ประวัติโดยย่อของวงซิมโฟนีออร์เคสตร้า มหัศจรรย์แห่งเสียง (เรื่อง วงดุริยางค์ซิมโฟนี) นิทานเรื่อง วงดุริยางค์ซิมโฟนีสำหรับเด็ก

ดนตรีเป็นอย่างแรกคือเสียง สามารถดังและเงียบ เร็วและช้า เป็นจังหวะและไม่เป็นเช่นนั้น...

แต่แต่ละโน้ตแต่ละเสียงจะส่งผลต่อจิตสำนึกของบุคคลที่ฟังเพลงสภาพจิตใจของเขาในทางใดทางหนึ่ง และถ้านี่คือดนตรีออเคสตร้าก็ไม่มีใครสนใจแน่นอน!

วงดุริยางค์. ประเภทของวงออเคสตร้า

วงออร์เคสตราคือกลุ่มนักดนตรีที่เล่นเครื่องดนตรี งานที่ออกแบบมาเฉพาะสำหรับเครื่องดนตรีเหล่านี้

และจากองค์ประกอบขององค์ประกอบนี้ วงออเคสตรามีความเป็นไปได้ทางดนตรีที่แตกต่างกัน: ในแง่ของเสียงต่ำ ไดนามิก การแสดงออก

มีวงออร์เคสตราประเภทใดบ้าง? คนหลักคือ:

• ไพเราะ;
• เครื่องมือ;
• วงดุริยางค์ของเครื่องดนตรีพื้นบ้าน
• ลม;
• แจ๊ส;
• โผล่.

นอกจากนี้ยังมีวงดนตรีทหาร (แสดงเพลงทหาร) วงดนตรีโรงเรียน (ซึ่งรวมถึงเด็กนักเรียน) และอื่น ๆ

ซิมโฟนีออร์เคสตร้า

วงออร์เคสตราประเภทนี้ประกอบด้วยเครื่องสาย เครื่องลม และเครื่องเคาะ

มีวงดุริยางค์ซิมโฟนีวงเล็กและวงใหญ่

Maly เป็นผู้บรรเลงดนตรีของนักแต่งเพลงในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 ละครของเขาอาจรวมถึงรูปแบบที่ทันสมัย วงดุริยางค์ซิมโฟนีขนาดใหญ่แตกต่างจากวงเล็กโดยเพิ่มเครื่องดนตรีเข้าไปในการประพันธ์

ส่วนประกอบของขนาดเล็กจำเป็นต้องมี:

• ไวโอลิน;
• ระนาดเอก;
• เชลโล;
• ดับเบิ้ลเบส;
• ปี่;
• เขา;
• ท่อ;
• ทิมปานี;
• ขลุ่ย;
• ปี่ชวา;
• ปี่

อันใหญ่ประกอบด้วยเครื่องมือต่อไปนี้:

• ขลุ่ย;
• โอโบ;
• คลาริเน็ต;
• คอนทร้าบาสซูน

โดยวิธีการที่มันสามารถรวมได้ถึง 5 เครื่องดนตรีของแต่ละตระกูล และในวงออร์เคสตราขนาดใหญ่ก็มี:

• เขา;
• แตร (เบส, เล็ก, ระนาดเอก);
• ทรอมโบน (เทเนอร์, เทเนอร์เบส);
• หลอด.

และแน่นอน เครื่องเพอร์คัชชัน:

• ทิมปานี;
• ระฆัง;
• กลองเล็กและใหญ่
• สามเหลี่ยม;
• จาน;
• เถิดเทิงอินเดีย;
• พิณ;
• เปียโน;
• ฮาร์ปซิคอร์ด

คุณลักษณะของวงออร์เคสตราขนาดเล็กคือมีเครื่องสายประมาณ 20 เครื่อง ในขณะที่วงใหญ่มีเครื่องสายประมาณ 60 เครื่อง

คอนดักเตอร์กำกับวงดุริยางค์ซิมโฟนี เขาตีความงานที่ทำโดยวงออเคสตราอย่างมีศิลปะโดยใช้โน้ตเพลงซึ่งเป็นโน้ตดนตรีที่สมบูรณ์ของทุกส่วนของเครื่องดนตรีแต่ละชิ้นของวงออเคสตรา

วงดุริยางค์บรรเลง

วงมโหรีประเภทนี้มีรูปแบบต่างกันตรงที่ไม่มีจำนวนเครื่องดนตรีเฉพาะกลุ่มที่ชัดเจน และเขาสามารถแสดงดนตรีได้ทุกแนว

ไม่มีวงออร์เคสตราประเภทบรรเลงเฉพาะ แต่โดยทั่วไปแล้ววงออร์เคสตราจะประกอบด้วยวงออร์เคสตราที่หลากหลาย เช่นเดียวกับวงออเคสตราที่แสดงดนตรีคลาสสิกในการประมวลผลสมัยใหม่

ตามข้อมูลทางประวัติศาสตร์ดนตรีบรรเลงเริ่มพัฒนาอย่างแข็งขันในรัสเซียภายใต้ปีเตอร์มหาราชเท่านั้น แน่นอนว่าเธอมีอิทธิพลจากตะวันตกในตัวเอง แต่เธอไม่ได้อยู่ภายใต้การห้ามเหมือนในสมัยก่อนอีกต่อไป และก่อนที่มันจะมาถึงจุดที่ห้ามไม่ให้เล่นเท่านั้น แต่ห้ามเผาเครื่องดนตรีด้วย คริสตจักรเชื่อว่าพวกเขาไม่มีวิญญาณหรือหัวใจ ดังนั้นพวกเขาจึงไม่สามารถถวายเกียรติแด่พระเจ้าได้ ดังนั้นดนตรีบรรเลงจึงพัฒนาขึ้นในหมู่คนทั่วไปเป็นหลัก

พวกเขาเล่นในวงออเคสตราบรรเลงด้วยฟลุต พิณ ซิทารา ฟลุต ทรัมเป็ต โอโบ แทมบูรีน ทรอมโบน ไปป์ หัวฉีด และเครื่องดนตรีอื่นๆ

วงดนตรีบรรเลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในศตวรรษที่ 20 คือ Paul Mauriat Orchestra

เขาเป็นวาทยกร ผู้นำ ผู้เรียบเรียง วงออเคสตราของเขาเล่นเพลงยอดนิยมมากมายในศตวรรษที่ 20 รวมถึงผลงานเพลงของเขาเองด้วย

วงมโหรีพื้นบ้าน

ในวงออร์เคสตรานั้น เครื่องดนตรีหลักจะเป็นโฟล์ค

ตัวอย่างเช่นสำหรับวงออเคสตราพื้นบ้านของรัสเซีย โดยทั่วไป ได้แก่ domras, balalaikas, psaltery, ปุ่มหีบเพลง, หีบเพลงปาก, zhaleika, ขลุ่ย, Vladimir horns, tambourines นอกจากนี้ เครื่องดนตรีเพิ่มเติมสำหรับวงออเคสตร้าคือขลุ่ยและโอโบ

วงออเคสตราพื้นบ้านปรากฏตัวครั้งแรกเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 ซึ่งจัดโดย V.V. อันเดรเยฟ วงออเคสตรานี้ออกทัวร์บ่อยครั้งและได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในรัสเซียและต่างประเทศ และในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 วงออเคสตร้าพื้นบ้านก็เริ่มปรากฏขึ้นทุกที่: ในคลับ ในวังแห่งวัฒนธรรม และอื่นๆ

แตรวง

วงออเคสตราประเภทนี้แสดงให้เห็นว่ามีเครื่องลมและเครื่องเคาะต่างๆ มีทั้งขนาดเล็ก กลาง และใหญ่

วงออเคสตราแจ๊ส

วงดนตรีประเภทนี้เรียกว่าวงดนตรีแจ๊ส

ประกอบด้วยเครื่องดนตรีดังกล่าว: แซกโซโฟน, เปียโน, แบนโจ, กีตาร์, เครื่องเพอร์คัชชัน, ทรัมเป็ต, ทรอมโบน, ดับเบิ้ลเบส, คลาริเน็ต

โดยทั่วไปแล้วดนตรีแจ๊สเป็นทิศทางของดนตรีที่พัฒนาขึ้นภายใต้อิทธิพลของจังหวะและนิทานพื้นบ้านของแอฟริการวมถึงความกลมกลืนของยุโรป

แจ๊สปรากฏตัวครั้งแรกทางตอนใต้ของสหรัฐอเมริกาเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 และในไม่ช้าก็แพร่หลายไปทั่วทุกประเทศทั่วโลก ที่บ้าน แนวทางดนตรีนี้ได้รับการพัฒนาและเสริมด้วยลักษณะพิเศษใหม่ที่ปรากฏในภูมิภาคใดภูมิภาคหนึ่ง

ครั้งหนึ่งในอเมริกา คำว่า "แจ๊ส" และ "ดนตรียอดนิยม" มีความหมายเหมือนกัน

วงออเคสตร้าแจ๊สเริ่มก่อตัวขึ้นในปี ค.ศ. 1920 และพวกเขายังคงอยู่จนถึงยุค 40

ตามกฎแล้วผู้เข้าร่วมจะเข้าสู่กลุ่มดนตรีเหล่านี้ตั้งแต่อายุยังน้อยแสดงส่วนเฉพาะของพวกเขา - จดจำหรือจากโน้ต

ทศวรรษที่ 1930 ถือเป็นจุดสูงสุดของวงดนตรีแจ๊ส ผู้นำของวงออเคสตร้าแจ๊สที่มีชื่อเสียงที่สุดในเวลานั้น ได้แก่ Artie Shaw, Glenn Miller และคนอื่นๆ งานดนตรีของพวกเขาฟังทุกที่ในเวลานั้น: ทางวิทยุในคลับเต้นรำและอื่น ๆ

ปัจจุบันวงออเคสตร้าแจ๊สและทำนองที่เขียนขึ้นในสไตล์แจ๊สก็เป็นที่นิยมเช่นกัน

และแม้ว่าจะมีวงออเคสตราประเภทต่างๆ มากขึ้น แต่บทความจะกล่าวถึงวงออเคสตราหลัก

วงดุริยางค์(จากวงออร์เคสตรากรีก) - นักดนตรีบรรเลงทีมใหญ่ แตกต่างจากวงดนตรีแชมเบอร์ ในวงออร์เคสตรา นักดนตรีบางคนสร้างกลุ่มที่เล่นพร้อมเพรียงกัน นั่นคือพวกเขาเล่นส่วนเดียวกัน
แนวคิดในการสร้างดนตรีพร้อมกันโดยกลุ่มนักเล่นเครื่องดนตรีย้อนกลับไปในสมัยโบราณ แม้แต่ในอียิปต์โบราณ นักดนตรีกลุ่มเล็กๆ ก็เล่นด้วยกันในวันหยุดและงานศพต่างๆ
คำว่า "ออร์เคสตรา" ("ออร์เคสตรา") มาจากชื่อของแท่นกลมหน้าเวทีในโรงละครกรีกโบราณ ซึ่งเป็นที่ตั้งคณะนักร้องประสานเสียงกรีกโบราณ ซึ่งเป็นผู้มีส่วนร่วมในโศกนาฏกรรมหรือตลกขบขัน ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและหลังจากนั้น XVII ศตวรรษ วงออเคสตราถูกเปลี่ยนเป็นหลุมวงออเคสตราและด้วยเหตุนี้จึงตั้งชื่อให้กับกลุ่มนักดนตรีที่อยู่ในนั้น
วงออร์เคสตรามีหลายประเภท: วงดุริยางค์เครื่องลมทองเหลืองและเครื่องลมไม้ วงออเคสตราเครื่องดนตรีพื้นบ้าน วงออเคสตราเครื่องสาย องค์ประกอบที่ใหญ่ที่สุดและร่ำรวยที่สุดในแง่ของความสามารถคือวงดุริยางค์ซิมโฟนี

ไพเราะเรียกว่า วงออร์เคสตรา ประกอบด้วยกลุ่มเครื่องดนตรีหลายกลุ่มที่แตกต่างกัน - ตระกูลเครื่องสาย เครื่องเป่า และเครื่องเคาะ หลักการของสมาคมดังกล่าวได้รับการพัฒนาในยุโรปใน XVIII ศตวรรษ. ในขั้นต้น วงดุริยางค์ซิมโฟนีประกอบด้วยกลุ่มเครื่องเป่า เครื่องลมไม้ และเครื่องเป่าลมทองเหลือง ซึ่งมีเครื่องดนตรีเคาะสองสามเครื่องเข้ามาร่วมด้วย ต่อจากนั้นองค์ประกอบของแต่ละกลุ่มเหล่านี้ได้ขยายและหลากหลายขึ้น ปัจจุบัน ในบรรดาวงดุริยางค์ซิมโฟนีหลายวง เป็นเรื่องปกติที่จะแยกความแตกต่างระหว่างวงดุริยางค์ซิมโฟนีขนาดเล็กและวงใหญ่ วง Small Symphony Orchestra เป็นวงออเคสตราที่มีการประพันธ์เพลงแบบคลาสสิกเป็นหลัก (เล่นดนตรีในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 หรือเพลงแนว Pastiche สมัยใหม่) ประกอบด้วยฟลุต 2 ชิ้น (ไม่ค่อยมีฟลุตขนาดเล็ก), โอโบ 2 ชิ้น, คลาริเน็ต 2 ชิ้น, บาสซูน 2 ชิ้น, ฮอร์น 2 ชิ้น (ไม่ค่อยจะมี 4 ชิ้น), ทรัมเป็ตและทิมปานี 2 ชิ้น, กลุ่มเครื่องสายไม่เกิน 20 ชิ้น (ไวโอลินตัวแรก 5 ตัวและไวโอลินตัวที่สอง 4 ตัว , วิโอลา 4 ตัว , เชลโล 3 ตัว , ดับเบิ้ลเบส 2 ตัว) วงดุริยางค์ซิมโฟนีขนาดใหญ่ (BSO) รวมถึงทรอมโบนบังคับในกลุ่มทองแดงและสามารถมีองค์ประกอบใดก็ได้ บ่อยครั้งที่เครื่องดนตรีที่ทำด้วยไม้ (ฟลุต โอโบ คลาริเน็ต และบาสซูน) เข้าถึงเครื่องดนตรีได้สูงสุด 5 ชิ้นในแต่ละตระกูล (บางครั้งอาจมากกว่าคลาริเน็ต) และรวมถึงประเภทต่างๆ (ปิ๊กและอัลโตฟลุต โอโบกามเทพและโอโบอังกฤษ คลาริเน็ตขนาดเล็ก อัลโตและเบส คลาริเน็ตคอนทร้าบาสซูน) กลุ่มทองแดงสามารถมีได้ถึง 8 แตร (รวมถึงวากเนอร์ทูบาพิเศษ), 5 ทรัมเป็ต (รวมถึงขนาดเล็ก, อัลโต, เบส), 3-5 ทรอมโบน (เทเนอร์และเทเนอร์เบส) และทูบา มักใช้แซกโซโฟน (ในวงแจ๊ส ออเคสตร้า มีทั้งหมด 4 ชนิด) กลุ่มเครื่องสายมีเครื่องดนตรีตั้งแต่ 60 เครื่องขึ้นไป เครื่องเพอร์คัชชันมีมากมาย (แม้ว่าทิมปานี ระฆัง กลองเล็กและใหญ่ สามเหลี่ยม ฉิ่ง และกลองทอมของอินเดียเป็นกระดูกสันหลัง) มักใช้พิณ เปียโน ฮาร์ปซิคอร์ด
เพื่อแสดงเสียงของวงออเคสตรา ฉันจะใช้การบันทึกคอนเสิร์ตรอบสุดท้ายของ YouTube Symphony Orchestra คอนเสิร์ตเกิดขึ้นในปี 2554 ในเมืองซิดนีย์ของออสเตรเลีย ผู้คนหลายล้านคนทั่วโลกรับชมการถ่ายทอดสดทางโทรทัศน์ YouTube Symphony อุทิศตนเพื่อส่งเสริมความรักในเสียงดนตรีและนำเสนอความหลากหลายของมนุษยชาติที่สร้างสรรค์

โปรแกรมคอนเสิร์ตรวมผลงานที่เป็นที่รู้จักและรู้จักกันน้อยโดยนักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงและรู้จักกันน้อย

นี่คือโปรแกรมของเขา:

