งานศิลปะนามธรรมนี้มีมูลค่าหลายล้านดอลลาร์ ชื่นชมความงามนี้! ภาพวาดที่แพงที่สุดในโลกหรือแต้ม? ภาพวาดสไตล์ Daub

อื้อฉาววงการศิลปะอเมริกา! ภาพวาดหลายสิบชิ้นที่ถือว่าเป็นผลงานชิ้นเอกของภาพวาดแนวนามธรรมที่พบใหม่กลายเป็นของปลอม มันคืออะไร - ความผิดพลาดร้ายแรงของผู้เชี่ยวชาญหรือความสามารถอันน่าทึ่งของนักต้มตุ๋น?

หรือเป็นเพียงการยืนยันตามวัตถุประสงค์ว่าในความเป็นจริงแล้ว ต้นฉบับของ "ผลงานชิ้นเอก" เหล่านี้เป็นเพียงป้ายโฆษณาซึ่งง่ายต่อการคัดลอก

การปิดศูนย์วัฒนธรรมทางสายตาที่ Mohyla Academy ไม่เพียงนำไปสู่การโต้เถียงอย่างรุนแรงในสังคมเท่านั้น แต่มันก็ทำให้ฉันคิดด้วยว่าทุกสิ่งที่นำเสนอภายใต้หน้ากากของงานศิลปะนั้นแท้จริงแล้วเป็นอย่างไร

อื้อฉาววงการศิลปะอเมริกา! ภาพวาดหลายสิบชิ้นที่ถือว่าเป็นผลงานชิ้นเอกของภาพวาดแนวนามธรรมที่พบใหม่กลายเป็นของปลอม มันคืออะไร - ความผิดพลาดร้ายแรงของผู้เชี่ยวชาญหรือความสามารถอันน่าทึ่งของนักต้มตุ๋น? หรือเป็นเพียงการยืนยันตามวัตถุประสงค์ว่าในความเป็นจริงแล้ว ต้นฉบับของ "ผลงานชิ้นเอก" เหล่านี้เป็นเพียงป้ายโฆษณาซึ่งง่ายต่อการคัดลอก

เกือบ 17 ปีที่แล้ว กลาฟิรา โรซาเลส พ่อค้างานศิลปะที่ไม่ค่อยมีใครรู้จักจากลองไอส์แลนด์ (นิวยอร์ก) เข้าไปในสถานที่อันหรูหราของแกลเลอรีของ Knoedler & Company พร้อมถือภาพวาดที่เธอวาดโดยศิลปิน Mark Rothko (ตัวแทนระดับแนวหน้า ของการกำกับศิลป์) .n การแสดงออกทางนามธรรม - ประมาณ).

เธอแสดงกระดานเล็กๆ ที่มีเมฆดำสองก้อนบนพื้นหลังสีพีชซีดๆ ให้แอน ฟรีดแมน ประธานคนใหม่ของ Knoedler ซึ่งเป็นหอศิลป์ที่เก่าแก่ที่สุดในนิวยอร์กดู

“ทันทีที่มองแวบแรก ฉันสนใจงานนี้” นางฟรีดแมนเล่าในภายหลัง เธอหลงใหลมากจนลงเอยด้วยการหางานให้ตัวเอง

ในอีก 10 ปีต่อมา นางโรซาเลสได้แวะเวียนไปที่คฤหาสน์ Knoedler Gallery ซึ่งมีเพดานที่ตกแต่งอย่างหรูหรา จัดแสดงผลงานของศิลปินสมัยใหม่ที่มีชื่อเสียง เช่น Jackson Pollock, Willem de Kooning และ Robert Motherwell

พวกเขาทั้งหมดปรากฏตัวครั้งแรกในตลาด เธอกล่าวว่าทั้งหมดเป็นของนักสะสมซึ่งคุณโรซาเลสปฏิเสธที่จะเอ่ยชื่อ

ภาพวาดได้รับการต้อนรับอย่างกระตือรือร้นจากทั้ง Knoedler Gallery และ Ann Friedman: มีการขายผลงานอย่างน้อย 20 ชิ้น โดยชิ้นหนึ่งขายได้ในราคา 17 ล้านเหรียญ

.

ปัจจุบัน ผู้เชี่ยวชาญหลายคนเรียกผลงานเหล่านี้ว่าเป็นของปลอม คนหนึ่งถูกตราว่า "ปลอม" อย่างเป็นทางการโดยคำสั่งศาล ในขณะที่คนอื่นๆ กำลังถูกสอบสวนโดยเอฟบีไอ Knoedler Gallery ซึ่งดำเนินธุรกิจมา 165 ปี ได้ปิดตัวลงและกำลังฟ้องร้องลูกค้าที่ซื้อภาพวาดของ Rosales ชิ้นหนึ่ง (หอศิลป์กล่าวว่าการปิดกิจการเป็นการตัดสินใจทางธุรกิจที่เกี่ยวข้องกับคดีความ) นางสาวฟรีดแมนซึ่งยังคงอ้างว่าภาพวาดเป็นของจริงก็ปรากฏตัวในคดีนี้เช่นกัน

ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมามีเหตุการณ์ไม่กี่เหตุการณ์ที่ทำให้ตลาดศิลปะสั่นคลอนเช่นเรื่องราวลึกลับเกี่ยวกับวิธีที่พ่อค้าศิลปะที่คลุมเครือสามารถค้นพบสมบัติภาพวาดที่คลุมเครือจำนวนมหาศาลที่สร้างขึ้นโดยไททันแห่งลัทธิการแสดงออกทางนามธรรม คำอธิบายที่เป็นไปได้แต่ละข้อมีภาระที่ไม่น่าเชื่อ

ถ้าภาพวาดเป็นของจริง แล้วทำไมสีบนบางภาพถึงมีสีที่ยังไม่ได้ประดิษฐ์ขึ้นในขณะที่ทำ?

หากพวกเขาเป็นของปลอม แล้วใครคือนักปลอมแปลงที่มีพรสวรรค์เหนือธรรมชาติเหล่านี้ที่สามารถทำให้ผู้เชี่ยวชาญเข้าใจผิดได้

และถ้าภาพวาดนั้นเป็นของจริงแต่ถูกขโมยไป ทำไมเจ้าของไม่ออกมาเปิดเผยหลังจากที่เรื่องนี้เผยแพร่ออกไป?

น่าเสียดายที่บุคคลเดียวที่สามารถไขปริศนานี้ได้คือคุณโรซาเลส ปฏิเสธที่จะพูด อย่างน้อยก็ในที่สาธารณะ อย่างไรก็ตาม รายละเอียดบางอย่าง "รั่วไหล" จากเอกสารของศาลและการสัมภาษณ์ผู้เข้าร่วมคนอื่นๆ ในคดีนี้ และเพียงพอที่จะอธิบายว่าเกิดอะไรขึ้น

Dame Rosales วัย 55 ปี สตรีผู้มีเสน่ห์และมีการศึกษาชาวเม็กซิกัน และ Jose Carlos Bergantinos Diaz สามีของเธอ ซึ่งมีพื้นเพมาจากสเปน ครั้งหนึ่งเคยเปิดแกลเลอรี่เล็กๆ ชื่อ King Fine Arts ซึ่งตั้งอยู่ในแมนฮัตตันที่ West 19th Street สามีภรรยาคู่นี้ซึ่งมีบัญชีการประมูลชั้นนำของ Sotheby's และ Christie's กล่าวในคำให้การของศาลว่าพวกเขาเป็นเจ้าของหรือขายภาพวาดของศิลปินชื่อดัง ซึ่งรวมถึง Andy Warhol ซึ่งนาย Bergantinos อธิบายว่าเป็นเพื่อน

จากข้อมูลนี้ ดูเหมือนเป็นเรื่องแปลกที่คุณโรซาเลสติดต่อคนกลางอย่าง Knoedler Gallery ซึ่งค่าคอมมิชชั่น "กัดไม่ขาด" ในค่าคอมมิชชั่นของเธอเอง ส่วนหนึ่งของคำตอบนี้อาจอยู่ในระยะห่างระหว่างสถานะของโรซาเลสและฟรีดแมนในโลกศิลปะ

นางฟรีดแมนสูง ผอมบางและมีความมั่นใจมาก เธอดูแลหอศิลป์ที่ได้รับการยอมรับมากที่สุดแห่งหนึ่งในสหรัฐอเมริกา เธอพบกันในมื้อเช้ากับนักสะสมระดับไฮเอนด์ ผู้ซื้อที่ทุ่มเงินหลายล้านเพื่อซื้อภาพวาด เธอและสามีของเธอ โรเบิร์ต ฟรีดแมน นักธุรกิจอสังหาริมทรัพย์เป็นนักสะสม

ผู้หญิงสองคนนี้ได้รับการแนะนำโดยพนักงานของแกลเลอรี Jaime Andrade ซึ่งบังเอิญไปพบกับคุณโรซาเลสในงานเลี้ยงค็อกเทล ตามที่แอน ฟรีดแมนบอก ในตอนแรกโรซาเลสบอกเธอเพียงว่าเธอเป็นตัวแทนผลประโยชน์ของเพื่อนของเธอ ซึ่งเป็นเจ้าของอสังหาริมทรัพย์ในเม็กซิโกซิตี้และซูริก และชื่อที่เธอใช้ปกปิดเป็นความลับ สิ่งนี้ทำให้ไม่มีใครประหลาดใจ ฟรีดแมนอธิบาย นักสะสมส่วนตัวมักชอบที่จะไม่เปิดเผยตัวตน อย่างไรก็ตามเมื่อเวลาผ่านไปรายละเอียดเพิ่มเติมเกี่ยวกับเจ้าของก็ปรากฏขึ้น โรซาเลสบอกเธอว่าเธอได้รับภาพวาดนี้มาจากพ่อของเธอ ซึ่งเป็นผู้รวบรวมภาพวาดด้วยความช่วยเหลือจากเดวิด เฮอร์เบิร์ต พ่อค้าชาวนิวยอร์กที่เสียชีวิตในปี 2538

เฮอร์เบิร์ตถูกกล่าวหาว่าวางแผนที่จะสร้างแกลเลอรีใหม่โดยอิงจากผลงานเหล่านี้ ซึ่งเจ้าของคอลเลกชั่นจะได้รับทุนสนับสนุน แต่ผู้ก่อตั้งทั้งสองหนีไป และท้ายที่สุด ภาพวาดก็ลงเอยที่ห้องใต้ดินของนักสะสม ซึ่งพวกเขาถูกเก็บไว้จนกระทั่งเสียชีวิต

คุณโรซาเลสมีภาพเหมือนของเฮอร์เบิร์ตโดยเอลส์เวิร์ธ เคลลี่ ซึ่งเพิ่งเป็นส่วนหนึ่งของนิทรรศการที่พิพิธภัณฑ์บรู๊คลิน สิ่งที่เธอไม่มีคือบันทึกการเป็นเจ้าของภาพวาดสมัยใหม่มากกว่าสองโหลที่เธอวางตลาด

การขายผลงานของศิลปินที่มีชื่อเสียงโดยไม่มีหลักฐานแหล่งที่มาถือเป็นสถานการณ์ที่หายาก ในการจัดการกับภาพวาดที่ไม่มีเอกสาร ซึ่งตามทฤษฎีแล้ว ทนายความคนหนึ่งกล่าวว่า อาจถูกทาสี "ในโรงรถของคุณโรซาเลส" แอนน์ ฟรีดแมน กล่าว โดยเน้นที่สิ่งที่สำคัญจริงๆ นั่นคือคุณภาพ งานดังกล่าว

และพวกเขาก็ไม่ธรรมดา” ฟรีดแมนกล่าว เธอเชิญผู้เชี่ยวชาญหลายคนมาตรวจสอบความประทับใจของเธอที่มีต่อภาพวาดของ Rothko, Pollock, Barnett Newman, Clifford Stills และคนอื่นๆ ซึ่งเป็นผืนผ้าใบที่ตัวแทนจำหน่าย Rosales จัดหาให้ Claude Cernuchi ผู้เขียนหนังสือเกี่ยวกับ Pollock ได้รับรองภาพวาดขนาดเล็ก "Untitled, 1950" ที่ลงนามใน "J. พอลล็อค หอศิลป์แห่งชาติ ซึ่งมีคอลเลคชันผลงานศิลปะบนกระดาษของ Rothko จำนวนมาก กล่าวว่าภาพวาดของ Rothko 2 ภาพเป็นของจริง

ก่อนปี 2000 นางฟรีดแมนซื้อข้อเสนอของโรซาเลสเอง 3 ข้อเสนอ ได้แก่ Rothko จากการพบกันครั้งแรก Untitled 1959 ในราคา 200,000 ดอลลาร์ Pollock ในราคา 300,000 ดอลลาร์ และ Motherwell ในราคา 20,000 ดอลลาร์ “หากแอน ฟรีดแมนมีข้อสงสัยใดๆ เกี่ยวกับงานเหล่านี้ เธอและสามีคงไม่ลงทุนหลายแสนดอลลาร์กับงานเหล่านี้” ทนายความของเธอกล่าวในโอกาสนี้

Clouds เริ่มรวมตัวกันในปี 2546 เมื่อผู้บริหารระดับสูงของธนาคารเพื่อการลงทุน Goldman Sachs ต้องการตรวจสอบภาพวาดของ Pollock (ที่คาดคะเนว่า) ไม่มีชื่อในปี 1949 ซึ่งเขาซื้อมาจาก Knoedler Gallery เขามอบคอร์ตินให้กับ International Foundation for Artistic Research ซึ่งเป็นองค์กรอิสระที่ไม่แสวงหาผลกำไร และหลังจากการวิเคราะห์ คณะกรรมาธิการนิรนามปฏิเสธที่จะยืนยันความถูกต้องของภาพวาด โดยตั้งคำถามถึงรูปแบบและที่มาของภาพ

ผู้ซื้อขอเงินคืน นางฟรีดแมนให้เงินสองล้านดอลลาร์แก่เขาในทันทีและซื้อผ้าใบย้อมสีขาว ดำ และแดงด้วยตนเองโดยร่วมมือกับหอศิลป์และเพื่อนร่วมโรงละครชาวแคนาดา เดวิด เมียร์วิช Mr. Mirvish ซึ่งเป็นอดีตตัวแทนจำหน่ายงานศิลปะกล่าวว่าเขาไม่สนใจการจัดอันดับที่ไม่ระบุชื่อ (เขาและ Knoedler ยังลงทุนในผลงานอีกสองชิ้นของ Pollock ที่จัดทำโดย Rosales)

แต่ก็ได้รับค่าประมาณจากแหล่งอื่นด้วย Mirvis ในปี 2549 ได้นำศิลปิน Frank Stella ซึ่งเป็นศิลปินร่วมสมัยของ Abstract Expressionists มาที่แกลเลอรี หลังจากตรวจสอบภาพวาดหลายผืนที่มาจากโรซาเลส สเตลล่ากล่าวว่า: "แต่ละภาพดีเกินกว่าจะเป็นของจริง แต่เมื่อคุณเห็นพวกเขาในบริบททั่วไป เป็นกลุ่ม คุณจะเข้าใจว่ามันเป็นของจริง" - อย่างน้อยก็เป็นเช่นนั้น เกี่ยวกับมัน การสนทนาเป็นพยานในศาลโดยแอนฟรีดแมน

ที่น่าประทับใจที่สุดคือภาพวาดของโรซาเลสได้รับการยืนยันในตลาด คุณฟรีดแมนรับรองว่าเธอขายผลงานทั้งหมด 15 หรือ 16 ชิ้นผ่าน Knoedler Gallery ซึ่งมีมูลค่ารวมระหว่าง 27 ล้านถึง 37 ล้านดอลลาร์

ภาพวาดที่แพงที่สุดคือ "Untitled 1950" ซึ่งถูกกล่าวหาโดย Pollock ซึ่งซื้อผ่านคนกลางในปี 2550 โดย Pierre Lagrange ผู้อำนวยการกองทุนเฮดจ์ฟันด์ในลอนดอน แกลเลอรีร่วมกับมิสเตอร์มิร์วิชได้ซื้อภาพวาดที่มีเส้นสีดำ แดง และขาวบนพื้นหลังสีเงินสว่างในราคา 2 ล้านดอลลาร์เมื่อสองสามปีก่อน ลากรองจ์จ่าย17ล.

นี่คือพอลล็อคตัวจริง และทันทีที่ผู้เชี่ยวชาญไม่ได้สังเกตทันทีว่าเส้นเหล่านี้ที่เปื้อนบนผืนผ้าใบนั้นดีกว่าเส้นที่เปื้อนบนผืนผ้าใบปลอมมากแค่ไหน?

ไม่กี่วันหลังจากทำข้อตกลงกับลากรองจ์ นางฟรีดแมนได้เชิญพนักงานหลายคนของมูลนิธิเดดาลัสที่ไม่แสวงหาผลกำไร ซึ่งโรเบิร์ต มาเธอร์เวลล์สร้างขึ้นเพื่อปกป้องมรดกทางศิลปะของความทันสมัย ​​มาที่ Knoedler Gallery เธอต้องการให้พวกเขาเห็นมาเธอร์เป็นครั้งสุดท้าย

เป็นภาพวาดลำดับที่เจ็ดที่โรซาเลส พ่อค้างานศิลปะขายให้กับฟรีดแมนหรือจูเลียน ไวส์แมน ผู้ค้ารายอื่นในนิวยอร์กภายในเวลาแปดปี ภาพวาดที่มีลายเส้นสีดำขนาดใหญ่และรอยเปื้อนกระจายอยู่ทั่วผืนผ้าใบ ดูเหมือนจะเป็นของชุดภาพที่โดดเด่นของมาเธอร์เวลล์ที่รู้จักกันในชื่อ Spanish Elegies เจ้าหน้าที่ของมูลนิธิได้เห็น "ความสง่างาม" ใหม่นี้หลายตัวแล้วและยอมรับว่าเป็นของแท้

แต่ไม่กี่สัปดาห์หลังจากการเยี่ยมชม Knoedler Gallery ในระหว่างการประชุมคณะกรรมการของมูลนิธิ สมาชิกบางคนเริ่มตั้งคำถามถึงความถูกต้องของลายเซ็นและรูปแบบของ "ความสง่างาม" ที่เพิ่งค้นพบใหม่ Jack Flam ประธานมูลนิธิกล่าวว่าในไม่ช้าเขาก็รู้ว่างานอื่น ๆ "จาก Rosales" ซึ่งเป็นผลงานของ Pollock และ Richard Diebenkorn ได้รับความสงสัย

ไม่ใช่ทุกคนในมูลนิธิที่ตัดสินใจว่าจำเป็นต้องปลุก Joan Banach ผู้ช่วยส่วนตัวของ Motherwell และพนักงานมูลนิธิทหารผ่านศึก กล่าวว่า Flam ยืนยันอย่างไม่มีเงื่อนไขเกี่ยวกับความถูกต้องของภาพวาด และด้วยเหตุนี้จึงเป็นการละเมิดขั้นตอนการประเมินภาพวาดของมูลนิธิ ต่อมาเธอฟ้องมูลนิธิ โดยกล่าวหาว่าเธอถูกไล่ออกเพราะวิจารณ์คุณเฟลม (มูลนิธิปฏิเสธเรื่องนี้)

“เป็นไปได้มากกว่าไม่” คือวิธีที่นางบานัคประเมินความถูกต้องของภาพวาดมาเธอร์เวลล์ ซึ่งหอศิลป์ Knoedler ได้รับมาจากโรซาเลสในเอกสารของศาล

แต่ประธานมูลนิธิ แจ็ค แฟลม ตั้งใจแน่วแน่ที่จะพิสูจน์ว่าภาพวาดเหล่านี้ปลอมแปลง เขาจ้างนักสืบเอกชนเพื่อสืบสวนกิจกรรมของโรซาเลสและสามีของเธอ และยืนกรานที่จะตรวจสอบทางนิติวิทยาศาสตร์หลายครั้ง

ในเย็นเดือนมกราคม 2552 เฟลมและฟรีดแมนพบกันเพื่อหารือเกี่ยวกับผลลัพธ์ พวกเขานั่งลงในโถงผิดห้องซึ่งมี "เครื่องราชอิสริยาภรณ์" แขวนอยู่ 2 อัน อันหนึ่งเป็นของนางฟรีดแมน ผู้เชี่ยวชาญด้านนิติวิทยาศาสตร์สรุปว่าทั้งสองมีสารสีที่ประดิษฐ์ขึ้นสิบปีหลังจากปี พ.ศ. 2496 และ พ.ศ. 2498 ซึ่งเป็นวันที่ที่ระบุไว้บนผืนผ้าใบ

Ann Friedman ไม่เห็นด้วยกับการค้นพบนี้ ศิลปินมักได้รับสีใหม่ ๆ เพื่อทดลองก่อนที่พวกเขาจะได้รับการจดสิทธิบัตรและออกสู่ตลาดเสียอีก แต่มูลนิธิเดดาลัสยังคงยืนหยัด: พ่อค้างานศิลปะโรซาเลสได้รับการยืนยันในเอกสารของศาลในเวลาต่อมาว่าเป็น

ในไม่ช้าข้อพิพาทเกี่ยวกับภาพวาดของมาเธอร์ก็มาถึง FBI ซึ่งเปิดการสอบสวน ทนายความของโรซาเลสยอมรับว่าลูกความของเขากำลังถูกสอบสวน และเสริมว่าเธอ "ไม่เคยขายภาพวาดโดยรู้เท่าไม่ถึงการณ์โดยรู้ว่าเป็นของปลอม"

แอน ฟรีดแมนได้รับหมายจับจากเอฟบีไอในเดือนกันยายน 2552 แม้ว่าทนายความของเธอจะบอกว่าเอฟบีไอไม่ถือว่าเธอตกเป็นประเด็นในการสอบสวนก็ตาม เธอเกษียณจากแกลเลอรี่ในเดือนต่อมา ทั้งฟรีดแมนและแกลเลอรียืนยันว่าการสืบสวนไม่มีส่วนเกี่ยวข้องกับการเลิกจ้างของเธอ ซึ่งเป็นเพราะฟรีดแมนไม่เต็มใจที่จะรวมแกลเลอรี Knoedler เข้ากับแกลเลอรีอื่น

อย่างไรก็ตาม การหลีกหนีจากปัญหาเกี่ยวกับภาพวาดของโรซาเลสนั้นยากกว่ามาก ปีที่แล้ว หนึ่งใน "ความสง่างาม" กลายเป็นพื้นฐานในการฟ้องร้องโดยแกลเลอรีชาวไอริชที่ซื้อภาพวาดนี้ และหลังจากเกิดเรื่องอื้อฉาว เรียกร้องให้คืนเงิน 650,000 ดอลลาร์ให้กับมัน

มูลนิธิเดดาลัสมีส่วนเกี่ยวข้องกับคดีนี้เพราะหลังจากการตรวจสอบทางนิติเวชแล้ว เขาเป็นผู้ประกาศว่า "ความสง่างาม" ทั้งหมดที่ได้รับผ่านโรซาเลสเป็นของปลอม รวมถึงภาพที่เขาเคยรับรู้อย่างไม่เป็นทางการมาก่อนว่าเป็นของจริง และหนึ่งในนั้นคือภาพวาดที่ขายให้กับชาวไอริช

คดีถูกปิดในเดือนตุลาคม โรซาเลสตกลงที่จะจ่ายค่าใช้จ่ายส่วนใหญ่ของภาพวาดและค่าธรรมเนียมทางกฎหมาย และภาพวาดเองตามคำร้องขอของมูลนิธิเดดาลัส ได้รับการประทับตราที่ด้านหลังด้วยตราประทับหมึก "ปลอม" ที่ไม่สามารถลบออกได้ เดดาลัสเคยประกาศว่าภาพวาดนี้เป็นของจริง และอีกครั้งหนึ่งบอกว่ามันเป็นของปลอม อย่างไรก็ตาม อีกด้านหนึ่ง โดยทนายของพวกเขายังคงอ้างว่าภาพวาดนั้นเป็นของแท้

ไม่กี่สัปดาห์ต่อมา รูปภาพอื่นกลายเป็นสาเหตุของข้อพิพาท Pierre Lagrange หย่ากับภรรยาและต้องการขาย Untitled 1950 แต่การประมูลของ Sotheby's และ Christie's ปฏิเสธที่จะจัดการกับภาพวาดนี้เนื่องจากมีข้อสงสัยเกี่ยวกับแหล่งกำเนิดของมันและไม่มีอยู่ในแคตตาล็อกทั้งหมดของผลงานของ Pollock ลากรองจ์เรียกร้องให้ Knoedler Gallery นำภาพวาดกลับคืน และสั่งการตรวจสอบทางนิติวิทยาศาสตร์บนผืนผ้าใบของเขาเอง

เมื่อวันที่ 29 พฤศจิกายน ผลการวิเคราะห์ออกมา: เม็ดสีเหลืองสองสีที่ใช้ในภาพวาดไม่ได้ถูกประดิษฐ์ขึ้นจนกระทั่งหลังจากพอลลอคเสียชีวิตในปี 2499 ข้อสรุปถูกส่งไปที่ Knoedler Gallery วันรุ่งขึ้นเธอประกาศปิดตัว

ในเดือนธันวาคม โรซาเลสและฟรีดแมนได้พบกันอีกครั้ง แต่ครั้งนี้จัดขึ้นที่ศาลแขวงกลางของแมนฮัตตัน ซึ่งพวกเขาถูกเรียกตัวตามคดีของมิสเตอร์ลากรองจ์ เขาอยากได้เงิน 17 ล้านของเขาคืน

ภาพวาดนี้โดยมาเธอร์เวลล์ถูกประทับตรา "การปลอมแปลง" อย่างถาวรที่ด้านหลัง ในขณะเดียวกันกองทุนศิลปะเดียวกันที่ยืนยันรูปลักษณ์ของแบรนด์นี้ก่อนหน้านั้นได้ยืนยันความถูกต้องของภาพวาด รูปถ่าย: โรเบิร์ต แคปลิน จาก The New York Times

ผู้หญิงสองคนกล่าวทักทายสั้น ๆ หลังจากนั้นโรซาเลสก็หันไปใช้การแก้ไขรัฐธรรมนูญครั้งที่ห้าของสหรัฐฯ ซึ่งให้สิทธิแก่พลเมืองที่จะไม่ปรักปรำตนเอง ตั้งแต่นั้นมา พวกเขาไม่ได้ติดต่อกันเลย ทนายความของพวกเขาระบุ

เป็นไปไม่ได้ที่จะบอกว่าศาลหรือการสอบสวนทางอาญาจะสามารถให้คำตอบที่น่าเชื่อถือเกี่ยวกับความลึกลับของงานเหล่านี้ได้หรือไม่

ความถูกต้องยากที่จะตรวจสอบ โดยทั่วไปแล้วการนัดหมายด้วยเม็ดสีถือเป็นวิธีการที่เชื่อถือได้ แต่นี่ไม่จำเป็นต้องเป็นข้อโต้แย้งที่เด็ดขาด ตัวอย่างเช่น Mark Golden CEO ของ Golden Artist Colour ซึ่งพ่อของ Sam ได้สร้างสีทดลองสำหรับศิลปินอย่าง Pollock ได้กล่าวถึงความเชื่อของเขาว่าพ่อของเขาไม่เคยสร้างสีเหลืองในภาพวาดที่น่าสงสัย อย่างไรก็ตาม เขาสังเกตว่าส่วนประกอบแต่ละส่วนของเม็ดสีเหล่านี้มีอยู่ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1940

ในคดีอาญาแถบจะสูงขึ้น การฟ้องร้องต้องพิสูจน์ว่าผลงานของโรซาเลสเป็นของปลอม และแม้แต่ผู้เชี่ยวชาญก็ไม่เห็นด้วยในเรื่องนี้ และหากเป็นของปลอม ทางการต้องพิสูจน์ว่าคุณโรซาเลสมีส่วนเกี่ยวข้องกับการฉ้อโกง และไม่ได้ถูกหลอกในลักษณะเดียวกัน

ในขณะเดียวกัน ภาพวาดที่เป็นจุดศูนย์กลางของคดีแพ่ง "Untitled 1950" ก็ไม่ปรากฏบนฝาผนังในห้องนั่งเล่นของนายลากรองจ์อีกต่อไป กระดานขนาด 15 x 28 นิ้วกลายเป็นเด็กกำพร้าในโลกศิลปะและอยู่ในนรกของศิลปะ และเขากำลังรอให้เธอถูกยกขึ้นสู่ท้องฟ้าในฐานะผลงานชิ้นเอก มิฉะนั้นพวกเขาจะถูกใส่ร้ายว่าเป็นของปลอม

แพทริเซีย โคเฮน นิวยอร์กไทมส์

แปลจากต้นฉบับเป็นภาษายูเครน:ข้อความ , ต้นฉบับ"เหมาะกับการฟ้อง" โดย PATRICIA COHEN เผยแพร่: 22 กุมภาพันธ์ 2555

ทุกวันนี้มีคนแปลกๆ มากมายที่ยอมจ่ายเงินหลายหมื่นล้านให้กับคนธรรมดาอย่างฉันที่เขียนลวกๆ) ไม่ว่าในกรณีใดฉันขอแนะนำให้ทำความคุ้นเคยกับสิบภาพวาดที่แพงที่สุดในโลกในขณะนี้!

บางคนจะชอบพวกเขาบางคนจะไม่เข้าใจงานศิลปะดังกล่าว แต่ความจริงที่ว่ามีคนที่พร้อมจะให้เงินจำนวนมากสำหรับพวกเขานั้นเป็นความจริงที่เถียงไม่ได้

ดังนั้นหมายเลข 10 ในรายการ ภาพวาดที่แพงที่สุดเรามีภาพเหมือนที่สองของ Gustav Klimt ของ Adele Bloch-Bauer ซึ่งขายได้ในราคา 89.1 ล้านเหรียญ ประวัติเล็กน้อย ในปี 1912 Gustav Klimt ศิลปินชาวออสเตรียวาดภาพเหมือนของ Adele Bloch-Bauer II - ภรรยาของ Ferdinand Bloch-Bauer นักอุตสาหกรรมผู้มั่งคั่งในยุคนั้นซึ่งให้การสนับสนุนงานศิลปะประเภทต่างๆ รวมถึง Gustav Klimt เองด้วย) Adele Bloch-Bauer เป็นผู้ นางแบบคนเดียวที่ Klimt วาดสองครั้ง - เธอยังปรากฏใน The First Portrait of Adele Bloch-Bauer เห็นได้ชัดว่าเฟอร์ดินานด์สนับสนุนศิลปินอย่างดี ;)

อันดับที่ 9 - ภาพเหมือนตนเองของ Vincent van Gogh ซึ่งประมูลได้ 90.1 ล้านดอลลาร์ โดยทั่วไป Dane Van Gogh ชอบวาดภาพตัวเอง - และทั้งหมดรวมถึง "ดอกทานตะวัน" ที่มีชื่อเสียง เป็นที่นิยมและเป็นภาพเขียนที่โด่งดังที่สุดของเขา โดยรวมแล้วเขาวาดภาพตัวเองมากกว่า 12 ภาพตั้งแต่ปี พ.ศ. 2429 ถึง พ.ศ. 2432

อันดับที่ 8 - ภาพวาด "Dora Maar กับลูกแมว" โดย Pablo Picasso ซึ่งมีราคา 97 ล้านเหรียญ ภาพวาดนี้วาดในปี 1941 แสดงให้เห็นดอร่า มาร์ ผู้เป็นที่รักของชาวโครเอเชียของปิกัสโซ นั่งอยู่บนเก้าอี้โดยมีลูกแมวอยู่บนไหล่ (แม้ว่าจะดูเหมือนลูกแมวยังคงเดินอยู่บนหลังเก้าอี้มากกว่า) เมื่อฉันเห็นภาพนี้ฉันก็รู้ว่าลูกแมวของ Picasso ออกมาดีที่สุด))

อันดับที่ 7 ถูกครอบครองโดยภาพวาดของ Van Gogh อีกครั้ง แต่คราวนี้ไม่ใช่ภาพเหมือนตนเอง) ผู้ซื้อต้องจ่าย 97.5 ล้านดอลลาร์สำหรับภาพวาด "ไอริส" แต่อย่างน้อยก็ดูเหมือนภาพวาดมากหรือน้อย - ฉัน จะไม่เสียใจแม้แต่ 10 เหรียญสำหรับสิ่งนี้! นี่เป็นหนึ่งในผลงานชิ้นแรกๆ ของแวนโก๊ะ ซึ่งเขียนโดยเขาในระหว่างที่เขาพักรักษาตัวในโรงพยาบาลเซนต์ Paul de Mousol ในจังหวัด Sanremo ของฝรั่งเศสหนึ่งปีก่อนที่เขาจะเสียชีวิตในปี 2433

ในบรรทัดที่ 6 - Picasso อีกครั้ง) ดูเหมือนว่าพวกเขาตัดสินใจที่จะ "วัด" กับ Van Gogh =) ไม่ว่าในกรณีใดสำหรับภาพวาดของ Pablo Picasso "Boy with a pipe" จากคอลเลคชันส่วนตัวของ John Hay Whitney ในการประมูลของ Sotheby ที่จัดขึ้น ในนิวยอร์ก 5 พฤษภาคม 2547 ให้เงิน 104.1 ล้านดอลลาร์ที่ราคาเริ่มต้น 70 ล้านดอลลาร์ อย่างไรก็ตาม นักประวัติศาสตร์ศิลปะหลายคนเชื่อว่าราคาที่สูงลิ่วนั้นน่าจะเกี่ยวข้องกับชื่อใหญ่ของศิลปินมากกว่าคุณค่าทางประวัติศาสตร์ที่แท้จริงของภาพวาดของเขา

อันดับที่ 5 คือเส้นศูนย์สูตรของรายการ ภาพวาดที่แพงที่สุด, ถูกครอบครองโดย Pierre-August Renoir พร้อมภาพวาด "Ball at Montmartre" ในช่วงเวลาของการขาย ภาพวาดนี้พร้อมกับภาพ "Portrait of Dr. Gachet" ของ Van Gogh เป็นภาพวาดที่แพงที่สุดเท่าที่เคยขายมา และทั้งสองภาพเป็นของ Saito นักอุตสาหกรรมชาวญี่ปุ่น เรื่องราวที่น่าสนใจเกี่ยวข้องกับเขา - ความจริงก็คือ Saito ได้พินัยกรรมหลังจากการตายของเขา (และเกิดขึ้นในปี 1991) เพื่อเผาภาพวาดทั้งสองนี้พร้อมกับเขาซึ่งทำให้เกิดกระแสความขุ่นเคืองไปทั่วโลก อย่างไรก็ตาม สหายของเขาตัดสินใจทำอย่างอื่น และเมื่อเผชิญกับภัยคุกคามของการล้มละลาย เขาจึงขาย Renoir ที่ Sotheby's ในราคา 122.8 ล้านดอลลาร์ ผู้ซื้อประสงค์จะไม่เปิดเผยตัวตน แต่สันนิษฐานว่าตอนนี้ภาพวาดอยู่ในสวิตเซอร์แลนด์

อันดับที่ 4 - Van Gogh อีกครั้งกับ "Portrait of Doctor Gachet" ที่กล่าวถึงก่อนหน้านี้ ในความเป็นจริงภาพวาดนี้มีสองเวอร์ชันซึ่งทั้งสองวาดในปี 1890 ในเดือนสุดท้ายของชีวิตของศิลปิน - และทั้งคู่นั่งอยู่ที่โต๊ะหมอวางศีรษะไว้ที่มือขวา แต่ความแตกต่างระหว่างพวกเขาทำได้ มองเห็นได้แม้ด้วยตาเปล่า ภาพวาดนี้ขายในราคา 129.7 ล้านเหรียญสหรัฐ

เราได้กล่าวถึงภาพวาดซึ่งอยู่ใน "สีบรอนซ์" ซึ่งเป็นขั้นตอนที่สามของรายการของเราในตอนต้น - นี่คือ "ภาพเหมือนแรกของ Adele Bloch-Bauer" โดย Gustav Klimt อย่างที่คุณเห็นภาพนี้ดูดีและมีราคาแพงกว่า) มันถูกทาสีในปี 2450 และตามข้อมูลจากแหล่งเฉพาะถูกขายในปี 2549 ให้กับเจ้าของแกลเลอรี Neue Galerie Ronald Lauder ในนิวยอร์กในราคา 135 ล้านดอลลาร์ ทำให้ภาพวาดมีราคาแพงที่สุดเท่าที่เคยมีมาหรือขายได้ในเวลานั้น

อันดับที่สองคือภาพวาดที่ฉันไม่สามารถเข้าใจได้อย่างสมบูรณ์สำหรับฉันที่เรียกว่า "Woman 3" โดย Willem de Kooning นักแสดงออกเชิงนามธรรม แม้ว่าคุณจะดูที่ตัวศิลปินเองและภาพวาดอื่น ๆ ของเขา คุณสามารถพูดได้ว่านี่คือมงกุฎของเขา งาน)))“ Woman 3” เป็นหนึ่งในหกภาพวาดของศิลปินซึ่งในธีมหลักเป็นผู้หญิง) ผ้าใบขนาด 170 x 121 ซม. ถูกวาดในปี 2496 และในเดือนพฤศจิกายน 2549 David Geffen ขายให้กับ มหาเศรษฐี Stephen Cohen ในราคา 137.5 ล้านเหรียญ ทำให้มันกลายเป็นภาพวาดที่แพงที่สุดอันดับสองของโลกที่เคยขายไป

อันดับแรกในรายการ “ภาพวาดที่แพงที่สุดในโลก”ในขณะนี้คือ "No. 5, 1948" ซึ่งเขียนโดย Jackson Pollock ศิลปินชาวอเมริกันที่มีส่วนสำคัญในการเคลื่อนไหวการแสดงออกทางนามธรรม ภาพวาดนี้วาดบนแผ่นไฟเบอร์บอร์ดขนาด 2.5 x 1.2 เมตร โดยทาสีน้ำตาลและสีเหลืองจำนวนเล็กน้อยด้านบน ซึ่งทำให้ภาพวาดดูเหมือนรังนกขนาดใหญ่ ผลงานชิ้นเอกของ Pollock นี้ขายได้ในราคา 142.7 ล้านเหรียญสหรัฐ

lifeglobe.net/entry/1228

เมื่อดูภาพวาดบางส่วนที่ขายทอดตลาดในวันนี้ ฉันอยากจะร้องไห้ ร้องไห้เพราะผืนผ้าใบเหล่านี้ดูเหมือนเด็ก ๆ แต่ยืนเหมือนวิลล่าในไมอามี ถึงเวลาแล้วที่จะนำเสนอผลงานชิ้นเอกไร้สาระที่แพงที่สุดซึ่งออกจากการประมูลไปหลายล้านดอลลาร์

"Green and White" โดย Ellsworth Kelly - 1.6 ล้านเหรียญ

บล็อกสปอต

นี่ไม่ใช่แค่วงกลมสีเขียวขรุขระบนพื้นหลังสีขาว นี่คือตัวอย่างของการวาดภาพซึ่งวัตถุหลักคือสี ผลงานชิ้นนี้ถูกซื้อจากการประมูลของ Christie ในนิวยอร์กในปี 2008

ที่จริงแล้วในภาพวาดที่เหลือของศิลปิน คุณจะไม่พบรูปแบบที่ซับซ้อนและทิวทัศน์ที่เหมือนจริง - มีเพียงตัวเลขที่ง่ายที่สุดบนพื้นหลังสีขาว สีดำ หรือสีสว่างเท่านั้น

The Blue Fool, คริสโตเฟอร์ วูล - 5 ล้านเหรียญ

พินเทอเรส

ภาพวาดออกจากการประมูลที่ Christie's (นิวยอร์ก) ในปี 2010 คริสโตเฟอร์ วูล ศิลปินชาวอเมริกันยุคใหม่ก้าวไปไกลกว่าเพื่อนร่วมงานของเขา และนอกเหนือจากการ "ระบายสี" และ "เขียนหวัดๆ" แล้ว ยังเริ่มจารึกตัวอักษรขนาดใหญ่บนผืนผ้าใบด้วย

มีการประชดประชันจำนวนมากในความจริงที่ว่าหนึ่งในงานที่แพงที่สุดจากซีรีส์นี้คือผืนผ้าใบที่มีคำว่า "FOOL" (คนโง่)

“แนวคิดของพื้นที่ รอ Lucio Fontana - 12.8 ล้านเหรียญ

ที่มา: ฟอร์บส์

ผ้าใบกรีดสีขาวถูกขายที่ Sotheby's London ในปี 2558 ศิลปิน Lucio Fontana เป็นที่รู้จักจากทัศนคติที่ "ป่าเถื่อน" ต่อผืนผ้าใบของเขา เขาตัดและเจาะมันอย่างไร้ความปราณี แต่เขาทำในลักษณะที่ภายหลังเขาสามารถแสดงภาพที่ "ขาดวิ่น" ให้ผู้ชมเห็นได้

สำหรับปรมาจารย์นั้น สล็อตของมันได้แสดงถึงความเป็นอินฟินิตี้ในตัวมันเอง “เมื่อฉันนั่งลงต่อหน้ารอยกรีดของฉันและเริ่มครุ่นคิด ทันใดนั้นฉันก็รู้สึกว่าวิญญาณของฉันได้รับการปลดปล่อย ฉันรู้สึกเหมือนเป็นคนที่หลุดพ้นจากพันธนาการของสสารซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของปัจจุบันและอนาคตที่ไม่มีที่สิ้นสุด” ฟอนทานากล่าว

ภาพวาด "นกพิราบ นักแสดงของ Joan Miró 36.9 ล้านเหรียญสหรัฐ

คาเรนรุยมี่

หนึ่งในการประมูลที่แพงที่สุดของ Sotheby's ซึ่งจัดขึ้นในเมืองหลวงของอังกฤษในปี 2555 นี่เป็นภาพวาดแรกในรายการของเราที่ดูเหมือนจะถูกวาด อะไรนะ?

ผืนผ้าใบนี้สร้างสรรค์โดย Joan Miro ศิลปินเซอร์เรียลิสต์ชาวสเปน ครั้งหนึ่ง จิตรกรกำลังหิวโหย ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมเขาจึงมักเห็นภาพหลอนบนผนัง ผู้สร้างถ่ายโอนภาพที่เขาเห็นไปยังภาพวาด ตอนนี้ภาพวาดของเขาขายได้หลายล้านดอลลาร์

Sleeping Girl โดย Roy Lichtenstein - 44.8 ล้านเหรียญ

ทุกเวลา

Sleeping Girl ถูกค้อนทุบในปี 2555 ที่ Sotheby's ในนิวยอร์ก สำหรับผลงานของ Lichtenstein ซึ่งครั้งหนึ่งเคยถูกเรียกว่า "ศิลปินที่แย่ที่สุดในอเมริกา" วันนี้พวกเขาให้เงินมากมาย

Roy Lichtenstein เป็นที่รู้จักในด้านการสร้างภาพวาดจากการ์ตูน: ศิลปินเพียงหยิบเอางานของคนอื่นมาวาดใหม่โดยเพิ่มงานของเขาเอง สำหรับเรื่องนี้เขาต้องอดทนต่อการโจมตีของนักวิจารณ์ แต่สิ่งนี้ทำให้เขามีชื่อเสียง ภาพวาดของลิกเตนสไตน์ปรากฏอยู่ในรายการภาพวาดที่แพงที่สุดอย่างต่อเนื่อง

ไม่มีชื่อ Cy Twombly - 69.6 ล้านเหรียญ

กาเซตา

ภาพวาดนี้ถูกขายในการประมูลของ Christie's ในการประมูลที่นิวยอร์กในปี 2014 ตอนเด็กนี่วาดแบบสก๊อยเลย แต่เมื่อศิลปินที่ตื่นเต้นทำมันออกมา มันเป็นผลงานชิ้นเอกที่คุ้มค่ากับเงินที่เสียไป งานอื่น ๆ ของ Twombly ล้วนแต่เป็นการเขียนลวก ๆ และมีราคาแพงพอ ๆ กัน

"Black Fire" โดย Barnett Newman - 84.2 ล้านเหรียญ

บลูมเบิร์ก

ผลงานชิ้นเอกนี้ถูกขายที่ Christie's ในนิวยอร์กในปี 2014 ลายเซ็น Barnett Newman - เส้นแนวตั้งซึ่งมีชื่อเล่นว่า "ฟ้าแลบ"

ภาพวาดอื่น ๆ ของอาจารย์แตกต่างจากที่นำเสนอข้างต้นยกเว้นอาจเป็นสี แต่ในความกว้างของสายฟ้าเหล่านี้ ราคาสำหรับภาพวาดของศิลปินกำลังเพิ่มขึ้นจากการประมูลครั้งแล้วครั้งเล่า

"Orange, Red, Yellow" โดย Marco Rothko - 86.9 ล้านเหรียญสหรัฐ

ประสิทธิภาพของการประชาสัมพันธ์: มัฟฟิน "ยอดเยี่ยม"

ถ้าฉันหยิบพู่กันขึ้นมาแล้ววาดภาพทิวทัศน์หรือภาพเหมือนบนผืนผ้าใบ ใครก็ตามที่ดูงานของฉันก็สามารถพูดได้อย่างปลอดภัยว่า แต้มอะไร! และมันจะถูกต้องเพราะฉันไม่สามารถวาดได้ อย่างไรก็ตาม แต้มของฉันสามารถขายได้เป็นล้านดอลลาร์หากฉันมีชื่อเสียงในฐานะศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ ในทางทฤษฎี เป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการว่าภาพที่ไม่ได้ทาสีแต่ภาพแย่ๆ ของฉันจะได้รับการโปรโมตเป็นงานศิลปะที่ยอดเยี่ยมและขายได้ในราคา "เงินบ้า" แต่ในชีวิตจริง สิ่งนี้เกิดขึ้นมากกว่าหนึ่งครั้ง - ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 และศตวรรษที่ 20 ทั้งหมดเป็นชัยชนะอย่างต่อเนื่องของศิลปะแต้มสี

จากช่วงเวลาแห่งการวาดภาพสมัยใหม่ถือกำเนิดขึ้น บิดาของเขาได้รับการยกย่องว่าเป็น Giotto di Bondone ชาวอิตาลี (1267-1337) และในอีกไม่กี่ศตวรรษต่อมา ทักษะของศิลปินในการแสดงความเป็นจริงบนพื้นผิวใดๆ ก็ตามที่เหมาะสำหรับการวาดภาพ (ผืนผ้าใบ ผนัง หรือกระดานดำ ). ในตอนนั้นยังไม่มีการถ่ายภาพ แต่หลายคนต้องการมีภาพเหมือนของตนเองหรือภาพญาติของพวกเขา ทิวทัศน์ของป่าและทุ่งนาโดยรอบก็มีค่าเช่นกัน เรายังคงต้องการแขวนภาพจำลองภาพวาดต่างๆ ในอพาร์ตเมนต์ของเรา และผู้ที่สภาพวัสดุอนุญาต ในยุคกลาง คนรวยชอบที่จะตกแต่งผนังบ้านและปราสาทด้วยภาพวาด และคนรวยบางคนก็สะสมของสะสมไว้มากมาย บางคนทำด้วยความรักในการวาดภาพคนอื่น ๆ - เพื่อปรับปรุงสถานะของพวกเขา

นอกจากคนรวยแล้ว คริสตจักรยังต้องการงานศิลปะอีกด้วย คริสตจักรไม่ต้องการภาพวาดที่แสดงถึงชีวิตจริง - พวกเขาต้องการฉากในพระคัมภีร์ไบเบิลที่ดูเหมือนของจริง - เหมือนรูปถ่ายของเหตุการณ์จริง (แม้ว่าพวกเขาจะไม่มีความคิดเกี่ยวกับรูปถ่ายเลยก็ตาม) ผู้คนต้องเชื่อในพระคริสต์ มารีย์ อัครสาวก และบุคคลสำคัญทางศาสนาอื่นๆ และด้วยเหตุนี้ ตัวละครในพระคัมภีร์จึงต้องดูเหมือนผู้คนที่มีชีวิต

คำขอของลูกค้าคืออะไร - นั่นคือรูปภาพ ความคิดบ้าๆ ที่วาดบนผืนผ้าใบด้วยมือที่ไม่ชำนาญนั้นไม่มีประโยชน์สำหรับใครเลย ไม่มีใครจะซื้อภาพเหมือนของตัวเองที่ดูไม่เหมือนต้นฉบับและยิ่งไปกว่านั้นโดยหลักการแล้วไม่คล้ายกับภาพบุคคล ในสมัยนั้นในการวาดภาพบุคคลจำเป็นต้องมีศิลปินที่เชี่ยวชาญในงานฝีมือของจิตรกร ไม่เป็นมืออาชีพ คุณไม่สามารถขายภาพวาดและหาเลี้ยงชีพได้ ผู้ที่สะสมภาพวาดแล้วไม่ได้ต้องการเพียงแค่ความเป็นจริงเท่านั้น - พวกเขาต้องการได้รับสิ่งพิเศษที่ไม่มีใครสามารถทำซ้ำได้ นั่นคือศิลปินต้องเพิ่มบางอย่างของตัวเองลงในภาพที่เหมือนจริง ซึ่งเป็นสไตล์ที่ไม่เหมือนใคร เพื่อให้ภาพของเขาโดดเด่นท่ามกลางผลิตภัณฑ์งานฝีมือคุณภาพสูงจำนวนมาก อาจเป็นเทคนิคเฉพาะอย่าง Leonardo da Vinci การใช้แสงและเงาอย่างสร้างสรรค์อย่าง Van Eyck ภาพมหัศจรรย์อย่าง Bosch ...

ศตวรรษที่ 15-17 ในยุโรปเป็นยุครุ่งเรืองของการวาดภาพโลก มาถึงตอนนี้ในรัฐที่พัฒนาทางเศรษฐกิจของยุโรป (เวนิส, ฟลอเรนซ์, เนเธอร์แลนด์, แฟลนเดอร์ส, เยอรมนี) มีลูกค้าจำนวนมากเพียงพอสำหรับภาพวาด - ด้วยเหตุนี้เราจึงได้รับศิลปินที่โดดเด่นทั้งกาแลคซีซึ่งผลงานยังคงประดับประดา พิพิธภัณฑ์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก นอกเหนือจากจิตรกรยุคเรอเนซองส์ผู้ยิ่งใหญ่ที่ได้รับการยอมรับในระดับสากลเช่น Leonardo da Vinci, Raphael และ Michelangelo Buonarroti ศิลปินที่โดดเด่นไม่แพ้กันอีกหลายสิบคนทำงานในเวลานั้น: Robert Campin ชาวดัตช์, Jan Van Eyck, Hieronymus Bosch, Peter Brueghel Sr., Peter Paul Rubens, Antonis Van Dyck, Jan Vermeer, Giorgione ชาวอิตาลี, Titian, Correggio, Caravaggio, Albrecht Dürer ชาวเยอรมัน, Hans Holbein Jr., Diego Velazquez ชาวสเปน... พวกเขาทั้งหมดมีลักษณะดั้งเดิมในการวาดภาพความเป็นจริง แต่ที่ ในขณะเดียวกันพวกเขาก็รวมเป็นหนึ่งด้วยความจริงที่ว่าพวกเขาทั้งหมดเขียนภาพที่เหมือนจริงอย่างยอดเยี่ยม ไม่สมจริงตามโครงเรื่อง - ภาพในพระคัมภีร์เดียวกันไม่เคยเป็นเช่นนั้น สมจริง - โดยความคล้ายคลึงกันที่ปรากฎกับชีวิตจริง ไม่มีใครวาดรูปลูกบาศก์หรือสี่เหลี่ยมจัตุรัส - นี่คือสิ่งที่เขาเห็นโลกเนื่องจาก "ผลงานชิ้นเอก" ในรูปแบบที่คล้ายกันจะไม่พบผู้ซื้อ ลูกค้าของภาพวาดในสมัยนั้นเป็นคนเรียบง่ายเช่น Nikita Khrushchev ของเรา มีเรื่องหนึ่งที่เขาเคยถามเกี่ยวกับภาพวาดชิ้นหนึ่งในนิทรรศการนามธรรมว่า "นี่คือลาอะไร" ฉันทราบว่าเกี่ยวกับภาพวาดของ Raphael หรือ Correggio ไม่เคยมีใครพูดอะไรแบบนั้นเลย รวมถึง Khrushchev ด้วย ใครก็ตามที่มีสายตาจะเข้าใจสิ่งที่ปรากฎบนภาพเหล่านั้น: Madonnas ในรูปแบบของผู้หญิงสวย ไม่ใช่สิ่งที่น่ากลัวและเข้าใจยาก สิ่งมีชีวิตเหมือนในภาพวาดของปิกัสโซ ศิลปินที่โดดเด่นทุกคนเป็นผู้ริเริ่มไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง แต่เทคนิคที่เป็นนวัตกรรมใหม่ทั้งหมดในการวาดภาพมีความหมายก็ต่อเมื่อศิลปินสามารถพรรณนาชีวิตได้อย่างเพียงพอในการแสดงออกทั้งหมด ความแปลกใหม่ในภาพถูกนำมาใช้เพื่อความสมจริง ไม่ใช่ในตัวเอง เราสามารถพูดได้ว่าจิตรกรพยายามทำงานเหมือนช่างก่อสร้าง บ้านทุกหลังต้องมีฐานราก ผนัง และหลังคา และการทดลองทั้งหมดจะได้รับอนุญาตภายในกรอบนี้เท่านั้น

ในฐานะมืออาชีพ ศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาถึงจุดสูงสุดของการวาดภาพ และเราสามารถพูดได้อย่างปลอดภัยว่าเป็นไปไม่ได้ที่จะเหนือกว่า Raphael หรือ Van Eyck - สามารถทำซ้ำได้เท่านั้น หรือสร้างบางสิ่งของคุณเองซึ่งยากขึ้นเรื่อย ๆ ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ในศตวรรษที่ 17 มีศิลปินที่โดดเด่นน้อยกว่าในศตวรรษที่ 16 และในวันที่ 18 พวกเขาสามารถนับนิ้วได้ เมื่อเทียบกับภูมิหลังของปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามันเป็นเรื่องยากมากที่จะโดดเด่น - นี่คือทักษะระดับสูงสุดซึ่งโดยหลักการแล้วมีเพียงไม่กี่คนเท่านั้นที่สามารถบรรลุได้

และเมื่อเทียบกับภูมิหลังดังกล่าว เมื่อมีช่างฝีมือจำนวนมากและมีปรมาจารย์ที่โดดเด่นเพียงไม่กี่คน การปฏิวัติที่แท้จริงกำลังเกิดขึ้นในโลกแห่งศิลปะ - "ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่" เริ่มสร้างขึ้นโดยเทียม นี่เป็นเรื่องยากที่จะทำในยุคกลาง- หากไม่มีสื่อ เทคโนโลยี PR จะไม่มีประสิทธิภาพ เนื่องจากข้อมูลต้องส่งผ่านข่าวลือที่บิดเบือน โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อพูดถึงการเผยแพร่ข้อมูลในระยะทางไกล มีเพียงสื่อเท่านั้นที่สามารถสร้างและแนะนำภาพลักษณ์ของวัตถุใด ๆ (ผลิตภัณฑ์แบรนด์) ในอุดมคติและจำเป็นในชีวิตได้อย่างรวดเร็วและมีประสิทธิภาพ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 สื่อมวลชนเริ่มมีบทบาทสำคัญมากขึ้นในชีวิตของรัฐในยุโรปตะวันตกซึ่งได้เข้าสู่ยุคของการปฏิวัติอุตสาหกรรมแล้ว "ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ ชนิดใหม่” เริ่มปรากฏขึ้น กล่าวอีกนัยหนึ่ง - มัฟฟิน

ใครเป็นผู้เปลี่ยนเส้นทางผู้ซื้อภาพวาดไปที่การแต้มทันที? มีจำนวนมากของพวกเขา โดยพื้นฐานแล้ว คนเหล่านี้คือผู้ที่มีส่วนร่วมในการวิจารณ์ศิลปะในสื่อ รวมถึงผู้ที่จัดนิทรรศการ ตัวอย่างเช่นนักวิจารณ์ Roger Fry "ล้าง" ผู้โพสต์อิมเพรสชันนิสต์ Guillaume Apollinaire ชาวฝรั่งเศสโปรโมตผลิตภัณฑ์ของ Matisse และ Picasso แก่ผู้บริโภค แต่สิ่งที่สำคัญยิ่งกว่าสำหรับตลาดภาพวาดก็คือความจริงที่ว่ามีนักสะสมผู้มั่งคั่งปรากฏตัวขึ้นในโลกนี้มากขึ้นเรื่อยๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ในสภาวะที่ผลงานศิลปะที่โดดเด่นอย่างแท้จริงอยู่ในพิพิธภัณฑ์ของรัฐหรือเป็นของโบสถ์ที่ไม่ขายผลงานชิ้นเอกด้วยเงินใด ๆ ทำไมต้องสะสมของสะสม? - จากสิ่งที่ถือว่าเป็นแฟชั่น ผู้ซื้อซื้อสิ่งที่กลายเป็นแฟชั่น

และแฟชั่นถูกสร้างขึ้นสำหรับ "จิตรกร" คนนี้หรือคนนั้นอย่างไร? โดยพื้นฐานแล้วมันเริ่มต้นด้วยเรื่องอื้อฉาว ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 การแสดงแต้มสีที่น่ากลัวในที่สาธารณะภายใต้หน้ากากของงานศิลปะหมายถึงเรื่องอื้อฉาวในที่สาธารณะ มันเป็นความท้าทายต่อสังคมอย่างแท้จริง ผู้คนที่เห็นว่า "เช่นนั้น" รู้สึกขุ่นเคือง ทั้งหมดนี้ถูกผัดวันประกันพรุ่งในสื่อและสถานที่โบฮีเมียน ชื่อเสียงของผู้เขียนและภาพวาดของเขาเติบโตขึ้น - และนี่คือลักษณะของตัวละครตัวนี้หรือตัวนั้น ประการแรก ในวงแคบ และจากนั้น หากคุณโชคดี ประชาชนทั่วไปจะได้เรียนรู้เกี่ยวกับการเกิดขึ้นของ "จิตรกรผู้ยิ่งใหญ่" คนใหม่ “ถ้าพวกเขาพูดถึงคุณ แสดงว่าคุณมีอยู่จริง” - นี่คือกฎพื้นฐานของการประชาสัมพันธ์ หากคุณมีชื่อเสียง อย่างน้อยก็มีคนซื้อภาพวาดของคุณ - โดยไม่คำนึงถึงคุณค่าทางศิลปะของพวกเขา ทันทีที่คนธรรมดาในสภาพแวดล้อมแบบโบฮีเมียนตระหนัก การแต้มสีนั้น - นี่เป็นสินค้ายอดนิยมเช่นกัน ดังนั้นภาพวาดดังกล่าวจึงกวาดตลาดอย่างแท้จริง รอยเปื้อนจำนวนมากในอนาคตเริ่มต้นด้วยภาพวาดที่เหมือนจริง แต่เปลี่ยนมาใช้การแต้มสีทันเวลา และบางชิ้นก็ไม่จำเป็นต้องเปลี่ยนแปลงอะไร - ตอนแรกพวกเขาไม่รู้ วาดอย่างไร.

ในช่วงเวลาที่แตกต่างกันมีแฟชั่นสำหรับทิศทางศิลปะหนึ่งแล้วสำหรับอีกทิศทางหนึ่ง - อิมเพรสชั่นนิสต์, อิมเพรสชั่นนิสต์, นามธรรม, ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม, ลัทธิแสดงออก .... และแฟชั่นเป็นกลไกหลักในการค้า ทันทีที่ "ศิลปิน" กลายเป็นแบรนด์ - ตั้งแต่นั้นมาทุกอย่างที่ผลิตภายใต้แบรนด์นี้ "ขายเป็นเทน้ำเทท่า" ไม่สำคัญว่าสิ่งนี้หรือ "ศิลปิน" จะทาสีอะไรกันแน่ - อุตสาหกรรมแฟชั่นดำเนินการตามกฎหมายที่แตกต่างจากอุตสาหกรรมงานฝีมือ แน่นอนว่าแฟชั่นสำหรับสิ่งนี้หรือสิ่งนั้นไม่ได้เกิดขึ้นทันทีและในตอนแรก "ลอเรล" ในรูปแบบของเงินจำนวนมหาศาลไม่ได้ไปหาศิลปินเอง แต่เป็นผู้ซื้อภาพวาด เงินที่บ้าคลั่งที่เริ่มจ่ายให้กับงานประมูลแฟชั่นปรากฏขึ้นในช่วงปลายครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 เท่านั้น ผู้คนจำนวนมากที่ได้รับเงินง่าย ๆ ในตลาดการเงินโลก เช่นเดียวกับในระหว่างการปล้นทรัพย์สินของรัฐในรัสเซีย ก็ไม่รู้ว่าจะเอาไปไว้ที่ไหน - เป็นผลให้อุจจาระใด ๆ ที่เปื้อนบนผืนผ้าใบกลายเป็นสินค้าที่ร้อนแรงมาก .

ชัยชนะของการลงสีในงานศิลปะเริ่มต้นที่ใคร?

เส้นทางของอิมเพรสชั่นนิสต์และคิวบิสต์ถูกปูไว้โดยโจเซฟ เทิร์นเนอร์ ชาวอังกฤษ ผู้ซึ่ง "สร้าง" ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ข้อดีเพียงอย่างเดียวของเขาในฐานะศิลปินคือเขาวาดภาพทิวทัศน์ไม่เก่งนัก นอกจากนี้เขายังมีภาพวาดที่เกือบดี แต่เขากลายเป็นที่รู้จักจากผลงานตรงไปตรงมา เช่น ผืนผ้าใบ "Sailing to Venice" ถ้าเวนิสเป็นเหมือนในรูปของเขาก็แทบจะไม่มีใครล่องเรือไปได้เลย ... ครั้งหนึ่งเทอร์เนอร์ทำให้ประชาชนตกใจเพราะทำให้เขามีชื่อเสียง มีภาพล้อเลียนของเขา - เทอร์เนอร์ยืนอยู่หน้าภาพวาดด้วยแปรงทาสี (ซึ่งในเวลานั้นใช้ทาสีรั้ว) และทาสีบางอย่าง ...

คนต่อมา เอ็ดการ์ เดอกาส์ ชาวฝรั่งเศส หยิบกระบองขึ้นมา - เขารู้วิธีวาดภาพ และบางครั้งเขาก็สร้างภาพที่สวยงาม แต่ด้วยเหตุผลบางอย่าง เอ็ดการ์ถูกดึงดูดให้วาดภาพผู้หญิงเปลือยกายที่อัปลักษณ์ที่สุดซึ่งกำลังเตรียมล้างตัว ล้างตัว หรือเพิ่งเสร็จสิ้นขั้นตอนการทำน้ำ . .. - สำหรับภาพวาดดังกล่าวพวกเขาถูกไล่ออกจากโรงเรียนศิลปะ 1 หลักสูตรเนื่องจากไร้ความสามารถ แต่เดอกาส์กลายเป็นที่นิยมอย่างมากเนื่องจากพวกเขา

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 จำนวนมัฟฟินเริ่มเพิ่มขึ้นอย่างมาก

ในเวลานี้ Claude Monet "นักวาดภาพผู้ยิ่งใหญ่" (ซึ่งไม่ควรสับสนกับศิลปินชื่อดัง Edouard Manet) และ Auguste Renoir กำลังสร้าง เรอนัวร์รู้วิธีวาด แต่เขาก็เหมือนเดกาส์ ที่มักถูกดึงดูดให้วาดภาพทันที ในตอนแรกโมเนต์ก็พยายามที่จะเป็นศิลปินตัวจริงเช่นกัน แต่ตระหนักว่าเขาจะไม่ประสบความสำเร็จ ด้วยเหตุนี้ เขาจึงสามารถเรียกได้ว่าเป็นหนึ่งในผู้สืบทอดผลงานของโจเซฟ เทิร์นเนอร์ ที่โดดเด่นที่สุด - ทิวทัศน์ของโมเนต์นั้นเกือบจะแย่พอๆ กับของรุ่นก่อนของเขา

"ผลงานชิ้นเอก" หลักของเขาคือ "Rouen Cathedral, West Facade in the Sun" - แต้มสีสำหรับเด็กทั่วไป โมเน่ต์ตรึงผลงานจำนวนมากใน "รูปแบบ" นี้และทั้งหมดยังคงเป็นที่นิยม: "Water Lilies" (หากไม่มีชื่อคุณจะจำไม่ได้ทันทีว่านี่คือดอกบัวในน้ำ ... ) ไปประมูลที่ 36.7 ล้านดอลลาร์ (2550) สะพานวอเตอร์ลู (ภาพด้านล่าง) ขายได้ 35.9 ล้านดอลลาร์ (2550)

“บ่อน้ำที่มีดอกบัว…” (เทียบกับ “สะพานวอเตอร์ลู” เรียกได้ว่าเป็นภาพวาด) - ราคา 33 ล้านดอลลาร์ (1998) หนังสือพิมพ์ Times ในปี 2009 ได้ทำการสำรวจในหมู่ผู้อ่านซึ่งผลที่ได้คือศิลปินยอดนิยมแห่งศตวรรษที่ 20 - Claude Monet ได้อันดับที่ 4!

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ นักโพสต์อิมเพรสชันนิสต์ก็หันมาทำธุรกิจเช่นกัน: Vincent van Gogh, Henri Toulouse-Lautrec, Edvard Munch, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Gustav Klimt คนไหนที่ "ยิ่งใหญ่กว่า" หรืออีกนัยหนึ่งคือศิลปินที่ทันสมัยกว่าในยุคของเรา Cezanne มีภาพวาดอย่างน้อยหนึ่งภาพที่สามารถอธิบายได้ว่า "น่าสนใจ" - เขาวาดภาพเมื่ออายุ 27 ปี จากนั้นทุกอย่างก็แย่ลงมาก - ไม่มีการตรัสรู้ แต้มแล้วแต้มอีก อย่างไรก็ตาม เขาไม่ใช่ "ผู้ยิ่งใหญ่" อย่างแน่นอน ราคาสำหรับภาพวาดบางภาพของเขามีมูลค่าหลายสิบล้านดอลลาร์ (ภาพที่แพงที่สุด - "Still Life with a Jug and Drapery" ถูกซื้อมาในราคา 60.5 ล้านดอลลาร์ (!) แต่ความนิยมในผลงานของเขาในหมู่นักสะสมนั้นชัดเจน ด้อยกว่าความนิยมในผลงานของ Gauguin และยิ่งกว่านั้น Van Gogh แต่ผู้อ่าน The Times จัดให้ Cezanne อยู่ในอันดับที่ 2 ในบรรดาศิลปินแห่งศตวรรษที่ 20!

แวนโก๊ะป่วยทางจิตวาดเป็นเด็กชายอายุ 5-7 ขวบที่ไร้ความสามารถซึ่งไม่เคยโต ครั้งหนึ่งเขาเข้ารับการรักษาในคลินิกจิตเวช แต่สิ่งนี้ไม่ได้ผล และเมื่ออายุ 40 ปี เขาก็ฆ่าตัวตาย ชีวประวัติของเขาเป็นเหมือนชีวประวัติของ "ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่" มากกว่า นี่คือหลักฐานจากราคาภาพวาดของเขา - 40.3 ล้านเหรียญสำหรับภาพที่น่ากลัวของ Madame Ginoux, 40.5 ล้านเหรียญสำหรับ "Sunflowers", 47.5 ล้านเหรียญสำหรับ "Peasant Woman in a Straw Hat", 53, 9 ล้านเหรียญสำหรับ Irises, 57 เหรียญ ล้านสำหรับ Cypress Wheat Field, 71 ล้านดอลลาร์สำหรับภาพตัวเอง และ 82.5 ล้านดอลลาร์สำหรับ Dr. Gachet อย่างไรก็ตาม Gachet นี้ดูแล Van Gogh ไม่นานก่อนที่เขาจะฆ่าตัวตาย - อาจเป็นไปได้ว่า "ศิลปิน" ตัดสินใจแก้แค้นหมอสำหรับผลงานของเขาด้วยภาพวาดที่มีลายเซ็นของเขา

โกแกง คนรักของแวนโก๊ะวาดเป็นเด็กชายที่มีอายุมากกว่าเด็กชายของแวนโก๊ะเล็กน้อย นี่เป็นข้อเสียที่ชัดเจนสำหรับเขาในฐานะ "ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่" นอกจากนี้ Gauguin ยังไม่คลั่งไคล้เหมือน Van Gogh แม้ว่าจะมีตอนที่ยอดเยี่ยมในประวัติของเขาเมื่อเขามาเยี่ยม Van Gogh และในที่สุดก็ตัดหูของเขา - นี่เป็นคำกล่าวอ้างที่หนักแน่นสำหรับ "ความยิ่งใหญ่"! อย่างไรก็ตาม ความต้องการภาพวาดของ Gauguin นั้นไม่มากเท่ากับของ Van Gogh - มีภาพวาดของเขาเพียงไม่กี่ภาพเท่านั้นที่ขายได้ในราคามากกว่า 30 ล้านดอลลาร์

Toulouse-Lautrec คนแคระเกือบคลั่งไคล้โสเภณีชาวฝรั่งเศสที่น่าเกลียดซึ่งเขาได้รวบรวมไว้ในภาพวาดที่น่าเกลียดไม่น้อยหากคุณดูภาพด้านล่างภายใต้ชื่อเงื่อนไข "โสเภณีในการตรวจสอบ" คุณจะมีความคิดเกี่ยวกับลักษณะที่สร้างสรรค์ของ Toulouse-Lautrec

เขาค่อนข้างเชี่ยวชาญด้านภาพร่าง แต่เขาไม่เคยสนใจที่จะเขียนภาพที่เต็มเปี่ยม เมื่อเทียบกับ Gauguin และ Van Gogh แล้ว Toulouse-Lautrec ไม่เป็นที่นิยมอย่างสิ้นเชิงและ Norwegian Munch นั้นไม่เหมาะกับพวกเขาแม้ว่าชีวประวัติของเขาจะเป็นเรื่องส่วนตัวก็ตาม: เขาได้รับความทุกข์ทรมานจากภาวะซึมเศร้าอย่างรุนแรงและได้รับการรักษาหลายครั้งสำหรับความผิดปกติทางจิต ภาพวาดของเขาหลายภาพปรากฏในรายการ "100 ภาพวาดที่แพงที่สุดในประวัติศาสตร์" แต่นั่นคือทั้งหมด

แต่ Gustav Klimt ชาวออสเตรียเป็นนักโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดจริงๆ เขาโด่งดังพอๆ กับแวนโก๊ะ และภาพวาดที่แพงที่สุดของเขาถูกซื้อมาในราคา 135 ล้านเหรียญ! และสิ่งที่น่าแปลกใจที่สุดสำหรับศิลปินผู้ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษที่ 20 คือภาพแสดงผู้หญิงที่มีใบหน้าเป็นมนุษย์! พื้นที่ที่เหลือทั้งหมดถูกครอบครองโดยแต้มทั่วไป แต่ใบหน้ากลายเป็นจริง และภาพวาดอื่น ๆ ของ Klimt ซึ่งแสดงภาพผู้คนก็คล้ายกับภาพนี้ - ใบหน้าเดียวกันใน daub "โพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์"

ผู้คนยังเคารพ Klimt ซึ่งเป็นอันดับที่ 3 ในบรรดาศิลปินที่ดีที่สุดของศตวรรษที่ 20 มีเพียง Picasso และ Cezanne เท่านั้นที่นำหน้า

ก้าวไปสู่ศตวรรษที่ 20 กันเถอะ ดังที่เวนดี เบ็คเก็ตต์เขียนไว้ใน History of Painting ของเธอว่า "สองรัชกาลในศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 - อองรี มาตีสและปาโบล ปีกัสโซ" เป็นการยากที่จะบอกว่าทำไมทั้งสองอย่างนี้เพราะมีผ้าพันคอหลายร้อยแบบ แต่วิธีการของแฟชั่นนั้นไม่ชัดเจน อย่างไรก็ตาม Pablo และจากการสำรวจความคิดเห็นของผู้อ่าน The Times ได้อันดับที่ 1

Pablo Picasso ชาวสเปนรู้วิธีวาด แต่ไม่ต้องการ เขาอยู่ห่างไกลจากระดับของ Da Vinci (ซึ่งไม่เชื่อ - ดูภาพวาด "Boy with a Pipe" ยุคแรกของเขา - ไม่เลว แต่ก็ไม่โดดเด่น) แต่ภาพวาดที่ดีเพียงอย่างเดียวนั้นไม่เกี่ยวข้องในศตวรรษที่ 20 Daubing กลายเป็นแฟชั่นมากขึ้นเรื่อย ๆ และ Pablo ตัดสินใจแล่นเรือตามคำสั่งของคลื่น และเขาทำได้ดีมาก!

ในปี 1907 เขาวาดภาพ "The Girls of Avignon" ซึ่งกลายเป็นผลงานชิ้นแรกในประเภท Cubist ในตอนแรกศิลปินรู้สึกอายที่จะแสดงแต้มนี้ให้คนแปลกหน้าเห็น ซึ่งโดยทั่วไปแล้วสามารถเข้าใจได้: สิ่งมีชีวิตที่น่ากลัวอย่างยิ่ง 5 ตัวกำลังมองคุณจากภาพ และการแสดงเรื่องไร้สาระให้ผู้อื่นเห็นก็เหมือนกับการพูดในที่สาธารณะว่า: ฉันมันบ้า! ฉันเป็นโรคจิตอย่างสมบูรณ์! อย่างไรก็ตามปาโบล กล้าที่จะเปิดเผย "ผลงานชิ้นเอก" ของเขาและไม่ได้คาดเดา ไม่มีใครซ่อนเขาในโรงพยาบาล และปิกัสโซยังคงทำลายผืนผ้าใบต่อไป เขานำหลักการของลัทธิวัตถุนิยมวิภาษวิธีมาใช้: ปริมาณพัฒนาไปสู่คุณภาพ ในกรณีนี้ชื่อเสียง Picasso วาดภาพประมาณ 70 ปีและไม่น่าแปลกใจที่เขากลายเป็นภาพวาดที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในยุคของเรา

ภาพเหมือนของดอร่า มาร์ (ถูกประมูลในราคา 95.2 ล้านดอลลาร์ในปี 2549 ตามภาพด้านบน), Woman Seated in a Garden (49.5 ล้านดอลลาร์ในปี 2542), Dream (48.4 ล้านดอลลาร์ในปี 2540), "Nude in a black chair" (45.1 ล้านดอลลาร์ ดอลลาร์ในปี 2542) - เข้าสู่ "กองทุนทองคำ" ของแต้มแห่งศตวรรษที่ 20

มีจิตรกรผู้มีชื่อเสียงหลายคนในศตวรรษที่ 20 ซึ่งเป็นมากกว่าศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ซึ่งไม่น่าแปลกใจที่จะทำลาย - ไม่สร้าง ทำลายผืนผ้าใบ - ไม่ทาสี Vasya Kandinsky และ Kazimir Malevich ของเราก็ได้รับการกล่าวถึงในสาขานี้เช่นกัน - แม้ว่าพวกเขาจะโดดเด่น แต่ก็ไม่ได้แย่ตามมาตรฐานโลก แน่นอนว่าชาวรัสเซียมีจิตวิญญาณพิเศษของตนเอง แต่ในแต้มนั้นไม่ได้แสดงออกมากเกินไป กลางศตวรรษที่ 20 พอลแล็คชาวอเมริกันและชาวดัตช์แมน เดอ คูนนิ่ง "นักแสดงออกทางนามธรรม" ได้เริ่มกำหนดรูปแบบให้กับมัน

ทุกสิ่งในโลกของเรานั้นสัมพันธ์กัน และเมื่อเทียบกับพื้นหลังของพอลแล็คและพี่น้องของเขา แม้แต่โมเนต์หรือโกแกงก็ดูเหมือนศิลปินที่ดี นักวิจารณ์ศิลปะเรียกการทาสีในระดับสูงสุดนี้ว่า “การแสดงออกทางนามธรรม” และฉันจะบอกว่านี่เป็นการทาสีที่เสียสติโดยสิ้นเชิง! ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดไม่เพียง แต่ Willem de Kooning และ Jackson Pollack ที่กล่าวมาข้างต้นเท่านั้น แต่ยังรวมถึง Mark Rothko ซึ่งเป็นชาวอเมริกันเชื้อสายรัสเซียด้วย ทั้งสามนี้เป็นเพียงจุดสุดยอดของแต้มแห่งศตวรรษที่ 20!

นักแสดงออกเชิงนามธรรมคือบุคคลที่โดยหลักการแล้วไม่ได้วาด แวนโก๊ะวาดภาพอย่างน้อยในระดับเด็กอายุ 5 ขวบ แต่ Pollak ไม่สามารถไปถึงระดับนี้ได้ ในการอ้างถึง The History of Painting โดย Wendy Beckett: “พอลแล็คเป็นคนแรกที่ละทิ้งพู่กัน จานสี และระเบียบแบบแผนทั้งหมดของโครงเรื่อง เขาเต้นด้วยความปีติยินดีบนผืนผ้าใบที่ปูบนพื้น หมกมุ่นอยู่กับความคิดสร้างสรรค์ สาดและเทสีภายใต้การควบคุมที่สมบูรณ์ “การวาดภาพ” เขากล่าว “มีชีวิตของมันเอง ฉันพยายามที่จะปล่อยให้เธอ " ไม่มีอะไรจะแสดงความคิดเห็นที่นี่ - ชายคนนี้ป่วยมาก ภาพถ่ายภาพวาดของเขายืนยันสิ่งนี้

Mark Rothko เป็นศิลปินที่แย่กว่าพอลแล็ค คุณจะบอกว่าไม่เป็นเช่นนั้น - ฉันเพิ่งบอกว่า Pollak ไม่สามารถวาดได้ อาจจะ! ภาพวาดของพอลแล็คอย่างน้อยก็คล้ายกับวอลล์เปเปอร์ที่วุ่นวาย Rothko เป็นเพียงผืนผ้าใบที่ทาสีด้วยสีที่ต่างกัน - ตัวอย่างเช่นด้านบนเป็นสีดำและด้านล่างเป็นสีเทา หรือมากกว่านั้น "ผลงานที่โดดเด่น" - ที่ด้านล่างเป็นสีแดงเข้มที่ด้านบน - สีเหลืองเข้มบางชนิดและตรงกลาง - สีขาว

ภาพวาดนี้มีชื่อว่า "White Center" และถูกซื้อที่ Sotheby's ในปี 2550 ด้วยราคา 72.8 ล้านดอลลาร์ - ผืนผ้าใบเสียหายเกือบ 73 ล้าน! และนี่คืออันดับที่ 12 ในรายการภาพวาดที่แพงที่สุดในโลก! แต่ภาพวาดที่แพงที่สุดในโลกในปัจจุบัน (2010) เป็นของ Jackson Pollack และเรียกว่า "No. 5" - ขายในปี 2549 ที่ Sotheby's ในราคา 140 ล้านเหรียญ! โลกตะวันตกไม่ได้เต็มไปด้วยศิลปินที่คลั่งไคล้เท่านั้น แต่ยังมีเศรษฐีที่คลั่งไคล้จำนวนมากอีกด้วย คนทั่วไปก็ไม่ค่อยแข็งแรงในตะวันตกเช่นกัน - ในการสำรวจความคิดเห็นของหนังสือพิมพ์ Times พอลแล็คได้อันดับที่ 7 ในบรรดาศิลปินที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในศตวรรษที่ 20

อย่างที่พวกเขาพูดว่า "คู่แข่งชั่วนิรันดร์" วิลเล็ม เดอ คูนนิ่งของเขาอยู่ในอันดับที่ 9 ในแบบสำรวจความคิดเห็นนี้ ฉันจะเรียกเขาว่าคนที่ตลกที่สุด ภาพวาดที่แพงที่สุดของ Kooning Woman No. 3 (ซื้อในปี 2549 ในราคา 137.5 ล้านเหรียญสหรัฐ!) จะทำให้คนที่มีสุขภาพแข็งแรงหัวเราะออกมาดัง ๆ ที่ตลกกว่านั้นคือผู้หญิงกับจักรยาน

ฉันคิดว่าวิลเล็มมีปัญหากับผู้หญิง ดังนั้นเขาจึงแก้แค้นพวกเธออย่างละเอียด

จากตัวอย่างของ Pollack, Kooning และ Rothko เราเห็นได้อย่างชัดเจนว่าตลาดศิลปะมาถึงทุกวันนี้ได้อย่างไร ถ้าครุสชอฟยังมีชีวิตอยู่ เขาคงพูดว่า "ให้ตายเถอะ!

เลยต้องขอขอบคุณพลังวิเศษของปู่ความสัมพันธ์ blic รอยเปื้อนของบุคคลที่วิกลจริตทางจิตบางคนได้รับการยอมรับว่าเป็นงานศิลปะที่โดดเด่นและเทียบได้กับผืนผ้าใบของศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาผู้ยิ่งใหญ่ เป็นครั้งแรกที่พลังของ PR แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในการส่งเสริมการปิดปาก จนถึงศตวรรษที่ 19ประชาสัมพันธ์ กระทำอย่างมีประสิทธิผลเฉพาะในด้านการเมืองเท่านั้น (ประวัติศาสตร์และศาสนายังทำหน้าที่เป้าหมายทางการเมืองและไม่สามารถแยกออกจากการเมืองได้) ในกรณีของการประกาศของ muffs ปานกลางในฐานะศิลปินที่ยอดเยี่ยม พบกับปรากฏการณ์เมื่อประชาสัมพันธ์ โดดเด่นในด้านแฟชั่น และมันได้ผลและยั่งยืนมากจนถึงตอนนี้ กว่าหนึ่งศตวรรษหลังจากรอยเปื้อนของพวกโรคจิตธรรมดาๆ เกิดขึ้น เราได้พบกับผู้คนมากมายที่เชื่ออย่างจริงใจว่าแวนโก๊ะเป็นศิลปินที่ยิ่งใหญ่ คนอีกหลายล้านรู้ว่าแวนโก๊ะคือใคร คนเกียจคร้านที่ร่ำรวยหลายร้อยคนที่ไม่รู้ว่าจะทำอย่างไรกับเงินของพวกเขากำลังซื้อเครื่องประดับแฟชั่นในการประมูล คนอื่น ๆ ได้ยินเกี่ยวกับการซื้อแต้มหลายล้านดอลลาร์จากนั้นอีกครั้ง พวกเขาไม่สามารถจ่ายเงิน 30 ล้านเหรียญสำหรับอุจจาระที่ตรงไปตรงมาได้ใช่ไหม - ดังนั้นคนธรรมดาจึงโต้แย้ง - พวกเขาทำได้เท่าที่จะทำได้ ... สิ่งสำคัญคือมันเป็นแฟชั่น

คุณอยากลองวาดภาพมานานแล้ว แต่ไม่สามารถตัดสินใจหยิบพู่กันและจานสีแล้วยืนที่ขาตั้งได้หรือไม่? ทุกคนรอบตัวคุณคิดว่าความพยายามสร้างสรรค์ของคุณเป็นเรื่องน่าสมเพชหรือไม่? ดังนั้นคุณจึงเป็นผู้แพ้! ดังนั้นภาพวาดที่คัดสรรโดยศิลปินชาวแคนาดา Kim Dorland (Kim Dorland) จะช่วยปลอบใจคุณได้เป็นอย่างดี หรืออาจจะเป็นแรงบันดาลใจด้วย

ผู้เชี่ยวชาญเรียกผลงานของ Dorland ว่า "ศิลปะไร้เดียงสา" นักวิจารณ์ที่อาฆาตแค้น - แต้มน้อยและแฟน ๆ ที่มีพรสวรรค์ดั้งเดิมเชื่อว่าภาพวาดที่ Kim สร้างขึ้นนั้นเป็นสิ่งที่คาดไม่ถึงในเชิงจิตวิทยาและโวหาร และนั่นก็เป็นความจริง - ไม่มีใครคาดหวังว่าแทนที่จะเห็นทิวทัศน์และภาพบุคคลที่สัญญาไว้เพื่อดูผืนผ้าใบที่ฉาบด้วยสีซึ่งยิ่งไปกว่านั้นผู้เขียนไม่ได้ทิ้งลายเส้นและเส้นสายที่เรียบร้อย แต่เป็นร่องที่หยาบกร้าน ราวกับว่ารถแทรกเตอร์ขับผ่านทุ่งปุ๋ยและเปียก ...

หลักการที่ Kim Dorland วาดภาพวาดต้นฉบับของเขาสามารถอธิบายได้ด้วยวลีสั้นๆ เพียงประโยคเดียว: "สิ่งสำคัญคืออย่าสำรองสี" ท้ายที่สุดถ้าคุณดูอย่างใกล้ชิดภาพวาดจะถูกขีดข่วนด้วยน้ำมันหนา ๆ ซึ่งผู้เขียนได้เจิมผืนผ้าใบของเขาอย่างไม่เห็นแก่ตัว ปรากฎว่ารูปภาพไม่ได้ถูกวาด แต่ถูกหล่อหลอม - ราวกับว่าพวกเขาเป็นรูปปั้น

และศิลปินไม่ได้มุ่งมั่นเพื่อความถูกต้องและความสมจริง เขาสร้างสรรค์ผลงานในรูปแบบพิเศษ เป็นแนวนามธรรมแบบเด็กๆ ไม่สนใจเรื่องการรักษาสัดส่วน หรือเพิ่มปริมาณให้กับภาพ หรือความสวยงามของผืนผ้าใบ ดูเหมือนว่างานหลักของผู้เขียนจะทำอย่างสบายๆ ที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ใช้มือซ้ายจับใต้เข่าขวา โยนสีลงบนผืนผ้าใบ เติมรอยเปื้อน - นี่คือภาพวาด!
แม้ว่ามันอาจจะดี แต่สำหรับพวกเราชาวเมืองเท่านั้นที่วาดด้วยวิธีนี้ง่ายและสะดวก ท้ายที่สุดไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง Kim Dorland มักจะเข้าร่วมในนิทรรศการภาพวาดของเขาถูกนำเสนอในแกลเลอรี่ของโตรอนโตซึ่งเขาอาศัยและทำงานและประสบความสำเร็จในการขายผลงานทั้งในแคนาดาและต่างประเทศ