักบุญบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่ ในพระราชวังและบ้านเรือน กำแพงอันกว้างใหญ่ต่างโหยหาภาพวาดขาตั้งในตำนาน เชิงเปรียบเทียบและประเภท ใช่แล้ว และการถ่ายภาพบุคคลซึ่งพัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 16 เป็นภาพบุคคลขนาดเท่าตัวจริงยังคงเป็นศิลปะที่ยอดเยี่ยมในความหมายที่สมบูรณ์ของคำ โดยผสมผสานความเป็นธรรมชาติที่น่าหลงใหลเข้ากับการแสดงออกอันสูงส่ง

ถัดจากภาพวาดขนาดใหญ่นี้ซึ่งเบลเยียมร่วมกับอิตาลีและฝรั่งเศสเคยรุ่งเรืองที่นี่ สืบสานประเพณีเก่าแก่ ภาพวาดตู้ดั้งเดิม ส่วนใหญ่อยู่บนกระดานไม้หรือทองแดงขนาดเล็ก ร่ำรวยผิดปกติ โอบกอดทุกสิ่งที่พรรณนา ไม่ละเลยเรื่องศาสนา ตำนานหรือเชิงเปรียบเทียบ ชอบใช้ชีวิตประจำวันของประชากรทุกชนชั้น โดยเฉพาะชาวนา คนขับรถแท็กซี่ ทหาร พราน และกะลาสีในทุกรูปแบบ ภูมิทัศน์หรือพื้นหลังห้องที่ออกแบบของภาพวาดขนาดเล็กเหล่านี้กลายเป็นภาพวาดภูมิทัศน์และสถาปัตยกรรมอิสระในมือของปรมาจารย์บางคน ชุดนี้จบด้วยภาพดอกไม้ ผลไม้ และสัตว์ สำหรับเรือนเพาะชำและโรงเลี้ยงสัตว์ของขุนนางฝ่ายปกครองในกรุงบรัสเซลส์ การค้าในต่างประเทศนำมาซึ่งความมหัศจรรย์ของพืชและสัตว์ ความมีชีวิตชีวาของรูปแบบและสีสันไม่สามารถมองข้ามได้โดยศิลปินที่เชี่ยวชาญในทุกสิ่ง

ด้วยเหตุนี้ในเบลเยียมจึงไม่มีพื้นที่สำหรับการวาดภาพบนกำแพงขนาดใหญ่อีกต่อไป ยกเว้นภาพวาดของรูเบนส์ในโบสถ์แอนต์เวิร์ปเยซูอิตและชุดภาพทิวทัศน์สองสามชุด ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่แห่งเบลเยียมได้สร้างภาพวาดขนาดใหญ่บนผืนผ้าใบ ภาพวาดฝาผนังและเพดานสำหรับผู้ปกครองต่างประเทศ และการลดลงของเทคนิคพรมบรัสเซลส์ การมีส่วนร่วมของ Rubens นั้นเพิ่มขึ้นเพียงชั่วคราวทำให้การมีส่วนร่วมนั้นไม่จำเป็น ปรมาจารย์ชาวเบลเยียมคนอื่น ๆ เช่น Jordans และ Teniers แต่ปรมาจารย์ชาวเบลเยียมมีชื่อเสียงแม้ว่าจะไม่ลึกเท่าชาวดัตช์ แต่ก็มีส่วนร่วมในการพัฒนาการแกะสลักและการแกะสลักต่อไป ชาวดัตช์โดยกำเนิดเคยเป็นช่างแกะสลักที่เก่งที่สุดมาก่อนรูเบนส์ และการมีส่วนร่วมของจิตรกรชาวเบลเยียมที่ยิ่งใหญ่ที่สุด: รูเบนส์ จอร์แดนเซส แวนไดคส์ บราวเวอร์ส และเทเนียร์ใน

แอนต์เวิร์ปซึ่งเป็นเมืองการค้าของชาวโลว์เยอรมันผู้มั่งคั่งบน Scheldt ปัจจุบันกลายเป็นเมืองหลวงของการวาดภาพแบบโลว์เนเธอร์แลนด์มากกว่าที่เคย ภาพวาดของบรัสเซลส์บางทีอาจเป็นเฉพาะในแนวนอนที่มองหาเส้นทางอิสระกลายเป็นสาขาหนึ่งของศิลปะแอนต์เวิร์ป แม้แต่ภาพวาดของศูนย์ศิลปะเฟลมิชเก่าแก่อย่าง Bruges, Ghent และ Mecheln ในตอนแรกก็มีความสัมพันธ์กับเวิร์กช็อป Antwerp เท่านั้น แต่ในส่วนของวัลลูนของเบลเยียม เช่นในลุตทิช เราสามารถติดตามความน่าสนใจที่เป็นอิสระของชาวอิตาลีและฝรั่งเศสได้

สำหรับประวัติศาสตร์ทั่วไปของจิตรกรรมเฟลมิชในศตวรรษที่ 17 นอกเหนือจากการรวบรวมแหล่งวรรณกรรมโดย Van Mander, Goubraken, de Bie, Van Gool และ Weyermann แล้ว คำศัพท์ของ Immerseel, Kramm และ Wurzbach รวมเป็นหนังสือที่ล้าสมัยเพียงบางส่วน โดย Michiels, Waagen, Waters, Rigel และ Philippi มีความสำคัญ ในมุมมองของความสำคัญที่โดดเด่นของศิลปะของ Scheldt เราอาจกล่าวถึงประวัติของศิลปะ Antwerp โดย Van den Branden และ Rooses ซึ่งแน่นอนว่าต้องมีการเพิ่มเติมและเปลี่ยนแปลง บทที่เกี่ยวข้องของผู้แต่งหนังสือเล่มนี้ใน History of Painting ของเขาและ Woltmann นั้นมีรายละเอียดที่ล้าสมัยไปแล้ว

จิตรกรรมเฟลมิชในศตวรรษที่ 17 ได้รับอิสรภาพอย่างสมบูรณ์ในการจัดภาพและการดำเนินการ ความเป็นอันหนึ่งอันเดียวกันของการวาดและสีภายใน ความกว้างและความแข็งแกร่งที่ราบรื่นที่สุดอยู่ในมือสร้างสรรค์ของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ ปีเตอร์ พอล รูเบนส์ ซึ่งทำให้แอนต์เวิร์ปเป็นศูนย์กลางสำหรับการส่งออก ภาพวาดสำหรับยุโรปทั้งหมด อย่างไรก็ตาม ไม่มีการขาดแคลนผู้เชี่ยวชาญที่ยืนอยู่ในช่วงเปลี่ยนผ่านระหว่างทิศทางเก่าและใหม่

ในภาคที่เหมือนจริงระดับประเทศ ด้วยภาพขนาดเล็กที่มีฉากหลังเป็นภูมิทัศน์ที่พัฒนาแล้ว มีเพียงเสียงสะท้อนของความยิ่งใหญ่และความฉับไวของ Pieter Brueghel the Elder เท่านั้นที่ยังมีชีวิตอยู่ การแสดงภาพทิวทัศน์ในยุคเปลี่ยนผ่านยังคงอยู่ใน "รูปแบบเวที" ที่สร้างโดย Giliss Van Coninxloo ด้วยใบไม้ที่ขึ้นเป็นกระจุก และก้าวข้ามความยากของมุมมองทางอากาศและเชิงเส้นด้วยการพัฒนาโทนสีต่างๆ แยกกัน สลับกันไปมา ผู้ก่อตั้งภาพวาดภูมิทัศน์ในปัจจุบันคือพี่น้องตระกูล Antwerp Matthäus และ Paul Bril (1550-1584 และ 1554-1626) ก็ดำเนินการจากรูปแบบที่มีเงื่อนไขนี้เช่นกันเกี่ยวกับการพัฒนาที่แทบไม่มีใครรู้ จู่ๆ มัทเธอุส บรีลก็ปรากฏตัวในฐานะจิตรกรภาพจิตรกรรมฝาผนังในวาติกันในกรุงโรม หลังจากเสียชีวิตก่อนวัยอันควร พอล บรีล เพื่อนของน้องชายของเขาในวาติกัน ได้พัฒนาภูมิทัศน์สไตล์เนเธอร์แลนด์แบบใหม่ในขณะนั้นเพิ่มเติม ภาพวาดของแท้ของ Matthäus เพียงไม่กี่ชิ้นเท่านั้นที่รอดชีวิตมาได้ ยิ่งมาจากเปาโลซึ่งมีทัศนียภาพของสงฆ์และพระราชวังในนครวาติกัน ในลาเตรัน และในพระราชวังรอสปิกลิโอซีในซานตา เซซิเลีย และซานตามาเรีย มัจจอเร ในกรุงโรม ข้าพเจ้าได้รายงานในที่อื่น เพียงแต่ค่อย ๆ เคลื่อนผ่านไปภายใต้อิทธิพลของเสรีชน ด้วยความเป็นหนึ่งเดียวกันมากขึ้นของภูมิทัศน์ที่ดำเนินการโดย Annibale Carracci ไปจนถึงรูปแบบการเปลี่ยนผ่านที่สมดุลตามที่ระบุไว้ข้างต้น การพัฒนาเพิ่มเติมของ Bril ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของประวัติศาสตร์ทั่วไปของการวาดภาพทิวทัศน์ สะท้อนให้เห็นในภูมิทัศน์ขนาดเล็กบนกระดานจำนวนมาก บางส่วนถูกทำเครื่องหมายไว้หลายปี (1598 ใน Parma, 1600 ใน Dresden, 1601 ในมิวนิก, 1608 และ 1624 ใน Dresden , 1609, 1620 และ 1624 - ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์, 1626 - ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) มักจะมีต้นไม้มากมายโดยไม่ค่อยพยายามสื่อถึงพื้นที่ใดพื้นที่หนึ่ง ไม่ว่าในกรณีใด Paul Bril เป็นของผู้ก่อตั้งสไตล์ภูมิทัศน์ซึ่งศิลปะของ Claude Lorrain เติบโต

ในเนเธอร์แลนด์ Antwerp Josse de Momper (1564 - 1644) ซึ่งเป็นตัวแทนที่ดีที่สุดในเมืองเดรสเดนได้พัฒนารูปแบบเวที Koninxloo ในการวาดภาพทิวทัศน์ของภูเขาอย่างชาญฉลาด โดยไม่ได้เต็มไปด้วยต้นไม้มากนัก ซึ่งมี "พื้นหลังสามแบบ" บางครั้งก็มีการเพิ่ม แสงตะวันดวงที่สี่มักจะปรากฏในความงามของสีน้ำตาล-เขียว-เทา-น้ำเงินทั้งหมด

อิทธิพลของภาพวาดเก่าโดย Bril สะท้อนให้เห็นในลูกชายคนที่สองของ Peter Brueghel the Elder, Jan Brueghel the Elder (1568 - 1625) ก่อนที่เขาจะกลับไปที่ Antwerp ในปี 1596 ซึ่งทำงานในกรุงโรมและมิลาน Crivi และ Michel อุทิศงานแยกต่างหากให้กับเขา เขาวาดภาพขนาดเล็กเป็นส่วนใหญ่ บางครั้งก็เป็นภาพขนาดจิ๋วซึ่งให้ความรู้สึกถึงภูมิทัศน์ แม้ว่าภาพเหล่านั้นจะแสดงถึงธีมในพระคัมภีร์ไบเบิล เชิงเปรียบเทียบหรือประเภทก็ตาม พวกเขายึดมั่นในสไตล์ Coninksloo อย่างเหนียวแน่นด้วยใบไม้กระจุก แม้ว่าพวกเขาจะสื่อถึงการเปลี่ยนผ่านร่วมกันของพื้นหลังทั้งสามอย่างละเอียดยิ่งขึ้น ลักษณะเฉพาะของความเก่งกาจของ Jan Brueghel คือเขาวาดพื้นหลังแนวนอนสำหรับจิตรกรวาดภาพเช่น Balin ร่างสำหรับจิตรกรภูมิทัศน์เช่น Momper พวงหรีดดอกไม้สำหรับปรมาจารย์เช่น Rubens เป็นที่รู้จักจากผลงาน "Fall" ของพิพิธภัณฑ์กรุงเฮกที่เขียนใหม่และละเอียดอ่อน ซึ่งรูเบนส์วาดภาพอดัมกับอีฟ และยาน บรูเกล ภูมิทัศน์และสัตว์ต่างๆ ภูมิประเทศของเขาเองซึ่งพรั่งพร้อมไปด้วยชีวิตชาวบ้านที่ผสมผเส แต่ยังไม่แสดงออกอย่างชัดเจนในการถ่ายทอดท้องฟ้าด้วยเมฆ พื้นที่ส่วนใหญ่เป็นเนินเขาซึ่งได้รับน้ำจากแม่น้ำ ที่ราบที่มีกังหันลม ถนนในหมู่บ้านที่มีฉากโรงเตี๊ยม คลองที่มีตลิ่งเป็นป่า ถนนในชนบทที่พลุกพล่าน บนป่าสูงและถนนในป่าที่มีคนตัดไม้และนายพรานคอยเฝ้าดูอยู่เต็มตาและจริงใจ ภาพวาดในยุคแรกของเขาสามารถชมได้ที่ Ambrosiana ของมิลาน เป็นตัวแทนที่ดีที่สุดในมาดริด รวมทั้งในมิวนิก เดรสเดน เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก และปารีส สิ่งที่สำคัญเป็นพิเศษในแง่ของการค้นหาวิธีการใหม่ๆ คือการวาดภาพดอกไม้ของเขา ซึ่งสื่อให้เห็นได้อย่างน่าเชื่อถือที่สุด ไม่เพียงถ่ายทอดความงามของรูปแบบและความสว่างของสีสันของสีหายากเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการผสมผสานของสีเหล่านั้นด้วย ภาพสีฝีแปรงของเขามีกรุงมาดริด เวียนนา และเบอร์ลิน

ในบรรดาผู้ร่วมงานของเขา เราไม่ควรพลาด Hendrik van Balen (1575 - 1632) ซึ่งอาจารย์ของเขาถือเป็นอาจารย์คนที่สองของ Rubens คือ Adam van Noort ภาพวาดบนแท่นบูชาของเขา (เช่น ในโบสถ์จาค็อบในแอนต์เวิร์ป) เป็นสิ่งที่ทนไม่ได้ เขาเริ่มมีชื่อเสียงจากภาพวาดเล็กๆ เรียบๆ น้ำตาลบนกระดานที่มีเนื้อหาส่วนใหญ่มาจากนิทานโบราณ เช่น งานฉลองเทพเจ้าในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์, อาเรียดน์ในเดรสเดน, การรวบรวมมานาในบรันสวิก แต่ภาพวาดประเภทนี้ของเขาก็ขาดไปเช่นกัน ความสดและความฉับไวทางศิลปะ

