Ev › Fren sistemi › Bir tür edebiyat olarak dramaturji. Epik edebiyat türleri

Bir tür edebiyat olarak dramaturji. Epik edebiyat türleri

dram(δρᾶμα - eylem, eylem) - epik ve sözlerle birlikte üç edebiyat türünden biri, aynı anda iki sanat türüne aittir: edebiyat ve tiyatro.

Sahnede oynanması amaçlanan drama, içindeki metnin karakterlerin kopyaları ve yazarın sözleri şeklinde sunulması ve kural olarak eylemlere ve fenomenlere bölünmesiyle epik ve lirik şiirden biçimsel olarak farklıdır. Komedi, trajedi, dram (tür olarak), fars, vodvil vb. dahil olmak üzere diyalojik bir biçimde inşa edilmiş herhangi bir edebi eser, şu ya da bu şekilde dramaya atıfta bulunur.

Antik çağlardan beri folklorda ya da edebi biçimçeşitli insanlar arasında; eski Yunanlılar, eski Kızılderililer, Çinliler, Japonlar ve Amerika Kızılderilileri birbirlerinden bağımsız olarak kendi dramatik geleneklerini yarattılar.

Kelimenin tam anlamıyla eski Yunancadan tercüme edilen drama, "aksiyon" anlamına gelir.

Drama türleri (dramatik türler)

trajedi
suç draması
ayette dram
melodram
hiyerodrama
gizem
komedi
vodvil

Dram tarihi

Dramanın temelleri - daha sonra ortaya çıkan şarkı sözleri, destan ve drama unsurlarının müzik ve mimik hareketleriyle bağlantılı olarak birleştiği ilkel şiirde. Diğer insanlardan daha erken, drama gibi özel çeşitşiir Hindular ve Yunanlılar arasında şekillendi.

Ciddi dini ve mitolojik olay örgüleri (trajedi) ve komik olaylar geliştiren Yunan draması. modern hayat(komedi), yüksek mükemmelliğe ulaşır ve 16. yüzyılda, o zamana kadar dini ve anlatısal seküler konuları (gizemler, okul dramaları ve ara sahneler, fastnachtspiel, sottises) sanatsız bir şekilde işleyen Avrupa draması için bir modeldir.

Yunan oyun yazarlarını taklit eden Fransız oyun yazarları, dramanın estetik saygınlığı için değişmez kabul edilen belirli hükümlere sıkı sıkıya bağlı kaldılar, örneğin: zaman ve yer birliği; sahnede tasvir edilen bölümün süresi bir günü geçmemelidir; eylem aynı yerde gerçekleşmelidir; drama, olay örgüsünden (karakterlerin ilk konumunu ve karakterlerini bulmak) ortadaki iniş çıkışlardan (konumlardaki ve ilişkilerdeki değişiklikler) sonuca (genellikle bir felaket) kadar 3-5 perdede doğru şekilde gelişmelidir; sayı aktörlerçok sınırlı (genellikle 3 ila 5); bunlar yalnızca toplumun en yüksek temsilcileri (krallar, kraliçeler, prensler ve prensesler) ve onların en yakın hizmetkarları, sırdaşlarıdır ve diyalog yürütme ve açıklamalar yapma kolaylığı için sahneye çıkarılır. Bunlar Fransız klasik dramasının (Corneille, Racine) temel özellikleridir.

Gereksinimlerin ciddiyeti klasik tarz komedilerde (Molière, Lope de Vega, Beaumarchais) zaten daha az saygı görüyor, yavaş yavaş geleneksellikten tasvire geçiyor sıradan hayat(tür). Shakespeare'in klasik geleneklerden bağımsız eseri, drama için yeni yollar açtı. 18. yüzyılın sonu ve 19. yüzyılın ilk yarısı romantik ve ulusal dramİnsanlar: Lessing, Schiller, Goethe, Hugo, Kleist, Grabbe.

Saniye XIX'in yarısı yüzyılda Avrupa tiyatrosunda gerçekçilik hakimdir (Dumas oğlu, Ogier, Sardou, Paleron, Ibsen, Zuderman, Schnitzler, Hauptmann, Beyerlein).

19. yüzyılın son çeyreğinde Ibsen ve Maeterlinck'in etkisiyle sembolizm Avrupa sahnesini ele geçirmeye başladı (Hauptmann, Przybyszewski, Bar, D'Annunzio, Hofmannsthal).

Daha fazla Origin Dramı görün

Rusya'da Dram

Rusya'daki drama Batı'dan Rusya'ya getirildi. geç XVII yüzyıl. Bağımsız dramatik edebiyat ancak 18. yüzyılın sonunda ortaya çıkar. 19. yüzyılın ilk çeyreğine kadar dramada, hem trajedide hem de komedi ve komedi operasında klasik yön hakimdi; en iyi yazarlar: Lomonosov, Knyaznin, Ozerov; I. Lukin'in oyun yazarlarının dikkatini Rus yaşamının ve geleneklerinin tasvirine çekme girişimi boşuna kaldı: ünlü "Undergrowth" ve "The Brigadier" Fonvizin dışında tüm oyunları cansız, yapmacık ve Rus gerçekliğine yabancı. Yabeda" Kapnist ve I. A. Krylov'un bazı komedileri.

