İdeal Rönesans kentinin özellikleri. Rönesans'ın sanatsal kültürü

"Rönesans" (Rönesans, Rönesans) teriminin ortaya çıkışı XVI. Hakkında yazmıştı Rönesans"İtalya sanatı - İtalyan sanatının ilk tarihçisi, büyük bir ressam, ünlü "En Biyografilerin" yazarı ünlü ressamlar, heykeltraşlar ve mimarlar "(1550) - Giorgio Vasari.

Bu kavram, Orta Çağ döneminin sürekli barbarlık, cehalet ile karakterize edildiği, o zamanlar yaygın olan tarihsel kavramın temelinden kaynaklanmaktadır. büyük medeniyet klasik arkaik.

Kültürün gelişiminde bir tür basit olarak Orta Çağ döneminden bahsedersek, o zaman tarihçilerin sanat hakkındaki varsayımlarını dikkate almak gerekir. İçinde sanatın olduğuna inanılıyordu. eski günler antik dünyada gelişen, ilk dirilişini tam da onların zamanında yeni bir varoluşta bulur.

Bahar/ Sandro Boticelli

İlk anlayışta, "canlanma" terimi, tüm dönemin adı olarak değil, yeni sanatın ortaya çıkışının tam zamanı (genellikle 14. yüzyılın başı) olarak yorumlandı. Ancak belirli bir dönemden sonra bu kavram daha geniş bir yorum kazandı ve İtalya'da ve diğer ülkelerde feodalizme karşı bir kültürün oluşum ve gelişme çağını belirlemeye başladı.

Artık Orta Çağ, Avrupa'nın sanatsal kültür tarihinde bir kırılma olarak görülmüyor. Geçen yüzyılda, son yarım yüzyılda büyük ölçüde yoğunlaşan Orta Çağ sanatının kapsamlı bir incelemesi başladı. Yeniden değerlendirmesine yol açtı ve hatta şunu gösterdi: rönesans sanatı Orta Çağ'a çok şey borçludur.

Ancak Rönesans'tan Orta Çağ'ın önemsiz bir devamı olarak bahsetmemek gerekir. Bazı modern Batı Avrupa tarihçileri, Orta Çağ ile Rönesans arasındaki çizgiyi bulanıklaştırmaya çalıştılar, ancak tarihsel gerçeklerde doğrulama bulamadılar. Aslında, Rönesans kültürel anıtlarının analizi, feodal dünya görüşünün temel inançlarının çoğunun reddedildiğini gösterir.

Aşk ve zamanın alegorisi/ Agnola Bronzino

Ortaçağ çileciliği ve dünyevi her şeye dair içgörü, yerini doğanın ve tabii ki insanın ihtişamı ve güzelliği ile gerçek dünyaya duyulan doymak bilmez bir ilgiye bırakıyor. Süper güçlere inanç insan zihni Gerçeğin en yüksek kriteri olarak, Orta Çağ'ın çok karakteristik özelliği olan teolojinin bilim üzerindeki dokunulmaz önceliğinin belirsiz konumuna yol açtı. itaat insan kişiliği dini ve feodal otoritelerin yerini, bireyselliğin özgür gelişimi ilkesi alır.

Yeni basılan seküler entelijansiyanın üyeleri, ilahi olanın aksine insani yönlere tüm dikkatlerini verdiler ve kendilerini hümanistler olarak adlandırdılar (Cicero'nun zamanının kavramından "studia hmnanitatis", yani insan doğası ve onun ruhani dünyası ile bağlantılı her şeyin incelenmesi anlamına gelir). ). Bu terim, gerçekliğe karşı yeni bir tutumun, Rönesans kültürünün insanmerkezciliğinin bir yansımasıdır.

Feodal dünyaya karşı ilk kahramanca saldırı döneminde yaratıcı dürtüler için geniş bir yelpaze açıldı. Bu çağın insanları geçmişin ağlarından çoktan vazgeçtiler, ancak henüz yenilerini bulamadılar. Olanaklarının sonsuz olduğuna inanıyorlardı. Bu nedenle, iyimserliğin doğuşu, ki bu çok karakteristiktir. Rönesans kültürü.

uyuyan venüs/ Giorgione

Neşeli karakter ve hayata sonsuz inanç, zihnin olasılıklarının sınırsızlığına ve kişiliği uyumlu ve engelsiz geliştirme olasılığına olan inancı doğurdu.
rönesans sanatı birçok bakımdan ortaçağla tezat oluşturuyor. Avrupa sanat kültürü, gelişimini gerçekçiliğin oluşumunda alır. Bu, hem seküler nitelikteki görüntülerin yayılmasına, bazen dini konuların tür yorumuna yakın manzara ve portrelerin geliştirilmesine hem de tüm bir sanatsal organizasyonun radikal bir şekilde yenilenmesine damgasını vuruyor.

Ortaçağ sanatı, doruk noktası bu hiyerarşideki son yerlerden birini işgal eden dünyevi varoluş çemberinin dışında olan evrenin hiyerarşik yapısı fikrine dayanıyordu. Sanatın asıl görevi, teoloji tarafından yaratılan değerler ölçeğinin görsel düzenlemesi olduğundan, dünyevi gerçek bağlantıların ve fenomenlerin mekanla zaman içinde bir değer kaybı vardı.

Rönesans'ta spekülatif sanat sistemi ortadan kalkar ve onun yerine insana sunulan bilgiye ve dünyanın nesnel imgesine dayalı bir sistem gelir. Bu nedenle Rönesans sanatçılarının temel görevlerinden biri, mekanı yansıtma sorunuydu.

15. yüzyılda, bu konu her yerde anlaşıldı, tek fark, Avrupa'nın kuzeyinin (Hollanda) ampirik gözlemler nedeniyle aşamalı olarak nesnel bir mekan inşasına doğru ilerlemesi ve İtalya'nın kuruluşunun ilk yarısında. yüzyılda geometri ve optiğe dayanıyordu.

Davut/ Donatello

İzleyiciye, bakış açısı dikkate alınarak yönlendirilecek bir düzlem üzerinde üç boyutlu bir görüntü oluşturma imkanı veren bu varsayım, Orta Çağ kavramına karşı bir zafer görevi gördü. Bir kişinin görsel temsili, yeni sanatsal kültürün insan merkezli yönelimini gösterir.

Rönesans kültürü, bilim ve sanat arasındaki karakteristik bağlantıyı açıkça göstermektedir. Dünyayı ve insanı oldukça gerçekçi bir şekilde tasvir etmek için bilişsel ilkeye özel bir rol verildi. Elbette, bilimde sanatçılar için destek arayışı, bilimin kendisinin gelişiminin teşvik edilmesine yol açtı. Rönesans'ta, Leonardo da Vinci başkanlığındaki birçok sanatçı-bilim adamı ortaya çıktı.

Sanata yönelik yeni yaklaşımlar, insan figürünü tasvir etme ve eylemleri iletme konusunda da yeni bir tarz dikte etti. Orta Çağ'ın jestlerin kanonikliği, yüz ifadeleri ve oranlarda izin verilen keyfilik hakkındaki eski fikri, çevremizdeki dünyanın nesnel bir görüşüne karşılık gelmiyordu.

Rönesans eserlerine göre, insan davranışı içseldir, ritüellere veya kanonlara değil, psikolojik şartlandırmaya ve eylemlerin gelişimine tabidir. Sanatçılar, figürlerin oranlarını gerçeğe yaklaştırmaya çalışıyor. buna giderler Farklı yollar, bu nedenle, Avrupa'nın kuzey ülkelerinde bu ampirik olarak gerçekleşir ve İtalya'da gerçek formların incelenmesi, klasik antik anıtların bilgisi ile birlikte gerçekleşir (Avrupa'nın kuzeyi ancak daha sonra eklenir).

Hümanizmin idealleri nüfuz eder rönesans sanatı, güzel, uyumlu bir şekilde gelişmiş bir kişinin imajını yaratmak. Rönesans sanatı için karakteristiktir: tutkuların titanizmi, karakterler ve kahramanlıklar.

Rönesans ustaları, güçlerinin gururlu farkındalığını, yaratıcılık alanındaki insan olanaklarının sınırsızlığını ve iradesinin özgürlüğüne olan gerçek inancı somutlaştıran görüntüler yaratır. Rönesans sanatının birçok kreasyonu, ünlü İtalyan hümanizmi Pico della Mirandola'nın şu ifadesiyle uyumludur: "Ah, arzuladığı şeyi elde etmek ve istediği şey olmak için verilen bir kişinin harika ve yüce amacı."

Leda ve Kuğu/ Leonardo da Vinci

Güzel sanatların doğasına yönelik kararlılık büyük ölçüde gerçeği doğru bir şekilde sergileme arzusuysa, o zaman klasik geleneğe başvurmak yeni mimari biçimlerin oluşmasında önemli bir rol oynadı. Bu, yalnızca eski düzen sistemini yeniden yaratmak ve Gotik konfigürasyonlardan vazgeçmek değil, aynı zamanda klasik orantılılık, yeni mimarinin insan merkezli doğası ve iç mekanın kolayca görülebildiği tapınak mimarisinde merkezli binaların tasarımından oluşuyordu.

Sivil mimarlık alanında birçok yeni kreasyon yaratıldı. Böylece Rönesans'ta çok katlı şehir kamu binaları: belediye binaları, üniversiteler, ticaret loncalarının evleri, eğitim evleri, depolar, pazarlar, depolar daha zarif bir dekorasyona kavuşur. Bir tür şehir sarayı veya başka türlü bir palazzo - zengin bir kasabalının evi ve bir tür kır villası ortaya çıkar. Yeni cephe dekorasyon sistemleri oluşturuluyor, bir tuğla binanın yeni bir yapısal sistemi geliştiriliyor (Avrupa yapımında 20. yüzyıla kadar korunmuş), tuğla ve Parke zemin. Şehir planlama sorunları yeni bir şekilde çözülüyor, şehir merkezleri yeniden inşa ediliyor.

Yeni mimari tarz, Orta Çağ tarafından hazırlanan ileri zanaat inşa teknikleri yardımıyla hayata geçirildi. Temel olarak, Rönesans mimarları binanın tasarımına doğrudan dahil oldular ve gerçekte uygulanmasını yönlendirdiler. Kural olarak, heykeltıraş, ressam, bazen dekoratör gibi mimariyle ilgili bir dizi başka uzmanlığa da sahiplerdi. Becerilerin birleşimi, binaların sanatsal kalitesinin artmasına katkıda bulundu.

Eserlerin ana müşterilerinin büyük derebeyleri ve kilise olduğu Orta Çağ'a kıyasla, artık sosyal kompozisyonun değişmesiyle müşteri çevresi genişliyor. Zanaatkarların lonca dernekleri, tüccar loncaları ve hatta özel şahıslar (soylular, kasabalılar), kiliseyle birlikte, sanatçılara oldukça sık emir verirler.

Sanatçının sosyal statüsü de değişir. Sanatçılar arayış içinde olmalarına ve atölyelere girmelerine rağmen, genellikle ödüller ve yüksek dereceler alırlar, belediye meclislerinde koltuk işgal ederler ve diplomatik misyonlar yürütürler.
Bir kişinin güzel sanatlara karşı tutumunda bir evrim vardır. Daha önce zanaat düzeyindeyse, şimdi bilimlerle eşittir ve sanat eserleri ilk kez ruhsal yaratıcı faaliyetin sonucu olarak görülmeye başlandı.

Son Yargı/ Michelangelo

Yeni tekniklerin ve sanat biçimlerinin ortaya çıkışı, talebin artması ve dünyevi müşterilerin sayısındaki artışla tetiklenir. Anıtsal formlara şövale eşlik ediyor: tuval veya ahşap üzerine resim, ahşap heykel, majolika, bronz, pişmiş toprak. için sürekli artan talep Sanat Eserleri en ucuz ve en popüler sanat türü olan ahşap ve metal üzerine gravürlerin ortaya çıkmasına neden oldu. Bu teknik, ilk kez, görüntülerin çok sayıda kopya halinde çoğaltılmasına izin verdi.
Ana özelliklerden biri İtalyan Rönesansı Akdeniz bölgesinde ölmeyen kadim mirasın geleneklerinin yaygınlaşması. Burada, klasik antik çağa ilgi çok erken ortaya çıktı - Piccolo ve Giovanni Pisano'dan Ambrogio Lorsnzetti'ye kadar İtalyan Proto-Rönesans sanatçılarının eserlerinde bile.

15. yüzyılda antik çağın incelenmesi, hümanist çalışmaların temel görevlerinden biri haline gelir. Antik dünyanın kültürü hakkında önemli bir bilgi genişlemesi var. Eski manastırların kütüphanelerinde, eski yazarların daha önce bilinmeyen eserlerinin birçok el yazması bulundu. Sanat eseri arayışı, birçok eski heykel, kabartma ve nihayetinde freskleri keşfetmeyi mümkün kıldı. Antik Roma. Sanatçılar tarafından sürekli incelendiler. Örnekler arasında, Donatello ve Brunelleschi'nin antik Roma mimarisi ve heykel anıtlarını ölçmek ve eskizlerini çizmek için Roma'ya yaptıkları bir seyahatin, Leon Battista Alberti'nin eserlerinin, Raphael'in yeni keşfedilen rölyefler ve resimler üzerine yaptığı çalışma hakkında, kopyaladığı yol hakkında hayatta kalan haberler yer alır. antik heykel genç Michelangelo. İtalya sanatı (antik çağın sürekli çekiciliği nedeniyle) o zamanlar için yeni olan bir dizi teknik, motif ve formla zenginleştirildi ve aynı zamanda eserlerinde tamamen bulunmayan kahramanca bir idealleştirme dokunuşu verdi. Kuzey Avrupa'nın sanatçıları.

İtalyan Rönesansının başka bir ana özelliği daha vardı - rasyonelliği. Sanatın bilimsel temellerinin oluşmasında birçok kişi çalıştı. İtalyan sanatçılar. Böylece Brunelleschi, Masaccio ve Donatello'nun çevresinde bir teori oluştu. doğrusal perspektif, daha sonra Leon Battista Alberti'nin 1436 tarihli "Resim Kitabı" incelemesinde ortaya konmuştur. Perspektif teorisinin gelişimine çok sayıda sanatçı, özellikle de 1484-1487'de Pitoresk Perspektif Üzerine incelemesini yazan Paolo Uccello ve Piero della Francesca katıldı. Nihayet, matematiksel teoriyi insan figürünün inşasına uygulama girişimlerinin görünür olduğu yer burasıdır.

Sanatın gelişmesinde önemli bir rol oynayan İtalya'nın diğer şehirlerini ve bölgelerini de belirtmekte fayda var: XIV.Yüzyılda - Siena, XV.Yüzyılda - Umbrcia, Padua, Venedik, Ferrara. 16. yüzyılda, yerel okulların çeşitliliği azaldı (tek istisna orijinal Venedik'tir) ve belirli bir süre için ülkenin önde gelen sanatsal güçleri Roma'da yoğunlaştı.

İtalya'nın bireysel bölgelerinin sanatının oluşumu ve gelişimindeki farklılıklar, gelişimin ana aşamalarını özetlememize izin veren genel bir modelin yaratılmasına ve tabi kılınmasına müdahale etmez. İtalyan Rönesansı. Modern sanat tarihi, İtalyan Rönesansı tarihini dört aşamaya ayırır: Proto-Rönesans (13. yüzyılın sonu - 14. yüzyılın ilk yarısı), Erken Rönesans (15. yüzyıl), Yüksek Rönesans (M.Ö. 15. - 16. yüzyılın ilk otuz yılı) ve Geç Rönesans (16. yüzyılın orta ve ikinci yarısı).

İtalyan Rönesansı (25:24)

Hermitage Başyapıtları serisinin bir parçası olarak yayınlanan Vladimir Ptashchenko'nun harika bir filmi

Rönesans çağı, insanlığın kültürel gelişimindeki en önemli dönemlerden biridir, çünkü bu dönemde temel olarak temeller atılmıştır. yeni kültür, gelecekte gelecek nesiller tarafından aktif olarak kullanılacak bir fikir, düşünce, sembol zenginliği vardır. XV.Yüzyılda. İtalya'da, gerçek bir mimari düzenlemeden çok bir proje, bir gelecek modeli gibi geliştirilen yeni bir şehir imajı doğuyor. Tabii ki, Rönesans İtalya'sında şehirleri çok güzelleştirdiler: sokakları düzleştirdiler, cepheleri düzleştirdiler, kaldırımlar yapmak için çok para harcadılar, vb. , yıkılan eski binaların yerine onları dikti. Genel olarak, İtalyan şehri gerçekte mimari manzarasında ortaçağ olarak kaldı. Aktif bir kentsel gelişme dönemi değildi, ancak tam da bu dönemde kentsel meseleler kültürel inşanın en önemli alanlarından biri olarak kabul edilmeye başlandı. Bir şehrin sadece politik değil, aynı zamanda sosyokültürel bir fenomen olarak da ne olduğu hakkında birçok ilginç inceleme ortaya çıktı. Rönesans hümanistlerinin gözünde ortaçağdan farklı olarak yeni bir şehir nasıl ortaya çıkıyor?

Tüm kentsel planlama modellerinde, projelerinde ve ütopyalarında, şehir her şeyden önce kendisini kutsal prototipinden - insan kurtuluşu alanını simgeleyen göksel Kudüs'ten, gemiden - kurtardı. Rönesans'ta, ilahi prototipe göre değil, mimarın bireysel yaratıcı faaliyetinin bir sonucu olarak yaratılan ideal bir şehir fikri ortaya çıktı. Mimarlık Üzerine On Kitap klasiğinin yazarı olan ünlü L. B. Alberti, orijinal mimari fikirlerin kendisine genellikle geceleri, dikkatinin dağıldığı zamanlarda geldiğini ve uyanıkken kendini göstermeyen şeylerin göründüğü rüyalar gördüğünü iddia etti. Yaratıcı sürecin bu laikleştirilmiş tasviri, klasik Hıristiyan görme edimlerinden oldukça farklıdır.

Yeni şehir, sosyal, politik, kültürel ve evsel amacında göksel değil, dünyevi düzenlemelere karşılık gelen İtalyan hümanistlerinin eserlerinde ortaya çıktı. Kutsal-mekansal daralma ilkesi üzerine değil, işlevsel, tamamen seküler bir mekânsal sınırlandırma temelinde inşa edilmiş ve önemli konut veya kamu binaları etrafında gruplanmış meydanlara, sokaklara bölünmüştür. Böyle bir yeniden yapılanma, örneğin Floransa'da bir dereceye kadar gerçekleştirilmiş olsa da, daha büyük ölçüde görsel sanatlarda, Rönesans tablolarının yapımında ve mimari projelerde gerçekleştirilmiştir. Rönesans şehri, insanın doğa üzerindeki zaferini, insan uygarlığının doğadan yenisine "tahsis edilmesinin" iyimser inancını sembolize ediyordu. insan yapımı dünya makul, uyumlu ve mükemmel temellere sahipti.

Rönesans adamı, yaratıcı tarafından bitmemiş olduğu ortaya çıkan şeyi kendi elleriyle tamamlayan, uzayın fethi medeniyetinin bir prototipidir. Bu nedenle mimarlar, şehirleri planlarken, kentsel topluluğun yaşamı için gerekli tüm binaları yerleştirmenin gerekli olduğu çeşitli geometrik şekil kombinasyonlarının estetik önemine dayanan güzel projeler yaratmayı seviyorlardı. Faydacı düşünceler arka planda kayboldu ve mimari fantezilerin özgür estetik oyunu, o zamanın şehir planlamacılarının bilincine boyun eğdirdi. Bireyin varoluşunun temeli olarak özgür yaratıcılık fikri, Rönesans'ın en önemli kültürel zorunluluklarından biridir. Bu durumda mimari yaratıcılık, daha çok bazı karmaşık süs fantezilerine benzeyen bina projelerinin yaratılmasında ifade edilen bu fikri somutlaştırdı. Uygulamada, bu fikirlerin öncelikle düzenli şekilli levhalarla kaplanmış çeşitli taş döşeme türlerinin oluşturulmasında uygulandığı ortaya çıktı. Kasaba halkının gurur duyduğu ve onlara "elmas" adını verdiği ana yenilikler onlardı.

Şehir, başlangıçta doğal dünyanın doğallığına karşı yapay bir ürün olarak tasarlandı, çünkü ortaçağ şehrinin aksine, yaşam alanını boyun eğdirdi ve yönetti ve sadece araziye sığmadı. Bu nedenle, Rönesans'ın ideal şehirleri kare, haç veya sekizgen şeklinde katı bir geometrik şekle sahipti. I. E. Danilova'nın uygun ifadesine göre, o zamanın mimari projeleri, her şeyin tabi olduğu insan aklının egemenliğinin bir mührü olarak, araziye yukarıdan bindirilmiş gibiydi. Yeni Çağ çağında insan, anlaşılmaz şans veya talih oyunundan kurtulmak için dünyayı öngörülebilir, makul kılmaya çalıştı. Bu nedenle L. B. Alberti, "Aile Üzerine" adlı çalışmasında, aklın sivil işlerde ve insan yaşamında servetten çok daha büyük bir rol oynadığını savundu. Ünlü mimarlık ve şehir planlama teorisyeni, uygulamalı matematik ve geometri kurallarını ona genişleterek dünyayı test etme ve fethetme ihtiyacından bahsetti. Bu bakış açısına göre, Rönesans kenti dünyayı fethetmenin en yüksek biçimiydi, çünkü şehir planlama projeleri, doğal peyzajın yeniden düzenlenmesini ve bunun üzerine sınırları çizilmiş alanlardan oluşan geometrik bir ızgara dayatmanın bir sonucu olarak içeriyordu. Orta Çağ'dan farklı olarak, merkezi katedral değil, şehir surlarının ötesinde mesafeye bakan, her yönden sokaklarla açılan meydanın boş alanı olan açık bir modeldi.

Modern uzmanlar Kültür alanında, Rönesans şehirlerinin mekansal organizasyonunun sorunlarına giderek daha fazla ilgi gösteriliyor, özellikle şehir meydanının teması, doğuşu ve anlambilimi çeşitli uluslararası sempozyumlarda aktif olarak tartışılıyor. R. Barthes şöyle yazdı: “Kent, işlevlerinin sıralanabileceği eşdeğer öğelerden değil, önemli ve önemsiz öğelerden oluşan bir dokudur ... Ek olarak, bunların giderek daha fazla bağlanmaya başladıklarını da not etmeliyim. anlam boşluğu yerine önemli boşluğa önem verir. Başka bir deyişle, unsurlar kendi başlarına değil, bulundukları yere bağlı olarak giderek daha önemli hale geliyor.

Ortaçağ şehri, binaları, kilise, ister bir katedral ister küçük bir kaleye benzer bir saray olsun, yakınlık olgusunu, bazı fiziksel veya ruhsal engelleri aşma ihtiyacını somutlaştırdı, bu, dış dünyadan ayrılmış özel bir alandır. Oraya nüfuz etmek her zaman bazı gizli sırlara aşina olmayı sembolize ederdi. Meydan ise bambaşka bir dönemin simgesiydi: sadece yukarıya değil, yanlara da sokaklar, ara sokaklar, pencereler vb. aracılığıyla açıklık fikrini somutlaştırdı. kapalı bir alan. Buna karşılık, herhangi bir kare anında açılmış ve açık bir alan hissi yaratmıştır. Şehir meydanları, olduğu gibi, mistik sırlardan kurtulma sürecini sembolize ediyor ve açıkça kutsallıktan arındırılmış alanı somutlaştırıyordu. L. B. Alberti, şehirlerin en önemli dekorasyonunun sokakların ve meydanların konumu, yönü, yazışmaları, yerleşimi ile verildiğini yazdı.

Bu fikirler, XIV ve XV yüzyıllarda Floransa'da gerçekleşen bireysel aile klanlarının kontrolünden kentsel alanların kurtarılması mücadelesinin gerçek uygulamasıyla pekiştirildi. F. Brunelleschi bu dönemde şehirde üç yeni meydan tasarlar. Çeşitli soyluların mezar taşları meydanlardan kaldırılır, buna göre pazarlar yeniden kurulur. Açık alan fikri, duvarlarla ilgili olarak L. B. Alberti tarafından somutlaştırılmıştır. Duvarların gelenekselliğini bir engel olarak vurgulamak için sütun dizilerinin mümkün olduğunca sık kullanılmasını tavsiye ediyor. Bu nedenle Alberti'deki kemer, kilitli şehir kapılarının tam tersi olarak algılanıyor. Kemer, sanki manzaraları açmak için bir çerçeve görevi görüyor ve böylece kentsel alanı birbirine bağlıyormuş gibi her zaman açıktır.

Rönesans kentleşmesi, kentsel mekanın yakınlığını ve izolasyonunu değil, aksine onun şehir dışına dağılımını ifade eder. "Doğanın fatihi" nin agresif saldırı duygusu, Francesco di Giorgio Martini'nin projelerinde gösteriliyor. Yu M. Lotman, incelemelerinin özelliği olan bu uzamsal dürtü hakkında yazdı. Çoğu durumda Martini kaleleri, güçlü bir şekilde dışa doğru uzanan burçlara sahip duvarların köşeleriyle her yönden çıplak bırakılan bir yıldız şekline sahiptir. Bu mimari çözüm, büyük ölçüde güllenin icadına bağlıydı. Uzayın çok ilerisindeki burçlara monte edilen toplar, düşmanlara aktif olarak karşı koymayı, onları çok uzaklardan vurmayı ve ana duvarlara ulaşmalarını engellemeyi mümkün kılıyordu.

Leonardo Bruni, Floransa üzerine övgü dolu eserlerinde, bize gerçek bir şehirden çok somutlaşmış bir sosyokültürel doktrin sunar, çünkü o, kentsel yerleşimi "düzeltmeye" ve binaların konumunu yeni bir şekilde tanımlamaya çalışır. Sonuç olarak, Palazzo Signoria, kentsel gücün bir sembolü olarak, gerçekte olduğundan daha geniş duvar halkaları, surlar vb. bir ortaçağ şehrinin kapalı modelinden ve somutlaştırmaya çalışır Yeni fikir yeni bir çağın bir nevi sembolü olan kentsel genişleme fikri. Floransa yakındaki toprakları ele geçirir ve geniş bölgeleri boyunduruk altına alır.

Böylece, XV. Yüzyılda ideal şehir. dikey kutsallaştırılmış bir projeksiyonda değil, bir kurtuluş alanı olarak değil, rahat bir yaşam ortamı olarak anlaşılan yatay bir sosyo-kültürel mekanda tasarlanır. Bu nedenle ideal şehir, 15. yüzyıl sanatçıları tarafından tasvir edilmiştir. uzak bir hedef olarak değil, insan yaşamının güzel ve uyumlu bir alanı olarak içeriden.

Bununla birlikte, başlangıçta Rönesans şehrinin imajında ​​\u200b\u200bbulunan bazı çelişkilere dikkat etmek gerekir. Bu dönemde, öncelikle "halkın iyiliği için" yaratılan yeni tipte muhteşem ve konforlu konutların ortaya çıkmasına rağmen, şehrin kendisi zaten izin vermeyen taş bir kafes olarak algılanmaya başlıyor. özgür, yaratıcı bir insan kişiliğinin gelişimi. Kent peyzajı, doğayla çelişen bir şey olarak algılanabilir ve bildiğiniz gibi, o dönemin sanatçıları, şairleri ve düşünürleri için estetik hayranlık konusu doğadır (insan ve insan olmayan).

Sosyo-kültürel alanın kentleşmesinin başlangıcı, ilkel, ilkel ve coşkuyla algılanan biçimlerinde bile, zaten bir ontolojik yalnızlık, yeni, "yatay" dünyada terk edilmişlik duygusu uyandırdı. Gelecekte bu ikilik gelişecek, modern zamanların kültürel bilinciyle şiddetli bir çelişkiye dönüşecek ve ütopik kent karşıtı senaryoların ortaya çıkmasına yol açacaktır.

RuNet'teki en geniş bilgi tabanına sahibiz, bu nedenle benzer sorguları her zaman bulabilirsiniz

Bu konu şuna aittir:

kültür bilimi

Kültür teorisi. Sosyo-insani bilgi sisteminde kültür bilimi. Zamanımızın temel kültürel kuramları ve ekolleri. Kültür dinamikleri. Kültür tarihi. Eski uygarlık - beşik Avrupa kültürü. Avrupa Orta Çağ Kültürü. Gerçek problemler modern kültür. Küreselleşen bir dünyada kültürün ulusal yüzleri. Diller ve kültür kodları.

Bu materyal bölümleri içerir:

Toplumun varlığı ve gelişimi için bir koşul olarak kültür

Bağımsız bir bilgi alanı olarak kültür bilimi

Kültürel çalışmaların kavramları, amacı, konusu, görevleri

Kültürel bilginin yapısı

Kültürel araştırma yöntemleri

Kültür anlayışında tarihsel ve mantıksal birlik

Kültür hakkında eski fikirler

Orta Çağ Kültürünü Anlamak

Modern zamanların Avrupa felsefesinde kültürün kavranması

XX yüzyılın kültürel araştırmalarının genel özellikleri.

O. Spengler'in kültürel kavramı

İtalya'da Rönesans sanatı (XIII-XVI yüzyıllar).

KAYNAĞIN MALZEMELERİ http://artclassic.edu.ru SAYFAYI DERLERKEN KULLANDIK

İtalya'da Rönesans sanatının özellikleri.

Rönesans sanatı, 14. yüzyılda ortaya çıkan bir sosyal düşünce akımı olan hümanizm temelinde (Latince humanus - “insan”) ortaya çıktı. İtalya'da ve ardından 15. yüzyılın ikinci yarısında ve 16. yüzyılda. diğer Avrupa ülkelerine yayıldı. Hümanizm, insanın ve onun iyiliğinin en yüksek değerini ilan etti. Bu akımın takipçileri, her insanın yeteneklerini gerçekleştirerek özgürce bir kişi olarak gelişme hakkına sahip olduğuna inanıyorlardı. Hümanizmin fikirleri, ana teması sınırsız manevi ve yaratıcı olanaklara sahip güzel, uyumlu bir şekilde gelişmiş bir insan olan sanatta en eksiksiz ve canlı bir şekilde somutlaştırılmıştı. Hümanistler, kendilerine bir bilgi kaynağı ve bir sanatsal yaratıcılık modeli olarak hizmet eden antik çağlardan ilham aldılar. İtalya'nın sürekli kendini hatırlatan büyük geçmişi, o zamanlar en yüksek mükemmellik olarak algılanırken, Orta Çağ sanatı beceriksiz ve barbarca görünüyordu. 16. yüzyılda ortaya çıkan "canlanma" terimi, klasik antik kültürü canlandıran yeni bir sanatın doğuşu anlamına geliyordu. Bununla birlikte, Rönesans sanatı, Orta Çağ'ın sanatsal geleneğine çok şey borçludur. Eski ve yeni ayrılmaz bir şekilde birbirine bağlı ve karşı karşıya geliyordu. Kökenlerinin tüm çelişkili çeşitliliğine rağmen, Rönesans sanatına derin ve temel bir yenilik damgasını vurmuştur. Modern zamanların Avrupa kültürünün temellerini attı. Tüm büyük sanat formları - resim ve grafik, heykel, mimari - muazzam bir şekilde değişti.
Mimaride, antik çağın yaratıcı bir şekilde elden geçirilmiş ilkeleri sipariş sistemi , yeni tip kamu binaları ortaya çıktı. Resim, doğrusal ve havadan bir perspektif, anatomi bilgisi ve insan vücudunun oranları ile zenginleştirildi. Dünyevi içerik, sanat eserlerinin geleneksel dini temalarına nüfuz etti. Antik mitolojiye, tarihe, gündelik sahnelere, manzaralara, portrelere artan ilgi. Üzerini süsleyen anıtsal duvar resimlerinin yanı sıra mimari yapılar, bir resim belirdi; yağlıboya kökenlidir.
Sanat henüz bir zanaat olmaktan çıkmadı ama o zamanlar faaliyetleri çok çeşitli olan sanatçının yaratıcı bireyselliği zaten ilk sırayı almıştı. Rönesans ustalarının evrensel yeteneği şaşırtıcı - genellikle mimarlık, heykel ve resim alanında aynı anda çalıştılar, edebiyat, şiir ve felsefe tutkularını kesin bilimler çalışmasıyla birleştirdiler. Yaratıcı açıdan zengin veya "Rönesans" kişiliği kavramı daha sonra her yerde kullanılan bir kelime haline geldi.
Rönesans sanatında dünyayı ve insanı bilimsel ve sanatsal idrak yolları iç içe geçmiştir. Bilişsel anlamı, yüce şiirsel güzellikle ayrılmaz bir şekilde bağlantılıydı; doğallık arayışında, günlük yaşamın önemsizliğine inmedi. Sanat, evrensel bir manevi ihtiyaç haline geldi.
İtalya'da Rönesans kültürünün oluşumu ekonomik olarak bağımsız şehirlerde gerçekleşti. Rönesans sanatının yükselişinde ve gelişmesinde, Kilise ve taçsız hükümdarların muhteşem mahkemeleri - resim, heykel ve mimari eserlerinin en büyük patronları ve müşterileri olan yönetici zengin aileler önemli bir rol oynadı. Rönesans kültürünün ana merkezleri önce Floransa, Siena, Pisa, ardından Padua, Ferrara, Cenova, Milano ve daha sonra 15. yüzyılın ikinci yarısında zengin tüccar Venedik şehirleriydi. 16. yüzyılda. Roma, İtalyan Rönesansının başkenti oldu. O zamandan beri Venedik dışındaki diğer tüm kültür merkezleri eski önemini yitirmiştir.
İtalyan Rönesansı döneminde, birkaç dönemi ayırt etmek gelenekseldir:

Proto-Rönesans (XIII-XIV yüzyılların ikinci yarısı),

Erken Rönesans (XV. yüzyıl),

Yüksek Rönesans (15. yüzyılın sonları - 16. yüzyılın ilk üçte biri)

Geç Rönesans (16. yüzyılın son üçte ikisi).

Proto-Rönesans

XIII-XIV yüzyılların İtalyan kültüründe. Hâlâ güçlü olan Bizans ve Gotik geleneklerinin zemininde, daha sonra Rönesans sanatı olarak adlandırılacak olan yeni bir sanatın özellikleri ortaya çıkmaya başladı. Bu nedenle, tarihinin bu dönemine çağrıldı. Proto-Rönesans(Yunanca "protos" - "ilk", yani Rönesans'ın başlangıcını hazırladı). Hiçbir Avrupa ülkesinde buna benzer bir geçiş dönemi yaşanmadı. İtalya'da proto-Rönesans sanatı yalnızca Toskana ve Roma'da ortaya çıktı ve gelişti.
İtalyan kültüründe eski ve yeninin özellikleri iç içe geçmiştir. Orta Çağ'ın son şairi ve yeni çağın ilk şairi Dante Alighieri (1265-1321), İtalyan edebi dilini yaratmıştır. Dante'nin başlattığı şey, 14. yüzyılın diğer büyük Floransalıları tarafından devam ettirildi - Avrupa lirik şiirinin kurucusu Francesco Petrarch (1304-1374) ve dünyada roman (öykü) türünün kurucusu Giovanni Boccaccio (1313-1375). edebiyat. Dönemin gururu mimarlar ve heykeltraşlar Niccolo ve Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio ve ressamdır. Giotto di Bondone .
Mimari
İtalyan mimarisi uzun zamandır izleniyor ortaçağ gelenekleri, esas olarak çok sayıda Gotik motifin kullanımıyla ifade edildi. Aynı zamanda, İtalyan Gotiği, Kuzey Avrupa'nın Gotik mimarisinden çok farklıydı: sakinliğe yöneldi. büyük formlar, hatta hafif, yatay bölmeler, geniş duvar yüzeyleri. 1296'da Floransa'da inşaat başladı Santa Maria del Fiore Katedrali. Arnolfo di Cambio, katedralin sunağını devasa bir kubbe ile taçlandırmak istedi. Ancak 1310'da mimarın ölümünden sonra inşaat gecikti, zaten o dönemde tamamlandı. Erken Rönesans. 1334 yılında, Giotto'nun tasarımına göre, çan kulesi adı verilen katedralin çan kulesinin inşasına başlandı - katlara göre yatay bölmelere sahip ince dikdörtgen bir kule ve neşter kemerli şekli zarif Gotik pencereler İtalyan mimarisinde uzun süre korunmuştur.
En ünlü şehir sarayları arasında Floransa'daki Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) yer alır. Arnolfo di Cambio tarafından yaptırıldığı sanılıyor. Sert taş rustik kaplama ile kaplı yüksek kuleli ağır bir küptür. Üç katlı cephe, tüm binaya ölçülü bir kemer sıkma izlenimi veren yarım daire biçimli kemerlerle yazılmış çift pencerelerle dekore edilmiştir. Bina, meydanı sert bir kütle ile işgal ederek eski şehir merkezinin görünümünü tanımlar.
Heykel
Mimari ve resimden daha önce, sanatsal arayışlar heykelde ve her şeyden önce kurucusu Niccolò Pisano olan (1220 dolaylarında - 1278 ile 1284 arasında) Pisan okulunda ana hatları çizildi. Niccolo Pisano, İtalya'nın güneyindeki Apulia'da doğdu. Antik çağın klasik geleneklerini yeniden canlandırma ruhunun yeşerdiği güney okullarında heykel eğitimi aldığına inanılıyor. Hiç şüphesiz Niccolo, geç Roma ve erken Hıristiyan lahitlerinin heykelsi dekorasyonunu inceledi. Bugünün en erken ünlü eserler heykeltraş - altıgen mermer minber, Pisa'daki vaftizhane için yaptığı (1260), - Rönesans heykelinin seçkin bir eseri oldu ve daha da gelişmesi üzerinde büyük etkisi oldu. Heykeltıraşın ana başarısı, formlara hacim ve ifade vermeyi başarması ve her görüntünün bedensel güce sahip olmasıdır.
Niccolò Pisano'nun atölyesinden, Proto-Rönesans'ın olağanüstü heykel ustaları - oğlu Giovanni Pisano ve mimar olarak da bilinen Arnolfo di Cambio geldi. Arnolfo di Cambio (yaklaşık 1245 - 1310'dan sonra) yaşam gözlemlerini kullandığı anıtsal heykellere yöneldi. Babası ve oğlu Pisano ile birlikte yaptığı en iyi işlerden biri - Piazza Perugia'daki Çeşme(1278). Çok sayıda heykel ve kabartma ile süslenmiş Fonte Maggiore, şehrin gururu haline gelmiştir. Ondan hayvanlar içmek, şarap fıçılarında ve yıkanmamış bulaşıklarda su içmek yasaktı. Şehir müzesi, çeşme için Arnolfo di Cambio tarafından yapılmış uzanmış figürlerin parçalarını korumuştur. Heykeltıraş, bu figürlerde insan vücudunun hareketlerinin tüm zenginliğini aktarmayı başardı.
Tablo
İtalyan Rönesans sanatında duvar resmi baskın bir yer tutuyordu. Fresk tekniğinde yapılmıştır. Su üzerinde hazırlanan boyalarla ya ıslak sıva üzerine (aslında bir fresk) ya da kuru üzerine yazdılar - bu tekniğe "seko" (İtalyanca'dan çevrilmiş - "kuru") denir. Sıvanın ana bağlayıcısı kireçtir. Çünkü kirecin kuruması biraz zaman alır, fresk resminin hızlı bir şekilde, genellikle aralarında bağlantı dikişlerinin olduğu kısımlarda yapılması gerekiyordu. XV yüzyılın ikinci yarısından itibaren. fresk tekniği bir secco resmiyle desteklenmeye başlandı; ikincisi daha yavaş çalışmaya izin verdi ve parçaların bitirilmesine izin verdi. Duvar resimleri üzerindeki çalışmalardan önce, ilk sıva tabakasında fresk altında uygulanan sinopya - yardımcı çizimler yapıldı. Bu çizimler, Karadeniz kıyısında bulunan Sinop şehri yakınlarında kilden çıkarılan kırmızı aşı boyası ile yapılmıştır. Şehrin adına göre boya Sinop veya sinopya olarak adlandırıldı, daha sonra çizimlerin kendileri de aynı şekilde anılmaya başlandı. Sinopya, 13. yüzyıldan 15. yüzyılın ortalarına kadar İtalyan resminde kullanılmıştır. Ancak, tüm ressamlar sinopinin yardımına başvurmadı - örneğin, Giotto di Bondone Proto-Rönesans döneminin en önemli temsilcisi onlarsız yaptı. Yavaş yavaş, sinopi terk edildi. XV yüzyılın ortalarından itibaren. Kartonlar, ileride yapılacak işlerin boyutunda kağıt veya kumaş üzerine yapılan resim - hazırlık çizimlerinde yaygın olarak kullanılıyordu. Çizimin konturları, kömür tozu yardımıyla ıslak sıvaya aktarıldı. Konturda açılan deliklerden üflendi ve keskin bir aletle sıvaya bastırıldı. Bazen bir eskiz taslağından özet, bitmiş bir anıtsal çizime dönüştü ve kartonlar, bağımsız resim çalışmalarının değerini kazandı.

Yeni İtalyan resim stilinin kurucusu Cimabue'dur (aslında Cenny di Pepo, c. 1240 - c. 1302). Cimabue, Floransa'da ciddi sunak resimleri ve ikonaları ustası olarak ünlüydü. Görüntüleri, soyutlama ve statik karakter ile karakterize edilir. Ve Cimabue, eserlerinde Bizans geleneklerini takip etmesine rağmen, eserlerinde dünyevi duyguları ifade etmeye, Bizans kanonunun katılığını yumuşatmaya çalıştı.
Piero Cavallini (1240 ile 1250 arasında - 1330 civarında) Roma'da yaşadı ve çalıştı. Trastevere'deki Santa Maria Kilisesi mozaiklerinin (1291) ve Trastevere'deki Santa Cecilia Kilisesi'nin fresklerinin (yaklaşık 1293) yazarıdır. Cavallini, eserlerinde biçimlere hacim ve somutluk kazandırmıştır.
Başarılar Cavallini benimsedi ve devam etti Giotto di Bondone(1266 veya 1267 - 1337), Proto-Rönesans'ın en büyük sanatçısı. Giotto'nun adı, İtalyan resminin gelişimindeki bir dönüş, ortaçağ sanatsal kanonlarından kopması ve 13. yüzyıl İtalyan-Bizans sanatının gelenekleriyle ilişkilendirilir. En ünlü eserler Giotto - Padua'daki Arena Şapeli'ndeki freskler (1304-06). Freskler, netlikleri, karmaşık olmayan anlatımları, tasvir edilen sahnelere canlılık ve doğallık veren günlük detayların varlığı ile ayırt edilir. O zamanın sanatına hakim olan kilise kanonunu reddeden Giotto, karakterlerini gerçek insanlara benzer şekilde tasvir ediyor: orantılı, çömelmiş vücutlar, yuvarlak (uzun değil) yüzler, doğru kesilmiş gözler vb. Azizleri yerin üzerinde uçmaz, iki ayağıyla sağlam bir şekilde üzerinde durur. Cennetten çok dünyevi olanı düşünürler, tamamen insani duygu ve duyguları deneyimlerler. İtalyan resim tarihinde ilk kez bir tablonun kahramanlarının ruh halleri yüz ifadeleri, jestler, duruşlarla aktarılıyor. Giotto'nun freskleri, geleneksel altın zemin yerine, bazilikaların cephelerinde manzaraları, iç mekanları veya heykelsi grupları tasvir ediyor.
XIV yüzyılın ikinci yarısında. pitoresk Siena okulu ön plana çıkıyor. XIV.Yüzyılın Siena resminin en büyük ve en rafine ustası. Simone Martini'ydi (c. 1284-1344). Simone Martini'nin fırçası, beton sanat tarihindeki ilk görüntünün sahibidir. tarihi olayçağdaş bir portre ile. Bu görüntü " Condottiere Guidoriccio da Fogliano"Geleceğin çok sayıda binicilik portresinin prototipi olan Palazzo Publico'daki (Siena) Mappamondo (Dünya Haritaları) odasında. Şu anda Floransa'daki Uffizi Galerisi'nde saklanan Simone Martini'nin altar panosu The Müjde hak ettiği bir üne sahiptir.

Rönesans'ın özellikleri. Proto-Rönesans

Rönesans'ın özellikleri

Erken Rönesans

XV.Yüzyılda. İtalya sanatı, Avrupa'nın sanat yaşamında baskın bir konuma sahipti. Siena ve Pisa'yı geri plana iten hümanist seküler (yani dini olmayan) bir kültürün temelleri Floransa'da atıldı. Buradaki siyasi güç tüccarlara ve zanaatkarlara aitti, şehir işleri üzerindeki en güçlü etki, sürekli birbirleriyle rekabet eden birkaç varlıklı aile tarafından uygulandı. Bu mücadele 14. yüzyılın sonunda sona erdi. Medici bankacılık evinin zaferi. Başkanı Cosimo de' Medici, Floransa'nın sözsüz hükümdarı oldu. Yazarlar, şairler, bilim adamları, mimarlar, sanatçılar Cosimo Medici'nin sarayına akın etti. Floransa'nın Rönesans kültürü, Muhteşem lakaplı Lorenzo de' Medici döneminde zirveye ulaştı. Lorenzo, İtalya'nın seçkin beyinlerinin, şairlerin ve filozofların bir araya geldiği, ruhu ve zihni yükselten incelikli tartışmaların yapıldığı Platonik Akademisi'nin yaratıcısı, sanat ve bilimlerin büyük bir koruyucusuydu.

Mimari

Cosimo ve Lorenzo Medici yönetiminde, Floransa mimarisinde gerçek bir devrim gerçekleşti: burada şehrin çehresini önemli ölçüde değiştiren kapsamlı inşaat başlatıldı. İtalya'daki Rönesans mimarisinin atası Filippo Brunelleschi(1377-1446) - bilimsel perspektif teorisinin yaratıcılarından biri olan mimar, heykeltıraş ve bilim adamı. Brunelleschi'nin en büyük mühendislik başarısı kubbenin inşasıydı. Santa Maria del Fiore Katedrali Floransa'da. Matematiksel ve teknik dehası sayesinde Brunelleschi, zamanının en zor problemini çözmeyi başardı. Ustanın karşılaştığı ana zorluk, yayılmayı kolaylaştırmak için özel çaba gerektiren devasa orta haç açıklığından (42 m) kaynaklanıyordu. Brunelleschi, ustaca bir tasarım uygulayarak sorunu çözdü: iki kabuktan oluşan hafif içi boş bir kubbe, onları çevreleyen halkalarla birbirine bağlanan sekiz taşıyıcı nervürden oluşan bir çerçeve sistemi, kemeri kapatan ve yükleyen bir ışık feneri. Santa Maria del Fiore Katedrali'nin kubbesi, İtalya ve diğer Avrupa ülkelerindeki çok sayıda kubbeli kilisenin öncüsü oldu.

Brunelleschi, İtalya mimarisinde eski düzen sistemini yaratıcı bir şekilde kavrayan ve orijinal olarak yorumlayan ilk kişilerden biriydi ( Ospedale degli Innocenti (Kuruluşlar için barınak), 1421-44), eski düzene dayalı kubbeli kiliselerin yaratılmasının başlangıcı oldu ( San Lorenzo Kilisesi ). Erken Rönesans'ın gerçek bir mücevheri, varlıklı bir Floransalı aile tarafından görevlendirilen Brunelleschi tarafından yaratıldı. Pazzi Şapeli(1429'da başladı). Brunelleschi'nin yapıtlarının hümanizmi ve şiirselliği, binalarının Gotik geleneklerle bağını koruyan ahenkli oranı, hafifliği ve zarafeti, fikirlerinin yaratıcı özgürlüğü ve bilimsel geçerliliği, Brunelleschi'nin Rönesans mimarisinin sonraki gelişimi üzerindeki büyük etkisini belirledi.

15. yüzyıl İtalyan mimarisinin ana başarılarından biri. daha sonra kamu binaları için bir model görevi gören yeni bir şehir sarayı türü olan palazzo'nun yaratılmasıydı. 15. yüzyıl sarayının özellikleri binanın kapalı hacminin üç kata net bir şekilde bölünmesi, yazlık kat revakları olan açık bir avlu, cephe kaplaması için pas (kabaca eğimli veya dışbükey bir ön yüzeye sahip taş) kullanımı ve ayrıca güçlü bir şekilde uzatılmış dekoratif korniş . Bu tarzın çarpıcı bir örneği, Brunelleschi'nin öğrencisi Medici ailesinin saray mimarı Michelozzo di Bartolommeo'nun (1396-1472) sütun başlığıdır - Palazzo Medici - Riccardi (1444-60), birçok Floransa sarayının inşası için bir model görevi gördü. Michelozzo'nun yaratılması yakındır Palazzo Strozzi(1481'de kuruldu), mimar ve heykeltıraş Benedetto da Maiano'nun (1442-97) adıyla ilişkilendirilir.

İtalyan mimarlık tarihinde özel bir yer kaplar. Leon Battista Alberti(1404-72). Kapsamlı bir şekilde yetenekli ve geniş çapta eğitim almış bir adam, zamanının en parlak hümanistlerinden biriydi. İlgi alanları alışılmadık derecede çeşitliydi. Ahlak ve hukuk, matematik, mekanik, ekonomi, felsefe, şiir, müzik, resim, heykel, mimariyi kapsıyordu. Parlak bir stilist olan Alberti, Latince ve İtalyanca çok sayıda eser bıraktı. Alberti, İtalya'da ve yurtdışında seçkin bir sanat teorisyeni olarak ün kazandı. "Mimarlık Üzerine On Kitap" (1449-52), "Resim Üzerine", "Heykel Üzerine" (1435-36) gibi ünlü risaleler onun kalemine aittir. Ancak mimarlık, Alberti'nin ana mesleğiydi. Alberti, mimari çalışmalarda eski sanatsal mirası yenilikçi bir şekilde kullanarak cesur, deneysel çözümlere yöneldi. Alberti yeni bir tür şehir sarayı yarattı ( Palazzo Rucellai ). Dini mimaride, ihtişam ve sadelik için çabalayan Alberti, cephelerin tasarımında Roma zafer kemerleri ve pasajlarının motiflerini kullandı ( Sant'Andrea Kilisesi Mantua'da, 1472-94). Alberti adı, haklı olarak İtalyan Rönesans kültürünün büyük yaratıcıları arasında ilklerden biri olarak kabul edilir.

Heykel

XV.Yüzyılda. Mimariden bağımsız bağımsız bir önem kazanan İtalyan heykeli gelişiyor. Kamu binalarının dekorasyon siparişleri sanat hayatının pratiğine girmeye başlıyor; resim yarışmaları düzenlenmektedir. Bu yarışmalardan biri - Floransa vaftizhanesinin ikinci kuzey kapılarının bronz üretimi için (1401) - İtalyan Rönesans heykel tarihinde yeni bir sayfa açan önemli bir olay olarak kabul ediliyor. Zafer Lorenzo Ghiberti (1381-1455) tarafından kazanıldı.

Zamanının en eğitimli insanlarından biri, İtalyan sanatının ilk tarihçisi, parlak bir ressam olan Ghiberti, hayatını bir tür heykele - kabartmaya adadı. Ghiberti sanatının ana prensibi, görüntünün tüm unsurlarının dengesini ve uyumunu düşündü. Ghiberti'nin çalışmalarının zirvesi, floransa vaftizhanesinin doğu kapıları (1425-52), ustanın adını ölümsüzleştiren. Kapıların dekorasyonu, yaldızlı bronzdan (" Adem ve Havva'nın Yaratılışı”), alışılmadık ifadeleriyle pitoresk tabloları anımsatıyor. Sanatçı, doğa resimleri, insan figürleri, mimari yapılarla dolu mekanın derinliğini aktarmayı başardı. Michelangelo'nun hafif eli ile Floransa vaftizhanesinin doğu kapıları çağrılmaya başlandı. "Cennetin Kapıları".

Ghiberti atölyesi, tüm nesil sanatçılar için bir okul haline geldi, özellikle İtalyan heykelinin büyük reformcusu olan ünlü Donatello burada çalıştı. 14. yüzyılda Floransa kültürünün demokratik geleneklerini özümseyen Donatello'nun (c. 1386-1466) eseri, Erken Rönesans sanatının gelişimindeki zirvelerden biridir. Rönesans sanatının özelliği olan gerçekliği tasvir etmenin yeni, gerçekçi yollarını aramayı somutlaştırdı. yakın ilgi insana ve onun manevi dünyasına. Donatello'nun çalışmalarının İtalyan Rönesans sanatının gelişimi üzerindeki etkisi çok büyüktü.

İkinci nesil Floransalı heykeltıraşlar daha lirik, barışçıl, dünyevi sanata yöneldiler. İçinde başrol, heykeltıraşlar della Robbia ailesine aitti. Ailenin reisi Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482), sır tekniğini yuvarlak heykel ve rölyeflerde kullanmasıyla ünlendi. Antik çağlardan Küçük Asya halkları tarafından bilinen sır tekniği (majolica), Orta Çağ'da İber Yarımadası'na ve Mayorka adasına (adı buradan gelmektedir) getirilmiş ve ardından İtalya'da geniş çapta yayılmıştır. Lucca della Robbia, binalar ve sunaklar, çiçek ve meyve çelenkleri, Madonna, İsa ve azizlerin majolika büstleri için masmavi zemin üzerine kabartmalı madalyonlar yarattı. Bu ustanın neşeli, zarif, nazik sanatı, çağdaşları tarafından hak edilmiş bir takdir gördü. Mayolika tekniğinde büyük mükemmellik, yeğeni Andrea della Robbia (1435-1525) tarafından da sağlandı ( Ospedale degli Innocenti'nin cephesindeki kabartmalar).

Tablo

Brunelleschi'nin Erken Rönesans mimarisinde ve Donatello'nun heykelde oynadığı büyük rol, resimde Masaccio'ya (1401-1428) aitti. Masaccio, 27 yaşına gelmeden genç yaşta öldü ve yine de resim alanında çok şey yapmayı başardı. Ünlü sanat tarihçisi Vipper şöyle dedi: "Masaccio, Avrupa resim tarihindeki en bağımsız ve tutarlı dahilerden biri, yeni bir gerçekçiliğin kurucusu ..." Giotto'yu aramaya devam eden Masaccio, ortaçağ sanatsal geleneklerinden cesurca kopuyor. İçinde fresk "Üçlü"(1426-27) Floransa'daki Santa Maria Novella kilisesi için yaratılan Masaccio, duvar resminde ilk kez tam perspektif kullanır. Masaccio, Floransa'daki Santa Maria del Carmine Kilisesi'nin (1425-28) Brancacci Şapeli'nin duvar resimlerinde - kısa yaşamının ana eseri - görüntülere eşi görülmemiş bir canlılık verir, karakterlerinin fizikselliğini ve anıtsallığını vurgular, ustalıkla aktarır. görüntülerin psikolojik derinliğinin duygusal durumu. İçinde Fresk "Cennetten Kovulma" sanatçı, çıplak bir insan figürünü tasvir etmek için zamanının en zor görevini çözer. Masaccio'nun sert ve cesur sanatı, Rönesans'ın sanat kültürü üzerinde büyük bir etkiye sahipti.

Erken Rönesans resminin gelişimi belirsizdi: sanatçılar bazen farklı şekillerde kendi yollarına gittiler. Laik başlangıç, büyüleyici bir anlatı arzusu, lirik dünyevi duygu, Karmelit tarikatından bir keşiş olan Fra Filippo Lippi'nin (1406-69) eserlerinde canlı ifadesini buldu. Büyüleyici usta, birçok kitabın yazarı sunak kompozisyonları, aralarında resmin en iyisi olduğu kabul edilir « Çocuğun Hayranlığı » şapel için oluşturulan Palazzo Medici - Riccardi, Filippo Lippi içlerinde insan sıcaklığını ve doğaya olan şiirsel sevgiyi aktarmayı başardı.

XV yüzyılın ortalarında. Orta İtalya tablosu hızla çiçek açtı, en iyi örnek hangi yaratıcılık hizmet edebilir Piero della Francesca(1420-92), Rönesans'ın en büyük sanatçısı ve sanat teorisyeni. Piero della Francesca'nın en dikkat çekici eseri - Arezzo'daki San Francesco kilisesindeki fresk döngüsü, Hayat Veren Haç Ağacı efsanesine dayanmaktadır. Üç katman halinde düzenlenmiş freskler, Adem'in mezarındaki iyilik ve kötülüğü bilme cennet ağacının tohumundan kutsal bir ağacın büyüdüğü en başından itibaren hayat veren haç tarihini izler. ("Adem'in Ölümü") sonuna kadar, Bizans imparatoru Herakleios, Hıristiyan kalıntısını ciddiyetle Kudüs'e iade ettiğinde (« Heraclius ve Chosroes arasındaki savaş » ). Piero della Francesca'nın çalışmaları, yerel resim okullarının ötesine geçti ve genel olarak İtalyan sanatının gelişimini belirledi.

15. yüzyılın ikinci yarısında, birçok yetenekli zanaatkar kuzey İtalya'da Verona, Ferrara ve Venedik şehirlerinde çalıştı. Bu zamanın ressamları arasında en ünlüsü şövale ve anıtsal resim ustası, ressam ve oymacı, heykeltıraş ve mimar olan Andrea Mantegna'dır (1431-1506). Sanatçının resimsel tarzı, formların ve çizimlerin peşinde koşması, genelleştirilmiş görüntülerin titizliği ve doğruluğu ile ayırt edilir. Mantegna, figürlerin uzamsal derinliği ve heykelsi doğası sayesinde bir an için donmuş gerçek bir sahne izlenimi veriyor - karakterleri çok hacimli ve doğal görünüyor. Mantegna hayatının büyük bir bölümünü Mantua'da geçirdi ve burada en ünlü eserini yarattı - duvar resmi "Chamber degli Sposi" Marquis L. Gonzaga'nın kır kalesinde. Tek başına resim yaparak, burada tören resepsiyonları ve tatiller için bir yer olan lüks bir Rönesans iç mekanı yarattı. Büyük ün kazanan Mantegna sanatı, tüm kuzey İtalya resmini etkiledi.

Erken Rönesans resminde özel bir yer Sandro Boticelli(aslında Alessandro di Mariano Filipepi), 1445'te Floransa'da zengin bir deri tabaklayıcı ailesinde doğdu. 1459-64'te. genç adam ünlü Floransalı usta Filippo Lippi ile resim eğitimi alıyor. 1470'te Floransa'da kendi atölyesini açtı ve 1472'de St. Luke Loncası'na üye oldu.

Botticelli'nin ilk yaratımı, Floransa ticaret mahkemesi için seslendirdiği "Strength" bestesiydi. Genç sanatçı, kısa sürede müşterilerin güvenini kazandı ve şöhret kazandı, bu da Floransa'nın yeni hükümdarı Muhteşem Lorenzo'nun dikkatini çekerek mahkeme efendisi ve favorisi oldu. Botticelli, resimlerinin çoğunu dükün ve diğer soylu Floransalı ailelerin evlerinin yanı sıra Floransa'daki kiliseler, manastırlar ve kamu binaları için yaptı.

1470'lerin ve 1480'lerin ikinci yarısı Botticelli için yaratıcı bir çiçeklenme dönemi oldu. Santa Maria Novella kilisesinin ana cephesi için " kompozisyonu yazıyor. magi'nin hayranlığı"- bir tür mitolojikleştirilmiş grup portresi Medici ailesi. Birkaç yıl sonra, sanatçı ünlü mitolojik alegorisi "Bahar" ı yaratır.

1481'de Papa Sixtus IV, aralarında Botticelli'nin de bulunduğu bir grup ressama, daha sonra "Sistine" adını alacak olan şapelini fresklerle süslemelerini emretti. Botticelli tarafından Sistine Şapeli'ndeki freskler İsa'nın günaha », « Musa'nın hayatından sahneler », « Kore, Dathan ve Aviron'un Cezası". Önümüzdeki birkaç yıl içinde Botticelli, Boccaccio'nun Decameron'undaki kısa öykülere dayanan 4 fresk serisini tamamladı, en ünlü mitolojik eserlerini yarattı (“Venüs'ün Doğuşu”, “ Pallas ve Centaur”) ve ayrıca Floransa kiliseleri için çeşitli sunak kompozisyonları (“ Meryem Ana'nın taç giyme töreni », « San Barnaba Sunağı"). Çoğu zaman Madonna'nın imajına döndü (" Madonna del Magnificat », « Narlı Madonna », « Bir kitapla Madonna”), portre türünde de çalıştı (“ Giuliano Medici'nin Portresi”, “Genç bir kadının portresi”, “Genç bir adamın portresi”).

1490'larda Floransa'yı sarsan toplumsal hareketler ve keşiş Savonarola'nın mistik vaazları döneminde Botticelli'nin sanatında ("İftira", "İftira", "İftira", "Keşiş Savonarola"nın mistik vaazları) moral verici notlar ve drama yer alır. Mesih için ağıt », « mistik noel"). Sanatçı, Savonarola'nın etkisi altında, dini bir yüceltme anında bazı eserlerini bile yok etti. 1490'ların ortalarında, Muhteşem Lorenzo'nun ölümü ve oğlu Pietro'nun Floransa'dan kovulmasıyla Botticelli, büyük bir sanatçı olarak ününü kaybetti. Unutulmuş, hayatını kardeş Simon'ın evinde sessizce yaşıyor. 1510'da sanatçı öldü.

Botticelli'nin stilizasyon unsurlarıyla (yani, geleneksel teknikler kullanılarak görüntülerin genelleştirilmesi - rengin, şeklin ve hacmin basitleştirilmesi) zarif sanatı, resmin gelişiminin zirvelerinden biri olarak kabul edilir. Botticelli'nin sanatı, erken dönem Rönesans ustalarının çoğunun aksine, kişisel deneyime dayanıyordu. Son derece duyarlı ve samimi olan Botticelli, gençliğinde dünyanın şiirsel algısından yetişkinliğinde mistisizme ve dini yüceltmeye kadar zor ve trajik bir yaratıcı arayış yolundan geçti.

ERKEN CANLANMA

ERKEN CANLANMA

Yüksek Rönesans

İnsanlığa büyük ustalar veren Yüksek Rönesans, Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian, Bramante, nispeten kısa bir süreyi kapsar - 15. yüzyılın sonu ve 16. yüzyılın ilk üçte biri. Sadece Venedik'te sanatın gelişmesi yüzyılın ortalarına kadar devam etti.

Dünya tarihindeki belirleyici olaylarla ilgili temel değişimler, ileri bilimsel düşüncenin başarıları, insanların dünya hakkındaki fikirlerini - sadece dünya hakkında değil, aynı zamanda uzay hakkında da - sonsuz bir şekilde genişletti. Dünya ve insan kişiliği algısı genişlemiş görünüyordu; sanatsal yaratıcılıkta bu, yalnızca mimari yapıların, anıtların, ciddi fresk döngülerinin ve resimlerin görkemli ölçeğine değil, aynı zamanda içeriklerine, görüntülerin ifadesine de yansıdı. Yüksek Rönesans sanatı, göz kamaştırıcı derecede parlak yükselişler ve müteakip krizlerle canlı ve karmaşık bir sanatsal süreçtir.

Donato Bramante.

Roma, önceki keşifler ve başarılar temelinde tek bir klasik tarzın oluşturulduğu Yüksek Rönesans mimarisinin merkezi haline geldi. Ustalar, görkemli anıtsallığı çağla uyumlu olan yapılar yaratarak eski düzen sistemini yaratıcı bir şekilde kullandılar. Donato Bramante (1444-1514), Yüksek Rönesans mimarisinin en büyük temsilcisi oldu. Bramante'nin binaları, anıtsallık ve ihtişam, oranların uyumlu mükemmelliği, kompozisyon ve mekansal çözümlerin bütünlüğü ve netliği ve klasik formların özgür, yaratıcı kullanımı ile ayırt edilir. Bramante'nin en yüksek yaratıcı başarısı, Vatikan'ın yeniden inşasıdır (mimar aslında organik olarak dağınık eski binaları da içeren yeni bir bina yaratmıştır). Bramante ayrıca Roma'daki Aziz Petrus Katedrali'nin tasarımını da yazmıştır. Bramante, çalışmaları ile 16. yüzyılda mimarinin gelişimini belirledi.

Leonardo da Vinci.

İnsanlık tarihinde, Yüksek Rönesans sanatının kurucusu kadar parlak başka bir kişi bulmak kolay değildir. Leonardo da Vinci(1452-1519). Bu büyük sanatçının, heykeltıraşın, mimarın, bilim adamının ve mühendisin faaliyetlerinin kapsamlı doğası, ancak onun mirasından dağılmış, bilimsel ve mimari projeler, icatlar ve eskizler içeren yedi binden fazla sayfadan oluşan el yazmaları incelendiğinde ortaya çıktı. Dehasının dokunmadığı bilgi alanını adlandırmak zor. Leonardo'nun evrenselliği o kadar anlaşılmaz ki, Rönesans figürlerinin ünlü biyografi yazarı Giorgio Vasari, bu fenomeni cennetin müdahalesinden başka türlü açıklayamadı: "Bu adam neye yönelirse yönelsin, her eylemi kutsallığın damgasını taşıyor."

Ünlü "Resim Üzerine İnceleme" (1498) ve diğer notlarında Leonardo, insan vücudunun incelenmesine, anatomi bilgilerine, orantılara, hareketler arasındaki ilişkiye, yüz ifadelerine ve bir kişinin duygusal durumuna büyük önem verdi. Leonardo ayrıca ışık-gölge, hacimsel modelleme, doğrusal ve hava perspektifi problemleriyle de meşguldü. Leonardo, yalnızca sanat teorisine saygı göstermedi. Bir dizi muhteşem sunak ve portre yarattı. Leonardo'nun fırçası, dünya resminin en ünlü eserlerinden biri olan Mona Lisa'ya ("La Gioconda") aittir. Leonardo, anıtsal heykel görüntüleri yarattı, mimari yapılar tasarladı ve inşa etti. Leonardo, bugüne kadar Rönesans'ın en karizmatik kişiliklerinden biri olmaya devam ediyor. Ona çok sayıda kitap ayrılmıştır, hayatı en ayrıntılı şekilde incelenir. Ve yine de, çalışmalarının çoğu bir sır olarak kalıyor ve insanların zihinlerini heyecanlandırmaya devam ediyor.

Rafael Santi.

Raphael Santi'nin (1483-1520) sanatı da İtalyan Rönesansının zirvelerine aittir. Yüce güzellik ve uyum fikri, dünya sanat tarihinde Raphael'in çalışmalarıyla ilişkilendirilir. Yüksek Rönesans'ın parlak ustalarının takımyıldızında, uyumun ana taşıyıcısı olan Raphael'in olduğu genel olarak kabul edilir. Parlak, mükemmel bir başlangıç ​​için amansız çaba, Raphael'in tüm çalışmalarına nüfuz eder, onun içsel anlamını oluşturur. Çalışmaları, doğal zarafetiyle olağanüstü derecede çekici (" Sistine Madonna"). Belki de bu yüzden usta halk arasında olağanüstü bir popülerlik kazandı ve sanatçılar arasında her zaman çok sayıda takipçisi oldu. Raphael sadece harika bir ressam, portre ressamı değil, aynı zamanda fresk tekniğinde çalışan bir muralist, mimar ve dekoratördü. Tüm bu yetenekler, Papa II. Julius'un Vatikan'daki ("Atina Okulu") dairelerinin resimlerinde özel bir güçle kendini gösterdi. Parlak bir sanatçının sanatında, bir Rönesans adamının yeni bir imajı doğdu - güzel, uyumlu, fiziksel ve ruhsal olarak mükemmel.

Michelangelo Buonarotti.

Modern Leonardo da Vinci ve Rafael onların ezeli rakibiydi - Michelangelo Buonarroti , en büyük usta Yüksek Rönesans - heykeltıraş, ressam, mimar ve şair. Rönesans'ın bu titanı kariyerine heykelle başladı. Devasa heykelleri, yeni bir adamın - bir kahramanın ve bir dövüşçünün ("David") sembolü haline geldi. Usta, en ünlüsü Floransa'daki Medici Şapeli olan birçok mimari ve heykelsi yapı inşa etti. Bu eserlerin ihtişamı, karakterlerin duygularının muazzam gerilimi üzerine kuruludur ( Giuliano de' Medici'nin Lahdi). Ancak Michelangelo'nun Vatikan'da, Sistine Şapeli'nde parlak bir ressam olduğunu kanıtladığı tabloları özellikle ünlüdür. Belki de ne Michelangelo'dan önce ne de sonra sanat dünyasında hiç kimse beden ve ruh olarak bu kadar güçlü karakterler yaratmamıştır (" Adem'in Yaratılışı"). Tavandaki devasa, inanılmaz derecede karmaşık fresk, sanatçı tarafından asistan olmadan tek başına yapılmıştır; bugüne kadar İtalyan resminin eşsiz bir anıtsal eseri olmaya devam ediyor. Ancak, Sistine Şapeli'nin tavanındaki duvar resimlerine ek olarak, zaten yaşlı olan usta, büyük çağının ideallerinin çöküşünün bir sembolü olan, son derece ilham verici "Son Yargı" yı yarattı.

Michelangelo mimaride çok ve verimli bir şekilde çalıştı, özellikle Aziz Petrus Katedrali ve topluluğun inşasını denetledi. Başkent Meydanı Roma'da. Büyük Michelangelo'nun eseri bütün bir dönemi oluşturdu ve zamanının çok ilerisindeydi, dünya sanatında muazzam bir rol oynadı, özellikle Barok ilkelerinin oluşumunu etkiledi.

Giorgione ve Titian.

Yüksek Rönesans sanat tarihinde Venedik, resmin zirvede olduğu parlak bir sayfaya girdi. Giorgione, Venedik'teki Yüksek Rönesans'ın ilk ustası olarak kabul edilir. Sanatı çok özeldir. İçinde net bir uyum ruhu ve bazı özel samimi tefekkür ve hayaller hüküm sürüyor. Sık sık hoş güzellikler, gerçek tanrıçalar yazdı. Genellikle bu şiirsel bir kurgudur - boş bir rüyanın somutlaşmış hali, romantik bir duyguya ve güzel bir kadına hayranlık. Resimlerinde şehvetli tutku, tatlı zevk, doğaüstü mutluluk ipucu var. Giorgione'nin sanatıyla Venedik resmi, sanatsal özelliklerini öne sürerek tüm İtalyanlara özgü bir önem kazandı.

Titian içindeİtalyan sanat tarihine bir titan ve Venedik okulunun başı olarak altın çağının bir sembolü olarak geçti. Bu sanatçının çalışmasında, yeni bir çağın nefesi özel bir güçle - fırtınalı, trajik, şehvetli - tezahür etti. Titian'ın çalışmaları, resim türlerinin ve türlerinin olağanüstü geniş ve çok yönlü kapsamı ile ayırt edilir. Titian, anıtsal sunak resminin, bağımsız bir tür olarak manzaranın, ciddi törensel olanlar da dahil olmak üzere çeşitli portre türlerinin kurucularından biriydi. Çalışmalarında ideal imgeler canlı karakterlerle, trajik çatışmalar coşkulu neşe sahneleriyle, dini kompozisyonlar mitolojik ve tarihi resimlerle bir arada bulunur.

Titian, 20. yüzyıla kadar dünya güzel sanatlarının daha da gelişmesi üzerinde olağanüstü bir etkiye sahip olan yeni bir resim tekniği geliştirdi. Titian, dünya resminin en büyük renkçilerine aittir. Resimleri altınla ve karmaşık bir titreşen parlak renk tonları yelpazesiyle parlıyor. Neredeyse bir asırdır yaşayan Titian, Rönesans ideallerinin çöküşünden sağ kurtuldu, ustanın eseri dönemin yarısına ait. Geç Rönesans. Düşman güçlere karşı mücadeleye giren kahramanı ölür ama büyüklüğünü korur. Titian'ın büyük atölyesinin etkisi tüm Venedik sanatını etkiledi.

YÜKSEK CANLANMA

YÜKSEK CANLANMA

Geç Rönesans

XVI yüzyılın ikinci yarısında. İtalya'da ekonomi ve ticaretteki gerileme büyüyordu, Katoliklik hümanist kültürle mücadeleye giriyordu, sanat derin bir kriz içindeydi. Davranışçılıkta somutlaşan Rönesans karşıtı eğilimleri güçlendirdi. Bununla birlikte, Maniyerizm, 16. yüzyılın ikinci yarısında Geç Rönesans sanatının ana merkezi haline gelen Venedik'i neredeyse etkilemedi. Yüksek hümanist Rönesans geleneğine uygun olarak, Venedik'teki yeni tarihsel koşullarda, Geç Rönesans'ın büyük ustalarının yeni biçimlerle zenginleştirilmiş çalışmaları gelişti - Palladio, Veronese, Tintoretto.

andrea palladio

Kuzey İtalyan mimar Andrea Palladio'nun (1508-80), antik ve Rönesans mimarisinin derin bir çalışmasına dayanan eseri, Geç Rönesans sanatının zirvelerinden biridir. Palladio, 17-18. Yüzyılların Avrupa klasisizm mimarisinde geliştirilen mimari ilkelerini geliştirdi. ve Palladyanizm adını aldı. Mimar, Four Books on Architecture (1570) teorik çalışmasında fikirlerini özetledi. Palladio'nun binaları (esas olarak kentsel saraylar ve villalar) zarif güzellik ve doğallık, uyumlu bütünlük ve katı düzen ile doludur, planlamanın netliği ve uygunluğu ve çevre ile organik bir bağlantı ile ayırt edilirler ( Palazzo Chiericati). Mimariyi çevredeki manzara ile uyumlu hale getirme yeteneği, zarafet ve aydınlanmış bir doğa duygusuyla dolu ve klasik netlik ve formların ve kompozisyonun basitliği ile işaretlenmiş Palladio villalarında özel bir güçle kendini gösterdi ( Villa Capra (Rotonda)). Palladio, İtalya'daki ilk anıtsal tiyatro binası olan Teatro Olimpico'yu yarattı. Palladio'nun sonraki yüzyıllarda mimarinin gelişimi üzerindeki etkisi çok büyüktü.

Veronese ve Tintoretto..

Venedik Rönesansının şenlikli, yaşamı onaylayan doğası, en açık şekilde Paolo Veronese'nin çalışmasında kendini gösterdi. Anıtsal bir sanatçı olarak, pek çok karakter ve eğlenceli ayrıntılarla muhteşem dekoratif duvar ve tavan resim toplulukları yarattı. Veronese oluşturuldu kendi tarzı: muhteşem, muhteşem resimleri duygu, tutku ve yaşamla doludur ve kahramanlar, Venedik soyluları, genellikle asilzade saraylarında veya lüks doğanın zemininde bulunur. Görkemli ziyafetlere veya büyüleyici şenliklere ("Kana'da Evlilik") kapılırlar. Veronese, neşeli Venedik'in, zaferlerinin efendisi, altın parlaklığının şairiydi. Veronese'nin bir renkçi olarak olağanüstü bir yeteneği vardı. Renkleri ışıkla doludur, yoğundur ve nesnelere sadece renk bahşetmekle kalmaz, aynı zamanda kendileri de bir nesneye dönüşerek bulutlara, kumaşa, insan vücuduna dönüşür. Bu nedenle, figürlerin ve nesnelerin gerçek güzelliği, renk ve doku güzelliği ile çarpılır ve bu da izleyici üzerinde güçlü bir duygusal etki yaratır.

Veronese'nin tam tersi, İtalyan Rönesansının son büyük ustası olan çağdaş Tintoretto'ydu (1518-94). Dış sanatsal etkilerin bolluğu, Tintoretto'nun benzersiz yaratıcı bireyselliğinde eridi. Çalışmalarında volkanik mizacın, şiddetli tutkuların ve kahramanca yoğunluğun yaratıcısı olan devasa bir figürdü. Çalışmaları hem çağdaşları hem de sonraki nesiller arasında büyük bir başarıydı. Tintoretto, gerçekten insanlık dışı bir çalışma yeteneği, yorulmak bilmeyen arama ile ayırt edildi. Zamanının trajedisini çağdaşlarının çoğundan daha keskin ve derin hissetti. Usta, görsel sanatlarda yerleşik geleneklere - simetriye uyulması, katı denge, statik; mekanın sınırlarını genişletti, dinamiklerle doyurdu, dramatik aksiyon, insan duygularını daha canlı ifade etmeye başladı. 1590 . Maniyerist sanat, Rönesans ideallerinden ayrılıyor harmonik algı barış. İnsan doğaüstü güçlerin insafına kalmıştır. Dünya kararsız, sallantılı ve çürüme halinde görünüyor. Maniyerist imgeler kaygı, huzursuzluk ve gerginlikle doludur. Sanatçı doğadan uzaklaşır, onu aşmaya çalışır, çalışmasında temeli gerçek dünya değil, yaratıcı hayal gücü olan öznel bir "içsel fikir" in peşinden gider; performansın aracı, belirli tekniklerin toplamı olarak "güzel tavır"dır. Bunların arasında figürlerin gelişigüzel uzaması, karmaşık serpantin ritmi, fantastik alan ve ışığın gerçek dışılığı ve bazen de soğuk delici renkler yer alır.

Jacopo Pontormo (1494-1556), karmaşık yaratıcı kaderin ressamı olan tavırcılığın en büyük ve en yetenekli ustasıydı. onun içinde Ünlü resim « Haçtan İniş» kompozisyon dengesiz, figürler iddialı bir şekilde bozuk, açık renkler keskin. Francesco Mazzola, takma adı Parmigianino (1503-40) izleyiciyi etkilemeyi severdi: örneğin, " Dışbükey aynada otoportre". Kasıtlı kasıtlılık, onun ünlü tablosunu ayırt eder " Uzun boyunlu Madonna ».

Medici saray ressamı Agnolo Bronzino (1503-72), tören portreleriyle tanınır. İtalyan toplumunun en yüksek çevrelerini saran kanlı vahşet ve ahlaki gerileme dönemini yansıtıyorlardı. Bronzino'nun asil müşterileri, sanki izleyiciden görünmez bir mesafeyle ayrılıyor; duruşlarının sertliği, yüzlerinin kayıtsızlığı, kıyafetlerinin zenginliği, güzel ön ellerinin jestleri - tüm bunlar, içsel kusurlu bir yaşamı gizleyen bir dış kabuk gibidir. Toledo'lu Eleanor'un oğluyla birlikte yaptığı portrede (c. 1545), soğuk, mesafeli görüntünün erişilemezliği, izleyicinin dikkatinin tamamen düşesin muhteşem brokar kıyafetlerinin düz büyük deseni tarafından çekilmesi gerçeğiyle pekiştirilir. Maniyeristlerin yarattığı mahkeme portresi türü, 16.-17. yüzyılların portre sanatını etkiledi. diğer birçok Avrupa ülkesinde.

Maneviyat sanatı bir geçiş dönemiydi: Rönesans geçmişte kaldı, yeni bir pan-Avrupa sanatının zamanı gelmişti. sanatsal tarz- barok.

Kuzey Rönesans Sanatı.

Kuzey Avrupa ülkeleri eski bir geçmişe sahip değildi, ancak tarihlerinde Rönesans dönemi öne çıkıyor: dönüşten15. – XVI.ikinci yarı içinXVII.yüzyıl. Bu zaman, Rönesans ideallerinin çeşitli kültür alanlarına nüfuz etmesi ve tarzındaki kademeli değişim ile ayırt edilir. Rönesans'ın doğum yerinde olduğu gibi, Kuzey Rönesans sanatında da gerçek dünyaya duyulan ilgi, sanatsal yaratıcılığın biçimlerini değiştirdi. Bununla birlikte, kuzey ülkelerinin sanatı, man-titan'ın gücünü yücelten İtalyan resminin acımasızlığıyla karakterize edilmedi. Kasabalılar (sözde zengin kasaba halkı) dürüstlüğe, göreve ve söze sadakate, evlilik yemininin kutsallığına ve ocağa daha çok değer veriyordu. Kent çevrelerinde, kendi insan idealleri gelişiyordu - açık, ölçülü, dindar ve ticari. Kasabalıların sanatı, sıradan ortalama insanı ve onun dünyasını - günlük hayatın ve basit şeylerin dünyasını - şiirselleştirir.

Hollanda'da Rönesans ustaları.

Rönesans sanatının yeni özellikleri, öncelikle Avrupa'nın en zengin ve en sanayileşmiş ülkelerinden biri olan Hollanda'da ortaya çıktı. Kapsamlı olmaları nedeniyle Uluslararası ilişkiler Hollanda, yeni keşifleri diğer İskandinav ülkelerinden çok daha hızlı kabul etti.

Hollanda'da Rönesans tarzı açıldı Jan Van Eyck(1390-1441). En ünlü eseri ise Gent mihrabı ağabeyiyle birlikte çalışmalarına başladığı ve ölümünden sonra 6 yıl daha tek başına çalışmalarına devam ettiği . Şehir katedrali için yaratılan Ghent sunağı, 12 panoda günlük, günlük yaşamın resimleri (kapak kapatıldığında görülebilen dış panolarda) ve şenlikli, coşkulu, şekil değiştiren iki katmanlı bir kattır. hayat (kilise tatillerinde açık görünen iç kapılarda). Bu, dünyevi yaşamın güzelliğini yücelten bir sanat anıtıdır. Van Eyck'in duygusal hissi - her zerresi güzel olan "dünya bir cennet gibidir" - açık ve net bir şekilde ifade edilmiştir. Sanatçı, doğadan birçok gözleme dayanıyordu. Tüm şekiller ve nesneler üç boyutlu hacme ve ağırlığa sahiptir. Van Eyck kardeşler, yağlı boyanın olanaklarını ilk keşfedenler arasındaydı; bu andan itibaren, sıcaklığın kademeli olarak yer değiştirmesi başlar.

X'in ikinci yarısındaVYüzyılda, siyasi ve dini çekişmelerle dolu olan Hollanda sanatında, karmaşık, kendine özgü bir sanat göze çarpmaktadır. Hieronymus Bosch(1450?-1516). Bu, olağanüstü bir hayal gücüne sahip çok meraklı bir sanatçı. Kendi ve korkunç dünyasında yaşıyordu. Bosch'un resimlerinde, ortaçağ folklor temsillerinin, yaşayan ve mekanik olanın, korkunç ve komik olanın grotesk montajlarının bir yoğunlaşması var. Merkezi olmayan bestelerinde ana karakter yoktur. Birkaç katmandaki alan, çok sayıda figür ve nesne grubuyla doludur: canavarca abartılmış sürüngenler, kara kurbağaları, örümcekler, farklı yaratıkların ve nesnelerin parçalarının birleştirildiği korkunç yaratıklar. Bosch'un bestelerinin amacı ahlaki eğitimdir. Bosch, doğada uyum ve mükemmellik bulamıyor, şeytani görüntüleri, dünya kötülüğünün canlılığını ve her yerde varlığını, yaşam ve ölüm döngüsünü hatırlatıyor.

Bosch'un resimlerindeki adam zavallı ve zayıf. Yani, triptikte saman taşıma» sanatçı, insanlık tarihini gözler önüne seriyor. Sol kanat Adem ve Havva'nın düşüşünün hikayesini anlatıyor, sağ kanat cehennemi ve burada günahkarları bekleyen tüm dehşeti tasvir ediyor. Resmin orta kısmı, "Dünya bir saman yığınıdır, herkes ondan kapmayı başardığını alır" halk atasözünü göstermektedir. Bosch, insanların bir saman parçası için nasıl savaştığını, bir vagonun tekerlekleri altında nasıl öldüğünü, üzerine tırmanmaya çalıştığını gösteriyor. Vagonun tepesinde dünyadan vazgeçen aşıklar şarkı söyleyip öpüşürler. Bir tarafında melek, diğer tarafında şeytan: kim kazanacak? Ürkütücü yaratıklar arabayı yeraltı dünyasına sürükler. İnsanların tüm eylemlerinin arkasında, Tanrı şaşkınlıkla bakar. Resimde daha da kasvetli bir ruh hali var " haçı taşımak”: Mesih, şişkin gözleri ve açık ağızları olan iğrenç insanlarla çevrili ağır haçını taşıyor. Onların iyiliği için Rab kendini feda eder, ama onun çarmıhtaki ölümü onları kayıtsız bırakacaktır.

Başka bir ünlü Hollandalı sanatçı doğduğunda Bosch çoktan ölmüştü - Yaşlı Pieter Brueghel(1525-1569), köylülerin hayatını tasvir eden birçok resim için Muzhitsky lakaplıydı. Brueghel, birçok olay örgüsünün temeli olarak halk atasözlerini ve sıradan insanların günlük endişelerini aldı. Resimlerin görüntülerinin eksiksizliği " köylü düğünü" Ve " köylü dansı"halk unsurlarının gücünü taşır. Brueghel'in İncil sahneleriyle ilgili resimlerinde bile Hollanda yaşıyor ve uzak Yahudiye'deki olaylar, anavatanının loş gökyüzünün altındaki karla kaplı sokakların zemininde geçiyor (" Vaftizci Yahya'nın Vaazı"). Görünüşte önemsiz, önemsiz görünen sanatçı, insanların hayatlarındaki asıl şeyden bahsediyor, zamanının ruhunu yeniden yaratıyor.

küçük bir tuval karda avcılar” (Ocak), “Mevsimler” serisinden dünya resminin eşsiz başyapıtlarından biri olarak kabul edilir. Köpekli yorgun avcılar eve döner. Onlarla birlikte izleyici, küçük bir kasaba panoramasının açıldığı tepeye girer. Nehrin karla kaplı kıyıları, dikenli ağaçlar berrak soğuk havada donuyor, kuşlar uçuyor, ağaç dallarına ve evlerin çatılarına oturuyor, insanlar günlük aktiviteleriyle meşgul. Tüm bu görünüşte önemsiz şeyler, gökyüzünün mavisi, siyah ağaçlar, beyaz karla birlikte, resimde sanatçının tutkuyla sevdiği bir dünya panoraması yaratıyor.

Brueghel'in en trajik tablosu Kör benzetmesi"Sanatçı tarafından ölümünden kısa bir süre önce yazılmış. "Kör köre yol gösterirse, ikisi de çukura düşer" İncil hikayesini anlatıyor. Belki de bu, arzularıyla kör olmuş, ölüme doğru ilerleyen insanlığın bir görüntüsüdür. Bununla birlikte, Brueghel yargılamaz, ancak insanların birbirleriyle, çevreyle ilişkilerinin yasalarını kavrayarak, insan doğasının özüne nüfuz ederek, insanlara kendilerini, dünyadaki yerlerini gösterir.

Rönesans döneminde Almanya'da resim.

Almanya sanatında Rönesans'ın özellikleri Hollanda'dan daha sonra ortaya çıkıyor. Alman hümanizminin, laik bilimlerinin ve kültürünün altın çağı ilk yıllara denk geliyor.XVI.V. Alman kültürünün dünyaya en yüksek sanatsal değeri verdiği kısa bir dönemdi. Her şeyden önce, çalışmaları içermelidirler. Albrecht Dürer(1471-1528) - Alman Rönesansının en önemli sanatçısı.

Dürer, Rönesans'ın tipik bir temsilcisidir, bir ressam, bir oymacı, bir matematikçi ve bir mühendisti, istihkâm ve sanat teorisi üzerine risaleler yazmıştı. Açık otoportreler zeki, asil, konsantre ve derin felsefi düşüncelerle dolu görünüyor. Dürer, resimlerinde biçimsel güzellikle yetinmez, soyut düşüncelerin simgesel anlatımını vermeye çalışır.

15 büyük gravürün yer aldığı Apocalypse serisi, Dürer'in yaratıcı mirasında özel bir yere sahiptir. Dürer, "İlahiyatçı Yuhanna'nın Vahiyi" nden tahminleri, örneğin, " levhayı gösteriyor. dört atlı"korkunç felaketleri simgeliyor - savaş, veba, kıtlık, haksız yargı. Gravürlerde ifade edilen değişimin, zorlu denemelerin ve felaketlerin önsezisinin kehanet olduğu ortaya çıktı (Reformasyon ve Köylü ve onu takip eden din savaşları kısa süre sonra başladı).

O zamanın bir başka büyük sanatçısı da Yaşlı Lucas Cranach(1472-1553). Hermitage onun resimlerini barındırıyor Elma Ağacının Altında Madonna ve Çocuk" Ve " kadın portre". Onlarda, ustanın birçok resminde (hatta "Cranach" olarak anılır) yakalanmış bir kadın yüzü görüyoruz: küçük bir çene, dar bir gözler, altın rengi saçlar. Takı ve kıyafetleri özenle kaleme alan sanatçının resimleri göz ziyafeti çekiyor. Görüntülerin saflığı ve naifliği bir kez daha bu resimlerin içine bakmanızı sağlıyor. Cranach harika bir portre ressamıydı, birçok ünlü çağdaşının resimlerini yarattı - Martin Luther (arkadaşıydı), Saksonya Dükü Henry ve diğerleri.

Ancak Kuzey Rönesansının en ünlü portre ressamı, şüphesiz başka bir Alman ressam olarak kabul edilebilir. Genç Hans Holbein(1497-1543). Uzun bir süre İngiliz Kralı Henry'nin saray ressamıydı.8.. Holbein, portresinde, şüpheye aşina olmayan kralın buyurgan doğasını mükemmel bir şekilde aktarıyor. Etli bir yüzdeki küçük zeki gözler, içindeki bir tiranı ele verir. Heinrich'in portresi 8. o kadar güvenilirdi ki, kralı tanıyan insanları korkuttu. Holbein, başta devlet adamı ve yazar Thomas More, Rotterdamlı filozof Erasmus ve daha birçokları olmak üzere, o zamanın birçok ünlü insanının portrelerini yaptı.

Almanya, Hollanda ve diğer bazı Avrupa ülkelerinde Rönesans kültürünün gelişimi, Reform ve onu takip eden din savaşları ile kesintiye uğradı. Bunu takiben, gelişiminin bir sonraki aşamasına giren sanatta yeni ilkelerin oluşturulması zamanı geldi.

SAYFA \* MERGEFORMAT 2

Federal ajans demiryolu taşımacılığı

Sibirya Devlet Üniversitesi iletişim araçları

"Felsefe" Bölümü

RÖNESANS'IN SANATSAL İMGELERİ

Makale

"Kültüroloji" disiplininde

Kafa Tasarımı

Profesör öğrenci gr. D-111

Bystrova A.N. ___________ Kamyshova E.V.

(imza) (imza)

08.12.2012

(muayene tarihi) (muayene için teslim tarihi)

yıl2012

giriiş

Rönesans, Avrupa kültürünün gelişim tarihindeki en parlak dönemlerden biri olarak kabul edilir. Canlanma, Orta Çağ'dan yeni zamana geçiş sürecinde kültürel bir alt üst oluşun (bir dönüm noktası, bir kayma) yaşandığı bütün bir kültürel dönem diyebiliriz. Temel değişiklikler mitolojinin ortadan kaldırılmasıyla ilişkilidir.

Rönesans teriminin kökenine rağmen (fr. Rönesans, "Rönesans"), antik çağın yeniden canlanması olmadı ve olamazdı. İnsan geçmişine geri dönemez. Antik çağın derslerini kullanan Rönesans, yenilikler getirdi. Tüm antik türleri hayata döndürmedi, yalnızca zamanının ve kültürünün özlemlerinin özelliği olan türleri hayata döndürdü. Rönesans, antik çağın yeni bir okumasını yeni bir Hıristiyanlık okumasıyla birleştirdi.

Seçilen konunun alaka düzeyi, modern çağ ile Rönesans arasındaki bağlantıdan kaynaklanmaktadır - bu, her şeyden önce, değerler sisteminde, var olan her şeyin ve onunla ilgili olarak değerlendirilmesinde bir devrimdir.

Çalışmanın temel amacı, ele alınan dönemin en büyük figürlerinin dünya görüşünde meydana gelen köklü değişiklikleri göstermektir.

1. Rönesans Kültürü

XIII-XVI Yüzyıllar ekonomi, politika ve kültürde büyük değişimlerin yaşandığı bir dönem olmuştur. Şehirlerin hızlı büyümesi ve zanaatların gelişmesi ve daha sonra fabrika üretimine geçiş, ortaçağ Avrupa'sının çehresini değiştirdi.

Şehirler ön plana çıktı. Bundan kısa bir süre önce, ortaçağ dünyasının en güçlü güçleri - imparatorluk ve papalık - derin bir kriz içindeydi. İÇİNDE XVI. yüzyılda, Alman ulusunun çürüyen Kutsal Roma İmparatorluğu, ilk iki anti-feodal devrime - Almanya'daki Büyük Köylü Savaşı ve Hollanda Ayaklanması - sahne oldu.

Çağın geçiş doğası, hayatın her alanında yer alan ortaçağ yollarından kurtulma süreci, aynı zamanda, ortaya çıkan kapitalist ilişkilerin hala az gelişmiş olması, o dönemin sanatsal kültürünün ve estetik düşüncesinin özelliklerini etkileyemezdi. .

A. V. Stepanov'a göre, toplum yaşamındaki tüm değişikliklere, geniş bir kültür yenilenmesi eşlik etti - doğa ve kesin bilimlerin gelişmesi, ulusal dillerde edebiyat ve güzel sanatlar. İtalya şehirlerinden başlayan bu yenilenme daha sonra diğer Avrupa ülkelerini de etkisi altına aldı. Yazar, matbaanın icadından sonra edebi ve bilimsel eserlerin yayılması için benzeri görülmemiş fırsatların ortaya çıktığına ve ülkeler arasında daha düzenli ve yakın iletişimin yeni sanatsal akımların nüfuz etmesine katkıda bulunduğuna inanıyor.

Bu, Orta Çağ'ın yeni akımların önünde gerilediği anlamına gelmiyordu: kitle bilincinde geleneksel fikirler korunuyordu. Kilise, bir ortaçağ aracı olan Engizisyon kullanarak yeni fikirlere direndi. İnsanın özgürlüğü fikri, sınıflara bölünmüş bir toplumda var olmaya devam etti. Köylülerin feodal bağımlılık biçimi tamamen ortadan kalkmadı ve bazı ülkelerde (Almanya, Orta Avrupa) serfliğe dönüş oldu. Feodal sistem oldukça fazla canlılık gösterdi. Her Avrupa ülkesi bunu kendi tarzında ve kendi kronolojik çerçevesi içinde yaşadı. Kapitalizm, hem şehirdeki hem de kırsaldaki üretimin yalnızca bir bölümünü kapsayan bir yaşam biçimi olarak uzun süre varlığını sürdürdü. Bununla birlikte, ataerkil ortaçağ yavaşlığı geçmişe doğru çekilmeye başladı.

Büyük coğrafi keşifler bu atılımda büyük rol oynadı. Örneğin, 1492'de. H. Columbus, Hindistan'a giden bir yol ararken geçti Atlantik Okyanusu ve yeni bir kıta olan Amerika'yı keşfederek Bahamalar'a indi. 1498'de Afrika'yı dolaşan İspanyol gezgin Vasco da Gama, gemilerini başarıyla Hindistan kıyılarına getirdi. İLE XVI. V. Avrupalılar, daha önce hakkında çok belirsiz bir fikre sahip oldukları Çin ve Japonya'ya sızıyorlar. 1510'dan itibaren Amerika'nın fethi başlar. İÇİNDE XVII. V. Avustralya keşfedildi. Dünyanın şekli fikri değişti: dünyayı turlamak F. Magellan, top şeklinde olduğu varsayımını doğruladı.

Dünyevi her şeyi hor görmenin yerini artık gerçek dünyaya, insana, doğanın güzelliğinin ve ihtişamının bilincine olan açgözlü bir ilgi alıyor ve bu, Rönesans'ın kültürel anıtlarını analiz ederek kanıtlanabilir. Orta Çağ'da teolojinin bilim üzerindeki tartışılmaz üstünlüğü, hakikatin en yüksek ölçüsü haline gelen insan aklının sınırsız olanaklarına olan inançla sarsılır. Yeni seküler entelijansiyanın temsilcileri, ilahi olana karşı insana olan ilgiyi vurgulayarak, kendilerini "hümanistler" olarak adlandırdılar ve bu kelimeyi "" kavramından aldılar. insancıl çalışma ”, insan doğası ve onun manevi dünyasıyla bağlantılı her şeyin incelenmesi anlamına gelir.

Rönesans'ın eserleri ve sanatı için, sınırsız yaratıcı olanaklara sahip özgür bir varlık fikri karakteristik hale geldi. Rönesans estetiğinde ve güzel, yüce, kahramanlık anlayışında insanmerkezcilikle ilişkilendirilir. Güzel bir sanatsal ve yaratıcı insan kişiliği ilkesi, Rönesans teorisyenleri tarafından her türlü oranı, simetriyi ve perspektifi matematiksel olarak hesaplama girişimiyle birleştirildi.

Bu çağın estetik ve sanatsal düşüncesi ilk kez insan algısına ve duyusal algıya dayanmaktadır. gerçek resim barış. Burada, dini ve ahlaki yorumları ne olursa olsun, yaşam duyumlarına yönelik öznelci-bireyci susuzluk da dikkat çekicidir, ancak ikincisi prensipte reddedilmemektedir. Rönesans estetiği, sanatı doğanın taklidine odaklar. Bununla birlikte, burada ilk etapta, yaratıcı etkinliğinde Tanrı'ya benzetilen sanatçı kadar doğa değildir.

E. Chamberlin, zevki sanat eserlerinin algılanması için en önemli ilkelerden biri olarak görüyor, çünkü bu, önceki estetik teorilerin skolastik "öğrenme"sinin aksine önemli bir demokratik eğilimi gösteriyor.

Rönesans'ın estetik düşüncesi, yalnızca Orta Çağ'daki ilahi kişiliğin aksine insan bireyinin mutlaklaştırılması fikrini değil, aynı zamanda mutlak kendini olumlamaya dayanan bu tür bireyciliğin sınırlamalarına dair belirli bir farkındalığı da içerir. bireysel. Dolayısıyla, W. Shakespeare, M. Cervantes, Michelangelo ve diğerlerinin eserlerinde bulunan trajedinin motifleri, bu, eski ortaçağ mutlaklarından ayrılan, ancak tarihsel koşullar nedeniyle henüz yeni bir şey bulamayan bir kültürün çelişkili doğasıdır. güvenilir temeller

Sanat ve bilim arasındaki bağlantılardan biri de karakteristik özellikler kültür. Sanatçılar bilimlerde destek aradılar ve genellikle gelişimlerini teşvik ettiler. Rönesans, aralarında birincilik Leonardo da Vinci'ye ait olan sanatçı-bilim adamlarının ortaya çıkışıyla dikkat çekiyor.

Bu nedenle, Rönesans'ın görevlerinden biri, insanın ilahi güzelliklerle dolu bir dünyayı idrak etmesidir. Dünya insanı cezbeder çünkü o, Tanrı tarafından ruhsallaştırılmıştır. Ancak Rönesans'ta, bir kişinin varoluşunun trajedisini hissetmesine yönelik başka bir eğilim vardı.

2. Büyük ustaların eserlerinde dünya ve insan imgesi Rönesans

"Rönesans" terimi (Fransızca "Rönesans" teriminin çevirisi), yeni kültürün antik çağla bağlantısını gösterir. Avrupalılar, Haçlı Seferleri döneminde Doğu ile, özellikle Bizans ile tanışmanın bir sonucu olarak, eski hümanist el yazmaları, eski güzel sanatlar ve mimarinin çeşitli anıtları ile tanıştı. Tüm bu eski eserler, kısmen toplandıkları ve incelendikleri İtalya'ya taşınmaya başlandı. Ancak İtalya'nın kendisinde bile, İtalyan şehir aydınlarının temsilcileri tarafından da dikkatle incelenmeye başlayan birçok antik Roma anıtı vardı. İtalyan toplumunda klasik antik dillere derin bir ilgi doğdu. antik felsefe, tarih ve edebiyat. Floransa şehri bu harekette özellikle önemli bir rol oynadı. Yeni kültürün bir dizi seçkin figürü Floransa'dan çıktı.

Yeni burjuvazi, bir zamanlar en canlı, ekonomik anlamda antik çağ şehirleri yaratan eski ideolojiyi kullanarak, onu kendi tarzında elden geçirdi ve daha önce hüküm süren feodalizm dünya görüşüne keskin bir şekilde zıt yeni dünya görüşünü formüle etti. Yeni İtalyan kültürünün ikinci adı - hümanizm bunu kanıtlıyor.

Hümanist kültür, ortaçağ ideolojisinde olduğu gibi ilahi, uhrevi olanı değil, insanın kendisini (insan - insan) dikkatinin merkezine koydu. Çileciliğin artık hümanist dünya görüşünde yeri yoktu. İnsan bedeni, tutkuları ve ihtiyaçları, bastırılması veya eziyet edilmesi gereken "günahkar" bir şey olarak değil, kendi içinde bir amaç, hayattaki en önemli şey olarak görülüyordu. Dünyevi varoluş tek gerçek olarak kabul edildi. Doğanın ve insanın bilgisi, bilimin özü ilan edildi. Ortaçağ skolastiklerinin ve mistiklerinin dünya görüşüne hakim olan karamsar motiflerin aksine, Rönesans halkının dünya görüşü ve ruh halindeki iyimser motifler galip geldi; insana, insanlığın geleceğine, insan aklının ve aydınlanmanın zaferine olan inançla karakterize edildiler. Ülker seçkin şairler ve yazarlar, bilim adamları ve figürler Çeşitli türler sanat bu büyük yeni entelektüel harekete katıldı. İtalya'nın görkemi harika sanatçılar tarafından getirildi: Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Raphael, Titian.

Rönesans'ın şüphesiz başarısı, resmin geometrik olarak doğru inşasıydı. Sanatçı, geliştirdiği teknikleri kullanarak görüntüyü oluşturdu. O zamanın ressamları için asıl mesele, nesnelerin oranlarını gözlemlemekti. Doğa bile matematiksel oyunların altına düştü.

Başka bir deyişle, Rönesans'taki sanatçılar, örneğin doğanın zemininde bir kişinin doğru bir görüntüsünü aktarmaya çalıştılar. Bir tür tuval üzerinde görülen bir görüntüyü yeniden yaratmanın modern yöntemleriyle karşılaştırıldığında, büyük olasılıkla, sonraki düzeltmeli bir fotoğraf, Rönesans sanatçılarının ne için uğraştığını anlamaya yardımcı olacaktır.

Rönesans ressamları, doğanın kusurlarını düzeltme hakkına sahip olduklarına inanıyorlardı, yani bir kişinin yüz hatları çirkinse, sanatçılar yüzü tatlı ve çekici hale getirecek şekilde düzelttiler.

İncil sahnelerini tasvir eden Rönesans sanatçıları, bir kişinin dünyevi tezahürlerinin, kullanırlarsa daha net tasvir edilebileceğini açıkça ortaya koymaya çalıştılar. İncil hikayeleri. O dönemin sanatçılarının eserlerini tanımaya başlarsanız, düşüşün, günaha, cehennemin veya cennetin ne olduğunu anlayabilirsiniz. Madonna'nın aynı görüntüsü bize bir kadının güzelliğini aktarır ve aynı zamanda dünyevi insan sevgisi anlayışını taşır.

Böylece Rönesans sanatında dünyayı ve insanı bilimsel ve sanatsal idrak yolları iç içe geçmiştir. Bilişsel anlamı, yüce şiirsel güzellikle ayrılmaz bir şekilde bağlantılıydı; doğallık arayışında, günlük yaşamın önemsizliğine inmedi. Sanat, evrensel bir manevi ihtiyaç haline geldi.

Çözüm

Dolayısıyla, Rönesans veya Rönesans, insanlığın yaşamında sanat ve bilimde muazzam bir yükselişin damgasını vurduğu bir dönemdir. Rönesans, insanı hayatın en yüksek değeri olarak ilan etti.

Sanatta ana tema, sınırsız ruhsal ve yaratıcı olanaklara sahip insan olmuştur.Rönesans sanatı, Yeni Çağ Avrupa kültürünün temellerini attı ve tüm ana sanat türlerini kökten değiştirdi.

Mimaride yeni tip kamu binaları gelişmiştir.Resim, doğrusal ve havadan bir perspektif, anatomi bilgisi ve insan vücudunun oranları ile zenginleştirildi.Dünyevi içerik, sanat eserlerinin geleneksel dini temalarına nüfuz etti. Antik mitolojiye, tarihe, gündelik sahnelere, manzaralara, portrelere artan ilgi. Bir resim vardı, bir resim vardı. yağlı boyalar. Sanatçının yaratıcı bireyselliği sanatta ilk sırayı aldı.

Rönesans sanatında dünyayı ve insanı bilimsel ve sanatsal idrak yolları iç içe geçmiştir.Sanat, evrensel bir manevi ihtiyaç haline geldi.

İnsanlık tarihinin en güzel dönemlerinden biri kuşkusuz Rönesans'tır.

KAYNAKÇA

1. Kustodieva T.K. XIII-XVI YÜZYIL RÖNESANSI İTALYAN SANATI (MAKALE KILAVUZU) / Т.К. KUSTODIEVA, ART, 1985. 318 S.
2. RÖNESANS KÜLTÜRÜNDE AŞK VE GÜZELLİK İMGELERİ / L.M. BRAGINA, M., 2008. 309 S.
3. Stepanov A.V. RÖNESANS SANATI. İTALYA XIV-XV YÜZYILLAR / M.Ö. STEPANOV, M., 2007. 610 S.
4. Stepanov A.V. RÖNESANS SANATI. HOLLANDA, ALMANYA, FRANSA, İSPANYA, İNGİLTERE / A.V. STEPANOV, AZBUKA-KLASİKLERİ, 2009. 640 S.
5. CHAMBERLIN E. RÖNESANS ÇAĞI. HAYAT, DİN, KÜLTÜR / E. CHAMBERLIN, CENTERPOLYGRAPH, 2006. 240 S.

17.-18. yüzyılların başında Versay'daki ana inşaat işinin tamamlanmasının ardından, Andre Le Nôtre lansmanını yaptı. şiddetli aktivite Paris'in yeniden gelişimi için. Tuileries Parkı'nın dökümünü, merkezi ekseni Louvre topluluğunun uzunlamasına ekseninin devamı üzerine net bir şekilde sabitleyerek gerçekleştirdi. Le Nôtre'den sonra Louvre nihayet yeniden inşa edildi, Place de la Concorde yaratıldı. Paris'in büyük ekseni, ihtişamın, görkemin ve görkemin gereksinimlerini karşılayan şehrin bambaşka bir yorumunu veriyordu. Açık kentsel alanların bileşimi, mimari olarak tasarlanmış sokaklar ve meydanlar sistemi, Paris'in planlanmasında belirleyici faktör haline geldi. Tek bir bütün halinde birbirine bağlanan sokakların ve meydanların geometrik dokusunun netliği, şehir planının mükemmelliğini ve şehir plancısının becerisini değerlendirmek için uzun yıllar boyunca bir kriter olacaktır. Dünyadaki birçok şehir daha sonra klasik Paris modelinin etkisini yaşayacak.

Bir kişi üzerindeki mimari etkinin bir nesnesi olarak yeni bir şehir anlayışı, kentsel topluluklar üzerine yapılan çalışmalarda net bir ifade bulur. Yapım sürecinde, klasisizmin kentsel planlamasının ana ve temel ilkeleri ana hatlarıyla belirlendi - uzayda serbest gelişme ve çevre ile organik bağlantı. Kentsel gelişme kaosunun üstesinden gelen mimarlar, özgür ve engelsiz bir görüş için tasarlanmış topluluklar yaratmaya çalıştılar.

Rönesans'ın "ideal bir şehir" yaratma hayalleri, sınırları artık belirli binaların cepheleri değil, ona bitişik sokaklar ve mahalleler, parklar veya bahçeler olan yeni bir tür meydanın oluşumunda somutlaştırıldı. nehir yatağı. Mimarlık, yalnızca doğrudan komşu binalara değil, aynı zamanda şehrin çok uzak noktalarına da belirli bir topluluk birliği içinde bağlanmayı amaçlamaktadır.

18. yüzyılın ikinci yarısı ve 19. yüzyılın ilk üçte biri. Fransa'da klasisizmin gelişmesinde ve Avrupa'da yayılmasında yeni bir aşamaya işaret ediyor - neoklasizm. Büyük Fransız Devrimi ve 1812 Vatanseverlik Savaşı'ndan sonra, şehir planlamasında zamanlarının ruhuna uygun yeni öncelikler ortaya çıktı. En çarpıcı ifadeyi Empire üslubunda buldular. Aşağıdaki özelliklerle karakterize edildi: emperyal ihtişamın törensel dokunuşları, anıtsallık, İmparatorluk Roma sanatına çekicilik ve Antik Mısır, Roma askeri tarihinin özelliklerinin ana dekoratif motifler olarak kullanılması.

Yeni sanatsal üslubun özü, Napolyon Bonapart'ın önemli sözlerinde çok doğru bir şekilde aktarılmıştır:

"Gücü seviyorum ama bir sanatçı olarak ... Ondan sesler, akorlar, uyum çıkarmayı seviyorum."

İmparatorluk stili Napolyon'un siyasi gücünün ve askeri ihtişamının kişileşmesi oldu, kültünün bir tür tezahürü oldu. Yeni ideoloji, yeni zamanın siyasi çıkarlarını ve sanatsal zevklerini tam olarak karşıladı. Her yerde açık meydanlar, geniş caddeler ve caddelerden oluşan büyük mimari topluluklar yaratıldı, imparatorluğun büyüklüğünü ve gücün gücünü gösteren köprüler, anıtlar ve kamu binaları dikildi.

Örneğin Austerlitz köprüsü, Napolyon'un büyük savaşını anımsatıyordu ve Bastille'in taşlarından inşa edilmişti. Carruzel Yerinde inşaa edilmiş Austerlitz'deki zaferin şerefine zafer takı. Birbirinden oldukça uzak olan iki kare (Rıza ve Yıldızlar), mimari perspektiflerle birbirine bağlandı.

Aziz Genevieve Kilisesi J. J. Soufflot tarafından dikilen , Fransa'nın büyük halkının dinlenme yeri olan Pantheon oldu. O zamanın en görkemli anıtlarından biri, Büyük Ordu'nun Place Vendôme'daki sütunudur. Trajan'ın antik Roma sütununa benzer şekilde, mimarlar J. Gonduin ve J. B. Leper'in planına göre, Yeni İmparatorluğun ruhunu ve Napolyon'un büyüklüğe olan susuzluğunu ifade etmesi gerekiyordu.

Sarayların ve kamu binalarının parlak iç dekorasyonunda ciddiyet ve görkemli ihtişam özellikle değerliydi; dekorları genellikle askeri gereçlerle aşırı yüklendi. Baskın motifler zıt renk kombinasyonları, Roma ve Mısır süsleme unsurlarıydı: kartallar, grifonlar, çömlekler, çelenkler, meşaleler, groteskler. İmparatorluk tarzı, kendisini en açık şekilde Louvre ve Malmaison imparatorluk konutlarının iç mekanlarında gösterdi.

Napolyon Bonapart dönemi 1815'te sona erdi ve çok geçmeden ideolojisini ve zevklerini aktif olarak ortadan kaldırmaya başladılar. "Bir rüya gibi kaybolan" İmparatorluktan, eski büyüklüğüne açıkça tanıklık eden İmparatorluk tarzında sanat eserleri var.

Sorular ve görevler

1. Versay neden olağanüstü eserlere atfedilebilir?

XVIII.Yüzyıl klasisizminin kentsel planlama fikirleri olarak. pratik uygulamalarını Place de la Concorde gibi Paris'in mimari topluluklarında mı buldular? Onu 17. yüzyılda Roma'nın Piazza del Popolo (bkz. s. 74) gibi İtalyan Barok meydanlarından ayıran nedir?

2. Barok ve klasisizm arasındaki bağlantı nasıl ifade buldu? Klasisizm baroktan hangi fikirleri miras aldı?

3. İmparatorluk tarzının ortaya çıkışının tarihsel arka planı nedir? Sanat eserlerinde zamanının hangi yeni fikirlerini ifade etmeye çalıştı? Hangi sanatsal ilkelere dayanıyor?

yaratıcı atölye

1. Sınıf arkadaşlarınıza rehberli bir Versay turu yapın. Hazırlanması için internetten video materyalleri kullanabilirsiniz. Versay ve Peterhof parkları sıklıkla karşılaştırılır. Sizce bu tür karşılaştırmaların dayanağı nedir?

2. Rönesans'ın "ideal şehri" imajını Paris'in klasik topluluklarıyla (St. Petersburg veya banliyöleri) karşılaştırmaya çalışın.

3. Tasarımı karşılaştırın iç dekorasyon Fontainebleau'daki I. Francis Galerisi ve Versay Ayna Galerisi'nin (iç mekanları).

4. Rus ressam A. N. Benois'in (1870-1960) “Versailles” döngüsünden resimlerini tanıyın. Kralın Yürüyüşü” (bkz. s. 74). Fransız kralı Louis XIV'in mahkeme yaşamının genel atmosferini nasıl aktarıyorlar? Neden tuhaf resim-semboller olarak kabul edilebilirler?

Proje konuları, özetler veya mesajlar

"17.-18. Yüzyıl Fransız Mimarisinde Klasisizm Oluşumu"; "Dünyanın uyum ve güzelliğinin bir modeli olarak Versay"; "Versay'da dolaşmak: sarayın bileşimi ile parkın düzeni arasındaki bağlantı"; "Batı Avrupa klasisizminin mimari şaheserleri"; "Fransa mimarisinde Napolyon İmparatorluğu"; "Versay ve Peterhof: karşılaştırmalı özelliklerin deneyimi"; "Paris'in mimari topluluklarında sanatsal keşifler"; "Paris meydanları ve şehrin düzenli planlamasının ilkelerinin geliştirilmesi"; "Paris'teki Invalides katedralinin kompozisyonunun netliği ve hacim dengesi"; "Concorde Meydanı - klasisizm şehir planlama fikirlerinin geliştirilmesinde yeni bir aşama"; "J. Soufflot'un yazdığı St. Genevieve (Pantheon) kilisesinin ciltlerinin sert ifadesi ve dekorunun cimriliği"; "Batı Avrupa ülkelerinin mimarisinde klasisizmin özellikleri"; "Batı Avrupa Klasisizminin Seçkin Mimarları".

Ek okuma için kitaplar

Arkın D. E. Mimari imgeler ve heykel imgeleri. M., 1990. Kantor A. M. ve diğerleri, XVIII.Yüzyıl sanatı. M., 1977. (Küçük sanat tarihi).

Klasisizm ve Romantizm: Mimari. Heykel. Tablo. Çizim / ed. R. Toman. M., 2000.

Kozhina E.F. 18. yüzyıl Fransa sanatı. L., 1971.

LenotrJ. Gündelik Yaşam Versailles kralların altında. M., 2003.

Miretskaya N. V., Miretskaya E. V., Shakirova I. P. Aydınlanma Kültürü. M., 1996.

Watkin D. Batı Avrupa mimarisinin tarihi. M., 1999. Fedotova E.D. Napolyon İmparatorluğu. M., 2008.