รูปแบบภูมิทัศน์ในช่วงเปลี่ยนผ่านที่อธิบายไว้ข้างต้นยังคงดำเนินต่อไป อย่างไรก็ตาม ในหมู่นักลอกเลียนแบบที่อ่อนแอจนถึงต้นศตวรรษที่ 18 ที่นี่เราสามารถสังเกตได้เฉพาะปรมาจารย์ที่แข็งแกร่งที่สุดของทิศทางนี้ซึ่งโอนไปยังฮอลแลนด์ David Winkboons จาก Mecheln (1578 - 1629) ซึ่งย้ายจาก Antwerp ไปยัง Amsterdam วาดภาพป่าสดและฉากหมู่บ้าน ในบางครั้งยังมีฉากในพระคัมภีร์ไบเบิลในแนวนอน การตั้งค่า แต่ส่วนใหญ่เต็มใจวันหยุดวัดหน้าร้านเหล้าในหมู่บ้าน ภาพวาดที่ดีที่สุดของเขาใน Augsburg, Hamburg, Braunschweig, มิวนิค, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กนั้นถูกสังเกตโดยตรงและวาดด้วยสีดอกไม้โดยไม่ต้องใช้กำลัง Rellant Savery of Courtrai (ค.ศ. 1576 - 1639) ซึ่งเคิร์ต เอราสมุสอุทิศงานเขียนด้วยความรัก ศึกษาภูเขาป่าไม้ของเยอรมันในการรับใช้ของรูดอล์ฟที่ 2 หลังจากนั้นเขาลงหลักปักฐานเป็นจิตรกรและช่างแกะสลัก ครั้งแรกในอัมสเตอร์ดัม จากนั้นในอูเทรคต์ แสงที่เต็มไปด้วยแสงของเขา ค่อยๆ รวมระนาบสามระนาบเข้าด้วยกัน แต่ค่อนข้างแห้งในการดำเนินการ ภูมิประเทศที่เป็นภูเขา หิน และป่า ซึ่งสามารถมองเห็นได้ดีในเวียนนาและเดรสเดน เขาติดตั้งกลุ่มสัตว์ป่าและสัตว์เชื่องที่มีชีวิตในฉากการล่าสัตว์ ในรูปของ สวรรค์และ Orpheus นอกจากนี้เขายังเป็นจิตรกรดอกไม้อิสระรุ่นแรกๆ Adam Willaerts จาก Antwerp (1577 เสียชีวิตหลังปี 1649) ซึ่งย้ายไป Utrecht ในปี 1611 เป็นตัวแทนของภาพทะเลในรูปแบบการเปลี่ยนผ่านนี้ มุมมองชายฝั่งและทะเลของเขา (เช่น ในเดรสเดน, ที่เวเบอร์ในฮัมบูร์ก, ในหอศิลป์ลิกเตนสไตน์) ยังคงแห้งแล้งในรูปแบบของคลื่น ยังคงหยาบคายในการวาดภาพชีวิตบนเรือ แต่มีเสน่ห์ด้วยความซื่อสัตย์ของความสัมพันธ์ของพวกเขากับธรรมชาติ ในที่สุด Alexander Kerrinx แห่ง Antwerp (1600 - 1652) ผู้ซึ่งได้ถ่ายทอดศิลปะภูมิทัศน์แบบเฟลมิชของเขาไปยังอัมสเตอร์ดัม ยังคงติดตาม Coninxloe ในภาพเขียนที่มีลายเซ็นของเขา แต่ในภาพเขียนต่อมาของ Brunswick และ Dresden เห็นได้ชัดว่าได้รับอิทธิพลจากวรรณยุกต์ดัตช์สีน้ำตาลของ Van Goyen จิตรกรรม. . ดังนั้นเขาจึงเป็นส่วนหนึ่งของผู้นำการเปลี่ยนผ่านในความหมายที่สมบูรณ์ที่สุดของคำ

ในบรรดาปรมาจารย์ Antwerp ประเภทนี้ที่ยังคงอยู่ที่บ้าน Sebastian Vranks (1573 - 1647) เผยให้เห็นถึงความสำเร็จที่ไม่ต้องสงสัยในฐานะจิตรกรภูมิทัศน์และจิตรกรม้า นอกจากนี้เขายังพรรณนาใบไม้ในรูปแบบของพวงซึ่งส่วนใหญ่มักจะห้อยเหมือนต้นเบิร์ช แต่ให้การเชื่อมต่อที่เป็นธรรมชาติมากขึ้นให้ความชัดเจนใหม่แก่โทนสีโปร่งสบายและรู้วิธีถ่ายทอดตัวละครที่สำคัญต่อการกระทำของสิ่งที่เขียนอย่างมั่นใจและสอดคล้องกัน ม้าและคนขี่ในฉากการต่อสู้และการโจรกรรมของเขาที่สามารถพบเห็นได้ เช่น ในเมืองบราวน์ชไวค์ เมือง Aschaffenburg เมือง Rotterdam และเมือง Weber ในเมืองฮัมบวร์ก

ในที่สุดในการวาดภาพสถาปัตยกรรมในช่วงต้นศตวรรษที่ 16 ตามเส้นทางของ Steenwick the Elder เขาได้พัฒนารูปแบบการเปลี่ยนผ่านซึ่งประกอบด้วยการแทนที่ตัวอักษรอย่างค่อยเป็นค่อยไปตามธรรมชาติด้วยเสน่ห์ทางศิลปะ Gendrik Steenwick the Younger ลูกชายของเขา (1580 - 1649) ) ซึ่งย้ายไปลอนดอนและถัดจากเขาคือ Peter Neefs the Elder (1578 - 1656) ซึ่งมองเห็นการตกแต่งภายในของโบสถ์ได้ในเดรสเดน, มาดริด, ปารีสและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

โดยทั่วไปแล้ว การวาดภาพแบบเฟลมิชเห็นได้ชัดว่าอยู่บนเส้นทางที่ถูกต้องในการหวนคืนสู่งานศิลปะขนาดเล็ก เมื่องานศิลปะอันยิ่งใหญ่ของรูเบนส์ลอยขึ้นเหนือภาพวาดราวกับดวงอาทิตย์และพามันไปสู่อาณาจักรแห่งแสงสว่างและเสรีภาพไปพร้อมๆ กัน

Peter Paul Rubens (1577 - 1640) - ดวงอาทิตย์ที่ศิลปะเบลเยียมทั้งหมดในศตวรรษที่ 17 หมุนรอบ แต่ในขณะเดียวกันก็เป็นหนึ่งในผู้ส่องสว่างที่ยิ่งใหญ่ของศิลปะยุโรปในยุคนี้ ตรงกันข้ามกับจิตรกรสไตล์บาโรกชาวอิตาลี เขาคือตัวแทนหลักของภาพวาดสไตล์บาโรก ความสมบูรณ์ของรูปแบบ อิสระในการเคลื่อนไหว การครอบงำเหนือมวลชน ซึ่งให้ความงดงามราวกับภาพวาดแก่สถาปัตยกรรมสไตล์บาโรก ในภาพวาดของรูเบนส์ พวกเขาละทิ้งความหนักเบาของหิน และด้วยความหรูหราของสีที่ทำให้มึนเมา ทำให้ได้รับสิทธิ์ใหม่ที่เป็นอิสระ ออก. ด้วยอำนาจแห่งรูปบุคคล ความยิ่งใหญ่ขององค์ประกอบ ความบริบูรณ์ของแสงและสี ความหลงใหลในชีวิตในการถ่ายทอดการกระทำอย่างกะทันหัน ความแข็งแกร่งและไฟในการปลุกเร้าชีวิตทางร่างกายและจิตวิญญาณของชายหญิงที่มีเนื้อหนังของเขา ร่างที่แต่งตัวและไม่ได้แต่งตัวเขาเหนือกว่าปรมาจารย์คนอื่น ๆ ทั้งหมด ร่างกายที่หรูหราของหญิงสาวผมสีขาวของเขาที่มีแก้มอิ่ม ริมฝีปากอิ่ม และรอยยิ้มที่ร่าเริงเปล่งประกายด้วยความขาว ผิวของฮีโร่ชายของเขาถูกเผาไหม้ด้วยแสงแดด และหน้าผากที่นูนหนาของพวกเขาก็มีชีวิตชีวาขึ้นด้วยคิ้วที่โค้งอันทรงพลัง ภาพบุคคลของเขาเป็นภาพที่สดใหม่และดีต่อสุขภาพที่สุด ไม่ใช่ภาพบุคคลและใกล้ชิดที่สุดในช่วงเวลานั้น ไม่มีใครรู้วิธีขยายพันธุ์สัตว์ป่าและสัตว์เชื่องได้อย่างชัดเจนเท่าเขา แม้ว่าในกรณีส่วนใหญ่เขาจะไม่มีเวลา เขาจึงฝากให้ผู้ช่วยวาดภาพพวกมันไว้ในภาพวาดของเขา ในภูมิทัศน์การดำเนินการที่เขามอบหมายให้ผู้ช่วยเขาเห็นอย่างแรกคือผลกระทบทั่วไปเนื่องจากชีวิตในบรรยากาศ แต่ตัวเขาเองวาดภาพทิวทัศน์ที่น่าทึ่งแม้ในวัยชรา ศิลปะของเขาครอบคลุมทั้งโลกแห่งปรากฏการณ์ทางจิตวิญญาณและทางกายภาพ ความซับซ้อนทั้งหมดของอดีตและปัจจุบัน ภาพวาดแท่นบูชาและภาพวาดแท่นบูชาอีกครั้งที่เขาวาดสำหรับโบสถ์ เขาวาดภาพบุคคลและภาพเหมือนสำหรับตัวเขาเองและเพื่อนของเขาเป็นหลัก ภาพในตำนาน เชิงเปรียบเทียบ ภาพประวัติศาสตร์ และฉากการล่าสัตว์ที่เขาสร้างขึ้นเพื่อผู้ยิ่งใหญ่ของโลกนี้ ภาพวาดทิวทัศน์และประเภทเป็นงานเสริมเป็นครั้งคราว

คำสั่งซื้อถล่มรูเบนส์ มีภาพวาดอย่างน้อยสองพันภาพออกมาจากสตูดิโอของเขา ความต้องการงานศิลปะของเขาอย่างมากทำให้เกิดการทำซ้ำของภาพวาดทั้งหมดหรือแต่ละส่วนด้วยมือของนักเรียนและผู้ช่วยของเขา เมื่อถึงจุดสูงสุดของชีวิต เขามักจะทิ้งภาพวาดด้วยมือให้กับผู้ช่วยของเขา มีการเปลี่ยนแปลงทั้งหมดระหว่างงานเขียนด้วยลายมือของเขาเองกับภาพวาดของสตูดิโอซึ่งเขาให้ภาพร่างเท่านั้น ด้วยความคล้ายคลึงกันของรูปแบบพื้นฐานและอารมณ์พื้นฐาน ภาพวาดของเขาเองจึงเผยให้เห็นถึงการเปลี่ยนแปลงรูปแบบที่สำคัญ เช่นเดียวกับของหลายๆ คนในรุ่นราวคราวเดียวกัน ตั้งแต่การสร้างแบบจำลองพลาสติกแข็งและการเขียนหนาและหนัก ไปจนถึงการใช้สีที่เบากว่า อิสระกว่า และสดใส ไปจนถึง โครงร่างที่มีชีวิตชีวามากขึ้น ไปจนถึงการสร้างแบบจำลองที่นุ่มนวล โปร่งสบาย และเต็มไปด้วยอารมณ์ สว่างไสวด้วยโทนสีดอกไม้ของภาพวาดโทนสี

หัวของวรรณกรรมล่าสุดเกี่ยวกับรูเบนส์คืองานสะสมที่คิดขึ้นอย่างกว้างๆ ของแม็กซ์ รูสส์: The Works of Rubens (1887-1892) งานชีวประวัติที่ดีที่สุดและสำคัญที่สุดคืองานของรูสและมิเชล ผลงานที่รวบรวมหลังจาก Waagen ได้รับการตีพิมพ์โดย Jakob Burchardt, Robert Fischer, Adolf Rosenberg และ Wilhelm Bode คำถามแยกต่างหากเกี่ยวกับ Rubens ได้รับการวิเคราะห์โดย Ruelens, Voltman, Riegel, Geller von Ravensburg, Grossman, Riemanns และคนอื่นๆ Rubens เป็นช่างแกะสลักที่ Gimans และ Voorthelm-Schnevogt

รูเบนส์เกิดที่เมืองซีเกน ใกล้เมืองโคโลญจน์ จากแอนต์เวิร์ปซึ่งเป็นที่นับถือ และได้รับการศึกษาศิลปะครั้งแรกในเมืองของบิดาของเขาจากโทเบียส แวร์เฮกต์ (1561 - 1631) ซึ่งเป็นจิตรกรภูมิทัศน์ธรรมดาๆ ของรูปแบบการเปลี่ยนผ่าน จากนั้นศึกษาเป็นเวลาสี่ปีกับอดัม แวน Noort (1562 - 1641) หนึ่งในปรมาจารย์ทั่วไปของลัทธิอิตาเลียนที่มีมารยาทดังที่ทราบกันในขณะนี้ จากนั้นทำงานอีกสี่ปีกับ Otto Van Ven ซึ่งเป็นนิยายที่ร่ำรวยและว่างเปล่าในรูปแบบของคลาสสิกจอมปลอม ในตอนแรกเขาเข้าร่วมอย่างใกล้ชิดและในปี ค.ศ. 1598 ก็กลายเป็นหัวหน้ากิลด์ ในปี 1908 Habertzwil ได้อุทิศบทความโดยละเอียดให้กับอาจารย์ทั้งสามคนของ Rubens เป็นไปไม่ได้ที่จะสร้างภาพเดียวของยุค Antwerp ตอนต้นของ Rubens อย่างแน่นอน ตั้งแต่ปี 1600 ถึง 1608 เขาอาศัยอยู่ในอิตาลี ครั้งแรกในเวนิส จากนั้นส่วนใหญ่ให้บริการของ Vincenzo Gonzaga ใน Mantua แต่แล้วในปี ค.ศ. 1601 ในกรุงโรม สำหรับแท่นบูชาทั้งสามแห่งของโบสถ์ซานตาโครเชในเกรูซาเลมม์ เขาวาดภาพการค้นพบไม้กางเขน การประดับด้วยหนาม และความสูงส่งของไม้กางเขน ภาพวาดทั้งสามนี้ซึ่งปัจจุบันอยู่ในโบสถ์ของโรงพยาบาลในเมืองกราสส์ทางตอนใต้ของฝรั่งเศส เผยให้เห็นรูปแบบในยุคแรกของอิตาลีที่ยังคงค้นหาตัวเอง โดยยังคงได้รับอิทธิพลจากสำเนาของ Tintoretto, Titian และ Correggio แต่เต็มไปด้วยความดิ้นรนอย่างอิสระอยู่แล้ว เพื่อความแข็งแรงและการเคลื่อนไหว ในปี 1603 นายน้อยไปสเปนโดยได้รับคำสั่งจากเจ้าชายของเขา จากภาพเขียนที่เขาวาดที่นั่น ร่างของนักปรัชญาเฮราคลิตุส เดโมคริตุส และอาร์คิมิดีสในพิพิธภัณฑ์มาดริดเผยให้เห็นถึงรูปแบบที่ขี้โอ่และพึ่งพาอาศัยกัน แต่ยังสร้างความประทับใจให้กับความลึกทางจิตวิทยาด้วย เมื่อกลับมาที่ Mantua รูเบนส์วาดภาพฉากแท่นบูชาขนาดใหญ่สามส่วน ภาพตรงกลางเป็นภาพแสดงความเคารพของครอบครัวกอนซากาต่อนักบุญ ทรินิตี้ได้รับการเก็บรักษาไว้เป็นสองส่วนในห้องสมุด Mantua และจากภาพเขียนด้านข้างที่กว้างและมากมาย แสดงให้เห็นถึงพลังที่เพิ่มขึ้นเรื่อย ๆ ของรูปแบบและการกระทำของมวลชน การล้างบาปของพระคริสต์จบลงที่พิพิธภัณฑ์ Antwerp และการแปลงร่างใน พิพิธภัณฑ์แนนซี จากนั้นในปี ค.ศ. 1606 อาจารย์ได้วาดภาพในกรุงโรมอีกครั้งสำหรับ Chiesa Nuova อันงดงามซึ่งเต็มไปด้วยพลังแห่งรูเบนเซียนอยู่แล้วในร่างที่เต็มไปด้วยแสงของเขา ซึ่งเป็นแท่นบูชาของอัสสัมชัญของนักบุญ Gregory” ซึ่งปัจจุบันเป็นเจ้าของโดย Grenoble Museum และในกรุงโรมถูกแทนที่ด้วยอีกสามคนในปี 1608 ซึ่งไม่ใช่ภาพวาดที่ดีที่สุดโดยปรมาจารย์คนเดียวกันเลย สิ่งที่ชวนให้นึกถึงสไตล์ของคาราวัจโจได้ชัดเจนยิ่งขึ้นคือ "การเข้าสุหนัตของพระคริสต์" ในปี 1607 ที่ Sant'Ambrogio ในเมืองเจนัว อย่างไรก็ตาม นักวิจัยเช่น Rooses และ Rosenberg ระบุว่าปรมาจารย์มาจากยุคอิตาลี เมื่อเขาคัดลอกผลงานของ Titian, Tintoretto, Correggio, Caravaggio, Leonardo, Michelangelo และ Raphael และภาพวาดหลายภาพด้วยพู่กันของเขา ซึ่งเห็นได้ชัดว่าเขียนขึ้น ภายหลัง. อุปมาอุปไมยขนาดใหญ่เกี่ยวกับการจัดแสดงและคุณธรรมในเดรสเดนซึ่งมีต้นกำเนิดจากมันตัว มีรูปแบบและสีสันที่แข็งแกร่ง หากไม่ได้เขียนไว้ ดังที่มิเชลคิดกับเรา ประมาณปี 1608 ในเมืองมันตัว เราค่อนข้างยอมรับพร้อมกับลางสังหรณ์ว่าปรากฏตาม การกลับมาของ Rubens สู่บ้านเกิดของเขามากกว่ากับ Roosers ซึ่งเขียนขึ้นก่อนการเดินทางไป Antwerp ที่อิตาลี ภาพที่วาดอย่างมั่นใจและจำลองด้วยพลาสติกของเจอโรมในเดรสเดนยังเผยให้เห็นถึงลักษณะเฉพาะของรูเบนเซียน ซึ่งบางทีอาจพัฒนาเกินไปสำหรับยุคอิตาลีของเขา ซึ่งตอนนี้เราให้เหตุผลว่าภาพนี้ เมื่อรูเบนส์กลับมาที่แอนต์เวิร์ปในปี 1608 แล้วในปี 1609 เขาได้รับแต่งตั้งให้เป็นจิตรกรในราชสำนักของอัลเบรทช์และอิซาเบลลา และสไตล์ของเขาซึ่งเป็นอิสระอยู่แล้ว ได้พัฒนาอย่างรวดเร็วไปสู่พลังอันยิ่งใหญ่และความยิ่งใหญ่