İÇİNDE erken XIX yüzyıllarda Shakhovskoy, Khmelnitsky, Zagoskin, hafif Fransız draması ve komedisinin taklitçileri oldular ve Dollmaker, yapmacık vatansever dramanın bir temsilcisiydi. Griboedov'un Woe from Wit adlı komedisi, daha sonra Gogol'ün Baş Müfettişi Evlilik, Rus günlük dramasının temeli oldu. Gogol'den sonra vodvilde bile (D. Lensky, F. Koni,

Epik eserler gibi dramatik eserler (diğer gr. aksiyon) yeniden yaratın olay satırları insanların eylemleri ve ilişkileri. Bir epik eserin yazarı gibi, oyun yazarı da "eylemi geliştirme yasasına" tabidir. Ancak dramada ayrıntılı bir anlatı-tanımlayıcı görüntü yoktur.

Aslında yazarın buradaki konuşması yardımcı ve epizodiktir. Bunlar, bazen eşlik eden aktörlerin listeleridir. kısa özellikler, zaman ve eylem yerinin belirlenmesi; eylemlerin ve bölümlerin başlangıcındaki sahne durumunun açıklamalarının yanı sıra karakterlerin bireysel kopyaları ve hareketlerinin, jestlerinin, yüz ifadelerinin, tonlamalarının (sözler) göstergeleri hakkında yorumlar.

Bütün bunlar dramatik bir çalışmanın bir yan metnini oluşturur, ana metni karakterlerin ifadelerinden, kopyalarından ve monologlarından oluşan bir zincirdir.

Dolayısıyla dramanın bazı sınırlı sanatsal olanakları. Yazar-oyun yazarı, bir romanın ya da destanın, kısa öykünün ya da kısa öykünün yaratıcısına sunulan görsel araçların yalnızca bir kısmını kullanır. Ve karakterlerin karakterleri dramada destandakinden daha az özgürlük ve dolulukla ortaya çıkar. T. Mann, "Dramayı siluet sanatı olarak algılıyorum ve yalnızca anlatılan kişiyi hacimli, bütün, gerçek ve plastik bir görüntü olarak hissediyorum" dedi.

Aynı zamanda oyun yazarları, yazarların aksine epik eserler, kendilerini tiyatro sanatının gereksinimlerini karşılayan sözlü metin hacmiyle sınırlamak zorunda kalıyorlar. Dramada tasvir edilen aksiyonun zamanı, sahne zamanının katı çerçevesine uymalıdır.

Ve yeni Avrupa tiyatrosuna aşina formlardaki performans, bildiğiniz gibi üç veya dört saatten fazla sürmüyor. Bu da dramatik metnin uygun boyutta olmasını gerektirir.

Oyun yazarının sahne bölümü boyunca yeniden ürettiği olayların süresi sıkıştırılmaz veya uzatılmaz; dramanın karakterleri, fark edilir bir zaman aralığı olmadan karşılıklı sözler ve ifadeleri, K.S. Stanislavsky, sağlam, sürekli bir çizgi oluştur.

Anlatım yardımıyla eylem geçmiş bir şey olarak damgalanırsa, dramadaki diyaloglar ve monologlar zinciri şimdiki zamanın yanılsamasını yaratır. Burada hayat sanki kendi yüzünden konuşur: Anlatılanla okuyucu arasında aracı-anlatıcı yoktur.

Aksiyon dramada maksimum dolaysızlıkla yeniden yaratılır. Sanki okuyucunun gözleri önünde akıp gidiyor. F. Schiller, "Tüm anlatı biçimleri, bugünü geçmişe aktarır; tüm dramatikler geçmişi şimdiki zamana dönüştürür.”

Drama sahne odaklıdır. Ve tiyatro kamusal, kitlesel bir sanattır. Performans, sanki önlerinde olanlara tepki olarak tek bir kişide birleşiyormuş gibi birçok insanı doğrudan etkiler.

Puşkin'e göre dramanın amacı, kalabalık üzerinde hareket etmek, merakını gidermek” ve bu amaçla “tutkuların hakikatini” yakalamaktır: “Drama meydanda doğdu ve halkın eğlencesini oluşturdu. Çocuklar gibi insanlar da eğlenceye, harekete ihtiyaç duyar. Drama ona olağanüstü, garip olaylar sunar. İnsanlar güçlü duygular ister. Kahkaha, acıma ve korku, dramatik sanatla sarsılan hayal gücümüzün üç telidir.

Dramatik edebiyat türü, özellikle kahkaha alanıyla yakından bağlantılıdır, çünkü tiyatro, bir oyun ve eğlence atmosferinde kitlesel şenliklerle yakın bağlantı içinde pekiştirildi ve geliştirildi. O. M. Freidenberg, "Çizgi roman türü antik çağ için evrenseldir" dedi.

Aynı şey, diğer ülkelerin ve dönemlerin tiyatrosu ve draması için de geçerlidir. T. Mann, "komedyen içgüdüsünü" "herhangi bir dramatik becerinin temel ilkesi" olarak adlandırırken haklıydı.

Dramanın, tasvir edilenin görünüşte muhteşem bir sunumuna yönelmesi şaşırtıcı değildir. Görüntüleri abartılı, akılda kalıcı, teatral ve parlak çıkıyor. N. Boileau, "Tiyatro hem seste, hem anlatımda hem de jestlerde abartılı geniş çizgiler gerektirir" diye yazdı. Ve bu özellik Performans sanatları dramatik eserlerin kahramanlarının davranışlarına her zaman damgasını vurur.

Bubnov (Gorky'den Altta), genel sohbete beklenmedik bir şekilde girerek ona teatral bir etki veren çaresiz Klesh'in çılgın tiradını "Tiyatroda nasıl oynadı" diye yorumluyor.

