Bir sanat dalı olarak tiyatro ve diğer sanat dallarından temel farkı. Tiyatronun tarihi: tiyatro sanatının ortaya çıkışı ve gelişimi, eğlenceli gerçekler Kullanılan kaynakların listesi

SANATLARIN SINIFLANDIRILMASI

Sanat (yaratıcı yansıma, gerçekliğin sanatsal görüntülerde yeniden üretilmesi), çeşitliliği kendisinin çok yönlülüğünden (sanatsal yaratım sürecinde sergilenen gerçek dünya) kaynaklanan, birbiriyle ilişkili türlerden oluşan bir sistem olarak var olur ve gelişir.

Sanat türleri, yaşamın içeriğini sanatsal olarak gerçekleştirme yeteneğine sahip ve maddi somutlaşma yollarında (edebiyatta kelime, müzikte ses, güzel sanatlarda plastik ve renkli malzemeler vb.) Farklı olan, tarihsel olarak oluşturulmuş yaratıcı faaliyet biçimleridir. .

Modern sanat tarihi literatüründe, hala tek bir tane olmamasına ve hepsi göreceli olmasına rağmen, belirli bir sanat sınıflandırma şeması ve sistemi gelişmiştir. En yaygın şema, üç gruba bölünmesidir.

Birincisi mekansal veya plastik sanatları içerir. Bu sanat grubu için, sanatsal görüntünün ifşasında mekansal inşa önemlidir - Güzel Sanatlar, Dekoratif ve Uygulamalı Sanatlar, Mimari, Fotoğrafçılık.

İkinci grup, geçici veya dinamik sanatları içerir. Onlarda, zaman içinde ortaya çıkan kompozisyon kilit öneme sahiptir - Müzik, Edebiyat Üçüncü grup, sentetik veya muhteşem sanatlar olarak da adlandırılan mekansal-zamansal türlerle temsil edilir - Koreografi, Edebiyat, Tiyatro sanatı, Sinematografi.

Çeşitli sanat türlerinin varlığı, hiçbirinin kendi imkanlarıyla dünyanın sanatsal kapsamlı bir resmini verememesinden kaynaklanmaktadır. Böyle bir resim, yalnızca, bireysel sanat türlerinden oluşan, insanlığın tüm sanatsal kültürü tarafından bir bütün olarak yaratılabilir.

TİYATRO

Tiyatro, yaratıcı bir ekip tarafından gerçekleştirilen dramatik bir eylemle dünyaya sanatsal olarak hakim olan bir sanat biçimidir.

Tiyatronun temeli dramaturjidir. Tiyatro sanatının sentetik doğası, kolektif doğasını belirler: performans, bir oyun yazarı, yönetmen, sanatçı, besteci, koreograf, aktörün yaratıcı çabalarını birleştirir.

Tiyatro gösterileri türlere ayrılır:

trajedi;

Komedi;

Müzikal vb.

Tiyatro sanatının kökleri eski çağlara dayanmaktadır. En önemli unsurları, ilkel ayinlerde, totem danslarında, hayvanların alışkanlıklarını kopyalamada vs. zaten mevcuttu.

Tiyatro kolektif bir sanattır (Zahava)

Tiyatronun özelliklerini düşündüğümüzde dikkatimizi çeken ilk şey, bir tiyatro eserinin - bir performansın - diğer birçok sanatta olduğu gibi tek bir sanatçı tarafından değil, yaratım sürecindeki birçok katılımcı tarafından yaratıldığı gerçeğidir. işlem. Oyun yazarı, oyuncu, yönetmen, makyöz, dekoratör, müzisyen, aydınlatıcı, kostüm tasarımcısı vb. Herkes yaratıcı çalışmadaki payına düşeni ortak amaca katkıda bulunur. Bu nedenle, tiyatro sanatındaki gerçek yaratıcı, bir birey değil, bir ekiptir - yaratıcı bir topluluktur. Ekip bir bütün olarak bitmiş bir tiyatro sanatı eserinin - bir performansın - yazarıdır. Tiyatronun doğası, tüm performansın yaratıcı düşünce ve canlı duygularla dolu olmasını gerektirir. Oyunun her kelimesiyle, oyuncunun her hareketiyle, yönetmenin yarattığı her mizansenle doyurulmalıdırlar. Bütün bunlar, tüm tiyatro ekibinin yaratıcı çabalarından doğan, gerçek bir tiyatro sanatı eseri - bir performans olarak adlandırılma hakkını elde eden o tek, bütün, yaşayan organizmanın yaşamının tezahürleridir. Performansın yaratılmasına dahil olan her bir sanatçının yaratıcılığı, bir bütün olarak tüm ekibin ideolojik ve yaratıcı özlemlerinin bir ifadesinden başka bir şey değildir. Birleşik, ideolojik olarak uyumlu, ortak yaratıcı görevler konusunda tutkulu bir ekip olmadan tam teşekküllü bir performans olamaz. Tam teşekküllü tiyatro yaratıcılığı, ortak bir dünya görüşüne, ortak ideolojik ve sanatsal özlemlere, tüm üyeleri için ortak bir yaratıcı yönteme ve en katı disipline tabi olan bir ekibin varlığını varsayar. K. S. Stanislavsky, "Sanatımızın dayandığı kolektif yaratıcılık, zorunlu olarak bir topluluk gerektirir ve bunu ihlal edenler, yalnızca yoldaşlarına karşı değil, aynı zamanda hizmet ettikleri sanata karşı da suç işlerler" diye yazmıştı. Tiyatro sanatının doğasından kaynaklanan kolektivizm ruhuyla bir aktör yetiştirme görevi, mümkün olan her şekilde kolektifin çıkarlarına bağlılık duygusunun geliştirilmesini öngören komünist eğitim göreviyle birleşir ve burjuva bireyciliğinin tüm tezahürlerine karşı en şiddetli mücadele.