Hector Berlioz - Roman Carnival - การทาบทาม, บทประพันธ์ 9 (นำเสนอ Android Jones - ศิลปินดิจิทัล)
พบกับ Maria Chiossi
Percy Grainger - มาถึงบนชานชาลา Humlet จากสรุป - Suite
โยฮัน เซบาสเตียน บาค
พบกับ Paulo Calligopoulos - กีตาร์ไฟฟ้าและไวโอลิน
Alberto Ginastera - Danza del trigo (ระบำข้าวสาลี) และ Danza รอบชิงชนะเลิศ (Malambo) จากบัลเลต์ Estancia (แสดงโดย Ilyich Rivas)
Wolfgang Amadeus Mozart - "Caro" กระดิ่ง "idol mio" - Canon ในสามเสียง, K562 (นำเสนอคณะนักร้องประสานเสียงเด็กซิดนีย์และนักร้องเสียงโซปราโน Renee Fleming ผ่านวิดีโอ)
พบกับ Xiomara Mass - Oboe
เบนจามิน บริตเต็น - คู่มือเยาวชนสำหรับวงออร์เคสตรา, Op. 34
William Barton - Kalkadunga (เนื้อเรื่อง William Barton - Didgeridoo)
ตำรวจทิโมธี
พบกับ Roman Riedel - ทรอมโบน
Richard Strauss - ประโคมสำหรับ Vienna Philharmonic (เนื้อเรื่อง Sarah Willis, Horn, Berlin Philharmoniker และดำเนินการโดย Edwin Outwater)
*รอบปฐมทัศน์* Mason Bates - Mothership (แต่งขึ้นเป็นพิเศษสำหรับ YouTube Symphony Orchestra 2011)
พบกับซูชาง
Felix Mendelssohn - ไวโอลินคอนแชร์โตใน E minor, Op. 64 (ตอนจบ) (นำแสดงโดย Stefan Jackiw และดำเนินรายการโดย Ilyich Rivas)
พบกับ Ozgur Baskin - ไวโอลิน
Colin Jacobsen และ Siamak Aghaei - Ascending Bird - ชุดสำหรับวงเครื่องสาย (ร่วมกับ Colin Jacobsen นักไวโอลิน และ Richard Tognetti นักไวโอลิน และ Kseniya Simonova - ศิลปินทราย)
พบกับ Stepan Grytsay - ไวโอลิน
Igor Stravinsky - The Firebird (Infernal Dance - Berceuse - ตอนจบ)
*ENCORE* Franz Schubert - Rosamunde (ร่วมแสดง Eugene Izotov - oboe และ Andrew Mariner - clarinet)

ประวัติวงดุริยางค์ซิมโฟนี

วงดุริยางค์ซิมโฟนีก่อตั้งขึ้นมาหลายศตวรรษ การพัฒนาเป็นเวลานานเกิดขึ้นในส่วนลึกของวงโอเปร่าและโบสถ์ ทีมดังกล่าวใน XV - XVII ศตวรรษ มีขนาดเล็กและหลากหลาย พวกเขารวมถึงลูต ไวโอลิน ขลุ่ยกับโอโบ ทรอมโบน พิณ และกลอง เครื่องสายที่โค้งคำนับค่อยๆได้รับตำแหน่งที่โดดเด่น ไวโอลินถูกแทนที่ด้วยไวโอลินด้วยเสียงที่ไพเราะและไพเราะยิ่งขึ้น กลับไปด้านบน XVIII วี. พวกเขาครองตำแหน่งสูงสุดในวงออเคสตราแล้ว กลุ่มที่แยกจากกันและเครื่องดนตรีประเภทลม (ฟลุต โอโบ บาสซูน) ได้รวมกันเป็นหนึ่ง จากวงดุริยางค์ของโบสถ์ พวกเขาเปลี่ยนไปใช้แตรซิมโฟนีและทิมปานี ฮาร์ปซิคอร์ดเป็นสมาชิกที่ขาดไม่ได้ของวงดนตรีบรรเลง
องค์ประกอบดังกล่าวเป็นเรื่องปกติสำหรับ J. S. Bach, G. Handel, A. Vivaldi
จากตรงกลาง XVIII วี. ประเภทของซิมโฟนีและคอนแชร์โตบรรเลงเริ่มพัฒนา การออกจากสไตล์โพลีโฟนิกทำให้นักแต่งเพลงมุ่งมั่นเพื่อความหลากหลายของเสียงต่ำ การร้องอย่างโล่งอกจากเสียงออเคสตร้า
ฟังก์ชั่นของเครื่องมือใหม่กำลังเปลี่ยนไป ฮาร์ปซิคอร์ดที่มีเสียงอ่อนกำลังค่อยๆ สูญเสียบทบาทนำ ในไม่ช้านักแต่งเพลงก็ละทิ้งมันไปโดยสิ้นเชิงโดยอาศัยกลุ่มเครื่องสายและเครื่องลมเป็นหลัก ในตอนท้าย XVIII วี. องค์ประกอบคลาสสิกที่เรียกว่าวงออเคสตราถูกสร้างขึ้น: ประมาณ 30 สาย, 2 ฟลุต, 2 โอโบ, 2 ปี่, 2 ปี่, 2 ท่อ, 2-3 แตรและทิมปานี ในไม่ช้าปี่ก็เข้าร่วมทองเหลือง J. Haydn, W. Mozart เขียนบทประพันธ์ดังกล่าว นั่นคือวงออเคสตราในการประพันธ์เพลงยุคแรกๆ ของแอล. เบโธเฟน ใน XIX วี.
การพัฒนาวงออร์เคสตราส่วนใหญ่ดำเนินไปในสองทิศทาง ในแง่หนึ่งการเพิ่มองค์ประกอบมันเสริมด้วยเครื่องดนตรีหลายประเภท (ข้อดีของนักแต่งเพลงแนวโรแมนติกโดยเฉพาะ Berlioz, Liszt, Wagner นั้นยอดเยี่ยมสำหรับสิ่งนี้) ในทางกลับกันความสามารถภายในของวงออเคสตราก็พัฒนาขึ้น: สีเสียงสะอาดขึ้น พื้นผิวชัดเจนขึ้น ทรัพยากรที่สื่อความหมายได้ประหยัดมากขึ้น (เช่น วงออเคสตราของ Glinka, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov) เพิ่มคุณค่าให้กับจานสีออเคสตร้าและนักแต่งเพลงหลายคนในยุคนั้นอย่างมาก XIX - ครึ่งแรกของ XX วี. (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Stravinsky, Bartok, Shostakovich และอื่น ๆ )

องค์ประกอบของวงดุริยางค์ซิมโฟนี

วงดุริยางค์ซิมโฟนีสมัยใหม่ประกอบด้วย 4 กลุ่มหลัก รากฐานของวงออร์เคสตราคือกลุ่มเครื่องสาย (ไวโอลิน วิโอลา เชลโล ดับเบิ้ลเบส) ในกรณีส่วนใหญ่ เครื่องสายเป็นสื่อหลักในการเริ่มต้นความไพเราะในวงออร์เคสตรา จำนวนนักดนตรีที่เล่นเครื่องสายมีประมาณ 2/3 ของวงดนตรีทั้งหมด กลุ่มเครื่องลมไม้ ได้แก่ ฟลุต โอโบ คลาริเนต บาสซูน แต่ละคนมักจะมีปาร์ตี้อิสระ เครื่องดนตรีประเภทเครื่องเป่ามีกำลังสูง เสียงกระทัดรัด สีสันที่สดใส ส่งผลต่อการโค้งคำนับในความอิ่มตัวของเสียงต่ำ คุณสมบัติไดนามิกและเทคนิคการเล่นที่หลากหลาย วงออร์เคสตรากลุ่มที่สามคือเครื่องเป่าทองเหลือง (ฮอร์น ทรัมเป็ต ทรอมโบน ทรัมเป็ต) พวกเขานำสีสันที่สดใสมาสู่วงออเคสตรา เสริมพลังไดนามิก ให้พลังและความสดใสแก่เสียง และยังทำหน้าที่เป็นเสียงเบสและสนับสนุนจังหวะอีกด้วย
เครื่องเคาะเริ่มมีความสำคัญมากขึ้นในวงดุริยางค์ซิมโฟนี หน้าที่หลักของพวกเขาคือจังหวะ นอกจากนี้ยังสร้างพื้นหลังเสียงและเสียงรบกวนพิเศษ เสริมและตกแต่งจานสีออเคสตร้าด้วยเอฟเฟกต์สี ตามลักษณะของเสียง กลองแบ่งออกเป็น 2 ประเภท คือ บางชนิดมีระดับเสียงที่แน่นอน (ทิมปานี ระฆัง ระนาด ระฆัง ฯลฯ) บางชนิดไม่มีระดับเสียงที่แน่นอน (สามเหลี่ยม รำมะนา กลองเล็กและใหญ่ ฉิ่ง) . ในบรรดาเครื่องดนตรีที่ไม่รวมอยู่ในกลุ่มหลัก บทบาทของพิณนั้นสำคัญที่สุด ในบางครั้ง นักแต่งเพลงประกอบด้วยเซเลสตา เปียโน แซ็กโซโฟน ออร์แกน และเครื่องดนตรีอื่นๆ ในวงออร์เคสตรา
ดูข้อมูลเพิ่มเติมเกี่ยวกับเครื่องดนตรีของวงซิมโฟนีออร์เคสตรา - กลุ่มเครื่องสาย เครื่องลมไม้ เครื่องเป่าทองเหลืองและเครื่องเคาะได้ที่ เว็บไซต์.
ฉันไม่สามารถเพิกเฉยต่อเว็บไซต์ที่มีประโยชน์อื่น ๆ "เด็กเกี่ยวกับดนตรี" ซึ่งฉันค้นพบระหว่างการเตรียมการโพสต์ ไม่ต้องกลัวว่านี่คือเว็บไซต์สำหรับเด็ก มีบางอย่างที่ค่อนข้างจริงจังอยู่ในนั้น บอกเล่าด้วยภาษาที่เรียบง่ายและเข้าใจมากขึ้นเท่านั้น ที่นี่ ลิงค์บนเขา นอกจากนี้ยังมีเรื่องราวเกี่ยวกับวงดุริยางค์ซิมโฟนี

ตลอดประวัติศาสตร์นับพันนับพันปี มนุษย์ได้สร้างเครื่องดนตรีและนำมาผสมผสานกันเป็นชุดต่างๆ แต่เมื่อประมาณสี่ร้อยปีก่อนที่การผสมผสานเครื่องดนตรีเหล่านี้ได้พัฒนาเป็นรูปแบบที่ใกล้เคียงกับวงออร์เคสตราสมัยใหม่อยู่แล้ว

ในสมัยก่อน เมื่อนักดนตรีมารวมตัวกันเล่น เขาจะใช้เครื่องดนตรีอะไรก็ได้ที่มีอยู่รอบตัว ถ้ามีผู้เล่นสามคนบนลูท สองพิณและขลุ่ย นั่นคือวิธีที่พวกเขาเล่น ในช่วงต้นศตวรรษที่ 16 ซึ่งเป็นยุคที่เรียกว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยา คำว่า "วงดนตรี" ใช้เพื่ออ้างถึงกลุ่มนักดนตรี บางครั้งนักร้องที่แสดงดนตรีร่วมกันหรือ "ในวงดนตรี"

นักแต่งเพลงในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นมักจะไม่ได้ระบุว่าพวกเขาเขียนเครื่องดนตรีชนิดใด ซึ่งหมายความว่าสามารถเล่นชิ้นส่วนใด ๆ กับเครื่องดนตรีที่มีอยู่ แต่ในตอนต้นของศตวรรษที่ 17 ในอิตาลี นักแต่งเพลง Claudio Monteverdi ได้เลือกว่าเครื่องดนตรีใดควรนำมาประกอบกับโอเปร่า Orpheus (1607) ของเขา และระบุว่าเครื่องดนตรีชิ้นใดถูกเขียนขึ้น: วิโอลาสิบห้าขนาดต่างๆ ไวโอลินสองตัว ขลุ่ยสี่ตัว ( ขนาดใหญ่สองอันและขนาดกลางสองอัน), โอโบสองอัน, คอร์เน็ตสองอัน (ท่อไม้ขนาดเล็ก), ทรัมเป็ตสี่อัน, ทรอมโบนห้าอัน, พิณหนึ่งอัน, ฮาร์ปซิคอร์ดสองตัวและออร์แกนขนาดเล็กสามอัน

ตามที่เห็น, " วงออเคสตรายุคฟื้นฟูศิลปวิทยา"Monteverdi ดูเหมือนสิ่งที่เราจินตนาการถึงวงออร์เคสตราอยู่แล้ว: เครื่องดนตรีถูกจัดเป็นกลุ่ม มีเครื่องสายโค้งคำนับมากมาย หลากหลายมาก

ในศตวรรษต่อมา (จนถึงปี 1700 สมัยของ J.S. Bach) วงออร์เคสตราก็ได้พัฒนายิ่งขึ้นไปอีก ตระกูลไวโอลิน (ไวโอลิน วิโอลา เชลโล และเบส) เข้ามาแทนที่ไวโอลิน ในวงดุริยางค์บาโรก ตระกูลไวโอลินเป็นตัวแทนมากกว่าไวโอลินในวงดุริยางค์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ความเป็นผู้นำทางดนตรีในวงออร์เคสตราสไตล์บาโรกนั้นควบคุมโดยคีย์บอร์ด นักดนตรีที่เล่นฮาร์ปซิคอร์ดหรือบางครั้งออร์แกนก็ทำหน้าที่เป็นผู้นำ เมื่อ J.S. Bach ทำงานกับวงออร์เคสตรา เขานั่งที่ออร์แกนหรือฮาร์ปซิคอร์ดและเป็นผู้นำวงออร์เคสตราจากที่นั่งของเขา

ในยุคบาโรก วาทยกรดนตรีบางครั้งนำวงออร์เคสตราขณะยืน แต่นี่ยังไม่ใช่การนำวงที่เรารู้จักในตอนนี้ Jean-Baptiste Lully ผู้รับผิดชอบด้านดนตรีในราชสำนักของกษัตริย์ฝรั่งเศสในทศวรรษที่ 1600 เคยตีจังหวะให้กับนักดนตรีของเขาด้วยเสายาวบนพื้น แต่วันหนึ่งเขาได้รับบาดเจ็บที่ขาโดยไม่ตั้งใจ เนื้อตายเน่าพัฒนา และเขาก็ตาย!

ในศตวรรษที่ 19 ถัดมา สมัยของไฮเดินและเบโธเฟน วงออร์เคสตรามีการเปลี่ยนแปลงที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้นไปอีก เครื่องสายแบบโค้งคำนับมีความสำคัญมากขึ้นกว่าเดิม ในขณะที่เครื่องสายแบบคีย์บอร์ดเริ่มจางหายไป นักแต่งเพลงเริ่มเขียนเครื่องดนตรีเฉพาะ ซึ่งหมายถึงการรู้เสียงของเครื่องดนตรีแต่ละชนิด เข้าใจว่าเพลงประเภทใดให้เสียงดีกว่าและเล่นเครื่องดนตรีที่เลือกได้ง่ายกว่า นักแต่งเพลงมีอิสระมากขึ้นและชอบผจญภัยในการรวมเครื่องดนตรีเพื่อสร้างเสียงและโทนที่หลากหลายยิ่งขึ้น

นักไวโอลินคนแรก (หรือนักเล่นดนตรีประกอบ) กำกับการแสดงของวงออเคสตราจากเก้าอี้ของเขา แต่บางครั้งเขาก็ต้องออกคำสั่งด้วยท่าทาง และเพื่อให้มองเห็นได้ดีขึ้น เขาจึงใช้กระดาษขาวธรรมดาม้วนเป็นหลอดก่อน สิ่งนี้นำไปสู่การเกิดขึ้นของกระบองของวาทยกรสมัยใหม่ ในช่วงต้นทศวรรษ 1800 นักแต่งเพลง-วาทยกร เช่น Carl Maria von Weber และ Felix Mendelssohn เป็นผู้นำนักดนตรีกลุ่มแรกจากแท่นตรงกลางหน้าวงออร์เคสตรา

เมื่อวงออเคสตร้ามีขนาดใหญ่ขึ้นเรื่อย ๆ นักดนตรีทุกคนไม่สามารถเห็นและติดตามนักดนตรีได้ ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 วงออเคสตรามีขนาดและสัดส่วนที่เรารู้จักในปัจจุบันและเกินขนาดที่ทันสมัย นักแต่งเพลงบางคนเช่น Berlioz เริ่มแต่งเพลงสำหรับวงออเคสตราขนาดใหญ่เท่านั้น

การออกแบบ การสร้าง และคุณภาพของเครื่องดนตรีได้รับการปรับปรุงและสร้างสรรค์อย่างต่อเนื่อง เครื่องดนตรีใหม่ที่พบตำแหน่งของพวกเขาในวงออเคสตรา เช่น พิคโคโล (พิคโคโล) และทรัมเป็ต นักแต่งเพลงหลายคนรวมถึง Berlioz, Verdi, Wagner, Mahler และ Richard Strauss กลายเป็นวาทยกร การทดลองของพวกเขาด้วยวงออร์เคสตรา (ศิลปะในการแจกจ่ายสื่อดนตรีระหว่างเครื่องดนตรีของวงออเคสตราเพื่อให้ใช้เครื่องดนตรีแต่ละชิ้นให้เกิดประโยชน์สูงสุด) แสดงให้เห็นหนทางสู่ศตวรรษที่ 20

วากเนอร์ไปไกลกว่านั้น เขาออกแบบและผลิตเบสทรัมเป็ต ( แว็กเนอร์ทรัมเป็ต) การผสมผสานองค์ประกอบของแตรเดี่ยวและทรัมเป็ตเพื่อนำเสนอเสียงพิเศษใหม่ให้กับโอเปร่าอมตะของเธอ Der Ring des Nibelungen นอกจากนี้เขายังเป็นวาทยกรคนแรกที่หันหลังให้กับผู้ชมเพื่อควบคุมวงออเคสตราให้ดียิ่งขึ้น สเตราส์เขียนในซิมโฟนีเรื่องหนึ่งของเขา ส่วนสำหรับเขาอัลไพน์น. เครื่องดนตรีพื้นบ้านทำด้วยไม้ยาว ๑๒ ฟุต. ตอนนี้เขาถูกแทนที่ด้วยท่อ Arnold Schoenberg สร้างผลงาน "Songs Gurre" (Gurrelieder) สำหรับวงออร์เคสตราด้วยเครื่องดนตรี 150 ชิ้น

ศตวรรษที่ 20 เป็นศตวรรษแห่งเสรีภาพและการทดลองใหม่ๆ กับวงออร์เคสตรา วาทยกรกลายเป็นบุคคลโดยสมบูรณ์และซูเปอร์สตาร์ของพวกเขาเองก็เพิ่มขึ้นท่ามกลางพวกเขา ความรับผิดชอบเพิ่มขึ้นหลายครั้ง แต่การรับรู้ของผู้ชมด้วย

พื้นฐานของวงออร์เคสตรานั้นเหมือนกับในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และนักแต่งเพลงบางครั้งก็เพิ่มหรือถอดเครื่องดนตรีออก ขึ้นอยู่กับเอฟเฟ็กต์ที่พวกเขาต้องการ บางครั้งก็เป็นกลุ่มเครื่องเคาะหรือเครื่องลมไม้และเครื่องทองเหลือง แต่องค์ประกอบของวงออร์เคสตรานั้นได้รับการแก้ไขและโดยพื้นฐานแล้วยังคงไม่เปลี่ยนแปลง: เครื่องดนตรีโค้งคำนับกลุ่มใหญ่และเครื่องดนตรีประเภทเครื่องลม เครื่องเพอร์คัชชัน พิณ และคีย์บอร์ดกลุ่มเล็กๆ

หลังจากผ่านไปหลายปี ก็ยังใช้งานได้!