Önemli (dramatik edebiyat türünün bir özelliği olarak), Tolstoy'un W. Shakespeare'e abartmanın bolluğu nedeniyle yaptığı suçlamalardır, çünkü bu nedenle "sanatsal bir izlenim olasılığı ihlal edilir". "Daha ilk sözlerden itibaren," diye yazdı "Kral Lear" trajedisi hakkında, "bir abartı görülebilir: olayların abartılması, duyguların abartılması ve ifadelerin abartılması."

L. Tolstoy, Shakespeare'in çalışmalarını değerlendirirken yanılıyordu, ancak büyüklerin bağlılığı fikri İngiliz oyun yazarı teatral abartma kesinlikle adil. "Kral Lear" hakkında söylenenler, eski komedilere ve trajedilere atfedilebilir. dramatik eserler klasisizm, F. Schiller ve V. Hugo'nun oyunlarına vb.

19. ve 20. yüzyıllarda, edebiyatta dünyevi özgünlük arzusu hüküm sürdüğünde, dramanın doğasında var olan gelenekler daha az belirgin hale geldi, çoğu zaman asgariye indirildi. Bu fenomenin kökeninde, yaratıcıları ve teorisyenleri D. Diderot ve G.E. olan 18. yüzyılın sözde "küçük burjuva draması" vardır. Lessing.

XIX yüzyılın en büyük Rus oyun yazarlarının eserleri. ve 20. yüzyılın başı - A.N. Ostrovsky, A.P. Chekhov ve M. Gorky - yeniden yaratılan yaşam formlarının güvenilirliği ile ayırt edilirler. Ancak oyun yazarları bakışlarını inandırıcılığa diktiklerinde bile olay örgüsü, psikolojik ve fiilen sözel abartı devam etti.

Teatral gelenekler, "hayata benzerliğin" maksimum sınırı olan Çehov'un dramaturjisinde bile kendilerini hissettirdi. The Three Sisters'ın son sahnesine bir göz atalım. Genç bir kadın, sevdiği kişiden on ya da on beş dakika önce, muhtemelen sonsuza dek ayrıldı. Beş dakika önce nişanlısının öldüğünü öğrendi. Ve şimdi, en büyük üçüncü kız kardeşle birlikte, geçmişin ahlaki ve felsefi sonuçlarını özetliyorlar, askeri bir yürüyüş gibi kendi nesillerinin kaderi, insanlığın geleceği hakkında düşünüyorlar.

Bunun gerçekte olduğunu hayal etmek pek mümkün değil. Ancak The Three Sisters'ın sonunun mantıksızlığını fark etmiyoruz çünkü dramanın insanların yaşam biçimlerini önemli ölçüde değiştirmesine alışkınız.

Yukarıdakiler, A. S. Puşkin'in (daha önce alıntılanan makalesinden) "dramatik sanatın özünün inandırıcılığı dışladığı" yargısının adaletine ikna ediyor; “Şiir, roman okurken çoğu zaman kendimizi unutabilir ve anlatılan olayın kurgu değil gerçek olduğuna inanabiliriz.

Bir gazelde, bir mersiyede şairin gerçek duygularını gerçek koşullarda yansıttığını düşünebiliriz. Ama ikiye bölünmüş, biri kabul etmiş seyircilerle dolu bir binada inandırıcılık nerede?

Dramatik eserlerdeki en önemli rol, diyalogları ve monologları genellikle aforizmalar ve özdeyişlerle dolu olan karakterlerin konuşma kendini ifşa etme geleneklerine aittir, söylenebilecek sözlerden çok daha kapsamlı ve etkili olduğu ortaya çıkar. benzer yaşam durumu.

"Bir kenara" kopyalar gelenekseldir, olduğu gibi, sahnedeki diğer karakterler için mevcut değildir, ancak seyirciler tarafından açıkça duyulabilir ve ayrıca karakterlerin tek başına, kendileriyle tek başına dile getirdiği, tamamen sahne olan monologlar iç konuşmayı ortaya çıkarma tekniği (eski trajedilerde ve modern zamanların dramaturjisinde olduğu gibi bu tür birçok monolog vardır).

Bir tür deney kuran oyun yazarı, kişinin ruh halini sözlü sözlerle maksimum dolgunluk ve parlaklıkla ifade ederse kendini nasıl ifade edeceğini gösterir. Ve dramatik bir çalışmadaki konuşma, genellikle sanatsal lirik veya hitabet konuşmasına benzer: buradaki karakterler kendilerini doğaçlama yapan şairler veya topluluk önünde konuşma ustaları olarak ifade etme eğilimindedir.

Bu nedenle Hegel, dramayı epik başlangıcın (olaylılık) ve lirikin (konuşma ifadesi) bir sentezi olarak düşünerek kısmen haklıydı.

Sanatta dramanın adeta iki hayatı vardır: teatral ve edebi. Kompozisyonlarında var olan temsillerin dramatik temelini oluşturan dramatik eser, okur kitlesi tarafından da algılanır.

Ancak bu her zaman böyle değildi. Dramanın sahneden kurtuluşu, birkaç yüzyıl boyunca kademeli olarak gerçekleştirildi ve nispeten yakın zamanda sona erdi: 18-19. Yaratıldıkları sırada dünya çapında önemli dramaturji örnekleri (antik çağdan 17. yüzyıla kadar) pratik olarak kabul edilmedi. Edebi çalışmalar: sadece performans sanatlarının bir parçası olarak var oldular.

Ne W. Shakespeare ne de J. B. Molière çağdaşları tarafından yazar olarak algılanmadı. Sadece sahne üretimine yönelik değil, aynı zamanda okumaya yönelik bir eser olarak drama fikrinin güçlenmesinde belirleyici bir rol, Shakespeare'in 18. yüzyılın ikinci yarısında büyük bir dramatik şair olarak “keşfi” tarafından oynandı.

19. yüzyılda (özellikle ilk yarısında) dramanın edebi değerleri genellikle doğal olanların üzerine yerleştirildi. Dolayısıyla Goethe, "Shakespeare'in eserlerinin bedensel gözler için olmadığına" inanıyordu ve Griboyedov, "Woe from Wit" dizelerini sahneden "çocukça" duyma arzusunu çağırdı.

Öncelikle okumada algıya odaklanılarak oluşturulan Lesedrama (okuma draması) yaygınlaştı. Goethe'nin Faust'u, Byron'ın dramatik eserleri, Puşkin'in küçük trajedileri, Turgenev'in dramaları, yazarın hakkında şunları söylediği: "Sahnede tatmin edici olmayan oyunlarım, okumaya biraz ilgi duyabilir."

Yazarın sahne üretimine yönelik olduğu Lesedrama ile oyun arasında temel bir fark yoktur. Okumak için yaratılan dramalar genellikle potansiyel olarak sahne dramalarıdır. Ve tiyatro (modern tiyatro dahil) inatla anahtarlarını arar ve bazen bulur, bunun kanıtı Turgenev'in "Köyde Bir Ay" ın başarılı yapımlarıdır (her şeyden önce, bu ünlü devrim öncesi performanstır) Sanat Tiyatrosu) ve Puşkin'in 20. yüzyıldaki küçük trajedilerinin çok sayıda (her zaman başarılı olmaktan uzak olsa da) sahne okumaları.

Eski gerçek yürürlükte kalır: dramanın en önemli, asıl amacı sahnedir. A. N. Ostrovsky, "Yalnızca sahnede oynandığında," dedi, "yazarın dramatik kurgusu tamamen bitmiş bir biçim alır ve tam olarak yazarın ulaşmak için kendisine koyduğu ahlaki eylemi üretir."

Dramatik bir çalışmaya dayalı bir performansın yaratılması, onun yaratıcı tamamlanmasıyla ilişkilidir: oyuncular, tonlama-plastik çizimler yaratır. gerçekleştirilen roller, sanatçı sahne alanını tasarlar, yönetmen mizansenleri geliştirir. Bu bağlamda, oyun kavramı biraz değişir (bazı yönlerine daha fazla dikkat edilir, diğerlerine daha az dikkat edilir), genellikle somutlaştırılır ve zenginleştirilir: sahne üretimi dramaya yeni anlamsal gölgeler getirir.

Aynı zamanda edebiyatın sadık bir şekilde okunması ilkesi tiyatro için büyük önem taşımaktadır. Yönetmen ve oyunculardan, sahnelenen çalışmayı mümkün olan maksimum eksiksizlik ile seyirciye aktarmaları istenir. Sahne okumasının aslına uygunluğu, yönetmen ve oyuncuların dramatik eseri ana içeriği, türü ve üslup özellikleriyle derinlemesine kavramasıyla gerçekleşir.

Sahne yapımları (aynı zamanda film uyarlamaları), yalnızca yönetmen ve oyuncular ile oyun yazarı yazarının fikir çemberi arasında (göreceli olsa bile) bir anlaşma olduğu ve sahne figürlerinin anlamlarına dikkatle dikkat ettikleri durumlarda meşrudur. sahnelenen eser, türünün özelliklerine, üslubunun özelliklerine ve metnin kendisine.

18.-19. yüzyılların klasik estetiğinde, özellikle Hegel ve Belinsky tarafından, drama (öncelikle trajedi türü) en yüksek biçim olarak kabul edildi. edebi yaratıcılık: "şiirin tacı" olarak.

Tüm çizgi sanatsal çağlar ve gerçekten kendini mükemmel bir şekilde gösterdi dramatik sanat. Aeschylus ve Sophocles altın çağlarında Antik kültür, Klasisizm zamanında Moliere, Racine ve Corneille'in destansı eserlerin yazarları arasında eşi benzeri yoktu.

Bu açıdan önemli olan Goethe'nin eseridir. büyük için alman yazar hepsi mevcuttu edebi cins, dramatik bir eser olan ölümsüz Faust'un yaratılmasıyla sanat hayatını taçlandırdı.

Geçmiş yüzyıllarda (18. yüzyıla kadar), drama yalnızca destanla başarılı bir şekilde rekabet etmekle kalmadı, aynı zamanda yaşamın uzay ve zamanda sanatsal yeniden üretiminin önde gelen biçimi haline geldi.

Bu, birkaç nedenden kaynaklanmaktadır. Önce önemli bir rol oynandı. tiyatro sanatı, toplumun en geniş kesimlerine erişilebilir (el yazısı ve basılı bir kitabın aksine). İkincisi, "gerçekçilik öncesi" dönemdeki dramatik eserlerin özellikleri (belirgin özelliklere sahip karakterlerin tasviri, insan tutkularının yeniden üretilmesi, acınası ve groteskin çekiciliği), genel edebi ve genel sanatsal eğilimlere tamamen karşılık geldi.

Ve XIX-XX yüzyıllarda olmasına rağmen. epik edebiyatın bir türü olan sosyo-psikolojik roman edebiyatın ön sıralarına taşındı, dramatik eserler hâlâ onurlu bir yere sahip.

V.E. Khalizev Edebiyat Teorisi. 1999

trajedi(Gr. Tragos'tan - keçi ve ode - şarkı) - alışılmadık bir kişiliğin aşılmaz dış koşullarla uzlaşmaz çatışmasına dayanan drama türlerinden biri. Genellikle kahraman ölür (Romeo ve Juliet, Shakespeare'in Hamlet'i). Trajedi ortaya çıktı Antik Yunan, adı, şarapçılık tanrısı Dionysos'un onuruna popüler bir temsilden geliyor. Çektiği acıları anlatan danslar, şarkılar ve masallar icra edildi ve sonunda bir keçi kurban edildi.