ความยุ่งเหยิงในการจัดองค์ประกอบ กระสับกระส่ายในโครงร่าง เอฟเฟกต์แสงที่ไม่สม่ำเสมอคือ Adoration of the Magi (1609-1610) ของเขาในกรุงมาดริด ซึ่งโดดเด่นด้วยการเคลื่อนไหวอันทรงพลัง เต็มไปด้วยชีวิตชีวาและความหลงใหล ทรงพลังในการสร้างแบบจำลองของกล้ามเนื้อ ภาพสามส่วนที่โด่งดังของเขา "ความสูงส่งของไม้กางเขน" ในอาสนวิหารแอนต์เวิร์ป ความทรงจำของอิตาลีที่แข็งแกร่งยิ่งขึ้นสามารถสัมผัสได้ในภาพในตำนานที่เกิดขึ้นพร้อมๆ กัน เช่น วีนัส คิวปิด แบคคัสและเซเรสในคัสเซิล และโพรมีธีอุสที่ล่ามโซ่ในโอลเดนเบิร์ก ตัวอย่างลักษณะเฉพาะของภาพบุคคลขนาดใหญ่ในยุคนี้คือภาพบุคคลแนวนอนของ Albrecht และ Isabella ในกรุงมาดริด และภาพเมืองมิวนิกอันงดงาม ซึ่งเป็นตัวแทนของเจ้านายสายน้ำผึ้งกับ Isabella Brant ภรรยาสาวของเขา ซึ่งนำกลับไปยังบ้านเกิดของเขาในปี 1609 เป็นภาพที่หาที่เปรียบไม่ได้ของความรักที่สงบสุขบริสุทธิ์

ศิลปะของรูเบนส์ค้นพบเที่ยวบินต่อไประหว่างปี 1611 ถึง 1614 ภาพวาดขนาดใหญ่ "Descent from the Cross" พร้อม "Visit Mary Elizabeth" และ "Entrance to the Temple" อันสง่างามบนปีกในวิหาร Antwerp ถือเป็นงานชิ้นแรกที่อาจารย์นำประเภทและวิธีการเขียนของเขา สู่การพัฒนาอย่างเต็มที่ ที่ยอดเยี่ยมคือความมีชีวิตชีวาที่น่าหลงใหลของการเคลื่อนไหวของแต่ละคน ที่ยอดเยี่ยมยิ่งกว่าคือพลังที่ทะลุทะลวงของการแสดงภาพ ภาพวาดในตำนานเช่น "โรมูลัสและรีมัส" ในหอศิลป์ Capitoline, "Faun and Faun" ในหอศิลป์ Schonborn ในเวียนนาก็เป็นของปีนี้เช่นกัน

ภาพวาดโดย Rubens ในปี 1613 และ 1614 มีความมั่นใจในการจัดองค์ประกอบ มีรูปแบบและสีที่ชัดเจน เป็นภาพเขียนบางภาพที่มีชื่อและปีที่ประหารชีวิตเป็นข้อยกเว้น เช่นรูปแบบที่บริสุทธิ์ ภาพวาดสีสวยงาม “จูปิเตอร์และคาลลิสโต” (1613) เต็มไปด้วยแสงมหัศจรรย์ “บินสู่อียิปต์” ในคัสเซิล “ดาวศุกร์แช่แข็ง” (1614) ในแอนต์เวิร์ป “การคร่ำครวญ” ที่น่าสมเพช (1614) ใน เวียนนาและ "ซูซานนา" (ค.ศ. 1614) ในสตอกโฮล์ม ซึ่งร่างกายของเขาไม่น่าสงสัยและเข้าใจได้ดีกว่าร่างกายที่หรูหราเกินไปของซูซานนาคนก่อนของเขาในมาดริด ในแง่ของการวาดภาพ ภาพสัญลักษณ์อันทรงพลังของพระคริสต์ผู้โดดเดี่ยวที่ถูกตรึงบนไม้กางเขนกับพื้นหลังของท้องฟ้าที่มืดมิดในมิวนิกและแอนต์เวิร์ปอยู่ติดกับภาพวาดเหล่านี้

นับจากนั้นเป็นต้นมา ค่าคอมมิชชั่นก็กองอยู่ในสตูดิโอของรูเบนส์จนถึงขนาดที่เขาให้ผู้ช่วยของเขามีส่วนร่วมในการแสดงภาพวาดของเขาอย่างชัดเจนมากขึ้น ที่เก่าแก่ที่สุดนอกเหนือจาก Jan Brueghel เป็นของจิตรกรสัตว์และผลไม้ที่โดดเด่น Frans Snyders (1579 - 1657) ตามที่ Rubens เองผู้วาดนกอินทรีในภาพวาด Oldenburg กับ Prometheus ที่กล่าวถึงข้างต้นและ Jan Wildens จิตรกรภูมิทัศน์ที่มีชีวิตชีวา ( ค.ศ. 1586 - 1653) ซึ่งทำงานให้กับรูเบนส์ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1618 ผู้ทำงานร่วมกันที่โดดเด่นที่สุดคือ Anton van Dyck (1599 - 1641) ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นบุคคลอิสระ ไม่ว่าในกรณีใดหลังจากได้เป็นนายในปี 1618 เขาก็เป็นมือขวาของรูเบนส์จนถึงปี 1620 ภาพวาดของรูเบนส์ในช่วงหลายปีที่ผ่านมามักจะตัดเงาบางส่วนสีน้ำเงินของร่างกายด้วยจุดแสงสีเหลืองอมแดง ในขณะที่ภาพวาดที่มีความร่วมมืออย่างชัดเจนกับแวน ไดค์นั้นมีความโดดเด่นด้วยไคอาโรสกูโรที่อบอุ่นสม่ำเสมอและการถ่ายทอดภาพที่ชวนประสาทเสียมากกว่า ในจำนวนนี้มีภาพเขียนขนาดใหญ่หกภาพที่วาดอย่างกระตือรือร้นจากชีวิตของกงสุลโรมัน Decius Moussa ในพระราชวังลิกเตนสไตน์ในเวียนนา กระดาษแข็งที่รูเบนส์ทำสำหรับพรมทอในปี 1618 (สำเนาที่ยังมีชีวิตอยู่อยู่ในมาดริด) และภาพวาดประดับเพดานขนาดใหญ่ (คงไว้เฉพาะภาพร่างในคอลเลกชั่นต่างๆ) และบางส่วนที่งดงามในการจัดองค์ประกอบพร้อมรูปปั้นแท่นบูชาของโบสถ์แห่งนี้มากมาย “ปาฏิหาริย์แห่งนักบุญยอห์น ซาเวียร์" และ "ปาฏิหาริย์แห่งนักบุญ Ignatius” บันทึกโดยพิพิธภัณฑ์ศาลเวียนนา ความร่วมมือของ Van Dyck ยังปฏิเสธไม่ได้ในการตรึงกางเขนครั้งใหญ่ใน Antwerp ซึ่ง Longinus บนหลังม้าใช้หอกแทงสีข้างของพระผู้ช่วยให้รอด ใน Madonna กับคนบาปที่สำนึกผิดใน Kassel และตาม Bode ในวัน Trinity Day ของมิวนิคและ ใน Berlin Lazar ตามที่ Rooses กล่าวในการล่าสิงโตที่น่าทึ่งและการลักพาตัวลูกสาวของ Leucippus ในมิวนิกที่น่าทึ่งไม่น้อยไปกว่านั้น ภาพวาดทั้งหมดเหล่านี้ไม่เพียงแต่ฉายแววด้วยพลังอันโดดเด่นของการจัดองค์ประกอบภาพของรูเบนส์เท่านั้น แต่ยังมีความละเอียดอ่อนที่ลึกซึ้งในความรู้สึกของภาพวาดของแวน ไดค์อีกด้วย ในบรรดาภาพวาดวาดด้วยมือซึ่งวาดในส่วนหลักโดยรูเบนส์เองระหว่างปี 1615 ถึง 1620 ยังมีภาพวาดทางศาสนาที่ดีที่สุด - เต็มไปด้วยการเคลื่อนไหวของมวลชนที่บ้าคลั่ง "The Last Judgement" ในมิวนิกและเต็มไปด้วยแอนิเมชั่นภายใน "Assumption of พระแม่มารีย์" ในกรุงบรัสเซลส์และเวียนนา เช่นเดียวกับภาพวาดในตำนานที่เชี่ยวชาญ "บาคานาเลีย" อันหรูหรา และภาพของ "ธีอาซอส" ในมิวนิก เบอร์ลิน เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก และเดรสเดน ซึ่งแปลได้ว่าพลังแห่งความสุขล้นเปี่ยมล้นแห่งชีวิต จากภาษาโรมันเป็นภาษาเฟลมิช เห็นได้ชัดว่ามีการแสดงออกอย่างเต็มที่เป็นครั้งแรก "การต่อสู้ของแอมะซอน" ในมิวนิค (ประมาณปี 1620) ซึ่งเป็นการสร้างที่ไม่สามารถเข้าถึงได้ในแง่ของการถ่ายทอดการต่อสู้และการต่อสู้ที่รุนแรงที่สุดแม้ว่าจะเขียนด้วยขนาดที่เล็กก็ตาม จากนั้นมีเด็กเปลือยกายขนาดเท่าคนจริง เช่น พัตตีที่ยอดเยี่ยมพร้อมพวงมาลัยผลไม้ในมิวนิก จากนั้นฉากการล่าที่รุนแรง การล่าสิงโตซึ่งดีที่สุดในมิวนิก และการล่าหมูป่าซึ่งสิ่งที่ดีที่สุดอยู่ในเดรสเดน ตามมาด้วยภาพวาดทิวทัศน์ชิ้นแรกที่แต่งเติมเรื่องราวตามตำนาน ตัวอย่างเช่น อารมณ์เต็มรูปแบบของซากเรืออับปางของไอเนียสในเบอร์ลิน หรือภาพธรรมชาติแวดล้อม เช่น ภูมิทัศน์โรมันอันเจิดจ้าพร้อมซากปรักหักพังในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ (ประมาณปี 1615) และทิวทัศน์ที่เต็มไปด้วย ชีวิต "ฤดูร้อน" และ "ฤดูหนาว (ค.ศ. 1620) ที่พระราชวังวินด์เซอร์ ถ่ายทอดอย่างสง่าผ่าเผย เขียนอย่างกว้างๆ และตรงตามความเป็นจริง โดยปราศจากร่องรอยของกิริยาท่าทางแบบเก่า สว่างไสวด้วยแสงของปรากฏการณ์บนท้องฟ้าทุกชนิด พวกมันตั้งตระหง่านเหมือนจุดสังเกตในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพทิวทัศน์

ในที่สุดภาพของรูเบนส์ในช่วงเวลาห้าปีนี้ก็ปรากฏขึ้นอย่างชัดเจน สง่าผ่าเผย ทรงพลัง ผลงานภาพเหมือนตนเองของเขาใน Uffizi กลุ่มภาพเหมือนของเขา "Four Philosophers" ในวัง Pitti นั้นงดงามมาก ในช่วงเวลาแห่งความงามของเธอคือ Isabella ภรรยาของเขาในภาพวาดขุนนางของเบอร์ลินและกรุงเฮก ประมาณปี ค.ศ. 1620 ภาพวาดที่น่าทึ่งของ Susanna Fuhrman ในหมวกที่มีขนนกประดับด้วย Chiaroscuro ที่ละเอียดอ่อนที่สุดก็ถูกวาดในหอศิลป์แห่งชาติลอนดอนเช่นกัน ภาพบุคคลที่มีชื่อเสียงของปรมาจารย์ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาสามารถชมได้ที่มิวนิกและใน Liechtenstein Gallery รูเบนส์พรรณนาตอนต่างๆ จากประวัติศาสตร์โลกอันศักดิ์สิทธิ์ ฉากการล่าสัตว์ และแม้แต่ทิวทัศน์ได้อย่างน่าหลงใหลเพียงใด เขาวาดภาพบุคคลของเขาอย่างสงบนิ่ง โดยสามารถถ่ายทอดเปลือกของร่างกายด้วยพลังอันยิ่งใหญ่และความจริง แต่โดยไม่ต้องพยายามสร้างจิตวิญญาณภายใน เข้าใจเฉพาะโดยทั่วไปเท่านั้น , ลักษณะใบหน้า.

Van Dyck ออกจาก Rubens ในปี 1620 และ Isabella Brant ภรรยาของเขาเสียชีวิตในปี 1626 แรงผลักดันใหม่สำหรับงานศิลปะของเขาคือการแต่งงานใหม่ของเขากับ Helena Furman สาวสวยในปี 1630 อย่างไรก็ตาม การเดินทางศิลปะและการทูตไปยังปารีสยังเป็นแรงผลักดัน (1622, 1623, 1625), มาดริด (1628, 1629) และลอนดอน (1629, 1630) จากชุดประวัติศาสตร์ขนาดใหญ่สองชุดที่มีสัญลักษณ์เปรียบเทียบ ภาพวาดขนาดใหญ่ 21 ภาพจากชีวิตของ Marie de Medici (เรื่องราวนี้เขียนโดย Grossman) ปัจจุบันอยู่ในการตกแต่งที่ดีที่สุดของ Louvre วาดโดยมืออันเชี่ยวชาญของรูเบนส์ วาดโดยนักเรียนของเขา และวาดด้วยตัวเอง ภาพวาดประวัติศาสตร์เหล่านี้เต็มไปด้วยภาพบุคคลสมัยใหม่จำนวนมากและบุคคลในตำนานเชิงเปรียบเทียบในจิตวิญญาณของบาโรกสมัยใหม่ และนำเสนอความงามจำนวนมากและความกลมกลืนทางศิลปะที่ พวกเขาจะยังคงเป็นผลงานจิตรกรรมที่ดีที่สุดของศตวรรษที่ 17 ตลอดไป จากชุดภาพเขียนเกี่ยวกับชีวิตของพระเจ้าเฮนรีที่ 4 แห่งฝรั่งเศส ภาพครึ่งภาพสองภาพจบลงที่อุฟฟีซี ภาพร่างสำหรับผู้อื่นจะถูกเก็บไว้ในคอลเล็กชันต่างๆ ภาพวาดเก้าภาพเพื่อถวายเกียรติแด่พระเจ้าเจมส์ที่ 1 แห่งอังกฤษ ซึ่งไม่กี่ปีต่อมารูเบนส์ได้ตกแต่งลานเพดานของห้องโถงใหญ่ในไวท์ฮอลล์ซึ่งดำคล้ำจากเขม่าควันในลอนดอน เป็นสิ่งที่ไม่มีใครจดจำได้ .