, เชลโล , ดับเบิ้ลเบส . พวกเขารวมตัวกันในมือของนักดนตรีมากประสบการณ์ ภายใต้ความประสงค์ของวาทยกร พวกเขาสร้างเครื่องดนตรีที่สามารถแสดงและถ่ายทอดเนื้อหาทางดนตรี ภาพ หรือความคิดใด ๆ ด้วยเสียงใด ๆ ก็ได้ การผสมผสานเครื่องดนตรีหลายชนิดของวงออร์เคสตราทำให้ได้ชุดเสียงที่หลากหลายอย่างไม่รู้จักหมดสิ้น ตั้งแต่เสียงดังสนั่น หูหนวก จนแทบไม่ได้ยิน ตั้งแต่เสียงแหลมบาดหูไปจนถึงเสียงแผ่วเบา และคอร์ดหลายชั้นของความซับซ้อนใด ๆ และช่องท้องที่มีลวดลายและคดเคี้ยวของเครื่องประดับไพเราะที่แตกต่างกันและผ้าใยแมงมุมบาง ๆ เสียงเล็ก ๆ "เศษ" เมื่อตามการแสดงออกโดยนัยของ S. S. Prokofiev "ราวกับว่าฝุ่นถูกเช็ดออก วงออร์เคสตรา" และความพร้อมเพรียงอันทรงพลังของเครื่องดนตรีหลายชนิดที่เล่นเสียงเดียวกันในเวลาเดียวกัน ทั้งหมดนี้ขึ้นอยู่กับวงออเคสตรา กลุ่มออเคสตร้ากลุ่มใดกลุ่มหนึ่ง - เครื่องสาย, เครื่องเป่า, เครื่องเพอร์คัชชัน, เครื่องดึง, คีย์บอร์ด - สามารถแยกตัวออกจากวงอื่นและนำเสียงบรรยายทางดนตรีของตนเองในขณะที่วงอื่นเงียบ แต่ทั้งหมดทั้งหมด บางส่วนหรือในฐานะตัวแทนของแต่ละบุคคล เมื่อรวมกับกลุ่มอื่นหรือบางส่วน ก่อตัวเป็นโลหะผสมเสียงต่ำที่ซับซ้อน เป็นเวลากว่าสองศตวรรษที่ความคิดที่หวงแหนที่สุดของนักแต่งเพลง ซึ่งเป็นเหตุการณ์สำคัญในประวัติศาสตร์ของศิลปะแห่งเสียง มีความเชื่อมโยงกับดนตรีที่คิดขึ้น เขียนขึ้น และบางครั้งก็จัดสำหรับวงดุริยางค์ซิมโฟนี

การจัดวางเครื่องดนตรีของวงดุริยางค์ซิมโฟนี

ทุกคนที่รักดนตรีรู้จักและจำชื่อของ J. Haydn, W. A. ​​Mozart, F. Schubert, R. Schumann, I. Brahms, G. Berlioz, F. Liszt, S. Frank, J. Bizet, J. Verdi , P. I. Tchaikovsky, N. A. Rimsky-Korsakov, A. P. Borodin M. P. Mussorgsky , S. V. Rachmaninov , A. K. Glazunov , I. F. Stravinsky , S. S. Prokofiev , N. Ya. Myaskovsky , D. D. Shostakovich , A. I. Khachaturian , K. Debussy, M. Ravel, B. Bartok และปรมาจารย์คนอื่น ๆ ที่มีซิมโฟนี, ห้องสวีท, การทาบทาม, บทกวีไพเราะ ภาพวาด จินตนาการ การบรรเลงคอนแชร์โตร่วมกับวงออเคสตรา และสุดท้าย แคนทาทา ออราทอรีโอ โอเปรา และบัลเลต์เขียนขึ้นสำหรับวงซิมโฟนีออร์เคสตราหรือมีส่วนร่วม ความสามารถในการเขียนสำหรับเขาเป็นพื้นที่ที่สูงที่สุดและซับซ้อนที่สุดของศิลปะการประพันธ์ดนตรีซึ่งต้องการความรู้พิเศษเชิงลึกประสบการณ์การฝึกฝนและที่สำคัญที่สุด - ความสามารถพิเศษทางดนตรีความสามารถและพรสวรรค์

ประวัติความเป็นมาของวงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตร้าคือประวัติของการปรับโครงสร้างอย่างค่อยเป็นค่อยไปของเครื่องดนตรีเก่าและการประดิษฐ์เครื่องดนตรีใหม่ การเพิ่มองค์ประกอบ ประวัติของการปรับปรุงวิธีการใช้เครื่องดนตรีแบบผสมผสาน นั่นคือ ประวัติของดนตรีศาสตร์สาขานั้นที่เรียกว่าออร์เคสตราหรือเครื่องดนตรี และสุดท้ายคือประวัติของดนตรีซิมโฟนี โอเปร่า โอราทอรีโอ คำศัพท์ทั้งสี่นี้ แนวคิดทั้งสี่ด้านของ "วงดุริยางค์ซิมโฟนี" มีความเกี่ยวข้องกันอย่างใกล้ชิด อิทธิพลของพวกเขาที่มีต่อกันและกันนั้นมีความหลากหลาย

คำว่า "วงออเคสตรา" ในภาษากรีกโบราณหมายถึงพื้นที่รูปครึ่งวงกลมหน้าเวทีโรงละครซึ่งเป็นที่ตั้งของคณะนักร้องประสานเสียง - ผู้มีส่วนร่วมที่ขาดไม่ได้ในการแสดงละครในยุคของ Aeschylus, Sophocles, Euripides, Aristophanes ประมาณปี ค.ศ. 1702 คำนี้หมายถึงพื้นที่ขนาดเล็กที่มีไว้สำหรับกลุ่มนักเล่นเครื่องดนตรีที่เล่นโอเปร่า เรียกว่ากลุ่มเครื่องดนตรีในเชมเบอร์มิวสิค ในช่วงกลางของศตวรรษที่สิบแปด นำเสนอความแตกต่างที่ชัดเจนสำหรับประวัติศาสตร์ของวงออเคสตรา - วงออเคสตราขนาดใหญ่ไม่เหมาะกับวงแชมเบอร์มิวสิคขนาดเล็ก - วงดนตรี จนถึงเวลานั้นยังไม่มีเส้นแบ่งที่ชัดเจนระหว่างดนตรีเชมเบอร์กับดนตรีออเคสตร้า

แนวคิดของ "วงดุริยางค์ซิมโฟนี" ปรากฏขึ้นในยุคของลัทธิคลาสสิกเมื่อ K. V. Gluck, L. Boccherini, Haydn, Mozart อาศัยและทำงาน มันเกิดขึ้นแล้วหลังจากที่นักแต่งเพลงเริ่มเขียนชื่อเครื่องดนตรีแต่ละชิ้นที่เล่นเสียงนี้หรือเสียงนี้หรือแนวดนตรีนั้นอย่างถูกต้องในโน้ต ราวต้นศตวรรษที่ 17 K. Monteverdi ใน "Orpheus" ก่อนที่แต่ละหมายเลขจะแสดงเฉพาะเครื่องดนตรีที่สามารถเล่นได้ คำถามว่าใครควรจะเล่นที่สายยังคงเปิดอยู่ ดังนั้นในโรงละครโอเปร่า 40 แห่งในเมืองเวนิสของเขา การแสดงอย่างหนึ่งของ Orpheus อาจแตกต่างจากที่อื่น J. B. Lully นักแต่งเพลง นักไวโอลิน วาทยกร น่าจะเป็นคนแรกที่ประพันธ์ชุดเครื่องดนตรีเฉพาะสำหรับชุดที่เรียกว่า "24 Violins of the King" ซึ่งเป็นวงเครื่องสายที่จัดตั้งขึ้นในราชสำนักของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 และนำโดย Lully เอง . เขามีเสียงสูงของกลุ่มเครื่องสายที่สนับสนุนโดยโอโบ และเสียงต่ำโดยปี่ โอโบและบาสซูนที่ไม่มีสายซึ่งตรงกันข้ามกับองค์ประกอบทั้งหมดมีส่วนร่วมในส่วนตรงกลางของการแต่งเพลงของเขา

ตลอดศตวรรษที่ 17 และครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 พื้นฐานเริ่มต้นของวงออเคสตราถูกสร้างขึ้น - กลุ่มสตริง มีการเพิ่มตัวแทนของตระกูลลมทีละน้อย - ขลุ่ยโอโบและบาสซูนและแตร คลาริเน็ตเข้าสู่วงออเคสตราในเวลาต่อมาเนื่องจากความไม่สมบูรณ์อย่างมากในเวลานั้น M. I. Glinka ใน "Notes on Instrumentation" เรียกเสียงปี่ว่า "ห่าน" อย่างไรก็ตาม กลุ่มลมที่ประกอบด้วยฟลุต โอโบ คลาริเนต และฮอร์น (สองในทั้งหมด) ปรากฏในปรากซิมโฟนีของโมสาร์ท และก่อนหน้านั้นในเอฟ. กอสเซกชาวฝรั่งเศสร่วมสมัยของเขา ใน London Symphonies ของ Haydn และซิมโฟนีในยุคแรกๆ ของ L. Beethoven แตรสองตัวปรากฏขึ้นเช่นเดียวกับทิมปานี ในศตวรรษที่ 19 กลุ่มเครื่องลมในวงออร์เคสตราได้รับการปรับปรุงเพิ่มเติม เป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ของดนตรีออเคสตร้า ฟลุตปิกโคโล คอนทร้าบาสซูน และทรอมโบน 3 ชิ้น ซึ่งก่อนหน้านี้ใช้เฉพาะในละครโอเปร่า มีส่วนร่วมในตอนจบของซิมโฟนีลำดับที่ 5 ของเบโธเฟน R. Wagner เพิ่มทูบาอีกอันและทำให้จำนวนไปป์เป็นสี่ วากเนอร์เป็นนักแต่งเพลงโอเปร่าเป็นหลัก แต่ในขณะเดียวกันเขาก็ได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นนักซิมโฟนีและนักปฏิรูปที่โดดเด่นของวงดุริยางค์ซิมโฟนี

ความปรารถนาของนักแต่งเพลงในศตวรรษที่ XIX-XX การเพิ่มสีสันของจานเสียงนำไปสู่การเปิดตัวเครื่องดนตรีจำนวนมากที่มีความสามารถพิเศษด้านเทคนิคและเสียงต่ำในวงออร์เคสตรา

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ XIX องค์ประกอบของวงออเคสตร้านำมาซึ่งความน่าประทับใจและบางครั้งก็มีสัดส่วนที่ใหญ่โต ดังนั้น ซิมโฟนีลำดับที่ 8 ของมาห์เลอร์จึงไม่ถูกเรียกว่า "ซิมโฟนีของผู้เข้าร่วมหนึ่งพันคน" โดยบังเอิญ ในผืนผ้าใบซิมโฟนิกและโอเปร่าของ R. Strauss มีเครื่องเป่าหลายชนิดปรากฏขึ้น: อัลโตและเบสฟลุต, บาริโทนโอโบ (แฮ็คเคลโฟน), คลาริเน็ตขนาดเล็ก, คลาริเน็ตคอนทราเบส, อัลโตและท่อเบส ฯลฯ

ในศตวรรษที่ XX วงออเคสตราถูกเติมเต็มด้วยเครื่องเพอร์คัชชันเป็นหลัก ก่อนหน้านี้ สมาชิกปกติของวงออร์เคสตราคือ 2–3 ทิมปานี, ฉิ่ง, เบสและกลองสแนร์, สามเหลี่ยม, แทมบูรีนและเถิดเทิง, ระฆัง, ระนาด ตอนนี้นักแต่งเพลงใช้ชุดของออเคสตร้าเบลที่ให้ระดับสีที่เรียกว่าเซเลสตา พวกเขาแนะนำเครื่องดนตรีเช่น flexatone, ระฆัง, castanets สเปน, กล่องไม้ที่ส่งเสียงดัง, เครื่องสั่น, แส้แคร็กเกอร์ (การเป่าของมันเหมือนการยิง), ไซเรน, ลมและฟ้าร้อง, แม้กระทั่งการร้องเพลงของนกไนติงเกล บันทึกไว้ในบันทึกพิเศษ (ใช้ในบทกวีไพเราะโดยนักแต่งเพลงชาวอิตาลี O. Respighi "The Pines of Rome")

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ XX ตั้งแต่ดนตรีแจ๊ซไปจนถึงวงดุริยางค์ซิมโฟนี เครื่องเพอร์คัชชัน เช่น ไวบราโฟน ทอมทอม บองโก กลองชุดพร้อม "ชาร์ลสตัน" ("ไฮแฮท") มาราคัสก็มาด้วย

สำหรับกลุ่มเครื่องสายและเครื่องเป่านั้น การก่อตัวของวงในปี 1920 เสร็จสมบูรณ์โดยพื้นฐานแล้ว วงออเคสตราบางครั้งรวมถึงตัวแทนบุคคลของกลุ่มแซกโซโฟน (ในผลงานของ Wiese, Ravel, Prokofiev), แตรวง (คอร์เน็ตของ Tchaikovsky และ Stravinsky), ฮาร์ปซิคอร์ด, ดอมราและบาลาไลกา, กีตาร์, แมนโดลิน ฯลฯ นักแต่งเพลงกำลังสร้างผลงานมากขึ้นเรื่อยๆ สำหรับการประพันธ์เพลงบางส่วนของวงดุริยางค์ซิมโฟนี: สำหรับเครื่องสายอย่างเดียว สำหรับเครื่องสายและเครื่องทองเหลือง สำหรับเครื่องเป่าลมที่ไม่มีเครื่องสายและเครื่องเคาะ สำหรับเครื่องสายที่มีเครื่องเคาะ

นักแต่งเพลงแห่งศตวรรษที่ 20 เขียนเพลงให้กับวงแชมเบอร์ออร์เคสตร้ามากมาย ประกอบด้วยสาย 15-20 สาย เครื่องเป่าลมไม้ 1 เครื่อง แตร 1 หรือ 2 เครื่อง กลุ่มเครื่องเพอร์คัชชันที่มีผู้บรรเลง 1 คน พิณ 1 ตัว (อาจมีเปียโนหรือฮาร์ปซิคอร์ดแทน) นอกจากนี้ยังมีผลงานสำหรับกลุ่มศิลปินเดี่ยวซึ่งมีตัวแทนหนึ่งคนจากแต่ละกลุ่ม (หรือจากบางส่วน) เช่นซิมโฟนีแชมเบอร์และบทละครของ A. Schoenberg, A. Webern, ชุด "The Story of a Soldier" ของ Stravinsky ผลงานของนักแต่งเพลงโซเวียต - ผู้ร่วมสมัยของเรา M. S. Weinberg, R. K. Gabichvadze, E. V. Denisov และคนอื่น ๆ ผู้เขียนหันไปใช้องค์ประกอบที่ผิดปกติมากขึ้นเรื่อย ๆ หรืออย่างที่พวกเขาพูดว่าฉุกเฉิน พวกเขาต้องการเสียงที่แปลกและหายาก เนื่องจากบทบาทของเสียงต่ำในดนตรีสมัยใหม่มีมากขึ้นกว่าเดิม

อย่างไรก็ตามเพื่อให้มีโอกาสแสดงดนตรีทั้งเก่าและใหม่และล่าสุดองค์ประกอบของวงดุริยางค์ซิมโฟนียังคงมีเสถียรภาพ วงดุริยางค์ซิมโฟนีสมัยใหม่แบ่งออกเป็นวงดุริยางค์ซิมโฟนีขนาดใหญ่ (นักดนตรีประมาณ 100 คน) วงกลาง (70–75 คน) วงเล็ก (50–60 คน) บนพื้นฐานของวงดุริยางค์ซิมโฟนีขนาดใหญ่ คุณสามารถเลือกองค์ประกอบที่จำเป็นสำหรับการแสดงสำหรับแต่ละงานได้: หนึ่งเพลงสำหรับ "เพลงพื้นบ้านรัสเซียแปดเพลง" โดย A.K. » Stravinsky หรือ Bolero ที่ร้อนแรงของ Ravel

นักดนตรีบนเวทีเป็นอย่างไร? ในศตวรรษที่ XVIII-XIX ไวโอลินตัวแรกนั่งทางซ้ายของตัวนำ ส่วนตัวที่สองทางขวา วิโอลานั่งหลังไวโอลินตัวแรก และเชลโลอยู่หลังตัวที่สอง ด้านหลังกลุ่มเครื่องสาย พวกเขานั่งเป็นแถว: ด้านหน้ากลุ่มเครื่องเป่าลมไม้ และด้านหลังกลุ่มเครื่องทองเหลือง ดับเบิลเบสอยู่ในพื้นหลังทางด้านขวาหรือซ้าย พื้นที่ที่เหลืออุทิศให้กับฮาร์ป เซเลสตา เปียโน และเครื่องเพอร์คัชชัน ในประเทศของเรา นักดนตรีนั่งตามแผนการที่เปิดตัวในปี 1945 โดยวาทยกรชาวอเมริกัน L. Stokowski ตามโครงร่างนี้ เชลโลจะถูกวางไว้เบื้องหน้าแทนที่จะเป็นไวโอลินตัวที่ 2 ทางด้านขวาของตัวนำ สถานที่เดิมของพวกเขาถูกครอบครองโดยไวโอลินตัวที่สอง

วงดุริยางค์ซิมโฟนีนำโดยวาทยกร เขารวบรวมนักดนตรีของวงออเคสตราและนำความพยายามทั้งหมดของพวกเขาไปสู่การปฏิบัติตามแผนการแสดงของเขาในระหว่างการซ้อมและในคอนเสิร์ต การนำขึ้นอยู่กับระบบการเคลื่อนไหวของมือที่ออกแบบมาเป็นพิเศษ ผู้ควบคุมวงมักจะถือกระบองไว้ในมือขวา บทบาทที่สำคัญที่สุดคือใบหน้าท่าทางการแสดงออกทางสีหน้า ผู้ดำเนินรายการต้องเป็นผู้มีการศึกษาสูง เขาต้องการความรู้ด้านดนตรีในยุคและสไตล์ต่างๆ เครื่องดนตรีออร์เคสตราและความสามารถของพวกเขา หูที่แหลมคม ความสามารถในการเจาะลึกลงไปในความตั้งใจของนักแต่งเพลง ความสามารถของนักแสดงจะต้องรวมกับความสามารถในการจัดองค์กรและการสอนของเขา

• พื้นหลัง
• ประเภทและรูปแบบวงออเคสตร้า
• โบสถ์มันไฮม์
• นักดนตรีในศาล

พื้นหลัง

ตั้งแต่สมัยโบราณ ผู้คนรู้จักผลกระทบของเสียงเครื่องดนตรีต่ออารมณ์ของมนุษย์: การบรรเลงพิณ พิณ ซิทารา เคมันชะ หรือขลุ่ยอ้อที่นุ่มนวลแต่ไพเราะทำให้เกิดความรู้สึกเบิกบาน ความรัก หรือความสงบสุข และเสียง เขาสัตว์ (เช่น โชฟาร์ในภาษาฮีบรู ) หรือท่อโลหะมีส่วนทำให้เกิดความรู้สึกเคร่งขรึมและเคร่งศาสนา กลองและเครื่องกระทบอื่น ๆ ที่เพิ่มเข้าไปในแตรและแตรช่วยรับมือกับความกลัวและปลุกความก้าวร้าวและความเข้มแข็ง เป็นที่ทราบกันมานานแล้วว่าการเล่นเครื่องดนตรีที่คล้ายกันหลายชิ้นร่วมกันนั้นไม่เพียงช่วยเพิ่มความสว่างของเสียงเท่านั้น แต่ยังส่งผลต่อจิตใจของผู้ฟังด้วย ซึ่งเป็นผลแบบเดียวกับที่เกิดขึ้นเมื่อคนจำนวนมากร้องเพลงทำนองเดียวกันพร้อมกัน ดังนั้น ไม่ว่าผู้คนจะตั้งถิ่นฐานอยู่ที่ใด สมาคมนักดนตรีก็ค่อยๆ เริ่มปรากฏขึ้น การเล่นดนตรีประกอบกับการต่อสู้หรืองานเฉลิมฉลองในที่สาธารณะ: พิธีกรรมในวัด การแต่งงาน การฝังศพ พิธีราชาภิเษก ขบวนพาเหรดทางทหาร การละเล่นในพระราชวัง

การอ้างอิงเป็นลายลักษณ์อักษรครั้งแรกเกี่ยวกับความสัมพันธ์ดังกล่าวสามารถพบได้ใน Pentateuch ของโมเสสและในเพลงสดุดีของดาวิด: ในตอนต้นของเพลงสดุดีบางเพลงมีการอุทธรณ์ต่อหัวหน้าคณะนักร้องประสานเสียงพร้อมคำอธิบายว่าควรใช้เครื่องดนตรีชนิดใดประกอบ ข้อความนี้หรือข้อความนั้น มีกลุ่มนักดนตรีในเมโสโปเตเมียและฟาโรห์อียิปต์ ในจีนและอินเดียโบราณ กรีกและโรม ในประเพณีการแสดงโศกนาฏกรรมของชาวกรีกโบราณ มีเวทีพิเศษที่นักดนตรีนั่งร่วมกับการแสดงของนักแสดงและนักเต้นด้วยการเล่นเครื่องดนตรี การยกระดับแพลตฟอร์มดังกล่าวเรียกว่า "วงออร์เคสตรา" ดังนั้นสิทธิบัตรสำหรับการประดิษฐ์คำว่า "วงออเคสตรา" จึงยังคงอยู่กับชาวกรีกโบราณแม้ว่าในความเป็นจริงแล้ววงออเคสตราจะมีอยู่ก่อนหน้านี้มากก็ตาม

ปูนเปียกจากวิลล่าโรมันใน Boscoreal 50-40s ก่อนคริสต์ศักราช อีพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิทัน

ในวัฒนธรรมยุโรปตะวันตกสมาคมนักดนตรีในฐานะวงออเคสตราไม่ได้เริ่มเรียกทันที ตอนแรกในยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเรียกว่าโบสถ์ ชื่อนี้เชื่อมโยงกับสถานที่เฉพาะที่มีการแสดงดนตรี โบสถ์ดังกล่าวมีขึ้นที่โบสถ์หลังแรก จากนั้นจึงขึ้นศาล และยังมีโบสถ์ประจำหมู่บ้านซึ่งประกอบด้วยนักดนตรีสมัครเล่น โบสถ์เหล่านี้เป็นปรากฏการณ์ที่ยิ่งใหญ่ และแม้ว่าระดับของนักแสดงในหมู่บ้านและเครื่องดนตรีของพวกเขาจะไม่สามารถเทียบได้กับศาลมืออาชีพและโบสถ์ในวัด แต่ก็ไม่ควรประมาทอิทธิพลของประเพณีของหมู่บ้านและดนตรีพื้นบ้านในเมืองที่ต่อมามีต่อนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่และวัฒนธรรมดนตรีของยุโรปโดยรวม ดนตรีของ Haydn, Beethoven, Schubert, Weber, Liszt, Tchaikovsky, Bruckner, Mahler, Bartok, Stravinsky, Ravel, Ligeti ได้รับการหล่อเลี้ยงโดยประเพณีการทำดนตรีบรรเลงพื้นบ้าน

เช่นเดียวกับในวัฒนธรรมที่เก่าแก่กว่านั้น ในยุโรปไม่มีการแบ่งส่วนแรกออกเป็นเสียงดนตรีและดนตรีบรรเลง เริ่มตั้งแต่ยุคกลางตอนต้น คริสตจักรคริสเตียนได้ครอบครองทุกสิ่ง และดนตรีบรรเลงในคริสตจักรก็พัฒนาเป็นเพลงประกอบสนับสนุนพระวจนะแห่งกิตติคุณ ซึ่งครอบงำอยู่เสมอ - หลังจากนั้น "ในตอนเริ่มต้นคือพระวจนะ" ดังนั้นอุโบสถในยุคแรกจึงเป็นทั้งคนร้องและคนร่วมร้อง

เมื่อถึงจุดหนึ่งคำว่า "วงออเคสตรา" จะปรากฏขึ้น แม้ว่าจะไม่ทุกที่ในเวลาเดียวกัน ตัวอย่างเช่นในเยอรมนีคำนี้ก่อตั้งขึ้นช้ากว่าในประเทศโรมานซ์ ในอิตาลี วงออร์เคสตรามักจะหมายถึงเครื่องดนตรีมากกว่าส่วนที่เป็นเสียงของดนตรี วงออร์เคสตราเป็นคำที่ยืมโดยตรงจากประเพณีกรีก วงออเคสตร้าของอิตาลีเกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 พร้อมกับการกำเนิดของประเภทโอเปร่า และเนื่องจากความนิยมเป็นพิเศษของประเภทนี้ คำนี้จึงพิชิตโลกทั้งใบได้อย่างรวดเร็ว ดังนั้นจึงปลอดภัยที่จะกล่าวว่าดนตรีออร์เคสตร้าร่วมสมัยมีแหล่งที่มา 2 แห่งคือ วัดและโรงละคร

มิสซาคริสต์มาส. ของจิ๋วจาก Magnificent Book of Hours of the Duke of Berry โดยพี่น้อง Limburg ศตวรรษที่ 15นางสาว. 65/1284 ล. 158r / Musee Conde / วิกิมีเดียคอมมอนส์

และในเยอรมนีพวกเขายังคงใช้ชื่อ "โบสถ์" ในยุคกลางที่ฟื้นฟูมาเป็นเวลานาน จนถึงศตวรรษที่ 20 วงออร์เคสตร้าในราชสำนักของเยอรมันจำนวนมากถูกเรียกว่าโบสถ์ หนึ่งในวงออร์เคสตร้าที่เก่าแก่ที่สุดในโลกปัจจุบันคือโบสถ์แห่งรัฐแซกซอน (และในอดีต - ศาลแซกซอน) ในเดรสเดน ประวัติศาสตร์ย้อนกลับไปกว่า 400 ปี เธอปรากฏตัวที่ศาลของ Saxon Electors ผู้ซึ่งชื่นชมความสวยงามอยู่เสมอและเหนือกว่าเพื่อนบ้านในแง่นี้ ยังคงมีโบสถ์ประจำรัฐเบอร์ลินและไวมาร์ รวมถึงโบสถ์ Meiningen Court ที่มีชื่อเสียง ซึ่งริชาร์ด สเตราส์เริ่มเป็นนักดนตรี (ปัจจุบันเป็นวาทยกร) อย่างไรก็ตาม คำว่า "kapellmeister" ในภาษาเยอรมัน (chapel master) บางครั้งยังคงใช้โดยนักดนตรีในปัจจุบันโดยเทียบเท่ากับคำว่า "conductor" แต่บ่อยครั้งในความหมายเชิงแดกดัน บางครั้งก็ในแง่ลบ (ในความหมายของช่างฝีมือ ไม่ใช่ศิลปิน) และในสมัยนั้นคำนี้ออกเสียงด้วยความเคารพในฐานะชื่อของอาชีพที่ซับซ้อน: "หัวหน้าคณะนักร้องประสานเสียงหรือวงออเคสตราซึ่งแต่งเพลงด้วย" จริงอยู่ในวงออเคสตราของเยอรมันบางวงคำนี้ได้รับการเก็บรักษาไว้เป็นการกำหนดตำแหน่ง - ตัวอย่างเช่นใน Leipzig Gewandhaus Orchestra หัวหน้าวงดนตรียังคงเรียกว่า Gewandhaus Kapellmeister

ศตวรรษที่ XVII-XVIII: วงออเคสตราเป็นเครื่องราชอิสริยาภรณ์

พระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ใน Royal Ballet of the Night โดย Jean Baptiste Lully ร่างโดยอองรี เดอ กิสเซ็ต 1653ในการผลิต กษัตริย์เล่นบทบาทของดวงอาทิตย์ขึ้น วิกิมีเดียคอมมอนส์

วงออร์เคสตรายุคเรอเนซองส์และวงออเคสตรายุคบาโรกในยุคต่อมา ส่วนใหญ่เป็นวงในราชสำนักหรือคณะสงฆ์ จุดประสงค์ของพวกเขาคือการไปสักการะหรือเพื่อเอาใจและให้ความบันเทิงแก่ผู้ที่มีอำนาจ อย่างไรก็ตาม ผู้ปกครองศักดินาหลายคนมีสุนทรียภาพที่ค่อนข้างพัฒนา และนอกจากนี้ พวกเขาชอบอวดซึ่งกันและกัน บางคนโอ้อวดกองทัพ บางคนมีสถาปัตยกรรมที่แปลกประหลาด บางคนจัดสวน และบางคนมีโรงละครหรือวงออเคสตราในราชสำนัก

ตัวอย่างเช่น พระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ของฝรั่งเศส มีวงออร์เคสตรา 2 วง ได้แก่ Ensemble of the Royal Stables ซึ่งประกอบด้วยเครื่องลมและเครื่องเคาะ และวงที่เรียกว่า "24 Violins of the King" นำโดยนักแต่งเพลงชื่อดัง Jean Baptiste Lully ซึ่งร่วมมือกับ Moliere และเข้าสู่ประวัติศาสตร์ในฐานะผู้สร้างอุปรากรฝรั่งเศสและวาทยกรมืออาชีพคนแรก ต่อมา พระเจ้าชาร์ลส์ที่ 2 แห่งอังกฤษ (พระราชโอรสในพระเจ้าชาร์ลส์ที่ 1 ที่ถูกประหารชีวิต) ซึ่งเสด็จกลับจากฝรั่งเศสระหว่างการฟื้นฟูระบอบกษัตริย์ในปี พ.ศ. 2203 ก็ทรงสร้าง "ไวโอลิน 24 กษัตริย์" ขึ้นในโบสถ์หลวงตามต้นแบบของฝรั่งเศส Royal Chapel นั้นมีมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 14 และรุ่งเรืองถึงขีดสุดในรัชสมัยของสมเด็จพระราชินีนาถเอลิซาเบธที่ 1 ผู้จัดงานในราชสำนักคือ William Bird และ Thomas Tallis และที่ราชสำนักของพระเจ้าชาร์ลส์ที่ 2 เฮนรี เพอร์เซลล์ นักแต่งเพลงชาวอังกฤษผู้ปราดเปรื่องทำหน้าที่ควบรวมตำแหน่งนักเล่นออร์แกนในเวสต์มินสเตอร์แอบบีย์และในโบสถ์หลวง ในศตวรรษที่ 16-17 ในอังกฤษมีอีกชื่อหนึ่งที่เรียกเฉพาะสำหรับวงออร์เคสตรา ซึ่งมักจะเป็นวงเล็กๆ ซึ่งก็คือ "มเหสี" ในยุคบาโรกต่อมา คำว่า "มเหสี" เลิกใช้ไป และแนวคิดของแชมเบอร์ ซึ่งก็คือดนตรี "ห้อง" ปรากฏขึ้นแทน

ชุดนักรบจาก Royal Ballet of the Night ร่างโดยอองรี เดอ กิสเซ็ต 1653วิกิมีเดียคอมมอนส์

ความบันเทิงรูปแบบบาโรกมีความหรูหรามากขึ้นในปลายศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 และไม่สามารถจัดการด้วยเครื่องมือจำนวนน้อยได้อีกต่อไป ลูกค้าต้องการ "ขนาดใหญ่และแพงกว่า" แม้ว่าแน่นอนว่าทุกอย่างขึ้นอยู่กับความเอื้ออาทรของ "ผู้อุปถัมภ์ที่มีชื่อเสียง" หากบาคถูกบังคับให้เขียนจดหมายถึงปรมาจารย์ของเขา โดยเกลี้ยกล่อมให้จัดสรรไวโอลินอย่างน้อยสองหรือสามตัวต่อเครื่องดนตรีหนึ่งชิ้น จากนั้นที่ฮันเดล ช่างโอโบ 24 คน นักเป่าปี่ 12 คน นักเล่นฮอร์น 9 คนเข้าร่วมการแสดงครั้งแรกของบาค "ดนตรีสำหรับดอกไม้ไฟหลวง" , นักเป่าแตร 9 คน และนักตีกลอง 3 คน (เช่น นักดนตรี 57 คน สำหรับ 13 ท่อนที่กำหนด) และในการแสดง "เมสสิยาห์" ของฮันเดลในลอนดอนในปี พ.ศ. 2327 มีคนเข้าร่วม 525 คน (แม้ว่าเหตุการณ์นี้จะเป็นของยุคต่อมาเมื่อผู้แต่งเพลงไม่ได้มีชีวิตอยู่อีกต่อไป) นักแต่งเพลงสไตล์บาโรกส่วนใหญ่เขียนโอเปร่า และวงออเคสตร้าโอเปร่าละครมักเป็นห้องทดลองสร้างสรรค์สำหรับนักแต่งเพลงเสมอมา ซึ่งเป็นสถานที่สำหรับการทดลองทุกประเภท รวมถึงเครื่องมือที่ไม่ธรรมดาด้วย ตัวอย่างเช่น ในตอนต้นของศตวรรษที่ 17 มอนเตเวร์ดีได้แนะนำส่วนทรอมโบนให้กับวงออเคสตราของโอเปร่า Orfeo ซึ่งเป็นหนึ่งในโอเปร่าเรื่องแรกในประวัติศาสตร์ เพื่อแสดงถึงความโกรธเกรี้ยว

ตั้งแต่ช่วงเวลาของ Florentine Camerata (ช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17) ในวงออเคสตราใด ๆ มีส่วนต่อเนื่องของเบสโซซึ่งเล่นโดยนักดนตรีทั้งกลุ่มและบันทึกในบรรทัดเดียวในเสียงเบส ตัวเลขใต้ไลน์เบสแสดงถึงลำดับฮาร์มอนิกบางอย่าง และนักแสดงต้องด้นสดเนื้อดนตรีและการตกแต่งทั้งหมด นั่นคือสร้างใหม่ในแต่ละการแสดง ใช่ และองค์ประกอบก็แตกต่างกันไปขึ้นอยู่กับว่าโบสถ์ใดมีเครื่องดนตรีอะไรบ้าง จำเป็นต้องมีเครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ด 1 ชิ้น ซึ่งส่วนใหญ่มักจะเป็นฮาร์ปซิคอร์ด ในดนตรีของโบสถ์ เครื่องดนตรีดังกล่าวมักเป็นออร์แกน คันชักหนึ่งสาย - เชลโล, วิโอลาดากัมบาหรือวิโอโลน (ผู้บุกเบิกดับเบิลเบสสมัยใหม่); พิณดึงสายหรือธีออร์โบหนึ่งสาย แต่บังเอิญว่าในกลุ่ม Basso Continuo มีผู้เล่นหกหรือเจ็ดคนพร้อมๆ กัน รวมทั้งฮาร์ปซิคอร์ดหลายตัว (Purcell และ Rameau มีสามหรือสี่ตัว) ในศตวรรษที่ 19 คีย์บอร์ดและเครื่องดนตรีที่ดึงออกมาหายไปจากวงออร์เคสตรา แต่ปรากฏขึ้นอีกครั้งในศตวรรษที่ 20 และตั้งแต่ทศวรรษ 1960 เป็นต้นมา มีความเป็นไปได้ที่จะใช้เครื่องดนตรีเกือบทุกชนิดในโลกในวงดุริยางค์ซิมโฟนี ซึ่งเกือบจะเป็นรูปแบบบาโรกที่มีความยืดหยุ่นในแนวทางการบรรเลง ดังนั้นเราจึงสามารถพิจารณาได้ว่าบาร็อคเป็นผู้ให้กำเนิดวงออเคสตราสมัยใหม่

เครื่องมือวัด โครงสร้าง สัญกรณ์

ย่อมาจากคำอธิบายเกี่ยวกับคติของ Beat of Lieban ในรายชื่ออาราม San Millan de la Cogoglia 900-950 Biblioteca de Serafín Estébanez Calderón y de San Millán de la Cogolla

คำว่า "วงออเคสตรา" สำหรับผู้ฟังสมัยใหม่มักเกี่ยวข้องกับข้อความที่ตัดตอนมาจากดนตรีของ Beethoven, Tchaikovsky หรือ Shostakovich ด้วยเสียงที่ยิ่งใหญ่และในเวลาเดียวกันที่นุ่มนวลซึ่งฝากไว้ในความทรงจำของเราจากการฟังออเคสตร้าสมัยใหม่ - การแสดงสดและในการบันทึก แต่วงออเคสตราไม่ได้ฟังแบบนี้เสมอไป ท่ามกลางความแตกต่างมากมายระหว่างออเคสตร้าโบราณกับออเคสตร้าสมัยใหม่ สิ่งสำคัญคือเครื่องดนตรีที่นักดนตรีใช้ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง เครื่องดนตรีทั้งหมดให้เสียงที่เงียบกว่าเครื่องดนตรีสมัยใหม่มาก เนื่องจากห้องที่ใช้เล่นดนตรีนั้น (โดยทั่วไป) มีขนาดเล็กกว่าห้องแสดงคอนเสิร์ตสมัยใหม่มาก และไม่มีแตรโรงงาน ไม่มีกังหันนิวเคลียร์ ไม่มีเครื่องยนต์สันดาปภายใน ไม่มีเครื่องบินความเร็วเหนือเสียง เสียงทั่วไปของชีวิตมนุษย์เงียบกว่าทุกวันนี้หลายเท่า ความดังยังคงวัดได้จากปรากฏการณ์ทางธรรมชาติ เช่น เสียงคำรามของสัตว์ป่า เสียงฟ้าร้องระหว่างพายุฝนฟ้าคะนอง เสียงน้ำตก เสียงแตกของต้นไม้ล้มหรือเสียงก้องของภูเขาถล่ม และเสียงคำรามของฝูงชนในจัตุรัสกลางเมืองในงานแสดงสินค้า วัน. ดังนั้นดนตรีจึงสามารถแข่งขันกับความสว่างได้เฉพาะกับธรรมชาติเท่านั้น

สายที่ใช้ดีดเครื่องสายทำจากเอ็นวัว (ปัจจุบันทำจากโลหะ) คันธนูมีขนาดเล็กกว่า เบากว่า และมีรูปร่างแตกต่างกันเล็กน้อย ด้วยเหตุนี้เสียงของเครื่องสายจึง "อุ่นขึ้น" แต่ "นุ่มนวล" น้อยกว่าในปัจจุบัน เครื่องลมไม้ไม่มีวาล์วที่ทันสมัยและอุปกรณ์ทางเทคนิคอื่นๆ ที่ช่วยให้เล่นได้อย่างมั่นใจและแม่นยำมากขึ้น เครื่องลมไม้ในยุคนั้นให้เสียงที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในแง่ของเสียงต่ำ บางครั้งก็แปร่งๆ (ทั้งหมดขึ้นอยู่กับทักษะของนักแสดง) และเงียบกว่าเครื่องสมัยใหม่หลายเท่า เครื่องลมทองเหลืองเป็นธรรมชาติทั้งหมด กล่าวคือ สามารถผลิตเสียงได้เฉพาะสเกลที่เป็นธรรมชาติ ซึ่งส่วนใหญ่มักจะเพียงพอที่จะบรรเลงประโคมสั้นๆ เท่านั้น แต่ไม่สามารถขยายท่วงทำนองได้ หนังสัตว์ถูกขึงบนกลองและทิมปานี (การปฏิบัตินี้ยังคงมีอยู่ในปัจจุบัน แม้ว่าเครื่องเพอร์คัชชันที่มีเยื่อพลาสติกจะปรากฏตัวมานานแล้วก็ตาม)

ลำดับของวงออเคสตราโดยทั่วไปต่ำกว่าวันนี้ - โดยเฉลี่ยครึ่งเสียงและบางครั้งก็เป็นโทนเสียงทั้งหมด แต่ที่นี่ไม่มีกฎข้อเดียว: ระบบโทนเสียงสำหรับอ็อกเทฟแรก ที่ราชสำนักของพระเจ้าชาร์ลส์ที่ 2 พวกเขาปรับความถี่ A จาก 400 เป็น 408 เฮิรตซ์ ในเวลาเดียวกัน อวัยวะในวัดมักจะถูกปรับให้มีโทนเสียงที่สูงกว่าฮาร์ปซิคอร์ดที่ยืนอยู่ในห้องของพระราชวัง (อาจเป็นเพราะความร้อนเนื่องจากเครื่องสายเพิ่มขึ้นจากความร้อนแห้งและในทางกลับกัน ลดลง จากความหนาวเย็น เครื่องลม มักมีแนวโน้มกลับด้าน) ดังนั้นในสมัยของบาคจึงมีระบบหลักสองระบบ: ระบบที่เรียกว่า kammer-ton (สมัยใหม่ "ส้อมเสียง" - คำที่มาจากมัน) นั่นคือ "ระบบห้อง" และ orgel-ton นั่นคือ , "ระบบอวัยวะ" (หรือที่เรียกว่า "เสียงร้องประสานเสียง") และห้องสำหรับการปรับเสียง A อยู่ที่ 415 เฮิรตซ์ ในขณะที่การปรับเสียงของออร์แกนจะสูงกว่าเสมอ และบางครั้งก็สูงถึง 465 เฮิรตซ์ และถ้าเราเปรียบเทียบกับการปรับแต่งคอนเสิร์ตสมัยใหม่ (440 เฮิรตซ์) อันแรกจะต่ำกว่าครึ่งโทนและอันที่สองจะสูงกว่าอันที่ทันสมัยครึ่งหนึ่ง ดังนั้นในแคนทาทาของบาคบางชิ้นที่เขียนขึ้นโดยคำนึงถึงระบบออร์แกน ผู้เขียนจึงเขียนส่วนของเครื่องลมทันทีในการย้ายตำแหน่ง นั่นคือ สูงกว่าส่วนของคณะนักร้องประสานเสียงและเบสโซคอนตินิวโอครึ่งก้าว นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่าเครื่องลมซึ่งใช้เป็นหลักในดนตรีแชมเบอร์ในศาลไม่ได้ปรับให้เข้ากับการปรับแต่งออร์แกนที่สูงขึ้น (ฟลุตและโอโบอาจต่ำกว่าคาเมอร์โทนเล็กน้อยด้วยซ้ำ ดังนั้นจึงมีเครื่องที่สามด้วย - คาเมอร์โทนต่ำ) โทนเสียง) และถ้าวันนี้คุณลองเล่นแคนทาทาจากโน้ตโดยไม่รู้ตัว คุณจะได้รับเสียงขรมที่ผู้เขียนไม่ได้ตั้งใจ

สถานการณ์ที่มีการก่อตัว "ลอยตัว" ยังคงมีอยู่ในโลกจนถึงสงครามโลกครั้งที่สองนั่นคือไม่เพียง แต่ในประเทศต่างๆ แต่ยังอยู่ในเมืองต่างๆของประเทศเดียวกัน การก่อตัวอาจแตกต่างกันอย่างมีนัยสำคัญจากกันและกัน ในปี พ.ศ. 2402 รัฐบาลฝรั่งเศสพยายามสร้างมาตรฐานการปรับจูนเป็นครั้งแรกโดยออกกฎหมายรับรองการปรับความถี่ A - 435 เฮิรตซ์ แต่ในประเทศอื่น ๆ การปรับจูนยังคงแตกต่างกันอย่างมาก และในปีพ.ศ. 2498 องค์การระหว่างประเทศเพื่อการมาตรฐานได้นำกฎหมายว่าด้วยการปรับแต่งคอนเสิร์ตที่ความถี่ 440 เฮิรตซ์ซึ่งยังคงมีผลบังคับใช้มาจนถึงทุกวันนี้

ไฮน์ริช อิกนาซ บีเบอร์ แกะสลักจาก 1681วิกิมีเดียคอมมอนส์

นักประพันธ์ยุคบาโรกและคลาสสิกยังได้ดำเนินการอื่นๆ ในด้านการปรับเสียง ซึ่งเกี่ยวข้องกับดนตรีสำหรับเครื่องสาย เรากำลังพูดถึงเทคนิคที่เรียกว่า "scordatura" นั่นคือ "การปรับสาย" ในขณะเดียวกัน เครื่องสายบางสาย เช่น ไวโอลินหรือวิโอลา ก็ได้รับการปรับให้มีช่วงห่างที่ผิดปกติสำหรับเครื่องดนตรี ด้วยเหตุนี้นักแต่งเพลงจึงมีโอกาสที่จะใช้สตริงเปิดจำนวนมากขึ้นอยู่กับคีย์ของการประพันธ์ซึ่งนำไปสู่การกำทอนของเครื่องดนตรีที่ดีขึ้น แต่ scordatura นี้มักไม่ได้บันทึกด้วยเสียงจริง แต่เป็นการขนย้าย ดังนั้นหากไม่มีการเตรียมเครื่องดนตรี (และนักแสดง) เบื้องต้น การแสดงองค์ประกอบดังกล่าวจึงเป็นไปไม่ได้ ตัวอย่างที่มีชื่อเสียงของ scordatura คือวงจรของไวโอลิน sonatas Rosary (ลึกลับ) ของ Heinrich Ignaz Bieber (1676)

ในยุคเรอเนซองส์และช่วงต้นของยุคบาโรก ช่วงของโหมดต่างๆ และช่วงต่อมาของคีย์ ซึ่งคีตกวีสามารถแต่งเพลงได้นั้นถูกจำกัดด้วยอุปสรรคตามธรรมชาติ ชื่อของสิ่งกีดขวางนี้คือลูกน้ำพีทาโกรัส Pythagoras นักวิทยาศาสตร์ชาวกรีกผู้ยิ่งใหญ่เป็นคนแรกที่แนะนำเครื่องมือปรับแต่งตามส่วนที่ห้าบริสุทธิ์ซึ่งเป็นหนึ่งในช่วงแรกของมาตราส่วนธรรมชาติ แต่กลายเป็นว่าถ้าคุณปรับเครื่องสายด้วยวิธีนี้ หลังจากผ่านไปครบวงหนึ่งในห้า (สี่อ็อกเทฟ) โน้ต C-sharp จะฟังดูสูงขึ้นมากใน C และตั้งแต่สมัยโบราณ นักดนตรีและนักวิทยาศาสตร์ได้พยายามค้นหาระบบปรับแต่งเครื่องดนตรีในอุดมคติ ซึ่งสามารถเอาชนะข้อบกพร่องตามธรรมชาติของสเกลธรรมชาติ - ความไม่สม่ำเสมอของมัน - ซึ่งจะทำให้ใช้โทนเสียงทั้งหมดได้อย่างเท่าเทียมกัน

แต่ละยุคมีระบบระเบียบของตัวเอง และแต่ละระบบก็มีลักษณะเฉพาะของมันเอง ซึ่งฟังดูผิดหูของเรา คุ้นชินกับเสียงของเปียโนยุคใหม่ ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 19 เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดทั้งหมดได้รับการปรับในสเกลเดียวกัน โดยแบ่งอ็อกเทฟออกเป็น 12 เซมิโทนที่เท่ากันอย่างสมบูรณ์ การปรับความสม่ำเสมอเป็นการประนีประนอมที่ใกล้เคียงกับจิตวิญญาณสมัยใหม่มาก ซึ่งทำให้แก้ปัญหาของเครื่องหมายจุลภาคแบบปีทาโกรัสได้ทุกครั้ง แต่สูญเสียความงามตามธรรมชาติของเสียงของเสียงที่สามและห้าที่บริสุทธิ์ นั่นคือไม่มีช่วงใด (ยกเว้นอ็อกเทฟ) ที่เล่นโดยเปียโนสมัยใหม่ที่สอดคล้องกับสเกลธรรมชาติ และในระบบการปรับแต่งจำนวนมากทั้งหมดที่มีมาตั้งแต่ยุคกลางตอนปลาย ช่วงเวลาบริสุทธิ์จำนวนหนึ่งได้รับการเก็บรักษาไว้ เนื่องจากปุ่มทั้งหมดได้รับเสียงที่คมชัด แม้หลังจากการประดิษฐ์อารมณ์ที่ดี (ดู Clavier อารมณ์ดีของ Bach) ซึ่งทำให้สามารถใช้คีย์ทั้งหมดบนฮาร์ปซิคอร์ดหรือออร์แกนได้ แต่คีย์เองยังคงรักษาสีของตัวเองไว้ ดังนั้นการเกิดขึ้นของทฤษฎีพื้นฐานของผลกระทบสำหรับดนตรีบาโรก ซึ่งความหมายทางดนตรีทั้งหมด - ทำนอง ความกลมกลืน จังหวะ จังหวะ พื้นผิว และการเลือกโทนเสียง - มีความเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับสภาวะทางอารมณ์ที่เฉพาะเจาะจง ยิ่งไปกว่านั้น โทนเสียงเดียวกันอาจฟังดูเป็นอภิบาล ไร้เดียงสาหรือเย้ายวน โศกเศร้าอย่างเคร่งขรึมหรือข่มขู่ปีศาจได้ ขึ้นอยู่กับระบบที่ใช้ในขณะนั้น

สำหรับนักแต่งเพลง การเลือกคีย์ใดคีย์หนึ่งนั้นเชื่อมโยงความสัมพันธุ์กับอารมณ์บางอย่างอย่างแยกไม่ออกจนกระทั่งช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 ยิ่งกว่านั้น หากสำหรับ Haydn D major ฟังดูเหมือน "การขอบคุณอย่างยิ่งใหญ่ ความเข้มแข็ง" สำหรับเบโธเฟน มันก็ฟังดูเหมือน "ความเจ็บปวด ความปวดร้าว หรือการเดินขบวน" Haydn เชื่อมโยง E major กับ "ความคิดเกี่ยวกับความตาย" และสำหรับ Mozart มันหมายถึง "ความมีชัยที่ศักดิ์สิทธิ์และสูงส่ง" (คำคุณศัพท์ทั้งหมดนี้เป็นคำพูดจากผู้แต่งเอง) ดังนั้นในคุณธรรมที่จำเป็นของนักดนตรีที่เล่นดนตรียุคแรกคือระบบความรู้ทางดนตรีและวัฒนธรรมทั่วไปหลายมิติซึ่งทำให้สามารถรับรู้โครงสร้างทางอารมณ์และ "รหัส" ขององค์ประกอบต่างๆโดยผู้แต่งหลายคนและในเวลาเดียวกันความสามารถในการ ใช้เทคนิคนี้ในเกม

นอกจากนี้ยังมีปัญหาเกี่ยวกับสัญกรณ์: นักแต่งเพลงในศตวรรษที่ 17-18 จงใจบันทึกข้อมูลเพียงบางส่วนที่เกี่ยวข้องกับการแสดงที่กำลังจะมาถึงของงาน การใช้ถ้อยคำ ความแตกต่างเล็กน้อย การประกบ และการตกแต่งที่วิจิตรงดงามโดยเฉพาะอย่างยิ่ง - เป็นส่วนสำคัญของสุนทรียศาสตร์แบบบาโรก - ทั้งหมดนี้ถูกทิ้งไว้ให้นักดนตรีเลือกอย่างเสรี ซึ่งกลายเป็นผู้ร่วมสร้างนักแต่งเพลง ไม่ใช่แค่ผู้ปฏิบัติตามเจตจำนงของเขา ดังนั้น การแสดงดนตรีสไตล์บาโรกและคลาสสิกยุคแรกอย่างเชี่ยวชาญอย่างแท้จริงด้วยเครื่องดนตรีโบราณจึงเป็นงานที่ยากไม่น้อย (หากไม่มาก) ไปกว่าการบรรเลงดนตรียุคหลังด้วยเครื่องดนตรีสมัยใหม่อย่างเชี่ยวชาญ เมื่อกว่า 60 ปีที่แล้ว ผู้ที่ชื่นชอบการเล่นเครื่องดนตรีโบราณกลุ่มแรก ("ผู้นิยมของแท้") ปรากฏตัวขึ้น พวกเขามักจะพบกับความเกลียดชังในหมู่เพื่อนร่วมงาน ส่วนหนึ่งเกิดจากความเฉื่อยของนักดนตรีของโรงเรียนดั้งเดิม และอีกส่วนหนึ่งมาจากทักษะที่ไม่เพียงพอของผู้บุกเบิกความถูกต้องทางดนตรีเอง ในแวดวงดนตรี มีทัศนคติเชิงประชดประชันต่อพวกเขาในฐานะผู้แพ้ที่ไม่พบประโยชน์สำหรับตนเองดีไปกว่าการเผยแพร่คำร้องทุกข์ปลอมๆ บน "ไม้เหี่ยว" (เครื่องลมไม้) หรือ "เศษเหล็กที่เป็นสนิม" (เครื่องเป่าลมทองเหลือง) และทัศนคตินี้ (น่าเสียดายอย่างแน่นอน) ยังคงมีอยู่จนกระทั่งเมื่อเร็ว ๆ นี้ จนกระทั่งเห็นได้ชัดว่าระดับการเล่นเครื่องดนตรีโบราณได้เติบโตขึ้นอย่างมากในช่วงหลายทศวรรษที่ผ่านมา ซึ่งอย่างน้อยที่สุดในวงการบาโรกและคลาสสิกยุคต้น เหนือกว่าวงออเคสตร้าสมัยใหม่ที่ให้เสียงที่น่าเบื่อหน่ายและน่าเบื่อหน่าย

ประเภทและรูปแบบวงออเคสตร้า

ชิ้นส่วนของภาพเหมือนของ Pierre Moucheron กับครอบครัวของเขา ไม่ทราบผู้เขียน 1563 Rijksmuseum อัมสเตอร์ดัม

เช่นเดียวกับคำว่า "ออร์เคสตรา" ไม่ได้หมายถึงสิ่งที่เราหมายถึงในปัจจุบันเสมอไป ดังนั้นคำว่า "ซิมโฟนี" และ "คอนเสิร์ต" ในขั้นต้นจึงมีความหมายต่างกันเล็กน้อย และค่อยๆ เมื่อเวลาผ่านไปพวกเขาได้รับความหมายสมัยใหม่

คอนเสิร์ต

คำว่า "คอนเสิร์ต" มีที่มาที่เป็นไปได้หลายประการ นิรุกติศาสตร์สมัยใหม่มีแนวโน้มที่จะแปลว่า "เพื่อบรรลุข้อตกลง" จากคอนแชร์แตร์ของอิตาลี หรือ "ร้องเพลงด้วยกัน สรรเสริญ" จากภาษาละติน concinere, concino อีกคำแปลที่เป็นไปได้คือ "ข้อพิพาท การแข่งขัน" จากภาษาละตินว่าคอนแชร์แตร์: นักแสดงแต่ละคน (ศิลปินเดี่ยวหรือกลุ่มศิลปินเดี่ยว) แข่งขันกันในดนตรีกับทีม (วงออร์เคสตรา) ในช่วงต้นของยุคบาโรก งานที่ใช้เสียงร้องมักถูกเรียกว่าคอนแชร์โต ต่อมากลายเป็นที่รู้จักในชื่อแคนตาตา ซึ่งมาจากภาษาละตินว่า cantare ("ร้องเพลง") เมื่อเวลาผ่านไป คอนแชร์โตกลายเป็นแนวเพลงที่ใช้บรรเลงเพียงอย่างเดียว (แม้ว่าในบรรดางานของศตวรรษที่ 20 ก็สามารถพบสิ่งที่หายากเช่นคอนแชร์โตสำหรับเสียงและวงออเคสตราโดย Reinhold Gliere) ยุคบาโรกสร้างความแตกต่างระหว่างโซโลคอนแชร์โต (เครื่องดนตรีชิ้นเดียวและวงออร์เคสตราประกอบ) และ "คอนแชร์โตขนาดใหญ่" (คอนแชร์โตกรอสโซ) ซึ่งดนตรีถูกถ่ายโอนระหว่างศิลปินเดี่ยวกลุ่มเล็กๆ (คอนแชร์ติโน) กับกลุ่มที่มีเครื่องดนตรีมากกว่า (ริเปียโน นั่นคือ "การบรรจุ", "การบรรจุ") นักดนตรีของกลุ่ม ripieno เรียกว่า ripienists นักเล่นดนตรีประกอบเหล่านี้เองที่กลายมาเป็นผู้บุกเบิกของผู้เล่นวงออเคสตร้าสมัยใหม่ ในฐานะริเปียโน มีเพียงเครื่องสายเท่านั้นที่เกี่ยวข้อง เช่นเดียวกับเบสโซคอนตินูโอ และศิลปินเดี่ยวอาจแตกต่างกันมาก: ไวโอลิน เชลโล โอโบ เครื่องบันทึก บาสซูน วิโอลาดามูร์ ลูต แมนโดลิน ฯลฯ

คอนแชร์โตกรอสโซมีสองประเภท: คอนแชร์โตดาเชียซา ("คอนเสิร์ตในโบสถ์") และคอนแชร์โตดาคาเมรา ("แชมเบอร์คอนเสิร์ต") ทั้งสองถูกนำมาใช้โดยส่วนใหญ่ต้องขอบคุณ Arcangelo Corelli ผู้ประพันธ์เพลงคอนแชร์โต 12 รอบ (1714) วัฏจักรนี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อฮันเดล ซึ่งทิ้งวงคอนแชร์โตกรอสโซไว้สองวง ซึ่งได้รับการยอมรับว่าเป็นผลงานชิ้นเอกของแนวเพลงประเภทนี้ คอนแชร์โตบรันเดนบูร์กของบาคยังมีคุณลักษณะที่ชัดเจนของคอนแชร์โตกรอสโซอีกด้วย

ยุครุ่งเรืองของคอนแชร์โตเดี่ยวสไตล์บาโรกเกี่ยวข้องกับชื่อของอันโตนิโอ วิวัลดี ผู้แต่งคอนแชร์โตมากกว่า 500 เพลงสำหรับเครื่องดนตรีต่างๆ ที่มาพร้อมกับเครื่องสายและเบสโซต่อเนื่องในชีวิตของเขา (แม้ว่าเขาจะแต่งโอเปร่ามากกว่า 40 เรื่อง เพลงประสานเสียงของโบสถ์จำนวนมาก และซิมโฟนีบรรเลง) ตามปกติแล้วการบรรยายแบ่งออกเป็นสามส่วนโดยมีจังหวะสลับกัน: เร็ว - ช้า - เร็ว; โครงสร้างนี้มีความโดดเด่นในตัวอย่างต่อมาของการบรรเลงคอนแชร์โต - จนถึงต้นศตวรรษที่ 21 ผลงานการสร้างสรรค์ของ Vivaldi ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือวงรอบ "The Seasons" (1725) สำหรับไวโอลินและวงเครื่องสาย ซึ่งแต่ละคอนแชร์โตจะนำหน้าด้วยบทกวี (บางที Vivaldi เขียนเอง) บทกวีบรรยายถึงอารมณ์และเหตุการณ์สำคัญของฤดูกาลหนึ่งๆ ซึ่งรวมไว้ในดนตรีแล้ว คอนแชร์โตทั้งสี่นี้ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของวงคอนแชร์โตขนาดใหญ่ 12 วงที่มีชื่อว่า Contest of Harmony and Invention ปัจจุบันถือเป็นหนึ่งในตัวอย่างแรกของรายการเพลง

ประเพณีนี้ได้รับการสานต่อและพัฒนาโดยฮันเดลและบาค ยิ่งไปกว่านั้น ฮันเดลยังแต่งออร์แกนคอนแชร์โต 16 ชิ้น และบาคนอกเหนือจากคอนแชร์โตแบบดั้งเดิมสำหรับไวโอลินหนึ่งและสองตัวในเวลานั้น ยังได้เขียนคอนแชร์โตสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด ซึ่งเคยเป็นเครื่องดนตรีเฉพาะของกลุ่มเบสโซคอนตินิวโอมาก่อน . ดังนั้น Bach จึงถือได้ว่าเป็นบรรพบุรุษของเปียโนคอนแชร์โตสมัยใหม่

ซิมโฟนี

ซิมโฟนีในภาษากรีกแปลว่า "ความสอดคล้อง", "เสียงร่วม" ในประเพณีกรีกและยุคกลางโบราณ ซิมโฟนีถูกเรียกว่า euphony of Harmony (ในภาษาดนตรีปัจจุบัน - ความสอดคล้องกัน) และในช่วงเวลาไม่นานมานี้ เครื่องดนตรีต่างๆ เริ่มถูกเรียกว่า Symphony เช่น ขิม, Hurdy Gurdy, Spinet หรือ บริสุทธิ์. และเมื่อถึงช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 คำว่า "ซิมโฟนี" เริ่มถูกใช้เป็นชื่อขององค์ประกอบสำหรับเสียงและเครื่องดนตรี ตัวอย่างแรกของซิมโฟนีดังกล่าวคือ Musical Symphonies โดย Lodovico Grossi da Viadana (1610), Sacred Symphonies โดย Giovanni Gabrieli (1615) และ Sacred Symphonies (op. 6, 1629 และ op. 10, 1649) โดย Heinrich Schütz โดยทั่วไปแล้วตลอดช่วงยุคบาโรก การประพันธ์เพลงที่หลากหลายทั้งทางสงฆ์และฆราวาสเรียกว่าซิมโฟนี บ่อยครั้งที่ซิมโฟนีเป็นส่วนหนึ่งของวงจรขนาดใหญ่ ด้วยการถือกำเนิดขึ้นของประเภทของโอเปร่าซีเรียของอิตาลี (“โอเปร่าซีเรียส”) ซึ่งเกี่ยวข้องกับชื่อของ Scarlatti เป็นหลัก บทนำเกี่ยวกับโอเปร่าหรือที่เรียกว่าการทาบทามถูกเรียกว่าซิมโฟนีโดยปกติจะแบ่งออกเป็นสามส่วน: เร็ว - ช้าเร็ว. นั่นคือ "ซิมโฟนี" และ "การทาบทาม" มีความหมายเกี่ยวกับสิ่งเดียวกันมาช้านาน อย่างไรก็ตาม ในอุปรากรอิตาลี ประเพณีการเรียกการทาบทามว่าซิมโฟนียังคงอยู่จนถึงกลางศตวรรษที่ 19 (ดูโอเปร่าในยุคแรกๆ ของ Verdi เช่น Nebuchadnezzar)

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 เป็นต้นมา แฟชั่นสำหรับซิมโฟนีหลายท่อนบรรเลงได้เกิดขึ้นทั่วยุโรป พวกเขามีบทบาทสำคัญทั้งในชีวิตสาธารณะและในการรับใช้คริสตจักร อย่างไรก็ตามแหล่งกำเนิดและการแสดงซิมโฟนีหลักคือที่ดินของขุนนาง ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 (ช่วงเวลาของการปรากฏตัวของซิมโฟนี Haydn วงแรก) มีศูนย์กลางหลักสามแห่งสำหรับการแต่งซิมโฟนีในยุโรป - มิลาน เวียนนา และมันไฮม์ ต้องขอบคุณกิจกรรมของศูนย์ทั้งสามแห่งนี้ แต่โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Mannheim Court Chapel และนักแต่งเพลง ตลอดจนงานของ Joseph Haydn ที่แนวเพลงซิมโฟนีได้เบ่งบานครั้งแรกในยุโรปในเวลานั้น

โบสถ์มันไฮม์

แจน สตามิทซ์วิกิมีเดียคอมมอนส์

โบสถ์ซึ่งเกิดขึ้นภายใต้ผู้มีสิทธิเลือกตั้งชาร์ลส์ที่ 3 ฟิลิปในไฮเดลเบิร์ก และหลังจากปี 1720 ยังคงมีอยู่ในมันไฮม์ ถือได้ว่าเป็นต้นแบบวงแรกของวงออเคสตราสมัยใหม่ ก่อนที่จะย้ายไปมันไฮม์ โบสถ์แห่งนี้มีจำนวนมากกว่าหลังอื่นๆ ในอาณาเขตโดยรอบ ในมันไฮม์นั้นเติบโตมากยิ่งขึ้น และเนื่องจากการมีส่วนร่วมของนักดนตรีที่มีพรสวรรค์ที่สุดในยุคนั้น คุณภาพของการแสดงจึงดีขึ้นอย่างมากเช่นกัน ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1741 คณะนักร้องประสานเสียงนำโดย Jan Stamitz นักไวโอลินและนักแต่งเพลงชาวเช็ก จากเวลานี้เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับการสร้างโรงเรียน Mannheim วงออเคสตราประกอบด้วยเครื่องสาย 30 เครื่อง เครื่องลมคู่: ฟลุต 2 ชิ้น โอโบ 2 ชิ้น คลาริเน็ต 2 ชิ้น (จากนั้นก็ยังเป็นแขกรับเชิญในวงออเคสตรา) เบสซูน 2 ชิ้น แตร 2-4 ชิ้น ทรัมเป็ตและทิมปานี 2 ชิ้น ซึ่งเป็นองค์ประกอบที่ยิ่งใหญ่ในยุคนั้น ตัวอย่างเช่นในโบสถ์ของเจ้าชาย Esterhazy ซึ่ง Haydn ทำหน้าที่เป็นหัวหน้าวงดนตรีมาเกือบ 30 ปีในช่วงเริ่มต้นของกิจกรรมจำนวนนักดนตรีไม่เกิน 13-16 คนที่ Count Morzin ซึ่ง Haydn รับใช้เมื่อหลายปีก่อน Esterhazy และเขียนซิมโฟนีชุดแรกของเขามีนักดนตรีมากขึ้น น้อยลง - ที่นั่นตัดสินโดยคะแนนของ Haydn ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาไม่มีแม้แต่ฟลุต ในช่วงปลายทศวรรษ 1760 โบสถ์ Esterhazy มีนักดนตรีเพิ่มขึ้นเป็น 16-18 คน และในช่วงกลางทศวรรษ 1780 มีนักดนตรีถึงจำนวนสูงสุด 24 คน และในมันไฮม์มีคนเล่นเครื่องสายเพียงลำพัง 30 คน

แต่คุณธรรมหลักของอัจฉริยะ Mannheim ไม่ใช่ปริมาณของพวกเขา แต่เป็นคุณภาพที่น่าทึ่งและความสอดคล้องกันของการแสดงโดยรวมในเวลานั้น แจน สตามิทซ์ และนักแต่งเพลงคนอื่นๆ ที่แต่งเพลงให้กับวงออร์เคสตราวงนี้หลังจากนั้น เขาพบว่าเอฟเฟ็กต์ที่มีความซับซ้อนมากขึ้นเรื่อยๆ จนไม่เคยได้ยินมาก่อน ซึ่งต่อมาก็กลายเป็นที่มาของชื่อโบสถ์มันไฮม์: การเพิ่มขึ้นของเสียง (crescendo) การจางหายไปของเสียง (diminuendo), การหยุดชะงักร่วมกันของเกมอย่างกะทันหัน (การหยุดชั่วคราวทั่วไป) รวมถึงตัวเลขทางดนตรีต่างๆ เช่น: จรวด Mannheim (การเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วของท่วงทำนองตามเสียงของคอร์ดที่สลายตัว), นก Mannheim ( การเลียนแบบเสียงนกร้องในทางเดินเดี่ยว) หรือการถึงจุดสุดยอดของมานน์ไฮม์ (การเตรียมการสำหรับวงเวียนใหญ่ และจากนั้นในช่วงเวลาชี้ขาดคือการหยุดเล่นเครื่องเป่าทั้งหมดและการเล่นเครื่องสายบางสายที่กระฉับกระเฉง) เอฟเฟ็กต์เหล่านี้จำนวนมากพบชีวิตที่สองของพวกเขาในผลงานของโมสาร์ทและเบโธเฟนรุ่นเยาว์รุ่นราวคราวเดียวกับมันไฮม์ และบางส่วนยังคงมีอยู่จนถึงทุกวันนี้

นอกจากนี้ สตามิทซ์และเพื่อนร่วมงานของเขาค่อยๆ ค้นพบรูปแบบในอุดมคติของซิมโฟนีสี่ท่อน ซึ่งได้มาจากต้นแบบแบบบาโรกของโซนาตาโบสถ์และแชมเบอร์โซนาตา ตลอดจนการทาบทามโอเปร่าของอิตาลี Haydn เข้าสู่วงจรสี่ส่วนเหมือนเดิมอันเป็นผลมาจากการทดลองหลายปีของเขา โมสาร์ทวัยเยาว์ไปเยือนมันไฮม์ในปี 2320 และรู้สึกประทับใจอย่างมากกับดนตรีและวงออร์เคสตร้าที่เขาได้ยินที่นั่น กับ Christian Cannabih ซึ่งเป็นผู้นำวงออเคสตราหลังจากการเสียชีวิตของ Stamitz โมสาร์ทมีมิตรภาพส่วนตัวตั้งแต่เขาไปเยือนมันไฮม์

นักดนตรีในศาล

ตำแหน่งของนักดนตรีในศาลซึ่งได้รับเงินเดือนนั้นได้เปรียบมากในเวลานั้น แต่แน่นอนว่ามันจำเป็นมาก พวกเขาทำงานหนักมากและต้องเติมเต็มความปรารถนาทางดนตรีของปรมาจารย์ พวกเขาสามารถมารับได้ตอนตีสามหรือตีสี่และบอกว่าเจ้าของต้องการเพลงเพื่อความบันเทิง - เพื่อฟังเซเรเนด นักดนตรีที่ยากจนต้องเข้าไปในห้องโถง วางตะเกียงและเล่น บ่อยครั้งที่นักดนตรีทำงานเจ็ดวันต่อสัปดาห์ - แน่นอนว่าไม่มีแนวคิดเช่นอัตราการผลิตหรือวันทำงาน 8 ชั่วโมงสำหรับพวกเขา (ตามมาตรฐานสมัยใหม่นักดนตรีวงออเคสตราไม่สามารถทำงานได้มากกว่า 6 ชั่วโมงต่อวัน ในการซ้อมคอนเสิร์ตหรือการแสดงละคร) เราต้องเล่นทั้งวัน เราก็เลยเล่นทั้งวัน อย่างไรก็ตามเจ้าของที่รักเสียงเพลงมักเข้าใจว่านักดนตรีไม่สามารถเล่นเป็นเวลาหลายชั่วโมงโดยไม่หยุดพัก - เขาต้องการทั้งอาหารและการพักผ่อน

รายละเอียดของภาพวาดโดย Nicola Maria Rossi 1732บริดจ์แมนอิมเมจ/โฟโตดอม

โบสถ์ Haydn และ Prince Esterhazy

ตำนานเล่าว่า Haydn ผู้ประพันธ์เพลง Farewell Symphony ที่มีชื่อเสียงได้บอกเป็นนัยกับ Esterhazy เจ้านายของเขาเกี่ยวกับการพักผ่อนที่สัญญาไว้แต่ลืมไปแล้ว ในตอนจบ นักดนตรีทุกคนลุกขึ้นยืน ดับเทียนและจากไป - คำใบ้ค่อนข้างเข้าใจได้ และเจ้าของเข้าใจพวกเขาและปล่อยให้พวกเขาไปพักผ่อน - ซึ่งพูดถึงเขาเป็นคนที่มีความเข้าใจและมีอารมณ์ขัน แม้ว่ามันจะเป็นเรื่องแต่ง แต่มันก็สื่อถึงจิตวิญญาณของยุคนั้นได้อย่างน่าทึ่ง - ในช่วงเวลาอื่น ๆ คำแนะนำดังกล่าวเกี่ยวกับความผิดพลาดของเจ้าหน้าที่อาจทำให้นักแต่งเพลงต้องเสียค่าใช้จ่ายอย่างมาก

เนื่องจากผู้อุปถัมภ์ของ Haydn เป็นคนที่ค่อนข้างมีการศึกษาและอ่อนไหวต่อดนตรี เขาจึงวางใจได้ว่าการทดลองใดๆ ของเขา ไม่ว่าจะเป็นซิมโฟนีในหกหรือเจ็ดท่วงท่าหรือความซับซ้อนของวรรณยุกต์ที่น่าทึ่งในตอนพัฒนาการ ได้รับคำประณาม ดูเหมือนว่าจะตรงกันข้าม: ยิ่งรูปแบบซับซ้อนและผิดปกติมากเท่าไหร่ก็ยิ่งชอบมากขึ้นเท่านั้น
อย่างไรก็ตาม ไฮเดินกลายเป็นนักแต่งเพลงที่โดดเด่นคนแรกที่ปลดปล่อยตัวเองจากความรู้สึกสบาย ๆ นี้ แต่โดยทั่วไปแล้วการดำรงอยู่ของข้าราชบริพารอย่างทาส เมื่อ Nikolaus Esterházy เสียชีวิต ทายาทของเขาได้ยกเลิกวงออเคสตรา แม้ว่าเขาจะยังคงรักษาตำแหน่งของ Haydn และเงินเดือน (ที่ลดลง) ของหัวหน้าวงดนตรีก็ตาม ดังนั้น Haydn จึงได้รับการลางานโดยไม่มีกำหนดโดยไม่ได้ตั้งใจและใช้ประโยชน์จากคำเชิญของ Johann Peter Salomon ผู้แสดงละครไปลอนดอนเมื่ออายุค่อนข้างมาก ที่นั่นเขาสร้างสไตล์ออเคสตร้าใหม่ ดนตรีของเขาหนักแน่นและเรียบง่ายขึ้น การทดลองถูกยกเลิก นี่เป็นเพราะความจำเป็นทางการค้า: เขาพบว่าประชาชนชาวอังกฤษทั่วไปมีการศึกษาน้อยกว่าผู้ฟังที่มีความซับซ้อนในที่ดิน Esterhazy - สำหรับเธอ คุณต้องเขียนให้สั้นลง ชัดเจนขึ้น และกระชับขึ้น แม้ว่าซิมโฟนีแต่ละชิ้นที่เขียนโดย Esterhazy จะมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว แต่ซิมโฟนีของลอนดอนก็เป็นประเภทเดียวกัน พวกเขาทั้งหมดเขียนขึ้นเฉพาะในสี่ส่วน (ในเวลานั้นมันเป็นรูปแบบซิมโฟนีที่พบมากที่สุดซึ่งนักแต่งเพลงของโรงเรียนมันไฮม์และโมสาร์ทใช้อย่างเต็มที่): sonata allegro บังคับในส่วนแรก ยิ่ง หรือส่วนที่สองที่ช้าน้อยกว่า ตอนจบและตอนจบที่รวดเร็ว ประเภทของวงออเคสตราและรูปแบบดนตรี ตลอดจนรูปแบบการพัฒนาทางเทคนิคของรูปแบบที่ใช้ในซิมโฟนีชิ้นสุดท้ายของไฮเดิน ได้กลายเป็นต้นแบบของเบโธเฟนไปแล้ว

ปลายศตวรรษที่ 18 - 19: โรงเรียนเวียนนาและเบโธเฟน

ภายใน Theatre an der Wien ในกรุงเวียนนา แกะสลัก ศตวรรษที่ 19ภาพ Brigeman / Fotodom

ไฮเดินมีอายุยืนกว่าโมสาร์ทซึ่งอายุน้อยกว่าเขา 24 ปี และพบจุดเริ่มต้นของอาชีพของเบโธเฟน ไฮเดินทำงานเกือบทั้งชีวิตในฮังการีในปัจจุบัน และในช่วงบั้นปลายชีวิตของเขาประสบความสำเร็จอย่างมากในลอนดอน โมสาร์ทมาจากซาลซ์บูร์ก และเบโธเฟนเป็นชาวเฟลมมิ่งที่เกิดในบอนน์ แต่เส้นทางที่สร้างสรรค์ของดนตรียักษ์ใหญ่ทั้งสามนั้นเชื่อมโยงกับเมืองซึ่งในรัชสมัยของจักรพรรดินีมาเรียเทเรซ่าและจักรพรรดิโจเซฟที่ 2 ลูกชายของเธอได้รับตำแหน่งเมืองหลวงแห่งดนตรีของโลก - กับเวียนนา ดังนั้นผลงานของไฮเดิน โมสาร์ท และเบโธเฟนจึงถูกจารึกไว้ในประวัติศาสตร์ว่าเป็น "สไตล์คลาสสิกแบบเวียนนา" จริงอยู่ควรสังเกตว่าผู้เขียนเองไม่ได้คิดว่าตัวเองเป็น "คลาสสิก" เลยและเบโธเฟนคิดว่าตัวเองเป็นนักปฏิวัติผู้บุกเบิกและแม้แต่ผู้ทำลายล้างประเพณี แนวคิดของ "สไตล์คลาสสิก" เป็นสิ่งประดิษฐ์ในเวลาต่อมา (กลางศตวรรษที่ 19) คุณสมบัติหลักของสไตล์นี้คือความสามัคคีที่กลมกลืนกันของรูปแบบและเนื้อหา ความสมดุลของเสียงในกรณีที่ไม่มีส่วนเกินแบบพิสดารและความกลมกลืนแบบโบราณของสถาปัตยกรรมทางดนตรี

ซิมโฟนีในลอนดอนของ Haydn ซิมโฟนีสุดท้ายของ Mozart และซิมโฟนีทั้งหมดของ Beethoven ถือเป็นความสำเร็จสูงสุดของสไตล์คลาสสิกเวียนนาในด้านดนตรีออเคสตร้า ในซิมโฟนีตอนปลายของ Haydn และ Mozart ศัพท์ดนตรีและไวยากรณ์ของสไตล์คลาสสิกได้ถูกสร้างขึ้นในที่สุด เช่นเดียวกับองค์ประกอบของวงออเคสตราซึ่งตกผลึกแล้วในโรงเรียน Mannheim และยังถือว่าเป็นคลาสสิก: กลุ่มเครื่องสาย (แบ่งออกเป็น ไวโอลินตัวที่หนึ่งและตัวที่สอง, วิโอลา, เชลโลและดับเบิ้ลเบส), เครื่องลมไม้ที่ประกอบด้วยคู่ - โดยปกติแล้วจะมีฟลุตสองอัน, โอโบสองตัว, บาสซูนสองตัว อย่างไรก็ตาม เริ่มจากผลงานชิ้นสุดท้ายของ Mozart คลาริเน็ตก็เข้าสู่วงออเคสตราอย่างมั่นคงและมั่นคง ความหลงใหลในคลาริเน็ตของโมสาร์ทมีส่วนอย่างมากในการจำหน่ายเครื่องดนตรีนี้อย่างกว้างขวางในฐานะส่วนหนึ่งของกลุ่มเครื่องเป่าของวงออร์เคสตรา โมสาร์ทได้ยินคลาริเน็ตในปี 1778 ในเมืองมันไฮม์ในซิมโฟนีของสตามิทซ์ และเขียนจดหมายถึงบิดาอย่างชื่นชมว่า "โอ้ ถ้าเรามีคลาริเน็ต!" - ความหมายโดย "พวกเรา" โบสถ์ Salzburg Court ซึ่งเปิดตัวคลาริเน็ตในปี 1804 เท่านั้น อย่างไรก็ตาม ควรสังเกตว่าในปี ค.ศ. 1769 คลาริเน็ตถูกใช้เป็นประจำในวงดนตรีทหารระดับเจ้าเมือง

โดยปกติแล้วจะเพิ่มแตร 2 อันเข้าไปในเครื่องเป่าลมไม้ที่กล่าวถึงแล้ว และบางครั้งก็มีแตร 2 อันและทิมปานี 2 อัน ซึ่งนำมาซึ่งเสียงเพลงซิมโฟนิกจากกองทหาร แต่เครื่องดนตรีเหล่านี้ใช้ในซิมโฟนีเท่านั้น คีย์ของคีย์อนุญาตให้ใช้ท่อธรรมชาติ ซึ่งมีอยู่ในการปรับเสียงเพียงไม่กี่แบบ มักจะอยู่ใน D หรือ C major; บางครั้งก็ใช้ทรัมเป็ตในซิมโฟนีที่เขียนด้วย G major แต่ไม่เคยใช้ทิมปานี ตัวอย่างของซิมโฟนีที่มีแตรแต่ไม่มีทิมปานีคือซิมโฟนีหมายเลข 32 ของโมสาร์ท ท่อนกลองทิมปานีถูกเพิ่มเข้าไปในคะแนนในภายหลังโดยบุคคลที่ไม่ปรากฏชื่อ และถือว่าไม่น่าเชื่อถือ สันนิษฐานได้ว่าความไม่ชอบของผู้เขียนในศตวรรษที่ 18 สำหรับ G major ที่เกี่ยวข้องกับทิมปานีนั้นอธิบายได้จากข้อเท็จจริงที่ว่าสำหรับรำมะนาพิสดาร (ปรับไม่ได้โดยแป้นเหยียบสมัยใหม่ที่สะดวก แต่ใช้สกรูปรับความตึงด้วยตนเอง) เขียนเพลงที่ประกอบด้วยโน้ตเพียงสองตัวคือโทนิค (ระดับเสียงที่ 1) และตัวเด่น (ระดับเสียงที่ 5) ซึ่งถูกเรียกให้สนับสนุนท่อที่เล่นโน้ตเหล่านี้ แต่โน้ตหลักของคีย์ G เมเจอร์ใน อ็อกเทฟบนของกลองทิมปานีฟังดูแหลมเกินไปและในส่วนล่าง - อู้อี้เกินไป ดังนั้น ทิมปานีใน G major จึงถูกหลีกเลี่ยงเนื่องจากความไม่ลงรอยกัน

เครื่องดนตรีอื่น ๆ ทั้งหมดถือว่าเป็นที่ยอมรับในโอเปร่าและบัลเลต์เท่านั้น และบางชิ้นก็เป่าได้แม้ในโบสถ์ (เช่น ทรอมโบนและแตรเบสใน Requiem, ทรอมโบน, บาสเซ็ตฮอร์นและพิคโคโลใน The Magic Flute, เครื่องเคาะเพลง "Janissary" ใน "The Abduction from seraglio" หรือแมนโดลินในเพลง "Don Giovanni" ของ Mozart, แตรเบสและพิณในบัลเลต์ "The Works of Prometheus" ของเบโธเฟน)

ความต่อเนื่องของเบสโซค่อยๆ เลิกใช้ไป เริ่มแรกหายไปจากดนตรีออเคสตร้า แต่ยังคงอยู่ในโอเปร่าระยะหนึ่งเพื่อประกอบการแสดงซ้ำ (ดู The Marriage of Figaro, All Women Do It และ Don Giovanni ของ Mozart แต่ต่อมา - ในตอนต้นของ ศตวรรษที่ 19 ในละครการ์ตูนเรื่องหนึ่งของ Rossini และ Donizetti)

หากไฮเดินน์ตกลงไปในประวัติศาสตร์ในฐานะผู้ประดิษฐ์ดนตรีซิมโฟนิกที่ยิ่งใหญ่ที่สุด โมสาร์ทก็ได้ทดลองกับวงออร์เคสตราในโอเปร่ามากกว่าในซิมโฟนีของเขา หลังมีความเข้มงวดมากขึ้นอย่างไม่มีที่เปรียบในการปฏิบัติตามบรรทัดฐานของเวลานั้น แม้ว่าจะมีข้อยกเว้นก็ตาม ตัวอย่างเช่น ในปรากหรือปารีสซิมโฟนีไม่มี minuet นั่นคือประกอบด้วยเพียงสามส่วน มีแม้แต่ซิมโฟนีจังหวะเดียวหมายเลข 32 ใน G major (อย่างไรก็ตาม สร้างขึ้นจากแบบจำลองการทาบทามของอิตาลีในสามส่วน เร็ว - ช้า - เร็ว นั่นคือสอดคล้องกับบรรทัดฐานยุคก่อนไฮด์เนียแบบเก่า) . แต่ในทางกลับกันซิมโฟนีนี้เกี่ยวข้องกับเขามากถึงสี่เขา (เช่นเดียวกับในซิมโฟนีหมายเลข 25 ใน G minor และในโอเปร่า Idomeneo) คลาริเน็ตถูกนำมาใช้ในซิมโฟนีหมายเลข 39 (มีการกล่าวถึงความรักในเครื่องดนตรีเหล่านี้ของโมสาร์ทแล้ว) แต่ไม่มีโอโบแบบดั้งเดิม และซิมโฟนีหมายเลข 40 ยังมีอยู่ในสองเวอร์ชัน - มีและไม่มีคลาริเน็ต

ในแง่ของพารามิเตอร์อย่างเป็นทางการ โมสาร์ทเคลื่อนไหวในซิมโฟนีส่วนใหญ่ของเขาตามแผนการของมานน์ไฮมม์และไฮด์เนียน แน่นอนว่าเป็นการทำให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้นและขัดเกลาพวกเขาด้วยพลังแห่งอัจฉริยะของเขา แต่จะไม่เปลี่ยนแปลงสิ่งใดที่จำเป็นในระดับโครงสร้างหรือองค์ประกอบ อย่างไรก็ตามในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต โมสาร์ทได้เริ่มศึกษางานของนักเล่นโพลีโฟนิสต์ผู้ยิ่งใหญ่ในอดีตอย่างละเอียดและลึกซึ้ง - ฮันเดลและบาค ต้องขอบคุณสิ่งนี้ เนื้อสัมผัสของดนตรีของเขาจึงเต็มไปด้วยลูกเล่นโพลีโฟนิกหลากหลายชนิดมากขึ้น ตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของการผสมผสานระหว่างโฮโมโฟนีแบบโฮโมโฟนีของซิมโฟนีในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 กับฟิวก์แบบบาคคือซิมโฟนีลำดับที่ 41 ของโมซาร์ท "จูปิเตอร์" เป็นการเริ่มต้นการคืนชีพของโพลีโฟนีซึ่งเป็นวิธีการพัฒนาที่สำคัญที่สุดในประเภทซิมโฟนี จริงอยู่ Mozart เดินตามเส้นทางที่คนอื่นทุบตีต่อหน้าเขา: ตอนจบของสองซิมโฟนีโดย Michael Haydn หมายเลข 39 (พ.ศ. 2331) และ 41 (พ.ศ. 2332) ซึ่งโมสาร์ทรู้จักอย่างไม่ต้องสงสัยก็เขียนขึ้นในรูปแบบของความทรงจำเช่นกัน

ภาพเหมือนของลุดวิก ฟาน เบโธเฟน โจเซฟ คาร์ล สตีลเลอร์. 1820วิกิมีเดียคอมมอนส์

บทบาทของเบโธเฟนในการพัฒนาวงออร์เคสตรานั้นมีความพิเศษ ดนตรีของเขาเป็นการผสมผสานที่ยิ่งใหญ่ของสองยุค: คลาสสิกและโรแมนติก หากใน First Symphony (1800) Beethoven เป็นนักเรียนที่ซื่อสัตย์และเป็นผู้ติดตามของ Haydn และในบัลเล่ต์ The Works of Prometheus (1801) เขาเป็นผู้สืบทอดประเพณีของ Gluck จากนั้นใน Third, Heroic Symphony (1804) ที่นั่น เป็นการทบทวนประเพณีของไฮเดิน-โมสาร์ทในขั้นสุดท้ายและไม่สามารถเพิกถอนได้ในคีย์ที่ทันสมัยกว่า ซิมโฟนีที่สอง (ค.ศ. 1802) ภายนอกยังคงใช้รูปแบบคลาสสิก แต่มีนวัตกรรมมากมาย และที่สำคัญคือการเปลี่ยนมินูเอตแบบดั้งเดิมด้วย scherzo ชาวนาหยาบ ("เรื่องตลก" ในภาษาอิตาลี) ตั้งแต่นั้นมาก็ไม่พบ minuet ในซิมโฟนีของ Beethoven อีกต่อไป ยกเว้นการใช้คำว่า "minuet" ในเชิงแดกดันในชื่อของการเคลื่อนไหวที่สามของซิมโฟนีที่แปด - "At the pace of the minuet" (โดย เวลาที่แปดถูกแต่งขึ้น - 1812 - minuets เลิกใช้ไปทุกที่แล้วและเบโธเฟนใช้การอ้างอิงถึงแนวเพลงอย่างชัดเจนที่นี่เป็นสัญญาณของ "อดีตที่หอมหวานแต่ห่างไกล") แต่ยังมีความแตกต่างแบบไดนามิกมากมายและการถ่ายโอนธีมหลักของการเคลื่อนไหวครั้งแรกอย่างมีสติไปยังเชลโลและดับเบิ้ลเบสในขณะที่ไวโอลินมีบทบาทที่ผิดปกติสำหรับพวกเขาในฐานะนักดนตรีประกอบและการแยกฟังก์ชั่นของเชลโลและดับเบิ้ลเบส (นั่นคือการปลดปล่อยดับเบิ้ลเบสเป็นเสียงอิสระ) และการขยาย การพัฒนา codas ในส่วนที่รุนแรง (เกือบจะเปลี่ยนเป็นการพัฒนาครั้งที่สอง) ล้วนเป็นร่องรอยของสไตล์ใหม่ ซึ่งพบการพัฒนาที่น่าทึ่งในครั้งต่อไป ซิมโฟนีที่สาม

ในเวลาเดียวกัน ซิมโฟนีที่สองเป็นจุดเริ่มต้นของซิมโฟนีที่ตามมาเกือบทั้งหมดของเบโธเฟน โดยเฉพาะซิมโฟนีที่สามและหก รวมถึงซิมโฟนีที่เก้า ในบทนำของส่วนแรกของภาคสอง มีบรรทัดฐาน D-minor ที่คล้ายกับธีมหลักของภาคที่เก้าสองหยด และส่วนที่เชื่อมโยงของตอนจบของภาคสองเกือบจะเป็นภาพร่างของ “Ode to Joy” จากตอนจบของ Ninth เดียวกัน แม้จะใช้เครื่องดนตรีเหมือนกันก็ตาม

ซิมโฟนีที่สามเป็นทั้งซิมโฟนีที่ยาวที่สุดและซับซ้อนที่สุดในบรรดาซิมโฟนีทั้งหมดที่แต่งขึ้นจนถึงตอนนี้ ทั้งในแง่ของภาษาดนตรีและการศึกษาเนื้อหาอย่างเข้มข้นที่สุด ประกอบด้วยไดนามิกคอนทราสต์ที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อนในยุคนั้น (จากเปียโน 3 ตัวเป็น 3 ฟอร์ท!) และที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อนแม้เมื่อเปรียบเทียบกับโมสาร์ท ทำงานใน "การเปลี่ยนแปลงระดับเซลล์" ของแรงจูงใจดั้งเดิม ซึ่งไม่ได้มีอยู่เฉพาะในแต่ละการเคลื่อนไหวเท่านั้น แต่ยังคงแทรกซึมอยู่ในวัฏจักรสี่ส่วนทั้งหมด สร้างความรู้สึกของการเล่าเรื่องเดียวและไม่สามารถแบ่งแยกได้ Heroic Symphony ไม่ใช่ลำดับที่กลมกลืนกันของส่วนที่ตัดกันของวงจรการบรรเลงอีกต่อไป แต่เป็นแนวเพลงที่แปลกใหม่อย่างแท้จริง แท้จริงแล้ว นวนิยายซิมโฟนีเรื่องแรกในประวัติศาสตร์ดนตรี!

การใช้วงออร์เคสตราของเบโธเฟนไม่ใช่แค่ความเก่งเท่านั้น แต่ยังผลักดันผู้บรรเลงไปสู่ขีดจำกัด และมักจะเกินขีดจำกัดทางเทคนิคที่เป็นไปได้ของเครื่องดนตรีแต่ละชิ้น วลีที่มีชื่อเสียงของเบโธเฟนที่ส่งถึง Ignaz Schuppanzig นักไวโอลินและผู้นำของ Count Lichnowsky Quartet ซึ่งเป็นนักแสดงคนแรกของวงเบโธเฟนหลายวง เพื่อตอบสนองต่อคำวิจารณ์ของเขาเกี่ยวกับ "ความเป็นไปไม่ได้" ของข้อความเบโธเฟนท่อนหนึ่ง ซึ่งบ่งบอกลักษณะทัศนคติของนักแต่งเพลงที่มีต่อปัญหาทางเทคนิคได้อย่างน่าทึ่ง ในเพลง: "ฉันจะสนใจอะไรกับไวโอลินผู้โชคร้ายของเขา ในเมื่อพระวิญญาณตรัสกับฉัน!" แนวคิดทางดนตรีต้องมาก่อนเสมอ และหลังจากนั้นควรมีวิธีการนำไปใช้ แต่ในขณะเดียวกัน เบโธเฟนก็ตระหนักดีถึงความเป็นไปได้ของวงออร์เคสตราในยุคสมัยของเขา อย่างไรก็ตาม ความคิดเห็นที่แพร่หลายเกี่ยวกับผลเสียของการหูหนวกของเบโธเฟน ซึ่งถูกกล่าวหาว่าสะท้อนให้เห็นในการแต่งเพลงในภายหลังของเขา และด้วยเหตุนี้การอ้างเหตุผลว่าการบุกรุกเข้าไปในเพลงของเขาในภายหลังในรูปแบบของการรีทัชทุกประเภทนั้นเป็นเพียงตำนาน ก็เพียงพอแล้วที่จะฟังการแสดงซิมโฟนีหรือควอร์เต็ตช่วงปลายของเขาด้วยเครื่องดนตรีของแท้เพื่อให้แน่ใจว่าไม่มีข้อบกพร่อง แต่เพียงมีทัศนคติในอุดมคติสูงและไม่ประนีประนอมต่องานศิลปะของพวกเขา โดยอาศัยความรู้โดยละเอียดเกี่ยวกับเครื่องดนตรีในยุคนั้น และความสามารถของพวกเขา หากเบโธเฟนมีวงออเคสตร้าสมัยใหม่ที่มีความสามารถทางเทคนิคสมัยใหม่ไว้ใช้งาน เขาคงจะประพันธ์ด้วยวิธีที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

ในแง่ของการบรรเลง ในซิมโฟนีสี่ชุดแรกของเขา เบโธเฟนยังคงยึดมั่นในมาตรฐานของซิมโฟนีชุดต่อมาของไฮเดินและโมสาร์ท แม้ว่า Heroic Symphony จะใช้แตรสามแตรแทนที่จะเป็นสองแตรแบบดั้งเดิม หรือแตรสี่เสียงที่หาได้ยากแต่เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไป นั่นคือ เบโธเฟนตั้งข้อสงสัยถึงหลักการอันศักดิ์สิทธิ์ในการปฏิบัติตามประเพณีใดๆ เขาต้องการเสียงแตรที่สามในวงออร์เคสตรา และเขาก็แนะนำมัน

และในซิมโฟนีที่ห้า (พ.ศ. 2351) เบโธเฟนได้แนะนำเครื่องดนตรีของวงดุริยางค์ทหาร อย่างไรก็ตาม หนึ่งปีก่อนเบโธเฟน Joachim Nicholas Eggert นักแต่งเพลงชาวสวีเดนใช้ทรอมโบนในซิมโฟนีของเขาใน E flat major (1807) และในทั้งสามท่วงท่า ไม่ใช่แค่ในตอนจบเหมือนที่เบโธเฟนทำ ดังนั้นในกรณีของทรอมโบน ฝ่ามือไม่ได้มีไว้สำหรับนักแต่งเพลงผู้ยิ่งใหญ่ แต่สำหรับเพื่อนร่วมงานที่มีชื่อเสียงน้อยกว่าของเขา

ซิมโฟนีที่หก (Pastoral) เป็นวงจรรายการแรกในประวัติศาสตร์ของซิมโฟนี ซึ่งไม่เพียง แต่ซิมโฟนีเองเท่านั้น แต่ยังรวมถึงแต่ละส่วนด้วยคำอธิบายของโปรแกรมภายในบางประเภท - คำอธิบายความรู้สึกของ ชาวเมืองที่พบว่าตัวเองอยู่ในธรรมชาติ จริงๆ แล้ว คำอธิบายเกี่ยวกับธรรมชาติในดนตรีไม่ใช่เรื่องใหม่ตั้งแต่สมัยบาโรก แต่แตกต่างจาก The Seasons ของ Vivaldi และตัวอย่างรายการดนตรีแบบบาโรกอื่น ๆ เบโธเฟนไม่ได้จัดการกับการเขียนเสียงเป็นตอนจบในตัวของมันเอง The Sixth Symphony ในคำพูดของเขาเองคือ ซิมโฟนีอภิบาลเป็นเพียงหนึ่งเดียวในงานของเบโธเฟนที่วงจรซิมโฟนิกสี่ส่วนถูกละเมิด: เชอร์โซตามด้วยการเคลื่อนไหวที่สี่โดยไม่มีการขัดจังหวะ ในรูปแบบอิสระ ชื่อพายุฝนฟ้าคะนอง และหลังจากนั้นก็ไม่มีการหยุดชะงัก ตอนจบ ดังนี้. ดังนั้นจึงมีห้าการเคลื่อนไหวในซิมโฟนีนี้

วิธีการของเบโธเฟนในการประสานเสียงของซิมโฟนีนี้น่าสนใจอย่างยิ่ง: ในการเคลื่อนไหวครั้งแรกและครั้งที่สอง เขาใช้เฉพาะเครื่องสาย เครื่องลมไม้ และเขาสองแตรเท่านั้น ในเชอร์โซ ทรัมเป็ต 2 ชิ้นเชื่อมต่อกับพวกเขา ในพายุฝนฟ้าคะนอง ทิมปานีมีพิคโคโลฟลุตและทรอมโบน 2 ชิ้นเชื่อมต่อกัน และในตอนจบ ทิมปานีและปิคโคโลก็เงียบลงอีกครั้ง ทรัมเป็ตและทรอมโบนจะหยุดทำหน้าที่ประโคมแบบดั้งเดิมและ รวมกันเป็นวงประสานเสียงทั่วไปของลัทธิความเชื่อเรื่องพระเจ้า

จุดสุดยอดของการทดลองของเบโธเฟนในสาขาการประสานเสียงคือซิมโฟนีที่เก้า: ในตอนจบไม่เพียง แต่ใช้ทรอมโบน, ขลุ่ยพิคโคโลและคอนทร้าบาสซูนที่กล่าวถึงแล้วเท่านั้น แต่ยังใช้เครื่องเพอร์คัชชัน "ตุรกี" ทั้งชุด - กลองเบส, ฉิ่ง และรูปสามเหลี่ยมและที่สำคัญที่สุด - คณะนักร้องประสานเสียงและศิลปินเดี่ยว! อย่างไรก็ตาม ทรอมโบนในตอนจบของเพลงที่เก้ามักถูกใช้เป็นส่วนขยายของท่อนร้องประสานเสียง และนี่เป็นการอ้างอิงถึงประเพณีของคริสตจักรและดนตรีออราทอริโอทางโลก โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการหักเหของไฮด์เนียน-โมสาร์ท (ดู " Creation of the World" หรือ "The Seasons" ของ Haydn, Mass before minor หรือ Mozart's Requiem) ซึ่งหมายความว่าซิมโฟนีนี้เป็นการผสมผสานระหว่างแนวเพลงซิมโฟนีและแนวออราทอริโอทางจิตวิญญาณ ซึ่งเขียนขึ้นจากบทกวีทางโลกโดยชิลเลอร์เท่านั้น นวัตกรรมที่เป็นทางการที่สำคัญอีกประการหนึ่งของซิมโฟนีหมายเลขเก้าคือการจัดเรียงใหม่สำหรับการเคลื่อนไหวช้าและเชอร์โซ เชอร์โซคนที่เก้าซึ่งอยู่ในอันดับที่สองไม่ได้แสดงบทบาทของความแตกต่างที่ร่าเริงซึ่งทำให้ฉากจบอีกต่อไป แต่กลายเป็นความต่อเนื่องของ "การทหาร" ที่โหดร้ายและสมบูรณ์ของภาคแรกที่น่าเศร้า และการเคลื่อนไหวครั้งที่สามที่ช้ากลายเป็นศูนย์กลางทางปรัชญาของซิมโฟนีโดยตกลงบนโซนของส่วนสีทองอย่างแม่นยำ - ครั้งแรก แต่ไม่ใช่กรณีสุดท้ายในประวัติศาสตร์ของดนตรีซิมโฟนี

ด้วยซิมโฟนีหมายเลขเก้า (ค.ศ. 1824) บีโธเฟนก้าวกระโดดเข้าสู่ยุคใหม่ สิ่งนี้เกิดขึ้นพร้อมกับช่วงเวลาของการเปลี่ยนแปลงทางสังคมที่ร้ายแรงที่สุด - กับการเปลี่ยนแปลงครั้งสุดท้ายจากการตรัสรู้ไปสู่ยุคอุตสาหกรรมใหม่ เหตุการณ์แรกเกิดขึ้น 11 ปีก่อนสิ้นศตวรรษก่อนหน้า เหตุการณ์ที่มีตัวแทนทั้งสามของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนาเป็นสักขีพยาน แน่นอนว่าเรากำลังพูดถึงการปฏิวัติฝรั่งเศส