Komedi(gr. comoidia'dan. Comos - neşeli bir kalabalık ve ode - bir şarkı) - çizgi romanı tasvir eden bir tür dramatik hayal gücü sosyal hayat, insanların davranışları ve karakterleri. Durum komedisi (entrika) ile karakter komedisi arasında ayrım yapın.

dram - trajedi ve komedi arasında bir tür dramaturji (Fırtına, A. Ostrovsky, Çalıntı Mutluluk, I. Franko). Drama, esas olarak, mahremiyet adam ve onun akut çatışma toplumla. Aynı zamanda, belirli karakterlerin davranış ve eylemlerinde somutlaşan evrensel insan çelişkilerine vurgu yapılır.

Gizem(Gr. mysterion'dan - ayin, dini hizmet, ayin) - bir kitle türü dini tiyatro dönem Geç Orta Çağ(XIV-XV yüzyıllar), Batı Nvrotta ülkelerinde yaygındır.

yan gösteri(lat. intermedius'tan - ortada olan) - ana dramanın eylemleri arasında oynanan küçük bir komik oyun veya sahne. Modern çeşitli sanat bağımsız bir tür olarak var olur.

Vodvil(Fransız vodvilinden) dramatik aksiyonun müzik ve dansla birleştirildiği hafif bir komik oyun.

melodram - keskin entrika, abartılı duygusallık ve ahlaki ve didaktik bir eğilim içeren bir oyun. Melodram için tipik olan "mutlu son", zaferdir. güzellikler. Melodram türü XVIII-'de popülerdi. XIX yüzyıllar daha sonra olumsuz bir itibar kazandı.

saçmalık(Latin farcio'dan başlıyorum, dolduruyorum) 14.-16. yüzyıllara ait, komik ritüel oyunlardan ve ara sahnelerden kaynaklanan bir Batı Avrupa halk komedisidir. Fars, kitle karakterinin popüler temsillerinin ana özellikleri ile karakterize edilir. hiciv yönelimi, kaba mizah. Modern zamanlarda bu tür küçük tiyatroların repertuarına girmiştir.

Belirtildiği gibi, edebi temsil yöntemleri genellikle belirli türler ve türler. Bu karışıklık iki türdendir: bazı durumlarda, ana türsel özellikler korunduğu zaman bir tür serpiştirme vardır; diğerlerinde jenerik başlangıçlar dengelidir ve eser ne destana, ne din adamlarına ne de dramaya atfedilemez, bunun sonucunda bitişik veya karışık oluşumlar olarak adlandırılırlar. Çoğu zaman, epik ve lirik karıştırılır.

türkü(Provence ballarından - dans etmek için) - küçük şiirsel çalışma keskin dramatik bir aşk hikayesiyle, efsanevi-tarihi, kahramanca-vatansever veya muhteşem içerik. İçinde olayların görüntüsü, belirgin bir yazarlık duygusuyla birleştirilir, destan, sözlerle birleştirilir. Tür, romantizm çağında yaygınlaştı (V. Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov, T. Shevchenko ve diğerleri).

lirik epik şiir- V. Mayakovsky'ye göre şairin zamandan ve kendisinden bahsettiği şiirsel bir eser (V. Mayakovsky, A. Tvardovsky, S. Yesenin, vb.'nin şiirleri).

dramatik şiir- diyalog biçiminde yazılmış, ancak sahnede sahnelenmesi amaçlanmayan bir çalışma. Bu türün örnekleri: Goethe'den "Faust", Byron'dan "Cain", L. Ukrainka'dan "In the Catacombs" ve diğerleri.

Epik olanlar gibi dramatik eserler (başka bir gr. eylem), olaylar dizisini, insanların eylemlerini ve ilişkilerini yeniden yaratır. Bir epik eserin yazarı gibi, oyun yazarı da "eylemi geliştirme yasasına" tabidir. Ancak dramada ayrıntılı bir anlatı-tanımlayıcı görüntü yoktur.

Aslında yazarın buradaki konuşması yardımcı ve epizodiktir. Bunlar, bazen kısa özelliklerin, zaman ve eylem yerinin belirlenmesinin eşlik ettiği aktörlerin listeleridir; eylemlerin ve bölümlerin başlangıcındaki sahne durumunun açıklamalarının yanı sıra karakterlerin bireysel kopyaları ve hareketlerinin, jestlerinin, yüz ifadelerinin, tonlamalarının (sözler) göstergeleri hakkında yorumlar.

Bütün bunlar dramatik bir çalışmanın yan metnini oluşturur, ana metni karakterlerin ifadelerinden, replikalarından ve monologlarından oluşan bir zincirdir.

Aynı zamanda oyun yazarları, epik eserlerin yazarlarından farklı olarak, kendilerini tiyatro sanatının gereksinimlerini karşılayan sözlü metin miktarıyla sınırlamak zorunda kalırlar. Dramada tasvir edilen aksiyonun zamanı, sahne zamanının katı çerçevesine uymalıdır.

Ve yeni Avrupa tiyatrosuna aşina formlardaki performans, bildiğiniz gibi üç veya dört saatten fazla sürmüyor. Bu da dramatik metnin uygun boyutta olmasını gerektirir.

Drama sahne odaklıdır. Tiyatro kamusal, kitlesel bir sanattır. Performans, sanki önlerinde olanlara tepki olarak tek bir kişide birleşiyormuş gibi birçok insanı doğrudan etkiler.