ในบรรดาภาพวาดทางศาสนาที่วาดโดย Rubens ในวัย 20 ปี ภาพ "Adoration of the Magi" ที่ลุกเป็นไฟในเมือง Antwerp ซึ่งสร้างเสร็จในปี 1625 ถือเป็นจุดเปลี่ยนอีกครั้งในการพัฒนาศิลปะของเขาด้วยพู่กันที่อิสระและกว้างขึ้น ภาษาของรูปแบบที่เบาลง และสีทองมากขึ้น ,สีโปร่งแสง.. "อัสสัมชัญของพระแม่มารีย์" ที่สว่างและโปร่งสบายของอาสนวิหารแอนต์เวิร์ปสร้างเสร็จในปี ค.ศ. 1626 ตามมาด้วย "Adoration of the Magi" ที่งดงามและฟรีในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ และ "การศึกษาของพระแม่มารี" ในแอนต์เวิร์ป ในมาดริดซึ่งอาจารย์ได้ศึกษาทิเชียนอีกครั้ง สีของเขาก็สมบูรณ์ยิ่งขึ้นและ "สวยงาม" "มาดอนน่า" กับบรรดานักบุญที่เคารพบูชาเธอในโบสถ์ออกัสติเนียนในเมืองแอนต์เวิร์ป เป็นการซ้ำพิสดารของ Frari Madonna ของทิเชียน ส่วน "ชัยชนะของซีซาร์" ที่แก้ไขอย่างมีความหมายโดย Mantegna ซึ่งตั้งอยู่ในปี 1629 ในลอนดอน (ปัจจุบันอยู่ในหอศิลป์แห่งชาติ) ซึ่งตัดสินโดยจดหมายของเธออาจปรากฏขึ้นหลังจากเวลานี้เท่านั้น ทศวรรษนี้เต็มไปด้วยภาพบุคคลขนาดใหญ่ของปรมาจารย์ อิซาเบลลา แบรนต์ที่แก่กว่าแต่ยังคงความดูดีอบอุ่นอยู่ในภาพเหมือนของเฮอร์มิเทจที่สวยงาม คุณสมบัติที่คมชัดกว่านั้นแสดงด้วยภาพบุคคลใน Uffizi หนึ่งในสิ่งที่ดีที่สุดและมีสีสันที่สุดคือภาพสองภาพของลูกชายของเขาใน Liechtenstein Gallery ภาพเหมือนของ Caspar Gevaert ที่โต๊ะทำงานของเขาในเมือง Antwerp มีชื่อเสียงโด่งดัง และปรมาจารย์ผู้สูงวัยเองก็ปรากฏตัวต่อหน้าเราด้วยรอยยิ้มบางๆ บนริมฝีปากของเขาในรูปเหมือนครึ่งตัวที่สวยงามของ Aremberg ในกรุงบรัสเซลส์

ทศวรรษที่ผ่านมาซึ่งตกเป็นของ Rubens (1631-1640) อยู่ภายใต้ดวงดาวของ Elena Furman ภรรยาคนที่สองอันเป็นที่รักของเขาซึ่งเขาวาดภาพในทุกรูปแบบและเป็นผู้รับใช้เขาในฐานะธรรมชาติสำหรับภาพวาดทางศาสนาและตำนาน ภาพบุคคลที่ดีที่สุดของเธอโดยรูเบนส์เป็นภาพบุคคลหญิงที่สวยที่สุดในโลก: ครึ่งตัวในชุดหรูหราสวมหมวกที่มีขนนก ขนาดเท่าคนจริงนั่งในชุดหรูหราเปิดที่หน้าอก; ในรูปแบบเล็ก ๆ ถัดจากสามีของเธอเพื่อเดินเล่นในสวน - เธออยู่ในมิวนิค Pinakothek; เปลือยกายปกคลุมด้วยเสื้อคลุมขนสัตว์เพียงบางส่วน - ในพิพิธภัณฑ์ศาลเวียนนา ในชุดสูทสำหรับเดินในสนาม - ในอาศรม กับลูกคนหัวปีของเธอบนผ้าคาดเอว, ควงแขนกับสามีของเธอ, และบนถนนพร้อมกับเพจ - ที่ Baron Alphonse Rothschild ในปารีส

ผลงานคริสตจักรที่สำคัญที่สุดในยุคปลายที่เฟื่องฟูและเปล่งประกายของปรมาจารย์นี้คือองค์ประกอบที่สง่างามและสงบ ส่องแสงด้วยสีรุ้งทั้งหมด แท่นบูชาของนักบุญ Ildefons ที่มีผู้บริจาคจำนวนมากที่ประตูของพิพิธภัณฑ์ศาลเวียนนาและแท่นบูชาอันงดงามในโบสถ์เก็บศพของ Rubens ในโบสถ์ Jacob ใน Antwerp โดยมีภาพนักบุญของเมืองจากใบหน้าที่ใกล้ชิดกับอาจารย์ งานง่ายๆ เช่น St. Cecilia ในเบอร์ลินและ Bathsheba อันงดงามในเดรสเดนนั้นไม่ได้ด้อยไปกว่าโทนสีและสี ในบรรดาภาพในตำนานอันล้ำค่าของช่วงเวลานี้ ได้แก่ ภาพคำพิพากษาแห่งปารีสในลอนดอนและมาดริดที่ส่องประกายระยิบระยับ และความมีชีวิตชีวาที่เร่าร้อนทำให้การตามล่าของไดอาน่าในกรุงเบอร์ลินหรูหราเพียงใด งานเลี้ยงของวีนัสที่เวียนนาช่างหรูหราอลังการ ช่างเป็นแสงวิเศษที่ส่องสว่างให้กับออร์ฟัสและยูริไดซ์ในกรุงมาดริด!

การเตรียมการสำหรับภาพวาดประเภทนี้คือภาพประเภทหนึ่งของปรมาจารย์ ดังนั้น ตัวละครประเภทเทพนิยายจึงจับภาพ "ชั่วโมงแห่งวันที่" ขนาดเท่าคนจริงในมิวนิค

ต้นแบบของฉากฆราวาสทั้งหมดของ Watteau มีชื่อเสียงคือมีเทพเจ้าแห่งความรักโบยบิน ภาพวาดที่เรียกว่า "Gardens of Love" กับกลุ่มคู่รักที่แต่งตัวหรูหราแสดงความรักในเทศกาลในสวน หนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดประเภทนี้เป็นของ Baron Rothschild ในปารีส ส่วนอีกชิ้นอยู่ในพิพิธภัณฑ์ Madrid ภาพวาดประเภทที่สำคัญที่สุดที่มีตัวเลขขนาดเล็กจากชีวิตชาวบ้านที่วาดโดยรูเบนส์ ได้แก่ การเต้นรำของชาวนาชาวรูเบนส์ที่ยิ่งใหญ่และมีความสำคัญอย่างยิ่งในกรุงมาดริด การแข่งขันครึ่งภูมิทัศน์หน้าคูน้ำของปราสาท ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ และงานแสดงสินค้า ในคอลเลกชั่นเดียวกันซึ่งมีแรงจูงใจที่ชวนให้นึกถึง Teniers

ภูมิทัศน์ที่แท้จริงของ Rubens ส่วนใหญ่ยังเป็นของปีสุดท้ายของชีวิตของเขา: นั่นคือภูมิทัศน์ที่สดใสกับ Odysseus ในพระราชวัง Pitti เช่นภูมิทัศน์การออกแบบใหม่การอธิบายทางศิลปะด้วยภาพที่เรียบง่ายและกว้างของสภาพแวดล้อม ซึ่งเป็นพื้นที่ราบซึ่งเดชาของรูเบนส์ตั้งอยู่ และท้องฟ้าที่เปลี่ยนถ่ายอารมณ์ได้เต็มไปด้วยความยิ่งใหญ่ ที่สวยที่สุดคือพระอาทิตย์ตกที่ร้อนแรงในลอนดอนและทิวทัศน์ที่มีรุ้งกินน้ำในมิวนิกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ไม่ว่ารูเบนส์จะทำสิ่งใด เขาก็เปลี่ยนทุกสิ่งให้กลายเป็นทองคำที่ส่องประกาย และใครก็ตามที่สัมผัสกับงานศิลปะของเขาในฐานะผู้ร่วมงานหรือผู้ติดตาม ก็ไม่สามารถหลุดพ้นจากวงจรอุบาทว์ของเขาได้อีกต่อไป

ในบรรดาลูกศิษย์จำนวนมากของ Rubens มีเพียง Anton van Dyck (1599 - 1641) ซึ่งแน่นอนว่าแสงของเขาหมายถึงแสงของ Rubens เช่นเดียวกับแสงจันทรคติของดวงอาทิตย์ - ถึงสวรรค์แห่งศิลปะด้วยศีรษะที่ส่องสว่างด้วยความแวววาว แม้ว่า Balen จะถือเป็นครูที่แท้จริงของเขา แต่ Rubens เองก็เรียกเขาว่าลูกศิษย์ของเขา ไม่ว่าในกรณีใด พัฒนาการในวัยเยาว์ของเขา เท่าที่เราทราบนั้นอยู่ภายใต้อิทธิพลของรูเบนส์ ซึ่งเขาไม่เคยเบี่ยงเบนไปอย่างสิ้นเชิง แต่ตามอารมณ์ที่น่าประทับใจของเขา เขาปรับปรุงใหม่ในลักษณะที่ประหม่า อ่อนโยน และละเอียดอ่อนมากขึ้นในการวาดภาพ และแรงในการวาดน้อยลง.. การพำนักระยะยาวในอิตาลีทำให้เขากลายเป็นจิตรกรและผู้เชี่ยวชาญด้านสีในที่สุด ไม่ใช่ธุรกิจของเขาที่จะประดิษฐ์และทำให้การแสดงสดรุนแรงขึ้นอย่างมาก แต่เขารู้วิธีจัดวางบุคคลในภาพวาดประวัติศาสตร์ของเขาในความสัมพันธ์ที่คิดออกมาอย่างชัดเจนและสื่อสารให้ภาพของเขาทราบถึงคุณลักษณะที่ละเอียดอ่อนของสถานะทางสังคม ซึ่งกลายเป็นจิตรกรคนโปรด ของขุนนางในสมัยนั้น

ผลงานสรุปล่าสุดเกี่ยวกับ Van Dyck จัดทำโดย Michiels, Giffrey, Kust และ Schaeffer Vibiral, Bode, Hymans, Rooses, Lau, Menotti และผู้เขียนหนังสือเล่มนี้ได้อธิบายหน้าต่างๆ เกี่ยวกับชีวิตและงานศิลปะของเขาแยกกัน แม้ตอนนี้พวกเขากำลังโต้เถียงกันเกี่ยวกับความแตกต่างระหว่างช่วงเวลาต่างๆ ของชีวิต ซึ่งส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับการเดินทาง จากการวิจัยล่าสุดเขาทำงานจนถึงปี 1620 ใน Antwerp ในปี 1620 - 1621 ในลอนดอนในปี 1621 - 1627 ในอิตาลีส่วนใหญ่ใน Genoa โดยหยุดพักจากปี 1622 ถึง 1623 ดำเนินการตามที่ Rooses แสดง อาจอยู่ที่บ้าน ในปี 1627 - 1628 ในฮอลแลนด์จากนั้นอีกครั้งใน Antwerp และในปี 1632 เป็นจิตรกรในราชสำนักของ Charles I ในลอนดอนซึ่งเขาเสียชีวิตในปี 1641 และในช่วงเวลานี้ในปี 1634 - 1635 อยู่ในบรัสเซลส์ในปี 1640 และ 1641 ใน Antwerp และปารีส

แทบไม่มีงานชิ้นแรกๆ ของ Van Dyck ที่อิทธิพลของ Rubens จะไม่เด่นชัด แม้แต่ชุดการเผยแพร่ศาสนายุคแรกของเขาก็แสดงร่องรอยของวิธีการแบบรูเบนเซียนแล้ว ในจำนวนนี้ หัวดั้งเดิมบางชิ้นถูกเก็บรักษาไว้ที่ Dresden ส่วนชิ้นอื่นๆ อยู่ที่ Althorp ในบรรดาภาพวาดทางศาสนาที่วาดโดย Van Dyck ตามการออกแบบของเขาเองด้วยความเสี่ยงและอันตรายของเขาเองตั้งแต่ปี 1618 ถึง 1620 ในขณะที่เขารับใช้ Rubens เป็นของ "Martyrdom of St. Sebastian" กับบทประพันธ์เก่า "Lamentation of Christ" และ "Bathing Susanna" ที่มิวนิค "โทมัสในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก", "งูทองแดง" ในมาดริด ไม่มีภาพวาดใดที่สามารถโอ้อวดองค์ประกอบที่สมบูรณ์แบบได้ แต่มีการลงสีอย่างดีและมีสีสันเหมือนดอกไม้ "เจอโรม" ของเดรสเดนนั้นช่างงดงามและให้ความรู้สึกลึกซึ้งในจิตวิญญาณ ซึ่งแสดงถึงความแตกต่างอย่างชัดเจนกับเจอโรม รูเบนส์ที่สงบกว่าและเขียนอย่างหยาบๆ ที่อยู่ใกล้เคียง

จากนั้นตามด้วย: การเยาะเย้ยพระคริสต์ในกรุงเบอร์ลิน ภาพวาดกึ่งรูเบนส์ที่แข็งแกร่งและสื่อความหมายได้ชัดเจนที่สุด และองค์ประกอบที่สวยงาม ไม่ต้องสงสัยเลยว่าวาดโดยรูเบนส์ เซนต์ มาร์ติน" ที่วินด์เซอร์ นั่งบนหลังม้า ยื่นเสื้อคลุมให้ขอทาน การทำซ้ำที่เรียบง่ายและอ่อนแอกว่าของมาร์ตินคนนี้ในโบสถ์ซาเวนแธมนั้นใกล้เคียงกับวิธีการของปรมาจารย์ในภายหลัง

Van Dyck เป็นศิลปินที่ยอดเยี่ยมในยุคของ Rubens โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการวาดภาพของเขา บางส่วนของพวกเขารวมข้อได้เปรียบที่รู้จักกันดีของปรมาจารย์ทั้งสองเข้าด้วยกันโดยมีสาเหตุมาจากรูเบนส์ในศตวรรษที่ 19 จนกระทั่ง Bode ส่งคืนให้ Van Dyck พวกเขามีความเป็นปัจเจกบุคคลมากกว่าในบุคลิกลักษณะ ประหม่ามากกว่าในการแสดงออก นุ่มนวลกว่าและลึกซึ้งกว่าในการเขียนภาพเหมือนของรูเบนส์ ภาพบุคคลกึ่งรูเบนส์ที่เก่าแก่ที่สุดในบรรดาภาพเหล่านี้โดย Van Dyck เป็นภาพเหมือนครึ่งตัวของคู่แต่งงานสูงอายุในปี 1618 ในเมืองเดรสเดน ภาพที่สวยที่สุดคือภาพครึ่งตัวของคู่แต่งงานสองคนในแกลเลอรีลิกเตนสไตน์: ผู้หญิงที่มีเชือกผูกสีทองที่หน้าอกของเธอ สุภาพบุรุษสวมถุงมือและนั่งอยู่หน้าหญิงม่านแดงกับเด็กบนตักในเดรสเดน Isabella Brant อันงดงามแห่งอาศรมเป็นของเขาและจากพิพิธภัณฑ์ลูฟร์มีภาพเหมือนของ Jean Grusset Richardeau ที่ถูกกล่าวหาและลูกชายของเขายืนอยู่ข้างๆเขาจากพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ในบรรดาภาพซ้อน คู่สมรสที่ยืนข้างกันเป็นที่ทราบกันดีว่า ภาพเหมือนของ Frans Snyders และภรรยาของเขาที่มีท่าทางบังคับมาก Jan de Wael และภรรยาของเขาในมิวนิกเป็นภาพที่งดงามที่สุด ในที่สุด ในภาพถ่ายตนเองในวัยเยาว์ของปรมาจารย์ที่มีท่าทางครุ่นคิดและมั่นใจในตนเองในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก มิวนิก และลอนดอน อายุประมาณยี่สิบปีของเขาบ่งบอกถึงช่วงต้น