Tiyatro sentetik bir sanattır. Oyuncu - tiyatronun özelliklerinin taşıyıcısı

Tiyatro sanatındaki kolektif ilke ile en yakın ilişki içinde olan, tiyatronun bir başka özelliğidir: onun sentetik doğası. Tiyatro, birbiriyle etkileşim içinde olan birçok sanatın sentezidir. Bunlar edebiyat, resim, mimarlık, müzik, ses sanatı, dans sanatı vb. Bu oyuncunun sanatıdır. Oyuncu tiyatrodan, tiyatro da oyuncudan ayrılamaz. Bu nedenle tiyatronun özgünlüğünün taşıyıcısı oyuncudur diyebiliriz. Sanatların tiyatroda sentezi - performanstaki organik kombinasyonları - ancak bu sanatlardan her birinin belirli bir teatral işlevi yerine getirmesi durumunda mümkündür. Bu teatral işlevi yerine getirirken, herhangi bir sanat eseri onun için yeni bir teatral nitelik kazanır. Çünkü teatral resim salt resimle aynı şey değildir, teatral müzik salt müzikle aynı şey değildir, vb. Sadece oyunculuk doğası gereği teatraldir. Elbette, oyunun performans için değeri, sahnenin değeri ile kıyaslanamaz. Sahne, yardımcı bir rol oynamaya çağrılırken, oyun gelecekteki performansın ideolojik ve sanatsal temelidir. Yine de bir oyun, bir diyalog biçiminde yazılmış olsa bile, bir şiir ya da öykü ile aynı şey değildir. Bir oyun ile bir şiir, bir tablodan bir manzara, bir mimari yapıdan bir sahne kurgusu arasındaki en önemli (bizi ilgilendiren anlamda) fark nedir? Bir şiirin, bir resmin bağımsız bir anlamı vardır. Şair, ressam doğrudan okuyucuya veya izleyiciye hitap eder. Bir oyunun yazarı, bir edebiyat eseri olarak okuyucusuna da doğrudan hitap edebilir, ancak yalnızca tiyatronun dışında. Tiyatroda ise oyun yazarı, yönetmen, dekoratör ve müzisyen seyirciyle oyuncu aracılığıyla veya oyuncuyla bağlantılı olarak konuşur. Gerçekten de yazarın hayatla doldurmadığı, kendi sözü haline getirmediği, sahnede seslenen oyun yazarının sözü canlı gibi mi algılanır? Yönetmenin resmi olarak yerine getirdiği talimatlar veya yönetmen tarafından önerilen ancak oyuncunun deneyimlemediği mizansen izleyici için ikna edici olabilir mi? Tabii ki değil! Dekorasyon ve müzik konusunda durum farklı gibi görünebilir. Düşünün ki performans başlıyor, perde açılıyor ve sahnede tek bir oyuncu olmamasına rağmen oditoryum sanatçının yarattığı muhteşem manzarayı alkışlıyor. Sanatçının izleyiciye oyuncu aracılığıyla değil, doğrudan hitap ettiği ortaya çıktı. Ama burada aktörler çıkıyor, bir diyalog ortaya çıkıyor. Ve aksiyon geliştikçe, az önce hayran olduğunuz manzaraya karşı içinizde yavaş yavaş donuk bir tahriş oluştuğunu hissetmeye başlıyorsunuz. Sizi sahne aksiyonundan uzaklaştırdığını, oyunculuğu algılamanızı engellediğini hissediyorsunuz. Set ile oyunculuk arasında bir tür iç çatışma olduğunu anlamaya başlıyorsunuz: ya oyuncular bu setle ilişkili koşullarda davranmaları gerektiği gibi davranmıyorlar ya da set sahneyi yanlış bir şekilde karakterize ediyor. Biri diğeriyle aynı fikirde değil, sanatın sentezi yok, onsuz tiyatro da yok. Çoğu zaman, perdenin başında şu veya bu manzarayı coşkuyla karşılayan seyirci, aksiyon bittiğinde onu azarlar. Bu, halkın sanatçının işini bu performanstan bağımsız olarak bir resim sanatı eseri olarak olumlu değerlendirdiği, ancak bir tiyatro sahnesi, performansın bir unsuru olarak kabul etmediği anlamına gelir. Bu, sahnenin teatral işlevini yerine getirmediği anlamına gelir. Teatral amacını yerine getirebilmesi için oyunculuğa, karakterlerin sahnedeki davranışlarına yansıması gerekir. Sanatçı sahnenin arkasına denizi mükemmel bir şekilde tasvir eden muhteşem bir fon koyarsa ve oyuncular sahnede deniz kıyısında değil de odadaki insanların davrandığı gibi davranırsa, fon ölü kalacaktır. Sahnenin herhangi bir kısmı, sahneye yerleştirilen ancak silginin eylemle ifade edilen tavrıyla canlanmayan herhangi bir nesne ölü olarak kalır ve sahneden çıkarılması gerekir. Yönetmenin veya müzisyenin iradesiyle çıkan, ancak oyuncu tarafından hiçbir şekilde algılanmayan ve sahne davranışına yansımayan herhangi bir ses, teatral bir nitelik kazanmadığı için susturulmalıdır. Oyuncu, sahnede olan her şeyin teatral olduğunu bildirir. Tiyatroda kişinin hayatının doluluğunu oyuncu aracılığıyla alması için yaratılan her şey teatraldir. Bağımsız bir anlam, kendi kendine yetme iddiasında bulunan her şey tiyatro karşıtıdır. Bir oyunu bir şiirden ya da öyküden, bir manzarayı bir tablodan, bir sahne kurgusunu mimari bir yapıdan ayırdığımızın işaretidir bu.

Tiyatro kolektif bir sanattır.

Tiyatro sentetik bir sanattır. Tiyatronun özelliklerinin aktör-taşıyıcısı

Eylem, tiyatro sanatının ana malzemesidir.

Dramaturji, tiyatronun önde gelen bileşenidir.

Oyuncunun yaratıcılığı sanatı yönetmenin ana malzemesidir.

Seyirci, tiyatro ZAKHAVA'nın yaratıcı bileşenidir!!!

TİYATRO(Yunan tiyatrosundan - gösteri yerleri, gösteri), ana muhteşem sanat türü. Tiyatronun genel kavramı, tiyatro sanatı türlerine ayrılır: drama tiyatrosu, opera, bale, pandomim tiyatrosu, vb. Terimin kökeni, oditoryumdaki yerlerin bu şekilde adlandırıldığı antik Yunan antik tiyatrosuyla bağlantılıdır (Yunanca "teaomai" fiilinden - bakıyorum). Ancak, bugün bu terimin anlamı son derece çeşitlidir. Ek olarak aşağıdaki durumlarda kullanılır:

1. Tiyatro, performansları göstermek için özel olarak inşa edilmiş veya uyarlanmış bir binadır (“Tiyatro zaten dolu, kutular parlıyor” A.S. Puşkin).

2. Bir kurum, performans sergilemekle uğraşan bir işletme ve ayrıca tiyatro gösterilerinin kiralanmasını sağlayan çalışanlarının tüm ekibi (Mossovet Tiyatrosu; Taganka Tiyatrosu turları, vb.).

3. Şu veya bu ilkeye göre yapılandırılmış bir dizi dramatik veya sahne çalışması (Çehov'un tiyatrosu, Rönesans tiyatrosu, Japon tiyatrosu, Mark Zakharov'un tiyatrosu vb.).

4. Eski bir anlamda (yalnızca teatral profesyonel argoda korunur) - sahne, sahne ("Asil yoksulluk yalnızca tiyatroda iyidir" A.N. Ostrovsky).

5. Mecazi anlamda - devam eden olayların yeri (askeri harekat tiyatrosu, anatomik tiyatro).

Tiyatro sanatı, eserlerini benzersiz kılan, diğer sanat türlerinde ve türlerinde benzersiz kılan belirli özelliklere sahiptir.

Her şeyden önce, tiyatronun sentetik doğasıdır. Eserleri hemen hemen tüm diğer sanatları içerir: edebiyat, müzik, güzel sanatlar (resim, heykel, grafik vb.), vokal, koreografi vb.; ve ayrıca çok çeşitli bilim ve teknoloji alanlarının sayısız başarısını kullanın. Yani örneğin psikolojideki bilimsel gelişmeler, göstergebilim, tarih, sosyoloji, fizyoloji ve tıp alanındaki (özellikle sahne konuşması ve sahne hareketi öğretiminde) araştırmaların yanı sıra oyunculuk ve yaratıcılığa yön vermenin temelini oluşturdu. Çeşitli teknoloji dallarının gelişimi, sahne makinelerinin iyileştirilmesini ve yeni bir seviyeye taşınmasını mümkün kılar; tiyatronun ses ve gürültü ekonomisi; aydınlatma ekipmanı; yeni sahne efektlerinin ortaya çıkması (örneğin, sahnede duman vb.). Moliere'nin meşhur sözünü deyimle ifade edecek olursak, tiyatro "malını nerede bulduysa oradadır" diyebiliriz.

Dolayısıyla - tiyatro sanatının şu özel özelliği: yaratıcı sürecin kolektivitesi. Ancak, burada işler o kadar basit değil. Bu sadece çok sayıda tiyatro ekibinin ortak çalışmasıyla ilgili değil (performansın oyuncu kadrosundan, iyi koordine edilmiş çalışmaları performansın "saflığını" büyük ölçüde belirleyen teknik atölyelerin temsilcilerine kadar). Herhangi bir tiyatro sanatı çalışmasında, başka bir tam teşekküllü ve en önemli ortak yazar vardır - algısı performansı düzelten ve dönüştüren, aksanları farklı şekillerde yerleştiren ve bazen performansın genel anlamını ve fikrini kökten değiştiren seyirci. . Seyircisiz bir tiyatro gösterisi imkansızdır - tiyatronun adı seyirci koltuklarıyla ilişkilendirilir. Seyircinin bir performansı algılaması, seyirci farkında olsun ya da olmasın ciddi bir yaratıcı çalışmadır.

Dolayısıyla tiyatro sanatının bir sonraki özelliği anlık doğasıdır: her performans yalnızca yeniden üretildiği anda var olur. Bu özellik, tüm performans sanatlarının doğasında vardır. Ancak, burada bazı özellikler var.

Bu nedenle, bir sirkte, performans katılımcılarının sanatına ihtiyaç duyulduğunda, numaranın teknik saflığı hala temel bir faktör haline gelir: ihlali, seyircilerin varlığına veya yokluğuna bakılmaksızın sirk sanatçısının hayatı için bir tehlike taşır. Prensip olarak, izleyicilerle aktif ortak yazarlık, belki de yalnızca bir sirk sanatçısıdır - bir palyaço. Buradan tiyatro türlerinden birinin gelişimi geldi, sirkinkine yakın yasalara göre gelişen ama yine de farklı olan teatral palyaçoluk: genel tiyatro.

Ses kayıt teknolojisinin gelişmesiyle birlikte müzik ve vokal sanatı icra etmek, orijinaliyle aynı olan sabitleme ve daha fazla çoklu çoğaltma olanağı kazandı. Ancak bir tiyatro performansının yeterli bir video kaydı prensipte imkansızdır: eylem genellikle sahnenin farklı bölümlerinde aynı anda gelişir, bu da olanlara hacim verir ve sahne atmosferinin tonlarından ve yarı tonlarından oluşan bir gam oluşturur. Yakın plan çekimlerde, genel sahne yaşamının nüansları perde arkasında kalır; genel planlar çok küçüktür ve tüm detayları aktaramaz. Kültürler arası yasalara göre yapılan tiyatro performanslarının yalnızca yönetmenlik, yazarın televizyon veya sinematografik versiyonlarının yaratıcı başarıya dönüşmesi tesadüf değildir. Edebi bir tercümede olduğu gibi: bir tiyatro performansının filmdeki kuru saplanması satır arası gibi: her şey doğru görünüyor, ancak sanatın büyüsü kayboluyor.

Herhangi bir boş alan, boş bir aşama olarak adlandırılabilir. adam hareket ediyor

uzayda biri ona bakıyor ve bu zaten bir tiyatro için yeterli

aksiyon. Ancak tiyatro denilince aklımıza genellikle başka bir şey gelir. Kırmızı

perdeler, sahne ışıkları, boş dizeler, kahkahalar, karanlık - bunların hepsi rastgele

aklımızda ve her durumda belirlediğimiz bulanık bir görüntü oluşturur.

Bir kelimeyle. Sinemanın tiyatroyu öldürdüğünü, yani tiyatroyu öldürdüğünü söylüyoruz.

sinemanın ortaya çıktığı dönemde, yani gişe, fuaye, katlamalı bir tiyatro vardı.

koltuklar, sahne ışıkları, sahne değişiklikleri, aralar ve müzik, sanki kelimenin kendisi

"tiyatro" tanımı gereği tam da bu anlama gelir ve neredeyse başka hiçbir şey ifade etmez.

Bu kelimeyi dört şekilde bölmeye ve dört farklı olanı vurgulamaya çalışacağım.

anlamlar, bu yüzden Ölü Tiyatro, Kutsal Tiyatro, Kaba Tiyatro hakkında konuşacağım.

ve bunun gibi tiyatro hakkında. Bazen bu dört tiyatro mahallede bir yerlerde bulunur.

Londra'da West End veya New York'ta Times Meydanı yakınında. Bazen yüzlerce ile ayrılırlar

mil ve bazen bu bölüm şartlı, çünkü ikisi birleştiriliyor

bir akşam veya bir perde. Bazen tek bir an için dört tiyatronun hepsi -

Kutsal, Kaba, Cansız ve tiyatro bu şekilde birleşir. P.dere"Boş alan"

1. TİYATRO VE GERÇEK Oscar Remez "Yönetmenin Ustalığı"

"Teatrallik" ve "gerçek"in bir arada olduğu doğruysa,anadramatik bir performansın bileşenleri, tıpkı gerçek gibiVEbu iki ilkenin mücadelesinin kalkınmanın kaynağı olduğu gerçeğietkileyicitiyatro sanatı anlamına gelir. Bu dövüş kolaytahmintiyatronun geçmişini incelediğimizde ve çokdaha zoryaşayan reklam dikkate alındığında ortaya çıkarişlemgözümüzün önünde gelişiyor.

3. TİYATRO TARİHİ DÖNGÜSÜ

Tanınmış geçmiş ile ortaya çıkan bugünü karşılaştırarak, tiyatro trendlerindeki özel bir değişiklik modeli, tiyatro dönemlerinin özel, kesin olarak ölçülmüş bir döngüselliği hakkında sonuca varılabilir.

Prenses Turandot'un yerini yeni bir sahne gerçeği kriteri aldı - fiziksel eylemler yöntemi. M. Kedrov'un eserlerinde yeni tiyatro geleneği sürdürüldü. Aynı zamanda ve aynı şekilde A. Popov ve A. Lobanov'un tiyatroları çalıştı. Dahası, giderek daha katı ve tutarlı olan "canlılık" aşamasının yerini N. Okhlopkov'un romantik teatralliği alıyor. 40'ların sonundaki tiyatronun zirvesi olan iki ilkenin sentezi - N. Okhlopkov'un bir oyunu olan ve gerçekliği modern sanatsal dil aracılığıyla en eksiksiz şekilde ifade eden "Genç Muhafız". 50'li yılların ortalarında - yeni bir dalga - etkili analiz yönteminin zaferi: M. Knebel'in eserleri, Sovremennik'in doğuşu, G. A. Tovstonogov'un performansları.

Gördüğünüz gibi, her teatral yön ilk başta gelişir, olduğu gibi, son zamanlarda, genellikle önceki (ve daha sonra ortaya çıktığı gibi, kutupsal) yönün bağırsaklarında olgunlaşır, beklenmedik bir şekilde ortaya çıkar, gelenekle çelişerek gelişir ve geçer. diyalektik tarafından şartlandırılmış yol - yükseliş, dolgunluk ifadeleri, yaratıcı kriz. Tiyatro tarihinin her döneminin kendi lideri vardır. Onu takip ederler, taklit ederler, onunla kural olarak iki taraftan şiddetle tartışırlar - geride kalanlar ve önde olanlar.

Elbette teatral senteze giden yol çok karmaşıktır. Tiyatro sanatındaki dönüm noktaları, burada adı geçen yönetmenlerin isimleriyle ilişkilendirilmek zorunda değildir. Tiyatro çalışanlarının "gruplara", "akımlara", "kamplara" bilgiççe bölünmesi de pek haklı değil. Unutmayalım - 20'lerin teatral sentezi döneminde, K. S. Stanislavsky'den başkası, kazanma eğiliminin kendisini en eksiksiz ve canlı bir şekilde ifade ettiği performanslar yaratmadı - "Hot Heart" (1926) ve "The Marriage of Figaro" ( 1927) . Parlak teatralliğin derin psikolojik gelişimle birleştiği bu eserlerdeydi.

Sanat Tiyatrosu'nda bu tür bir geleneğin devamı, yönetmen V. Ya Stanitsyn tarafından sahnelenen The Pickwick Club (1934) gibi bir performanstı.

Tiyatronun önceden belirlenmiş bir daireyi izleyerek kendini tekrar ettiği izlenimi edinilebilir. Bu tür bir anlayışa çok yakın bir kavram (biraz kayma ve terminoloji muğlaklığı ile birlikte) bir zamanlar J. Gassner tarafından “Modern Tiyatroda Form ve Fikir” adlı kitabında önerilmişti.

Bununla birlikte, tiyatronun kapalı döngüsel gelişimi kavramıhatalı. Tiyatro tarihinin gelişiminin nesnel bir resmi -hareket, spiral şeklinde gerçekleştirilengerekli, Ne varher evyeni dönüşünde tiyatro temelde yeni şeyler ortaya koyar.kriterler her birini taçlandıran hakikat ve teatrallik, gelişim döngülerinden, her seferinde farklı bir temel üzerinde sentez ortaya çıkar. Aynı zamanda, yeni teatrallik (tartışmaya rağmen) önceki deneyime hakim olamaz ve bu önkoşuldur. kaçınılmaz Dinamik dengenin geleceğinde. Böylece, teatrallik ve hakikat arasındaki mücadele, yeni, modern teatral biçimlerin gelişiminin kaynağı olan ifade araçlarının yönetilmesi tarihinin içeriği haline gelir.

1. Bir sanat formu olarak tiyatro, sentetik bir doğaya sahiptir. Tiyatro gösterileri, neredeyse tüm sanat türlerinin (edebi, müzik, güzel sanatlar, koreografi, vb.) İfade olanaklarını ve araçlarını içerir. Aynı zamanda hiçbir sanat dalı başrol oynamayacaktır. Günümüzde tiyatronun sentezi, modern bilim ve teknolojinin (psikoloji, göstergebilim, teknoloji) gelişmelerinden yararlanılarak sağlanmaktadır.

2. Tiyatro kolektif bir yaratıcı süreçtir. Bu sadece topluluk üyelerinin ortak yaratıcılığı ile ilgili değil, aynı zamanda izleyicinin etkileşimi, ortak yazarlığı ile ilgili. Seyircinin algısı performansı düzeltebilir ve değiştirebilir. Seyircisiz performans olmaz. İzleyici algısı, izleyicinin kendisi farkında olmasa da ciddi, yaratıcı, entelektüel bir çalışmadır.

3. Tiyatro anlık bir performans olarak var olur. Her performans, yalnızca yeniden üretildiği anda var olur. Bu da tiyatro algısında tarihsellik fikrinin anlaşılmasını sağlar. Seyircinin doğrudan erişime sahip olduğu, işe dahil olduğu yer tiyatrodur. Oyuncuların oynadığı dönem ne olursa olsun.

4. Bir tiyatro eseri, içinde bulunulan andan dolayı korunmaz, sadece içinde bulunulan anda var olur. Filme herhangi bir aktarım, yalnızca eylemi düzeltmeyi mümkün kılar. Bu durumda sanatın büyüsü ortadan kalkar.

5. Her sanat türü gibi tiyatro da belli bir sanatsal zamana tabidir, sahnedeki olaylar (bir eserin doğuşu) izleyicinin algılama eylemiyle eş zamanlı gerçekleşir. Tiyatroda sözde. sahne süresi - performansın gerçekleştiği süre. Şu anda performans 2,5-3 saat ama bazı yapımlar 5-10 saat arası bir süre öneriyor. Bazen birkaç gün sürer.

6. Tiyatro fikrinin ana taşıyıcısı, eylem oyuncudur. Oyuncunun imajı, oyunun ortaya koyduğu fikir çerçevesinde yaratılır, yönetmen tarafından yorumlanır, ancak buna rağmen oyuncu, canlı görüntüleri sahnede bağımsız olarak somutlaştıran bir sanatçı olarak kalır.

7. Bir sanat formu olarak tiyatro yoruma tabidir. Yorumlama sorunu, modern dramaturji metinlerinden çok klasiklerin metinleriyle ilgili olarak ortaya çıkar. Tiyatroda yorumlama, yazarın felsefi, politik, ahlaki konumunun izlenebileceği, iyi bilinen bir eserin yeni bir okumasının bir çeşididir.

Tiyatroda yorum, günümüzün sorunları ile geçmişin tarihsel gerçekleri arasında bağ kurmayı mümkün kılar.

Tiyatro yorumunun analizinde, yönetmenin tutumlarının, dünya görüşünün anlaşılması ve insanın özüne ilişkin bazı ebedi sorunların açıklığa kavuşturulması önemli bir rol oynar. Tiyatroda klasik bir eser algılayan izleyici, yazarla değil, yönetmenle diyaloğa girerek modern toplumun çatışmalarının özünü ortaya çıkarmanıza olanak tanır. Ama aynı zamanda izleyici eserin yaratıldığı dönemle diyalog halindedir. Yönetmenler klasik eserlere yönelir, onları yorumlar çünkü. içlerinde çatışma çözülmez, ebedidir. Yönetmen bir "yorumlayıcı çekicilik" (W. Eco) durumundadır. Tiyatroda yorumlama mümkündür, oyun yazarı düzeyinde, yönetmen, oyuncu, seyirci, tiyatro eleştirmenleri düzeyinde mümkündür (Anatoly Smenlyansky, A.V. Protashevich).

Konuyla ilgili bir makale yazın: Tiyatro ve heykel arasındaki benzerlikler nelerdir? 1 sayfa

TİYATRO (Yunan tiyatrosu - gösteriler için bir yer) - seyircilerin önünde aktörler tarafından gerçekleştirilen dramatik bir eylemle gerçekleştirilen, yaşamın sanatsal yansımasına dayanan bir sanat formu. Tiyatro sanatı ikincildir. Sahne sanatının temeli, teatral düzenlemede yeni bir nitelik kazanan dramadır - teatrallik, teatral imaj. Tiyatronun gelişimi, dramanın gelişimi ve monolog ve diyalog dramasının dramatik, etkileyici araçlarıyla yakından bağlantılıdır. Tiyatro sanatının ana eseri, sanatsal olarak organize edilmiş, muhteşem ve eğlenceli bir eylem olan bir performanstır. Performans, yaratıcı ekibin çabalarının sonucudur. Aynı zamanda performans, figüratif birlik ile ayırt edilir. Performansın figüratif yapısı, tek bir sanatsal göreve - "süper görev" e bağlı olan oyun eyleminin tüm öğelerinin birliği ve "eylem yoluyla" sahne eylemini zaman ve mekanda düzenleyen tek bir aşamalı hedef tarafından yaratılır. ”.

Tiyatronun oyuncu özü tarihsel olarak değişmektedir. Ritüelden kaynaklanan, bir bütün olarak muhteşem etki sistemi, tiyatronun gelişiminin tüm aşamalarında korunur - psikofiziksel verilerini başka bir kişinin imajını yaratmak için kullanan aktörün dönüşümü - kelimenin karakteri ve plastisite, izleyiciyi aksiyona dahil etmenin ana koşullarıdır. Modern tiyatro, oyun eyleminin çeşitli organizasyon biçimlerini bilir. Gerçekçi, psikolojik bir deneyim tiyatrosunda, yaşamı yaşam biçimlerine yansıtma ilkesi, sanki izleyiciyi sahneden ayırıyor ve gerçeklik yanılsaması yaratıyormuş gibi bir "dördüncü duvar" ilkesini ima ediyor. Performans tiyatrosunda - "epik tiyatro" oyun ilkesi, yaşam koşullarının gerçeğiyle örtüşmeyebilir ve şiirsel-genelleştirilmiş, mecazi, mecazi bir çözüm önerir.

Tiyatro kolektif bir sanattır (bkz.). Tarihsel evrim sürecinde, topluluk ilkesi oluşturuldu. Modern tiyatroda, sahne eyleminin ve ekibin yaratıcı çabalarının düzenleyicisinin rolü, dramatik temelin sahne yorumundan sorumlu olan yönetmene aittir. Yönetmen, mizansen, tempo-ritim, kompozisyon gibi figüratif ve ifade edici araçların yardımıyla performansın sanatsal bir görüntüsünü yaratır.

Tiyatro sanatı doğası gereği sentetiktir (bkz.). Tiyatro sanatı tarihinde sentezin doğası değişti, bale öne çıktı, müzikal tiyatro bağımsız hale geldi. Çağdaş tiyatro, en çeşitli sanat biçimlerini birleştirme eğilimindedir. Muhteşem sentezin organizasyonu büyük ölçüde bestecinin, kostüm tasarımcısının, ışık tasarımcısının ve hepsinden önemlisi dekor tasarımcısının katılımına bağlıdır. Sahne tasarımcısının yarattığı maddi ortam, farklı işlevlere sahip olabilir, ancak her zaman, bütünün bağlamına uygun olarak, psikolojik gerçeğin taşıyıcısı olan oyuncu, izleyicinin dikkatini düzenler.

Tiyatro sanatı kolektif algı için tasarlanmıştır. İzleyici, tepkisi eylemin bir bileşenidir. Seyircinin ani tepkisi olmadan tiyatro var olamaz. Provası yapılmış ama seyirciye gösterilmemiş bir performans sanat eseri değildir. Oyuncu tarafından seçilen ifade aracının anlamı ile kullanımı arasında ayrım yapma hakkı verilen izleyicidir. Modern tiyatro izleyicisi, çağrışımlarını genişleten ve tercihlerini değiştiren pek çok gösteri biçiminden etkilenir. Tiyatro, gelişimindeki bu değişiklikleri hesaba katmaktan başka bir şey yapamaz, teatral biçimlerin rolünü ve önemini artırır, sahne eylemi ile seyirci arasındaki bağı güçlendirir.

Tiyatro sanatı, bir toplumsal bilinç biçimi, sanatsal bilgi ve eğitim aracıdır. Tiyatronun özgünlüğü, modern izleyicinin ilgi ve ihtiyaçlarını etkileyen önemli çatışmaların ve karakterlerin yansımasıdır. Bir sanat formu olarak tiyatronun orijinalliği, onu eğitimde önemli bir faktör haline getiren bu modernitededir.

2. Tiyatro sanatı

Tiyatro sanatı en karmaşık, en etkili ve en eski sanatlardan biridir. Üstelik heterojen, sentetiktir. Bileşenler olarak tiyatro sanatı mimari, resim ve heykel (sahne) ve müziği (yalnızca müzikalde değil, genellikle dramatik bir performansta ses çıkarır) ve koreografiyi (yine sadece balede değil, dramada da) içerir. ) ve edebiyat (dramatik bir performansın üzerine inşa edildiği metin) ve oyunculuk sanatı vb. Yukarıdakilerin tümü arasında, oyunculuk sanatı tiyatro için ana, belirleyici olandır. Ünlü Sovyet yönetmeni A. Tairov şöyle yazmıştı: "... tiyatro tarihinde oyunsuz, sahnesiz var olduğu uzun dönemler oldu, ancak tiyatronun oyuncusuz olduğu tek bir an bile yoktu. " Tairov A.Ya , Yönetmenin Notları. Nesne. Konuşmalar. konuşmalar Edebiyat. M., 1970, s. 79.

Tiyatrodaki oyuncu, sahne imajı denen şeyi yaratan asıl sanatçıdır. Daha doğrusu, tiyatrodaki bir oyuncu aynı zamanda bir sanatçı-yaratıcı ve yaratıcılığın malzemesidir ve sonucu bir görüntüdür. Oyuncunun sanatı, yalnızca görüntüyü son ifadesinde değil, aynı zamanda onun yaratılış, oluşum sürecini de kendi gözlerimizle görmemizi sağlar. Oyuncu kendisinden bir görüntü oluşturur ve aynı zamanda onu izleyicinin huzurunda, gözlerinin önünde yaratır. Bu belki de sahnenin, teatral görüntünün ana özelliğidir ve izleyiciye verdiği özel ve eşsiz sanatsal zevkin kaynağı budur. Tiyatro seyircisi, sanatta herhangi bir yerden çok daha fazla yaratılış mucizesine doğrudan müdahil olur.

Tiyatro sanatı, diğer sanatlardan farklı olarak yaşayan bir sanattır. Yalnızca izleyiciyle buluşma saatinde gerçekleşir. Sahne ile seyirci arasındaki vazgeçilmez duygusal, ruhsal temasa dayanır. Böyle bir temas yoktur, yani kendi estetik yasalarına göre yaşayan bir gösteri yoktur.

Bir oyuncu için boş bir salonun önünde tek bir seyirci olmadan oynamak büyük bir eziyettir. Böyle bir durum, tüm dünyadan kapalı bir alanda olmakla eşdeğerdir. İcra saatinde nasıl seyircinin ruhu oyuncuya yöneliyorsa, oyuncunun ruhu da seyirciye yönelir. Tiyatro sanatı, izleyiciyi o mutlu anlarda yaşar, nefes alır, heyecanlandırır ve yakalar, yüksek voltajlı yayınların görünmez telleri aracılığıyla, oyuncudan izleyiciye karşılıklı olarak birbirini arzulayan iki ruhsal enerjinin aktif bir değişimi vardır. , izleyiciden oyuncuya.

Kitap okuyan, bir tablonun önünde duran okur, izleyici yazarı, ressamı görmez. Ve ancak tiyatroda insan yaratıcı bir sanatçıyla göz göze gelir, onunla yaratım anında tanışır. Kalbinin ortaya çıkışını ve hareketini tahmin eder, sahnede meydana gelen olayların tüm iniş çıkışlarını onunla birlikte yaşar.

Sadece okuyucu, değerli kitapla baş başa, heyecanlı, mutlu anlar yaşayabilir. Tiyatro da seyircisini yalnız bırakmıyor. Tiyatrodaki her şey, o akşam sahnede bir sanat eseri yaratanlar ile onun için yaratılanlar arasındaki aktif duygusal etkileşime dayanır.

Seyirci bir tiyatro oyununa dışarıdan bir gözlemci olarak gelmez. Sahnede olup bitenlere karşı tavrını ifade etmekten başka bir şey yapamaz. Onaylayan bir alkış patlaması, neşeli kahkahalar, gergin, kesintisiz sessizlik, rahat bir nefes alma, sessiz öfke - seyircinin sahne eylemi sürecindeki suç ortaklığı, en zengin çeşitlilikte kendini gösterir. Böyle bir suç ortaklığı, böyle bir empati en yüksek yoğunluğuna eriştiğinde tiyatroda bir şenlik havası yükselir...

Yaşayan sanatın anlamı budur. İnsan kalbinin atışlarının duyulduğu, ruhun ve zihnin en ince hareketlerinin hassas bir şekilde yakalandığı, insanın duygu ve düşüncelerinin, umutlarının, hayallerinin, arzularının tüm dünyasının çevrelendiği sanat.

Elbette bir oyuncu hakkında düşündüğümüzde ve konuştuğumuzda, tiyatro için sadece bir oyuncunun değil, bir oyuncular topluluğunun, birliğin, oyuncuların yaratıcı etkileşiminin ne kadar önemli olduğunu anlıyoruz. Chaliapin, "Gerçek bir tiyatro," diye yazdı, "yalnızca bireysel yaratıcılık değil, aynı zamanda tüm parçaların tam uyumunu gerektiren kolektif bir eylemdir."

Tiyatro, adeta iki kat kollektif sanattır. Seyirci, bir tiyatro prodüksiyonunu, bir sahne eylemini tek başına değil, toplu olarak, "bir komşunun dirseğini hissetmek" olarak algılar, bu da sahnede olup bitenlerin sanatsal bulaşmasını, izlenimini büyük ölçüde artırır. Aynı zamanda, izlenimin kendisi tek bir oyuncudan değil, bir oyuncu ekibinden gelir. Hem sahnede hem de oditoryumda, rampanın her iki tarafında yaşarlar, hissederler ve hareket ederler - ayrı bireyler değil, insanlar, bir süreliğine ortak dikkat, amaç, ortak eylem ile birbirine bağlı bir insan topluluğu. .

Büyük ölçüde, tiyatronun muazzam sosyal ve eğitici rolünü belirleyen tam da budur. Birlikte yaratılan ve algılanan sanat, kelimenin tam anlamıyla bir okul olur. Ünlü İspanyol şair Garcia Lorca, "Tiyatro, bir gözyaşı ve kahkaha okulu, insanların modası geçmiş veya yanlış ahlakı kınayabilecekleri ve canlı örnekler kullanarak insan kalbinin ve insanın ebedi yasalarını açıklayabilecekleri özgür bir platform" diye yazdı. his."

İnsan vicdanının, ruhunun bir yansıması olarak tiyatroya yönelir - tiyatroda kendini, zamanını ve yaşamını tanır. Tiyatro, manevi ve ahlaki kendini tanıma için önünde inanılmaz fırsatlar açar.

Ve bırakın tiyatro, estetik doğası gereği, diğer sanatlar gibi koşullu bir sanat, sahnede izleyicinin karşısına gerçeğin kendisi değil, sadece sanatsal yansıması çıksın. Ama bu yansımada o kadar çok gerçek var ki, tüm mutlaklığıyla, en gerçek, gerçek yaşam olarak algılanıyor. İzleyici, sahne karakterlerinin varlığının daha yüksek gerçekliğini tanır. Büyük Goethe şöyle yazdı: "Shakespeare'in insanlarından daha doğa ne olabilir!"

Tiyatroda, bir sahne performansı için bir araya gelen canlı bir insan topluluğunda her şey mümkündür: kahkaha ve gözyaşı, keder ve neşe, gizlenmemiş öfke ve şiddetli zevk, üzüntü ve mutluluk, ironi ve güvensizlik, hor görme ve sempati, dikkatli sessizlik ve yüksek sesle onay - tek kelimeyle, insan ruhunun duygusal tezahürlerinin ve ayaklanmalarının tüm zenginlikleri.

Belarus Kültürünün Oluşumunda Radziwill Ailesinin Etkisi

Gereksiz şeylerin ikinci hayatı. Farklı malzemelerden bir 3D yazıcıda onlar için parçalar yazdırarak eski şeylerin restorasyonu ve modernizasyonu

Ülkemizde toplumun kültürel gelişimi projesi hakkında giderek daha fazla tartışma var. Bu fenomenin, toplumun derin eğilimlerinin bir tür felsefi analizine duyulan coşkuyu temsil ettiğini herkes bilir...

antik yunan kültürü

Tarihselcilik bağlamında manevi kültür

Eski Yunanlılar sanatı "belirli kurallara göre bir şeyler yaratma yeteneği" olarak adlandırdılar. Mimari ve heykele ek olarak, sanattan el sanatları, aritmetik ve genel olarak herhangi bir iş olarak söz ettiler ...

Antik Yunan Tiyatrosunun Kökenleri

Tiyatro belki de antik Yunanistan'ın yeni Avrupa'ya bıraktığı en büyük armağandı. En başından beri, Yunan dehasının bu tamamen orijinal yaratımı eğlence olarak değil, kutsal bir eylem olarak kabul edildi ...

19. yüzyılın ikinci yarısında ve 20. yüzyılın başlarında Beyaz Rusya Kültürü

Rus kültürü

Eski Rus sanatı - resim, heykel, müzik - Hıristiyanlığın benimsenmesiyle de somut değişiklikler yaşadı. Pagan Rus, tüm bu sanat türlerini biliyordu, ancak tamamen pagan bir halk ifadesiyle. Eski ahşap oymacılar...

Mark Zakharov'un çalışmalarındaki ahlaki ve felsefi problemler

19. yüzyılda tiyatro sanatı çeşitli faktörler nedeniyle hızla gelişti: yeni tiyatroların açılması, yeni nesil oyun yazarlarının yaratıcılığı, uzmanlaşmış tiyatro mesleklerinin ortaya çıkması, edebi akımların gelişimi ...

Ortaçağ Arap-Müslüman kültürü

Ortaçağ Arap mimarisi, fethedilen ülkelerin - Yunanistan, Roma, İran, İspanya - geleneklerini özümsedi. İslam ülkelerinde de sanat, din ile karmaşık bir şekilde etkileşime girerek gelişti. camiler...

ortaçağ toplumu

Kilise-dini dünya görüşü, ortaçağ sanatının gelişimi üzerinde belirleyici bir etkiye sahipti. Kilise, inananların dini duygularını güçlendirmeyi kendine görev bildi...

20. Yüzyılın Tiyatro Sanatı: Diyalog Yolları Aramak

Bir dize bir duygu tarafından dikte edildiğinde - Bir köleyi sahneye gönderir Ve burada sanat biter Ve toprak ve kader nefes alır. B. Pasternak Diyalog fikri, konuşma zihnimizde dil alanıyla, sözlü konuşmayla, iletişimle bağlantılıdır ...

Bir sanat formu olarak tiyatro. Teatral yaratıcılığın özgüllüğü.

Bir sanat formu olarak tiyatro.

Tiyatro sanatı en karmaşık, en etkili ve en eski sanatlardan biridir. Üstelik heterojen, sentetiktir. Bileşenler olarak tiyatro sanatı mimari, resim ve heykel (sahne) ve müziği (yalnızca müzikalde değil, genellikle dramatik bir performansta ses çıkarır) ve koreografiyi (yine sadece balede değil, dramada da) içerir. ) ve edebiyat (dramatik bir performansın üzerine inşa edildiği metin) ve oyunculuk sanatı vb. Yukarıdakilerin tümü arasında, oyunculuk sanatı tiyatro için ana, belirleyici olandır.

Tiyatro sanatı, diğer sanatlardan farklı olarak yaşayan bir sanattır. Yalnızca izleyiciyle buluşma saatinde gerçekleşir. Sahne ile seyirci arasındaki vazgeçilmez duygusal, ruhsal temasa dayanır. Böyle bir temas yoktur, yani kendi estetik yasalarına göre yaşayan bir gösteri yoktur.

Tiyatro iki kat kollektif bir sanattır. Seyirci, bir tiyatro prodüksiyonunu, bir sahne eylemini tek başına değil, toplu olarak, "bir komşunun dirseğini hissetmek" olarak algılar, bu da sahnede olup bitenlerin sanatsal bulaşmasını, izlenimini büyük ölçüde artırır. Aynı zamanda, izlenimin kendisi tek bir oyuncudan değil, bir grup oyuncudan gelir. Hem sahnede hem de oditoryumda, rampanın her iki tarafında yaşarlar, hissederler ve hareket ederler - ayrı bireyler değil, insanlar, bir süreliğine ortak dikkat, amaç, ortak eylem ile birbirine bağlı bir insan topluluğu. .

Büyük ölçüde, tiyatronun muazzam sosyal ve eğitici rolünü belirleyen tam da budur. Birlikte yaratılan ve algılanan sanat, kelimenin tam anlamıyla bir okul olur. Ünlü İspanyol şair Garcia Lorca, "Tiyatro, bir gözyaşı ve kahkaha okulu, insanların modası geçmiş veya yanlış ahlakı kınayabilecekleri ve canlı örnekler kullanarak insan kalbinin ve insanın ebedi yasalarını açıklayabilecekleri özgür bir platform" diye yazdı. his."

İnsan vicdanının, ruhunun bir yansıması olarak tiyatroya yönelir - tiyatroda kendini, zamanını ve yaşamını tanır. Tiyatro, manevi ve ahlaki kendini tanıma için önünde inanılmaz fırsatlar açar.

^ Teatral yaratıcılığın özgüllüğü.

Özel etki araçlarına sahip olan her sanat, genel estetik eğitim sistemine katkıda bulunabilir ve yapmalıdır.

Tiyatro, başka hiçbir sanat türünde olmadığı gibi en büyük "kapasiteye" sahiptir. Edebiyatın hayatı bir kelimede dış ve iç tezahürlerinde yeniden yaratma yeteneğini özümser, ancak bu kelime anlatı değil, kulağa canlı, doğrudan etkilidir. Aynı zamanda tiyatro, edebiyattan farklı olarak gerçekliği okuyucunun zihninde değil, uzayda yer alan nesnel olarak var olan yaşam resimleri (performans) olarak yeniden yaratır. Ve bu bakımdan tiyatro resme yakındır. Ancak teatral aksiyon sürekli hareket halindedir, zamanla gelişir - ve bu müziğe yakındır. İzleyicinin deneyimlerinin dünyasına dalmak, bir müzik dinleyicisinin kendi öznel ses algısı dünyasına dalmış olarak deneyimlediği duruma benzer.

Elbette tiyatro hiçbir şekilde diğer sanat dallarının yerine geçemez. Tiyatronun özgünlüğü, yaşayan bir oyuncu imgesi aracılığıyla edebiyatın, resmin ve müziğin “özelliklerini” taşımasıdır. Diğer sanat türleri için bu doğrudan insan malzemesi, yaratıcılığın yalnızca başlangıç ​​noktasıdır. Tiyatro için "doğa" sadece malzeme olarak hizmet etmez, aynı zamanda dolaysız canlılığıyla da korunur. Filozof G. G. Shpet'in belirttiği gibi: “Oyuncu iki anlamda kendinden yaratır: 1) herhangi bir sanatçı gibi, yaratıcı hayal gücünden; ve 2) özellikle kendi şahsında sanatsal görüntünün yaratıldığı malzemeye sahip olmak.

Tiyatro sanatı, yaşamla bütünleşme konusunda inanılmaz bir yeteneğe sahiptir. Sahne performansı, rampanın diğer tarafında yer alsa da, yüksek gerilim anlarında sanat ve yaşam arasındaki çizgiyi bulanıklaştırır ve izleyici tarafından gerçeğin kendisi olarak algılanır. Tiyatronun çekici gücü, "sahnedeki yaşam"ın izleyicinin hayal gücünde kendini özgürce ortaya koymasında yatmaktadır.

Böyle bir psikolojik dönüş, tiyatronun yalnızca gerçekliğin özellikleriyle donatılmasından değil, aynı zamanda kendi içinde sanatsal olarak yaratılmış bir gerçeklik olmasından kaynaklanır. Gerçeklik izlenimi yaratan teatral gerçekliğin kendi özel yasaları vardır. Tiyatronun hakikati, hayatın inandırıcılık ölçütleriyle ölçülemez. Dramanın kahramanının üstlendiği psikolojik yük, hayattaki bir kişi tarafından kaldırılamaz, çünkü tiyatroda tüm olay döngülerinin aşırı bir sıkıştırması vardır. Oyunun kahramanı, iç yaşamını genellikle bir dizi tutku ve yüksek konsantrasyonda düşünceler olarak yaşar. Ve tüm bunlar seyirciler tarafından hafife alınıyor. Nesnel gerçeklik normlarına göre "inanılmaz", hiç de güvenilmez sanatın bir işareti değildir. Tiyatroda "gerçek" ve "gerçek olmayan" farklı kriterlere sahiptir ve figüratif düşünme yasası tarafından belirlenir. "Sanat, zihinsel "mekanizmalarımızın" doluluğuyla bir gerçeklik olarak deneyimlenir, ancak aynı zamanda, çocukların dediği gibi, gerçekliğin yanıltıcı bir şekilde ikiye katlanması gibi, "gerçek olmayan" insan yapımı bir oyun olarak kendi özgül niteliği açısından değerlendirilir. ”

Tiyatro ziyaretçisi, sahne eyleminin bu ikili yönünü algıladığında, sadece önündeki hayati bir somut eylemi görmekle kalmayıp, aynı zamanda bu eylemin içsel anlamını da anladığında, bir tiyatro seyircisi olur. Sahnede olup bitenler hem hayatın gerçeği hem de onun mecazi rekreasyonu olarak hissedilir. Aynı zamanda izleyicinin gerçek duygusunu kaybetmeden tiyatro dünyasında yaşamaya başladığını da belirtmek önemlidir. Gerçek ve teatral gerçeklik arasındaki ilişki oldukça karmaşıktır. Bu süreçte üç aşama vardır:

1. Oyun yazarının hayal gücü tarafından dramatik bir esere dönüştürülen, nesnel olarak gösterilen gerçekliğin gerçekliği.

2. Tiyatronun (yönetmen, oyuncular) sahne yaşamında somutlaştırdığı dramatik bir çalışma - bir performans.

3. Seyirci tarafından algılanan ve deneyimlerinin bir parçası haline gelen sahne yaşamı, seyircinin yaşamıyla birleşerek yeniden gerçekliğe dönmüştür.

Ama "dönüş" orijinal kaynağa benzemiyor, artık ruhen ve estetik olarak zenginleşiyor. "Bir sanat eseri yaşamak için yapılmıştır - neredeyse kelimenin tam anlamıyla yaşamak için

Bu kelime, yani gerçek hayatın yaşanmış olayları gibi girilen,

Her insanın ve tüm insanlığın ruhsal deneyiminde.

İki tür aktif hayal gücünün - oyuncunun ve seyircinin - kesişmesi, "tiyatronun büyüsü" denen şeyi doğurur. Tiyatro sanatının avantajı, hayali olanı sahnede netlik ve somutlukla ortaya çıkan canlı bir eyleme dönüştürmesidir. Diğer sanatlarda, hayali dünya ya edebiyat ve müzikte olduğu gibi insanın hayal gücünde ortaya çıkar ya da heykel ya da resimde olduğu gibi taş ya da tuval üzerine tasvir edilir. Tiyatroda izleyici hayali görür. "Her performans, herhangi bir izleyicinin erişebileceği bazı fiziksel ve nesnel öğeler içerir" .

Sahne sanatı, doğası gereği seyirci için pasif değil, aktif coşku gerektirir, çünkü başka hiçbir sanatta yaratıcı sürecin tiyatrodaki kadar algısına bağımlılığı yoktur. G.D. Gachev'de seyirci “gökseller gibi, bin gözlü Argus gibi<...>sahnede aksiyonu ateşleyin<...>çünkü sahne dünyasının kendisi doğar, belirir, ama aynı ölçüde seyircinin işidir.

Tiyatronun temel yasası - seyircinin sahnede meydana gelen olaylara içsel suç ortaklığı - her seyircide hayal gücünün, bağımsız, içsel yaratıcılığın heyecanını içerir. Aksiyona duyulan bu hayranlık, seyirciyi tiyatro salonlarında da bulunan kayıtsız gözlemciden ayırır. Seyirci, aktörün aksine, aktif sanatçı, düşünceye dalmış bir sanatçıdır.

Seyircinin aktif hayal gücü, seçilmiş sanatseverlerin özel bir manevi özelliği değildir. Tabii ki, gelişmiş sanatsal zevk çok önemlidir, ancak bu, her insanın doğasında bulunan duygusal ilkelerin geliştirilmesi meselesidir. “Sanat beğenisi, okuyucunun, dinleyicinin, izleyicinin dış biçiminden iç biçimine, oradan da yapıtın içeriğine giden yolu açar. Bu yolun başarılı bir şekilde geçilmesi için, hayal gücü ve hafızanın, psişenin duygusal ve entelektüel güçlerinin, irade ve dikkatin ve son olarak inanç ve sevginin, yani aynı bütünleyici zihinsel kompleksin katılımı gerekir. yaratıcı eylem gereklidir.

Algı sürecindeki sanatsal gerçekliğin bilinci ne kadar derinse, izleyici deneyim alanına ne kadar çok dalmışsa, insan ruhuna o kadar çok katmanlı sanat girer. Hayal gücü, iki alanın - bilinçsiz deneyim ve sanatın bilinçli algısı - bu kavşağında var olur. Başlangıçta insan ruhunun doğasında var, organik olarak, her insan tarafından erişilebilir ve estetik deneyim birikimi sürecinde önemli ölçüde geliştirilebilir.

Estetik algı, izleyicinin yaratıcılığıdır ve büyük bir yoğunluğa ulaşabilir. İzleyicinin doğası ne kadar zenginse, estetik duygusu o kadar gelişmiş, sanatsal deneyimi o kadar eksiksiz, hayal gücü o kadar aktif ve teatral izlenimleri o kadar zengin.

Algı estetiği büyük ölçüde ideal izleyiciye yöneliktir. Gerçekte, tiyatro kültürünü eğitmeye yönelik bilinçli süreç, muhtemelen izleyiciyi sanat hakkında bilgi edinmeye ve belirli algılama becerilerinde ustalaşmaya ilerletecektir. Eğitimli bir izleyici şunları yapabilir:

Tiyatroyu kendi kanunları içinde tanıyın;

Tiyatroyu modern süreçleri içinde tanıyın;

Tiyatroyu tarihsel gelişimi içinde bilir.

Aynı zamanda, izleyicinin kafasında mekanik olarak katlanan bilginin tam teşekküllü bir algının garantisi olmadığının da bilinmesi gerekir. Seyirci kültürünün oluşum süreci, bir dereceye kadar, niceliksel anların her zaman düz bir çizgide belirli niteliksel fenomenlere dönüşmediği bir "kara kutu" özelliklerine sahiptir.

Tiyatro inanılmaz bir sanattır. Keşke geçen yüzyılda birkaç kez yakın ölüm tahmin edildiği için. Konuşma bulan Büyük Sessiz tarafından tehdit edildi - sesli sinemanın tüm izleyicileri tiyatrodan uzaklaştıracağı görülüyordu. Daha sonra tehdit televizyondan geldi, gösteri doğrudan eve geldiğinde, daha sonra videonun ve internetin güçlü yayılmasından korkulmaya başlandı.

Bununla birlikte, dünyadaki tiyatro sanatının varlığına ilişkin genel eğilimlere odaklanırsak, 21. yüzyılın başında tiyatronun yalnızca kendisini korumakla kalmayıp, aynı zamanda olmayanı açıkça vurgulamaya başlamasında şaşırtıcı bir şey yoktur. kitle karakteri ve bir anlamda sanatının "seçkinliği". Ama aynı anlamda, konservatuvardaki sınırlı sayıda insanla, popüler icracıların topladığı milyonlarca seyirciyi karşılaştırırsak, güzel sanatların veya klasik müziğin elitizminden söz edilebilir.

Modern zamanların sentetik tiyatrosunda, baskın ilkelerin -gerçek ve kurmaca- geleneksel bağıntısı, bir tür çözülmez birlik içinde görünür. Bu sentez hem bir deneyim eylemi (yaşamın hakikatinin algılanması) hem de bir estetik haz eylemi (tiyatro şiirinin algılanması) olarak gerçekleşir. O zaman izleyici, eylemin yalnızca psikolojik bir katılımcısı, yani kahramanın kaderini "emen" ve kendisini ruhsal olarak zenginleştiren bir kişi değil, aynı zamanda olanlarla eş zamanlı olarak hayal gücünde yaratıcı bir eylem gerçekleştiren bir yaratıcı olur. sahnede. Bu son an son derece önemlidir ve izleyicinin estetik eğitiminde merkezi bir yer tutar.

Tabii ki, her izleyici ideal performans hakkında kendi fikrine sahip olabilir. Ancak her durumda, sanat için belirli bir gereksinim "programına" dayanmaktadır. Bu tür bir "bilgi", izleyici kültürünün belirli bir olgunluğunu varsayar.

İzleyici kültürü büyük ölçüde izleyiciye sunulan sanatın doğasına bağlıdır. Önüne konulan görev ne kadar zorsa - estetik, etik, felsefi, düşünce ne kadar gerginse, deneyim o kadar keskin, izleyicinin zevkinin tezahürü o kadar ince. Okuyucunun, dinleyicinin, izleyicinin kültürü dediğimiz şey, doğrudan bir kişinin kişiliğinin gelişimi ile ilgilidir, onun manevi gelişimine bağlıdır ve daha fazla manevi gelişimini etkiler.

Tiyatronun izleyiciye psikolojik açıdan yüklediği görevin önemi, tüm karmaşıklığı ve tutarsızlığıyla verilen sanatsal görüntünün izleyici tarafından önce gerçek, nesnel olarak var olan bir karakter olarak algılanmasında ve ardından, görüntüye alıştıkça ve üzerinde düşündükçe eylemler, (sanki bağımsız olarak) içsel özünü, genelleştirici anlamını ortaya çıkarır.

Estetik açıdan, görevin karmaşıklığı, izleyicinin sahne görüntüsünü yalnızca hakikat kriterlerine göre algılaması değil, aynı zamanda şiirsel metaforik anlamını nasıl çözeceğini (öğrenilmiş) bilmesinde yatmaktadır.

Dolayısıyla, tiyatro sanatının özgüllüğü, doğrudan deneyimleyen bir kahraman ve doğrudan sanatçı-sanatçı olarak yaşayan bir kişidir ve tiyatronun en önemli yasası, izleyici üzerinde doğrudan bir etkidir.

"Tiyatro etkisi", netliği yalnızca sanatın saygınlığıyla değil, aynı zamanda oditoryumun estetik kültürü olan saygınlığıyla da belirlenir. Gösterinin zorunlu ortak yaratıcısı olarak izleyici, çoğunlukla tiyatro uygulayıcılarının kendileri (yönetmenler ve oyuncular) tarafından yazılır ve hakkında konuşulur: “Halkın katılımı olmadan tiyatro performansı yoktur ve oyunun başarı şansı vardır. izleyicinin kendisi oyunu "kaybederse", yani ... kurallarını kabul ederse ve empati kuran veya geri çekilen bir kişi rolünü oynarsa.

Ancak izleyicide sanatçının uyanışı, ancak izleyicinin performansın doğasında var olan içeriği tam olarak algılayabilmesi, estetik yelpazesini genişletebilmesi ve sanatta yeniyi görmeyi öğrenebilmesi, eğer doğru kalabilmesi ile gerçekleşir. en sevdiği sanatsal tarz, klasik bir eserin yeni bir okumasını görebiliyorsa ve yönetmenin fikrini oyuncular tarafından uygulanmasından ayırabiliyorsa, sağır ve diğer yaratıcı yönlere dönüşmez ... Orada daha pek çok "eğer" olanlardır. Sonuç olarak, seyircinin yaratıcılığa dahil olması, sanatçının onda uyanması için, tiyatromuzun gelişiminin mevcut aşamasında, seyircinin sanatsal kültüründe genel bir artış gereklidir.