ศิลปินชาวฟินแลนด์ ผ่านห้องโถงของพิพิธภัณฑ์ Ateneum: การจัดแสดงนิทรรศการที่มีชื่อเสียงและน่าสนใจที่สุดของศิลปินชาวฟินแลนด์ในอาศรม

Akseli Gallen-คัลเลลา

ซัมมอน พูโอลัสตัส (1896)

ภาพประกอบสำหรับ Kalevala " ซัมโปกลาโหม«.

ซัมโป(ครีบ. ซัมโป) - ในตำนานคาเรเลียน-ฟินแลนด์ วัตถุวิเศษหนึ่งเดียวที่มีพลังวิเศษและเป็นแหล่งแห่งความสุข ความเจริญรุ่งเรือง และความอุดมสมบูรณ์ ในมหากาพย์ Kalevala ผู้สร้าง Elias Lönnrot นำเสนอ Sampo ในรูปแบบของกังหันลม

ฮูโก้ ซิมเบิร์ก

ฮัลโหล (1895)

ฮัลโหล- นี้ น้ำแข็งถ้าฉันเข้าใจถูกต้อง เช่น ในฤดูร้อนตอนกลางคืนหรือตอนเช้าตรู่

ในแง่นี้ ภาพสื่อถึงภาพได้ดี

เอลีน ชเยอร์ฟเบ็ค

โตปิลาส (พ.ศ. 2431)

toipilas — พักฟื้น

ฮูโก้ ซิมเบิร์ก

กูโอเลมาน ปูตาราฮา —สวนแห่งความตาย

ภาพวาดนี้มีหลายเวอร์ชั่น ภาพวาดนี้เป็นภาพเฟรสโกจากมหาวิหารในตัมเปเร

ภาพนี้ได้รับการแนะนำให้ฉันโดยสาวชาวฟินแลนด์ เมื่อฉันสังเกตเห็นว่าแม้ฟินน์จะดูมืดมนก็ตาม เธอตอบฉันอย่างอบอุ่นว่า "ความตายเฝ้าดูแลดอกไม้ - ผู้คนที่อยู่กลางทะเลทรายและเมื่อพวกเขาถูกบังคับให้ตัด พวกเขาทำอย่างอ่อนโยนราวกับขอการให้อภัย ... "

ฮูโก้ ซิมเบิร์ก

ฮาโวอิตตูนูต เอนเคลี -นางฟ้าที่ได้รับบาดเจ็บ
(1903)

เนื้อเรื่องของภาพเผยให้เห็นภูมิหลังทางประวัติศาสตร์ที่เป็นที่รู้จัก: นี่คือสวน Eleintarha (ระบุว่าเป็น "สวนสัตว์") และอ่าวTöölöในเฮลซิงกิ ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 สวนสาธารณะแห่งนี้เป็นสถานที่พักผ่อนหย่อนใจยอดนิยมสำหรับคนงาน และยังเป็นที่ตั้งของสถาบันการกุศลอีกด้วย ถนนที่ตัวละครกำลังเคลื่อนไหวรอดชีวิตมาได้จนถึงทุกวันนี้: ขบวนเคลื่อนไปตามทางไปยังโรงเรียนสำหรับเด็กหญิงตาบอดที่มีอยู่แล้วและที่พักพิงสำหรับผู้พิการ

ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นเด็กชายสองคนกำลังแบกเปลหามที่มีนางฟ้าผู้อ่อนแอซึ่งถูกปิดตาและมีปีกเลือดไหลบนเปลหาม เด็กชายคนหนึ่งจ้องมองผู้ชมอย่างตั้งใจและขมวดคิ้ว สายตาของเขาแสดงออกถึงความเห็นอกเห็นใจต่อทูตสวรรค์ที่ได้รับบาดเจ็บหรือการดูถูก ภูมิทัศน์ในพื้นหลังนั้นดูรุนแรงและเบาบางโดยเจตนา แต่ให้ความรู้สึกสงบ โครงเรื่องที่ไม่สำคัญเปิดพื้นที่สำหรับการตีความที่หลากหลาย เสื้อผ้าและรองเท้าที่หยาบกร้านของเด็กผู้ชาย ใบหน้าที่บึ้งตึงและเคร่งขรึมนั้นตรงกันข้ามกับร่างบอบบางของทูตสวรรค์ที่แต่งกายด้วยชุดบางเบา ซึ่งบ่งบอกถึงความขัดแย้งของชีวิตและความตาย เลือดบนปีกของทูตสวรรค์และผ้าปิดตาคือ สัญญาณของความเปราะบางและการดำรงอยู่ชั่วคราว แต่ในมือของเขาทูตสวรรค์ถือช่อ Snowdrops เป็นสัญลักษณ์ของการเกิดใหม่และการฟื้นตัว ชีวิตที่นี่ดูเหมือนจะใกล้ตาย เด็กชายคนหนึ่งหันไปหาผู้ชม ทำลายพื้นที่ลึกลับของภาพ ทำให้ชัดเจนว่าประเด็นเรื่องชีวิตและความตายเกี่ยวข้องโดยตรงกับพวกเขา Simberg เองปฏิเสธที่จะให้การตีความใด ๆ ของ The Wounded Angel ปล่อยให้ผู้ชมหาข้อสรุปเอง

ภาพวาดมีผลกระทบอย่างมากต่อวัฒนธรรมฟินแลนด์ การอ้างอิงถึงมันพบได้ในงานศิลปะชั้นสูงและเป็นที่นิยมมากมาย วิดีโอของวงดนตรีเมทัลฟินแลนด์ Nightwish สำหรับเพลง "Amaranth" เล่นโดยมีแนวคิดมาจาก "The Wounded Angel"

อัลเบิร์ต เอเดลเฟลต์

Pariisin ลักเซมเบิร์ก puistossa — ในสวนลักเซมเบิร์กในปารีส.

Akseli Gallen-คัลเลลา

Akka ja kissa — หญิงชราและแมว

โดยทั่วไปแล้วใน Gallen-Kallela ภาพวาดทั้งหมดเป็นผลงานชิ้นเอกนี่เป็นศิลปินระดับโลกจริงๆ

ภาพนี้เขียนในลักษณะที่เป็นธรรมชาติอย่างเด่นชัด แต่ถึงแม้จะไม่มีการตกแต่งใดๆ แต่ก็เต็มไปด้วยความเห็นอกเห็นใจและความรักต่อผู้คนที่เรียบง่ายและยากจนที่สุด

ภาพวาดนี้ได้มาจาก Turku Art Museum ในปี 1895 และยังคงอยู่ที่นั่นจนถึงทุกวันนี้

คำ อัคคาฉันมักจะแปลด้วยความยากลำบาก - ทั้ง "ผู้หญิง" และ "คุณย่า"

ที่นี่ฉันจะแสดงรสชาติเล็ก ๆ น้อย ๆ และเพิ่มอีกภาพหนึ่ง เอลีน ชเยอร์ฟเบ็ค- ในภาษารัสเซีย เราอ่านชื่อของเธอว่า Helena Schjerfbeck

และนี่คือแสงและความอบอุ่น

2425 ภาพวาด ตันเซียสเกงกัต —รองเท้าเต้นรำ.

นี่อาจเป็นภาพฟินแลนด์ที่น่าเศร้าที่สุด อย่างน้อยในความคิดของฉัน

อัลเบิร์ต เอเดลเฟลต์

ล่วงเสนฺรุมิสฺสตฺโต — งานศพเด็ก(ตามตัวอักษรขบวนแห่ศพของเด็ก)

นี่เป็นองค์ประกอบกลางแจ้งประเภทแรกในทัศนศิลป์ของฟินแลนด์ เธอกลายเป็นส่วนหนึ่งของชีวิตจริงที่ศิลปินมองเห็นและจับได้ ภาพบอกเล่าความเศร้าโศกของมนุษย์ Edelfelt บรรยายภาพครอบครัวเรียบง่ายที่แบกโลงศพเล็กๆ ไว้บนเรือ ภูมิประเทศที่โหดร้ายนั้นสอดคล้องกับอารมณ์ของผู้คนที่เห็นลูกจากการเดินทางครั้งสุดท้าย ในใบหน้าที่โศกเศร้า การเคลื่อนไหวที่ถูกควบคุม - ความโศกเศร้าอันเคร่งขรึมซึ่งสะท้อนจากพื้นผิวที่ยังคงขาวของทะเลสาบ ท้องฟ้าที่เย็นยะเยือกสดใส ชายฝั่งต่ำที่อยู่ไกลออกไป

"งานศพของเด็ก" ทำให้เขาได้รับตำแหน่งนักวิชาการและงานนี้ถูกซื้อไปยังคอลเลคชันส่วนตัวในมอสโกว ในเวลาเดียวกันมีการจัดนิทรรศการส่วนตัวใน Tsarskoe Selo และ Edelfelt ถูกนำเสนอต่อ Alexander III และ Maria Feodorovna ซึ่งชื่นชอบการวาดภาพเช่นกัน

ความใกล้ชิดของศิลปินกับศาลช่วยให้ภาพวาดฟินแลนด์ได้รับความนิยมในรัสเซีย เราสามารถพูดได้ว่า Edelfelt เป็นหนึ่งในผู้ค้นพบศิลปะของฟินแลนด์สำหรับรัสเซีย

ในปี พ.ศ. 2450 ภาพวาดได้กลับไปยังฟินแลนด์และปัจจุบันอยู่ในพิพิธภัณฑ์ Ateneum ในเฮลซิงกิ

ถึงกระนั้น ในนามของฉันเอง ฉันขออนุญาตสังเกตว่าในภาพนี้ ทัศนคติของชาวฟินน์ต่อความตายนั้นถ่ายทอดออกมาได้อย่างแม่นยำมาก (ซึ่งอนิจจา เป็นส่วนหนึ่ง ส่วนสุดท้ายของชีวิตใดๆ) มันเข้มงวดและยับยั้งมากที่นี่ก็มีความแตกต่างจากรัสเซียเช่นกัน แต่ความเข้มงวดและความยับยั้งชั่งใจนี้ไม่ได้พูดถึงความไร้อารมณ์ของพวกเขา เป็นเพียงการที่ชาวฟินน์แบกรับสิ่งเหล่านี้ไว้อย่างลึกซึ้ง ลึกกว่าพวกเราชาวรัสเซีย แต่ความเศร้าโศกจากสิ่งนี้ไม่ได้หยุดความเศร้าโศกสำหรับพวกเขา

เป็กก้าฮาโลเนน

Tienraivaajia Karjalassa — ผู้สร้างถนนใน Karelia

แท้จริงแล้วมันจะเป็น "คนเคลียร์ถนนในคาเรเลีย"

ไรวาตะ- กริยาที่ดี เคลียร์ทาง
ฉันไม่รู้ว่ามันมีอะไรเหมือนกันกับคำว่า ไรโว่ — ความโกรธความคลั่งไคล้

แต่เมื่อดูรูปนี้ - เราสามารถสรุปได้ว่าใช่

มีคุณลักษณะอื่นของ Finns ในภาพ - ในอดีตพวกเขาต้องอาศัยอยู่ในสภาพแวดล้อมทางธรรมชาติที่ไม่เอื้ออำนวยอย่างยิ่งนั่นคือบางครั้งพวกเขาก็ต่อสู้อย่างดุเดือดเพื่อการดำรงอยู่ของพวกเขา ดังนั้นอาจเป็นความอุตสาหะที่พวกเขาแสดงในการทำงานและความทุกข์ยาก อย่างน้อยนั่นก็เป็นวิธีที่เคยเป็น

ฮูโก้ ซิมเบิร์ก

อีกภาพของ Hugo Simberg - " ฝัน«.

Simberg ถือเป็นนักสัญลักษณ์อย่างถูกต้องภาพวาดของเขาเปิดกว้างสำหรับการตีความและการตีความ

และในขณะเดียวกัน ภาพวาดของเขาก็มีความเป็นธรรมชาติอยู่เสมอ

Akseli Gallen-คัลเลลา

Poika ja varis — เด็กชายและอีกา

(พ.ศ. 2427) โดยส่วนตัวแล้ว ฉันได้เรียนรู้เรื่องนั้นในฐานะผู้ใหญ่เท่านั้น อีกา (หลากหลาย) พูดค่อนข้างไม่ใช่ภรรยา / ผู้หญิง อีกา (คอร์ปปี). ตามความเป็นจริงแล้ว ความสับสนดังกล่าวเกิดขึ้นได้เฉพาะในภาษารัสเซียเท่านั้น ตัวอย่างเช่นในภาษายูเครน กาเป็น "คนโกง" และอีกาจะเป็น "อีกา" ในภาษาอังกฤษ คำว่า Raven ออกเสียงว่า "Raven" และอีกาเรียกว่า "อีกา"

ตอนนี้ภาพวาดอยู่ใน Ateneum

Akseli Gallen-คัลเลลา.

เลมมินไกเซน ไอติ — แม่ของ Lemminkäinen
(1897)

ภาพวาดอยู่ใน Ateneum เฮลซิงกิ

ภาพวาดบรรยายฉากจาก The Kalevala ซึ่ง Lemminkäinen ถูกฆ่าและแยกชิ้นส่วน และชิ้นส่วนของร่างกายถูกโยนลงไปในแม่น้ำ Tuonela ที่มืดมิด แม่ของฮีโร่รวบรวมส่วนต่างๆ ของร่างกายลูกชายของเธอด้วยคราด และเย็บให้เป็นชิ้นเดียวกัน ในภาพเธอกำลังรอผึ้ง - เธอจึงเงยหน้าขึ้นมอง - ซึ่งจะนำน้ำผึ้งวิเศษมาจากเทพอาวุโส Ukko ผู้ซึ่งจะต้องชุบชีวิต Lemminkäinen

ก่อตั้งขึ้นในปี 2476 ในเฮลซิงกิ ในขั้นต้นมีการรวมศิลปิน 23 คนจากหลากหลายสาขาในช่วงปลายทศวรรษที่ 1930 - ประมาณ 45 คน ประธานคนแรกของสังคมคือสถาปนิกและศิลปินตกแต่งภายใน L. E. Kurpatov จากปี 1934 โพสต์นี้ถูกครอบครองโดย E. A. Buman-Kolomiytseva จากปี 1935 - Baron R. A. Shtakelberg (ได้รับเลือกเป็นสมาชิกกิตติมศักดิ์ในปี 2479) ตั้งแต่ปี 2479 - V. P. Shchepansky สมาคมเป็นเจ้าภาพจัดนิทรรศการประจำปีของผลงานของสมาชิก (พร้อมรางวัลเงินสด) และงานบอลการกุศลประจำปี (ปกติจะจัดขึ้นที่ Hotel Grand); มีกองทุนผลประโยชน์ร่วมกัน งานเลี้ยงสังสรรค์ที่เป็นมิตร และมีการอ่านรายงานสาธารณะเกี่ยวกับศิลปะ ในบรรดารายงานที่อ่านในปีต่างๆ: "โรงละครรัสเซียในช่วง 25 ปีที่ผ่านมา" โดย S. M. Veselov (2478), "จิตรกรภูมิทัศน์รัสเซีย" โดย V. P. Shchepansky (2479; อุทิศให้กับความทรงจำของศิลปิน M. A. Fedorova), "วัฒนธรรมที่บ้าน L. E. Kurpatova (1936) และอื่น ๆ สมาคมได้เข้าร่วมในการจัดงานวันวัฒนธรรมรัสเซียประจำปีซึ่งมีการเฉลิมฉลองในวันเกิดของ A. S. Pushkin และในปี 1937 - ในเหตุการณ์ที่เกี่ยวข้องกับการครบรอบหนึ่งร้อยปีของการเสียชีวิตของกวี ในปีพ. ศ. 2477 มีการตัดสินใจที่จะจัดเวิร์คช็อปศิลปะและในฤดูร้อนจะร่วมกันเช่ากระท่อมฤดูร้อนเพื่อทำงานสเก็ตช์

นิทรรศการของสังคมเข้าร่วมโดย: M. Akutina-Shuvalova, N. P. Bely, A. P. Blaznov, N. Blinov, E. A. Buman-Kolomiytseva, P. Varlachev, V. A. Veiner, S. M. Veselov , V. I. Voutilainen, E. V. Deters, H. Dippel- Shmakov, S. Dobrovolsky, P. S. Zakharov, S. G. Irmanova, I. M. Karpinsky, I. Krasnostovsky, L. Kratz, L. Kuzmin, N. G. Kuzmina, I. Kurkiranta, L. E. Kurpatov, O. Kurpatova, T. Kurto, A. Lindenberg, P. Lomakin, Baroness M. B. Maidel, M. Milova, M. M. von Mingin, V. Mitinin, M.N. Nemilova, M. Pets-Blaznova, L. Platan, G. Presas, Yu. I. Repin, V. I. Repina, M. Romanov, S. Rumbin, V. P. Semenov-Tyan-Shansky, M. A. Fedorova, T. Schwank, V. Shermanova - บราวน์, M. N. Shilkin, A. L. von Schultz, G. Schumacher, M. N. Shchepanskaya, V. P. Shchepansky

ด้วยการระบาดของสงครามกับฟินแลนด์ในปี พ.ศ. 2482 กิจกรรมต่างๆ ของสังคมจึงหยุดลงและมีความกระตือรือร้นมากขึ้นหลังสงครามเท่านั้น ในปี พ.ศ. 2488 สมาคมได้เปลี่ยนเป็นสหภาพศิลปินรัสเซียในฟินแลนด์ โดยมี I. M. Karpinsky เป็นประธาน ในปีต่อมา องค์กรนี้ได้กลายเป็นสมาชิกกลุ่มของ Russian Cultural Democratic Union และในปี 1947 นิทรรศการครั้งแรกจัดขึ้นที่ Harhammer Art Salon

บรรณานุกรม:	พงศาวดารชีวิตวรรณกรรมของรัสเซียในต่างประเทศ: ฟินแลนด์ (2461-2481) / รวบรวมโดย: E. Hämäläinen, Yu. A. Azarov // วารสารวรรณกรรม แผนกภาษาและวรรณคดีของ Russian Academy of Sciences สถาบันข้อมูลวิทยาศาสตร์ทางสังคมศาสตร์ของ Russian Academy of Sciences – พ.ศ. 2549 ฉบับที่ 20 ส. 271–319.
การเชื่อมต่อ:
ภูมิศาสตร์:
รวบรวมโดย:
วันที่เข้า:

นิทรรศการถาวรของ Ateneum Museumตรงบริเวณชั้นสามของอาคาร (มีการจัดนิทรรศการเล็ก ๆ ที่นั่นด้วย) และนิทรรศการชั่วคราวจะจัดขึ้นที่ชั้นสอง (แผนผังของห้องโถง) ในบันทึกนี้เราจะพูดถึงภาพวาดและประติมากรรมที่น่าสนใจและมีชื่อเสียงที่สุดในคอลเลกชัน Ateneum รวมถึงผู้แต่ง: ผู้มีชื่อเสียง จิตรกรและประติมากรชาวฟินแลนด์. ข้อมูลเพิ่มเติมเกี่ยวกับประวัติของพิพิธภัณฑ์ Ateneum และสถาปัตยกรรมของอาคารพิพิธภัณฑ์สามารถอ่านได้ นอกจากนี้ยังให้ข้อมูลที่เป็นประโยชน์เกี่ยวกับ ราคาตั๋ว, เวลาเปิดทำการและขั้นตอนการเข้าชม Ateneum Museum ข้อควรระวัง: คุณไม่สามารถชมผลงานที่มีชื่อเสียงทั้งหมดพร้อมกันในพิพิธภัณฑ์ได้เสมอไป

ผลงานของประติมากรชาวฟินแลนด์

เริ่มเดินชมพิพิธภัณฑ์ Ateneum จากทางเข้ากันเลย

ในล็อบบี้เราได้รับการต้อนรับจากกลุ่มหินอ่อน " อพอลโลและ Marsyas» (พ.ศ. 2417) โดยประติมากรชาวฟินแลนด์ที่มีชื่อเสียง วอลเตอร์ รูนเบิร์ก (วอลเตอร์ แม็กนัส รูนเบิร์ก) (พ.ศ. 2381-2463) ผู้แต่งอนุสาวรีย์โยฮัน รูนเบิร์กและจักรพรรดิอเล็กซานเดอร์ที่ 2 ในเฮลซิงกิ พ่อของประติมากร กวีโยฮัน รูนแบร์ก ซึ่งเป็นตัวแทนของกระแสโรแมนติกแห่งชาติในวรรณกรรม ได้แนะนำอุดมคติของอารยธรรมกรีกและโรมันในวัฒนธรรมฟินแลนด์ รวมถึงคุณค่าของความกล้าหาญและความทุ่มเท ลูกชายของเขายังคงแสดงอุดมคติเหล่านี้ แต่โดยวิธีการของประติมากรรม ในปี พ.ศ. 2401-62 Walter Runeberg ศึกษาที่ Academy of Fine Arts ในกรุงโคเปนเฮเกนภายใต้คำแนะนำของประติมากรชาวเดนมาร์ก Hermann Wilhelm Bissen ซึ่งเป็นลูกศิษย์ของ Thorvaldsen ผู้มีชื่อเสียง ซึ่งเป็นปรมาจารย์ด้านประติมากรรมนีโอคลาสสิกที่ได้รับการยอมรับในระดับสากล ในปี พ.ศ. 2405-2419 Runeberg ทำงานในกรุงโรมเพื่อศึกษามรดกคลาสสิกต่อไป

ในกลุ่มประติมากรรมนี้ Runeberg วาดภาพเทพเจ้าแห่งแสงสว่าง Apollo ซึ่งเอาชนะเทพารักษ์ Marsyas ด้วยงานศิลปะของเขา โดยแสดงตัวตนของความมืดและความเป็นดิน ร่างของอพอลโลถูกสร้างขึ้นตามจิตวิญญาณของอุดมคติโบราณ ในขณะที่ภาพนี้ตรงกันข้ามกับ Marsyas คนเลี้ยงแกะแบบพิสดารอย่างชัดเจน เดิมทีการจัดองค์ประกอบภาพมีจุดประสงค์เพื่อประดับบ้านนักศึกษาแห่งใหม่ของเฮลซิงกิและได้รับมอบหมายจากชมรม แต่แล้วผู้หญิงก็ตัดสินใจว่ามีภาพเปลือยมากเกินไปในประติมากรรมของ Runeberg ในท้ายที่สุดไม่ทางใดก็ทางหนึ่งงานนี้ถูกนำเสนอเป็นของขวัญแก่ Art Society of Finland และมันก็จบลงที่คอลเลกชันของ Ateneum Museum

ที่ทางเข้าโถงนิทรรศการหลักของ Ateneum บนชั้นสาม คุณสามารถชมผลงานที่น่าสนใจอีกมากมาย ช่างแกะสลักชาวฟินแลนด์. สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือประติมากรรมหินอ่อนและทองสัมฤทธิ์ รูปแกะสลักและแจกันที่สง่างามซึ่งทำขึ้นโดย วิลล์ วอลล์เกรน (วิลล์ วอลล์เกรน) (1855–1940).วิลล์ วอลล์เกรนเป็นหนึ่งในประติมากรชาวฟินแลนด์คนแรกๆ ที่หลังจากได้รับการศึกษาขั้นพื้นฐานในฟินแลนด์แล้ว เขาตัดสินใจที่จะศึกษาต่อไม่ใช่ในโคเปนเฮเกน แต่อยู่ในปารีส การเลือกของเขาได้รับอิทธิพลจากศิลปินชื่อดังอย่าง Albert Edelfelt ซึ่งเป็นชาวเมือง Porvoo Edelfelt ช่วยคนบ้านนอกที่หุนหันพลันแล่นในชีวิตอื่น ๆ และเรื่องอาชีพ: ด้วยความช่วยเหลือของเขา Wallgren ได้รับคำสั่งให้สร้างน้ำพุ Havis Amanda ที่มีชื่อเสียง (1908) บน Esplanade Boulevard ใน

วิลล์ วอลล์เกรนซึ่งอาศัยอยู่ในฝรั่งเศสมาเกือบ 40 ปี เป็นที่รู้จักกันเป็นอย่างดีจากหุ่นสาวที่เย้ายวนใจของเขา ในสไตล์อาร์ตนูโว. อย่างไรก็ตาม ในช่วงแรกของการทำงาน เขามักจะแสดงภาพชายหนุ่มและยึดติดกับสไตล์คลาสสิกมากกว่า (ตัวอย่างคือ ประติมากรรมหินอ่อนเชิงกวี " เสียงสะท้อน" (พ.ศ. 2430) และ " เด็กชายกำลังเล่นกับปู(1884) ซึ่ง Wallgren เชื่อมโยงตัวละครมนุษย์กับโลกธรรมชาติ)

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 วิลล์ วอลล์เกรนได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลกในฐานะปรมาจารย์ด้านการตกแต่งรูปแกะสลักที่โดดเด่น เช่นเดียวกับแจกัน โกศศพ และหยดน้ำตา ซึ่งประดับด้วยรูปปั้นหญิงสาวไว้ทุกข์โศกเศร้า แต่ด้วยการโน้มน้าวใจไม่น้อย บอน วิแวนต์ วอลล์เกรนแสดงภาพความสุขของชีวิต รวมถึงผู้หญิงที่เจ้าชู้และเย้ายวนใจ เช่น ฮาวิส อแมนดาคนเดียวกัน นอกจากประติมากรรมดังกล่าว "เด็กชายเล่นกับปู" (พ.ศ. 2427) บนชั้นสามของพิพิธภัณฑ์ Ateneum คุณยังสามารถเห็น งานทองสัมฤทธิ์โดย Wille Wallgren: "Teardrop" (พ.ศ. 2437), "ฤดูใบไม้ผลิ (ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา)" (พ.ศ. 2438), "คนหนุ่มสาวสองคน" (พ.ศ. 2436) และแจกัน (ประมาณ พ.ศ. 2437) ผลงานอันประณีตที่มีรายละเอียดประณีตเหล่านี้มีขนาดเล็ก แต่สร้างความประทับใจทางอารมณ์และเป็นที่จดจำในความสวยงาม

Ville Wallgren เดินทางมาไกลในอาชีพประติมากร แต่เมื่อเขาค้นพบทิศทางของตนเองและได้รับการสนับสนุนจากมืออาชีพ เขาก็กลายเป็นหนึ่งในศิลปินที่ได้รับการยอมรับและยอมรับในระดับสากลมากที่สุดในประวัติศาสตร์ ศิลปะฟินแลนด์. ตัวอย่างเช่น เขาเป็นคนฟินน์เพียงคนเดียวที่ได้รับเหรียญรางวัลกรังด์ปรีซ์จากผลงานของเขาที่งานนิทรรศการโลกในปารีส (เหตุการณ์นี้เกิดขึ้นในปี 1900) วอลล์เกรนได้รับความสนใจจากเพื่อนร่วมงานและนักวิจารณ์เป็นครั้งแรกระหว่างงานนิทรรศการโลกปี 1889 ซึ่งมีการนำเสนอภาพนูน "พระคริสต์" ของเขา เป็นอีกครั้งที่ประติมากรชาวฟินแลนด์ทำให้ตัวเองเป็นที่รู้จักในร้านเสริมสวยในกรุงปารีส โรส+ครัวซ์ในปี พ.ศ. 2435 และ พ.ศ. 2436 ภรรยาของ Wallgren เป็นศิลปินและประติมากรชาวสวีเดน Antoinette Rostrem ( Antoinette Råström) (1858-1911).

ยุคทองของศิลปะฟินแลนด์: Albert Edelfelt, Akseli Gallen-Kallela, Eero Järnefelt, Pekka Halonen

ในห้องโถงที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่งบนชั้นสาม พิพิธภัณฑ์ Ateneumมีการนำเสนอภาพวาดคลาสสิกรวมถึงผลงานของเพื่อน Ville Wallgren - อัลเบิร์ต เอเดลเฟลต์ (อัลเบิร์ต เอเดลเฟลต์) (พ.ศ. 2397-2448) ซึ่งเป็นที่รู้จักแพร่หลายมากที่สุดในโลก ศิลปินชาวฟินแลนด์.

ความสนใจของผู้ชมจำเป็นต้องดึงดูดโดยภาพที่ยอดเยี่ยม " ราชินีบลังก้า"(พ.ศ. 2420) - หนึ่งในภาพวาดที่ได้รับความนิยมและเป็นที่รักมากที่สุดในฟินแลนด์ซึ่งเป็นเพลงสรรเสริญความเป็นแม่อย่างแท้จริง การพิมพ์ซ้ำของภาพวาดและงานปักที่พรรณนาภาพนี้สามารถพบได้ในบ้านหลายพันหลังทั่วประเทศ Edelfelt ได้รับแรงบันดาลใจจากเรื่องสั้น "The Nine Silversmiths" โดย Zacharias Topelius ( เด นีโอ ซิลเวอร์เปนนิงการ์นา) ซึ่งพระราชินียุคกลางแห่งสวีเดนและนอร์เวย์ บลังกาแห่งนามูร์ ทรงขับกล่อมพระราชโอรส เจ้าชายฮาคอน มักนุสสัน พระสวามีในอนาคตของพระนางมาร์กาเร็ตที่ 1 แห่งเดนมาร์กด้วยบทเพลง ผลของการแต่งงานครั้งนี้จัดเพียง ราชินีบลังก้ากลายเป็นสหภาพของสวีเดน นอร์เวย์ และเดนมาร์ก - สหภาพคาลมาร์ (ค.ศ. 1397-1453) Pretty Blanca ร้องเพลงเกี่ยวกับเหตุการณ์ในอนาคตเหล่านี้ให้ลูกชายตัวน้อยของเธอฟัง

ในยุคของการสร้างผืนผ้าใบนี้ การวาดภาพประวัติศาสตร์ถือเป็นรูปแบบศิลปะที่มีเกียรติที่สุดและเป็นที่ต้องการของภาคการศึกษาของสังคมฟินแลนด์ เนื่องจากเอกลักษณ์ประจำชาติในเวลานั้นเพิ่งเริ่มเป็นรูปเป็นร่าง Albert Edelfelt อายุเพียง 22 ปีเมื่อเขาตัดสินใจสร้างภาพวาดเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ยุคกลางของสแกนดิเนเวีย และ Queen Blanca ก็กลายเป็นผลงานชิ้นแรกของเขาที่จริงจัง ศิลปินพยายามที่จะตอบสนองความคาดหวังของผู้คนของเขาและรวบรวมฉากประวัติศาสตร์ให้มีชีวิตชีวาและสมจริงที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ (ในขณะที่วาดภาพ Edelfelt อาศัยอยู่ในห้องใต้หลังคาคับแคบในปารีส และตามคำเรียกร้องของ Jean-Leon Gerome อาจารย์ของเขา เขาได้ศึกษา เครื่องแต่งกายในยุคนั้น อ่านหนังสือเกี่ยวกับสถาปัตยกรรมและเครื่องเรือนในยุคกลาง เยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์ Cluny ในยุคกลาง) ดูทักษะการใช้ผ้าไหมส่องแสงของชุดราชินี หนังหมีบนพื้น และรายละเอียดอื่น ๆ อีกมากมายที่เขียนออกมา (ศิลปินเช่าหนังหมีเป็นพิเศษในห้างสรรพสินค้า) แต่สิ่งสำคัญในภาพ อย่างน้อยก็สำหรับผู้ชมยุคใหม่ (และสำหรับ Edelfelt เอง ผู้ซึ่งรักแม่ของเขามากกว่าใครๆ ในโลก) คือเนื้อหาทางอารมณ์ที่อบอุ่น: ใบหน้าของแม่และท่าทางของเด็กที่แสดงออกมา ความรัก ความสุข และความใกล้ชิด

สาวสวยชาวปารีสวัย 18 ปีทำหน้าที่เป็นนางแบบให้กับพระราชินีบลังก้า และเด็กหนุ่มชาวอิตาลีผู้น่ารักก็สวมรอยเป็นเจ้าชาย ภาพวาด "ราชินีบลังกา"ถูกนำเสนอต่อสาธารณชนเป็นครั้งแรกในปี พ.ศ. 2420 ที่ Paris Salon ซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมากและถูกนำไปเผยแพร่ในสิ่งพิมพ์ศิลปะของฝรั่งเศส จากนั้นเธอก็แสดงในฟินแลนด์หลังจากนั้นก็ขายผ้าใบให้กับ Aurora Karamzina ต่อมาภาพวาดตกเป็นของสะสมของเจ้าสัว Hjalmar Linder ซึ่งเป็นผู้บริจาค พิพิธภัณฑ์ Ateneumในปี 1920

อีกตัวอย่างหนึ่งของความคิดสร้างสรรค์ในยุคแรกๆ อัลเบิร์ต เอเดลเฟลต์ภาพวาดไว้อาลัย" งานศพเด็ก"("การขนส่งโลงศพ") (2422). เราได้กล่าวไปแล้วว่าในวัยเด็ก Edelfelt กำลังจะกลายเป็นจิตรกรประวัติศาสตร์ เขาเตรียมตัวสำหรับสิ่งนี้ในขณะที่เรียนอยู่ที่แอนต์เวิร์ปและปารีส แต่ในช่วงปลายทศวรรษ 1870 อุดมคติของเขาเปลี่ยนไป เขาเป็นเพื่อนกับศิลปินชาวฝรั่งเศส บาสเตียน-เลอเพจ และกลายเป็นนักเทศน์แห่งการวาดภาพทางอากาศ ผลงานชิ้นต่อไป เอเดลเฟลท์เป็นภาพสะท้อนที่สมจริงของชีวิตชาวนาและชีวิตความเป็นอยู่ในดินแดนบ้านเกิดของพวกเขา แต่ภาพวาด "งานศพของเด็ก" ไม่เพียงสะท้อนภาพชีวิตประจำวันเท่านั้น แต่ยังสื่อถึงอารมณ์พื้นฐานอย่างหนึ่งของมนุษย์ นั่นคือ ความเศร้าโศก

ในปีนั้น Edelfelt ไปเยี่ยมบ้านเดชาที่แม่ของเขาเช่าบนที่ดิน Haikko ใกล้กับ Porvoo เป็นครั้งแรก (ต่อมาศิลปินมาที่สถานที่สวยงามเหล่านี้ทุกฤดูร้อน) ภาพวาดทั้งหมดถูกวาดในที่โล่งซึ่งต้องติดผ้าใบขนาดใหญ่กับก้อนหินชายฝั่งเพื่อไม่ให้กระพือปีกในสายลม “ฉันไม่คิดว่าการวาดภาพกลางแจ้งจะยากขนาดนี้” Edelfelt บอกเพื่อนคนหนึ่งของเขา Edelfelt วาดภาพใบหน้าที่ผุกร่อนของผู้อยู่อาศัยในหมู่เกาะ Porvoo ออกทะเลกับชาวประมงมากกว่าหนึ่งครั้ง และแม้กระทั่งวางเรือประมงที่แปรรูปเป็นพิเศษในโรงงานของเขาเพื่อจำลองรายละเอียดอย่างแม่นยำ ภาพวาดเอเดลเฟลต์ « งานศพของเด็ก" จัดแสดงที่ Paris Salon ปี 1880 และได้รับเหรียญรางวัลระดับ 3 (เป็นครั้งแรก ศิลปินชาวฟินแลนด์ได้รับเกียรติดังกล่าว) นักวิจารณ์ชาวฝรั่งเศสตั้งข้อสังเกตถึงข้อดีต่างๆ ของภาพ รวมถึงข้อเท็จจริงที่ว่ามันปราศจากอารมณ์ความรู้สึกมากเกินไป แต่สะท้อนถึงศักดิ์ศรีที่ตัวละครยอมรับในสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้

ภาพเต็มไปด้วยอารมณ์ที่แตกต่างกันโดยสิ้นเชิง มีแสงแดดสดใสและไร้กังวล อัลเบิร์ต เอเดลเฟลต์ « สวนลักเซมเบิร์ก» (2430). เมื่อ Edelfelt วาดภาพผืนผ้าใบนี้ เขาเป็นบุคคลที่มีชื่อเสียงในโลกศิลปะของปารีสอยู่แล้ว ด้วยความหลงใหลในสวนสาธารณะในกรุงปารีสที่มีเด็ก ๆ และพี่เลี้ยงเด็กจำนวนมากกำลังเพลิดเพลินกับสภาพอากาศที่ดี เขาจึงตัดสินใจเก็บภาพความงดงามนี้ ในเวลานั้น จิตรกรอาศัยอยู่ในปารีสมากว่าสิบปีแล้ว และเป็นเรื่องแปลกที่ภาพวาดนี้เป็นผลงานชิ้นสำคัญชิ้นเดียวของเขาที่แสดงภาพชีวิตชาวปารีส อาจเป็นเพราะการแข่งขันที่ดุเดือดในหมู่ศิลปิน: มันง่ายกว่าที่จะโดดเด่นในสภาพแวดล้อมนี้โดยทำงานกับวิชาฟินแลนด์ที่ "แปลกใหม่" มากกว่า ภาพวาด "Luxembourg Gardens" ก็เป็นเรื่องแปลกเช่นกันที่ Edelfelt ใช้เทคนิคอิมเพรสชันนิสม์หลายอย่างในนั้น ในเวลาเดียวกันเขาทำงานบนผืนผ้าใบนี้มานานกว่าหนึ่งปีซึ่งแตกต่างจากอิมเพรสชั่นนิสต์ทั้งในที่โล่งและในสตูดิโอ งานมักจะช้าลงด้วยเหตุผลซ้ำซาก: เนื่องจากสภาพอากาศเลวร้ายหรือแบบจำลองล่าช้า Edelfelt ที่วิจารณ์ตัวเองซ้ำแล้วซ้ำอีกทำผ้าใบซ้ำ ๆ ทำการเปลี่ยนแปลงจนถึงวินาทีสุดท้ายเมื่อถึงเวลานำผลงานไปจัดแสดง

ภาพวาดนี้จัดแสดงครั้งแรกที่นิทรรศการในปีพ.ศ Galerie Petitในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2430 Edelfelt เองไม่พอใจอย่างมากกับผลลัพธ์ที่ได้: กับพื้นหลังของการระเบิดสีในภาพวาดของอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศสผืนผ้าใบของเขาดูเหมือนโลหิตจาง "ของเหลว" สำหรับเขา อย่างไรก็ตามงานนี้ได้รับการตอบรับอย่างดีจากนักวิจารณ์และสาธารณชน ต่อจากนั้นภาพวาดนี้กลายเป็นสัญลักษณ์ของความสัมพันธ์อันใกล้ชิดของศิลปะฟินแลนด์ - และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง Edelfelt - กับปารีสซึ่งในเวลานั้นเป็นศูนย์กลางของจักรวาลศิลปะ

รูปภาพ " ผู้หญิงที่โบสถ์ใน Ruokolahti» (พ.ศ. 2430) อัลเบิร์ต เอเดลเฟลต์เขียนในการประชุมเชิงปฏิบัติการฤดูร้อนของเขาใน Haikko - ที่นั่นเขาสร้างผลงานเกือบทั้งหมดในรูปแบบของชีวิตพื้นบ้าน แม้ว่าภาพวาดจะสะท้อนความประทับใจของการเดินทางไปยังฟินแลนด์ตะวันออก แต่ก็เป็นที่ทราบกันดีว่าผู้หญิงจาก Haikko เป็นนางแบบให้กับภาพวาดนี้ เช่นเดียวกับการประพันธ์เพลงขนาดใหญ่อื่นๆ เพลงนี้ไม่ได้สร้างขึ้นในชั่วข้ามคืน มีการร่างภาพร่างเบื้องต้นอย่างรอบคอบเสมอ อย่างไรก็ตาม เป้าหมายหลักของศิลปินคือการบรรลุเอฟเฟกต์สดของ "สแน็ปช็อต" ที่เกิดขึ้นเองตามธรรมชาติเสมอ

ถัดจากผลงานของ Albert Edelfelt ในพิพิธภัณฑ์ Ateneum คุณสามารถชมภาพวาดของตัวแทนยุคทองแห่งศิลปะฟินแลนด์อีกคนหนึ่ง เอโร จาร์เนเฟลตา (เอโร จาร์เนเฟลต์) (พ.ศ.2406-2480). หลังจากจบการศึกษาในฟินแลนด์ Järnefelt ไป เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่เขาเรียนอยู่ สถาบันศิลปะกับลุงของเขา Mikhail Klodt สนิทกับ Repin และ Korovin จากนั้นก็ไปศึกษาต่อที่ปารีส แม้จะได้รับอิทธิพลจากต่างชาติ งานของ Järnefelt สะท้อนถึงการค้นหาเอกลักษณ์ประจำชาติ ความปรารถนาที่จะเน้นลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมพื้นเมืองของเขา ( เพิ่มเติมเกี่ยวกับความคิดสร้างสรรค์ เอโร จาร์เนเฟลตาอ่าน ).

Jarnefelt เป็นที่รู้จักกันเป็นอย่างดีในฐานะจิตรกรภาพเหมือนและนักเขียนภาพทิวทัศน์อันงดงามของพื้นที่ Koli และบริเวณโดยรอบของทะเลสาบ Tuusulanjärvi ซึ่งเป็นที่ตั้งของ Suviranta ซึ่งเป็นสตูดิโอวิลล่าของเขา (ประตูถัดไปคือบ้าน Ainola ซึ่งนักแต่งเพลง Sibelius อาศัยอยู่กับภรรยาของเขา น้องสาวของ Jarnefelt)

แต่งานที่สำคัญที่สุดและมีชื่อเสียงที่สุดของ Eero Järnefelt คือภาพวาด "ใต้แอก" ("เผาป่า")(พ.ศ. 2436) (ชื่ออื่น - " ดัดหลังเพื่อเงิน», « การบังคับใช้แรงงาน"). ผืนผ้าใบเชื่อมโยงกับวิธีการทำนาแบบโบราณซึ่งประกอบด้วยการเผาป่าเพื่อให้ได้ที่ดินทำกิน ภาพวาดถูกสร้างขึ้นในฤดูร้อนปี 1893 ในฟาร์มแห่งหนึ่ง รันนัน ปูรูลาใน Lapinlahti ในภูมิภาค Northern Savo ในปีนั้นน้ำค้างแข็งได้ทำลายพืชผลเป็นครั้งที่สอง Järnefeltทำงานในฟาร์มของครอบครัวที่ร่ำรวยและเฝ้าดูสภาพความเป็นอยู่และสภาพการทำงานอันโหดร้ายของคนงานไร้ที่ดินซึ่งได้รับค่าจ้างเฉพาะเมื่อเก็บเกี่ยวได้ดีเท่านั้น ในเวลาเดียวกัน Järnefelt ได้วาดภาพภูมิทัศน์ของป่าที่ลุกไหม้ ศึกษาพฤติกรรมของไฟและควัน และยังได้ถ่ายภาพชาวบ้าน ซึ่งท้ายที่สุดก็กลายเป็นตัวละครหลักของภาพของเขา

มีเพียงตัวละครเดียวในภาพเท่านั้นที่มองผู้ชมโดยตรง: นี่คือผู้หญิงที่ขัดจังหวะการทำงานชั่วขณะหนึ่งและมองมาที่เราด้วยท่าทางตำหนิ ท้องของเธอบวมด้วยความหิว ใบหน้าและเสื้อผ้าของเธอดำคล้ำด้วยเขม่า และรอบๆ ศีรษะของเธอ Jarnefelt ก็มีควันคล้ายรัศมี ศิลปินวาดภาพนี้จากเด็กสาวอายุ 14 ปี ชื่อ Johanna Kokkonen ( โยฮันนา ค็อกโคเนน) คนรับใช้ในฟาร์ม บุคคลเบื้องหน้าคือ เฮกิ ปูรูเน็น ( เฮกิ ปูรูเนน) พี่ชายของชาวนาและเจ้าของฟาร์มเป็นภาพในพื้นหลัง

เมื่อมองดูภาพ คุณจะสัมผัสได้ถึงความร้อนของไฟ ได้ยินเสียงอู้อี้ของเปลวไฟและเสียงกิ่งไม้หัก ภาพมีการตีความหลายอย่าง แต่ความหมายหลักของภาพคือการวิจารณ์อย่างรุนแรงต่อผู้ถูกกดขี่ เด็กผู้หญิงจากภาพนี้ได้กลายเป็นภาพทั่วไปของเด็กที่ยากจนและหิวโหย ผู้ด้อยโอกาสทุกคนในฟินแลนด์ ผ้าใบถูกนำเสนอต่อสาธารณชนเป็นครั้งแรกในปี พ.ศ. 2440

ห้องโถงขนาดใหญ่ทั้งหมด พิพิธภัณฑ์ Ateneumอุทิศให้กับงานของตัวแทนที่มีชื่อเสียงอีกคนหนึ่งในยุคทองของวิจิตรศิลป์ฟินแลนด์ - Akseli Gallena-คัลเลลา (Akseli Gallen-คัลเลลา) (พ.ศ.2408-2474). เช่นเดียวกับศิลปินชาวฟินแลนด์ที่สำคัญคนอื่น ๆ ในยุคนั้น เขาเรียนที่ Gallen-Kallela ได้รับความสนใจเป็นพิเศษจากประชาชนชาวปารีสในช่วงงานนิทรรศการโลกปี 1900 เมื่อเขาสร้างภาพเฟรสโกจำนวนมากสำหรับศาลาฟินแลนด์ตามมหากาพย์ Kalevala ของฟินแลนด์

ในระหว่าง เรียนที่ปารีส Gallen-Kallela มักวาดภาพร่างฉากที่เขาสังเกตเห็นตามท้องถนนและในร้านกาแฟ ตัวอย่างของความคิดสร้างสรรค์ในยุคนี้คือภาพวาด "เปลือย" ("ไม่มีหน้ากาก") (เดมาสก์ ) (พ.ศ. 2431) - เกือบจะเป็นผืนผ้าใบที่เร้าอารมณ์เพียงผืนเดียวในผลงานของ Gallen-Kallela เป็นที่ทราบกันดีว่ามันถูกสร้างโดยศิลปินอายุ 23 ปีที่ได้รับมอบหมายจากนักสะสมชาวฟินแลนด์และผู้ใจบุญ Fridtjof Antell ซึ่งต้องการเติมเต็มคอลเลกชันภาพวาดที่โจ่งแจ้งทางเพศของเขา อย่างไรก็ตาม เมื่อ Antell เห็นภาพวาด เขาปฏิเสธที่จะรับมันไว้ เห็นได้ชัดว่าการพิจารณาว่าภาพวาดนั้นอนาจารเกินไปแม้แต่กับรสนิยมของเขา

ภาพวาดแสดงให้เห็นผู้หญิงชาวปารีสเปลือยกาย (เห็นได้ชัดว่าเป็นโสเภณี) นั่งอยู่ในสตูดิโอของศิลปินบนโซฟาที่ปูด้วยพรมแบบฟินแลนด์ รูปภาพให้แนวคิดเกี่ยวกับวิถีชีวิตของชาวโบฮีเมียน แต่ในขณะเดียวกันก็บ่งบอกว่าความสุขของเขาเต็มไปด้วยความตายการล่มสลาย ศิลปินวาดภาพดอกลิลลี่ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความไร้เดียงสา ซึ่งตรงกันข้ามกับรูปแบบที่เย้ายวนใจและกีตาร์ ซึ่งรูปร่างของมันช่วยเพิ่มความรู้สึกเร้าอารมณ์ ผู้หญิงคนนั้นดูทั้งเย้ายวนและน่าเกรงขาม ไม้กางเขน พระพุทธรูป และพรมฟินแลนด์โบราณ รูยูเป็นภาพถัดจากเนื้อผู้หญิงที่พึงพอใจในตัวเอง พาดพิงถึงความต่ำทรามของนักบุญ กะโหลกศีรษะยิ้มอยู่บนโต๊ะในพื้นหลัง - องค์ประกอบที่พบบ่อยในภาพวาดประเภท Vanitas เตือนผู้ชมถึงความอ่อนแอของความสุขทางโลกและความตายที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ ผ้าใบ เดมาสก์จัดแสดงครั้งแรกในปี พ.ศ พิพิธภัณฑ์ Ateneumในปี 1893

ผลงานต่อมาอีกมากมาย Gallena-Kallelaอุทิศ "กาลวาเล". เมื่อวาดภาพวีรบุรุษของมหากาพย์ฟินแลนด์เช่น Väinämöinen และ Lemminkäinen ศิลปินใช้สไตล์พิเศษ รุนแรงและแสดงออก เต็มไปด้วยสีสันที่สดใสและเครื่องประดับที่มีสไตล์ที่เลียนแบบไม่ได้ จากวัฏจักรนี้มันคุ้มค่าที่จะได้ภาพที่น่าทึ่ง” แม่ของ Lemminkäinen» (2440). แม้ว่าภาพวาดจะเป็นภาพประกอบของมหากาพย์ แต่ก็มีเสียงที่เป็นสากลและเป็นสากลมากขึ้นและถือได้ว่าเป็นปีเอตาทางตอนเหนือ เพลงรักของแม่ที่เสียดแทงใจนี้เป็นหนึ่งในผลงานที่น่าทึ่งที่สุดของ Gallen-Kallela ในธีม " กาเลวาลา».

แม่ของ Lemminkäinen- ผู้ชายร่าเริง เป็นนักล่าที่ฉลาด และผู้ยั่วยวนผู้หญิง - พบลูกชายของเขาที่แม่น้ำสีดำแห่งความตาย (แม่น้ำ Tuonela) ซึ่งเขาพยายามยิงหงส์ศักดิ์สิทธิ์ ฉากหลังเป็นภาพหงส์ในผืนน้ำสีเข้ม หัวกะโหลกและกระดูกกระจัดกระจายอยู่บนชายฝั่งหิน และดอกไม้แห่งความตายก็ผลิบาน Kalevala บอกเล่าถึงวิธีการที่แม่ใช้คราดยาวสางน้ำ เขี่ยชิ้นส่วนทั้งหมดและพับลูกชายของเธอออกมาใหม่ ด้วยความช่วยเหลือของคาถาและขี้ผึ้ง เธอชุบชีวิต Lemminkäinen ภาพแสดงให้เห็นช่วงเวลาก่อนการฟื้นคืนชีพ ดูเหมือนว่าทุกอย่างจะหายไป แต่รังสีของดวงอาทิตย์ทะลุเข้าไปในอาณาจักรแห่งความตาย ทำให้เกิดความหวัง และผึ้งก็ถือยาหม่องศักดิ์สิทธิ์ที่ให้ชีวิตแก่ฮีโร่เพื่อฟื้นคืนชีพ สีเข้มและเงียบทำให้ความเงียบสงบของยมโลกนี้สูงขึ้น ในขณะที่ตะไคร่น้ำสีแดงเลือดนกบนโขดหิน ความขาวของต้นไม้และผิวหนังของ Lemminkäinen ตัดกับสีทองอันศักดิ์สิทธิ์ของผึ้งและลำแสงที่พวยพุ่งลงมาจากท้องฟ้า

สำหรับภาพวาดนี้ศิลปินถูกวางโดยแม่ของเขาเอง เขาสามารถสร้างภาพที่เหมือนจริงมากด้วยรูปลักษณ์ที่มีชีวิตชีวาและเข้มข้น (นี่เป็นอารมณ์ที่แท้จริง: Gallen-Kallela จงใจพูดกับแม่ของเขาเกี่ยวกับสิ่งที่น่าเศร้าซึ่งทำให้เธอร้องไห้) ในขณะเดียวกัน รูปภาพก็มีสไตล์ ซึ่งช่วยให้สร้างบรรยากาศพิเศษในตำนาน ความรู้สึกว่าเหตุการณ์ต่างๆ เกิดขึ้น "ในอีกด้านหนึ่ง" ของความเป็นจริง เพื่อเพิ่มผลกระทบทางอารมณ์ Gallen-Kallela ใช้สีฝุ่นแทนสีน้ำมัน รูปแบบที่เรียบง่าย รูปทรงที่ชัดเจน และระนาบสีขนาดใหญ่ช่วยสร้างองค์ประกอบที่ทรงพลัง เพื่อถ่ายทอดอารมณ์ที่มืดมนของภาพได้ดียิ่งขึ้น ศิลปินได้ติดตั้งห้องสีดำสนิทในสตูดิโอเฮาส์ของเขาใน Ruovesi ซึ่งเป็นแหล่งกำเนิดแสงเพียงแห่งเดียวที่ใช้คือสกายไลท์ นอกจากนี้ เขาถ่ายภาพตัวเองนอนเปลือยเปล่าอยู่บนพื้น และใช้ภาพเหล่านี้ในการวาดภาพร่างของเลมมิงกาอิน

ในรูปแบบที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ที่งดงาม และแทบไม่มีสาระ อันมีค่าของ Gallen-Kallela " ตำนานของ Aino» (พ.ศ. 2434). องค์ประกอบนี้อุทิศให้กับโครงเรื่องจาก Kalevala เกี่ยวกับเด็กสาว Aino และปราชญ์เก่าVäinämöinen Aino ตามการตัดสินใจของพ่อแม่ของเธอ เธอจะต้องแต่งงานกับ Väinämöinen แต่เธอกลับวิ่งหนีเขา และเลือกที่จะจมน้ำตาย ที่ด้านซ้ายของอันมีค่าเป็นการพบกันครั้งแรกของชายชราและหญิงสาวที่แต่งกายด้วยชุด Karelian แบบดั้งเดิมในป่าและทางด้านขวาเราจะเห็น Aino ผู้เศร้าโศก เตรียมจะทิ้งตัวลงน้ำ นางร้องขึ้นบนฝั่ง ฟังเสียงเรียกของสาวชาวเลที่กำลังเล่นน้ำ ในที่สุด แผงกลางแสดงจุดจบของเรื่องราว: Väinämöinen นั่งเรือออกทะเลและไปตกปลา เมื่อจับปลาตัวเล็ก ๆ ได้เขาไม่รู้จักหญิงสาวที่จมน้ำตายเพราะความผิดของเขาและโยนปลากลับลงไปในน้ำ แต่ในขณะนั้นปลากลายเป็น Aino - นางเงือกที่หัวเราะเยาะชายชราที่คิดถึงเธอแล้วหายไปในคลื่นตลอดไป

ต้นทศวรรษ 1890 กัลเลน-Kallelaเป็นผู้สนับสนุนลัทธิธรรมชาตินิยม และแน่นอนว่าเขาต้องการแบบจำลองของแท้สำหรับหุ่นและวัตถุทั้งหมดในภาพ ดังนั้นสำหรับภาพของVäinämöinenที่มีเครายาวสวยงาม ผู้อาศัยในหมู่บ้าน Karelian แห่งหนึ่งได้โพสต์ให้กับศิลปิน นอกจากนี้ ศิลปินยังตากปลาคอนเพื่อให้ได้ภาพปลาที่ชายชราหวาดกลัวอย่างแม่นยำที่สุด แม้แต่สร้อยข้อมือเงินที่แวววาวบนมือของ Aino ก็มีอยู่จริง: Gallen-Kallela มอบเครื่องประดับนี้ให้กับ Mary ภรรยาสาวของเขา เห็นได้ชัดว่าเธอทำหน้าที่เป็นนางแบบให้กับ Aino ภูมิทัศน์สำหรับอันมีค่านั้นวาดโดยศิลปินระหว่างฮันนีมูนในคาเรเลีย