จากภาพวาดทางศาสนาที่วาดโดย Van Dyck ระหว่างปี 1621 - 1627 ในอิตาลีทางตอนใต้ยังคงมีฉากที่สวยงามซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจาก Titian โดยมี "เหรียญของปีเตอร์" และ "Mary with the Child" ในรัศมีที่ร้อนแรงใน Palazzo Bianco ซึ่งชวนให้นึกถึง Rubens ซึ่งเป็น "การตรึงกางเขน" ใน พระราชวังในเจนัว, ความรู้สึกอ่อนโยนในแง่ที่งดงามและจิตวิญญาณ, การฝังศพของ Borghese Gallery ในกรุงโรม, หัวของแมรี่ที่อิดโรยในพระราชวัง Pitti, ครอบครัวที่งดงามและสดใสใน Turin Pinacothek และผู้มีอำนาจ แต่มีมารยาทค่อนข้างดี แท่นบูชาของ Madonna del Rosario ในปาแลร์โมที่มีตัวเลขยาว ในบรรดาภาพวาดฆราวาสเราจะกล่าวถึงเฉพาะภาพวาดที่สวยงามในจิตวิญญาณของ Giorgione ภาพวาดที่แสดงถึงสามช่วงอายุของชีวิตในพิพิธภัณฑ์เมืองใน Vincenza และภาพวาดที่เรียบง่าย แต่ร้อนแรง "Diana and Endimon" ในมาดริด

การสร้างแบบจำลองจังหวะที่มั่นใจ มั่นคง และในขณะเดียวกันก็อ่อนโยนในไคอาโรสกูโรสีเข้มและสีที่เข้มลึกของศีรษะชาวอิตาลีที่มุ่งมั่นเพื่อความเป็นหนึ่งเดียวของอารมณ์ก็แสดงออกมาในภาพถ่ายชาวอิตาลีของเขาเช่นกัน โดยเฉพาะภาพเหมือนของเจโนส ภาพเหมือนนักขี่ม้าของ Antonio Giulio Brignole Sale ที่วาดไว้ข้างหน้าตัวหนา เกือบหันหน้าเข้าหาผู้ชม โบกหมวกในมือขวาเป็นการทักทาย ซึ่งตั้งอยู่ใน Palazzo Rossi ในเมืองเจนัว เป็นตัวบ่งชี้ที่แท้จริงของเส้นทางใหม่ ขุนนางที่มีเสาและผ้าม่านสไตล์บาโรกเป็นฉากหลัง ภาพของ Signora Geronimo Brignole Sale กับลูกสาวของเธอ Paola Adorio ในชุดผ้าไหมสีน้ำเงินเข้มพร้อมงานปักสีทองและชายหนุ่มในชุดขุนนางจากคอลเลกชันเดียวกัน ยืน ที่ความสูงของงานศิลปะภาพเหมือนจริง พวกเขาอยู่ติดกันด้วยภาพของ Marchesa Durazzo ในชุดผ้าไหมสีแดงเข้มสีเหลืองอ่อนกับเด็กๆ ต่อหน้าม่านสีแดง ภาพหมู่ที่มีชีวิตชีวาของเด็กสามคนกับสุนัข และภาพขุนนางของเด็กชายในชุดสีขาว พร้อมด้วย นกแก้วที่เลี้ยงไว้ใน Palazzo Durazzo Pallavicini ในกรุงโรม Capitoline Gallery มีภาพวาดคู่ที่สำคัญมากของ Luca และ Cornelis de Wael ในฟลอเรนซ์ ใน Palazzo Pitti มีภาพวาดที่แสดงออกทางจิตวิญญาณของ Cardinal Giulio Bentivoglio ภาพอื่นๆ ในสมัยอิตาลีของ Van Dyck เดินทางไปต่างประเทศ หนึ่งในสิ่งที่ดีที่สุดเป็นของ Pierpont Morgan ในนิวยอร์ก แต่สามารถพบได้ในลอนดอน เบอร์ลิน เดรสเดน และมิวนิค

ระยะเวลาห้าปี (พ.ศ. 2170 - 2175) ที่เจ้านายใช้ในบ้านเกิดของเขาหลังจากกลับมาจากอิตาลีกลับกลายเป็นว่ามีผลอย่างมาก ขนาดใหญ่ เต็มไปด้วยแท่นบูชาที่เคลื่อนไหวได้ อะไรคือไม้กางเขนอันทรงพลังในโบสถ์เซนต์ Zhen ใน Dendermonde ในโบสถ์ของ Michael ใน Ghent และในโบสถ์ของ Romuald ใน Meheln และที่อยู่ติดกัน "ความสูงส่งของไม้กางเขน" ในโบสถ์ St. Gens ใน Courtrai ไม่ได้เป็นตัวแทนของเขาเช่นเดียวกับผลงานที่เต็มไปด้วยชีวิตภายใน ซึ่งเรารวมการตรึงกางเขนกับงานที่กำลังจะมีขึ้นในพิพิธภัณฑ์ Lille, "Rest during the Flight" ในมิวนิก และการตรึงกางเขนส่วนบุคคลที่เต็มไปด้วยความรู้สึกใน Antwerp, Vienna และ มิวนิค. ภาพวาดเหล่านี้แปลภาพของรูเบนส์จากภาษาวีรบุรุษเป็นภาษาแห่งความรู้สึก ภาพวาดที่สวยงามที่สุดในยุคนี้ ได้แก่ พระแม่มารีกับคู่ผู้บริจาคและเทวดาที่คุกเข่าคุกเข่าโปรยดอกไม้ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์, พระแม่มารีกับพระกุมารยืนอยู่ในมิวนิก และอารมณ์เต็มรูปแบบของ "การคร่ำครวญถึงพระคริสต์" ในแอนต์เวิร์ป มิวนิก เบอร์ลิน และ ปารีส. พระแม่มารีและการคร่ำครวญโดยทั่วไปเป็นธีมโปรดของ Van Dyck เขาไม่ค่อยถ่ายภาพเทพเจ้านอกรีต แม้ว่าเฮอร์คิวลีสของเขาที่ทางแยกใน Uffizi ภาพของวีนัส วัลแคน เวียนนา และปารีสแสดงให้เห็นว่าเขาสามารถจัดการกับพวกมันได้ในระดับหนึ่ง เขายังคงเป็นจิตรกรภาพเหมือนเป็นหลัก ภาพพู่กันของเขาประมาณ 150 ภาพได้รับการเก็บรักษาไว้จากช่วงเวลาห้าปีนี้ ลักษณะใบหน้าของพวกเขาคมชัดยิ่งขึ้น โดยทั่วไปแล้วมือที่สง่างามและไม่ได้ใช้งานจะมีการแสดงอารมณ์น้อยกว่าภาพวาดแบบเดียวกันของอิตาลี เพิ่มความสะดวกสบายของชนชั้นสูงให้กับท่าทางของพวกเขา และอารมณ์ทั่วไปที่ละเอียดอ่อนยิ่งขึ้นปรากฏในสีที่เย็นกว่า เสื้อผ้ามักจะหลุดร่วงได้ง่ายและเป็นอิสระ แต่วัสดุ ในบรรดาภาพที่สวยที่สุดของพวกเขาซึ่งวาดในขนาดเต็มเป็นภาพที่มีลักษณะเฉพาะของผู้ปกครอง Isabella ในตูรินในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์และใน Liechtenstein Gallery, Philippe de Roy และภรรยาของเขาในคอลเลกชัน Wallace ในลอนดอน, ภาพซ้อนของสุภาพบุรุษ และผู้หญิงที่มีลูกอยู่ในอ้อมแขนในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์และในพิพิธภัณฑ์โกธิค และภาพเหมือนของสุภาพบุรุษและสุภาพสตรีอีกสองสามภาพในมิวนิก ในบรรดาภาพคนรุ่นเอวและรุ่นต่างๆ ที่แสดงออกอย่างชัดเจนที่สุด เรารวมถึงภาพเหมือนของ Bishop Mulderus และ Martin Pepin ใน Antwerp, Adrian Stevens และภรรยาของเขาในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, Count Van den Berg ใน Madrid และ Canon Antonio de Tassis ใน Liechtenstein Gallery นักเล่นออร์แกน Liberty ดูอิดโรย ประติมากร Colin de Nole ภรรยาและลูกสาวดูน่าเบื่อที่กลุ่มภาพบุคคลในมิวนิค ภาพของสุภาพบุรุษและสุภาพสตรีในเดรสเดนและ Marie Louise de Tassis ใน Liechtenstein Gallery นั้นโดดเด่นด้วยท่าทางที่งดงามและสง่างาม อิทธิพลของ Van Dyck ที่มีต่อการวาดภาพบุคคลทุกยุคสมัย โดยเฉพาะภาษาอังกฤษและฝรั่งเศสนั้นยิ่งใหญ่มาก อย่างไรก็ตาม ในลักษณะที่เป็นธรรมชาติและความจริงภายใน ภาพบุคคลของเขาไม่สามารถเทียบเคียงได้กับภาพเหมือนของเวลัซเกซและฟรานส์ ฮัลส์ ร่วมสมัยของเขา ไม่ขอเอ่ยชื่อคนอื่นๆ

อย่างไรก็ตาม ในบางครั้ง ฟาน ไดค์ก็หยิบเข็มแกะสลักขึ้นมาด้วย เป็นที่รู้จักสำหรับ 24 อย่างง่ายดายและด้วยความหมายที่ยอดเยี่ยมจากผลงานของเขา ในทางกลับกัน เขามอบหมายให้ช่างแกะสลักคนอื่นสร้างภาพเหมือนขนาดเล็กจำนวนมากของผู้ร่วมสมัยที่มีชื่อเสียงซึ่งวาดโดยเขา โดยวาดด้วยโทนสีเทาเดียว ในคอลเลกชันที่สมบูรณ์ "Iconography of Van Dyck" ในหนึ่งร้อยแผ่นนี้ปรากฏขึ้นหลังจากการตายของเขาเท่านั้น

ในฐานะจิตรกรในราชสำนักของพระเจ้าชาร์ลส์ที่ 1 ฟาน ไดค์วาดภาพเกี่ยวกับศาสนาและตำนานเพียงเล็กน้อยในช่วงแปดปีสุดท้ายของชีวิต อย่างไรก็ตาม ภาพวาดที่ดีที่สุดหลายภาพที่เขียนในช่วงที่เขาพำนักระยะสั้นในเนเธอร์แลนด์เป็นของปรมาจารย์ผู้ล่วงลับไปแล้ว เป็นการแสดงภาพสุดท้ายและงดงามที่สุดของ "Rest on the Flight to Egypt" โดยมีการเต้นรำเป็นวงกลมของเทวดาและนกกระทาบิน ตอนนี้อยู่ใน Hermitage ซึ่งเป็น "การคร่ำครวญของพระคริสต์" ที่เป็นผู้ใหญ่และสวยงามที่สุดในพิพิธภัณฑ์ Antwerp ไม่เพียงแต่ความชัดเจน ความสงบ และสัมผัสในองค์ประกอบเท่านั้น แต่ยังแสดงออกถึงความเศร้าโศกอย่างแท้จริง แต่ยังรวมถึงสีสันด้วยคอร์ดที่สวยงามของสีน้ำเงิน สีขาว และสีทองเข้ม ซึ่งแสดงถึงผลงานที่เชี่ยวชาญและมีเสน่ห์ จากนั้นติดตามภาพวาดจำนวนมากในช่วงเวลาภาษาอังกฤษ จริงอยู่ภายใต้อิทธิพลของศาลในลอนดอนหัวของเขากลายเป็นเหมือนหน้ากากมากขึ้นเรื่อย ๆ มือของเขาแสดงออกน้อยลงเรื่อย ๆ แต่ชุดมีความประณีตมากขึ้นและมีเนื้อหาในการเขียนมากขึ้น สี โทนสีเงินที่ค่อยๆ จางลง ชนะมากขึ้นด้วยเสน่ห์อันอ่อนโยน แน่นอนว่า Van Dyck ยังได้จัดตั้งเวิร์กช็อปขึ้นในลอนดอนด้วยการผลิตขนาดใหญ่ ซึ่งมีนักศึกษาจำนวนมากเข้าร่วม ภาพครอบครัวที่พระราชวังวินด์เซอร์ แสดงภาพพระที่นั่งกับลูกสองคนและสุนัขหนึ่งตัว เป็นภาพที่ค่อนข้างอ่อนแอ ภาพพระบรมฉายาลักษณ์ของกษัตริย์ในสถานที่เดียวกันด้านหน้าประตูชัยถูกวาดอย่างมีรสนิยม ภาพพระบรมรูปทรงม้าในหอศิลป์แห่งชาตินั้นงดงามยิ่งกว่า ภาพเหมือนของกษัตริย์ในชุดล่าสัตว์ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ช่างงดงามจริงๆ . ในบรรดาภาพเหมือนของราชินีเฮนเรียตตา มาเรียโดยแวน ไดค์ ภาพหนึ่งที่ลอร์ดนอร์ธบรูคเป็นเจ้าของในลอนดอน และภาพพระราชินีกับคนแคระของเธอบนเฉลียงในสวนเป็นภาพที่สดใหม่และเร็วที่สุด และภาพหนึ่งในแกลเลอรีเดรสเดนสำหรับขุนนางทั้งหมด เป็นหนึ่งในกลุ่มที่อ่อนแอที่สุดและล่าสุด ภาพบุคคลต่างๆ ของลูกๆ ของกษัตริย์อังกฤษมีชื่อเสียงและเป็นผลงานชิ้นเอกที่น่าสนใจที่สุดของ Van Dyck ตูรินและวินด์เซอร์มีภาพวาดที่งดงามที่สุดของพระราชกุมารทั้งสามพระองค์ แต่ที่หรูหราและสวยที่สุดคือภาพเหมือนของวินด์เซอร์กับลูกทั้งห้าของกษัตริย์ กับสุนัขตัวใหญ่และตัวเล็ก ในบรรดาภาพวาดอื่น ๆ มากมายของ Van Dyck ที่ Windsor ภาพเหมือนของ Lady Venice Digby ซึ่งมีการเพิ่มเติมเชิงเปรียบเทียบในรูปของนกพิราบและเทพเจ้าแห่งความรัก ประกาศศักราชใหม่ และภาพเหมือนคู่ของ Thomas Killigrew และ Thomas Carew โจมตีด้วย ความสัมพันธ์ในชีวิตที่พรรณนาว่าผิดปกติสำหรับเจ้านายของเรา ภาพเหมือนของเจมส์ สจ๊วร์ต โดยมีสุนัขตัวใหญ่เกาะติดเขา ในพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทนในนิวยอร์ก โดดเด่นด้วยความสง่างามเป็นพิเศษ ภาพเหมือนของคู่หมั้น ลูกของวิลเลียมที่ 2 แห่งออเรนจ์ และเฮนเรียตตา มาเรีย สจ๊วร์ต พิพิธภัณฑ์เมืองในอัมสเตอร์ดัมนั้นน่ายินดี มีการเก็บรักษาภาพบุคคลสมัยภาษาอังกฤษของอาจารย์ไว้ประมาณร้อยภาพ

Van Dyck เสียชีวิตตั้งแต่ยังเด็ก ในฐานะศิลปินเขาพูดทุกอย่าง เขาขาดความเก่งกาจ ความเพียบพร้อม และพลังของครูผู้ยิ่งใหญ่ของเขา แต่เขาเหนือกว่าคนรุ่นราวคราวเดียวกับชาวเฟลมิชทั้งหมดของเขาในเรื่องความละเอียดอ่อนของอารมณ์ภาพล้วนๆ

จิตรกร ผู้ร่วมงาน และนักเรียนคนสำคัญคนอื่นๆ ของรูเบนส์ในแอนต์เวิร์ปก่อนและหลังแวน ไดค์ มีชีวิตอยู่เพียงเสียงสะท้อนของงานศิลปะของรูเบนส์ แม้แต่อับราฮัม ดิเปปเบค (ค.ศ. 1596 - 1675), คอร์เนลิส ชูท (ค.ศ. 1597 - 1655), เทโอดอร์ ฟาน ทูลเดน (ค.ศ. 1606 - 1676) , Erasmus Quellinus (1607 - 1678) น้องชายของประติมากรผู้ยิ่งใหญ่และ Jan Erasmus Quellinus หลานชายของเขา (1674 - 1715) ไม่สำคัญเท่ากับพวกเขา ตัวแทนของแผนกจริงต่างๆ ของการประชุมเชิงปฏิบัติการ Rubens มีความสำคัญเป็นอิสระมากกว่า ฟรานส์ สไนเดอร์ส (ค.ศ. 1579 - 1657) เริ่มต้นด้วยธรรมชาติที่ตายแล้ว ซึ่งเขาชอบที่จะแสดงในขนาดเท่าของจริง ในวงกว้าง แนบเนียน และเพื่อการตกแต่งทั้งหมดนั้น ตลอดชีวิตของเขา เขาวาดภาพขนาดใหญ่ เต็มไปด้วยภาพสังเกตสุขภาพที่ดีของเครื่องครัวและผลไม้ เช่น ที่มีอยู่ในบรัสเซลส์ มิวนิก และเดรสเดน ในเวิร์กช็อปของรูเบนส์ เขายังเรียนรู้ที่จะพรรณนาถึงชีวิตชีวาและน่าหลงใหล เกือบด้วยความแข็งแกร่งและความสดใสของอาจารย์ของเขา โลกที่มีชีวิต สัตว์ขนาดเท่าของจริงในฉากการล่าสัตว์ ภาพวาดการล่าสัตว์ขนาดใหญ่ของเขาในเดรสเดน มิวนิก เวียนนา ปารีส คัสเซิล และมาดริด มีความคลาสสิกในแบบของพวกเขา บางครั้งเรื่องที่สับสนกับสไนเดอร์คือน้องเขยของเขา Paul de Vos (1590 - 1678) ซึ่งภาพวาดสัตว์ขนาดใหญ่ไม่สามารถเทียบได้กับความสดชื่นและความอบอุ่นของภาพวาดของ Snyders ภูมิทัศน์รูปแบบใหม่ที่พัฒนาขึ้นภายใต้อิทธิพลของรูเบนส์ ซึ่งเกือบจะลบพื้นหลังเวทีแบบสามสีแบบเก่าและใบไม้ที่มีลักษณะคล้ายกระจุกแบบดั้งเดิม ปรากฏต่อหน้าเราชัดเจนยิ่งขึ้นในภาพวาดและการแกะสลักของลูคัส ฟาน อูเดนส์ (ค.ศ. 1595 - พ.ศ. 2215) ผู้ช่วยในสมัยปลายของเจ้านายฝ่ายภูมิ ภาพวาดทิวทัศน์จำนวนมากแต่ส่วนใหญ่เป็นภาพขนาดเล็กของเขา ซึ่งเก้าภาพแขวนอยู่ในเดรสเดน สามภาพในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก สองภาพในมิวนิก เป็นภาพที่เรียบง่ายและจับต้องได้อย่างเป็นธรรมชาติของภูมิทัศน์ชายแดนในท้องถิ่นที่มีเสน่ห์ระหว่างพื้นที่ราบเขาบราบันต์และที่ราบเฟลมิช การแสดงที่กว้างและพิถีพิถัน สีของเขาไม่เพียงแต่สื่อถึงความประทับใจตามธรรมชาติของต้นไม้สีเขียวและทุ่งหญ้า ดินสีน้ำตาลและระยะทางบนเนินเขาที่เป็นสีน้ำเงินเท่านั้น แต่ยังรวมถึงท้องฟ้าที่สดใสและมีเมฆมากเล็กน้อยด้วย ด้านที่มีแดดของเมฆและต้นไม้มักจะส่องแสงระยิบระยับด้วยจุดแสงสีเหลือง และภายใต้อิทธิพลของรูเบนส์ บางครั้งเมฆฝนและสายรุ้งก็ปรากฏขึ้นเช่นกัน

ศิลปะของรูเบนส์ทำให้เกิดการปฏิวัติในการแกะสลักทองแดงของเนเธอร์แลนด์ มีช่างแกะสลักจำนวนมากซึ่งเขาตรวจดูผลงานอยู่ ที่เก่าแก่ที่สุด ได้แก่ Antwerp Cornelis Galle (1576 - 1656) และ Jacob Mathham ชาวดัตช์ (1571 - 1631) และ Jan Müller ยังคงแปลรูปแบบของเขาเป็นภาษาเก่าของรูปแบบ แต่ช่างแกะสลักของโรงเรียน Rubens จำนวนหนึ่ง ซึ่งเปิดโดย Peter Southman จาก Harlem (1580 - 1643) และยังคงเปล่งประกายด้วยชื่อเช่น Lukas Forstermann (เกิด 1584), Paul Pontius (1603 - 1658), Boethius และ Schelte Bolswerth, Pieter de Jode ผู้น้อง และเหนือสิ่งอื่นใด Jan Wittdöck ช่างแกะสลัก Chiaroscuro ผู้ยิ่งใหญ่ (เกิดปี 1604) สามารถตกแต่งผ้าปูที่นอนของพวกเขาด้วยแรงและการเคลื่อนไหวของชาวรูเบนส์ เทคนิคเมซโซตินแบบใหม่ซึ่งทำให้พื้นผิวของจานหยาบขึ้นโดยใช้พลั่วเพื่อขูดภาพวาดบนมันออกเป็นมวลเบา หากไม่ได้ประดิษฐ์ขึ้น ก็เป็นครั้งแรกที่วาลเลอรองด์ เวลแลนต์จากลีลใช้กันอย่างแพร่หลาย (ค.ศ. 1623) - พ.ศ. 2220) เป็นลูกศิษย์ของราสมุส เควลลินุส ลูกศิษย์ของรูเบนส์ จิตรกรภาพเหมือนที่มีชื่อเสียงโด่งดังและเป็นจิตรกรดั้งเดิมของธรรมชาติที่ตายแล้ว อย่างไรก็ตาม เนื่องจาก Vaillant ไม่ได้ศึกษาศิลปะนี้ในเบลเยียม แต่อยู่ในอัมสเตอร์ดัมที่เขาย้ายไป ประวัติศาสตร์ของศิลปะเฟลมิชสามารถพูดถึงเขาได้เท่านั้น

ปรมาจารย์ชาวแอนต์เวิร์ปคนสำคัญบางคนในยุคนี้ซึ่งไม่มีความสัมพันธ์โดยตรงกับรูเบนส์หรือลูกศิษย์ของเขา ซึ่งเข้าร่วมกับคาราวัจโจในกรุงโรมได้ก่อตั้งกลุ่มชาวโรมันขึ้น โครงร่างที่ชัดเจน การสร้างแบบจำลองพลาสติก เงาหนาของคาราวัจโจทำให้อ่อนลง เฉพาะในภาพวาดต่อมาที่เป็นภาพวาดที่อิสระ อบอุ่นกว่า และกว้างกว่าที่พูดถึงอิทธิพลของรูเบนส์ หัวหน้ากลุ่มนี้คือ Abraham Janssens Van Nuessen (1576 - 1632) ซึ่งลูกศิษย์ของ Gerard Zegers (1591 - 1651) ในภาพวาดต่อมาของเขาย้ายเข้าสู่แฟร์เวย์ของ Rubens อย่างไม่ต้องสงสัย และ Theodore Rombouts (1597 - 1637) เผยให้เห็นถึงอิทธิพลของ คาราวัจโจในประเภทของเขาในขนาดเท่าของจริงด้วยสีเมทัลลิคแวววาวและเงาดำ ภาพวาดในเมืองแอนต์เวิร์ป เกนต์ เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก มาดริด และมิวนิก

จิตรกรชาวเฟลมิชที่เก่าแก่ที่สุดซึ่งไม่ได้อยู่ในอิตาลี Caspar de Crayer (2125-2212) ย้ายไปบรัสเซลส์ซึ่งแข่งขันกับรูเบนส์เขาไม่ได้ไปไกลกว่าการผสมผสาน พวกเขาเป็นหัวหน้าโดย Jacob Jordaens แห่งแอนต์เวิร์ป (ค.ศ. 1583 - 1678) ซึ่งเป็นลูกศิษย์และลูกเขยของ Adam Van Noort หัวหน้านักสัจนิยมชาวเบลเยียมที่เป็นอิสระอย่างแท้จริงในยุคนั้น ซึ่งเป็นหนึ่งในจิตรกรที่โดดเด่นที่สุดของภาษาเฟลมิชที่โดดเด่นที่สุดของ ศตวรรษที่ 17 ถัดจาก Rubens และ Van Dyck รูสส์ยังอุทิศงานมากมายให้กับเขา หยาบกระด้างกว่ารูเบนส์ เขาตรงไปตรงมาและเป็นต้นฉบับมากกว่าเขา ร่างกายของเขาใหญ่โตและมีเนื้อมากกว่ารูเบนส์ หัวของเขากลมกว่าและธรรมดากว่า การจัดองค์ประกอบภาพของเขา ซึ่งมักจะทำซ้ำๆ โดยมีการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อยสำหรับภาพวาดต่างๆ มักจะไร้ศิลปะมากกว่าและมักจะทำงานหนักเกินไป สำหรับทักษะทั้งหมด พู่กันของเขาแห้งกว่า นุ่มนวลกว่า บางครั้งก็แน่นกว่า ทั้งหมดนี้เขาเป็นนักวาดสีที่ยอดเยี่ยมและเป็นต้นฉบับ ในตอนแรกเขาเขียนแบบสด ๆ และกระฉับกระเฉงและสร้างแบบจำลองที่อ่อนแอด้วยสีท้องถิ่นที่อิ่มตัว หลังจากปี ค.ศ. 1631 หลงใหลในเสน่ห์ของรูเบนส์ เขาจึงเปลี่ยนไปใช้สี Chiaroscuro ที่ละเอียดอ่อนมากขึ้น ไปจนถึงสีระดับกลางที่คมชัดขึ้น และภาพวาดโทนสีน้ำตาล ซึ่งโทนสีพื้นฐานที่ลุ่มลึกฉ่ำจะเปล่งประกายออกมาได้อย่างมีประสิทธิภาพ เขายังแสดงภาพทุกอย่างที่ปรากฎ เขาเป็นหนี้ความสำเร็จที่ดีที่สุดของเขาในการวาดภาพเชิงเปรียบเทียบและประเภทของภาพขนาดเท่าของจริง โดยส่วนใหญ่แล้วจะเป็นเรื่องของสุภาษิตพื้นบ้าน

ภาพวาดที่รู้จักในยุคแรกสุดของ Jordaens "Crucifixion" ในปี 1617 ในโบสถ์ St.. Paul ใน Antwerp เผยให้เห็นถึงอิทธิพลของ Rubens Jordaens ค่อนข้างเป็นตัวของตัวเองในปี 1618 ใน "Adoration of the Shepherds" ใน Stockholm และในภาพที่คล้ายกันใน Braunschweig และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในภาพแรกเริ่มของเทพารักษ์ไปเยี่ยมชาวนาซึ่งเขาเล่าเรื่องที่ไม่น่าเชื่อ ภาพวาดประเภทนี้ที่เก่าแก่ที่สุดเป็นของ Mr. Celst ในกรุงบรัสเซลส์ ตามด้วยสำเนาในบูดาเปสต์ มิวนิก และคัสเซิล ภาพวาดทางศาสนาในยุคแรกยังรวมถึงภาพที่แสดงออกของผู้เผยแพร่ศาสนาในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์และสาวกที่สุสานของพระผู้ช่วยให้รอดในเดรสเดน ของภาพวาดในตำนานยุคแรก Meleager และ Atlanta ใน Antwerp สมควรได้รับการกล่าวถึง ผลงานชิ้นแรกของกลุ่มภาพครอบครัวที่มีชีวิตของเขา (ประมาณปี 1622) เป็นของพิพิธภัณฑ์มาดริด

อิทธิพลของรูเบนส์ปรากฏชัดอีกครั้งในภาพวาดของ Jordaens ซึ่งเขียนขึ้นหลังปี 1631 ในการเสียดสีชาวนาในกรุงบรัสเซลส์ ภาพวาดที่มีชื่อเสียงของเขาเกี่ยวกับ "บีนคิง" ซึ่งคาสเซิลครอบครองสำเนาแรกสุด - อื่น ๆ อยู่ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์และในกรุงบรัสเซลส์ - เช่นเดียวกับภาพจำนวนนับไม่ถ้วนของเขาในสุภาษิต "What the old sing, the little ones squeak", Antwerp สำเนาซึ่งลงวันที่ในปี 1638 มีสีสดกว่าเดรสเดนที่เขียนในปี 1641 - อื่น ๆ ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์และเบอร์ลิน - เป็นของอาจารย์ที่นุ่มนวลและนุ่มนวลกว่าอยู่แล้ว

ก่อนปี ค.ศ. 1642 ภาพวาดในตำนานอย่างคร่าวๆ "ขบวนของแบคคัส" ในคาสเซิลและ "อาเรียดเน" ในเดรสเดน ภาพวาดที่ยอดเยี่ยมที่มีชีวิตชีวาของแจน เวิร์ธและภรรยาของเขาในโคโลญจน์ก็ถูกวาดเช่นกัน จากนั้นจนถึงปี ค.ศ. 1652 ภาพวาดเคลื่อนไหวทั้งภายนอกและภายใน แม้จะมีลายเส้นที่สงบกว่าเช่น St. Ivo ในบรัสเซลส์ (1645) ภาพครอบครัวที่ยอดเยี่ยมใน Kassel และ "Bean King" ที่มีชีวิตชีวาในเวียนนา

ในปี ค.ศ. 1652 อาจารย์ได้รับคำเชิญไปยังกรุงเฮกให้มีส่วนร่วมในการตกแต่ง "Forest Castle" ซึ่ง "Deification of Prince Friedrich Heinrich" และ "The Victory of Death over Envy" โดย Jordaens มอบให้ ที่ประทับของเขา และในปี ค.ศ. 1661 มีการเชิญไปอัมสเตอร์ดัม ซึ่งเขาวาดภาพที่ยังหลงเหลืออยู่แต่ปัจจุบันแทบจะแยกไม่ออกสำหรับศาลากลางแห่งใหม่

ภาพวาดทางศาสนาที่ดีที่สุดและดีที่สุดในปีต่อ ๆ มาของเขาคือพระเยซูท่ามกลางอาลักษณ์ (2206) ในไมนซ์; "ทางเข้าวิหาร" ในเดรสเดนและ "กระยาหารมื้อสุดท้าย" ที่เต็มไปด้วยแสงในแอนต์เวิร์ปอย่างงดงามด้วยสีสัน

หาก Jordaens หยาบกระด้างเกินไปและไม่เท่าเทียมกันที่จะจัดอันดับให้เป็นหนึ่งในผู้ยิ่งใหญ่ อย่างไรก็ตาม ในฐานะจิตรกรชาวเมืองแอนต์เวิร์ปและจิตรกรชาวเมืองในแอนต์เวิร์ป เขาครองตำแหน่งที่มีเกียรติรองจากรูเบนส์ เจ้าชายแห่งจิตรกรและจิตรกรของเจ้าชาย แต่เนื่องจากความคิดริเริ่มของเขา เขาจึงไม่ได้สร้างสาวกหรือผู้ติดตามที่โดดเด่น

Cornelis de Vos (1585 - 1651) เป็นปรมาจารย์เช่นเดียวกับ Jordans ผู้ซึ่งอยู่ติดกับศิลปะเฟลมิชในอดีตก่อนยุค Rubensian อย่างเป็นอิสระ โดยเฉพาะอย่างยิ่งโดดเด่นในฐานะจิตรกรภาพบุคคล มุ่งมั่นเพื่อความจริงที่ไร้ศิลปะและความจริงใจด้วยสไตล์การวาดภาพที่สงบและทะลุปรุโปร่ง ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะ แวววาวในสายตาของร่างของเขาและเต็มไปด้วยแสงสี กลุ่มภาพครอบครัวที่ดีที่สุดซึ่งมีองค์ประกอบที่ผ่อนคลายเป็นของ Brussels Museum และภาพเดี่ยวที่แข็งแกร่งที่สุดของหัวหน้ากิลด์ Grapheus เป็นของ Antwerp ภาพคู่แต่งงานและลูกสาวตัวน้อยของเขาในกรุงเบอร์ลินก็เป็นเรื่องปกติเช่นกัน

ตรงกันข้ามกับสไตล์เฟลมิชแท้ๆ ของเขาที่มีกลิ่นอายของอิตาลี ซึ่งจิตรกรชาวเบลเยียมส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 17 วาดโดยจิตรกรชาวเบลเยียมส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 17 โดยมีความแตกต่างไม่มากก็น้อย โรงเรียน Luttich Walloon ซึ่งสำรวจโดย Gelbier ได้พัฒนารูปแบบโรมัน-เบลเยียมของ แนวโน้มของ Poussin ตามภาษาฝรั่งเศส หัวหน้าโรงเรียนนี้คือเจอราร์ด ดัฟเฟต (1594 - 1660) นักวิชาการที่มีความคิดสร้างสรรค์และมีความประณีตสูง ซึ่งเป็นที่รู้จักกันดีที่สุดในมิวนิก Gérard Leresse (1641 - 1711) ลูกศิษย์ของลูกศิษย์ Bartolet Flemalle หรือ Flemal (1614 - 1675) ผู้เลียนแบบ Poussin ที่เฉื่อยชาซึ่งย้ายไปอัมสเตอร์ดัมแล้วในปี 1667 ย้ายจากLüttichไปฮอลแลนด์ รูปแบบวิชาการนี้เลียนแบบภาษาฝรั่งเศสซึ่ง เขาติดตามไม่เพียงแต่ในฐานะจิตรกรและช่างพิมพ์ของวิชาเกี่ยวกับตำนานเท่านั้น แต่ยังมีปากกาในหนังสือของเขาด้วยซึ่งมีผลกระทบอย่างมาก เขาเป็นคนที่มีปฏิกิริยารุนแรงและที่สำคัญที่สุดคือมีส่วนสำคัญในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ทำให้กระแสภาพวาดของประเทศเนเธอร์แลนด์เริ่มเข้าสู่แฟร์เวย์แบบโรมาเนสก์ "Seleucus and Antioch" ในอัมสเตอร์ดัมและ Schwerin, "Parnassus" ใน Dresden, "Departure of Cleopatra" ใน Louvre ให้ความคิดที่เพียงพอเกี่ยวกับเขา

ในที่สุด Leres ก็คืนเราจากภาพวาดเบลเยียมผู้ยิ่งใหญ่สู่ภาพวาดขนาดเล็ก และหลังนี้ไม่ต้องสงสัยเลยว่ายังคงมีประสบการณ์ในการวาดภาพขนาดเล็กที่มีภูมิหลังของภูมิทัศน์หรือสถาปัตยกรรมการออกดอกของชาติที่โตเต็มที่ในศตวรรษที่ 17 ซึ่งเติบโตโดยตรงจากดินที่เตรียมโดยปรมาจารย์ในยุคเปลี่ยนผ่าน แต่ได้รับอิสรภาพในการเคลื่อนไหวอย่างสมบูรณ์ด้วย รูเบนส์ผู้มีอำนาจทุกอย่าง ในบางแห่งยังต้องขอบคุณอิทธิพลใหม่ๆ ฝรั่งเศสและอิตาลี หรือแม้แต่อิทธิพลของศิลปะหนุ่มสาวชาวดัตช์ที่มีต่อภาษาเฟลมิช

ภาพประเภทที่แท้จริงและตอนนี้มีบทบาทแรกใน Flanders เหมือนเมื่อก่อน ในขณะเดียวกันก็สังเกตเห็นเส้นขอบที่ค่อนข้างคมชัดระหว่างปรมาจารย์ที่วาดภาพชีวิตของชนชั้นสูงในฉากฆราวาสหรือภาพบุคคลกลุ่มเล็ก ๆ และจิตรกรแห่งชีวิตพื้นบ้านในร้านเหล้า งานแสดงสินค้า และถนนในชนบท รูเบนส์สร้างตัวอย่างของทั้งสองสกุล จิตรกรฆราวาสตามจิตวิญญาณของ Rubens' Gardens of Love วาดภาพสุภาพสตรีและสุภาพบุรุษในชุดผ้าไหมและผ้ากำมะหยี่ เล่นไพ่ งานเลี้ยง เล่นดนตรีร่าเริงหรือเต้นรำ หนึ่งในจิตรกรกลุ่มแรกคือ Christian van der Lamen (1615 - 1661) ซึ่งเป็นที่รู้จักจากภาพวาดใน Madrid, Gotha โดยเฉพาะอย่างยิ่งใน Lucca นักเรียนที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดของเขาคือ Jérôme Janssens (1624 - 1693) ซึ่งเป็น "นักเต้น" และมีฉากการเต้นรำที่สามารถพบเห็นได้ใน Braungschweig เหนือเขาในฐานะจิตรกรคือ Gonzales Kokvets (1618 - 1684) ปรมาจารย์ด้านการวาดภาพบุคคลกลุ่มเล็กๆ ของชนชั้นสูงที่พรรณนาสมาชิกครอบครัวที่อยู่รวมกันที่บ้านใน Kassel, Dresden, London, Budapest และ The Hague นักวาดภาพชีวิตพื้นบ้านของชนชั้นล่างชาวเฟลมิชที่มีผลงานมากที่สุดคือชาวเตเนียร์ David Teniers the Elder (1582 - 1649) และลูกชายของเขา David Teniers the Younger (1610 - 1690) โดดเด่นจากตระกูลใหญ่ของศิลปินเหล่านี้ คนที่แก่กว่าน่าจะเป็นลูกศิษย์ของรูเบนส์ ส่วนรูเบนส์ที่อายุน้อยกว่าอาจให้คำแนะนำที่เป็นมิตร ทั้งสองมีความแข็งแกร่งเท่ากันทั้งแนวนอนและแนว อย่างไรก็ตาม มันเป็นไปไม่ได้ที่จะแยกผลงานทั้งหมดของผู้เฒ่าออกจากภาพวาดในวัยเยาว์ของผู้เยาว์ ไม่ต้องสงสัยเลยว่าผู้เฒ่าเป็นเจ้าของภูมิทัศน์ในตำนานทั้งสี่ของพิพิธภัณฑ์ศาลเวียนนา ซึ่งยังคงยุ่งอยู่กับการถ่ายทอด "เครื่องบินสามลำ" "การล่อลวงของนักบุญ แอนโธนี" ในเบอร์ลิน "ปราสาทบนภูเขา" ในบราวน์ชไวก์ และ "ช่องเขาบนภูเขา" ในมิวนิก

เนื่องจาก David Teniers the Younger ได้รับอิทธิพลจาก Adrien Brouwer ผู้ยิ่งใหญ่แห่ง Oudenard (1606-1638) เราจึงให้ความสำคัญกับสิ่งหลัง Brouwer เป็นผู้สร้างและเป็นคนธรรมดาของเส้นทางใหม่ ลางสังหรณ์ค้นคว้าศิลปะและชีวิตของเขาอย่างถี่ถ้วน ในหลาย ๆ ด้าน เขาเป็นจิตรกรที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในกลุ่มจิตรกรชาวเนเธอร์แลนด์ และในขณะเดียวกันก็เป็นหนึ่งในจิตรกรภูมิทัศน์ชาวเบลเยียมและเนเธอร์แลนด์ที่ได้รับแรงบันดาลใจมากที่สุด อิทธิพลของการวาดภาพของชาวดัตช์ที่มีต่อภาษาเฟลมิชในศตวรรษที่ 17 ถูกพบเห็นครั้งแรกพร้อมกับเขา ซึ่งเป็นลูกศิษย์ของฟรานส์ ฮาลส์ในฮาร์เลม ก่อนปี 1623 เมื่อเขากลับมาจากฮอลแลนด์ เขาตั้งรกรากในแอนต์เวิร์ป

ในขณะเดียวกัน งานศิลปะของเขาก็พิสูจน์ให้เห็นว่าถ้อยคำที่เรียบง่ายที่สุดจากชีวิตของคนทั่วไปสามารถได้รับคุณค่าทางศิลปะสูงสุดได้ด้วยการแสดงของพวกเขา จากชาวดัตช์ เขาใช้ความฉับไวในการรับรู้ธรรมชาติ การแสดงภาพ ในตัวของมันเองเป็นศิลปะ ในฐานะชาวดัตช์ เขาประกาศตัวเองด้วยความโดดเดี่ยวอย่างเข้มงวดในการถ่ายทอดช่วงเวลาต่างๆ ของชีวิต เช่นเดียวกับชาวดัตช์ที่มีอารมณ์ขัน เขาเน้นฉากการสูบบุหรี่ การต่อสู้ เกมไพ่ และปาร์ตี้ดื่มเหล้า

ภาพวาดยุคแรกสุดที่เขาวาดในฮอลแลนด์ การดื่มเหล้าของชาวนา การทะเลาะวิวาท ในอัมสเตอร์ดัม เผยให้เห็นตัวละครที่หยาบกระด้างและเสือกเห็นถึงการตอบสนองของศิลปะการเปลี่ยนผ่านภาษาเฟลมิชแบบเก่า ผลงานชิ้นเอกในครั้งนี้คือ “นักเล่นไพ่” ของเขาในแอนต์เวิร์ป และฉากโรงเตี๊ยมของสถาบัน Städel ในแฟรงก์เฟิร์ต การพัฒนาเพิ่มเติมออกมาอย่างรวดเร็วใน "Knife" และ "Village Bath" ของมิวนิก Pinakothek: ที่นี่การดำเนินการมีความแข็งแกร่งอย่างมากโดยปราศจากตัวเลขรองที่ไม่จำเป็น การดำเนินการในรายละเอียดทั้งหมดได้รับการพิจารณาอย่างงดงาม จากสี Chiaroscuro สีทอง โทนสีแดงและสีเหลืองยังคงเปล่งประกาย ตามมาด้วยช่วงปลายของปรมาจารย์ (1633 - 1636) ที่มีตัวเลขเฉพาะตัวมากขึ้น โทนสีเย็นลง ซึ่งมีสีเขียวและสีน้ำเงินโดดเด่น เหล่านี้รวมถึง 12 จากสิบแปดมิวนิคของเขาและภาพวาดเดรสเดนที่ดีที่สุดสี่ภาพของเขา Schmidt-Degener แนบภาพวาดจำนวนหนึ่งจากคอลเลกชันส่วนตัวในปารีส แต่ความถูกต้องของพวกเขานั้นไม่ได้ถูกกำหนดอย่างแม่นยำเสมอไป ภูมิทัศน์ที่ดีที่สุดของ Brouwer ซึ่งลวดลายธรรมชาติที่เรียบง่ายที่สุดจากบริเวณโดยรอบของ Antwerp ถูกพัดพาด้วยการส่งผ่านอากาศและแสงที่อบอุ่นและสดใสซึ่งเป็นของปีนี้เช่นกัน "เนินทราย" ในกรุงบรัสเซลส์ ภาพวาดชื่อปรมาจารย์ พิสูจน์ความถูกต้องของผู้อื่น พวกเขามีความรู้สึกที่ทันสมัยกว่าภูมิประเทศแบบเฟลมิชอื่น ๆ ทั้งหมดของเขา สิ่งที่ดีที่สุด ได้แก่ แสงจันทร์และภูมิทัศน์ในทุ่งหญ้าในกรุงเบอร์ลิน ภูมิทัศน์เนินทรายที่มีหลังคาสีแดงใน Bridgewater Gallery และทิวทัศน์พระอาทิตย์ตกอันทรงพลังที่เป็นผลงานของ Rubens ในลอนดอน

ภาพวาดประเภทในช่วงสองปีที่ผ่านมาของชีวิตของปรมาจารย์ขนาดใหญ่ชอบแสงการเขียนในเงาและการอยู่ใต้บังคับบัญชาของสีในท้องถิ่นที่ชัดเจนกว่าในโทนสีเทาทั่วไป ชาวนาร้องเพลง ทหารเล่นลูกเต๋า และคู่บ่าวสาวในบ้านดื่มของมิวนิค พินาโคเทก เข้าร่วมด้วยภาพวาดที่แข็งแกร่งซึ่งแสดงถึงการปฏิบัติงานที่สถาบันสเตเดลและพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ "ผู้สูบบุหรี่" ศิลปะดั้งเดิมของ Brouwer นั้นตรงกันข้ามกับแบบแผนทางวิชาการทั้งหมดเสมอ

David Teniers the Younger จิตรกรประเภทที่ชื่นชอบของโลกผู้สูงศักดิ์ได้รับเชิญในปี 1651 โดยจิตรกรในราชสำนักและผู้อำนวยการแกลเลอรีของ Archduke Leopold Wilhelm จาก Antwerp ถึง Brussels ซึ่งเขาเสียชีวิตด้วยวัยชรา ไม่สามารถเทียบได้กับ Brouwer ใน ความฉับไวของการถ่ายโอนชีวิตในประสบการณ์ทางอารมณ์ของอารมณ์ขัน แต่นั่นคือเหตุผลที่เขาเข้าใจการปรับแต่งภายนอกและสไตล์เมืองของชีวิตพื้นบ้าน เขาชอบวาดภาพชาวเมืองที่แต่งกายแบบชนชั้นสูงในความสัมพันธ์ของพวกเขากับชาวหมู่บ้าน ในบางโอกาสเขาวาดภาพฉากฆราวาสจากชีวิตของชนชั้นสูง และแม้แต่ถ่ายทอดเรื่องราวทางศาสนาในรูปแบบของภาพวาดประเภทของเขา ภายในห้องที่ตกแต่งอย่างวิจิตรงดงามหรือในที่สังเกตตามความเป็นจริง แต่การตกแต่งภูมิทัศน์ สิ่งล่อใจของเซนต์ Anthony (ใน Dresden, Berlin, St. Petersburg, Paris, Madrid, Brussels) เป็นหัวข้อที่เขาชื่นชอบ เขาวาดคุกใต้ดินมากกว่าหนึ่งครั้งโดยมีรูปของปีเตอร์อยู่ด้านหลัง (เดรสเดน เบอร์ลิน) ในธีมที่เป็นตำนานในรูปแบบของภาพวาดประเภทของเขาเราจะตั้งชื่อว่า "Neptune and Amphitrite" ในเบอร์ลิน, ภาพวาดเชิงเปรียบเทียบ " Five Senses" ในกรุงบรัสเซลส์, งานกวี - ภาพวาดสิบสองภาพจาก "Liberated Jerusalem" ในมาดริด ภาพวาดของเขาที่เป็นตัวแทนของนักเล่นแร่แปรธาตุ (เดรสเดน, เบอร์ลิน, มาดริด) สามารถจำแนกได้ว่าเป็นประเภทสังคมชั้นสูง ภาพวาดส่วนใหญ่ของเขาซึ่งมี 50 ภาพในมาดริด 40 ภาพในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 30 ภาพในปารีส 28 ภาพในมิวนิค 24 ภาพในเดรสเดน พรรณนาถึงสภาพแวดล้อมของชาวบ้านที่สนุกสนานในช่วงเวลาว่าง เขาวาดภาพพวกเขากำลังกินเลี้ยง ดื่ม เต้นรำ สูบบุหรี่ เล่นไพ่หรือลูกเต๋า ในงานปาร์ตี้ ในโรงเตี๊ยมหรือข้างถนน แสงและอิสระของเขาในภาษาธรรมชาติของรูปแบบ การกวาดสายตา และในขณะเดียวกัน การเขียนที่นุ่มนวลก็ประสบกับการเปลี่ยนแปลงในสีเท่านั้น โทนเสียงของ “งานฉลองพระวิหารในแสงครึ่งดวง” ของเขาในปี 1641 ในเมืองเดรสเดนนั้นหนักหนาแต่ทว่าลึกล้ำและเยือกเย็น จากนั้นเขาก็กลับไปใช้โทนสีน้ำตาลในช่วงปีแรก ๆ ซึ่งพัฒนาอย่างรวดเร็วเป็นโทนสีทองที่ร้อนแรงในภาพวาดเช่นคุกใต้ดินในปี 1642 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก "โรงเบียร์กิลด์" ในปี 1643 ในมิวนิกและ "ลูกชายผู้น้อย" ใน ในปี 1644 ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์สว่างไสวยิ่งขึ้น เช่น "การเต้นรำ" ในปี 1645 ในมิวนิก และ "คนเล่นลูกเต๋า" ในปี 1646 ในเดรสเดิน จากนั้น ขณะที่การแสดง "Smokers" ในปี 1650 ในมิวนิก ก็ค่อยๆ กลายเป็นสีเทาขึ้น และในที่สุด ในปี ค.ศ. 1651 ใน "Peasant Wedding" ในมิวนิก เปลี่ยนเป็นโทนสีเงินที่ละเอียดและมาพร้อมกับการเขียนที่เบาและลื่นไหลมากขึ้นซึ่งทำให้ภาพวาดของ Teniers ในยุค 50 โดดเด่น เช่น "Guard" ในปี 1657 ที่พระราชวังบักกิงแฮม ในที่สุดหลังจากปี 1660 พู่กันของเขามีความมั่นใจน้อยลง การลงสีกลับเป็นสีน้ำตาลมากขึ้น แห้งและขุ่นมัว มิวนิกเป็นเจ้าของภาพวาดที่เป็นตัวแทนของนักเล่นแร่แปรธาตุ โดยมีลักษณะของภาพวาดโดยปรมาจารย์สูงวัยจากปี 1680

