Fin sanatçılar Ateneum Müzesi'nin salonlarında: Hermitage'deki en ünlü ve ilginç sergiler Fin sanatçıları

Akseli Gallen-Kallela

Sammon puolustus (1896)

Kalevala için çizimler. " Sampo Savunması«.

Sampo(Fin. Sampo) - Karelya-Fin mitolojisinde, büyülü güçlere sahip ve mutluluk, refah ve bolluk kaynağı olan türünün tek örneği büyülü bir nesne. Kalevala destanında, yaratıcısı Elias Lönnrot, Sampo'yu bir yel değirmeni şeklinde sunmuştur.

hugo simberg

halla (1895)

halla- Bu don, eğer doğru anladıysam, örneğin yazın geceleri veya sabahın erken saatlerinde

Bu anlamda resim görüntüyü iyi aktarır.

helene schjerfbeck

Toipilas (1888)

toipilas — iyileşen

hugo simberg

Kuoleman puutarha —ölüm bahçesi

Bu resmin birkaç versiyonu var, bu çizim Tampere'deki katedralden bir fresk.

Bu resim bana Finli bir kız tarafından önerildi, kasvetli Finliler için bile bir şekilde kasvetli olduğunu fark ettiğimde, bana sıcak bir şekilde cevap verdi: “Ölümler, çölün ortasında çiçeklere-insanlara bakar ve onları kesmeye zorlandıklarında. onlar, sanki af diliyormuş gibi nazikçe yapıyorlar..."

hugo simberg

Haavottunut enkeli -yaralı melek
(1903)

Resmin konusu, tanınabilir bir tarihsel arka planda ortaya çıkıyor: burası Eleintarha Parkı (“hayvanat bahçesi” olarak yanıyor) ve Helsinki'deki Töölö Körfezi. 20. yüzyılın başında park, işçiler için popüler bir rekreasyon alanıydı ve aynı zamanda hayır kurumlarını da barındırıyordu. Karakterlerin hareket ettiği yol bugüne kadar hayatta kaldı: alay, o zamanlar var olan kör kızlar okuluna ve engelliler için bir barınağa doğru ilerliyor.

Resim, bir sedye üzerinde gözleri bağlı, kanadı kanayan efemine bir meleği taşıyan iki çocuğu tasvir ediyor. Oğlanlardan biri dikkatle ve kaşlarını çatarak doğrudan izleyiciye bakıyor, bakışları ya yaralı meleğe sempati duyuyor ya da hor görüyor. Arka plan manzarası kasıtlı olarak sert ve seyrek ama sakin izlenimi veriyor. Önemsiz olmayan olay örgüsü, çok çeşitli yorumlar için alan açar. Oğlanların kaba kıyafetleri ve ayakkabıları, kaşlarını çatmış, ciddi yüzleri, yaşam ve ölümün karşıtlığını düşündüren hafif bir elbise giymiş kırılgan bir melek figürü ile tezat oluşturuyor, meleğin kanadındaki kan ve gözleri bağlı. savunmasızlığın ve geçici varlığın bir işareti, ancak elinde bir buket kardelen tutan melek, yeniden doğuşun ve iyileşmenin sembolüdür. Burada yaşam ölüme yakın görünüyor. Çocuklardan biri seyirciye döndü, resmin hermetik alanını kırdı, böylece yaşam ve ölüm meselelerinin doğrudan kendileriyle ilgili olduğunu açıkça ortaya koydu. Simberg, The Wounded Angel hakkında herhangi bir yorum yapmayı reddetti ve izleyiciyi kendi sonuçlarını çıkarmaya bıraktı.

Resmin Fin kültürü üzerinde büyük etkisi oldu. Birçok yüksek ve popüler sanat eserinde buna atıflar bulunur. Fin metal grubu Nightwish'in "Amaranth" şarkısının videosu "The Wounded Angel" motifinde oynuyor.

Albert Edelfelt

Paris Lüksemburg puistossa — Paris'teki Lüksemburg Bahçelerinde.

Akseli Gallen-Kallela

Akka ve öpücük — yaşlı kadın ve kedi

Gallen-Kallela'da genel olarak tüm resimler şaheserdir, bu gerçekten dünya çapında bir sanatçıdır.

Bu resim, kesinlikle doğalcı bir tarzda yazılmıştır, ancak tüm sadeliğine rağmen, en basit ve en fakir insanlara karşı sempati ve sevgi doludur.

Tablo, 1895 yılında Turku Sanat Müzesi tarafından satın alındı ​​ve bugün hala orada.

Kelime akka Her zaman zorlukla tercüme ederim - hem "kadın" hem de "büyükanne".

Burada biraz tat göstereceğim ve bir resim daha ekleyeceğim helene schjerfbeck- Rusça'da adını Helena Schjerfbeck olarak okuyoruz.

Ve işte bir ışık ve sıcaklık ışını.

1882 tablosu, Tanssiaiskengat —dans ayakkabıları.

Bu muhtemelen en üzücü Fin resmidir. En azından bence.

Albert Edelfelt

Lapsen ruumissaatto — Bir çocuğun cenazesi(kelimenin tam anlamıyla bir çocuğun cenaze alayı)

Bu, Fin görsel sanatlarındaki ilk açık hava türü kompozisyonudur. Sanatçı tarafından görülen ve yakalanan gerçek hayatın bir parçası gibi oldu. Resim insan kederini anlatıyor. Edelfelt, bir teknede küçük bir tabut taşıyan basit bir aileyi tasvir etti. Sert manzara, son yolculuklarında çocuklarını uğurlayan insanların ruh haline tekabül ediyor. Kederli yüzlerinde, ölçülü hareketler - gölün beyaz hareketsiz yüzeyi, parlak soğuk gökyüzü, uzaktaki alçak kıyılar tarafından yankılanan ciddi bir hüzün.

"Bir Çocuğun Cenazesi" ona akademisyen unvanını getirdi ve eser Moskova'da özel bir koleksiyona satın alındı. Aynı zamanda Tsarskoe Selo'da kişisel bir sergi düzenlendi ve yine resim meraklısı olan Alexander III ve Maria Feodorovna'ya Edelfelt hediye edildi.

Sanatçının mahkemeye yakınlığı, Fin resminin Rusya'daki popülaritesine yardımcı oldu. Finlandiya sanatını Rusya için keşfedenlerden biri de Edelfelt'tir diyebiliriz.

1907'de tablo Finlandiya'ya döndü ve şu anda Helsinki'deki Ateneum Müzesi'nde.

Yine de, kendi adıma, bu resimde Finlilerin ölüme karşı tutumunun çok doğru bir şekilde aktarıldığını (bu, ne yazık ki, herhangi bir yaşamın bir parçası, son kısmıdır) belirtmeme izin verirdim. Çok katı ve ölçülü, burada da Ruslardan bir fark var. Ancak bu katılık ve kısıtlama onların duygusuzluğundan bahsetmiyor, sadece Finliler tüm bunları kendi içlerinde derinlere taşıyorlar. Biz Ruslardan daha derin. Ancak bundan kaynaklanan keder, onlar için keder olmaktan çıkmaz.

Pekka Halonen

Tienraivaajia Karjalassa — Karelya'da yol yapımcıları.

Kelimenin tam anlamıyla "Karelya'da yol temizleyicileri" olacaktır.

raivata- iyi fiil yolu temizle
Kelimeyle ortak bir yanı var mı bilmiyorum. raivo — öfke, çılgınlık

Ama bu resme baktığımızda - evet olduğunu varsayabiliriz.

Resimde Finlilerin başka bir özelliği daha var - tarihsel olarak son derece elverişsiz bir doğal ortamda yaşamak zorunda kaldılar, yani bazen varlıkları için şiddetli bir şekilde savaşıyorlar, bu nedenle, muhtemelen işte ve zorluklarda gösterdikleri bu azim. En azından eskiden böyleydi.

hugo simberg

Hugo Simberg'in başka bir resmi - " Rüya«.

Simberg haklı olarak bir sembolist olarak kabul edilir, resimleri yoruma ve yoruma son derece açıktır.

Aynı zamanda resimlerinde her zaman çok ulusal bir şeyler vardır.

Akseli Gallen-Kallela

Poika ve varis — Oğlan ve karga.

(1884) Şahsen, bu arada, sadece bir yetişkin olarak öğrendim ki karga (varis), nispeten konuşursak, bir eş / kadın değil karga (korppi). Aslında böyle bir kafa karışıklığı neyse ki sadece Rusça'da yaşanıyor. Örneğin, Ukraynaca'da bir kuzgun "dolandırıcı" ve karga "karga" olacaktır. İngilizce'de kuzgun kelimesi "kuzgun" gibi gelir ve karga "crow" olarak adlandırılır.

Resim şimdi Ateneum'da.

Akseli Gallen-Kallela.

Lemminkäisen aiti — Lemminkäinen'in annesi.
(1897)

Resim Helsinki'deki Ateneum'da.

Resim, Lemminkäinen'in öldürüldüğü ve parçalandığı ve vücut parçalarının karanlık nehir Tuonela'ya atıldığı Kalevala'dan bir sahneyi anlatıyor. Kahramanın annesi, oğlunun vücudunun parçalarını tırmıkla topladı ve bir bütün halinde dikti. Resimde, Lemminkäinen'i diriltmesi gereken kıdemli tanrı Ukko'dan büyülü bal getirecek olan bir arıyı bekliyor - bu yüzden yukarı bakıyor.

1933 yılında Helsinki'de kuruldu. Başlangıçta, 1930'ların sonunda - yaklaşık 45 olmak üzere çeşitli uzmanlık alanlarından 23 sanatçıyı bir araya getirdi. Topluluğun ilk başkanı mimar ve iç mekan sanatçısı L. E. Kurpatov'du, 1934'ten itibaren bu görev 1935'ten E. A. Buman-Kolomiytseva tarafından işgal edildi - Baron R. A. Shtakelberg (1936'da fahri üye seçildi), 1936'dan beri - V. P. Shchepansky. Dernek, üyelerinin çalışmalarının yıllık sergilerine (para ödüllü) ve yıllık yardım balolarına (genellikle Hotel Grand'da) ev sahipliği yaptı; bir karşılıklı yardım fonu vardı, dostluk akşamları düzenlendi ve sanatla ilgili kamuya açık raporlar okundu. Farklı yıllarda okunan raporlar arasında: S. M. Veselov'un "Son 25 yılda Rus tiyatrosu" (1935), V. P. Shchepansky'nin "Rus manzara ressamları" (1936; sanatçı M. A. Fedorova'nın anısına ithaf edilmiştir), "Evde kültür" " L. E. Kurpatova (1936) ve diğerleri. Dernek, A. S. Puşkin'in doğum gününde kutlanan yıllık Rus Kültürü Günü'nün organizasyonuna ve 1937'de - şairin ölümünün yüzüncü yılıyla ilgili etkinliklere katıldı. 1934'te bir sanat atölyesi düzenlemeye ve yaz aylarında eskizler üzerinde çalışmak için ortaklaşa bir yazlık ev kiralamaya karar verildi.

Derneğin sergilerine M. Akutina-Shuvalova, N. P. Bely, A. P. Blaznov, N. Blinov, E. A. Buman-Kolomiytseva, P. Varlachev, V. A. Veiner, S. M. Veselov , V. I. Voutilainen, E. V. Deters, H. Dippel- Shmakov, S. Dobrovolsky, P. S. Zakharov, S. G. Irmanova, I. M. Karpinsky, I. Krasnostovsky, L. Kratz, L L. Kuzmin, N. G. Kuzmina, I. Kurkiranta, L. E. Kurpatov, O. Kurpatova, T. Kurto, A. Lindenberg, P. Lomakin, Barones M. B. Maidel, M. Milova, M. M. von Mingin, V. Mitinin, M.N. Nemilova, M. Pets-Blaznova, L. Platan, G. Presas, Yu I. Repin, V. I. Repina, M. Romanov, S. Rumbin, V. P. Semenov-Tyan-Shansky, M. A. Fedorova, T. Schwank, V. Shermanova -Brown, M. N. Shilkin, A. L. von Schultz, G. Schumacher, M. N. Shchepanskaya, V. P. Shchepansky.

1939'da Finlandiya'ya karşı düşmanlıkların patlak vermesiyle, cemiyetin faaliyetleri durdu ve ancak savaştan sonra daha aktif hale geldi. 1945'te topluluk, başkanlığını I. M. Karpinsky'nin yaptığı Finlandiya'daki Rus Sanatçılar Birliği'ne dönüştürüldü. Ertesi yıl, bu organizasyon Rus Kültürel Demokratik Birliği'nin kolektif üyesi oldu ve 1947'de ilk sergisi Harhammer Sanat Salonu'nda yapıldı.

Kaynakça:	Rusya'nın yurtdışındaki edebi yaşamının tarihi: Finlandiya (1918–1938) / Derleyen: E. Hämäläinen, Yu A. Azarov // Edebiyat dergisi. Rusya Bilimler Akademisi Dil ve Edebiyat Bölümü. Rusya Bilimler Akademisi Sosyal Bilimler Bilimsel Bilgi Enstitüsü. – 2006. No. 20. S. 271–319.
Bağlantılar:
Coğrafya:
Tarafından düzenlendi:
Giriş tarihi:

Ateneum Müzesi'nin kalıcı sergisi binanın üçüncü katını kaplar (burada küçük tematik sergiler de düzenlenir) ve ikinci katta (salonların planı) geçici sergiler düzenlenir. Bu notta, Ateneum koleksiyonundaki en ilginç ve ünlü resim ve heykellerden bazılarının yanı sıra yazarlarından bahsedeceğiz: ünlü Fin ressamlar ve heykeltraşlar. Ateneum müzesinin tarihi ve müze binasının mimarisi hakkında daha fazla bilgi okunabilir. hakkında da yararlı bilgiler sağlar. bilet fiyatları, çalışma saatleri ve Ateneum Müzesi'ni ziyaret etme prosedürü. Dikkat: Müzede her zaman değil, tüm ünlü eserleri aynı anda görebilirsiniz.

Fin heykeltıraşların eserleri

Ateneum müzesinin girişinden itibaren yürüyüşümüze başlayalım.

Lobide mermer bir grup bizi karşılıyor" Apollon ve Marsyas» (1874) ünlü Finlandiyalı heykeltıraş tarafından Walter Runeberg (Walter Magnus Runeberg) (1838-1920), Helsinki'de Johan Runeberg ve İmparator II. Alexander'a ait anıtların yazarı. Heykeltıraşın babası, edebiyattaki ulusal romantik akımın bir temsilcisi olan şair Johan Runeberg, cesaret ve bağlılığın değeri de dahil olmak üzere Yunan ve Roma medeniyetinin ideallerini Fin kültürüne tanıttı. Oğlu, bu idealleri heykel yoluyla ifade etmeye devam etti. 1858-62'de. Walter Runeberg, Kopenhag'daki Güzel Sanatlar Akademisi'nde, uluslararası alanda tanınan neoklasik heykel ustası ünlü Thorvaldsen'in öğrencisi olan Danimarkalı heykeltıraş Hermann Wilhelm Bissen'in rehberliğinde okudu. 1862-1876'da. Runeberg, klasik mirası incelemeye devam ederek Roma'da çalıştı.

Bu heykelsi grupta Runeberg, ışık tanrısı Apollon'u sanatıyla satir Marsyas'ı yenerek karanlığı ve dünyeviliği kişileştirerek tasvir etti. Apollo figürü antik ideallerin ruhuyla yapılırken, bu imge barok-vahşi çoban Marsyas'a açıkça karşı çıkıyor. Kompozisyon başlangıçta yeni Helsinki Öğrenci Evi'ni dekore etmeyi amaçlıyordu ve kız öğrenci yurdu tarafından sipariş edilmişti, ancak daha sonra bayanlar Runeberg'in heykelinde çok fazla çıplaklık olduğuna karar verdiler. Öyle ya da böyle, sonunda eser Finlandiya Sanat Derneği'ne hediye olarak sunuldu ve böylece Ateneum Müzesi koleksiyonuna girdi.

Üçüncü kattaki Ateneum'un ana sergi salonlarının girişinde daha ilginç işler görebilirsiniz. Fin heykeltıraşları. Mermer ve bronz heykeller, zarif heykelcikler ve vazolar özellikle ilgi çekicidir. Ville Wallgren (Ville Wallgren) (1855–1940).Ville Wallgren Finlandiya'da temel bir eğitim aldıktan sonra eğitimine Kopenhag'da değil Paris'te devam etmeye karar veren ilk Fin heykeltıraşlarından biriydi. Seçimi, yine Porvoo'nun yerlisi olan ünlü sanatçı Albert Edelfelt'ten etkilendi. Edelfelt, dürtüsel taşralıya diğer yaşam ve profesyonel konularda yardımcı oldu: örneğin, Wallgren'in Esplanade Bulvarı'ndaki ünlü Havis Amanda çeşmesini (1908) tamamlama emrini onun yardımıyla aldı.

Ville Wallgren Yaklaşık 40 yıldır Fransa'da yaşayan , en çok şehvetli kadın figürleriyle tanınır. Art Nouveau tarzında. Bununla birlikte, çalışmalarının erken bir aşamasında, genellikle genç erkekleri tasvir etti ve daha klasik bir tarza bağlı kaldı (örnekler şiirsel mermer heykellerdir "). Eko" (1887) ve " yengeçle oynayan çocuk(1884), Wallgren'in insan karakterleri ve doğal dünyayı birbirine bağladığı).

19. yüzyılın sonunda Ville Wallgren, yas tutan yas tutan kız figürleriyle süslenmiş dekoratif figürinlerin yanı sıra vazolar, cenaze çömlekleri ve gözyaşı damlalarının olağanüstü bir ustası olarak dünya çapında ün kazandı. Ancak daha az ikna edici olmayan afiyet olsun Wallgren, aynı Havis Amanda gibi çapkın ve baştan çıkarıcı kadınlar da dahil olmak üzere hayatın zevklerini tasvir etti. Ateneum müzesinin üçüncü katında yukarıda bahsedilen "Yengeçle Oynayan Çocuk" (1884) heykeline ek olarak görebilirsiniz. Wille Wallgren'in bronz eserleri: "Gözyaşı" (1894), "Bahar (Rönesans)" (1895), "İki genç" (1893) ve bir vazo (c. 1894). Kusursuzca işlenmiş detayların yer aldığı bu zarif eserler, boyut olarak küçüktür, ancak güçlü bir duygusal izlenim bırakır ve güzellikleriyle hatırlanır.

Ville Wallgren, bir heykeltıraş olarak kariyer yapmak için uzun bir yol kat etti, ancak yönünü bulup profesyonellerin desteğini aldıktan sonra, tarihin en saygın ve uluslararası alanda tanınan sanatçılarından biri oldu. Fin sanatı. Örneğin, Paris'teki Dünya Sergisinde yaptığı çalışmalardan dolayı Grand Prix madalyası alan tek Fin'di (bu 1900'de oldu). Wallgren meslektaşlarının ve eleştirmenlerin dikkatini ilk olarak 1889 Dünya Sergisi sırasında çekti ve burada "Mesih" kabartması sunuldu. Finlandiyalı heykeltıraş, sembolist Paris salonlarında bir kez daha adını duyurdu. Gül + Croix 1892 ve 1893'te. Wallgren'in karısı İsveçli sanatçı ve heykeltıraş Antoinette Rostrem'di ( Antoinette Råström) (1858-1911).

Fin Sanatının Altın Çağı: Albert Edelfelt, Akseli Gallen-Kallela, Eero Järnefelt, Pekka Halonen

Üçüncü kattaki en büyük salonlardan birinde Ateneum Müzesi arkadaş Ville Wallgren'in çalışmaları da dahil olmak üzere klasik resimler sunuluyor - Albert Edelfelt (Albert Edelfelt) (1854-1905), dünyada en çok bilinen Fin sanatçı.

Seyircinin dikkatini mutlaka muhteşem resim çekiyor " Kraliçe Blanca"(1877) - Finlandiya'daki en popüler ve sevilen resimlerden biri, anneliğe gerçek bir ilahi. Bu resmin matbu nüshaları ve onu betimleyen işlemeler ülke çapında binlerce evde bulunabilir. Edelfelt, Zacharias Topelius'un (Zacharias Topelius) "Dokuz Gümüşçü" adlı kısa öyküsünden esinlenmiştir. De nio gümüş penningarna Orta Çağ İsveç ve Norveç Kraliçesi Namurlu Blanca, Danimarka Kralı I. Margaret'in müstakbel kocası olacak oğlu Prens Hakon Magnusson'u şarkılarla eğlendiriyor. Düzenlenen bu evliliğin sonucu, Kraliçe Blanca, İsveç, Norveç ve Danimarka birliği oldu - Kalmar Birliği (1397-1453). Pretty Blanca, küçük oğluna gelecekteki tüm bu olaylar hakkında şarkı söylüyor.

Bu tuvalin yaratıldığı çağda, tarihi resim sanatın en asil biçimi olarak kabul edildi ve o dönemde ulusal kimlik yeni şekillenmeye başladığı için Fin toplumunun eğitimli kesimleri tarafından talep görüyordu. Albert Edelfelt, ortaçağ İskandinav tarihi konulu bir resim yapmaya karar verdiğinde sadece 22 yaşındaydı ve Kraliçe Blanca onun ilk ciddi eseri oldu. Sanatçı, halkının beklentilerini karşılamaya ve tarihi sahneyi olabildiğince canlı ve özgün bir şekilde somutlaştırmaya çalıştı (resim yaptığı sırada Edelfelt, Paris'te sıkışık bir çatı katında yaşıyordu ve öğretmeni Jean-Leon Gerome'nin ısrarı üzerine çalıştı. o dönemin kostümleri, ortaçağ mimarisi ve mobilyaları hakkında kitaplar okudu, ortaçağ Cluny Müzesi'ni ziyaret etti). Kraliçenin elbisesinin parıldayan ipeğinin, yerdeki ayı postunun ve diğer birçok detayın nasıl yazıldığına bakın (sanatçı, ayı postunu mağazadan özel olarak kiralamıştır). Ancak resimdeki en önemli şey, en azından modern izleyici için (ve annesini dünyadaki herkesten daha çok seven Edelfelt'in kendisi için), sıcak duygusal içeriğidir: annenin yüzü ve ifade eden çocuğun jestleri. aşk, neşe ve samimiyet.

18 yaşındaki güzel bir Parisli, Kraliçe Blanca için model olarak görev yaptı ve güzel bir İtalyan çocuk, Prens için poz verdi. Resim "Kraliçe Blanca" ilk kez 1877'de Paris Salon'da halka sunuldu, büyük bir başarı elde etti ve Fransız sanat yayınlarında kopyalandı. Ardından Finlandiya'da gösterildi ve ardından tuval Aurora Karamzina'ya satıldı. Daha sonra tablo, onu bağışlayan kodaman Hjalmar Linder'in koleksiyonunda yer aldı. Ateneum Müzesi 1920'de

Erken yaratıcılığın başka bir örneği Albert Edelfelt hüzünlü tablo" Bir çocuğun cenazesi"("Tabutun taşınması") (1879). Edelfelt'in gençliğinde tarih ressamı olacağını söylemiştik; Antwerp'te ve ardından Paris'te okurken kendini buna hazırladı. Ancak 1870'lerin sonunda idealleri değişti, Fransız ressam Bastien-Lepage ile arkadaş oldu ve açık hava resminin vaizi oldu. Sonraki işler Edelfelt zaten köylü yaşamının ve anavatanlarının yaşayan yaşamının gerçekçi bir yansımasıdır. Ancak "Bir Çocuğun Cenazesi" tablosu sadece günlük yaşam sahnesini yansıtmaz: temel insan duygularından birini - kederi aktarır.

O yıl Edelfelt, annesi tarafından Porvoo yakınlarındaki Haikko malikanesinde kiralanan kulübeyi ilk kez ziyaret etti (daha sonra sanatçı her yaz bu güzel yerlere geldi). Resim tamamen açık havada boyanmıştı ve bunun için rüzgarda dalgalanmaması için kıyıdaki kayalara büyük bir tuval yapıştırılması gerekiyordu. Edelfelt bir arkadaşına "Dışarıda resim yapmanın bu kadar zor olduğunu düşünmemiştim" dedi. Edelfelt, Porvoo takımadalarının sakinlerinin yıpranmış yüzlerini çizdi, balıkçılarla birden fazla kez denize açıldı ve hatta ayrıntıları doğru bir şekilde yeniden üretmek için atölyesine özel olarak biçilmiş bir balıkçı teknesi yerleştirdi. edelfelt boyama « Bir Çocuğun Cenazesi” 1880 Paris Salonunda sergilendi ve 3. derece madalya ile ödüllendirildi (ilk kez Fin sanatçı böyle bir onur aldı). Fransız eleştirmenler, aşırı duygusallıktan yoksun olması, ancak karakterlerin kaçınılmaz olanı kabul etme onurunu yansıtması da dahil olmak üzere, resmin çeşitli değerlerine dikkat çekti.

Resim tamamen farklı, güneşli ve kaygısız bir ruh haliyle doludur. Albert Edelfelt « lüksemburg bahçesi» (1887). Edelfelt bu tuvali yaptığında, Paris sanat dünyasında zaten çok ünlü bir figürdü. Güzel havanın tadını çıkaran çok sayıda çocuk ve dadı ile Paris parklarından büyülenerek, bu güzelliği yakalamaya karar verdi. O zamana kadar, ressam on yıldan fazla bir süredir Paris'te yaşıyordu ve bu tablonun Paris hayatını anlatan tek büyük eseri olması bile garip. Bu muhtemelen sanatçılar arasındaki şiddetli rekabetten kaynaklanıyor: Bu ortamda daha “egzotik” Fin konuları üzerinde çalışarak öne çıkmak daha kolaydı. "Lüksemburg Bahçeleri" tablosu da, Edelfelt'in içinde birçok izlenimcilik tekniği kullandığı için sıra dışıdır. Aynı zamanda Empresyonistlerin aksine bu tuval üzerinde bir yılı aşkın bir süre hem açık havada hem de stüdyoda çalıştı. İşler genellikle sıradan nedenlerle yavaşlıyordu: kötü hava koşulları veya geç modeller nedeniyle. Özeleştiri yapan Edelfelt, tuvali defalarca elden geçirdi ve işi sergiye götürme zamanının geldiği son ana kadar değişiklikler yaptı.

Tablo ilk kez bir sergide gösterildi. Küçük Galeri Mayıs 1887'de. Edelfelt sonuçtan pek memnun değildi: Fransız İzlenimcilerin resimlerindeki renk patlamalarının arka planına karşı, tuvali ona kansız, "sıvı" göründüğü gibi görünüyordu. Ancak çalışma eleştirmenler ve halk tarafından iyi karşılandı. Daha sonra, bu resim Fin sanatının - ve özellikle Edelfelt'in - o zamanlar sanat evreninin merkez üssü olan Paris ile yakın bağlarının bir tür sembolü haline geldi.

Resim " Ruokolahti'deki kilisede kadınlar» (1887) Albert Edelfelt Haikko'daki yaz atölyesinde yazdı - orada neredeyse tüm eserlerini halk hayatı teması üzerine yarattı. Tablo, Doğu Finlandiya'ya yapılan bir gezinin izlenimlerini yansıtsa da, Haikkolu kadınların tabloya model oldukları biliniyor (Edelfelt'in stüdyosunda poz verdiği fotoğrafları korunmuştur). Diğer büyük kompozisyonlar gibi, bu da bir gecede yaratılmadı, her zaman dikkatli ön eskizler yapıldı. Bununla birlikte, sanatçının asıl amacı her zaman spontane, canlı bir "anlık görüntü" efekti elde etmek olmuştur.

Ateneum Müzesi'nde Albert Edelfelt'in eserlerinin yanında Fin sanatının altın çağının bir başka temsilcisinin tablolarını görebilirsiniz. Eero Jarnefelta (Eero Järnefelt) (1863-1937). Järnefelt, Finlandiya'daki eğitimini tamamladıktan sonra Sankt Petersburg nerede okudu Sanat Akademisi amcası Mikhail Klodt ile Repin ve Korovin ile yakınlaştı ve ardından eğitimine Paris'te devam etmek için gitti. Yabancı etkilere rağmen, Järnefelt'in çalışmaları ulusal kimlik arayışını, yerli kültürünün kendine özgü doğasını vurgulama arzusunu yansıtıyor ( yaratıcılık hakkında daha fazlası Eero Jarnefelta Okumak ).

Jarnefelt en çok portre ressamı olarak bilinir ve villa-stüdyo Suviranta'nın bulunduğu Koli bölgesi ve Tuusulanjärvi Gölü çevresinin görkemli manzaralarının yazarı olarak bilinir (yan tarafta besteci Sibelius'un karısıyla yaşadığı Ainola evi vardı. Jarnefelt'in kız kardeşi).

Ama Eero Järnefelt'in en önemli ve ünlü eseri tabi ki tablodur. "Boyunduruğun altında" ("Ormanı yakmak")(1893) (adın diğer varyantları - " Para için geriye eğilmek», « zorla çalıştırma"). Tuvalin konusu, ekilebilir arazi elde etmek için ormanın yakılmasından oluşan eski çiftçilik yöntemiyle bağlantılıdır (sözde kesme ve yakma tarımı). Tablo 1893 yazında bir çiftlikte yapılmıştır. Rannan Puurula Lapinlahti'de, Kuzey Savo bölgesinde. O yıl don, hasadı ikinci kez mahvetti. Järnefelt varlıklı bir ailenin çiftliğinde çalıştı ve yalnızca hasat iyiyse yaptıkları iş için ödeme alan topraksız işçilerin zorlu yaşam ve çalışma koşullarını gözlemledi. Buna paralel olarak Järnefelt, yanan bir orman manzarasının eskizlerini yaptı, ateş ve dumanın davranışını inceledi ve sonunda resminin ana karakterleri haline gelen köylüleri de filme aldı.

Resimdeki tek bir karakter doğrudan izleyiciye bakıyor: Bu, işine bir süre ara veren ve bize sitem ifadesiyle bakan bir kız. Karnı açlıktan şişmişti, yüzü ve giysileri isten kararmıştı ve Jarnefelt başının çevresinde haleye benzeyen bir duman tasvir etmişti. Sanatçı bu resmi Johanna Kokkonen adlı 14 yaşındaki bir kızdan almıştır ( Johanna Kokkonen), çiftlikteki hizmetçiler. Ön plandaki kişi Heikki Puurunen'dir ( Heikki Puurunen), çiftçinin erkek kardeşi ve çiftliğin sahibi arka planda tasvir edilmiştir.

Resme baktığınızda, kelimenin tam anlamıyla ateşin sıcaklığını hissedebilir, alevin boğuk sesini ve dalların çıtırtılarını duyabilirsiniz. Resmin birkaç yorumu var ama asıl anlamı mazlumların sert eleştirisi olarak görülüyor. Resimdeki kız, tüm yoksul ve aç çocukların, Finlandiya'nın tüm dezavantajlı insanlarının genelleştirilmiş bir görüntüsü haline geldi. Tuval ilk kez 1897'de halka sunuldu.

Bütün bir büyük salon Ateneum Müzesi Fin güzel sanatlarının altın çağının bir başka ünlü temsilcisinin çalışmasına adanmış - Akseli Gallena-Kallela (Akseli Gallen-Kallela) (1865-1931). O dönemin diğer büyük Fin sanatçıları gibi o da okudu. Gallen-Kallela, Fin destanı Kalevala'ya dayanan Fin pavyonu için bir dizi fresk yaptığı 1900 Dünya Sergisi sırasında Paris halkının özel ilgisini gördü.

Sırasında paris'te okumak Gallen-Kallela sık sık sokaklarda ve kafelerde gördüğü sahneleri çizdi. Bu dönemin yaratıcılığına bir örnek resimdir. "Çıplak" ("Maskesiz") (maskesini kaldır ) (1888) - Gallen-Kallela'nın çalışmalarındaki neredeyse tek erotik tuval. Müstehcen resim koleksiyonunu yenilemek isteyen Finli koleksiyoncu ve hayırsever Fridtjof Antell tarafından yaptırılan 23 yaşındaki bir sanatçı tarafından yaratıldığı biliniyor. Ancak Antell tabloyu görünce, görünüşe göre tablonun kendi zevkine göre bile fazla müstehcen olduğunu düşünerek onu almayı reddetti.

Resim, sanatçının stüdyosunda geleneksel bir Fin halısıyla kaplı bir kanepede oturan çıplak bir Parisli kadını (görünüşe göre bir fahişe) tasvir ediyor. Resim bohem yaşam tarzı hakkında bir fikir veriyor ama aynı zamanda sevinçlerinin ölümle, düşüşle dolu olduğunu ima ediyor. Sanatçı, kesinlikle şehvetli bir model ve şekli erotik duyguyu daha da artıran bir gitarla tezat oluşturan masumiyeti simgeleyen bir zambak tasvir ediyor. Kadın hem baştan çıkarıcı hem de korkutucu görünüyor. Haç, Buda heykeli ve antik Fin halısı Ruyu Kendini beğenmiş kadın etinin yanında tasvir edilen , azizin saygısızlığını ima ediyor. Arka planda masanın üzerinde sırıtan bir kafatası - Vanitas türündeki resimlerde sık görülen bir unsur, izleyiciye dünyevi zevklerin kırılganlığını ve ölümün kaçınılmazlığını hatırlatıyor. tuval maskesini kaldır ilk kez sergilendi Ateneum Müzesi 1893'te

Daha sonraki birçok eser Gallena-Kallelaözel "Kalevale". Sanatçı, Finlandiya destanının Väinämöinen ve Lemminkäinen gibi kahramanlarını tasvir ederken, taklit edilemeyecek kadar parlak renkler ve stilize süslemelerle dolu, sert ve etkileyici özel bir üslup kullanıyor. Bu döngüden, çarpıcı resme dikkat çekmeye değer “ Lemminkäinen'in annesi» (1897). Resim, destanın bir illüstrasyonu olmasına rağmen, daha küresel, evrensel bir sese sahip ve bir tür Kuzey Pieta olarak kabul edilebilir. Anne sevgisinin bu delici şarkısı, Gallen-Kallela'nın " konulu en çarpıcı eserlerinden biridir. Kalevala».

Lemminkäinen'in annesi- neşeli bir adam, zeki bir avcı ve kadınları baştan çıkaran - oğlunu kutsal kuğuyu vurmaya çalıştığı kara Ölüm nehrinde (Tuonela Nehri) bulur. Arka planda karanlık suda kuğu tasvir edilmiş, kayalık kıyıya kafatasları ve kemikler serpiştirilmiş ve ölüm çiçekleri filizlenmiştir. Kalevala, bir annenin uzun bir tırmıkla suyu nasıl taradığını, tüm parçaları nasıl tırmıkladığını ve oğlunu yeniden katladığını anlatır. Büyüler ve merhemlerin yardımıyla Lemminkäinen'i canlandırır. Resim, dirilişten önceki anı tasvir ediyor. Görünüşe göre her şey gitmiş, ancak güneş ışınları ölülerin krallığına girerek umut veriyor ve arı, kahramanın dirilişi için hayat veren ilahi bir merhem taşıyor. Koyu, donuk renkler bu yeraltı dünyasının dinginliğini artırırken, kayaların üzerindeki yoğun kan kırmızısı yosunlar, Lemminkäinen'in bitkilerinin ve derisinin ölümcül beyazlığı, arının ilahi altın rengi ve gökten dökülen ışınlarla tezat oluşturuyor.

Sanatçı bu resim için kendi annesi tarafından poz verdi. Canlı, yoğun bir bakışla çok gerçekçi bir görüntü yaratmayı başardı (bu gerçek bir duygu: Gallen-Kallela annesiyle kasıtlı olarak üzücü bir şey hakkında konuşarak onu ağlattı). Aynı zamanda, olayların gerçekliğin "diğer tarafında" gerçekleştiği hissi olan özel bir efsanevi atmosfer yaratmaya izin veren resim stilize edilmiştir. Gallen-Kallela, duygusal etkiyi artırmak için yağlı boya yerine tempera kullandı. Basitleştirilmiş formlar, net şekil konturları ve büyük renk düzlemleri, güçlü bir kompozisyon oluşturmaya yardımcı olur. Resmin kasvetli havasını daha iyi iletmek için sanatçı, Ruovesi'deki stüdyo evinde tamamen siyah bir oda donattı, tek ışık kaynağı bir ışıklıktı. Ayrıca yerde çıplak yatarken fotoğrafını çekmiş ve bu resimleri Lemminkäinen figürünü çizerken kullanmıştır.

Tamamen farklı, pastoral ve neredeyse uçarı bir tarzda, Gallen-Kallela'nın üçlüsü " Aino Efsanesi» (1891). Kompozisyon, Kalevala'nın genç kız Aino ve yaşlı bilge Väinämöinen hakkındaki arsasına adanmıştır. Aino, ailesinin kararıyla Väinämöinen ile evlendirilecekti, ancak kendini boğmayı tercih ederek ondan kaçıyor. Üç parçanın sol tarafında, yaşlı bir adam ve geleneksel Karelya kıyafeti giymiş bir kızın ormandaki ilk buluşması gösteriliyor ve sağ tarafta üzgün Aino'yu görüyoruz. Kendini suya atmaya hazırlanırken, suda oynayan deniz kızlarının cıvıltılarını dinleyerek kıyıda ağlar. Son olarak, orta panel hikayenin sonunu gösteriyor: Väinämöinen bir tekneyle denize açılıyor ve balık tutmaya gidiyor. Küçük bir balık yakaladıktan sonra, kendi hatası nedeniyle boğulan kızı onda tanımaz ve balığı tekrar suya atar. Ama o anda balık, onu özleyen yaşlı adama gülen ve sonra sonsuza kadar dalgaların arasında kaybolan bir deniz kızı olan Aino'ya dönüşür.

1890'ların başı Gallen-Kallela natüralizmin destekçisiydi ve resimdeki tüm figür ve nesneler için kesinlikle orijinal modellere ihtiyacı vardı. Bu yüzden, Karelya köylerinden birinin sakini, uzun güzel sakallı Väinämöinen'in görüntüsü için sanatçıya poz verdi. Ayrıca sanatçı, yaşlı bir adam tarafından korkutulmuş bir balığın en doğru görüntüsünü elde etmek için tünekleri kurutmuştur. Aino'nun elinde parıldayan gümüş bileklik bile gerçekte vardı: Gallen-Kallela bu mücevheri genç karısı Mary'ye hediye etti. Görünüşe göre Aino için bir model olarak görev yaptı. Triptik için manzaralar, sanatçı tarafından Karelya'daki balayı sırasında çizilmiştir.

Kompozisyon, Gallen-Kallela'nın kendisi tarafından yazılan Kalevala'dan süslemeler ve alıntılar içeren ahşap bir çerçeve ile çerçevelenmiştir. Bu triptik hareketin başlangıç ​​noktası oldu. Finlandiya'da ulusal romantizm- Art Nouveau'nun Fin versiyonu. Sanatçı bu tablonun ilk versiyonunu 1888-89'da Paris'te yaptı. (şu anda Finlandiya Bankası'na aittir). Tablo Helsinki'de ilk kez sergilendiğinde büyük bir coşkuyla karşılandı ve Senato, masrafları kamuya ait olmak üzere yeni bir versiyon sipariş etmeye karar verdi. Fin ulusunu idealleştiren ve romantikleştiren Fennomani hareketinin ardından böyle bir fikir oldukça doğal görünüyor. Ayrıca sanat, Fin ulusal ideallerini ifade etmenin güçlü bir yolu olarak algılanıyordu. Aynı zamanda, "gerçek bir Fin stili" arayışı içinde sanatçıların Karelya'ya seferleri başladı. Karelya, Kalevala'nın izlerinin korunduğu tek el değmemiş toprak olarak görülüyordu ve Gallen-Kallela'nın kendisi de bu destanı, ulusal büyüklüğün geçmiş zamanlarının bir hikayesi, kayıp bir cennetin görüntüsü olarak algıladı.

Gallen-Kallela'nın resmi " Kullervo'nun Laneti"(1899), Kalevala'nın başka bir kahramanını anlatıyor. Kullervo, olağanüstü güçlü bir gençti, köleliğe verilen ve inekleri gütmesi için vahşi doğaya gönderilen bir yetimdi. Demirci Ilmarinen'in karısı olan kötü metresi, içinde bir taşın gizlendiği yolculuk için ona ekmek verdi. Ekmeği kesmeye çalışan Kullervo, babasından geriye kalan tek hatıra olan bıçağı kırdı. Öfkeli, metresi parçalayan yeni bir kurt, ayı ve vaşak sürüsü toplar. Kullervo, ailesinin hayatta olduğunu öğrenince kölelikten kaçar ve evine döner. Ancak Kullervo'nun talihsizlikleri burada bitmiyor. Bitmeyen bir intikam sarmalı, yalnızca yeni kurduğu ailesini değil, kendisini de yok eder. Önce ablası olduğu ortaya çıkan bir kızla tanışıp onu baştan çıkarır ve bu günahkâr ilişki yüzünden kız kardeşi intihar eder. Yakında tüm akrabaları ölür. Sonra Kullervo kendini kılıcın üzerine atarak intihar eder.

Gallen-Kallela'nın resmi, Kullervo'nun hala çoban olarak hizmet ettiği bir bölümü gösteriyor (sürüsü arka planda görülebiliyor ve önde pişmiş taşlı ekmek tasvir ediliyor). Genç adam yumruğunu sallar ve düşmanlarından intikam almaya ant içer. Sanatçı, öfkeli kahramanı sonbaharın başlarındaki güneşli bir manzaranın zemininde tasvir etti, ancak bulutlar zaten arka planda toplanıyor ve dökülen kırmızı üvez, bir uyarı, gelecekteki kan dökülmesinin bir kehaneti olarak hizmet ediyor. Bu resimde trajedi, Karelya doğasının güzelliği ile birleştirilmiştir ve intikam almakta olan kahraman, bir anlamda Finlandiya'nın savaşan ruhunun ve gelişen ulusal bilincin sembolü olarak görülebilir. Öte yandan, ailesini katleden yabancılar tarafından şiddet ve intikam atmosferinde büyütülen ve kaderinde trajik bir iz bırakan bir adamın öfke ve hayal kırıklığının, iktidarsızlığının bir portresi var önümüzde.

Yaratıcılık hakkında daha fazla bilgi Gallena-Kallela Okumak .

Bu bölümü, Fin ulusal romantizminin resimdeki bir başka önde gelen temsilcisinin, Finlandiya Altın Çağı'nın ünlü sanatçısı Pekka Halonen'in çalışmaları hakkında bir hikaye ile bitiriyoruz. Pekka Halonen (Pekka Halonen) (1865-1933) 1890'larda ön plana çıktı ve kendisinin mükemmel bir usta olduğunu kanıtladı. kış manzarası. Bu türün başyapıtlarından biri resimdir " Kar altında genç çamlar"(1899), bir örnek olarak kabul edildi Fin Japonculuğu ve resimde Art Nouveau. Beyazın farklı tonlarıyla oynayan fidanları kaplayan yumuşak kabarık kar, bir orman masalının huzurlu atmosferini yaratıyor. Sisli hava, soğuk kış pusuyla doyurulur ve yemyeşil kar katmanları, genç çamların kırılgan güzelliğini vurgular. Genel olarak ağaçlar, yaratıcılıkta en sevilen motiflerden biriydi. Pekki Halonena. Hayatı boyunca yılın farklı zamanlarında coşkuyla ağaçları tasvir etti ve özellikle baharı sevdi, ancak yine de en çok usta olarak ünlendi. kış manzarası- çok az ressam soğukta yaratmaya cesaret etti. Pekka Halonen kıştan korkmadı ve hayatı boyunca her türlü havada açık havada çalıştı. Açık hava çalışmasının bir destekçisi olarak, "dünyaya bir pencereden bakan" sanatçıları küçümsüyordu. Halonen'in resimlerinde dallar dondan çatlar, ağaçlar kar örtüsünün ağırlığı altında sarkar, güneş yere mavimsi gölgeler düşürür ve orman sakinleri yumuşak beyaz bir halı üzerinde ayak izleri bırakır.

Kış manzaraları Finlandiya'nın bir tür ulusal sembolü haline geldi ve Pekka Halonen, 1900'de Paris'teki Dünya Sergisinde Fin pavyonu için Fin doğası ve halk yaşamı konulu bir düzine tuval yaptı. Bu döngü, örneğin, "" resmini içerir. delikte"(Buzda Yıkama") (1900). Halonen'in "kuzey egzotizmini" tasvir etmeye olan ilgisi, 1894'te Paris'te Paul Gauguin ile çalışırken ortaya çıktı.

Tipik olarak, sanatçılar Fin resminin altın çağışehirli orta sınıftan geliyordu. Bir başka şey de, aydınlanmış köylü ve zanaatkârlardan oluşan bir aileden gelen Pekka Halonen. Lapinlahti'de (Doğu Finlandiya) doğdu ve oldukça erken bir zamanda sanatla ilgilenmeye başladı - sadece resimle değil, aynı zamanda müzikle de (sanatçının annesi yetenekli bir kantele sanatçısıydı; ayrıca oğluna şefkatli bir tutum ve doğa sevgisi aşıladı ve daha sonra bu aşk adeta bir dine dönüştü). Genç adam, akranlarından biraz sonra resim eğitimi almaya başladı, ancak Finlandiya Sanat Derneği'nin çizim okulunda dört yıl okuduktan ve buradan mükemmel bir şekilde mezun olduktan sonra Halonen, gitmesine izin veren bir burs almayı başardı. o zamanın sanatsal Mekke'sinde okuyun. Önce Académie Julian'da okudu ve ardından 1894'te özel dersler almaya başladı. Paul Gauguin arkadaşı Vyaino Bloomstead ile birlikte. Halonen bu dönemde sembolizm, sentezcilik ve hatta teozofi ile tanıştı. Bununla birlikte, en son sanatsal akımlarla tanışması, gerçekçi tavrı terk etmesine yol açmadı ve Gauguin'in parlak paletini ödünç almadı, ancak Gauguin'in etkisi altında Halonen, Japon sanatının derin bir uzmanı oldu ve koleksiyon yapmaya başladı. Japon gravürlerinin kopyaları.

Örneğin, çalışmalarında genellikle Japon sanatında popüler bir motif olan kavisli bir çam ağacı bulunur. Ek olarak, Halonen birçok resminde ayrıntılara, dekoratif dal desenlerine veya özel bir kar desenine özel önem veriyor ve Japon sanatında kış manzaralarının teması alışılmadık bir durum değil. Ayrıca Halonen, "kakemono" gibi dikey dar tuvaller, asimetrik kompozisyonlar, yakın çekimler ve alışılmadık açılar tercihi ile karakterize edilir. Diğer birçok manzara ressamının aksine, yukarıdan tipik panoramik manzaralar çizmedi; manzaraları ormanın derinliklerine, doğaya yakın, ağaçların tam anlamıyla izleyiciyi çevrelediği ve onu sessiz dünyasına davet ettiği yerlerde resmedilmiştir. Halonen'e doğayı betimlemede kendi tarzını keşfetmesi için ilham veren ve temalarını ulusal köklerde aramaya teşvik eden Gauguin'di. Gauguin gibi Halonen de sanatının yardımıyla birincil, ilkel bir şey bulmaya çalıştı, ancak yalnızca Fransız idealini Pasifik adalarında arıyorsa, o zaman Fin sanatçısı Fin halkının "kayıp cennetini" canlandırmaya çalıştı. bakir ormanlarda, Kalevala'da anlatılan kutsal yabanlarda.

Pekka Halonen'in çalışmaları her zaman barış ve uyum arayışıyla ayırt edildi. Sanatçı, "sanatın zımpara kağıdı gibi sinirleri tahriş etmemesi gerektiğine - bir barış duygusu yaratması gerektiğine" inanıyordu. Halonen, köylü emeğini tasvir ederken bile sakin, dengeli kompozisyonlar elde etti. Yani, işte Karelya'daki öncüler» (« Karelya'da yol inşaatı”) (1900), Finli köylüleri, işi yapmak için aşırı çaba harcamaya ihtiyaç duymayan bağımsız, zeki işçiler olarak sundu. Ayrıca sanatçı, genel bir dekoratif izlenim yaratmaya çalıştığını vurguladı. Bu, resmin gerçekçi olmayan "sakin Pazar havasını" eleştiren ve işçilerin çok temiz kıyafetlerine, yerdeki az miktarda talaşa ve teknenin ortasındaki tuhaf görünümüne şaşıran çağdaşlarına yanıtıydı. orman. Ancak sanatçının tamamen farklı bir fikri vardı. Pekka Halonen, zorlu, yorucu bir çalışmanın resmini yaratmak değil, köylü emeğinin sakin, ölçülü ritmini aktarmak istiyordu.

Halonen, Floransa'da gördüğü erken dönem Rönesans şaheserleri de dahil olmak üzere İtalya'ya yaptığı gezilerden (1896-97 ve 1904) büyük ölçüde etkilendi. Daha sonra Pekka Halonen, eşi ve çocuklarıyla (çiftin toplam sekiz çocuğu vardı), sakin pitoresk çevresi, "yavan ve çirkin her şeyin kaynağı" Helsinki'den uzakta tükenmez bir ilham kaynağı ve verimli bir çalışma kaynağı olan Tuusula Gölü'ne taşındı. " Burada gölde kayak yapan sanatçı, gelecekteki evi için bir yer aradı ve 1899'da çift, birkaç yıl sonra Pekka Halonen'in stüdyo evinin büyüdüğü kıyıda bir arsa satın aldı - onun adını verdiği bir villa Haloseniemi (Halosenniemi) (1902). Ulusal romantik ruha sahip bu rahat ahşap konut, sanatçının kendisi tarafından tasarlanmıştır. Bugün ev, Pekka Halonen Müzesi'ne ev sahipliği yapıyor.

Fin Sembolistleri

Ateneum Müzesi koleksiyonundaki en ilginç bölümlerden biri Hugo Simberg ve diğer Fin sembolistlerinin eşsiz eseridir.

Ateneum müzesinin ayrı bir odasında ünlü tablo “ yaralı melek» (1903) Finlandiyalı sanatçı hugo simberg. Bu melankolik tuval, garip bir alayı tasvir ediyor: iki asık suratlı oğlan, beyazlar giymiş bir kızı, gözleri bağlı ve kanadı yaralı bir meleği bir sedye üzerinde taşıyor. Resmin arka planı, erken ilkbaharın çıplak bir manzarasıdır. Meleğin elinde bir buket kardelen, baharın ilk çiçekleri, şifa ve yeni yaşamın sembolleridir. . Alay, cenazeciye benzeyen (muhtemelen Ölüm'ün bir sembolü) siyah giyinmiş bir çocuk tarafından yönetiliyor. Başka bir çocuğun bakışı bize çevrilir, doğrudan izleyicinin ruhuna nüfuz eder ve bize yaşam ve ölüm konularının her birimiz için geçerli olduğunu hatırlatır. Düşmüş melek, cennetten kovulma, ölümle ilgili düşünceler - tüm bu konular sanatçıları özellikle ilgilendirirdi - sembolistler. Sanatçının kendisi, tablonun herhangi bir hazır yorumunu sunmayı reddetti ve izleyiciyi kendi sonuçlarını çıkarmaya bıraktı.

Hugo Simberg bu resim üzerinde uzun süre çalıştı: İlk eskizler 1898'deki albümlerinde bulunuyor. Bazı eskizler ve fotoğraflar, kompozisyonun bireysel parçalarını yansıtır. Bazen bir melek el arabasıyla sürülür, bazen oğlanlar değil ama küçük şeytanlar hamal olarak temsil edilir, aynı zamanda bir melek figürü her zaman merkezde kalır ve arka plan gerçek bir manzaradır. Resim üzerindeki çalışma süreci, Simberg ciddi bir şekilde hastalanınca kesintiye uğradı: 1902 sonbaharından 1903 baharına kadar sanatçı, Helsinki'deki Deaconess Enstitüsü hastanesinde tedavi gördü ( Helsingin Diakonissalaitos) Kallio bölgesinde. Frengi ile şiddetlenen (sanatçının daha sonra öldüğü) ciddi bir sinir hastalığı vardı.

Simberg'in modellerini (çocuklarını) atölyede ve söz konusu hastanenin yanında bulunan Eleintarcha parkında fotoğrafladığı biliniyor. Resimde tasvir edilen yol bugün hala var - Töölönlahti Körfezi kıyısı boyunca ilerliyor. Simberg'in zamanında Eleintarcha Parkı, işçi sınıfının popüler bir rekreasyon alanıydı. Ayrıca, körler için bir kız okulu ve engelliler için bir yetimhane de dahil olmak üzere birçok hayır kurumu burada bulunuyordu. Simberg, 1903 baharında ciddi bir hastalıktan yola çıkarak parka yürürken parkın sakinlerini defalarca gözlemledi. Görünüşe göre bu uzun yürüyüşler sırasında resim fikri nihayet şekillendi. “Yaralı Melek” resminin (cennetten kovulmanın sembolü, hasta bir insan ruhu, bir kişinin çaresizliği, kırık bir rüya) felsefi yorumlarına ek olarak, bazıları onu sanatçının acı verici durumunun ve hatta belirli fiziksel durumunun kişileştirilmesi olarak görüyor. semptomlar (bazı raporlara göre, Simberg ayrıca menenjitten muzdaripti).

Simberg'in tablosu yaralı melek tamamlandıktan hemen sonra büyük bir başarı elde etti. Sunum, Finlandiya Sanat Derneği'nin 1903'teki sonbahar sergisinde gerçekleşti. Başlangıçta, tuval bir başlık olmadan sergilendi (daha doğrusu, bir başlık yerine bir çizgi vardı), bu da herhangi bir yorumun imkansızlığına işaret ediyordu. Bu son derece bireysel ve duygusal çalışma için sanatçıya 1904'te devlet ödülü verildi. The Wounded Angel'ın ikinci versiyonu, Simberg tarafından Magnus Enckel ile birlikte çalıştığı Tampere Katedrali'nin içini fresklerle dekore ederken idam edildi.

2006 yılında Finlandiya'da yapılan bir ankete göre, “ yaralı melek”, Ateneum koleksiyonundaki en popüler eser, Finlandiya'nın en sevilen “ulusal resmi” ve ülkenin sanatsal sembolü olarak kabul edildi.

hugo simberg (hugo simberg) (1873-1917) Hamina şehrinde doğdu, sonra yaşadı ve okudu ve ardından Finlandiya Sanat Derneği okuluna gittiği yerde. Yazları Finlandiya Körfezi kıyısındaki Niemenlautta'daki (Syakkijärvi) aile malikanesinde sık sık geçirdi. Simberg, Avrupa'da yoğun bir şekilde seyahat etti, Londra ve Paris'i ziyaret etti, İtalya ve Kafkasya'yı ziyaret etti. Bir sanatçı olarak gelişiminde önemli bir aşama, basmakalıp akademik eğitimden hayal kırıklığına uğrayan Simberg'in, Gallen-Kallela'nın atölye evini inşa ettiği Ruovesi'deki ücra bir bölgede Akseli Gallen-Kallela'dan özel dersler almaya başlamasıyla geldi. Gallen-Kallela, Simberg'in çalışmalarını herkesin duyması gereken doğru ve tutkulu vaazlarla karşılaştırarak öğrencisinin yeteneğine çok değer verdi ve onun için sanat dünyasında harika bir gelecek öngördü. Simberg, 1895 ile 1897 arasında Ruovesi'yi üç kez ziyaret etti. Burada sanatsal bir özgürlük atmosferinde hızla kendi dilini buldu. Örneğin Ruovesi'de kaldığı ilk sonbaharda ünlü eseri " Donmak(1895), biraz Munch'un The Scream'ini anımsatıyor. Bu durumda, dünyanın dört bir yanındaki çiftçilerin korkusu olan hava durumu fenomeni, görünür bir düzenleme, yüz ve biçim aldı: büyük kulaklı, bir demetin üzerinde oturan ve ölümcül nefesiyle etrafındaki her şeyi zehirleyen ölümcül solgun bir figür. . Munch'un birkaç yıl önce tamamlanan Çığlık'ından farklı olarak, Simberg'in Frost'u tam bir korku ve çaresizlik değil, aynı zamanda garip bir tehdit ve acıma duygusu uyandırıyor.

Simberg'in hayatında önemli bir an, 1898 sonbahar sergisiydi ve ardından Finlandiya Sanatçılar Birliği'ne kabul edildi. Simberg, Avrupa'da yoğun bir şekilde seyahat etti, ders verdi ve sergilere katıldı. Bununla birlikte, sanatçının yeteneğinin ölçeği ancak ölümünden sonra gerçekten takdir edildi. Tüyler ürpertici ve doğaüstü olana odaklanmak, o dönemin tüm eleştirmenleri ve izleyicileri tarafından anlaşılmaktan uzaktı.

hugo simberg en büyüklerinden biriydi Fin Sembolistleri. Sıradan günlük durumlardan etkilenmedi - aksine, başka bir gerçekliğe kapı açan, izleyicinin zihnine ve ruhuna dokunan bir şeyi tasvir etti. Sanatı, “kışın ortasında bir insanı güzel bir yaz sabahına aktarma ve doğanın nasıl uyandığını ve sizin de onunla uyum içinde olduğunuzu hissetme fırsatı olarak anladı. Bir sanat eserinde aradığım şey bu. Bizimle bir şey hakkında konuşmalı ve yüksek sesle konuşmalı ki başka bir dünyaya taşınalım.

Simberg, yalnızca hayal gücünde görülebilecek şeyleri tasvir etmekten özellikle hoşlanıyordu: melekler, şeytanlar, troller ve Ölüm'ün görüntüleri. Ancak bu görüntülere bile yumuşaklık ve insanlık katmıştır. Simberg'de ölüm genellikle yardımsever ve sempati doludur, görevlerini coşku duymadan yerine getirir. İşte yaşlı kadını almak için üç beyaz çiçekle geldi. Ancak Ölüm'ün acelesi yoktur, keman çalan çocuğu dinlemeye gücü yetmektedir. Sadece duvardaki saat zamanın geçişini gösterir (" Ölüm dinler", 1897).

İşte " ölüm bahçesi”(1896), Paris'e ilk çalışma gezisi sırasında yaratılan Simberg, kendisinin de dediği gibi, insan ruhunun ölümden hemen sonra, cennete gitmeden önce gittiği yeri tasvir etti. Siyah cüppeli üç iskelet, keşişlerin bir manastır bahçesiyle ilgilenmesi gibi bitki ruhlarıyla aynı sevgiyle şefkatle ilgilenir. Bu eser sanatçı için büyük önem taşıyordu. Neredeyse on yıl sonra, Simberg bunu Tampere Katedrali'nde büyük bir fresk şeklinde tekrarladı. Bu çalışmanın tuhaf çekiciliği, sevimli günlük ayrıntılarda (bir sulama kabı, kancadan sarkan bir havlu), huzurlu bir atmosferde ve bir yıkım gücü değil, özenin vücut bulmuş hali olan Ölüm'ün uysal bir görüntüsünde yatıyor. İlginç bir şekilde, Hans Christian Andersen'in peri masalı "Bir Annenin Hikayesi" de benzer bir görüntü buluyoruz: hikaye anlatıcısı, her çiçeğin veya ağacın arkasında bir insan ruhunun "sabitlendiği" büyük bir Ölüm serasını - bir serayı anlatıyor. Ölüm kendisine Tanrı'nın bahçıvanı diyor: "Çiçeklerini ve ağaçlarını alıyorum ve onları büyük Cennet bahçesine, bilinmeyen bir ülkeye naklediyorum."

Birinci ölümün görüntüsü Simberg'in çalışmasında yer aldı " ölüm ve köylü» (1895). Kısa siyah bir pelerin ve kısa pantolon, Ölüm'e hafif, mahzun bir görünüm veriyor. Bu çalışma Simberg tarafından Ruovesi'de Akseli Gallen-Kallela ile çalışırken yapılmıştır. O bahar, öğretmenin en küçük kızı difteriden öldü ve "Ölüm ve Köylü", çocuğunu kaybetmiş bir adam için bir sempati ifadesi olarak görülebilir.

Şeytanlar gibi, Hugo Simberg'in melekleri de insanlaştırılmıştır ve bu nedenle savunmasızdır. İnsanları iyilik yoluna yönlendirmeye çalışıyorlar ama gerçek ideal olmaktan çok uzak. İş " Rüya”(1900) izleyiciden sorular soruyor. Bir melek kocasıyla dans ederken bir kadın neden ağlıyor? Belki de koca karısını başka bir dünya için terk eder? Bu işin bir diğer adı da "Tövbe" idi, dolayısıyla farklı şekillerde yorumlanabilir.

Meleklerin görüntüleri ilk olarak 1895 sonbaharında Simberg'in çalışmasında ortaya çıktı ("iş" dindarlık"). Bu muzip parçada dua eden melek-kız, komşu meleğin aklında bambaşka bir şey olduğunu fark etmez. Ve gerçekten de, bu ikinci meleğin kanatları o kadar beyaz olmaktan çok uzak. Duygusallık ve maneviyat arasında bir mücadele var.

Simberg'in yazını neredeyse her zaman aile evinde geçirdiği Niemenlautta bölgesindeki set, yaz akşamları gençler için popüler bir buluşma yeriydi. Akordeon seslerinden etkilenen genç erkekler ve kadınlar, uzaktan da olsa tekneyle dans etmek için buraya geldiler. Simberg defalarca dansçıların eskizlerini yaptı. Ama işte Sahilde dans et"(1899) kızlar erkeklerle değil, Simberg'de çok sık bulunan Ölüm figürleriyle dans ederler. Belki Ölüm bu sefer korkunç bir hasat için gelmedi, sadece genel eğlenceye katılmak istiyor? Nedense akordeon çalmıyor.

Gördüğünüz gibi hugo simberg- çalışmaları tuhaf bir ironiden yoksun olmayan, ancak aynı zamanda tasavvuf ile nüfuz edilmiş ve sanatın özelliği olan iyilik ve kötülük, yaşam ve ölüm temalarına odaklanan son derece özgün bir sanatçı sembolistler. Simberg'in eserlerinde derin felsefi sorular, nazik mizah ve derin sempati ile iç içe geçmiştir. "Zavallı şeytan", "uysal Ölüm", keklerin kralı - tüm bu karakterler işine rüyalardan ve peri masallarından geldi. Yaldızlı çerçeveler ve parlak tuvaller yok: “Sanat eserlerini yalnızca aşk gerçek kılar. Doğum sancıları sevgisiz gelirse çocuk mutsuz doğar.

Ateneum Müzesi, Hugo Simberg'in eserlerinin yanı sıra, Fin sembolist ressam Magnus Enkel (Magnus Enckell) (1870-1925), Tampere Katedrali (1907) için freskler üzerinde çalışan Simberg gibi. Enkel, Hamina şehrinde bir rahip ailesinde doğdu, resim eğitimi aldı ve 1891'de Paris'e giderek Julian Akademisi'nde eğitimine devam etti. Orada Rosicrucian J. Peladan'ın sembolizmi ve mistik fikirleriyle ilgilenmeye başladı. İkincisinden Magnus Enkel, eserlerinde kullanmaya başladığı androjen güzellik idealini benimsedi. Enckel, kayıp bir cennet, insanın kayıp saflığı fikrinden büyülenmişti ve çift cinsiyetli güzellikleriyle çok genç erkekler, sanatçı için bir insanın en saf halini temsil ediyordu. Enkel'in bir eşcinsel olduğu ve genellikle çıplak erkek çocukları ve açık bir şekilde erotik, şehvetli bir görünüme sahip erkekleri resmettiği de unutulmamalıdır. 1894-95'te. sanatçı İtalya'yı dolaştı ve 20. yüzyılın başında klasik İtalyan sanatının yanı sıra post-empresyonizm etkisi altında paleti çok daha renkli ve hafif hale geldi. 1909'da renk uzmanları Werner Thomé ve Alfred Finch ile birlikte grubu kurdu. Eylül.

Magnus Enkel'in erken dönem çalışmaları ise tam tersine, sessiz bir yelpaze, renk çileciliği ile işaretlenmiştir. O dönemde sanatçının paleti gri, siyah ve koyu sarı tonlarıyla sınırlıydı. Bir örnek resim uyanış"(1894), Enkel tarafından sanatçının ikinci ziyareti sırasında yazılmıştır. Tuval, renk minimalizmi, basitleştirilmiş bir kompozisyon ve altı çizili bir çizim çizgisi ile ayırt edilir - tüm bunlar, görüntünün önemini vurgulamak için kullanılır. Buluğ çağına gelmiş olan genç adam uyanmış ve yatağında çırılçıplak oturmuş, yüzünde ciddi bir ifadeyle, düşüncelere dalmış halde başını önüne eğmiştir. Vücudunun çarpık duruşu, sadece yataktan kalkmak için tanıdık bir jest değil; sembolist sanatçılar arasında sıklıkla bulunan bu motif daha karmaşıktır. Ergenlik ve cinsel uyanış/masumiyet kaybı, Enckel'in çağdaşlarının birçoğunu cezbeden temalardı (örneğin, Munch'un rahatsız edici Olgunlaşma (1894/95) tablosuna bakın). Siyah beyaz gamma, baskıcı dünyayla buluşmanın melankolik havasını vurguluyor.

Bir diğer Fin sembolist ressam en iyi bilineni olmasa da, Väinö Bloomstedt (Blomstedt) (Vaino Blomstedt) (1871-1947). Bloomstedt bir sanatçı ve tekstil tasarımcısıydı ve özellikle Japon sanatından etkilenmişti. Önce Finlandiya'da, sonra da Pekka Halonen'de okudu. Bildiğimiz gibi bu Finlandiyalı sanatçılar, Paris ziyaretleri sırasında Tahiti'den yeni dönen Gauguin ile tanışmış ve ondan ders almaya başlamışlardır. Dürtüsel Bloomstedt, anında Gauguin'in ve onun renk soluyan tuvallerinin etkisi altına girdi. Gauguin'in çalışmalarındaki kayıp cennet arayışı Bloomstedt'e çok yakındı. Ancak Gauguin bu cenneti egzotik ülkelerde arıyorsa, o zaman Väinö Bloomstedt, o zamanın birçok Fin sanatçısı gibi anavatanının, bakir toprakları olan Kalevala'nın kökenlerini aramayı amaçlıyordu. Bloomstedt'in resimlerinin kahramanları genellikle hayali veya mitolojik karakterlerdir.

Bloomstedt, Gauguin ile tanıştıktan sonra 1890'ların ortalarında gerçekçi resim yapmayı bıraktı ve sembolizm ve parlak çok renkli sentetik palet. Sembolizm ideolojisine göre, görsel gözleme dayalı gerçekçi sanat çok sınırlıdır ve kişinin bir insandaki en önemli şeyi, duygusal ve ruhsal özünü, hayatın sırrını yakalamasına izin vermez. Gündelik gerçekliğin ötesinde başka bir dünya vardır ve Sembolistlerin amacı bu dünyayı sanat aracılığıyla ifade etmektir. Üç boyutlu bir gerçeklik yanılsaması yaratmaya çalışmak yerine, sembolist sanatçılar stilizasyona, basitleştirmeye, dekoratifliğe başvurdular, saf ve şiirsel bir şey bulmaya çalıştılar. Bu nedenle, erken İtalyan Rönesansı'na, tempera ve fresk tekniklerinin kullanımına olan ilgileri. En net örneklerden biri Fin sanatçılarının eserlerinde sembolizm bir resim Väinö Bloomstedt « Francesca"(1897), izleyiciyi uyku ve unutkanlık dünyasına, sarhoş edici haşhaş kokusuyla statik ve büyülü bir atmosfere kaptırıyor.

Bu tablonun ilham kaynağı, Dante'nin cehennemde Francesca da Rimini ile tanıştığı ve ona Paolo'ya olan trajik aşkının hikayesini anlattığı İlahi Komedya idi. Madonna'yı anımsatan bir kızın görüntüsü, koyu selvilerle "Rönesans" manzarası ve resmin yarı saydam renkli yüzeyi (tuval, renklerin arasından açıkça parlıyor), İtalyan kiliselerindeki eski freskleri akla getiriyor. Ayrıca, özel uygulama tekniği nedeniyle resim kısmen eski püskü bir duvar halısını andırıyor. Resim, Bloomstedt tarafından İtalya'ya yaptığı bir gezi sırasında boyanmıştır. Aynı zamanda Pre-Raphaelite sanatının etkisini de görüyor.

Sanatta Kadınlar: Fin Sanatçılar

Ateneum Müzesi koleksiyonunun önemli bir bölümünün eserlerden oluşmasıyla da dikkat çekmektedir. kadın sanatçılar gibi dünyaca ünlü olanlar da dahil olmak üzere Fin sanatçı helena schjerfbeck. 2012 yılında Ateneum Müzesi, Helena Schjerfbeck'in 150. doğum yıldönümüne adanmış eserlerinden oluşan kapsamlı bir sergiye ev sahipliği yaptı. Ateneum Müzesi, Helena Schjerfbeck'in dünyadaki eserlerinin (212 resim, çizim, eskiz defteri) en büyük ve en eksiksiz koleksiyonuna ev sahipliği yapmaktadır.

helena schjerfbeck (helena schjerfbeck) (1862-1946) Helsinki'de doğdu, erken yaşta resim okumaya başladı ve gençliğinde gözle görülür bir beceri kazandı. Helena'nın hayatı, çocukluğunda merdivenlerden düşmesinin ardından ciddi bir kalça yaralanmasıyla damgasını vurdu. Bu nedenle kız evde eğitim aldı - normal bir okula gitmedi, ancak resim yapmak için çok zamanı oldu ve alışılmadık derecede erken yaşta bir sanat okuluna kabul edildi. (Ne yazık ki, kalça yaralanması hayatının geri kalanında topallayarak kendini hatırlattı). Adolf von Becker'in özel akademisi de dahil olmak üzere Finlandiya'da okuduktan sonra, Schjerfbeck burs aldı ve Colarossi Akademisi'nde okuduğu yere gitti. 1881 ve 1883-84'te. ayrıca Brittany'deki sanatçı kolonilerinde çalıştı (resim " Küçük kız kardeşini besleyen çocuk Fransa'nın bu bölgesinde yazılan (1881) artık Fin modernizminin başlangıcı bile kabul ediliyor). Brittany'de bilinmeyen bir İngiliz sanatçıyla tanıştı ve onunla evlendi, ancak 1885'te nişanlısı nişanını bozdu (ailesi, Helena'nın kalça sorunlarının babasının öldüğü tüberkülozla ilgili olduğuna inanıyordu). Helena Schjerfbeck hiç evlenmedi.

1890'larda Schjerfbeck, bir zamanlar mezun olduğu School of the Art Society'de öğretmenlik yaptı. 1902'de sağlık sorunları nedeniyle öğretmenliği bıraktı ve annesiyle birlikte Hyvinkää'nın ücra bir eyaletine taşındı. Sessizliğe ihtiyaç duyan sanatçı, münzevi bir yaşam sürdü, ancak sergilere katılmaya devam etti. Schjerfbeck'in halk için "keşfi" 1917'de gerçekleşti: Sanatçının ilk kişisel sergisi, izleyiciler ve eleştirmenler arasında büyük bir başarı olan ve tenha varlığını ihlal eden Helsinki'deki Ëst Stenman'ın sanat salonunda düzenlendi. Bir sonraki büyük sergi, övgü dolu eleştiriler için 1937'de Stockholm'de düzenlendi ve ardından İsveç'in her yerinde bir dizi benzer sergi düzenlendi. 1935'te annesi öldüğünde, Helena yaşamak için Tammisaari'ye taşındı ve son yıllarını İsveç'te Saltsjöbaden'deki bir sanatoryumda geçirdi. Finlandiya'da Schjerfbeck'in çalışmalarına yönelik tutum uzun süre tartışmalıydı (yeteneği yalnızca 20. yüzyılın ikinci yarısında fark edildi), İsveç'te ise sanatı oldukça erken bir zamanda büyük bir coşkuyla karşılandı. Ancak Schjerfbeck'in gerçekten geniş uluslararası tanınırlığı, çalışmalarının büyük ölçekli retrospektif sergilerinin Paris, Hamburg ve Lahey'de düzenlendiği 2007 yılında geldi.

Dünyanın en ünlüsü olan Helena Schjerfbeck'in tüm resimleri arasında, hem tarzının evriminin hem de yaşlanan yüzünü acımasızca düzelten sanatçının kendisindeki değişikliklerin izini sürmeyi mümkün kılan çok sayıda özeleştirel otoportre vardır. Toplamda, Schjerfbeck ilki 16 yaşında, sonuncusu 83 yaşında olmak üzere yaklaşık 40 otoportre yazdı. Altı tanesi Ateneum koleksiyonunda.

Ama belki de en ünlü resim helena schjerfbeck tuval mi iyileşen"(1888), genellikle mücevher olarak anılır Ateneum Müzesi. Halk tarafından büyük beğeni toplayan 26 yaşındaki sanatçının bu tablosu, 1889'da Paris'te düzenlenen Dünya Sergisinde (bu tuvalin "İlk Yeşil" adıyla sergilendiği Dünya Sergisinde bronz madalya ile ödüllendirildi ( Premier yeşillik) - Schjerfbeck'in kendisi resmi ilk olarak böyle adlandırdı). Hasta çocuklar teması 19. yüzyıl sanatında yaygındı, ancak Schjerfbeck sadece hasta bir çocuğu değil, iyileşmekte olan bir çocuğu tasvir ediyor. Bu resmi, İngiltere'nin güneybatısındaki Cornwall'daki pitoresk sahil kasabası St. Ives'te yaptı ve burada sanatçı Avusturyalı arkadaşının tavsiyesi üzerine 1887-1888'de ve yine 1889-1890'da gitti.

Bu çalışma genellikle Schjerfbeck'in çalışmalarındaki natüralist ışık resminin son örneği olarak adlandırılır (daha sonra stilize modernizme ve münzevi bir paletle neredeyse soyut dışavurumculuğa geçti). Burada sanatçı, ışıkla ustaca çalışıyor ve izleyicinin gözünü, elinde kırılgan çiçekli bir dal olan bir kupa tutan, baharın ve yeni hayatın sembolü olan, darmadağınık saçları ve ateşli kırmızı yanakları olan iyileşmekte olan bir kızın yüzüne çekiyor. Çocuğun dudaklarında iyileşme umudunu ifade eden bir gülümseme oynar. Bu heyecan verici resim izleyiciyi yakalar, empati kurmasını sağlar. Resim, bir anlamda, o sırada sadece nişanının dağılmasından kurtulmaya çalışan sanatçının otoportresi olarak adlandırılabilir. Bu resimde Schjerfbeck'in kendisini bir çocuk olarak tasvir etmesi, bize kendisinin neler hissettiğini, genellikle yatalak olduğunu ve baharın ilk belirtilerine sevindiğini anlatması da mümkündür.

Lütfen şu anda Helena Schjerfbeck'in en ünlü eserlerinin İsveç'te "turunda" olduğunu unutmayın. Bir sergi Stockholm'de düzenleniyor ve Şubat 2013'ün sonuna kadar, diğeri Göteborg'da (Ağustos 2013'e kadar) sürecek.

Bir tane daha Fin sanatçıÇalışmaları Ateneum Müzesi'nde bulunabilen, Bela Shernschanz (Sternshantz)(Beda Stjernschantz) (1867–1910). Bu arada, müzede 2014 yılında bu sanatçının eserlerinden oluşan büyük ölçekli bir sergi planlanıyor. Beda Shernschanz, neslin önemli bir temsilcisiydi. Fin sembolist sanatçılar 19. ve 20. yüzyılların başında. Porvoo şehrinde aristokrat bir ailede dünyaya geldi. 1886'da babası öldü ve aile mali zorluklarla karşılaştı. Diğer kadın sanatçıların aksine, Shernschantz geçimini sağlamak için çalışmak zorundaydı. 1891'de, başka bir tanınmış Finli sanatçı olan Ellen Tesleff ile aynı zamanda Paris'e geldi ve kızlar birlikte Colarossi Akademisi'ne kaydoldu. Bede'nin akıl hocası, etkisi altında sembolizm fikirlerini özümsediği Magnus Enckell'di. Bu eğilimin temsilcileri, sanatın doğayı kölece kopyalamaması gerektiğine, ancak ince duygu ve deneyimlerin ifadesi olan güzellik uğruna saflaştırılması gerektiğine ikna olmuşlardı. Parasızlık nedeniyle Shernschanz, Paris'te sadece bir yıl yaşadı. Finlandiya'ya döndüğünde kendine bir yer bulamadı ve 1895'te dilini, geleneklerini ve kıyafetlerini koruyan eski bir İsveç yerleşiminin bulunduğu Estonya'nın Vormsi adasına gitti. Orada ressam resmi çizdi. Her yerde bir sesle çağrıldık» (1895). Resmin adı, o zamanlar ünlü olan "Finlandiya Şarkıları" ndan bir alıntıdır ( Suomen laulu), şair Emil Kwanten tarafından yazılan sözler. Gördüğünüz gibi, Finlandiyalı sanatçıların bozulmamış doğa ve insanları aramak için gittikleri yer sadece Karelya değildi.

Sanatçı, bu şiirsel tuvalde, yabancı bir ortamda ulusal geleneklerini ve dillerini korumayı başaran bir grup İsveçli çocuğu tasvir etti. Bu nedenle, özellikle kızlardan birinin çaldığı kantele sazının kompozisyonda önemli bir yer tutması nedeniyle, bazı eleştirmenler resimde vatansever bir anlam gördüler. Başka bir kız şarkı söylüyor ve bu sesler münzevi manzarayı yel değirmenleriyle dolduruyor. Tamamen statik, donmuş pozlar ve çevredeki manzaranın boşluğu nedeniyle izleyici adeta tuvalde çalan müziği de dinlemeye başlar. Rüzgar bile dinmiş gibi görünüyor, ne yapraklar ne de yel değirmenleri hareket ediyor, sanki büyülü bir krallıkta, zamanın dışına düşmüş bir yerdeyiz. Resmin sembolist yorumundan yola çıkarsak, bu mistik manzaranın fonunda dindar ve konsantre çocuk yüzleri masumiyet halini aktarmanın bir yoludur. Ayrıca Sembolistlerin diğer birçok eserinde olduğu gibi sanatların en uhrevi ve en asil olan müziğe özel bir rol verilmiştir.

1897-98'de. Finlandiya hükümetinden bir hibe alan Beda Shernschanz, İtalya'yı dolaşmaya gitti, ancak bu dönemden sonraki yaratıcı faaliyeti boşa çıktı. Sanatçının mirası küçük olmasına rağmen, araştırmacıların ilgisini çekiyor ve gelecekte çalışmalarının uluslararası bağlamda önemi hakkında daha fazla bilgi edinmeyi mümkün kılacak bir dizi konferans ve yayın bekleniyor. yüzyıl.

Aynı dönemin bir başka ilginç Fin sanatçısı da Elin Danielson-Gambogi (Elin Danielson-Gambogi) (1861-1919). Elin Danielson-Gambogi Fince'nin ilk kuşağına aitti. kadın sanatçılar kim profesyonel eğitim aldı. Esas olarak gerçekçi bir portre türünde çalıştı ve hem hayatta hem de işinde özgürleşmesi ve bohem yaşam tarzıyla meslektaşlarından farklıydı. Kadınların toplumdaki konumunu eleştirdi, pantolon giydi ve sigara içti, konformizm karşıtı bir yaşam sürdü ve Norveçli heykeltıraş Gustav Vigeland da dahil olmak üzere birçok sanatçıyla ilişki kurdu (1895'te bir ilişki yaşadılar). Günlük durumlarda kadın resimleri birçok eleştirmen tarafından kaba ve uygunsuz bulundu.

« otoportre» Elin Danielson-Gambogi (1900), sanatçının Avrupa'da tanınmaya başladığı bir dönemde resmedildi. Sanatçı, stüdyosunda elinde bir fırça ve paletle, pencerenin önündeki perdeden ışık sızarak başının etrafında bir hale oluşturarak tasvir edilmiştir. Tuvalin geniş formatı, sanatçının duruşu ve görünüşü - tüm bunlar bağımsız ve kendine güvenen bir doğayı ifade ediyor. Bu resim için Danielson-Gambogi, 1900'de Floransa'da gümüş madalya ile ödüllendirildi.

Elin Danielson-Gamboji, Pori kasabası yakınlarındaki bir köyde doğdu. 1871'de aile çiftliği iflas etti ve bir yıl sonra babası intihar etti. Buna rağmen anne fon bulmayı başardı, böylece 15 yaşında Elin taşındı ve resim okumaya başladı. Kız, katı sosyal tabuların dışında, özgür bir ortamda büyüdü. 1883'te Danielson-Gambogi, eğitimine Colarossi Akademisi'nde devam ettiği yere gitti ve yazın Brittany'de resim eğitimi aldı. Daha sonra sanatçı, diğer ressamlarla iletişim kurduğu ve sanat okullarında ders verdiği Finlandiya'ya döndü ve 1895'te burs alarak Floransa'ya gitti. Bir yıl sonra Antignano köyüne taşındı ve İtalyan ressam Raffaello Gamboggi ile evlendi. Çift, Avrupa çapında çok sayıda sergiye katıldı; çalışmaları Paris'teki 1900 Dünya Fuarı'nda ve 1899 Venedik Bienali'nde gösterildi. Ancak 20. yüzyılın başında ailevi sıkıntılar ve mali zorluklar, kocasının ihanetleri ve hastalıkları başladı. Elin Danielson-Gambogi zatürreden öldü ve Livorno'ya gömüldü.

Son olarak, arasında Fin kadın sanatçılar aranamaz Ellen Thesleff (Ellen Thesleff) (1869-1954). Çok az Finli yazar bu kadar erken takdir gördü. Daha 1891'de genç Thesleff, harika eseriyle Finlandiya Sanat Derneği sergisine katıldı " Eko» ( kaiku) (1891) eleştirel beğeni topladı. O sırada, özel Gunnar Berndtson akademisinden yeni mezun olmuştu ( GünnarBerndtson) ve kızın arkadaşı Beda Shernschanz ile Colarossi Akademisine girdiği ilk seyahatine gidiyordu. Paris'te sembolizmle tanıştı, ancak en başından beri sanatta kendi bağımsız yolunu seçti. Bu dönemde münzevi renklerde resimler yapmaya başladı.

Ellena Tesleff için en önemli ilham kaynağı İtalyan sanatıydı. Zaten 1894'te erken Rönesans'ın anavatanına, Floransa'ya gitti. Sanatçı burada, Louvre'da çalışmalarına hayranlık duyduğu Botticelli'nin eserleri de dahil olmak üzere birçok güzel dini resim eseri gördü. Thesleff ayrıca manastır fresklerini de kopyaladı. Manevi İtalyan resminin etkisi, şiirsel, yüce sanata olan özlemini güçlendirdi ve sonraki yıllarda, çalışmalarındaki renk çileciliği maksimum ifade aldı. Çalışmalarının tipik motifleri, katı, koyu renkli manzaralar ve hayaletimsi ve melankolik insan figürleridir.

Bu dönemin eserlerine bir örnek, ölçü olarak mütevazidir. otoportre» (1894-95) Ellen Tesleff, kurşun kalemle çizilmiş. Floransa'da yaratılan bu otoportre, iki yıllık bir hazırlık çalışmasının sonucuydu. Karanlıktan çıkan duygulu yüz, bize sanatçı ve o zamanki idealleri hakkında çok şey anlatıyor. Sembolizm felsefesi doğrultusunda varlığın temel sorularını sordu ve insan duygularını inceledi. Bu otoportrede, sorularıyla ve hayatın gizemleriyle Leonardo da Vinci'nin sanatının modern cisimleşmesi görülebilir. Aynı zamanda, resim çok kişisel: Thesleff'in iki yıl önce olan sevgili babasının ölümüyle ilgili kederini yansıtıyor.

Thesleff, müzikal bir ailede büyüdü ve çocukluğundan beri kız kardeşleriyle şarkı söylemeyi ve müzik çalmayı severdi. Çalışmalarında en sık görülen motiflerden biri, müziğin en ilkel biçimi olan yankı veya çığlıktı. Ayrıca sık sık en yüce ve karmaşık müzik enstrümanlarından biri olan keman çalmayı tasvir etti. Örneğin, resim için bir model " keman çalmak” (“Kemancı”) (1896), 1890'larda kendisine sık sık poz veren sanatçının kız kardeşi Tira Elizaveta tarafından seslendirildi.

Kompozisyon, sıcak yarı saydam, sedef opal tonlarında sürdürülür. Kemancı seyirciden uzaklaşarak oyuna odaklandı. En ruhani, ilahi sanat olarak saygı duyulan müzik teması, sembolizmde en yaygın olanlardan biriydi, ancak sanatçılar nadiren kadın müzisyenleri tasvir ettiler.

Arkadaşı Magnus Enkkel gibi, Ellen Thesleff de çalışmalarının erken bir aşamasında renk çileciliğini tercih etti. Ama sonra tarzı değişti. Kandinsky ve Münih çevresinin etkisiyle sanatçı, Finlandiya'daki ilk Fauvist oldu ve 1912'de Finlandiya Derneği'nin sergisine katılmaya davet edildi. Eylül parlak saf renkler için ayağa kalkan.

Ancak katılımı serginin kapsamını aşmadı: Tesleff, yalnızlığı güçlü bir kişiliğin normal bir hali olarak gördüğü için hiçbir gruba katılmadı. Daha olgun bir yaşta eski gri-kahverengi aralığından uzaklaşan Thesleff, renkli ve katmanlı renkli fanteziler yaratmaya başladı. Kız kardeşi ve annesiyle birlikte, güneşli İtalyan manzaralarını resmettiği Toskana'yı defalarca ziyaret etti.

Tesleff hiç evlenmedi ama yaratıcı biri olarak yerini aldı. Sanatçı uzun bir hayat yaşadı ve tanındı.

Ateneum'daki yabancı sanat

Ateneum Müzesi'nin yabancı sanat koleksiyonu, Cezanne, Wag Gogh, Chagall, Modigliani, Munch, Repin, Rodin, Zorn gibi ünlü ustaların yarattığı 650'den fazla resim, heykel ve çizim içermektedir.

Yabancı bir koleksiyondan Ateneum Müzesi ayırmak Van Gogh'un "Auvers-sur-Oise'daki Sokak"(1890). Vincent van Gogh bu tabloyu ölümünden kısa bir süre önce küçük Auvers-sur-Oise kasabasında yapmıştır ( Auvers-sur-Oise), Seine Nehri'nin bir kolu olan vadide, yaklaşık 30 km kuzeybatısında yer almaktadır. Akıl hastalığı nöbetleri geçiren Van Gogh, kardeşi Theo'nun tavsiyesi üzerine Dr. Paul Gachet tarafından tedavi edilmek üzere Auvers-sur-Oise'a gitti. Auvers-sur-Oise'da bu doktorun bir kliniği vardı - sanata kayıtsız olmayan, birçok Fransız sanatçıyı tanıyan ve aynı zamanda Van Gogh'un arkadaşı olan bir adam.

Auvers-sur-Oise kasabası sonunda kardeşi ve ailesi üzerinde bir yük gibi hisseden sanatçının ölüm yeri oldu. Van Gogh kendini vurdu ve ardından kan kaybından öldü. Hayatının son 70 gününü Auvers-sur-Oise'da yaşayan sanatçı, bu kısa sürede biri şu anda Helsinki'deki ana sanat müzesinde bulunan 74 tabloyu tamamladı. Resmin yarım kalmış olması mümkündür (bazı yerlerde astar görülmektedir). Gökyüzünün parlaklığı, dünyanın daha sakin yeşil tonunu ve kiremitli çatıların kırmızımsı tonunu ortaya çıkarıyor. Görünüşe göre tüm sahne, huzursuz enerjiyle dolu, ruhsal hareket halinde.

Çok ilginç bir hikaye, "Auvers-sur-Oise'da Sokak" tablosunun nasıl ortaya çıktığıdır. Ateneum müzesi. Van Gogh'un ölümünden bir süre sonra, sanatçının kardeşi Theo'ya ve ardından Julien Leclerc'in tuvali satın aldığı dul eşine aitti ( Julien Leclercq) Fransız şair ve sanat eleştirmenidir. 1900 yılında Leclerc'in Theo'nun dul eşinden en az 11 Van Gogh tablosu aldığı biliniyor. Bir yıl sonra Van Gogh'un ilk retrospektif sergisini düzenledi, ancak kısa süre sonra beklenmedik bir şekilde öldü. Leclerc'in karısı piyanist Fanny Flodin'di ( FannyFlodin), Finlandiyalı ressam ve heykeltıraş Hilda Flodin'in ( Hilda Flodin). 1903'te Fanny, yukarıda defalarca adı geçen koleksiyoncu Fridtjof Antell'in temsilcilerine bir Van Gogh tablosunu 2.500 mark (bugünün parasıyla yaklaşık 9.500 Euro) sattı. Bu tuval haline geldi Wag Gogh Eski Kilisesi'nin ilk tablosu

Albert Gustav Aristide Edelfelt (1854–1905)

Albert Edelfelt, 1854'te Finlandiya'da Porvo yakınlarında doğdu. Babası bir mimardı. Babasından müzik ve resim sevgisini aldı. Ancak anne, gelecekteki sanatçıya en yakın kişiydi. Albert Edelfelt birçok yönden hırslı annesinin eseriydi.

Sanatçının annesinin portresi. 1883

Çocuk ilk resim derslerini Helsinki'deki Fin Sanat Derneği okulunda aldı. Kendini resme adamaya karar vererek Antwerp'teki Güzel Sanatlar Akademisi'ne girer, ancak bir yıl sonra L. Jerome'den ders aldığı Paris'e taşınır.

Gerçekçi temsilci. İzlenimciliğin etkisini deneyimledi. Sanatsal formun özgürlüğü ve ifadesi, hafif hava ortamının ince iletimi, rengin şenlikli parlaklığı ile işaretlenmiş tarihi tuvallerin, halk yaşamından resimlerin, manzaraların, portrelerin yazarı.

Daha yirmi üç yaşında olan Edelfelt, Fin resminin en önde gelen figürü haline geldi ve genç nesil sanatçıların gerçekçilik ve doğadan çalışma mücadelesine öncülük etti. Albert başlangıçta bir tarih ressamı olmayı amaçlıyordu. Kendisinden vatansever resimler bekleniyordu. Bu planın en ünlü tablosu Dük Karl'ın C. Fleming'in Kalıntılarına Saygısızlık (1878) tablosuydu. Bu hikaye, Finlandiya'da 16. yüzyılın sonunda ortaya çıkan güç mücadelesini vurguluyor.

K. Fleming'in kalıntıları yüzünden Dük Charles'a yapılan saygısızlık. 1878

Harika bir renk oyunu ve gençliğin tazeliği, "Çocuklu Kraliçe Blanca" (1877) tablosunu çekiyor.

Ancak yavaş yavaş, memleketinin canlı hayatı onu giderek daha fazla çekiyor. Ressamın sonraki eserleri, halk yaşamının gerçekçi bir tasviri tarzında yaratıldı. Albert, evinde balıkçılarla birden fazla kez açık denize gitti ve ardından Heiko'daki stüdyoda ayrıntıların hassas bir şekilde uygulanması için özel olarak biçilmiş bir balıkçı teknesi kurdu. "Bir Çocuğun Cenazesi" (1879) resminin başarısı ve "Denizde" (1883) resminin gerçek başarısı, Edelfelt'i anavatanında tanınan bir usta yaptı.

Bir çocuğun cenazesi. 1879

Denizde. 1883

A. Edelfelt'in ulusal bir sanatçı olarak ünü, en çok Finlandiya'daki sıradan insanların hayatından aldığı resimlerle doğrulandı: "Boys by the Water" (1884), "Girl with a Rake" (1886), "Women from Ruoholahti" ( 1887).

Rus eleştirmen V.V. Stasov şöyle yazdı: "Finlilerinin en iyisi elbette Edelfelt'tir ve sağlıklı, taze gerçekçilik ve yaşamla dolu en dikkat çekici Çamaşırcı (1889) resmine sahiptir." Bu resim Rusya'da kaldı ve 1930'dan beri Hermitage'de.

Çamaşırcı kadınlar. 1889

Gerçek "Paris ruhu" tablosu "Lüksemburg Bahçelerinde" (1887) seyircinin dikkatini her zaman çeker. A. Edelfelt bu yılların açık hava çalışmalarında ışık ve renk problemlerine çok dikkat eder.

Lüksemburg Bahçelerinde. 1887

Avrupa'yı dolaşan Edelfelt, St. Petersburg'da uzun süre durdu. Petersburg'a ilk kez 1881'de geldi. Rus sanatçılar ve toplum, A. Edelfelt'i coşkuyla karşıladı.1881'de genç Finli ressam, eserlerini St.Petersburg Akademisi mahkemesine sundu. Büyük bir başarıydı: Akademisyen unvanını aldı ve Tsarskoye Selo'da bir kişisel sergi düzenledi. Edelfelt kraliyet ailesine tanıtıldı. Çar III.Alexander'ın isteği üzerine "Denizde" tablosunun bir kopyasını yaptı ve bir dizi ısmarlama eser yaptı. Aynı dönemde sanatçı, en popüler olanı sanatçının kız kardeşi Berta'nın Heiko'daki bir kulübede bir köpekle yaptığı portre olan birkaç tür portre yaratır.

İyi arkadaşlar. 1881

"İyi Dostlar" (1881) adı altında bu tablonun kopyaları Ateneum'da ve Göteborg'da saklanmaktadır. Karaktere yakın olan "Kreşte" (1885) tablosu, Alexander III tarafından Gatchina Sarayı için satın alındı. Athenium ayrıca bu yıllarda yapılmış bir Sophie Manzey portresi sergiliyor.

Sophie Manzey'in portresi.

A. Edelfelt'in popülaritesi ve otoritesi sayesinde Finlandiya sanatı Rusya'da kabul gördü. St.Petersburg'da Edelfelt, yeni Rus sanatının genç figürleri Sergei Diaghilev ve Alexander Benois ile tanıştı: "Edelfelt'e tam anlamıyla asıldık, gözlerimizde başı Paris'in tanınmasının bir halesiyle çevriliydi," diye yazdı Benois daha sonra. Fin ve Rus sanatçıların yakınlığı, birkaç ortak sergiyle işaretlendi. Bunların en büyüğü 1898'de Baron Stieglitz'in okulundaki müzedeydi. O dönemde genç sanatçıların eserleri orada sunuldu: Rusça'dan Serov, Repin, Vrubel; ve Finlandiya tarafından M. Enkel, Gallen-Kallela, Yarnefeld. Sergi Rus kamuoyunda Finlandiya kültürüne ve Finlandiya'ya büyük ilgi uyandırdı.

Ancak A. Edelfelt için olgunluk yıllarında ana yaratıcılık biçimi portre resmiydi. Edelfelt, portre türünde kapsamlı ve başarılı bir şekilde çalıştı. PFransa hükümetinin emri hakkında yazdıLouis Pasteur'ün portresi (1885). 1880'lerde ve 1890'larda Edelfelt, Rus kraliyet mahkemesinin emriyle yoğun bir şekilde çalıştı. Ancak resmi portrelere ek olarak güzel kreasyonlar yarattı: "Bir Annenin Portresi", "Hikayeci Larin Paraske", büyük Fin aktrisler Aine Akte ve Ida Aalberg'in portreleri.

Manzara, Edelfelt'in çalışmasında nispeten az yer kaplar. Ancak Hermitage'de eserleri var: "Porvo'nun Görünümü", suluboya "Kaukola'daki gölün görünümü", "Karda çam ağacı" gravürü. Hermitage'de ayrıca olağanüstü Finli ustanın bir dizi çizimi ve illüstrasyonu var.

Edelfelt'in çalışmasının bir taslağı, son çalışmasından bahsetmeden eksik kalır: 1900-1904'te sanatçı, Helsinki Üniversitesi'nin toplantı salonunda "1640'ta Turku'daki üniversitenin büyük açılışı" konulu anıtsal bir panel oluşturmakla meşguldü. ." Kompozisyon, 17. yüzyıl kostümlerinde bir geçit töreni şeklinde yapıldı.

1640 1902'de Turku'da üniversitenin açılışı (Tıklanabilir)

Albert Edelfelt, Ağustos 1905'te Porvo yakınlarındaki bir kulübede aniden öldü. Fin sanatına bir darbe oldu. Ancak resimleri, çağdaşlarına yakın oldukları için bizim için de ilginç ve anlaşılır.

Vladimir Losev

Yatak odasındaki genç kadın. 1879

Champs Elysees'de. 1886

Sanatçının kız kardeşi Berta Edelfelt'in portresi. 1884

Sanatçının annesinin portresi. 1902

Kadın bir şemsiye altında. 1886

Çar III.Alexander'ın çocukları

Paris modeli. 1885

Mary Magdalene. 1891

Vah. 1894

Finlandiyalı balıkçılar 1898

İsa ve Mecdelli Meryem. 1890

Louis Pasteur'ün portresi. 1885

Sahilde oynayan çocuklar. 1884

Küçük bot. 1884

Kadın bir teknede. 1886

Ayinden sonra kilisenin yanında oturan komşular. 1887

Karelya kadınları. 1887

Kız çorap örüyor. 1886

Çilek.

Kilisede düşünceli kadın. 1893

Çözmek

Uusimaa takımadalarında ibadet.

Vaftiz dönüşü.

Genç bir kadının portresi. 1891

Parisçe okumak. 1880

Madam Valerie Rado'nun portresi. 1888

Kültür ve sanat her devletin mirası ve malıdır. "Bin Göller Ülkesi" sadece gezginler ve turistler için bir kayak ve balık tutma cenneti değil, aynı zamanda çeşitli sanat tarihçileri ve sadece yaratıcılık uzmanları için bir yerdir. Finlandiya'da sanat, özellikle resim çok gelişmiştir. Birçok sanat galerisi, müze ve sergi, güzel sanatların en sofistike uzmanlarını bile memnun edecek.

On dokuzuncu yüzyılda Avrupa eğitimi alan Suomi ülkesinden sanatçılar, Finlandiya'da güzel sanatların gelişmesine ivme kazandıran ana ve itici faktör oldular. Fin resminin temsilcilerini tanımaya başlamadan önce, "Fin sanatının ve resminin babası" Robert Ekman'ın çalışmalarını tanıyalım.

Robert Wilhelm Ekman

1808 doğumlu sanatçı, resimlerinde sıradan Fin köylülerinin hayatını, hayatlarının tüm zorluklarını tasvir etti, toplumun dikkatini Finlandiya devletinin halkla ilgili sosyal politikasına odakladı. Robert 16 yaşındayken İsveç Sanat Akademisi'nde okumak için Stockholm'e gitti. Genç ve parlak bir yetenek olarak Ekman, yeteneği nedeniyle İsveç bursu aldı ve daha sonra sanatçı olarak mesleği, İtalya ve Fransa'da okumak için gitmesine ve ardından Hollanda'ya gitmesine katkıda bulundu. Bu ülkelerde, fırça ustası 1837'den 1844'e kadar tam yedi yıl geçirdi.

Suomi ülkesine geri dönen Robert Wilhelm, duvar freskleri ve çizimleriyle yerel katedrali boyamaya başladığı Turku şehrine yerleşti. Daha sonra şehirde 1873 yılına kadar başkanlığını yaptığı bir resim okulu kurdu. Soylular ile köylüler arasındaki uçurumu çok net bir şekilde özetledi. Ressamın resimleri, benzersiz ve icat edilmemiş gerçekçiliği ile herkesi şok etti. "Fin resim ve sanatının babası" 1873'te öldü.

Akseli Waldemar Gallen Kallela (Gallen-Kallela Akseli)

Akseli Gallen Kallela, Nisan 1863'te Finlandiya'nın küçük Bjorneborg kasabasında (modern adı Pori) doğdu. Finlandiya'nın bağımsızlığı için bir savaşçı olan sanatçı, çalışmalarında ulusa ülkelerinin bağımsızlığı için savaşma çağrısını tasvir etmek için elinden gelenin en iyisini yaptı. Ressamın doğasında var olan modernizm, Axel Gallen Kallela'nın çok gerçekçi resimler yaratmasına izin verdi. Finlandiya İç Savaşı'nın (1918) sona ermesinden sonra sanatçı, hanedanlık armaları ve bayrak tasarımına dahil oldu. Sanatçı, yirminci yüzyılın ortalarında, eserlerinin sergilerini başarıyla düzenlediği Amerika Birleşik Devletleri'nde bir süre yaşadı ve çalıştı. Ressam 1931'de Stockholm'de öldü, zatürreden öldü.

Oscar Kleineh

En ünlü Fin deniz manzarası ressamı, Eylül 1846'da Finlandiya'nın başkentinde doğdu. Oscar'ın Alman kökleri, Almanya'da, yani Düsseldorf'ta okumasına izin veren "kurtarmaya geldi". Daha sonra Kleinech, St. Petersburg ve Karlsruhe'de eğitimine devam etti. Deniz ressamının en büyük popülaritesi, deniz natürmortlarını ve manzaralarını tasvir eden resimlerle sağlandı, hatta bir yazarın eseri St.Petersburg Hermitage'de sergileniyor. Sanatçı, 1919'da memleketi Helsinki'de öldü.