องค์ประกอบถูกล้อมรอบด้วยกรอบไม้พร้อมเครื่องประดับและคำพูดจาก Kalevala ที่เขียนด้วยมือของ Gallen-Kallela เอง อันมีค่านี้กลายเป็นจุดเริ่มต้นของการเคลื่อนไหว แนวโรแมนติกแห่งชาติในฟินแลนด์- Art Nouveau เวอร์ชันฟินแลนด์ ศิลปินสร้างภาพวาดนี้เป็นครั้งแรกในปารีสในปี พ.ศ. 2431-2432 (ปัจจุบันเป็นของธนาคารแห่งประเทศฟินแลนด์) เมื่อภาพวาดนี้ถูกนำเสนอครั้งแรกในเฮลซิงกิ ได้รับความกระตือรือร้นอย่างมาก และวุฒิสภาตัดสินใจสั่งซื้อภาพวาดใหม่โดยเสียค่าใช้จ่ายสาธารณะ แนวคิดดังกล่าวดูค่อนข้างเป็นธรรมชาติหลังจากเกิดขบวนการเฟนโนมานี ซึ่งสร้างอุดมคติและโรแมนติกให้กับประเทศฟินแลนด์ นอกจากนี้ ศิลปะยังถูกมองว่าเป็นวิธีที่ทรงพลังในการแสดงอุดมคติของชาติฟินแลนด์ ในขณะเดียวกันการเดินทางของศิลปินไปยังคาเรเลียก็เริ่มค้นหา "สไตล์ฟินแลนด์ที่แท้จริง" Karelia ถูกมองว่าเป็นดินแดนที่ยังไม่มีใครแตะต้องเพียงแห่งเดียวที่มีการรักษาร่องรอยของ Kalevala และ Gallen-Kallela เองมองว่ามหากาพย์นี้เป็นเรื่องราวเกี่ยวกับช่วงเวลาในอดีตของความยิ่งใหญ่ของชาติ เป็นภาพของสวรรค์ที่สาบสูญ

ภาพวาดโดย Gallen-Kallela " คำสาปของ Kullervo"(1899) เล่าถึงฮีโร่อีกคนของ Kalevala Kullervo เป็นเด็กหนุ่มที่มีพละกำลังพิเศษ เป็นเด็กกำพร้าที่ถูกมอบเป็นทาสและส่งไปยังฝูงวัวในถิ่นทุรกันดาร นายหญิงผู้ชั่วร้ายซึ่งเป็นภรรยาของช่างตีเหล็ก Ilmarinen ได้มอบขนมปังให้เขาสำหรับการเดินทางซึ่งมีก้อนหินซ่อนอยู่ พยายามที่จะตัดขนมปัง Kullervo ทำลายมีดซึ่งเป็นความทรงจำเดียวของพ่อของเขา ด้วยความโกรธแค้น เขารวบรวมฝูงหมาป่า หมี และลิงซ์ฝูงใหม่ ซึ่งทำให้ผู้เป็นที่รักต้องแยกจากกัน Kullervo หนีจากการเป็นทาสและกลับบ้านหลังจากรู้ว่าครอบครัวของเขายังมีชีวิตอยู่ อย่างไรก็ตาม การผจญภัยที่ผิดพลาดของ Kullervo ไม่ได้จบลงเพียงแค่นั้น การแก้แค้นที่ไม่มีวันจบสิ้นไม่เพียงทำลายครอบครัวใหม่ของเขาเท่านั้น แต่ยังทำลายตัวเขาเองด้วย ครั้งแรกที่เขาพบและล่อลวงหญิงสาวที่กลายเป็นน้องสาวของเขา และเนื่องจากความสัมพันธ์ที่ผิดบาปนี้ พี่สาวจึงฆ่าตัวตาย ในไม่ช้าญาติของเขาทั้งหมดก็ตาย จากนั้น Kullervo ก็ฆ่าตัวตายด้วยการขว้างดาบ

ภาพวาดโดย Gallen-Kallela แสดงตอนที่ Kullervo ยังคงทำหน้าที่เป็นคนเลี้ยงแกะ (ฝูงสัตว์ของเขาปรากฏอยู่ด้านหลัง และภาพขนมปังที่มีหินอบอยู่ข้างหน้า) ชายหนุ่มสั่นกำปั้นและสาบานว่าจะแก้แค้นศัตรูของเขา ศิลปินวาดภาพฮีโร่ที่โกรธเกรี้ยวกับฉากหลังของภูมิทัศน์ที่มีแดดจ้าของต้นฤดูใบไม้ร่วง แต่เมฆกำลังรวมตัวกันเป็นฉากหลังแล้ว และโรแวนที่เทสีแดงทำหน้าที่เป็นคำเตือน ซึ่งเป็นคำทำนายถึงการนองเลือดในอนาคต ในภาพนี้ โศกนาฏกรรมถูกรวมเข้ากับความงามของธรรมชาติของ Karelian และในแง่หนึ่งฮีโร่ผู้ล้างแค้นสามารถถูกมองว่าเป็นสัญลักษณ์ของจิตวิญญาณแห่งการต่อสู้ของฟินแลนด์และจิตสำนึกของชาติที่เพิ่มขึ้น ในทางกลับกัน เรามีภาพของความโกรธและความผิดหวัง ความไร้สมรรถภาพของชายคนหนึ่งที่ถูกเลี้ยงดูมาโดยคนแปลกหน้าที่ทำลายล้างครอบครัวของเขา ท่ามกลางบรรยากาศแห่งความรุนแรงและการแก้แค้น และสิ่งนี้ทิ้งร่องรอยอันน่าสลดใจไว้ในชะตากรรมของเขา

เพิ่มเติมเกี่ยวกับความคิดสร้างสรรค์ Gallena-Kallelaอ่าน .

เราสรุปส่วนนี้ด้วยเรื่องราวเกี่ยวกับผลงานของตัวแทนที่โดดเด่นอีกคนหนึ่งของภาพวาดแนวโรแมนติกแห่งชาติของฟินแลนด์ซึ่งเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงในยุคทองของฟินแลนด์ - Pekka Halonen เป็กก้าฮาโลเนน (เป็กก้าฮาโลเนน) (พ.ศ. 2408-2476) มีชื่อเสียงโด่งดังในช่วงทศวรรษที่ 1890 พิสูจน์ตัวเองว่าเป็นผู้เชี่ยวชาญที่สมบูรณ์ของ ทิวทัศน์ฤดูหนาว. หนึ่งในผลงานชิ้นเอกของประเภทนี้คือภาพวาด " ต้นสนหนุ่มใต้หิมะ"(พ.ศ. 2442) ถือเป็นตัวอย่าง ภาษาญี่ปุ่นฟินแลนด์และอาร์ตนูโวในการวาดภาพ หิมะปุยนุ่มที่ปกคลุมต้นกล้าเล่นกับเฉดสีขาวที่แตกต่างกันสร้างบรรยากาศที่เงียบสงบของเทพนิยายในป่า อากาศที่ปกคลุมด้วยหมอกปกคลุมด้วยหมอกควันในฤดูหนาว และชั้นหิมะที่เขียวชอุ่มเน้นความงามที่เปราะบางของต้นสนอ่อน ต้นไม้โดยทั่วไปเป็นหนึ่งในแรงจูงใจในการสร้างสรรค์ เป็กกี้ ฮาโลน่า. ตลอดชีวิตของเขา เขาวาดภาพต้นไม้ในช่วงเวลาต่างๆ ของปีอย่างกระตือรือร้น และเขาชอบฤดูใบไม้ผลิเป็นพิเศษ แต่ถึงกระนั้น เขาก็มีชื่อเสียงมากที่สุดในฐานะปรมาจารย์ ทิวทัศน์ฤดูหนาว- จิตรกรน้อยคนกล้าที่จะสร้างสรรค์ท่ามกลางความหนาวเย็น Pekka Halonen ไม่กลัวฤดูหนาวและทำงานกลางแจ้งในทุกสภาพอากาศตลอดชีวิตของเขา ผู้สนับสนุนงานทางอากาศ เขาดูถูกศิลปินที่ "มองโลกผ่านหน้าต่าง" ในภาพเขียนของฮาโลเนน กิ่งก้านหักจากน้ำค้างแข็ง ต้นไม้เหี่ยวเฉาภายใต้น้ำหนักของหิมะที่ปกคลุม ดวงอาทิตย์ทอดเงาสีน้ำเงินบนพื้น และชาวป่าทิ้งรอยเท้าไว้บนพรมนุ่มสีขาว

ภูมิประเทศในฤดูหนาวกลายเป็นสัญลักษณ์ประจำชาติของฟินแลนด์ และ Pekka Halonen ได้สร้างผืนผ้าใบจำนวนมากเกี่ยวกับธรรมชาติของฟินแลนด์และชีวิตพื้นบ้านสำหรับศาลาฟินแลนด์ที่งานนิทรรศการโลกในปารีสในปี 1900 รอบนี้รวมถึงภาพวาด " ที่หลุม"(การล้างด้วยน้ำแข็ง") (2443). ความสนใจของฮาโลเนนในการวาดภาพ "ความแปลกใหม่ทางตอนเหนือ" เกิดขึ้นขณะศึกษากับ Paul Gauguin ในปารีสในปี พ.ศ. 2437

โดยปกติแล้วศิลปิน ยุคทองของจิตรกรรมฟินแลนด์มาจากชนชั้นกลางในเมือง อีกสิ่งหนึ่งคือ Pekka Halonen ซึ่งมาจากครอบครัวชาวนาและช่างฝีมือที่รู้แจ้ง เขาเกิดใน Lapinlahti (ฟินแลนด์ตะวันออก) และเริ่มสนใจศิลปะตั้งแต่อายุยังน้อย - ไม่เพียง แต่การวาดภาพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีด้วย (แม่ของศิลปินเป็นนักแสดงคันเตเลที่มีพรสวรรค์ เธอยังปลูกฝังทัศนคติที่ห่วงใยและความรักต่อธรรมชาติให้ลูกชายของเธอด้วย และต่อมา ความรักนี้เกือบจะกลายเป็นศาสนา) ชายหนุ่มเริ่มเรียนการวาดภาพช้ากว่าเพื่อนของเขาเล็กน้อย แต่หลังจากสี่ปีของการศึกษาที่โรงเรียนวาดภาพของ Art Society of Finland และสำเร็จการศึกษาที่ยอดเยี่ยมจากมัน Halonen ก็สามารถรับทุนการศึกษาที่อนุญาตให้เขาไป ศึกษาในเมกกะศิลปะในยุคนั้น เขาเรียนครั้งแรกที่ Académie Julian จากนั้นในปี 1894 เขาเริ่มเรียนส่วนตัวจาก พอล โกแกงร่วมกับเพื่อนของเขา Vyaino Bloomstead ในช่วงเวลานี้ ฮาโลเนนเริ่มคุ้นเคยกับสัญลักษณ์ การสังเคราะห์ และแม้แต่เทวปรัชญา อย่างไรก็ตามการทำความคุ้นเคยกับเทรนด์ศิลปะล่าสุดไม่ได้ทำให้เขาละทิ้งลักษณะที่เหมือนจริงและเขาไม่ได้ยืมจานสีสดใสของ Gauguin อย่างไรก็ตามภายใต้อิทธิพลของ Gauguin Halonen กลายเป็นนักเลงศิลปะญี่ปุ่นอย่างลึกซึ้งและเริ่มสะสม สำเนาการแกะสลักของญี่ปุ่น

ตัวอย่างเช่น ผลงานของเขามักจะมีลักษณะเป็นต้นสนโค้ง ซึ่งเป็นบรรทัดฐานที่ได้รับความนิยมในศิลปะญี่ปุ่น นอกจากนี้ ในภาพวาดหลายๆ ชิ้น ฮาโลเน็นยังใส่ใจในรายละเอียดเป็นพิเศษ ลวดลายการตกแต่งของกิ่งไม้หรือลวดลายพิเศษของหิมะ และธีมของทิวทัศน์ฤดูหนาวเองก็ไม่ใช่เรื่องแปลกในศิลปะญี่ปุ่น นอกจากนี้ ฮาโลเนนยังโดดเด่นด้วยความชอบสำหรับผืนผ้าใบแนวตั้งแคบๆ เช่น "คาเกะโมโนะ" การจัดองค์ประกอบภาพแบบอสมมาตร ภาพระยะใกล้ และมุมที่แปลกตา ต่างจากจิตรกรภูมิทัศน์คนอื่นๆ ตรงที่เขาไม่ได้วาดภาพทิวทัศน์แบบพาโนรามาทั่วไปจากด้านบน ภาพทิวทัศน์ของเขาถูกวาดให้ลึกเข้าไปในป่า ใกล้ชิดกับธรรมชาติ ซึ่งมีต้นไม้ล้อมรอบผู้ชมอย่างแท้จริง เชิญชวนเขาเข้าสู่โลกอันเงียบสงบของเขา Gauguin เป็นแรงบันดาลใจให้ Halonen ค้นพบสไตล์ของตัวเองในการวาดภาพธรรมชาติ และสนับสนุนให้เขามองหาธีมของเขาที่มีรากเหง้าของชาติ เช่นเดียวกับ Gauguin ฮาโลเนนพยายามค้นหาสิ่งพื้นฐาน ดั้งเดิม ด้วยความช่วยเหลือจากงานศิลปะของเขา แต่ถ้าชาวฝรั่งเศสกำลังมองหาอุดมคติของเขาในหมู่เกาะแปซิฟิก ศิลปินชาวฟินแลนด์ก็พยายามฟื้นฟู "สวรรค์ที่สาบสูญ" ของชาวฟินแลนด์ ในป่าบริสุทธิ์ ป่าศักดิ์สิทธิ์ที่อธิบายไว้ใน Kalevala

งานของ Pekka Halonen มีความโดดเด่นเสมอมาจากการค้นหาสันติภาพและความสามัคคี ศิลปินเชื่อว่า "ศิลปะไม่ควรทำให้ประสาทเสียเหมือนกระดาษทราย แต่ควรสร้างความรู้สึกสงบ" แม้จะแสดงภาพแรงงานชาวนา ฮาโลเนนก็จัดองค์ประกอบภาพได้อย่างสงบและสมดุล ดังนั้นในการทำงาน ผู้บุกเบิกในคาเรเลีย» (« การก่อสร้างถนนในคาเรเลีย”) (พ.ศ. 2443) เขาเสนอชาวนาฟินแลนด์ว่าเป็นคนงานที่เป็นอิสระและชาญฉลาดซึ่งไม่จำเป็นต้องใช้ความพยายามมากเกินไปเพื่อให้งานสำเร็จลุล่วง นอกจากนี้ศิลปินยังเน้นย้ำว่าเขามุ่งมั่นที่จะสร้างความประทับใจในการตกแต่งทั่วไป นี่คือคำตอบของเขาต่อผู้ร่วมสมัยที่วิพากษ์วิจารณ์ "อารมณ์วันอาทิตย์อันเงียบสงบ" ของภาพที่ไม่สมจริง และรู้สึกประหลาดใจกับเสื้อผ้าที่สะอาดเกินไปของคนงาน ขี้กบจำนวนเล็กน้อยบนพื้น และรูปลักษณ์ที่แปลกประหลาดของเรือที่อยู่ตรงกลาง ป่า. แต่ศิลปินมีความคิดที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง Pekka Halonen ไม่ต้องการสร้างภาพของการทำงานหนักและเหน็ดเหนื่อย แต่เพื่อสื่อถึงความสงบและจังหวะการวัดของแรงงานชาวนา

ฮาโลเนนยังได้รับอิทธิพลอย่างมากจากการเดินทางไปอิตาลี (พ.ศ. 2439-40 และ พ.ศ. 2447) รวมถึงผลงานชิ้นเอกยุคเรอเนซองส์ยุคแรกที่เขาเห็นในฟลอเรนซ์ ต่อจากนั้น Pekka Halonen กับภรรยาและลูก ๆ ของเขา (ทั้งคู่มีลูกด้วยกันทั้งหมด 8 คน) ย้ายไปที่ทะเลสาบ Tuusula ซึ่งสภาพแวดล้อมอันเงียบสงบงดงามดั่งภาพวาดทำหน้าที่เป็นแหล่งแรงบันดาลใจที่ไม่สิ้นสุดและการทำงานที่ประสบผลสำเร็จห่างจากเฮลซิงกิ ซึ่งเป็น "แหล่งที่มาของทุกสิ่งที่น่าเบื่อและน่าเกลียด " ที่นี่เล่นสกีในทะเลสาบศิลปินมองหาสถานที่สำหรับบ้านในอนาคตของเขาและในปี พ.ศ. 2442 ทั้งคู่ได้ซื้อที่ดินบนชายฝั่งซึ่งไม่กี่ปีต่อมาสตูดิโอเฮาส์ของ Pekka Halonen ก็เติบโตขึ้น - วิลล่าที่เขาตั้งชื่อ ฮาโลเซเนียมิ (Halosenniemi)(พ.ศ.2445). บ้านไม้แสนสบายในจิตวิญญาณโรแมนติกแห่งชาตินี้ออกแบบโดยศิลปินเอง วันนี้บ้านเป็นที่ตั้งของพิพิธภัณฑ์ Pekka Halonen

นักสัญลักษณ์ชาวฟินแลนด์

หนึ่งในส่วนที่น่าสนใจที่สุดในคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์ Ateneum คือผลงานอันเป็นเอกลักษณ์ของ Hugo Simberg และนักสัญลักษณ์ชาวฟินแลนด์คนอื่นๆ

ในห้องแยกต่างหากของพิพิธภัณฑ์ Ateneum ภาพวาดที่มีชื่อเสียง " นางฟ้าที่ได้รับบาดเจ็บ» (2446) ศิลปินชาวฟินแลนด์ ฮูโก้ ซิมเบิร์ก. ผืนผ้าใบอันโศกเศร้านี้แสดงให้เห็นขบวนแห่ที่แปลกประหลาด เด็กชายสองคนบูดบึ้งหามเปลหาม เด็กผู้หญิงนุ่งขาวห่มขาว นางฟ้าปิดตา และมีปีกที่บอบช้ำ พื้นหลังของภาพเป็นทิวทัศน์ที่เปลือยเปล่าของต้นฤดูใบไม้ผลิ ในมือของทูตสวรรค์มีช่อสโนว์ดรอป ดอกไม้แรกของฤดูใบไม้ผลิ สัญลักษณ์ของการเยียวยาและชีวิตใหม่ . ขบวนนำโดยเด็กผู้ชายในชุดดำ คล้ายสัปเหร่อ (อาจเป็นสัญลักษณ์ของความตาย) รูปลักษณ์ของเด็กชายอีกคนหนึ่งหันมาหาเรา เจาะเข้าไปในจิตวิญญาณของผู้ชมโดยตรง และเตือนเราว่าหัวข้อเกี่ยวกับชีวิตและความตายนั้นเกี่ยวข้องกับเราแต่ละคน ทูตสวรรค์ที่ร่วงหล่น, การถูกขับออกจากสวรรค์, ความคิดเกี่ยวกับความตาย - หัวข้อทั้งหมดเหล่านี้เป็นกังวลเป็นพิเศษสำหรับศิลปิน - สัญลักษณ์. ตัวศิลปินเองปฏิเสธที่จะเสนอการตีความภาพวาดสำเร็จรูปใด ๆ ปล่อยให้ผู้ชมได้ข้อสรุปของตนเอง

Hugo Simberg ทำงานในภาพนี้เป็นเวลานาน ภาพร่างแรกพบในอัลบั้มของเขาตั้งแต่ปี 1898 ภาพสเก็ตช์และภาพถ่ายบางส่วนสะท้อนถึงองค์ประกอบแต่ละส่วน บางครั้งทูตสวรรค์ถูกขับเคลื่อนด้วยรถสาลี่ บางครั้งไม่ใช่เด็กผู้ชาย แต่ปีศาจตัวเล็ก ๆ จะแสดงเป็นพนักงานยกกระเป๋า ในเวลาเดียวกัน ร่างของทูตสวรรค์ยังคงเป็นศูนย์กลางเสมอ และพื้นหลังเป็นทิวทัศน์ที่แท้จริง กระบวนการทำงานเกี่ยวกับการวาดภาพถูกขัดจังหวะเมื่อ Simberg ป่วยหนัก: ตั้งแต่ฤดูใบไม้ร่วงปี 1902 ถึงฤดูใบไม้ผลิปี 1903 ศิลปินได้รับการรักษาที่โรงพยาบาลของ Deaconess Institute ในเฮลซิงกิ ( เฮลซิงกิน ไดอาโคนิสซาลิโตส) ในพื้นที่คัลลิโอ เขามีอาการป่วยทางประสาทอย่างรุนแรงกำเริบจากซิฟิลิส (ซึ่งต่อมาศิลปินเสียชีวิต)

เป็นที่ทราบกันดีว่า Simberg ถ่ายภาพนางแบบ (เด็ก ๆ ) ของเขาในเวิร์กช็อปและในสวนสาธารณะ Eleintarcha ซึ่งตั้งอยู่ถัดจากโรงพยาบาลดังกล่าว เส้นทางที่ปรากฎในภาพยังคงมีอยู่จนถึงทุกวันนี้ - มันวิ่งไปตามชายฝั่งของอ่าวTöölönlahti ในช่วงเวลาของ Simberg สวน Eleintarcha เป็นพื้นที่สันทนาการยอดนิยมของชนชั้นแรงงาน นอกจากนี้ ยังมีสถาบันการกุศลหลายแห่งตั้งอยู่ที่นั่น รวมทั้งโรงเรียนหญิงล้วนสำหรับคนตาบอดและสถานเลี้ยงเด็กกำพร้าสำหรับผู้พิการ Simberg สังเกตเห็นชาวสวนซ้ำแล้วซ้ำเล่าเมื่อเขาเดินไปที่นั่นในฤดูใบไม้ผลิปี 1903 โดยเริ่มป่วยหนัก เห็นได้ชัดว่าในระหว่างการเดินที่ยาวนานเหล่านี้ความคิดเกี่ยวกับภาพก็เป็นรูปเป็นร่างในที่สุด นอกเหนือจากการตีความเชิงปรัชญาของภาพวาด "The Wounded Angel" (สัญลักษณ์ของการถูกขับออกจากสวรรค์, วิญญาณของมนุษย์ที่ป่วย, การทำอะไรไม่ถูกของบุคคล, ความฝันที่แตกสลาย) บางคนเห็นว่ามันเป็นตัวตนของสถานะที่เจ็บปวดของศิลปินและแม้แต่ทางกายภาพที่เฉพาะเจาะจง อาการ (ตามรายงานบางฉบับ Simberg ได้รับความทุกข์ทรมานจากเยื่อหุ้มสมองอักเสบด้วย)

ภาพวาดของ Simberg นางฟ้าที่ได้รับบาดเจ็บประสบความสำเร็จอย่างมากในทันทีหลังจากสร้างเสร็จ งานนำเสนอนี้จัดขึ้นที่นิทรรศการฤดูใบไม้ร่วงของ Art Society of Finland ในปี 1903 ในขั้นต้นผืนผ้าใบถูกจัดแสดงโดยไม่มีชื่อ (แม่นยำกว่านั้นแทนที่จะเป็นชื่อเรื่องที่มีเส้นประ) ซึ่งบอกใบ้ถึงความเป็นไปไม่ได้ของการตีความอย่างใดอย่างหนึ่ง สำหรับงานบุคคลและอารมณ์ที่ลึกซึ้งนี้ ศิลปินได้รับรางวัลระดับรัฐในปี พ.ศ. 2447 The Wounded Angel เวอร์ชันที่สองถูกประหารชีวิตโดย Simberg ในขณะที่ตกแต่งภายในวิหาร Tampere ด้วยจิตรกรรมฝาผนัง ซึ่งเขาทำงานร่วมกับ Magnus Enckel

จากการสำรวจในประเทศฟินแลนด์ในปี 2549 “ นางฟ้าที่ได้รับบาดเจ็บ” ได้รับการยอมรับว่าเป็นผลงานที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในคอลเลกชัน Ateneum ซึ่งเป็น “ภาพวาดประจำชาติ” อันเป็นที่รักที่สุดของฟินแลนด์ และเป็นสัญลักษณ์ทางศิลปะของประเทศ

ฮูโก้ ซิมเบิร์ก (ฮูโก้ ซิมเบิร์ก) (พ.ศ. 2416-2460) เกิดที่เมืองฮามินาจากนั้นอาศัยและศึกษาต่อและเข้าเรียนที่โรงเรียนของสมาคมศิลปะแห่งฟินแลนด์ เขามักใช้เวลาช่วงฤดูร้อนที่ที่ดินของครอบครัวใน Niemenlautta (Syakkijärvi) บนชายฝั่งอ่าวฟินแลนด์ Simberg เดินทางอย่างกว้างขวางในยุโรป เยือนลอนดอนและปารีส เยือนอิตาลีและคอเคซัส ขั้นตอนสำคัญในการพัฒนาของเขาในฐานะศิลปินเกิดขึ้นเมื่อ Simberg ซึ่งไม่แยแสกับการศึกษาทางวิชาการแบบเหมารวม เริ่มเรียนบทเรียนส่วนตัวจาก Akseli Gallen-Kallela ในพื้นที่ห่างไกลใน Ruovesi ซึ่ง Gallen-Kallela Gallen-Kallela ให้ความสำคัญกับพรสวรรค์ของนักเรียนเป็นอย่างมาก และทำนายอนาคตที่ดีสำหรับเขาในโลกศิลปะ โดยเปรียบเทียบงานของ Simberg กับคำเทศนาที่เป็นความจริงและเปี่ยมด้วยอารมณ์ที่ทุกคนควรได้ฟัง Simberg ไปเยี่ยม Ruovesi สามครั้งระหว่างปี พ.ศ. 2438 ถึง พ.ศ. 2440 ที่นี่ในบรรยากาศแห่งเสรีภาพทางศิลปะ เขาค้นพบภาษาของตัวเองอย่างรวดเร็ว ตัวอย่างเช่น ในฤดูใบไม้ร่วงแรกของการเข้าพักใน Ruovesi เขาเขียนผลงานที่มีชื่อเสียง " หนาวจัด(พ.ศ. 2438) ซึ่งค่อนข้างชวนให้นึกถึง The Scream ของ Munch ในกรณีนี้ ปรากฏการณ์สภาพอากาศซึ่งเป็นความกลัวของเกษตรกรทั่วโลกได้แสดงให้เห็นรูปร่าง ใบหน้า และรูปร่างที่มองเห็นได้: มีรูปร่างซีดเซียวถึงแก่ชีวิต มีหูขนาดใหญ่ นั่งอยู่บนฟ่อนข้าวและเป็นพิษต่อทุกสิ่งรอบตัวด้วยลมหายใจที่อันตรายถึงชีวิต . ต่างจาก The Scream ของ Munch ที่สร้างเสร็จเมื่อไม่กี่ปีก่อนหน้านี้ Frost ของ Simberg ปลุกเร้าความรู้สึกสยองขวัญและความสิ้นหวังที่ไม่สมบูรณ์ แต่ให้ความรู้สึกแปลก ๆ ของการคุกคามและความสงสารในเวลาเดียวกัน

ช่วงเวลาสำคัญในชีวิตของ Simberg คือนิทรรศการฤดูใบไม้ร่วงปี 2441 หลังจากนั้นเขาก็ได้รับการยอมรับให้เข้าร่วมสหภาพศิลปินฟินแลนด์ Simberg เดินทางอย่างกว้างขวางในยุโรป สอนและเข้าร่วมในนิทรรศการ อย่างไรก็ตามความสามารถของศิลปินได้รับการชื่นชมอย่างแท้จริงหลังจากการตายของเขาเท่านั้น การมุ่งเน้นไปที่สิ่งที่น่าขนลุกและสิ่งเหนือธรรมชาตินั้นยังห่างไกลจากความเข้าใจของนักวิจารณ์และผู้ชมในเวลานั้น

ฮูโก้ ซิมเบิร์กเป็นหนึ่งในที่ใหญ่ที่สุด นักสัญลักษณ์ชาวฟินแลนด์. เขาไม่ได้ถูกดึงดูดโดยสถานการณ์ในชีวิตประจำวันที่ซ้ำซากจำเจ - ในทางกลับกันเขาแสดงให้เห็นบางสิ่งที่เปิดประตูสู่ความเป็นจริงอื่นสัมผัสจิตใจและจิตวิญญาณของผู้ชม เขาเข้าใจศิลปะว่า “เป็นโอกาสที่จะย้ายคนในช่วงกลางฤดูหนาวไปสู่เช้าฤดูร้อนที่สวยงามและรู้สึกว่าธรรมชาติตื่นขึ้นอย่างไรและคุณเองก็กลมกลืนกับมัน นั่นคือสิ่งที่ฉันกำลังมองหาในงานศิลปะ มันควรจะพูดกับเราเกี่ยวกับบางสิ่งบางอย่างและพูดเสียงดังเพื่อให้เราถูกพาไปที่โลกอื่น

ซิมเบิร์กชื่นชอบเป็นพิเศษในการวาดภาพสิ่งที่เห็นได้ในจินตนาการเท่านั้น: เทวดา ปีศาจ โทรลล์ และภาพของความตาย อย่างไรก็ตามแม้ภาพเหล่านี้เขาให้ความนุ่มนวลและความมีมนุษยธรรม ความตายใน Simberg มักจะใจดีและเต็มไปด้วยความเห็นอกเห็นใจ ปฏิบัติหน้าที่โดยปราศจากความกระตือรือร้น เธอมาที่นี่พร้อมกับดอกไม้สีขาวสามดอกเพื่อรับหญิงชรา อย่างไรก็ตาม Death ไม่รีบร้อน เธอสามารถฟังเด็กชายเล่นไวโอลินได้ มีเพียงนาฬิกาบนผนังเท่านั้นที่บ่งบอกถึงกาลเวลา (" ความตายฟัง", 2440).

ในการทำงาน" สวนแห่งความตาย"(พ.ศ. 2439) สร้างขึ้นระหว่างการเดินทางไปศึกษาครั้งแรกที่ปารีส Simberg ตามที่เขาพูดเองบรรยายถึงสถานที่ที่วิญญาณมนุษย์ไปทันทีหลังความตายก่อนที่จะไปสวรรค์ โครงกระดูกสามโครงในชุดคลุมสีดำดูแลวิญญาณพืชอย่างอ่อนโยนด้วยความรักเช่นเดียวกับพระที่ดูแลสวนอาราม งานนี้มีความสำคัญอย่างยิ่งสำหรับศิลปิน เกือบสิบปีต่อมา Simberg ทำซ้ำในรูปแบบของปูนเปียกขนาดใหญ่ในวิหารตัมเปเร เสน่ห์ที่แปลกประหลาดของผลงานชิ้นนี้อยู่ที่รายละเอียดน่ารักๆ ในชีวิตประจำวัน (บัวรดน้ำ ผ้าขนหนูที่ห้อยลงมาจากตะขอ) บรรยากาศที่สงบสุข และภาพลักษณ์ที่อ่อนโยนของความตาย ซึ่งไม่ใช่พลังแห่งการทำลายล้าง แต่เป็นศูนย์รวมของการดูแล ที่น่าสนใจในเทพนิยายของ Hans Christian Andersen เรื่อง "The Story of a Mother" เรายังพบภาพที่คล้ายกัน: ผู้เล่าเรื่องอธิบายเรือนกระจกแห่งความตายขนาดใหญ่ - เรือนกระจกที่วิญญาณมนุษย์ "ตรึง" ไว้ด้านหลังดอกไม้หรือต้นไม้แต่ละต้น ความตายเรียกตัวเองว่าเป็นคนทำสวนของพระเจ้า: "ฉันนำดอกไม้และต้นไม้ของเขาไปปลูกในสวนเอเดนอันยิ่งใหญ่ในดินแดนที่ไม่รู้จัก"

อันดับแรก ภาพแห่งความตายปรากฏในงานของ Simberg " ความตายและชาวนา» (2438). เสื้อคลุมสีดำตัวสั้นและกางเกงขาสั้นทำให้ Death ดูอ่อนโยนและเศร้าหมอง งานนี้ทำโดย Simberg ใน Ruovesi ขณะที่เรียนกับ Akseli Gallen-Kallela ฤดูใบไม้ผลินั้น ลูกสาวคนสุดท้องของครูเสียชีวิตด้วยโรคคอตีบ และ "Death and the Peasant" สามารถมองได้ว่าเป็นการแสดงออกถึงความเห็นอกเห็นใจต่อผู้ชายที่สูญเสียลูกไป

เช่นเดียวกับปีศาจ ทูตสวรรค์ของ Hugo Simberg ถูกทำให้เป็นมนุษย์และดังนั้นจึงอ่อนแอ พวกเขาพยายามชี้นำผู้คนไปสู่เส้นทางแห่งความดี แต่ความจริงยังห่างไกลจากอุดมคติ งาน " ฝัน” (1900) ตั้งคำถามจากผู้ชม ทำไมผู้หญิงถึงร้องไห้ในขณะที่นางฟ้าเต้นรำกับสามีของเธอ? บางทีสามีก็ทิ้งภรรยาไปสู่อีกโลกหนึ่ง? อีกชื่อหนึ่งสำหรับงานนี้คือ "การกลับใจ" ดังนั้นจึงสามารถตีความได้หลายวิธี

ภาพของทูตสวรรค์ปรากฏครั้งแรกในงานของ Simberg ในฤดูใบไม้ร่วงปี 1895 (ผลงาน " กตัญญู"). ในบทที่ซุกซนนี้ นางฟ้าผู้สวดอ้อนวอนไม่ได้สังเกตว่าทูตสวรรค์ที่อยู่ใกล้เคียงมีบางอย่างที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง และแท้จริงแล้วปีกของทูตสวรรค์องค์ที่สองนี้ไม่ได้ขาวมาก มีการต่อสู้ระหว่างราคะและจิตวิญญาณ

เขื่อนในพื้นที่ Niemenlautta ซึ่ง Simberg ใช้เวลาช่วงฤดูร้อนที่บ้านของครอบครัวเกือบตลอดเวลา เป็นสถานที่นัดพบยอดนิยมสำหรับคนหนุ่มสาวในตอนเย็นของฤดูร้อน ดึงดูดด้วยเสียงหีบเพลง ชายหนุ่มและหญิงสาวมาที่นี่เพื่อเต้นรำโดยเรือ แม้จะอยู่ไกลๆ Simberg สร้างภาพร่างของนักเต้นซ้ำแล้วซ้ำอีก แต่ในที่ทำงาน เต้นรำบนริมน้ำ"(1899) ผู้หญิงไม่เต้นรำกับผู้ชาย แต่กับร่างของความตายซึ่งมักพบใน Simberg บางทีความตายในครั้งนี้อาจไม่ได้มาเพื่อการเก็บเกี่ยวที่เลวร้าย แต่เพียงต้องการมีส่วนร่วมในความสนุกทั่วไป? หีบเพลงไม่ได้เล่นด้วยเหตุผลบางอย่าง

อย่างที่เห็น ฮูโก้ ซิมเบิร์ก- ศิลปินที่มีความเป็นต้นฉบับสูงซึ่งผลงานไม่ได้ไร้การประชดประชัน แต่ในขณะเดียวกันก็เต็มไปด้วยเวทย์มนต์และมุ่งเน้นไปที่รูปแบบของความดีและความชั่วชีวิตและความตายลักษณะของศิลปะ สัญลักษณ์. ในผลงานของ Simberg คำถามทางปรัชญาที่ลึกซึ้งเกี่ยวข้องกับอารมณ์ขันที่อ่อนโยนและความเห็นอกเห็นใจอย่างลึกซึ้ง "ปีศาจผู้น่าสงสาร", "ความตายที่อ่อนโยน" ราชาแห่งบราวนี่ - ตัวละครเหล่านี้มาจากความฝันและเทพนิยายมาสู่งานของเขา ไม่มีกรอบปิดทองและผืนผ้าใบแวววาว: “ความรักเท่านั้นที่ทำให้งานศิลปะเป็นจริงได้ ถ้าการเจ็บท้องคลอดเกิดขึ้นโดยปราศจากความรัก ลูกก็จะเกิดมาไม่มีความสุข

นอกจากผลงานของ Hugo Simberg แล้ว Ateneum Museum ยังจัดแสดงผลงานของ จิตรกรสัญลักษณ์ชาวฟินแลนด์ แม็กนัส เอนเคล (แมกนัส เอนเคลล์) (พ.ศ. 2413-2468) เช่น Simberg ซึ่งทำงานจิตรกรรมฝาผนังให้กับวิหารตัมเปเร (พ.ศ. 2450) Enkel เกิดในครอบครัวของนักบวชในเมือง Hamina ศึกษาการวาดภาพและในปี 1891 ไปปารีสซึ่งเขาศึกษาต่อที่ Julian Academy ที่นั่นเขาเริ่มสนใจสัญลักษณ์และแนวคิดลึกลับของ Rosicrucian J. Peladan จากช่วงหลัง Magnus Enkel ได้นำอุดมคติแห่งความงามแบบกะเทยซึ่งเขาเริ่มใช้ในผลงานของเขา Enckel รู้สึกทึ่งกับแนวคิดเรื่องสวรรค์ที่สาบสูญ ความบริสุทธิ์ที่หายไปของมนุษย์ และเด็กหนุ่มมากด้วยความงามแบบกะเทยของพวกเขาเป็นตัวแทนของรูปแบบที่บริสุทธิ์ที่สุดของมนุษย์สำหรับศิลปิน ไม่ควรลืมด้วยว่า Enkel เป็นคนรักร่วมเพศและมักวาดภาพเด็กผู้ชายและผู้ชายที่เปลือยเปล่าซึ่งมีลักษณะที่เร้าอารมณ์และเย้ายวนใจ ในปี พ.ศ. 2437-38 ศิลปินเดินทางไปทั่วอิตาลีและในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 ภายใต้อิทธิพลของศิลปะคลาสสิกของอิตาลีรวมถึงหลังอิมเพรสชั่นนิสต์จานสีของเขาจึงมีสีสันและแสงมากขึ้น ในปี 1909 ร่วมกับนักวาดสี Werner Thomé และ Alfred Finch เขาได้ก่อตั้งกลุ่ม กันยายน.

ในทางตรงกันข้ามงานยุคแรกของ Magnus Enkel นั้นถูกทำเครื่องหมายด้วยช่วงเงียบ ๆ การบำเพ็ญตบะสี ในเวลานั้นจานสีของศิลปินถูก จำกัด ไว้ที่สีเทาดำและสีเหลือง ตัวอย่างคือภาพวาด ตื่น"(1894) เขียนโดย Enkel ระหว่างการเยี่ยมชมครั้งที่สองของศิลปิน ผืนผ้าใบโดดเด่นด้วยความเรียบง่ายของสีองค์ประกอบที่เรียบง่ายและเส้นที่ขีดเส้นใต้ของภาพวาด - ทั้งหมดนี้ใช้เพื่อเน้นความสำคัญของภาพ ชายหนุ่มที่เข้าสู่วัยกระเตาะได้ตื่นขึ้นมาและนั่งเปลือยกายอยู่บนเตียง ศีรษะของเขาโค้งคำนับด้วยสีหน้าจริงจัง หมกมุ่นอยู่กับความคิดของเขา ท่าทางที่บิดเบี้ยวของร่างกายของเขาไม่ใช่แค่ท่าทางที่คุ้นเคยในการลุกจากเตียง บรรทัดฐานนี้ซึ่งมักพบในหมู่ศิลปินเชิงสัญลักษณ์นั้นซับซ้อนกว่า วัยแรกรุ่นและการตื่นตัวทางเพศ/การสูญเสียความไร้เดียงสาเป็นประเด็นที่ดึงดูดผู้ร่วมสมัยของ Enckel หลายคน (เปรียบเทียบ ตัวอย่างเช่น ภาพวาดที่น่ารำคาญของ Munch (1894/95)) แกมม่าขาวดำเน้นอารมณ์เศร้าโศกของการประชุมกับโลกที่กดขี่

อื่น จิตรกรสัญลักษณ์ชาวฟินแลนด์แม้ว่าจะไม่ใช่ที่รู้จักกันดีที่สุดคือ Väinö Bloomstedt (บลอมสเตดท์) (Vaino Blomstedt) (พ.ศ.2414-2490). Bloomstedt เป็นศิลปินและนักออกแบบสิ่งทอ และได้รับอิทธิพลจากศิลปะญี่ปุ่นโดยเฉพาะ เขาเรียนครั้งแรกที่ฟินแลนด์ จากนั้นเรียนที่ Pekka Halonen อย่างที่เราทราบกันดีอยู่แล้วว่าในระหว่างการเยือนปารีส ศิลปินชาวฟินแลนด์เหล่านี้ได้พบกับ Gauguin ซึ่งเพิ่งกลับมาจากตาฮิติ และเริ่มเรียนบทเรียนจากเขา Bloomstedt ที่หุนหันพลันแล่นตกอยู่ภายใต้อิทธิพลของ Gauguin และผืนผ้าใบสีหายใจของเขา การค้นหาสวรรค์ที่หายไปในงานของ Gauguin นั้นใกล้เคียงกับ Bloomstedt มาก เฉพาะในกรณีที่ Gauguin กำลังมองหาสวรรค์แห่งนี้ในประเทศที่แปลกใหม่ Väinö Bloomstedt เช่นเดียวกับศิลปินชาวฟินแลนด์หลายคนในเวลานั้นมุ่งเป้าไปที่การค้นหาต้นกำเนิดของบ้านเกิดของเขาซึ่งเป็นดินแดนบริสุทธิ์ของ Kalevala วีรบุรุษในภาพวาดของ Bloomstedt มักเป็นตัวละครในจินตนาการหรือตัวละครในตำนาน

หลังจากได้พบกับ Gauguin แล้ว Bloomstedt ก็เลิกวาดภาพเหมือนจริงในช่วงกลางทศวรรษที่ 1890 และหันไปหา สัญลักษณ์และสีสันสดใส สังเคราะห์จานสี ตามอุดมการณ์ของสัญลักษณ์ศิลปะที่เหมือนจริงบนพื้นฐานของการสังเกตด้วยสายตานั้นมีข้อ จำกัด เกินไปและไม่อนุญาตให้จับสิ่งที่สำคัญที่สุดในตัวบุคคลสาระสำคัญทางอารมณ์และจิตวิญญาณความลับของชีวิต นอกเหนือจากความเป็นจริงในชีวิตประจำวันยังมีอีกโลกหนึ่งอยู่ และเป้าหมายของ Symbolists คือการแสดงโลกนี้ผ่านงานศิลปะ แทนที่จะพยายามสร้างภาพลวงตาสามมิติของความเป็นจริง ศิลปินนักสัญลักษณ์กลับหันไปใช้สไตล์ ความเรียบง่าย การตกแต่ง และพยายามค้นหาบางสิ่งที่บริสุทธิ์และเป็นบทกวี ดังนั้นพวกเขาจึงสนใจในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอิตาลีตอนต้น การใช้เทคนิคอุบาทว์และปูนเปียก หนึ่งในตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุด สัญลักษณ์ในผลงานของศิลปินชาวฟินแลนด์เป็นภาพ แวโน บลูมสเตดท์ « ฟรานเชสก้า"(พ.ศ. 2440) ดื่มด่ำผู้ชมในโลกแห่งการนอนหลับและการลืมเลือนบรรยากาศที่คงที่และมีมนต์ขลังพร้อมกลิ่นงาดำที่ทำให้มึนเมา

แรงบันดาลใจสำหรับภาพวาดนี้คือ Divine Comedy ของ Dante ซึ่งกวีได้พบกับ Francesca da Rimini ในนรก และเธอได้เล่าเรื่องความรักที่น่าเศร้าที่เธอมีต่อเปาโลให้เขาฟัง ภาพของหญิงสาวที่ชวนให้นึกถึงพระแม่มารี ภูมิทัศน์ "เรอเนสซองส์" ที่มีต้นไซเปรสสีเข้มและพื้นผิวสีโปร่งแสงของภาพวาด (ผืนผ้าใบส่องผ่านสีได้อย่างชัดเจน) บ่งบอกถึงภาพเฟรสโกเก่าแก่ในโบสถ์อิตาลี นอกจากนี้เนื่องจากเทคนิคพิเศษในการดำเนินการรูปภาพบางส่วนจึงดูเหมือนพรมมอมแมม ภาพวาดนี้วาดโดย Bloomstedt ระหว่างการเดินทางไปอิตาลี นอกจากนี้ยังเห็นถึงอิทธิพลของศิลปะในยุคก่อนราฟาเอล

ผู้หญิงในงานศิลปะ: ศิลปินชาวฟินแลนด์

พิพิธภัณฑ์ Ateneumยังเป็นที่น่าสังเกตว่าส่วนสำคัญของคอลเลกชันของเขาประกอบด้วยผลงาน ศิลปินหญิงรวมถึงคนดังระดับโลกอย่างเช่น ศิลปินชาวฟินแลนด์ เฮเลนา ชเยร์ฟเบค. ในปี 2012 พิพิธภัณฑ์ Ateneum จัดแสดงนิทรรศการผลงานของ Helena Schjerfbeck มากมาย เพื่ออุทิศให้กับวันครบรอบ 150 ปีวันเกิดของเธอ พิพิธภัณฑ์ Ateneum เป็นที่เก็บรวบรวมผลงานของ Helena Schjerfbeck ที่ใหญ่ที่สุดและสมบูรณ์ที่สุดในโลก (ภาพวาด ภาพวาด สมุดร่างภาพ 212 ภาพ)

เฮเลนา ชเยร์ฟเบค (เฮเลนา ชเยร์ฟเบค) (พ.ศ. 2405-2489) เกิดที่เฮลซิงกิเริ่มเรียนการวาดภาพตั้งแต่เนิ่นๆและในวัยเยาว์ของเธอก็ได้รับทักษะที่เห็นได้ชัดเจน ชีวิตของเฮเลนามีอาการบาดเจ็บที่สะโพกอย่างรุนแรงหลังจากวัยเด็กตกบันได ด้วยเหตุนี้เด็กผู้หญิงจึงได้รับการศึกษาที่บ้าน - เธอไม่ได้ไปโรงเรียนปกติ แต่เธอมีเวลามากพอที่จะวาดรูปและเธอก็ได้รับการยอมรับให้เข้าเรียนในโรงเรียนศิลปะตั้งแต่อายุยังน้อย (น่าเสียดายที่อาการบาดเจ็บที่สะโพกทำให้นึกถึงขาอ่อนปวกเปียกไปตลอดชีวิต) หลังจากศึกษาในฟินแลนด์ รวมทั้งที่โรงเรียนเอกชนของ Adolf von Becker Schjerfbeck ได้รับทุนการศึกษาและไปศึกษาต่อที่ Colarossi Academy ในปี พ.ศ. 2424 และ พ.ศ. 2426-2427 เธอยังทำงานในอาณานิคมของศิลปินในบริตตานี (จิตรกรรม " เด็กชายกำลังให้อาหารน้องสาวตัวน้อยของเขา(ค.ศ. 1881) ซึ่งเขียนในภูมิภาคนี้ของฝรั่งเศส ปัจจุบันถือเป็นจุดเริ่มต้นของลัทธิสมัยใหม่ของฟินแลนด์ด้วยซ้ำ) ในบริตตานี เธอได้พบกับศิลปินชาวอังกฤษที่ไม่รู้จักและแต่งงานกับเขา แต่ในปี 1885 คู่หมั้นก็เลิกหมั้น (ครอบครัวของเขาเชื่อว่าปัญหาสะโพกของเฮเลนาเกี่ยวข้องกับวัณโรคซึ่งพ่อของเธอเสียชีวิต) Helena Schjerfbeck ไม่เคยแต่งงาน

ในปี 1890 Schjerfbeck สอนที่ School of the Art Society ซึ่งครั้งหนึ่งเธอเคยสำเร็จการศึกษา ในปี 1902 เนื่องจากปัญหาสุขภาพ เธอออกจากการสอนและย้ายไปอยู่กับแม่ของเธอไปยังจังหวัดห่างไกลในฮิวินกาอา ศิลปินต้องการความเงียบใช้ชีวิตสันโดษ แต่ยังคงเข้าร่วมในนิทรรศการ "การค้นพบ" ของ Schjerfbeck สำหรับสาธารณชนเกิดขึ้นในปี 1917: นิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกของศิลปินจัดขึ้นในร้านเสริมสวยของ Ëst Stenman ในเฮลซิงกิ ซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมากกับผู้ชมและนักวิจารณ์ และละเมิดการดำรงอยู่อย่างสันโดษของเธอ นิทรรศการสำคัญครั้งต่อไปจัดขึ้นที่สตอกโฮล์มในปี 1937 เพื่อรับการวิจารณ์อย่างล้นหลาม ตามมาด้วยนิทรรศการที่คล้ายกันหลายชุดทั่วประเทศสวีเดน ในปี 1935 เมื่อแม่ของเธอเสียชีวิต เฮเลนาย้ายไปอาศัยอยู่ในทัมมิซารี และใช้ชีวิตช่วงปีสุดท้ายในสวีเดนในสถานพยาบาลในซอลต์สโจบาเดิน ในฟินแลนด์ ทัศนคติต่อผลงานของ Schjerfbeck เป็นที่ถกเถียงกันมานาน (ความสามารถของเธอเป็นที่รู้จักในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 เท่านั้น) ในขณะที่ในสวีเดนงานศิลปะของเธอได้รับการตอบรับค่อนข้างเร็วด้วยความกระตือรือร้นอย่างมาก แต่การยอมรับในระดับสากลอย่างแท้จริงของ Schjerfbeck เกิดขึ้นในปี 2550 เมื่อนิทรรศการย้อนหลังขนาดใหญ่เกี่ยวกับผลงานของเธอจัดขึ้นที่ปารีส ฮัมบูร์ก และกรุงเฮก

ในบรรดาภาพวาดทั้งหมดของ Helena Schjerfbeck ภาพที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกคือภาพเหมือนตนเองที่วิจารณ์ตนเองหลายภาพ ซึ่งทำให้สามารถติดตามทั้งวิวัฒนาการของสไตล์ของเธอและการเปลี่ยนแปลงในตัวศิลปินเองที่แก้ไขใบหน้าที่แก่ชราของเธออย่างไร้ความปราณี โดยรวมแล้ว Schjerfbeck เขียนภาพตัวเองประมาณ 40 ภาพ ครั้งแรกเมื่ออายุ 16 ปี และครั้งสุดท้ายเมื่ออายุ 83 ปี หกคนอยู่ในคอลเลกชัน Ateneum

แต่อาจเป็นภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุด เฮเลนา ชเยร์ฟเบคคือผืนผ้าใบ พักฟื้น"(พ.ศ. 2431) มักเรียกกันว่าอัญมณี พิพิธภัณฑ์ Ateneum. ได้รับความชื่นชมอย่างสูงจากสาธารณชน ภาพวาดนี้โดยศิลปินอายุ 26 ปีได้รับรางวัลเหรียญทองแดงจากงานนิทรรศการโลกที่กรุงปารีสในปี พ.ศ. 2432 (ซึ่งผืนผ้าใบนี้จัดแสดงภายใต้ชื่อ "First Green" ( นายกรัฐมนตรี) - นี่คือวิธีที่ Schjerfbeck เรียกตัวเองว่าภาพนี้แต่เดิม) ธีมของเด็กป่วยเป็นเรื่องปกติในงานศิลปะสมัยศตวรรษที่ 19 แต่ Schjerfbeck ไม่ใช่แค่เด็กป่วย แต่เป็นเด็กที่กำลังฟื้นตัว เธอวาดภาพนี้ในเมืองชายฝั่งที่สวยงามของ St. Ives ในคอร์นวอลล์ ทางตะวันตกเฉียงใต้ของอังกฤษ ซึ่งศิลปินได้ทำตามคำแนะนำของเพื่อนชาวออสเตรียของเธอในปี พ.ศ. 2430-2431 และอีกครั้งในปี พ.ศ. 2432-2433

งานนี้มักถูกเรียกว่าเป็นตัวอย่างสุดท้ายของการวาดภาพด้วยแสงธรรมชาติในงานของ Schjerfbeck (ต่อมาเธอย้ายไปที่แนวสมัยใหม่ที่มีสไตล์และการแสดงออกทางนามธรรมเกือบทั้งหมดด้วยจานสีนักพรต) ที่นี่ศิลปินทำงานโดยใช้แสงอย่างช่ำชอง ดึงดูดสายตาของผู้ชมไปยังใบหน้าของหญิงสาวที่กำลังฟื้นตัวซึ่งมีผมกระเซิงและแก้มที่แดงก่ำอย่างร้อนระอุ ซึ่งถือแก้วน้ำที่มีกิ่งไม้ดอกบอบบางอยู่ในมือ ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของฤดูใบไม้ผลิและชีวิตใหม่ รอยยิ้มปรากฏบนริมฝีปากของเด็ก แสดงถึงความหวังในการฟื้นตัว ภาพที่น่าตื่นเต้นนี้ดึงดูดผู้ชม ทำให้เขารู้สึกเห็นอกเห็นใจ ในแง่หนึ่งภาพสามารถเรียกได้ว่าเป็นภาพเหมือนตนเองของศิลปินซึ่งในเวลานั้นกำลังพยายามฟื้นตัวจากการเลิกหมั้นของเธอ เป็นไปได้เช่นกันว่าในภาพนี้ Schjerfbeck พรรณนาตัวเองว่าเป็นเด็กโดยบอกเราเกี่ยวกับสิ่งที่เธอรู้สึก มักจะล้มหมอนนอนเสื่อและดีใจกับสัญญาณแรกของฤดูใบไม้ผลิ

โปรดทราบว่าผลงานที่โด่งดังที่สุดของ Helena Schjerfbeck ในปัจจุบันคือ "การทัวร์" ในสวีเดน นิทรรศการหนึ่งจัดขึ้นในสตอกโฮล์มและจะมีขึ้นจนถึงสิ้นเดือนกุมภาพันธ์ 2556 ส่วนอีกนิทรรศการหนึ่งจัดขึ้นในโกเธนเบิร์ก (จนถึงเดือนสิงหาคม 2556)

อีกหนึ่ง ศิลปินชาวฟินแลนด์ซึ่งสามารถพบได้ในพิพิธภัณฑ์ Ateneum คือ ปัญหาเชิร์นชานซ์ (Sternshantz)(เบดา สเติร์นชานตซ์) (พ.ศ.2410–2453). ยังไงก็ตามงานนิทรรศการขนาดใหญ่ของศิลปินนี้มีกำหนดจัดขึ้นในปี 2014 ที่พิพิธภัณฑ์ เบดา เชอร์นชานซ์เป็นตัวแทนคนสำคัญของรุ่น ศิลปินนักสัญลักษณ์ชาวฟินแลนด์ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 เธอเกิดในครอบครัวชนชั้นสูงในเมืองพอร์วู ในปี พ.ศ. 2429 พ่อของเธอเสียชีวิต และครอบครัวประสบปัญหาทางการเงิน ซึ่งแตกต่างจากศิลปินหญิงคนอื่นๆ เซินชานทซ์ต้องทำงานเพื่อหาเลี้ยงชีพ ในปี พ.ศ. 2434 ในช่วงเวลาเดียวกับเอลเลน เทสเลฟ ศิลปินชาวฟินแลนด์ที่มีชื่อเสียงอีกคนหนึ่ง เธอมาที่ปารีส และสาวๆ ทั้งสองก็ลงทะเบียนเรียนด้วยกันที่ Colarossi Academy ที่ปรึกษาของ Bede คือ Magnus Enckell ภายใต้อิทธิพลของเธอเธอได้ซึมซับแนวคิดเรื่องสัญลักษณ์ ตัวแทนของกระแสนี้เชื่อว่าศิลปะไม่ควรเลียนแบบธรรมชาติอย่างทาส แต่ควรทำให้บริสุทธิ์เพื่อความงาม การแสดงออกของความรู้สึกและประสบการณ์ที่ลึกซึ้ง เนื่องจากไม่มีเงิน เฌร์นชานซ์จึงอาศัยอยู่ในปารีสเพียงปีเดียว เมื่อกลับมาที่ฟินแลนด์ เธอไม่สามารถหาที่อยู่ให้ตัวเองได้ และในปี พ.ศ. 2438 ไปที่เกาะ Vormsi ของเอสโตเนีย ซึ่งมีการตั้งถิ่นฐานของชาวสวีเดนเก่าที่ยังคงรักษาภาษา ขนบธรรมเนียม และเสื้อผ้าของตนไว้ ที่นั่นศิลปินวาดภาพ ทุกที่ที่เราถูกเรียกด้วยเสียง» (2438). ชื่อของภาพวาดเป็นคำพูดจาก "เพลงแห่งฟินแลนด์" ที่โด่งดังในขณะนั้น ( ซูเมน ลอลู) คำที่กวี Emil Kwanten เขียนขึ้น อย่างที่คุณเห็น ไม่เพียงแต่คาเรเลียเท่านั้นที่เป็นสถานที่ที่ศิลปินชาวฟินแลนด์ไปค้นหาธรรมชาติและผู้คนที่บริสุทธิ์

บนผืนผ้าใบบทกวีนี้ ศิลปินวาดภาพเด็กชาวสวีเดนกลุ่มหนึ่งที่สามารถรักษาประเพณีและภาษาประจำชาติของพวกเขาในสภาพแวดล้อมที่แปลกแยก ด้วยเหตุนี้นักวิจารณ์บางคนจึงเห็นความหมายเกี่ยวกับความรักชาติในภาพโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเครื่องดนตรีแคนเทเลซึ่งเล่นโดยเด็กผู้หญิงคนหนึ่งครอบครองสถานที่สำคัญในการแต่งเพลง หญิงสาวอีกคนร้องเพลง และเสียงเหล่านี้ทำให้กังหันลมเติมเต็มภูมิทัศน์ของนักพรต เนื่องจากท่าทางที่นิ่งสนิท เยือกแข็ง และความว่างเปล่าของภูมิทัศน์โดยรอบ ผู้ชมจึงเริ่มฟังเพลงที่บรรเลงอยู่ในผืนผ้าใบ ดูเหมือนว่าแม้ลมจะสงบลง ใบไม้หรือกังหันลมก็ไม่เคลื่อนไหว ราวกับว่าเราอยู่ในอาณาจักรที่ต้องมนตร์ สถานที่ที่หลุดออกจากกาลเวลา หากเราดำเนินการตามการตีความสัญลักษณ์ของภาพ ใบหน้าของเด็กที่เคร่งศาสนาและตั้งอกตั้งใจกับฉากหลังของภูมิทัศน์ที่ลึกลับนี้จะเป็นวิธีที่สื่อถึงสถานะของความไร้เดียงสา นอกจากนี้ เช่นเดียวกับผลงานอื่นๆ ของ Symbolists บทบาทพิเศษถูกกำหนดให้กับดนตรี ซึ่งเป็นศิลปะที่ไม่มีตัวตนและสูงส่งที่สุด

ในปี พ.ศ. 2440-41 Beda Shenschanz ได้รับทุนจากรัฐบาลฟินแลนด์เดินทางไปทั่วอิตาลี แต่กิจกรรมสร้างสรรค์ของเธอหลังจากช่วงเวลานี้กลับไร้ผล แม้ว่ามรดกของศิลปินจะมีจำนวนน้อย แต่ก็ดึงดูดความสนใจของนักวิจัย และคาดว่าจะมีการประชุมและสิ่งพิมพ์จำนวนมากในอนาคต ซึ่งจะทำให้สามารถเรียนรู้เพิ่มเติมเกี่ยวกับความสำคัญของงานของเธอในบริบทระหว่างประเทศของการเปลี่ยน ศตวรรษ.

ศิลปินชาวฟินแลนด์ที่น่าสนใจอีกคนหนึ่งในช่วงเวลาเดียวกันคือ เอลิน ดาเนียลสัน-กัมโบกิ (เอลิน ดาเนียลสัน-กัมโบกิ) (1861-1919). เอลิน ดาเนียลสัน-กัมโบกิเป็นของชาวฟินแลนด์รุ่นแรก ศิลปินหญิงที่ได้รับการศึกษาด้านวิชาชีพ เธอทำงานในรูปแบบของภาพเหมือนจริงเป็นหลัก และทั้งในชีวิตและงานของเธอ เธอแตกต่างจากเพื่อนร่วมงานในเรื่องความเป็นอิสระและการใช้ชีวิตแบบโบฮีเมียน เธอวิจารณ์จุดยืนของผู้หญิงในสังคม สวมกางเกงและสูบบุหรี่ ดำเนินชีวิตต่อต้านการฝักใฝ่ฝ่ายใด และเกี่ยวข้องกับศิลปินหลายคน รวมทั้งกุสตาฟ วิเกลันด์ ประติมากรชาวนอร์เวย์ (ทั้งสองมีความสัมพันธ์กันในปี พ.ศ. 2438) ภาพวาดผู้หญิงในสถานการณ์ประจำวันของเธอถูกมองว่าหยาบคายและไม่เหมาะสมโดยนักวิจารณ์หลายคน

« ภาพเหมือน» Elin Danielson-Gambogi (1900) วาดขึ้นในช่วงเวลาที่ศิลปินเริ่มได้รับการยอมรับในยุโรป ศิลปินเป็นภาพในสตูดิโอของเธอโดยมีพู่กันและจานสีอยู่ในมือ และแสงที่ส่องผ่านม่านหน้าหน้าต่างทำให้เกิดรัศมีรอบศีรษะของเธอ รูปแบบผ้าใบขนาดใหญ่ท่าทางและรูปลักษณ์ของศิลปิน - ทั้งหมดนี้แสดงออกถึงธรรมชาติที่เป็นอิสระและมั่นใจในตนเอง สำหรับภาพวาดนี้ Danielson-Gambogi ได้รับรางวัลเหรียญเงินใน Florence ในปี 1900

Elin Danielson-Gamboji เกิดในหมู่บ้านใกล้เมือง Pori ในปี พ.ศ. 2414 ฟาร์มของครอบครัวล้มละลายและพ่อของเธอฆ่าตัวตายในอีกหนึ่งปีต่อมา อย่างไรก็ตามเรื่องนี้แม่สามารถหาทุนได้ดังนั้นเมื่ออายุได้ 15 ปี Elin จึงย้ายไปและเริ่มเรียนการวาดภาพ เด็กหญิงเติบโตขึ้นมาในบรรยากาศที่เป็นอิสระ นอกเหนือไปจากข้อห้ามทางสังคมที่เข้มงวด ในปีพ. ศ. 2426 Danielson-Gambogi ออกจากที่นั่นซึ่งเธอศึกษาต่อที่ Colarossi Academy และในฤดูร้อนเธอเรียนการวาดภาพในบริตตานี จากนั้นศิลปินก็กลับไปฟินแลนด์ซึ่งเธอได้สื่อสารกับจิตรกรคนอื่นและสอนที่โรงเรียนสอนศิลปะ และในปี พ.ศ. 2438 ได้รับทุนการศึกษาและไปฟลอเรนซ์ หนึ่งปีต่อมา เธอย้ายไปที่หมู่บ้าน Antignano และแต่งงานกับจิตรกรชาวอิตาลี Raffaello Gamboggi ทั้งคู่ได้เข้าร่วมในนิทรรศการมากมายทั่วยุโรป ผลงานของพวกเขาได้แสดงในงาน World's Fair ปี 1900 ที่ปารีส และงาน Venice Biennale ปี 1899 แต่เมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ปัญหาครอบครัวและปัญหาทางการเงิน การทรยศ และความเจ็บป่วยของสามีก็เริ่มขึ้น Elin Danielson-Gambogi เสียชีวิตด้วยโรคปอดบวมและถูกฝังอยู่ใน Livorno

ในที่สุดหมู่ ศิลปินหญิงชาวฟินแลนด์ไม่สามารถเรียกได้ เอลเลน เทสเลฟฟ์ (เอลเลน เทสเลฟฟ์) (พ.ศ.2412-2497). นักเขียนชาวฟินแลนด์เพียงไม่กี่คนที่ได้รับการยอมรับตั้งแต่เนิ่นๆ ในปีพ. ศ. 2434 Thesleff รุ่นเยาว์ได้เข้าร่วมในนิทรรศการของ Art Society of Finland ด้วยผลงานที่ยอดเยี่ยมของเธอ " เสียงสะท้อน» ( ไคคุ) (พ.ศ. 2434) ถึงเสียงโห่ร้อง ในเวลานั้น เธอเพิ่งจบการศึกษาจากสถาบันเอกชนของ Gunnar Berndtson ( กุนนาร์แบร์นด์สัน) และกำลังจะไปเที่ยวครั้งแรก โดยเด็กหญิงเข้าเรียนที่ Colarossi Academy กับเบดา เชอร์นชานซ์ เพื่อนของเธอ ในปารีส เธอเริ่มคุ้นเคยกับสัญลักษณ์ แต่จากจุดเริ่มต้น เธอเลือกเส้นทางศิลปะของตัวเองและเป็นอิสระ ในช่วงเวลานี้เธอเริ่มสร้างภาพวาดด้วยสีนักพรต

แหล่งที่มาของแรงบันดาลใจที่สำคัญที่สุดสำหรับ Ellena Tesleff คือศิลปะอิตาลี ในปีพ. ศ. 2437 เธอไปที่บ้านเกิดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นที่ฟลอเรนซ์ ที่นี่ศิลปินได้ชมผลงานจิตรกรรมทางศาสนาที่สวยงามมากมาย รวมถึงผลงานของบอตติเชลลีซึ่งเธอชื่นชมผลงานในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ Thesleff ยังคัดลอกภาพเฟรสโกของอารามด้วย อิทธิพลของการวาดภาพทางจิตวิญญาณของอิตาลีทำให้ความอยากในบทกวี ศิลปะชั้นสูงของเธอแข็งแกร่งขึ้น และในปีต่อๆ มา การบำเพ็ญตบะสีในผลงานของเธอได้รับการแสดงออกถึงขีดสุด ลวดลายทั่วไปของผลงานของเธอคือทิวทัศน์สีเข้มและร่างมนุษย์ที่ดูเคร่งขรึมและเศร้าโศก

ตัวอย่างผลงานในยุคนี้มีขนาดพอประมาณ " ภาพเหมือน» (1894-95) Ellen Tesleff วาดด้วยดินสอ ภาพเหมือนตนเองนี้สร้างขึ้นในฟลอเรนซ์ เป็นผลมาจากการเตรียมงานเป็นเวลาสองปี ใบหน้าที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณที่โผล่ออกมาจากความมืดบอกเรามากมายเกี่ยวกับศิลปินและอุดมคติของเธอในเวลานั้น สอดคล้องกับปรัชญาสัญลักษณ์ เธอถามคำถามพื้นฐานเกี่ยวกับการเป็นและศึกษาความรู้สึกของมนุษย์ ในภาพเหมือนตนเองนี้ เราสามารถเห็นการกลับชาติมาเกิดของศิลปะสมัยใหม่ของ Leonardo da Vinci พร้อมกับคำถามและความลึกลับของชีวิต ในขณะเดียวกัน รูปภาพก็มีความเป็นส่วนตัวมาก มันสะท้อนถึงความเศร้าโศกของ Thesleff เกี่ยวกับการตายของพ่ออันเป็นที่รักของเธอ ซึ่งเกิดขึ้นเมื่อสองปีก่อนหน้านั้น

Thesleff เติบโตในครอบครัวนักดนตรี และตั้งแต่วัยเด็กเธอชอบร้องเพลงและเล่นดนตรีกับพี่สาวของเธอ หนึ่งในแรงจูงใจที่พบบ่อยที่สุดในงานของเธอคือเสียงสะท้อนหรือเสียงกรีดร้อง ซึ่งเป็นรูปแบบดนตรีดั้งเดิมที่สุด เธอมักจะพรรณนาถึงการเล่นไวโอลิน - หนึ่งในเครื่องดนตรีที่ประณีตและซับซ้อนที่สุด ตัวอย่างเช่น แบบจำลองสำหรับภาพวาด " การเล่นไวโอลิน” (“ นักไวโอลิน”) (พ.ศ. 2439) แสดงโดย Tira Elizaveta น้องสาวของศิลปินซึ่งมักจะโพสท่าให้เธอในช่วงทศวรรษที่ 1890

องค์ประกอบถูกคงอยู่ในโทนสีโปร่งแสงอบอุ่น หอยมุกโอปอล นักไวโอลินหันหน้าหนีจากผู้ชมโดยมุ่งความสนใจไปที่เกม ธีมของดนตรีซึ่งนับถือกันว่าเป็นศิลปะทางจิตวิญญาณและศักดิ์สิทธิ์ที่สุด เป็นหนึ่งในสัญลักษณ์ที่พบได้บ่อยที่สุด แต่ศิลปินแทบไม่ได้พรรณนาถึงนักดนตรีหญิงเลย

เช่นเดียวกับเพื่อนของเธอ Magnus Enkkel ในช่วงแรกของการทำงาน Ellen Thesleff ชอบการบำเพ็ญตบะผิวสี แต่แล้วสไตล์ของเธอก็เปลี่ยนไป ภายใต้อิทธิพลของ Kandinsky และแวดวงมิวนิกของเขา ศิลปินกลายเป็น Fauvist คนแรกในฟินแลนด์ และในปี 1912 เธอได้รับเชิญให้เข้าร่วมในนิทรรศการของ Finnish Association กันยายนผู้ยืนหยัดเพื่อสีสันอันบริสุทธิ์สดใส

อย่างไรก็ตาม การมีส่วนร่วมของเธอไม่ได้เกินขอบเขตของนิทรรศการ: Tesleff ไม่ได้เข้าร่วมกลุ่มใด ๆ โดยพิจารณาว่าความเหงาเป็นสถานะปกติของบุคลิกภาพที่แข็งแกร่ง เมื่ออายุมากขึ้น Thesleff ก็เริ่มสร้างจินตนาการที่มีสีสันและเลเยอร์สีต่างๆ เธอไปเที่ยวทัสคานีซ้ำแล้วซ้ำเล่ากับพี่สาวและแม่ของเธอ ซึ่งเธอได้วาดภาพทิวทัศน์อิตาลีที่มีแสงแดดสดใส

Tesleff ไม่เคยแต่งงาน แต่เธอเข้ามาแทนที่ในฐานะคนที่มีความคิดสร้างสรรค์ ศิลปินมีชีวิตยืนยาวและได้รับการยอมรับ

ศิลปะต่างประเทศใน Ateneum

คอลเลกชันศิลปะต่างประเทศของพิพิธภัณฑ์ Ateneum ประกอบด้วยภาพวาด ประติมากรรม และภาพวาดกว่า 650 ชิ้นที่สร้างสรรค์โดยปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียง เช่น Cezanne, Wag Gogh, Chagall, Modigliani, Munch, Repin, Rodin, Zorn

จากคอลเลกชันต่างประเทศ พิพิธภัณฑ์ Ateneumออกเดี่ยว "ถนนใน Auvers-sur-Oise" ของ Van Gogh(2433). Vincent van Gogh วาดภาพนี้ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิตในเมืองเล็ก ๆ ของ Auvers-sur-Oise ( โอแวร์-ซูร์-ออยส์) ตั้งอยู่ในหุบเขาที่เป็นสาขาของแม่น้ำแซน ประมาณ 30 กม. ทางตะวันตกเฉียงเหนือของ แวนโก๊ะต้องทนทุกข์ทรมานจากอาการป่วยทางจิต ไปที่ Auvers-sur-Oise ตามคำแนะนำของ Theo น้องชายของเขาเพื่อรับการรักษาโดย Dr. Paul Gachet ใน Auvers-sur-Oise มีคลินิกของแพทย์คนนี้ - ชายผู้ไม่สนใจศิลปะ คุ้นเคยกับศิลปินชาวฝรั่งเศสหลายคนและเป็นเพื่อนกับแวนโก๊ะด้วย

ในที่สุดเมือง Auvers-sur-Oise ก็กลายเป็นสถานที่เสียชีวิตของศิลปินผู้ซึ่งรู้สึกเหมือนเป็นภาระของพี่ชายและครอบครัวของเขา แวนโก๊ะยิงตัวเองแล้วเลือดออกจนตาย ศิลปินอาศัยอยู่ใน Auvers-sur-Oise ในช่วง 70 วันสุดท้ายของชีวิต เขาวาดภาพ 74 ภาพในช่วงเวลาสั้นๆ นี้ ซึ่งปัจจุบันภาพหนึ่งอยู่ในพิพิธภัณฑ์ศิลปะหลักในเฮลซิงกิ เป็นไปได้ว่าภาพวาดยังไม่เสร็จ (มองเห็นสีรองพื้นได้ในบางแห่ง) ความสว่างของท้องฟ้าตัดกับโทนสีเขียวที่สงบกว่าของโลกและโทนสีแดงของหลังคากระเบื้อง ดูเหมือนว่าฉากทั้งหมดอยู่ในการเคลื่อนไหวทางจิตวิญญาณซึ่งเต็มไปด้วยพลังงานที่ไม่สงบ

เรื่องราวที่น่าสนใจมากคือภาพวาด "Street in Auvers-sur-Oise" เข้ามาได้อย่างไร พิพิธภัณฑ์เอเทเนียม. ระยะหนึ่งหลังจากการตายของแวนโก๊ะ มันเป็นของธีโอ พี่ชายของศิลปิน และจากนั้นก็เป็นของภรรยาม่ายของเขา ซึ่งจูเลียน เลอแคลร์กซื้อผืนผ้าใบนี้ ( Julien Leclercq) เป็นกวีและนักวิจารณ์ศิลปะชาวฝรั่งเศส เป็นที่ทราบกันว่าในปี 1900 Leclerc ได้รับภาพวาด Van Gogh อย่างน้อย 11 ภาพจากภรรยาม่ายของ Theo หนึ่งปีต่อมา เขาจัดนิทรรศการย้อนหลังครั้งแรกของแวนโก๊ะ แต่ไม่นานก็เสียชีวิตอย่างกะทันหัน ภรรยาของ Leclerc เป็นนักเปียโน Fanny Flodin ( ฟานี่ฟลอดิน) น้องสาวของศิลปินและประติมากรชาวฟินแลนด์ Hilda Flodin ( ฮิลด้า ฟลอดิน). ในปี 1903 Fanny ขายภาพวาด Van Gogh ให้กับตัวแทนของนักสะสม Fridtjof Antell ซึ่งถูกกล่าวถึงซ้ำแล้วซ้ำอีกในราคา 2,500 มาร์ก (ประมาณ 9,500 ยูโรในค่าเงินปัจจุบัน) ผืนผ้าใบนี้ได้กลายเป็น ภาพวาดแรกของโบสถ์เก่า Wag Gogh

อัลเบิร์ต กุสตาฟ อริสตีด เอเดลเฟลต์ (1854–1905)

Albert Edelfelt เกิดในปี พ.ศ. 2397 ในประเทศฟินแลนด์ใกล้กับเมืองปอร์โว พ่อของเขาเป็นสถาปนิก เขารับเอาความรักในดนตรีและการวาดภาพมาจากพ่อของเขา อย่างไรก็ตามแม่เป็นคนที่ใกล้ชิดกับศิลปินในอนาคตมากที่สุด Albert Edelfelt เป็นผู้สร้างแม่ที่ทะเยอทะยานของเขาในหลาย ๆ ด้าน

ภาพเหมือนของแม่ของศิลปิน พ.ศ. 2426

เด็กชายได้รับบทเรียนการวาดภาพครั้งแรกที่โรงเรียนของ Finnish Art Society ในเฮลซิงกิ เขาตัดสินใจอุทิศตนให้กับการวาดภาพ เขาเข้าเรียนที่ Academy of Fine Arts ในแอนต์เวิร์ป แต่หนึ่งปีต่อมาเขาย้ายไปปารีส ซึ่งเขาได้เรียนบทเรียนจาก L. Jerome

ตัวแทนความจริง ได้รับอิทธิพลของอิมเพรสชันนิสม์ ผู้เขียนผืนผ้าใบประวัติศาสตร์, ภาพวาดจากชีวิตชาวบ้าน, ทิวทัศน์, ภาพบุคคล, โดดเด่นด้วยอิสระและการแสดงออกของรูปแบบศิลปะ, การส่งผ่านที่ละเอียดอ่อนของสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศ, ความสว่างของสีในเทศกาล

เมื่ออายุยี่สิบสามปี Edelfelt กลายเป็นบุคคลที่โดดเด่นที่สุดในการวาดภาพของฟินแลนด์และเป็นผู้นำการต่อสู้ของศิลปินรุ่นใหม่เพื่อความสมจริงและงานจากธรรมชาติ อัลเบิร์ตตั้งใจจะเป็นจิตรกรประวัติศาสตร์ เขาคาดหวังภาพวาดรักชาติ ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของแผนนี้คือ Duke Karl's Desecration of the Remains of C. Fleming (1878) เรื่องนี้เน้นการต่อสู้เพื่ออำนาจในฟินแลนด์ที่เกิดขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 16

ความเสื่อมเสียของ Duke Charles เหนือซากศพของ K. Fleming พ.ศ. 2421

การเล่นสีที่ยอดเยี่ยมและความสดชื่นของเยาวชนดึงดูดภาพวาด "Queen Blanca with a child" (1877)

แต่ชีวิตความเป็นอยู่ในดินแดนบ้านเกิดของเขาค่อยๆดึงดูดเขามากขึ้นเรื่อยๆ ผลงานชิ้นต่อไปของจิตรกรถูกสร้างขึ้นในรูปแบบของการพรรณนาถึงชีวิตพื้นบ้านที่สมจริง ที่บ้าน อัลเบิร์ตเดินทางไปกับชาวประมงที่ทะเลเปิดมากกว่าหนึ่งครั้ง จากนั้นในสตูดิโอในเฮโกะ เขาได้สร้างเรือประมงแปรรูปโดยเฉพาะเพื่อการทำงานที่ละเอียดแม่นยำ ความสำเร็จของภาพวาด "The Funeral of a Child" (1879) รวมถึงความสำเร็จที่แท้จริงของภาพวาด "At the Sea" (1883) ทำให้ Edelfelt เป็นปรมาจารย์ที่ได้รับการยอมรับในบ้านเกิดของเขา

งานศพเด็ก. พ.ศ. 2422

บนทะเล พ.ศ. 2426

ชื่อเสียงของ A. Edelfelt ในฐานะศิลปินแห่งชาติได้รับการยืนยันอย่างชัดเจนจากภาพวาดของเขาจากชีวิตคนทั่วไปในฟินแลนด์: "Boys by the Water" (1884), "Girl with a Rake" (1886), "Women from Ruoholahti" ( 2430).

นักวิจารณ์ชาวรัสเซีย V.V. Stasov เขียนว่า: "สิ่งที่ดีที่สุดใน Finns ของพวกเขาคือ Edelfelt และเขามีภาพที่โดดเด่นที่สุดของ Laundress (1889) ซึ่งเต็มไปด้วยความสมจริงและชีวิตที่สดใส" ภาพนี้ยังคงอยู่ในรัสเซียและตั้งแต่ปี 2473 ก็อยู่ในอาศรม

เครื่องซักผ้าผู้หญิง. พ.ศ. 2432

ความสนใจของผู้ชมมักถูกดึงดูดด้วยภาพวาด "จิตวิญญาณแห่งปารีส" อย่างแท้จริง "ในสวนลักเซมเบิร์ก" (พ.ศ. 2430) ในงานทางอากาศในช่วงหลายปีที่ผ่านมา A. Edelfelt ให้ความสำคัญกับปัญหาของแสงและสีเป็นอย่างมาก

ในสวนลักเซมเบิร์ก พ.ศ. 2430

หลังจากเดินทางไปทั่วยุโรปแล้ว Edelfelt ก็แวะพักที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเป็นเวลานาน เขามาที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กครั้งแรกในปี พ.ศ. 2424 ศิลปินและสังคมชาวรัสเซียทักทาย A. Edelfelt ด้วยความกระตือรือร้น ในปีพ. ศ. 2424 จิตรกรหนุ่มชาวฟินแลนด์ได้นำเสนอผลงานของเขาต่อศาลของสถาบันเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เขาประสบความสำเร็จอย่างมาก: เขาได้รับรางวัลนักวิชาการและจัดนิทรรศการเดี่ยวใน Tsarskoye Selo Edelfelt ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับราชวงศ์ ตามคำร้องขอของซาร์อเล็กซานเดอร์ที่ 3 เขาได้คัดลอกภาพวาด "On the Sea" และสร้างผลงานที่ได้รับมอบหมายจำนวนหนึ่ง ในช่วงเวลาเดียวกัน ศิลปินได้สร้างภาพบุคคลหลายประเภท ซึ่งภาพที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือภาพเหมือนของ Berta น้องสาวของศิลปินกับสุนัขในบ้านเดชาใน Heiko

เพื่อนที่ดี. พ.ศ. 2424

ภายใต้ชื่อ "เพื่อนที่ดี" (พ.ศ. 2424) สำเนาของภาพวาดนี้ถูกเก็บไว้ใน Ateneum และในโกเธนเบิร์ก ภาพวาด "ในสถานรับเลี้ยงเด็ก" (พ.ศ. 2428) ซึ่งมีลักษณะใกล้เคียงถูกซื้อโดย Alexander III สำหรับพระราชวัง Gatchina Athenium ยังจัดแสดงภาพวาดของ Sophie Manzey ที่สร้างขึ้นในช่วงหลายปีที่ผ่านมา

ภาพเหมือนของโซฟี มันเซย์

ด้วยความนิยมและอำนาจของ A. Edelfelt ศิลปะของฟินแลนด์จึงได้รับการยอมรับในรัสเซีย ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Edelfelt ได้พบกับบุคคลหนุ่มสาวของศิลปะรัสเซียใหม่ Sergei Diaghilev และ Alexander Benois: "เราแขวนอยู่บน Edelfelt ในสายตาของเรา หัวของเขาถูกล้อมรอบด้วยรัศมีแห่งการยอมรับของชาวปารีส" เบอนัวส์เขียนในภายหลัง ความใกล้ชิดของศิลปินชาวฟินแลนด์และรัสเซียถูกทำเครื่องหมายด้วยการจัดนิทรรศการร่วมกันหลายครั้ง ที่ใหญ่ที่สุดคือในปี พ.ศ. 2441 ในพิพิธภัณฑ์ที่โรงเรียนบารอนสตีกลิตซ์ มีการนำเสนอผลงานของศิลปินรุ่นเยาว์ในเวลานั้น: Serov, Repin, Vrubel - จากรัสเซีย; และ M. Enkel, Gallen-Kallela, Yarnefeld - จากฝั่งฟินแลนด์ นิทรรศการนี้กระตุ้นความสนใจอย่างมากในวัฒนธรรมฟินแลนด์และฟินแลนด์ในหมู่ประชาชนชาวรัสเซีย

แต่รูปแบบหลักของความคิดสร้างสรรค์สำหรับ A. Edelfelt ในวัยผู้ใหญ่ของเขาคือการวาดภาพบุคคล Edelfelt ทำงานอย่างกว้างขวางและประสบความสำเร็จในประเภทภาพบุคคล พีเขาเขียนเกี่ยวกับคำสั่งของรัฐบาลฝรั่งเศสภาพเหมือนของหลุยส์ ปาสเตอร์ (พ.ศ. 2428) ในปี 1880 และ 1890 Edelfelt ทำงานอย่างกว้างขวางตามคำสั่งของราชสำนักรัสเซีย แต่นอกเหนือจากภาพบุคคลอย่างเป็นทางการแล้วเขายังสร้างผลงานที่สวยงาม: "Portrait of a Mother", "Storyteller Larin Paraske", ภาพของ Aine Akte และ Ida Aalberg นักแสดงหญิงชาวฟินแลนด์ผู้ยิ่งใหญ่

ภูมิทัศน์ใช้พื้นที่ค่อนข้างน้อยในงานของ Edelfelt อย่างไรก็ตามใน Hermitage มีผลงานของเขา: "View of Porvo", สีน้ำ "View of the Lake in Kaukola", แกะสลัก "ต้นสนในหิมะ" อาศรมยังมีภาพวาดและภาพประกอบจำนวนมากโดยปรมาจารย์ชาวฟินแลนด์ที่โดดเด่น

ภาพร่างของงานของ Edelfelt จะไม่สมบูรณ์หากไม่กล่าวถึงงานล่าสุดของเขา: ในปี 1900-1904 ศิลปินกำลังยุ่งอยู่กับการสร้างแผงขนาดใหญ่ในห้องประชุมของมหาวิทยาลัยเฮลซิงกิในหัวข้อ: "การเปิดตัวมหาวิทยาลัยใน Turku ในปี 1640 " องค์ประกอบถูกสร้างขึ้นในรูปแบบของขบวนพาเหรดในชุดของศตวรรษที่ 17

การเปิดตัวมหาวิทยาลัยใน Turku ในปี 1640 1902 (คลิกได้)

Albert Edelfelt เสียชีวิตกะทันหันที่เดชาใกล้เมือง Porvo ในเดือนสิงหาคม พ.ศ. 2448 มันเป็นการระเบิดของศิลปะฟินแลนด์ แต่ภาพวาดของเขาก็น่าสนใจและเข้าใจได้สำหรับเราเช่นกัน เนื่องจากพวกเขามีความใกล้ชิดกับคนรุ่นราวคราวเดียวกัน

วลาดิมีร์ โลเซฟ

หญิงสาวในห้องส่วนตัว . พ.ศ. 2422

บนถนนช็องเซลิเซ่ พ.ศ. 2429

ภาพเหมือนของ Berta Edelfelt น้องสาวของศิลปิน พ.ศ. 2427

ภาพเหมือนของแม่ของศิลปิน พ.ศ. 2445

ผู้หญิงใต้ร่ม . พ.ศ. 2429

ลูกของพระเจ้าซาร์อเล็กซานเดอร์ที่ 3

นางแบบชาวปารีส พ.ศ. 2428

แมรี่ แม็กดาเลน. พ.ศ. 2434

วิบัติ พ.ศ. 2437

ชาวประมงฟินแลนด์ พ.ศ. 2441

พระคริสต์และมารีย์ชาวมักดาลา. 1890

ภาพเหมือนของหลุยส์ ปาสเตอร์ พ.ศ. 2428

เด็กผู้ชายเล่นบนชายหาด พ.ศ. 2427

เรือเล็ก. พ.ศ. 2427

ผู้หญิงในเรือ พ.ศ. 2429

เพื่อนบ้านนั่งข้างโบสถ์หลังพิธีมิสซา พ.ศ. 2430

ผู้หญิงชาวคาเรเลียน พ.ศ. 2430

ผู้หญิงกำลังถักถุงเท้า พ.ศ. 2429

สตรอว์เบอร์รี.

ผู้หญิงช่างคิดที่โบสถ์ พ.ศ. 2436

โซลวิก

บูชาที่หมู่เกาะอุสสิมา

กลับจากบวช.

ภาพเหมือนของหญิงสาว พ.ศ. 2434

อ่านปารีเซียง. 1880

ภาพเหมือนของมาดามวาเลอรี ราโด พ.ศ. 2431

วัฒนธรรมและศิลปะเป็นมรดกและทรัพย์สินของทุกรัฐ "ดินแดนแห่งทะเลสาบพันแห่ง" ไม่เพียงแต่เป็นสวรรค์แห่งการเล่นสกีและตกปลาสำหรับนักเดินทางและนักท่องเที่ยวเท่านั้น แต่ยังเป็นสถานที่สำหรับนักประวัติศาสตร์ศิลป์และผู้ที่ชื่นชอบความคิดสร้างสรรค์อีกด้วย ศิลปะได้รับการพัฒนาอย่างมากในฟินแลนด์ โดยเฉพาะการวาดภาพ หอศิลป์ พิพิธภัณฑ์ และนิทรรศการหลายแห่งจะสร้างความพึงพอใจให้กับผู้ที่ชื่นชอบงานศิลปะที่มีความซับซ้อนมากที่สุด

ศิลปินจากประเทศ Suomi ผู้ซึ่งได้รับการศึกษาแบบยุโรปในศตวรรษที่ 19 กลายเป็นปัจจัยหลักและแรงผลักดันที่เป็นแรงผลักดันให้เกิดการพัฒนาศิลปกรรมในฟินแลนด์ ก่อนที่จะเริ่มทำความคุ้นเคยกับตัวแทนของการวาดภาพของฟินแลนด์ เรามาทำความรู้จักกับผลงานของ "บิดาแห่งศิลปะและการวาดภาพของฟินแลนด์" Robert Ekman กันก่อน

โรเบิร์ต วิลเฮล์ม เอคแมน

เกิดในปี พ.ศ. 2351 ศิลปินในภาพวาดของเขาบรรยายถึงชีวิตของชาวนาฟินแลนด์ทั่วไป ความยากลำบากทั้งหมดในชีวิตของพวกเขา มุ่งความสนใจของสังคมไปที่นโยบายทางสังคมของรัฐฟินแลนด์เกี่ยวกับสามัญชน เมื่อโรเบิร์ตอายุ 16 ปี เขาไปสตอกโฮล์มเพื่อศึกษาที่สถาบันศิลปะแห่งสวีเดน ในฐานะที่เป็นเด็กและมีพรสวรรค์ที่ยอดเยี่ยม Ekman ได้รับทุนการศึกษาจากสวีเดนสำหรับความสามารถของเขาและต่อมาอาชีพของเขาในฐานะศิลปินมีส่วนทำให้เขาไปเรียนที่อิตาลีและฝรั่งเศสจากนั้นไปฮอลแลนด์ ในประเทศเหล่านี้ ปรมาจารย์แห่งพู่กันใช้เวลาเจ็ดปีเต็มตั้งแต่ปี พ.ศ. 2380 ถึง พ.ศ. 2387

เมื่อเดินทางกลับไปยังประเทศ Suomi โรเบิร์ต วิลเฮล์มตั้งรกรากในเมือง Turku ที่ซึ่งเขาเริ่มวาดภาพมหาวิหารในท้องถิ่นด้วยจิตรกรรมฝาผนังและภาพวาดของเขา หลังจากนั้นเขาได้ก่อตั้งโรงเรียนสอนวาดภาพในเมืองซึ่งเขามุ่งหน้าไปจนถึงปี พ.ศ. 2416 เขาแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงก้นเหวที่อยู่ระหว่างคนชั้นสูงและชาวนา ภาพวาดของจิตรกรทำให้ทุกคนตกใจด้วยความสมจริงที่ไม่เหมือนใครและไม่ได้ประดิษฐ์ขึ้น "บิดาแห่งการวาดภาพและศิลปะฟินแลนด์" เสียชีวิตในปี พ.ศ. 2416

Akseli Waldemar Gallen Kallela (กัลเลน-กัลเลลา อักเซลี)

Akseli Gallen Kallela เกิดในเมือง Bjorneborg เล็กๆ ของฟินแลนด์ (ชื่อปัจจุบันคือ Pori) ในเดือนเมษายน พ.ศ. 2406 นักสู้เพื่อเอกราชของฟินแลนด์ ศิลปินในผลงานของเขาพยายามอย่างดีที่สุดเพื่อบรรยายถึงการเรียกร้องให้ประเทศชาติต่อสู้เพื่อเอกราชของประเทศของตน ความทันสมัยที่มีอยู่ในจิตรกรทำให้ Axel Gallen Kallela สร้างภาพวาดที่เหมือนจริงมาก หลังจากสิ้นสุดสงครามกลางเมืองฟินแลนด์ (พ.ศ. 2461) ศิลปินได้มีส่วนร่วมในการออกแบบตราประจำตระกูลและธง ในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 ศิลปินอาศัยและทำงานในสหรัฐอเมริกามาระยะหนึ่งซึ่งเขาประสบความสำเร็จในการจัดนิทรรศการผลงานของเขา จิตรกรเสียชีวิตในปี 2474 ในสตอกโฮล์ม เขาเสียชีวิตด้วยโรคปอดบวม

ออสการ์ ไคลเนห์

จิตรกรภูมิทัศน์ทางทะเลชาวฟินแลนด์ที่มีชื่อเสียงที่สุดเกิดในเดือนกันยายน พ.ศ. 2389 ในเมืองหลวงของฟินแลนด์ รากเหง้าของออสการ์ในภาษาเยอรมัน "มาช่วย" ซึ่งทำให้เขาสามารถศึกษาต่อในประเทศเยอรมนีได้ที่เมืองดุสเซลดอร์ฟ ต่อมา Kleinech ศึกษาต่อที่ St. Petersburg และ Karlsruhe ความนิยมที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของจิตรกรทางทะเลนั้นมาจากภาพวาดที่แสดงถึงสิ่งมีชีวิตในทะเลและทิวทัศน์ ผลงานของผู้เขียนคนหนึ่งยังจัดแสดงใน St. Petersburg Hermitage ศิลปินเสียชีวิตในเมืองเฮลซิงกิบ้านเกิดของเขาในปี 2462