ในบรรดานักเรียนของ Brouwer Joos van Kreesbeek (1606 - 1654) โดดเด่นในภาพวาดซึ่งบางครั้งการต่อสู้ก็จบลงอย่างน่าเศร้า Gillis van Tilborch (ประมาณ 1625 - 1678) เป็นที่รู้จักจากนักเรียนของ Teniers the Younger ซึ่งวาดภาพกลุ่มครอบครัวในสไตล์ Kokves ร่วมกับพวกเขาเป็นสมาชิกของตระกูลจิตรกร Rikavert ซึ่งโดยเฉพาะอย่างยิ่ง David Rikaert III (1612 - 1661) ได้ลุกขึ้นมาเป็นอิสระในระดับหนึ่ง

ถัดจากภาพวาดร่างเล็กภาษาเฟลมิชแห่งชาติมีแนวโน้มพร้อมกันแม้ว่าจะไม่เทียบเท่าก็ตาม แต่ผู้เชี่ยวชาญเหล่านี้ทำงานชั่วคราวในอิตาลีและบรรยายภาพชีวิตชาวอิตาลีในการแสดงออกทั้งหมด อย่างไรก็ตาม สมาชิกกลุ่มใหญ่ที่สุดของ “ชุมชน” ชาวดัตช์ในกรุงโรม ซึ่งราฟาเอลหรือมีเกลันเจโลเป็นผู้นำไปนั้น คือชาวดัตช์ ซึ่งเราจะกลับมาที่ด้านล่าง Pieter Van Laer แห่ง Gaarlem (1582 - 1642) เป็นผู้ก่อตั้งที่แท้จริงของเทรนด์นี้ ซึ่งมีอิทธิพลต่อทั้งชาวอิตาลีประเภท Cherkvozzi และชาวเบลเยียมประเภท Jan Mils (1599 - 1668) อย่างเท่าเทียมกัน อิสระน้อยกว่าคือ Anton Goubau (1616 - 1698) ผู้ซึ่งเติมชีวิตชีวาให้กับซากปรักหักพังของโรมัน และ Peter Van Blemen ที่มีชื่อเล่นว่า Standardaard (1657 - 1720) ซึ่งชื่นชอบงานแสดงม้าของอิตาลี การต่อสู้ของทหารม้า และฉากในค่าย ชีวิตพื้นบ้านของอิตาลียังคงอยู่ตั้งแต่สมัยของปรมาจารย์เหล่านี้ซึ่งเป็นพื้นที่ที่ดึงดูดจิตรกรทางภาคเหนือเป็นประจำทุกปี

ในทางตรงกันข้าม การวาดภาพทิวทัศน์พัฒนาขึ้นในจิตวิญญาณของเฟลมิชแห่งชาติ โดยมีธีมการต่อสู้และโจรกรรม ซึ่งอยู่ติดกับ Sebastian Vranks ซึ่งนักเรียนของ Peter Snyers (1592 - 1667) ย้ายจาก Antwerp ไปยัง Brussels ภาพวาดในยุคแรกๆ ของ Sniers เช่นภาพในเดรสเดน แสดงให้เขาเห็นบนเส้นทางที่งดงามทีเดียว ต่อมาในฐานะจิตรกรการสู้รบแห่งราชวงศ์ฮับส์บวร์ก เขาเน้นย้ำความจงรักภักดีของภูมิประเทศและยุทธศาสตร์มากกว่าความจงรักภักดีของจิตรกร ดังที่ภาพวาดขนาดใหญ่ของเขาแสดงในกรุงบรัสเซลส์ เวียนนา และมาดริด นักเรียนที่ดีที่สุดของเขาคือ Adam Frans Van der Meulen (1631 - 1690) จิตรกรการต่อสู้ของ Louis XIV และศาสตราจารย์ที่ Paris Academy ผู้ซึ่งย้ายสไตล์ของ Snyers ไปปารีสซึ่งขัดเกลาโดยเขาในมุมมองทางอากาศและแสง ที่พระราชวังแวร์ซายส์และที่ Hotel des Invalides ในกรุงปารีส พระองค์ทรงวาดภาพฝาผนังชุดใหญ่ ไร้ที่ติในรูปแบบที่มั่นใจและความประทับใจของภูมิทัศน์ที่งดงาม ภาพวาดของเขาในเดรสเดน เวียนนา มาดริด และบรัสเซลส์ที่มีการรณรงค์ การปิดล้อมเมือง ค่าย การเสด็จมาอย่างมีชัยของกษัตริย์ผู้ยิ่งใหญ่ก็มีความโดดเด่นในด้านความละเอียดอ่อนของภาพที่สดใส ภาพวาดการต่อสู้แบบใหม่ของเนเธอร์แลนด์นี้ถูกถ่ายโอนไปยังอิตาลีโดย Cornelis de Wael (1592-1662) ซึ่งตั้งรกรากอยู่ในเจนัว และหลังจากได้พู่กันที่สมบูรณ์แบบและสีโทนอุ่นจากที่นี่ ในไม่ช้า เขาก็ย้ายไปวาดภาพชีวิตพื้นบ้านของอิตาลี

ในการวาดภาพทิวทัศน์ของเบลเยียม ซึ่งอธิบายในรายละเอียดเพิ่มเติมโดยผู้เขียนหนังสือเล่มนี้ใน The History of Painting (ของเขาเองและของ Woltmann) เราสามารถแยกแยะความแตกต่างของต้นฉบับ พื้นเมืองได้อย่างชัดเจน โดยสัมผัสเพียงเล็กน้อยจากอิทธิพลทางใต้จากแนวคลาสสิกเทียม แนวโน้มที่ติดกับ Poussin ในอิตาลี ภาพวาดภูมิทัศน์แห่งชาติของเบลเยียมยังคงอยู่เมื่อเทียบกับชาวดัตช์โดยทิ้ง Rubens และ Brouwer ไว้ซึ่งเป็นคุณลักษณะของการตกแต่งภายนอก ด้วยคุณสมบัตินี้ เธอจึงปรากฏตัวในการตกแต่งพระราชวังและโบสถ์ด้วยชุดภาพเขียนประดับที่มีมากมายอย่างที่ไม่มีที่ไหนอีกแล้ว Antwerpian Paul Bril ปลูกฝังภาพวาดประเภทนี้ในกรุงโรม ต่อมาชาวเบลเยียมชาวฝรั่งเศส Francois Millet และ Philippe de Champagne ได้ตกแต่งโบสถ์ในปารีสด้วยภาพวาดทิวทัศน์ ผู้เขียนหนังสือเล่มนี้เขียนบทความแยกต่างหากเกี่ยวกับภูมิทัศน์ของโบสถ์ในปี 1890

ในบรรดาปรมาจารย์ Antwerp ก่อนอื่นควรชี้ไปที่ Caspar de Witte (1624 - 1681) จากนั้น Peter Spirincks (1635 - 1711) ซึ่งเป็นเจ้าของภูมิทัศน์ของโบสถ์ซึ่งผิดพลาดโดย Peter Risbrak (1655 - 1719) ในคณะนักร้องประสานเสียงของ Augustinian โบสถ์ใน Antwerp และโดยเฉพาะอย่างยิ่งใน Jan Frans Van Bloemen (1662 - 1748) ซึ่งมีชื่อเล่นว่า "Horizonte" เพื่อความชัดเจนของระยะภูเขาสีน้ำเงินที่ประสบความสำเร็จ ชวนให้นึกถึง Duguet อย่างมาก แต่ภาพวาดที่รุนแรงและเย็นชา

ภาพวาดทิวทัศน์ประจำชาติของเบลเยียมในยุคนี้รุ่งเรืองมากในกรุงบรัสเซลส์ บรรพบุรุษของมันคือ Denis Van Alsloot (ประมาณปี ค.ศ. 1570 - 1626) ผู้ซึ่งพัฒนาความแข็งแกร่งความหนักแน่นและความชัดเจนของการวาดภาพในภาพวาดกึ่งชนบทกึ่งเมืองของเขาตามรูปแบบการเปลี่ยนผ่าน ลูกศิษย์ที่ยิ่งใหญ่ของเขา Lucas Achtschellingx (1626 - 1699) ซึ่งได้รับอิทธิพลจาก Jacques d'Artois ได้มีส่วนร่วมในการตกแต่งโบสถ์เบลเยียมด้วยภูมิทัศน์ในพระคัมภีร์ด้วยต้นไม้สีเขียวเข้มเขียวชอุ่มและระยะทางที่เป็นเนินเขาสีน้ำเงินในลักษณะที่กว้าง อิสระ และค่อนข้างกว้างไกล Jacques d'Artois (1613 - 1683) จิตรกรภูมิทัศน์ที่ดีที่สุดในบรัสเซลส์ซึ่งเป็นนักเรียนของ Jan Mertens ที่แทบไม่มีใครรู้จักยังตกแต่งโบสถ์และอารามด้วยภูมิทัศน์ขนาดใหญ่ซึ่งเป็นฉากในพระคัมภีร์ที่เพื่อนของเขาซึ่งเป็นจิตรกรประวัติศาสตร์วาด ภูมิทัศน์ของโบสถ์เซนต์ ผู้เขียนหนังสือเล่มนี้ได้เห็นภริยาของอาสนวิหารบรัสเซลส์ในความศักดิ์สิทธิ์ของโบสถ์แห่งนี้ ภูมิทัศน์ของโบสถ์ก็รวมถึงภาพวาดขนาดใหญ่ของเขาที่พิพิธภัณฑ์ศาลและหอศิลป์ลิกเตนสไตน์ในเวียนนาด้วย ด้วยภาพวาดในห้องเล็ก ๆ ของเขา ซึ่งแสดงถึงธรรมชาติของป่าอันเขียวขจีรอบ ๆ กรุงบรัสเซลส์ ต้นไม้สีเขียวขนาดใหญ่ ถนนทรายสีเหลือง ระยะทางที่เป็นเนินเขาสีน้ำเงิน แม่น้ำสดใส และสระน้ำ คุณจะได้รู้จักมาดริด บรัสเซลส์ และเดรสเดนได้อย่างสมบูรณ์แบบ , มิวนิค และ ดาร์มสตัดท์. ด้วยองค์ประกอบแบบปิดที่หรูหรา ลุ่มลึก อิ่มตัวด้วยสีสันที่สดใส อากาศปลอดโปร่งพร้อมก้อนเมฆ ซึ่งโดดเด่นด้วยด้านข้างที่ส่องสว่างด้วยสีเหลืองทอง ทำให้สื่อถึงภาพรวมได้อย่างสมบูรณ์แบบ แต่ยังคงเป็นเพียงลักษณะทั่วไปของพื้นที่เท่านั้น สีทอง, อบอุ่นกว่า, มีการตกแต่งมากกว่า ถ้าคุณชอบ มีสีแบบเวนิสมากกว่า d'Artois นักเรียนที่ดีที่สุดของเขา Cornelis Huysmans (1648 - 1727) ซึ่งมีภูมิทัศน์ของโบสถ์ที่ดีที่สุดคือ "Christ at Emmaus" ของ Church of St. Wives ใน Mecheln .

ในเมืองชายทะเลแอนต์เวิร์ป ท่าจอดเรือก็พัฒนาขึ้นเองตามธรรมชาติเช่นกัน ความปรารถนาในอิสรภาพและความเป็นธรรมชาติของศตวรรษที่ 17 เกิดขึ้นที่นี่ในภาพวาดที่แสดงถึงการต่อสู้ชายฝั่งและทางทะเลของ Andries Aartvelt หรือ Van Ertvelt (1590 - 1652), Buonaventura Peters (1614 - 1652) และ Hendrik Mindergout (1632 - 1696) ซึ่งอย่างไรก็สู้ช่างฝีมือดีชาวดัตช์ในวงการเดียวกันไม่ได้

ในการวาดภาพสถาปัตยกรรมซึ่งแสดงให้เห็นภายในโบสถ์แบบโกธิกด้วยความเต็มใจ ปรมาจารย์ชาวเฟลมิชอย่างปีเตอร์ นีฟส์ผู้น้อง (พ.ศ. 2163-2218) ซึ่งแทบไม่ได้ก้าวข้ามรูปแบบการเปลี่ยนผ่านที่หยาบกระด้าง ยังขาดเสน่ห์ภายในที่เต็มไปด้วยแสงและงดงามของชาวดัตช์ ภาพของโบสถ์

ความกล้าและความสดใสของชาวเบลเยียมนำมาสู่ภาพสัตว์ ผลไม้ ธรรมชาติที่ตายแล้ว และดอกไม้ อย่างไรก็ตาม แม้แต่ Jan Fit (1611 - 1661) ซึ่งเป็นจิตรกรเกี่ยวกับอุปกรณ์ในครัวและผลไม้ ก็ไม่ได้ไปไกลกว่า Snyders ผู้ซึ่งดำเนินการอย่างระมัดระวังและผสมผสานรายละเอียดทั้งหมดเข้าด้วยกันอย่างสวยงาม ภาพวาดดอกไม้ไม่ได้ไปใน Antwerp อย่างน้อยก็ในตัวเอง ไปไกลกว่า Jan Brueghel the Elder แม้แต่นักเรียนของ Brueghel ในด้านนี้ Daniel Seghers (1590 - 1661) ก็เหนือกว่าเขาในด้านความกว้างและความหรูหราของรูปแบบการตกแต่ง แต่ไม่เข้าใจเสน่ห์ของรูปแบบและสีรุ้งของแต่ละสี ไม่ว่าในกรณีใด พวงหรีดดอกไม้ของ Seghers บนพระแม่มารีของจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่และภาพดอกไม้ที่หายากและเป็นอิสระของเขา เช่น แจกันเงินในเดรสเดน เผยให้เห็นแสงเย็นที่ชัดเจนของการประหารชีวิตที่ไม่มีใครเทียบได้ แอนต์เวิร์ปในศตวรรษที่ 17 เป็นสถานที่หลักในการวาดภาพดอกไม้และผลไม้ของเนเธอร์แลนด์ แต่ก็เป็นหนี้บุญคุณของช่างฝีมือท้องถิ่นไม่มากนัก เช่นเดียวกับ Utrechtian Jan Davids de Gey (1606 - 1684) ผู้ยิ่งใหญ่ ซึ่งย้ายไปแอนต์เวิร์ปและเลี้ยงดูเขา ลูกชายของ Cornelis ซึ่งเกิดใน Leiden. de Gay (1631 - 1695) ต่อมาก็เป็นปรมาจารย์ Antwerp แต่พวกเขาคือจิตรกรดอกไม้และผลไม้ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในบรรดาจิตรกรที่โดดเด่นด้วยความรักที่ไม่สิ้นสุดในการตกแต่งรายละเอียดและพลังแห่งการวาดภาพสามารถผสานรายละเอียดเหล่านี้ภายในได้เช่นเดียวกับปรมาจารย์ชาวดัตช์ไม่ใช่ชาวเบลเยียม

เราเห็นว่ามีความเชื่อมโยงที่สำคัญระหว่างจิตรกรรมเฟลมิชกับศิลปะดัตช์ อิตาลี และฝรั่งเศส ชาวเฟลมมิงส์สามารถชื่นชมการรับรู้โดยตรงและใกล้ชิดของชาวดัตช์ ความสง่างามที่น่าสมเพชของชาวฝรั่งเศส ความหรูหราในการตกแต่งของรูปแบบและสีสันของชาวอิตาเลียน แต่เมื่อทิ้งผู้แปรพักตร์และปรากฏการณ์ที่แยกตัวออกไป พวกเขายังคงอยู่เพียงเศษหนึ่งส่วนสี่ของ ตัวเองในงานศิลปะของพวกเขา สำหรับไตรมาสอื่น ๆ พวกเขาถูกทำให้เป็นอักษรโรมันภายในและภายนอกเป็นภาษาเยอรมันดั้งเดิมของชาวดัตช์ ผู้ซึ่งสามารถเข้าใจและทำซ้ำธรรมชาติและชีวิตด้วยความกระตือรือร้นและแรงกล้า และในแง่การตกแต่งที่มีอารมณ์ร่วม

เป็นที่นิยมในหมวดหมู่: