İtalya'da rönesansın ideal şehirleri. Rönesans'ın sanatsal kültürü
SAYFA \* MERGEFORMAT 2
Federal ajans demiryolu taşımacılığı
Sibirya Devlet Üniversitesi iletişim araçları
"Felsefe" Bölümü
RÖNESANS'IN SANATSAL İMGELERİ
Makale
"Kültüroloji" disiplininde
Kafa Tasarımı
Profesör öğrenci gr. D-111
Bystrova A.N. ___________ Kamyshova E.V.
(imza) (imza)
08.12.2012
(muayene tarihi) (muayene için teslim tarihi)
yıl2012
giriiş
Rönesans, kalkınma tarihinin en parlak dönemlerinden biri olarak kabul edilir. Avrupa kültürü. Canlanma, Orta Çağ'dan yeni zamana geçiş sürecinde kültürel bir alt üst oluşun (bir dönüm noktası, bir kayma) yaşandığı bütün bir kültürel dönem diyebiliriz. Temel değişiklikler mitolojinin ortadan kaldırılmasıyla ilişkilidir.
Rönesans teriminin kökenine rağmen (fr. Rönesans, "Rönesans"), antik çağın yeniden canlanması olmadı ve olamazdı. İnsan geçmişine geri dönemez. Antik çağın derslerini kullanan Rönesans, yenilikler getirdi. Tüm antik türleri hayata döndürmedi, yalnızca zamanının ve kültürünün özlemlerinin özelliği olan türleri hayata döndürdü. Rönesans, antik çağın yeni bir okumasını yeni bir Hıristiyanlık okumasıyla birleştirdi.
Seçilen konunun alaka düzeyi, modern çağ ile Rönesans arasındaki bağlantıdan kaynaklanmaktadır - bu, her şeyden önce, değerler sisteminde, var olan her şeyin ve onunla ilgili olarak değerlendirilmesinde bir devrimdir.
Çalışmanın temel amacı, ele alınan dönemin en büyük figürlerinin dünya görüşünde meydana gelen köklü değişiklikleri göstermektir.
1. Rönesans Kültürü
XIII-XVI Yüzyıllar ekonomi, politika ve kültürde büyük değişimlerin yaşandığı bir dönem olmuştur. Şehirlerin hızlı büyümesi ve zanaatların gelişmesi ve daha sonra fabrika üretimine geçiş, ortaçağ Avrupa'sının çehresini değiştirdi.
Şehirler ön plana çıktı. Bundan kısa bir süre önce, ortaçağ dünyasının en güçlü güçleri - imparatorluk ve papalık - derin bir kriz içindeydi. İÇİNDE XVI. yüzyılda, Alman ulusunun çürüyen Kutsal Roma İmparatorluğu, ilk iki anti-feodal devrime - Almanya'daki Büyük Köylü Savaşı ve Hollanda Ayaklanması - sahne oldu.
Çağın geçiş doğası, hayatın her alanında yer alan ortaçağ yollarından kurtulma süreci, aynı zamanda, ortaya çıkan kapitalist ilişkilerin hala az gelişmiş olması, o dönemin sanatsal kültürünün ve estetik düşüncesinin özelliklerini etkileyemezdi. .
A. V. Stepanov'a göre, toplum yaşamındaki tüm değişikliklere, geniş bir kültür yenilenmesi eşlik etti - doğa ve kesin bilimlerin gelişmesi, ulusal dillerde edebiyat ve güzel sanatlar. İtalya şehirlerinden başlayan bu yenilenme daha sonra diğer Avrupa ülkelerini de etkisi altına aldı. Yazar, matbaanın icadından sonra edebi ve bilimsel eserlerin yayılması için benzeri görülmemiş fırsatların ortaya çıktığına ve ülkeler arasında daha düzenli ve yakın iletişimin yeni sanatsal akımların nüfuz etmesine katkıda bulunduğuna inanıyor.
Bu, Orta Çağ'ın yeni akımların önünde gerilediği anlamına gelmiyordu: kitle bilincinde geleneksel fikirler korunuyordu. Kilise, bir ortaçağ aracı olan Engizisyon kullanarak yeni fikirlere direndi. İnsanın özgürlüğü fikri, sınıflara bölünmüş bir toplumda var olmaya devam etti. Köylülerin feodal bağımlılık biçimi tamamen ortadan kalkmadı ve bazı ülkelerde (Almanya, Orta Avrupa) serfliğe dönüş oldu. Feodal sistem oldukça fazla canlılık gösterdi. Her Avrupa ülkesi bunu kendi tarzında ve kendi kronolojik çerçevesi içinde yaşadı. kapitalizm uzun zamandır hem kentte hem de kırsalda üretimin sadece bir bölümünü kapsayan bir yaşam biçimi olarak var olmuştur. Bununla birlikte, ataerkil ortaçağ yavaşlığı geçmişe doğru çekilmeye başladı.
Büyük coğrafi keşifler bu atılımda büyük rol oynadı. Örneğin, 1492'de. Hindistan'a giden bir yol arayan H. Columbus, Atlantik Okyanusu'nu geçti ve yeni bir kıta olan Amerika'yı keşfederek Bahamalar'ın yakınına indi. 1498'de Afrika'yı dolaşan İspanyol gezgin Vasco da Gama, gemilerini başarıyla Hindistan kıyılarına getirdi. İLE XVI. V. Avrupalılar, daha önce hakkında çok belirsiz bir fikre sahip oldukları Çin ve Japonya'ya sızıyorlar. 1510'dan itibaren Amerika'nın fethi başlar. İÇİNDE XVII. V. Avustralya keşfedildi. Dünyanın şekli fikri değişti: F. Magellan'ın dünya turu, top şeklinde olduğu varsayımını doğruladı.
Dünyevi her şeyi hor görmenin yerini artık gerçek dünyaya, insana, doğanın güzelliğinin ve ihtişamının bilincine olan açgözlü bir ilgi alıyor ve bu, Rönesans'ın kültürel anıtlarını analiz ederek kanıtlanabilir. Orta Çağ'da teolojinin bilim üzerindeki tartışılmaz üstünlüğü, hakikatin en yüksek ölçüsü haline gelen insan aklının sınırsız olanaklarına olan inançla sarsılır. Yeni seküler entelijansiyanın temsilcileri, ilahi olana karşı insana olan ilgiyi vurgulayarak, kendilerini "hümanistler" olarak adlandırdılar ve bu kelimeyi "" kavramından aldılar. insancıl çalışma ”, insan doğası ve onun manevi dünyasıyla bağlantılı her şeyin incelenmesi anlamına gelir.
Rönesans'ın eserleri ve sanatı için sınırsız özgür bir varlık fikri yaratıcı olanaklar. Rönesans estetiğinde ve güzel, yüce, kahramanlık anlayışında insanmerkezcilikle ilişkilendirilir. Güzel bir sanatsal ve yaratıcı insan kişiliği ilkesi, Rönesans teorisyenleri tarafından her türlü oranı, simetriyi ve perspektifi matematiksel olarak hesaplama girişimiyle birleştirildi.
Bu çağın estetik ve sanatsal düşüncesi, ilk kez insan algısına ve dünyanın duyusal olarak gerçek bir resmine dayanmaktadır. Burada, dini ve ahlaki yorumları ne olursa olsun, yaşam duyumlarına yönelik öznelci-bireyci susuzluk da dikkat çekicidir, ancak ikincisi prensipte reddedilmemektedir. Rönesans estetiği, sanatı doğanın taklidine odaklar. Bununla birlikte, burada ilk etapta, sanatçı kadar doğa değildir. yaratıcı aktivite Tanrı'ya benzetilir.
E. Chamberlin, zevki sanat eserlerinin algılanması için en önemli ilkelerden biri olarak görüyor, çünkü bu, önceki estetik teorilerin skolastik "öğrenme"sinin aksine önemli bir demokratik eğilimi gösteriyor.
Rönesans'ın estetik düşüncesi, yalnızca Orta Çağ'daki ilahi kişiliğin aksine insan bireyinin mutlaklaştırılması fikrini değil, aynı zamanda mutlak kendini olumlamaya dayanan bu tür bireyciliğin sınırlamalarına dair belirli bir farkındalığı da içerir. bireysel. Dolayısıyla, W. Shakespeare, M. Cervantes, Michelangelo ve diğerlerinin eserlerinde bulunan trajedinin motifleri, bu, eski ortaçağ mutlaklarından ayrılan, ancak tarihsel koşullar nedeniyle henüz yeni bir şey bulamayan bir kültürün çelişkili doğasıdır. güvenilir temeller
Sanat ve bilim arasındaki bağlantı, kültürün karakteristik özelliklerinden biridir. Sanatçılar bilimlerde destek aradılar ve genellikle gelişimlerini teşvik ettiler. Rönesans, aralarında birincilik Leonardo da Vinci'ye ait olan sanatçı-bilim adamlarının ortaya çıkışıyla dikkat çekiyor.
Bu nedenle, Rönesans'ın görevlerinden biri, insanın ilahi güzelliklerle dolu bir dünyayı idrak etmesidir. Dünya insanı cezbeder çünkü o, Tanrı tarafından ruhsallaştırılmıştır. Ancak Rönesans'ta, bir kişinin varoluşunun trajedisini hissetmesine yönelik başka bir eğilim vardı.
2. Büyük ustaların eserlerinde dünya ve insan imgesi Rönesans
"Rönesans" terimi (Fransızca "Rönesans" teriminin çevirisi) bir bağlantıya işaret eder. yeni kültür antik ile. Avrupalılar, Haçlı Seferleri döneminde Doğu ile, özellikle Bizans ile tanışmanın bir sonucu olarak, eski hümanist el yazmaları, eski güzel sanatlar ve mimarinin çeşitli anıtları ile tanıştı. Tüm bu eski eserler, kısmen toplandıkları ve incelendikleri İtalya'ya taşınmaya başlandı. Ancak İtalya'nın kendisinde bile, İtalyan şehir aydınlarının temsilcileri tarafından da dikkatle incelenmeye başlayan birçok antik Roma anıtı vardı. İtalyan toplumunda klasik antik dillere derin bir ilgi doğdu. antik felsefe, tarih ve edebiyat. Floransa şehri bu harekette özellikle önemli bir rol oynadı. Yeni kültürün bir dizi seçkin figürü Floransa'dan çıktı.
Yeni burjuvazi, bir zamanlar en canlı, ekonomik anlamda antik çağ şehirleri yaratan eski ideolojiyi kullanarak, onu kendi tarzında elden geçirdi ve daha önce hüküm süren feodalizm dünya görüşüne keskin bir şekilde zıt yeni dünya görüşünü formüle etti. Yeni İtalyan kültürünün ikinci adı - hümanizm bunu kanıtlıyor.
Hümanist kültür, ortaçağ ideolojisinde olduğu gibi ilahi, uhrevi olanı değil, insanın kendisini (insan - insan) dikkatinin merkezine koydu. Çileciliğin artık hümanist dünya görüşünde yeri yoktu. İnsan bedeni, tutkuları ve ihtiyaçları, bastırılması veya eziyet edilmesi gereken "günahkar" bir şey olarak değil, kendi içinde bir amaç, hayattaki en önemli şey olarak görülüyordu. Dünyevi varoluş tek gerçek olarak kabul edildi. Doğanın ve insanın bilgisi, bilimin özü ilan edildi. Ortaçağ skolastiklerinin ve mistiklerinin dünya görüşüne hakim olan karamsar motiflerin aksine, Rönesans halkının dünya görüşü ve ruh halindeki iyimser motifler galip geldi; insana, insanlığın geleceğine, insan aklının ve aydınlanmanın zaferine olan inançla karakterize edildiler. Olağanüstü şairler ve yazarlar, bilim adamları ve figürlerden oluşan bir galaksi Çeşitli türler sanat bu büyük yeni entelektüel harekete katıldı. İtalya'nın görkemi harika sanatçılar tarafından getirildi: Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Raphael, Titian.
Rönesans'ın şüphesiz başarısı, resmin geometrik olarak doğru inşasıydı. Sanatçı, geliştirdiği teknikleri kullanarak görüntüyü oluşturdu. O zamanın ressamları için asıl mesele, nesnelerin oranlarını gözlemlemekti. Doğa bile matematiksel oyunların altına düştü.
Başka bir deyişle, Rönesans'taki sanatçılar, örneğin doğanın zemininde bir kişinin doğru bir görüntüsünü aktarmaya çalıştılar. Bir tür tuval üzerinde görülen bir görüntüyü yeniden yaratmanın modern yöntemleriyle karşılaştırıldığında, büyük olasılıkla, sonraki düzeltmeli bir fotoğraf, Rönesans sanatçılarının ne için uğraştığını anlamaya yardımcı olacaktır.
Rönesans ressamları, doğanın kusurlarını düzeltme hakkına sahip olduklarına inanıyorlardı, yani bir kişinin yüz hatları çirkinse, sanatçılar yüzü tatlı ve çekici hale getirecek şekilde düzelttiler.
tasvir eden İncil hikayeleri, Rönesans sanatçıları, İncil hikayeleri kullanılırsa, insanın dünyevi tezahürlerinin daha net tasvir edilebileceğini netleştirmeye çalıştılar. O dönemin sanatçılarının eserlerini tanımaya başlarsanız, düşüşün, günaha, cehennemin veya cennetin ne olduğunu anlayabilirsiniz. Madonna'nın aynı görüntüsü bize bir kadının güzelliğini aktarır ve aynı zamanda dünyevi insan sevgisi anlayışını taşır.
Böylece Rönesans sanatında dünyayı ve insanı bilimsel ve sanatsal idrak yolları iç içe geçmiştir. Bilişsel anlamı, yüce şiirsel güzellikle ayrılmaz bir şekilde bağlantılıydı; doğallık arayışında, günlük yaşamın önemsizliğine inmedi. Sanat, evrensel bir manevi ihtiyaç haline geldi.
Çözüm
Dolayısıyla, Rönesans veya Rönesans, insanlığın yaşamında sanat ve bilimde muazzam bir yükselişin damgasını vurduğu bir dönemdir. Rönesans, insanı hayatın en yüksek değeri olarak ilan etti.
Sanatta ana tema, sınırsız ruhsal ve yaratıcı olanaklara sahip bir insandı.Rönesans sanatı, Yeni Çağ Avrupa kültürünün temellerini attı ve tüm ana sanat türlerini kökten değiştirdi.
Mimaride yeni tip kamu binaları gelişmiştir.Boyama çizgisel ve zenginleştirilmiş hava perspektifi insan vücudunun anatomisi ve oranları hakkında bilgi.Dünyevi içerik, sanat eserlerinin geleneksel dini temalarına nüfuz etti. Artan ilgi antik mitoloji, tarih, günlük sahneler, manzara, portre. Bir resim vardı, bir resim vardı. yağlı boyalar. Sanatçının yaratıcı bireyselliği sanatta ilk sırayı aldı.
Rönesans sanatında dünyayı ve insanı bilimsel ve sanatsal idrak yolları iç içe geçmiştir.Sanat, evrensel bir manevi ihtiyaç haline geldi.
İnsanlık tarihinin en güzel dönemlerinden biri kuşkusuz Rönesans'tır.
KAYNAKÇA
- Kustodieva T.K. XIII-XVI YÜZYIL RÖNESANSI İTALYAN SANATI (MAKALE KILAVUZU) / Т.К. KUSTODIEVA, ART, 1985. 318 S.
- RÖNESANS KÜLTÜRÜNDE AŞK VE GÜZELLİK İMGELERİ / L.M. BRAGINA, M., 2008. 309 S.
- Stepanov A.V. RÖNESANS SANATI. İTALYA XIV-XV YÜZYILLAR / M.Ö. STEPANOV, M., 2007. 610 S.
- Stepanov A.V. RÖNESANS SANATI. HOLLANDA, ALMANYA, FRANSA, İSPANYA, İNGİLTERE / A.V. STEPANOV, AZBUKA-KLASİKLERİ, 2009. 640 S.
- CHAMBERLIN E. RÖNESANS ÇAĞI. HAYAT, DİN, KÜLTÜR / E. CHAMBERLIN, CENTERPOLYGRAPH, 2006. 240 S.
giriiş
Yeni bir dünya görüşü ve yeni bir Sanat tarzı 14. yüzyılın sonunda İtalya'da ortaya çıktı. İlk şehir planlama fikirleri, şehri önceden belirlenmiş bir plana göre mimari bir bütün olarak temsil ediyordu. Bu fikirlerin etkisiyle, dar ve eğri büğrü orta çağ sokakları yerine İtalyan şehirleri büyük binalarla inşa edilmiş daha geniş düz sokaklar görünmeye başladı.
Rönesans döneminde meydanların düzeni ve mimarisi 15.-16. yüzyıllarda şekillendi. Roma ve diğerlerinde büyük şehirlerİtalya.
Bu dönemde, yeni kentsel planlama ilkeleri kullanılarak burada birkaç şehir yeniden inşa edildi. Çoğu durumda, bu tür şehirlerdeki saraylar, bazen üç kirişli kompozisyonların başlangıcını temsil eden merkezi meydanlarda bulunuyordu.
Rönesans şehirleri, sosyal değişimlerin etkisiyle yavaş yavaş yeni özellikler kazandı. Ancak, arazinin özel mülkiyeti ve geri teknoloji nedeniyle, eski şehirden yeni şehire hızlı bir şekilde geçmek imkansızdı. Rönesans'ın tüm dönemlerinde, şehir planlamacılarının ana çabaları, şehir merkezinin - meydanın ve en yakın mahallelerin - gelişimine yönelikti. XVIII.Yüzyılda monarşik devletlerin altın çağında. şehirlerin merkez meydanlarının topluluklarına ana dekorasyonları olarak olağanüstü önem verildi. Şehir meydanları çoğunlukla geometrik olarak doğru ana hatlara sahipti.
Antik Yunan ve Roma meydanlarının mimarisi sütunlar ve revaklarla karakterize edildiyse, o zaman Rönesans döneminin meydanları için pasajlar, tüm kare sistemlerinin gelişmesiyle aynı anda gelişen yeni unsurlar haline geldi.
Çoğu ortaçağ şehrinde dekoratif yeşillik yoktu. Manastır bahçelerinde meyve bahçeleri yetiştirildi; kasaba halkının meyve bahçeleri veya üzüm bağları şehir surlarının arkasındaydı. 18. yüzyılda Paris'te. sokaklar, kırpılmış yeşillikler, çiçek bahçesi parterleri belirir. Ancak saray ve kalelerin parkları özel mülkiyete aitti. Çoğu Avrupa kentindeki halk bahçeleri ancak 18. yüzyılın sonunda ortaya çıkıyor.
Orta Çağ'daki su havzaları, özünde, mahallelerini bölerek şehrin gelişmesine engel oldu ve dar pratik amaçlara hizmet etti. 18. yüzyıldan beri nehirler, şehirlerin bağlantı unsurları olarak ve uygun koşullarda - kompozisyon eksenleri olarak kullanılmaya başlandı. Canlı bir örnek, St. Petersburg'daki Neva ve Nevka nehirlerinin akıllı şehir planlaması kullanımıdır. Köprülerin inşası ve bentlerin inşası, şehir planlamasında bu yönü pekiştirdi.
Ortaçağ döneminde, şehrin silüeti büyük ölçüde şehir idareleri, kiliseler ve kamu binaları üzerindeki sivri kulelerle tanımlanıyordu. Şehrin silueti, birçok küçük dikey ve birkaç baskın olanla tanımlandı. Kentin siluetinin yeni sanatsal anlayışıyla bağlantılı olarak, yüksek ortaçağ çatıları yavaş yavaş ortadan kaldırıldı, Rönesans binaları tavan arası ve korkuluklu çatılarla tamamlandı.
Bina ölçeğindeki artış ve yeni kaplama türleri ile şehrin silueti, şehir panoramalarında baskın bir rol alan düzgün hatlı kubbelerle yumuşatılıyor. Değişimleri, ağaçları büyük ölçüde binaları gizleyen bahçeler ve parklardan büyük ölçüde etkilendi.
Rönesans mimarları, şehir planlamasında katı ifade araçları kullandılar: harmonik oranlar, çevreleyen mimari ortamın bir ölçüsü olarak bir kişinin ölçeği.
Gelişmekte olan İtalyan burjuvazisinin ortaçağ din, ahlak ve hukuk biçimlerine karşı ideolojik mücadelesi, geniş bir ilerici hareketle sonuçlandı - hümanizm. Hümanizm, kentsel yaşamı onaylayan ilkelere dayanıyordu: insan kişiliğini ruhsal kısıtlamadan kurtarma arzusu, dünya ve kişinin kendisi hakkında bilgi edinme açlığı ve bunun sonucu olarak, laik sosyal yaşam biçimlerine duyulan özlem, insanın çok yönlü uyumlu gelişimi için doğanın kanunları ve güzelliği hakkında bilgi edinme arzusu. Dünya görüşündeki bu değişimler, manevi yaşamın tüm alanlarında - sanat, edebiyat, felsefe, bilim - bir devrime yol açtı. Hümanistler, faaliyetlerinde büyük ölçüde eski ideallere güvendiler, genellikle yalnızca fikirleri değil, aynı zamanda biçimlerin kendilerini ve eski eserlerin ifade araçlarını da canlandırdılar. Bu bağlamda, İtalya'nın XV-XVI yüzyıllardaki kültürel hareketi. rönesans veya diriliş olarak adlandırılan
Hümanist dünya görüşü, bireyin gelişimini teşvik etti, kamusal yaşamdaki önemini artırdı. Ustanın bireysel tarzı, sanat ve mimarinin gelişmesinde artan bir rol oynadı. Hümanizm kültürü, Brunellesco, Leonardo da Vinci, Bramante, Raphael, Michelangelo, Palladio ve diğerleri gibi parlak mimarlar, heykeltıraşlar, sanatçılardan oluşan bir galaksi ortaya çıkardı.
"İdeal bir insan imajı" yaratma arzusu, dünyanın sanatsal keşif yöntemleri arayışıyla birleştiğinde, sanatın hızla gelişen bilimle yakın birliğine dayanan bir tür bilişsel Rönesans gerçekçiliğine yol açtı. Mimaride, eksiksiz ve eksiksiz bir kompozisyona dayalı "ideal" bina biçimleri arayışı, belirleyici trendlerinden biri haline geldi. Yeni sivil ve dini yapı türlerinin gelişmesiyle birlikte, mimari düşüncenin gelişimi devam ediyor, modern deneyimin, özellikle tarihi ve her şeyden önce eski olanların teorik genellemelerine acil bir ihtiyaç var.
Üç dönem dönemleri İtalyan Rönesansı
İtalya'daki Rönesans mimarisi üç ana döneme ayrılır: erken, yüksek ve geç. mimarlık merkezi Erken Rönesans ana şehir olan Toskana idi - Floransa. Bu dönem, 15. yüzyılın ikinci çeyreği ile ortalarını kapsamaktadır. Mimaride Rönesans'ın başlangıcı, Floransa Katedrali'nin kubbesinin inşasının başladığı 1420 olarak kabul edilir. Büyük bir merkezli formun yaratılmasına yol açan inşaat başarıları, Yeni Çağ mimarisinin bir tür sembolü haline geldi.
1. Erken Rönesans dönemi
Mimaride erken Rönesans, her şeyden önce ünlü mimar mühendis Filippo tarafından yaratılan bina biçimleriyle karakterize edilir. Brunellesco (15. yüzyılın ilk yarısı). Özellikle Floransa'daki Yetimhanede sivri kemer yerine hafif yarım daire biçimli bir kemer kullanmıştır. Gotik mimarinin özelliği olan nervürlü tonoz, yerini yeni bir tasarıma - değiştirilmiş bir kutu tonoz - bırakmaya başladı. Ancak kemerin neşter formları 16. yüzyılın ortalarına kadar kullanılmaya devam etmiştir.
Brunellesco'nun göze çarpan yapılarından biri, Floransa'daki Santa Maria del Fiore Katedrali'nin 14. yüzyıldan beri yarım kalan devasa kubbesiydi.
Mimar tarafından oluşturulan büyük bir kubbe biçiminde, Gotik neşter kemerinin yankısı dikkat çekicidir. Bu katedralin kubbesinin açıklığı büyüktür - 42m. Tuğladan yapılmış kubbenin tonozları, demir levhalarla kaplı sekizgen kütük kaide üzerine oturmaktadır. Katedralin bir tepe üzerindeki başarılı konumu ve yüksek yüksekliği (115 m) sayesinde, üst kısmı, özellikle kubbesi, Floransa'nın mimari panoramasına ciddiyet ve özgünlük katıyor.
Sivil mimari, İtalyan Rönesans mimarisinde önemli bir yer işgal etti. Öncelikle, konutlara ek olarak tören resepsiyonları için tasarlanan büyük şehir saraylarını (palazzo) içerir. Mermer kaplama ve heykellerin yardımıyla sert Romanesk ve Gotik kıyafetlerini yavaş yavaş atan Orta Çağ sarayları neşeli bir görünüm kazandı.
Rönesans cephelerinin özellikleri, sütunlarla ayrılmış devasa kemerli pencere açıklıkları, birinci katların taşlarla rustikleştirilmesi, üst levhalar, geniş çıkıntılı kornişler ve ince ince işlenmiş detaylardır. Sade cephelerin aksine, iyi aydınlatılmış iç mekanların mimarisi neşeli bir karaktere sahiptir.
Erken Rönesans saraylarının cephelerinin dekorasyonu için genellikle paslanma kullanılmıştır. Rustikleştirme için taşlar genellikle işlenmemiş (yontulmuş) bir ön yüzeye ve temiz bir şekilde yontulmuş bir sınır yoluna sahiptir. Kat sayısı arttıkça rustikleşmenin verdiği rahatlama azalmıştır. Daha sonra sadece toplumların işlenmesinde ve bina köşelerinde rustik süsleme korunmuştur.
XV.Yüzyılda. İtalyan mimarlar genellikle Korint düzenini kullandılar. Genellikle bir binada birkaç siparişi birleştirme vakaları vardı: alt katlar için - bir Dor düzeni ve üst katlar için - İyon tipine oranlar ve desen bakımından yakın bir başlık bileşimi.
15. yüzyılın ortalarına ait saray mimarisinin örneklerinden biri. Floransa'da, Floransa hükümdarı Cosimo Medici'nin emriyle 1444-1452 döneminde mimar Michelozzo di Bartolomeo'nun projesine göre inşa edilen üç katlı Medici-Ricardi Sarayı hizmet verebilir. Medici Sarayı'nın cephe şemasına göre, daha sonra diğer şehirlerde yüzlerce saray inşa edildi.
Sarayın kompozisyonunun daha da geliştirilmesi palazzo'dur. Rucchelai Floransa'da 1446–1451'de inşa edildi Leon Battista Alberti (1404–1472) tarafından tasarlanmıştır. Antik Roma Kolezyumu gibi, cephesi de alt kattaki en basit Dor düzeninden üst kattaki daha ince ve zengin Korint düzenine geçişle sıralara göre katlara bölünmüştür.
Palazzo Medici-Riccardi'de duvarların rustikleştirilmesiyle yaratılan binanın yukarı doğru aydınlatılması izlenimi, burada yukarı doğru aydınlatılan kademeli bir düzen sistemi şeklinde ifade ediliyor. Aynı zamanda, büyük taç kornişi, üst katın yüksekliği ile değil, bir bütün olarak binanın yüksekliği ile ilişkilidir, bu nedenle kompozisyon, bütünlük ve statik özellikler kazanmıştır. Cephenin geliştirilmesinde hala kaydedilmiştir. geleneksel motifler: orta çağ pencerelerinden gelen çift kemerli pencereler, duvarların rustikliği, bulutun genel anıtsallığı, vb.
Pazzi Şapeli (1430-1443) - manastırın avlusunda yer alan kubbeli bir yapı. Cephe kompozisyonunda, yelken kubbesinin hakim olduğu salonun hacmi ile bir düzene göre disseke edilmiş bir iç yapı sergilenmiştir. Eksen boyunca bir kemerle kesilen ve ince bir şekilde disseke edilmiş bir çatı katıyla tamamlanan revak, sundurmanın iç duvarındaki kartelize pilasterler ve tonozlu tavandaki kemerlerin çıkıntılı mafsalları ile uyum sağlar.
Düzenlerin yazışmaları ve sundurma ve sunak kısmındaki küçük kubbelerin tekrarı, cephenin iç mekanla organik bağlantısına katkıda bulunur. İçerideki duvarlar düz bir şekilde parçalara ayrılmıştır, ancak tonozların bölümlerinde devam eden renkli pilastrlarla vurgulanmıştır, mekan inşa etme mantığı, tektonik sistem hakkında bir fikir verir. Üç boyutlu olarak gelişen düzen, ana parçaların birliğini ve bağlılığını vurgular. Görsel "çerçeve" aynı zamanda kubbenin içeriden diseksiyonunu da karakterize ediyor, bu da bir şekilde Gotik sinir tonozlarının yapısını anımsatıyor. Bununla birlikte, düzen biçimlerinin uyumu ve tektonik yapının netliği, denge ve insanla ölçülebilirlik, yeni mimari ideallerin Orta Çağ ilkeleri üzerindeki zaferinden bahseder.
Brunellesco ve Michelozzo da Bartolomeo ile birlikte, çalışmaları esas olarak Toskana ve Kuzey İtalya ile ilişkilendirilen diğer ustalar (Rosselino, Benedetto da Maiano, vb.) da yeni mimarinin gelişmesinde önemli bir rol oynadı. Palazzo Ruccellai'ye ek olarak bir dizi büyük yapı (Santa Maria Novella Kilisesi'nin cephesi, Mantua'daki Sant'Andrea Kilisesi vb.) İnşa eden Alberti bu dönemi tamamlıyor.
2. Dönem Yüksek Rönesans
Yüksek Rönesans dönemi, 15. yüzyılın sonları - 16. yüzyılın ilk yarısını kapsar. Bu zamana kadar, ana ticaret yollarının Akdeniz'den Atlantik Okyanusu'na taşınması nedeniyle İtalya, iyi bilinen bir ekonomik gerileme ve endüstriyel üretimde bir azalma yaşıyordu. Çoğunlukla burjuvazi toprak satın aldı ve tefecilere ve toprak sahiplerine dönüştü. Burjuvazinin feodalleşme sürecine kültürün genel bir aristokratlaşması eşlik eder, ağırlık merkezi soyluların mahkeme çevresine aktarılır: dükler, prensler, papalar. Roma, kültürün merkezi haline gelir - genellikle hümanist düşünen aristokrasinin temsilcileri arasından seçilen papaların ikametgahı. Roma'da dev inşaat çalışmaları devam ediyor. Papalık mahkemesinin kendi prestijini yükseltmek için üstlendiği bu girişimde hümanist topluluk, büyüklüğü yeniden canlandırma deneyimini gördü. Antik Roma ve onunla birlikte tüm İtalya'nın büyüklüğü. 1503'te tahta çıkan mahkemede. Hümanist Papa II.
Bu dönemin mimarisinde, Rönesans'ın ana özellikleri ve eğilimleri bitmiş ifadesini alır. En mükemmel merkezli kompozisyonlar oluşturulur. Bu dönemde yalnızca özel değil, aynı zamanda kamuya ait bir binanın özelliklerini kazanan ve bu nedenle belirli bir alanda sonraki birçok kamu binasının prototipi haline gelen kentsel palazzo türü nihayet şekilleniyor. özelliğin üstesinden gelmek erken periyot Canlanma kontrastı (palazzo ve avlusunun dış görünümünün mimari özellikleri arasında. Eski anıtlarla daha sistematik ve arkeolojik olarak doğru bir tanışmanın etkisi altında, düzen kompozisyonları daha titiz hale gelir: İon ve Korint düzeniyle birlikte, daha basit ve daha anıtsal siparişler yaygın olarak kullanılmaktadır - Roma Dor ve Toskana ve sütunlar üzerinde ince bir şekilde tasarlanmış bir pasaj, yerini daha anıtsal bir sıra pasajına bırakmaktadır. Genel olarak, Yüksek Rönesans kompozisyonları daha fazla önem, titizlik ve anıtsallık kazanır. topluluk gerçek bir temele oturtulmuştur. Kır villaları, bütünleşik mimari kompleksler olarak inşa edilmektedir.
Bu dönemin en önemli mimarı Donato d'Angelo Bramante'dir (1444-1514). Bramante'ye atfedilen Cancelleria binası (ana papalık ofisi) Roma'da - seçkin saray binalarından biri - kemerlerle çevrili dikdörtgen bir avluya sahip devasa bir paralel yüzlüdür. Cephelerin uyumlu kompozisyonu, Palazzo Ruccellai'de ortaya konan ilkeleri geliştirir, ancak genel ritmik yapı, daha karmaşık ve ciddi bir görüntü oluşturur. Bodrum olarak ele alınan birinci kat, hafif bir üst kısım ile kontrastı yoğunlaştırdı. Büyük önem kompozisyonda, büyük açıklıklar ve onları çerçeveleyen platbandlar tarafından oluşturulan ritmik olarak düzenlenmiş plastik vurgular elde etti. Yatay eklemlerin ritmi daha da netleşti.
Bramante'nin dini binaları arasında, Montrrio'daki San Pietro manastırının avlusunda Tempietto adı verilen küçük bir şapel öne çıkıyor. (1502) - planda dairesel bir pasajla çevrelenmesi gereken oldukça sıkışık bir avlu içinde yer alan bir yapı.
Şapel, Roma Dor sütun dizisiyle çevrili kubbeli bir rotundadır. Bina, oranların mükemmelliği ile ayırt edilir, düzen katı ve yapıcı bir şekilde yorumlanır. Doğrusal-düzlemsel duvar gelişiminin hakim olduğu (Pazzi Şapeli) erken Rönesans'ın merkezli binalarıyla karşılaştırıldığında, Tempietto'nun hacmi plastiktir: düzenli plastisitesi, bileşimin tektonik bütünlüğüne karşılık gelir. Rotunda'nın yekpare çekirdeği ile sütun dizisi arasındaki, duvarın pürüzsüzlüğü ile derin nişlerin ve pilasterlerin plastisitesi arasındaki karşıtlık, kompozisyonun ifade gücünü vurgular. tam uyum ve bütünlük. Küçük boyutuna rağmen Tempietto, anıtsallık izlenimi veriyor. Daha şimdiden Bramante'nin çağdaşları tarafından bu bina mimarinin şaheserlerinden biri olarak kabul edildi.
1505'ten itibaren Papa II. Julius'un sarayının baş mimarı olan Bramante. Vatikan'ı yeniden inşa etmeye çalışıyor. Belvedere'nin görkemli exedra'sı tarafından kapatılan, tek bir eksene bağlı, farklı seviyelerde yer alan tören binaları ve ciddi avlulardan oluşan görkemli bir kompleks tasarlandı. Bu, özünde, bu kadar görkemli tasarımın ilk Rönesans topluluğu, antik Roma forumlarının kompozisyon teknikleri ustaca kullanıldı. Papalık konutunun, Bramante projesinin de kabul edildiği inşaatı için Roma'daki başka bir görkemli bina olan Peter Katedrali ile bağlantılı olması gerekiyordu. Merkezi kompozisyonun mükemmelliği ve Peter Bramante Katedrali projesinin görkemli kapsamı, bu çalışmayı Rönesans mimarisinin gelişiminin zirvesi olarak düşünmek için sebep veriyor. Bununla birlikte, proje ayni olarak gerçekleştirilmeye mahkum değildi: Bramante'nin hayatı boyunca, katedralin inşasına yeni başlandı ve mimarın ölümünden 32 yıl sonra 1546'dan itibaren Michelangelo'ya devredildi.
Bramante ile birlikte Aziz Petrus Katedrali'nin tasarımı yarışmasında ve Vatikan binalarının inşası ve boyanmasında yer aldı. Büyük sanatçı ve adını alan Vatikan'ın ünlü sundurmalarını ("Raphael'in sundurmaları") inşa eden ve boyayan mimar Raphael Santi ve hem Roma'nın kendisinde hem de dışında bir dizi dikkate değer yapı (inşaat ve Roma'daki Villa Madama'nın resmi, Floransa'daki Pandolfini Sarayı vb.).
Bramante'nin en iyi öğrencilerinden biri olan mimar Antonio da Sangallo Jr., Roma'daki Palazzo Farnese projesinin sahibidir. , Rönesans sarayının gelişimini bir dereceye kadar tamamladı.
Cephesinin gelişiminde geleneksel rustikleşme ve dikey artikülasyonlar yoktur. Duvarın düzgün, tuğla sıvalı yüzeyinde, tüm cephe boyunca uzanan geniş yatay kuşaklar açıkça göze çarpmaktadır; sanki üzerlerine yaslanmış gibi, antik bir “edikül” biçiminde kabartmalı arşitravlı pencereler vardır. Birinci katın pencereleri, Floransa saraylarından farklı olarak üst katların pencereleriyle aynı ölçülere sahiptir. Bina, hala erken Rönesans saraylarının doğasında bulunan kale izolasyonundan kurtuldu. Avlunun sütunlar üzerinde hafif kemerli galerilerle çevrili olduğu 15. yüzyıl saraylarının aksine, burada yarım sütunlu anıtsal bir sıra kemer ortaya çıkıyor. Galerinin düzeni biraz daha ağır, ciddiyet ve temsili özellikler kazanıyor. Avlu ile cadde arasındaki dar geçit, ön bahçenin görünümünü ortaya çıkaran açık bir "antre" ile değiştirilmiştir.
3. geç dönem Rönesans
Rönesans'ın geç dönemi genellikle 16. yüzyılın ortası ve sonu olarak kabul edilir. Bu sırada İtalya'da ekonomik gerileme devam etti. Feodal soyluların ve Kilise Katolik örgütlerinin rolü arttı. Reform ve din karşıtı bir ruhun tüm tezahürleriyle mücadele etmek için Engizisyon kuruldu. Bu koşullar altında hümanistler zulüm görmeye başladılar. Engizisyon tarafından takip edilen önemli bir kısmı, İtalya'nın kuzey şehirlerine, özellikle de dini karşı reformun etkisinin o kadar güçlü olmadığı bağımsız bir cumhuriyetin haklarını elinde tutan Venedik'e taşındı. Bu bağlamda, sırasında geç Rönesans en çarpıcı olanı iki okuldu - Roma ve Venedik. Karşı reformun ideolojik baskısının, Yüksek Rönesans ilkelerinin gelişmesiyle birlikte mimarinin gelişimini güçlü bir şekilde etkilediği Roma'da, klasiklerden daha karmaşık kompozisyonlara, daha fazla dekoratifliğe, ihlallere doğru bir sapma var. formların, ölçeğin ve tektonisitenin netliği. Venedik'te, yeni eğilimlerin mimariye kısmen nüfuz etmesine rağmen, mimari kompozisyonun klasik temeli daha fazla korunmuştur.
Roma okulunun önemli bir temsilcisi, büyük Michelangelo Buonarroti'dir (1475-1564). Mimari eserlerinde, bu döneme özgü yeni bir biçim anlayışının temelleri atılır, büyük ifade, dinamik ve plastik ifade ile ayırt edilir. Roma ve Floransa'da yer alan çalışması, hümanizmin genel krizini ve toplumun ilerici çevrelerinin yaklaşan gerici güçler karşısında yaşadığı içsel kaygıyı ifade edebilecek imge arayışını özel bir güçle yansıtıyordu. Parlak bir heykeltıraş ve ressam olarak Michelangelo, sanatta ifade için parlak plastik araçlar bulmayı başardı. manevi güç kahramanları, manevi dünyalarının çözülmemiş çatışmaları, mücadeledeki muazzam çabaları. Mimari yaratıcılıkta bu, formların esnekliğinin ve yoğun dinamiklerinin vurgulanan tanımlamasına karşılık geldi. Michelangelo'nun düzeni genellikle tektonik önemini yitirdi, duvarları süslemek için bir araca dönüştü, ölçeği ve plastisitesiyle bir kişiyi şaşırtan geniş kitleler yarattı. Rönesans'a aşina mimari ilkeleri cesurca ihlal eden Michelangelo, daha sonra İtalyan Barok mimarisinde benimsenen yaratıcı bir tarzın kurucusuydu. mimari eser Michelangelo, Roma'daki Peter Katedrali'nin Bramante'nin ölümünden sonra tamamlanmasından bahsediyor. Bramante'nin planına yakın merkezli bir planı temel alan Michelangelo, yorumuna yeni özellikler getirdi: planı basitleştirdi ve iç mekanı genelleştirdi, destekleri ve duvarları daha masif hale getirdi ve batıdan ciddi bir sütun dizisine sahip bir revak ekledi. cephe. Üç boyutlu kompozisyonda, Bramante'nin projesindeki mekanların sakin dengesi ve tabiiyeti, ana kubbe ve kubbe altı mekanın vurgulanan hakimiyetine dönüştürülür. Cephelerin kompozisyonunda, netlik ve sadelik yerini daha karmaşık ve büyük plastik formlara bırakmış, duvarlar büyük bir çıkıntı ve pilastrlarla parçalara ayrılmıştır. Güçlü bir saçaklık ve yüksek tavan arası ile Korint düzeni; pilasterlerin arasına pencere açıklıkları, nişler ve çeşitli dekoratif öğeler (kornişler, kornişler, sandrikler, heykeller vb.) adeta payelerin içine sıkıştırılarak duvarlara neredeyse heykelsi bir plastiklik kazandırılarak yerleştirilmiştir.
Medici Şapeli'nin bileşiminde Floransa'daki San Lorenzo kilisesi (1520), Michelangelo'nun yaptığı iç mekan ve heykeller tek bir bütün halinde birleşti. Heykel ve mimari formlar iç gerilim ve dramla doludur. Keskin duygusal ifadeleri tektonik temele üstün gelir, düzen, sanatçının genel heykel anlayışının bir unsuru olarak yorumlanır.
Geç Rönesans'ın önde gelen Roma mimarlarından biri de “Beş Mimarlık Düzeninin Kuralı” adlı incelemenin yazarı Vignola'dır. Eserlerinden en önemlisi Caprarola kalesi ve Papa II. Julius'un villasıdır. . Rönesans döneminde, villa tipi uğrar önemli gelişme işlevsel içeriğindeki bir değişiklikle ilişkilidir. XV yüzyılın başında bile. genellikle duvarlarla çevrili ve hatta bazen savunma kuleleri olan bir kır malikanesiydi. XV yüzyılın sonunda. villa, zengin vatandaşlar (Floransa yakınlarındaki Villa Medici) ve 16. yüzyıldan itibaren bir ülke dinlenme yeri haline gelir. genellikle büyük feodal beylerin ve yüksek din adamlarının ikametgahı olur. Villa mahremiyetini yitirir ve çevredeki doğaya açık, cepheden eksenel bir yapı karakterine bürünür.
Papa II. Julius'un villası bu tipin bir örneğidir. Kesinlikle eksenel ve dikdörtgen kompozisyonu, dağ yamacındaki çıkıntılara inerek, açık, yarı açık ve kapalı alanlardan oluşan karmaşık bir oyun yaratır. çeşitli seviyeler. Kompozisyon, antik Roma forumlarından ve Vatikan mahkemelerinden etkilenmiştir.
Geç Rönesans'ın Venedik okulunun önde gelen ustaları, Venedik'teki San Marco Kütüphanesi'nin binasını (1536'da başladı) inşa eden Sansovino idi - Venedik merkezinin olağanüstü topluluğunun önemli bir bileşeni ve çoğu parlak temsilci Rönesans'ın klasik okulu - mimar Palladio.
Andrea Palladio'nun (1508 - 1580) faaliyetleri esas olarak, saray binaları ve villalar inşa ettiği Venedik'ten çok uzak olmayan Vicenza şehrinde ve esas olarak kilise binaları inşa ettiği Venedik'te ilerledi. Bir dizi binadaki çalışmaları, geç Rönesans'ın klasik karşıtı eğilimlerine bir tepkiydi. Klasik ilkelerin saflığını koruma çabası içinde Palladio, antik mirası inceleme sürecinde kazandığı zengin deneyime güveniyor. Sadece düzen formlarını değil, antik dönemin tüm unsurlarını ve hatta bina türlerini canlandırmaya çalışıyor. Yapısal olarak doğru olan revak düzeni, eserlerinin çoğunun ana teması haline gelir.
Villa Rotonda'da , Vicenza yakınlarında inşa edilen (1551'de başlayan) usta, kompozisyonun olağanüstü bütünlüğünü ve uyumunu elde etti. Bir tepe üzerinde yer alan ve uzaktan açıkça görülebilen dört cepheli revaklı villanın dört cephesi, kubbe ile birlikte net bir merkezli kompozisyon oluşturmaktadır.
Merkezde, çıkışların revakların altına çıktığı yuvarlak kubbeli bir salon vardır. Geniş portiko merdivenler binayı çevreleyen doğa. Merkezli kompozisyon, Rönesans mimarlarının kompozisyonun mutlak bütünlüğü, formların netliği ve geometrikliği, tek tek parçaların bütünle uyumlu bağlantısı ve binanın doğa ile organik kaynaşması konusundaki genel özlemlerini yansıtıyor.
Ancak bu "ideal" kompozisyon şeması tek kaldı. Çok sayıda villanın fiili yapımında Palladio, ana hacim ve ondan yanlara uzanan tek katlı düzen galerilerinden oluşan, sitenin hizmetleriyle iletişim kurmaya hizmet eden üç bölümlü şemaya daha fazla dikkat etti. villa cephesinin önündeki ön avlunun düzenlenmesi. Daha sonra malikane saraylarının inşasında çok sayıda takipçisi olan bu kır evi planıydı.
Kır villalarının hacimlerinin serbestçe geliştirilmesinin aksine, Palladio'nun kentsel sarayları genellikle büyük ölçekli ve anıtsal bir ana cephe ile sade ve özlü bir kompozisyona sahiptir. Mimar, geniş bir düzeni yaygın olarak kullanır ve bunu bir tür "sütun - duvar" sistemi olarak yorumlar. Çarpıcı bir örnek– saray kaptan (1576), duvarları, güçlü, gevşek bir saçaklığa sahip büyük bir kompozit düzenin sütunlarıyla işlenir. Üst yapı (çatı katı) şeklinde genişleyen üst kat, yapıya bütünlük ve anıtsallık kazandırmış,
Palladio ayrıca şehir saraylarında, cephelerin siparişlerle iki katmanlı bölünmesini ve ayrıca yüksek rustik bir bodrum katına yerleştirilen bir düzeni - ilk olarak Bramante tarafından kullanılan ve daha sonra klasik mimaride yaygın olarak kullanılan bir teknik - yaygın olarak kullandı.
Çözüm
Modern mimarlık, kendi üslup tezahürünün biçimlerini ararken, tarihsel mirası kullandığını gizlemez. Çoğu zaman, geçmişte en büyük üslup saflığına ulaşmış olan bu teorik kavramlara ve şekillendirme ilkelerine atıfta bulunur. Hatta bazen, 20. yüzyılın daha önce yaşadığı her şey yeni bir biçimde geri dönüyor ve hızla kendini tekrar ediyor gibi görünüyor.
Bir kişinin mimaride değer verdiği şeylerin çoğu, bir nesnenin tek tek parçalarının titiz bir analizine değil, onun sentetik, bütünsel görüntü, küreye duygusal algı. Bu, mimarinin sanat olduğu veya her halükarda sanat unsurlarını içerdiği anlamına gelir.
Bazen mimariye sanatın anası denir, bu da resim ve heykelin uzun süre mimariyle ayrılmaz bir organik bağ içinde geliştiği anlamına gelir. Mimar ve sanatçı, işlerinde her zaman pek çok ortak noktaya sahip olmuştur ve bazen tek bir kişide iyi anlaşmışlardır. Antik Yunan heykeltıraş Phidias, haklı olarak Parthenon'un yaratıcılarından biri olarak kabul edilir. Floransa'nın ana katedrali Santa Maria del Fiore'nin zarif çan kulesi, büyük ressam Giotto'nun "çizimine göre" inşa edilmiştir. Mimar, heykeltıraş ve ressam olarak eşit derecede büyük olan Michelangelo. Raphael, mimari alanda da başarılı bir şekilde rol aldı. Çağdaş ressamları Giorgio Vasari, Floransa'daki Uffizi Caddesi'ni inşa etti. Sanatçı ve mimarın yeteneğinin böyle bir sentezi, yalnızca Rönesans devleri arasında bulunmadı, aynı zamanda yeni zamana da damgasını vurdu. Uygulamalı sanatçılar İngiliz William Morris ve Belçikalı Van de Velde, gelişime büyük katkı sağladılar. Modern mimari. Corbusier yetenekli bir ressamdı ve Alexander Vesnin parlak bir tiyatro sanatçısıydı. Sovyet sanatçılar K. Malevich ve L. Lissitzky ilginç bir şekilde mimari formla deneyler yaptılar ve meslektaşları ve çağdaşı Vladimir Tatlin, 111 Uluslararası Kule'nin efsanevi projesinin yazarı oldu. Sovyetler Sarayı'nın ünlü projesinin yazarı mimar B. Iofan, haklı olarak olağanüstü Sovyet sanatçısı Vera Mukhina ile birlikte "İşçi ve Toplu Çiftlik Kızı" heykelinin ortak yazarı olarak kabul ediliyor.
Grafik temsil ve üç boyutlu yerleşim, mimarın kararlarını aradığı ve savunduğu ana araçlardır. Rönesans'ta doğrusal perspektifin keşfi, bu zamanın mimarisinin mekansal konseptini aktif olarak etkiledi. Nihayetinde, doğrusal perspektifin kavranması, meydanın, merdivenlerin, binanın tek bir mekansal kompozisyonda birbirine bağlanmasına ve bundan sonra barok ve yüksek klasisizmin devasa mimari topluluklarının ortaya çıkmasına yol açtı. Yıllar sonra, kübist sanatçıların deneylerinin mimari biçim yaratmanın gelişmesinde büyük etkisi oldu. ile konuyu anlatmaya çalıştılar. farklı noktalar vizyon, birkaç görüntüyü üst üste koyarak üç boyutlu algısına ulaşmak, dördüncü boyutu - zamanı tanıtarak mekansal algı olanaklarını genişletmek. Bu algı hacmi hizmet etti Başlangıç noktası cephenin düz ekranına, boşlukta serbestçe yerleştirilmiş hacimler ve düzlemlerin karmaşık oyunuyla karşı çıkan modern mimarinin resmi arayışı için.
Heykel ve resim, mimariden hemen bağımsızlık kazanmadı. İlk başta bunlar sadece bir mimari yapının unsurlarıydı. Resmin duvardan veya ikonostazdan ayrılması bir asırdan fazla zaman aldı. Rönesans'ın sonunda, Floransa'daki Piazza della Signoria'da heykeller, sanki cephelerden tamamen kopmaktan korkuyormuş gibi, binaların etrafında hala çekingen bir şekilde toplanıyor. Michelangelo, Roma'daki Capitoline Meydanı'nın merkezine bir atlı heykeli diken ilk kişidir. Yıl 1546. O zamandan beri anıt, anıtsal heykel, kentsel alanı düzenleyen kompozisyonun bağımsız bir unsurunun haklarını elde ediyor. Doğru, heykel formu bir süredir mimari yapının duvarlarında yaşamaya devam ediyor, ancak "eski lüksün" bu son izleri yavaş yavaş onlardan kayboluyor.
Corbusier, modern mimarinin bu kompozisyonunu kendine has kesinliğiyle onaylıyor: “Ne heykeli ne de resmi dekorasyon olarak kabul etmiyorum. Müzik ve tiyatronun sizi etkilediği gibi, her ikisinin de izleyicide derin duygular uyandırabileceğini kabul ediyorum - hepsi işin kalitesine bağlı, ama kesinlikle dekorasyona karşıyım. Öte yandan, bir mimari esere ve özellikle onun üzerine dikildiği platforma baktığınızda, binanın kendisinin ve çevresindeki belirli yerlerin, deyim yerindeyse, kilit nokta haline gelen, yoğun matematiksel yerler olduğunu görürsünüz. işin ve çevresinin oranlarına göre. Bunlar en yoğun yerlerdir ve mimarın kesin amacı bu yerlerde gerçekleştirilebilir - ister bir havuz, ister bir taş blok veya bir heykel şeklinde olsun. Burada bir konuşmanın, bir sanatçının konuşmasının, plastik bir konuşmanın yapılması için tüm koşullar bir arada diyebiliriz.
Rönesans tarihi başlar Yine de bu döneme Rönesans denir. Rönesans kültüre dönüştü ve Yeni Çağ kültürünün öncüsü oldu. Ve Rönesans, XVI-XVII yüzyıllarda sona erdi, çünkü her eyalette kendi başlangıç \u200b\u200bve bitiş tarihi var.
Bazı genel bilgiler
Rönesans'ın temsilcileri Francesco Petrarca ve Giovanni Boccaccio'dur. Yüce imgeleri ve düşünceleri samimi, ortak bir dille ifade etmeye başlayan ilk şairler oldular. Bu yenilik bir patlama ile karşılandı ve diğer ülkelere yayıldı.
Rönesans ve sanat
Rönesans'ın özellikleri, insan vücudunun bu dönemin sanatçıları için ana ilham kaynağı ve araştırma konusu haline gelmesidir. Böylece heykel ve resmin gerçeklikle benzerliğine vurgu yapılmıştır. Rönesans dönemi sanatının temel özellikleri arasında parlaklık, rafine fırça işleri, gölge ve ışık oyunu, çalışma sürecindeki titizlik ve karmaşık kompozisyonlar yer alır. Rönesans sanatçıları için, İncil'den görüntüler ve mitler ana olanlardı.
Gerçek bir insanın belirli bir tuval üzerindeki görüntüsüne olan benzerliği o kadar yakındı ki, kurgusal karakter canlı görünüyordu. 20. yüzyıl sanatı hakkında bu söylenemez.
Rönesans (ana eğilimleri yukarıda kısaca özetlenmiştir) insan vücudunu sonsuz bir başlangıç olarak algıladı. Bilim adamları ve sanatçılar, bireylerin vücutlarını inceleyerek becerilerini ve bilgilerini düzenli olarak geliştirdiler. O zamanlar hakim olan görüş, insanın Tanrı'nın benzerliği ve suretinde yaratıldığıydı. Bu ifade fiziksel mükemmelliği yansıtıyordu. Rönesans sanatının ana ve önemli nesneleri tanrılardı.
İnsan vücudunun doğası ve güzelliği
Rönesans sanatı doğaya büyük önem verdi. Manzaraların karakteristik bir unsuru, çeşitli ve yemyeşil bir bitki örtüsüydü. Beyaz bulutları delen güneş ışınlarının delip geçtiği mavi-mavi bir tondaki gökyüzü, süzülen yaratıklar için muhteşem bir fon oluşturuyordu. Rönesans sanatı, insan vücudunun güzelliğine saygı duyuyordu. Bu özellik, kasların ve vücudun rafine unsurlarında kendini gösterdi. Zor duruşlar, yüz ifadeleri ve jestler, iyi koordine edilmiş ve net Renk paleti Rönesans dönemi heykeltıraşlarının ve heykeltıraşlarının çalışmalarının karakteristiği. Bunlar Titian, Leonardo da Vinci, Rembrandt ve diğerlerini içerir.
Sergey Khromov
Tek bir ideal şehir taşa sığmasa da fikirleri Rönesans'ın gerçek şehirlerinde hayat buldu...
Mimarların şehri yeniden inşa etme konularını ilk kez ele aldıkları dönemden beş yüzyıl bizi ayırıyor. Ve aynı sorular bugün bizim için çok önemli: yeni şehirler nasıl yaratılır? Eskileri nasıl yeniden inşa edebilirim - içlerine ayrı topluluklar sığdırmak veya her şeyi yıkıp yeniden inşa etmek için? Ve en önemlisi - yeni bir şehirde hangi fikir yatıyor?
Rönesans'ın ustaları, zaten kulağa gelen fikirleri somutlaştırdı. Antik kültür ve felsefe: hümanizm fikirleri, doğa ve insanın uyumu. İnsanlar yeniden Platon'un ideal devlet rüyasına dönüyor ve ideal şehir. Şehrin yeni imajı önce bir imaj, bir formül, bir fikir olarak doğar ki bu gelecek için cesur bir iddiadır - İtalyan Quattrocento'nun diğer birçok icadı gibi.
Şehir teorisinin inşası, antik çağ mirasının incelenmesiyle ve her şeyden önce, bir mimar ve mühendis olan Mark Vitruvius'un (MÖ 1. yüzyılın ikinci yarısı) "Mimarlık Üzerine On Kitap" adlı incelemesinin tamamıyla yakından bağlantılıydı. Julius Caesar'ın ordusunda. Bu inceleme 1427'de manastırlardan birinde keşfedildi. Vitruvius'un otoritesi Alberti, Palladio, Vasari tarafından vurgulanmıştır. Vitruvius'un en büyük uzmanı, 1565'te yorumlarıyla risalesini yayınlayan Daniele Barbaro'ydu. İmparator Augustus'a adanmış bir çalışmada Vitruvius, Yunanistan ve Roma'daki mimarlık ve şehir planlama deneyimini özetledi. Şehrin kurulması için uygun bir alan seçme, ana şehir meydanlarının ve caddelerinin yerleşimi ve bina tipolojisi gibi zaten klasik olan soruları değerlendirdi. Estetik bir bakış açısından Vitruvius, koordinasyona (mimari düzenleri takiben), makul planlamaya, ritim ve düzenin tekdüzeliğine, simetriye ve orantılılığa, formun amaca uygunluğuna ve kaynakların dağılımına uyulmasını tavsiye etti. |
Rönesans şehir planlamasında teori ve pratik paralel olarak gelişir. Yeni binalar yapılıyor, eskiler yeniden yapılıyor. mimari topluluklar ve aynı anda şehirlerin mimarisi, planlanması ve tahkimatı üzerine yazılmış incelemeler. Bunlar arasında Alberti ve Palladio'nun ünlü eserleri, Filarete, Scamozzi ve diğerlerinin ideal şehirlerinin şemaları var. Yazarların fikri, pratik inşaat ihtiyaçlarının çok ötesinde: tarif etmiyorlar bitmiş projeler, buna göre belirli bir şehri ve grafik olarak tasvir edilen bir fikri, şehir kavramını planlayabilirsiniz. Ekonomi, hijyen, savunma, estetik açısından şehrin konumu hakkında muhakeme yapılır. Yerleşim alanları ve kent merkezleri, bahçe ve parklar için en uygun plan arayışları yapılıyor. Kompozisyon, uyum, güzellik, orantı soruları incelenir. Bu ideal yapılarda, kentin planlaması, akılcılık, geometrik netlik, merkezli kompozisyon ve bütün ve parçalar arasındaki uyum ile karakterize edilir. Ve son olarak, Rönesans mimarisini diğer dönemlerden ayıran şey, tüm bu yapıların merkezinde, kalbinde duran insandır. İnsana gösterilen ilgi o kadar büyüktü ki, mimari yapılar benzetilmiş insan vücudu mükemmel oranlar ve güzellik standardı olarak.
teori
XV yüzyılın 50'lerinde. Leon Alberti'nin "Mimarlık Üzerine On Kitap" adlı incelemesi ortaya çıkıyor. Aslında bu, ilk teorik çalışmaydı. yeni Çağ bu tema hakkında Yer seçimi ve şehir planlamasından bina tipolojisi ve dekoruna kadar pek çok şehir planlaması konusuyla ilgilenir. Güzellik hakkındaki argümanları özellikle ilgi çekicidir. Alberti, "güzellik, ait oldukları şeyle birleşen tüm parçaların katı orantılı bir uyumudur - öyle ki, daha kötü hale getirmeden hiçbir şey eklenemez, çıkarılamaz veya değiştirilemez." Aslında Alberti, eski orantı duygusunu yeni bir çağın rasyonalist başlangıcıyla ilişkilendiren Rönesans kentsel topluluğunun temel ilkelerini ilan eden ilk kişiydi. Binanın yüksekliğinin önündeki alana oranı (1:3'ten 1:6'ya kadar), ana ve ikincil binaların mimari ölçeklerinin tutarlılığı, kompozisyon dengesi ve yokluğu uyumsuz zıtlıklar - bunlar Rönesans şehir planlamacılarının estetik ilkeleridir.
İdeal şehir, dönemin birçok büyük insanını heyecanlandırdı. Onu ve Leonardo da Vinci'yi düşündüm. Onun fikri iki seviyeli bir şehir yaratmaktı: üst seviye yaya ve yüzey yolları için tasarlanmıştı ve alt seviye, yük taşımacılığının hareket ettiği evlerin bodrumlarına bağlı tüneller ve kanallar içindi. Milano ve Floransa'nın yeniden inşasına yönelik planlarının yanı sıra bir mil şehri projesiyle tanınır.
Bir diğer önemli şehir teorisyeni Andrea Palladio idi. "Mimarlık Üzerine Dört Kitap" adlı incelemesinde, kentsel organizmanın bütünlüğü ve onun mekansal öğelerinin ilişkisi üzerine düşünür. "Şehir belli bir yerden başka bir şey değildir" der. büyük ev ve tam tersi, ev bir tür küçük kasabadır. Şehir topluluğu hakkında şöyle yazıyor: "Güzellik, güzel bir formun ve bütünün parçalara, parçaların birbirine ve ayrıca parçaların bütüne uygunluğunun sonucudur." Risalede binaların iç kısımlarına, boyutlarına ve oranlarına önemli bir yer verilmiştir. Palladio, sokakların dış mekanını evlerin ve avluların iç mekanlarıyla organik olarak bağlamaya çalışıyor.
16. yüzyılın sonlarına doğru. birçok teorisyen, perakende alanı ve tahkimat meselelerinden etkilendi. Bu nedenle, Giorgio Vasari Jr. ideal şehrinde meydanların, alışveriş pasajlarının, sundurmaların, palazzoların gelişimine çok dikkat ediyor. Vicenzo Scamozzi ve Buanayuto Lorrini'nin projelerinde ise tahkimat sanatı konuları önemli bir yer tutuyor. Bu, zamanın düzenine bir yanıttı - patlayıcı mermilerin icadıyla, kale duvarları ve kulelerin yerini toprak burçlar aldı, şehir sınırlarından çıkardı ve şehir, ana hatlarıyla çok ışınlı bir yıldıza benzemeye başladı. . Bu fikirler, yaratılışı Scamozzi'ye atfedilen, fiilen inşa edilmiş Palmanova kalesinde somutlaştırıldı.
Pratik
Küçük kale şehirleri dışında tek bir ideal şehir taşa somutlaştırılmamış olsa da, inşasının ilkelerinin çoğu 16. yüzyılda gerçekte somutlaştırılmıştı. O dönemde İtalya ve diğer ülkelerde, kentsel topluluğun önemli unsurlarını birbirine bağlayan düz geniş caddeler döşendi, yeni meydanlar oluşturuldu, eskileri yeniden inşa edildi ve daha sonra düzenli bir yapıya sahip parklar ve saray toplulukları ortaya çıktı.
| İdeal Şehir, Antonio Filarete Şehir, bir kenarı 3,5 km olan iki eşit karenin 45 ° açıyla kesişmesinden oluşan, planda sekizgen bir yıldızdı. Yıldızın çıkıntılarında sekiz yuvarlak kule ve "ceplerde" - sekiz şehir kapısı vardı. Kapılar ve kuleler, bir kısmı gemi kanalı olan radyal sokaklarla merkeze bağlanıyordu. Kentin orta kesiminde, bir tepenin üzerinde, dikdörtgen planlı, kısa kenarlarında ise prens sarayı ve şehir katedrali ve uzun olanlar boyunca - adli ve şehir kurumları. Meydanın ortasında bir gölet ve gözetleme kulesi vardı. Diğer ikisi, şehrin en seçkin sakinlerinin evlerinin bulunduğu ana meydana bitişikti. Radyal caddelerin çevre caddesi ile kesiştiği noktada on altı meydan daha bulunuyordu: sekiz alışveriş merkezi ve sekiz kilise merkezleri ve kiliseler için. |
Rönesans sanatının Orta Çağ sanatına yeterince zıt olmasına rağmen, ortaçağ şehirlerine kolayca ve organik olarak sığar. Rönesans mimarları pratik faaliyetlerinde "eskiyi yıkmadan yenisini inşa etme" ilkesini kullandılar. Floransa'daki Annuziata meydanlarında (Filippo Brunelleschi tarafından tasarlandı) ve Roma'daki Capitol'de (Michelangelo tarafından tasarlandı) görülebileceği gibi, sadece aynı tarzdaki binalardan değil, aynı zamanda binaları birleştirmek için şaşırtıcı derecede uyumlu topluluklar yaratmayı başardılar. tek bir kompozisyonda farklı zamanlar. Yani, meydanda St. Mark in Venedik'te, ortaçağ binaları, 16. yüzyılın yeni binalarıyla mimari ve mekansal bir topluluk halinde birleştirilir. Ve Floransa'da, Giorgio Vasari tarafından tasarlanan Uffizi Caddesi, ortaçağ Palazzo Vecchio ile Piazza della Signoria'dan uyumlu bir şekilde izler. Dahası, Floransa Santa Maria del Fiore Katedrali topluluğu (Brunelleschi'nin yeniden inşası) üçünü mükemmel bir şekilde birleştiriyor. mimari tarz: Romanesk, Gotik ve Rönesans.
Orta Çağ şehri ve Rönesans şehri
Rönesans'ın ideal şehri, eski şehir planlama ilkelerinin geliştirilmesinde ifadesini bulan, Orta Çağ'a karşı bir tür protesto olarak ortaya çıktı. Bir insanın değil, ilahi bir planın vücut bulmuş hali olan "Göksel Kudüs" ün kusurlu da olsa bir tür benzerliği olarak algılanan ortaçağ şehrinin aksine, Rönesans şehri bir insan yaratıcısı tarafından yaratıldı. İnsan var olanı kopyalamakla kalmadı, daha mükemmel bir şey yarattı ve bunu "ilahi matematiğe" uygun olarak yaptı. Rönesans şehri insan için yaratıldı ve dünyevi dünya düzenine, onun gerçek sosyal, politik ve gündelik yapısına karşılık gelmeliydi.
Ortaçağ şehri, dünyadan çitle çevrili güçlü duvarlarla çevrilidir, evleri daha çok birkaç boşluk bulunan kaleler gibidir. Rönesans şehri açıktır, kendisini dış dünyadan korumaz, onu kontrol eder, boyun eğdirir. Binaların duvarları, sınırlayarak, sokakların ve meydanların alanlarını avlular ve odalarla birleştirir. Geçirgendirler - birçok açıklıkları, kemerleri, sütun dizileri, araba yolları, pencereleri vardır.
Ortaçağ kenti mimari hacimlerin yerleşimi ise, o zaman Rönesans şehri büyük ölçüde mimari alanların dağılımıdır. Yeni şehrin merkezi, katedralin veya belediye binasının binası değil, ana meydanın hem yukarı hem de yanlara açılan boş alanıdır. Binaya girerler ve sokağa ve meydana çıkarlar. Ve eğer ortaçağ şehri kompozisyon olarak merkezine çekilirse - merkezcildir, o zaman Rönesans şehri merkezkaçtır - yönlendirilir Dış dünya.
| Platon'un ideal şehri Planda, şehrin orta kısmı su ve toprak halkalarının bir değişimiydi. Dış su halkası, 50 stadia uzunluğundaki (1 stadia - yaklaşık 193 m) bir kanalla denize bağlanmıştır. Su halkalarını ayıran toprak halkalar, köprülerin yakınında gemilerin geçişine uygun yer altı kanallarına sahipti. Çevresindeki en büyük su halkası, onu takip eden toprak çember gibi üç stadia genişliğindeydi; sonraki iki halka, su ve toprak, iki stad genişliğindeydi; son olarak ortada bulunan adayı çevreleyen su halkası bir stadya genişliğindeydi. |
Ortaçağ şehri, doğal manzarayı kendi amaçları için kullanarak takip eder. Rönesans şehri daha çok bir sanat eseri, bir "geometri oyunu". Mimar, üzerine çizilen boşluklardan oluşan geometrik bir ızgarayı bindirerek araziyi değiştirir. Böyle bir şehrin net bir şekli vardır: daire, kare, sekizgen, yıldız; ırmaklar bile onda doğrulmuştur.
Ortaçağ şehri dikeydir. Burada her şey yukarıya, cennete yöneliktir - uzak ve erişilemez. Rönesans şehri yataydır, buradaki ana şey perspektif, mesafeye, yeni ufuklara doğru özlemdir. Bir ortaçağ insanı için Cennete giden yol, tövbe ve alçakgönüllülük, dünyevi her şeyden vazgeçme yoluyla elde edilebilen bir yükseliştir. Rönesans insanı için bu, kendi deneyimlerini kazanarak ve İlahi kanunları kavrayarak bir yükseliştir.
İdeal bir şehir hayali, yalnızca Rönesans'ın değil, sonraki dönemlerin birçok mimarının yaratıcı arayışlarına ivme kazandırdı, uyum ve güzelliğe giden yolu yönetti ve aydınlattı. İdeal şehir her zaman gerçek şehrin içinde var olur, düşünce dünyası gerçekler dünyasından, hayal dünyası fantezi dünyasından ne kadar farklıysa. Ve Rönesans ustalarının yaptığı gibi rüya görmeyi biliyorsanız, o zaman bu şehri görebilirsiniz - Güneş Şehri, Altın Şehri.
Orijinal makale "Yeni Akropolis" dergisinin sitesinde.
Erken Rönesans (Quattrocento) İtalyan mimarisi açıldı yeni dönem Avrupa mimarisinin gelişmesinde, Avrupa'da hakim olanı terk etmek gotik sanat ve emir sistemine dayalı yeni ilkeleri onaylayarak.
Bu dönemde eski felsefe, sanat ve edebiyat kasıtlı ve bilinçli bir şekilde incelendi. Bu nedenle antik çağ, Orta Çağ'ın güçlü asırlık geleneklerine, özellikle de Rönesans kültürünün özellikle karmaşık doğasının pagan ve Hıristiyan konuların dönüşümüne ve iç içe geçmesine dayandığı Hıristiyan sanatına dayanıyordu.
Quattrocento, Proto-Rönesans çağında olduğu gibi sezgi değil, kesin bilimsel bilginin ön plana çıktığı deneysel araştırmaların zamanıdır. Artık sanat, hakkında 15. yüzyılın birçok bilimsel incelemesinin yazıldığı, çevreleyen dünyanın evrensel bilgisinin rolünü oynadı.
İlk mimarlık ve resim teorisyeni, uzayın derinliğinin resmindeki gerçek görüntüye dayanan doğrusal perspektif teorisini geliştiren Leon Batista Alberti idi. Bu teori, ideal bir şehir yaratmayı amaçlayan yeni mimari ve şehir planlama ilkelerinin temelini oluşturdu.
Rönesans'ın ustaları, Platon'un ideal bir şehir ve ideal bir devlet rüyasına yeniden dönmeye başladılar ve eski kültür ve felsefede zaten ana olan fikirleri - insan ve doğa arasındaki uyum fikirleri, hümanizm fikirleri - somutlaştırdılar. Dolayısıyla, ideal şehrin yeni imajı, ilk başta belirli bir formül, bir fikir, gelecek için cesur bir iddiaydı.
Rönesans şehir planlamasının teori ve pratiği birbirine paralel olarak gelişmiştir. Eski binalar yeniden inşa edildi, yenileri inşa edildi ve aynı zamanda şehirlerin mimarisi, tahkimatı ve yeniden geliştirilmesi üzerine risaleler yazıldı. İncelemelerin yazarları (Alberti ve Palladio), bitmiş projeleri tarif etmek yerine, ideal bir şehir fikri olan grafiksel olarak tasvir edilen bir konsept sunan, pratik inşaat ihtiyaçlarının çok ilerisindeydi. Ayrıca kentin savunma, ekonomi, estetik ve hijyen açısından nasıl konumlandırılması gerektiği konusunda da akıl yürütmeler yaptılar.
Aslında Alberti, antik orantı duygusu ile yeni çağın rasyonalist yaklaşımını sentezleyerek geliştirilen, Rönesans'ın ideal kentsel topluluğunun temel ilkelerini ilan eden ilk kişiydi. Yani, Rönesans şehir planlamacılarının estetik ilkeleri şunlardı:
- ana ve ikincil binaların mimari ölçeklerinin tutarlılığı;
- binanın yüksekliğinin önündeki alana oranı (1:3'ten 1:6'ya);
- ahenksiz kontrastların olmaması;
- kompozisyon dengesi.
İdeal şehir, Rönesans'ın birçok büyük ustası için çok heyecan vericiydi. Fikri, yük taşımacılığının alt katta hareket ettiği ve üst katta kara ve yaya yollarının bulunduğu iki seviyeli bir şehir yaratmak olan Leonardo da Vinci de bunu düşündü. Da Vinci'nin planları aynı zamanda Floransa ve Milano'nun yeniden inşasının yanı sıra mil şehrinin taslağıyla da ilişkilendirildi.
16. yüzyılın sonuna gelindiğinde, birçok şehir planlama teorisyeni, savunma yapıları ve ticari alanlar konusu karşısında şaşkına dönmüştü. Böylece kale kuleleri ve duvarları, şehir sınırları dışına çıkarılan toprak burçlarla değiştirildi, bu nedenle şehirler ana hatlarıyla çok ışınlı bir yıldıza benzemeye başladı.
Ve taştan tek bir ideal şehir inşa edilmemiş olsa da (küçük kale şehirleri hariç), böyle bir şehir inşa etmenin birçok ilkesi, İtalya'da ve diğer birçok ülkede düz geniş caddelerin döşenmeye başladığı 16. yüzyılda zaten gerçek oldu. kentsel topluluğun önemli unsurlarını birbirine bağladı.