Puşkin'e göre dramanın amacı, kalabalık üzerinde hareket etmek, merakını gidermek” ve bu amaçla “tutkuların hakikatini” yakalamaktır: “Drama meydanda doğdu ve halkın eğlencesini oluşturdu. Çocuklar gibi insanlar da eğlenceye, harekete ihtiyaç duyar. Drama ona olağanüstü, tuhaf olaylar sunar. İnsanlar güçlü duygular ister. Kahkaha, acıma ve korku, dramatik sanatla sarsılan hayal gücümüzün üç telidir.

Dramanın, tasvir edilenin görünüşte muhteşem bir sunumuna yönelmesi şaşırtıcı değildir. Görüntüleri abartılı, akılda kalıcı, teatral ve parlak çıkıyor. N. Boileau, "Tiyatro hem seste, hem anlatımda hem de jestlerde abartılı geniş çizgiler gerektirir" diye yazdı. Ve sahne sanatının bu özelliği, dramatik eserlerin kahramanlarının davranışlarına her zaman damgasını vurur.

Bubnov (At the Bottom by Gorky), genel sohbete beklenmedik bir şekilde girerek ona teatral bir etki veren çaresiz Klesch'in çılgın tiradını "Tiyatroda nasıl oynadı" diye yorumluyor.

L. Tolstoy, Shakespeare'in çalışmalarını değerlendirirken yanılıyordu, ancak büyük İngiliz oyun yazarının teatral abartıya olan bağlılığı fikri tamamen haklı. "Kral Lear" hakkında daha az sebep olmaksızın söylenenler, eski komedilere ve trajedilere, dramatik klasisizm eserlerine, F. Schiller ve V. Hugo'nun oyunlarına vb. Atfedilebilir.

Bu nedenle Hegel, dramayı epik başlangıcın (olaylılık) ve lirikin (konuşma ifadesi) bir sentezi olarak düşünerek kısmen haklıydı.

Sanatta dramanın adeta iki hayatı vardır: teatral ve edebi. Kompozisyonlarında var olan temsillerin dramatik temelini oluşturan dramatik eser, okur kitlesi tarafından da algılanır.

Ancak bu her zaman böyle değildi. Dramanın sahneden kurtuluşu, birkaç yüzyıl boyunca kademeli olarak gerçekleştirildi ve nispeten yakın zamanda sona erdi: 18-19. Yaratıldıkları sırada dünyaca ünlü drama örnekleri (antik çağdan 17. yüzyıla kadar) pratikte edebi eserler olarak kabul edilmedi: bunlar yalnızca performans sanatlarının bir parçası olarak var oldular.

Yazarın sahne üretimine yönelik olduğu Lesedrama ile oyun arasında temel bir fark yoktur. Okumak için yaratılan dramalar genellikle potansiyel olarak sahne dramalarıdır. Ve tiyatro (modern tiyatro dahil) inatla anahtarlarını arar ve bazen bulur, bunun kanıtı Turgenev'in "Köyde Bir Ay" ın başarılı yapımlarıdır (her şeyden önce, bu ünlü devrim öncesi performanstır. Sanat Tiyatrosu) ve çok sayıda (her zaman başarılı olmaktan uzak olsa da) Puşkin'in 20. yüzyıldaki küçük trajedilerini sahne okumaları.

Dramatik bir çalışmaya dayalı bir performansın yaratılması, yaratıcı tamamlanmasıyla ilişkilidir: oyuncular oynadıkları rollerin tonlama-plastik çizimlerini yaratırlar, sanatçı sahne alanını tasarlar, yönetmen mizansenleri geliştirir. Bu bağlamda, oyun kavramı biraz değişir (bazı taraflarına daha fazla dikkat edilir, diğerlerine daha az dikkat edilir), genellikle somutlaştırılır ve zenginleştirilir: sahne üretimi dramaya yeni anlamsal gölgeler getirir.

18.-19. yüzyılların klasik estetiğinde, özellikle Hegel ve Belinsky tarafından drama (öncelikle trajedi türü), edebi yaratıcılığın en yüksek biçimi olarak görülüyordu: "şiirin tacı" olarak.

Bir dizi sanatsal dönem, aslında, ağırlıklı olarak dramatik sanatta kendini göstermiştir. Antik kültürün en parlak döneminde Aeschylus ve Sophocles, klasisizm döneminde Moliere, Racine ve Corneille, destansı eserlerin yazarları arasında eşi benzeri yoktu.

Bu açıdan önemli olan Goethe'nin eseridir. Büyük Alman yazar için tüm edebi türler mevcuttu, ancak dramatik bir eser olan ölümsüz Faust'un yaratılmasıyla sanat hayatını taçlandırdı.

Bu, birkaç nedenden kaynaklanmaktadır. Birincisi, tiyatro sanatı, toplumun en geniş katmanlarına erişilebilen (el yazısı ve basılı kitapların aksine) büyük bir rol oynadı. İkincisi, "gerçekçilik öncesi" dönemdeki dramatik eserlerin özellikleri (belirgin özelliklere sahip karakterlerin tasviri, insan tutkularının yeniden üretilmesi, acınası ve groteskin çekiciliği), genel edebi ve genel sanatsal eğilimlere tamamen karşılık geldi.

Ve XIX-XX yüzyıllarda olmasına rağmen. epik edebiyatın bir türü olan sosyo-psikolojik roman edebiyatın ön sıralarına taşındı, dramatik eserler hâlâ onurlu bir yere sahip.

V.E. Khalizev Edebiyat Teorisi. 1999

Drama (diğer Yunan draması - aksiyon), hayatı şimdiki zamanda gerçekleşen eylemlerde yansıtan bir tür edebiyattır.

Dramatik eserler sahnelenmeye yöneliktir, bu, dramanın belirli özelliklerini belirler:

1) anlatı-tanımlayıcı bir görüntünün olmaması;

3) dramatik çalışmanın ana metni, karakterlerin kopyaları (monolog ve diyalog) şeklinde sunulur;

4) bir tür edebiyat olarak drama, destan kadar çeşitli sanatsal ve görsel araçlara sahip değildir: konuşma ve eylem, bir kahraman imajını yaratmanın ana yoludur;

5) metnin hacmi ve eylemin süresi sahne çerçevesi ile sınırlıdır;

6) Sahne sanatlarının gereklilikleri, dramanın böyle bir özelliğini bir tür abartma (hiperbolizasyon) olarak dikte etti: "olayların abartılması, duyguların abartılması ve ifadelerin abartılması" (L.N. Tolstoy) - başka bir deyişle, teatral gösteriş, artan ifade; oyunun izleyicisi, A.S.'nin çok iyi söylediği, olup bitenlerin şartlılığını hissediyor. Puşkin: “Dramatik sanatın özü inandırıcılığı dışlar... Bir şiiri, bir romanı okurken çoğu zaman kendimizi unutabilir ve anlatılan olayın kurgu değil gerçek olduğuna inanabiliriz. Bir gazelde, bir mersiyede şairin gerçek duygularını gerçek koşullarda yansıttığını düşünebiliriz. Ama iki parçaya bölünmüş, biri anlaşma yapmış seyircilerle dolu vs. bir binanın inandırıcılığı nerede?

Drama (eski Yunanca δρᾶμα - hareket, eylem) - epik ve şarkı sözleriyle birlikte üç edebiyat türünden biri, aynı anda iki sanat türüne aittir: edebiyat ve tiyatro. Sahnede oynanması amaçlanan drama, içindeki metnin karakterlerin kopyaları ve yazarın sözleri şeklinde sunulması ve kural olarak eylemlere ve fenomenlere bölünmesiyle epik ve lirik şiirden biçimsel olarak farklıdır. Komedi, trajedi, dram (tür olarak), fars, vodvil vb. dahil olmak üzere diyalojik bir biçimde inşa edilmiş herhangi bir edebi eser, şu ya da bu şekilde dramaya atıfta bulunur.

Antik çağlardan beri çeşitli halklar arasında folklor veya edebi biçimde var olmuştur; eski Yunanlılar, eski Kızılderililer, Çinliler, Japonlar ve Amerika Kızılderilileri birbirlerinden bağımsız olarak kendi dramatik geleneklerini yarattılar.

Kelimenin tam anlamıyla eski Yunancadan tercüme edilen drama, "aksiyon" anlamına gelir.

Dram türleri trajedi draması (tür) okumak için drama (okumak için oyna)

Melodram hierodrama gizem komedisi vodvil fars zaju

Dram tarihi Dramanın temelleri - daha sonra ortaya çıkan şarkı sözleri, destan ve drama unsurlarının müzik ve mimik hareketleriyle bağlantılı olarak birleştiği ilkel şiirde. Özel bir şiir türü olarak drama, diğer halklardan daha önce Hindular ve Yunanlılar arasında şekillendi.

Dionysos dansları

Ciddi dini ve mitolojik olaylar örgüsü (trajedi) ve modern yaşamdan alınan eğlenceli olaylar (komedi) geliştiren Yunan draması, yüksek mükemmelliğe ulaşır ve 16. yüzyılda o zamana kadar dini ve anlatısal seküler olay örgüsünü ustaca işleyen Avrupa draması için bir modeldir. (gizemler, okul dramaları ve ara bölümler, fastnachtspiel, sottises).

Yunan oyun yazarlarını taklit eden Fransız oyun yazarları, dramanın estetik saygınlığı için değişmez kabul edilen belirli hükümlere sıkı sıkıya bağlı kaldılar, örneğin: zaman ve yer birliği; sahnede tasvir edilen bölümün süresi bir günü geçmemelidir; eylem aynı yerde gerçekleşmelidir; drama, olay örgüsünden (karakterlerin ilk konumunu ve karakterlerini bulmak) ortadaki iniş çıkışlardan (konumlardaki ve ilişkilerdeki değişiklikler) sonuca (genellikle bir felaket) kadar 3-5 perdede doğru şekilde gelişmelidir; oyuncu sayısı çok sınırlıdır (genellikle 3 ila 5); bunlar yalnızca toplumun en yüksek temsilcileri (krallar, kraliçeler, prensler ve prensesler) ve onların en yakın hizmetkarları, sırdaşlarıdır ve diyalog yürütme ve açıklamalar yapma kolaylığı için sahneye çıkarılır. Bunlar Fransız klasik dramasının (Corneille, Racine) temel özellikleridir.

Komedilerde (Molière, Lope de Vega, Beaumarchais) klasik tarzın gereksinimlerinin katılığına zaten daha az saygı duyuluyordu (Molière, Lope de Vega, Beaumarchais), yavaş yavaş geleneksellikten sıradan yaşamın (tür) tasvirine geçti. Shakespeare'in klasik geleneklerden bağımsız eseri, drama için yeni yollar açtı. 18. yüzyılın sonu ve 19. yüzyılın ilk yarısı, romantik ve ulusal dramaların ortaya çıkışıyla belirlendi: Lessing, Schiller, Goethe, Hugo, Kleist, Grabbe.

19. yüzyılın ikinci yarısında Avrupa dramasında (Dumas oğlu, Ogier, Sardou, Paleron, Ibsen, Suderman, Schnitzler, Hauptmann, Beyerlein) gerçekçilik hakim oldu.

19. yüzyılın son çeyreğinde Ibsen ve Maeterlinck'in etkisiyle sembolizm Avrupa sahnesini ele geçirmeye başladı (Hauptmann, Przybyszewski, Bar, D'Annunzio, Hofmannsthal).

Dramatik bir çalışmanın tasarımı Diğer nesir ve şiir eserlerinden farklı olarak dramatik eserler katı bir şekilde tanımlanmış bir yapıya sahiptir. Dramatik bir eser, her biri kendi amacına sahip olan ve birbirinden kolayca ayırt edilebilmeleri için tipografi ile vurgulanan, birbirini izleyen metin bloklarından oluşur. Dramatik metin aşağıdaki blokları içerebilir:

Karakter listesi genellikle eserin ana metninden önce bulunur. İçinde gerekirse kahramanın kısa bir açıklaması verilir (yaş, görünüş özellikleri vb.)

Dış açıklamalar - karakterlerin eyleminin, durumunun, görünümünün ve ayrılışının açıklaması. Genellikle küçültülmüş boyutta veya kopyalarla aynı yazı tipinde, ancak daha büyük bir biçimde yazılır. Dış açıklamada, kahramanların isimleri verilebilir ve eğer kahraman ilk kez ortaya çıkıyorsa, adı ayrıca vurgulanır. Örnek:

Hala kreş olarak adlandırılan oda. Kapılardan biri Anna'nın odasına açılıyor. Şafak, yakında güneş doğacak. Mayıs zaten çiçek açıyor Kiraz ağaçları ama bahçede soğuk, matine. Odadaki pencereler kapalı.

Dunyasha'ya bir mumla ve Lopakhin'e elinde bir kitapla girin.

Kopyalar, karakterlerin söylediği kelimelerdir. Açıklamalardan önce aktörün adı gelmelidir ve dahili açıklamalar içerebilir. Örnek:

Dünyaşa. Ayrıldığını düşündüm. (Dinler.) Görünüşe göre çoktan yola çıkmışlar.

LOPAHİN (dinler). Hayır ... bagajı al, sonra evet ...

İç açıklamalar, dış açıklamalardan farklı olarak, bir kopyanın kahraman tarafından telaffuz edilmesi sırasında meydana gelen eylemleri veya telaffuzun özelliklerini kısaca açıklar. Bir ipucunun söylenmesi sırasında bazı karmaşık eylemler meydana gelirse, bu, aktörün eylem sırasında konuşmaya devam ettiğini ya sözün kendisinde ya da içsel bir açıklamanın yardımıyla ipucunda belirtilirken, harici bir ipucu kullanılarak açıklanmalıdır. İçeriden bir not, yalnızca belirli bir aktörün belirli bir satırına atıfta bulunur. Kopyadan parantez ile ayrılır, italik olarak yazılabilir.

Dramatik eserler tasarlamanın en yaygın iki yolu vardır: kitap ve sinema. Kitap biçiminde dramatik bir çalışmanın bölümlerini ayırmak için farklı yazı tipi stilleri, farklı boyutlar vb. tarafından ayarlanan farklı bir biçime ayarlayın - yani, yalnızca bir daktiloda bulunan araçlar. Bu, okunabilirliği korurken komut dosyalarının üretildikleri anda birçok kez değiştirilmesine izin verdi. .

Rusya'da Dram

Drama, 17. yüzyılın sonunda Batı'dan Rusya'ya getirildi. Bağımsız dramatik edebiyat ancak 18. yüzyılın sonunda ortaya çıkar. 19. yüzyılın ilk çeyreğine kadar dramada, hem trajedide hem de komedi ve komedi operasında klasik yön hakimdi; en iyi yazarlar: Lomonosov, Knyaznin, Ozerov; I. Lukin'in oyun yazarlarının dikkatini Rus yaşamının ve geleneklerinin tasvirine çekme girişimi boşuna kaldı: ünlü "Çaldırma" ve "Ustabaşı" Fonvizin, "Yabeda" dışında tüm oyunları cansız, yapmacık ve Rus gerçekliğine yabancı. " Kapnist ve I. A. Krylov'un bazı komedileri .

19. yüzyılın başında Shakhovskoy, Khmelnitsky, Zagoskin hafif Fransız draması ve komedisinin taklitçileri oldular ve Dollmaker, yapmacık vatansever dramanın bir temsilcisiydi. Griboedov'un Woe from Wit adlı komedisi, daha sonra Gogol'ün Baş Müfettişi Evlilik, Rus günlük dramasının temeli oldu. Gogol'den sonra vodvilde bile (D. Lensky, F. Koni, Sollogub, Karatygin) hayata yaklaşma arzusu göze çarpıyor.

Ostrovsky, bir dizi dikkate değer tarihi kayıt verdi ve ev yapımı komediler. Ondan sonra Rus draması sağlam bir zemine oturdu; en önde gelen oyun yazarları: A. Sukhovo-Kobylin, I. S. Turgenev, A. Potekhin, A. Palm, V. Dyachenko, I. Chernyshev, V. Krylov, N. Ya. Solovyov, N. Chaev, gr. A. Tolstoy, yak. L. Tolstoy, D. Averkiev, P. Boborykin, Prens Sumbatov, Novezhin, N. Gnedich, Shpazhinsky, Evt. Karpov, V. Tikhonov, I. Shcheglov, Vl. Nemirovich-Danchenko, A. Chekhov, M. Gorki, L. Andreev ve diğerleri.

Kategoride popüler: